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intervalles, dans des fêtes solennelles, qu'on s'y portait en foule de tous les points de la Grèce, et jugez de l'enthousiasme d'un peuple passionné pour la poésie et dont les sens n'étaient pas blasés par des spectacles trop fréquents. On ne peut guère le comparer qu'à l'ardeur avec laquelle, au moyen âge, les populations entières couraient s'édifier, autant que se divertir, à la représentation des Mystères. Une tragédie grecque, quelle que soit la dignité de la traduction, est donc un tableau qu'on ne peut juger hors de son cadre, quelque chose comme un scenario d'opéra qu'on représenterait sans la musique
chose comme un scenario d'opéra qu'on représenterait sans la musique et sans les décors; et quand même on tenterait d'y ajouter ces importants accessoires, comme on l'a fait autrefois pour l'Électre, jouée à l'Odéon, avec la musique de Mendelssohn et tout l'appareil de la scène antique, il est facile de comprendre que l'effet en serait encore mesquin et de nature à procurer tout au plus une sorte de plaisir arrière. Quel scenario pourtant qu'Électre, et comme on est tenté de demander pardon pour avoir osé qualifier de ce mot un pareil chef-d'œuvre! « Électre, c'est l'idée de la fatalité antique,
pareil chef-d'œuvre! « Électre, c'est l'idée de la fatalité antique, c'est encore l'idée du talion incarnée dans une vierge à demi barbare. En revenant de Troie, Agamemnon a été assassiné, dans son propre palais, par une épouse infidèle. Pendant qu'on tuait son père, Hécube a soustrait secrètement Oreste, encore enfant, et l'a confié à une esclave pour être conduit et élevé en Phocide. Depuis lors, Clytemnestre et Égisthe, la reine coupable et son complice, poursuivent la malheureuse Électre de leurs ressentiments, et l'abreuvent d'humiliations et d'outrages. Traitée en captive dans le palais de son père, elle appelle de tous ses
le palais de son père, elle appelle de tous ses vœux ce frère qu'elle a sauvé pour punir les assassins. Il tarde bien à revenir, hélas! tout espoir est perdu. Voici que deux Phocéens viennent annoncer qu'Oreste a péri aux jeux Pythiques. Électre s'abandonne au plus violent désespoir. Oreste, cependant, a consulté l'oracle d'Apollon, et, pour obéir aux ordres du dieu, est revenu à Argos, avec Pylade, son ami. C'est lui-même qui a répandu le bruit de sa mort pour mieux assurer sa vengeance. Bientôt Électre a reconnu son frère, et quand Égisthe accourt pour contempler les restes de son
et quand Égisthe accourt pour contempler les restes de son ennemi, c'est le cadavre de Clytemnestre qu'il découvre sous le voile qui paraissait cacher le fils d'Agamemnon. Tel est, en résumé, le sujet d'Électre. Les premières scènes, l'action parait un peu lente au gré de notre sensibilité moderne, mais il ne faut pas oublier que le poème se déroule chez les anciens, dans d'autres conditions, et que l'admirable beauté du dialogue et des strophes les passionnait autant que le pathétique des situations. Il n'y a pas dans l'antiquité poétique de plus haute figure que cette place Électre. Aussi longtemps que
plus haute figure que cette place Électre. Aussi longtemps que le meurtre d'Agamemnon n'aura point été expié par la mort des assassins, Électre ne cessera pas d'errer, en criant vengeance, dans le palais et dans les rues de Mycènes. Voyez-la entrer en scène c'est par un sanglot qu'elle s'annonce. « Je crois entendre, ô mon fils, dans l'intérieur du palais, les gémissements d'une esclave, » dit le gouverneur d'Oreste. Quelle énergie, quelle majesté dans cette immense douleur qui lui fait invoquer comme une divinité cette Niobé, « qui a tant souffert et qui, dans son sépulcre de pierre, toujours pleure!
souffert et qui, dans son sépulcre de pierre, toujours pleure! » Et jamais elle ne se lasse de supplier les dieux infernaux, la redoutable Érinnys, « l'Imprécation révérée, » qui ne se hâtent point de lui envoyer Oreste. Cette attente opiniâtre d'Électre est encore mieux accusée par la douceur craintive de sa sœur Chrysithémis; c'est dans cette foi indomptable qu'est la véritable grandeur de la fille d'Agamemnon. La scène entre Électre et Clytemnestre est d'une simplicité et d'une violence qui pourraient choquer un public peu au fait des mœurs antiques. Dans la famille primitive, la mère est loin d'avoir le
Dans la famille primitive, la mère est loin d'avoir le rang qu'elle occupe aujourd'hui. Le père est le pasteur, le roi, le dieu devant son cadavre sanglant, tous les assassins sont égaux. C'est là ce qui, plus tard, a rendu si difficile au théâtre ce sujet d'une mère sur qui ses enfants vengent le meurtre de leur père. Shakespeare lui-même, malgré tout son génie, n'a pas osé le mettre tel quel à la scène, et c'est sans doute pour sauver l'horreur d'une pareille situation que Hamlet, partagé entre le souvenir du crime maternel et les restes de l'amour filial, nous
du crime maternel et les restes de l'amour filial, nous est représenté comme en proie à des hallucinations voisines de la folie. A partir de ce moment, l'intérêt grandit de scène en scène, jusqu'au point culminant du drame, à cette sublime reconnaissance où Électre presse sur son cœur l'urne qui est censée contenir les cendres d'Oreste. Que de grâce dans sa douleur, et comme elle pleure doucement ce frère qui l'a quittée tout enfant, et qu'elle voit toujours sous les traits de l'enfance! Et quand on lui apprend qu'Oreste n'est pas mort, comme elle passe tour à tour de l'étonnement
pas mort, comme elle passe tour à tour de l'étonnement à l'anxiété, de l'anxiété au doute, et du doute au délire le plus vif et le plus tendre! Ô chère lumière! ô douce voix, tu es enfin venue! Et cependant son terrible frère lui rappelle que le temps presse, et qu'il faut agir. « Agir, » c'est tout le rôle d'Oreste. Je ne pense pas qu'il y ait au théâtre une plus sombre et plus épouvantable figure que celle de cet exécuteur irresponsable des arrêts des dieux. Oreste, c'est la Fatalité vivante et armée. Il tue sans colère, et sa
Fatalité vivante et armée. Il tue sans colère, et sa seule préoccupation semble être de suivre de point en point, avec une aveugle obéissance, l'oracle d'Apollon. L'oracle accompli, il n'aura pas plus de remords qu'il n'a eu d'hésitation. Quand il revient en scène, après le parricide, à l'interrogation anxieuse de sa sœur, il répond, impassible : « Dans le palais, tout va bien, si l'oracle n'est pas trompeur. » Il n'a eu un mouvement de sensibilité que dans l'admirable scène de sa rencontre avec Électre, mais il l'a réprimé sur-le-champ. On sait que le sujet d'Électre a été traité par
On sait que le sujet d'Électre a été traité par les trois grands tragiques grecs et par une foule de poètes modernes. Tous ont fait d'Oreste l'acteur principal du drame. Sophocle est le seul qui ait mis la sœur au premier plan en quoi il a eu raison, selon moi. Électre est femme, et, comme telle, doit avoir les sensations plus vives que son frère. D'ailleurs Oreste n'était qu'un enfant quand s'est accompli l'horrible forfait; emmené loin de Mycènes, il n'en a gardé qu'un souvenir confus. Sa sœur, au contraire, traitée comme une esclave dans le propre palais de son
traitée comme une esclave dans le propre palais de son père, vêtue misérablement, objet d'une insultante pitié, voit tous les jours Égisthe, ce assis au trône paternel, répandre des libations, près du foyer domestique, à la place où il a égorgé Agamemnon; et elle voit sa misérable mère partager le lit de l'assassin. Tout souffre dans l'héroïque victime, sa grâce, sa pudeur, sa piété filiale et, plus que tout, cette haine des méchants, cet amour de la justice qui semble être le trait dominant de son caractère. Le dénouement d'Électre est admirable. Clytemnestre est frappée dans la coulisse. On entend
est admirable. Clytemnestre est frappée dans la coulisse. On entend ses prières et ses cris pendant qu'Oreste, comme un sacrificateur, la tue en silence. Électre, sur la scène, encourage son frère à redoubler ses coups. Ce mot « redouble » serait monstrueux s'il n'était sublime. Sophocle nous a fait tant aimer Électre et si bien détester Clytemnestre, que, malgré notre horreur moderne pour le meurtre d'une mère par ses enfants, nous avons pris parti pour les meurtriers, et, comme eux, nous avons hâte d'en voir. Après Clytemnestre vient le tour d'Égisthe. La scène est brève, familière, terrible. "Ne vois-tu pas,
d'Égisthe. La scène est brève, familière, terrible. "Ne vois-tu pas, lui dit Oreste, que tu parles à des vivants comme s'ils étaient morts?" "Ah! je comprends, il n'y a qu'Oreste qui puisse me parler ainsi." Oreste lui ordonne de le conduire à l'endroit où son père a été égorgé, et il obéit sans résistance, comme un condamné qui va se livrer au bourreau. De tous les poètes qui ont traité ce magnifique sujet, Sophocle est certainement celui qui l'a le mieux rendu. Son Électre est plus humaine, plus vraie, plus émouvante que les Électres d'Eschyle. Eschyle a fait de la
émouvante que les Électres d'Eschyle. Eschyle a fait de la Providence le personnage dominant de sa trilogie; il en résulte que ses caractères s'effacent, et que son drame manque à la fois de mouvement et de passion. Son unique ressort est la terreur religieuse, mais il faut reconnaître qu'il a su l'employer avec une grandeur incomparable. Euripide est à la fois un philosophe, et, si j'ose dire, un romantique. Il veut renouveler ce sujet traité déjà par deux hommes de génie, et, bien qu'en certains endroits il serre de plus près la tradition mythologique, il semble avoir plutôt dénaturé que
près la tradition mythologique, il semble avoir plutôt dénaturé que rajeuni les types. C'est ainsi qu'il fait d'Électre la femme d'Antigonus, un laboureur argien, qui respecte la couche de la fille des rois, sans doute pour qu'elle puisse passer plus tard dans les bras de Pylade, lequel Pylade l'épouse, en effet, au dénouement. Je sais bien que, selon les mythologues, Électre épousa Pylade et en eut des enfants; mais concevez-vous une fin plus indigne de la vierge spartiate? Autant vaut se figurer Némésis mariée et mère de famille. La nécessité d'innover a engagé Euripide à dessiner plus nettement un personnage
d'innover a engagé Euripide à dessiner plus nettement un personnage qu'Eschyle et Sophocle avaient tenu dans la demi-teinte. Je veux parler de Clytemnestre. Euripide nous la montre timide, humiliée, attendrie même par la misère d'Électre et rejetant sur sa peur l'exil où elle a condamné Oreste. Il est assez curieux de voir comment cette même préoccupation, jointe à la difficulté de présenter un pareil drame à des spectateurs modernes, a fait avancer peu à peu ce personnage vers le premier plan. Je n'ai rien à vous dire de l'Électre de Lazare Baïf, ni de celle de Pradon, qui n'a même
Lazare Baïf, ni de celle de Pradon, qui n'a même pas eu l'honneur d'être imprimée. Je ne m'arrêterai pas davantage à l'Électre de Crébillon, qui nous montre les amours en partie double d'Électre et d'Itys, fils d'Égisthe; d'Iphianasse, fille de la première femme de ce roi barbare, et de Tydée, un noble étranger, lequel n'est autre qu'Oreste lui-même. J'arrive à l'Oreste de Voltaire. À la fois épouse sanguinaire et mère encore sensible, Clytemnestre y est attachée à Égisthe par les liens de l'amour et du crime, à ses enfants par ceux du sang et de la nature. La lutte qui
ceux du sang et de la nature. La lutte qui s'établit entre ces sentiments contraires, élève à une grande hauteur morale son caractère et fait de son caractère une conception profonde; mais cette lutte détourne le drame de sa véritable voie. Alfieri l'entraînera davantage encore dans cette route nouvelle, indiquée par Euripide. Clytemnestre, dès sa seconde scène, met Électre dans la confidence des apparitions funèbres qui la poursuivent. Son époux, dit-elle, "toujours semble souverainement plonger ses mains dans son sang et le lui jeter au visage." Alfieri, plus encore que Voltaire, s'étend sur les alternatives passionnées qui emportent Clytemnestre du
Voltaire, s'étend sur les alternatives passionnées qui emportent Clytemnestre du crime au devoir, d'Égisthe à Oreste; il finit presque par nous intéresser à la situation de cette misérable femme qui, pour prix de ses forfaits, ne recueille que le dégoût et l'horreur de son complice. Enfin la tragédie éclectique qu'Alexandre Soumet a composée avec des morceaux détachés d'Eschyle, de Sophocle, de Voltaire et d'Alfieri, s'intitule franchement Électre, et nous montre Oreste et sa mère pleurant sur le sein l'un de l'autre. Clytemnestre y paye sa dette à l'amour maternel et aspire à sauver son époux. Après ces déviations successives et
aspire à sauver son époux. Après ces déviations successives et que je n'ai pu qu'indiquer par le trait le plus marqué, il serait intéressant de rechercher ce qu'un auteur contemporain a fait de cette donnée en la transportant dans notre civilisation. Il s'agit, en effet, dans Colomba, comme dans Électre d'une jeune fille passionnée du désir de venger son père assassiné. S'il est vrai que M. Mérimée ait pris à Sophocle le principal personnage de son roman, il a dû, avant tout, écarter le meurtre de la mère comme trop antipathique au lecteur moderne; puis, pour que sa sauvage héroïne
antipathique au lecteur moderne; puis, pour que sa sauvage héroïne fût vraisemblable, il l'a placée dans un pays à demi barbare, où le sentiment de la vengeance est, pour ainsi dire, naturel et une tradition de race; il lui a donné toutes les qualités féroces qui conviennent à un pareil caractère, sans lui refuser pourtant les grâces de la femme; il lui a mis dans le cœur autant d'amour pour son frère qu'Électre en éprouve pour Oreste; enfin, comme il fallait bien que le drame fut quelque part, il a supposé que ce frère était formé, dans un autre milieu,
supposé que ce frère était formé, dans un autre milieu, des principes différents, et qu'il luttait à la fois contre les suggestions de sa nature et contre celles de sa sœur. Colomba est, en effet, un véritable personnage antique, tout d'une pièce, grand cœur et étroit, comme Électre et comme Oreste. Son frère Orso della Rebbia est un Oreste qui résiste, un instrument qui se dérobe à la main qui prétend le diriger. Autour d'eux, les acteurs secondaires se divisent en deux groupes d'un côté, Bariccini, ses fils, les brigands, vrais types primitifs; de l'autre, le colonel Netvit, miss Lydia,
vrais types primitifs; de l'autre, le colonel Netvit, miss Lydia, sa fille, le préfet, échantillons d'une civilisation très-avancée. On voit tout de suite quelle sera la différence des deux: l'une noble, pure, harmonieuse, s'avancant lentement vers deux ou trois grandes scènes; l'autre plus savante, moins artificielle au fond, remplaçant la synthèse par l'analyse, arrivant à son but par l'accumulation des faits, dont parle quelque part l'écrivain Beyle, et faisant jaillir l'intérêt du choc continuel de deux éléments contraires. Le dernier, venu, M. Léon Halévy a essayé de nous rendre l'effet de Sophocle dans sa calme simplicité. Pour les raisons que
de Sophocle dans sa calme simplicité. Pour les raisons que je crois avoir indiquées plus haut, il ne pouvait nous donner, au lieu de la tragédie grecque, qu'une sorte de poème dialogué comme on en joue à la Comédie française. Il m'a paru de plus que sa paraphrase élégante eût mieux convenu à l'abondance d'Euripide qu'à la noble familiarité de Sophocle. Sous la tirade pompeuse et qui s'attarde parfois dans le vide de l'épithète, je n'ai pas souvent retrouvé le style sobre, vif, serré et, pour ainsi dire, sculptural du modèle. Enfin, M. Halévy a eu le tort dans ses
modèle. Enfin, M. Halévy a eu le tort dans ses remaniements, faits d'ailleurs avec beaucoup de respect, d'emprunter à Eschyle le dénouement des Electre, et de terminer la pièce par les fureurs d'Oreste. L'Oreste de Sophocle n'a pas plus de remords que la hache qui a frappé Égisthe et Clytemnestre il fallait baisser le rideau comme Sophocle, sur le dernier coup de hache. Je ne dirai rien de l'interprétation. La tragédie est en France une forme de l'art dramatique qui tend à disparaître, et ses interprètes s'en vont avec elle. Quelques jours après Electre, l'Odéon nous a invités à applaudir
Quelques jours après Electre, l'Odéon nous a invités à applaudir une des comédies les plus spirituelles qu'il ait données depuis longtemps. « Sire, il faut enrager, se disait à Louis XV un médecin, homme d'esprit, et comme le roi n'était pas d'humeur à suivre son conseil, il finit par ajouter un jour « il faut dételer, Sire. » Et voilà sans doute pourquoi la pièce de M. Louis Leroy est intitulée les Relais. Ah! relâcher, remiser ses prétentions, qui donc ici-bas en a le courage ? Ce n'est pas l'artiste qui s'entête à produire, quand l'âge a refroidi sa main
qui s'entête à produire, quand l'âge a refroidi sa main et obscurci son génie; ce n'est pas le ci-devant jeune homme, dont les cheveux sont trop noirs et les joues trop rouges, et qui, clopin-clopant, court encore le turf et le guilledoux; ce n'est pas la coquette qui peint ses sourcils à l'encre de Chine, qui ébouriffe ses cheveux crêpés, qui les laisse tomber sur ses yeux pour cacher ses rides, et qui fait l'amour avec un jouvenceau pendant qu'on lui enlève sa fille mal gardée. Hélas je le crains bien, la comédie de M. Leroy ne corrigera personne, mais
bien, la comédie de M. Leroy ne corrigera personne, mais qu'importe? pourvu qu'elle ait rempli son devoir de comédie qui est, avant tout, d'amuser. Elle s'en acquitte merveille, bien qu'allant un peu de ci, de là, et faisant par trop l'école buissonnière. M. Leroy ignore encore le métier, il ne sait ni charpenter une pièce, ni construire un acte, mais il file admirablement une scène. Son dialogue est presto, vif, pétillant d'esprit, l'esprit artiste, dans le meilleur sens du mot. L'Odéon tient là un véritable succès, et j'en suis heureux pour ce théâtre qui avait mal commencé la saison théâtrale.
pour ce théâtre qui avait mal commencé la saison théâtrale. Les acteurs y sont pour quelque chose. Thiron s'est surpassé. Il avait l'aplomb, la désinvolture, la bonne humeur et le mordant; il ne lui manquait que la distinction; il l'a presque atteinte dans un rôle de Desgenais, sans illusions, mais aussi sans apreté. Romainville a fait du ci-devant jeune homme une excellente caricature. Mentionnons tout de suite, pour en finir avec l'Odéon, une petite comédie en un acte et en vers de M. A. Manceau, un jeune écrivain protégé par Mme George Sand. Cela s'appelle Une journée à Dresde. Il
Mme George Sand. Cela s'appelle Une journée à Dresde. Il s'agit d'un jeune chirurgien français, fait prisonnier par les Russes en 1813, et interné à Dresde. Il s'éprend de la fille du bonhomme Freymann, chez qui on l'a logé. Son hôte découvre que le prisonnier a soigné, à sa dernière heure, un de ses neveux. Sa fille est demandée en mariage par le fils du bourgmestre, un Saxon patriote et de Metternich. Dans l'espoir que son prétendant sauvera le jeune docteur, elle va lui accorder sa main, quand le retour inattendu des Français, après la bataille de Leipzig, rend la
inattendu des Français, après la bataille de Leipzig, rend la liberté au prisonnier, et lui permet d'épouser celle qu'il aime. Ce sujet, comme on le voit, n'est pas bien neuf. Le vers est net quoiqu'un peu terne. Les scènes sont longues, mais il y règne une certaine sensibilité douce où l'on reconnaît l'école de Mme Sand. C'est sans doute à cette qualité qu'Une journée à Dresde a dû d'être fort applaudie le premier soir. Bien qu'ils n'aient encore rien joué à la Comédie française, MM. Labiche et Martin sont deux véritables auteurs comiques, et des premiers de ce temps, ne
véritables auteurs comiques, et des premiers de ce temps, ne vous y trompez pas. Il y a souvent plus de portée dans leurs bouffonneries que dans telle pièce qui affiche de hautes prétentions. Je n'en veux pour preuve que la Commode de Louis. On n'y voit ni commode, ni Victorine, mais on y applaudit une excellente satire des duels qui, à propos de tout et à propos de rien, défrayent beaucoup trop, depuis quelque temps, la chronique d'un certain monde. M. Bardas de la Stranguilla, propriétaire, s'est pris de querelle dans un restaurant avec une sorte de petit fat qui
dans un restaurant avec une sorte de petit fat qui a renversé par mégarde toute une lampe d'huile sur la robe de M. Bardas de la Stranguilla. Le mal ne serait pas irréparable si notre écervelé, furieux de se voir traité de maladroit, n'avait jeté vingt-cinq louis sur la table en s'écriant « Voilà pour le dégraisseur ! » De naturellement les cartes ont été échangées. M. Bardas, voulant vider l'affaire à l'insu de sa femme, vient prier une modiste, sa locataire, de lui prêter son appartement pour y recevoir les témoins de son adversaire. Or il se trouve que
les témoins de son adversaire. Or il se trouve que notre jeune fântais est l'amant de cœur, le caissier principal, d'une ouvrière de la modiste. Il lui avait promis les cinq cents francs et voudrait bien les rattraper, il se trouve encore qu'un ex-restaurateur du nom de Poparel, en quête d'un logement, tombe chez la modiste juste au moment où les adversaires sont en présence. La querelle recommence et nos duellistes furieux veulent en finir sur-le-champ. M. Bardas choisit Poparel pour second; l'autre, n'ayant sous la main que le trottin de la modiste, le présente comme un de ses amis
de la modiste, le présente comme un de ses amis à qui il confie le soin de son honneur. Laissés seuls pour régir l'affaire, les témoins sont immédiatement d'avis que le duel doit avoir lieu. Ils ignorent le premier mot de la querelle, mais qu'importe? Ni l'un ni l'autre n'a jamais assisté à une rencontre et le spectacle de deux bourgeois ferraillant leur paraît infiniment plus curieux qu'un combat de coqs. On discute le choix des armes. Le pistolet est rejeté, parce que la balle passe si vite qu'on n'y voit que du feu; l'épée, par la raison qu'il faut
voit que du feu; l'épée, par la raison qu'il faut quelquefois que les témoins sucent la blessure, ce qui ne laisse pas d'être désagréable. Après bien des discussions, on choisit le sabre, une arme pittoresque, et qui promet un combat amusant. Cependant, comme dans leur intérêt et aussi dans celui des adversaires, les témoins aiment autant qu'il n'y ait pas mort d'homme, ils décident que les combattants se placeront à dix pas, et ne se frapperont ni à la tête, ni à la poitrine, ni dans le ventre, ni dans les bras, ni dans le dos. Les jambes seules seront
les bras, ni dans le dos. Les jambes seules seront exposées, et encore à condition qu'on ne les coupe pas. On rappelle les adversaires et on leur explique les conditions du combat. « Mais ce n'est pas un duel, s'écrie M. Bardas, c'est une partie de quilles! » Ils se résignent pourtant et ne demandent qu'une chose, c'est que le duel ait lieu en Belgique. Cet incident amène une nouvelle conférence. Les témoins commencent à avoir des doutes sur la nécessité de la rencontre et sur la moralité du duel en général. Et puis, quelle sotte et ennuyeuse nuit ils
en général. Et puis, quelle sotte et ennuyeuse nuit ils vont passer en chemin de fer, sans compter ce que coûtera le voyage. D'ailleurs l'un a une course pressée à faire, et il faut absolument que l'autre soit rentré à cinq heures. Bref, on reconnaît à l'unanimité qu'il n'y a pas dans toute cette affaire de quoi fouetter un chat, que les adversaires se doivent des excuses réciproques, et qu'il faut à tout prix empêcher ces forcenés de s'entreégorger. Je vous ai conté cette scène tout au long pour mieux vous la faire juger. Ne la trouvez-vous pas exceptionnelle, et
vous la faire juger. Ne la trouvez-vous pas exceptionnelle, et croyez-vous qu'elle serait déplacée à la Comédie française? Elle est du reste merveilleusement jouée par Geoffroy et par Lassouche, qui se montre vraiment digne de donner la réplique à ce grand comédien. Le fédeu n'est guère qu'une opérette, mais, chose assez rare: on y trouve une idée philosophique. Deux bons bourgeois disputent sur cette grave question Est-il possible de rendre un homme heureux? L'un dit oui, l'autre non. Un pari est engagé. Passe un pifferaro. Es-tu heureux? Si, signore. Veux-tu l'être? Si, signore. Eh bien, tu vas rester ici, tu