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orchestrée quelques années plus tard pour le ballet représenté au théâtre des Arts et dansé par Ariane Hugon. Le « Scherzo et Allegro » pour harpe (accompagnement de quatuor à cordes, flûte, clarinette), commandé à Ravel pour un concours du Conservatoire, fut jugé terne, pas assez « concours », et refusé au dernier moment. Pourtant, quel merveilleux premier prix n'aurions-nous pas l'autre jour décerné à Lily Laskine pour son interprétation éblouissante. Ravel, atteignant toujours le maximum dans les combinaisons instrumentales, a trouvé, avec la harpe, matière à s'amuser ; il joue sans pitié avec les notes harmoniques capricieuses, les glissades
joue sans pitié avec les notes harmoniques capricieuses, les glissades aux sonorités irréelles qui fusent, retombent, donnant naissance aux accords rares du quatuor. Les «Valses, nobles et sentimentales », aux effets d’orchestre surprenants (écrites d’abord pour piano en 1911), décèlent toutes les possibilités raveliennes et sa proverbiale « oreille » dont Debussy disait qu’elle était la plus fine qui ait jamais existé. Cette œuvre eut son histoire connue, elle aussi : à cette époque, la Société nationale de musique donna un concert bien imprudent ! Pas de noms d’auteurs au programme ; seul, parmi les grands, Ravel affronta l’anonymat et
programme ; seul, parmi les grands, Ravel affronta l’anonymat et fit jouer ses Valses. Louis Aubert les interpréta magnifiquement, mais le public, chargé de juger, de découvrir « la patte » de chaque compositeur, ne fut pas sensible aux harmonies si neuves de cette musique, et ce fut l'insuccès... jusqu'au jour où Ravel, les rejouant lui-même, les auditeurs rassurés, comprirent qu'ils pouvaient «marcher ». En 1912, ces Valses furent orchestrées pour les Ballets de Mlle Trouhanowa sous le titre : « Adélaïde ou le Langage des Fleurs. » Quand on connaît la prédilection de Ravel pour les objets démodés «
connaît la prédilection de Ravel pour les objets démodés « Louis-Philipards » (les petits canapés de porcelaine festonnée voisinent chez lui, à Montfort, avec les encriers style « cathédrale », les boules de verre féeriques et les ludions en carafe), on comprend avec quelle délectation il a dû réaliser ce ballet. M. Coppola, au pupitre des Concerts Pasdeloup, mit une discrétion excessive à nous en rendre tout le miroitement orchestral. « Ronsard a son âme. » « Amelette, ronsardelette, mignonnelette, doucelette. » Toujours séduit par des poèmes d’une qualité rare, Ravel avoue être profondément touché par cette poésie de Ronsard.
Ravel avoue être profondément touché par cette poésie de Ronsard. Sa mélodie nous convie à la même ferveur ; la ligne en est pure et dépouillée. La résonance métallique du dernier accord nous surprend par l’emploi prévu du « vibraphone », ce nouvel instrument dont Ravel enrichit sa palette sonore. M. Singher l’a comprise et chantée avec la pudeur, la tendresse retenue, qui sont les caractéristiques de maintes pages de notre grand musicien. Plus extérieures, plus brillantes sont les « Chansons de Don Quichotte à Dulcinée » (textes de Paul Morand), la plus récente production de Ravel ; elles sont
Morand), la plus récente production de Ravel ; elles sont traitées sur des thèmes basques et espagnols. Dans la première de ces chansons (chanson romantique), Ravel, avec un acquiescement un peu démoniaque, a laissé se glisser sournoisement une petite phrase à la Delmet qui pourrait être aussi du Chabrier... M. Singher s'en empare avec joie. La deuxième chanson (chanson épique) est la préférée du maître. Le début en est saisissant ; la voix monte comme une prière, seule, paisible, s'élève dans le calme et atteint à une réelle grandeur. Pleine de gaieté rabelaisienne, la troisième chanson (chanson à boire) est
de gaieté rabelaisienne, la troisième chanson (chanson à boire) est écrite sur un rythme de « Jota ». La gamme descendante de la fin, qui trébuche entre les bassons et les contrebasses, remplit de joie le public et conduit la chanson au « bis » avec l'aide, bien entendu, de M. Singher, qui possède un beau rythme — je dirai un rythme d’instrumentiste — et beaucoup de gaieté. Et la fin du programme nous entraîne encore en Espagne. Ravel d’ailleurs possède une espèce de divination de la vérité espagnole qui dépasse de loin celle d'un Rimsky, teintée d’un peu d'orientalisme.
dépasse de loin celle d'un Rimsky, teintée d’un peu d'orientalisme. Il me racontait que sa mère, quand il était enfant, le berçait, l'endormait souvent en lui fredonnant des chansons espagnoles. La « Rapsodie espagnole » dont le troisième morceau, la « Habanera », a été composé en 1895 (Ravel avait alors dix-neuf ans), est une de ses œuvres les plus caractéristiques. Tout son génie est là, en puissance, et son orchestration rutilante est d’une écriture déjà rare et précise. Composée pour le piano en 1906 (une des cinq pièces des « Miroirs ») « Alborada del Gracioso » terminait le
« Miroirs ») « Alborada del Gracioso » terminait le programme. La technique pianistique en est exceptionnelle et je ne sais si l'orchestration y ajoute beaucoup ; mais le génie de Ravel en cette matière est si convaincant, qu’il nous est impossible d'imaginer que telle œuvre, orchestrée par lui plus tard, était conçue pour d’autres fins lors de sa création. Ce programme brillant, mais trop exclusivement espagnol, ne permet pas de s’étendre davantage sur l'œuvre si diverse de Ravel. Ce magicien, quand il lui plaît, nous entraîne avec le même bonheur, du lyrisme d'un « Schéhérazade » à la ligne
bonheur, du lyrisme d'un « Schéhérazade » à la ligne dépouillée des « Chansons Maldines ». Ravel est le grand maître du goût français. Hélène JOURDAN-MORHANGE. FAISONS LE POINT COMMENCER une chronique nouvelle, c’est, dans une certaine mesure, changer de lecteurs. Le chroniqueur se trouve alors dans la situation du guide qui, à chaque voyage, se demande, en tâchant de deviner les goûts de ses clients, s’il doit insister davantage sur la basilique romane ou sur le récent Hôtel de Ville. Mais je n’ai pas envie, aujourd’hui, d’imiter le tourisme officiel. J’ai envie de flâner d’abord un peu avec vous,
officiel. J’ai envie de flâner d’abord un peu avec vous, de regarder où bon me plaît, et de prendre au hasard les rues qui s’offriront à moi dans cette vieille, et cocasse, et charmante cité littéraire. On nous annonce, depuis quelque temps, beaucoup de changements, dans la société d’abord, et naturellement dans la littérature, qui, on le sait, en est le miroir. Moi (et vous ? ) je ne vois pas très bien ce qui change. Prenez, par exemple, les grands prix littéraires décernés en décembre 1934. Il y a, premièrement, le prix Concours, gagné de haute main par M.
premièrement, le prix Concours, gagné de haute main par M. Roger Vercel pour Capitaine Conan, roman brillant et plein de verve. Certes, mais c’est un roman construit d’après les règles les mieux éprouvées du récit, dans la ligne, si vous le voulez, des frères Tharaud : quelque chose de solide et de point du tout surprenant. De son côté, M. Robert Francis, lauréat du prix Femina, semble introduire une note nouvelle en réintroduisant la féerie dans le roman. J’aime beaucoup sa Maison de Verre, mais je n’ai pas l’impression que le mérite en soit la nouveauté. Je m’expliquerai par un
le mérite en soit la nouveauté. Je m’expliquerai par un exemple assez amusant, et que je tiens de première main. Dans son Introduction — qui est un petit traité sur la féerie — M. Robert Francis rappelle que l’U.R.S.S. a décidé de supprimer les contes de fées pour enfants, et il considère cette décision comme contraire aux lois de la nature. Bon. J’ai entre les mains, présentement, un livre d’enfants, publié en Russie, dont les chapitres, en effet, sont consacrés non plus aux fées, mais à des leçons de choses. C’est enfin une sorte de plan quinquennal à l’usage des
C’est enfin une sorte de plan quinquennal à l’usage des berceaux. Mais ma petite fille, comparant cet ouvrage aux autres livres de sa bibliothèque, me disait l’autre jour : « Celui-là, c’est plutôt le genre contes de fées. » Voilà peut-être qui donne raison, indirectement, à M. Robert Francis, mais ce témoignage n’est de ma part qu’une manœuvre perfide destinée à retourner contre M. Robert Francis son propre argument. Je veux dire tout bonnement que, de même que le livre réaliste des Soviets est tenu, par le public compétent, pour un conte de fées, de même le conte de fées
un conte de fées, de même le conte de fées de M. Francis vaut surtout pour ses qualités réalistes. Patrick et Emilienne, les deux héros, sont brossés de main de maître ; les déformations, d’ailleurs charmantes, que la vision féerique leur impose ne sont pas essentielles ; et finalement le roman de M. Francis nous plaît parce que nous y retrouvons une peinture vive et forte de la réalité. Avez-vous lu Vue de la Terre promise, de M. Georges Duhamel ? C’est, à mon avis, le meilleur roman de cette saison. Mais c’est un roman classique et super-classique, dont l’esprit
saison. Mais c’est un roman classique et super-classique, dont l’esprit et la forme se rattachent aux traditions les plus solides. Et que dire des Hommes de bonne volonté, de M. Jules Romains ? Le grand prestige de cette œuvre tient à ce qu’elle nous rappelle les vastes entreprises littéraires du dix-neuvième siècle, depuis la Comédie Humaine jusqu’aux Misérables, à ce que nous sommes las de ces petites nouvelles hâtives étirées par les typographes jusqu’à la dimension (approximative) d’un roman, à ce que nous sommes heureux de retrouver les douces habitudes de cette héroïne lointaine de Mme Henri Gréville, qui reniflait
de cette héroïne lointaine de Mme Henri Gréville, qui reniflait d’aise devant le roman en quatre volumes dont elle allait couper les pages. Nos habitudes sont si constantes que la presse a fait un accueil favorable à Mort, où est ta victoire ? de M. Daniel-Rops (qui obtint huit voix au jury du Femina), roman solide et moral qui suit la ligne de M. Paul Bourget, mais qui est deux ou trois fois plus gros que le Disciple. Non, rien n’est changé dans la république des Lettres (quant à l’autre, je vous renvoie à votre journal quotidien...). Les demandes sont
je vous renvoie à votre journal quotidien...). Les demandes sont les mêmes, et les offres, après quelque prétention à l’originalité, rentrent vite dans la norme. Pourquoi ? Parce que le goût du roman, le besoin du roman, correspondent à des exigences constantes de notre société. Le succès du réalisme, par exemple, résiste à toutes les attaques, et l’on sait bien pourquoi. Je lui vois, pour ma part, au moins deux causes : d’abord, l’abaissement général de la culture, qui fait qu’un lecteur moyen (celui qui fait vendre un livre) ne peut guère comprendre et goûter que le cadre de sa
peut guère comprendre et goûter que le cadre de sa vie quotidienne (vous ne le voyez pas s’exciter sur les fureurs d’Athalie ?) ; ensuite, le désir légitime qu’éprouve ce lecteur de s’expliquer sa propre existence. Pour cela, il lui faut d’abord la revoir défiler sous ses yeux, après quoi, il cherche à lui trouver un sens. Chaque romancier fournit sa petite recette, et la diversité des interprétations introduit dans l’âme du lecteur de la confusion, mais non du déplaisir. Il en va de même pour les vertus morales de la littérature. Vous savez que dès avant la guerre, et
la littérature. Vous savez que dès avant la guerre, et très intensément dans les années qui l’ont suivie, les écrivains firent de grands efforts pour détacher la littérature de la morale. Ils le faisaient d’ailleurs maladroitement, en prenant le contre-pied des idées reçues, ce qui produisait une sorte de conformisme à rebours. Il suffit de jeter un coup d’œil sur la production littéraire depuis quelques années (qu’il s’agisse des derniers romans de M. François Mauriac ou des Pages de Journal de M. André Gide) pour constater que nos meilleurs auteurs sont très préoccupés aujourd’hui de découvrir un sens moral à
sont très préoccupés aujourd’hui de découvrir un sens moral à leur œuvre, et il arrive même que leur vertu sente un peu l’effort. Pourquoi ? Toujours pour les mêmes raisons : parce que l’exigence du public n’est pas une mode superficielle, parce que chacun est préoccupé de sa destinée, voudrait savoir où il va et ce qu’il risque. C’est là de l’humanité pure et simple, et le plus raffiné des desservants de la petite chapelle rejoint ici, tôt ou tard, M. Henry Bordeaux. En somme, ce qu’il y a de changé dans les lettres contemporaines, c’est qu’on y distingue, si
changé dans les lettres contemporaines, c’est qu’on y distingue, si l’on peut ainsi dire, un refus de changement. Cela résulte d’un contact plus étroit avec l’humanité moyenne, avec l’humanité tout court, des écrivains naguère épris de qualités purement formelles. On comprend aujourd’hui, beaucoup mieux qu’il y a dix ans, qu’une œuvre littéraire est une expérience subtile et privilégiée qui exprime la totalité de l’homme, de sorte que la critique doit s’attacher à la signification de cette œuvre au moins autant qu’à la virtuosité dont elle témoigne. Ramon FERNANDEZ. LES EXPOSITIONS PAR MAXIMILIEN GAUTHIER L’organisateur de l'exposition du « Portrait Sculpté
PAR MAXIMILIEN GAUTHIER L’organisateur de l'exposition du « Portrait Sculpté », à la Galerie de Paris, ayant placé, parmi les œuvres de contemporains, quelques hauts exemples empruntés à l'art de l'Égypte, de Byzance, de la Chine et de l'Italie, il ne paraîtra pas malveillant d’évoquer, ici, à mon tour, les innombrables bustes qui peuplent les musées, les palais, les villas de Rome et dont quelques-uns, contemplés plus à loisir que d'autres qui, sans doute, le méritaient autant, ont la valeur de rencontres essentielles, que la chair ni l’esprit ne sauraient oublier. Je me souviendrai toujours, en particulier, d'une figure de
oublier. Je me souviendrai toujours, en particulier, d'une figure de jeune femme, au Capitole; sa beauté n'est point altière; nulle assurance dans son regard, mais l'étonnement à la fois tendre et douloureux d'un cœur qui aime et qui souffre dans son amour; les traits du visage sont fins, irréguliers, fragiles, pour former de pathétiques méplats, des plans indécis entre l’ombre et la lumière, la pâleur et l'éclat, l’illusion et l’expérience, la confiance éblouie de l’enfant et l’amertume de l'adulte averti par la vie. C'est un chef-d’œuvre comme tous les chefs-d'œuvre, prodigieusement simple, prodigieusement complexe, plus intensément vivant que n’importe quel
prodigieusement simple, prodigieusement complexe, plus intensément vivant que n’importe quel être vivant : un portrait familier, mais où le caractère particulier n'est mis en évidence que pour servir à exprimer quelque chose d’aussi général et divers que l’inquiétude humaine. Un artiste au moins, de nos jours, a été et demeure capable de pétrir des œuvres de cette qualité-là; ce n'est pas parce que nous peuvent le rencontrer demain à Montparnasse que nous serions excusables d'hésiter à le célébrer; il s'appelle Charles Despiau. Et, autour du maître, l'école française de sculpture, très florissante, peut actuellement s'enorgueillir — c'est la constatation qui
très florissante, peut actuellement s'enorgueillir — c'est la constatation qui s'imposait, à l'exposition du Portrait Sculpté — des disciples et des émules que son exemple a suscités d'Arnold à Champetier de Ribes, Paul Cornet, Marcel A L'ÉTRANGER ITALIE LA DEUXIÈME QUADRIENNALE D’ART NATIONAL Cette seconde exposition d'art national ouverte à Rome jusqu'en juillet, marque un incontestable progrès sur la première, où dominait une sorte de chromo-luminarisme auquel s'appliquait à merveille le mot, bien connu, de Degas sur le pompier qui a pris feu. La manifestation actuelle est d'un brillant nullement superficiel. Les œuvres authentiquement sérieuses et nouvelles y sont en
superficiel. Les œuvres authentiquement sérieuses et nouvelles y sont en grand nombre ; et la qualité générale des sculptures particulièrement frappante. Nous nous plaignons, avec raison, en France, de la multiplicité des Salons, et du fonds de médiocrité commun à ceux-ci, de plus en plus encombrés par les amateurs et les incapables, envahisseurs aussi bien des Indépendants et de la Nationale que des Artistes français et des Tuileries où parfois même ils exposent simultanément. La façon dont on s'y est pris, en Italie, pour écarter ces importuns et réussir ainsi une exposition unique, claire et vivante, noble et robuste, est
une exposition unique, claire et vivante, noble et robuste, est à recommander. Le Comité d’organisation a choisi, sous sa responsabilité, cinq jurés parmi les artistes appartenant aux diverses tendances de l’art contemporain, et non pas seulement aux plus timides puisque, par exemple, Massimo Campigli a été désigné. De leur côté, les artistes, organisés corporativement dans leurs syndicats régionaux respectifs, ont élu cinq autres jurés. Et les deux jurys ont été réunis en un seul, au moment de prononcer les admissions, sous la présidence de l’excellent peintre Cipriano Oppo, député au Parlement et secrétaire général de la Quadriennale. Des postulants proposés
Parlement et secrétaire général de la Quadriennale. Des postulants proposés par les artistes élus ont pu être refusés par les artistes nommés, et réciproquement. Les uns et les autres, se piquant d'émulation, sont allés à la recherche de valeurs inconnues, dans les ateliers des plus lointaines provinces. Des paysans, des ouvriers, ainsi, ont été appelés à conférer à la Quadriennale un puissant caractère de fraîcheur, de robustesse, de santé, de naïveté, de vie véritablement surprenante. Sélection sévère à l'égard des situations acquises, accueil à la jeunesse et à la nouveauté : tels sont les mots d'ordre Gimond, Raymond Martin, Poisson,
: tels sont les mots d'ordre Gimond, Raymond Martin, Poisson, Wlérick, sans oublier des représentants de l'Ecole de Paris comme Alalou, Apartis, Androusov et Zadkine. Nos peintres sont certainement plus en retard, sur le chemin du retour à l'humain, celui-ci devant être considéré comme le premier et l’éternel « sujet ». L'exposition de l' « Invitation au Voyage », à la Galerie Billiet, a prouvé une fois de plus cette carence. Certains, comme Oudot, Alix et Bouquet, ont agencé de savantes compositions décoratives. D'autres, comme Berjole, Friesz, Gallibert, Marquet, ont présenté leurs paysages habituels. Brianchon, Tal-Coat, Léon Zack, Terechkovitch qui
présenté leurs paysages habituels. Brianchon, Tal-Coat, Léon Zack, Terechkovitch qui a paré de grâces champêtres un wagon-restaurant, ont fait valoir, plutôt que le thème considéré en lui-même, leurs qualités bien connues. Masereel, plus soumis, a fait une illustration. Et la poésie trouvait enfin son refuge dans les œuvres de Dufresne, Le Molt, et surtout Van Dongen. Chez MM. Bernheim-Jeune, Bonnard, Vuillard et K.-X. Roussel ont transporté de grandes peintures, détachées d'une villa qu’on leur avait donné autrefois à décorer. Ce sont, en réalité, les Bonnard surtout, des tableaux de chevalet de format inaccoutumé, plutôt que des compositions de caractère architectural.
de format inaccoutumé, plutôt que des compositions de caractère architectural. K.-X. Roussel est plus décorateur, mais, aussi, moins exquisement peintre. Quant au réalisme de Vuillard, on connaît sa distinction suprême. Ceci dit, on comprend que les constructeurs de l'indispensable école « fonctionnaliste » se soient méfiés de ces magiciens briseurs de perspectives et capables, et coupables aussi — on l'écrit à regret — d'ouvrir, à la place où l'on voudrait le repos et le fini d'un mur, un délicieux infini d’imprécisions colorées et de rêves en mouvement. Pour, de nouveau, faire le bon ménage que l'on souhaite, peintres et architectes
faire le bon ménage que l'on souhaite, peintres et architectes devront se résoudre aux concessions mutuelles nécessaires ici comme ailleurs. Parmi les expositions particulières, celle des œuvres récentes de Céria, à la galerie André Schœller, est à signaler en premier lieu. Les petits tableaux de Céria, peints avec un soin exquis, en valent bien des grands, sous le rapport du sentiment fin et juste et aussi de l'harmonieuse sûreté de la mise en page. Certains de ses paysages de Paris sont de charmantes Mario Tozzi. — Composition. grâce auxquels la seconde Quadriennale vaut d'être considérée comme une pleine réussite. A
seconde Quadriennale vaut d'être considérée comme une pleine réussite. A travers les salles j'ai noté le groupe, fort et lyrique, du maître florentin Romanelli ; les bronzes fins et nerveux de Galletti, de Messina, de Spadini ; l'art personnel des figures d'Arturo Martini, dont le style réalise une extraordinaire alliance de vie frémissante et de rythmes grandioses ; Mario Raimondi, gracieux et pur ; Ruggieri ; Fazzini, un jeune, plein de fougue et de dons ; Marini et Mariani ; Romagnoli et ses voluptueuses terres-cuites ; Oscar Gallo ; Martinuzzi ; Lazzaro ; Griselli ; et vingt, trente autres, heureusement
; Lazzaro ; Griselli ; et vingt, trente autres, heureusement dégagés de tout académisme, et dont les travaux attestent que l’école italienne de sculpture renaît. On s’en rendra compte, aussi bien, à l’exposition que l'on prépare, pour le printemps prochain, au Musée du Jeu de Paume. Bien que la différence entre le nombre des peintres et celui des sculpteurs soit loin d'être aussi forte que chez nous, on rencontre, à la Quadriennale, beaucoup plus des premiers que des seconds ; la peinture de genre est à peu près totalement abandonnée ; les paysages sont le plus souvent peuplés de figures
; les paysages sont le plus souvent peuplés de figures ; il y a tendance générale à passer du plan subjectif et individualiste au plan objectif et social, c'est-à-dire à exalter la vie plutôt que les raffinements du moi et à préférer au tableau de chevalet la composition large qui appelle le mur. Cette tendance est remarquable jusque dans les ouvrages d’un Broglio, par exemple, d'une exquise finesse de coloris, mais cependant soumis à des rythmes délibérément accusés ; elle peut être étudiée, depuis ses commencements jusqu'à son aboutissement actuel, dans la salle tout entière consacrée à la présentation des
dans la salle tout entière consacrée à la présentation des œuvres de début et de maîtrise de Gino Severini, l’un des plus purs libérateurs, par la révolte futuriste, de l’art de son pays, art dont il apparaît aujourd’hui comme le régulateur possible, le classique vrai ; il n’est pas de peintre plus authentiquement italien que celui-ci qui pourtant a vécu à Paris presque toute sa jeunesse, faisant réussites, d'un naturel parfait dans la fraîcheur, la nuance, le respect de la chose aimée. A la Galerie Beaux-Arts, Pierre Roy présente pour la première fois à Paris une exposition d'ensemble de ses
la première fois à Paris une exposition d'ensemble de ses œuvres : longtemps, comme le remarque André Salmon en une brillante préface, « captif charmé de cercles distingués ». Pierre Roy, ce peintre-poète, ne croit pas nécessaire de déformer l'objet pour lui faire exprimer son mystère. Il l'installe, au contraire, tel quel, dans une lumière aisément solennelle à force de simple fixité. Certes, les voisins hétéroclites qu'il lui adjoute sont là aussi pour accentuer son beau caractère insolite. Pierre Roy, réaliste évocateur d’atmosphères surréalistes, sait peindre, diront les poètes. Il sait conter, diront les peintres. Bref, un très curieux et
sait conter, diront les peintres. Bref, un très curieux et savant artiste, cousin du de Chirico des meilleurs jours. La Galerie Jean Charpentier, pour expier sans doute certaines récentes audaces, revient au genre qui fut traditionnel chez Georges Petit et que représentent avec une indéniable distinction les œuvres de Roger Reboussin, Georges Maroniez et Hugues de Beaumont. A la Galerie Druet, citons les paysages de Jules Zingg, d’un style à la fois rustique et fin, et les tableautins de Pauline Peugniez, fidèle, avec talent, aux enseignements de Maurice Denis. A la Galerie Raspail, les peintures naïves de Fanny, formant contraste