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demeure. Mais ils sont loin, dans leur ensemble, de nous laisser la même impression de noble et robuste simplicité que ceux de l’époque antérieure. Le style d’ameublement corrompu par l’italianisme est sans conteste inférieur à notre style gothique. Après Henri II, dans presque toute la France on emploie le noyer d’un grain serré qui permet les plus fines débauches ornementales et qui d’ailleurs, longuement imprégné d’huile de lin, se revêt d’un lustre parfait. Peu à peu nous voyons apparaître les incrustations de bois précieux, d’ivoire, de nacre, de marbre, les plus extraordinaires marqueteries. Mais sous cette exubérance de commande qui
plus extraordinaires marqueteries. Mais sous cette exubérance de commande qui n’est pas toujours d’un goût très heureux, on retrouve les pures formes françaises perpétuées par nos artisans du meuble, qui restent à cette époque les premiers du monde. Ainsi l’architecture gothique survit-elle encore très longtemps, dans le mobilier, sous les sculptures ou les ornements de la Renaissance. Nous ne voulons pas dire qu’il n’y eut pas à cette époque de très beaux meubles. Jamais peut-être, on ne vit tant d’artistes illustres inspirer la décoration : Jean Goujon, Germain Pilon, issu d’une famille de huchiers, puis du Cerceau — ce délicieux
d’une famille de huchiers, puis du Cerceau — ce délicieux ornemaniste qui puisait de tous côtés son inspiration pour réaliser en définitive quelque chose de très français — ont fait beaucoup plus qu’influencer nos artisans. Mais les « échanges artistiques » comme l’on dit aujourd’hui — entre la France et l’Italie avaient fini par jeter un peu de confusion. Pour être au goût du jour, il fallait se meubler « à l’italienne ». Et le snobisme de Fontainebleau — même servi par des hommes comme Cellini, Andrea del Sarto, ou le Primatice donne parfois des résultats assez médiocres. Le meuble
le Primatice donne parfois des résultats assez médiocres. Le meuble devient « objet d’art », au mauvais sens du terme, et son opulence ostentatoire n’est pas toujours dénuée de prétention. Bernard CHAMPIGNEULLE. L’INTIMITÉ DU XVIIIe SIÈCLE Chambre à coucher Louis XVI. A. Rateau. architecte-décorateur. Exposition Rétrospective au Salon des Arts Ménagers Moreau Le Jeune. Le Souper fin Photo Giraudon Il serait présomptueux de prétendre dire, dans les limites d’un article, quelque chose de bien original sur un siècle qu’il est admis de considérer comme celui de la douceur de vivre, et aussi comme l’expression du génie français la plus universellement
et aussi comme l’expression du génie français la plus universellement aimée. On fera peut-être, quelque jour, le procès de cette conception, et la tâche de l’accusateur sera extrêmement difficile. Aussi bien, la refusons-nous. Evoquons plutôt tant de gracieuses merveilles qui, de l’époque de la Régence à celle de la Révolution, naquirent pour donner à la réalité les couleurs du rêve et à la vie quotidienne les apparences raffinées. Lawrence. Le lever des modistes (détail) Photo Giraudon Les singes et les Chinois, les bergers et les bergères habillés de satin, au temps de Law, remplacèrent les panoplies rigides du style Louis
temps de Law, remplacèrent les panoplies rigides du style Louis XIV ; ajoutez-y les fifres, pipeaux, cornemuses et tambourins inventés par Oppenord, sans oublier les imitations de rochers et de grottes mêlées à des palmes, des légumes, des fleurs, et vous pourrez soutenir que le style Régence, voire rocaille ou rococo, marque un retour vers la nature, sinon le naturel. Avec le Louis XV, l’ivresse de la liberté reconquise monte de plusieurs degrés. Le mobilier et la décoration affectent des formes raffinées, et les chapeaux de bergères, qui entrent ou demeurent dans le répertoire ornemental, signifient que l’amour de la
demeurent dans le répertoire ornemental, signifient que l’amour de la campagne n’est jamais si fort qu’au cœur des citadins ; que Rousseau n’a pas prêché tout à fait en vain ; et que l’on peut trouver, sans quitter sa maison ni son jardin, la ration d’exotisme et la dose d’inconnu indispensable à la vie de l’âme. Les autres caractéristiques de ces trois styles (trois en moins d’un siècle !) sont trop connues pour qu’il soit besoin de les énumérer toutes. Ces caractéristiques sont de deux sortes : ressemblantes, d’un style à l’autre, ou nettement contradictoires. Les contours, des asymétries, des
à l’autre, ou nettement contradictoires. Les contours, des asymétries, des saillies, retroussés, déchiquetures, qui appartiennent plutôt, en vérité, à la nature de la flamme. L’acanthe se hérisse et se tord, parmi les instruments de musique, les carquois, les flambeaux, les bouquets de fleurs, les « colombes. C’est charmant, plein de mouvement, gracieux, piquant, spirituel, capricieux, élégant au suprême degré. Les pièces d’habitation où s’inscrit ce nouveau chapitre d’histoire de l’art perdent leurs anciennes proportions seigneuriales ou royales pour prendre celles, petit à petit, de la vie intime, et le ton du confort bourgeois. Avec le style Louis XVI, s’accentue ce
du confort bourgeois. Avec le style Louis XVI, s’accentue ce dernier caractère. Le dégagement d’Herculanum et de Pompéi arrive à point nommé pour démontrer que les valeurs esthétiques n’ont point besoin, pour naître et s’affirmer authentiques, de l’espace des palais, mais peuvent aussi bien s’accommoder des dimensions réduites de la villa et de l’hôtel particulier. Les fleurs, les fruits, les bouquets, les houlettes, les râteaux, les faucilles dictoires. Le goût champêtre est à classer dans la première catégorie. Celui des courbes et celui des droites dans la seconde. Après les convulsions, l’apaisement. Le Louis XVI après le Louis XV. Puis,
convulsions, l’apaisement. Le Louis XVI après le Louis XV. Puis, au XIXe siècle, le Louis-Philippe après le rationalisme bourgeois de la Restauration. Notre école actuelle sera peut-être considérée, plus tard, comme une de ces traditionnelles pauses. Il faut avouer que nous en avions quelque besoin, de cette pause, et que l’on a bien fait de prier miss Loïe Fuller de se promener un peu en costume tailleur. Le XVIIIe siècle français a véritablement été une grande époque d’art : l’architecture y joue le rôle majeur ; c’est le caractère nouveau de la maison d’habitation qui commande au meuble d’être menu,
de la maison d’habitation qui commande au meuble d’être menu, précieux, riche sans doute, mais moins en matière, poids et amplitude, qu’en raffinement de décor. L’ébénisterie du XVIIe siècle sent encore la menuiserie, et presque la charpente ; celle du XVIIIe ravit l’esprit avant de délicatement émouvoir la sensibilité. Il est remarquable que les reconstitutions d’intérieurs de style du XVIIIe siècle ne donnent nullement l’impression du démodé, ou même du vieillot. Personne aujourd’hui n’aurait l’idée de s’offrir un intérieur Louis XIII, ou Louis XIV. Le Louis XV, et plus encore le Louis XVI, font, comme on dit, moins « musée
le Louis XVI, font, comme on dit, moins « musée ». S’ils sont encore vivants, et aussi bien en France qu’à l’étranger (l’art suédois moderne, par exemple, leur doit beaucoup) c’est sans doute que bien des éléments de la société qui les fit naître se retrouvent dans la société d’aujourd’hui. On sait que le XVIIIe siècle a fourni tous les palais et musées d’Europe leurs plus précieux meubles, tapis, tapisseries, bibelots, statuettes, etc. Le beau métier n’a sans doute jamais été porté à un plus haut degré de perfection. Mais cela n’est plus à démontrer. Les chercheurs auraient sans doute
cela n’est plus à démontrer. Les chercheurs auraient sans doute avantage à regarder plutôt du côté de l’art populaire à la même époque ; on a peut-être un peu trop négligé, au profit de l’ébéniste des villes, l’ébéniste des champs ; le bois des îles a fait mépriser le chêne dont on a continué de bâtir, dans nos campagnes, les armoires et les bahuts ; il y aurait aussi un curieux parallèle à tracer, entre l’exquise porcelaine de la cour et la robuste faïence des salles à manger de tous les jours, l’orfèvrerie d’or et d’argent et la poterie d’étain
les jours, l’orfèvrerie d’or et d’argent et la poterie d’étain : Lancret et Chardin. Maximilien GAUTHIER. L’ÉVOLUTION DU GOÛT de 1870 à 1900 PAR JACQUES GUENNE Quand on feuillette un album des admirables photographies de Nadar, on se demande comment ont pu avoir tant de succès auprès des hommes de leur temps ces demi-mondaines aux poitrines opulentes, aux tailles de guêpes, aux hanches avantageuses, dont la splendeur nous laisserait fort indifférents aujourd’hui. Encore, faudrait-il les situer dans le décor de leur vie. Il faudrait pour cela, reconstituer, par exemple, le salon de repos, en velours bleu paon et en soie
salon de repos, en velours bleu paon et en soie rose, qui, conçu par Penon, le tapissier en vogue, avait été le triomphe de l’Exposition de 1878. On montrerait alors le curieux penchant qu’on avait, à cette époque, pour les tentures pesantes, opaques, richement ornementées, pour les cantonnières festonnées. C’était le règne du damas broché, dont l’or éclatait sous la généreuse lumière, dispensée par d’immenses lustres de cristal. Aux murs, dans des cadres croulant sous l’amoncellement de leurs pâtisseries, les dames peintes par Cabanel faisaient valoir la somptuosité de leurs robes de soirée. Il eût été plus facile de dénombrer
robes de soirée. Il eût été plus facile de dénombrer les étoiles que de faire l’inventaire des lampadaires, des appliques, des paravents, des guéridons, des sellettes, des vitrines, des pare-étincelles, des jardinières, des cache-pots et des palmiers qui encombraient les salons. Que reste-t-il aujourd'hui de cette époque ? Quelques poufs, quelques chaises de verre aux dossiers et aux sièges en velours rouge, quelques crapauds capitonnés en peluche, alourdis par des passementeries multicolores, des galons et des glands, quelques meubles inutiles et encombrants, comme ce bureau à cylindre, peint par Toudouze, exposé il y a deux ans au Pavillon de Marsan,
exposé il y a deux ans au Pavillon de Marsan, avec son troubadour et sa fileuse, meubles qui témoignent de la patience et du savoir des artisans qui les exécutèrent mais de la pauvreté d’imagination et de la faiblesse de goût de ceux qui les conçurent. Le chef-d’œuvre du genre, figurant à la même exposition du Décès de la Vie, de 1870 à 1900, est ce lit exécuté en argent massif par Christofle pour un maharadjah, qui possédait aux quatre angles des statues de femmes peintes en couleurs naturelles et munies de perruques en cheveux véritables. Un mécanisme actionnait une
munies de perruques en cheveux véritables. Un mécanisme actionnait une boîte à musique dans le sommier, cependant que les bras des femmes, articulés à hauteur des bracelets, balançaient les chasse-mouches et les éventails. Le demi-monde en 1900 Atelier de Vuibert Photo Nadar On constate que si l’art français a vu se succéder, pour ainsi dire sans interruption, depuis le XVIe siècle, des styles qui marquent chacun l’esprit d’une époque ou d’un règne ; si la Révolution, elle-même, a suscité des modifications profondes et rapides du goût, il semble qu’après Louis-Philippe, l’imagination de nos décorateurs se soit soudain figée. On ne
l’imagination de nos décorateurs se soit soudain figée. On ne peut pas dire qu’il y ait un style Napoléon III. Les meubles de Compiègne et de Saint-Cloud s’inspiraient des styles d’autrefois : les canapés, du Louis XV ; les fauteuils, du Louis XVI. Les commodes avaient un faux air de Boulle ou de Riesener. Jusqu’en 1890, on a d’ailleurs continué d’adapter les styles précédents. Chaque appartement, avant cette date, a son salon Louis XIV et Louis XV, sa chambre Louis XVI et sa salle à manger Renaissance. Jacques-Émile Blanche a décrit d’une façon charmante, dans son histoire des arts plastiques,
décrit d’une façon charmante, dans son histoire des arts plastiques, les intérieurs d’une époque dont il fut, en même temps que le témoin, l’historien et le peintre. « La salle à manger, écrit-il, reçoit le jour d’une courette par une serre treillagée. Des plantes grimpantes artificielles s’y enlacent, empiètent sur les vitraux à culs de bouteille encadrés de bandes de verres multicolores. La cheminée, encastrée dans un renfoncement, est la gloire du propriétaire. Aux trois premiers étages, le même sculpteur sur bois a reproduit une scène de Téniers, des Buveurs dans une auberge ; ce tableau flamand est écrasé sous
dans une auberge ; ce tableau flamand est écrasé sous le poids d’une hotte sans emploi, chiffrée de l’F de François Ier et de la salamandre, support d’un buste de la Belle Gabrielle. Chenets de cuivre poli ; deux boules cloutées de fleurs de lys. Au milieu de la table recouverte d’un tapis de drap vert militaire, la lampe suspension de porcelaine vert céladon, avec motif de salamandres en deux tons, est montée sur cuivre poli fleurdelysé ; l’abat-jour de porcelaine blanche est frangé d’un volant de guipure. Au-dessus du dressoir, plein d’argenteries de chez Odiot ou Aucoq, là-haut, presque
dressoir, plein d’argenteries de chez Odiot ou Aucoq, là-haut, presque invisible, un plat de cuivre moderne à présentant le profil d’une dame en hennin. A droite et à gauche du buffet, qui est une table à découper, une plaque de faïence de Decker encadrée d’ébène. Sur le panneau principal, en face de la serre, une nature morte de Philippe Rousseau. » C’est dans ce curieux décor que vécurent les personnages de Marcel Proust, les héroïnes de Paul Bourget et les belles dames qui furent nos grand-mères. Il n’est pas certain, d’ailleurs, que les amis raffinés de M. Anatole France aient
d’ailleurs, que les amis raffinés de M. Anatole France aient eu le goût d’un autre mobilier. En vérité, le public demeurait indifférent à l’art décoratif. Antonin Proust avait fondé, en 1880, l’Union centrale des Arts Décoratifs. Mais le public qui achète ne se dégageait pas pour visiter, au Palais de l’Industrie, les premières expositions de meubles nouveaux. Aucune revue, aucun journal, ne soutenait les novateurs. Les amateurs éclairés qui achetaient des tableaux impressionnistes préféraient les antiquités aux meubles modernes et souhaitaient dormir dans le lit de Marie-Antoinette. Aucune volonté ne proposait, en France, une directive au goût de l’époque, alors
proposait, en France, une directive au goût de l’époque, alors qu’en Angleterre, par exemple, sous l’influence des pré-Raphaélites, naissait un style. Le genre capitales convenait parfaitement à la bourgeoisie française de ce temps-là. Au demeurant, on restait fort peu chez soi. Les grandes attractions de la vie étaient les bals de l’Elysée, ses garden-parties. Sans doute recevait-on brillamment et voulait-on éblouir ses relations par des dîners où l’on faisait valoir, en même temps que l’abondance des plats, que l’excellence des mets, la richesse des vaisselles et de l’argenterie. Mais c’est à l’Opéra-Comique, au Théâtre-Français ou dans la salle étrusque du
à l’Opéra-Comique, au Théâtre-Français ou dans la salle étrusque du Conservatoire, que les femmes venaient faire admirer leurs toilettes de Worth, de Paquin ou de Doucet. Les plus glorieuses journées de l’année étaient celles du vernissage du Salon ou d’une exposition chez Georges Petit. Que dis-je, c’est dans l’allée des Acacias qu’il fallait qu’une élégante se montrât. C’est au style de l’attelage qu’on appréciait la qualité d’une mondaine ou la fortune de celle qui ne l’était qu’à moitié. C’était tout un art, alors, que de se faire voir. La femme régnait avec infiniment plus d’autorité qu’aujourd’hui. Et ce qui est
régnait avec infiniment plus d’autorité qu’aujourd’hui. Et ce qui est bien caractéristique de cette époque, c’est le prestige de la demi-mondaine qui, sans doute, vivait à l’écart de la bourgeoisie, mais exerçait sur elle un curieux ascendant. C’est pour elle surtout que le joaillier imaginait de monter ces pierres baroques (dont la mode ne dépassait pas, parfois, quelques semaines), dans ces ciselures compliquées de style pompéien ou Renaissance. Vers 1893 cependant, sous l’influence d’Helleu, amoureux du XVIIIe siècle, une réaction s’était opérée, qui avait eu pour effet de rendre plus clairs les appartements. Ce fut l’époque du gris Trianon, du
clairs les appartements. Ce fut l’époque du gris Trianon, du taffetas cerise, des brise-vents et des mousselines. Ce fut l’époque où les portes et les fenêtres se trouvèrent soudain partagées en une multitude de petits carreaux. Par ailleurs, l’art japonais, qui commençait d’être à la mode, exerçait son influence sur le bibelot. En 1895, Siegfried Bing avait ouvert, rue de Provence, un magasin dit d’art nouveau. On y voyait, à côté d’objets chinois et japonais, des meubles anglais de Waring et Gilow, des papiers peints, des étoffes. C’est chez lui qu’apparurent, avant 1900, les premières manifestations de ce qu’on allait
qu’apparurent, avant 1900, les premières manifestations de ce qu’on allait appeler le modern style. On assiste à la naissance d’une esthétique qui va correspondre, comme le dit si bien J.-E. Blanche, au goût de Sarah-Bernhardt, du comte Robert de Montesquiou, du Rostand de la Princesse lointaine. La première impulsion est donnée par deux artistes de Nancy, Gallé et Majorelle, dans l’art du meuble, et par Lalique, dans la joaillerie et le bibelot. C’est le moment où le romantique Guimard, avant de nous offrir les fleurs tourmentées de ses grilles du métro, construisit ces façades ornées de grès émaillés pour remplacer
métro, construisit ces façades ornées de grès émaillés pour remplacer les façades gothiques qui abondaient à Passy ou dans la Plaine Monceau. Gallé, qui était un botaniste, préconise ce qu’il appelle le retour à la nature. Il entendait par là unir à des motifs héraldiques les fleurs de sa Lorraine, faire s’épanouir des hortensias sur des vases craquelés, tendre aux coins des meubles des toiles d’araignée en fer, embusquer dans les frontons de coquilles chauves-souris. Il existe des vitrines de Gallé, en bois de fer et chêne lacquéré, supportées par deux consoles formées de libellules aux yeux de saphir, qui
deux consoles formées de libellules aux yeux de saphir, qui en disent long sur le goût de ce prophète. Majorelle imagina les meubles bardés de fer ou de bronze, des bureaux en acajou et citronnier agrémentés de nénuphars, Lalique qui, plus tard, sut dépouiller son art et créa tant d’objets charmants, conçut alors ces lourds bijoux, ces pendentifs qui ne pouvaient s’accorder, comme le dit J.-E. Blanche, qu’avec les robes d’alors, ces fourreaux Sarah-Bernhardt, à collet remonté jusqu’au haut des oreilles, aux manches collantes, dont le poignet en pointe vient presque toucher l’ample chaton de la bague que porte, à
presque toucher l’ample chaton de la bague que porte, à son index, l’élégante à prétention artistique. Sans doute le modern style devait-il connaître bientôt une retentissante faillite. Mais il a su redonner aux décorateurs le goût de la création. Si, de 1870 à 1900, on s’est contenté d’adapter les styles d’autrefois, on peut dire que, depuis l’effort de Majorelle et de Gallé, nous n’avons cessé de chercher un style. Si nous avons pu, tout récemment, avec le goût des lignes pures, l’amour des belles matières, ce sens de l’équilibre, le souci de la correspondance de l’objet à son utilité, découvrir
souci de la correspondance de l’objet à son utilité, découvrir enfin le style de notre époque, nous le devons peut-être aux malheureux héros de l’art de 1900. Cazin. La chambre de Gambetta Photo Giraudon CHEZ L’ENTREPRENEUR BUSTE «le Charles Garnier, architecte de l’Opéra, est à la place d’honneur dans le salon plein de potiches, de tables aux pieds torses, de chaises capitonnées de satin et dorées, qui sert d’antichambre au cabinet directorial de la Maison Belloir (Cocquerillat, Cottin et Cie successeurs), rue de la Victoire, à Paris. Le presse-papier lui-même, sur le bureau de l’aimable M. Cocquerillat, est formé non
sur le bureau de l’aimable M. Cocquerillat, est formé non pas d’une boule, mais de trois boules de cristal curieusement superposées : symbole d’un amour du faste dont on ne saurait contester la touchante sincérité. Quant à M. Cocquerillat, sa courtoisie, son maintien et la coupe de son veston en confortable draperie anglaise, imposent un ensemble irréprochable, auquel ce pépinière un détail, un seul : la guêtre de laquelle on voit aux élégants les chers pesages de M. Degas. Mais l’origine de la maison Belloir remonte bien plus haut encore — depuis 1823, il y a plus de cent ans
— depuis 1823, il y a plus de cent ans : — Nos meilleures années, ce fut sous l’Empire. Julien Belloir, précise non sans quelque fierté M. Cocquerillat, connut personnellement Napoléon Ier. Celui-ci savait faire les choses, et ne lésinait pas. Il aimait la pourpre et l’or, et l'on n'a rien trouvé de mieux depuis les Romains pour l’éclat des fêtes publiques. Vous êtes libre de vous moquer de notre velours rouge et de nos crépines d’or. Un ministre étourdi pourra en proscrire l’emploi. Mais on y reviendra toujours, car il y a les choses éternelles. M. Cocquerillat pourrait-il se
il y a les choses éternelles. M. Cocquerillat pourrait-il se tromper? Depuis que la maison Belloir existe, son entreprise principale n'a-t-elle pas été de verser l’héroïsme au cœur des citadins? Voici, au demeurant, les principaux titres de l’orgueil ou bien, si l’on préfère, les brillantes étapes d’une longue expérience : le mariage de l’Empereur; la réception de la reine d’Angleterre; le baptême du prince impérial (Notre-Dame d’Orée de satin blanc parsemé d’abeilles d’or, et les piliers tout garnis de fausse hermine); la rentrée des troupes de Crimée et d’Italie; l’aménagement de la salle de l'Assemblée nationale à Versailles; la réception
de la salle de l'Assemblée nationale à Versailles; la réception de l’escadre russe et l’inauguration du pont Alexandre-III; le Congrès international de la tuberculose; le banquet des maires (cinquante mille couverts, à la galerie des machines); les bals de l’Opéra; les obsèques nationales, de Félix Faure à Marcombes. — Un triste déclin, estime le bon M. Cocquerillat. J'ai visité, rue Lacordaire, à Javel, les vastes entrepôts de la maison Belloir : huit mille mètres superficiels dont six mille en magasins et hangars, de proportions si vastes qu'ils font songer aux perspectives hantées dont Piranèse lut le poète. Des toiles ignées,
perspectives hantées dont Piranèse lut le poète. Des toiles ignées, par milliers de mètres, peuplent des altitudes mystérieuses. Tout un musée de la voiture, timbré aux armes de la ville de Paris, traîne en bas. Et les magasins constituent, mélancolique, prenant, pittoresque, épique et ridicule tout à la fois, un invraisemblable bric-à-brac de la gloire, de choses aussi fanées que puissamment évocatrices: entassements de chaises brisées à l'heure où l’orgie spirituelle des discours ayant pris fin, tout un joli monde se rue vers le buffet et ses nourritures terrestres ; toutes les sortes de lanternes, de candélabres, de flambeaux et
toutes les sortes de lanternes, de candélabres, de flambeaux et bras de lumière, lampadaires, lampions, lustres à pendeloques de verre, torchères en zinc doré datant de vingtaines d'années avant l’ère du gaz et de l’électricité ; faux cierges en bois, de quatre mètres de hauteur, ayant éclairé en pathétique veilleuse, le catafalque de Poincaré et, nus aujourd’hui dans l’impitoyable lumière du jour, encadrant une imitation de cheminée, Louis XV en diable ; voici encore, roulés dans un coin, les trois cents mètres de tapis dont on embellit le chemin de croix de A. Albert Lebrun en déplacement officiel ; plus
croix de A. Albert Lebrun en déplacement officiel ; plus loin, le fauteuil du chef de l’Etat, massif, doré, sans style à force d’en vouloir avoir, voisine, dans la poussière, avec celui où daigna poser son auguste séant le tsar de toutes les Russies au temps de la plus prometteuse alliance de l’Histoire ; sous des housses détoilées maculées, des statues que l’on devine font une terrifiante assemblée de fantômes à cagoule et dont le geste suspendu semble, dans le sépulcral silence et la pénombre, avoir arrêté le cours du temps ; cinq cents drapeaux tricolores enroulés sur leur bâton