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limites extrêmes de ce petit royaume. Les salles où l'on vend de la prose y fleurissent, mais elles ne s'épanouissent que là. Sous toutes les latitudes, les gens de théâtre sont superstitieux et se vantent de l'être. La superstition du West-End demeure vivace dans une capitale qui grandit démesurément, mais où chaque genre d'activité se localise de façon stricte. Ainsi la chicane reste groupée autour de Temple-Bar. La presse est attachée à Fleet Street. Le jeu des locations et des sous-locations écrase sous le fardeau des frais généraux les directeurs agglomérés dans l'enceinte privilégiée. Chaque pièce nouvelle est pour l'entrepreneur
agglomérés dans l'enceinte privilégiée. Chaque pièce nouvelle est pour l'entrepreneur de spectacles une aventure qu'il ne peut courir qu'après s'être entouré de multiples précautions, du reste illusoires. De là, une prudence timorée dans le choix des œuvres. Le « manager du West-End, tout comme son collègue du boulevard parisien, se défie de toute originalité comme du feu. Il n'a foi qu'en la pièce qui ressemble à la pièce qui vient d'avoir du succès, mais le goût changeant des foules déjoue toutes les prévisions et bouleverse l'art dramatique, en dépit de celui qui, fuyant le risque, fuit bien souvent la chance.
celui qui, fuyant le risque, fuit bien souvent la chance. Le directeur « bien londonien » ne veut pas, ne peut pas jouer le rôle de prospecteur. Il faudra donc que d'autres l'assument. C'est ainsi que se sont créés, dans des salles excentriques égaillées dans la banlieue, de vrais laboratoires dramatiques où l'on procède à des essais, en aventurant le moins d'argent possible. Leur nombre ira sans doute encore croissant, pour peu qu'un certain snobisme, bienfaisant cette fois, s'en mêle. Ainsi, au nord de la Métropole, au lieu dit « Swiss Cottage » qui jouxte « Primrose Hill », s'est
Swiss Cottage » qui jouxte « Primrose Hill », s'est installé dans l'immeuble de l' « Embassy », disputé au cinéma, un homme qui n'a pas froid aux yeux, Ronald Adam. Avec l'aide d'abonnés fidèles, qu'anime une bonne curiosité, il s'attèle à la découverte d'œuvres ignorées, ou dédaignées autre part. L' « Embassy n'a rien de ce que nous appellerions un théâtre d'avant-garde. Ronald Adam ne recherche point les veaux à cinq pattes, les pièces qui n'ont aucune chance de s'imposer au grand public. Ce qu'il veut, ce sont des œuvres viables et son but est précisément de démontrer leur
œuvres viables et son but est précisément de démontrer leur viabilité. Il en donne vingt à vingt-cinq représentations consécutives jamais plus, les pareil d'une mise en scène honorable et leur accorde le secours d'acteurs de premier plan qui se prêtent bénévolement à l'expérience dans l'espoir de profits ultérieurs. Cela fait un excellent départ. La course commencée à « Primrose Hill » se poursuit bien souvent au cœur de Londres. Il vient de révéler de la sorte trois actes d'un jeune auteur, Emlyn Williams, qui s'était déjà fait un nom comme comédien et que venait de signaler l'adaptation heureuse d'une pièce
comédien et que venait de signaler l'adaptation heureuse d'une pièce française Prenez garde à la peinture. La comédie provençale de René Fauchois, devenue galloise en traversant la Manche, jouée au Saint-James Theatre par Edith Evans et Cedric Hardwicke, est un des grands succès de la saison. La pièce de l'Embassy, « Vessels departing » (Vaisseaux en partance) a été favorablement reçue tant par la critique que par les spectateurs suburbains. On la verra dans un théâtre régulier l'automne prochain. La scène est à Port-Saïd. Les personnages principaux sont « sang mêlé ». D'une donnée presque mélodramatique, remplie de pièges pour
mêlé ». D'une donnée presque mélodramatique, remplie de pièges pour un débutant, l'auteur a su faire une pièce intéressante, d'où les ponciers traditionnels sont habilement écartés. On relève bien, çà et là, quelques répliques trop accentuées, quelques traits inutilement grossis. Dans l'ensemble pourtant, le tact et la discrétion d'Emlyn Williams sauvent une partie périlleuse. Périlleuse, il va sans dire, non parce que le sujet est exceptionnel, mais parce qu'il rappelle au contraire trop de précédents médiocres dans un répertoire périmé. Il s'agit de la tenancière d'un café voisin du port, où un Anglais jadis vint vivre, oubliant pour cette métisse,
où un Anglais jadis vint vivre, oubliant pour cette métisse, son homme européen et son épouse légitime. Mais cette épouse a eu sa revanche. Elle s'est fait céder le jeune enfant né de ces amours africaines et, se sachant stérile, l'a élevé comme son fils. Plus tard, l'Anglais assagi est revenu à l'Angleterre, à sa femme et au rejeton devenu grand. Narouli-Karth (c'est la métisse) veut se venger. Il y a une histoire ancienne de vol et de prison qui complique inutilement l'exposition. Quoi qu'il en soit, la métisse décide soudain de reconquérir ce fils qui ne sait pas qu'elle
soudain de reconquérir ce fils qui ne sait pas qu'elle est sa mère. On craint un instant que l'auteur ne perde la tête et que Narouli-Karth, puisque Narouli-Karth il y a, n'agisse comme tant d'héroïnes agressives et larmoyantes qui peuplent nos pires souvenirs de théâtre, mais cette mère indigène ne tourne point à la « mater dolorosa ». L'Anglais infidèle et regretté reste à la cantonade, comme jadis l'Arlésienne, et les deux scènes majeures du drame celle entre les deux femmes, celle entre Narouli-Karth et son fils anglicisé sont traitées fort raisonnablement. Le ton des répliques demeure mesuré. Les concessions
fort raisonnablement. Le ton des répliques demeure mesuré. Les concessions aux exigences scéniques n'ont rien d'excessif. Le dénouement par contre est trop attendu. La métisse laissera sa rivale et son fils s'éloigner sans avoir parlé. Vous l'aviez deviné. Les protagonistes Flora Robson, une des comédiennes les plus directes et les plus sincères que possède l'Angleterre actuelle, et W. Cronin-Wilson, nanti d'un personnage anglo-turc pittoresquement dessiné, ne tombent jamais dans la déclamation. Les rôles accessoires sont amusants. Toute la troupe est bien disciplinée et peut émigrer tout entière vers le West-End. Souhaitons au drame exotique d'Emlyn Williams le sort dont fut
Souhaitons au drame exotique d'Emlyn Williams le sort dont fut gratifiée la pièce pseudo-policière d'Anthony Armstrong Ten minutes alibi (L'alibi de dix minutes). Anthony Armstrong a fait ses preuves. C'est un des meilleurs collaborateurs du « Punch ». Personne ne met en doute son esprit et ses comédies sont de celles que les directeurs les moins hardis pourraient accepter les yeux fermés. Mais Ten minutes alibi avait inspiré des craintes à tous ceux qui avaient lu la pièce. L'auteur s'était heurté à dix-huit refus catégoriques dans le West-End avant que Ronald Adam fût pressenti et se déclarât prêt à livrer
Ronald Adam fût pressenti et se déclarât prêt à livrer la bataille. C'est que, sur le canevas usé du « Detective Play », Anthony Armstrong avait brodé quelques variations qui déroutaient les compétences. Toutes les règles du « thriller » paraissaient violées. Au lieu de proposer une énigme à la sagacité du public, de lui en cacher soigneusement la solution et de le faire participer, comme il sied, à la recherche hasardeuse d'un improbable meurtrier, ce diable d'homme n'hésitait pas à mettre, dès le début, les spectateurs dans la confidence et à leur dévoiler jusqu'aux desseins les plus secrets du
et à leur dévoiler jusqu'aux desseins les plus secrets du criminel par le truchement d'un rêve matérialisé sur les planches. De fait, l'on assiste deux fois à l'assassinat qui constitue le sujet de la pièce. On le voit d'abord tel que le meurtrier le conçoit, exécuté avec la promptitude aisée que confère le songe, puis, au second acte, tel qu'il parvient à l'accomplir malgré des contingences différentes, des difficultés non prévues. L'intérêt nait de ce rapprochement ironique de la réalité une réalité de théâtre, cela va sans dire – et de l'imagination. Aucun directeur n'avait vu l'originalité du procédé. Il
de l'imagination. Aucun directeur n'avait vu l'originalité du procédé. Il fait toute la valeur de la pièce; car il ne s'agit point ici de littérature. Transporté de l'Embassy au Haymarket Theatre, Ten minutes alibi continue, après huit mois, à faire des salles combles. Il est amusant de suivre l'effet de ces péripéties sur le public. Le rôle principal est joué par une grande horloge qui orne le panneau du fond. Le héros en avance, puis recule les aiguilles pour s'assurer un alibi qui trompera la police. Les spectateurs suivent avec anxiété la marche de l'heure sur le cadran. Ils tressaillent
anxiété la marche de l'heure sur le cadran. Ils tressaillent tous au moment opportun, lorsque retentissent les sonneries révélatrices. Au troisième acte, rien n'importe plus que de savoir si le meurtrier échappera ou non à la police. Ce meurtrier est sympathique, car il n'a tué le joli et répugnant métèque qui lui a soufflé sa fiancée que parce qu'il a découvert en lui un pourvoyeur de Buenos-Aires. Un soupir de satisfaction libère les poitrines féminines, lorsque Scotland Yard se retire enfin de la scène abusé par l'ingéniosité de l'admirable assassin aussi intelligent que brave et que celui-ci demeure en tête
aussi intelligent que brave et que celui-ci demeure en tête à tête avec son Andromède délivrée, heureuse de l'être. Aucun des augures qui président à la destinée du Stage Land n'avait prévu cet effet. Expliquons-nous. Le rôle des scènes d'expérimentation ne mériterait certes point d'être signalé ici, si elles se bornaient à fournir à des commerçants patentés des sources nouvelles de recettes. Ronald Adam à l'Embassy a fait maintes découvertes plus importantes dans le domaine de la littérature que ce mélodrame rajeuni, que cette pièce policière, mais l'un et l'autre cas nous paraissent très caractéristiques de ce qui se passe
cas nous paraissent très caractéristiques de ce qui se passe là-bas. Et l'on ne saurait songer à tout citer. L'actualité limite d'ailleurs notre choix. Le West-End a d'autres rabatteurs. Deux des succès les plus considérables de ces derniers mois, les plus significatifs aussi (car ces succès intéressent vraiment la littérature), n'ont pu être obtenus que par le chemin détourné d'un groupement privé qui organise des séances sans faste, destinées à un nombre limité d'auditeurs. C'est grâce à l'initiative de l'Arts Theatre Club que tous les Londoniens peuvent aller applaudir au Piccadilly Theatre une pièce de Dorothy Massingham The Lake (Le
Piccadilly Theatre une pièce de Dorothy Massingham The Lake (Le Lac), et au New Theatre une pièce de Gordon Daviot Richard of Bordeaux. L'Arts Theatre Club, qui a son siège dans Westminster, a été fondé en 1927. Il compte quatre mille membres environ, tous professionnels de la scène. Comme c'est un cercle fermé, son activité échappe aux rigueurs de la censure. Maintes pièces condamnées ont été représentées de cette façon et ont vu, à cause même de cette représentation, fléchir la sévérité de Lord Chamberlain, convié à la fête, loyalement. Ce fut le cas notamment pour une pièce charmante de
Ce fut le cas notamment pour une pièce charmante de John Van Druten, Young Woodley (Le jeune Woodley) et pour les 5 personnages en quête d'auteur, que les Anglais ont bien failli ne pas pouvoir applaudir. The Lake a une histoire. Fille et sœur d'écrivains notoires, Dorothy Massingham était une comédienne de talent, remarquée surtout dans les rôles shakespeariens. Tout le monde se souvient de sa Viola, dans la Nuit des Rois, et de sa façon touchante de dire les vers fameux « Elle n'avoua jamais son amour et laissa son secret, comme le ver enfermé dans un bouton de
son secret, comme le ver enfermé dans un bouton de fleur, dévorer l'incarnat de ses joues; elle languit dans sa pensée et, parée aux couleurs de la mélancolie, jaune et verte, elle se tint comme une statue de la Résignation sur un tombeau, souriant à la douleur. » Le passage pourrait, ou peu s'en faut, servir d'épigraphe à l'histoire que Dorothy Massingham avait contée dans The Lake. C'était une œuvre mélancolique et fine, qu'elle avait longtemps portée en elle et méditée, et dont elle connaissait pleinement l'importance. Trois grandes actrices s'étaient partagé les rôles marquants Marie Ney, May Whitty, Esmé
s'étaient partagé les rôles marquants Marie Ney, May Whitty, Esmé Church. Les membres du Club, blasés pourtant, écoutèrent la pièce avec tant d'émotion vraie, et la critique se montra si sincèrement élogieuse que le transfert de l'ouvrage et de ses interprètes sur une scène permanente fut décidé incontinent. C'était, soudain, la grande célébrité pour l'écrivain, après plusieurs années de travail obscur et d'attente. Quelques semaines plus tard, on trouvait Dorothy Massingham dans son appartement de Hampstead, asphyxiée par le gaz d'éclairage. Un réchaud ouvert, tout près d'elle. Le verdict du « coroner fut « Suicide commis au cours d'un accès
« coroner fut « Suicide commis au cours d'un accès d'insanité temporaire. » Elle avait souffert d'une grippe qui l'avait affaiblie et déprimée, mais elle paraissait guérie. La veille encore, elle avait fait des projets, devant des parents et des amis. L'héroïne de la pièce, Stella Surrege, est une jeune fille insatisfait. Des tourments secrets la hantent. Son entourage l'excède et elle essaie vainement de s'évader de la vie quotidienne. Ni la peinture, ni la musique n'ont été des dérivatifs suffisants. L'amour l'a également déçue, car l'homme qu'elle est bien près d'écouter, est un égoïste, marié au surplus et richement
près d'écouter, est un égoïste, marié au surplus et richement marié, qui n'entend pas briser au profit d'un caprice une chaîne légère et dorée. Stella se ressaisit tout à coup et se résout elle aussi au mariage. Au cours des fiançailles, elle se met à aimer celui qu'elle avait choisi presque au hasard et qui se révèle digne de ce choix. Elle n'ose encore avouer cet amour, dont elle espère le salut. Le bonheur est là, tout près. Une fois unie à ce fiancé qui attendait patiemment que son heure fût venue, l'inquiétude l'abandonne. Est-ce le havre désiré? Mais l'auto
fût venue, l'inquiétude l'abandonne. Est-ce le havre désiré? Mais l'auto qui emporte les mariés d'une heure, chavire dans la boue automnale et noie le compagnon à peine conquis, l'amant promis, dans les eaux sombres d'un lac artificiel creusé dans le grand parc du domaine familial. Un lac, faut-il le dire, symbolique plus encore que réel et dont l'héroïne avait justement redouté le voisinage pour sa triste, et brève, et silencieuse aventure d'amour. Le dernier tableau la révèle, toujours taciturne, sollicitée par l'onde perfide au point de souhaiter s'y ensevelir aux côtés du disparu, puis ramenée à la vie, à une
côtés du disparu, puis ramenée à la vie, à une douleur calme, par la voix d'une parente âgée, dont on devine que la sagesse est faite d'un déchirement pareil et ancien, mué peu à peu en souvenir tolérable. Il passe dans cette tragédie c'est ainsi que l'auteur l'a intitulé des réminiscences de Tchekhov, et de tout le théâtre slave. Ce heurt des choses hostiles et des êtres effarés, ce pouvoir quasi maléfique d'une vieille maison, d'une mare noire, cela nous ramène aux œuvres brumeuses, chargées de mystère et de pessimisme dont la génération actuelle a, nous dit-on, secoué l'influence. C'est,
dont la génération actuelle a, nous dit-on, secoué l'influence. C'est, d'ailleurs, la partie la moins bonne d'une œuvre qui peut sembler à d'aucuns anachronique, mais qui touche par son accent personnel et dont la valeur est certaine. Cette valeur réside dans maintes notations psychologiques très ingénieuses, dans une analyse assez profonde de la tristesse et de ses causes. Relevons aussi car la pièce est prodigue en contrastes la ferme et souple peinture des caractères. Ces caractères tiennent de bien près à la vie. Le personnage de la mère de l'héroïne, autoritaire, bornée, exigeante, mesquine, méticuleuse même dans le deuil et
autoritaire, bornée, exigeante, mesquine, méticuleuse même dans le deuil et dans les larmes, est singulièrement vivant. Notons au surplus l'exactitude de quelques épisodes comiques. Tout le début du second acte forme un intermède fort amusant qui ne paraît pas trop déplacé dans ce pathétisme déployé. Il est, pour téter le mariage de l'héroïne, une réception sous tente. une tente arrosée de pluie dans un jardin balayé par les rafales. L'affolement de la famille, la mauvaise humeur des invités, l'hypocrisie mondaine modelant les attitudes, les propos cruels, ou frivoles, ou simplement indifférents, la ruée enfin devant le buffet tout cela, prestement
indifférents, la ruée enfin devant le buffet tout cela, prestement évoqué, prouve que Dorothy Massingham était aussi douée pour la comédie que pour le drame. Mais quel directeur eût osé prévoir, malgré cette halte dans la catastrophe, que ces péripéties lugubres, avec le spectre de la mort à l'arrière-plan, eussent pu attirer des milliers et des milliers de spectateurs? On a dit et répété partout à Londres comme ailleurs que seul un spectacle gai peut « faire de l'argent ». On a dit aussi que l'Anglais fuit le spectacle des pleurs et que rien n'est plus loin de son tempérament
pleurs et que rien n'est plus loin de son tempérament que la délectation morose. On a dit. Mais que ne dit-on pas? Le succès, plus bruyant encore peut-être, de Richard III de Bordeaux donne un démenti non moins étonnant à tous les axiomes qui courent les coulisses. Un sujet historique, traité sérieusement, sans souci de paradoxe ni de satire; des scènes politiques; une rencontre avec Shakespeare sur un terrain souvent foulé par les discussions. Une égale horreur de l'enflure et du pédantisme archéologique. Aucune concession aux préférences que l'on attribue généralement au public. Aucun répit sentimental; aucune réplique passionnelle; pas
généralement au public. Aucun répit sentimental; aucune réplique passionnelle; pas le moindre reflet de sexualité. Faute irrémédiable. Le seul personnage féminin passe dans la pièce ainsi qu'un fantôme léger et son influence sur le héros demeure purement spirituelle. Cette chronique presque austère, dépourvue d'agréments adventices, retrace l'évolution d'un caractère royal à travers les contigences et sous la pression des événements. On n'a raconté nulle part les rencontres de l'auteur avec les « managers », mais on devine ce qu'ils auraient pensé de son texte si celui-ci leur avait été soumis. Gordon Daviot, on sait aujourd'hui que c'est une femme, était
Gordon Daviot, on sait aujourd'hui que c'est une femme, était tout à fait une inconnue lorsque l'Arts Theatre Club tira son nom et son œuvre de l'obscurité. D'aucuns prétendent qu'elle est une institutrice écossaise, mais les mieux informés d'entre ses admirateurs avouent ne connaître pas grand-chose d'elle. Cette pointe de mystère contribua peut-être à créer un mouvement de curiosité. Le manuscrit de la pièce fut apporté aux organisateurs par John Gielgud, un jeune tragédien qui venait de jouer le Richard II de Shakespeare. Les représentations d'essai ayant donné des résultats encourageants, John Gielgud prit le soin d'indiquer à l'auteur les
encourageants, John Gielgud prit le soin d'indiquer à l'auteur les changements qui s'imposaient dans la conduite de l'intrigue. Lorsque Richard of Bordeaux reparut au New Theatre, le drame se déroulait avec plus de rigueur et l'on avait substitué aux rideaux indigents de la création des décors élégamment stylisés. La pièce est aujourd'hui montée avec un goût très raffiné. Elle s'ouvre en l'an de grâce 1385. Le fils du Prince Noir, le petit-fils d'Édouard III, est un adolescent encore. C'est un monarque frêle, aux gestes félins, que traversent de brusques enthousiasmes suivis de dépressions morbides. Nourri de poésie, altéré de beauté,
suivis de dépressions morbides. Nourri de poésie, altéré de beauté, l'idée le domine d'une réconciliation avec la France, l'ennemie héréditaire, et d'une paix féconde. Mais ses oncles Lancastre, York et Gloucester exigent la poursuite de la politique traditionnelle. Ils sont tyranniques. Ils sont péremptoires. « Mon grand-père fut terriblement prolifique », soupire le jeune roi. L'entourent et le réconfortent la reine Anne de Bohême, subtile et jolie, son tuteur Simon Burley, le chancelier de la Pole et Robert de Vere, comte d'Oxford, l'ami cher, le courtisan voluptueux, le poète délicat qui, si l'on en doit croire l'histoire, ou la légende,
qui, si l'on en doit croire l'histoire, ou la légende, introduisit à la cour d'Angleterre l'usage du mouchoir. La pièce couvre douze années. Richard de Bordeaux est vaincu dans cette longue lutte. Sa rage nerveuse n'épargne pas les coups, mais elle s'use devant la ténacité des adversaires. Le dénouement le montre seul, terrassé. Anne, son bon ange, la douce Anne est morte. Il a dans un accès de colère exilé Oxford et on lui a arraché ses vieux et sages conseillers. Dans un cachot de la Tour, il signe son abdication en faveur de son cousin Bolingbroke, un militaire tout
abdication en faveur de son cousin Bolingbroke, un militaire tout d'une pièce qui sera le roi Henri IV. Il prend le chemin du château de Pontefract, où la mort l'attend, un sourire résigné aux lèvres, car l'ironie du destin ne lui échappe point. Les derniers tableaux souffrent de la comparaison avec le drame du grand Will qui commence, chronologiquement parlant, là où le drame nouveau est près de se clore. Richard II est une des plus belles créations shakespeariennes. Certains vers chantent dans toutes les mémoires anglaises. Ceux que prononce Jean de Gand échauffent le patriotisme des écoliers depuis plus
Jean de Gand échauffent le patriotisme des écoliers depuis plus de trois cents ans. Miss Gordon Daviot dont les vertus littéraires sont discrètes - la simplicité et une sorte de clairvoyance loyale qu'elle utilise à élucider une personnalité ne peut songer à se mesurer avec la grande éloquence élisabéthaine, ses orages et son lyrisme. Elle n'y prétend point du reste. Elle paraît savoir exactement jusqu'où ses forces la peuvent porter. Cette modestie lui sied. Ce n'est point déjà si commun d'avoir réussi dans une tâche que tout conspirait à rendre stérile. La fortune lui sourit. Les directeurs vont se disputer
stérile. La fortune lui sourit. Les directeurs vont se disputer les œuvres qui dormaient dans ses tiroirs. John Gielgud et sa partenaire, Gwen Ffrangcon-Davies, une actrice à la voix harmonieuse, aux attitudes ployantes, se montrent pour elle des collaborateurs inimitables. Les directeurs craignent le drame historique. Par contre, les comédies anecdotiques et les biographies dramatisées sont considérées comme des fétiches. Depuis que Robert Browning et Elisabeth Barrett ont triomphé six cents fois de suite au Queen's Theatre, tout le West-End est persuadé que la vie sentimentale des grands écrivains romantiques forme une matière théâtrale inépuisable. Qui dira les raisons d'une
forme une matière théâtrale inépuisable. Qui dira les raisons d'une vogue? Tous les dramaturges se jettent en même temps sur les mêmes héros. Cette année, ce sont les sœurs Brontë qui sont l'objet de tous les hommages. Tous les cabinets directoriaux sont submergés de manuscrits qui font revivre Agnès, Emily et Charlotte parmi les landes désertes de Haworth. Et nul biographe n'omet l'épisode de la pension Heger, à Bruxelles. Ainsi Clemence Dane a donné Wild Decembers (Décembres sauvages), une succession de scènes vigoureuses, bien construites, avec des personnages très acceptables, qui s'expriment congrument. Les lettrés, les « high brows »
qui s'expriment congrument. Les lettrés, les « high brows » comme on dit là-bas, ont applaudi, mais le commun des mortels n'est guère venu voir la pièce. Une actrice belle et téméraire, bien connue des cinéastes, Dyana Wynyard, improvisée directrice en un tournemain, n'a pu la maintenir sur les planches de l'Apollo Theatre. Cependant l'on disait merveille de la façon dont elle se tirait d'affaire et dont surtout Beatrix Lehmann (la sœur de Rosamund, la célèbre romancière) jouait le rôle terrible d'Emily Brontë. Les Brontës d'Alfred Sangster ont la vie plus dure, encore que la pièce soit d'une qualité moindre.