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en un mot. Ces dons d’interpréter le sacré, combien sont-ils qui les héritèrent des merveilleux inspirés des XVIe et XVIIe siècles? Ah! ceux-là, par leurs travaux, rendirent suavement, augustement hommage au Créateur, le Saint-Esprit était en eux. En s’inspirant de l’antique, les prestigieux metteurs en scène du XVIe siècle ne surent pas concilier la belle santé de la matière avec celle de l’âme; séduits par le monde visible, par le mirage du naturisme, ils négligèrent la beauté morale pour la corporelle; leurs vierges ne sont que des femmes, leurs créations respirent la vie, la luxuriance de la vie, oh! certes,
respirent la vie, la luxuriance de la vie, oh! certes, — elles ne rayonnent pas du divin. Après Poussin et Le Brun, l’hystérique l’emporte décidément sur l’aromate des virtuoses sans inspiration paganisent leur religiosité : puis arrive David, initiateur de la copie animale du modèle, et son esthétique cause plus de mal à l’art sacré que les vents d'incroyance et de doute. Lors, peintres et sculpteurs s’émulent beaucoup plus à produire un tableau ou une statue qu’acte de foi, qu’œuvre afférente; l’Evangile devient prétexte à morceaux, on l’arrange au goût du bourgeois ; certains avaient commis des portraits de la
du bourgeois ; certains avaient commis des portraits de la Sainte Vierge, leurs continuateurs vont oser traiter le Christ en nature morte. Parmi les causes ayant amené la dégénérescence de l’art religieux, on invoque volontiers l’indifférence ecclésiastique; mais combien d’artistes s’intéressent au religieux? Combien demandent encore l’inspiration au dogme? L’Église, objecte-t-on, préfère M. Bouguereau à Puvis de Chavannes, l’Église qui, jadis, fut la première à saluer Giotto. Oui, mais au XVIe siècle, il n’y avait ni Institut, ni distinctions honorifiques, pour estampiller le talent et abuser le public, tenons toujours compte du temps. Si l’art religieux est devenu un commerce,
compte du temps. Si l’art religieux est devenu un commerce, et quel! si les fresques se donnent à l’entreprise comme l’imagerie dite de sainteté, prenons nous-en au mauvais goût ambiant. Ce sont les ouailles qui nous valent la Saint-Sulpicienne, cette provocation au blasphème, cette injure à la majesté liturgique. Le clergé supporte cette grossière iconolâtrie, eh! quand même il interviendrait! Un courageux éditeur essaya de réagir contre le philistinisme de sa clientèle, il fit enluminer ses figurines de teintes plus discrètes, il fit surmouler des vierges de la Renaissance, elles lui restèrent pour compte. Et il ne pouvait en être
lui restèrent pour compte. Et il ne pouvait en être autrement, le goût ne s'impose pas plus à une classe qu'à une race, on le lui cultive. Les hauts dignitaires de l’Église se trouvent, parbleu, dans l’état esthésique des fonctionnaires du gouvernement et de la plupart des littérateurs qui se mêlent d'écrire sur un art par eux ignoré, ils ne voient pas ou voient mal et trop souvent donnent à leurs sensations la valeur d’un jugement critique. Le leur reprocher serait vain, ils n’ont pas reçu d’éducation esthétique. Que les artistes vibrant au sacré œuvrent donc pour la gloire du
artistes vibrant au sacré œuvrent donc pour la gloire du Très-Haut, sans attendre qu’on les y encourage; accepter la tutelle du clergé les mènerait au hiératisme; or, l’art dépérit, s’il ne croit dans l’indépendance; qu’ils œuvrent selon leurs intuitions, sans s’inquiéter des contingences, une belle œuvre reste et trouve toujours la place qui lui convient, et a toujours l’action qu’il faut qu’elle ait. Et si parmi les artistes, ô prêtres! trop s’absorbent en la matérialité de leur art ou en leur moi au point d’en faire leur unique culte, est-il juste d’étendre à la catégorie une réproche que certains seuls
juste d’étendre à la catégorie une réproche que certains seuls méritent? Est-il juste surtout d’en user avec l’œuvre? Construire de la forme et, sur cette forme imprimer une conscience, représenter l’être humain jusqu’en ses psychismes! art pur entre tous. Par cela même qu’il éveille chez les mortels la dilection de la forme, habitacle du Saint-Esprit, il les oblige, implicitement ou non, à un acte d’adoration; car celui qui s’incline devant la créature s’incline devant le Créateur. Œuvrer en plastique, créer pieusement d'après l’ordre naturel et le divin principe informant, redire à l’infini le grand œuvre de la Création et, par
à l’infini le grand œuvre de la Création et, par l’image de sa beauté extérieure en révéler l’indicible! c’est déjà glorifier Dieu. L’art, auxiliaire indispensable du culte, n’est pas à dédaigner comme moyen d’enrayer l'indifférence, de propager la foi. Traduction symbolique du dogme, précepte concrétisé, l’image, sur les parois du temple, dresse des memento affectifs invitant à la méditation. C'est, sans cesse ouvert aux plus belles pages, le livre d’une histoire qu’on ne doit pas oublier; plus seront magnifiques l’écriture et la décoration de ces pages, plus leur enseignement émouvra. Et pourquoi ne ramèneraient-elles des âmes à la foi! Le
Et pourquoi ne ramèneraient-elles des âmes à la foi! Le beau, reflet de Dieu, ne peut-il convertir? CHAPITRE VIII. L’ART ET L’EXOTISME L'indication de la chose n'est pas la chose. J. B. Depping. L’art japonais fut révélé chez nous alors que sonnait le glas de notre art ornemental. Que le public, las des vieux motifs, qu’on lui resservait abusivement, se soit rué sur ce joujou nouveau et l’ait salué de ces hosannas par lesquels il sacre une mode, qu'importe? Que nombre d’amateurs, vibrant moins à une esquisse magistrale qu’au travail amusant d’un bibelot, se soient assoumis pour cet art d’étagère
amusant d’un bibelot, se soient assoumis pour cet art d’étagère et d’éventail, qu’importe encore? Mais que certains, prenant leur frénésie pour une révélation, prônent les grâces du Japonisme et s'évertuent à le propager comme décoratif par excellence et source à laquelle doivent se retremper nos artistes, — halte-là. L’art Japonais, sans inspiration élevée, sans compréhension de l’Idéal, ne saurait être égalé à l'art hellénochrétien. Certes, je reconnais la valeur des artistes d'Extrême-Orient, mais je ne discerne pas moins le mérite des nôtres; et ma raison, d’accord avec mon esthésie, m’oblige à soutenir qu’il y a plus d’art dans le dessin
à soutenir qu’il y a plus d’art dans le dessin des lèvres de la Joconde que dans ces lignes ostréides par quoi Outamaro signifie les bouches féminines, et que le Moïse de Michel-Ange écrase le Bouddha de Nara. Quelles scènes ont composé les peintres et les sculpteurs du Nippon? Peut-on comparer la mort de Çakia, de Niotschio, au triomphe de la mort, à telle descente de croix! les frises de Zingoro aux bas-reliefs de Donatello ou de Germain Pilon? Et non seulement nos artistes firent preuve, par leurs conceptions, d’une intellectualité plus haute, et par leurs arrangements, d’un goût plus
intellectualité plus haute, et par leurs arrangements, d’un goût plus cultivé; ils se sont affirmés aussi techniciens supérieurs, les difficultés à vaincre étant autrement considérables pour fresquer un mur que pour gouacher un kakémono. Et, si l’on nie qu’il ne faille plus de talent et de savoir pour tirer une composition de l’Évangile ou de l’Abstrait que pour interpréter décorativement quelques actes de la vie quotidienne, quelques ébats d’animaux; si l’on refuse d’admettre la supériorité du spirituel sur le matériel; alors, à quel critère recourir pour juger d’une œuvre d’art ? Les Japonais, que leur origine prive déjà de la
? Les Japonais, que leur origine prive déjà de la notion du Beau, que leur structure anatomique prédispose à l’erronée optique, s’inférieurent encore par le culte excessif de la fantaisie. Négligeant l’équilibre des vides par les pleins, usant envers les proportions de familiarités coupables, leurs iconographes, désobéissants sans cesse aux lois de Nature, ceux de l’école de Kano, les plus nobles en leur patrie, comme ceux de l’école de Tosa, ces imagiers coquets. Pas un d’eux n’a montré qu’il possédât la connaissance du nu, pas un n’a dessiné les extrémités de ses figures; ni Mitsouoki, ni Yosaï, ni Motonobu lui-même
de ses figures; ni Mitsouoki, ni Yosaï, ni Motonobu lui-même ne tiennent à côté des crayons de notre Ingres. Ce n’est pas davantage par la distinction que brillent les Nipponais, en figuratisme, ils ne plaisent jamais autant que lorsqu’ils se contentent à la caricature; Youkiyoyé, le tobayé, ces éthopées populaires et gouailleuses, voilà le genre exprimant le mieux, semble-t-il, leur génie national. S’attaquent-ils au paysage, à la flore, à la faune, alors ils excellent. On peut, sans irrévérence, rapprocher Hiroshige de Corot, Kôrin émeut plus que Saint-Jean, enfin leurs animaliers l'emportent sur les nôtres, parce qu’ils ont su saisir les
l'emportent sur les nôtres, parce qu’ils ont su saisir les attitudes les plus fugitives et les faire revivre sans tomber dans la nature morte; nous n’avons rien à opposer aux lions de Tanyu, aux singes de Sosen, aux bronzes si variés des XVIIe et XVIIIe siècles. Mais c’est surtout en l’ornemental que se luxurieuse leur imagination, que triomphe leur prestueuse tour de main, leur inimitable doigté. Martelage et ciselure des armures, patinage des bronzes, préparation des laques, sculpture des netkës, broderies des shokusa, tout suscite l’éloge; nul peuple ne dompte et le fer et le bronze avec cette ingéniosité, nul
et le fer et le bronze avec cette ingéniosité, nul ne trame ses caprices en la soie et nul ne la fait chanter en nuances de fêtes avec un tel succès. Hors de là, ils ne valent que comme exécutants prestigieux. Fouillez les albums de ces illustres xylographes polychromes, Masanobu, Harunobu le grand, Shiounshô, Hokkei, Kiyonaga, Utagawa, Toyokuni, vous n’y découvrirez quelque soupçon d’idée, non plus d’arabesque expressive. On vante avec raison la fraîcheur et le somptueux de leurs planches colorières, tout amoureux de tirage impeccable s’est pâmé devant ces dégradations de teintes obtenues en leurs moindres délicatesses, et réunies
dégradations de teintes obtenues en leurs moindres délicatesses, et réunies entre elles si merveilleusement que cela semble dû à quelque intervention surnaturelle. Et puis... Qualités d’artisan. Il y a aussi un métier inouï chez Dürer, il n’y a pas que cela. Objectifs avant tout, observateurs d’incidences, les Japonais ne cherchèrent jamais à pénétrer au-delà de l’extériorité, leur poésie ignore le mystère; ce qui les frappe, c’est le caractère, le stigmate, le signe particulier, surtout si ce signe prête à la raillerie, ils voient comique (exemple : leurs monstres et leurs masques). Et cette vision moqueuse, cette propension, ce plaisir à
masques). Et cette vision moqueuse, cette propension, ce plaisir à rendre l'intense dans la grimace dénotent encore une race moins près de l'Infini que la nôtre. Croquer les types qui passent, silhouetter de simples impressions de la nature ambiante, ornementaliser la ramure et la fleur suffit à satisfaire ces enlumineurs de paravents, ces illustrateurs de makimonos, beaucoup plus intéressés par un vol de papillon que par quelque état d'âme, par la sveltesse d’une plante ou les mouvements d'un oiseau que par la majestueuse harmonie de lignes confluées. Aussi leur peinture n’est-elle possible que sur une matière légère, soie ou papier.
n’est-elle possible que sur une matière légère, soie ou papier. Sans regard pour le psychique, tout aux apparences, au costume, au décor, dans l’homme, ils perçoivent l'individu, dans l’individu, le travers, dans la vie, l’anecdote, dans l’anecdote, le plaisant; rien ne les inspire comme le pittoresque du terre à terre, comme la comédie jouée au jour le jour par leurs contemporains, et, plus intelligents que nos réalocques, ils en font accepter le trivial tant ils le contentent avec humour, tant ils le parent de suaves colorations. POUR LE BEAU Et, remarquable antinomie, ces incisifs minutieux, ces lorgneurs de microscopique, notent
remarquable antinomie, ces incisifs minutieux, ces lorgneurs de microscopique, notent leurs observations très synthétiquement. Aucune tentative de copie exacte, de ridicule trompe-l’œil, nul vain luxe de détails. Ce type, ce tic piqué par eux, en quelques traits ils l'indiquent, avec une malice espiègle, une maestria d’autant plus savoureuse que sans prétentions, et voilà, ce qui ravit en cet art en même temps l’abaisse — il est tout d’indications. Or, « l’indication de la chose n’est pas la chose ». Cet axiome favori du graveur B. Danguin, évidemment dit beaucoup à l’esthète. Oui, l’artiste éminence d’autant plus qu’il écrit mieux son
l’esthète. Oui, l’artiste éminence d’autant plus qu’il écrit mieux son impression. Un croquis jeté avec désinvolture, une aquarelle verveusement lavée charment mais sans retenir; l’un et l’autre sont à l’étude construite ce que la joliotesse est à la beauté pure — et la boutade à la pensée. Après l'examen des meilleures pages des Motonobu, des Kano, des Moronobu, des Toba Sôjo, des Mitsouoki, des Hokousai, ces rois de l’impressionnisme, quel dévot à la Norme ne se prosternerait devant un moulage de la frise du Parthénon ou la moindre reproduction de la victoire de Samothrace ! En somme, les Japonais, —
la victoire de Samothrace ! En somme, les Japonais, — des truqueurs, des virtuoses qui exécutent de chic. Leur schématisme habile n’est pas d’artistes sachants beaucoup mais d’artistes généreusement doués du sens de ce qui convient. Du goût et pas de style, de la grâce et nul la eurythmie, une palette et pas de cervelle, de l’élégance — et d’aristie, point. Coloristes enchanteurs, ils restent insensibles aux effets de lumière, dessinateurs maîtres de leur pinceau, ils sont dénués du sentiment de la Mesure. À ces ciseleurs d’appogiatures, à ces précieux enjoliveurs de riens exquis, ils manquent les aptitudes pantaculaires, le
enjoliveurs de riens exquis, ils manquent les aptitudes pantaculaires, le signe des élus. Il y a dans le premier saut, l’alacrité de leur facture, et dans ce parti-pris décoratif de s’en tenir aux contours sommaires, de terminer les robes en rythmes ornementaux, l’attrait d’une œuvre qui semble faite en se jouant. Cela séduit l’esprit comme une répartie enjouée, les yeux comme un spectacle d’oiseaux au plumage opulent et fin. Mais comment prendre au sérieux cet art jovial, badin, gamin, gavroche, ingénu et blagueur, amuseur et pimpant, cet art au réalisme aimable, où tout est menu et léger, où tout est
aimable, où tout est menu et léger, où tout est tourné au frivole? et comment les prendre au sérieux ces rapins narquois qui trouvent matière à charge jusqu’en la représentation de leurs divinités? Cependant, tel qu’il fut (car peut-on dire qu’il soit encore?), l’art japonais répondit à l’esthésie d’un peuple et, en tant que manifestation ethnique, il atteignit son apogée. À ces titres, il a droit au respect. L’artiste du Japon ne perd qu’à l’étude comparée, devant lui je m'incline, c’est à l’européen qui le pastiche que je refuse le salut. Si encore nos japonisants savaient s’assimiler les qualités de
salut. Si encore nos japonisants savaient s’assimiler les qualités de ceux qu’ils se proposent pour modèles, mais non, le contraire se produit; indifférent au trait spirituel, à l’heureuse disposition, ils s’appliquent au viol de la perspective et de la forme ou ne s’emparent que des défauts rendant leur métier plus facile. S’inspirer d’un art qui subit à sa genèse les influences indo-européennes (influences dûment constatées sur les vases, les tissus et les casques)... Ô l’enthousiasme irréfléchi! Car enfin, que leur demander aux maîtres de Tokio et de Yedo? l’entente décorative? Mais nos ancêtres la possédaient à un degré égal sinon
Mais nos ancêtres la possédaient à un degré égal sinon supérieur, eux aussi tenaient l’ornemental en belle estime. Que ne se rappellent-ils, nos adaptateurs, que les Japonais ont aimé passionnément la Nature, leur nature, en cela, en cela seul, il convient de les imiter. Producteur ou amateur, initié ou profane, nul ne s’écarte de la Tradition de sa race, tradition créée par des besoins, sans perdre son originalité indigène, sans pécher contre l’Harmonie. Comme tous les objets d’art intéressants, les japonaiseries sont à collectionner, rien qu’à collectionner; kakémonos et le reste ne décorent, ne tapissent congrûment que les maisons de
reste ne décorent, ne tapissent congrûment que les maisons de poupées de là-bas, en parsemer nos intérieurs témoigne de fort peu de goût. CHAPITRE IX. DU DÉCORATIF ET DE L’ORNEMENTAL Savoir ne voir que de belles choses, s’en nourrir, comparer; arriver, par la comparaison, à choisir; se défier des jugements tout faits; chercher à discerner le vrai du faux, fuir la médiocrité, craindre l’engouement, c’est le moyen de former son goût. Viollet-le-Duc. Les diverses manifestations d'art figuratif peuvent se ramener en définitive à deux catégories également riches en belles œuvres : l’émotive et la pondérée. Dans la première de ces
: l’émotive et la pondérée. Dans la première de ces catégories, nous comprenons les intuitifs-instinctifs, les spontanés qui se livrent à leurs sensations, s’assujettissent à leur émotion, bref tous les inspirés passifs qui, soit qu’ils perçoivent les choses par leur mystère ou leur caractère, se préoccupent beaucoup plus de l’expressif que de l'harmonique. Dans la seconde, prendront place les décidus-intuitifs, les spéculatifs qui raisonnent leurs sensations, maîtrisent leur émotion, tous les inspirés volontaires édifiant d’après des principes pour arriver à un but déterminé, plus souvent harmonique qu’expressif. L’artiste qui n’équilibre pas son excès d’émotivité par un peu de science est
pas son excès d’émotivité par un peu de science est à la merci de l’inspiration et n’obtient que fortuitement d’appréciables résultats, car nul, pas même l’Angélique, ce sensitif-par excellence, ce pieux cher au Saint-Esprit, ne bénéficia jamais d’une suite ininterrompue d’inspirations génitrices de chefs-d’œuvre. Le pondéré, s'il considère la mesure, ce moyen, comme une finalité, s’il s’impose un canon, s’insensibilise peu à peu et tombe dans la sécheresse, la froideur, le géométrique; en lui, l'architecte tend toujours à primer le poète, propension dangereuse; celui qui canalise son émotion, qu’il prenne garde de la tarir, elle seule donne une âme aux
garde de la tarir, elle seule donne une âme aux rythmes. Lorsque les facultés de pondération et d’émotivité se rencontrent en un artiste, elles ne s'équipollent point, l’étude comparée des maîtres le démontre, l’une prédomine, et plutôt tyranniquement. Octroyer la suprématie à l’une ou à l’autre, ce serait vouloir dresser une hiérarchie des tempéraments, besogne au moins inutile, un art ne valant que par les individualités qui le manifestent et nulle esthétique ne remplaçant le génie. Au contraire, les scrute-t-on toutes deux sans parti-pris en les œuvres transcendants, on s’aperçoit que, si les interprétations diffèrent, la compréhension du figuratisme est
que, si les interprétations diffèrent, la compréhension du figuratisme est Une : de par sa essence, ses nécessités d’exécution, sa destination naturelle, il est éminemment décoratif, — décoratif avant tout. En effet, le figuratisme ne peut exprimer qu’au moyen des lignes. Or, disposer deux lignes sur une surface plane, c’est déjà engendrer un embryon d'harmonie; silhouetter des figures sur un fond, c’est ébaucher du décoratif; réaliser une harmonie par des combinaisons linéaires, voilà le décoratif, à condition toutefois que la combinaison n’ait rien d’arbitraire, c’est-à-dire pourvu qu’elle respecte, en sa représentation idéale, la construction réelle des plans et reliefs, l’apparence
représentation idéale, la construction réelle des plans et reliefs, l’apparence des choses, la logique des phénomènes. Méthode excellente, au surplus, pour se rompre à la manœuvre des lignes et les rendre afférentes à n’importe quelle disposition architecturale. En conséquence, nous définirons le décoratif ; l’art de rythmer des lignes, d’après les lois naturelles, en vue d’un ensemble harmonieux. Sans une ossature linéaire établie selon les normes, en vain vous évoqueriez quelque sujet touchant; votre œuvre ne se tiendra point, n'étant pas née viable; elle ne décorera point un mur, le fictif sans vraisemblance s'alliant mal avec le concret. Et comme,
fictif sans vraisemblance s'alliant mal avec le concret. Et comme, du respect de la construction des plans et reliefs, se déduit discursivement le respect de la structure des formes, la recherche du décoratif est ainsi la base des arts du dessin. Un plasticien s’infériorise s'il ignore le corps humain, ce résumé merveilleux de l’Harmonie universelle; son objectif étant l’expression de la vie, il importe qu’il sache en reconstituer les éléments. Sensitif, il faut l’être afin d’émouvoir, il ne faut pas être que cela, sans quoi l’exécution risque de trahir l’inspiration. Il est certain que l’artiste impressionnera d’autant plus qu’il dégagera
Il est certain que l’artiste impressionnera d’autant plus qu’il dégagera la spiritualité des êtres et l’âme des choses, mais l’émotif le plus lyrique ne l’emportera sur le pondéré que s'il l’égale en savoir. L’inspiration!... L’inspiration est une grâce et, de même que la grâce, n’est pas tout, en ce sens que si l'on n'est point préparé, instruit pour en profiter réellement lorsqu’elle nous arrive, on vibre sans réaliser. Ce que nous louons dans un maître, ce n’est pas son inspiration, puisque faveur divine, mais qualités individuelles, l’art dont il fait preuve pour concrétiser cette inspiration; et si le contraire était
preuve pour concrétiser cette inspiration; et si le contraire était vrai, le grand artiste serait un inconscient, aussi peu digne d’admiration qu’un medium. L’inspiration n’est que virtuelle, elle ne dispense personne de la culture des dons de nature. Ayons donc le courage d’approfondir notre art jusqu’en ses arcanes les plus ardus, l’amour se prouve par des sacrifices; pour gagner l’auréole d’artiste comme pour faire son salut, l'intention ne suffit pas, il faut l'œuvre. On ne cède que trop, aujourd'hui, aux tentations de débuter par des ébauches, ou des fignolages pires, et de sacrifier au succès immédiat. Pensent-ils à la place
et de sacrifier au succès immédiat. Pensent-ils à la place qu’ils occuperont dans l’histoire nos producteurs prématurés ou hâtifs? Jadis, toute éducation d’artiste était orientée vers le décoratif, jadis... mais jadis ignorait le Salon. Le Salon ! l’auteur d’hérésies et de mercantilisme. Parce qu'il dispense une gloire prompte et tarifée, peintres et sculpteurs, — à de rares, trop rares exceptions, — se figurent qu’une fois « hors concours », ils mourront en odeur d’immortalité, et cette seule obsession les hante : faire leur salon. Faire leur salon, c’est-à-dire exagérer les mouvements, paroxysmer les contrastes de tons, attifer leur toile pour
mouvements, paroxysmer les contrastes de tons, attifer leur toile pour qu’elle tapage, camper leur statue pour qu'elle raccroche; car, quelles finesses se tiendraient, quelle distinction captiverait le regard en ce déballage absurde où les envois se pêle-mêlent incompatiblement accouplés! Les voilà, abandonnant les quelques principes d’esthétique encore connus pour les procédés de fabrication, les voilà se condamnant à travailler leur œuvre comme l’artisan confectionne, avec le vil souci d’allécher le client par l’étalage. Ainsi s’habituent-ils à produire sans émotion, pour le vain plaisir de gâcher de la pâte ou de la glaise et montrer leur connaissance du métier; à ce
la glaise et montrer leur connaissance du métier; à ce jeu, on acquiert de la patte et l’on tue l’inspiration. Si encore ils exprimaient de la vie! au moins leur plastique intéresserait-elle malgré que commune; mais non, esclaves de l'hylique, ils ne se doutent pas que cette vie s’exprime par les attitudes et les gestes plus que par la traduction fidèle de l’anatomie des formes. Une pose ne les séduit, ces quelconquistes, qu’autant qu’elle leur permet de faire parade de virtuosité; s’ils s'adressent d’abord au sens de la vue, c’est sans s’inquiéter du mouvement naturel, de l’équilibre des rythmes; leurs