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d'Allauch le coloris étonnant de Mme Verdalle dans son tableau Automne, mais c'est à la Galerie Morel, à Marseille où l'artiste donnait pour la première fois un ensemble de son œuvre que j'ai pu apprécier la souplesse et la variété de son talent et ce don merveilleux de la luminosité qui est bien sa plus grande séduction. C'est toute la Provence, son charme poétique, la pure transparence de son atmosphère, sa pittoresque beauté et sa lumière incomparable que l'artiste a su noter avec une étonnante justesse de vision. Au point de vue technique, son dessin précis, sans excessive minutie, son
de vue technique, son dessin précis, sans excessive minutie, son exécution en touches larges et vigoureuses dénotent une grande sûreté de métier. Son goût très sûr lui interdit une débauche de couleurs éclatantes, elle a le sens exact de la tonalité harmonieuse et juste ce qui n'exclut pas parfois la vigueur. Ses Amandiers en Fleurs ont une exubérante floraison blanche et rose d'une exquise fraîcheur de tons. Et j'ai aimé particulièrement la Vieille route des Milles, l'Escalier antique au charme poétique, peint dans une note classique avec de beaux effets de lumière, Le puits et la treille, la Pinède à
de lumière, Le puits et la treille, la Pinède à l'Estaque et aussi les fleurs charmantes que l'artiste a su rendre dans toute leur fraîcheur colorée avec une grande habileté. Ses giroflées et ses lilas ont été très remarqués. L'exposition de Marseille a eu un très gros succès ; la critique locale a loué sans réserve l'artiste, sa compréhension très fine du caractère de la nature provençale, la richesse de son coloris, la luminosité de ses ombres ; une grande partie des toiles exposées ont été achetées. Nous sommes heureux de féliciter l'artiste et de lui apporter notre tribut d'admiration.
de féliciter l'artiste et de lui apporter notre tribut d'admiration. Bord de mer à Bandol, par Pierre Tulpain Bateaux à Concarneau, par Pierre Tulpain Cabanon provençal, par M. M. Verdalle PIERRE TULPAIN En admirant les œuvres de Pierre Tulpain à l'exposition d'Art Provençal j'ai pensé : la nature fut son maître, tellement la communion paraît intime entre l'artiste et son sujet. Ces Paysages de Provence, lumineux et chauds, sont peints avec amour, avec enthousiasme ; ils ont été compris dans leurs effets les plus puissants et traduits par un tempérament d'artiste sensible et vibrant. L'âme même de la Provence anime
d'artiste sensible et vibrant. L'âme même de la Provence anime ces toiles où le jeu des couleurs chante harmonieusement la joie de vivre dans la beauté ! L'artiste ne craint pas une note vive, un ton osé qui donne l'intensité de la vie à son paysage et traduit dans sa valeur exacte l'impression qu'il a ressentie. Pierre Tulpain expose pour la première fois ; je souhaite que le succès rencontré encourage son effort, car il est capable de grandes choses. Ses dons naturels sont évidents, il a acquis le « métier » nécessaire car il peint depuis 1924. Mais arriver
métier » nécessaire car il peint depuis 1924. Mais arriver à 26 ans à un aussi brillant résultat, laisse la porte ouverte à tous les espoirs. Lorsque ce très jeune artiste aura trouvé dans son travail constant devant la nature la plénitude de sa personnalité, et son expression définitive, il nous étonnera. Déjà ses œuvres méritent d'être remarquées, elles contiennent une séduction profonde et permettent de prédire à ce jeune peintre le plus bel avenir. René PRADES. « T. S. F. PROGRAMME » Une nouvelle revue hebdomadaire vient de naître qui fera la joie des sans-filistes. Ne dites pas :
qui fera la joie des sans-filistes. Ne dites pas : Une de plus ! car celle-ci que dirige et rédige M. Carlos Larronde possède une formule neuve et pratique. Les programmes y sont en effet donnés d'heure en heure de 6 à 24 heures, ce qui permet à tout moment de se rendre compte de ce qui se joue ou se dit à tous les postes d'Europe, classés par ordre alphabétique avec leur longueur d'onde et leur puissance. Tous nos vœux pour le succès de notre nouveau confrère. Claude BALLEROY, Expositions en Amérique Mrs Fleischmann, par Martin Kainz MARTIN KAINZ
Expositions en Amérique Mrs Fleischmann, par Martin Kainz MARTIN KAINZ C'est en juin 1929 que nous avons, pour la première fois dans cette Revue, parlé de la vie et de l'œuvre de Martin Kainz. Il s'était fait remarquer, à cette époque, à l'Exposition de Dessins et d'Aquarelles du Brooklyn Museum. N. Y. Depuis, il s'est rendu justement célèbre dans de nombreuses expositions qui témoignèrent de son effort constant. En novembre 1929, une exposition particulière de ses œuvres à York-Gallery, à Washington, fut un véritable événement artistique et conquit la faveur du grand public. La critique lui consacra de longs articles
du grand public. La critique lui consacra de longs articles et fut unanime à louer la vigueur de son pinceau et la perfection de son art qu'il a su atteindre malgré sa jeunesse et les difficultés rencontrées au cours de ses études. Le Washington Star disait de lui : « Il fait montre dans ses portraits de cette appréciation de la ligne, de cette simplification des masses qui caractérise l'œuvre d'Hobein » et en parlant de ses fleurs : « Les fleurs de M. Kainz sont intéressantes, ses « fleurs d'automne » surtout qui montrent trois grands « soleils »
d'automne » surtout qui montrent trois grands « soleils » ardemment colorés et placés de manière à donner un puissant effet décoratif à la composition ». Cette peinture, que nous reproduisons, appartient maintenant à M. et Mrs. A. Fleischmann de Polhami Manor N. Y. qui se sont plu à réunir dans leur collection particulière quelques-unes de ses meilleures œuvres ; on peut y voir des tableaux de fleurs, de charmants paysages et les deux splendides portraits qui accompagnent cet article. Le portrait de Mrs Fleischmann, exposé dans plusieurs Salons en Amérique, révèle l’habileté de M. Kainz à donner le trait
Amérique, révèle l’habileté de M. Kainz à donner le trait essentiel du caractère de son modèle et à l’animer du souffle de la vie au moyen d’un chaud coloris. C’est un art difficile de peindre avec une égale aisance les hommes et les femmes, le portrait de M. Fleischmann montre la façon dont l’artiste a usé de la ligne et des masses pour arriver à tracer une étude de caractère de premier ordre. Actuellement, M. Kainz prépare en Allemagne une exposition qui aura lieu à la Caspar Gallerie de Berlin en mars 1931. Il exposera de nouveau à New-York pendant
en mars 1931. Il exposera de nouveau à New-York pendant l’hiver de 1932 à la célèbre Gallerie Lendensing. Un labeur aussi fécond, joint à d’exceptionnels dons naturels, permet d’augurer pour ce jeune artiste, à peine âgé de 31 ans, les plus éclatants succès et la renommée universelle. JESSIE BURNS PARIS C’est une très grande artiste que Jessie Burns Parke et son inspiration émane d’une âme très haute. C’est aussi une fine observatrice des sites de notre pays. On lui doit des études de Paris de la plus vivante et la plus suggestive évocation. Cette américaine, vibrante et émotive, comprend à
plus suggestive évocation. Cette américaine, vibrante et émotive, comprend à merveille notre ville, son ciel, son climat et sait en dégager l’âme. Cette fois, c’est au cœur même de notre capitale qu’elle s’attaque : « Hue de Rivoli », à Paris et « Pont du Carrousel », les quartiers de vie intense et relativement modernes. Elle sait également évoquer le passé et lui garder son caractère : « Le Pont Neuf », avec les vieux palais en perspective, garde sous son pinceau, tout son caractère. Voir pour s’en convaincre la Revue du 25 Juillet 1925, où un fort beau et
Revue du 25 Juillet 1925, où un fort beau et expressif portrait de l’aviateur français Max Catin, montre une autre face de ce souple talent. Mais pour bien juger et comprendre l’artiste, il faut revoir (Octobre 1927) : « Américains-Afrique ». Cette composition a toute la tragique noblesse que veut un tel sujet et pour apprécier ce que peut mettre de sentiment et de pensée, une telle artiste dans son œuvre, il suffit de jeter un regard sur le mort du premier plan. Toute la guerre, nos communs deuils, notre alliance, sont là synthétisés de la plus magistrale façon. Une
alliance, sont là synthétisés de la plus magistrale façon. Une des caractéristiques de cette belle artiste est encore cette facilité à adapter, avec tant de tact, sa technique à son sujet. Fleurs d’Automne, par Martin Kainz « LA REVUE DU VRAI ET DU BEAU » HENRY BLOCK Il me semble avoir déjà dit ici à quel point j’estime et j’apprécie le supérieur talent du paysagiste Henry Block. Il est un de ceux qui peuvent traduire avec le plus d’éloquence les impressions que la nature fait naître en lui, ses aptitudes pour les exprimer se multiplient et s’affirment de plus en
pour les exprimer se multiplient et s’affirment de plus en plus, afin de lui permettre d’extérioriser, avec un succès croissant, les mystères et les secrets qu’il dérobe, avec tant de perspicacité à la création. Il est permis d’ajouter, en outre, que l’artiste, admirablement influencé par la connaissance qu’il possède du dessin, de la couleur et des atmosphères, exprime ce qu’il ressent avec une franchise rare. Très épris de sincérité, son intéressante personnalité est capable d’interpréter ce qu’il voit et ce qu’il enregistre au cours d’une évolution rationnelle et logique, se rapprochant sans cesse plus près de l’ultime beauté. Aussi, Henry
rapprochant sans cesse plus près de l’ultime beauté. Aussi, Henry Block ne peut manquer d’émerger. Il occupe une situation de plus en plus prépondérante sur la scène esthétique américaine. Ses réalisations actuelles prouvent ce qu’il est capable de concevoir, aussi bien sous le rapport du style que de la technique, sans oublier l’expressivité ; car le peintre, tout en laissant parler, chez lui, la sensibilité se sert d’une formule très vigoureuse, qu’il manie avec infiniment de distinction. Dans son Ruisseau ombragé, Henry Block énonce un effet profondément vécu, et, aussi excellent peintre de figure, qu’il est bon paysagiste, dans le
excellent peintre de figure, qu’il est bon paysagiste, dans le second tableau, intitulé Réflexion, il fait preuve également d’une étonnante vérité. C’est une œuvre toute de nuance et de délicatesse dans laquelle une jeune fille pleure en lisant la dernière lettre de son fiancé. Le visage de l’héroïne reflète admirablement les émotions qui étreignent son cœur. Il est nécessaire d’observer, enfin, que les qualités caractérisant Henry Block, loin de diminuer, paraissent au contraire, gagner en acuité, spécialement sous le rapport de la sûreté et de l’autorité. Il devra donc être capable, en conséquence et par la suite, afin de poursuivre
capable, en conséquence et par la suite, afin de poursuivre comme il convient sa brillante carrière, de s’identifier, plus étroitement encore, avec ses créations et de découvrir, en lui, de nouvelles sources d’émotion. C’est dire du même coup qu’Henry Block se surpasse lui-même dans chacun de ses successifs efforts. C’est dire, du même coup, qu’il se surpasse lui-même dans chacun de ses successifs efforts. Woodland Path (1929), par Grâce Evelyn Brown G. EVELYN BROWN Nul n’ignore que Grâce Evelyn Brown est, à la fois, peintre de portrait et paysagiste. Elle apporte, dans l’un et l’autre genre, des qualités de tout
apporte, dans l’un et l’autre genre, des qualités de tout premier ordre, et qui sont, pour ainsi dire, instinctives chez elle. D’accord avec ses habitudes de travail, l’artiste participe aux Indépendants de New-York avec deux œuvres maîtresses, qui ne peuvent manquer d’asseoir sa réputation, bien qu’elle soit déjà, solidement établie ; mais il est certain que, chaque fois que je croise cette artiste, j’éprouve, en face de sa production, un réel saisissement par suite des progrès qu’elle ne cesse de réaliser et des perfectionnements qu’elle apporte, inlassablement, à son style et à sa technique. L’un et l’autre sont l’objet, chez
et à sa technique. L’un et l’autre sont l’objet, chez elle, d’efforts constants, de recherches profondes, pratiquées dans le but de se rapprocher, toujours plus étroitement, de la beauté vraie. Dans ces conditions, si le portrait du Musicien Henry Baxter Parker est rempli d’une telle animation vitale qu’il doit être d’une ressemblance parfaite, G. E. Brown lui donne, comme accompagnement, une impression de plein air, rencontrée dans le voisinage de Gloucester, qui n’est pas moins vécue. Cette page renferme une extériorisation atmosphérique qui prouve à quel point l'auteur est sensible à l'ambiance locale et avec quelle délicatesse de tempérament, elle
à l'ambiance locale et avec quelle délicatesse de tempérament, elle interprète les vibrations intérieures qui l'agitent. Si l'on ajoute, comme je l'ai dit antérieurement, que le peintre n'est pas douée d'une façon moins heureuse, sous le rapport de la couleur et du dessin, on remportera une idée de plus en plus juste de ce talent supérieur. S'étant pour ainsi dire formée elle-même car sa personnalité a su résister à toutes les influences qu'elle a pu subir, G. E. Brown honore à la fois, son sexe et, d'une manière très efficace, la corporation brillante dont elle occupe, sans conteste, un des
la corporation brillante dont elle occupe, sans conteste, un des premiers rangs, sur la scène picturale américaine. Réflexion, par Henry Block EUGENE SCHOEN Les meubles signés Eugène Schoen allent toujours la sobre élégance de la forme à la richesse somptueuse du bois. Le bureau de dame et la commode, exposées à l'Architectural League de New-York sont une nouvelle manifestation du goût très sûr et du grand talent de cet artiste dont la réputation s'étend non seulement en Amérique mais dans le monde entier. Le dernier numéro de « Arts et Décoration » de New-York et celui de « Creative Arts
Décoration » de New-York et celui de « Creative Arts Magazine » citant ses dessins du « Stewart Building », premier grand magasin ultra-moderne des Etats-Unis rendent hommage à son talent et le considèrent comme le meilleur dessinateur et artiste sur bois de notre époque. M. Eugène Schoen connut d'abord la célébrité comme architecte et ingénieur, les fabriques automobiles et Simplex, de Kiat, de Simons Magueto ; le Nathan Locomotive Works et Hemington typewriter sont ses œuvres. Récemment, il se spécialisa dans l'édification des banques. Il est actuellement Ingénieur Architecte de la Public National Bank & Trust Co de New-York
de la Public National Bank & Trust Co de New-York et de la Commercial Exchange Bank. Depuis quelque temps il consacre tous ses efforts à la décoration des intérieurs de magasins et des bureaux commerciaux, et la liste est fort longue de ses installations à New-York et même à Paris où il a organisé les bureaux et magasins Alfred Night Club ou S. S. Leviathan, par Eugène Schoen Corner of Light Club, par Eugène Schoen Dunhill (Pipes et Tabacs). Plusieurs résidences somptueusement installées à Fifth Avenue, Park Avenue, Sutton Place, Longue Île et Deal Beach sont ses créations bien qu'il
Longue Île et Deal Beach sont ses créations bien qu'il préfère se spécialiser dans l'agencement des grands magasins, ceux de Stern Brothers et Mary à New York, Jordan Marsh & Co à Boston et Strawbridge et Clothier à Philadelphie, peuvent donner une idée de ses magnifiques créations si largement traitées et si puissamment décoratives. On lui doit aussi les constructions Kautmann à Pittsburgh et plusieurs salles d'exposition pour Marshall Field & Co à Chicago. Il a présenté une salle à l'Exposition de Macy en mai 1928 et trois chambres différentes à l'Exposition d'Art et Industrie de la Metropolitan Museum of
à l'Exposition d'Art et Industrie de la Metropolitan Museum of Art : Une chambre d'enfant, un bureau d'homme d'affaires et une vitrine d'exposition. Les « show Windows » et ses meubles créés pour Stewart sont les plus beaux d'Amérique et ont été copiés partout. M. Eugène Schoen vient parfois à Paris où il achète les créations françaises qui lui plaisent. Actuellement il termine l'installation du Night Club au S. S. Leviathan pour les Opérations de l'United States Lines. C'est un artiste puissant, un savant et un infatigable travailleur; son œuvre fera époque. Comte CHABOT et Gabriel SÉGUAC. La Madone des
fera époque. Comte CHABOT et Gabriel SÉGUAC. La Madone des Tripots 1 volume : 12 francs par auteur (Le Calame) 14e Roman Je la Belle Otero par Caroline Otero et Claude Valmont 1 volume : 12 francs (Le Calame) Le Véritable Valentino par Ximenès 1 volume : 12 francs (Le Calame) NEW-PARIS-YORK REVUE MENSUELLE ILLUSTRÉE Secrétaire général : Claude Balleroy, 1, RUE DE SEINE PARIS VI ORGANE DE LIAISON ARTISTIQUE ET LITTÉRAIRE ENTRE PARIS ET NEW YORK Éditions "Le Calame" 1, boulevard Henri-IV La Comédie de la ville par Charles de Richter Croquis de Bibi, Plus Gir, Pol, Rat, Senne
de Richter Croquis de Bibi, Plus Gir, Pol, Rat, Senne Les plus amusantes chroniques Les plus spirituels dessins Tirage limité L'album : 20 francs Envoi franco contre 21 fr. 50, aux Acolytes de la Revue "Vivian", par Walter White La musique suit le même mouvement et puise son inspiration dans la vie ardente d'aujourd'hui. De cette musique, la charmante épouse de Walter White : Marion White est à la fois l'interprète dont la voix splendide émeut étrangement et le professeur éclairé dont les leçons parfaites forment les jeunes talents, espoirs de l'avenir. Henry VOISIN. Les œuvres de Walter White WALTER
de l'avenir. Henry VOISIN. Les œuvres de Walter White WALTER WHITE Les lecteurs de la « Revue du Vrai et du Beau » connaissent depuis longtemps le heureux talent de Walter White dont les manifestations artistiques sont si diverses: peinture, sculpture, musique trouvent en lui un réalisateur exceptionnel. Les formes différentes sous lesquelles Walter White aime à servir l'Art ne dispersent pas son talent, ne l'affaiblissent pas mais au contraire le renforcent : car nul n'a mieux compris l'étroite corrélation qui existe "cronies", par Walter White entre les diverses extériorisations d'une même divinité: Périr la matière sonore, harmoniser les tons,
d'une même divinité: Périr la matière sonore, harmoniser les tons, colorer l'orchestration ou façonner la glaise et chercher dans sa palette un fastueux accord de couleurs, sont les différents rites du culte immuable de la Beauté. Walter White qui dirige avec autorité « l'Art Département » au Collège de Musique du Canada racontait dans la publication « l'Allégro » (bulletin du Collège) en un article intitulé « Crayon, peinture et sculpture » comment depuis son jeune âge il s'essayait à dessiner ou à peindre sur les moindres feuilles de papier qui lui tombaient sous la main, les rêves de son
qui lui tombaient sous la main, les rêves de son imagination d'enfant, les contes fantastiques des prouesses des Indiens sauvages ou les simplistes chansons de la nursery. Il décrit la forte impression que reçut son âme d'artiste de cette terre du Canada où la Nature connaît tous les extrêmes et mélange la tristesse et la gaîté, l'hiver désolé sous son manteau immaculé et l'été aux floraisons éclatantes. Il indique que l'artiste ne doit pas seulement s'intéresser aux impressions de la nature, mais aux hommes qui l'habitent, à leur vie, à leurs habitudes, aux différentes manifestations de son existence : au
leurs habitudes, aux différentes manifestations de son existence : au progrès. L'artiste et son œuvre restent comme le témoin sacré de l'éternité qui passe. A l'heure actuelle l'art n'est plus dilettantisme, mais il s'intéresse au Commerce, à l'Industrie, il perpétuera le souvenir des usines, des chemins de fer, des bateaux, des aéroplanes, de toutes les découvertes de l'heure présente. Les peintres et les sculpteurs travaillent de concert à la décoration des grands buildings modernes qui deviennent de véritables musées. « Leil Ericson », par Walter White « Chemin ensoleillé » (Redange, Grand-Duché de Luxembourg) par Marguerite Coste Salpetier Exposition des
(Redange, Grand-Duché de Luxembourg) par Marguerite Coste Salpetier Exposition des Beaux-Arts de Spa N MARGUERITE COSTE-SALPETIER Fort intéressé, à l'Exposition des Beaux-Arts de Spa, par les deux toiles qu'y expose Marguerite Coste-Salpetier, je me suis documenté d'un peu plus près au sujet de l'artiste; car je considère son tempérament pictural, comme l'un des plus piquants à étudier, en tant que manifestation féminine. Ceci s'explique quand on considère les antécédents du peintre et ses débuts dans la carrière artistique. Née en 1897, à Namur, dans la Vallée de la Meuse, Marguerite Coste-Salpetier, fille d'un officier belge, tombé pendant la guerre, eut
Coste-Salpetier, fille d'un officier belge, tombé pendant la guerre, eut pour mère, Louise Hubert, qui s'occupait activement aussi, du beau. En conséquence, Marguerite Coste-Salpetier eut, dès sa plus tendre enfance, une culture artistique spéciale. Accompagnant sa mère dans ses séances de paysage, elle faisait, toute jeune et à ses côtés, ses premiers essais. Elle perfectionna ses études de dessin et de peinture à l'Académie Royale de Namur (École de Baron); puis dans les Flandres, où elle travailla avec différents maîtres. Soumise à ces deux influences très distinctes, et surtout grâce aux nombreuses heures passées en communion directe avec la nature,
aux nombreuses heures passées en communion directe avec la nature, l'artiste s'est créée une personnalité très marquée. Elle emprunta, à l'École de Baron, sa structure spéciale du paysage, et demanda à la méthode flamande des tons plus chauds, plus colorés, une palette plus riche et une pâte plus grasse. D'un autre côté, sa mère a eu, certes, sur elle, une sérieuse influence; car ses tableaux sont plutôt des œuvres d'impression spontanée qu'elle exécute d'un seul jet, sans retouche aucune, sous l'empire de l'émotion ressentie. Marguerite Coste-Salpetier a beaucoup travaillé, déjà, et compte bien continuer à le faire; car elle n'éprouve
et compte bien continuer à le faire; car elle n'éprouve pas de plus grand plaisir que de peindre. Ayant fréquemment exposé en même temps que sa mère, Mme Salpetier, la jeune artiste a reçu de la part de la presse des encouragements qui étaient souvent communs entre les deux femmes. Néanmoins, je les sépare, à l'heure actuelle, tenant essentiellement à souligner d'une façon particulière, cette organisation privilégiée, qui s'annonce comme devant jouir d'une réputation brillante, et jete un jour nouveau sur la scène picturale et féminine de son pays. MARTHE DEHALU Deux tableaux à l'huile et le même nombre d'aquarelles
DEHALU Deux tableaux à l'huile et le même nombre d'aquarelles composent la très remarquable collaboration de Marthe Dehalu, à l'Exposition des Beaux-Arts de Spa. Dans la première section, l'artiste a envoyé La Semois à Cordemois et le Moulin de l'Épine, Semois; tandis que dans la seconde catégorie, elle se manifeste avec une composition roulant sur des Roses, à la fois très fraîches et très souples, et l'Ourthe à Colonster. D'origine liégeoise, Marthe Dehalu fréquenta, avec succès, les cours d'art appliqués à l'Académie de Liège, et suivit, ensuite, l'enseignement particulier de son compatriote, le peintre Alphonse Mataveille. Elle exposa, pour la
son compatriote, le peintre Alphonse Mataveille. Elle exposa, pour la première fois, en 1926, d'une façon collective, à Bruxelles, où sa production fut saluée très favorablement par la critique. On la retrouve, ensuite, dans diverses expositions d'ensemble. Tandis que sa technique s'affirme de plus en plus, elle penche, de plus en plus aussi, vers les vues panoramiques, qu'elle réussit, d'ailleurs, avec une autorité croissante. Ce genre fait valoir avantageusement son talent, et, s'il offre des difficultés d'exécution, le peintre les surmonte avec une élégante virtuosité. Au reste, Marthe Dehalu a beaucoup parcouru l'Ardenne et a traduit ses nombreux aspects, soit