jeanflop/post-ocr-correction huggingface dataset:
grandes glaces montantes sont serties de pierre blanche ainsi qu'il convient en un pavillon de style XVIIIe siècle. Toute la manière architecturale de l'Ile-de-France, où les choses majestueuses sont du XVIIIe et les jolies du XVIIIe siècle encourage à choisir pour un pavillon de fête à édifier, une variation sur le Louis XV ou le Louis XVI, et la pierre blanche est du plus joli effet parmi les arbres. Si le pavillon-restaurant doit se compléter d'une ferme et d'une laiterie, il est évident que la comparaison avec Trianon s'imposera. Il s'agirait de lutter dignement avec ce modèle parfait, sans l'imiter.
s'agirait de lutter dignement avec ce modèle parfait, sans l'imiter. L'architecte a construit parmi les pelouses un pavillon pavillon quatre terrasses, avec des rampes fleuries et légères. Il a voulu ménager une très longue salle, claire, où toute toilette fût visible. Une rotonde centrale lui permet d'étaler en pleine lumière la nature-morte des desserts. Il y peut également placer les musiciens. Un escalier simple et d'une souple envolée dont la rampe en sa jolie ferronnerie emporte en son mouvement des ornements de cuivre, mène à une rotonde où aboutissent de petits salons. On peut, du haut de cette rotonde, tout
petits salons. On peut, du haut de cette rotonde, tout en dinant, apercevoir la salle commune et sa joyeuse animation. On peut s'en écarter et se transporter sur les terrasses et s'abstraire du décor en regardant les cimes des arbres, alterner de la vision de ce cabaret élégant avec la vision sylvestre. Au détail, la grande salle très claire, très blanche, est ornée à la coupole de sa rotonde de motifs XVIIIe siècle, exécutés par M. Kulskowski ; c'est en saillie légère sur les fonds, d'un relief volontairement menu, évoquant plutôt la fresque que le bas-relief. L'Olympe du XVIIIe siècle
plutôt la fresque que le bas-relief. L'Olympe du XVIIIe siècle et ses fraîcheurs, ses Amphitrites et ses Vénus étirent leurs écharpes parmi l'empressement des Néréides, des Tritons, et des Amours. Cette grande salle aboutit à deux salons de styles différents. L'un, le salon de thé, reste fidèle à la norme du XVIIIe siècle. Ses rideaux de cretonne coloriée lui prêtent un rien d'aspect rustique très sobrement indiqué. La grande paroi est coupée de hautes colonnes de marbre jaune, jaune clair dont le poli évoque de jolies transparences et qui entourent de grandes glaces : ces glaces imitent un revêtement en
de grandes glaces : ces glaces imitent un revêtement en céramique par la disposition de leurs panneaux, poinçonnés et quadrillés d'ornements de cuivre, très légers. Mais ce fond de glaces a sur le revêtement céramique l'avantage de faire collaborer la nature et le décor à la décoration et de refléter le jeu tranquille et les mouvements d'éventail, sous la brise, des frondaisons qui entourent à demi ce salon de thé. A l'autre bout de la grande salle, l'architecte a disposé, d'un goût plus récent, un grill-room, style Empire ; les boiseries jaunes s'y égaient des cuivrages, des palmettes, des guirlandes
boiseries jaunes s'y égaient des cuivrages, des palmettes, des guirlandes de l'époque impériale, et ces boiseries viennent aboutir à une série de fresques de marbre, de bas-reliefs formant une frise complète autour de la pièce, et qui, le soir, échauffent les feux électriques. Le goût de Caran d'Ache et du sculpteur Badin a réalisé là un mélange d'antique et de moderne, de style Empire et de verve d'aujourd'hui qu'avait voulu l'architecte. Cette décoration est bouffonne avec réserve, gaie sans éclat de rire, très parodique en même temps. Elle convient à un lieu de réunion d'hommes de sport. Elle résume le
un lieu de réunion d'hommes de sport. Elle résume le Bois avec fantaisie. Des mosaïques ou des fresques peintes représentant les courses, le retour de la revue, eussent étonné par la vivacité nécessaire des couleurs dans cet ensemble architectural dont la loi est une variation sur les anciens styles élégants. Le marbre ici a permis de tout dire sans emphase, de juxtaposer à des courses jockeys, un satyre du Bois de Boulogne couleur d'innocence, de faire revenir de la revue des héros antiques qui marchent au pas des tambours réels, d'évoquer dans la tranquille nudité de l'art, les mouvements des
d'évoquer dans la tranquille nudité de l'art, les mouvements des tziganes emportés sur leur violon vers la force du rythme, courbés par le démon de la musique, vers tous les coeurs; comme aussi de figurer les danses Parisiennes, qui pourraient être de Tanagra. C'est ici le point le plus concret, et le plus accusé d'une méthode d'ornementation qui, le plus généralement, recherche simplement l'aspect de fête, en suspendant plus ou moins le linteau des grandes baies des guirlandes ajourées, en plaçant aux parties opaques des parois, des médaillons entourés de grosses fleurs monochromes. L'esthétique courante aurait doré ces guirlandes hardiment
grosses fleurs monochromes. L'esthétique courante aurait doré ces guirlandes hardiment suspendues et ces contours de médaillons; la monochromie leur donne une plus grande légèreté. La ferme et la laiterie sont blanches et vertes, un peu ferme normande, un peu opéra-comique à dessein ; l'ornementation florale y est commandée d'accord avec une frise céramique discontinue, qui met sous l'appui des fenêtres le bouquet de ses couleurs, en contraste avec le revêtement blanc des pavillons intérieurs. Ce second bâtiment concourt ainsi à l'air de fête qu'a voulu réaliser M. Tronchet, pour ce pavillon d'élégance. On n'est pas loin de l'Opéra et de
pavillon d'élégance. On n'est pas loin de l'Opéra et de ses ballets. Par une imitation de la nature assez libre, dans un décor qui a des coins de square et des coins de forêt et surtout des grandes avenues de promenade, arrive aux joliesses classiques du parc de Saint-Cloud. Tout le paysage est singulièrement traditionnel. Cela suffisait pour pousser l'architecte vers le goût XVIIIe siècle; et il n'a point oublié qu'une part essentielle de sa décoration, ce seraient les fleurs dont il a ourlé les rebords de ses terrasses, et les lumières. Ses fonds blancs sont le plus puissant réflecteur
les lumières. Ses fonds blancs sont le plus puissant réflecteur pour les feux qui doivent faire de son pavillon, parmi les beaux soirs, comme une grande lanterne vénitienne, jetant sur l'ombre des pelouses autant de claire lumière dorée, que le jour, sa grande salle en reçoit par toutes ses baies ouvertes, pour le plus bel éclat des étoffes légères, des chapeaux fleuris et des points lumineux que l'or et les diamants allument parmi la toilette des belles personnes. Et ainsi dans d'harmonieuses proportions, M. Tronchet a réalisé le bâtiment coquet, élégant, de grâce nécessairement un peu mièvre, la très jolie
élégant, de grâce nécessairement un peu mièvre, la très jolie futilité à base logique que doit être un pavillon-restaurant parmi les ombrages légers du Bois de Boulogne, une petite synthèse en pierres et en lumières de la vie de Paris. GUSTAVE KAHN. LA FERME ET LA LAITERIE CL Ch. Eerieis Musée d'Aix. SALLE BASILE Tableau par GRANET. L'Exposition d'Art provençal à Marseille UNE manifestation telle que l'Exposition Coloniale de Marseille se présentait avec un caractère de décentralisation si marqué que l'idée d'y réserver une place à une Exposition d'Art provençal ne pouvait manquer de séduire l'homme de goût qu'est le
ne pouvait manquer de séduire l'homme de goût qu'est le commissaire général, M. J. Charles-Roux. Il l'accueillit de suite avec faveur et, grâce à son concours, grâce à celui du Conseil général des Bouches-du-Rhône, de la ville de Marseille, d'une commission présidée par M. Milhau, adjoint au maire de Marseille, et de M. Philippe Auquier, conservateur du musée de Longchamp et promoteur de l'idée, treize cents œuvres choisies parmi les branches les plus diverses de l'activité artistique, ont été réunies dans une vaste salle du Grand Palais. La peinture, l'aquarelle, le pastel, le dessin, la sculpture, la faïence, l'ameublement, la
le pastel, le dessin, la sculpture, la faïence, l'ameublement, la ferronnerie, les médailles, la sigillographie, etc., y sont représentés par des spécimens presque tous fournis par des collections particulières. Il y a donc là une occasion unique de les admirer groupées et l'on doit les plus vifs remerciements aux amateurs qui ont bien voulu s'en priver pendant la durée de l'Exposition. J'ajoute que la présentation chronologique des œuvres montre avec la plus grande clarté l'évolution de l'art en Provence, et que l'impression d'ensemble que l'on en ressent en fait admirablement saisir toute la portée. Particulièrement du XVIe siècle jusqu'à nos
saisir toute la portée. Particulièrement du XVIe siècle jusqu'à nos jours, on peut suivre pas à pas le progrès du mouvement artistique dans cette région féconde qui va d'Avignon jusqu'à Nice. La première salle est consacrée aux œuvres des XVIIe et XVIIe siècles, mais ici les organisateurs qui espéraient le concours des églises, ont eu des mécomptes et les documents capitaux sont rares. De très belles enluminures s'y voient cependant auprès des spécimens curieux de la sculpture du moyen âge et les amateurs y retrouvent des peintures qui tenaient leur rang en 1904 au L'ART ET LES ARTISTES Coll. Albert
rang en 1904 au L'ART ET LES ARTISTES Coll. Albert Aicard. GLACIÈRES FAÏENCE, MARSEILLE XVIIe SIÈCLE Louvre, à l'Exposition des Primitifs Français, tels que ce Calvaire de la collection Arbaud et l'Adoration des Mages de la collection Guillibert, deux œuvres significatives. Le Brugeois Tinsonius et le Bruxellois Daret qui, tous deux, se fixèrent à Aix et y acquirent une réputation justifiée se révèlent aussi, l'un avec Une Résurrection de Lazare, empruntée à l'église d'un village des environs de Marseille, Château-Gombert, et deux curieux portraits ; l'autre avec trois œuvres assez dissemblables et qui, parce qu'elles ne donnent pas une idée
dissemblables et qui, parce qu'elles ne donnent pas une idée très nette de la manière de leur auteur, provoqueront d'intéressantes discussions. Ces maîtres et Pierre Puget, auprès duquel sont groupés encore des portraitistes d'Aix remarquables, tels Laurent Fouchier et Collony et des artistes marseillais de grand mérite, tels Michel Serre et Ephrem Le nous éclairent sur l'évolution de la peinture provençale au grand siècle. Une Sainte Famille, de l'auteur du Milon, exécutée par l'illustre artisan, quelques années avant qu'il se soit affirmé sculpteur avec ses magistrales Cariatides, et de très précieux dessins d'architecture qu'il avait faits plus tard, alors qu'il
précieux dessins d'architecture qu'il avait faits plus tard, alors qu'il était maître sculpteur à l'arsenal de Toulon, justifient complètement cette triple qualité qu'il se réclamait volontiers en signant ses grands ouvrages: peintre, sculpteur, architecte. De son temps déjà on connaissait Puget, le Michel-Ange français. La salle du Musée de Longchamp réservée depuis peu à son œuvre témoignait déjà de sa fécondité et de la variété de son génie. Celle du XVIIe siècle de l'Exposition d'Art provençal en est comme l'annexe et les curieux d'art y passeront de bonnes heures. Mais là où les amateurs, où les chercheurs auprès du rare
là où les amateurs, où les chercheurs auprès du rare et du nouveau auront plus de plaisir encore, c'est dans la salle suivante où, formant cortège à Fragonard, aux Van Loo, à Joseph Vernet, à Duplessis et à Joseph Boze, une cohorte particulièrement brillante de petits maîtres, pour la plupart complètement inconnus, se presse et s'ingénie à séduire le visiteur. Bernard, qui fut peintre et pastelliste et que représentent ici des portraits de grande allure, Françoise Duparc, une talentueuse Marseillaise, qui fit un long séjour en Angleterre et dont on ne connaît en France que quatre portraits, Fenouil, qui fut
ne connaît en France que quatre portraits, Fenouil, qui fut agréé à l'Académie de peinture, mais dont on ne retrouve nulle part les œuvres ; Bara, ce pastelliste fort habile, Jean-Baptiste Renaud, un peintre qu'on suppose né aux Martigues, mais sur lequel on n'a aucune autre donnée et qui pourtant fournit ici des preuves du plus grand savoir, Michel Ollivier, autre Provençal dont le Musée de Versailles possède deux peintures, mais que tout le monde ignorait dans sa ville natale et l’Arlésien Réattu, et le Marseillais Rozet et le Dracénois Antoine Roux et le Toulonnais Baralier, autant d’excellents artistes dont
Antoine Roux et le Toulonnais Baralier, autant d’excellents artistes dont le nom était connu des seuls initiés, alors qu’il devrait être inscrit en lettres d’or dans les annales de la Provence et que voilà tout à coup sortis de l’ombre ou plus d’un siècle d’oubli les avait plongés. A ces noms qu’il faut retenir, d’autres sont encore à joindre, ceux de Revelly, de Raspal, de Tassy, de Moulineux, de Mille, de Baugean, de David, de Constantin. La mise en lumière des œuvres de ces oubliés donne une saveur toute particulière à l’Exposition d’Art provençal et l’on peut dire que les
à l’Exposition d’Art provençal et l’on peut dire que les organisateurs en comprenant ainsi leur rôle, ont fait œuvre doublement heureuse, puisqu’ils ont à la fois servi l’art et la décentralisation. Granet occupe dans l’art français du XIXe siècle une des premières places. On sait que retiré dans sa vieillesse à Aix où il était né, il légua à sa vieille capitale provençale toutes les œuvres restées dans son atelier et sa collection personnelle. La contribution du Musée d’Aix a permis de le représenter comme il convenait à l’Art provençal. Près de lui, s’épanouit dans toute sa puissance cette gerbe
Près de lui, s’épanouit dans toute sa puissance cette gerbe de bons artistes que l’école de 1860 allait devoir à Marseille. Une quinzaine de portraits de Gustave Ricard, choisis entre les meilleurs, nous disent ici les nobles aspirations de ce maître qui longtemps ne fut apprécié que d’une élite, mais dont la réputation sera bientôt reconnue. Autant de paysages et de natures mortes, nous initient aux brillantes qualités de ce coloriste merveilleux, encore si mal connu; que fut Monticelli. Enfin, avec ces fins de jour, où le mariniste Auguste Asquier met tant d’émotion pénétrante qu’il en évoque Claude Lorrain lui-même,
met tant d’émotion pénétrante qu’il en évoque Claude Lorrain lui-même, avec ces paysages si délicats et d’une lumière si fraîche qu’on les dirait d’argent, par lesquels Paul Guignon accuse son originalité, avec ces vues de collines toutes rougies du chaud soleil du Midi qui caractérisent la manière de Prosper Gresy, avec ces lisières de bois si vigoureuses que le peintre Fabius Brest sut tirer de sa palette, le travail d’une magnifique époque se déroule à nos yeux. Loubon, François Simon, Engalière, Tournemine, Imer, tous nés en Provence, se partagent avec leurs contemporains l’estime des plus exigeants. On a groupé là
leurs contemporains l’estime des plus exigeants. On a groupé là leurs productions les plus significatives et celles-ci apportent à l'école française une contribution dont on est en Provence légitimement fier. On le voit, la manifestation à laquelle M. Jules Charles-Roux a si libéralement donné son concours vaudrait déjà qu’on s’y arrête. On l’a voulue plus captivante encore et ce ne sera pas son moindre charme d’avoir su conserver leur place à côté de la peinture et de la sculpture, à toutes les manifestations d’art décoratif qui ont eu dans la région quelque valeur. Plus de quatre cents pièces de faïences
région quelque valeur. Plus de quatre cents pièces de faïences de Moustiers, de Saint-Jean-du-Désert et de Marseille y disent, depuis ses débuts jusqu’à son déclin, l’histoire de cette industrie artistique, qui fut un moment florissante et pouvait lutter avec les centres de fabrication les plus réputés. Il y a là une réunion unique d’œuvres exceptionnellement belles et dans un état de conservation parfait. Le meuble de Digne et d’Arles, y compte aussi des spécimens de la plus rare beauté, et il n’y a pas jusqu’à la ferronnerie, cultivée à Avignon par de très adroits praticiens, qui n’apporte ici son contingent
par de très adroits praticiens, qui n’apporte ici son contingent de belles choses. Une dernière salle est consacrée aux œuvres des artistes provençaux vivants. Il s’y rencontre aussi nombre de bons ouvrages. En somme, cette manifestation artistique habilement conçue, a été très heureusement menée à bien pour la plus grande joie des fervents du Beau sous toutes ses formes : elle marque une date glorieuse dans l’histoire de la Provence. HENRI MALO. Coll. de M. Louis Grobet. IMPOSTE FER FORGÉ XVIIIe SIÈCLE Coll. de M. Marins Bernard ARMOIRE D’ARLES XVIIIe SIÈCLE CROQUIS DE JULES CHÉRET POUR UN MENU CHEZ LES
SIÈCLE CROQUIS DE JULES CHÉRET POUR UN MENU CHEZ LES ARTISTES Comment travaillent nos Peintres I. Les Décorateurs. — Chéret. GRAND, svelte, large d’épaules, construit en élégance et en force, le visage aux traits réguliers fins, un teint coloré, la physionomie gardant, comme le corps, un air de jeunesse, malgré l’épaisse moustache blanche un peu tombante et les cheveux lisses et blancs également, descendant avec une mèche sur le front Jules Chéret semble tenir à la fois du grand seigneur et de l’ouvrier d’art. Du patricien, il a la belle prestance ; de l’ouvrier, la franchise saine, l’absence totale d’affectation
prestance ; de l’ouvrier, la franchise saine, l’absence totale d’affectation et la simplicité de la mise. On retrouve chez l’homme la santé et l’équilibre de son œuvre. Dans l’atelier de la rue Bayen, assez vaste, point de bibelots, point de tapis, ni de meubles curieux, quelques chaises et des escabeaux de bois, des toiles, des chevalets, des boîtes de pastels, des moulages, des coquillages, des vitrines contenant des collections de papillons ; aux murs, une panoplie de fleurets faisant face à une sanguine de Watteau. A côté de l’atelier, une pièce assez étroite, contenant seulement une armoire remplie de costumes
pièce assez étroite, contenant seulement une armoire remplie de costumes et d’accessoires ainsi que quelques plâtres. C’est la maison d’un travailleur et d’un homme qui doit avoir l’horreur du snobisme. Chéret, qui passe environ cinq mois à Nice, quatre mois en Bretagne et trois mois à Paris, vit dans une perpétuelle harmonie de belles formes et de belles couleurs dont il meuble sa mémoire. Des matinées radieuses et des soleils couchants sur la baie des Anges ou sur la grève bretonne, il retient toute la gamme enchanteresse ; sa préférence va plutôt d'ailleurs à la Bretagne parce qu'il y trouve
va plutôt d'ailleurs à la Bretagne parce qu'il y trouve des tons plus fins, des effets plus estompés. À la campagne, Chéret ne fait pas de pochades d'après nature, tout au plus trace-t-il parfois, sur un petit carnet, quelques croquis de sites ou de monuments, de même qu'à l'Opéra, souvent on peut le voir noter sommairement d'une loge des mouvements de danseuses. Lorsqu'il est rentré à l'atelier, Chéret prend souvent des modèles recrutés de préférence dans le corps de ballet, et fait, à titre d'étude et sans but bien défini, de nombreux croquis, plus poussés, exécutés en vingt minutes environ
de nombreux croquis, plus poussés, exécutés en vingt minutes environ : c'est par plusieurs centaines qu'il entasse dans ses cartons ces exquis dessins sur papier teinté et rehaussés de craie, ces sanguines d'une liberté charmante, où, comme chez Watteau, son aïeul direct, la nature est si consciencieusement observée derrière une fantaisie endiablée. L'ART ET LES ARTISTES Mais ce qui nous intéresse surtout en Chéret, c'est le décorateur et l'affichiste. Quelle est donc sa méthode de travail pour réaliser une décoration? Tout d'abord, il commence son esquisse d'imagination, se laissant aller librement à son improvisation et fixe l'arabesque et le sens
librement à son improvisation et fixe l'arabesque et le sens général de sa composition par quelques traits au fusain, sur un papier blanc, très sobrement. Ensuite seulement, il utilise généralement le modèle qu'il fait costumer, et exécute d'après lui des croquis sur papier teinte, dans le mouvement des figures de sa composition, en tenant toujours compte du point de vue décoratif, sans copier servilement la nature et sans jamais se servir du mannequin ; au besoin, il fera poser un mouvement très contourné en plusieurs fois. C'est alors qu'en possession de tous ces éléments, il reporte, sans la mettre aux
de tous ces éléments, il reporte, sans la mettre aux carreaux, son esquisse sur la toile, rectifie, d'après ses croquis, chacune des figures, et cherche la couleur uniquement d'inspiration, sans regarder jamais un modèle pour la recherche des tons, et en se préoccupant seulement de l'harmonie générale et de l'effet décoratif. La peinture décorative doit être en effet le complément de l'architecture, et c'est en partant de ce principe que Chéret a, le premier, introduit un art accessible à tous dans nos rues où ses affiches d'une touche si charmante semblent apporter comme un joyeux défi à notre soi-disant pessimisme
semblent apporter comme un joyeux défi à notre soi-disant pessimisme contemporain. ÉTUDE DE JULES CHERET Le caractère. — Raffaelli « Il faut vivre ses tableaux ». Le mot est de Raffaelli et son œuvre tout entière peut être résumée là-dedans. Avec Chéret, tout à l'heure, c'était l'improvisation, le caprice, la fantaisie. Avec Raffaelli, c'est l'observation, sous toutes ses formes — subtile, aiguë, ironique ; c'est l'attention naïve et concentrée devant la nature, sans souci des formules et sans réminiscence des œuvres consacrées. Aussi bien, Raffaelli, qui est avant tout un homme de son siècle, ne craint point d'employer tous les
homme de son siècle, ne craint point d'employer tous les procédés modernes et pratiques qui sont à sa disposition. Comme Daubigny qui, pour peindre l'eau au milieu de la rivière, avait coutume de travailler dans une péniche, Raffaelli, qui déteste être dérangé par les curieux, peint presque toujours en voiture, dans son break à six places. En l'arrangeant avec de grandes vitres et des rideaux, il a fait de ce véhicule un véritable atelier ambulant, ce qui lui permet de s'installer, pendant les mois d'été, en pantoufles et en manches de chemise, au cœur même de Paris, sur la place
de chemise, au cœur même de Paris, sur la place de la Concorde ou au milieu des grands boulevards. Même en voyage, quand il ne peut peindre d'une fenêtre d'hôtel, Raffaelli conserve cette habitude. Un jour, à Pittsburgh, un amateur lui demande de faire un tableau dans son parc ; il va chez un loueur et lui dit de lui envoyer sa plus grande voiture ; le lendemain matin, Raffaelli trouve à sa porte un landau à quatre places, doublé de satin cerise, attelé de deux chevaux blancs et avec deux nègres en grand costume sur le siège. Raffaelli travaille
deux nègres en grand costume sur le siège. Raffaelli travaille trois heures par jour, mais ces trois heures représentent une somme d'efforts considérable, une tension d'observation inouïe; après la séance, il est généralement accablé de fatigue. Jamais, au reste, il ne retouche à l'atelier ce qu'il a fait, selon sa propre expression, « inconsciemment devant la nature ». Esprit essentiellement intelligent et cultivé, il a un besoin absolu de variété ; c'est surtout en effet dans le changement des occupations qu'il trouve son repos. Dans son atelier-salon, meublé avec tant de goût et où la vue sur les jardins du
de goût et où la vue sur les jardins du Trocadéro est pour lui une perpétuelle source de joie, on peut voir, de Raffaelli, des statuettes de tout premier ordre, à côté de ses tableaux exécutés tantôt à l'huile, tantôt avec les couleurs qui portent son nom et dont il est l'inventeur. Ses eaux-fortes en couleur sont trop connues pour qu'il soit utile d'en parler. Elles sont faites, comme ses tableaux, en pleine rue, et plus d'une fois, on a pu voir partir Raffaelli dans son break avec trois planches de cuivre. En peinture, comme en gravure, sa technique varie