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dit M. Holbauer, ne fut commencée sur la rive gauche de la Seine que douze ans après le début des travaux sur la rive droite. Philippe Hamelin, prévôt de Paris, pour renforcer la défense à l'extrémité occidentale de Paris, fit édifier "une tour qui prit d'abord son nom. " Puis, dans le courant du XIIIe siècle, Amaury de Nesle ayant accolé à cette tour une construction semblable au Louvre, et lui faisant pendant, elle prit le nom de « Tour de Nesle ». " Le pavillon oriental de l'Institut a été bâti sur remplacement de la Tour de Nesle; une
été bâti sur remplacement de la Tour de Nesle; une partie des fondations existe encore sous ce pavillon; elle avait vingt-cinq mètres de hauteur sur dix de diamètre; ses trois étages étaient primitivement surmontés d'un toit conique. Au XIVe siècle, à l'époque du remaniement de l'enceinte par Charles V, ce toit fut remplacé par une plate-forme crénelée du haut de laquelle des sentinelles purent surveiller plus facilement le cours de la Seine; de ce poste d'observation, les signaux pouvaient être transmis au Louvre, et vice versa. " Sans rejeter entièrement la légende popularisée par le drame la Tour de Nesle,
la légende popularisée par le drame la Tour de Nesle, universellement connu, légende qui place dans la Tour de Nesle les orgies de Jeanne ou de Marguerite de Bourgogne, il nous paraît utile de faire remarquer que cette tour appartenait à la Ville de Paris et qu'elle ne faisait pas partie de l'Hôtel de Nesle, son voisin ; qu'elle était, séparée par un cheminement public de cet hôtel, et qu'elle était gardée et habitée par une garnison commandée par un capitaine. Il est donc absolument certain que les événements dramatiques qui ont inspiré les auteurs du célèbre mélodrame n'ont pu
qui ont inspiré les auteurs du célèbre mélodrame n'ont pu se passer dans la Tour de Nesle. THÉÂTRE DE LA MONNAIE DE BRUXELLES " L'ÉTÉ " ACTION MUSICALE EN DEUX ACTES — POÈME ET MÉLODIE DE V. d'INDY La nouvelle œuvre de Vincent d'Indy, pourrait être considérée comme la trilogie merveilleuse de l'Univers, — au sein de laquelle des cœurs palpitent d'amour et vibrent de pitié; — du Symbolisme, — emblème lui-même de l'art immense et imprécise que la seule musique a le pouvoir de définir; — de la Religion, — domaine idéal de la confiance, refuge de la douleur,
— domaine idéal de la confiance, refuge de la douleur, suprême soutien moral. Ce sont bien là les seuls matériaux, les seules pensées, les seules convictions que l'artiste doit posséder lorsqu'il conçoit son œuvre. Ce sont là les seuls sentiments dont les développements heurtés constituent l'unique Œuvre d'art, exprimée sans cesse si différemment. De ces élans vers l'expansion, de ces impressions ressenties profondément, a jailli une œuvre saine, claire, poignante et enseignante, l'“Iranger”, que le théâtre de la Monnaie, à Bruxelles, vient de représenter pour la première fois. C'est au bord de l'Océan, le soir, dans un val de roches
bord de l'Océan, le soir, dans un val de roches et devant l'infini. Les pêcheurs se lamentent sur leur mauvaise pêche. Seul, un étranger, un inconnu, ne souffre jamais du gros temps, et ses filets sont toujours pleins. On dit qu'il est sorcier. Un pêcheur raconte qu'en effet, l'autre nuit, alors que la mer était déchaînée, cet étranger prononça des mots et qu'à sa voix, soudain, la houle s'apaisa. On le déteste, cet « oiseau de malheur ». Et, durant toute l'action, l'Étranger restera méprisé par tous, presque maudit, sauf par une jeune fille qui se sent attirée vers lui
par une jeune fille qui se sent attirée vers lui instinctivement, doucement et violemment à la fois, et dont la sympathie naissante pour cet être incompris, déjà vieillissant, se développera et se transformera terriblement jusqu'au dénouement du drame. À la première rencontre de leurs regards, leurs cœurs ont tressailli. Cet instant inoubliable pendant lequel deux êtres frissonnent sous le même trouble, se donnent ardemment l'un à l'autre, inconsciemment, est la plus délicieuse et la plus intense manifestation de l'amour le plus éternel. Dès lors, l'Étranger et Vita s'aiment d'amour. Vita a deviné la mystérieuse âme idéale, la noble nature d'artiste
a deviné la mystérieuse âme idéale, la noble nature d'artiste supérieur de cet étranger, et, quoiqu'elle soit fiancée au beau douanier André, c'est le cœur généreux de l'inconnu qu'elle voudra confondre avec le sien. Lorsqu'André lui rappellera que le lendemain dimanche, on doit proclamer leurs fiançailles à l'église : « Oui...peut-être... » répondra-t-elle, songeuse, triste et heureuse certainement, détachée déjà des bonheurs terrestres, et pressentant, sans vouloir l'admettre encore ni se l'expliquer, que son amour ne la conduira pas à la simple réalisation matérielle d'un rêve. André se consolera facilement et continuera plus à son aise son œuvre impitoyable de
et continuera plus à son aise son œuvre impitoyable de stricte justice vis-à-vis de quelques malheureux contrebandiers. Sur le désir que Vita a exprimé au doyen, l'annonce de son mariage a été ajournée. Sa mère en est tout éplorée et la gourmande sévèrement, mais qu'importe à Vita! Elle veut rester seule, contempler l'Océan, attendre la destinée. Et inspirée, radieusement sereine, cependant avec des accents de douleur, elle invoque la Mer, dont la voix chantante semble gémir de sa peine, la Mer, — sa plus intime confidente — que sa jeunesse implorait autrefois, qui connaît sa confuse pensée et qui voit
implorait autrefois, qui connaît sa confuse pensée et qui voit en son âme troublée ce qu'elle même n'ose y reconnaître. Et la grève et les rochers, et l'océan et le ciel se sont colorés de blanc et de gris argentés sous les rayons indécis d'un pâle soleil. L'Étranger va quitter Vita pour toujours: il lui demande de lui pardonner l'imprudente parole qu'il n'a pu retenir, l'aveu de son amour. Vita veut connaître son nom. « Je n'en ai pas, » répond-t-il. « Je suis celui qui rêve. Je suis celui qui aime... Où donc t'avais-je vue avant de te connaître?
qui aime... Où donc t'avais-je vue avant de te connaître? Mais partout. Dans les lourds soleils d'Orient, dans les blancs océans du Pôle, dans les aurores sur les lointains sommets, dans les forêts aux sourds ombrages, dans les rythmes chanteurs du vent... partout je t'ai aimée, car tu es la pure Beauté, car tu es l'immortel Amour!... Oui, ma destinée est étrange; alors que, de toute mon âme, je cherche à faire des heureux, par tout où je porte mes pas, je trouve en mon chemin le mépris et la haine. Un seul être, un seul, une femme m'a regardé
haine. Un seul être, un seul, une femme m'a regardé d'un regard consolant; et cet être adoré il faut que ce soit moi qui apporte trouble et peine! » Et la pierre d'émeraude qu'il porte à son bonnet scintille presque surnaturellement. Cette pierre brillait jadis à l'avant de la nef qui porta miraculeusement Lazare, le ressuscité, au port des Phocéens. « ... Par elle j'ai calmé des tempêtes. Mais aujourd'hui la tempête qui gronde en mon sein, la tourmente d'amour qui me torture, nul talisman ne pourra jamais l'apaiser. Je t'ai aimée, ô vierge... Je t'aime et le désire encore!
t'ai aimée, ô vierge... Je t'aime et le désire encore! Voilà pourquoi la très sainte relique ne m'est plus de rien désormais, car j'ai perdu tout pouvoir sur moi-même, sur mes sens et sur ma volonté. Voleur de cœur, j'ai commis l'injustice! J'ai démérité. » Il tend à Vita l'émeraude, symbole de sa mission parmi les hommes; il part. Vita se sent envahie par un sentiment indicible, une douleur qui l'étreint, l'affreuse solitude. Soudain, sortant de sa prostration, elle se dresse, tournée vers l'Océan, et, solennelle, elle jure à la très douce mer, qu'elle seule possédera son corps de vierge;
très douce mer, qu'elle seule possédera son corps de vierge; et elle lance l'émeraude sainte, rayonnante de sinistres lueurs, dans les flots qui se colorent en vert sombre sous le ciel plus noir. La mer s'émeut en une houle menaçante. Les pécheurs se souviennent, qu'une barque est sortie la veille. — « La voilà, là-bas, de l'autre côté du môle, elle dérive vers le grand rocher ». Le moment est angoissant. Les vagues, énormes, déferlent sur le quai marin. Nul secours humain n'est plus possible. Tous s'agenouillent et prient. « Armez le canot » retentit une voix. Et devant la
Armez le canot » retentit une voix. Et devant la peur, devant l'hésitation des pêcheurs, l'Étranger résolu, autoritaire, impérieux, répète son ordre. « Qui vient, avec moi, » dit-il. Terrifiée, la foule reste muette. « J'irai donc seul, amis. À Dieu soin ! » Tous se découvrent et redemandent l'invocation. Alors Vita s'élance vers lui, enthousiaste : « Je viens avec toi. Je l'aime ». Elle se jette dans ses bras. Leurs lèvres se joignent passionnément. Tous deux disparaissent sur les degrés de la coupée ; la tempête se fait de plus en plus violente. Au moment où les sauveteurs
de plus en plus violente. Au moment où les sauveteurs semblent toucher le bateau en perdition, une lame de fond gigantesque balaie le môle. Et, au milieu de l'accalmie qui suit, un vieux marin entonne le De profundis, auquel la foule répond douloureusement, pieusement. La mer a joint l'Idéal et la Vie dans la mort qui les marie pour l'éternité, nouvelle et immortelle existence affirmée par la croyance chrétienne, seule union possible, seul salut souhaité de démence et de sagesse après le renoncement à l'amour, thème unique de l'unique œuvre d'art passionnelle. Tel est, dans ses grandes lignes, le poème
d'art passionnelle. Tel est, dans ses grandes lignes, le poème de l'Étranger, imaginé et exprimé si puissamment par Vincent d'Indy. À l'encontre de beaucoup de nos confrères, nous le trouvons très beau ce poème, et c'est pourquoi nous nous sommes efforcés, en l'analysant, de respecter l'esprit et la forme de son texte et, parfois, les mots mêmes. Nous avons voulu définir les caractères des deux héros sans nous attarder aux scènes épisodiques que réclame le théâtre, effort vers la reproduction de la réalité mise au service des conventions scéniques. Nous aurions pu décrire la scène dans laquelle l'Étranger, apitoyé sur
aurions pu décrire la scène dans laquelle l'Étranger, apitoyé sur la misère d'un vieux pêcheur et de sa famille, lui fait don de sa pêche. Mais n'avons-nous pas dit que l'Étranger, c'était la bonté même? Nous aurions pu décrire la pénible émotion que nous avons éprouvée en voyant André accomplir son devoir si brutalement et convoitant sa « part de prise ». Mais n'avons-nous pas dit l'antipathie qu'inspirait ce beau galonné? Nous n'aurions même aucun regret si l'on supprimait son retour à la fin du second acte. Et bien d'autres scènes seraient à citer, puisque dans l'Étranger, toute l'action est
scènes seraient à citer, puisque dans l'Étranger, toute l'action est humaine, symbolique et chrétienne, puisque tout y est beau. Devons-nous ajouter que de cette œuvre, on peut tirer les plus larges conclusions philosophiques? que Vita représente le jeune et enthousiaste amour humain, la Vie? qu'André personnifie la discipline bornée et révoltante lorsqu'elle est mal observée, l'étroitesse d'esprit des institutions sociales, et aussi, ce qu'on est convenu d'appeler la beauté du mâle? que la mère de Vita semble signifier à la fois l'ambition, l'affection et l'égoïsme maternels? Que ce petit peuple de marins met au jour la vulgarité des âmes, la
de marins met au jour la vulgarité des âmes, la sécheresse des cœurs, l'incompréhension et la jalousie de ce qu'ils sentent supérieur à eux — humainement —, et le seul sentiment qui soit en leur honneur : leur croyance en Dieu? que l'Océan affirme la puissance de l'intraitable Nature? et que l'Étranger, enfin, — idéal Génie — se heurte à l'Erreur, à l'Ignorance, au Préjugé, au Monde? Qu'il nous soit permis de penser que cet Étranger est un artiste sublimément bon parce que c'est le cœur même de son créateur qui bat dans sa poitrine, et ce cœur est le
qui bat dans sa poitrine, et ce cœur est le meilleur, le plus généreux qu'on puisse rêver. D'ailleurs, sa figure n'évoque-t-elle pas celle du Christ? Intime union du drame et de la musique, — action musicale, L'Étranger remettant son Émeraude à Vita. Dessin pour la partition de MM. Durand et Fils par M. J.-M. SERT. a dénommé Vincent d'Indy —, l'Étranger marque un progrès immense dans l'art musical. Ici encore, nous nous trouvons en contradiction avec beaucoup de nos confrères qui ont considéré comme un retour en arrière l'admirable simplicité avec laquelle l'œuvre est exprimée. Après ce qui fut appelé
avec laquelle l'œuvre est exprimée. Après ce qui fut appelé le « compliqué » de Fervaal — et qui n'était en réalité que complexité —, la clarté au travers de laquelle se meut l'action de l'Étranger a surpris tout d'abord, peut-être même désillusionné. Mais cette limpidité, cette apparence de non laborieuse expression, de facilité d'interprétation, c'est ce qui constitue précisément la voie que vient d'ouvrir l'un des plus grands maîtres de l'art contemporain, et que devront suivre les compositeurs à venir, à condition qu'eux-mêmes l'élargissent, la prolongent, et qu'ils s'inspirent d'abord des primitifs comme l'a fait si sagement Vincent d'Indy.
d'abord des primitifs comme l'a fait si sagement Vincent d'Indy. Dans l'Étranger, Vincent d'Indy est parvenu à obtenir un maximum d'effet avec un minimum de moyens. C'est vers ce but que devrait toujours tendre l'artiste qui conçoit. Dans cette partition vivante parce qu'humaine, riche de musique vraie et dans son cadre parce que symbolique, sincère et élevée parce que religieuse, se trouve le plus poignant effet de musique dramatique qu'on ait jamais produit aussi simplement : deux notes, — Té'r, do — orchestrées d'abord avec acuité et s'affaiblissant graduellement (départ de l'Étranger au second acte). Elles répandent en vous une
de l'Étranger au second acte). Elles répandent en vous une peine intense. Mais loin de moi l'idée de détailler la trame symphonique de l'Étranger; je me permettrai, au contraire, de déroger à l'habitude prise, de consacrer, dans un ... M. ALBERS (l'Étranger). compte rendu d'une œuvre de musique, une analyse à la partition, car je m'en voudrais de déflorer une si admirable Pensée en la disséchant à l'aide de mots, impuissants, en général, à exprimer le langage musical. Quand je vous dirais qu'à la page 119 commence le récit de l'Étranger (que j'ai reproduit presque en entier dans l'analyse du
l'Étranger (que j'ai reproduit presque en entier dans l'analyse du poème), et que ce passage est remarquable, non seulement par la beauté intrinsèque de son inspiration, mais par la sobriété de son orchestration, par les impressionnantes et larges sonorités des trombones, et de la trompette, etc., en auriez-vous mélodiquement la moindre idée ? Je préfère vous dire : allez entendre l'Étranger, allez puiser aux bienfaisantes paroles de « celui qui aime » les plus nobles enseignements de la vie, allez écouter cette musique émouvante, tendre, puissante, passionnée, allez réconforter votre âme à ses inspirations savamment ordonnées, allez admirer cette orchestration
âme à ses inspirations savamment ordonnées, allez admirer cette orchestration qui gémit, qui caresse et qui gronde, allez vous pénétrer en une idéale leçon du Traité de composition de Vincent d'Indy : l'Étranger en est la plus riche réalisation, le plus scrupuleux exemple. Ou plutôt, si c'est en votre pouvoir — même si vous devez avoir recours à une influence qui soit très loin de vous — agissez pour qu'on monte à Paris cette œuvre vibrante et logique dans laquelle chaque mot et chaque note ont leur utilité et leur sens absolus. Ce jour-là vous aurez peut-être accompli la plus
sens absolus. Ce jour-là vous aurez peut-être accompli la plus belle action de votre vie ; vous aurez bien mérité de l'Art. Mais aujourd'hui, ce qu'il convient de louer hautement, de célébrer avec enthousiasme et reconnaissance, c'est la grande âme artistique qui plane sur toute manifestation musicale à Bruxelles, et dont les multiples et puissants rayons nous attirent, irrésistibles, jusqu'à son foyer de lumière et de vie, ce sont les deux éminents artistes auxquels la ville de Bruxelles a confié la direction de sa première scène, MM. Kufferath et Guidon, qui poursuivent sans relâche, avec une sincérité et une conviction
qui poursuivent sans relâche, avec une sincérité et une conviction si rares chez la plupart des directeurs de théâtre, leur œuvre d'initiation, de développement et d'encouragement artistiques. Ai-je besoin de faire remarquer la beauté et l'intensité du décor de M. Dubosq, reproduit d'autre part? Je lui reprocherai seulement, à ce décor, de rester comme figé, impassible devant le drame qui se déroule en son sein, de ne pas s'animer, de ne pas se colorer, de demeurer désespérément dans cette beauté et dans cette intensité justement sévère, mais insuffisamment variées. Je pourrais reprocher aussi le manque de mouvement scénique lorsque l'Étranger
pourrais reprocher aussi le manque de mouvement scénique lorsque l'Étranger commande d'armer le canot : il en résulte une impression de longueur; mais ce serait là de la minutieuse critique, et mon devoir est plutôt de prendre à poignées les mots élogieux que compte la langue française, et de les adresser à tous ceux qui contribuèrent à l'éclosion définitive de ce chef-d'œuvre, à M. Sylvain Dupuis et à tout son orchestre; à Mlle Friché qui fut une touchante mère; à M. Henner, un douanier que l'expérience rendra meilleur; à Mme Rival, très naturelle dans son indignation maternelle, et surtout à
Rival, très naturelle dans son indignation maternelle, et surtout à M. Albers qui composa noblement et chanta avec vigueur le rôle de l'Étranger, mais qui, peut-être, eût été plus sublime s'il avait été plus surhumain ; car, au fait, cet Étranger, est-ce bien un Homme ? RENÉ DORE. LE THÉÂTRE DU GRAND GUIGNOL Le Théâtre du Grand-Guignol n'est pas ce qu'un vain peuple pense. Il ne ressemble en rien aux autres « boîtes » de Montmartre. Il fait partie du trio des jeunes maisons qu'un décret récent de la Société des Auteurs dramatiques, Alfred Caplis régnant, vient d'élever à la
des Auteurs dramatiques, Alfred Caplis régnant, vient d'élever à la dignité de théâtre classe : les Capucines, les Mathurins, le Grand-Guignol. Oui, vraiment, trois théâtres où l'on est toujours assuré de passer, selon la formule jadis employée pour une scène plus considérable, une bonne soirée. La pièce en un acte, ayant été déconsidérée sous le nom infamant de lever de rideau, se mourait. Les auteurs d'ouvrage Le Directeur Le Secrétaire général L'huissier Une actrice L'auteur (LURVILLE). (OSCAR DUFRESNE). (RATINEAU). (Mlle LAVERGNE). (BRIZARD). THÉÂTRE DU GRAND GUIGNOL — MILLE REGRETS (scène dernière). Mille regrets, c'est l'expression consacrée qui permet aux directeurs
dernière). Mille regrets, c'est l'expression consacrée qui permet aux directeurs de théâtres et de journaux d'évincer les importuns. Sous ce titre, MM. Hugues Deturme et Galli ont écrit une excellente parodie du monde des théâtres. Le Directeur des Folies-Baladeuses, malgré les notes envoyées aux journaux qui enregistrent quotidiennement « l'immense succès » de la pièce en cours, est en réalité acculé à la faillite. Un huissier vient faire une saisie, mais cet austère homme de loi est toujours rêvé de fréquenter les coulisses; aussi le directeur des Folies-baladeuses obtient un résultat merveilleux : il décide à l'huissier de lui apporter
résultat merveilleux : il décide à l'huissier de lui apporter une importante commandite en lui promettant de lui jouer Une de ses pièces. La scène finale que nous reproduisons ici, représente le directeur du théâtre des Folies-Baladeuses dictant à son « secrétaire général » une note destinée à annoncer aux journaux le prochain spectacle, un grand succès naturellement, — c'est-à-dire la pièce proposée par l'huissier ; celui-ci est assis près de son collaborateur tandis qu'une petite actrice, voulant à tout prix faire une « création importante » se montre particulièrement aimable envers les auteurs. de courte haleine étaient forcés de
aimable envers les auteurs. de courte haleine étaient forcés de chercher refuge dans les salons. C'est le Figaro qui joua le premier du Jules Renard; il faut le noter ici. Antoine, seul, de temps à autre, donnait des spectacles coupés. Et les dramaturges étaient réduits, pour faire accepter leurs inventions, de les délayer en trois, voire en cinq actes. Or, la pièce en un acte existe. Il y a quantité de situations qui ne comportent pas un développement plus considérable. Musset, Meilhac, Labiche, Becque, pour ne citer que de glorieux morts, ont écrit des chefs-d'œuvre en un acte. Et la
morts, ont écrit des chefs-d'œuvre en un acte. Et la floraison est loin d'être achevée. Aussi, il est logique que les grands théâtres, ne voulant plus jouer que de grandes pièces, de petits théâtres soient nés avec l'intention de jouer de petites pièces. D'où le trio : Mathurins, Capucines et Grand-Guignol. Nous écrirons aujourd'hui l'histoire du plus important des trois. Les deux autres suivront. Le Grand-Guignol est situé au 20 de la rue Chaptal ou plutôt au fond du passage Chaptal. Ce fut jadis l'atelier d'un peintre, mais d'un peintre qui voit grand, l'auteur de la Mort de Balzac et
qui voit grand, l'auteur de la Mort de Balzac et de l'Angoisse humaine, M. Georges Hochegrosse. La décoration intérieure est gothique. Les ornements de bois dominent, rehaussés par les vives couleurs des oriflammes, et aussi, actuellement, grâce à la fantaisie malheureuse d'un des directeurs anciens du théâtre, par des vignettes de Choubrac, le peintre illustre de nos boîtes de ill umettes-bougie. Un escalier de bois, d'un joli dessin, conduit à la galerie, où — bizarrerie de la mode, — il n'est pas chic de monter. Le public, fort select, — monde et demi-monde, — préfère se presser aux fauteuils du
monde et demi-monde, — préfère se presser aux fauteuils du rez de chaussée, dont les bras sont de chêne, et dans les douze loges du fond de la salle. Le jeune directeur actuel, M. Max Maurcy a fondé jadis les Capucines avec Alphonse Franck, mais il a eu des prédécesseurs au Grand-Guignol. Il a eu M. Magnier, le fondateur, puis Méténier, puis M. Lado. En 1899 M. Maurey est devenu le maître de l'endroit. M. Max Maurcy est un petit homme qui marche un peu de guingois mais il a des idées très arrêtées et qui dit, droitement, à chacun
des idées très arrêtées et qui dit, droitement, à chacun son fait. C'est un petit Anlon, a-t-on prétendu. Il excelle de plus fâcheuse ressemblance. Il est Parisien. Il a passé trois ans à l'École centrale, comme Donnay, comme Capus et comme Gandillot. Il est de la génération « scientifique » qui a entrepris de faire rire et pleurer nos contemporains. Il fut, d'abord, journaliste (on commence toujours par lit). Au théâtre, il a donné la Glissade, comédie en trois actes, au théâtre des Lettres; le Camelot, avec Taillade dans le principal rôle, au théâtre de la République, et des ballets,
principal rôle, au théâtre de la République, et des ballets, des pantomimes, les mille et une Nuits, Néron, Sarclandapale, Pochontil! etc. Son vrai succès de dramaturge s'affirma à son propre théâtre, nous le verrons, pour se couronner chez Antoine, l'an passé, avec les deux actes si amusants de l'Aventure. Les relations qu'on peut avoir avec M. Max Maurey sont fort agréables, lorsqu'on vient de remporter quelque succès chez lui. Il a la reconnaissance des applaudissements et du bu. Phoio Studio. Le Pape (M. GOURNAC). L'Empereur (M. CHAUTARD). LE PAPE ET L'EMPEREUR Théâtre du Grand-Guignol — LE PAPE ET L'EMPEREUR Le
L'EMPEREUR Théâtre du Grand-Guignol — LE PAPE ET L'EMPEREUR Le Pape et l'Empereur, de M. Jacques des Gachons, est une pièce historique très dramatique. Fort heureusement, l'auteur a choisi pour présenter ces deux grandes figures, leur dernière entrevue célébrée en janvier 1813. Napoléon, déjà surpris par une première défaite mais encore cependant avec une foi absolue dans son étoile. Pie VII, déprimé par l'âge, la maladie et aussi par quatre années de captivité à Fontainebleau, garde tout son courage pour cette dernière bataille et la lutte entre ces deux volontés est d'une poignante émotion. L'Empereur emporte une suprême victoire en