jeanflop/post-ocr-correction huggingface dataset:
remanié de la manière florentine. La disposition si pleine de goût des scènes de la vie de sainte Catherine, l'élégance de la composition, le développement de ce poème sur une même page de pierre, la liaison des sujets entre eux, la gradation de l'intérêt des événements merveilleux que ce sujet représente, et qui forme comme des divisions empruntées à une savante rhétorique, rappellent à s' méprendre ces successions de tableau peints en Italie ou à Avignon par Giotto et Simone Martini. Le rapprochement dont il est ici question ne porte évidemment que sur la manière et la disposition des compositions
évidemment que sur la manière et la disposition des compositions et non sur le talent de nos artistes bien inférieurs à ceux de Florence. L'art toulousain avait encore un grand pas à faire pour devenir original. Il devait cesser d'être exclusivement l'écho de la forme particulière de mysticisme imitée du gothique et de l'italien, pour se livrer à l'inspiration directe et personnelle se débarrasser des types de l'école et de maîtres en vogue, de façon à n'interposer entre l'idéal et ses productions que la propre intuition de ses artistes. L'heure devait arriver cependant où les maîtres feraient la première tentative
devait arriver cependant où les maîtres feraient la première tentative pour se débarrasser de l'imitation des types italiens, et où la poétique des écoles allait se ressentir de la marche plus libre et plus accentuée de l'esprit humain à l'approche de la Renaissance. Les controverses, pleines d'une subtile métaphysique, répandues par la scolastique au XIIIe siècle avaient nécessairement longtemps immobilisé le génie artistique dans les pures abstractions de l'imagination et du sentiment religieux. On remarque dans les peintures de la chapelle Saint-Antonin, aux Jacobins (peintures terminées en 1351), que les saints de l'ordre de Saint-Dominique représentés dans la voûte tiennent
saints de l'ordre de Saint-Dominique représentés dans la voûte tiennent tous des instruments de musique. Ces instruments ne sont pas placés dans la main des saints pour reproduire le fait matériel d'un concert musical, mais pour ôter à la peinture ce que les tons de ligne et de couleur peuvent avoir de vulgaire, et rendre celle-ci solidaire en quelque sorte de vagues et insaisissables vibrations des théorbes et des luths. Les fresques de la chapelle des Sept-Dormants, à Saint-Sernin, et celles représentant la vie de saint Thomas appartiennent à ces temps primitifs de délicate et abstraite esthétique. Les peintures du
temps primitifs de délicate et abstraite esthétique. Les peintures du XVe siècle, quoique reproduisant toujours les formes de l'école gothique se ressentent quelque peu, aux yeux du critique attentif, de l'époque ou prirent naissance les sciences naturelles et historiques. La fresque de la cathédrale, la plus belle peinture des derniers jours du XIVe siècle, marque la fin de la période mystique du moyen Âge et sert de préparation aux fresques du célèbre Calvaire, de l'église des Cordeliers, où l'on peut pressentir les temps modernes. Enfin, un homme sembla comprendre, dans une mesure timide encore peut-être, ce qui manquait à nos
une mesure timide encore peut-être, ce qui manquait à nos fresques, c'est Trassabot. Trassabot était célèbre à Toulouse, au commencement de la Renaissance. Ses poésies et ses discours avaient excité l'enthousiasme du collège de rhétorique; ses travaux d'art lui avaient acquis l'amitié de Bacheler. Savant, ingénieur, plein d'imagination, il voulait supériorité à l'étude des chefs-d'œuvre des artistes italiens qui lui manquait, par l'inspiration personnelle. Il sembla un moment s'élever jusqu'à ces régions souvent entrevues par son âme poétique où l'art, libre d'attaches humaines, se confond avec l'idéal. C'est dans la représentation de Vierge-Sainte-Catherine, figure colossale, assise dans la coupole de
représentation de Vierge-Sainte-Catherine, figure colossale, assise dans la coupole de notre basilique, que Trassabot allait traduire toutes sa science d'artiste chrétien. D'un type souvent répété par les byzantins, il fit une création originale grande et sereine, juste dans le sentiment qu'elle exprime et en harmonie avec les puissantes lignes architecturales qui lui servent d'encadrement. L'art hiératique, avait enfin produit une œuvre de style et de caractère, c'est-à-dire une œuvre où la pensée déborde et domine, ou l'idéal indépendant de toute apparence est cependant exprimé. Il est intéressant que Boyssonnat dise de cet artiste: "Observez aujourd'hui sur cette coupole, dans notre
de cet artiste: "Observez aujourd'hui sur cette coupole, dans notre siècle grossier où l'art n'est réalisé que par des formes et des images, l'art chrétien d'autrefois pieusement révélé par l'idée." Les progrès que marquaient les peintures de Trassabot, depuis les premières fresques de la vie de saint Exupère, étaient importants; Cornouailles, l'auteur de pieuses madones, sembla les continuer, mais une nouvelle influence, celle apportée par Maquignon, dans la copie exagérée des œuvres de Michel-Ange, et par Boulvène, dans la recherche trop absolue du dessin de l'école de Fontainebleau, rendaient ces progrès inutiles, et arrêtèrent pour longtemps, jusqu'au XVIIe siècle, le
progrès inutiles, et arrêtèrent pour longtemps, jusqu'au XVIIe siècle, le développement de l'art religieux. L'art historique, au contraire, se maintenait au début du XVIIIe siècle dans une voie excellente. Tandis que les artistes religieux n'avaient pas encore senti la nécessité d'étudier les types matériels, avaient dédaigné la statue antique et le modèle vivant, les miniaturistes de l'Hôtel-de-Ville avaient compris de bonne heure, nous l'avons vu, que l'homme est double, et que la fin de l'art est de peindre, à l'aide de la couleur, cette dualité de l'esprit et de la chair, de la matière et du souffle divin. C'était la
chair, de la matière et du souffle divin. C'était la nouvelle poétique nommée, par Vasari, la scène en plein air. En s'inspirant librement et à la fois, du monde extérieur et des mouvements si multiples de l'esprit humain, l'art, en effet, peut prétendre à la diversité des manières et à l'origine des maîtres. Les miniaturistes firent d'admirables progrès dans les études de la nature. À l'ordonnance savante et pittoresque qu'ils avaient déjà introduite dans leurs œuvres, au caractère héroïque qui semble animer leurs compositions, ils joignirent la finesse et la sincérité d'exécution, comme on le remarque dans la peinture représentant
sincérité d'exécution, comme on le remarque dans la peinture représentant l'Année de Toulouse de François Ier, en 1533. Nos peintres d'histoire devinrent de curieux peintres de portraits, et devinrent l'école flamande par le naturalisme qu'ils donnèrent à leurs figures. S'ils ne poussèrent pas aussi loin que les Flamands l'imitation exacte de la nature, ils furent de beaucoup supérieurs à ceux-ci par l'invention et par le goût qu'ils mirent à écarter de leur reproduction ce que les objets réels ont de défectueux et de vulgaire. L'exquise élégance de l'école poétique du Gai Savoir garda nos miniaturistes de confondre la vie naturelle
Gai Savoir garda nos miniaturistes de confondre la vie naturelle avec la vie réelle. Quand on examine avec soin les miniatures des pages de nos Annales, et qu'on admire avec quel sentiment exact des choses extérieures, de la vie organique, avec quelle profondeur de sens et d'observation, les scènes historiques sont rendues, on se demande avec surprise quelle devait être la force des rêveries spirituelles de nos artistes, et comment ceux-ci surent se préserver des vulgarités du naturalisme qui envahissait alors toutes les productions de l'intelligence. La dernière période de la Renaissance est marquée par la décadence inattendue de la
la Renaissance est marquée par la décadence inattendue de la peinture historique. Nos artistes copient, à cette époque, l'école de Fontainebleau. L'inspiration artistique locale s'affaiblit. Préoccupés de moyens matériels, de procédés techniques, l'art toulousain ne produit plus d'œuvres remarquables dans la peinture; il perd même une de ses plus rares aptitudes: il ne sait plus offrir l'idée de l'homme intérieur et de la personnalité intellectuelle des personnages au moyen d'un choix ingénieux de poses, de traits et de vêtements, lui qui avait inauguré timidement c'est vrai mais depuis deux siècles, le genre historique et philosophique où devait briller Poussin, le
le genre historique et philosophique où devait briller Poussin, le maître qui a su par excellence donner un corps à l'idée. Avec quel sentiment de regret on voit les artistes de cette époque s'embarrasser dans des subtilités allégoriques, après avoir produit des œuvres d'une beauté si sincère, d'un fini et d'une élégance dignes de rivaliser avec les miniatures vénitiennes et florentines; avec quel serrement de cœur on voit nos peintres tracer péniblement des inscriptions latines dans un cartouche pour expliquer leurs compositions symboliques, alors que, quelques années plus tôt, ils avaient, en représentant François Ier, poussé leur art plus loin
avaient, en représentant François Ier, poussé leur art plus loin que l'imitation de l'individualité humaine, du portrait, et que, de ce dauphin élégant, ils avaient réalisé une sorte de type de chef de la nation et trouvé le caractère de jeunesse idéale de la royauté française. Indépendamment des œuvres pleines de mérite et d'intérêt renfermées dans nos annales, le Midi se couvrait, dès le XVIIe siècle, des productions les plus variées des artistes du Languedoc: Albi et ses décorations, Auch et ses vitraux, Saint-Bertrand de Comminges et ses boiseries, Castelnau et ses légères arabesques, Narbonne et ses maisons monumentales. Toulouse
et ses légères arabesques, Narbonne et ses maisons monumentales. Toulouse allait ajouter à ces richesses artistiques la splendeur de ses palais. Nicolas Bachelier apparaît alors pour marquer l'art toulousain du sceau de son génie. On a vu combien l'école française était en retard sur le Languedoc. Ses peintres d'histoire durent attendre la fin du XVIIe siècle pour produire les chefs-d'œuvre. Il n'en fut pas de même de ses sculpteurs et de ses architectes. Tout à coup, abandonnant la manière florentine de Cellini, le génie artistique français s'affirma d'une façon magistrale et qui depuis n'a pas été dépassée. Nommer Jean Goujon
et qui depuis n'a pas été dépassée. Nommer Jean Goujon c'est marquer l'apogée de la statuaire, et P. Lescot celui de l'architecture. La fontaine de Poitiers, le Louvre sont des merveilles où l'esprit français s'est pleinement révélé et qui semblent le dernier mot du génie sculptural et monumental moderne. Toulouse devait être, dans ces périodes, Arnauld de Moïse, auteur de ces vitraux et de ceux de l'église Saint-Etienne est l'un des plus grands maîtres verriers de cette époque. Les belles dorures qui décorent le sanctuaire de la basilique de Saint-Sernin sont peut-être du même artiste. On peut ajouter aussi le
sont peut-être du même artiste. On peut ajouter aussi le café de Ph. Delorme. Il était dit que Bachelier avait deviné la tâche immense que l'honneur local, nos traditions de supériorité artistique lui imposaient. À lui incombait la gloire, comme sculpteur et comme architecte, de se mesurer avec Jean Goujon et P. Lescot à la fois. Les voyages en Italie entrepris par Rosignolo et Jean de Pins avaient été, comme nous l'avons fait remarquer, le signal d'une renaissance inespérée des lettres et des sciences. Bachelier comprit que son génie ne pourrait se perfectionner, s'il n'était trempé aux sources de l'art
pourrait se perfectionner, s'il n'était trempé aux sources de l'art antique. Le sol de Rome avait été interroché, et, quoique il n'eût encore livré que quelques statues, la renommée de leur beauté avait franchi les Alpes. Raphaël devina ce que les cendres que son pied foulait renfermaient de richesses et il conçut le plan de rappeler à la vie le cadavre de l'ancienne capitale du monde. Les ruines romaines ouvraient désormais un champ illimité aux études des peintres et des humanistes et aux méditations des philosophes. Ces derniers rêvaient la résurrection de l'art païen en haine de la scolastique. L'homme
résurrection de l'art païen en haine de la scolastique. L'homme ne peut plus créer disait Bembo, qu'il se contente donc c'est par le signe matériel qu'il arrivera à l'esprit. Cette nouvelle théorie esthétique péchait en deux points; d'abord en ce qu'elle n'était pas assez spiritualiste, ensuite, en ce qu'elle renfermait la négation de la liberté et de l'initiative individuelle. C'était l'exagération du besoin qu'éprouvait l'art gothique de se retremper dans la richesse et les règles de la beauté grecque. La reproduction servile des chefs-d'œuvre ou l'imitation exacte de la nature étaient impuissantes à faire exprimer à l'art la vie de
étaient impuissantes à faire exprimer à l'art la vie de l'âme, qui est son but et sa raison d'être. Pour formuler ma beauté, j'ai mon type dans l'esprit, disait Raphaël. C'est d'après cet idéal qu'il peignait ses madones. Mais l'œuvre matérielle était précédée de la conception spéculative; l'imagination en avait préabitément arrêté sinon la forme au moins le caractère. Dans leur enthousiasme pour la perfection antique, les théoriciens de la renaissance confondaient le moule dans lequel les anciens avaient jeté leur idée avec l'idée elle-même. Leur esthétique ne tendait à rien moins qu'au triomphe de la matière organisée et à
rien moins qu'au triomphe de la matière organisée et à une sorte de servitude artistique. Michel-Ange, malgré la fécondité inépuisable de son génie, laissa à son école les germes d'un réalisme dangereux. Nicolas Bachelier emprunta à ce maître les ressources merveilleuses de son habileté, mais il lui prit aussi certaines exagérations dont devait profiter son rival d'Outre-Loire, Jean Goujon. De même que les poètes avaient formé les mœurs et le caractère du peuple toulousain, il appartenait à l'art moderne de laisser une empreinte particulière à Toulouse, monumentale. Bachelier avait trouvé une ville gothique à sa place, il sculpta une ville
une ville gothique à sa place, il sculpta une ville italienne. L'œuvre de cet artiste fut des plus grandioses. Il n'est pas de coin de notre cité où le ciseau du maître n'ait laissé un souvenir de son génie. Le merveilleux sculpteur devait mettre la main à toutes les transformations de Toulouse pittoresque. Comme statuaire, les productions de Bachelier ont été déplorablement amoindries par le mauvais goût des générations qui lui ont succédé, et finalement mutilées par la Révolution française. Les trois figures sculptées autour de l'archivolte de la porte intérieure du Capitole, le génie qui surmonte la colonne Dupuy,
intérieure du Capitole, le génie qui surmonte la colonne Dupuy, quelques termes de l'hôtel de Lasbordes, sont à peu près les œuvres importantes oubliées par les démolisseurs de 93. Ces œuvres portent tour à tour la trace du souffle puissant de Michel-Ange et de Donatello et justifient les épithètes de "l'œuvre d'art", "l'œuvre maîtresse" pour le dessin, l'expression et l'architecture, dont le savant critique, Dupuy-Dugréz, se sert pour les désigner. L'admiration provoquée par les travaux de Bachelier était si forte, qu'on attribuait à Michel-Ange lui-même certains dessins de notre compatriote. Dans la statuaire, Bachelier fut supérieur à son rival Jean
Dans la statuaire, Bachelier fut supérieur à son rival Jean Goujon par le brillant et la fécondité de l'invention, la richesse de l'ordonnance des sujets, mais il ne put égaler celui-ci dans l'originale interprétation de la forme humaine et la réalisation du beau caractère de l'art grec. S'il s'était plus directement inspiré de la nature et de lui-même, au lieu de se souvenir de Michel-Ange, s'il avait laissé agir, au milieu des ressources de son savoir universel, la sève méridionale, il serait devenu un des plus grands statuaires français. Son originalité se dégage davantage comme architecte et ornemaniste. Les architectes
originalité se dégage davantage comme architecte et ornemaniste. Les architectes français, après Louis XII, voulurent imiter le style simple et régulier de la belle architecture d'Italie; mais, entraînés par l'habitude, ils mêlèrent à leur composition le Saint-Etienne, le Saint-Sauveur, la basilique de Saint-Jory. Tous ces édifices ont été démolis, soit pour l'œuvre, remaniées par des ornements de mauvais goût. Le Capitole en haine de l'art, en 93. Parmi les artistes, on tient cette place (le portail Saint-Jory) du dessin même de Michel-Ange. Dupuy DUGREZ, maire de la ville de Toulouse, C'est une réforme analogue que Bachelier introduisit à Toulouse. Les
C'est une réforme analogue que Bachelier introduisit à Toulouse. Les hôtels de Lasbordes et de Bernuy présentent des beautés qui, on peut l'affirmer, sont dignes de rivaliser avec l'élégante perfection du château d'Anet. L'arcade de l'hôtel de Bernuy est tout ce que le goût italien, mêlé de fantaisie moresque peut offrir de plus enchanteur. La porte détachée de la basilique Saint-Sernin, une des conceptions les plus radieuses de Bachelier ainsi placée au seuil de la maison majestueuse de la prière, semble une suave invitation adressée à notre imagination méridionale. Si le privilège de communiquer avec l'idéal si l'inspiration fait le
le privilège de communiquer avec l'idéal si l'inspiration fait le poète, ce titre ne peut être contesté à Bachelier dans les œuvres d'inimitable fantaisie qu'il a sculptées sur ces édifices. En contemplant les enroulements magiques de ses arabesques, les camées de ses frises, les fleurs et les chimères de ses rinceaux, l'esprit oublie la pierre et le marbre, et se surprend rêver de choses aériennes. Après avoir composé les grandes ou délicates lignes de ses monuments, il recouvrait ceux-ci de tous les charmes d'une imagination vive et épanouie, si bien qu'on se demande si les fantaisies qu'il suspendait à chaque
qu'on se demande si les fantaisies qu'il suspendait à chaque pierre de ses palais ne sont pas les plus beaux rêves ou les plus fraiches idylles d'un poète. La poésie des troubadours, que l'introduction tyrannique de la langue du Nord rendit un moment muette, avait heureusement trouvé un homme qui devait lui donner un accent nouveau. Quoique le caractère particulier de puissance et de fécondité du génie de Bachelier, semblât éloigner celui-ci des goûts naïfs et chastes de la Muse du Midi, on peut apercevoir, dans les lignes architecturales du portail de la Dalbade et de celui de Saint-Sernin, une
portail de la Dalbade et de celui de Saint-Sernin, une délicatesse et une élégance dignes des traditions du Gai-Savoir. Pendant que les poètes se taisaient, Bachelier a donné une forme immortelle à l'inspiration toulousaine. Il fut un des hommes les plus puissamment doués de la Renaissance. Ce fut lui qui initia ses compatriotes à la double connaissance de l'art antique encore inconnu dans notre ville et de l'art moderne italien dont la renommée était à peine arrivée dans le Midi. Si l'auteur de la statue de bronze du donjon du Capitole fut vaincu dans la statuaire par Jean Goujon, il
Capitole fut vaincu dans la statuaire par Jean Goujon, il est certain qu'il demeura supérieur aux artistes de l'école de Fontainebleau par la brillante fécondité de son génie et l'universalité de ses connaissances. Bachelier semble un personnage détaché de cette série de grands maîtres italiens dont Vasari a immortalisé le souvenir. En terminant, d'après les dessins de cet artiste, le pont de pierre jeté sur la Garonne, œuvre d'un style grandiose, Dominique Bachelier et Souffron n'apportèrent aucun éclat nouveau à l'art sculptural et monumental toulousain. Un temps d'arrêt identique, nous l'avons déjà fait remarquer, eut lieu pour la peinture. Il
l'avons déjà fait remarquer, eut lieu pour la peinture. Il fallut attendre Chalette, c'est-à-dire à la fin de la Renaissance, pour constater l'apparition de productions d'un mérite particulier. Chalette ajouta l'énergie flamande et italienne à la palette de nos artistes, indiqua à l'art une voie nouvelle et fut lui-même l'un des plus grands hommes de cette école de peinture de l'Hôtel-de-Ville qui durant une période de cinq cents ans s'est continuée sans interruption jusqu'à la Révolution française. Les essais qui remplirent le XVIe siècle, pour arriver à la perfection qu'on admire sous Louis XIV, produisirent en poésie des écoles distinctes
admire sous Louis XIV, produisirent en poésie des écoles distinctes qui marquèrent la gradation des efforts de la Muse nationale. À Toulouse, ces écoles se rattachent aux noms de Boyssonné, de Gui Dufaur de Pibrac et de Goudelin. Boyssonné personnifia la première période poétique qui correspond à celle représentée par Marot à Paris; les deux périodes suivantes, dont les chefs furent Pibrac et Goudelin se développèrent parallèlement à celles de Ronsard et de Malherbe. Les poètes Toulousains prirent une part importante à la double réforme qui s'opéra alors dans la poésie. Goudelin surtout, on le verra, fut le créateur de
poésie. Goudelin surtout, on le verra, fut le créateur de genres dont il n'existait aucun modèle, et s'éleva à un lyrisme qui remplissait ses contemporains d'admiration. L'auteur du Temple d'Escaliquot ne forma pas d'imitateurs à Toulouse. Hélas! la poésie romane, pour les causes qui ont été déjà signalées, resta assoupée jusques vers le milieu du XVIe siècle. Une érudition mal entendue, des tournures maladroites remplissent les pages de nos poètes, qui tous se croyaient cependant doctes esprits, écrivains doctement. Les femmes furent les premières à se souvenir du dépôt d'inspiration qu'avait légué Clémence à notre cité. Exclues arbitrairement des concours
qu'avait légué Clémence à notre cité. Exclues arbitrairement des concours des Jeux Floraux, elles protestèrent et réclamèrent le droit de concourir, garanti dans les règlements pour tous. Quiconque voudrait dicter sans les femmes en excepter. Les pièces de vers composées par les Dames de Toulouse portent les traces de l'inspiration qui marquait les productions de l'ancien collège du Gai-Savoir. La langue française n'était pas encore arrivée à changer la forme de la poésie des troubadours. Ce sont les mêmes fraîches et douces rêveries de l'esprit méridional du XVe siècle, rendues sur un nouveau clavier. Boyssonné n'eut pas l'idée, profitant de
sur un nouveau clavier. Boyssonné n'eut pas l'idée, profitant de son savoir et de l'ascendant qu'il exerçait sur les poètes, de former une École nouvelle des débris de celle de Clémence. Ses préoccupations tournées exclusivement vers l'antiquité grecque et romaine le rendaient peut-être peu apte à régler et à coordonner les nouveaux essais de notre chaste poésie. Les traditions poétiques toulousaines ne se réveillèrent pleinement que lorsque les Maîtres réalisèrent. Requête présentée par Trassabot au chancelier des Jeux au nom des dames de Toulouse. Voici une stance charmante extraite des poésies de Paule de Vigier, surnommée la Belle Paule. Le
poésies de Paule de Vigier, surnommée la Belle Paule. Le tendre corps de mon lit moullé cher Est maintenant dessous la froide lame. Dans les cieux clairs doit triompher son âme Car de vertu il fut toujours nourri. Las! j'éprouve de ce beau rosier l'envie. Françoise Marie, autre dame toulousaine, se rendit célèbre par des manières purement tournées rent le projet de faire célébrer annuellement, par des discours prononcés en Consistoire solennel, le génie et les libéralités de Clémence. Ce fut en ce temps-là qu'un peintre inconnu représentait, dans la tourelle d'un château, aux environs de Toulouse, Apollo la lyre
tourelle d'un château, aux environs de Toulouse, Apollo la lyre à la main entouré des Muses. Cette tourelle située à l'extrémité d'une élégante galerie italienne, et ouverte devant l'horizon profond de nos campagnes, appartenait à un poète, à Guy de Pibrac, « l'ibra dont l'hymne est l'idéal ». Il fallait à cet esprit fin et distingué un milieu d'art et des perspectives délicieuses pour se développer. Par sa haute naissance, les goûts nobles et sévères de sa maison, son éducation sérieuse, Pibrac devait être une personnalité à part dans la pléiade des hommes du Gai-Savoir. Il était né poète, on