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en ce moment de Mme du Boccage) m'a frayé le chemin jusqu'ici, veuillez trouver bon que j'adresse à Mme Colette Yver, en même temps que le souvenir ému de notre déjà vieille amitié d'enfance, l'hommage fraternel de ma reconnaissante admiration. Préparer, dans les circonstances que je viens de dire, un véritable discours académique digne de vos traditions, un discours qui fût un travail inédit sur quelque sujet d'histoire locale ou générale, cela m'était totalement impossible, et peut-être après tout dois-je me féliciter de cette excuse de force majeure qui m'évitait des comparaisons par trop désavantageuses. Je suis tentée de le
des comparaisons par trop désavantageuses. Je suis tentée de le penser après avoir parcouru la série des Précis de vos travaux où se cachent tant de trésors d'érudition et de science. J'avais été tentée un moment de vous présenter une étude sur notre illustre aïeule en l'Académie de Rouen, Mme du Boccage, la première femme que vous ayez osé admettre, mais seulement comme associée libre — vous étiez timides en 1763 ! — et pourtant quel sérieux bagage littéraire elle vous apportait, cette exquise et redoutable créature qui, à trente ans, comme entrée de jeu, s'attaquait à la traduction en
ans, comme entrée de jeu, s'attaquait à la traduction en vers du Paradis perdu de Milton, puis à celle du Temple de mémoire de Pope, prenait d'assaut le théâtre avec la tragédie des Amazones dont la scène est « à Thébaysse, sur les bords du Thermodon », menait ensuite à bien une épopée de son cru : la Colombiade (quatre mille huit cents vers environ) ; entre temps voyageait en Hollande, en Angleterre, en Italie, recueillant partout les témoignages de l'admiration la plus enthousiaste, était élue par les Académies de Rouen, de Bologne, de Padoue, de Lyon (nous sommes loin
Rouen, de Bologne, de Padoue, de Lyon (nous sommes loin de compte, Mme Colette Yver et moi) et trouva sans doute avec tout cela la vie si belle qu'elle ne put se décider à la quitter qu'à quatre-vingt-douze ans sonnés ! Or cette physionomie m'intéressait d'autant plus que Mme du Boccage quoique jolie : Formâ Venus, arte Minerva lit-on sous le portrait qui figure en tête de ses œuvres, et quoique appartenant par toute sa vie au XVIIIe siècle, semble avoir été une très honnête femme : « cynique d'honnêteté », comme on disait à propos de je ne sais
», comme on disait à propos de je ne sais quel personnage de cette époque ; et outre que cela est tout à l'honneur de notre corporation de femmes écrivains, cela confirmerait l'idée que j'ai toujours eue qu'il n'est pas possible que la famille française, et notamment la femme française de cette époque, prise dans l'ensemble, ait été ce que voudraient nous faire croire quelques individualités plus bruyantes que nombreuses et réellement représentatives. Mais pour faire sur ce sujet œuvre qui vaille, il fallait replacer Mme du Boccage dans son cadre, dans son milieu social, littéraire, et cela demandait des
cadre, dans son milieu social, littéraire, et cela demandait des recherches qui ne m'étaient pas actuellement possibles. Il me fallut donc borner mes ambitions à un sujet que je connaissais un peu par avance, en ayant acquis à mes dépens quelque expérience pratique, et c'est ainsi que je vous présenterai ce soir, si vous le voulez bien, quelques très simples réflexions sur l'enseigne ment de l'histoire de l'art et le rôle qu'il peut avoir dans la formation intellectuelle et morale. Qu'un certain degré de connaissance des œuvres de l'art — je me limiterai ici aux arts plastiques, mais la même
je me limiterai ici aux arts plastiques, mais la même chose pourrait être dite de la musique — soit un complément de culture presque indispensable à une éducation libérale, il me semble que l'énoncé même de cette proposition emporte avec soi l'évidence : les œuvres de l'art sont, à travers les temps, parmi les manifestations les plus significatives que l'homme ait pu donner de sa pensée, de sa vision, de son idéal; les connaître autrement qu'en de vagues rencontres, sans enchaînement et sans suite, c'est entrer en contact de la façon la plus attachante et la plus intime qui se
façon la plus attachante et la plus intime qui se puisse avec l'âme des siècles écoulés ou celle même des contemporains, c'est aussi, en se mettant à l'école des grands artistes pour regarder la nature et la vie, avoir acquis comme le sens d'une langue nouvelle et de celle-là plus encore que des langues proprement dites, on peut dire que l'avoir acquise c'est posséder une âme de plus. Pour acquérir cette connaissance, la méthode historique, à condition d'être vivifiée constamment par le recours direct aux œuvres, au moins à travers leurs reproductions, me paraît s'imposer. Comme on comprend que le
leurs reproductions, me paraît s'imposer. Comme on comprend que le chapitre consacré autrefois à l'esthétique, c'est-à-dire n'est-ce pas à la philosophie de l'art, dans les traités de métaphysique de nos étudiants du baccalauréat, leur ait paru le plus fastidieux de tous! comment raisonner de ce que l'on ne connaît pas, de ce dont on ne peut trouver non plus les notions dans sa conscience ? au contraire, cette philosophie de l'art, encore que même bien décevante et arbitraire souvent, peut devenir d'un intérêt passionnant pour qui est en mesure d'en appliquer les données à un nombre suffisant de faits bien
appliquer les données à un nombre suffisant de faits bien connus. Ce serait assez, d'ailleurs, pour justifier la méthode historique, qu'elle fût le cadre le plus commode, comme un rayonnage dans une bibliothèque : l'établissement d'une série de cases, dans lesquelles viennent successivement se placer les observations, les images et le souvenir des émotions qu'elles ont fait naître, un plan qui permette de mettre chaque forme d'art à sa place avec son importance relative, de ne pas confondre les grands génies novateurs avec les disciples de quatrième ordre, les formes originales propres à un pays et celles qui n'en sont
originales propres à un pays et celles qui n'en sont que des imitations plus ou moins stériles ; en sorte qu'il apparaît vraiment qu'un minimum de connaissances historiques soit indispensable pour situer et juger sainement une œuvre d'art. Ceci, c'est de simple bon sens ; mais la méthode historique est précieuse aussi en ce qu'elle permet d'atteindre les intelligences et les sensibilités qui sont, ou se croient, le moins ouvertes aux choses de l'art. Et ici je vais, en répondant à une objection souvent formulée, énoncer un paradoxe apparent : à savoir qu'il n'est pas du tout nécessaire pour étudier
à savoir qu'il n'est pas du tout nécessaire pour étudier avec profit l'histoire de l'art de manifester au préalable des aptitudes artistiques très prononcées. Il n'est, à mon sens, presque aucun sujet de culture moyenne et d'intelligence suffisamment ouverte qui ne puisse bénéficier d'un enseignement artistique approprié. Permettez-moi, à ce sujet, un souvenir personnel : j'ai rencontré dans ma carrière de professeur, quoique assez rarement et cela même est significatif, des élèves qui faisaient profession de pratiquer personnellement le dessin ou la peinture. Quelques-unes, et parce qu'elles étaient en même temps des esprits réfléchis, ouverts et curieux, étaient d'excellentes élèves,
temps des esprits réfléchis, ouverts et curieux, étaient d'excellentes élèves, mais combien décevantes pour le maître certaines autres qui, tandis qu'il s'évertuait à commenter un tableau choisi entre tous comme significatif, les apercevaient le nez en l'air à l'autre bout de la salle ! Autre souvenir : Je visitais un jour les galeries du château de Versailles avec deux compagnons dont l'un était un des conservateurs du Musée, historien d'art d'une grande compétence, l'autre un artiste moderne des plus délicats et sensibles. Or, tandis que l'historien d'art et moi admirions surtout chez Le Brun et ses élèves ce qui, chez
surtout chez Le Brun et ses élèves ce qui, chez eux, est vraiment admirable : la belle ordonnance décorative, l'heureux balancement des lignes, notre interlocuteur s'extasiait lui, sur quoi ? sur certains ragoûts de couleur qui, la chose est évidente, n'étaient dus qu'au hasard de quelque restauration indiscrète. Loin de moi l'idée de le blâmer! l'abeille sait où trouver son miel, et encore bien que l'ignorance de certains artistes en ce qui concerne l'histoire même de leur art soit déconcertante, la grande affaire, après tout, étant d'apprendre à sentir et à regarder, ces élèves-là n'ont pas du maître un besoin
à regarder, ces élèves-là n'ont pas du maître un besoin indispensable et le maître peut se passer d'eux — sauf comme professeur d'humilité — enseignement mutuel ! Mais la prétendue absence de tout sens artistique n'est le plus souvent qu'un défaut de formation. L'étude méthodique d'un certain nombre d'œuvres bien choisies, graduées, enchaînées, replacées dans leur milieu historique et géographique, se reliant ainsi tout naturellement à d'autres connaissances déjà acquises : étude qui porte tantôt sur les caractères techniques de l'œuvre, tantôt sur son contenu moral ou sur les circonstances de sa création, tout cela diversifiant et entretenant la curiosité,
de sa création, tout cela diversifiant et entretenant la curiosité, amenant l'élève à regarder, à observer, peu à peu ouvrira ses yeux au langage des formes et des couleurs dans l'art. Dans l'art et aussi dans les choses, car l'art véritable, on ne saurait trop le redire, c'est la nature et la vie vues à travers la sensibilité d'un artiste, et l'artiste lui-même n'est pour nous autres profanes que le frère mieux doué qui a lu dans le grand livre de la création physique et du monde moral ce que nos yeux ne savent pas y lire et qui nous
nos yeux ne savent pas y lire et qui nous le fait épeler après lui. Je sais que certains privilégiés apportent en naissant ce don de vision, et pour ceux-là aussi je dirais bien volontiers qu'un enseignement d'art n'est pas indispensable. Dès lors que le sentiment du beau est éveillé, peu importe par quelle voie ! mais dans la grande majorité des cas, le chemin le plus direct va de l'art à la nature. Un paysage de Ruysdaël qui semble faire l'anatomie du terrain, de l'arbre, du ciel lui-même, où le nuage (la remarque est de Fromentin dans ce livre
le nuage (la remarque est de Fromentin dans ce livre admirable qui s'appelle les Maîtres d'autrefois) a son poids spécifique et son volume, un Corot tout baigné de lumière matinale, empli d'un air si pur et si frais qu'il semble n'avoir jamais encore été respiré, un chêne de Rousseau, individuel, vivant, je dirais presque passionné comme un être, voilà nos vrais guides pour découvrir la beauté des choses. Et ce qui est vrai du paysage, synthèse de la nature inanimée, l'est également de toutes choses sensibles, la ligne, la couleur, et leurs différentes combinaisons dans les formes. Mais je vais
et leurs différentes combinaisons dans les formes. Mais je vais plus loin et je dis que l'art bien compris et senti nous aide aussi à avancer dans la compréhension du monde moral. Et si l'on y réfléchit, cela se conçoit aisément : l'artiste ne copie pas purement et simplement à la manière d'un appareil photographique, il choisit, il élimine en vue d'un idéal préétabli; il en résulte qu'un geste, une attitude, une expression seront dans l'œuvre d'art plus significatifs que dans la nature, parce que les détails, les accidents qui, dans la nature, compliquent et altèrent la signification seront exclus,
dans la nature, compliquent et altèrent la signification seront exclus, tandis que tous les caractères significatifs seront choisis et groupés. Chez les grands maîtres du sentiment : un Rembrandt dans le passé, un Carrière parmi nos contemporains, ce caractère est si évident qu'il s'impose aux moins préparés. En nous faisant pénétrer plus avant dans le domaine des sentiments humains les plus profonds, les plus généraux : amour, passion, douleur (ceux-là seuls peuvent être rendus par l'art) la culture artistique augmente donc notre valeur humaine et morale. Elle l'augmente encore en ceci que le sentiment artistique est directement opposé à l'égoïsme.
ceci que le sentiment artistique est directement opposé à l'égoïsme. Il l'est d'abord parce que, pour jouir véritablement d'une œuvre d'art, comme d'ailleurs d'une œuvre littéraire — mais beaucoup plus que de la musique — il faut sortir de soi-même, oublier sa propre aventure, ses soucis, ses intérêts. C'est un des caractères de l'art que d'être désintéressé (d'aucuns en ont même voulu faire son caractère essentiel); c'est aussi une nécessité pour quiconque veut avancer dans la connaissance de l'art. Le sentiment artistique bien compris se reconnaît encore à cela qu'il aspire à se partager; n'en croyez pas l'image qui se
aspire à se partager; n'en croyez pas l'image qui se présente peut-être à votre esprit de quelque collectionneur endurci, apportant à la recherche et à la possession d'une pièce rare la passion jalouse d'un avare, oubliez aussi certains dilettantes pour qui la valeur d'une œuvre est en raison inverse du nombre de ceux qui la peuvent goûter (la religion de l'art a aussi ses faux dévots) mais considérez l'essence même de la production de l'œuvre d'art. L'artiste a toujours rêvé d'atteindre par elle le plus grand nombre possible d'intelligences et de sensibilités, et si, comme Mozart d'un de ses opéras
de sensibilités, et si, comme Mozart d'un de ses opéras — je crois que c'est de Don Juan — il dit l'avoir fait « pour lui et deux ou trois de ses amis », soyez sûrs que c'est là constatation mélancolique d'une réalité décevante, non l'expression d'un idéal. Il est rare cependant, j'en conviens bien volontiers, pour en avoir parfois souffert, que les œuvres des arts plastiques, architecture, sculpture, peinture, créent dans les esprits et les cœurs l'unanimité, le merveilleux accord que réalise la musique dans ses chefs-d'œuvre. Combien de fois ne m'est-il pas arrivé à Paris, dans une salle
fois ne m'est-il pas arrivé à Paris, dans une salle de concert, des hauteurs du Châtelet ou des promenoirs de Lamoureux (là où l'on tâte le mieux le pouls du public), en voyant toute une salle frémissante suspendue à l'archet d'un violoniste, d'envier pour mes grands amis les artistes une pareille atmosphère d'admiration quasi religieuse et universelle ! Ce n'est pas cependant dans la nature des choses, parce que la musique, au fond, s'adresse à une forme plus physique de la sensibilité, parce qu'elle se laisse mieux colorer à la nuance de l'émotion particulière de chacun, et aussi, j'y consens
nuance de l'émotion particulière de chacun, et aussi, j'y consens volontiers, parce que les arts plastiques réclament un degré de plus d'initiation. Il est cependant des sommets où se réalise presque l'unité d'impression que les arts plastiques aspirent, eux aussi, à produire aussi bien que la musique ou la poésie : certains chefs-d'œuvre de l'architecture, le Parthénon, nos cathédrales, certains maîtres qui ont été plus loin que tous autres dans le domaine de la forme ou celui de l'âme : la sculpture antique, le Michel-Ange des Esclaves du Louvre ou du Plafond de la Sixtine, Rembrandt surtout, peut-être, parce qu'il
du Plafond de la Sixtine, Rembrandt surtout, peut-être, parce qu'il a le don de ravir les délicats par les merveilles de son métier et de parler à tous par la magie de sa lumière et l'intensité de son sentiment ! Mon maître, M. André Michel, me racontait un jour qu'après une conférence faite sur Rembrandt dans un milieu populaire, il vit venir à lui un vieil ouvrier qui lui dit : « C'est vrai ce que vous venez de raconter là sur ce grand peintre qui a été si malheureux, si pauvre et qui a fait de si belles choses
si pauvre et qui a fait de si belles choses ? parce que, voyez-vous, ma femme est morte ce matin à l'hôpital, je suis tout seul, je ne savais que faire, alors j'ai vu que l'on allait montrer la lanterne magique, je suis venu et tout cela m'a tellement remué que j'en ai pleuré, et cela m'a fait du bien ». « C'est si vrai, répondit alors M. André Michel, que si vous le voulez demain, vous viendrez me voir au Louvre et je vous montrerai les tableaux dont j'ai parlé ». La visite eut lieu et j'en ai cru
parlé ». La visite eut lieu et j'en ai cru volontiers M. André Michel lorsqu'il me disait que jamais leçon ne l'avait plus ému ni intéressé. Oui, par cela seul qu'il fait sortir de soi, l'art est consolateur, un des plus puissants consolateurs dans l'ordre humain. Avoir appris à l'aimer, c'est s'être creusé une source de jouissances pures et désintéressées qui ne dépendent d'aucune vicissitude de la destinée ni des inégalités de la fortune : l'œuvre d'art est à qui sait en jouir, et si nous avons tous, par notre seul titre de Français, un trente-huit millionième de droit sur
seul titre de Français, un trente-huit millionième de droit sur la Joconde... ou la cathédrale de Rouen, qui pourra bien calculer les droits de jouissance supplémentaires que confère une intime compréhension de la beauté des chefs-d'œuvre? J'estime que cette connaissance intime peut aller dans le domaine de l'âme plus loin encore que les sentiments moraux, et venir utilement en aide au sentiment religieux lui-même; sentiment religieux pour des Français, et après vingt siècles de Christianisme, c'est, dans l'immense majorité des cas, sentiment chrétien plus ou moins conscient et profond, accepté de tout l'être, ou simplement subi comme un souvenir avec
de tout l'être, ou simplement subi comme un souvenir avec lequel on ne veut pas rompre. Or, sans reprendre l'éternelle et très difficile question de la valeur apologétique de l'art, on peut bien dire ceci : que l'art, qui doit au Christianisme tant d'inspirations, tant de suggestions fécondes, tant d'occasions heureuses de se manifester, lui a royalement payé sa dette. Et ce n'est pas seulement un incomparable trésor de formes et d'images que l'art chrétien a peu à peu amassé et qui s'offre à nous inépuisable, mais c'est encore l'ensemble de témoignages le plus précieux et le plus ingénu sur
de témoignages le plus précieux et le plus ingénu sur les façons diverses qu'ont eues les artistes de comprendre aux diverses époques les mystères du Christianisme. On dirait que l'art chrétien, considéré dans sa continuité, est comme un lapidaire qui, ayant à tailler une pierre précieuse, la présente d'abord sur une face, puis sur une autre, jusqu'à ce que, dans tout le diamant, il ne reste plus un coin d'ombre; tantôt, c'est la majesté qui domine, et tantôt le charme et la tendresse ; tantôt le pittoresque du décor, tantôt le pathétique de l'expression et tantôt la beauté du motif
le pathétique de l'expression et tantôt la beauté du motif plastique. Il n'est pas, quoi qu'on en puisse penser, d'époque complètement stérile à ce point de vue, et rien n'est plus délicat que d'essayer de doser la valeur religieuse comparée des diverses écoles, des divers pays, des divers artistes. Je vais prendre un exemple parmi les extrêmes, et je le crains bien, surprendre la plupart de mes amis, en inquiéter quelques autres. Il est convenu, n'est-ce pas, et je crois qu'en thèse générale et sans aucun parti pris on peut dire que la sculpture française de nos cathédrales dans son
dire que la sculpture française de nos cathédrales dans son ensemble est éminemment religieuse : et cependant, cependant ! puisque je suis en veine de confidences, je vais vous en faire ce soir une énorme : vers la fin du XIIIe siècle, la royale, gracieuse, mais si peu divine figure de notre Vierge dorée d'Amiens est-elle plus ou moins chrétienne que l'exquise jeune mère du XVIIIe siècle que tant de Rouennais ont l'occasion de contempler au moins une fois par semaine, le dimanche, pendant une demi-heure, la Vierge de Lecomte sur l'autel du Vœu ? Donc, sans trop prononcer de
sur l'autel du Vœu ? Donc, sans trop prononcer de jugements absolus, que chacun de nous, consultant ses prédilections intimes, après avoir honnêtement fait le possible pour former son goût par l'étude et la comparaison, compose comme il l'entend son musée d'art religieux. Mais toutes ces acquisitions précieuses, tous ces enrichissements de l'âme, de la sensibilité, de l'esprit et du cœur, nous faudra-t-il aller bien loin et faire le tour du monde pour nous les procurer? Non, et c'est ici sur quoi je veux surtout insister ce soir, parlant à des Français au lendemain de la plus terrible épreuve qui
des Français au lendemain de la plus terrible épreuve qui ait jamais mis en cause l'existence même de la Patrie, tout cela, ou presque tout, l'art français peut nous le donner, et nous lui devons en outre un trésor sans prix : le témoignage le plus éloquent et le plus persuasif sur notre physionomie nationale. D'autres nations peuvent se glorifier d'avoir apporté au monde une contribution artistique aussi précieuse; plus précieuse, je ne sais pas, car si la Grèce a le Parthénon et le miracle de sa sculpture, si l'Italie a sa Renaissance et presque tout le domaine de la
a sa Renaissance et presque tout le domaine de la peinture, nous avons créé l'art du XIIIe siècle. Mais il n'est pas un peuple qui montre à travers les siècles un développement plus continu ni qui ait plus souvent et de façon plus décisive influé sur l'art du reste de l'Europe. Et ce qui est plus attachant encore que sa continuité, que sa force d'expansion, c'est le caractère national constant de notre art français : ce caractère si bien modelé à l'empreinte des meilleures qualités de la race que, s'il n'existait pas, on sent que quelque chose d'unique aurait disparu
n'existait pas, on sent que quelque chose d'unique aurait disparu de la surface du monde. Clarté, sincérité, logique, indéfectible bon sens, pudeur de l'expression, mesure, exquise mesure! crainte, un peu trop grande parfois d'être dupe de sa propre émotion, mais sensibilité profonde et vraie, aptitude à se donner, à se dépasser dans l'enthousiasme, ai-je fait le portrait de l'art ou celui du peuple, de ce peuple de France que tous : nos fils, nos maris ou nos frères, dans le coude à coude du front, nous autres femmes dans l'intimité de l'hôpital, d'infirmière à blessé, nous avons appris pendant cette
de l'hôpital, d'infirmière à blessé, nous avons appris pendant cette guerre à connaître et à aimer comme nous ne l'avions jamais fait! Or ce sont ces mêmes qualités qui, tantôt triomphantes, tantôt comme voilées, mais se cherchant et finissant toujours par se retrouver, indiquent, soit que notre art est pur de tout alliage, soit qu'il subit passagèrement, un jour comme une maladie, un autre jour comme une simple crise de croissance, une influence étrangère qu'il saura bientôt s'incorporer et dépasser. Le trésor d'art de notre France, vous savez sa riche diversité : peinture de nos manuscrits depuis ceux des moines
diversité : peinture de nos manuscrits depuis ceux des moines de Tours jusqu'aux gloires des Très riches Heures de Chantilly ou aux pages si savoureuses de Jean Fouquet, prémices de notre architecture et de notre sculpture romane si pleines de sève, éblouissant matin de notre art gothique en lequel il faudra bien un jour que tout le monde reconnaisse notre époque vraiment classique (si l'art le plus parfait est celui qui enferme dans la forme la plus pure les pensées les plus hautes). Puis, culture exquise de notre Renaissance qui fait de tel château de la Loire, en dépit de
fait de tel château de la Loire, en dépit de tant d'influences subies, quelque chose de si spécifiquement français, décor somptueux et pondéré du XVIIe siècle, grâces du XVIIIe (qu'il fallait voir parodiées à Berlin ou à Potsdam pour en comprendre la mesure et le tact), enfin sculpture et peinture qui, aux moins bons moments, ont toujours su se sauver dans le portrait par le contact vivifiant de la nature, mais qui, au XVIIIe siècle avec Watteau, La Tour, Pigalle, Houdon, au XIXe avec Ingres et Delacroix, avec les paysagistes de 1830, avec Puvis de Chavannes et Manet, avec Monet,