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nous dispense de décrire les gobelets pédiculés ornés de bouillons, œuvres d'argent repoussé et doré, ornées de quelques galeries de feuillages fondus ou martelés et contournés, œuvres essentiellement allemandes; non plus qu'un cruseur, qui n'est autre chose que l'assemblage de deux gobelets à pied, semblables, accouplés par leur ouverture, de telle sorte que l'un sert indifféremment de couvercle à l'autre. D'ordinaire ce sont des coupes basses en bois tourné, en racine surtout, de "madre", comme le moyen âge en a tant employé tout en nous en laissant si peu, que l'on assemblait ainsi. Nous avons pu nous en convaincre dans
l'on assemblait ainsi. Nous avons pu nous en convaincre dans les petites salles du palais Pitti, à Florence, où nous ne nous attendions guère à faire une pareille rencontre. Mais on devait fréquemment fabriquer en Allemagne des crecequins tout en métal, car c'est précisément un vase analogue à celui que l'auteur des illustrations de la Bible de Albrecht Dürer, publiée en 1493, a mis entre les mains de la Reine de Saba donnant ainsi une date et une origine à l'assemblage qui nous occupe. De la même inspiration est sorti un bocal, comme disent les Allemands, orné de deux rangs
un bocal, comme disent les Allemands, orné de deux rangs de poires ou de bouillons opposés, et muni d'un couvercle à galerie, également repoussé de bouillons. Un bouton plat, qui d'habitude est gravé d'un écu d'armoiries, amortit le couvercle, et trois petits hommes soulèvent le pied en scotie de ce beau vase à boire, d'apparat. Pour en finir avec les pièces du même genre, nous n'aurons plus qu'à citer deux gobelets pédiculés à couvercle, à peu près de même profil, mais de décoration très dissemblable. La coupe de l'un, dont la gravure accompagne ces lignes, est décorée d'entrelacs de style
la gravure accompagne ces lignes, est décorée d'entrelacs de style oriental, d'un dessin très élégant, en argent réservé sur un fond entièrement niellé. Des moulures dorées égayent cette pièce que ses oppositions de noir et de blanc risqueraient de laisser un peu triste. Cette pratique était d'ailleurs constante sur l'orfèvrerie au moyen âge dans le Nord. L'argent qui prend toujours un ton gris en se sulfurant y est toujours relevé par quelque dorure, quand ce ne serait qu'un filet, s'il ne s'y trouve point de moulure pour la recevoir. En Italie les artistes éminents qui ont exécuté le baptistère de
Italie les artistes éminents qui ont exécuté le baptistère de Florence ont négligé ce détail, et leur œuvre est triste. L'autre gobelet est gravé d'arabesques sur sa panse et de divinités marines sur les moulures de son pied et de son couvercle sur lequel se tient debout un petit lansquenet à larges chausses bouffantes. Or ce petit homme est probablement, sinon le portrait, du moins la figure d'un certain Franz de Ligricz qui l'a fait exécuter en souvenir de la bataille de Moncontour qui a été livrée le 3 octobre 1569. C'est ce que nous apprend une inscription gravée qui,
1569. C'est ce que nous apprend une inscription gravée qui, datant à peu près ce vase, nous renseigne sur le style allemand, au commencement du dernier tiers du XVIe siècle. On voit que la Renaissance italienne l'avait radicalement transformé, tout en lui laissant une physionomie propre. Celle-ci résulte pour une partie d'habitudes nationales qui demandaient à l'orfèvrerie certaines pièces honorifiques qu'on n'employait point ailleurs; pièces de corporations ou de confréries que les peintres hollandais nous montrent dans leurs mains ou sur leurs tables aux jours des grands banquets, et que plusieurs d'entre elles conservent encore pour l'autre. d'un goût particulier
plusieurs d'entre elles conservent encore pour l'autre. d'un goût particulier pour la multiplicité des éléments et la saillie de leurs raccords. Bref, on n'aime pas les choses simples et on ne les conçoit point telles. Une cannette de jaspe sanguin, montée en vermeil, fait cependant exception à cette règle. Outre qu'elle est de profil très simple, elle est d'une finesse exquise dans les petites scènes gravées ou fondues de ses garnitures. Elles sont gravées sur celles du bord et du couvercle en dôme, ainsi que sur l'évasement du pied, mais fondues sur le cercle qui enveloppe le cylindre de la
fondues sur le cercle qui enveloppe le cylindre de la cannette et sert de point d'attache inférieure à l'anse. Nous y voyons plusieurs scènes de la Genèse qui ne pouvaient qu'engager à boire saintement la liqueur brune contenue dans le vase. Nous en rapprochons, à cause du précieux de leur exécution, une douzaine de gobelets en vermeil, portés sur un court piédouche. Ils sont ornés près du bord d'une zone de petits bas-reliefs représentant des scènes indiennes, des chasses surtout. Les habitants autochtones de l'Amérique y sont figurés à la façon des petits maîtres de la fin du XVIe siècle,
façon des petits maîtres de la fin du XVIe siècle, dont les estampes ont certainement servi de modèles à ces frises. Des ornements sont finement gravés sur les parties lisses de la coupe. Notons, en passant, une seconde cannette formée d'un tronc de cône surmonté d'un cylindre, qui n'est remarquable que par le semis de médailles qui y sont régulièrement incrustées, suivant une pratique traditionnelle en Allemagne. Nous avons remarqué, en effet, à la dernière exposition de Nuremberg, une pièce presque entièrement composée de pièces de monnaies de la famille Bonaparte. En outre de cette habitude, l'Allemagne a eu celle
Bonaparte. En outre de cette habitude, l'Allemagne a eu celle de monter richement les matières naturelles qui étaient rares encore à la fin du XVIe siècle, comme les noix de coco, les nautiles et les œufs d'autruche que le moyen âge croyait être des œufs du fantastique grincheur. Deux noix de coco montées en guise d'urnes montées sur un pied élevé, garni de nombreuses saillantes, un nautile porté sur une tige à balustre aux moulures compliquées et saillantes et un autre sur la tête d'une femme; enfin une aiguière en casque dont le vase est fait d'étoiles de nacre assemblées,
casque dont le vase est fait d'étoiles de nacre assemblées, et la monture de vermeil, appartenant à l'art des commencements du XVIIe siècle, témoignent de ce goût particulier. SALIER, en ARGENT NIELLÉ (TRAVAIL ALLEMAND DU XVIe SIÈCLE). (Collection Spitzer.) La salière, on le sait, avait une grande importance dans la vaisselle des tables royales et seigneuriales. Quoi qu'on en ait dit, elle en avait moins dans la bourgeoisie, dont les inventaires et les testaments sont à peu près muets à son sujet. Le hanap et la ceinture étaient son luxe principal. Quant aux inventaires royaux et princiers, ils nous donnent
principal. Quant aux inventaires royaux et princiers, ils nous donnent la description de salières qui sont de véritables monuments souvent très compliqués. La collection de M. Spitzer en possède une qui peut rivaliser avec les plus belles, en ce genre, surtout parce qu'elle est des plus élégantes. Nous la comparerons volontiers à une fontaine. Sa vasque supérieure est portée par trois chimères à long cou, à la poitrine fortement proéminente, et reposant sur un seul pied. Trois écus rélient leurs coues, et une coquille fait saillie sur leur poitrine. Derrière la cambrure de leurs reins s'arrondit une seconde vasque portée
la cambrure de leurs reins s'arrondit une seconde vasque portée sur un massif à trois faces creusées chacune d'une niche abritant une statuette. Le tout porte sur un socle triangulaire où reposent trois coquilles, dans l'intervalle de chaque chimère. Chaque angle du socle enroulé forme pied. La forme essentiellement architecturale de cette belle pièce et l'emploi des chimères du même profil que celles qu'Androuet du Cerceau a si souvent employées, nous font songer à une œuvre française du XVIe siècle, ce qui nous la rendrait doublement précieuse. Remarquons, de plus, que sa partie centrale n'est point sans une certaine similitude
que sa partie centrale n'est point sans une certaine similitude de forme avec les faïences françaises que nous appellerons maintenant de Saint-Porchaire, non pas tant pour être agréable à notre ingénieux collaborateur et ami, M. E. Bonnaffé, que pour nous ranger à son opinion très justifiée par de récentes trouvailles. Nous attribuerions également à un atelier français, et pour la même cause, deux salières hexagones, garnies de colonnes sur les arêtes d'angle, creusées sur chaque face d'une niche garnie d'une statue, et portées sur des chimères. Mais il faut revendiquer pour l'Allemagne une autre paire de salières également hexagones, décorées,
pour l'Allemagne une autre paire de salières également hexagones, décorées, autour de la base et du récipient, de moulures en argent fondu et doré représentant de petites figures adossées et couchées accompagnées d'ornements. Chaque face est niellée de scènes représentant des repas, empruntées à la Bible et assurément copiées d'après les estampes des petits maîtres, comme Théodore de Bry. Une autre salière rappelle trop par sa forme les chandeliers bas que fondaient les bronziers italiens du XVe siècle pour que l'on puisse hésiter sur son origine. La coupe décorée d'écus alternant avec des mufles de lion, porte sur une courte
alternant avec des mufles de lion, porte sur une courte tige en balustre au centre d'une large plate-forme, portée sur une gorge profonde reposant sur trois pieds. Un enfant est assis au droit de chacun de ces pieds un compartiment ovale est creusé entre chacun d'eux, et des guirlandes de fruits qui tombent sur la gorge de la plate-forme les relient. Cette pièce exécutée au repoussé, un peu lourde dans ses profils, n'a pas l'élégance cherchée de la première des salières que nous avons citée. L'art du statuaire et du ciseleur a plus à intervenir dans quelques pièces allemandes qui
ciseleur a plus à intervenir dans quelques pièces allemandes qui nous restent à citer: Deux figures de satyres, mâle et femelle, qui se font pendants, un poing sur la hanche et levant de l'autre main la coupe où s'insérera la bougie, debout chacun sur un socle ovale à gorge profonde ornée de légers reliefs; œuvre qui nous parait du XVIe siècle, ainsi qu'une figure du Temps courbé sous le poids d'une sphère armillaire, et une femme emportée au galop d'un cerf: Motif souvent répété par les orfèvreries du XVIIe siècle et qui semble avoir eu pour type une œuvre alors
et qui semble avoir eu pour type une œuvre alors célèbre. La statuaire s'applique encore à d'autres œuvres qui pour n'être pas plus utilisables, ont du moins l'apparence de l'utilité, comme deux coupes plates à pied en balustre accompagné de maigres consoles détachées. Leur intérieur, où l'image des senews et un cavalier sont obtenus au repoussé sur une mince feuille d'argent, est doublé par un fond en argent fondu, décoré de mascarons et de cartouches. Six grandes coupes qui sont la moitié d'un ensemble fabriqué à Augsbourg, en l'honneur des douze Césars, sont portées chacune sur une tige en balustre
douze Césars, sont portées chacune sur une tige en balustre accompagnée de consoles, qui repose sur un pied aux nombreuses moulures. L'ombilic de chacune porte la statuette d'un César armé et drapé à l'antique et d'un style quelque peu cavalier. Sur l'ombilic s'appuient les bases de quatre colonnes qui divisent le fond de la coupe en quatre secteurs égaux qui servent de champ à des scènes différentes: Campements, batailles, triomphes et festins tout ce que Jules Romain avait imaginé pour l'Histoire de Septime ou les Fêtes de Bellone. Certains détails des batailles y sont interprétés parfois d'une façon un peu
des batailles y sont interprétés parfois d'une façon un peu troublante. Ainsi les épais bataillons armés de lances si serrées que ceux qui les portent auraient peine à se mouvoir, tels que les estampes de la fin du XVIe siècle nous les montrent, figurent ici comme vus à vol d'oiseau; se réduisent à des carrés hérissés de pointes que dépasse par places la flamme d'un étendard. Tout n'est pas à traduire en relief, bien que l'artiste qui a composé ces tableaux y ait montré beaucoup de verve et l'orfèvre qui les a exécutés beaucoup d'habileté. Une canette basse, de la
les a exécutés beaucoup d'habileté. Une canette basse, de la forme de celle de F. Briot, que nous reproduisons en tête de lettre, appartient au même art ornementaire dont le fastueux élève de Raphaël a été le créateur. Il y a des gens qui aiment des femmes laides, d'autres les choses d'un luxe bruyant. Ni les unes ni les autres ne nous auraient jamais tenté, c'est pourquoi nous restons froid devant une pièce qui a du plaire à quelques-uns, et entre autres, probablement, à celui qui l'a imaginée. C'est un grand plateau à ombilic assez saillant pour monter au niveau
grand plateau à ombilic assez saillant pour monter au niveau du bord, afin que l'œil ne perde rien de l'aiguière qui y est placée et que nous reproduisons. Les ornements d'un puissant relief, cartouches, mufles de lion, vases et feuilles entablées qui décorent l'aiguière et son plateau, se nuisent par leur importance même. Aucun sacrifice! La pièce est magnifique, son anse composée d'un dragon ailé qui tue deux serpents enlacés est toute une œuvre, mais nous sommes aveugle pour les splendeurs de cette manifestation d'un art à son déclin. La dernière pièce, plus récemment entrée dans la collection, est une
dernière pièce, plus récemment entrée dans la collection, est une œuvre italienne de caractère religieux, il est vrai, mais qui pourrait servir à un usage civil: c'est un pupitre d'autel, en vermeil, qui présente cette singularité d'être articulé sur une base triangulaire. Celle-ci est en sculpture garnie sur chaque arête d'un cartouche prolongé par des griffes de support. Un bas-relief décore chaque face, et par son style indique une œuvre florentine de la seconde moitié du XVIe siècle. C'est la Fleur de Lys, d'une allure un peu michel-angesque, qui est figurée sur la face principale. Le porte-livre, qui est carré,
figurée sur la face principale. Le porte-livre, qui est carré, est composé d'un réseau de bandes de vermeil combinées avec des écussons circulaires aux armes d'un cardinal qui encadrent des plaques de jaspe sanguin. Après avoir étudié les principales pièces d'orfèvrerie civile réunies par M. Spitzer, nous n'oserons, pour conclure, insister sur les caractères qui différencient celles que nous avons cru devoir attribuer à l'Allemagne, l'Italie et la France. Pour un certain nombre de vases de table, et surtout d'apparat, le caractère allemand, encore un peu attaché à la gothicité, s'affirme de toute évidence. Lorsque l'influence italienne se fait sentir,
s'affirme de toute évidence. Lorsque l'influence italienne se fait sentir, probablement par l'intermédiaire de Hans Holbein, le défaut de simplicité dans les profils, trop d'abondance dans les éléments constitutifs, sont encore une marque d'origine. Mais à mesure qu'on avance dans le XVIIIe siècle, que les échanges de modèles et d'idées sont plus nombreux, il nous paraît bien difficile de dire à coup sûr ceci est allemand, et ceci ne l'est pas. Quant à ce qui nous a semblé appartenir à la France, les pièces que nous avons sous les yeux sont trop peu nombreuses pour que nous osions en tirer
sont trop peu nombreuses pour que nous osions en tirer des conséquences. Là, comme dans tous les autres arts, une certaine mesure qui a l'architecture pour origine, nous semble s'imposer et régler les formes. Elle met un frein aux trop grands écarts de l'imagination et les tempère. Il en est de même pour l'Italie où nous avons à signaler, cependant, une simplicité qui peut devenir de la lourdeur. Il est donc plus prudent de se contenter d'étudier et d'admirer sans vouloir conclure. ALFRED DARCEL. La dernière feuille (recto et verso) ajoutée au crayon en 1763. Cette dernière inscription est de
ajoutée au crayon en 1763. Cette dernière inscription est de la même main que deux autres dates au crayon, à peine visibles, jetées irrégulièrement dans la marge, 1741, 1747, comme de simples souvenirs. A côté de 1741, on lit Georges, ce qu'en effet l'année de naissance de Moreau. La date de 1781 rappelle peut-être le triomphe de Moreau au Salon avec ses dessins de la Revue des Gardes, du 6 décembre de Louis XVI et de l'Adoration des Mages dans le prieur de Félicité. Sur la feuille suivante (recto et verso), réservée par Moreau comme seconde feuille de garde, on
verso), réservée par Moreau comme seconde feuille de garde, on a transcrit, à l'encre, en allemand, la biographie de Moreau extraite de l'Almanach des Curiosités. L'écriture est déjà ancienne et le papier crasseux. Les nombreuses maculatures dont sont salies les marges de presque toutes les feuilles montrent d'ailleurs que ce volume a été manié et remanié fréquemment. Toutefois les dessins sont intacts, sauf deux ou trois croquis légers un peu effacés dans les parties délicates. Les dessins se suivent régulièrement ensuite de la page 1 à la page 61, sans autre interruption qu'une lacune entre les feuillets 7 et 12,
autre interruption qu'une lacune entre les feuillets 7 et 12, par suite d'une lacération probablement due à l'artiste lui-même. A la fin du volume on trouve un seul dessin, une étude d'arbres, en sens inverse, sur la feuille de garde, et, sur la page suivante, quelques adresses avec cette orthographe audacieuse qui, dans la belle étude sur ce marbre, a fait reculer les plus chaleureux admirateurs de Moreau, MM. de Goncourt, devant la transcription exacte de ses lettres. Nous avons donc affaire à un carnet de poche, semblable à ces précieux carnets de Saint-Aubin, possédés par M. Groult, sur lesquels
précieux carnets de Saint-Aubin, possédés par M. Groult, sur lesquels l'artiste observateur dessinait ou croquait, au hasard de ses rencontres, les figures qui l'intéressaient. Combien Moreau, à son retour de Russie, de 1759 à 1770, dut-il remplir de ces volumes dans les rues et les salons de Paris avant de pouvoir entasser dans ses incomparables dessins de fêtes officielles ou populaires toutes ces multitudes grouillantes où chaque figurine, même au plan le plus éloigné, conserve, avec une vivacité unique, son mouvement, son caractère et sa physionomie! Cependant on ne connaît qu'un petit nombre de ces recueils précieux. MM. de Goncourt
qu'un petit nombre de ces recueils précieux. MM. de Goncourt n'en indiquent que deux, l'un de vingt-sept croquis, resté dans la famille de Moreau, l'autre d'une vingtaine de dessins, vendu à la vente Mahérault, tous deux portant sur la reliure la date imprimée de 1785, date fatale dans l'histoire de Moreau, car ce fut celle de son voyage d'Italie, à la suite duquel son merveilleux talent, si naturel et si sincère, subit une lamentable transformation sous l'influence des idées classiques. Le volume que possède le Louvre est certainement antérieur, et sans attacher plus d'importance qu'il ne convient à cette date
sans attacher plus d'importance qu'il ne convient à cette date de 1763, inscrite en tête par une main inconnue, il est facile de constater, à première vue, par la comparaison des croquis avec les œuvres gravées, que cette date doit être à peu près exacte. 1. « En voici assez de l'orthographe du grand dessinateur. » Note au bas du premier paragraphe d'une lettre de Moreau à sa fille. (Zurück au XVIIIe siècle, 3e série. Charpentier, 1882, p. 129.) Nous pouvons donc suivre la formation du dessinateur dans sa période décisive, à l'époque même où il travaille chez Le Bas
décisive, à l'époque même où il travaille chez Le Bas et reçoit les conseils de Cochin, où il grave les marines de Joseph Vernet et les sentimentalités de Greuze, entre sa vingtième et sa trentième année. Bien qu'un long intervalle ne puisse s'être écoulé entre l'exécution des différentes parties du recueil, on peut cependant remarquer, entre la première et la dernière, certaines différences intéressantes. Jusqu'à la feuille 23 environ le dessin est timide, attentif, parfois un peu lâche, puis, tout à coup, presque sec et rempli de recherches minutieuses. Les études de têtes, tracées à la mine de plomb, d'un
études de têtes, tracées à la mine de plomb, d'un trait net, précis, incisif, sont achevées à l'estompe, ce qui leur donne par instants un aspect à la fois dur dans le contour et mou dans le modelé. Dans les feuilles qui suivent, au contraire, sauf une ou deux fois, pour quelques touches et comme par hasard, l'emploi de l'estompe est complètement abandonné; c'est le crayon seul qui travaille, un crayon de plus en plus vif, décidé, rapide, libre, précisant à la fois l'attitude, le geste, l'expression par un trait d'une vigueur facile et large, et le détail de l'ajustement,
d'une vigueur facile et large, et le détail de l'ajustement, de la coiffure, des accessoires par un trait délicat d'une extraordinaire sûreté. Sauf une ou deux têtes qui peuvent avoir été copiées d'après des peintures, les 60 études, quelques-unes très poussées, d'autres restées à l'état d'esquisse, ont été exécutées d'après nature. On peut les diviser en trois séries : 1° les portraits, soit en pied, soit en buste; 2° les figures entières dessinées d'après des personnes qui ont posé un certain temps; 3° les figures esquissées en plein air. Un seul des portraits porte une désignation c'est celui de Le
seul des portraits porte une désignation c'est celui de Le Bas, le maître de Moreau. On rencontre cet excellent bonhomme au feuillet 30, assis sur une chaise, les jambes croisées, une grande canne à la main, la tête un peu renversée, regardant de haut son élève en souriant comme s'il posait, avec la rectitude d'un modèle de profession, sur quelque estrade élevée. Il est regrettable que Moreau n'ait pas, avec le même soin, inscrit de noms au bas des autres portraits. L'aisance familière avec laquelle presque tous sont installés ne laisse aucun doute sur leur qualité ce sont des parents,
laisse aucun doute sur leur qualité ce sont des parents, des amis, des camarades; on possède là tout l'entourage du peintre dans ses jeunes années. Quand les têtes sont isolées, elles sont modelées comme des médailles, avec la précision du graveur qui n'aurait plus qu'à les transporter sur le cuivre. Telles sont celles d'un brave homme aux cheveux frisés (p. 7) et d'un homme de qualité (p. 35) qu'il serait intéressant d'identifier, et surtout celles de deux jeunes femmes, toutes deux vues de profil, toutes deux le nez en l'air, l'œil vif, la bouche pincée. La première (p. 19), une
l'œil vif, la bouche pincée. La première (p. 19), une vraie Parisienne, est peut-être celle qui sourit dans un gribouillis sous un premier état de la LecMfe d'après Greuze; la seconde, coiffée avec plus de soin, semble une jeune dame d'origine étrangère, russe ou allemande. Une troisième tête, une jeune femme, coiffée d'un bonnet de linge dont l'ombre joue sur son visage, est un minois innocent et futé, d'une grâce fine et charmante. La plupart des figures en pied ont aussi une valeur de portraits, tant la physionomie s'y montre précisée avec soin et le visage analysé avec perspicacité. La
précisée avec soin et le visage analysé avec perspicacité. La compagnie se compose de 14 hommes et de 32 femmes, la plupart assis sur des bancs ou des chaises de bois. Presque toutes ces études ont donc été faites en plein air, l'été, dans quelque résidence champêtre, car on trouve, mêlés à ces figurines, des groupes d'arbres, une entrée de glacière dans un jardin, deux chevaux attelés. Les costumes sont des costumes d'été. La chaleur est même si forte que beaucoup de ces aimables gens en sont accablés et s'assoupient en des poses abandonnées, absolument comme la philosophie de Greuze
en des poses abandonnées, absolument comme la philosophie de Greuze que Moreau gravait ou allait graver en ce moment sous le titre de la Philosophie morale. N'est-ce pas une importunité moins grande de prendre ses hôtes ou ses amis pour modèles quand ils dorment? Moreau en profite. Ici, c'est un jeune camarade, en bras de chemise, son carton à dessin sur ses genoux, qui laisse échapper son porte-crayon de sa main appesantie; là, c'est une grosse fillette, assise sur une chaise longue, sa serviette encore épinglée sur la poitrine, qui, les deux mains croisées, ronfle une paisible digestion; mais de