jeanflop/post-ocr-correction huggingface dataset:
nous, il est, sinon l'initiateur au sens absolu du mot, du moins le maître dont l’exemple dès le XVIIIe siècle, stimule la plupart de ces peintres de la réalité, si français, que la pompe de Versailles nous a longtemps cachés et singulièrement, de ce Georges Dumesnil de la Tour qu’une exposition récente, à l'Orangerie des Tuileries, nous apprit à placer au même rang que Louis Le Nain dont « La Forge » au moins est nettement caravagesque. Certains, tout en se gardant de conclure ont fait remarquer que Rembrandt venait de naître quand le Caravage mourut ; mais celui-ci n’était-il
de naître quand le Caravage mourut ; mais celui-ci n’était-il pas né un demi-siècle après la fin de Léonard ? Il conviendrait quand même, de ne pas exagérer. Certes, le clair-obscur du Caravage est expressif, mais d’une vie nullement intérieure. Ce grand peintre n’a jamais été un grand esprit. Tant mieux, si l’on pense que l'intellectualisme des Carrache peut aboutir à René-Louis Ménard. Tant pis, si l'on se rappelle que Henner professait, et pour cause, que la « Mise au Tombeau » du Caravage est le plus beau tableau de l’Italie! Le Dominiquin. Chasse et Diane. Rome Photo Anderson L'ART
l’Italie! Le Dominiquin. Chasse et Diane. Rome Photo Anderson L'ART ITALIEN DE NOTRE TEMPS ET LA RENAISSANCE DU PAR WALDEMAR GEORGE PATHÉTIQUE ITALIEN « nègres » de Picasso. Il préexiste dans l’œuvre de Paul Cézanne. Or, rien ne justifie la naissancespontanée du mouvement futuriste qui est une bombe lancée dans l’étang aux eaux calmes d’un art qui n’avait pas connu les affres de l’art français. Le futurisme, dont il ne reste rien, sauf le souvenir de combats héroïques, de manifestes, de professions de foi, a joué le rôle d’un stimulant. Si, par son essence même, le futurisme apparaît comme un
Si, par son essence même, le futurisme apparaît comme un style antilatin et antiitalien, si cet alliage d’impressionnisme, revu et corrigé et de cinématique, peut être assimilé à un symptôme de crise, il marque néanmoins un point de départ. Quelle est la différence entre Gabriele d’Annunzio et Marinetti ? Quand d’Annunzio voit une locomotive, il s'écrie : « Elle est belle comme la Victoire de Samothrace. » Lorsqu’il regarde la Victoire de Samothrace du Louvre, Marinetti s'écrie : « Elle est belle comme une locomotive ! » Qu'est-ce à dire ? Marinetti tenait le même langage que Gabriele d’Annunzio. Il
? Marinetti tenait le même langage que Gabriele d’Annunzio. Il disait les mêmes choses en d’autres termes. Marinetti a cru débarrasser la culture italienne du fatras verbal du symbolisme, et des épithètes rares. Il s'est révélé un rhéteur aussi grandiloquent que Gabriele d'Annunzio. Il a eu, du moins, le mérite d'inculquer aux jeunes générations la foi dans l’avenir. Le futurisme, dont je persiste à nier la valeur intrinsèque : celle d’un grand mouvement d’art, fut une réaction quasi physiologique contre l'esthétisme et l'archéologie qui avaient transformé l’Italie en un terrain de fouilles, en un lieu de pieux pèlerinages ou en
de fouilles, en un lieu de pieux pèlerinages ou en une nécropole. Le futurisme a été un foyer de vie. Il nous vaut peu d'œuvres qui demeureront. La puissance explosive a eu pour résultat d'arracher à leur torpeur des hommes qui subissaient l’histoire en spectateurs passifs, au lieu de la vivre et de la continuer. Mais s’il est italien par son élan vital, par sa furia, par son orientation active et dynamique, le futurisme n'est pas une expression plastique de l’italianité. Il s’écarte de la ligne générale d'un génie humaniste. Art d’un monde à l’état de perpétuel devenir, de la
Art d’un monde à l’état de perpétuel devenir, de la motion, de la mobilité, du secret mécanisme, du mouvement, le futurisme méconnaît ou ignore l’homme, ce « roseau pensant », ce corps actionné par les ressorts de l’âme. Il ignore le repos et l’échange sympathique entre le monde intérieur de l'artiste et le monde extérieur qui est son complément, son prolongement normal. Il procède par réflexes. Il accumule une suite de sensations. Il refuse à l'esprit le droit d’ordonner et de discipliner les données de nos sens. Il agit comme une décharge nerveuse. Il ne crée pas un art à
une décharge nerveuse. Il ne crée pas un art à la mesure et à l'image de l’homme. L’homme, tel qu’il le perçoit, est une infime parcelle de l'univers et un élément parmi les éléments, un jouet de forces obscures, un automate soumis à un rythme et à des lois physiques qui lui sont étrangers. Le futurisme révèle et met à jour le dilemme d'une époque, d'un pays et d'une génération, incapables de trouver un principe d'équilibre, un centre de gravité et un accord entre l’esprit et la forme. Le futurisme est donc à la fois une idée-force de l’art italien
est donc à la fois une idée-force de l’art italien d’aujourd'hui et un malentendu. C’est la « Pittura metafisica » qui marque le retour offensif d'un génie italien identique à lui-même. Cette école dont les deux promoteurs sont Chirico et Carra, a pu être confondue, du moins à ses débuts, avec le futurisme et avec le cubisme. Elle aussi côtoyait l’abstraction. Elle aussi usait et abusait du style géométrique. Son répertoire de formes se composait de mannequins, de plâtres d’après l’antique, d'équerres, de compas et d’instruments d'optique. La vie, telle qu'elle se manifeste à notre conscience et à notre connaissance,
qu'elle se manifeste à notre conscience et à notre connaissance, l’air respirable, l’atmosphère aérienne et la figure humaine qui transmet les sensations de poids, d’effort, de densité, sont bannis impitoyablement des tableaux de Georges de Chirico et de Carlo Carra : intérieurs nus et perspectives austères de places publiques nettoyées par le vide. Mais ces espaces déserts, où règne une lumière froide, ne sont pas des espaces inanimés. Les formes qui les peuplent ont une âme. Ce sont des formes parlantes, des formes humanisées, des humains qui, provisoirement, ont revêtu l’aspect de natures mortes. Modigliani, que l’Italie recueille et reconnaît
l’aspect de natures mortes. Modigliani, que l’Italie recueille et reconnaît comme son fils légitime, a-t-il été un messager fidèle de l'esprit italien ? Il faudra dire un jour comment ce peintre, en proie à « l’inquiétude moderne » et le procès de l’art de l’Ottocento, le XIXe siècle italien, est loin d’être achevé. Il faudra dire un jour ce que fut le dilemme de cet art bourgeois, réaliste et moderne, secouant le joug d’une tradition caduque, mais incapable de trouver sa voie, de s’affirmer très nettement, de relier le présent au passé. Notre intention n’est pas de nier le mérite
au passé. Notre intention n’est pas de nier le mérite des peintres et des sculpteurs qui, au lieu d’exploiter des formules périmées, ont pris part aux mouvements artistiques de l’Europe. La question n’est pas là. L’Italie aurait-elle eu Rousseau, Courbet, Manet, Claude Monet et Seurat, aurait-elle suscité l’impressionnisme et le divisionnisme, en même temps que la France, voire même avant la France, notre manière de voir resterait inchangée. Pourquoi ? Parce qu’un pays qui s’évade de son plan ne peut édifier une véritable culture, alors même qu’il engendre des personnalités puissamment originales. Présenté de la sorte, le problème de l’art
puissamment originales. Présenté de la sorte, le problème de l’art de l’Ottocento ne peut froisser nos amis italiens. Notre position est franche. Nous estimons qu’après l’époque néo-classique celle d’Andrea Appiani et de Francesco Hayez, de Bartolini et d’Antonio Canova, des architectes et des décorateurs qui avaient contribué à édifier la « dernière Europe » et à faire de Rome, une fois again, cette ville sainte de l’art occidental, où affluaient les élèves de David : Français, Belges, Danois, les Germano-Romains et les Anglais, l’art italien succombant à la vague d’un romantisme, teinté de naturisme, a perdu le sens de son
romantisme, teinté de naturisme, a perdu le sens de son message et le sentiment de son identité. Cette constatation ne doit, en aucun cas, nous empêcher d’aimer et de comprendre un Antonio Mancini ou un Lega. La volte-face de l’art italien d’aujourd’hui et son passage d’un état dans un autre, n’ont pas été expliquées, que je sache, d’une manière assez claire. L’art français actuel évolue normalement. Il passe du néo-impressionnisme de Seurat, de Signac et de Cross, au symbolisme des élèves de Gauguin et au fauvisme hérité de van Gogh. Le cubisme forme en France l’aboutissement d’un cycle. Il a
Le cubisme forme en France l’aboutissement d’un cycle. Il a été préparé par Matisse, dont les grands nus de Collioure précèdent les œuvres de Francesco Messina. Enfant. Dans les influences conjuguées de l’art nègre, du cubisme et des arts archaïques, dégage et « décante » sa personnalité en retrouvant les rythmes de Botticelli et l’humble sentiment de la vie des giottesques. L’exemple de Modigliani, peintre martyr, peintre damné, n’a pas été suivi. Mais sa leçon a été écoutée... On a dit beaucoup de lieux communs et de banalités sur l’Italie, mère-patrie du Classique. Tout critique est porté à croire qu'à
mère-patrie du Classique. Tout critique est porté à croire qu'à Rome et à Florence fleurit ou doit fleurir un art, dont l’étroite filiation avec la Renaissance est obligatoire. On oublie d’ajouter que le classique n’est pas un répertoire de formes, mais un état d’esprit. Dans le tableau de l’art italien actuel la tendance qui peut être qualifiée de classique n’occupe une place d'honneur que dans l’exacte mesure où ses représentants allient au culte (nouveau à notre époque) des maîtres du Quattrocento : Masaccio, Paolo Uccello, Piero de la Francesca, au sens du volume sculptural et statique, rebelle à l'action d'une
sens du volume sculptural et statique, rebelle à l'action d'une lumière qui désagrège la forme, l’intelligence de la réalité. L'art italien n’est pas une stérile création de l’esprit. C’est un contact entre l’homme et le monde et une emprise de l'homme sur le milieu naturel qui l’entoure. Les peintres auxquels je pense sont, d'une part, Mario Tozzi, Campigli, Gino Severini qui vivent à Paris depuis de longues années, mais qui n'en gardent pas moins les traits saillants du jeune génie artistique italien, dont ils sont les accoucheurs et les porte-drapeaux et les peintres romains Cerrato Cagli, Capogrossi, Cavalli, Gentilini. Le
et les peintres romains Cerrato Cagli, Capogrossi, Cavalli, Gentilini. Le dénominateur commun de leurs tableaux, divers et multiformes, est ce sentiment de dignité humaine, cette «gravitas» et cette «humanitas» qui distinguent l'art latin dans ses expressions, même les plus réalistes, de l’art septentrional, non certes de celui de Memling, de van Eyck, de Rogier van der Weyden, de Vermeer ou de Pieter de Hooch, mais celui de Teniers, de van Ostade, de Brouwer. Les peintres précités sont des artistes de valeur inégale. Certains restent tributaires de l’histoire de l'art ; d'autres pêchent par un excès de formalisme gratuit et méconnaissent
d'autres pêchent par un excès de formalisme gratuit et méconnaissent les valeurs de peinture, d'autres encore s'hypnotisent sur la fresque, dont ils appliquent les règles aux tableaux de chevalet. Mais dans l’ensemble ils fournissent un effort qui prouve la naissance d’un esprit italien clair, concret, harmonieux, lié au passé et tourné vers l'avenir, traditionnel et neuf. Citer des noms ne sert à rien, Mais puisse le fait de situer les artistes servir à quelque chose! Dans ses paysages et dans ses natures mortes, Arturo Tosi exprime l'amour des choses et la communion avec les fruits de la terre. Sironi est
la communion avec les fruits de la terre. Sironi est un peintre d'expression dramatique, peut-être plus nordique que latin. Pirandello apporte une nouvelle connaissance de la réalité. Il la peint comme James Joyce la décrit. Il confond, volontairement sans doute, le plan de l’art et le plan de la vie. Rosaï peut être assimilé à Frans Masereel et aux peintres populistes. Or il est Florentin. Comme Bonnard fait songer Mafaï, dont l’œuvre respire la fraîcheur, la jeunesse et la joie de vivre. Carèna essaie de se hausser au niveau de Courbet, dont il reprend un à un tous les thèmes
Courbet, dont il reprend un à un tous les thèmes : L'Atelier, les Demoiselles de la Seine... Casorati passe pour un éclectique. Sa culture ne compense pas toujours son indécision dans le choix d’un style. Bien qu’il ne soit encore qu'à ses débuts, Usellini est un charmant petit-maître, un intimiste qui dote d'un caractère magique des thèmes bourgeois qui conviendraient à Léa. Ceracchini, le peintre-paysan, fera en France l’effet d’un émule de Ferdinand Hodler. Une place à part doit être réservée à Filippo de Pisis qui incarne la peinture de l'Italie du Nord, la tradition des petits Vénitiens, le pré-impressionnisme
l'Italie du Nord, la tradition des petits Vénitiens, le pré-impressionnisme de Ricci et de Guardi. On regrettera l'absence d’un des plus fins coloristes italiens : Cesare Monti, dont les fluides paysages sont des tableaux complets qui gardent l’éclat et la grâce des esquisses. Mario Tozzi. La pose. Ceracchini. La colombe. Photo Giacomelli-Carboni Spadini. Tête d’enfant. Rome. Photo Giacomelli-Carboni La place nous fait défaut pour parler de la sculpture italienne. C'est là pourtant que s'affirme cette conscience de l'homme, du corps humain, qui est un signe des temps. En avance sur les peintres, les sculpteurs italiens rejoignent les anciens sans cesser
les peintres, les sculpteurs italiens rejoignent les anciens sans cesser d'être eux-mêmes et sans fuir leur époque. Ils n’imitent pas les maîtres, mais ils retrouvent devant les formes vivantes des jeunes gens : pâtres, gymnastes, miliciens, la même émotion qui étreignait jadis les Grecs et les Romains. Ces sculpteurs sont nombreux. Ils s’appellent Martini, Marino Marini, Messina, Griselli, Spadini, Fazzini. Romano Romanelli, dont le grand groupe en bronze a obtenu un succès éclatant à la Quadriennale, s’est abstenu d'exposer à Paris. Concluons. On a dit et redit que l’art italien de notre temps échappait à la servitude de la peinture
de notre temps échappait à la servitude de la peinture de chambre, qu'il se vouait aux grandes compositions, qu'il s’acheminait vers l’ordre monumental. On n'a pas dit assez à quelles causes on devait attribuer sa récente conversion à l’humain. On n'a pas dit pourquoi l'homme du fascisme, l'homme qui secoue le joug de la fatalité, qui croit au libre arbitre, à la faculté d’autodisposition, à sa mission sacrée, peut se soumettre à la loi du groupe, sans aliéner sa personnalité, sans se dissoudre dans la masse anonyme, sans devenir une machine, un pion sur l'échiquier, « un producteur et un
machine, un pion sur l'échiquier, « un producteur et un consommateur ». LIVRES, TABLEAUX, CURIOSITÉS LES AMATEURS DE LIVRES PAR LÉO LARGUIER | Ils ne se ressemblent pas tous. Le classique bonhomme qui traînait dix volumes dans les poches de sa houppelande et qu’on ne voyait que le long des quais n’existe sans doute plus. Le dernier a dû mourir du côté de la rue Mazarine ou de la rue Jacob, j'en ai connu un. Il avait l’air d’un chanoine sale. Je lui fis quelques visites, et la porte de son grenier, écaillée, fendue, sous d’antiques badigeons, avait l’air elle-même
son grenier, écaillée, fendue, sous d’antiques badigeons, avait l’air elle-même d’une énorme reliure de bouquin. A cause de l’entassement de volumes, on eût dit que les murs de la minuscule entrée allaient s’écrouler sur vous. Des in-folio poudreux aux petits in-douze, tous les formats se mêlaient dans un sublime désordre, et, dans les coins où il était impossible de fouiller, certains tomes étaient couverts de poussière et de toiles d’araignées, comme de très vieilles bouteilles oubliées dans une cave. Il faisait sa popote dans une petite cuisine où l’on ne voyait ni casseroles, ni marmites, ni plats, mais des bouquins,
voyait ni casseroles, ni marmites, ni plats, mais des bouquins, et des brochures. Il couchait sur un divan trop court dont les draps traînaient sur le parquet ; cela sentait là-dedans le lit fané, la pipe, le parapluie, la paperasse et le chien mouillé. Celui-là appartenait à l’espèce des bibliomanes qu’on ne doit pas confondre avec les bibliophiles. Si vous consultez le Petit Larousse, il vous dira sommairement : « Bibliomane : n. m. (grec biblion, livre et mania, folie), qui a la manie des livres. » « Bibliophile : n. m. (grec biblion, livre, et philos, ami), amateur éclairé
n. m. (grec biblion, livre, et philos, ami), amateur éclairé des livres. » Le Petit Larousse ne saurait manquer de respect à l’usage. L'amateur est, pour lui, éclairé, mais ses définitions ne me satisfont pas complètement. Elles ont besoin de commentaires. Le bibliophile aime les livres à sa façon et il n’aime pas tous les livres. Celui-ci n’admet que les Romantiques sur ses rayons, et celui-là ne fait cas que des illustrés du XVIIIe siècle. Tel se croirait déshonoré si ses éditions modernes sur grand papier étaient coupées et reliées. Il ne tolère que des ouvrages brochés dans des cartonnages
Il ne tolère que des ouvrages brochés dans des cartonnages et des boîtes. Cet autre ne s’attache qu’à certains auteurs et il ne cherche que Baudelaire, par exemple, ou Gérard de Nerval, ou les éditions de Manon Lescaut, des Liaisons dangereuses, de Paul et Virginie. Le bibliophile n’a pas un amour généreux. Il me fait penser à l’ami des chats qui déteste les chiens. C’est un spécialiste, et c’est aussi quelquefois un spéculateur. Amateurs de livres et amateurs de curiosités se ressemblent. Mêmes erreurs et mêmes enthousiasmes. Pour moi, le vrai collectionneur n’agit point, comme fit, par exemple, M. de
vrai collectionneur n’agit point, comme fit, par exemple, M. de Goncourt. Il manquait de curiosité et suivait une règle qu’il ne transgressa jamais. Seul, le XVIIIe siècle l’occupait, et encore ne voulait-il que les dessins, gouaches, sanguines et gravures de cette époque. Les curieux de grande classe sont autrement tyrannisés par leur passion. Songez à ce que M. du Sommerard a entassé dans l’hôtel de Cluny, allez voir au Louvre la collection de Sauvageot qui ne gagna jamais plus de deux cent cinquante francs par mois, et de là, passez dans la salle I où l’on ne conserve que la
dans la salle I où l’on ne conserve que la moitié des tableaux légués par M. Lacaze ! Ceux-là sont les grands Seigneurs, les Magnifiques, les Médicis de la trouvaille, et, à côté d’eux, Goncourt fait figure de petit bibeloteur cantonné dans une époque dont il ne sort pas. Cet homme de goût et qui aimait la peinture eût pu avoir pour rien les plus beaux Delacroix, des Daumiers, des Corots, des Goyas, des Manets, mais il ne fut pas tenté. Capable de folies pour un dessin de Watteau ou de Fragonard, il n’eût jamais acheté une toile de leur
de Fragonard, il n’eût jamais acheté une toile de leur divine main. Manie d’amateur spécialisé. Celui qui adore les porcelaines et les pâtes tendres, tient le collectionneur de faïences pour un esprit grossier. L’homme qui ne recherche que les almanachs charmants et légers du XVIIIe n’est pas loin de penser que l’on est un barbare gothique si l’on chérit les incunables. Le livre a ses Goncourts et il a aussi ses Sauvageots et ses Lacazes. Les premiers sont des bibliophiles, les autres des bibliomanes, et je préfère ces derniers qu’on peut ranger dans la catégorie de ceux que Burty appela
peut ranger dans la catégorie de ceux que Burty appela les amateurs de petites ressources et dont il composa l’éloge : « Un être tenace, discret, prudent, sagace, inconscient du service qu’il rend à son pays et au goût... Celui qu’alimentent, seuls, les petits marchands et les petites ventes... Vous le rencontrez, vous lui demandez ce qu’il a sous le bras dans un vieux journal... Il rougit... Dix ans après, vous n’aurez pas pour mille francs ce qu’il vient d’acheter cent sous... Désirer quand on n’a plus envie et acheter tout le temps, voilà ce qui distingue l’amateur des autres.
tout le temps, voilà ce qui distingue l’amateur des autres. » Le portrait est parfait. C’est le bibliomane qui a tout déniché, tout sauvé. Les banquiers bibliophiles et les bibliothèques d’Etat s'enorgueillissent de posséder les pièces qu’il trouva pour quelques sous. Il a eu envie de tous les livres, des plus éminents aux plus humbles. D'autres ont aimé les femmes, le vin, les tableaux, les honneurs, lui n’a chéri que le papier imprimé, le vélin et le cuir plus doux à sa main fine et souvent sale que la peau parfumée de la plus belle épaule. Le dos creux et
parfumée de la plus belle épaule. Le dos creux et satiné de la plus jolie fille n’exista point à ses yeux, à côté du dos glacé d’or éteint d’une reliure. Tout s'est entassé chez lui, le bon, le pire, et dans ce tas, il y eut des trésors, et il le savait. Un ami me parlait d’un bonhomme qu’il avait aperçu seulement chez les plus modestes bouquinistes. Il était rugueux et distant. Tout client était un ennemi et on ne savait pas grand-chose de lui. Il vivait dans une villa de la banlieue parisienne où il rapportait chaque soir un
de la banlieue parisienne où il rapportait chaque soir un ou deux paquets de livres. Lorsqu'il mourut, ses héritiers trouvèrent tous les paquets intacts. Il n’en avait pas coupé les ficelles. La chasse le passionnait et il remettait les pièces abattues, se réservant sans doute de les classer un jour!... Le bibliophile, et depuis 1920, cela arrive souvent, peut ne collectionner que des livres modernes; le bibliomane ne s’attache qu’aux vieux ouvrages. Pour lui, l’imprimerie commence à Gutenberg et finit vers 1865... L’ART DU MONDE PAR MADELEINE LE CHEVREL Lady Clerk Mme de Gardenas A / IGRE mois d’avant-printemps :
Clerk Mme de Gardenas A / IGRE mois d’avant-printemps : giboulées, gel, neige et soleil alternés. Premiers beaux jours, trop beaux pour les villes, où l’on ne sait qu’en faire, où c’est presque du bonheur perdu. Mondainement parlant, mois un peu creux, que les sports d'hiver (on n’ose plus dire le Midi) se disputent. Le Tyrol, Kitzbühel en tête, nous ont volé les meilleures vedettes de la vie parisienne. Les voilà revenues, dorées, brunies, pain d’épice « éclaire blonde »— les couleurs à la mode chez le couturier Patou — mais revenues en passant, car cette fois c’est le Midi
mais revenues en passant, car cette fois c’est le Midi qui va les tenter, ces belles jeunes femmes qui ne tiennent plus en place. À peine le costume de ski ôté, elles déclarent qu’elles vont faire un tour à Cannes, en Italie, au Portugal. (On aime beaucoup cette année le Portugal où la charmante comtesse de Breteuil a pris une demeure.) Ou bien qu’elles vont se reposer à Tamaris, où Mme Bourdet aime passer le printemps dans sa Maison Blanche dominant, parmi les pins des jardins penchés, toute la rade de Toulon, les montagnes roses et grises, un des plus
de Toulon, les montagnes roses et grises, un des plus divins paysages du monde. Hélas !... oublions un instant ces heureuses et revenons à notre mois parisien. Quelques brillantes réceptions, dont le plus grand nombre un peu officielles, eurent un réel cachet d’élégance. Au ministère de la Marine, Mme Piétri, belle et affable, recevait dans les salons éblouissants d’or et de tapisseries où Marie-Antoinette passa (on montre sa chambre et le lit de la reine, au-dessus duquel une grande tapisserie reproduit son portrait fameux, par Mme Vigée-Lebrun). Réception aux Affaires étrangères, où Mme Laval est si bien secondée par sa
étrangères, où Mme Laval est si bien secondée par sa fille Mlle José Laval, dont le rayonnement, le tact, la fine intelligence composent une personnalité de tout premier plan. A l'ambassade d’Angleterre, plusieurs « 5 à 7 » très suivis par le monde politique, diplomatique, artistique et le monde-monde tout court. Lady Clerk est une grande amie des arts et sait se faire aimer et admirer de toute l’élite intellectuelle. Lorsque ses nombreuses occupations officielles le lui permettent, elle reste parfois chez elle, avant le dîner, et reçoit quelques privilégiés dans son studio au dernier étage de l’hôtel de l'ambassade.