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Paolo les dangereux sentiments qui, sans nul doute, y sommeillent ? Paolo ne le laissera pas repartir seul. Faustine ne peut supporter cette perspective. Elle crie à Giacomo sa détresse devant la mort prochaine elle le supplie d'avoir pitié d'elle et de repartir sans avoir revu l'autre, sans même l'avoir fait avertir qu'il est venu. et Giacomo, plein d'une commisération qui dissimule sans doute un autre émoi, s'éloigne une fois encore. Ainsi Faustine est sauvée. Salut dérisoire puisqu'elle va mourir et Paolo lui survivrait ? elle quitterait la vie, et lui foulerait encore cette terre qu'elle aurait désertée ? 'C'est
lui foulerait encore cette terre qu'elle aurait désertée ? 'C'est impossible, et elle l'exhorte à mourir avec elle sans trahir encore son secret. Mourir en beauté, au plus haut de leur amour. Paolo se laisse peu à peu séduire. Il a des scrupules cependant, sous lesquels sa lâcheté s'abrite peut-être, on n'en peut rien savoir des scrupules pour elle, cette amante adorable. Et l'imprudente Faustine, pour l'en délier, lui fait soudain l'aveu « fatal de toutes façons elle est condamnée. » Mais, aussitôt, il s'arrache à son étreinte, elle lui fait horreur. Ainsi, c'est parce qu'elle-même n'avait rien à perdre
fait horreur. Ainsi, c'est parce qu'elle-même n'avait rien à perdre qu'elle l'invitait à mourir avec elle. Tu n'étais qu'une morte entraînant un vivant. Et il s'enfuit, sourd aux appels de la désespérée. Le médecin ne s'était pas trompé Faustine va mourir, et l'ombre de la pire solitude s'épaissit autour d'elle elle cherche en vain retenir la gracieuse fin des derniers jours, Dora celle-ci doit partir le soir même avec son fiancé. Retarder ce départ, fût-ce d'un seul jour ? Comment pourrait-elle y songer ? Et Paolo n'a pas écrit, il l'a oubliée sans doute, il l'exècre peut-être. Mais non, le
l'a oubliée sans doute, il l'exècre peut-être. Mais non, le voici et sur son visage abattu, Faustine lit sans peine la nouvelle funeste : Giacomo est mort. Il s'est fait tuer. Pourquoi ? Parce qu'il aimait Faustine soudain, les yeux de celle-ci se dessillent. À son amour à elle, c'est Giacomo, et non point Paolo, qui a véritablement répondu. Le lâche Paolo s'est révolté à la pensée de mourir avec elle et pour elle, Giacomo, au contraire, s'est élancé au devant du destin funèbre. Et Faustine mourante demande que leurs corps du moins reposent ensemble. C'est la fin. Mme Piérat,
corps du moins reposent ensemble. C'est la fin. Mme Piérat, M. Fresnay, M. Luguet qui faisait ses débuts à la Comédie-Française, ont joué de leur mieux cet ouvrage composite où nous ne pouvons nous empêcher de voir le réquisitoire le plus involontaire à coup sûr, mais aussi le plus impitoyable qui ait jamais été dressé contre la littérature. L'exposition du "paysage français de Poussin à Corot" au Petit-Palais. Voici donc, confrontés avec les sentiments actuels de notre civilisation, trois grands siècles d'art : le XVIIe, le XVIIIe, le XIXe enfin. Cette exposition par laquelle le Petit Palais continue les hautes
Cette exposition par laquelle le Petit Palais continue les hautes traditions instituées par Henry Lapauze s'inscrit bien entre ces deux noms Poussin, Corot. Je dirais même qu'elle s'inscrit trop bien. Ils semblent l'un ouvrir, l'autre fermer un cycle. Ces deux génies sont étonnamment analogues et, rapprochés, se grandissent mutuellement. Leur parenté ainsi apparue fait sentir ce qu'il y a de majesté classique, de vaste et douce rigueur dans la façon dont Corot conçoit et ordonne ses paysages ; elle nous révèle la tendresse profonde, la sensibilité fine dont un tableau de Poussin peut être animé. Certes on ne pouvait trouver
de Poussin peut être animé. Certes on ne pouvait trouver deux termes créant meilleur équilibre, et plus aptes à montrer la souplesse en même temps que la constance de nos grands artistes. Il fallait s'y tenir en principe comme on fit. Mais on risque d'amoindrir la puissance d'enseignement que présente un tel effort en s'y tenant à la lettre aussi. Le grand public est encore très méfiant, son ignorance est considérable ; il n'aime pas les aspects artistiques dont son esprit d'adulte peut être frappé s'ils ne sont point conformes à ceux que son enfance admis. Il verra dans le
à ceux que son enfance admis. Il verra dans le point final, mis après le nom de Corot, un encouragement comme officiel à considérer que le cycle est bien clos en effet il y trouvera la confirmation d'une orthodoxie dont il se loue plus ou moins ouvertement et qui nie ou réprouve la valeur des efforts modernes. Or, précisément après Corot, le cycle ne se clôt qu'en apparence. Corot amorce, si l'on peut dire, une tangente. C'est elle que prendront après lui les vrais paysagistes qui n'aiment point tourner en rond, et, particulièrement, les impressionnistes. Et, en appendice à l'exposition
rond, et, particulièrement, les impressionnistes. Et, en appendice à l'exposition proprement dite, je regrette qu'on n'ait point mis au moins un Claude Monet et un Cézanne. L'intérêt historique de la manifestation n'en eût pas été affaibli ; je crois même qu'on l'aurait, de la sorte, élargi singulièrement. Cette réserve faite, et pour nous en tenir strictement entre les deux noms parenthèses à l'intérieur desquelles l'exposition se boucle, nous nous trouvons en présence de trois chapitres, trois siècles. Eh bien ! il me semble impossible de ne point l'admettre le premier est de beaucoup le plus "complet" et le plus beau.
est de beaucoup le plus "complet" et le plus beau. Deux génies le président : Poussin, Claude Lorrain. Et Poussin domine Claude Lorrain. Quelle science pourtant, quelle poésie profonde en Claude Lorrain ! Plus encore que ses toiles éclatantes, toutes dorées par les doux et majestueux couchants, ses toiles divinement fluides et sourdes, qui montrent le clair-obscur des crépuscules, sont enchanteresses. Sans la moindre trace de pédantisme ou de réminiscence livresque, on devine qu'alors s'élevait vers l'artiste, de toute la nature apaisée à l'approche de la nuit, une sorte de mélancolie triomphale, très pure de tous les faux mystères dont
mélancolie triomphale, très pure de tous les faux mystères dont le romantisme viendra l'altérer. Il faut voir occasion unique, pour beaucoup le Paysage, avec la Madeleine agenouillée, du Prado et le Paysage, avec un pâtre jouant du fifre, de la collection du comte de Northbrook. Ce que Millet a si bien réussi parfois, par exemple, dans sa "Grande bergère" et dans sa "Fileuse", mais avec une âme un peu chagrine et toute occupée du personnage, Claude Lorrain le réussit toujours en beauté, avec une technique impeccable et légère. Jamais il ne rompt la très intime harmonie de la silhouette humaine
ne rompt la très intime harmonie de la silhouette humaine et du paysage dont elle n'est que le cœur récepteur. Son art est infini, sa sensibilité mesurée et exquise, sa somptuosité décorative peut tout se permettre, sûre de ne jamais se permettre trop. Mais ce sont là des qualités ce n'est point, au même titre que chez Poussin, la vie profonde de l'âme, que les qualités peuvent, certes, parer sans fin, mais qu'elles ne sauraient créer. Poussin, la pensée de ce Normand, pure et dévotieuse à l'art, crut trouver dans la seule Italie des sujets à sa mesure. En fait,
la seule Italie des sujets à sa mesure. En fait, il avait transporté par-delà les monts le classicisme français le plus logique, le plus élevé, le plus humain surtout le même que Louis Racine enfant respirait dans les bois de la Ferté-Milon et qui bientôt allait s'épanouir sous les ombrages de Port-Royal. Le tableau des "Funérailles de Phocion" (au comte Derby) qui fut commenté par Fénelon dans ses "Dialogues" a l'ampleur et le recueillement d'une scène de "Britannicus". D'où vient que nul ennui, nulle contrainte ne se dégage de cette gravité ? C'est que ces grands arbres bruissent d'un souffle
gravité ? C'est que ces grands arbres bruissent d'un souffle puissant. Ils ne sont pas, comme ceux que peindront cent cinquante ans après, les élèves de Valenciennes, fabriqués au moyen de formules nobles et glacées. Les dessins exposés nous expliquent l'origine de cette palpitation si sincère. Poussin a compris la nature. Il en éprouva l'éternité, le pathétique, et les traduisit, sans l'intermédiaire de pensers littéraires, par des moyens d'ordre uniquement plastiques. Son dessin n'est pas la transposition, par un graphisme convenu, de métaphores verbales il est un moyen d'expression directe. Et je me permets de louer les organisateurs qui, dans
Et je me permets de louer les organisateurs qui, dans une exposition de paysages, ont mis des toiles comme le Triomphe de Pan, de la collection Paul Jamot, tableau trop « débarbouillé », à mon gré, auquel on n'enleva pas seulement sa crasse, mais aussi peut-être un peu de son épiderme et dont, en certains endroits, le pigment donne l'impression d'être à vif. Il y a là surtout des personnages d'une quelqu'ensembles grandeur, quelle décente et vigoureuse suavité, surtout quel sentiment du plein air, de la chair des Dieux toute tiède dans cette atmosphère d'Empyrée qui est celle d'une clairière
tiède dans cette atmosphère d'Empyrée qui est celle d'une clairière normande 1 Et les pénombres de sous-bois où ces torses prennent des lueurs si mates et si fines, comme argentées et l'extraordinaire modernisme de cette peinture où se résument les recherches, abouties, de presque toute la peinture d'aujourd'hui Avouons-le après cette bonne foi splendide, le paysage du XVIIIe siècle paraît bien plus fragile. Parce qu'on lui expliquait littérairement la nature, cette période en parla beaucoup et sans doute la vit-elle mal. Certes, les personnes qui, jusqu'alors, pouvaient prendre encore un Joseph Vernet ou un Hubert Robert pour de « petits
Joseph Vernet ou un Hubert Robert pour de « petits maîtres » auront là de grandes surprises. La technique grasse de Fragonard (La rentrée du troupeau) et l'enlèvement charmant et dru de ses paysages sont encore d'une haute saveur. Puis, l'âge sombre Valenciennes, théoricien dur où survivent, comme à regret, certains charmes de Boucher paysagiste. Mais comment faire ? Nous ne nommons ici ni Watteau, ni Moreau l'aîné, ni l'exact et précieux Demachy. Et même après 1789, en un temps où la peinture, toute occupée des faits et gestes humains, répudiait le « paysage » s'il n'était pas, tout au
répudiait le « paysage » s'il n'était pas, tout au moins, conforme aux doctrines de Valenciennes, on voit les maîtres d'où sortit Corot trouver encore d'exquises grâces, de savantes délicatesses, l'intransigeant Bidault, l'austère Jean-Victor Bertin, surtout le jeune Michallon. Mais tandis qu'un Aligny, par exemple, demeurait fidèle à leur graphisme appliqué, le génie de Corot trouvait moyen de s'inspirer même de ceux-là. Comparons le Démocrite et les Abderites, de Michallon (grand prix de paysage historique, 1817) et, de Corot, l'Homère chez les bergers, du musée de Saint-Lô. Des analogies s'y font jour, mais on verra, en examinant les attitudes des
font jour, mais on verra, en examinant les attitudes des enfants attentifs, les tonalités sobres et infiniment variées de l'air qui baigne ces sous-bois, quelle pieuse finesse anima dès son adolescence le divin bonhomme. Redisons-le, cette exposition comporte une foule de preuves, et, pour beaucoup, de révélations. Le grand effort que son organisation, parfaite d'ailleurs, exigea, ne peut pas être perdu. Robert REY. Troisième promenade au bord de la Seine Italie, Pays-Bas, Suède. Nous ignorerions le fascisme que le pavillon de l'Italie nous l'apprendrait. Tout ici nous dit la conscience joyeuse et fière que ce pays a de lui-même et
joyeuse et fière que ce pays a de lui-même et de ses destinées, tout est puissant, majestueux et vaste, tout essaie de rappeler la grandeur romaine depuis la massive carrure de l'édifice de pierres de taille (si bien imitées) et de briques, jusqu'à l'ampleur de l'atrium aux belles voûtes. Rien n'a été épargné des matières précieuses qui ont la gloire et la durée des monuments : le marbre, la mosaïque, les bois rares. Le furieux mouvement futuriste s'est assagi, vite fondu dans la tradition éternelle. Quelque chose de pompéien demeure dans l'atmosphère, caressée de lumières dorées et vertes. On se
dans l'atmosphère, caressée de lumières dorées et vertes. On se sent en pleine modernité certes, mais une modernité qui n'entend point se séparer de sa base historique, et qui s'appuie orgueilleusement, intelligemment, sur le passé. En re Le bon goût lieu sur le carrare translucide du revêtement, des lévriers étendus de profil forment une sorte de frise sous le mur terminé en dôme et couvert de perroquets dans des feuillages. Au fond, des niches encastrées dans des niches plus grandes, entre des colonnes blanches, abritent des lumières couronne d'une immense coupe de verre agatisé de l'olleri, sur son socle. À
coupe de verre agatisé de l'olleri, sur son socle. À gauche, le buste du Duce, robuste, brutal, rappelle les derniers événements politiques, et cette sorte de surrévolution du risorgimento qui donne à l'Italie le sentiment d'avoir repris sa place, une des premières, dans l'Europe d'aujourd'hui. Puis ce sont d'autres salles, plus petites, mais uniquement d'apparat, où rien ne semble avoir été prévu pour la vie quotidienne. On s'y tient debout, comme en attente d'être reçu par quelque grand seigneur descendant de condottiere ou quelque cardinal majestueux et subtil. Les portes, de bois massif et superbement ouvragées, sont de Santi, les
de bois massif et superbement ouvragées, sont de Santi, les vitraux et les peintures de Tolleri, les carrelages et les céramiques de Chino Chini, à qui l'on doit aussi de très belles verrines, les meubles de Stelli, le tapis d'Ottoh'ngi. Un très jeune artiste, del Neri, a peint un plafond représentant le Zodiaque. Galileo Chini est l'auteur, dans un vestibule d'un ciel ouvert, de peintures allégoriques d'un imposant effet décoratif figurant des chevaux et des taureaux enlevés en plein ciel, comme s'ils volaient. Il est visible que l'Italie a voulu non pas nous étonner, mais nous imposer le juste sentiment
non pas nous étonner, mais nous imposer le juste sentiment de ce qu'elle a devenue. De tous les peuples latins, c'est certainement celui qui a gardé, ou retrouvé, le plus profond sentiment de sa latinité. Et, dans ces salles pompeuses et lourdes, il est impossible de ne pas évoquer le souvenir d'un homme qui, bien avant Mussolini, contribua à redonner aux Italiens l'orgueil et l'énergie nécessaires à cette résurrection : je veux être Gabriele d'Annunzio. Toute prospérité matérielle, toute puissance positive a pour origine première un élan du cœur ou de l'esprit, une idée. L'idée d'un esthète et d'un poète
de l'esprit, une idée. L'idée d'un esthète et d'un poète a, une fois de plus, présidé à la renaissance d'une patrie. Qui l'eût pensé à l'époque de L'Enfant de volupté? Dans les stands de l'esplanade et du Grand Palais, nous avons admiré les éditions de Formiggini (Rome), de Zanichelli (Bologne), d'Alivari (Florence), de Moàiano^ Mondadori A. del Zoplii^ Ricordi, Bertieri et Vanzetti (Milan). Netté et élégance des caractères, couleur robuste des papiers, magnificence des reliures, tout court à faire des livres créés par ces artistes quelque chose de parfait. Là aussi, la pensée d'un classicisme éternel s'impose. Tout le monde
aussi, la pensée d'un classicisme éternel s'impose. Tout le monde connaît les verres de Murano. Ceux de l'exposition sont particulièrement simples et légers. Mais je ne pense pas qu'on ait souvent vu de poupées plus intéressantes que celles de Sardaigne en bois taillé et couvertes d'oripeaux éclatants, le costume national. Tous les types possibles de pasteurs, de partants, de sorcières, de vagabonds, avec leurs troupeaux de chèvres, leurs basses-cours. Un monde minutieusement observé, largement rendu, d'une étrange force d'évocation. C'est peut-être ce que l'on a vu là de plus curieux, encore que je ne veuille pas être injuste pour les
encore que je ne veuille pas être injuste pour les châles de Carlo Riatti, les spirituelles poupées de feutre de Lenu, les ferronneries d'une grâce de dentelle dues à Carlo Rizzarda, et une chambre de Valle Gardena, semblable à l'intérieur d'une boîte de bois délicatement ouvragée. Une salle enfin est consacrée aux aquarelles de notre ami Brunelleschi, de plus en plus maître de son art, et dont le talent évolue chaque jour davantage vers la rêverie et le mystère. Le pavillon des Pays-Bas est, sans contredit, un des plus étranges, sinon des plus beaux, de l'exposition. J'entends bien qu'on peut
sinon des plus beaux, de l'exposition. J'entends bien qu'on peut discuter cette beauté, qui n'a rien de gracieux, ni d'aimable, mais il me paraît impossible de ne pas être frappé par ce qu'elle présente de robuste, d'intense, de nouveau. C'est le suprême aboutissement d'un effort d'art qui remonte à une trentaine d'années et qui, sous l'impulsion de Berlage, n'a tendu à rien moins qu'à renouveler complètement l'architecture moderne. Il ne faut pas oublier, en effet, que tout est venu de la Hollande par une série d'infiltrations dont il serait passionnant pour un historien de dénoncer les traces et le cheminement,
pour un historien de dénoncer les traces et le cheminement, et c'est ce qui fait que certaines de nos audaces nous apparaissent soudain peu de choses, remises qu'elles sont à leur place par une écrasante comparaison. Pour ma part, j'ai trouvé dans ce bâtiment de briques chantantes en rouge, au-dessus de son socle d'eaux allusives, sa strophe aux lourdes rimes à la gloire du pays né de la volonté de vivre envers et contre l'hostilité de la nature. C'est toute la Hollande que cette austérité apparente de l'extérieur, abritant les douces intimités du foyer. Hollande est bonne à tous a
douces intimités du foyer. Hollande est bonne à tous a chanté Max Elskamp, l'adorable poète d'Enluminures. Et ce mot vient aux lèvres quand on franchit le seuil et qu'on est accueilli par ces sièges si confortables, ces beaux meubles aux sourdes colorations, et surtout cette lumière si ingénieusement ménagée qu'elle imite, derrière la transparence de sa frise de verre, celle même du soleil. Le pavillon est de l'architecte Staal, et les salles ont été aménagées par Vanteltje Wijkmann. Ici comme partout, la plus parfaite entente règne entre les décorateurs, qui savent le prix de la discipline et qui acceptent joyeusement
savent le prix de la discipline et qui acceptent joyeusement l'autorité du meneur de jeu. Les Hollandais ont été les premiers à comprendre que tout, dans une construction, même le plus petit détail de l'aménagement intérieur, dépendait de la conception architecturale, et à dénoncer l'hérésie, encore si vigoureuse, qui consiste à installer n'importe quoi dans une chambre. Ils comprirent également qu'il n'y avait d'art décoratif viable que si les créateurs, au lieu de se contenter de dessiner, demeuraient en contact avec les ouvriers chargés de réaliser leurs croquis. Aujourd'hui, c'est un progrès acquis. Mais, il y a vingt-cinq ans, presque
un progrès acquis. Mais, il y a vingt-cinq ans, presque personne ne se doutait de ces vérités si simples. Honneur donc à Tooroy, van Konijnenburg, Dijsselhof, der Kinder, en Lion-Cachet et surtout aux initiateurs De Klerk et De Bazel. Enfin, ils eurent, eux aussi les premiers (mais ceci constitue une véritable innovation, que je n'ai vue nulle part ailleurs) l'idée des décorations mobilières d'un seul tenant. Je ne connais rien de plus logique, de plus heureux, ni qui procure une aussi parfaite impression de confort. Kramer a fait ainsi, exécuté par Jansen, un cabinet de travail en acajou, d'une monumentale
par Jansen, un cabinet de travail en acajou, d'une monumentale et si simple somptuosité. Les sièges sont encastrés dans la bibliothèque, le bureau fait suite aux armoires. Aucun vide, tout se tient et réalise une harmonie merveilleuse. Je n'ai jamais rien vu de plus beau dans l'art moderne. Les vitraux, les verreries, les céramiques, les tapis, les statues, les tapisseries (il en est d'adorables de Nelly Bodenheim), les appareils d'éclairage, etc., tout participe à cette volonté de simplification, à cette sorte de recueillement de la matière. Jamais de fantaisie inutile, jamais de sacrifice à l'anecdote. Quand on parle de la
jamais de sacrifice à l'anecdote. Quand on parle de la Hollande, on ne peut pas oublier ce qu'elle doit à ses colonies néerlandaises. Ces colonies servent d'exutoire à sa fantaisie, à ses rêves. et en retour elles lui donnent je ne sais quoi de profond et d'étrange, une note bien particulière d'exotisme. Pour ce qui concerne le mobilier, ce n'est pas seulement des bois précieux et rares qu'elle en tire, mais certains motifs d'inspiration, un aspect d'idoles malaises dans ses statues et dans ses sièges et ses tables, une sorte de hiératisme étrange. Cela se sent plut que ça ne
de hiératisme étrange. Cela se sent plut que ça ne s'explique, C'est indiscutable cependant. Le mystère de Java enveloppe la pensée et l'art de la mère patrie comme une atmosphère. Tout petit, le pavillon de la Suède se réduit à une salle de réception, d'ailleurs splendide, aux murs d'un rose délicat et usé, aux rares et massifs meubles en bouleau, en chêne et en noyer de Malmsten, aux lustres de la Nordiska Compagnie. La lumière entre à flots, baigne tout, ne laisse aucun recoin dans l'ombre. L'atrium est orné de grandes cartes, avec images dans le goût des anciens atlas,
grandes cartes, avec images dans le goût des anciens atlas, et représentant chacune un des aspects de la Suède. Il y a la carte des usines, celle des forêts, celle des écoles, celle des industries du bois, celle du commerce, celle du tourisme, etc. Sans monter sur l'œuvre légendaire, en quelques minutes, nous refaisons ainsi le merveilleux voyage de Nils Holgerson. L'impression de gaieté est peut-être encore plus vive au dehors. Des murs tout blancs, une galerie bleue à médaillons rouges sous ses colonnes blanches, un clair bassin. Tout dit la joie de vivre, malgré le dur climat, et cette
la joie de vivre, malgré le dur climat, et cette belle santé d’un des peuples les plus laborieux et les plus instruits de l’Europe. Cette joie de vivre, nous la retrouvons à peu près partout, mêlée pourtant à je ne sais quoi de grave. C’est une sorte d’harmonie intérieure, de paix profonde de l’esprit. Elle rit dans les porcelaines de Rörstrand et de Gustavsberg (Kage en a signé de dorées qui sont exquises), dans les étains d’Astrid Aagesen et de Svenskt Tenn, dans les verreries radieuses d’Orrefors, dans les tissus si frais, si éclatants, si purs, de Majk Sjöström et
si frais, si éclatants, si purs, de Majk Sjöström et de Karin Urestberg, la directrice de la manufacture de Stockholm et dans les broderies puériles et délicieuses d’Ingeborg Welhergén. Elle habite, pour ainsi dire en secret, l’austérité calme des intérieurs, aux murs peints à la chaux, d’un seul ton, aux meubles en bouleau d’une ligne svelte et robuste. Un salon de dame par Uno Ahren m’a particulièrement séduit, avec son mur vert uni, son tapissail aux cercles noirs et blancs et cette chaise-longue où il semble que ne puisse s’étendre qu’une Récamier scrupuleuse et sans coquetterie. Les papiers peints, les
qu’une Récamier scrupuleuse et sans coquetterie. Les papiers peints, les appareils d’éclairage, et certaines chaises en tapisserie d’Alf Minde m’ont aussi beaucoup plu, mais rien ne m’a paru plus curieux que ces violons que le grand peintre Fjöstad fabrique lui-même et auxquels il donne, par je ne sais quel secret magique, la sonorité des créations de Stradivarius ou d’Amati. Il paraît que (décidément le 771?/the d’Ingres est éternel) il en est plus fier que de ses tableaux. Francis DE MIOMANDRE. LES REVUES Histoire, politique extérieure LE BOLCHÉVISME EN BULGARIE, par P. Stainov (Bibliotheque universelle et revue de Genève, mai). LE