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jazz, le couple sentimental dans un bouquet nuptial, le cirque, la parade des chevaux blancs et les clowns. La fresque finit par un savant virage qui heurte le mur dans un miroir. Les parois sont roses et blanches. L’éclairage vif est donné par un réseau, en volute, de tubes de néon et des appliques romantiques. Au premier sous-sol, le restaurant forme encore piste autour de ladite tour, qui se présente comme un gros cylindre portant sur le plateau du plafond une portion d’immeuble. Sur les parois, une toile marouflée présente un panorama des toits de Paris, et les serviettes des
un panorama des toits de Paris, et les serviettes des tables figurent autant de tableaux d’orientation. La fameuse tour est creuse, elle contient l’office du comptoir (rez-de-chaussée) et les circulations (escalier, monte-charge) qui accèdent à l’usine et aux stocks de ravitaillement (au deuxième sous-sol : chaudière, cave, réfrigérateur, stock ; au premier étage : cuisines). Nous attendons avec impatience, comme le prochain tableau d’un beau divertissement populaire, d’art, d'architecture, et de merveilleux, une nouvelle production de Charles Siclis. COLLABORATEURS TECHNIQUES Les Entreprises qui ont collaboré au "Dupont-Barbès" sont : Maçonnerie par Arsène Marchand; Miroiterie, Vitrerie par Perucca Frères; les bars,
par Arsène Marchand; Miroiterie, Vitrerie par Perucca Frères; les bars, glacières et cuisines par les usines Cubain; Plomberie par la Société A. O. P. C. Z. du département de la Seine (M. Lejeune, directeur); Peinture par Desagnat; Fumisterie par Barbiéri Frères; Eclairage par les Établissements Claude, Paz et Silva; Serrurerie par Ruhlmann; Horloges électriques de la Société Magnéta; Meubles de Thonet. Florian, architectes D. P. L. G. Le Florian, meubles de Thonet Photo Chevojon À PROPOS DU FLORIAN CROIZÉ ET TARPIN, ARCHITECTES PAR MARCEL ZAHR Le "Merveilleux" se propage. Il bondit et rebondit salué par des exclamations étonnées (rumeurs connues
bondit et rebondit salué par des exclamations étonnées (rumeurs connues aux feux d’artifice). Certains esprits déconcertés cherchent à le définir. Cela me paraît malaisé. C'est un retour, dit-on parfois, au rococo — et d’aligner ses connaissances Louis XV. Eh non! Le Merveilleux se faufile à travers les styles et ne saurait s’établir sérieusement, ni cristalliser. Son caractère réside précisément dans la multiplicité de ses manifestations. Il apparaît à travers les âges après des périodes de trop implacable austérité (dogmes rudes, problèmes insolubles générateurs de migraines sociales, privations de joies...), à la façon d’une poussée de fièvre et produit sur un
la façon d’une poussée de fièvre et produit sur un sol desséché quelques variétés belles et monstrueuses, d’une générosité tropicale, qui se faneront sans doute bientôt, mais point sans avoir redonné l'envie de la vie dans la fantaisie et l’imagination. Croizé et Tarpin, architectes D. P. L. G., meubles de Thonet Photos Chevojon Croizé et Tarpin, architectes D. P. L. G. Le Florian, meubles de Thonet Croizé et Tarpin, architectes D. P. L. G., meubles de Thonet série de synthèses de décors adéquats à leurs destinations. Notons le côté pratique des sièges transformables, de Thonet, à inclinaisons réglables à volonté
des sièges transformables, de Thonet, à inclinaisons réglables à volonté pour le repas. Louons seulement MM. Croizé et Tarpin pour leur désir de régler un ensemble d’architecture comme une série d’accords qui répondent chacun à un climat différent. Mais signalons le grand intérêt d’une œuvre précédente de M. Croizé : le café et l'immeuble de la Maxéville, boulevard Montmartre. COLLABORATEURS TECHNIQUES Les Entreprises qui ont collaboré au “Florian" sont : Conditionnement de l'air et ventilation par les Établissements Quint et Flamant; Décoration du patio par Marc Henri; Installation des cuisines par Labesse; Parasols de Bach et Porte; Ascenseurs de Baudet,
par Labesse; Parasols de Bach et Porte; Ascenseurs de Baudet, Donon et Roussel. Les usines Cubain ont exécuté le bar américain et le bain-marie électrique de la dégustation; Busigny Frères, l’ébénisterie; Meubles de Thonet. L’ART ITALIEN MODERNE AU MUSÉE DU JEU DE PAUME PAR MAXIMILIEN GAUTHIER Il était extrêmement facile de réaliser une admirable exposition d'art italien ancien. Il ne s'agissait, en somme, que de réussir un échantillonnage de valeurs considérées depuis longtemps, et avec raison, comme indiscutables. Cela s'appelle, en langage familier, jouer sur le velours. Cependant, pourquoi faut-il que deux ou trois morceaux douteux se soient glissés dans
que deux ou trois morceaux douteux se soient glissés dans la réunion d'étincelants chefs-d'œuvre que l'on peut voir au Petit-Palais ? Certes, le scandale, aujourd'hui, n'atteint pas les proportions de celui que fut, précisément dans la même maison, l'exposition Le Nain. Autrement ardue, compliquée, délicate, était la tâche de MM. André Dézarrois et Antonio Maraini, chargés de démontrer, au Musée du Jeu de Paume, qu'il existe encore un art italien vivant, en dépit des plus lourdes héritages et d'un XIXe siècle, particulièrement confus. Depuis des années — comme M. Georges Huisman le rappelle avec une louable opportunité, dans l'avant-propos du
Huisman le rappelle avec une louable opportunité, dans l'avant-propos du catalogue — M. André Dézarrois et l'administration des Beaux-Arts nourrissaient l'ambitieux dessein d'amener à Paris les merveilles des musées d'Italie et ils avaient obtenu que des démarches préliminaires fussent accomplies par M. Henry de Jouvenel, ambassadeur de France, auprès du chef du gouvernement italien. La Ville, une fois de plus, a fait une hardie spéculation en reprenant à son compte un projet préparé de longue date par l'État ; nous n'y verrions aucun inconvénient s'il n'existait pas une Caisse des Musées nationaux que l'on a privée, ainsi, d'importantes recettes ;
Musées nationaux que l'on a privée, ainsi, d'importantes recettes ; d'autre part, au Louvre, l'accueil aux trésors de l'Italie d'autrefois n'eût-il pas été plus justement solennel et soigneux ? Mais passons. Nous voulions surtout préciser que MM. Dézarrois et Antonio Maraini ont travaillé avec tact et courage, et qu'un hommage est dû à leur si sympathique modestie : le « résumé » qu'ils nous offrent (en plus d'un millier d'œuvres, pour une centaine d'artistes invités), représente, de leur part, une ardeur de responsabilité, de lutte, de sacrifice rare, et par conséquent précieuse. Les salles du rez-de-chaussée sont consacrées au XIXe
conséquent précieuse. Les salles du rez-de-chaussée sont consacrées au XIXe siècle et ont été distribuées à la fois par ordre chronologique et par écoles. On connaît Canova, sculpteur de la fameuse Pauline Borghese et portraitiste de la famille Bonaparte ; certes, il est néo-classique ; mais est-ce son néo-classicisme qui ressemble au nôtre, ou, au contraire, le nôtre au sien ? Dès le règne de Louis XVI, le climat de l'Europe est antique et gréco-latin, et il survit à la Révolution. Hayez, dont le Baiser est un tableau célèbre, peignit de bons portraits sous l'influence d'Ingres ; mais n'est-ce pas
de bons portraits sous l'influence d'Ingres ; mais n'est-ce pas à Rome qu'il rencontra le grand Montalbanais ? En art surtout, il ne saurait être question de domination complète du génie d'un peuple sur un autre ; le génie actif subit lui-même, de façon plus ou moins subtile et indirecte, le rayonnement du génie en sommeil. Barabino rappelle Eugène Devéria, qui lui-même adorait Véronèse. Domenico Morelli est nettement romantique, mais Paolo Palizzi s'avère réaliste savoureux; Filippo Palizzi, animalier réputé, signe de magnifiques natures mortes aux poissons ; de Nittis, bien connu à Paris, exprime finement la poésie de nos pluies
connu à Paris, exprime finement la poésie de nos pluies et de nos brumes ; Cammarano, dont la technique est large et franche, allie à la sensibilité impressionniste une certaine volonté de construction par le coloris, sur dominantes de puissants blancs ; Mancini, coloriste napolitain, commença bien et finit assez mal, perdant, semble-t-il, en vieillissant, la connaissance de son métier. Le grand Lombard du XIXe siècle est incontestablement Ranzoni, admirable de brio, de liberté, de délicatesse coloriste, dans ses portraits de rêveuses, peints, comme il disait, avec l'haleine ; Ranzoni a inspiré Cremona, plus célèbre, et aussi Gola ; Filippo
a inspiré Cremona, plus célèbre, et aussi Gola ; Filippo de Pisis, plus près de nous, lui doit certes infiniment ; c'est un maître authentique, dont l'exposition actuelle apportera à beaucoup la révélation. Autre découverte : Grubicy, qui fut l'ami fervent et le marchand dévoué de Segantini, apparaît ici plus vraiment peintre que celui-ci, coupable de rapports insupportables et de littérature. Le Piémontais Fontanesi, bon coloriste, ami de Corot et de Ravier, réussit à mettre, en outre, dans un tableau comme la Femme à la fontaine, une inexplicable et très prenante poésie. Il ne conviendrait pas de tenir pour de
prenante poésie. Il ne conviendrait pas de tenir pour de simples suiveurs de nos maîtres impressionnistes les tachistes toscans : ils peignent franc et pur, mais affirment avec vigueur, netteté, largeur, le ton local, construisent et composent ; Fattori est principalement admirable dans ses petits tableaux, nets et justes ; Signorini est également à citer pour son robuste réalisme, et Lega pour la naïveté, sympathique, de son style. Le Vénitien Favretto, très inégal, présente des dons de coloriste, mais aussi un fâcheux penchant à l'anecdote, au détail qui rompt le charme ; Ciardi, Fragiacomo, Zandomeneghi suivent de plus près Corot
charme ; Ciardi, Fragiacomo, Zandomeneghi suivent de plus près Corot et nos impressionnistes. Passons sous silence les officiels et les gagneurs d'argent et l'affreuse fin du siècle, où Boldini, en dépit de son maniérisme, de son affectation de bravura, fait figure de peintre-né. Les salles du premier étage sont consacrées au XXe siècle. Au centre, en haut de l'escalier, on a placé les morts, et, d'abord, Spadini — ce qui est une erreur. Modigliani méritait cet honneur. Spadini, chromoluminariste, comme il y en a tant au Salon d'automne, représente, reçue par un italien, l'influence française assaisonnée d'un filet d'esprit munichois
par un italien, l'influence française assaisonnée d'un filet d'esprit munichois ; ses effets d'éclairage et ses arrangements décoratifs l'apparentent non pas comme on l'a quelquefois prétendu, à Renoir, mais à Maurice Denis. C'est Modigliani qui représente le réveil italien. Certes, à Montparnasse, Modi a rencontré les nègres. Il leur doit un choc décisif. Mais qui l'aida seulement à retrouver ce qui, déjà, vivait en lui : l'austère raffinement des primitifs de Sienne, lié à la grâce de Botticelli et au souvenir d'Uccello. Immédiatement à côté de Modigliani il eut fallu placer Carra, beau peintre vivant, transfuge du futurisme, mais auteur
placer Carra, beau peintre vivant, transfuge du futurisme, mais auteur d'un tableau, Solitude, figurant dans la salle de gauche, sous le numéro 22, et qui doit être tenu pour le premier exemple de cette volonté d'expressionnisme intellectuel et de construction monumentale qui donne à la plus jeune école de peinture italienne son caractère le plus éclatant. Carra lui-même, et, récemment, Giorgio de Chirico, ont fait retour vers le XIXe siècle, mais ils sont les initiateurs d'un mouvement plein d'avenir encore et dont les représentants actuels s'appellent Severini, Mario Tozzi, Sironi, Campigli, Cerracchini. Tosi et Funi sont à citer, en dehors
Campigli, Cerracchini. Tosi et Funi sont à citer, en dehors de ce groupe essentiel, de même que Ferrazzi. Boccioni et Prampolini défendent avec brio la conception futuriste. Dans la salle de droite, voici de Pisis, poète exquis ; un nu blond de Paulucci ; des paysages naïfs et charmants d'Usellini ; des œuvres estimables de Gaudensi, Montanaro, Donghi ; un bébé de Cipriano Oppo, fin de couleur et ferme de dessin ; Casorati et Soffici, synthétiques ; Salieti, bon coloriste ; Marussig ; Caréna, très estimé, habile décorateur plutôt que peintre pur; Vagnetti, enfin, auteur de nobles natures mortes. La
peintre pur; Vagnetti, enfin, auteur de nobles natures mortes. La nouvelle sculpture italienne est magnifiquement représentée par des œuvres de Martini dont on souhaite qu'une exposition particulière ait lieu dans ce même Musée ; Marini ; Messina ; Grégori ; Antonio Berti, excellent portraitiste, et qui continue, avec Maraini, la tradition florentine. En haut : Ranzoni : Portrait de femme Photo Fiorentini Antonio Maraini. Saint-Georges, bronze Photo Barsotti Fattori. Son portrait par lui-même Photo Fiorentini Centre : Arturo Martini. Femme au soleil, terre cuite. Les Archives Photographiques d’Art et d’Histoire En bas : Felice Caréna. Le peintre et son modèle
En bas : Felice Caréna. Le peintre et son modèle Photo Giacomelli Mario Tozzi. L’enfant du facteur Gino Severini. Nature morte. Photo Fabbri Mario Tozzi. L’enfant du facteur Gino Severini. Nature morte. Photo Fabbri LE SALON DES TUILERIES PAR JACQUES GUENNE T IFS organisateurs du Salon des Tuileries, en ouvrant dans le palais du boulevard Raspail, deux grandes et belles salles latérales, ont fait preuve d'un optimisme, qu'en cette année maussade, il ne faut pas manquer de louer. Hélas, les peintres font défaut, du moins les peintres de qualité, pour garnir ces cimaises. Quand on se rappelle que le Salon
garnir ces cimaises. Quand on se rappelle que le Salon des Tuileries fut en principe un salon de sélection, on reste confondu devant l'envahissement de tant de tableaux inutiles. Pour faciliter la tâche du public qui n'a peut-être pas notre patience, nous dirons, qu'en général, les œuvres dignes d'intérêt ont été placées dans les deux salles nouvelles situées à gauche et à droite du hall où sont installées les sculptures. Au premier étage, il faut cependant isoler de voisinages médiocres, les paysages d'André Tzanck, noblement composés ; "la Femme à la toilette", de Jean Lombard, "les Fleurs", de Dora Bianca.
la toilette", de Jean Lombard, "les Fleurs", de Dora Bianca. Au rez-de-chaussée, il faut également distinguer la "Venise" de Medgyès ; le paysage large et vigoureux de Mme Camilla Zoegger, l'ardente animatrice et présidente du Salon des femmes peintres modernes ; les fleurs des champs toujours fraîches et la mer idéalement bleue d'André Joubert. Mais passons dans les bonnes salles. Deux envois, cette année, dominent le Salon : celui de Boberman et celui de Kars. J'ai souvent dit par quelle mesure, par quelle distinction, par quelle économie de moyens valait l'art de Boberman. J'ai montré cette nostalgie qui pousse le
l'art de Boberman. J'ai montré cette nostalgie qui pousse le jeune peintre russe à décrire les paysages de Paris selon les aspects de son âme. Sa pensée n'a cessé de s'étendre. La mélancolie séduisante de ses débuts est devenue un drame contenu mais poignant. L'expression est toujours plus large. La synthèse plus forte, nourrie par une analyse plus subtile. Boberman est un peintre. Kars est un maître. Sa grande toile fait irrésistiblement songer à des noms qui, pour lui, ne sont pas accablants, à ceux de Lautrec et de Degas. Il y a, dans cette œuvre, une dignité, une supériorité
Il y a, dans cette œuvre, une dignité, une supériorité venant de l'allure même des gestes des deux ballerines, qui forcent l'admiration. Kars n'est pas seulement un des meilleurs dessinateurs d'aujourd'hui, mais un coloriste savant et savoureux. Il est grand temps de situer au premier rang cet homme passionné dont la modestie est un exemple. Favory est toujours amoureux des formes puissantes, des chairs éclatantes. Gernez se plaît à imaginer que les femmes, les fleurs et les coquillages naissent de cet océan plein de magie qu'il contemple de sa retraite d'Honfleur. Cavailhès est un des rares jeunes peintres capables de
d'Honfleur. Cavailhès est un des rares jeunes peintres capables de poursuivre les recherches miraculeuses de Bonnard. Il est déjà maître de la nuance. Voyez sa nature morte d'une si chaude harmonie. Il le deviendra de la forme et il comptera alors parmi les meilleurs de son temps. Limouse est en progrès. Sa grande toile, avec le paysage à la fois intime et féerique, avec la table où sont posés de si riches objets, chapeau de paille blonde, étoffes et fleurs, ne vaut pas seulement par des qualités décoratives. La petite nature morte est plus précieuse encore. Waroquier atteint, cette fois,
nature morte est plus précieuse encore. Waroquier atteint, cette fois, à plus de sérénité. Sa sensualité est moins agressive. On trouve moins les marques d'une recherche passionnée que les effets heureux d'un travail ardent. Son nu blond comptera dans son œuvre. J'ai été heureux de retrouver Friesz en pleine possession de son robuste métier. Délaissant ces compositions savantes dont les arabesques furent toujours intellectuellement rassurantes, il peint, cette fois, la mer avec sa sûreté de Normand, avec son autorité du plasticien dominant toutes les lois du tableau. On aimera cette toile où les bateaux s'enchevrent, ce port de Toulon désormais
toile où les bateaux s'enchevrent, ce port de Toulon désormais inséparable de son nom. Céria évoque toujours en mon esprit le bel artisan. Ses tableaux sont des objets que ce bel artiste n'abandonne qu'après s'être assuré de leur perfection. Dans ses études de Paris, Céria a su mettre un sentiment qui lui est très personnel. Il a compris le secret de sa lumière, faite de suie et d'or, de gris et de bleu, comme il a deviné les secrets de ce fleuve variable qu'est la Seine, vert ou jaune, lourd ou léger, capricieux et cependant raisonnable. Dans la salle de
ou léger, capricieux et cependant raisonnable. Dans la salle de droite, parmi de détestables envois, on remarquera le casino pimpant et le paysage de neige de Terechkovitch ; la curieuse toile de Le Molt, pleine d'atmosphère et de poésie ; les scènes savoureuses de Marguerite Louppe. Mais il faut mettre hors de pair Oudot et Briochon. Oudot, avec un portrait de femme blonde, se détachant sur un fond rose, d'une grande élégance de style ; avec un paysage dramatique et des fleurs inoubliables. Brianchon, avec une jetée pavoisée et une étude de danseuses. Quant à la sculpture, elle est, comme
étude de danseuses. Quant à la sculpture, elle est, comme toujours ici, excellente. Gimond s'écarte de plus en plus de la conception de Despiau, dans son étude de femme dont le rythme semble plus le séduire que le frémissement. Androusow ne cesse d'élargir un art qui fut charmant et qui est sur le point d'atteindre à la grandeur. Sa femme nue tenant un enfant a un caractère monumental, sans aucune indication décorative. J'ai apprécié aussi la femme nue assise de Vencesse, le portrait d'homme de Raymond Martin, d'une grande finesse, la figure de Cazaud. Familier de l'œuvre de Despiau depuis
la figure de Cazaud. Familier de l'œuvre de Despiau depuis de longues années, je ne crois pas avoir vu naître des mains de cet immense artiste, une œuvre aussi émouvante, par la forme et par l'esprit. Il y a, sur ce visage de femme, une lassitude et, cependant, une sérénité dont le spectacle autorise les plus belles pensées. Un chef-d'œuvre ne doit pas être seulement un objet parfait que l'on caresse. Il doit, avant tout, nous élever au-dessus de nous-mêmes. LE SALON DES TUILERIES C. Terechkovitch. Casino Photo Marc Vaux O. Friesz. Port de Toulon Photo Roseman V. Boberman. Paysage
O. Friesz. Port de Toulon Photo Roseman V. Boberman. Paysage Photo Marc Vaux Drivier. Sculpture Photo Roseman LE SALON DES TUILERIES Brianchon. Paysage Photo Roseman A. Favory. Nu Roland Oudot. Paysage Photo Bernés Marouteau O. Despiau. Buste Salon des Tuileries Photo Roseman Salon des Tuileries 1935 Céria. Portrait Photo Marc Photo Roseman Derain. Port de Gravelines Photo André Caillet ANDRE DERAIN PAR JACQUES GUENNE Galerie Renou et Colle qui frappe le plus, quand on visite l'Exposition de la Peinture italienne, c'est la souveraineté que chacun de ces maîtres exerce sur son art. Chacun n'enferme pas dans son esprit la passion
son art. Chacun n'enferme pas dans son esprit la passion de Masaccio, l'orage de Michel-Ange, l'inquiétude de Léonard, la sérénité de Raphaël, mais tous ont su se rendre maîtres de leurs moyens d'expression. Si peu réelles que soient les mains de la Vierge au Lait d'Ambrogio Lorenzetti, elles sont les plus parfaites, qu'en son temps, ait pu imaginer l'auteur des Effets du bon et du mauvais Gouvernement. Par contre, nous voyons la plupart des maîtres d'aujourd'hui demeurer inférieurs à leurs dons, aux ambitions de leur jeunesse. Je pense aux perspectives qu'ouvrait l'art de Matisse avec la loi de Vivre, au
qu'ouvrait l'art de Matisse avec la loi de Vivre, au monde que Rouault aurait pu susciter, s'il ne s'était pas contenté de peindre d'admirables fragments. Aux deux pôles de la sensibilité française, Bonnard et Derain sont les seuls maîtres qui n'ont cessé d'étendre leur royaume, Bonnard en jouant toujours plus sûrement avec les surprises de l'espace, Derain en maîtrisant toujours plus fièrement la forme. Pour les artistes de la Renaissance, il était tout naturel de plier le sujet aux exigences de la géométrie. Pour un Signorelli, le corps humain était le plus beau répertoire de lignes et de formes que
le plus beau répertoire de lignes et de formes que Dieu ait inventé. Mais, pour Cézanne, c'est déjà un travail surhumain que d'appliquer à des arabesques les apparences des Baigneuses. L'effort de Cézanne nous émeut, parce qu'il nous apparaît dans sa passion même, visible à toutes les reprises que tente sa main pour retrouver l'écriture naturelle qui permet à Nicolas Poussin de fixer les plus nobles cadences. Mais cette tragique impuissance marque la fin d'une civilisation, le dernier sursaut d'un classique avant la victoire des barbares. A une époque où l'héroïsme ne se porte plus, un homme a jeté un
l'héroïsme ne se porte plus, un homme a jeté un pont au-dessus de l'impressionnisme et, aguerri par les révolutions auxquelles il prit part, a tenté de poursuivre cette route royale dont parle Barrès. Seul un homme de la carrure de Derain pouvait risquer une si périlleuse entreprise. Car il fallait retrouver l'esprit de la peinture classique, sans jamais en plagier la lettre. Il faudrait, pour que le public puisse se rendre compte de ce développement, réunir en une vaste exposition les toiles qui marquent les étapes de l'œuvre de Derain : les toiles de l'époque fauve, toutes embrasées de couleurs
: les toiles de l'époque fauve, toutes embrasées de couleurs pures, les toiles ambitieuses : la Cène, le Samedi, les natures mortes contemporaines de la Table de Cuisine, digne des grands Hollandais, les paysages du Midi, quelques grands nus, des portraits, les paysages de Saint-Maximin, les fleurs sur fond noir, les compositions mythologiques actuelles, et, dominant cet ensemble, le Pierrot et l'Arlequin, seul tableau peut-être de notre temps, capable de tenir auprès des peintres du quincento. On comprendrait comment, après la belle erreur des impressionnistes, ce peintre, en évitant de peindre la lumière, indifférent à la coloration des ombres, mais
peindre la lumière, indifférent à la coloration des ombres, mais seulement soucieux, ayant situé les formes dans l'espace, de les unir par un lien naturel et logique, a retrouvé l'idéal philosophique des héros de la Renaissance. Cet idéal, la mesure de l'intelligence par les dimensions de l'homme. La galerie Colle et Renou vient de réunir quelques œuvres récentes de Derain : des portraits, des nus, des fleurs, des paysages, des natures mortes et ces petites compositions mythologiques qui semblent actuellement tenter sa main. Cette autorité que nous notons chez les maîtres de l'Italie, nous l'avons trouvée chez Derain. Dans les