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par la candeur, Moi l'enfant du manoir, eux fils de la chaumière ; C'était l'égalité devant la loi du coeur. Et quelles belles demoiselles Nous poursuivions tout le long du ruisseau ! Elles fuyaient ; l'enfance aux pieds porte des ailes ; Plus rapides que des gazelles, Pour les suivre en leur vol nous nous faisions oiseaux. Et nous étions bientôt à l'anse accoutumée Où la marjolaine embaumée Craquait sous nos pas familiers ; Frais méandre, où des cieux la coupole splendide Se faisait un miroir limpide Dans un cadre de peupliers. Là nous voyions d'un œil avide, Sur l'onde
de peupliers. Là nous voyions d'un œil avide, Sur l'onde bravant nos regards. Papillons étoilés et vertes demoiselles Étaler à l'envi le velours de leurs ailes Sur la nacre des nénuphars. Alors à pas furtifs, plein d'une joie intime, On tentait, haletant, d'atteindre le roseau Qui devait nous livrer quelque frêle victime Se débattant, captive, au fond du vert réseau. Pauvres petits qui, penchés sur l'abîme, Pouvions voir l'un de nous y glisser. Puis, en pleurs, Pour prix de quelque insecte et de champêtres fleurs Laissant au gouffre avare un ami de notre âge, Par des sanglots terminer un voyage
ami de notre âge, Par des sanglots terminer un voyage D'un gai matin funèbre soir, Et des bluets au front, en rentrant au village Y rapporter le désespoir ! Eh ! que faites-vous autre chose, Enfants à barbe grise, ambitieux chasseurs À l'affût de la gloire et de vaines grandeurs, Pour vous faire une apothéose De tant de rayons imposteurs ? 0 célébrité, gloire hélas ! souvent sans cause, Beaux papillons fallacieux Qui sur votre aile, en fascinant la terre Semblez porter quelque reflet des deux ; La main qui vous saisit, d'un poison délétère Ne rapporte souvent que le
vous saisit, d'un poison délétère Ne rapporte souvent que le germe odieux. Pour prendre un papillon nous risquions notre vie ; Circé perfide, ange fatal, La gloire, au souffle de l'envie, N'expose point à moindre mal. Pénètre-t-elle au foyer du génie ? La haine entre avec elle, introduisant le deuil, Les pleurs, la faim, la calomnie, Tout, hormis le bonheur qui reste sur le seuil ! Courez, enfants, en bandes vagabondes, Cueillez les fleurs, chassez les papillons ; Joyeux lutins, à travers les vallons Livrez aux vents l'or de vos tresses blondes. Qu'êtes-vous devenus, beaux jours si radieux ! Doux
tresses blondes. Qu'êtes-vous devenus, beaux jours si radieux ! Doux soleil printanier, qui sur l'onde te mires ; Ruisseau qui répondais à nos cris si joyeux ! Avez-vous bien toujours, hymen délicieux, L'un des baisers ardents, l'autre de frais sourires ? Oh ! brillant coteau d'Arcanson, Je ne sais à travers quelle teinte voilée, Comme un pâle regard de l'arrière saison Je vois le souvenir planer sur ta vallée Et descendre, ombre désolée, Entre mon cœur et l'horizon ! Qui donc attriste la nature ? Serait-ce ? — La nature a toujours ses splendeurs, Le lac bleu sa verte ceinture,
a toujours ses splendeurs, Le lac bleu sa verte ceinture, L'insecte ailé qui lui sert de parure Les feux du diamant ou la pourpre des fleurs. Rien n'est changé, pauvre poète, Si ce n'est toi ! — Tout plein d'un charme douloureux, Dans tes sens attendris ton printemps se reflète ; Et du présent triste interprète, C'est le trouble du cœur qui passe dans tes yeux. Fixé sur ce carton, seul témoin qui te reste, Ton regard n'y voit plus, de tant d'heureux transports, Qu'illusions en fuite, et, symbole funeste, Ta jeunesse envolée, et des papillons morts ! N'importe, ô
Ta jeunesse envolée, et des papillons morts ! N'importe, ô souvenirs des premières années, Papillons veloutés, fraîches fleurs du matin, Que la vieillesse hélas ! d'un regard qui s'éteint, Comme un reflet des heures fortunées Voit encore voltiger à l'horizon lointain; Le temps peut bien, d'une aile inexorable, Emporter, dans son vol, l'éclat de vos couleurs, Vous voiler au regard où vont perler des pleurs : Mais Dieu, de sa main adorable, Sait tout compenser ici bas. Ô premiers souvenirs, fleurs de l'âme immortelle, Le cœur qui vous conserve est un herbier fidèle D'où vos parfums, du moins, ne s'envoleront
un herbier fidèle D'où vos parfums, du moins, ne s'envoleront pas ! UNE VISITE AU MUSÉE DE MADRID par M. DE VENDEGIES. En feuilletant, dernièrement, une de ces liasses de papiers bien connues de ceux qui ont un peu couru le monde et dans lesquelles, à côté d'un programme de fête, se trouvent quelques remarques consignées à la hâte, un croquis à demi effacé et mille autres choses dont la seule valeur gît dans les circonstances ou l'objet qu'elles rappellent, mon attention fut attirée par un billet d'entrée portant en tête Real Museo de Pintura et signé Jose de Madrazo.
tête Real Museo de Pintura et signé Jose de Madrazo. En 1846, année dont je passai les plus beaux mois en Espagne, M. de Madrazo était directeur du Musée Royal de Madrid et l'extrême obligeance qu'il mit à tenir ouvertes pour moi les portes de ce rendez-vous de tant d'œuvres admirables me permit d'y passer des heures, que je me rappelle encore avec plaisir. Dans ces vastes salles, en effet, chaque visite révèle quelque beauté qui avait échappé d'abord, et, on ne les quitte pas sans émotion lorsqu'on n'a plus l'espoir d'y revenir. Tandis qu'à l'aide de quelques notes trop
l'espoir d'y revenir. Tandis qu'à l'aide de quelques notes trop rares et trop concises je cherchais à me transporter de mémoire en face des peintures les plus remarquables, tirées en grande partie, des résidences royales et restées propriété de la couronne, la pensée me vint de relire Viardot, de grouper mes souvenirs et d'en faire un court résumé. C'est ce travail fort incomplet auquel la Société d'Emulation veut bien aujourd'hui donner place dans ses mémoires. Incomplet, il doit forcément l'être, le Musée de Madrid renfermant près de deux mille tableaux, un fort volume suffirait à peine pour donner un rapide
un fort volume suffirait à peine pour donner un rapide aperçu de chaque ouvrage. Protecteurs généreux des arts, les rois d'Espagne de la maison d'Autriche s'efforcèrent d'attirer près de leurs personnes les grands peintres des Flandres soumises à leur domination, et ceux de l'Italie où de fait ils commandaient en maîtres, leur or fut sans cesse offert en échange des chefs-d'œuvre des Rubens, des Léonard, des Sanzio, des Titien, et si l'on se rappelle que Vélasquez seul fut chargé, à deux reprises, d'aller en Italie acheter des tableaux pour le compte de Philippe IV, on cessera de s'étonner de la
compte de Philippe IV, on cessera de s'étonner de la magnificence d'une collection formée dans de pareilles conditions. Collection est bien la désignation qui convient ici, le nom de musée proprement dit devant être réservé pour les galeries dont les Uffizi de Florence offrent le type parfait et dans lesquelles l'histoire de l'art peut être suivie pas à pas depuis ses origines jusqu'à la décadence. Dans le palais florentin, chaque peintre est placé à sa date, son nom inscrit sur le cadre, et le visiteur se livre, avec la plus grande facilité, à l'étude raisonnée et sans lacune des progrès
grande facilité, à l'étude raisonnée et sans lacune des progrès de la peinture italienne. À Madrid rien de semblable pour aucune école; les reliques des maîtres primitifs y sont rares, et lorsque l'on arrive aux artistes de la grande époque, tel d'entre eux est complètement absent tandis que son contemporain se trouve représenté par plus de vingt toiles. À ce point de vue le Musée Royal paraît incomplet, mais il se montre bientôt digne du premier rang si l'on considère le nombre d'œuvres supérieures et parfaitement conservées qu'il renferme. N'ayant nullement l'intention d'épuiser le catalogue ni d'établir des divisions qui
nullement l'intention d'épuiser le catalogue ni d'établir des divisions qui nécessiteraient un travail d'une certaine étendue, nous nous bornerons ici à l'indication de quelques-unes des plus belles œuvres italiennes ou espagnoles, en commençant par l'Italie dont l'influence fut grande sur les peintres de Valence et de Séville. Et d'abord mentionnons une Sainte Famille de Léonard de Vinci qui longtemps enfouie dans les sombres bâtiments de l'Escurial est maintenant inscrite sous le n° 778. L'Enfant divin et saint Jean y sont représentés s'embrassant dans les bras de la sainte Vierge dont les regards pleins de tendresse se reposent, ainsi que ceux
les regards pleins de tendresse se reposent, ainsi que ceux de saint Joseph, sur le groupe gracieux qui éveille leur sollicitude. La finesse de touche, la pureté des lignes, la légèreté des étoffes et le soin avec lequel sont traités tous les détails placent cet ouvrage au nombre des plus beaux de l'auteur de la Joconde. Un autre florentin, André del Sarto est représenté par sept tableaux, au milieu desquels on distingue le Sacrifice d'Abraham reproduction, dit-on, de celui que l'artiste envoya à François Ier en compensation de la somme que ce prince lui avait confiée pour acheter des objets
que ce prince lui avait confiée pour acheter des objets d'art, et que l'artiste oublieux laissa dissiper en futilités par la femme trop coquette qu'il avait épousée. Le délicieux portrait qu'il peignit de cette séduisante personne se trouve aussi au Musée Royal, et fait comprendre, s'il ne les excuse, les erreurs dans lesquelles elle entraîna son mari. Quant au Sacrifice d'Abraham, il soutient sans infériorité la comparaison avec les ouvrages que le peintre a laissés à Florence. C'est le plus bel éloge qu'on en puisse faire. S'il est peu d'amateurs qui n'aient pour certains artistes une préférence marquée et toute
qui n'aient pour certains artistes une préférence marquée et toute de sentiment, nous avouons, en ce qui nous concerne, avoir trouvé dans les œuvres d'André del Sarto un charme extrême, surpassé seulement par celui qui souvent nous a retenu devant ce petit cadre, La perle du Palais Pitti, la Vierge à la chaise. Andrea Vannucci compte au Musée Royal cinq autres tableaux que nous passons, non qu'ils manquent de mérite, mais pour rester dans les limites de cette esquisse. Abordons maintenant une peinture de Giorgione qui se distingue par un clair-obscur d'une grande vérité et une hardiesse de touche magistrale.
clair-obscur d'une grande vérité et une hardiesse de touche magistrale. M. de Madrazo croit y reconnaître une Vierge tenant l'enfant Jésus à qui sainte Brigitte offre des fleurs. M. Viardot, au contraire, considère cette scène comme un portrait de famille. Sans préjuger quelle a été l'intention de l'artiste, nous adoptons volontiers cette dernière opinion, les personnages n'ayant pas le caractère idéal que l'on demande aux sujets religieux. Telle qu'elle est, et cette réserve faite, la composition dont nous parlons ne laisse rien à désirer et offre un magnifique échantillon de l'école pleine de vigueur qui compte au nombre de ses
l'école pleine de vigueur qui compte au nombre de ses représentants Titien et Véronèse. Né la même année que Giorgione, qui devait mourir 65 ans avant lui, Titien est représenté au Musée Royal par quarante-trois ouvrages. Peintre favori de Charles Quint, Titien, lorsque Philippe II remplaça son père sur le trône, n'avait pas perdu cette verve, cette couleur puissante, que nul n'a possédées à un plus haut point et, bien qu'octogénaire, il prouva que pour les génies de sa trempe la vieillesse est lente à venir. Parmi les portraits dus à ce grand coloriste, on en distingue, à Madrid, deux
à ce grand coloriste, on en distingue, à Madrid, deux de Charles Quint, dont un, le plus beau, a malheureusement souffert au point de lui faire perdre le premier rang que lui accordent les anciens biographes. Une Salomé portant la tête de saint Jean est réellement « vivante, animée, » comme le dit M. Viardot. C'est beau comme le portrait d'Hippolyte de Médicis, du palais Pitti, beau comme La Flore des Offices. L'Apothéose de Charles Quint, de son fils Philippe et des deux reines, est une des preuves les plus éclatantes des ressources inépuisables dont disposait Titien, qui a su
éclatantes des ressources inépuisables dont disposait Titien, qui a su rendre supportable le mélange de personnages célestes et de figures connues habillées à la mode de leur temps. Une Ariane endormie, auprès de laquelle des bacchantes prennent leurs ébats, doit être mise au nombre des meilleurs tableaux profanes du peintre dont la main, encore ferme à 94 ans, a enrichi la plupart des musées de l'Europe. Sous un grossier badigeon dont avait été recouvert, sans doute par suite de scrupules exagérés, un tableau apporté de l'Escurial, M. de Madrazo, qui soupçonnait quelque trésor caché, a eu la bonne chance de
soupçonnait quelque trésor caché, a eu la bonne chance de découvrir un des plus précieux ouvrages du Corrège. Il représente la Madeleine aux pieds du Christ qui semble l'éloigner du geste, tandis que son regard plein de bonté fait pressentir le pardon qu'elle ne tardera pas à obtenir. Pureté, fraîcheur, rien ne manque à cette belle composition digne en tout du peintre de Parme. L'auteur de l'École d'Athènes compte au Musée Royal dix tableaux dont trois portraits. Dix Raphaels, quelle richesse ! Et n'oublions pas que parmi ces dix tableaux se trouvent le Spasimo et la Vierge au poisson. Cette
se trouvent le Spasimo et la Vierge au poisson. Cette Vierge est, sans contredit, une des plus admirables représentations de la Reine du ciel dues au pinceau du divin jeune homme. Assise sur un trône, l'Enfant Dieu debout sur ses genoux, Marie donne audience à saint Jérôme qui lui présente le jeune Tobie. Ce dernier, conduit par l'ange Raphaël, s'approche avec modestie du trône sur les marches duquel il va s'agenouiller. On croit que cette scène fait allusion à l'admission du livre de Tobie au nombre des livres canoniques. Exécutée sur bois cette peinture a été transportée sur toile pendant
sur bois cette peinture a été transportée sur toile pendant son séjour à Paris. La chute du Christ portant sa croix, primitivement destinée au monastère de Santa-Maria del Spasimo de Palerme, fait le sujet de la remarquable composition restée au nombre des plus importantes du peintre d'Urbin. Inférieur pour la couleur à la Transfiguration, le Spasimo ne lui cède pas au point de vue de la composition et de l'expression des figures. Jamais la douleur morale sous ses différentes formes ne fut rendue avec une plus saisissante vérité que dans cette lente agonie de la Mère et de son divin
cette lente agonie de la Mère et de son divin Fils, que dans les traits inondés de larmes des disciples et des saintes femmes. Cependant, s'il nous était permis d'émettre une opinion différente de celle de l'excellent critique qui nous a souvent servi de guide nous donnerions, sans hésitation, la première place à la Transfiguration dont le manque d'unité ne nous paraît pas constituer un reproche bien sérieux. Envoyé à Paris à la suite de nos armées victorieuses, le Spasimo fut habilement transporté du bois sur toile et sauvé de la destruction qui le menaçait. Il ne souffrit nullement de
la destruction qui le menaçait. Il ne souffrit nullement de cette opération quoi qu'en ait pu dire certains publicistes anglais enchantés de critiquer un travail fait en France. Pour ne pas trop nous étendre ici sur les autres tableaux de Raphaël que possède le Musée, nous nous bornerons à dire que les Saintes Familles y sont au nombre de cinq, et que l'une d'elles passe pour être contemporaine de celle du Louvre, c'est-à-dire de la meilleure époque. Le Guide qui a laissé trop de Cléopâtras au teint blafard et inanimé, se distingue ici par deux belles peintures, un St-Jacques et
se distingue ici par deux belles peintures, un St-Jacques et un St-Sébastien percé de flèches. Cette dernière figure en pied est d'une vérité frappante et, quand on l'a vue une fois, ne s'efface plus du souvenir. Attaché à un poteau, les regards au ciel, le martyr paraît oublier ses douleurs pour ne songer qu'au bonheur qu'il espère. Ce tableau est du même flair que la grande toile du musée de Bologne et aussi supérieur à certaines œuvres du maître que la Vierge à la chaise l'est aux premiers ouvrages de Raphaël. Nous ne ferons que mentionner le nombre des tableaux
Raphaël. Nous ne ferons que mentionner le nombre des tableaux de Guido Reni, au Musée Royal, ils se montent à seize. Guerchin n'a peut-être jamais mieux déployé ses facultés de coloriste que dans une Suzanne au bain que nous trouvons sous le n° 893. La lumière d'une transparence incomparable, la grâce pudique répandue sur la figure principale font de cette toile une œuvre hors ligne. Mentionnons encore un beau paysage de Salvator Rosa, et nous quitterons l'école italienne dont nous n'avons voulu, nous le répétons, qu'indiquer le plus brièvement possible les œuvres capitales au Musée du Roi. Comme transition des
les œuvres capitales au Musée du Roi. Comme transition des italiens aux espagnols, nous choisissons Vicente de Juanès, peintre, mort en 1679, et qui s'est tellement rapproché de Raphaël que si « l'on ne savait, dit M. Viardot, « que l'un est imité et l'autre imitateur, on pourrait sans crime être souvent embarrassé auquel des deux décerner la palme. » Est-il besoin après cela de s'étendre sur le mérite de ce maître? Il suffira donc d'indiquer quels sont ici ses principaux ouvrages. Un très noble Ecce Homo, une Ste-Agnès agenouillée et recevant la mort de la main du bourreau, une
et recevant la mort de la main du bourreau, une vie de St-Etienne en cinq tableaux et une Cène de la plus grande beauté indiquée sous le n° 225. Il est à remarquer que cet artiste a employé les fonds et les rayons dorés abandonnés généralement à son époque. Se préparant à l'exécution de chacun de ses tableaux par la réception des sacrements, Juanès vécut dans la solitude et son nom, à peine connu en Europe, n'a même pas atteint dans sa patrie la célébrité qu'il mérite. Ribera ne pouvait manquer d'être ici dignement représenté. On y trouve, en effet,
manquer d'être ici dignement représenté. On y trouve, en effet, des échantillons des différentes manières qu'il adopta comme élève du Caravage d'abord, du Corrège plus tard, puis enfin lorsque, laissant de côté toute imitation, il tira de son propre fond les plus remarquables de ses œuvres. Le martyr de St-Barthélemy peut-être considéré comme sa plus belle toile à Madrid, en même temps que l'aspect saisissant du sujet, est bien de nature à émouvoir le spectateur. De Zurbarán, une suite de tableaux représentant les travaux d'Hercule peints pour le Buen-Retiro et quelques autres ouvrages au nombre desquels se trouve un enfant
quelques autres ouvrages au nombre desquels se trouve un enfant Jésus endormi très estimé des connaisseurs. Nous arrivons maintenant au plus complet, au plus varié des peintres espagnols, à celui pour lequel l'art n'a pas eu de secrets et qui a réussi dans tous les genres, à Velázquez. Et cette fois on peut dire que l'œuvre du peintre est ici presque complète. Il y a de lui 62 ouvrages et de l'aveu général, les plus dignes d'admiration. Ami de Philippe IV, ayant son atelier dans le palais du Roi, qui l'avait attaché, par une charge, à sa personne, Velázquez ne
l'avait attaché, par une charge, à sa personne, Velázquez ne peignit que pour la couronne d'Espagne, et aucun ouvrage important ne sortait de son pinceau sans passer par les mains du souverain. De là le nombre de ses chefs-d'œuvre disséminés dans les résidences royales. Vélazquez a peint peu de sujets religieux, son tour d'esprit le portant plutôt à l'imitation de la nature sous ses différentes formes qu'à la représentation de scènes où l'imagination doit entraîner, à sa suite, le spectateur dans un ordre de pensées plus élevées. Cependant le magnifique Christ en croix que l'on admire au Musée de Madrid
Christ en croix que l'on admire au Musée de Madrid est une preuve que ce talent fécond et sans bornes était digne de retracer les plus sublimes épisodes de l'histoire du Christianisme. « Jamais, dit M. Viardot, que nous aimons à citer, « jamais on n'a donné à la mort du Juste une tristesse plus profonde, et une majesté plus solennelle, jamais on n'a tracé une plus grande image de l'Homme-Dieu. » Parmi les autres tableaux du même peintre on est surtout frappé de l'illusion complète que produit celui où il s'est représenté faisant le portrait de l'infante Marguerite. Les
il s'est représenté faisant le portrait de l'infante Marguerite. Les différents personnages qui figurent dans ce cadre sont, ainsi que les accessoires, rendus avec une vérité si parfaite que pour peu que la vue se concentre sur la scène que l'on a devant soi, chacune des figures s'anime, l'air qui les baigne devient de plus en plus transparent, et le jour qui arrive du fond, par une porte entr'ouverte, brille d'un éclat qui étonne le regard. En un mot, aucune peinture n'offre un aspect de réalité aussi parfait et l'on peut dire que la nature même a été ici fixée
peut dire que la nature même a été ici fixée sur la toile. Trois autres tableaux, la reddition de Breda, l'intérieur d'une fabrique de tapis connu sous le nom de Las hilanderas, et les Buveurs doivent aussi être mis au rang de ses meilleurs ouvrages. Ce tableau des Buveurs dont nous croyons qu'il existe une belle gravure par Goya, et qui représente la réception burlesque d'un ivrogne par une assemblée de sectaires de Bacchus, est un chef-d'œuvre de savoir-faire et d'un comique tel qu'en le regardant on se sent bientôt gagné par une hilarité contagieuse. On a, de nos jours,
gagné par une hilarité contagieuse. On a, de nos jours, tour à tour prôné et attaqué la peinture réaliste. Sans doute le peintre de Philippe IV a cherché le réalisme dans l'art, mais il y a joint de si grandes qualités et a su rendre les objets matériels avec une magie si extraordinaire, qu'on lui pardonne bien facilement de n'avoir pas été un autre Raphaël afin de rester Vélasquez. Nous ne quitterons pas ce maître sans dire un mot du mulâtre Pareja longtemps son esclave et qui, à force de persévérance, sut acquérir un talent qui lui valut la liberté.
persévérance, sut acquérir un talent qui lui valut la liberté. Il y a de lui une Vocation de St-Lazare qui rappelle, par son mérite, l'atelier où Pareja parvint à surprendre les secrets du grand artiste dont il avait jusque là broyé les couleurs. Nous terminerons ce petit travail par l'indication de quelques-unes des œuvres du grand peintre de Séville, de Murillo dont les plus belles toiles sont restées en Espagne. Doué d'une imagination féconde et poétique, Murillo, après d'humbles débuts, s'adonna particulièrement à la grande peinture religieuse et s'il n'idéalise pas toujours les personnages sacrés qu'il représente, du moins a-t-il
pas toujours les personnages sacrés qu'il représente, du moins a-t-il entr'ouvert un coin du ciel par la lumière surnaturelle qu'il sait en faire descendre, et par la manière dont il a rendu les extases des saints. On a quelquefois reproché aux vierges de Murillo de manquer de noblesse, la même critique ne peut être adressée à ses représentations de l'Enfant-Dieu auquel il a donné un caractère de véritable grandeur. Cette qualité éclate surtout dans le tableau où Jésus, sorti à peine de la première enfance, est représenté de face, le bras gauche appuyé sur un agneau. On ne peut trop
bras gauche appuyé sur un agneau. On ne peut trop admirer le regard plein de profondeur et de dignité du Pasteur divin, qui, de son œil sérieux et doux, semble contempler la grande œuvre à laquelle il s'est dévoué. La sainte famille au petit chien comme le fait remarquer M. Viardot, n'a qu'un défaut, son nom ; supposons simplement la famille d'un brave artisan et le tableau se trouvera non seulement soustrait à tout reproche, mais digne de toutes louanges. Il n'est peut-être pas inutile de rappeler que Murillo avait trois genres dont il se servait alternativement suivant le sujet