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Saint-Saëns. Cette jeune violoniste a de l'autorité, une excellente technique, et elle a conquis sans effort les suffrages d'un public exigeant. Dominique SORDET. La Société mozartienne On entendait lundi dernier, à la Société d'études mozartiennes, ces charmants et familiers chefs-d'œuvre, dont il est paradoxal qu'ils fassent partie aujourd'hui de la musique ésotérique, qu'ils soient réservés à un mandarinat de mélomanes. Nous voulons parler de la Sérénade de Mozart (n° 375 du catalogue Köchel), pour huit hautbois, clarinettes, cors et bassons. Dans cette délicieuse série, il faut sans doute préférer encore la Sérénade pour treize instruments à vent, où interviennent la
la Sérénade pour treize instruments à vent, où interviennent la flûte et la trompette, d'une allocution, une fantaisie d'instrumentation, qui nous montrent aux trois quarts résolus, un siècle et demi en avance, les problèmes étudiés de nos jours par Strawinsky, par le Ravel de Ma Mère l'Oye, du Tombeau de Couperin, du Concerto de piano. Dans la Sérénade 375, les timbres vont deux par deux assez sagement. Ils sont proches parents. Leurs rencontres s'accordent selon le cérémonial de la bienséance, sont préparées par des courbettes et des coquetteries de bonne compagnie. Mais la veine mélodique et rythmique y est d'un
compagnie. Mais la veine mélodique et rythmique y est d'un pittoresque, d'une franchise irrésistibles. Sitôt écrite, du vivant de Mozart, cette pièce était colportée dans Vienne, par de petits orchestres d'harmonie. Sans cesse, une rondeur populaires perce sous l'élégance de cet art, vient en corser l'inspiration raffinée. Dans le festival de Salzbourg, on joue cela en plein air, et l'on a raison. Mais nous ne pensons pas que les Autrichiens puissent jamais réunir un octuor supérieur à celui des vents du Conservatoire, Vuillème, Obrad, Bleuzet. Quelques-uns, à bout de commentaires sur leurs qualités, nous les avons jugés presque trop parfaits,
sur leurs qualités, nous les avons jugés presque trop parfaits, polissant un peu trop leurs sons. Mais l'autre soir, jouant ensemble, ils étaient d'une verdeur délicieuse. On ne peut être plus savant et plus naturel à la fois. Pourquoi faut-il que de tels plaisirs demeurent l'appanage de cercles très fermés et qui ne connaissent pas toujours leur bonheur ? Jean Doyen, beaucoup trop modeste, est, par sa légèreté, sa finesse, la race de sa virtuosité, le plus mozartien de nos pianistes. Il jouait, l'autre soir, sur un petit piano-forte, l'un des premiers en date, une expérience, plus amusante que séduisante,
des premiers en date, une expérience, plus amusante que séduisante, fut prolongée un peu trop longtemps à notre gré. Jean Doyen jouait d'abord quelques mesures sur un piano moderne, avec cette sonorité unique, dont les moindres parasites ont été exclus; puis il recommençait sur le piano-forte. Il aurait été préférable de commencer par là, en nous présentant brièvement une curiosité acoustique et historique. Le clavecin possède un caractère, des moyens qui lui sont propres, qui rendent son emploi indispensable pour Couperin et Scarlatti. Le petit piano-forte de 1780 est en retard sur l'inspiration mozartienne. La fantaisie en ré mineur qui
retard sur l'inspiration mozartienne. La fantaisie en ré mineur qui annonce Beethoven, dépasse par son souffle et sa couleur les instruments de son temps. Nous avons simplement plus de chance que le grand Salzbourgeois puisque nous pouvons l'entendre aujourd'hui sur un beau piano à queue dans toute sa plénitude. Mme Homberg, animatrice passionnée de la société, et M. Doyen jouait à quatre mains au piano-forte une sonate que Wolfgang Amédée écrivit à quinze ans, du joli Mozart, un peu trop séduisant à l'image que l'on se fait souvent du grand homme, un peu "boiteux" musique, et ce visite à grand-papa.
homme, un peu "boiteux" musique, et ce visite à grand-papa. Le quatuor pour hautbois, violon, alto et violoncelle est encore une de ces délicates merveilles, si claires, si tendres, dont on ne s'explique pas qu'elles restent à demi ignorées d'un public français dont elles combleraient, semble-t-il, les plus profondes aspirations musicales. Quant à la partie vocale, elle eut besoin de toute l'indulgence dont il y a heureusement d'inépuissables réserves dans de soirées aussi distinguées que celles de la société Mozart. On a encore entendu, salle Gaveau, un agréable concert espagnol, avec des mégalides inédites de Joaquin Nin qu'interprétait Mlle Lola
avec des mégalides inédites de Joaquin Nin qu'interprétait Mlle Lola Rodriguez-Aragon. C'est une jeune cantatrice qui n'a pas encore fini son éducation vocale, mais possède de la sensibilité et dans le médium de son soprano une saveur très ibérique. Lucien REBÂTET LE PHONOGRAPHE Quelques éditions de qualité J'appelle l'attention des mozartiens sur le Concerto inédit de Mozart pour piano et violon dirigé par M. Pierre Monteux que la Compagnie du Gramophone vient d'introduire à son catalogue, et où Yehudi Menuhin dévoile une virtuosité souveraine (Gram. DB "2.268-70). Ce Concerto en ré majeur, dédié à la princesse Adélaïde, ne nous est
ré majeur, dédié à la princesse Adélaïde, ne nous est parvenu qu'à l'état d'ébauche, et je pour cause : Mozart avait dix ans lorsqu'il l'écrivit. M. Marius Casadesus l'a habilement retouché et achevé. M. Hindemith a écrit les "cadences" dans un style d'ailleurs peu mozartien. Les trois disques bien gravés qui nous révèlent ce remarquable "inédit" ont leur place marquée d'avance dans les discothèques bien tenues. Mais les musicologues auront beau jeu sans doute à confondre M. Casadesus, soupçonné d'avoir fabriqué ce Concerto à l'aide de maints emprunts à l'œuvre postérieure de Mozart. On placera sur le bon rayon la
postérieure de Mozart. On placera sur le bon rayon la Symphonie sur un thème montagnard de Vincent d'Indy avec Mme Marguerite Long au piano et M. Paul Paray au pupitre (Col. L.F.X 352 à 354). C'est du beau travail, un peu académique, en tous cas solide et sans défauts, sans non plus les qualités brilantes qui faisaient le prix de l'édition Polydor parue il y a trois ans, signée de M. Albert Wolff et de Mlle Jeanne Marie. Barré (566.130 d 32) dont le piano était "plus en dehors" que celui d'une peu effacé de Mme Long, M. Piero Coppola
celui d'une peu effacé de Mme Long, M. Piero Coppola nous présente une Symphonie en si bémol de Chausson bien dirigée et bien gravée. L'œuvre au concert ne fait pas grand effet. Elle retrouve son charme au disque ou quelques passages pré-débussystes prennent une singulière séduction (Gram. D.B. 4953 et 4956). Nous dressions le bilan, l'autre jour, des nombreux enregistrements des Concertos brandebourgeois de Bach. Berlin nous en voit une bonne édition du Cinquième, ce qui comporte une importante partie de clavecin. Avis aux amateurs. (Polydor 15.073 à 0760) d'opéra, il n'y a en somme que des degrés dans l'invraisemblance,
il n'y a en somme que des degrés dans l'invraisemblance, et les Troyens regagnant leur bord à grand fracas ne sont guère plus éloignés de la vérité que Tristan et Isolde chantant à pleine voix leur duo sublime au milieu du silence nocturne. L'essentiel, dans un opéra, est que la musique soit belle, et cette scène des Troyens à Carthage est traversée par un souffle si ardent, si généreux qu'on ne peut guère reprocher au compositeur, emporté par son lyrisme, d'avoir perdu de vue les convenances dramatiques. En résumé, dis que superbe, qui fixe une page berliozienne importante et qui
que superbe, qui fixe une page berliozienne importante et qui a sa place marquée dans toutes les collections où M. Georges Thill est à l'honneur. Aux antipodes de cette forme d'art tout extérieure, voici un disque d'intimité qui n'est pas seulement, comme le précédent, un limpide et brillant cliché d'une scène d'opéra, mais un chef-d'œuvre phonographique avec tout ce que le mot comporte de séduction pénétrante, de sortilèges tendres et mystérieux. Il s'agit d'une mélodie de Chausson, fort connue jadis, un peu oubliée, le Colibri, chantée par M. Bernac, qu'accompagne au piano M. Jean Doyen. La voix à la fois
au piano M. Jean Doyen. La voix à la fois ronde et mordante de M. Bernac semble avoir été créée pour l'inscription sur cire. Toutes les moindres nuancés, ses plus fugitives colorations ont trouvé leur place dans le filogramme du disque où l'aiguille les déchiffre sans peine. M. Bernac n'est pas seulement un chanteur, mais un artiste dont la sensibilité discrète, le lyrisme sans emphase, le sûr instinct musical et poétique confèrent sa pleine signification à la mélodie d'Ernest Chausson, trop souvent victime des chanteurs amateurs. Je n'ai jamais vu M. Bernac, je ne sais d'où il vient, mais je
M. Bernac, je ne sais d'où il vient, mais je connais peu de disques de chant plus émouvants et plus parfaits, et je suis sûr que tous les musicaux vous les yeux desquels ces lignes tomberont me sauront gré de leur avoir signalé cette merveille. Dominique SORDET. Bibliothèque nationale de France En matière de phonographes électroniques Thomson, ont conquis l'élite musicale. Démonstration: 173, Boulevard Haussmann. Françoise Rosay, Paul Azalis et Paul Bernard dans "PENSION MIMOSAS" de la Société des Films Tobis <semaine d'exclusivité an "Cotisee w"> Le week-end au Studio Universel: "L'Ile au Trésor" Ceux qui n'ont pas eu la
Universel: "L'Ile au Trésor" Ceux qui n'ont pas eu la chance de découvrir à quinze ans l’Ile au Trésor retrouvent vite, en la lisant dans l'âge d'homme, et sauf à être irrémédiablement racorni, les clefs de la plus pure et la plus fraîche imagination. Quand nous étions enfants, au sortir d'un bois que nous n'avions jamais traversé encore, de vue la grille d'un parc jamais côtoyé, nous avons tous espéré, avec un frisson de bonheur et de crainte, que nous touchions à quelque coin de terre ignorée. L’Ile au Trésor nous restitue un peu, ces minutes merveilleuses, après lesquelles les
nous restitue un peu, ces minutes merveilleuses, après lesquelles les poètes courent tous plus ou moins, leur vie durant. Le vieux livre sait encore nous faire croire, pendant que nous le lisons, à des mystères géographiques, aux pays qui ne sont pas marqués sur les cartes, aux richesses connues de nous seuls. Ce sont de très vieilles fables, que Stevenson a su fixer pour maintes générations, parce qu'il les avait rêvées plus souvent que le commun des mortels, et qu'il était un artiste, capable de prêter aux légendes éparses de la flibuste une forme si pure, si nette et si
la flibuste une forme si pure, si nette et si pleine que des imitations innombrables ne l'ont pas encore altérée. Stevenson joua de bonheur aussi bien en plaçant son action vers la fin du XVIIIe siècle qu'en mettant le récit dans la bouche d'un enfant. Dans son charmant article (le cinéma n'est pas, malgré tout, si malade, puisqu'il inspire encore de tels commentaires), notre ami Alexandre Arnoux écrit : « L’Ile au Trésor, dans sa naïveté profonde, forme le meilleur des scénarios de films. Il ne lui manque rien, ni la subtilité ni la candeur, ni la structure puissante et
la subtilité ni la candeur, ni la structure puissante et élémentaire, ni ce sentiment cosmique, cet appel sourd et continu à la magie des forces naturelles, à l'eau, à l'air, qui constitue le lyrisme de l'écran. » En effet. Avec l’Ile au Trésor, on semble que nous remontions aux origines de la littérature, au temps où elle était d'abord l'instinct du récit et du merveilleux. Le cinéma qui balbutie devant les conflits moraux de Flaubert, reprend en traduisant de tels livres son véritable rôle. C'est un des très rares cas où un chef-d’œuvre écrit puisse passer entièrement à l'écran. Ce
où un chef-d’œuvre écrit puisse passer entièrement à l'écran. Ce n'était certainement pas une raison pour qu’Hollywood ne le massacrât point. Mais on a probablement compris, en Californie, qu'abîmer l’Ile au trésor serait un péché contre l'esprit anglo-saxon. Victor Fleming, dont on ne connaissait auparavant que quelques feuilletons d'avenures, vient d'en faire une adorable et passionnante imagerie. Il a su nous épargner les horribles précisions de la caméra. L'appareil mécanique du cinéma est enfin invisible derrière ces délicieuses estampes. La narration marche irrésistiblement. Le besogne, sur ce point, n'était d'ailleurs pas très difficile. Quelques coups de pouce ici et là,
pas très difficile. Quelques coups de pouce ici et là, et le bouquin fournissait le découpage le plus incisif. Le reste, qui n'est pas le moins important, devenait soumis au goût de l'auteur. Il n'a pas commis une seule faute. Le premier épisode est le moins heureux. On connaît, dans le livre, ce départ si mystérieux, si habile qu'il paraîtrait presque digne de Poe. Un vieux marin louche et imbibé de rhum jusqu'aux mollets, arrive à l'auberge de l'Amiral Benbow, au bord de la lande de Bristol. Il tient d'extravagants propos sur les secrets fermés dans son misérable coffre. Il
propos sur les secrets fermés dans son misérable coffre. Il guette la mer d'un œil inquiet avec sa longue-vue. Il reçoit d'inquiétantes visites, qui se terminent par des poursuites furieuses à grands coups de sabre d'abordage. Il se saoule sans repos, contraint les bourgeois qui viennent boire paisiblement le porter à hurler en chœur d'effroyables chansons de pirates. Le jour où l'on enterre l'aubergiste, il se lâche dans la maison un train d'enfer, tout son répertoire y passe. On a dû, dans le film, laisser de côté ces macabres détails, qui eussent amené en effet d'excessives digressions. On a surtout
qui eussent amené en effet d'excessives digressions. On a surtout confié le rôle du capitaine Flint à Lionel Barrymore, que l'on a payé certainement fort cher, et qui veut justifier son salaire. C'est un peu le cas de M. Chaliapine lorsqu'on lui demande de chanter l'air de la Calomnie dans Le Barbier de Séville. Lionel Barrymore s'installe, s'étend, abuse des reniflements, des cris sauvages et rauques. Il devient un orquestralement d'Opéra, et les figurants autour de lui prennent, un peu par contagion, les mines de buveurs ou de paysans reconstitués dans les théâtres lyriques. Mais on le tue au bout
dans les théâtres lyriques. Mais on le tue au bout d'un quart d'heure. Dès lors, Victor Fleming n'a plus aucun obstacle devant lui. Nous plongeons dans la truculente et patibulaire assemblée des vieux frères de la côte, les boucaniers recueillus, tailladés, avec des boucles d'oreilles pendant jusque sur les épaules. On a gréé, ponté une ravissante goélette de la flotte du Pacifique. On ne souligne rien. On se garde d'ajouter un seul de ces détestables commentaires cinématographiques que trop de metteurs en scène considèrent comme le propre de leur métier. Le pittoresque maritime, la poésie du voyage, l'atmosphère pesante d'un
Le pittoresque maritime, la poésie du voyage, l'atmosphère pesante d'un bord où vivent braves gens attendent la révolte d'un équipage de bandits s'imposent sans qu'il soit nécessaire de nous verser des clairs de lune, de faire grincer des dents. Fleming a même su atteindre à une extrême ingénuité, redevenir un contemporain de Daniel de Fougerès, quand il nous montre les premiers pas du petit héros Jim dans l'île, courant après les singes, retournant du pied de terribles serpents, tremblant devant les autruches, rencontrant à la fin un Robinson barbu jusqu'au ventre. C'est vraiment l'exotisme revu à travers l'imagination d'un gamin
ventre. C'est vraiment l'exotisme revu à travers l'imagination d'un gamin anglais du XXe siècle. Nous voyons réellement les couteaux siffler aux oreilles des combattants, les clouer par la manche à un mât, les coquins foudroyés d'un coup de pistolet choir la tête la première dans la mer du haut du grand perroquet, la goélette s'échouer après les plus émouvantes péripéties. Nous sommes repris par toute la magie du vieux conte. Notre cœur saute quand le canon pirate ajuste son tir sur la chaloupe du vaillant capitaine, du joyeux squire et du fin docteur. Nous applaudissons au symbole naïf et magnifique
du fin docteur. Nous applaudissons au symbole naïf et magnifique du patriotisme et de l'orgueil anglais quand Jim abat le drapeau noir et rend tout seul, gravement, sur le pont dévasté, entre les cadavres de ses adversaires, les honneurs à l'Union Jack. L'Amérique a la chance de posséder un vieil enfant terrible, Wallace Beery, qui est l'interprète idéal de l'Île au trésor, du pirate Long John, l'homme à la jambe coupée. Il peut obstruer l'écran par son immense carrure, sans la moindre retenue, placer à tout bout de champ son fameux clignement d'œil. S'il jouait en veston, nous dirions sans
fameux clignement d'œil. S'il jouait en veston, nous dirions sans doute : « Cabotinage. » Mais ici, ce cabotin est épique comme dans Viva Villa, les communes mesures de l'art du comédien ne sont pas faites pour lui. La présence à ses côtés du jeune Jackie Cooper a inspiré au scénariste quelques variantes parfaitement justifiées. Le petit navigateur et le coquin restent liés malgré tout par une vague tendresse. Leurs adieux, sur lesquels se clôt le film, pour n'avoir pas été prévus par Stevenson, sont très émouvants. Les Américains ne pouvaient préluder plus parfaitement que par l'Île au trésor à
pouvaient préluder plus parfaitement que par l'Île au trésor à ce renouveau du cinéma d'aventures qui est, dit-on, dans leurs projets. « Pension Mimosas » Nous avons revu au Colisée Pension Mimosas de Jacques Feyder, le meilleur film français, décidément, que les écrans parisiens pouvaient nous offrir ce mois-ci. Nous avions dit l'autre semaine ce que nous aimerions le moins dans ce spectacle : la première scène et la dernière, l'envol des billets de mille emprunté à René Clair. Épreuve décisive, et que nous avons bien peu souvent le désir de risquer, : une seconde séance fait apparaître de nouvelles
de risquer, : une seconde séance fait apparaître de nouvelles richesses dans l'analyse de Feyder, dans cette histoire « de jeu et d'amour », nous montrant une Phèdre qui s'ignore, un Hippolyte sans ingénuité, sous les apparences d'une hôtelière provinciale et d'un jeune dévoyé. Nous voulons citer au moins un exemple de la chronique des théâtres « Madame Quinze » On vient de voir à la Comédie-Française la pièce de M. Jean Sarment dont on avait dit tant de bien à l'avance. Par extraordinaire, elle méritait cette louange. Elle porte pour titre : Madame Quinze, et elle a pour sujet
pour titre : Madame Quinze, et elle a pour sujet la liaison entre Louis XV et Mme de Pompadour. Elle commence au temps où le roi rencontre pour les premières fois celle qui deviendra la favorite. Un des tableaux montre Louis XV qui essuie les reproches de la reine. Réproches assez peu vifs, auxquels le roi répond avec pertinence. Puisqu'on l'accuse, il énumère toutes les raisons qui l'ont déché de la reine. Il rappelle à celle-ci avec quelle sincérité il l'a aimée ; et dès cette première scène, M. Sarment sert la vérité historique d'une manière irrécusable : il place
sert la vérité historique d'une manière irrécusable : il place dans son dialogue des paroles vraies, connues de ceux qui ont pris quelque peine d'étudier cette histoire. Il montre ainsi quel fut l'un des grands malheurs de Louis XV, qui ne trouva pas près de lui l'affection dont il avait soif et dont il avait besoin. Il rappelle, et c'est la vérité, qu'il fut longtemps fidèle à Marie. Mais celle-ci eut l'art d'être ennuyeuse à un point par trop dangereux, étant donné toutes les tentations qui assiégeaient ce jeune époux de sept ans moins âgé qu'elle. Ainsi commença un grand
de sept ans moins âgé qu'elle. Ainsi commença un grand mal, dont Mme de Pompadour fut bien en effet l'épisode le plus significatif. Car elle aima vraiment le roi. M. Sarment, qui suit l'histoire avec une exactitude rigoureuse, montre la naissance de ce sentiment au moment du départ pour la campagne de Fontenoy. Le premier acte s'achève par une scène qui n'est peut-être pas indispensable pour l'intelligence des relations entre le roi et la favorite, mais qui a au moins cette utilité qu'elle met bien en lumière un côté du caractère royal, et qui est très belle : c'est le
caractère royal, et qui est très belle : c'est le soir de Fontenoy. Grâce à M. Sarment, on a entendu sur la scène de la Comédie-Française l'admirable parole du roi à son fils ; « Voyez le sang que coûte une victoire. Le sang des ennemis est toujours le sang des hommes. La vraie gloire, c'est de l'épargner. » Toute la scène a le même son de grandeur et de grave noblesse. L'acte suivant, qui est le plus beau, est fait de deux scènes où la tragédie est maintenant posée dans son ampleur. Mme de Pompadour est de longtemps la
dans son ampleur. Mme de Pompadour est de longtemps la favorite au titre, et elle en abuse pour demander un passe-droit que le roi refuse. Il refuse avec netteté, parce que ça serait contraire à son devoir de roi. Tout ce qu'il dit, tout ce qu'il exprime, on sait que telles furent sa pensée et ses paroles. Ces sentiments étaient les siens, il a véritablement prononcé certains de ces mots, les autres sont conformes à tout ce qu'on sait de lui. Rarement un personnage historique a été présenté sur la scène avec tant de respect, d'intelligence et de vérité. C'est
scène avec tant de respect, d'intelligence et de vérité. C'est de cette vérité que naît le drame. Louis XV avait la conscience et l'intelligence de son devoir royal, et il souffrait dans la mesure où il y manquait. L'école historique moderne a restitué sa figure, et par un singulier destin, ce prince qui fut l'un des plus grands calomniés de l'histoire est aujourd'hui l'un de ceux à qui il est de mode de rendre justice. C'en est fini avec la légende d'un Louis XV prenant son rôle à la légère. Tous les gens sérieux savent qu'il mesurait la grandeur de
Tous les gens sérieux savent qu'il mesurait la grandeur de son rôle, qu'il avait le sentiment le plus juste de son autorité, qu'il comprenait avec une rare intelligence et mieux que la plupart de ses conseillers les devoirs de sa charge et les intérêts de son royaume. En politique étrangère comme en politique intérieure, sur les alliances comme sur les parlements, c'était lui qui voyait juste et loin. Le malheur est que, par une cruelle faiblesse du caractère, il n'osait pas imposer sa volonté. Il ne croyait pas et ne croyait pas avoir raison. C'est ce que M. Sarment illustre
croyait pas avoir raison. C'est ce que M. Sarment illustre dans les deux scènes de son deuxième acte. Mme de Pompadour l'a aimé, et lui il a souffert parce que cette liaison était irrégulière et provisoire. Il songeait au royaume, il songeait à Dieu, trait certain, que M. Sarment a raison de marquer avec force. Même dans ses fautes, Louis XIV conservait un aplomb du caractère qui lui permettait de les dominer, et à la fin, son mariage avec Mme de Maintenon lui permit de retrouver intacts la dignité et l'équilibre. Il a peut-être manqué à Louis XV une Mme
l'équilibre. Il a peut-être manqué à Louis XV une Mme de Maintenon. En tout cas, ce n'est pas un simple sujet anecdotique qu'a choisi M. Sarment, on est au cœur d'une des tragédies de l'histoire. Louis en vouait à Mme de Pompadour d'être une irrégulière ; il lui en voulait de protéger les encyclopédistes et leurs idées. M. Sarment place dans sa bouche une parole admirable. Mme de Pompadour se mêle de politique, lui donne un conseil pour faire des économies. Au lieu de composer les armées avec des hommes de métier qu'on paie, pourquoi ne pas déclarer que ce
de métier qu'on paie, pourquoi ne pas déclarer que ce sera désormais pour la jeunesse un honneur de servir, le roi et la France? Louis XV se redresse : « Nous sommes, dit-il, quatre Bourbon, six Orléans, sept Valois, quinze Capétiens : aucun de nous n'y avait encore pensé. » Ce sera le même conflit sur un autre terrain quand tout à l'heure, à la scène suivante, Mme de Pompadour vient pour chasser le roi qui cherche à trouver parmi des simples paysans l'image de cette vie régulière qui lui manque. Scène toute en détails très fins, presque trop fins.