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la première manière de Jean Van Eyck. » Si vous regardez cette peinture en la comparant à toutes celles que nous avons vues, et si je vous demande à quelle autre école il faut la rattacher, que me répondrez-vous ? Trouverez-vous que cette toile possède un air de famille qui la fait se rapporter à l’école italienne, ou à l’école espagnole, par exemple. — Non, monsieur. — Eh bien, cet air de famille n’existe qu'avec l’école allemande. — Et ce sont les Van Eyck qui ont inventé l’art de peindre à l’huile ? — La question a été un peu
à l’huile ? — La question a été un peu discutée, mais rien de sérieux n’a pu être opposé aux affirmations de divers historiens rappelant éloquemment que l’art de peindre à l’huile remonte à 1410. Que l’invention soit due aux Van Eyck ou au prédécesseur des Van Eyck, à l'enlumineur miniaturiste Jehan ou Jean de Bruges, la peinture à l’huile date assurément du commencement du XVe siècle. Si nous admettons comme fondées les affirmations de Guicciardini (1482), Van Mander (1544), à savoir que l’invention de la peinture à l’huile remonte à 1410 et pourrait être même antérieure à cette date,
à 1410 et pourrait être même antérieure à cette date, et si, d’autre part, on admet que le plus jeune des Van Eyck — Jean — soit né entre 1390 et 1415, comme tout semble le prouver, ce ne serait donc pas Jean Van Eyck qui aurait trouvé la nouvelle méthode de peindre, mais bien son frère Hubert. Les portraits des deux frères, qui se trouvent sur l’un des volets d'un tableau célèbre de Belgique : L’Adoration mystique, marquent parfaitement la grande différence de leur âge. Quoi qu’il en soit, que l'invention soit due à Jean ou à Hubert, et
que l'invention soit due à Jean ou à Hubert, et même, comme semble le dire Vasari (1549), à Jean de Bruges, il est certain qu’aucun tableau peint à l’huile avant cette époque ne nous est parvenu. La trouvaille est tout à l'honneur de la Flandre. Puisque cette question de l’invention de la peinture à l’huile paraît tant vous intéresser, je vais vous dire ce qu’en a conté l'historien Vasari : « Ce fut, dit-il, une très belle invention et un grand perfectionnement dans l'art de la peinture que de trouver le moyen de colorier à l’huile. Le premier inventeur fut,
le moyen de colorier à l’huile. Le premier inventeur fut, en France, Jean de Bruges qui envoya un tableau à Naples, au roi Alphonse, et la Baigneuse au duc d’Urbain, et qui exécuta un Saint Gérard jadis en la possession de Laurent de Médicis, et plusieurs autres choses de mérite. S’étant un jour donné beaucoup de peine à peindre un panneau, Jean y mit un vernis et l’exposa à sécher au soleil, ainsi que c’était l’usage ; mais soit que la chaleur fût trop forte, soit que le bois fut mal joint ou pas assez sec, le panneau se fendit.
mal joint ou pas assez sec, le panneau se fendit. Là-dessus, Jean, voyant le grand dommage causé par le soleil, se mit à réfléchir aux moyens qu’il pourrait employer pour que pareil accident n’arrivât plus... Ayant fait plusieurs essais, il trouva, à la fin, que le mélange d’huile de lin et d’huile de noix était ce qui séchait le plus vite, sans l’aide de la chaleur. Il fit donc bouillir ces huiles avec d’autres ingrédients et inventa un vernis que lui-même, aussi bien que tous les autres peintres, désirait trouver depuis longtemps. Il s’aperçut ensuite qu’en mélangeant ces huiles aux
depuis longtemps. Il s’aperçut ensuite qu’en mélangeant ces huiles aux couleurs il obtenait une peinture ayant beaucoup plus de corps, qui non seulement séchait bien, pouvait supporter l’eau sans dommage, mais encore que le coloris acquérait plus de vigueur et avait un certain lustre sans l’aide du vernis. Ce qui paraissait encore plus étonnant, c’est que les couleurs se mélangeaient beaucoup mieux qu’à la détrempe. » — Mais si ce Jean de Bruges avait trouvé la peinture à l’huile, il serait bien resté quelques tableaux de lui ? — Sans doute, mon ami Jacques, et il ne nous est resté
doute, mon ami Jacques, et il ne nous est resté de ce Jean de Bruges que des compositions dessinées, des cartons pour des tapisseries dont une partie minime est conservée à la cathédrale d’Angers, et une Bible historiée que l’on voit au musée de La Haye et dans laquelle se trouve le portrait de notre roi Charles V, lequel régna, vous le savez, dans la seconde moitié du XIVe siècle (1364 à 1384), et s’était attaché le peintre flamand. Ce serait une erreur de penser que les Van Eyck ne furent inspirés que par l’Ecole allemande de Cologne. Ils se
furent inspirés que par l’Ecole allemande de Cologne. Ils se servirent des éléments qui leur avaient été fournis par des prédécesseurs flamands et les développèrent prodigieusement. Les archives et les registres communaux nous ont conservé quelques noms parmi lesquels un certain Jean Van Woluwe, qui était peintre et enlumineur de la cour ducale. Un savant chercheur, M. Alex. Pinchard, a fourni la preuve que de 1388 à 1384 cet artiste exécuta de nombreuses peintures en des genres variés, miniatures, décorations et tableaux pour l’oratoire de la Duchesse à Bruxelles. Les Van Eyck ne se sont pas créés tout seuls ;
Van Eyck ne se sont pas créés tout seuls ; ils s’inspirent de leurs devanciers ; ils puisent et très largement même, dans Jean de Bruges. Un nommé André Beauneveu, de Valenciennes, peintre, sculpteur, enlumineur, exerce aussi une influence décisive sur l’École des Van Eyck. Ce Beauneveu fit pour la Chambre des Halles de Valenciennes, en 1384, des « images et peintures » et d’autres travaux de décoration pour le château du duc de Berry à Mehun-sur-Yèvre. Toutes ces peintures ont été détruites et nous n'avons plus d’André Beauneveu que quelques sculptures tombales au Louvre et à Saint-Denis, un manuscrit
quelques sculptures tombales au Louvre et à Saint-Denis, un manuscrit ornementé à la Bibliothèque de Paris et une miniature au lavis à la bibliothèque de Bruxelles. Les Van Eyck surgissent, et, comme préparés par le travail de leurs devanciers, ils éclosent superbement. C’est une magnifique floraison. Ce sont eux qui vont donner le la, qui vont tracer la voie à l’art européen et qui le formeront. Du premier coup ils surpassent les premiers des primitifs gothiques, inventent la peinture à l'huile et atteignent la plus haute perfection dans sa pratique. Leur palette est riche et suave, le ton est net
Leur palette est riche et suave, le ton est net et franc, leur ouï est juste, vif, pénétrant. Il est impossible de peindre d’une façon plus fraîche, plus tranquille et tout à la fois plus délibérée. Leur facture simple et sobre atteste la sérénité de leur âme. Avec cela, beaucoup de science, dont témoignent les volets de l’Agneau Mystique. Si leur enseignement fut si fécond, c'est qu'en plus de ce qu’ils prirent à leurs ancêtres ils fortifièrent leurs conceptions au contact de la nature qu’ils étudiaient en fervents. Les premiers, ils comprirent que l’observation scrupuleuse, l’étude attentive du grand livre
ils comprirent que l’observation scrupuleuse, l’étude attentive du grand livre qui est toujours ouvert à ceux qui veulent obstinément y lire, étaient la base de tout art, le principe sans lequel aucune œuvre n'a de force ni de grandeur. Ainsi les Van Eyck et leurs continuateurs eurent une action considérable sur toutes les Écoles du XVe siècle. Ou ne se dégagea d’eux qu’au siècle suivant. A la suite de Van Eyck nous voyons une série de continuateurs jusqu’à Quentin Matsys. Je vous ai dit que cet art primitif flamand avait un air de famille avec l’art allemand que je vous
un air de famille avec l’art allemand que je vous ai montré à Cologne; mais ce qui différencie celui-là de celui-ci, c’est que, tout en n'abandonnant pas la vie future, il soigne, embellit, chérit la vie présente. Remarquez bien que les figures des tableaux religieux de cette première période d’art flamand qui va de Hubert Van Eyck à Quentin Matsys, c’est-à-dire des 1400 à 1530, remarquez bien, dis-je, que les figures de l’École Van Eyck ne sont pas tristes et, comme dit le grand penseur Taine, « douloureusement rêveuses, accablées par le poids de la vie, obstinément résignées ». L’art
par le poids de la vie, obstinément résignées ». L’art de Van Eyck est religieux; l’art allemand est pour quelque chose d’appréciable dans sa formation, mais Van Eyck aime la vie parce qu'il est flamand et il le fait voir. Il peint moins des âmes que des corps. Écoutez encore ce que dit Taine de cette École de Van Eyck : « Ils sont flamands et ils restent sur la terre. Ils copient avec un minutieux scrupule le réel et tout le réel, les orfèvreries d’une armure, les luisants d’un vitrail, les rainures d’un tapis, les poils d’un fourrure, le
vitrail, les rainures d’un tapis, les poils d’un fourrure, le corps déshabillé d’une nu ou d'un Adam, l'énorme face d'un chanoine, la carrure épaisse, le menton saillant, le nez proéminent d'un bourgmestre ou d'un homme d'armes, les jambes grêles d’un bourreau, la tête grosse et les membres trop minces d'un jeune enfant, les costumes et l'ameublement du siècle. » Vous le voyez, à travers la glorification de la foi chrétienne, ils glorifient la vie présente, leur vie à eux, la vie qu'ils aiment, qu'ils ne considèrent pas comme une charge, mais comme un bonheur. A la fin de cette première
mais comme un bonheur. A la fin de cette première période, les scènes de mœurs se multiplient. Le clergé est supplanté par le pouvoir laïque; l’art flamand semblait devoir atteindre son apogée. Mais nous sommes à la fin du premier quart du XVIe siècle. Or, dès 1500, l’art italien était devenu prépondérant. Sa splendeur troubla les peintres de la Flandre. Van Orley, Jean de Mabuse se rendirent en Italie vers 1510 et presque tous les artistes flamands les y suivirent. Là, hypnotisés par la dimension des œuvres, le déroulement majestueux des lignes et leur galbe puissante, par cet art essentiellement
des lignes et leur galbe puissante, par cet art essentiellement différent du leur, ils cherchèrent à se dépouiller de qualités précieuses pour les remplacer par celles de la race italienne. C’était pure folie. — C’était à peu près comme lorsque la grenouille voulait copier le bœuf en se gonflant. — Parfaitement, mon petit Jacques, et tu sais ce qui lui arriva. Eh bien, le génie national flamand faillit sombrer à la suite de cette équipée. Les peintres ne firent que démarquer, ridiculiser, en exagérant certains défauts qu’ils prenaient pour des vertus. D’ailleurs, chaque fois que l’on plagie, que l’on vole
vertus. D’ailleurs, chaque fois que l’on plagie, que l’on vole la pensée, la matière d’autrui, c’est ainsi que les choses se passent toujours. Ils perdirent toutes leurs qualités naturelles, l’émotion devint l'humble sujet, la foi attentive qui trouve sa récompense dans la joie d’avoir bien compris, d’avoir bien rendu, d’avoir bien fait en un mot. Disparus, alors, les traits spirituels, les traits caractéristiques soulignant des brutalités robustes ! Quand ils avaient imité l'extérieur, l’enveloppe, composé et forcé des attitudes, ils s’imaginaient de bonne foi, ces égarés, avoir atteint le but, comme s’ils avaient pu en même temps supprimer d'un seul
comme s’ils avaient pu en même temps supprimer d'un seul coup leur origine, leur atavisme, remplacer leur cerveau par un autre ! L'école flamande s’en allait donc à la dérive. Comme un vaisseau démâté, et cela, jusqu’à la fin du XVIe siècle, quand un des plus purs enfants de la Flandre parut, créateur d’une originalité et d’une puissance qui ne s’étaient point encore vues et dont le génie dominait, à une surprenante et presque inconcevable hauteur, tous les autres. — C’est Rubens ? — Lui-même, Maurice, et je vois que notre petite conférence préparatoire t’est restée dans la tête. Rubens
notre petite conférence préparatoire t’est restée dans la tête. Rubens est un grand génie, un cerveau « dont la puissante fécondité créait des mondes », ses œuvres sont innombrables. Lui aussi est allé en Italie ; je vous l’ai même montré en Espagne, y arrivant pour se jeter dans les bras d'un illustre confrère, Velasquez. Rubens prenait partout ce qui pouvait lui convenir, l’absorbait, se fusionnait intimement. Toute cette abondante nourriture intellectuelle venait affirmer et renforcer sa personnalité, mais non la modifier. Les œuvres de ce grand homme sont innombrables. Il y en a partout et de tous les genres,
Il y en a partout et de tous les genres, car sa facilité était aussi grande que sa puissance de travail était énorme. Je viens de vous dire que Rubens était un pur Flamand. Cependant, il est né le 15 juin 1577, non à Anvers, comme vous le verrez encore dans le Bescherelle et le petit dictionnaire Larousse, mais à Liegen, en Prusse. Mais s'il est né sur une terre étrangère, ce fait n’est du qu’aux troubles religieux qui avaient contraint son père, Jean Rubens, échevin d’Anvers, à s’exiler. Nous étudierons en détail la biographie du peintre Pierre-Paul Rubens, qui
étudierons en détail la biographie du peintre Pierre-Paul Rubens, qui mourut à Anvers, en 1640. Vous le voyez ici même, au Louvre, sous différents aspects avec ses grandes toiles historiques et son admirable kermesse où déborde la vie flamande faite de grosse et grasse gaieté. L’école de Rubens se trouve continuée par Jordaens, Van Dyck, Téniers le jeune. Jordaens, né à Anvers en 1593, y est mort en 1678. Le maître de Rubens, Adam Van Noort, fut également le sien. Il subit l'influence de Rubens. Son œuvre est considérable et variée, et vous voyez quel exubérant naturalisme s’étale partout ici,
variée, et vous voyez quel exubérant naturalisme s’étale partout ici, quel coloris puissant et emporté ! Van Dyck suit Jordaens de cinq années. Il naît en 1599, mais il meurt jeune encore (trente-sept ans avant Jordaens, qui l'avait cependant précédé), en 1641, à l’âge de quarante-deux ans. À quinze ans, il était entré dans l’atelier de Rubens. À vingt et un ans, il commençait à voyager ; il rentrait à vingt-six ans avec plus de cent œuvres qui eussent pu suffire à sa gloire. La Vierge aux donateurs, que nous avons devant nous, d'un charme si pénétrant, d’une poésie si
avons devant nous, d'un charme si pénétrant, d’une poésie si intense qui fraternise avec une si forte expression réaliste, faisait partie de la collection du roi Louis XIV. Ses portraits sont d’une distinction suprême. Nous arrivons au XVIIe siècle. En Hollande, vous le savez déjà, à cette époque, les petits tableaux de genre florissaient, et cette floraison gagne rapidement la Flandre voisine. David Téniers le jeune est le maître du genre et le dernier représentant de la grande école de Rubens. Téniers naquit en 1610 à Anvers et mourut à Bruxelles en 1695. En 1630, c’est-à-dire dix années avant la
Bruxelles en 1695. En 1630, c’est-à-dire dix années avant la mort de Rubens, il commençait à recevoir les leçons du grand maître. Nous allons passer devant tous ses tableaux qui sont fort beaux. C’est un conteur délicieux ; rien dans l'intimité ou dans la grosse joie familière ne lui échappe. Il a peint toute la vie sans en rien omettre, et a toujours mis de l'esprit dans les spectacles les plus ordinaires, dans les choses les plus naïves. Nous approchons de la décadence. En 1648, l’Escaut est fermé à la Belgique; la voilà ruinée. Des guerres successives la rejettent dans
Belgique; la voilà ruinée. Des guerres successives la rejettent dans ses inquiétudes et les troubles. Nous entrons maintenant dans le XVIIIe siècle. Alors on peint plus soigneusement, on maniérise, on veut faire de l’érudition et de la rhétorique. On veut devenir classique et académique, forcer sa nature, et l’on disparaît. HENRY HAMEL. À TORT ET À TRAVERS Vitrines. — Chez Bing, Exposition Santiago Rusinol ; un Espagnol qui vint étudier à Paris. Il retourna dans son pays et nous en envoie une série de Tableaux intitulés : Jardins d'Espagne. Jardins de théâtre et de féerie, jardins mélancoliques et sombres, jardins
de théâtre et de féerie, jardins mélancoliques et sombres, jardins taillés, corrects, bizarres pourtant où les arbres torturés obéissent aux mains impérieuses de jardiniers maniaques. Des fleurs, de belles fontaines, du soleil, de la lumière ; mais, dans ces « jardins d'Espagne », de Rusinol, une certaine tristesse plane de par l'absence complète de tout être vivant. Le caractère tout spécial du pays, du ciel, l’entente originale du dessin des parterres et des allées, sont traduits d’une façon saisissante et juste. L’artiste a su donner à ses œuvres une note très personnelle. * * * Àtélivers. — Entré au cours
très personnelle. * * * Àtélivers. — Entré au cours de croquis de l’Académie. Je retrouve la grande baraque qui sert d’atelier ; aux murs, les mêmes dessins primés ; les mêmes couches de raclures de palette, la table à modèle qui, depuis vingt ans, vit passer tant d’académie d’hommes, de femmes, d'enfants ! En attendant l’arrivée du modèle femme, les élèves, une trentaine, dont une dizaine de jeunes filles, causent et blaguent. Le modèle n’arrivant pas, on fait signe à une petite italienne de se déshabiller, et, en un clin d’œil, des loques surgit un misérable petit corps, osseux,
clin d’œil, des loques surgit un misérable petit corps, osseux, noir, pitoyable. On le salue de protestations et le petit corps rentre dans ses loques. Alors un modèle homme se présente, se déshabille ; les élèves-femmes qui viennent surtout les jours de modèles-femmes, ne bronchent pas. Elles ont l’habitude dans leurs ateliers spéciaux d’avoir des modèles-hommes — un caleçon sauve la décence. — Mais d’un léger bond, le modèle est sur la table et sans plus, de caleçon que de gants. Et trois des petites jeunes filles filent à l’anglaise en baissant la tête. * * * Journaux illustrés. —Le
en baissant la tête. * * * Journaux illustrés. —Le Courrier Français a fêté sa dix-septième année. Le chiffre rend mélancolique. En feuilletant les numéros de 1884 et 1885, des souvenirs viennent en foule. Je retrouve dans le numéro des « Incohérents », des dessins, des portraits, des croquis de gens, depuis pas mal arrivés, et aussi de pas mal de disparus : Willette, de Sta, Caran d’Ache, Gray, Luigi Lori, G. Livet, Galipaux, Jules Lévy, G. Lorin, Ach. Lemoine, L. Godin, Em. Cohl, Bilhaud, Pille, Auvray, Capelle. Régamey, Choubrac, Grenet-Dancourt, etc., etc. Depuis ces quinze ans que d’idées répandues,
Grenet-Dancourt, etc., etc. Depuis ces quinze ans que d’idées répandues, que de talent mis au jour et dépensé, que d'efforts et de luttes dans ce journal, et quelle révolution il a amené dans l’illustration du journal amusant ! Les privilégiés n’oublieront pas non plus les fabuleuses fêtes que le directeur, M. Jules Roques, donna pendant quelques années. Fêtes uniques comme on n’en reverra plus. Les bals des Incohérents sont lointains et presqu’oubliés ; les fêtes du Courrier Français terminées, le bal des Quat'z’Arts agonise. Il reste le macabre, le navrant, le lugubre bal de l’Opéra. Expositions. — Chez Colin et
le lugubre bal de l’Opéra. Expositions. — Chez Colin et Gie, boulevard Montmartre, le sculpteur Félix Charpentier rassemble ses œuvres et l’on retrouve avec plaisir des figures connues, popularisées par l’édition : L'improvisateur, La Chanson, Les Lutteurs, L'Etoile filante, La Poésie, Cariatides et quantité de statuettes, esquisses, bustes, vases. Une œuvre à la fois de force et de charme montrant toute la souplesse du talent de l’artiste. Jean Passe. Banquet de la médaille d’honneur. — Nous rappelons que le banquet offert à M. Francis Tattegram, sous la présidence d'honneur de MM. Jules Lefebvre et Jules Breton, membres de l’Institut, aura
MM. Jules Lefebvre et Jules Breton, membres de l’Institut, aura lieu au restaurant des Terrasses, 76, avenue de la Grande-Armée, le 20 décembre prochain, à 7 heures et demie du soir. — Prix, 7 francs. On est prié d’envoyer adhésion au bureau du journal, 33, rue du Dragon, avant le 18 décembre. Feuilletons artistiques. — On se rappelle le succès qu’avaient obtenus les feuilletons que notre directeur, M. Henry Hamel écrivait dans un grand quotidien, il y a quelques années. Le rédacteur de la Petite Gazette est particulièrement heureux d’aprendre que ces feuilletons vont être repris tous les lundis dans
que ces feuilletons vont être repris tous les lundis dans le journal La Patrie, et Henry Hamel devient le critique d’art. Un abonnement spécialement est créé à ce feuilleton hebdomadaire au prix de 3 francs 50 l’an et deux francs pour un semestre. Le directeur de La Patrie est M. Emile Massard, 12, rue du Croissant, l’écrivain politique de si grand talent et très valeureux journaliste. Les travaux de sculpture de la Sorbonne. — Le Conseil municipal a décidé que les divers travaux de décoration sculpturale de la Sorbonne seront exécutés comme suit : M. Hughes, figure décorative de Pasteur
exécutés comme suit : M. Hughes, figure décorative de Pasteur ; M. Marquez, figure décorative de Victor Hugo ; M. Blanchard, une figure allégorique de la Faculté des sciences, M. Fagel, une figure allégorique de la Faculté des lettres, et, enfin, par M. Denys Puech, une figure en bronze représentant une Minerve moderne. La dépense s’élèvera à 62,000 fr. Les dangers d’incendie du Louvre. — Du rapport si remarqué que M. Dujardin-Beaumetz a présenté à la Chambre sur le budget des beaux-arts, détachons cette simple phrase qui vaut vraiment d’être méditée. « Mes renseignements personnels me permettent d’affirmer qu’il y
méditée. « Mes renseignements personnels me permettent d’affirmer qu’il y a eu, en 1898, plus de quatorze commencements d’incendie, feux de cheminée ou autres, au ministère des colonies. » Quel plus décisif argument pourraient invoquer ceux qui, depuis si longtemps, et toujours vainement, hélas ! signalent le redoutable péril créé, à notre musée du Louvre, le voisinage, maintenant devenu tout à fait immédiat, du ministère des colonies? L’Académie des inscriptions et belles-lettres a procédé à l’élection d’un membre titulaire, en remplacement de M. Deveria, décédé. Au premier tour de scrutin, M. Pottier, conservateur adjoint au musée du Louvre, a été
M. Pottier, conservateur adjoint au musée du Louvre, a été élu par 19 voix contre 11 données à M. O mont, conservateur adjoint à la Bibliothèque nationale. Ancien élève de l’Ecole normale et ancien membre de l’Ecole d’Athènes, M. Pottier est l’auteur de nombreux travaux d’érudition qui ont fait connaître son nom dans le monde savant et dont plusieurs ont été couronnés par l’Institut. Les affiches. — Jules Chéret vient encore de faire une merveilleuse affiche pour la Taverne Olympia. C’est la seconde qu’il exécute cette année, et la réduction en couleurs, format demi-colombier, se trouve encartée en supplément sans
en couleurs, format demi-colombier, se trouve encartée en supplément sans augmentation de prix dans le numéro du Courrier Français du 26 novembre, qu’on trouve dans tous les kiosques, gares, librairies, etc. La Société française des Amis des Arts s’est réunie mercredi dernier en assemblée générale statutaire, pour entendre le Compte rendu administratif et l’exposé de la situation financière de la Société ; puis elle a procédé au renouvellement partiel du Comité, et entendu diverses propositions. L’Album offert à ses membres par la Société, en souvenir du Salon de 1899, sera délivré dans le courant des mois de décembre et janvier;
délivré dans le courant des mois de décembre et janvier; il contient la reproduction des œuvres suivantes : Emile Adam : Le reliquaire (gravé par Claude Faivre) ; — F.-J. Aubert : Les joueurs de dame (par A.Jamas);— Joseph Bail : La servante (par H. Letort) ; — Antoine Calbet : Baigneuses (par Léon Le Coûtant) ; —Emil Demont-Breton : Alma mater (par G. Laval) ; — Paul Dubois : Souvenir (par L. Journot) ; — Alfred Guillou : Le papillon (par E. Chiquet) ; — Henri Lévy : Samson et Dalila (par Ch. de Billy) ; — Chocarne-Moreau :
et Dalila (par Ch. de Billy) ; — Chocarne-Moreau : Chacun son tour (lithographie par Maurou). Le square de la Sorbonne commence à s’embellir, le groupe en marbre de Tony Noël « Pro patria morituri », acheté au Salon de 1888 par la ville de Paris vient d'y être placé. Statues et monuments. — On va réédifier, place Dauphine, la vieille fontaine élevée à la gloire de Desaix ; le besoin ne s’en faisait pas précisément sentir, car ce monument est loin d’être une œuvre d’art. Elle est due à l’architecte Percier et date de 1802. — Derrière l’église de