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choisi, en dernier ressort, de vêtir, carrément, les innocents fétiches. MON SIÈGE EST FAIT ! Le célèbre éditeur des romantiques s'appelait Poulet-Malassis; c’est le nom que pourraient prendre tous les spectateurs de nos théâtres français. Bien avant qu'Antoine ne dénonçât la crise de l'art dramatique, on avait critiqué les conditions de confort dans les salles de spectacle, et particulièrement l’incommodité des fauteuils rembourrés de noyaux de pêche. Quand on doit passer trois heures dans cet instrument de torture médiéval, on y regarde à deux fois ; cela équivaut à demeurer trois heures durant assis sur le plan en relief des
trois heures durant assis sur le plan en relief des Alpes. On songe alors qu’en Angleterre, en Allemagne ou en Italie, les amateurs de spectacles ont à leur disposition des sièges larges, confortables, élastiques et moelleux. L’ouvreuse qui louerait des « ronds de cuir » ferait des affaires d’or. De subtils essayistes prétendent que ce supplice a pour résultat de maintenir en éveil l’attention du spectateur ! Quelle erreur ! Durant toute la soirée, le malheureux ne songe qu'à chercher pour son « assiette » une position moins pénible sur le ravinement du coussin. En sortant, il jure que l’on
le ravinement du coussin. En sortant, il jure que l’on ne l'y reprendra plus. Que de scènes de ménages au retour ! Car Madame se plaint également et essaie de rejeter les responsabilités de cette soirée manquée sur son époux. Un sauveur s’est présenté, Dunlop qui avait déjà rendu les routes de France lisses comme des billards et qui se devait d'étendre sa sollicitude au théâtre ; il a donc créé le dunlopillo, le coussin idéal, perméable à l’air, imperméable à la poussière et aux parasites ; plus de ces crins qui percent le capiton d'abord, puis l’étoffe des robes
crins qui percent le capiton d'abord, puis l’étoffe des robes et vous grattent enfin si désagréablement. Plus de ces clous qui dépassent et accrochent les étoffes ! Le « Dunlopillo » procure une sensation de fraîcheur délicieuse, de souplesse sans égale. Ajoutons qu'il est pratiquement inusable et peut durer plus longtemps que la plus longue direction ; enfin il ne risque pas de se déformer ; grâce à lui une salle garde l'aspect de neuf qu’elle avait lors de son inauguration. A l’étranger, les directeurs ont aussitôt compris les avantages que présentait un fauteuil si ingénieusement conçu ; ils l'ont
que présentait un fauteuil si ingénieusement conçu ; ils l'ont adopté, si bien que la plupart des grandes salles d’Allemagne et d'Angleterre en sont munies. Le dernier en date est le Grand Théâtre de Shakespeare. Pourquoi la France est-elle en retard sur ses voisins ? Parce que chez nous, on attend toujours que le public impose sa volonté ; lorsqu’il sera sûr d'avoir ses aises dans certaines salles, il se hâtera d'y retourner. La meilleure réclame pour un établissement de plaisir n’est-elle pas : « Ici, on est bien assis.» C'est le rêve de tous les ministères comme de tous
C'est le rêve de tous les ministères comme de tous ceux qui aiment le spectacle. « Dunlopillo » leur en assure la réalisation. L’AVIATION ET LES FÊTES RÉGIONALES Sur l'initiative de son actif président, le colonel Wateau, l'Aéro-Club de France inaugura le 19 mars le premier voyage d’une catégorie inédite encore pour des sportifs : le voyage en chambre. Ce voyage, tout à la fois dans le temps et dans l'espace, nous a conduit en Champagne ou plus exactement amené la Champagne à nous avec ses vins, ses habitants, ses plats régionaux et ses souvenirs émouvants du premier meeting d’aviation
plats régionaux et ses souvenirs émouvants du premier meeting d’aviation de Bétheny en 1909. Si les ailes et les vins de Champagne avaient eu besoin d'un défenseur, ils auraient trouvé un spirituel avocat en la personne du marquis de Polignac, qui organisa jadis le meeting rémois. Mais déjà l’assemblée était convaincue... Les magnums qui circulaient libéralement sur les tables avaient créé l’ambiance. Félicitons le colonel Wateau de sa heureuse idée qui, en attirant à l’Aéro-Club de nouveaux adeptes, contribuera au développement et à la gloire des ailes de France. Réjouissons-nous. D'autres provinces sœurs vinicoles et touristiques de la Champagne attendent
D'autres provinces sœurs vinicoles et touristiques de la Champagne attendent leur tour pour venir voyager jusqu'à l’Aéro-Club. Cela nous présage dans un avenir assez proche un heureux recommencement. L'Exposition de Madeleine Melsonn à la Galerie de Paris est particulièrement intéressante. Les quelques toiles exposées permettent d'apprécier la valeur de cette jeune artiste qui a su résister aux facilités que peuvent offrir d'heureuses dispositions. A côté de certaines visions d'Espagne : villages écrasés de soleil, paysages arides mais non sans grandeur, on peut voir un Nu à l'écharpe dont l’émouvante sensibilité montre toute la richesse d’expression de Madeleine Melsonn. Livres d’histoire
montre toute la richesse d’expression de Madeleine Melsonn. Livres d’histoire et d’archéologie du mois. — H. Massé, professeur à l'Ecole des langues orientales : « Firdousi et son Influence sur l'art et la littérature persane ». Perrin éditeur 1935, R. Grousset, conservateur du musée Cernuschi : « Les croisades et le monde Islamique. » 2 vol. Plon éditeur 1934-1935. Une conférence sur l’art Italien de Mlle L. Morgenstern à la mairie de Passy a donné aux nombreux auditeurs quelques renseignements extrêmement intéressants sur l'exposition qui aura lieu ce printemps au Petit Palais. Notre revue consacra une importante partie de son
Petit Palais. Notre revue consacra une importante partie de son prochain numéro aux grandes écoles italiennes. Si un Français de Marseille diffère profondément d'un Français de Lille, les œuvres qu’on enfanta chez nous, quelle que soit leur époque, semblent issues de la même famille. Que Poussin soit né aux Andelys et Claude Lelêe en Lorraine n'explique pas la différence de leurs accents. C'est le caractère de Poussin qui, bien plus que la Normandie grasse et riante, dicte l'autoritaire composition de Polyphème, comme la gentillesse de Claude, bien plus que la Lorraine fiévreuse, inspire le Château enchanté. A travers les siècles,
Lorraine fiévreuse, inspire le Château enchanté. A travers les siècles, une œuvre de peintre français conserve une marque propre à notre race. Mais aucune indication ne nous permet d’affirmer le lieu de naissance de celui qui la conçut. Par contre, si, par l’esprit de sa couleur, une œuvre peinte en Italie garde un caractère autochtone, on reconnaît, d'emblée, que celle-ci fut conçue par un peintre né à Sienne, à Florence, à Bologne, à Rome, ou à Venise. La nervosité de Florence perce chez Ghirlandajo, ce créateur enthousiaste et serein, autant que chez Botticelli, toujours écartelé par l'inquiétude. Le calme de
que chez Botticelli, toujours écartelé par l'inquiétude. Le calme de l'Ombrie s’étend sur l’œuvre du Perugin, autant que sur celle de Raphaël, cependant si différentes d'ambition et de qualité. Bologne est emphatique, Venise sensuelle, Rome insensible. Pour qui s’attache à suivre, dans sa progression, la conquête intellectuelle de l’homme, il n’est pas d'étude plus édifiante que celle de la peinture italienne. Si les pays du Nord surent trouver, dans la cathédrale, l'accord de l’idéal social du moyen âge avec l’inspiration plastique d'une pensée collective, il appartenait à l’Italie de réconcilier le monde, éveillé par le Christ, avec l’antiquité et d’éduquer
le monde, éveillé par le Christ, avec l’antiquité et d’éduquer les foules par le spectacle du génie individuel. La fresque a permis ce passage entre le moyen âge et la Renaissance. D’abord la peinture, docilement soumise à l’architecture, ne semble avoir d'autre but que de souligner ses effets. La pensée même de Giotto, si élevée? que soient ses aspirations, s’exprime d’une façon décorative. Masaccio garde l’esprit du moyen âge, s’il a déjà l’ambition et le cœur d’un Renaissant, Angelico ouvre la porte de sa cellule sur le spectacle de la vie. Mais c’est par Raphaël que l'homme s’affranchit. Raphaël a
vie. Mais c’est par Raphaël que l'homme s’affranchit. Raphaël a réalisé ce miracle d’accorder les données de la vie avec les découvertes de l'intelligence. Le rêve des humanistes est enfin satisfait. Et sa peinture, si décorative qu'elle soit, se libère de l’esclavage de l’architecture. Après lui, des créateurs moins équilibrés laisseront prévaloir, tantôt les raisons de l’esprit, tantôt les sollicitations du cœur. Titien portera à l'apogée l’idéal du tableau de chevalet. Les pays du Nord pourront alors rivaliser à nouveau avec l’Italie. Mais les œuvres les plus émouvantes, les plus utiles, sont celles qui correspondent à l’exigence du génie autant
utiles, sont celles qui correspondent à l’exigence du génie autant qu'aux inspirations de la foule. Je pense au Parthénon, aux cathédrales, à la fresque italienne. On a reproché à l’Italie d’avoir imposé aux pays du Nord des formules d’art et des exemples dangereux. Parce que le génie d’un Léonard, d’un Raphaël, d'un Titien, sont inaccessibles, l’artiste moderne a dû se contenter de ces imitateurs et de ces décadents : Jules Romain, le Caravage, le Guide. On emprunte à Cézanne. Mais que peut-on voler à Corot ? Tous ceux qui furent grands se sont tournés vers l’Italie. Par un singulier effet,
grands se sont tournés vers l’Italie. Par un singulier effet, aux époques les plus soumises à son influence, ceux qui surent le mieux résister à l’emprise italienne, vécurent à Rome. Je pense à Claude et à Poussin. Mais la leçon que ces grands hommes, comme Corot d’ailleurs, venaient chercher, c'était moins celle que leur proposait l’exemple des musées, que celle offerte par ce chefd'œuvre vivant qu’est le paysage d’Italie. Quel géomètre divin régla la composition de Florence ? Quand nous découvrons la France, notre cœur s’émeut devant des improvisations pathétiques ou charmantes. En Italie, notre raison est satisfaite par une
ou charmantes. En Italie, notre raison est satisfaite par une démonstration qui n’a pas l’évidence de la preuve cartésienne, mais qui accorde naturellement le réel avec les justes aspirations de l’esprit. Les vrais artistes, soucieux de leur culture, découvrent dans les musées d’Italie ce que doit être leur œuvre, ce qu'elle sera si elle ne s’inspire pas d’exemples trop accablants. Mais il y a l'Italie d’aujourd’hui. De tout objet, de tout sentiment, il faut, pour l’apprécier, savoir bannir le pittoresque. Parce que de mauvais photographes, des cinéastes pressés, nous ont transmis du Duce des visages courroucés ou des gestes en
transmis du Duce des visages courroucés ou des gestes en apparence menaçants, nous avons longtemps cru que cet homme était capable d’obéir à la fureur. On sait maintenant que la force du Duce vient de sa placidité, de sa sagesse. Un chef, si énergique soit-il, ne provoque pas une renaissance artistique, même s’il la commande. Mais un homme tel que le Duce, qui établit son pouvoir par le redressement moral d’un peuple, peut créer une température, un climat favorables à l’éclosion des artistes. Il faudrait être aveugle pour ne pas reconnaître la grandeur de l’Italie, pour ne pas admirer ses
reconnaître la grandeur de l’Italie, pour ne pas admirer ses peintres qui ont retrouvé, d’emblée, après des siècles d'ignorance, ce sens de l’espace, que communique aux génies italiens le spectacle d’une lumière créatrice. Les usines naissent logiques, comme les tableaux et les sculptures. La grandeur est aussi contagieuse que la lâcheté. En Italie, la grandeur seule est permise. L’effort que ce peuple tente, aujourd'hui, est, dans l’ordre social, aussi important que celui accompli, dans l’ordre intellectuel, par les artistes de la Renaissance. Il ne faut pas emprunter à un peuple ses accessoires ni ses vêtements. Que le spectacle de quatre
ses accessoires ni ses vêtements. Que le spectacle de quatre siècles de génie italien réconforte nos peintres par l’émulation du parfait. Que l’exemple du redressement actuel de l’Italie nous suggère de grouper au plus tôt les forces vives d’un pays qui, pour l’art, n'eut jamais de siècles silencieux, mais qui semble avoir perdu, dans sa vie nationale, jusqu’à la force de s'indigner. Laprade. Florence Sienne n’est-il pas l'exemple le plus lointain mais le mieux choisi, dans l’ordre pictural, pour nous en restituer les caractères ? Ses peintres ont constitué, au sens le plus strict, une école parfaitement homogène dans ses
sens le plus strict, une école parfaitement homogène dans ses filiations. L’élève ne pensait avoir mieux à faire qu'à imiter son maître, dans le cadre fixé par la puissance de sa propre personnalité. L'école n’enseignait pas seulement une manière de peindre ; elle communiquait un élan d’esprit. C’est cet esprit que nous verrons naître à Sienne à la fin du XIIIe siècle, rayonner durant la première moitié du XIVe, et se prolonger jusqu’au milieu du XVe, le maître d’une génération transmettant à la génération suivante tous les trésors de son savoir. Sienne, autrefois simple bourgade, prit vers le XIIe siècle
savoir. Sienne, autrefois simple bourgade, prit vers le XIIe siècle un grand essor intellectuel et commercial. République indépendante, elle connut une période d’étonnante prospérité, arrivant même à triompher de Florence, sa voisine et fère rivale. L'art s'alimentait à deux sources : Byzance et Rome. Byzance représentait la tradition vivante et actuelle des formes artistiques ; l'art byzantin était alors un langage universel dans toute la chrétienté. Rome, par ses multiples interprétations de la statuaire grecque, fournissait des modèles déjà plus lointains. Nous dirions aujourd’hui qu'elle donnait « l'éducation du musée ». Il faut ajouter le courant contemporain, celui qui venait
». Il faut ajouter le courant contemporain, celui qui venait de traverser les Alpes et faisait connaître les créations romanes, particulièrement celles du roman provençal. Lorsqu’on parle de l’école siennoise, loin de penser à un art qui se développerait en vase clos, il faut imaginer de constants échanges internationaux, ces marchands qui parcouraient les côtes méditerranéennes, ces artistes et ces artisans venus des ateliers orientaux pour enseigner leurs formules, cette flamme spirituelle qui poussait de paisibles personnages à partir batailler vers le tombeau du Christ. Une Italie nouvelle était en train de naître ; ses républiques, ses princes, ses podestats,
train de naître ; ses républiques, ses princes, ses podestats, se combattaient avec générosité, pleins l'un pour l’autre de curiosité d’esprit, et sans que les relations intellectuelles eussent à souffrir des dissensions politiques. Sienne en particulier vivait dans une atmosphère de jeunesse et d'ardente création. On fait couramment remonter à Guido l'origine de la peinture siennoise. Avec Guido apparaît en effet, pour la première fois dans la tradition byzantine, une inspiration particulière qui peut être considérée comme le point de départ d’un art neuf particulièrement siennois et italien. Mais les œuvres qui nous restent sont rares. Une madone a été
œuvres qui nous restent sont rares. Une madone a été repeinte par Duccio ; on ne sait dater son œuvre de 1221 ou de 1271. C’est Duccio di Buoninsegna que nous pouvons considérer comme le père de la peinture siennoise. Son œuvre est citée entre 1278 et 1319. Nous y trouvons déjà, assez mal dégagées, mais évidentes, toutes les caractéristiques de l'école de Sienne. Les Florentins Cimabue et, un peu plus tard, Giotto travaillent de leur côté. L'art byzantin représente alors plus qu'une influence, c'est la seule expression artistique existante. Nous ne nous étonnerons donc point que les œuvres de
Nous ne nous étonnerons donc point que les œuvres de Duccio aient conservé un aspect si oriental. Antiréaliste, méprisant l'imitation de la nature, abstrait et schématique, l’art de Byzance se perpétue encore à cette époque dans toute l'Italie. L'effort des Florentins et des Siennois pour se dégager de ce lourd héritage est une des choses les plus curieuses à observer. Alors que Cimabue paraît à l’aise pour s’inspirer de ces modèles dont il interprète la noblesse hiératique en leur conférant un accent d'humanité inconnu de Byzance, Duccio transpose le froid et fruste graphisme oriental en lui donnant de nouvelles valeurs
et fruste graphisme oriental en lui donnant de nouvelles valeurs décoratives. Nous voyons poindre avec lui cet art gracieux, séduisant, amoureux des formes et des jolies arabesques qui caractérise Sienne. Décorateur, il l'est avant tout. L’ornementation des surfaces murales est ennemie des trompe-l'œil des volumes. La tradition le sert alors parfaitement. Il y ajoutera son goût de la narration, le sens de l’intimité expressive et des dons extraordinaires de composition. On ne peut négliger, encore une fois, les influences et les échanges entre les écoles. L'exemple de la fameuse « Madone Ruccellai » qui lui est généralement attribuée, mais où
Madone Ruccellai » qui lui est généralement attribuée, mais où quelques-uns voient l'œuvre de Cimabue, en est une preuve. Le travail le plus important et le plus justement célèbre de Duccio est « La Maeste » de l’Opera del Duomo. C'est là que nous voyons rassemblées ces qualités souveraines qui permettent de situer leur auteur parmi les plus grands maîtres de la peinture de tous les temps. On vérifie une fois de plus avec lui ce fait étonnant que les formes d’art dès leur naissance atteignent presque d’emblée leur apogée. « La Maeste » est une œuvre destinée à l'éducation
« La Maeste » est une œuvre destinée à l'éducation de la foule illettrée ; c’est un monde où nous voyons figurer, autour de la Vierge et du concert harmonieux des anges qui l'honorent, les principales scènes évangéliques. La multiplicité des visages et des attitudes traduit l'attention, la ferveur, la douleur avec une ardeur contenue dont ces temps n’avaient pas encore connu d’exemple. Les visages sont éclairés d'une lueur surnaturelle. Les foules éplorées et terribles de la « Crucifixion », les gestes tendus de la « Déposition », le rayonnement mystérieux de l’« Ange au sépulcre » sont chargés d'une
mystérieux de l’« Ange au sépulcre » sont chargés d'une haute émotion dramatique. Les bêtes, les plantes, la nature entière, semblent associées au sujet. Par là nous nous trouvons assez loin de la hautaine indifférence de Cimabue, de Giotto et des giottesques. L'ensemble se trouve revêtu des plus agréables séductions ornementales. La douceur aimable de l'Italie commence de fleurir sur l'arbre robuste de Byzance. Duccio est un poète épique. Simone Martini, qui reprend le flambeau de l'école siennoise, est un poète à la fois intellectuel et sensible, épris de logique et de raffinement. De vaste culture, il subit l'influence gothique
et de raffinement. De vaste culture, il subit l'influence gothique alors dans tout l'attrait de sa nouveauté, en même temps qu'une certaine influence orientale dont il goûte la somptuosité et qui, par ailleurs, le servira de façon éclatante dans ses interprétations des scènes de l'Evangile asiatique. Le cavalier Simone Martini est l'ami de Pétrarque, il est en relation avec les rois de France et les papes d'Avignon. Il a travaillé à Sienne, mais aussi à Assise, dominée par la personnalité si puissante de Giotto. Il a fréquenté le milieu français de Naples et les meilleurs esprits provençaux. C'est en Avignon
de Naples et les meilleurs esprits provençaux. C'est en Avignon qu’il terminera sa vie en 1344. Simone fut un des membres de cette société raffinée, toute au plaisir des jeux du cœur et de l'intelligence, qui représente un des plus hauts moments de la civilisation européenne. Le langage encore un peu barbare de Duccio est transfiguré par Simone dans une forme limpide et poétique. Son œuvre est plein des coloris les plus riches et les plus rares. Les ivoires, les bleus et les ors se composent avec un bonheur qui, malgré les injures du temps, fait encore notre émerveillement. Par
malgré les injures du temps, fait encore notre émerveillement. Par son dessin tout en inflexions gracieuses, il exprime un calme tranquille et béatifique : il annonce l'Angélique. Son pinceau semble atteindre tout naturellement l'harmonie plastique et la beauté décorative. Mais on ne verra pas chez Simone que ces dons de séduction superficielle. D'une œuvre comme l’« Annonciation » des Offices on ne peut guère oublier, malgré tout son pompeux apparat, cet élan presque tragique de l’ange, ce geste d'effacement si charmant, si pudique de la Vierge. On a dénié l'émotion religieuse à cette peinture qui semble faite avant tout pour
religieuse à cette peinture qui semble faite avant tout pour le plaisir des yeux. Nous admirons fort, quant à nous, l'artiste qui, dépassant le degré d'extase conciliable avec l’expression humaine, se livre avec une telle virtuosité aux jeux de son métier : il fait étinceler les ors et ses couleurs scintillent comme des joyaux qu'il porte en offrande à la divinité. Semblable au jongleur de Notre-Dame, le peintre fait resplendir devant l'autel toutes les facettes de son talent prestigieux. On citera à côté de Simone son beau-frère Lippo Memmi, qui a collaboré à l’« Annonciation » et qui lui ressemble
a collaboré à l’« Annonciation » et qui lui ressemble comme un frère. Pendant cette première partie du Trecento, si prodigieusement riche, travaillent les frères Lorenzetti. Pietro s’était fixé à Assise où il a subi incontestablement l'influence de Giotto. Moins séduisant que Simone, son art est plus réaliste. Le modelé des volumes, une sorte d'aération de l’espace, lui confèrent un ensemble de qualités originales. Il a su peindre avec vigueur l'anatomie des corps décharnés et il atteint parfois, comme dans la « Déposition », à la véritable grandeur. Son frère Ambrogio nous captive davantage par le caractère intellectuel de son
Ambrogio nous captive davantage par le caractère intellectuel de son œuvre, qui revêt un aspect un peu didactique. La mystique des Pères de l'Eglise est traduite à l'usage populaire par une foule d’inscriptions, d'anges, et de petits personnages symboliques. Il a surtout composé des représentations figuratives des idées sociales et philosophiques de son temps, comme dans ses célèbres fresques du Palais public de Sienne : « Les Effets du bon et du mauvais gouvernement ». Ses couleurs sont opulentes et chaudes, et, si son dessin est souvent un peu gauche, il possède un don extraordinaire de la composition. Nous songeons
il possède un don extraordinaire de la composition. Nous songeons surtout à cette «Madone et saints» où les personnages se groupent dans une gradation savante dirigée vers le trône de la Vierge, qui évoque l'ordre et l'ampleur de la statuaire au portail de nos cathédrales. Ces maîtres ont eu de nombreux disciples, parmi lesquels : Segna di Bonaventura, Ugolino, Neri da Siena, élèves de Duccio, Barna, élève de Simone, qui possédait un sens mystérieux du drame humain. Dans la seconde partie du Trecento, l'art siennois évolue. Nous ne verrons plus l'extraordinaire abondance de qualités picturales propres à un Simone Martini.
l'extraordinaire abondance de qualités picturales propres à un Simone Martini. Il semble bien que nous assistions déjà à une décadence. Mais la tradition de l’école siennoise est loin d’être perdue. La structure et la force du raccourci byzantin restent la base de l'œuvre des successeurs encore imprégnés de l'esprit des maîtres et de leur charme mélancolique. Leur art devient plus pittoresque et superficiel. Ils excelent à traduire la minutie des scènes populaires. Lippo Vanni, Tadeo di Bartolo, possèdent encore la parfaite élégance siennoise, mais subissent l'autorité prépondérante de Florence qui domine la pensée de l'Italie du Nord. Sassetta est un