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dit dans cette revue? Aussi me garderai-je bien d'attaquer "le fond du problème". On peut discuter sur ce personnage de prêtre, déchu, en qui cependant palpite la grâce divine, transposé d'un roman anglais (situé au Mexique) dans les étroites et strictes dimensions d'une scène de théâtre. Le drame de l'homme emprisonné dans un dilemme poignant perd en intensité comme en vraisemblance, ramené ainsi à une série de courts tableaux qui relèvent davantage du découpage cinématographique que de la construction purement dramatique. L'attention se disperse, le contact se renoue de plus en plus difficilement entre les deux côtés de la rampe
en plus difficilement entre les deux côtés de la rampe après chaque changement de décor. Cet éparpillement nuit au sujet. Il lui nuit d'autant plus que le sujet nous remue et nous touche plus profondément. On ne peut pas traiter un drame d'une telle résonance humaine comme une revue de music-hall où la multiplicité des paillettes cache le vide de la pensée. J'ai éprouvé la même gêne — pourquoi ne pas l'avouer? — à la représentation des Dialogues des Carmélites, car eux aussi avaient été conçus par leur auteur pour illustrer les images d'un film. Le rythme du cinéma, son
illustrer les images d'un film. Le rythme du cinéma, son don d'ubiquité lui permet, lui oblige même, à varier les plans, à procéder par touches rapides, à éviter le verbe. Le destin extravagant de Bernanos lui aura donné la gloire cinématographique avec un film, Le Journal d'un curé de campagne, tout intérieur et immobile, anti-cinéma en un mot, et la gloire théâtrale avec un texte écrit pour être filmé. Comme quoi le génie se rit des formules. Je ne voudrais pas quitter le domaine spirituel sans signaler l'apparition d'un nouveau genre dramatique qui ne manquera pas d'intriguer mes lecteurs :
genre dramatique qui ne manquera pas d'intriguer mes lecteurs : je veux parler du "vaudeville clérical". Celui-ci s'est manifesté pour la première fois cet hiver sur la scène des Variétés avec L'Âge canonique, de Christian Lude, présenté par la jeune compagnie du Grenier de Toulouse. Je signale que le texte de L'Âge canonique, qui n'a eu à Paris qu'un nombre limité de représentations, a été publié par la revue théâtrale "L'Avant-Scène", 26, rue Beaujon, Paris, dans son numéro du mois de mars 1953. C'est l'auteur lui-même qui a qualifié sa pièce ainsi et cela n'impliquait chez lui aucune nuance d'irrespect.
pièce ainsi et cela n'impliquait chez lui aucune nuance d'irrespect. Au contraire. Son propos était de faire rire en stigmatisant la tyrannie des médiocres tout en s'érigeant en défenseur vigoureux du conformisme. Il s'en est expliqué lui-même dans une avant-première : "Là liberté par le conformisme : c'est quelque chose comme cela qui me tente. Il y a dans l'esprit révolutionnaire plus de parti-pris qu'il me paraît, il y a surtout une manière de se débarrasser par des procédés, fussent-ils doctrinaires, de la libération de l'esprit, tâche jamais satisfaite. Il y a le risque de changer de maîtres... J'ai voulu
y a le risque de changer de maîtres... J'ai voulu que ma première pièce, L'Âge canonique, fut une comédie boulevardière, réactionnaire au sens précis du mot, c'est-à-dire en réaction contre certaines recettes de progrès. Plutôt qu'une thèse, j'ai voulu essayer un certain esprit critique qui serait fait de respect et d'amour. Effectivement, l'Âge canonique est une apologie du conformisme, mais une apologie souriante qui, dans une époque où l'on cherche surtout à frapper les foules par la hardiesse et le scandale, apporte un son original qui semble neuf. Pourtant le sujet ne portait pas à comédie. Deux prêtres partagent le
sujet ne portait pas à comédie. Deux prêtres partagent le presbytère d'une petite ville de Normandie. Le curé, M. de Villeneuve, représente la tradition de l'Église, faite de prudence et de rigueur. Son vicaire incarne un certain type de prêtre moderne, mi-scout, mi-ouvrier. Il construit des hangars, déborde de compréhension envers les « braves gens », bref se fait rouler par tout le monde. Les deux hommes sont de formation — le curé est pétri de belles lettres alors que le vicaire a nonné le latin — et de conception de leur apostolat trop différentes pour ne pas en arriver
de leur apostolat trop différentes pour ne pas en arriver à se heurter. Le prétexte jaillit en la personne de leur vieille bonne — d'âge canonique — qui pour entrer à leur service leur a caché un passé plus qu'orageux. Le curé apprenant cela veut la renvoyer. Le vicaire croyant à sa contrition sincère veut la garder. Mieux, pour empêcher son supérieur de s'en défaire, il lui lègue la maison qui leur sert de presbytère et dont le vieux prêtre venait de lui faire donation. Moralité, Marie, la bonne, aura le dernier mot. Tandis que M. de Villeneuve mourra d'épuisement
le dernier mot. Tandis que M. de Villeneuve mourra d'épuisement et que son vicaire ira faire une retraite salutaire à la Trappe, elle restera seule maîtresse de la cure, dans laquelle elle s'empressera d'installer son ancien amant. On peut, certes, reprocher à l'auteur d'avoir dessiné des personnages un peu schématiques de prêtres. Il a fait la part trop belle au vieux curé. Le jeune vicaire est par trop simpliste et ses raisonnements manquent de force. Sa bonne volonté et la maladie de son supérieur lui font reconnaître ses erreurs avec la même fougue qu'il avait mise à les affirmer. Si
la même fougue qu'il avait mise à les affirmer. Si le conflit des idées garde une certaine élévation, la pièce ne quitte pas le ton de la comédie, sans tomber pour cela dans la parodie. L'expérience tentée par le Grenier de Toulouse s'avère donc bien en dépit de l'inexpérience de hauteur — comme particulièrement intéressante. L'un comme l'autre méritent d'être suivis. Quand je dis que les grandes pièces à sujet religieux n'intéressent plus les directeurs de théâtre, je dois faire exception pour Marcel Herrand qui a monté — juste avant sa mort, survenue la veille de la première représentation —
sa mort, survenue la veille de la première représentation — La Dévotion à la Croix, drame mystique de l'auteur classique espagnol Pedro Calderón de la Barca; Marcel Herrand avait choisi cet « extravagant chef-d'œuvre » comme l'a qualifié son adaptateur. Albert Camus, pour le IIe Festival d'Art Dramatique d'Angers. De tous les auteurs du Siècle d'Or espagnole Calderón a toujours été celui qui a le plus séduit les novateurs et les grands metteurs en scène. Son théâtre est, de ce fait, mieux connu du public français que celui de Lope de Vega, par exemple, cependant plus accessible à la grande
de Vega, par exemple, cependant plus accessible à la grande ouïe. Un des inoubliables succès de la carrière de Charles Dullin fut La vie est un songe, qu'il donna pour la première fois au théâtre de l'Atelier et qu'il reprit vingt ans plus tard à Sarah Bernhardt, ayant changé de rôle entre temps. L'âge l'avait obligé à ce changement d'emploi... Dullin révéla, également, d'autres pièces de Calderón comme Le médecin de son honneur et cette même Dévotion à la Croix. Quant à L'Alcade de Zalamea et au Magicien Prodigieux, préfiguration catholique de « Faust » autour du thème du libre-arbitre,
catholique de « Faust » autour du thème du libre-arbitre, ils sont bien connus des auditeurs de la Radiodiffusion Française. La Dévotion à la Croix célèbre le respect dû à la Croix et la confiance que sa dévotion peut inspirer. Eusebio, le principal personnage, possède une âme violente, fougueuse, indomptée. Il marche de crime en crime. Mais il a été un enfant trouvé au pied d'une croix et en porte le signe sur sa poitrine. Depuis, une protection mystérieuse l'a toujours fait échapper à tous les dangers. Cependant, au milieu de ses forfaits une crainte lui reste, celle de mourir
de ses forfaits une crainte lui reste, celle de mourir sans confession. C'est encore la Croix qui le délivre miraculeusement de ce péril suprême car, grâce à elle, il trouve un confesseur, reçoit l'absolution avant d'expirer et son âme est sauvée. La thèse de la Dévotion: « La grâce qui transfigure le pire des criminels, le salut suscité par l'excès même du mal, l'infinie miséricorde divine assurée par le repentir », n'est sans doute pas conforme en tous points au véritable esprit de l'Évangile. Elle exige de plus du spectateur moderne un bien rude effort. Mais une fois le sujet
moderne un bien rude effort. Mais une fois le sujet admis, il est impossible de ne pas admirer le génie de Calderón. Un souffle puissant anime toute l'œuvre et l'intérêt ne faiblit pas. Il faut dire, également, que CHRONIQUE DU THÉÂTRE « l'extravagant chef-d'œuvre » bénéficiait, à Angers, d'un cadre unique — le château de René d'Anjou — et d'une interprétation remarquable qui réunissait Maria Casarès, Serge Reggiani et Jean Marchais. Quant à la mise en scène, qui était celle de Marcel Herrand et qu'Albert Camus avait tenu scrupuleusement à réaliser lui-même, elle utilisait à souhait l'admirable décor naturel. Ce
réaliser lui-même, elle utilisait à souhait l'admirable décor naturel. Ce qui faisait dire à un critique éminent (comme tous les critiques...) qu'il s'agissait « de la plus merveilleuse des enluminures qui ait été portée sur le plus précieux des livres d'heures ». On ne saurait mieux dire. Passons; si vous le voulez bien, à des sujets plus profanes et — à tout seigneur tout honneur — aux créations de la Comédie-Française. Une chronique précédente a été consacrée à Mithridate et Roméo et Juliette. Je n'en parlerai pas, pas plus que du Don Juan, de Molière, dont la reprise m'a fort
du Don Juan, de Molière, dont la reprise m'a fort impressionné mais qui sera prochainement joué de nouveau dans la mise en scène de Jean Vilar au Festival d'Avignon. Je pense que l'interprétation de Vilar apportera un élément nouveau au personnage de don Juan, car celle de Jean Debucourt, au Français ne m'a pas convaincu. Accordons-lui donc un sursis... Par contre je n'éprouve aucune gêne à parler de la présentation de la farce, en forme de comédie, de Jules Romains, M. le Trouhadec saisi par la débauche. Je suppose que c'est le succès financier de Donogoo — dû en grande
c'est le succès financier de Donogoo — dû en grande partie au faste d'une mise en scène que ne renierait pas le Châtelet lui-même (maintenant l'Opéra de Paris) — qui a incité la Comédie Française à reprendre cette œuvre illustrée autrefois par Louis Jouvet à la Comédie des Champs-Élysées. M. le Trouhadec a provisoirement délaissé sa chaire de géographie au Collège de France pour une pension de famille de Monte-Carlo. Plus que par la douceur du climat il a été attiré dans la Principauté par la présence d'une ravissante comédienne, Mlle Rolande, qu'il suit depuis Paris et pour laquelle il
Mlle Rolande, qu'il suit depuis Paris et pour laquelle il brûle d'une passion secrète. Pour la première fois depuis 1933 (la pièce a été rajeunie et mise à jour), M. le Trouhadec est amoureux. Grâce au dévoué Bénin, son disciple providentiel, le professeur parvient à se faire présenter à la charmante actrice. Mais cette jeune personne semble décidée à n'octroyer son affection qu'en échange de menus cadeaux dont l'acquisition excède de beaucoup les possibilités financières de l'amoureux transi. Heureusement pour celui-ci une veine insolente à la roulette lui permet de combler tous les désirs de Rolande. Pas pour longtemps, car
combler tous les désirs de Rolande. Pas pour longtemps, car l'argent ainsi gagné fond comme neige au soleil. M. le Trouhadec est désespéré et arrête les détails de son suicide, quand un des habitués de sa pension, à l'âme compatissante, lui fait don d'un coffret à bijoux; Hélas! ce philanthrope n'est qu'un cambrioleur en retraite qui n'a pu résister à la tentation d'une villa inoccupée. Après avoir été ruiné, M. le Trouhadec va-t-il être inculpé de recel et déclaré complètement cité? Non, car l'obligeant Bénin veille. Tout se terminera le mieux du monde et, une fois le danger écarté, M.
mieux du monde et, une fois le danger écarté, M. le Trouhadec prêchera avec beaucoup de naturel et de sincérité la nécessité d'une vertu exigeante. Écrivant sa pièce, Jules Romains a donné libre cours à sa fantaisie, mais sa formation universitaire en a fait un divertissement de haute école. La comédie s'écoute avec plaisir quoique les rires ne soient plus, salle du Luxembourg, avec la même franchise que lorsque je la vis pour la première fois, bien avant la guerre, chez Jouvet. Cette légère déception est due sans doute, à la différence de rythme entre les deux interprétations. La première
la différence de rythme entre les deux interprétations. La première était peut-être moins fignolée, moins réfléchie que celle-ci, mais plus enlevée, plus primesautière, bref plus près du rythme exigé par la farce. Parmi les créations proprement dites de la Maison de Molière, on attendait beaucoup de Pasiphaé, d'Henry de Montherland, et de la dernière œuvre d'André Obey : Une fille pour du vent. Depuis ses débuts dans les lettres, Montherland a toujours été hanté par le mythe du taureau, mais ce n'est que trente ans après l'avoir écrit que son poème dramatique, Pasiphaé, a été porté à la scène. Le
poème dramatique, Pasiphaé, a été porté à la scène. Le rideau se lève sur un décor sanglant de Mac Avoy. D'un ciel rougeoyant surgit, stylisé, le corps massif de la bête. Debout, côté jardin, vêtu de rouge sur le mur rouge du palais rouge, Julien Bertheau personnifie le chœur. Du palais sort la reine de Crète, Pasiphaé, la passionnée, la brûlante Vera Korène. Et dans une prose olympienne, riche et dure, la reine exprime sans pudeur comme sans faiblesse le trouble de son corps. Le thème de cet amour mythologique et contre-nature pour ce taureau vainqueur exigeait autant de tact
et contre-nature pour ce taureau vainqueur exigeait autant de tact que de maîtrise. Grâce à une mise en scène d'une sobriété antique, grâce à des coupures qui ont éliminé tout ce qui n'était pas purement dramatique dans un poème écrit primitivement pour être lu — et qui n'est peut-être d'après une déclaration publique de l'auteur qu'un canular de mandarin — la représentation de Pasiphaé, au Théâtre Français, est une réussite. Le risque était grand car le sujet pouvait prêter à rire ou à scandale. En fait l'un et l'autre n'ont pas manqué. Est-ce pour faire pièce à ses détracteurs que
pas manqué. Est-ce pour faire pièce à ses détracteurs que Montherland a déclaré ensuite n'avoir voulu que plaisanter sur un sujet tabou? Quoi qu'il en soit, la pièce laisse sur le spectateur non prévenu une impression de grandeur et de beauté. Autre poète, autre mythe éternel, nous retrouvons l'un et l'autre dans Une fille pour du vent, d'André Obey. Cette fille c'est Iphigénie qui, depuis Euripide en passant par Racine et Gluck a, jusqu'à André Obey, inspiré bien des auteurs de drames et d'opéras. La légende grecque est connue; La flotte et l'armée commandées par Agamemnon, en partance pour la
flotte et l'armée commandées par Agamemnon, en partance pour la guerre de Troie, sont bloquées depuis des semaines dans le port d'Aulis faute de vent favorable; À n'en pas douter les dieux sont contre l'expédition. Le devin Tiresias, se faisant alors l'interprète de la divinité, affirme que celle-ci s'estimera satisfaite si on lui sacrifie une princesse de sang royal. Pour que la flotte puisse lever l'ancre, pour que la guerre de Troie puisse avoir lieu, il faut que la propre fille d'Agamemnon, la tendre Iphigénie, meure. Une fille pour du vent, le marché est monstrueux. C'est cette monstruosité qu'a voulu
vent, le marché est monstrueux. C'est cette monstruosité qu'a voulu stigmatiser André Obey, ainsi que l'inutilité d'un sacrifice inhumain, prélude indispensable à des milliers d'autres sacrifices humains provoqués par une guerre stérile. Iphigénie est condamnée malgré les protestations véhémentes de son oncle Ménélas. Elle est conduite au supplice, soutenue par la présence invisible du premier mort de la guerre qui lui révèle l'inanité de la haine. Mais cet holocauste virginal est également inutile car le vent s'est levé avant qu'Iphigénie ne succombât sous le couteau paternel. Dans un décor sombre et gris dé Georges Wakhévitch, la pièce d’André Obey est
et gris dé Georges Wakhévitch, la pièce d’André Obey est fort bien jouée par Jean Marchât, Julien Bertheau, Jean Davy et Annie Ducaux (moins bien par la jeune élève du Conservatoire qui est sensée incarner Iphigénie), mais avec tout le respect que mérite un texte solide, poétique et familier à la fois. Parmi les nombreuses — trop nombreuses — pièces créées cette année sur les théâtres parisiens, je veux détacher particulièrement, en raison de la personnalité de l'auteur, "Sud", de Julien Green, au théâtre de l’Athénée. "Sud" est la première pièce du romancier de "Léviathan" et de "Moira". Elle lui
pièce du romancier de "Léviathan" et de "Moira". Elle lui fut commandée en 1935 par Louis Jouvet qui jouait alors le personnage de Mercure dans l'Amphitryon 38 de Giraudoux. Green devait mettre dix-huit ans pour tenir la promesse faite à Jouvet. Mais c'était un autre Mercure (le metteur en scène Jean Mercure) qui devait la porter à la scène. De nationalité américaine, Julien Green est né à Paris. Ses parents originaires du sud des États-Unis, avaient venu vivre en France à la suite d'un revers de fortune. Toute son enfance a été bercée de souvenirs dramatiques ou cocasses que ses
a été bercée de souvenirs dramatiques ou cocasses que ses parents avaient rapportés du pays natal. Ce sont ces souvenirs qui lui ont permis d'être le premier à avoir écrit en français ses romans d'inspiration anglo-saxonne, remplis de cauchemars, d'hallucinations, d'appels venus d'on ne sait où. Parmi les images de sa jeunesse, celles de la guerre de Sécession, à laquelle ses parents assistèrent, occupent une grande part. Lorsque le rideau se lève nous sommes au matin du 12 avril 1861, dans le salon d’un riche planteur de Caroline du Sud : Edouard Broderick. Il a une fille de dix-sept ans,
: Edouard Broderick. Il a une fille de dix-sept ans, Angeline. Il a recueilli utilement une orpheline venue du Nord, Regina, et il héberge un polonais émigré, Ian Wiérzyński, qui est officier dans l'armée fédérale. Dans quelques heures la guerre va éclater et déjà les opinions se heurtent. Néanmoins le problème de l’esclavage des noirs n’est pas le véritable sujet de la pièce, car il s'agit moins d'un drame historique que d'une tragédie de la passion. Et quelle passion ! Regina aime Ian qui semble la dédaigner. Broderick veut marier sa nièce au fils d’un voisin, Eric Mac Clure; mais
sa nièce au fils d’un voisin, Eric Mac Clure; mais la filantique Angeline s’est éprise du jeune Mac Clure que son père destine à sa cousine; C’est alors qu’apparaît Eric. Il a vingt ans et il est pur. Frappé par sa beauté, le lieutenant Wierzewski le regarde sans mouvement et sans voix. Un sentiment imprévu vient de bouleverser son existence. Désormais nous assistons à la lutte sans espoir de Ian contre ce penchant qui n’ose pas dire son nom. Sans qu’il soit question une seule fois de cette passion trouble, nous en devinons les répercussions car tout cela relève du
nous en devinons les répercussions car tout cela relève du domaine de l'ineffable sur les protagonistes; Malgré son acharnement à cacher son secret, Ian n'arrivera pas à duper longtemps ni Angeline ni Broderick. Aussi Ian ne voit-il pas d’autre issue à son drame que la mort. Après une scène dans laquelle la vérité se dévoile à chaque mot, Ian Wierzewski provoque Eric Mac Clure. Au cours du duel, Ian ne se défendra pas et au coup de sabre qui achèvera sa destinée répondra, du fort Sumter, le premier coup de canon de la guerre. Une autre tragédie commence. En dépit
canon de la guerre. Une autre tragédie commence. En dépit du succès remporté par cette œuvre particulière auprès du public — et qui va sans doute se poursuivre la saison prochaine — dès que l’on a percé à jour le sentiment profond du héros (et il n'apparaît pas, à la représentation, aussi clairement que je viens de l'exposer) on ne peut se défendre d’une certaine gêne. Il est évident qu’il est difficile à un spectateur normal de se mettre dans la peau du personnage. Car outre que cette psychologie nous est parfaitement étrangère, les scrupules et les réticences de l’auteur
est parfaitement étrangère, les scrupules et les réticences de l’auteur ne font que la rendre plus équivoque. Je me suis un peu étendu sur ce cas épineux car, malgré toutes les réserves que l’on est en droit de formuler, c’est encore l’œuvre originale, en français, qui suscite le plus d’intérêt. À part "La Dame de Trèfle", de Gabriel Arout, comédie de boudoir à prétention philosophique, et "Les aveux les plus doux", pamphlet virulent de Georges Arnaud (l’auteur du "Salaire de la peur") contre les méthodes d’intimidation policière, le reste de la production française n’est guère à signaler dans un bilan
la production française n’est guère à signaler dans un bilan aussi sommaire. Cela explique le nombre et l’importance des reprises d’auteurs consacrés ("L'yménée", d’Edouard Bourdet; "Siegfried", de Jean Giraudoux; "Huis-Clos" de Jean-Paul Sartre; sans parler de "La puce à l’oreille", de Feydeau, et autres vaudevilles prestigieux) et surtout la proportion grandissante de pièces étrangères. L’on vous a déjà signalé les qualités d'"Attending Godot", autre pièce écrite directement en français par un étranger résidant à Paris : le romancier anglais Samuel Beckett. D'Italie nous est venu "Madame Filoumé", d’Edouardo de Filippo, et "Comme tu me veux", de Pirandello. D’Espagne, "Doña Rosita",
et "Comme tu me veux", de Pirandello. D’Espagne, "Doña Rosita", de Lorca. D’Angleterre, "Le curé espagnol", œuvre élisabethaine représentée à la Comédie-Française, et même "La puissance et la gloire", d’après Graham Greene; D’Amérique, "Philippe et Jonas", d’Irwin Shaw, et "La Rose tatouée", de Tennessee Williams. Cette œuvre, de l’auteur du "Tramway nommé Désir", nous transporte dans le quartier italien de la Nouvelle-Orléans. L’exubérance italienne, et l’atmosphère étouffante de la Louisiane, donnent un relief insolite au drame, en soi fort simple, de cette veuve inconsolable qui croit rencontrer l'homme qui lui est destiné parce qu’il porte sur la poitrine — comme
est destiné parce qu’il porte sur la poitrine — comme son défunt — une rose tatouée. Or ce tatouage est de fraîche date, car le galant se l’est fait dessiner à propos. Bien qu’elle ne soit pas dupe, la femme se raccroche à ce symbole pour excuser sa propre défaillance. Lila Kedrova, dans un rôle tout en cris et en gémissements, révèle un tempérament d’actrice extraordinaire. C'est l'Italie, également, qui nous a donné Corruption au Palais de Justice (au théâtre Lancry) et L'Île aux Chèvres (aux Noctambules) d'Ugo Betti. Avec cette dernière surtout, Betti affirme des dons dramatiques qui, si
cette dernière surtout, Betti affirme des dons dramatiques qui, si la mort n'avait pas récemment interrompu une carrière trop brève, auraient fait de lui l'un des représentants les plus attachants de la jeune génération qui monte, en France comme en Italie. Dans une « île aux chèvres » déserte et torride vivent trois femmes seules. L'une a perdu son mari à la guerre, dans un camp de prisonniers. Il était professeur. Depuis elle s'est retirée dans ce coin désolé avec sa belle-sœur et sa fille. Un homme survient. Il se dit disciple et compagnon d'infortuné du maître. Il est beau
dit disciple et compagnon d'infortuné du maître. Il est beau parleur. Il est cynique, il est amoral. Tour à tour les trois femmes tomberont dans ses bras. Mais la veulerie du séducteur et le sentiment de leur déchéance fouettent l'amour-propre des femelles, et, l'homme étant accidentellement bloqué au fond d'un puits, elles l'y laissent crever malgré ses supplications déchirantes. L'intrigue est brutale. Le style également; À mon sens L'île aux Chèvres illustre bien la nouvelle orientation du jeune théâtre. On retrouve ce même parti pris de frapper les spectateurs entre les deux yeux, autant par les situations que par les