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MA VIE DANS L'ART, par Stanislavsky (dit, Albert). NOTE SUR LA MISÈNE SCÈNE, par Emile Fabre (Champion). TEL ETAIT SILVAIN, par Jean Silvain (Decouflé et Steele). Que je vous rassure d'abord : Copeau ne vous est point infidèle, D'ici cinq semaines, peut-être quatre, nous le retrouverons à cette place, il aura repris le poste où il est aujourd'hui sans égal, puisqu'il apporte à juger des choses dramatiques l'expérience du comédien, du metteur en scène, de l'auteur, et qu'il y ajoute, avec tous les dons de fécrivain-né, la vaste culture qui défend celui qui la possède de prendre des airs dogmatiques
défend celui qui la possède de prendre des airs dogmatiques et tranchants. Brillante, animée, avec parfois une trouvaille, sa phrase est toujours agréable à lire et donne l'impression de la conversation, tout en étant toujours très dense et très riche. Pour avoir ainsi l'air d'être improvisée, elle demande du travail, et vous vous doutez que M. Jacques Copeau n'a jamais rien fait sans s'y donner tout entier. Mais ce n'est pas tout d'écrire, il faut avoir vu au préalable toutes les pièces qui se représentent, les nouvelles, les reprises. Cela prend du temps. Et il en manquera ces jours-ci. C'est
prend du temps. Et il en manquera ces jours-ci. C'est qu'avant d'accepter la critique des Nouvelles, il s'était engagé avec Mme Ida Rubinstein pour présider à l'Opéra à ses spectacles de mai : Perséphone, Salomé, des ballets de Stravinsky, de Honegger, quels des textes de Gide et de Valéry, un autre ballet de Jacques Ibert, Vline de Poitiers. Les répétitions ont commencé à l'Opéra, il est prié jour et nuit, pour ainsi dire. Il vous demande une petite trêve. Accordez-lui. Le prédécesseur de Jacques Copeau et son remplacement d'aujourd'hui a peut-être moins de scrupules, puisqu'il n'est entré, cette semaine, dans
peut-être moins de scrupules, puisqu'il n'est entré, cette semaine, dans aucune salle et qu'il ne s'interdira pas pour si peu de parler du théâtre. Copeau a rendu compte de tous les spectacles importants de ces derniers jours. Il a même écouté Verneuil. Il ne restait que la Porteuse de pain. Mais aller pleurer au théâtre, comme Diderot le recommandait à ses amis, comme il allait pleurer à son Père de famille, ne me disait rien hier soir et Cyrano je l'ai vu dix fois, comme vous. Je pourrais toujours dire, c'est vrai, à propos des chefs-d'œuvre inégaux de Montépin et
c'est vrai, à propos des chefs-d'œuvre inégaux de Montépin et de Rostand, mille choses aimables et morales. Cela serait plus facile Je pourrais montrer, ce serait plus facile encore, que les spectateurs qui s'y pressent sont de très braves gens, pleins de cœur et de raison, que Paris est toujours Paris, et que s'il a l'air de prendre un goût morbide à ces scandales qu'on nous sert trois fois par jour, il ne faut pas trop croire à notre décomposition. Cela est la vérité, le fonds est toujours sain. De même que l'Épître de suvirsky ne peut pas être sérieusement
même que l'Épître de suvirsky ne peut pas être sérieusement qualifiée de théâtre : on devine comment le Bordenave de Zola l'eût traité : "Mon théâtre ? Dit-ce mon travail ? Homme que je n'ai pas connu, sur cette peinture naturelle, est le livre que tous les écrivains de France pourraient écrire s'ils y prenaient. J'ai vu, vous savez. Stavisky ? Moi, pas. Il n'y a pas à s'en vanter, du reste. Le contraire, oui, serait plus surprenant. Ce n'est pas à Copeau, pour sur, que cet amateur d'art eût opposé des subventions. Et ce n'est pas l'acteur de mécènes
opposé des subventions. Et ce n'est pas l'acteur de mécènes qu'a jamais connu le grand russe incorruptible, Constantin Stanislavsky, dont je viens de terminer la vie dans l'art. Une lecture qui vaut mieux qu'une représentation, même excellente. Je sais plus satisfaits d'autant plus l'occasion se présente que le critique régulier des Nouvelles s'en défendra toujours : il en a écrit la préface. Un homme bien fait pour séduire Copeau que le fondateur du théâtre artistique de Moscou, Stanislavsky, a toujours eu du travail en général et de l'art dramatique cette conception puritaine dont de mauvais ont autrefois fait streiff à
conception puritaine dont de mauvais ont autrefois fait streiff à Copeau. Si simple lui aussi, avec un air dominant, intègre, modeste, aristocrate comme il y aura toujours des Russes pour l'être, haïssant le théâtre au théâtre, ou pour dire la même chose, ayant la passion de l'acteur vrai et n'étudiant qu'un problème, celui de l'interprétation de la vie authentique. Un grand artiste qui a tout joué, tout appris, tout connu, toutes les modes, tous les courants qu'il a usé tous les moyens de mise en scène, et qu'il a enseignés tous, pour finalement aboutir à la conviction que « le
tous, pour finalement aboutir à la conviction que « le seul maître de la scène, c'est l'acteur de talent » et non pas le metteur en scène avec ses cubes, ses mâts, ses escaliers. On ne peut s'intéresser aux choses du théâtre sans avoir lu cette confession d'un parfait ouvrier qui est à la naissance du théâtre révolutionnaire russe. Et puis, c'est plein de portraits, pas toujours très éloquents, mais d'un immense intérêt pour les fidèles de Tchekhov et de Tolstoï que l'on salue là, à parler de leurs pièces avec la modestie qu'on ne trouve naturellement que chez les
avec la modestie qu'on ne trouve naturellement que chez les grands. La rénovation de la mise en scène, les recherches originales des trente dernières années, sont dues à des étrangers. Dans une plaquette des Amis d'Edouard, M. Emile Fabre en expliquait récemment les raisons et exposait les particularités des metteurs en scène, historien non salé talent, mais laissant courir en filigrane une légère ironie, comme un homme qui a le Cid à monter et qui ne voit pas encore très bien ce que gagnerait Corneille à cette combinaison de paravents imaginée par Gordon Craig pour l'Hamlet, que le Théâtre artistique
imaginée par Gordon Craig pour l'Hamlet, que le Théâtre artistique lui avait demandé. Craig, qui supprimait l'entr'acte et le rideau, voulait, comme le rappelle Stanislavsky, "comme le Théâtre artistique lui avait demandé. créer, avec les paravents qu'on devait manier devant le spectateur, des rues, des tours, des angles. Un jour, paraît-il, ce fut la catastrophe, et il fallut baisser le rideau, les paravents s'écroulaient. M. Emile Fabre s'amuse de toutes ces fantaisies et de ces systèmes, parfois héroïques dans lesquels tant d'invention s'est dépensée. Il n'est que le voir à son pupitre, sous sa lampe, avec sa petite barbiche universitaire,
son pupitre, sous sa lampe, avec sa petite barbiche universitaire, au milieu des fauteuils d'orchestre vides, pendant une répétition, ou à l'avant-scène, donnant des indications, accélérant, ralentissant le débit d'un comédien, lui indiquant sa place sur le plateau, le mouvement qu'il doit y faire, en large, en profond. (Il n'y a que cent ans, le public vouloit qu'on se serve de la scène dans le sens de la profondeur ?) Vraiment il n'a pas l'air d'un évolutionnaire. Son petit livre, M. Fabre montre qu'il connaît bien son histoire du théâtre et qu'il a beaucoup lu ; il rappelle à quelle
et qu'il a beaucoup lu ; il rappelle à quelle date, d'ailleurs récente, on dressa des mobiliers complets sur la scène et les stylisations qui ont suivi par réaction, comme le cyprès et la colonne, par exemple, pour suggérer sous un ciel bleu toute la Grèce. Oui, tout cela est très joli, mais le premier devoir d'un metteur en scène, c'est d'abord d'arrêter sa distribution, dit-il. Il ne précise pas, mais on le comprend, qu'il soupire : cela ne doit pas être tous les jours si facile à la tête de la Comédie-Française. Quand on a un interprète parfait, laisse
de la Comédie-Française. Quand on a un interprète parfait, laisse entendre M. Fabre, il est en tournée, il fait du cinéma, ou quand il a l'interprète de la jeunesse du rôle, il n'en a pas la maturité, et quand il l'a dépassée, il ne l'a pas toujours non plus, cette maturité. C'est Silvain qui l'avait, cet âge ! Il mourut à plus de 80 ans. On avait remercié la chère Louise. On l'avait mis à la retraite lui-même, et il rentra par le Conseil d'Etat ! C'est très touchant, l'hommage que vient de lui rendre son fils : un livre
que vient de lui rendre son fils : un livre très vivant et pittoresque, qui nous présente Silvain de sa naissance à sa mort. J'étais un enfant quand Silvain me paraissait déjà un vieillard, et je ne pouvais pas imaginer que le doyen avait jamais eu nos âges normaux, avait été jeune, avait été un monsieur de quarante, de cinquante ans comme tout le monde, et j'avoue que cette biographie m'a étonné sur le moment. Il y a une chose, par exemple, qui m'a encore plus surpris, c'est quand le fils de Silvain, citant Émile Fabre, que son père avait
fils de Silvain, citant Émile Fabre, que son père avait connu petit clerc chez Maître Nathan, à Marseille, et rédacteur du Bavard, lui fait dire : "Mal, j'ai moins besoin d'artistes que de machinistes", donnant la préférence aux électriciens. La contradiction est formellement avec les théories que l'administrateur de la Maison exposait plus haut. Mais ces pages que M. Jean Silvain consacre à son père ne valent certes que par des pointes naturelles, de la part d'un cœur bien né, contre celui qui voulut interrompre prématurément, paraît-il, la destinée au tragédien au Théâtre Français. C'est affreux, la vie. On veut
tragédien au Théâtre Français. C'est affreux, la vie. On veut toujours mettre un autre à la porte. C'est ce que dut se dire M. Fabre, plus d'une fois j'imagine. Ce qu'il se disait encore en février, quand le démon de M. Daladier, un journaliste plein de talent, qu'Hitler trouva mieux inspiré, quand il lui accorda une interview qui fit quelque bruit, mais démoniaque, c'est le mot au moins ce jour-là conseilla au Président du Conseil de nommer à la Comédie-Française un policier d'ailleurs lettré, mais un policier tout de même. Je n'ai jamais mieux compris les difficultés que peut rencontrer
Je n'ai jamais mieux compris les difficultés que peut rencontrer un administrateur de la Comédie qu'en lisant la vie de Silvain. Que faire, lorsqu'on n'est pas grand diplomate, quand on se trouve confronté à un homme comme celui-là qui a été un très grand artiste, mais qui l'est moins, qui a des tics, des ridicules, des ronds de bras et des trémements, qui est vieux, très vieux, éraillé et qui ne veut pas s'en apercevoir. Pour commander à une troupe pareille, susceptible, avec raison le plus souvent, exigeante, difficile, capricieuse, il faut pouvoir lui en imposer. À des artistes comme
il faut pouvoir lui en imposer. À des artistes comme ceux-là, on n'en impose qu'en chérissant leur art avec plus de passion qu'eux, si c'est possible. Quand on est aussi strict, aussi assidu, aussi exigeant envers soi-même qu'on a le devoir de l'être envers la compagnie des comédiens, quand on possède une culture ornée, comme celle qu'ils aiment et le goût profond des traditions de la Maison ; quand on est souple, élégant, jeune, non, pas leur âge, qui est quand on leur paraît leur âge, qui est plus tendre encore, tout en ayant la pondération, la raison. Silvain est
encore, tout en ayant la pondération, la raison. Silvain est un gamin, tout érudit, tout bardé de gloire qu'il aime à se présenter. Et il en passe des personnes dans son existence ! Élève au Prytanée de La Flèche, il est le camarade et le condisciple de Galleni et de Pau. Capitaine à dix-neuf ans ! Après la guerre, celle de 70, on ne peut pas se confondre, il entre chez un armateur. Il part pour Carpentras déclamer la Grève des Forgerons : Puis, un progrès, il joue Fanfan la Tulipe, Sarcey l'entend, le recommande à Régnier, qui le prend
Tulipe, Sarcey l'entend, le recommande à Régnier, qui le prend dans sa classe au Conservatoire. Bientôt la Porte-Saint-Martin. 200 francs par mois, la gloire ! La Comédie, et sociétaire le 1er janvier 1882. Une vie charmante, modeste et animée ; Asnières, mais c'est encore la pleine campagne, des oiseaux, un vrai jardin zoologique, des grands-ducs, un vautour, des perroquets, des amis et ce soir François Fabré, Sully Prudhomme, le barbu, châtain, apaisé, que Leconte de Lisle, qui est de la bande, surnomme le pauvre notaire, Moreau qui, sur la nappe de son hôte, fait des libations de vin rouge avant
de son hôte, fait des libations de vin rouge avant de lire Iphigénie que Silvain jouera en 1903 à Orange, dont il a ressuscité le théâtre cinq ans plus tôt. Viviani qui parlait si lentement et si mal et dont il fait un orateur en lui apprenant la tirade d'Auguste, dans "Cinna". Professeur au Conservatoire, Silvain forme Léon Bernard, Siblot, Dorival, et jusqu'à Pierre Renoir, qui ne le rappelle pas comme les premiers. Poète lui-même, mais de petits vers, des mirlitons non sans hargne, dont il impatiente les camarades, l'administrateur et le ministre qui ne le supportent plus qu'à demi.
et le ministre qui ne le supportent plus qu'à demi. Mais pas méchant homme, ayant voué sa vie aux tragédies et aux grands vers qui demandent une voix sonore. J'espère que les comédiens liront cette vie d'un des leurs qui fut grand par cette passion-là. Il aima, il admira, donc il fut heureux. Mais nous revenons en ce moment aux vues saines. A quoi bon finir tant de cinéma pourquoi se fatiguer à courir autant les tournées ? L'argent est si peu de chose, en comparaison du bonheur qu'un Silvain a connu en ne se donnant qu'à son art. Que
a connu en ne se donnant qu'à son art. Que les comédiens français vivent davantage avec nous. Qu'ils recherchent pour amis les poètes, les écrivains, comme faisaient autrefois. Ils verront encore mieux qu'ils sont dans le vrai en jouant du Marivaux, comme ils viennent de le monter, mais non en donnant "La Couronne" de carton quand ils ont Giraudoux sous la main. MAURICE MARTIN-DU CARD. LE CINÉMA Gardez le sourire. La carrière de Paul Féjos a de quoi nous déconcerter : elle est un exemple typique de l'extraordinaire hasard qui régit la production cinématographique. Pendant les derniers mois du muet,
régit la production cinématographique. Pendant les derniers mois du muet, au moment où ce mode d'expression, dont on ne se doutait pas qu'il était frappé de mort, brillait d'un éclat que l'écran n'a plus égalé par la suite, où les œuvres de qualité abondaient : où le chant du cygne, si l'on peut dire, des images silencieuses modulait avec tant de variété, de vie, d'invention que nous pouvions le prendre pour une seconde naissance, pour une sorte de réenfente, à cette époque un peu fiévreuse et bouillonnante. Ce metteur en scène, Hongrois fixé aux États-Unis, nous avait donné "Solitude". On
scène, Hongrois fixé aux États-Unis, nous avait donné "Solitude". On n'a pas oublié le retentissement de cet ouvrage. Sa simplicité, son dépouillement en faisaient un modèle, un résumé décanté de la science acquise ; la nouveauté de son émotion, sa syntaxe visuelle semblaient présager un style, opérer la synthèse de maintes tentatives fragmentaires, incomplètes. Nous pensions assister à une aurore ; en réalité nous aboutissions à un cul-de-sac. Bientôt la technique du sonore allait tout remettre en question. P. Féjos n'a jamais retrouvé, jusqu'à "Gardez le sourire", la veine de "Solitude". Cet homme, que nous considérions comme un grand artiste
"Solitude". Cet homme, que nous considérions comme un grand artiste créateur, n'a cessé de nous décevoir. N'a-t-il pu s'adapter au parlant ? "Solitude" n'avait-elle été qu'une heureuse fortune ? Les collaborateurs du découpage, du montage, du scénario avaient-ils si fortement encadré l'auteur principal que ses défauts en avaient été refoulés et sa personnalité exaltée ? C'est fort possible. En tout cas, "Gardez le sourire" témoigne d'une sûre adaptation aux moyens d'aujourd'hui, de la domination de l'outil par l'ouvrier ; et ce film, aux trois quarts réussi, s'il n'atteint pas à la pleine unité de rythme et d'architecture, nous ravit cependant
la pleine unité de rythme et d'architecture, nous ravit cependant par sa gentillesse et son humanité, son imagination psychologique. Les caractéristiques mêmes, en somme, de "Solitude", un peu dispersées toutefois et nageant à l'aventure, souvent voilées ou naufragées dans le développement. Peut-être P. Féjos a-t-il besoin, pour maintenir son génie, pour l'empêcher de s'égarer et, surtout, de se répéter inutilement, de l'armature américaine, de ses équipes, de ses superviseurs, de ses découpeurs et monteurs impitoyables qui ne tolèrent pas la bavure. Organisation fatale à certains esprits, corset tutéltaire aussi qui a sauvé bien des garçons richesment doués, mais un peu
a sauvé bien des garçons richesment doués, mais un peu faibles des reins. Le sujet sans complications, on pourrait le conter en deux mots. Idylle viennoise d'un chômeur et d'une petite sans travail qui vont se noyer. Jean repêche la jeune fille ; ils vagabondent, ils subsistent de métiers instables et pittoresques; ils finissent, malgré le destin, les accidents, par acheter un taxi à l'impétueux. Cela demeure, on le voit, dans la note familière et sentimentale de "Solitude". Beaucoup de scènes et d'enchaînements vous enchanteront pour peu que vous ayez le cœur sensible et naïf, les yeux frais. Tout le
le cœur sensible et naïf, les yeux frais. Tout le début d'abord, d'une venue magnifique et d'une extrême originalité de conception. Pas de générique, aucune de ces fastidieuses énumérations de noms dont on nous assassine d'ordinaire comme prologue à l'action ; des actualités, et si adroitement tournées que nous sommes englués au piège ; des tableaux de la crise et du chômage à Vienne. Nous ne nous dégorgions que lorsqu'Jean, le chauffeur qui cherche l'embouchure, se détache du documentaire : et nous passons, par un tour merveilleux, de l'information à la comédie, de telle manière que les personnages jaillissent naturellement
la comédie, de telle manière que les personnages jaillissent naturellement du quotidien et de la rue, qu'ils ne peuvent plus, si la suite est réussie, nous apparaître comme des acteurs. Ceci vaudrait déjà le voyage ; mais il y a bien d'autres choses : le mariage aux sons de l'orgue d'une riche paroisse, la bénédiction dérobée, gag d'une touchante innocence ; les paysages que se fabriquent les amoureux dans une agence de tourisme et leurs fictions de départ, le neige de Venise, l'Afrique, la traversée ; la maison ouvrière du faubourg se cotisait pour payer la mensualité que Jean doit
faubourg se cotisait pour payer la mensualité que Jean doit au marchand de taxis pendant que sa blessure le tient à l'hôpital, étonnante réalisation de l'élan collectif d'un groupe, de la fraternité qui soude les pauvres gens entassés dans une de ces casernes où aboutit la cité moderne, fraternité qui semble gagner l'immense immeuble lui-même et le douer, pour un moment, d'expression et de vie. Ainsi ce film péniblement composé et qui n'évite pas toujours les trous ou le ressassage, présente de si frappantes beautés, foisonne de tant de trouvailles qu'on lui pardonne aisément quelques défaillances. La pureté, l'inspiration, la
qu'on lui pardonne aisément quelques défaillances. La pureté, l'inspiration, la gentillesse – je n'en ai pas de meilleur à ma disposition, la sensibilité de l'ensemble emporte tout. Annabelje, est exquise. Alexandre ARNOUX. Le mal musique. Si d'aventure vous venez au concert avec une tête trop raisonnée, je vous promets ces temps-ci une abondance de racontars. Ainsi, l'autre dimanche, on jouait chez Lamoureux une Suite extraite de la partition composée pour un film. D'abord, nous étions surpris de voir combien le public semble se détourner de nos salles les plus commodes, Où est le temps où Romain Rolland observait que la
Où est le temps où Romain Rolland observait que la salle Gaillard était beaucoup trop petite pour le public des Concerts Lamoureux ? Quant à l'Illustrious 1. Ensuite, ne trouvez-vous pas complexe et un peu décevante cette question de la musique de scène et plus encore d'écran, ajoutée au concert ? Chacun sait quelle place elle tient dans la vie de nos musiciens, sinon toujours dans la vie musicale. La « commande » d'une partition pour un film est un des moyens essentiels de subsistance, pour un compositeur. Esthétiquement, ce moyen est-il bon, est-il méchant ? Je le crois nécessaire,
moyen est-il bon, est-il méchant ? Je le crois nécessaire, mais quant à l'esthétique j'avoue ma perplexité. Car enfin, si l'œuvre sonore s'adapte exactement à la bande, il est à craindre qu'au concert et privée de son équivalent visuel in vitro, si l'on peut dire, cette musique soit prétendue dans des conditions fictuelles. Et pourtant, autre danger, lorsque nous l'entendons au cinéma, nous l'entendons mal; elle risque de n'être plus qu'une musique d'ameublement, un élément décoratif et non le principal. Je songe singulièrement ici à la partition d'Hallemger pour les Misérables, chef-d'œuvre, me dit-on, et qui rejoint la veine québecoise.
Misérables, chef-d'œuvre, me dit-on, et qui rejoint la veine québecoise. populaire au meilleur gens du temps, du roi David. J'en ai bien le sentiment, mais confus et noyé sous un déluge d'images, parce que le film ne laisse plus émerger que çà et là quelque musique. Et vraiment j'attends cette fois l'audition au concert. Il faut y ajouter le problème technique de la « sonorisation » à quoi doit se livrer le compositeur en présence de ce « milieu » nouveau. Là, d'ailleurs, il arrive que la difficulté devienne une source féconde, ce qui est le plus souvent la loi
source féconde, ce qui est le plus souvent la loi de l'art. Justement, la Suite française qu'exécutaient récemment les Concerts Lamoureux nous en est un bel exemple. L'auteur, Maurice Jaubert, vit en étroit contact avec le cinéma sonore. Il en sait les problèmes, les difficultés, mais il nous en prouve également les ressources. La Suite française, c'est la partition pour La Vie d'un fleuve de Jean Lods : un prélude, une pastourelle simple et chantante, un air sinueux avec souplesse et toujours mélodique, une valse sur quoi je vais revenir, une ronde finale. Eh bien ! Jaubert qui est le
une ronde finale. Eh bien ! Jaubert qui est le musicien de la clarté fluide, de l'expression passant avant la grammaire, se plie avec une heureuse et parfaite habileté aux exigences techniques de la réalisation cinématographique. Son petit orchestre est d'une pureté frappante, il pratique l'aquarelle instrumentale avec une sûreté de touche remarquable. La valse est d'une réussite égale aux stylisations d'un Kurt Weill ; les cuivres murmurent leur romance, la fleur bleue populaire sur fond de piano mécanique, c'est-à-dire de batterie ou de célesta, si je ne me trompe. Le sentiment est exact. Surveillons avec attention ce qui sort
Le sentiment est exact. Surveillons avec attention ce qui sort d'une plume si suave et avisée à la fois. Ce même jour et dans ce même endroit, Chants laotiens d'Emile Tomasi, sympathiques comme l'auteur lui-même et d'un réel charme exotique. Seul, le parfum impérissable des pièces de Debussy, construites sur la gamme extrême-orientale, nous gênerait sans doute pour nous laisser aller tout à fait à ce charme. Tournons la page. Chez Pasdeloup, Inghelbrecht nous offre une première audition de Jacques Dupont. Je vous ai dit, naguère, la valeur de compositeur et d'exécutant qui fait le double intérêt de ce jeune
et d'exécutant qui fait le double intérêt de ce jeune artiste. Son Concert, écrit l'été dernier, tient les promesses des précédents ouvrages. C'est tantôt un poème pour violon et orchestre (tel le prélude assez tristanesque), tantôt un concert proprement dit où l'instrument s'ébat en virtuose (particulièrement dans le récit central). Mme Denyse Bertrand exprime admirablement ce double caractère et gagne une partie difficile. Quant à l'auteur, il se révèle très maître de son orchestre, de son métier et de son amour. S'il veut s'efforcer à plus d'originalité, travailler encore son style et sa pensée, on demeure persuadé qu'il prendra l'une