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Rivalité vieille comme le monde, qui peut avoir des mobiles bien différents selon l'époque et le milieu. Le plus souvent, elle est simplement amoureuse. Et c'est, près de nous, avec toute sa violence, le drame corse. Ici, l'amour n'interviendra que pour en précipiter la crise décisive. Ses causes en sont plus profondes et non moins humaines. Didier Harlange, industriel lorrain, a eu de sa première femme, Geneviève de Vernac, dont il est séparé par divorce, un fils, Claude, chétif, malingre, nerveux, auquel peu à peu il a préféré son fils Maurice, né du second mariage. Claude a quitté la maison
Maurice, né du second mariage. Claude a quitté la maison paternelle pour vivre auprès de sa mère. Depuis, les familles Harlange et de Vernac conduisent l'une contre l'autre une guerre sourde. Claude, grâce à sa nature maladive, subit profondément ces influences. Une haine inouïe naît en lui contre son frère qui accapare, semble-t-il, tout le bonheur de la maison et aussi la plus grande part des avantages de l'entreprise industrielle des Harlange. Et cette haine s'exaspérera jusqu'au meurtre, le jour où il apprendra que Maurice épouse Eliane pour qui il éprouve lui-même une passion profonde. Claude tue son frère dans
éprouve lui-même une passion profonde. Claude tue son frère dans le bois où il chassait, un matin, après avoir longuement prémédité son crime. Et voilà l'orage secouant la maison. Un grand souffle tragique passe, bouleverse les âmes, soulève les rancœurs et aussi la foi. Le père domine sa douleur ; il fera triompher la justice. On ignore qui est l'assassin. Les soupçons se sont d'abord portés sur un braconnier, protégé de Claude, que la police a fait arrêter. Le père, implacable, héroïque, accomplit la terrible besogne qu'il s'est donnée. Il enquête. Il réunit une sorte de conseil de justice qui
enquête. Il réunit une sorte de conseil de justice qui est un conseil de famille et auquel son ancienne femme et son « ex-beau-père » de Vernac sont appelés à faire partie. Il interroge Claude qui se défend, puis, pressé de questions, torturé de souffrance et de détresse, avoue le crime. C'est le point culminant du drame. Au troisième acte, Didier Harlange est en lutte avec lui-même pour décider du sort de son fils. Maurice agonisant a donné au procureur de la République un faux signalement de son agresseur. L'honneur de la famille peut, ainsi, être épargné, le secret gardé.
de la famille peut, ainsi, être épargné, le secret gardé. Aucun innocent ne subira les rigueurs de la justice égarée et la vie de Claude sera sauvée. Mais Claude, dans une scène très belle, dit à son père comment il se condamne lui-même plus terriblement que ne l'eût fait la justice des hommes : il se tuera, en simulant un accident, et après avoir tout avoué et malgré le pardon de son père... Si la Maison sous l'orage est un drame de famille, c'est aussi un drame policier avec ceci d'original qu'un père s'y fait volontairement le justicier de son
d'original qu'un père s'y fait volontairement le justicier de son fils. Du drame policier il tire sa force d'expression, son intérêt extérieur, ses « rebondissements » qui, surtout au deuxième acte, ne manquent pas de provoquer une angoisse dont aucun spectateur ne saurait volontiers se défendre. Du drame de famille, il tire son émotion, son pathétique et ses beautés. Ce père qui domine sa tendresse et trouve assez de raisons au fond de son atavisme bourgeois pour s'ériger en juge ne manque pas d'allure. Il évoque bien ainsi pour nous la famille telle qu'elle fut naguère, puissance indépendante au milieu
la famille telle qu'elle fut naguère, puissance indépendante au milieu de l'Etat, avec ses lois rigides, sa volonté, son culte, et qui réalisait l'équilibre de la cité avant que celle-ci ne l'obtint de l'individu ou de l'unité collective. Et le deuxième acte surtout nous fait songer à ces drames chinois où la famille constitue le seul tribunal auquel est reconnu le droit de juger et de condamner, et dont les arrêts sont d'autant plus inéluctables et terribles qu'ils subordonnent hautement l'affection qu'ils violentent à l'intérêt de la société, la nécessité sociale au-dessus de la nécessité individuelle. Le milieu est parfaitement
sociale au-dessus de la nécessité individuelle. Le milieu est parfaitement évoqué. Nous sommes dans une de ces vieilles familles industrielles de l'Est où se conservent le sentiment de l'honneur du nom, une certaine règle morale foncièrement catholique, celle précisément en face de laquelle s'est dressée la morale protestante et dont nous pouvons retrouver encore la dualité dans ces petites villes d'Alsace où le clocher au coq et le clocher à la croix allongent sur les pentes du soir leurs ombres parallèles. La vieille Mme Harlange, grand'mère dont la tendresse a des instants si émouvants, trouvera encore en elle assez d'orgueil
des instants si émouvants, trouvera encore en elle assez d'orgueil pour s'écrier à la fin : « La maison est restée debout sous l'orage ! Ainsi le nom des Harlange sera sauvé du déshonneur. Je ne saurais passer sous silence l'intérêt de la construction de ce drame direct, trapu, solide, rapide. L'unité de temps et de lieu des grands classiques y est fidèlement observée, et nous pouvons constater ce que cette vieille règle ajoute de cohésion, de puissance, d'intensité dramatique à l'action. Nous sommes emportés par le rythme et notre émotion croît logiquement en violence avec le développement du drame.
émotion croît logiquement en violence avec le développement du drame. Je regrette seulement, après d'autres, la coupure en trois actes. Il apparaît bien tout de suite, en effet, que la Maison sous l'orage eût gagné beaucoup à être condensée en deux parties. Les caractères ne sont pas assez développés, pénétrés, pour nous permettre de saisir toute l'émotion du troisième acte, qui est tout intérieure et ne tire sa valeur que de l'aspect « en profondeur » des personnages. Si l'on essayait de tracer ce que j'appellerais le diagramme de l'action, on verrait que la courbe atteint son maximum dans le
on verrait que la courbe atteint son maximum dans le pathétique à la fin du deuxième acte lorsque le fils s'avoue fratricide. Il n'est pas de génie qui pourrait parvenir ensuite à nous maintenir à ces cimes de l'émotion. Tout l'intérêt était de savoir si Claude était coupable. À vrai dire, nous le soupçonnions bien un peu dès le premier acte, car il ne saurait sans cela y avoir de pièce, mais notre inquiétude est quand même satisfaite par la très belle scène de l'aveu. Ce qui surviendra ensuite nous apparaît trop secondaire et c'est d'autant plus regrettable que le
apparaît trop secondaire et c'est d'autant plus regrettable que le troisième acte n'est pas sans grandeur. Les qualités d'émotion y sont même souvent plus sensibles et plus rares qu'à aucun autre moment. L'interprétation de la Maison sous l'orage fait honneur à l'Odéon. M. Chambreuil (Didier Harlange) est tout à fait remarquable. Il soulève l'émotion, il se hausse au pathétique avec une sincérité et une simplicité de moyens rares. Son succès a été grand. M. Yonnel, dans le rôle difficile de Claude, a montré une intelligence et une émotion qu'il convient de louer hautement. À ce succès, associons les noms de
de louer hautement. À ce succès, associons les noms de MM. Maxudian (Maurice Harlange), Darras (M. de Vernac), Daltour (Urbain de Chatenois), Chaumont et Asselin, et de Mmes Grumbach (Mme Harlange), grand'mère touchante et douloureuse, P. Andra (Geneviève de Vernac), Theray (Gabrielle), Leitner (Lucienne) et Renée Pierny (Eliane Bourgoin). Le spectacle commençait par un acte en vers, la Lumière du soir, de MM. Léo Larguier et Félix-H. Michel, où deux amants, séparés longtemps par la vie, se retrouvent, évoquent, dans l'intimité complice du soir, leur idylle, les souvenirs, puis se séparent de nouveau afin de conserver à leur rêve sa
séparent de nouveau afin de conserver à leur rêve sa douceur et sa jeunesse. Ce poème y trouve toutes les occasions d'alimenter son lyrisme. C'est d'un charme un peu désuet, mais délicat, qu'avive souvenirs de l'éclat d'un beau vers évocateur, d'une image ou d'un rythme. Mlle Guéreau est une vieille fille sympathique et M. Blanchard un amant bien douloureux. LÉON MOUSSINAC. M. CHAMBREUIL (Didier Harlange) Dessins de Jean Dulac. M. ARVEL (L'adjudant) M. DULLIN (Bernard) Mme Séphora MOSSÉ (Anna) Acte II. — Une évasion compromise. AU THÉATRE DES ARTS (Coopérative des Auteurs) LES ESCLAVES Pièce en trois actes de M.
des Auteurs) LES ESCLAVES Pièce en trois actes de M. Saint-Georges de Bouhélier, jouée pour la première fois le 25 avril 1920. UN soldat et une fille publique s'aiment. Souffrant l'un et l'autre de la dépendance de leur vie et désireux de vivre ensemble en toute liberté, ils décident de fuir : le soldat (Bernard) tente donc de déserter. Mais un adjudant qui le surveille avec d'autant plus de rigueur qu'il est lui-même épris d'Anna (la Fille), l'arrête à temps et va le déférer en conseil de guerre ; Bernard se tue d'un coup de revolver et Anna devient folle.
se tue d'un coup de revolver et Anna devient folle. Ce sujet, des plus ordinaires, comme on le voit, n'aurait, réduit à sa seule teneur, ni intérêt ni portée... L'action n'existe ici qu'en tant que significative des fatalités humaines et sociales : la caserne, la maison dans laquelle vit Anna représentent les prisons qui enferment tous les êtres (même les plus libres en apparence) et d'où ils ne s'échappent que par la mort, libératrice des corps, ou la folie qui est une évasion de l'âme. Il est clair que l'écrivain n'a mis devant nos yeux une caserne que comme un
n'a mis devant nos yeux une caserne que comme un symbole de la discipline qui socialement régit les hommes et qu'il eût pu prendre pour exemple n'importe quelle organisation hiérarchique sans que la signification de son œuvre eût changée... Et cependant, le soir de la répétition générale, de nombreux spectateurs protestèrent, croyant se trouver en présence d'une œuvre antipatriotique, quand le soldat, dans la logique de son caractère, maudit ceux qui le tiennent enfermé. Il eût été facile d'éviter cette méprise en reliant les Esclaves à l'ensemble du théâtre de M. Saint-Georges de Bouhélier. Celui-ci s'oppose trop visiblement aux pièces
M. Saint-Georges de Bouhélier. Celui-ci s'oppose trop visiblement aux pièces à thèse, aux ouvrages à tendances pratiques et utilitaires, pour que la confusion ait vraiment pu se faire. Cet écrivain condamne, dans un pessimisme absolu et définitif, la destinée humaine, quels qu'en soient les caractères et les aspects, et sans se soucier de préférer tel régime, telle organisation à telle autre. Il ne descend pas à ce plan des discussions réformatrices auquel se tiennent les écrivains dogmatiques qui, eux, en effet, soulèvent, par la voix de leurs personnages, des polémiques dans lesquelles ils prennent parti et invitent le public à
dans lesquelles ils prennent parti et invitent le public à faire de même... M. Saint-Georges de Bouhélier se préoccupe peu des conditions particulières de la vie de chacun et ne les fait intervenir que comme cadre réaliste et pittoresque de ses pièces. Ce qui l'intéresse uniquement, ce sont les lois générales, immanentes, dont nous sommes tous tributaires au même titre et que subissent plus douloureusement les êtres de rêve et d'aspiration... En chacune de ses œuvres nous avons vu un idéal déçu, un effort stérile, une générosité méconnue, une aspiration impuissante : Céline, dans le Carnaval des Enfants, pour avoir
impuissante : Céline, dans le Carnaval des Enfants, pour avoir poursuivi l'absolu de l'amour, meurt misérable et abandonnée et entraîne les siens dans la ruine; les jeunes révolutionnaires de la Tragédie royale n'ont réussi, en voulant détruire la tyrannie, qu'à déchaîner chez le peuple les instincts les plus cruels et les plus vils appétits; Marie, l'héroïne de la Vie d'une Femme, après avoir parcouru une vie de déceptions, ne touche au bonheur qu'au moment de mourir... Les héros des Esclaves suivent la même route douloureuse ; dès l'instant qu'ils avaient fait le rêve chimérique de briser le cercle de fer
fait le rêve chimérique de briser le cercle de fer qui les enserrait, mais dans lequel ils auraient pu vivre de la vie réduite et soumise qu'accepte la sagesse, ils étaient marqués pour le malheur et pour la mort. Il nous a paru intéressant de demander à M. Saint-Georges de Bouhélier ses impressions sur les discussions que souleva son œuvre. « Je m'y attendais, nous dit-il. Je ne dis pas cela après coup : il vous serait facile de retrouver cette prévision, dans certains propos tenus avant la répétition générale et publiés dans les journaux... La sincérité, au théâtre comme
et publiés dans les journaux... La sincérité, au théâtre comme dans la vie, provoque l'hostilité. Comment l'élite, qui compose la plus grande partie du public des répétitions générales, a-t-elle pu commettre l'enfantine erreur de confondre les idées de mes personnages avec les miennes ? Parce que j'ai peint un soldat déserteur, on s'est imaginé que je prêchais la désertion. Pourquoi n'a-t-on pas accusé Corneille d'être un mauvais patriote, parce qu'il a fait tenir à Camille des imprécations contre sa patrie d'une violence qui dépasse de beaucoup les propos de mon héros ! Et quand j'ai récemment retracé l'histoire d'Œdipe, pourquoi
héros ! Et quand j'ai récemment retracé l'histoire d'Œdipe, pourquoi ne m'a-t-on pas reproché d'admettre l'inceste et de glorifier le parricide ? Dans les théâtres de faubourg, certains spectateurs interpellent l'acteur qui joue le traître et menacent de lui faire son affaire à la sortie ; cette mentalité de primaire serait-elle celle de certains invités de ma dernière répétition générale? J'ai écrit une œuvre destinée à montrer la misère universelle des hommes : celle-ci a, si l'on veut, un caractère de nihilisme, mais de nihilisme intellectuel qui n'a rien de commun avec n'importe quel parti politique... Ma conception artistique de
commun avec n'importe quel parti politique... Ma conception artistique de la vie est pessimiste ; de quel droit m'empêcherait-on de l'exprimer, comme je l'ai fait jusqu'à présent et comme je continuerai sans doute à le faire dans mes prochaines œuvres dramatiques? Ajoutons que le public du Théâtre des Arts écoute, depuis lors, chaque jour, avec beaucoup d'intérêt et sans la moindre tentative de manifestation, cette œuvre d'émotion et de pitié. Celle-ci est d'ailleurs excellemment jouée par M. Dullin, artiste d'une remarquable intelligence qui, tout en vivant son rôle, sait le prolonger dans le symbole; par Mme Séphora Mossé, d'un vigoureux
prolonger dans le symbole; par Mme Séphora Mossé, d'un vigoureux réalisme et d'un pathétique angoissant ; par Mme Suzanne Demars, très expressive dans une silhouette curieuse, et par M. Arvel qui assure avec tact et justesse la tâche ingrate de personnifier la loi inexorable. La mise en scène avait été confiée à M. Baty qui a su créer une ambiance de réalité et de mystère, fort bien appropriée au caractère de l'œuvre. JEAN MANÉGAT. M. DULLIN (Bernard) Mme Séphora MOSSÉ (Anna) Acte Il. — Une idylle traquée. 2 M. Jean WORMS (Henri) Mlle Lucienne ROGER (Fintje) M. FONSON (Isidore) M.
WORMS (Henri) Mlle Lucienne ROGER (Fintje) M. FONSON (Isidore) M. SINOËL (Le ténor) M. AMBREVILLE (Le père Van Daele) Mme VENIAT (Mme Van Daele) Acte 1. — Où Isidore s'insurge contre les projets du ténor et de sa famille. AU THÉÂTRE DU GYMNASE "IL Faut JE A DE LA VOIX" Comédie en quatre actes de M. J.-F. Fonson, jouée pour la première fois le 10 mai 1920. De la fantaisie, de l'ironie, de la satire, de l'émotion, de la sincérité, telles sont les plus évidentes qualités de l'excellente comédie de M. J.-F. Fonson. Ce ne sont pas les seules. Certaines
M. J.-F. Fonson. Ce ne sont pas les seules. Certaines scènes sont d'une sensibilité et d'un esprit dont la qualité se rencontre aujourd'hui assez rarement au théâtre et qui haussent singulièrement le ton de la pièce. Le public en a été heureusement surpris. Il a vivement acclamé ces quatre actes qui sont assurés d'une très longue carrière. À Bruxelles, dans la boutique du charcutier Van Daele, Isidore sert les clients avec bonne humeur, et sa sœur, Fintje (ou Joséphine), tient les comptes du commerce. Isidore est une nature loyale, spontanée, qui représente, au cours de ces quatre actes, d'une façon
qui représente, au cours de ces quatre actes, d'une façon constante, le bon sens et l'heureuse tradition bourgeoise. Dans ses moments de loisir Fintje chante. Un soir, un ténor entre dans la boutique pour acheter un jambon en croûte — c'est un ténor « de Toulouse » naturellement. Il entend chanter la jeune fille. Il s'émerveille et contre la volonté d'Isidore et le sentiment d'Henri, le fiancé de Fintje, simple géomètre à l'Hôtel de Ville, il convainc toute la famille du « trésor qu'elle a dans sa voix ». Sous sa direction Fintje travaille, puis auditionne au théâtre de la
sa direction Fintje travaille, puis auditionne au théâtre de la Monnaie. Mais elle n'obtient pas d'engagement. Ne voulant pas se tenir pour battu, le ténor persuade à M. et Mme Van Daele qu'il faut envoyer Fintje à Paris où elle conquerra plus sûrement une notoriété digne d'elle. La mère, orgueilleuse et dépitée, le père, dégoûté de ses concitoyens qui n'ont pas voulu l'élire au conseil municipal, vendent leur commerce et débarquent dans la capitale. Van Daele s'y mêle d'affaires qui le conduisent peu à peu à la ruine. Acculé, il se tue. Fintje, sur les instances de sa mère qui
se tue. Fintje, sur les instances de sa mère qui ne veut pas céder à la défaite, restera encore à Paris quelque temps pour essayer d'obtenir un engagement, malgré les conseils d'Isidore accouru de Bruxelles, avec Henri, à la nouvelle de la catastrophe. Cependant, la jeune fille est reprise par son ancienne vie. Son esprit s'est ouvert à certaines vérités qui l'effraient. Où est le temps où elle chantait comme un oiseau libre dans la boutique du bon charcutier ? Aussi brûle-t-elle, sans la lire, la lettre qu'elle reçoit de l'Opéra-Comique et qui contient peut-être son engagement. Et dans les
l'Opéra-Comique et qui contient peut-être son engagement. Et dans les bras de son fidèle fiancé, dans la boutique paternelle rachetée par Isidore à force de travail et d'économie, elle retrouve le bonheur enfin. Bruxelles a raison contre Paris. L'interprétation est tout à fait exceptionnelle. La troupe de M. J.-F. Fonson mérite tous les éloges, son homogénéité est absolue. Dans le rôle d'Isidore, l'auteur lui-même est absolument parfait. Il est ému, spontané, simple, et nous a prouvé qu'il était capable de jouer suffisamment « en dedans ». M. Sinoël a silhouetté pittoresquement et avec beaucoup d'esprit le personnage du ténor «
pittoresquement et avec beaucoup d'esprit le personnage du ténor « de Toulouse ». M. Ambreville est un père Van Daele épanoui et non sans puissance; M. Jean Worms, un fiancé très réservé et sincère. M. Henri Richard, qui n'a qu'une scène, joue avec l'autorité d'un comédien de haute classe et M. Le Vigan a interprété fort habilement un rôle épisodique très difficile. Les femmes ne sont pas moins remarquables. Mlle Lucienne Roger, qui fut, on s'en souvient, une Mlle Beulemans célèbre, a de beaux yeux où semblent par instants se fixer les images de ses pensées, une sensibilité fine, un
fixer les images de ses pensées, une sensibilité fine, un charme rare qui en font une comédienne vraiment originale. Mme Veniat est une mère Van Daele tour à tour vaniteuse, emportée, douloureuse et tendre, de moyens irrésistibles dans le comique comme dans l'émotion. Enfin, Mlle Adrienne Lambert possède un talent expressif et qui mérite mieux que les deux scènes assez conventionnelles où elle a été justement applaudie. LÉON MOUSSINAC. M. DIENER (L'Aide du bourreau) Mlle DEPRESLE (Loulou) M. PAULAIS (Le Justicier) "LES PERVERTIS", Acte II. — Loulou, qui a trahi, est étouffée vive dans un cercueil par ses justiciers. AU
est étouffée vive dans un cercueil par ses justiciers. AU GRAND-GUIGNOL "LES PERVERTIS" Drame en deux actes de MM. André de Lorde et Pierre Chaîne "LOGEMENT D'AMOUR" Un acte de M. Palau "C'EST UNE RICHE AFFAIRE" Comédie en deux actes de MM. Pierre Veber et Pierre Montrel "UNE HEURE D'AMOUR" Pièce de MM. Charles Hellem et Paul d'Estoc Joués pour la première fois le 7 mai 1920 Faites claquer votre langue; messieurs les gourmets; pour lécher vous, petites chattes friandes d'émotions rares et de frissons étranges. Le maître Choisy vous sert un repas à sa manière, que dis-je! un festin
sert un repas à sa manière, que dis-je! un festin dont voici le menu. Hors d'œuvre : une facétie. Entrée : un assassinat. Plat de résistance : une fille étranglée vive dans un cercueil. Dessert : une fantaisie mousseuse de Pierre Veber. Dégustons. Le hors d'œuvre d'abord : Une Heure d'amour. Un vieux fétard s'endort chez une petite femme (Derlys). A son réveille, celle-ci lui fait croire qu'il est resté très jeune. Le vieux, qui jubile, la couvre d'or. Ah! si vieillesse savait!... Entrée : Logement d'amour. Une femme (Gonzalves) a fui avec son amant. Son mari, pour oublier, est
a fui avec son amant. Son mari, pour oublier, est parti au Klondyke. La fatalité jette les trois êtres dans la même cabine, en plein désert de glace. Le mari veut reprendre sa femme, qui s'y refuse. Les deux rivaux se battent. Un coup de feu. La femme tombe. Le mari chasse le meurtrier et sanglote sur le corps de sa bien-aimée. Ramassé, vigoureux, puissant, le drame saisit à la gorge. La cabine obscure, la bise qui siffle, l'odeur de la poudre, l'étreinte tragique de Viguier et de Diéner ajoutent à l'angoisse. Pas une hésitation, pas une faute. Bravo Plat
à l'angoisse. Pas une hésitation, pas une faute. Bravo Plat de résistance, sauce piquante : les Perverts, d'A. de Lorde et P. Chaîne. Une maison clandestine. La patronne : une profiteuse ; les clients des maniaques d'amour ; les pensionnaires : des martyres. Loulou, l'une d'elles, a vendu aux Boches la femme et la sœur d'un Belge. Un client la demande, — le Belge — il la couche dans un cercueil et l'y étouffe vive malgré ses hurlements d'horreur. La patronne accourt; ses pensionnaires, révoltées, l'étranglent. Deraisy (la proxénète) est superbe de cynisme et d'autorité ; Depresle (Loulou) très excitante
superbe de cynisme et d'autorité ; Depresle (Loulou) très excitante ; Derlys, un ange. Je remplace les points de suspension par des gouttes de sang. La Riche Affaire, le dessert : une petite femme avec un amant sérieux, un gigolo et une grosse bobonne encore vierge. Un soir, la belle découche. Le vieux cerculeux rentre éméché et se met au lit... avec la bonne. Révélation! il plaque l'infidèle pour la bonne. Mais la bonne (Daurand) adore le gigolo, qui file avec elle. Madame a perdu ses deux amants (deux de perdus, vingt de retrouvés), mais la bonne, mon Dieu, quelle
perdus, vingt de retrouvés), mais la bonne, mon Dieu, quelle catastrophe, la bonne!... C'est léger, c'est fin et très original : une friandise, une mousseline. Et Pierre Veber enregistre, avec le sourire, son 114e succès théâtral. Maintenant, que dire de l'habile directeur qui a composé, dressé, paré ce régal? Camille Choisy dose la lumière, règle les mouvements, ponctue le texte et insuffle à ses disciples sa conviction, sa flamme : c'est plus qu'un artiste, c'est un animateur. PAUL L'EVESQUE. M. Max DEARLY (le Marquis) Mme Marguerite CARRÉ (Mimosa) Acte II. — La scène du hara-kiri. À LA GAIETY-LYRIQUE "LA GEISHA"
— La scène du hara-kiri. À LA GAIETY-LYRIQUE "LA GEISHA" Opérette anglaise en trois actes, musique de Sidney Jones, jouée pour la première fois le 11 mai 1920. La Gaîté-Lyrique mérite décidément de plus en plus son nom : c'est un délicieux théâtre. Après la Belle Hélène, après Véronique, œuvres classiques dont les éloges ne sont plus à faire, voici que la Geisha nous comble de l'aubaine d'une opérette vive, preste, "bon-enfant" et dont la scatologie et la pornographie sont impitoyablement bannies. Sur une musique, gentiment et joliment troussée, abondante en airs et en rythmes, parfois tout à fait cocasses,