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couleur. Et dans la pauvreté de la grande sculpture, où l'on ne pourrait signaler qu'un assez beau groupe de M. Sinding, cette plastique polychrome et décorative apparaît seule bien vivante. Quelle suavité d'expression et de coloris dans un Relief en terre cuite recouverte de vernis flambant et où M. N. Skovgaard a figuré une vieille légende Scandinave, la fiancée consolant le héros dans sa tombe. Enfin; tout à fait à l'écart de la jeune école, se tient un artiste fort admiré ici, et j'en vois les raisons, mais dont la peinture, à bien des égards, reste pour moi un sphinx.
peinture, à bien des égards, reste pour moi un sphinx. M. Zahrtmann est un peintre d'histoire qui ne ressemble à personne. Il raconte d'une façon très significative, avec le ragoût du paradoxe, des choses qui ne sont point banales, par exemple les épreuves d'une héroïne chère à tout lettré danois et dont les Mémoires sont classiques, Léonora Christina, cette fille de Christian IV, jetée dans un cachot par la jalousie d'une reine, brutalement bafouée par des servantes, et qui garda jusqu'au bout avec sa résignation chrétienne la fierté d'une princesse royale. Il est certain que M. Zahrtmann a su donner
royale. Il est certain que M. Zahrtmann a su donner un caractère intense à cette figure. Avec ses grands traits masculins, son air de bonté massive et d'imperturbable dignité, Léonora est évoquée en chair et en esprit, telle qu'elle fut. On sent que l'artiste a revécu sa vie jour par jour et qu'il a aimé son modèle d'une passion intellectuelle. Aussi dans ses dessins, même dans ses tableaux, quand ils restent presque monochromes, l'expression morale est toujours convaincante; seulement, dès qu'il colore, l'aigreur et le désaccord des tons sont tels que l'œil déconcerté renonce à comprendre. Quand on passe dans
que l'œil déconcerté renonce à comprendre. Quand on passe dans les salles suédoises, on se croit reporté à dix ans en arrière. Des manières de faire et de dire qui ont déjà vieilli, de grandes toiles d'effet mal concentré; peu d'accent personnel et national. En somme, je ne vois ici qu'une œuvre supérieure, mais c'est le meilleur portrait de toute l'exposition : une jeune femme qui s'arrête de coudre, les mains sur les genoux, regarde et rêve. Nous l'avons vue à Paris en '86 et je doute qu'on puisse oublier cette douce figure au regard jeune, limpide et profond comme
cette douce figure au regard jeune, limpide et profond comme expression c'est de toute beauté, comme exécution, très simple et très loyal. Cette œuvre fait le plus grand honneur à M. R. Bergh. Dans un petit pastel intitulé, "Maïs," cet excellent peintre a mis plus de coquetterie, des jeux de lumière plus amusants, peut-être une moins frappante sincérité. Très assimilateurs les artistes suédois se laissent facilement prendre aux petites habiletés qui sont monnaie courante à Paris; ils devraient avoir le courage de rester eux-mêmes. On respire un air plus réconfortant dans la section norvégienne. Tout y est franc et sain,
dans la section norvégienne. Tout y est franc et sain, d'une fraîcheur d'impression qui agit sur les nerfs comme un tonique. Moins intime et moins savante que l'art danois, cette jeune École, fort allégée de traditions, entreprenante et robuste, part bravement à la conquête du monde extérieur. Ils savent mettre l'unité d'harmonie sur de vastes surfaces, ils abordent le plein-air hardiment sans supercheries et peignent à ciel ouvert en gens qui n'ont pas froid aux yeux ni aux doigts. Cette rudesse un peu fruste, cette espèce de brusquerie cordiale s'accorde bien avec le caractère du pays et des habitants; c'est
bien avec le caractère du pays et des habitants; c'est un art sanguin et fortement musclé. D'ailleurs, sous des apparences de brutalité, dans cette manière immédiate et soudaine de voir les choses et de les rendre, on découvre aisément une grande finesse de sensation, chez les paysagistes une vraie tendresse et quelque chose d'indéfinissable, quelque chose comme l'amour du silence. La nuit claire de Norvège, dont Skredsvig avait si bien exprimé, l'an dernier, la douceur ensorcelante, c'est un mode inédit de la lumière qui vient de trouver ses poètes comme nos levers de lune et nos brumes matinales ont eu
nos levers de lune et nos brumes matinales ont eu les leurs ce lac ombragé de bouleaux et fleuri de nénuphars est un lieu d'incantation où les amoureux des beaux rêves et des harmonies reposées sont venus planter leurs tentes. Même M. Petersen a vu l'ondine qui, vers le soir, s'appuie au tronc d'un arbre et se mire. Pour symboliser l'heure charmante, il nous montre une nymphe scandinave finement modelée sous les rayons crépusculaires. Elle est fort agréable à voir sans doute pourtant l'accord reste indécis entre la figure et le paysage, et celui-ci était assez intéressant par lui-même pour
le paysage, et celui-ci était assez intéressant par lui-même pour se passer de ce commentaire inattendu. En disant les choses plus simplement, Mme Kielland obtient une impression plus pénétrante. Quelle pureté diaphane dans son paysage, ce coin de village. Comme la maison blanche au grand toit rouge endort doucement son reflet dans les eaux que le ciel nocturne glace de rose et de vert pâles. Et c'est encore la grandeur calme qui nous retient devant la marine de M. Hansteen "Pélagie pluvieuse" ("Lagune de Christiania"). Grise est la mer aux reflets d'étain, grises les voiles dégonflées et l'atmosphère moite où
reflets d'étain, grises les voiles dégonflées et l'atmosphère moite où flottent des poussières d'eau, gris les fonds brouillés où s'indiquent faiblement quelques notes vertes et rouges, et sous l'enveloppe moelleuse tous ces gris forment une harmonie douce et large. La franchise et la vigueur d'observation qui caractérisent l'École norvégienne se montrent tout particulièrement dans la peinture de mœurs. Exprimer la vie, la vie qui passe ou celle qui demeure, avec son relief exact, et sa coloration vraie, sans recherche de style ou de mystère, tel est l'idéal très clair et très réaliste où tendent la plupart des jeunes peintres. Je
très réaliste où tendent la plupart des jeunes peintres. Je ne parle pas de M. Heyerdahl dont le grand talent semble hésiter entre des souvenirs contradictoires, persuadé tantôt par l'écriture énergique des portraitistes italiens, tantôt par le clair-obscur hollandais. Mais, avec des réussites inégales, MM. Jorgensen, Krohg, Wenzel sont de véridiques interprètes de la vie moderne. Si le premier a la main un peu lourde, il n'en dit pas moins sobrement et fortement l'intérieur de l'ouvrier sans travail, l'homme et son regard fixe, la femme aux traits fatigués, l'insouciance des enfants, le jour qui se pose tristement sur des étoffes
enfants, le jour qui se pose tristement sur des étoffes et des surfaces ternes. Le "soir" de M. Wenzel qui groupe de braves gens autour de la table à thé à l'heure où le jour bleuâtre lutte avec la chaude lumière de la lampe, est, pour la hardiesse et la douceur des contrastes, pour la saveur des colorations, non moins que pour la bonhomie d'expression, une toile des plus réjouissantes. Dans une œuvre plus récente et d'exécution plus fondue "Les femmes de la côte occidentale" il se montre aussi savant physionomiste sans qu'on retrouve la même verdeur de facture, ni
physionomiste sans qu'on retrouve la même verdeur de facture, ni la même gaieté d'impression. M. Krohg, lui, n'est pas un silencieux, mais un tempérament tout en dehors épris de force et d'action. Il connaît la mer et les marins, la lutte de l'homme et du flot. Ses coins de bateaux hardiment découpés, avec le barreau qui s'enlève en force sur la mer ou sur le ciel, bien lancés dans leur mouvement, font deviner la vague, le rouleau et le tangage presque sans les montrer. Très original d'effet, et largement brossé ce matelot sortant à mi-corps de l'entrepont pour observer le
ce matelot sortant à mi-corps de l'entrepont pour observer le temps qui fraîchit. Le coloris souvent rude s'assouplit à l'occasion pour peindre une petite pêcheuse charmante sous une fraîche lumière de printemps. Ce violent a de jolies tendresses de pinceau. À ne juger que la peinture, on risquerait fort de méconnaître l'imagination la plus créatrice, le plus fidèle et le plus poétique interprète de la nature et de la vie norvégienne, M. Erik Werenskiold. Peintre sage et timide, il n'apporte rien de nouveau. Ce n'est pas qu'abstraction faite d'un coloris sans vibration, son "Enfant et sa mère" de "Pêcheurs" ne
sans vibration, son "Enfant et sa mère" de "Pêcheurs" ne reste la plus forte étude des types populaires, la composition la plus expressive et la plus simplement touchante, mais il n'est vraiment lui-même que le crayon à la main. Illustrateur des contes populaires du Nord, Werenskiold nous fait croire tout ce qu'il veut. On dirait qu'il a retrouvé l'âme naïve des anciens temps pour évoquer les figures créées par d'enfantines imaginations, pour donner une forme vraisemblable à l'impossible et à l'invisible. Êtres charmants ou terribles, il les a vus passer sur la lande et sur la bruyère; il pénètre si
sur la lande et sur la bruyère; il pénètre si bien l'un par l'autre, le monde réel et la chimère, que nous sommes attirés dans le cercle magique où vivaient les monstrueux Troldet et les adorables princesses. Imaginaires ou vrais, le pays explique les êtres, et d'abord avec lui nous nous sentons au cœur de la Norvège. Intérieur de paysans, raccourcis de nature, tout le cadre de l'action est puissamment résumé sous ses aspects caractéristiques. Maître de la lumière avec le blanc et le noir et sachant lui faire dire tous ses secrets, il enveloppe les choses de l'atmosphère de
tous ses secrets, il enveloppe les choses de l'atmosphère de rêve où le surnaturel éclôt de lui-même. Cette ferme close, isolée, d'aspect revêche, nous devinons qu'il s'y passera d'étranges aventures; cette colline au-dessus du fjord où les trois filles du roi viennent s'asseoir et rêver, c'est bien la Norvège encore, mais c'est aussi le pays de féerie. Fantastique et familier, il exprime tout de la légende, sa fois. Contes d'Andersen, Contes de Chr. Asbjørnsen et Jørgen Moes, publiés par la Brûlerie Gyldendalske, à Christiania. Conte de peine, une excellente occasion d'attirer l'attention sur leurs travaux. Mais on n'a rien vu
d'attirer l'attention sur leurs travaux. Mais on n'a rien vu ou rien voulu voir et c'est ce qui explique comment certaines découvertes peuvent encore avoir lieu. Du reste, il ne faut pas se plaindre que les choses se soient passées de la sorte, car si la réputation du Saint-Sacrement d'Aiguères, par exemple, eût été établie un demi-siècle plus tôt, très probablement pour admirer l'un des chefs-d'œuvre de Mantegna, nous serions à cette heure obligés de faire un voyage plus long et plus difficile que celui de l'Auvergne. De même, en dépit de la vénération des fidèles qui, à certains jours,
dépit de la vénération des fidèles qui, à certains jours, de toute la contrée, viennent implorer Notre-Dame-de-Recouvrance, la Vierge de Loudun ne se fût peut-être pas trouvée indéfiniment protégée. Ce que le XVe siècle avait fait pouvait se renouveler, car nous ne sommes pas en présence de l'image primitive, mais bien d'un tableau qui, suivant la tradition, aurait été donné par le roi René. Vierge de Loudun Plusieurs églises le fait est malheureusement trop vrai ne possèdent qu'un bien petit nombre de tableaux remarquables. Il semble donc que tous ceux placés dans cette catégorie devraient être depuis longtemps classés et
placés dans cette catégorie devraient être depuis longtemps classés et connus, sinon décrits et publiés. Les sociétés locales, qui généralement sont loin de faire beaucoup de bruit, eussent trouvé là, pour ainsi dire sans se donner La Excellence de l'œuvre, il faut l'avouer, ne dément pas pareille origine. Penchées l'une vers l'autre, la tête de la Vierge et celle de son fils sont d'une exquise suavité. On ne peut à la fois trouver rien de plus charmant ni de plus élevé. Le peintre, avec un talent remarquable, a su rendre le sentiment de vénération profonde qui se mêle des deux
le sentiment de vénération profonde qui se mêle des deux parts à la plus tendre affection. Et la recherche de cette double expression n'a nullement nui à ses qualités de dessinateur et de coloriste. Le corps de l'enfant, en particulier, à demi enveloppé dans une gaze légère, est admirable de tout point. Rien n'y rappelle la sécheresse du moyen âge. La nature, habilement interprétée, s'est tenue à égale distance de toute exagération. Chez la mère aussi bien que chez le fils, les chairs sont d'un ton uniformément blanc que relève seulement à la partie inférieure de la figure une légère
seulement à la partie inférieure de la figure une légère application de rose. Et cette pâleur voulue s'harmonise admirablement avec le blond doré des chevelures. Assurément, l'artiste a vécu dans le Nord et nous nous demandons si Loudun; par hasard, ne posséderait pas une œuvre de ce Coppin Delf qui, en 1459, fut seul jugé digne de répondre à certain désir exprimé par René. Il travaillait encore, un document en fait foi dix-huit ans plus tard pour le roi de Sicile et c'est précisément la date que l'on peut assigner à notre tableau. L'idée de substituer une nouvelle image à
à notre tableau. L'idée de substituer une nouvelle image à l'ancienne n'a pu venir, en effet, qu'à la suite de la reconstruction de la chapelle et cette opération était à peine achevée en 1476, puisque nous voyons les Carmes obtenir alors confirmation de l'acte par lequel ils avaient été autorisés à empiéter sur la rue pour ajouter à leur église une sorte de bas-côté destiné à recevoir en plus grand nombre les pèlerins de Notre-Dame-de-Recouvrance Au besoin, l'on pourrait encore faire valoir un autre argument. La Vierge de Loudun qui est sur panneau formé de trois ais, aujourd'hui légèrement disjoints,
est sur panneau formé de trois ais, aujourd'hui légèrement disjoints, a été exécutée suivant les procédés alors nouveaux de la peinture à l'huile. Or, tout le monde sait combien le roi René attachait d'importance à cette découverte. Dans un compte de 1472, relatif à des peintures qui devaient orner son tombeau, nous relevons le passage suivant : « Au vu (article), qui est pour le tableau de la généalogie d'Anjou, que n'avez-vous pu trouver personne dans la ville qui sache approcher de le faire comme celui que vous avez dans la Chambre, envoyez quérir Coppin, qui est à Saint-Florent, pour
la Chambre, envoyez quérir Coppin, qui est à Saint-Florent, pour savoir s'il le pourra faire, et en faites marché avec lui. Lettre de René. »[1] Depuis la Révolution, l'église des Carmes porte le nom de Saint-Pierre-du-Martiray, en souvenir d'un pieux sanctuaire remontant aux premiers siècles, qui existait autrefois dans le voisinage. Certains détails de costume sont à signaler. La Vierge, au-dessus d'une robe noire bordée d'un double filet d'or, porte un superbe manteau rouge où l'or également brille au pourtour en ornements. Ce dernier est maintenu par un noeud d'orfèvrerie, dont une grosse améthyste occupe le centre. Deux autres pierres
dont une grosse améthyste occupe le centre. Deux autres pierres du même genre pendent en avant enfilées dans des cordonnets et tout porte à croire que l'artiste avait une prédilection pour la couleur violette, car il a teinté de la sorte le voile si capricieusement jeté sur la tête de Marie. Enfin, disons en terminant que le panneau, dont la hauteur mesure 1,08 et la largeur 0,78, présente un magnifique fond vert olive, très habilement choisi pour faire valoir le rouge du manteau. Quant au cartouche noir sur gris qui se détache à la base, il porte en lettres d'or
se détache à la base, il porte en lettres d'or ces mots, d'ailleurs peu importants : « SUMMI VIRGO PARENS INVIOLATA DEI. » LÉON PALUSTRE. LES RELATIONS DU DUC JEAN DE BERRY AVEC L'ART ITALIEN Le duc Jean de Berry est la grande personnalité artistique du Moyen Âge. Dans la famille des Valois, où la magnificence était traditionnelle et où les ducs d'Anjou, de Bourgogne, et plus tard le duc d'Orléans, imitaient l'exemple du roi Charles V, ce grand bâtisseur, Jean de Berry apparaît comme un amateur du XVe siècle, un renseignement qui donne une preuve nouvelle de l'intérêt que
un renseignement qui donne une preuve nouvelle de l'intérêt que prenait le duc de Berry aux productions de l'art étranger. Le roi Charles VI s'était attaché comme secrétaire un frère lai, Pierre le Fruitier, plus connu sous le nom de Salmon, auquel la maladie du monarque permit de jouer un rôle équivoque et assez difficile à apprécier. Il fut d'ailleurs chargé de plusieurs missions auprès du roi d'Angleterre, gendre de Charles VI. Il prétendit ensuite qu'il avait reçu dans l'église de Notre-Dame de Paris, une révélation d'un moine blanc mystérieux sur la maladie du roi dont il devait trouver la
sur la maladie du roi dont il devait trouver la guérison à Rome, et il obtint de Charles VI des lettres de recommandation pour Pierre de Luna et pour le maréchal de France Boucicaut, gouverneur de Gênes. Les circonstances politiques, le siège de Rome par Ladislas, l'obligeèrent à séjourner en Toscane et il adressa de ce pays au duc de Berry, une lettre dans laquelle il est question d'un artiste italien : « Janvier 1408. Et d'autre part, mon très redoublé seigneur plaise vous savoir que dans icelle ville de Sienne a un ouvrier de musique et avec ce fait,
Sienne a un ouvrier de musique et avec ce fait, images de marqueterie tant belles et bien vêtues de diverses couleurs de bois que onques homme ne fut vu mieux ouvrant que lui de cette science; et pour ce, mon très redoublé seigneur que je sais que vous désirez voir et avoir choses propres et plaisantes et ouvriers souverains et parfaits dans leur art et science j'ai offert à icelui ouvrier bourse francs et le monter et faire conduire à mes dépens devant vous mais je n'ai pu obtenir de lui qu'il me veuille rien accorder qu'il ne soit avant
lui qu'il me veuille rien accorder qu'il ne soit avant la saint Jean passée. » Si vous suppliez, très puissant prince et mon très redoublé seigneur, que après ce qu'il vous aura plu de voir le contenu en cette cédule, il vous plaise moi mander et commander votre bon plaisir, comme à votre très humble serviteur qui de cœur, de corps, de volonté et de pensée l'accomplira de son pouvoir; et en attendant votre réponse sur ce, je demeure à Jensens; et au cas, mon très redoublé seigneur que votre plaisir serait que je fasse aller ces deux hommes par
plaisir serait que je fasse aller ces deux hommes par devant vous qu'il vous plaise mander à Jensens, à Jehansac ou autre là où votre bon plaisir sera, que si j'ai affaire d'argent pour cette cause qu'ils m'en fassent délivrer ce que besoin sera, et je vous promets de vous en rendre bon compte. Mon très redoublé seigneur des nouvelles et de l'état de la proposition, je me déporte de vous écrire pour ce que le cardinal de Thury et le gouverneur de Jensens vous en écrivent par Huguenin votre chevaucheur, plus certainement que je ne saurais faire. Écrit à
chevaucheur, plus certainement que je ne saurais faire. Écrit à Portevende. Peu de temps après, Salmon recevait à Gênes la réponse suivante qu'il a transcrite « De par le duc de Berry et d'Auvergne, comte de Poitou, d'Estampes, de Bretagne et d'Auvergne. « Salmon nous avons reçu vos lettres faisant mention que vous avez parlé à un homme à Jensens lequel se connaît très bien, à votre avis, en la maladie de monseigneur le Roi; et avez grande espérance parce qu'il vous a dit, qu'il guérirait mondit seigneur. Plaise à Dieu que ainsi fut. Et avec ce avez trouvé un
Dieu que ainsi fut. Et avec ce avez trouvé un ouvrier très solemnel de musique et de faire images de merveillerie, auquel, pour ce que vous savez que nous prenons plaisir en choses étranges, vous traitez volontiers qu'il vienne devant nous, et pour ce nous écrivez que au cas que nous voudrions que lesdits deux hommes viennent par-delà, nous écrivions à Jehansac ou autre par-delà, qu'ils vous délivrent de l'argent tant qu'il vous sera nécessaire pour cette cause. Sachiez que ledit Jehansac, ne aucun autre qui soit par-delà n'a de nous aucun argent, ne n'ont tels marchands point accoutumé de
nous aucun argent, ne n'ont tels marchands point accoutumé de délivrer pour nous aucun argent; fors de leurs marchandises quand nous en voulons avoir, et pour ce ne nous semble pas chose bien convenable écrire sur ce audit Jehansac ni à autre. Toutefois, pour cent francs et leur en finissez, nous ferons tant que vous en serez dédommagés à votre retour, se en faites par la meilleure manière que vous pourrez. Écrit à Paris le premier jour d'avril 1408. « Ainsi signé de la main de mondit seigneur Jehan; et du secrétaire M. Erard. « Et immédiatement ces lettres vues
du secrétaire M. Erard. « Et immédiatement ces lettres vues je me partis de Jensens pour aller à Paris. » Nous empruntons le texte de ces deux lettres à l'ouvrage intitulé « Les Demandes faites par le roi Charles VI touchant son état et le gouvernement de sa personne avec les réponses de son secrétaire et familier Pierre Salmon » dont deux exemplaires manuscrits sont conservés à la Bibliothèque nationale. Le style de Salmon est un modèle de vanité prétentieuse servie par une activité sans cesse en éveil et par un besoin de se produire qui le conduisit après avoir
un besoin de se produire qui le conduisit après avoir lassé tous les princes par ses harangues interminables, à se jeter dans le parti du duc de Bourgogne. Salmon ne dit pas si avant son départ de Gênes il avait conclu l'engagement définitif du marqueteur siennois, au service du duc de Berry. Il est présumable qu'il n'avait pas laissé échapper cette occasion de faire sa cour au prince. S'il ne l'avait pas fait, il lui aurait été facile de reprendre la négociation, lorsqu'il revint en Italie, au mois d'octobre de la même année, pour aller à Pise trouver le pape
la même année, pour aller à Pise trouver le pape et obtenir de lui l'autorisation d'envoyer en France l'homme qui devait guérir le Roi. Parmi les « intarsiatori » de la ville de Sienne, où la marqueterie était florissante depuis le commencement du XIVe siècle, l'artiste qui semble le mieux en mesure de répondre aux éloges de Salmon, est Domenico de Nicolo. Sa réputation était assez assurée dès 1394 et 1396, pour que le conseil le chargeât d'estimer une partie des travaux de sculpture des stalles du dôme faits par Giacomo del Tonghio et par Mariano d'Angelo Romanelli D'après M.
Giacomo del Tonghio et par Mariano d'Angelo Romanelli D'après M. Labarte, Domenico aurait été chargé en 1406 de continuer l'œuvre de ces stalles. Les archives de Sienne perdent la trace de Domenico pendant quelques années, ce qui tendrait à confirmer son voyage en France. Il apparaît de nouveau en 1414 et trouvant probablement tous les travaux connus à d'autres artistes, il contracta un engagement avec la fabrique du dôme d'Orvieto. Il n'y resta pas longtemps car le conseil de la ville de Sienne le rappela pour lui donner l'entreprise des sièges de la chapelle du palais public, travail pour lequel
sièges de la chapelle du palais public, travail pour lequel Antonio, Simone d'Antonio, et Paolo Martini; les précédents marqueteurs, se montraient insuffisants. Les stalles du palais de Sienne, terminées en 1428; sont exécutées avec une merveilleuse habileté et montrent en Domenico l'un des plus grands maîtres de la tarsia. Chacun des dossiers est revêtu d'une figure de prophète ou d'apôtre portant les versets du credo. On peut se demander si la disposition de ces figures ne serait pas un souvenir de son séjour auprès du duc de Berry qui faisait reproduire les articles du symbole de Nicée sur les vitraux
reproduire les articles du symbole de Nicée sur les vitraux de ses chapelles, dans les pages de ses manuscrits et sur ses tapisseries. Pendant la durée de ses travaux Domenico obtint de la ville de Sienne l'autorisation d'ouvrir une école dans laquelle il devait initier plusieurs jeunes gens à la pratique de la tarsia. Il exposait dans sa supplique qu'il avait exercé son art tant à Sienne que dans d'autres pays, mais ce terme général peut s'appliquer aussi bien à des villes italiennes qu'à des contrées étrangères. Si l'on ne peut établir formellement que Domenico di Nicolo soit entré au