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席琳·狄翁 人生历程和事业发展
2003年3月至2007年12月，席琳在拉斯維加斯展開了為期五年的駐唱演唱会，命名為“新的一天...”（A New Day），五年間的場次總數為七百三十二场，票房斬獲近四亿美元，載譽全球，成為史上最高票房女子演唱會的第二名。流行樂天王迈克尔·杰克逊也观看了席琳的演出，席琳亦表示當晚只看到迈克尔一人在台下觀看著她的表演。尽管门票非常的昂贵，演唱会也受到了观众们的广泛好评。自从2003年开始演出以来，几乎每晚的票都全部售罄。根据专业报纸《The Pollstar》的报道，席琳在2005年上半年卖出了三十二萬二千张票，票房收入总计達到四千三百九十万美元，在告示板半年总结的票房排行榜上，席琳排名第二位。直到2005年6月为止，总共三百八十四场演出中有三百一十五场的票是全部售罄。基于演唱会的巨大成功，席琳的駐唱合約由2005年完結延長至2007年，席琳创造了超过七百场座无虚席的表演，具体的酬劳並没有公佈。席琳的駐唱表演的录音也汇编成了一张現場专辑作了商业发行，同样取得巨大成功。另外，席琳的駐唱演唱會於開幕前被眾多媒體名為《音樂界史上最大的賭注》，這是基於以往並沒有任何一位歌手像席琳那樣相當冒險地在同一個地點舉辦極為龐大數目的演唱會，所有媒體都不太看好這次的演唱會，因為是需要到歌迷親自從世界各地流入拉斯維加斯中看演唱會，而並不是歌手本身飛往世界各地開辦演唱會，最終這“賭注”成為了非常成功的開創先河的實驗，為後續不少前輩、平輩及後輩歌手的發展模式留下了一條全新的道路。
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2004年10月，席琳發行第九張英語專輯《奇蹟》（Miracle），席琳的音乐开始转向更加具有母性色彩。《奇蹟》是席琳聯同摄影家Anne Geddes跨媒体合作的專輯，合作的中心主题是表现婴儿和母亲。这张专辑由一些摇篮曲和散发着母性光芒的歌曲组成，其中最引人注目的作品是翻唱爵士樂之父路易斯·阿姆斯壯（Louis Armstrong）的名曲《如此美妙的世界》（What A Wonderful World）以及《美麗的男孩》（Beautiful Boy）。这张专辑几乎没有引起任何反應，這是基於這張專輯屬於非主流的音樂。告示板杂志的Chuck Taylor撰文称单曲《美麗的男孩》是“一个意料之外的珍品”，并表示席琳是“经典且全能的艺术家”；而《Entertainment Weekly》的Nancy Miller则评论道：“地球妈妈的整个表演都只是机会主义者的行为体现”。另一方面，同年席琳從奧斯卡最佳男主角麥克·道格拉斯（Michael Douglas）的手中獲得了《世界音乐奖》的钻石奖，并得到《史上最畅销女艺人》（The Best-selling Female Artist of All Time）的表彰。
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2007年，席琳發行她的第十張專輯《把握機會》（Taking Chances），這張專輯引起全球热销，在至少十三个国家打进前十二名，成为告示板之欧洲音乐排行榜的第一名，席林重回天后地位，這張專輯全球銷量已經超過三百萬張。在此不久之前，席琳亦發行了一張名為《芳心之歌》的法語專輯，專輯在加拿大及法國登上第一名成績，全球銷量已超過一百萬張。
2008至2009年，因應宣傳兩張新專輯，席琳於是決定舉辦一次全球大型的世界巡迴演唱會，《把握機會》（Taking Chances）世界巡迴演唱會在2月14日從南非約翰尼斯堡起跑，這是席琳八年來第一次巡迴演出，并且首次涉足中国（包括澳门及上海），範圍涵蓋世界四十二座城市，北美五十五座城市，共九十七座城市。最終票房成績驚人，共斬獲兩億八千萬美金票房，列為全球女歌手票房第三名的巡迴演唱會。2008年5月22日，法国总统萨科齐在总统府爱丽舍宫举行仪式，授予席琳迪翁荣誉骑士勋章。当天，席琳·迪翁在母亲、丈夫兼经纪人、儿子等众多亲友的陪伴下来到爱丽舍宫，她表示十分荣幸能够被授予骑士勋章。
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2008年席琳發行一張精選輯《极上完美》（Complete Best），此精選集只在日本發行，另外亦發行了一張新歌加精選專輯《吾爱：终极精选集》（My Love: Ultimate Essential Collection），《极上完美》是一張成功的精選輯，在日本銷售超過20萬張；而《吾爱：终极精选集》這張專輯也在全球銷售超過200萬張。
結束了世界巡迴演出後，席琳開始休息了起來，在這段期間裡，席琳產下了雙胞胎過著家庭生活，甚少接觸工作。
2011年，席琳回歸拉斯維加斯凱撒皇宮进行簡單名为“席琳秀”（Celine）的長期演出，演出合共長達四年，後期再續約延長至2019年。此次駐唱模式與上次駐唱大不同，純為樂隊、舞台效果及歌手三方面的演出，少了以往加入舞者以戲劇性的表演演出。駐唱直至2014年7月29日為止，已吸引超過八十七萬人次觀看，暫時斬獲超過一億三千萬美金的票房收入，剛好平了席琳於1998年的世界巡迴演唱會票房的紀錄，成為席琳個人名下第三高票房的演唱會。
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2012年6月7日，席琳在官方网站宣布在4月和5月期间开始为下一张法语和英语专辑录制歌曲。法语专辑全部为新曲，英语专辑除收录席琳拉斯维加斯秀之前未发行歌曲的录音室版本之外也有几首新曲。同年11月，席琳發表她的全新法語專輯《放手去愛》（Sans attendre），在法国首周空降冠军，销量达到九萬六千张，最终拿下2012年年度專輯亞軍（2012年年度法語專輯冠軍）。在加拿大更是打破记录，成为Nielsen Soundscan自1995年统计以来首周销量最高的法语专辑，并且发行两个月销量超过二十万，成为加拿大2012年仅有的销量超过二十万的五张专辑之一。專輯亦獲加拿大朱諾獎數項提名。《放手去愛》还夺下比利时冠军宝座，更是创造了近年来法语专辑的又一奇迹：时隔十多年年再次登上英国专辑榜。同時也是2012年全球最暢銷法語專輯，在法國總共售出80萬張，獲認證為鑽石唱片，此專輯是自1998年以來第一張鑽石唱片，是席琳個人第五張在法國的鑽石唱片，為女歌手中歷史第二名，在全球亦售出超過一百五十萬張。
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2013年，席琳在中央电视台春节联欢晚会上受邀演出。在高晓松指导下，用音标注音的帮助，席琳花费五个小时学会中文歌曲《茉莉花》。当晚席琳身着Dolce & Gabbana 2012秋季系列的金色亮片裙亮相，以灵歌唱法與宋祖英合作演唱了中国民歌《茉莉花》，并独唱了個人代表作《我心永恒》，获得好评。同年，全新英文大碟《為愛重生》（Loved Me Back To Life）同名首張单曲于7月27日在魁北克演唱会首唱，各大媒体以“醉人”（Fascinating）、“了不起”（Great）、“现代感”（Modern）等形容词给与高度评价，更评以4.9分的高分（5分為滿分）。《為愛重生》（Loved Me Back To Life）專輯正式於2013年11月1日發行，專輯在加拿大首周銷量為十萬六千張，成功打入加拿大歷史中首周銷量紀錄第九名，使席琳在歷史首周銷量榜有三張專輯入榜，為全部歌手中之最，專輯亦在加拿大獲四白金銷量認證。其他地區如英國獲白金唱片認證，法國獲雙白金唱片認證，比利時、南非、波蘭、瑞士等國家亦獲金唱片認證，美國售出約為二十八萬張，總計下來全球銷量約為一百五十萬張。
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2014年6月29日，席琳發表了一段影片為2014年年底的亞洲巡迴演唱會打開序幕，率先公布了日本的四場資料，分別於名古屋巨蛋、大阪巨蛋及東京巨蛋舉行四場演唱會，其中東京巨蛋將會舉行兩場，預計最多吸納總人數為約十八萬人次。2014年8月13日，席琳官方發表了一份聲明，鑑於丈夫雷尼癌症情況復發及席琳喉嚨發炎情況並未完全康復，席琳將會取消是次亞洲巡迴演唱會及暫時全面停止在拉斯維加斯的駐唱，直至另行通知。席琳將會暫時休息並把重心再一次放在家庭之中，不得不把手中兩個演唱會項目取消及延後，基於亞洲巡迴演唱會中的日本站及菲律賓站已開售，大約十多萬張票將會進行退票工作，席琳亦向全球歌迷致歉，希望能體諒席琳目前家庭及健康的情況，亦答謝歌迷一直以來的愛戴及支持。
2015年3月25日，席琳接受了《早安美國》的獨家訪問，內容談及丈夫雷尼的癌症情況及復出細節，席琳在采訪中不禁流淚談道丈夫必須依靠餵食管幫助進行吞食，自己每天重複地親身照顧癌症復發的丈夫及現年四歲的雙胞胎；席琳另一方面亦宣布基於丈夫情況已變好，將於今年8月27日重返凱撒官繼續進行駐唱表演，屆時將會有重大改變，包括歌曲及演出細節。
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2016年2月23日，席琳收拾心情重返拉斯維加斯舞台。當晚席琳狀態維持原本一貫的水準，但當演唱至《獨自一人》（All By Myself）的後半段的時候，席琳控制不住情緒憶起剛離世的丈夫，完成不了完整的表演，全場觀眾站起來為席琳鼓掌以示支持及鼓勵。同年5月22日，席琳獲《告示牌》（Billboard Music Awards）頒發《時代標誌終生成就獎》（Icon Award）以認可席琳在文化層面上的影響力及其在創造力上和娛樂文化上具有偉大傑出及歷久不衰的表現，席琳在音樂典禮上表演了皇后樂隊的《定必堅持下去》（The Show Must Go On），旨在獻給剛離世的丈夫，並藉著告訴他席琳繼續會撐下去。《告示牌》給予席琳一個特別的驚喜，遨請了席琳的長子查爾斯作為特別嘉賓為席琳頒發獎項，席琳看到兒子上台的一刻，激動得流下了淚，並表示自己不想在兒子面前哭，想在三個孩子面前擔當成一個堅強的母親，在講辭的最後，席琳舉起獎項，向離世的丈夫大喊道：The Show Must Go On！（我會繼續堅持下去！）。二天後，於同年5月24日，席琳發表了新法語單曲《再一個夜晚》（Encore Un Soir），內容講述時間及歌曲是獻給離世的丈夫，單曲是由法國傳奇音樂家讓-雅克·高德曼曲詞包辦，該單曲以三天的成績在法國空降冠軍，並連續取得兩周單曲榜的冠軍位置，成為席琳在法國的第六支冠軍單曲，同時也打破了法國個人最多在榜冠軍曲的紀錄，總冠軍周數為38周。同年6月20日起，席琳將會舉行法語巡迴演唱會，主要涉足北美洲及歐洲，總場數暫為28場且已完全售罄，這將會是席琳個人法語巡迴演唱會生涯中，票房為最高的一次。
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2017年1月20日，席琳在官方臉書公布將會為電影《美女與野獸真人版》的原聲帶獻唱，席琳表示相當榮幸可以再一次為這電影演唱一首全新的歌曲，名為《將瞬間變成永恆》（How Does A Moment Last Forever）。而席琳個人於1991年為動畫版演唱的《美女與野獸》同名主題曲亦被收入當中，但歌曲將會被亞莉安娜·格蘭德及約翰·傳奇攜手翻唱。1月25日，席琳發表了視頻正式宣佈將舉行2017夏季歐洲巡迴演唱會，演唱會將會涉足英国、荷兰、法国、瑞士、德國、丹麦、瑞典等國家，總數為16場的演唱會。基於反應熱烈，英國及法國將會追加總數為7場的演出，總場數暫為23場。1月27日，席琳與關·史蒂芬妮共同參與了《今日秀》（Today Show）的訪談，內容談及了席琳將成為史蒂芬妮2017年的美國《好聲音》（The Voice）隊的助教，以協助隊上的參賽者在比賽上給予指點及意見。5月21日，為慶祝電影鐵達尼號20周年紀念，席琳出席美國2017年告示牌頒獎典禮（Billboard Music Awards）並擔任表演嘉賓，穿上一身高貴典雅全白色高級訂製禮服演唱其主題曲《我心永恆》（My Heart Will Go On），全場觀眾亦跟著席琳一起高唱及在表演結束時給予站立掌聲以示尊敬。告示牌亦表揚席琳的表演為當晚全場最佳的表演，讚嘆席琳歌聲的全面性以及歌曲的影響力會像歌曲名字一樣永恆。其他眾多媒體也對席琳的表演讚不絕口，其中滾石雜誌將宏偉及莊嚴的形容詞套用在席琳的表現上，亦評鑑整個表演從頭到尾都是相當出色，並讚嘆席琳再一次展示其優秀的音域及其對歌曲收尾的即興哼唱部分發揮得相當的優美。7月21日，席琳的唱片公司發行了一張法國限定的精選專輯《只有些少》（Un peu de nous），專輯純粹為近期巡迴演唱會的副產品，在零宣傳的情況下，專輯亦輕鬆登上了法國專輯榜連續三周冠軍位置，成為了席琳個人的第18張法國冠軍專輯。8月5日，席琳在蘇格蘭進行最後一場的夏季巡迴演唱會，正式宣告為歐洲巡迴演唱會拉下序幕以及即將回歸至拉斯維加斯進行剩下9月份以後的場次，25場的小型巡迴演唱會最終斬獲超過6300萬美金的票房。
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2018年1月12日，席琳在官方臉書公布將會於本年度夏季將會舉行一場小型巡迴演唱會，將會涉足亞洲及大洋洲作為本次巡迴演唱會的主要演出地方，包括東京、澳門、台北、新加玻、雅加達、曼谷、馬尼拉、悉尼、布里斯班、珀斯、墨爾本及奧克蘭，總數為22場，最終演唱會斬獲5738萬美金。其中台北場次打破了海外歌手的票房紀錄及場次紀錄，獲得總數3億台幣紀錄以及連開三場的紀錄。同年5月3日，席琳發行了新單曲及新音樂錄影帶《浴火重生》（Ashes），此曲是為《死侍2》（Deadpool 2）獻唱主題曲。9月24日，席琳正式宣佈其駐唱演唱會將於2019年6月8日完滿結束，歷時8年時間，連同著之前首輪駐唱時間已經歷了15年之久的時間，代表著拉斯維加斯一個娛樂時代的終結，席琳亦表示不會再續簽於拉斯維加斯的合約。AEG Presents / Concerts West的聯合首席執行官約翰梅格倫（John Meglen）告訴ET雜誌說道：「席琳當年用了很大的信心於拉斯維加斯做出如此大的賭注－－《新的一天...》，看看她如何改變了現時拉斯維加斯的娛樂格局。她當年開始的是一個對常人來說是非常瘋狂的理念，但現時已經成為了常態，現在每個歌手都想在拉斯維加斯演唱。我們所有人都非常感謝席琳讓拉斯維加斯成為世界娛樂之都。」
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2019年4月3日，席琳於美國洛杉磯舉辦了一場特別的發佈會，宣佈今年將舉辦一場大型的世界巡迴演唱會，暫時只公布了66場的北美地區的場地，9月18日將於魁北克為起點出發。同時，席琳亦宣佈了11月亦會推出一張新專輯，名為《勇氣》（Courage），席琳只透露了其專輯有與希雅再度合作，亦錄了48首歌曲去分配在新專輯中。2019年6月8日，拉斯維加斯秀正式完美落幕，結束總歷時16年的駐唱長跑，席琳同時演唱了新專輯中的單曲《獨自飛翔》（Flying On My Own）並上載至官方Youtube頻道作為離開拉斯維加斯的告別曲及其編寫事業新一頁的歌曲，寓意席琳就算失去了老公同行也能獨自面對及決定自己未來的事業路。9月18日，席琳同時間發表了三首新單曲作為新專輯的主打歌曲，分別為專輯同名單曲《勇氣》（Courage）、《不完美》（Imperfections) 及《承受》（Lying Down）。11月15日，新專輯《勇氣》正式發行，在全球Itunes銷量榜名列第一名長達一周，在Billboard 200空降第一名，成為繼2002年專輯《新的一天》（A New Day Has Come）後再拿下冠軍位置，拿下個人名下第5張美國冠軍專輯，亦成為繼芭芭拉·史翠珊（6個10年）及珍娜·傑克森（4個10年）後，與惠妮·休斯頓（3個10年）、布蘭妮·斯皮爾斯（3個10年）及瑪丹娜（3個10年）並列第3名在3個10年內都有冠軍專輯紀錄的女歌手。新專輯在各媒體拿下正面的評價，當中滾石雜誌（Rolling Stone Magazine）將新專輯評定為3星半，形容席琳的新專輯推出的時間點相當完美及專輯風格令人驚喜，像當年雪兒的專輯《相信》（Believe）一樣，值得年青一輩再次欣賞及認可這位跟得上時代腳步的天后，亦稱席琳的音樂事業從不需要所謂的捲土重來，因席琳的流行音樂使我們一直需要她。
席琳·狄翁 人生历程和事业发展
2022年12月，席琳在Instagram上揭露自己罹患罕見神經系統疾病「僵人综合征」（SPS），這種疾病影響她走路、唱歌，她也為此取消一系列在歐洲的巡迴演出。
2024年巴黎奥运会开幕式上，席琳壓軸獻唱《愛的頌歌》，是罹患僵人综合征後首次公開演出。此前为争取早日恢复演出，席琳进行了艰苦的复健训练。
席琳·狄翁 个人生活
據席琳2007年接受中國主持人楊瀾專訪時表示，當René Angélil從她的經紀人變成她的戀人時，一度受到家人的反對，尤其母親不能接受兩人達26歲的年齡差距，更無法接受對方結過兩次婚，還有三個孩子。
2001年席琳成為母親，誕下長子。
2005年卡特琳娜飓风袭击美国后，平时很少提及政治话题的席琳在《赖瑞金现场》节目中抨击了小布什政府在救助灾民时的反应和动员速度简直慢得出奇：“还有那么多人在等待救援。（政府拖沓的作为）在我看来是无法接受的... 为什么（美国政府）往其它国家派飞机瞬间涂炭掉万千生灵就那么容易呢？我们本应（在危难时刻积极）为自己的国家效力。”访谈过后，她还表示“我在和賴瑞金或者其他人上热播节目时，我们就是公众瞩目的焦点，这一点很重要。我当然有自己的观点（想要表达），但我是一个歌手，不是一个政客。”
席琳·狄翁 个人生活
2010年12月，席琳產下雙胞胎兒子。
2016年1月14日，席琳的丈夫雷內因不敵咽喉癌，於拉斯維加斯的家中逝世，終年73歲。早於1999年他就被發現患上此癌症，其後治療成功，但在2014年後期發現癌症復發，正面並積極地對抗病情長達一年多，最終仍不敵病魔離開世界。雷內的葬禮以國葬的形式進行，並且選址在當年1994年與席琳結婚的地方蒙特利爾聖母聖殿（Notre-Dame Basilica）中舉辦。
另外相當不幸地，席琳的哥哥丹尼爾於雷內離世不到一天的時間也離世，亦是因為癌症帶走了他的生命。
席琳·狄翁 艺术特点
不少资料认为，席琳拥有横跨5个八度的音域。席琳至少拥有从B2到Eb6共跨越3个八度的音域。
席琳·狄翁 艺术特点
席琳的唱功常受到评论褒奖。《The Buffalo News》的Jim Santella曾描述“席琳·迪翁的声音像铁拳藏在鹅绒手套中一般（刚柔相济），其力量隐蔽在柔滑的颤音之中，透露出其在唱功方面的强大造诣。”《The Buffalo News》的另一评论员Jeff Miers说：“她的声音超越到了人类的极致。她(能)全力冲上高音，同时自如地收发颤音，还能完美地把握好音调(的微妙变化)。整个过程就像是她在干净利落地将一束玉米剥皮。”《紐約時報》编辑Stephen Holden说席琳的“各方面功夫都很齐全。她可以对各种花唱技巧信手拈来，演绎出摄人心魄的歌唱表现，能在稳住音调细微波动的同时长时间地飚出高音。而在二人合唱中... 能看出她是个(配合程度)很靠得住的和声。（即指她的配合水平高，与别人总能很快默契配合。）”长野健说“(席琳是一个)有敏锐听觉、良好资质以及完美境界的音乐人，令人羡慕嫉妒”。《時代雜誌》编辑Charles Alexander说“(她的)声音能从轻声的低语毫不费力地滑移到极高的音调，仿佛一种融力量感与优雅于一体的甜蜜的乐笛声。”
对于经常演唱的法语曲目，席琳将自己的唱腔装饰得更精致和更具表现力，带上了一层“更富有温柔和亲密感”(more tender and intimate)的抒情色彩。与席琳有过密切合作的法国唱作人Luc Plamondon曾称席琳吸纳了法国、魁北克、美国三地的歌谣演唱风格。
席琳的音乐受流行、搖滾、福音、R&B和灵魂等多种风格影响。她的歌词内容则多以“对贫困和饥饿的关注”、“在心灵与精神层面的探寻”以及“对爱与浪漫的诠释”为主题。在2000年代第1个孩子出生后，席琳逐渐增加有关了“母爱”这一新主题的作品数量。
席琳自小就視不少巨星為偶像，如安瑪莉、芭芭拉·史翠珊、麥可·傑克森、艾瑞莎·弗蘭克林、卡洛爾·金及比吉斯等人，而這些巨星後來也相繼與她以不同形式合作過。席琳還欣賞不少如雪兒、蒂娜·特娜及伊特·珍等樂壇前輩。
此外，席琳還相當愛慕一位僅大她5歲、幾乎是同時代的歌手惠妮·休斯頓，縱使媒體和聽眾都經常拿她們作比較，但席琳依然對她的音樂及聲音讚口不絕。
席琳·狄翁 影響力
席琳被视为流行音乐界最有影响力的声音之一。1996年，美國《時代雜誌》称席琳為“流行天后之一”(The Divas of Pop)並獨佔雜誌封面。《Blender》杂志曾将席琳列为“22位最伟大的歌手”(22 Greatest Voices in Music)中的第9名。《Cove》杂志则将她列在“100位杰出流行歌唱艺人”(The 100 Outstanding Pop Vocalists)中的第5名。
許多人拿席琳的歌唱风格与玛丽亚·凯莉及惠特尼·休斯顿相提並論，也將她們合称為“The Vocal Trinity”。音樂製作人及前任美國偶像裁判之一蘭道爾·大流士·蘭迪·傑克遜說：“席琳·迪翁、惠特尼·休斯頓及瑪麗亞·凱莉是在黃金時代裡擁有最棒聲音的歌手，很多女歌手都很推祟。”文化評論家卡爾·威爾遜指出，席琳的知名度與影響力是依然流存，這些東西都可以在美國偶像裡一一體現。在過去十年的大規模音樂現象下，席琳依然非常扎實地成為年輕人採樣成為歌手的對象。
席琳·狄翁 影響力
現代許多歌手都深受席琳影響或視她為偶像，如蕾哈娜、布蘭妮·斯皮爾斯、芮塔·歐拉、克莉絲汀·阿奎萊拉、喬許·葛洛班、愛黛兒、女神卡卡、黛兒塔、里歐娜·路易斯、亞莉安娜·格蘭德、法蘭克海洋、夏芮絲、泰勒絲、珍妮佛·哈德森、喬安娜·李文絲奇、潔西 J、裘汀·史芭克絲、凡妮莎·哈金斯、費絲·希爾、凱蒂·佩芮、凱莉·克萊森及蘿拉·菲比安等人。
許多歌手亦對席琳的聲音表示欣賞或對席琳的唱功表示讚嘆，如卡洛爾·金、碧昂絲·諾利斯、艾爾頓·強、妮可·舒辛格、萊諾·李奇、酷玩樂團、卡洛斯·山塔那、賈斯汀、雪兒、仙妮亞·唐恩、讓-雅克·高德曼、尼歐、芭芭拉·史翠珊、盧奇亞諾·帕華洛帝、比吉斯、喬治·馬丁等人。
席琳·狄翁 影響力
在法語文化層面上，席琳一直致力於將法語音樂帶到世界各地進行演唱，令世界各地不同的人都能接觸法語音樂，其中席琳1995年的專輯《他們》（D'eux）目前是全球銷量最高的法語專輯，在一些非法語國家如英國、日本、波蘭、希臘等市場取下非預期性的成功，其中英國更拿下金唱片認證的創先河的紀錄。2008年5月22日，席琳在巴黎接受法國總統薩科齊親自頒發法國最高榮耀的法國榮譽軍團勳章，勳章認證席琳在宣傳法語文化上有著極高的推動力及影響力。除了後期把法語文化推動到世界各地外，席琳也早於1996年接受了法國政府文化部頒下來的法蘭西藝術與文學勳章中的騎士勳章以表揚席琳在文學界或藝術界是具有傑出貢獻的人物。
在加拿大音樂行業層面上，席琳於1999年成為了繼布萊恩·亞當斯及安瑪莉後第三位歌手進駐加拿大廣播名人堂（Canadian Broadcast Hall of Fame）以認證席琳對加拿大音樂行業的高度貢獻。2013年7月26日，席琳亦在加拿大接受了加拿大總督頒發的加拿大勳章，此國家級獎項以認證席琳在加拿大國家層面上有著極高的影響力。同年也在加拿大星光大道（Canada's Walk of Fame）中擁有屬於自己的星星。
美國VH1將席琳位列於《史上最偉大流行文化偶像前200名》（200 Greatest Pop Culture Icons of All Time）排行榜中的第64名，歌手排名中的第12名；在2003年，VH1也將席琳評為《影片時代最佳50大女性》（50 Greatest Women of the Video Era）中的第10名。2004年，席琳在美國荷里活星光大道（Hollywood Walk of Fame）以歌手身份拿下屬於自己的星星。
席琳·狄翁 演唱會與票房
席琳的事業生涯裡總共舉辦了至少2200場以上的演唱會，其中包含14次正式且有數字統計的巡迴演唱會和駐唱演唱會，總共吸納了超過1千4百萬名觀眾參與。席琳的演唱會總票房已達14億美元以上，目前全球只有兩位女歌手達到如此的高度（另一位是麥當娜）；另一方面，席琳目前也是全球舉辦過最多演唱會場數的歌手。
註：
二十世紀古典音樂
二十世紀古典音乐，是指自1900年至2000年，繼承歐洲古典音樂而來的一個音樂紀元，這個世紀沒有一種統治性的風格，作曲家創造出各種各樣的音樂。現代主義、印象主義和後浪漫主義等音樂都可以追溯到世紀之交之前的幾十年，但它們之所以能被包括在內，是因為它們跨越了19世紀、比共曉時期風格的音樂更進一步。新古典主義和表現主義音樂大約出現在1900年之後。簡約音樂開始於本世紀較晚時候，可以看作是從現代到後現代時代的轉變，儘管有一些說法認為後現代主義早在大約1930年已經興起。無調性、序列主義、具體音樂和電子音樂都是在本世紀發展起來的。爵士樂和民間音樂對當時的許多作曲家都有重要影響。
二十世紀古典音樂 介紹
在此之前，古典音樂有兩大流派：古斯塔夫·馬勒與理察·施特勞斯的後浪漫樂派、和德布西的印象樂派。其分派下音樂種類更是繁多。
到了1960年代至1970年代，更出現了當代音樂包括了如布列茲的序列音樂、極簡音樂，斯蒂夫·莱奇和菲利普·格拉斯使用簡單三音和弦，皮埃爾·謝弗的具體音樂，哈里·帕奇、阿洛伊斯·哈巴和其他人的微分音音乐，還有約翰·凱吉的机遇音樂。
在現代音樂之前，作為前繼者的歐洲古典音樂家有巴托克·贝拉、馬勒、理察·史特勞斯、普契尼、德布西、艾伍士、艾爾加、荀白克、拉赫玛尼诺夫、普羅高菲夫、史特拉汶斯基、肖斯塔科维奇、布瑞頓、柯普蘭、卡尔·尼爾森等人。當時古典音樂也和爵士樂相互影響，同時在兩個領域作曲的音樂家有蓋希文及伯恩斯坦。
二十世紀古典音樂 介紹
現代音樂一個極重要的特點是開始有所謂傳統及前衛之分別，它們的音樂原則在一方佔極其重要性者，在另一方往往不是那麼重要或不被接受。例如魏本、卡特、瓦雷兹、米爾頓·巴比特等人對前衛領域有重要貢獻，但是，在此領域外就常常被攻擊。隨著時間，前衛的概念已經逐漸的被接受，兩個領域彼此之間的分野不再那麼壁壘分明，並且出人意表的，這些開拓性的技巧常常被流行音樂所引用：披頭四、平克·佛洛伊德、麥克·歐菲爾德、超脫樂團、電台司令等等耳熟能詳的歌星，還有許多電影使用的配樂。
必須注意的是，這篇文章僅僅提領出二十世紀音樂的大綱，所提到的音樂家在一個方面做出貢獻，並不代表他只在該領域發揮。例如史特拉汶斯基在他作曲家生涯的不同時期，他同時被認為是浪漫樂派、新古典主义、以及序列音樂的成員。
20世紀的經濟和社會型態對音樂也有重大的影響力，世界在工業化時代有了逐漸進步的錄音和回放設備，從錄音帶到CD到DVD，有了廣播和電視，以及整個資本主義脈絡的內嵌。相反在19世紀，人們大多自己創作音樂，或者在音樂會上聽到音樂。
二十世紀古典音樂 現代性的
許多種音樂都被賦予所謂現代性的名詞，但即使如此它們之間常有非常大的差異。會如此的原因，在於認為二十世紀這一段時間，世界上有極大的改變，有著全新的社會和活動的意義。而所謂藝術也應該接受這樣全新的基礎，也就是一種新的美學。現代性擷取十九世紀的進取精神、對於嚴謹態度和技巧進步的慎重，然而把藝術從十九世紀的規則和形式釋放出來。取一個例子來說，建築師法蘭克·勞埃德·萊特以工具來製圖，並非他無法使用徒手製圖，而是他認為「機器是未來，所以我想用機器造美」。在二十世紀流行的各式音樂運動，包括新古典主義、序列主義、實驗主義、概念主義都可以追溯至此概念。
荀白克是二十世紀一個重要的人物。他的早期作品屬於後浪漫風格，被瓦格納和馬勒所影響，但稍後他放棄了這一整個路徑，改而寫作無調性的音樂——這種作曲法被認為他的首創。他發明了十二音列作曲法，企圖取代傳統的調性系統。他的學生，魏本和貝爾格更進一步擴展了這一理論，並且在應用上也有所成就。因而他們三位被稱為勋伯格三人組，或第二維也納樂派。如同名字暗示的，這種新音樂意欲達致如同古典的維也納樂派的影響力，如同海頓、莫札特和貝多芬一樣。
二十世紀古典音樂 現代性的
勋伯格的音樂和他的追隨者在當時遭受極大的質疑，到現今也仍是如此。聽眾們發現他的音樂難以捉摸，並且毫無旋律感。儘管如此，像月下小丑（或月宮小丑）此般的樂曲仍然持續的被演奏和研究，與其相襯，許多當代的接受度較高的樂曲反而被人們遺忘。造成此一結果的原因是，這一由他領進的理論影響力之巨大，即使創作調性音樂的作曲家們也莫不被影響。許多作曲家在此之後就不再依靠傳統調性系統來寫作音樂。
二十世紀古典音樂 現代性的
十二音列的技巧也被其他的作曲家所改變，為了控制音樂的其他層面，而非原本意圖的控制音高，例如音符的強弱或是起奏的方法，藉以創造完全序列化的音樂。米爾頓·巴比特便據此創造了自己的時序系統，使得每個音符的起奏點之間的時間距離也呈現序列的關係。魏本的「點描派」風格使樂曲中的每個個別的聲音都具備結構的重要性，這個風格影響了二戰後的作曲家如布列茲和史托克豪森。諷刺的是，在多年無人問津之後，十二音列作曲法一度在50-60年代的歐洲被奉為圭臬，然後之後又回到了低潮。不論新舊作曲家們又使用了調性系統，這一方面的音樂家們形成了後來的新古典主義、浪漫音樂、或簡約音樂潮流。斯特拉文斯基在年輕時曾在林姆斯基-高沙可夫門下學習，後來變成現代樂派、然後是新古典主義派、在最後勋伯格死後成為序列主義派。
二十世紀古典音樂 現代性的
在二十世紀早期的現代作曲家如乔治·安太尔和其他人作出了驚駭眾人的作品，因為他們的作品都展現了對音樂傳統的漠不重視或者諷刺性的浮誇態度。艾伍士就曾引用流行音樂，經常使用多重調性的音樂，而其結果是極端的不協調，並且旋律看起來有著幾乎不可能被演奏的複雜性。亨利·考埃尔在演出自己的鋼琴獨奏樂曲時，是同時在鋼琴內部彈撥琴弦，並且同時敲擊琴鍵，或者使用他的手臂或樂譜來演奏tone cluster。瓦雷茲也寫作高度不協調的樂曲，使用不尋常的和音（sonority）和未來主義式的名稱；他同時夢想著能夠使用電子器材創作音樂。查爾斯·西格清楚的闡述不和諧對位法的概念，這個技巧後來被卡爾·拉格爾斯、露絲·克勞佛-西格和其他等人使用。史特拉汶斯基和謝爾蓋·達基列夫因為他們的作品「春之祭」加以尼金斯基的舞蹈，引致了一場暴動而逃離。大流士·米堯和保羅·欣德米特探索了多調性音樂的領域。阿馬德奧·羅爾丹特地設計了敲擊音樂的合奏嵌入於傳統的作曲技巧中，這個想法立刻被瓦雷茲和其他人所仿效。魏尔基礎於德國歌舞廳音樂的特質寫作了膾炙人口的「三便士歌劇」。
二十世紀古典音樂 現代性的
在前衛領域的現代作曲家，他們經常寫作無調性音樂、有時探索十二音列作曲法、使用大量的不和諧和聲、引用或模仿流行音樂、或者甚至由觀眾來激發他們作曲的靈感。
新古典主義在音樂史上指的是20世紀，一個回歸「普工實用」和聲技巧的音樂運動，它混和了許多不協和以及新式節奏的概念，作為和古典主義的區分。史特拉汶斯基、亨德密特、普羅高菲夫等等一些人經常被當作這個潮流中重要的成員，另外，尚有多產作曲家米堯和同時期的浦朗克。
新古典主義與藝術上回歸理性模型的潮流是同時發生的，可以視為對於一次大戰的回應。這樣一種較為小型、簡化而有秩序的取向，被認為是對於過度激動而疲乏的感性主義的回應。而當時的經濟狀況也驅使作曲家們走向小型合奏的規模，因而這種「do more with less」的尋求得到了具體的實踐。史特拉汶斯基的《士兵的故事》、頓巴敦橡園協奏曲、管樂交響曲、C大調交響曲都是例子。他的新古典主義音樂在《浪子的歷程》一部歌劇中達到頂點，該劇劇本由現代主義詩人威斯坦·休·奧登所寫。
二十世紀古典音樂 現代性的
史特拉汶斯基在這一領域中的競爭者是德國作曲家保羅·欣德米特。他混和了尖銳了不協和音、複調性和free ranging chromaticism into a style which was "useful"。他用這種方法同時寫作室內樂和管弦樂，最有名的例子大概是畫家馬蒂斯交響曲（Mathis der Maler），而室內作品如法國號奏鳴曲。
新古典主義在美國受到歡迎，娜迪亚·布朗热一派的音樂家基於他們對史特拉汶斯基的理解，散佈了各式各樣的概念。他們的學生，艾略特·卡特、柯普蘭、羅伊·哈里斯、米堯、皮亞佐拉和维吉尔·汤姆森，都曾一度是新古典主義的作曲者。
新古典主義最易辨別的特徵是使用三全音作為穩定音程的旋律，色彩性的在固定音型中加上不協和音和塊狀和聲，以及自由混合的多重節奏（polyrhythm）。新古典主義迅速的贏得了許多聽眾，那些反對無調性音樂作為「真正」現代音樂的人，更加支持這個潮流。
某些現代派作曲家使用了一些民族音樂來增加音樂中的節奏性以及和聲變異性。例如:
在歐陸，匈牙利音樂家巴托克·贝拉和高大宜，和鄰國捷克音樂家楊納傑克，都研究了他們國家中的民歌音樂，然後使用之於他們自己的作品之中。
在美洲，巴西的海托爾·維拉-羅伯斯和美國的查理斯·艾伍士，則發揮了源於匈牙利的李斯特的複調性音樂。他們和而鄰近墨西哥的夏威士都在創新音樂風格的同時，仍有使用部分美洲原住民的民族音樂和歐裔或非裔國民的傳統音樂片段。
英國的佛漢-威廉斯雖然常被歸為印象樂派作曲家，但公眾對其認識卻多來自其英國民間音樂改編的古典樂作品，如《綠袖子幻想曲》和《英國民歌組曲》。澳洲的葛人傑也同樣把很多英語世界的民謠收集和改編成古典音樂。
二十世紀古典音樂 後現代音樂
後現代主義可以說成是對現代主義的一種回應。後者斷言人類活動的產物（特別是透過機巧來製造或創造的）是技藝本身的中心主題。而藝術的作用乃是在於引起人們對於物體的沉思，一位作曲評論家Steve Hicken如是說。這個現代主義原則看起來可回溯至杜象的達達主義、具象音樂樂派、以及由埃德加·瓦雷兹和其他人發起的實驗電子音樂。然而，後現代主義的觀點是，人存在的主要形式是，個體涵蓋在所有人的產物之中。
約翰·凱吉是二十世紀音樂一個卓越的指標，他的影響力隨著年歲穩定的成長，並且被許多人認為是後現代音樂的創辦者之一。凱吉在他的樂曲之中表現質疑音樂的根本定義，強調所有「聲音」都必然會是音樂的觀點。在《4分33秒》中，凱吉展示了他的概念，即非意圖的聲音和樂器的聲音同樣，符合音樂的合法性。他亦引目地使用了即興音樂與「製造的聲音」，為了鎔鑄一種新的有趣而不同的音樂類型。他的音樂無疑反映了他的想法：沒有「音樂」或是「噪音」，只有「聲音」，聲音的組合即可成為音樂性的事件。而非強調任何關於思想注意力或者限制音樂成為必然藝術的思想。
二十世紀古典音樂 後現代音樂
然而凱吉由於方法上的差異，被一些人認為是前衛的。由於這個理由，許多人認為他的音樂不具吸引力。有趣的是，似是與凱吉的「非決定論」對立的「過度決定論」序列音樂家，也同樣生產音效上差不多效果的音樂，許多序列音樂家如布列茲和史托克豪森也同樣使用即興的程序。麥可·尼曼主張，在實驗主義的音樂這一體系中，簡約主義即同時是序列主義和非決定論兩者的反動，而兩者也是簡約主義的資助者，而成為一種辯證關係。
後現代主義的思想在音樂和繪畫上的發生具有相似的情境。一方面，對於機械論式的詮釋喜好逐漸降低，現代主義的手段被棄置；取而代之的是個人主義化的風格和實驗主義。但是，後現代主義拒絕了解釋性的立場：the need to be "in" on the joke as it were。相反地，他們採取大眾的眼光，成為他們的美學指導。在此運動中首先與現代主義明顯切斷，採取凱吉給予的靈感並且強調聲音層次的樂派是簡約音樂。
二十世紀古典音樂 後現代音樂
二十世紀後期，許多作曲家開始探索現在稱作「極簡音樂」的領域。這個類型最精確的定義，常常是針對於音樂行進方面的指涉：許多樂段經常重複並且層次有序的排列起來，藉此技巧製造整體性的音效。早期的例子包括特里·賴利的《C音》和斯蒂夫·莱奇的「Drumming」。賴利經常因為的《C音》這部作品被視為「極簡音樂之父」，這部作品是由許多旋律的小節組成，並且由演奏者依照自己喜好的速度來演奏。這群先鋒音樂家——精確地說包括特里·賴利、菲利普·格拉斯、斯蒂夫·莱奇和La Monte Young等人——他們的目的是讓音樂成為適合所有人的藝術，並且表達他們對於古典作曲技巧的質疑，他們並非潛伏地在樂曲中寫入這種意念，而是相當明白的表達出來。極簡音樂一個與以前的音樂最不同而重要的差異，在於使用一種稱作「out of phase」的技巧，這個技巧使用了不齊拍的旋律，使兩個以上的旋律主線既分開又結合。它讓演奏者自行決定樂曲的細節，一個明顯的對比是理查·華格納的《萊茵的黃金》，它雖然用了不同的樂段來層疊，符合一個特徵，但是它所有的旋律都由一個節拍控制，是古典的合拍音樂。
二十世紀古典音樂 後現代音樂
極簡音樂家和傳統聆聽者之間常有爭議，批評者認為這種音樂過度重複以及情感上空洞，而支持者則認為這種靜態的元素在理解樂曲轉進的微小變化相當有優勢。即使如此，極簡音樂已經造成非常廣泛的影響，例如並非屬於經典極簡主義的卡爾海因茲·史托克豪森和利盖蒂。而另外如阿沃·帕特、约翰·塔文纳、戈雷斯基等音樂家則開創了所謂精神性的「Holy Minimalism」的領域，尤其是戈雷斯基所寫的三號交響曲是90年代最暢銷的古典音樂專輯。
而從第二波的極簡音樂繼承者開始，這些人又被認為具有一些非極簡音樂的特徵。這些人包括约翰·亚当斯和他的學生Aaron Jay Kernis寫作歌劇音樂。極簡音樂此一發展大大擴張了所謂音樂，以及作曲家和樂曲的領域。
二十世紀古典音樂 電子音樂
二十世紀的科技進步使得以電子途徑製作聲音成為可能，而這有許多方法，有些音樂家使用插電的樂器來演奏古典樂曲，例如梅桑在許多樂曲中使用馬特諾電子琴；有些70至80年代的音樂家使用合成器、有些電腦時代的音樂家則使用電腦。
還有作曲家放棄樂器而使用錄音帶來創作音樂，錄製音效後，有計劃地將它們放置於音樂之中。皮埃尔·谢弗就是這種作法的先驅者，稱作具體或具象音樂。而如卡爾海因茲·史托克豪森則採用純電子途徑來創作音樂。在美國，米尔顿·巴比特使用RCA Mark II合成器來創作。有時候此種電子音樂又會混合傳統樂器，卡爾海因茲·史托克豪森的「Hymnen」、埃德加·瓦雷茲的「Déserts」、馬里奧·大衛朵夫斯基的「Synchronisms」是幾個顯著的例子。（不過今日演奏「Déserts」一曲時，有時會省略錄音帶的部份）
二十世紀古典音樂 電子音樂
在電影音樂方面，奥斯卡·萨拉利用特勞烏特琴替亞佛烈德·希區考克的《鳥》一片創作了背景音效；莫顿·苏博尼克也替《2001太空漫遊》一片編寫了電子配樂。
幾個著名以電子樂器，演奏古典音樂傳統風格的作品包括：
伊阿尼斯·澤納基斯是另一個使用電腦和電子樂器的現代作曲家，他也自己發明了一種電子樂器。
Alvin Lucier、Gordon Mumma和David Tudor等人創造了現場演奏電子音樂的形式。
有幾個專攻電子音樂的機構在二十世紀之中崛起，巴黎的IRCAM大概是他們之中最著名的一所研究中心。
簡約音樂家諸如斯蒂夫·萊奇的影響力（特別是「Drumming」一作）明顯影響了後來的人如DJ Spooky他們的作品。這是二十世紀音樂和電子音樂（如trip-hop、trance、drum'n'bass）交互影響的極佳範例。
二十世紀古典音樂 與爵士樂合流的作品
許多作曲家將爵士樂風格融入了古典作品中，數個著名的例子包括：
二十世紀古典音樂 其他潮流
「New Complexity」是當代歐洲的前衛音樂潮流，他們的音樂家有布萊恩·芬尼豪赫、詹姆斯·狄龙、迈克尔·芬尼西等人。另一個方向朝著器樂技巧和音色的擴張，例如赫尔穆特·拉亨曼、萨尔瓦托雷·夏里诺等人的作品。還有令一個值得注意的潮流乃是「頻譜音樂」，著名的音樂家包括特里斯坦·米拉伊、热拉尔·格里塞，還有「後頻譜音樂」的凯娅·萨里阿霍 、芒努斯·林德貝里等人。
二十世紀古典音樂 與現代音樂相關的音樂分類
第二次世界大战后至1960年代前
序列音乐、整体序列音乐（Total serialism）
偶然音乐（Aleatory music）、随机音乐（Stochastic music）、不确定性音乐（Indeterminacy music）、无声音乐（Silence piece）、先锋派、实验派（Experimental）
微分音音樂
电子音乐、录音带音乐（Tape music）、合成器音乐（Synthesizer music）、计算机音乐（Computer music）、噪音音乐（Noise music）、具体音乐
施氏食獅史
《施氏食獅史》是一篇由中國數學博士胡明复所寫的同音文章，每字之普通话拼音都為shi（注音符號為ㄕ），只是聲调相異。而後胡明复的同事語言學家趙元任也據此改編，也成為當今的通行版本。
作者专门在现代汉语普通话读音中挑选同音字写了这篇文言文，因为要迁就同音字，因而文章内容显得很不合逻辑，现实中没有人要吃十只狮子后来又在吃时发觉狮子是石狮子的荒谬事，因此湊巧帶出如何解釋，以上全文都是用同一個音調，趙版全文共92字（連標題97字）。此文要看懂，要具有文言文功底，不具有文言文功底的人，照样很难看明白原文的意思。文言文始于先秦时期，如果在先秦时期的人们、用方言口音表达这些同音文，当时的人们能够听得懂。所以，這篇文言文作品在書面閱讀或者用其他漢語族語言朗誦時並無問題（如九聲六調的粵語有入聲可以用声调来区分字义，就不太會有同音問題）。惟使用現代標準漢語普通话朗讀或者將作品官話拉丁轉寫而且在不标声调的情况下，問題則浮現，會感覺很繞口，因為只有四個調的國語普通話同音字較多。
施氏食獅史 背景與意圖
20世纪20年代初期，錢玄同等學者认为汉语应该拉丁化，漢字应该全部改为拼音，如此低龄儿童就没有了认识成百上千的汉字的痛苦。而《施氏食狮史》正诞生于此时。有人認為，作者趙元任是想引證漢語拉丁化所帶來之荒謬。
1916年，胡明复原稿並未將全部漢字的讀音「」化（如似、設、寺），趙元任將這篇文章刊於《中國留美學生月報》，而趙之後的著作是將所有字眼完整符合「」音所作。
有支持汉语拉丁化的人指出：赵元任是国语罗马字的主要设计者，认为他只是举例说明，按现代标准汉语拼音的汉语拉丁化，只适合白话文，不适合文言文和文白相杂的文章。而赵元任本人也说：“這些當然是極端的例子。如果你要是寫語言，當然不會有問題。因為你寫的要是不夠清楚（假定你把語言裡的聲音全寫出來而仍舊不夠清楚），那你本來話就沒有說清楚。在多數文字用處的場合，我覺得現在就可以用國語羅馬字拼音文字。”有人认为，赵元任用这种在现实口语中根本不会出现之情况，来反面证明汉字拉丁化之可能。
阿图尔·鲁宾斯坦
阿图尔·鲁宾斯坦，KBE OSE GOSE OMRI（波蘭語：，英語：，1887年1月28日—1982年12月20日），美籍波蘭裔猶太人，著名鋼琴演奏家，生於波蘭羅茲，是20世纪最杰出、也是“艺术生命”最长的钢琴家之一，常被世人尊稱為「魯賓斯坦大師」（）。
阿图尔·鲁宾斯坦 生平
阿图尔·鲁宾斯坦日出生在罗兹（Łódź），波兰（此期间皆属俄罗斯帝国）的一个犹太家庭。他的父亲拥有一家小型纺织工厂。
阿图尔·鲁宾斯坦 生平
两岁时，鲁宾斯坦展现出绝对音感，他一看见钢琴一听到琴声就为此乐器着迷, 常旁听姐姐的钢琴课。四岁时已被认为是神童。他的父亲偏爱小提琴，曾给他一把小提琴；但鲁宾斯坦拒绝了，认为自己的直觉在于和声与复调。匈牙利小提琴家约瑟夫·约阿希姆 (Joseph Joachim) 听到这位四岁孩童的钢琴演奏后印象深刻，对家人说：「这孩子也许会成为一位非常伟大的音乐家——他确实有这样的天赋……等到该开始严肃学习时，把他带来，我很乐意督导他的艺术教育。」 1894年7岁时，他就在罗兹的一个慈善音乐会上登台初演，弹奏莫扎特、舒伯特和门德尔松的钢琴曲。他的第一位正规的钢琴老师是阿道夫·普雷齐纳（Adolf Prechner）。后来，他被送到华沙，师从亚历山大·罗伊茨基（Alexander Rozycki）学钢琴；1897年去了柏林，师从海因里希·巴斯（Heinrich Barth）；还得到罗伯特·卡恩（Robert Kahn）和马克斯·布鲁赫的理论指导。1900年，他在波兹坦担任莫扎特《A大调第23号钢琴协奏曲》（K.488）中的独奏表演；同年，他在柏林约阿希姆的指挥下再次成功演奏此曲，随后他在德国和波兰巡回演出。
阿图尔·鲁宾斯坦 生平
1903年，鲁宾斯坦在瑞士遇到帕德列夫斯基之后去了巴黎，和穆勒管弦乐队一起演奏，认识了拉威尔、杜卡斯和蒂博。他还在作曲家圣桑面前演奏过圣桑创作的《G小调钢琴协奏曲》并得到赞扬。鲁宾斯坦取得的最佳艺术奖赏在于他收到的一份美国合约。1906年，他在纽约卡内基音乐厅和费城管弦乐团表演他最喜爱的圣桑协奏曲里的独奏。他在美国的巡回演出并不完全成功，因此，他回到欧洲继续深造。1915年，他和伦敦交响乐团一起表演；1916年至-1917年，他在西班牙举行了为数众多的独奏音乐会，结果极为成功；离开西班牙后他去了南美，表演也深受当地人喜爱；他逐渐形成一种演奏西班牙和拉丁美洲音乐的特别才能，他演奏的伊萨克·阿尔贝尼斯和曼努埃尔·德·法雅的钢琴曲成为西班牙调性的典范。海托爾·維拉-羅伯斯为他创作了至今为止最难演奏的钢琴曲《鲁德波伊玛》（Rudepoêma）。
1946年，鲁宾斯坦加入美国籍。1958年，他在波兰举行战后的第一场音乐会；1964年，他仍在莫斯科、列宁格勒和基辅演奏；无论在波兰还是在苏联，他都收到了人们热烈的赞扬。由於纳粹在二战期间杀害了他的家人，他发誓永遠不在德国演出。1976年89岁时，他在伦敦举办了告别独奏音乐会。1982年，魯賓斯坦逝世於瑞士日内瓦，享耆壽95歲。
阿图尔·鲁宾斯坦 獲獎與榮譽
鲁宾斯坦获得过为数众多的国际荣誉；是法兰西艺术学院院士，为授予法国荣誉勋位及波兰荣誉勋章；获得伦敦皇家爱乐协会的金奖及美国多所大学授予的荣誉博士学位。他多次访问以色列并支持它。1974年，一个以他名字命名的国际钢琴比赛在耶路撒冷开幕。1976年，他获得由福特总统授予的美国自由勋章。
阿图尔·鲁宾斯坦 評價
鲁宾斯坦是當時肖邦音乐的最佳演绎者之一，他那如火般的热情和诗意的情感抒发非常适合于肖邦音乐的演奏。在古典乐曲方面，他的演奏倾向于形成气势磅礴的效果，他并没有沉迷于矫揉造作的风格，他演奏的莫扎特，贝多芬，舒曼和勃拉姆斯的作品的确非常鼓舞人心。幽默风趣的他经常拿那些据说被他遗漏的大量音符开玩笑，但他宣称，对音乐本身最糟的违背行为就是在节奏和力度方面的迂腐不变。他是个讲究舒适生活的人，是对宴会和晚宴毫不厌倦的宾客，还能说大多数欧洲语言，包括俄语和自己的母语波兰语，虽然时不时出点语法毛病，但是很流利。
阿图尔·鲁宾斯坦 作品節選
在好莱坞，鲁宾斯坦为好几部电影配乐，还在电影《卡内基音乐厅》（Carngeie Hall，1947）和《人与音乐》（Of Men and Music）里以自己的身份出现。1975年，一部名为《阿图尔·鲁宾斯坦，对生活的热爱》（Artur Rubinstein, Love of Life）的电影纪录片上演；一部90分钟的电视特别节目《90岁的鲁宾斯坦》（Rubinstein at 90）被播放，标志着他已进入90高龄。
生物药剂学
生物藥劑學是研究给藥後藥物的吸收（Absorption）分佈（Distribution）代謝（Metabolism）排泄（Elimination）　的整個體內過程，包含各種製劑因素和生物因素對這一過程與藥效的影響。此外，生物药剂学通过药物对生物细胞产生的反应过程来达到施药者想要达到的目的。
1950年代初，人們普遍認為“化學結構決定藥效”，藥劑學只是為改善外觀、掩蓋不良嗅味而便於服用。隨著大量的臨床實踐證明，人們逐漸開始認識到劑型和生物因素對藥效的影響。因此研究藥物在代謝過程的各種機理和理論及各種劑型和生物因素對藥效的影響，對控制藥物之際的內在品質，確保最終藥品的安全有效，提供新藥開發和臨床用藥的嚴格評價，都具有重要的意義。
前16世纪
前1600年至前1501年的这一段期间被称为前16世纪。
前16世纪里，世界上可能有四个文明的中心：埃及、两河流域的巴比伦、古印度和中国的商朝。在古埃及、中国和两河流域已经有文字使用。
战列巡洋舰
戰鬥巡洋艦（英語： 或 ；又名巡洋戰艦，或簡稱戰巡）作为20世紀初的主力艦曾短暂的活躍於一段时间。戰鬥巡洋艦在尺寸、造價和武裝與戰艦相近，但戰鬥巡洋艦为获得更高的航速，其裝甲都較为薄弱。世界上第一批戰鬥巡洋艦為英國所建造，是「裝甲巡洋艦」進一步發展而成的結果。戰巡的設計理念是以发挥其自身高航速的優勢去追捕速度較慢的巡洋艦，並透過戰艦級別的火力以摧毀巡洋艦，而裝甲厚重、航速較慢的戰艦則加以迴避。然而在實戰中，大多情況是戰鬥巡洋艦與防護較佳的戰艦共同作戰，其選擇性交戰的構想難以實踐。
战列巡洋舰
第一次世界大戰期間，世界上只有英國、德國、鄂圖曼土耳其、澳大利亞和日本海軍使用戰鬥巡洋艦此一艦種，著名相關海戰包括福克蘭群島海戰、德軍於北海襲擾英國沿海都市的行動以及史上最大規模的主力艦海戰——日德兰海战。英軍的戰鬥巡洋艦隊在日德蘭戰役中受創嚴重，其輕裝甲難以承受大口徑艦砲彈藥的破壞。戰後，主力艦的設計傾向轉為戰艦航速增快、戰巡則是裝甲增厚，戰鬥巡洋艦與快速戰艦之間的定位也越來越模糊不清。《华盛顿海军条约》後，各國的主力艦建造計畫受到了限制，由此催生了各種特定數據限制的「條約型」戰艦與戰巡，部份的建造計畫也因此廢止。
1930年代起，世界上只剩下英國海軍繼續服役戰鬥巡洋艦此一艦種，日本的戰巡則已經被重新改造過，與戰艦具有幾近相同的性能。
二戰期間，戰鬥巡洋艦再度被投入戰場，但只有一艘存活至戰後。戰巡重新定位於為大型「巡洋艦殺手」的軍艦，但在戰爭中幾乎沒什麼發揮空間，为騰出造船能量用於需求更迫切的護衛艦、航空母艦和貨船，戰鬥巡洋艦因其相關建造計畫只能被嚴重限制。冷戰期間，蘇聯的「基洛夫級」導彈巡洋艦也被歸類為戰鬥巡洋艦。
战列巡洋舰 设计原由
在一战前后，蒸汽机和早期的蒸汽轮机效率低下，为了获取更大的功率，就必须有更笨重的机器，这样战舰的重量会大大增加，而为了保护蒸汽机设计的装甲和巨大的炮塔又会拖累战舰的航速。在这种互相矛盾的取舍中，放弃厚重的装甲，以换取强大的火力和更高的速度，这就是制造战列巡洋舰的初衷。
设计战列巡洋舰的主导思想認為其可以轻而易举地击毁巡洋舰，因为其主炮使它在进入巡洋舰的射程之前就已经可以对敌舰发起进攻。而它的高航速使它可以逃避敌人的战列舰，或在海战中袭击对方已经被损坏的战列舰。
战列巡洋舰 建造
世界上最早的战列巡洋舰是英国的无敌号、不屈号、不撓号战列巡洋舰。所有三艘船都是在1906年开工，1908年下水。中间的拖延可能是为了改进无畏舰上暴露出的问题。海军大臣费席尔表示他曾希望取消所有当时的战列舰建造。它们的船体和炮塔装甲厚度为6或7英寸（150毫米或180毫米），而相应的战列舰的装甲为11英寸或12英寸（280毫米或300毫米）。它们的航速可达26节（48千米/小时），而当时相应的战列舰的航速为20节到21节（37千米到39千米/小时）。它们的火炮口径为12英寸（305毫米），这与同期的战列舰相当。
战列巡洋舰 建造
继英国之后，德国很快也建造了自己的战列巡洋舰。1911年冯·德·坦恩号战列巡洋舰下水。德国战列巡洋舰的11英寸（283毫米）主炮口径比英国的略小，但它们的防禦力比当时英国战列巡洋舰要好一些。
在实战中，战列巡洋舰很少能够象它们设计时所想象的那样单独行动。在大多数情况下，一支舰队的司令总是认为他的舰队火力越大越好。而将战列巡洋舰的火炮加入自己舰队這想法非常诱人，因此战列巡洋舰往往隨同舰队进行海战。但这些战舰不是为这样的舰队作战所设计，在如此的舰队作战中，速度无法保护其迴避战列舰的大炮，薄弱的裝甲也使它們身陷危險。
战列巡洋舰 戰史
在第一次世界大战的福克兰群岛海战中战列巡洋舰证明它们本来所设计时的战术设想是正确的。在这次战役中英国的坚定号和无敌号战列巡洋舰消灭了一支德国在南大西洋的巡洋舰舰队。而这正是战列巡洋舰的作战目的。
18个月后在日德兰海战中一支英国的战列巡洋舰舰队试图在英国主舰队到达之前与德国的战列巡洋舰和战列舰作战，其结果是一次惨败。英舰玛丽女王号、不倦号和无敌号爆炸沉没，除少数人外几乎全部舰员丧生。狮号被迫注水入弹药库来避免同样的结局。德国战列巡洋舰的装甲虽然强一些，但它们的结局并不好多少。吕佐夫号战列巡洋舰被击沉，塞德利茨号战列巡洋舰被重创。在这次海战中，除一艘德国老式战列舰外英、徳的战列舰没有一艘被击沉。
此后英国海军放弃了战列巡洋舰的战术。1918年下水的胡德号战列巡洋舰（HMS Hood）是英国建造的最后一艘战列巡洋舰。在两次世界大战之间，胡德号是世界上最大的主力艦。它的装甲比过去的战列巡洋舰强，可是在裝甲的設計和佈置上面依舊存在先前的缺點，於某些角度下砲彈可以輕易貫穿。第二次世界大战中，它在与德国俾斯麦号战列舰炮战时遭擊穿甲板、引發彈藥庫爆炸沉没，而當時她本來預定要進行相關的裝甲修改。
战列巡洋舰 衰落
第一次世界大战后，各海軍列強曾一度發起造艦競賽，但是這場競賽尚未抵達終點前就被華盛頓海軍條約喊停，在造艦競賽中製造的戰鬥巡洋艦們除了拆解、不然便改造成航空母艦，自此之後有相當長的一段時間列強沒有新建戰鬥巡洋艦。
當時還保有戰鬥巡洋艦的國家，日本帝國海軍改良服役中的金刚级战列巡洋舰，並變更艦種稱高速戰艦；尚未造成的天城級戰鬥巡洋艦則改造成航空母艦。美國海軍則是將列克星敦級戰鬥巡洋艦改造成航空母艦。但除了海軍列強外還有其他國家試圖打造類似艦種；德國的德國級裝甲艦是另一个类似战列巡洋舰的方案。因為凡爾賽條約的限制，德國不允許製造標準排水量超過10,000噸的戰艦，為了取得折衷德國在1920年代末期起造的新船雖然極速只有28節，但設計理念上趨於戰鬥巡洋艦。而在撕毀凡爾賽條約後，納粹德國海軍便建造真正的戰鬥巡洋艦：沙恩霍斯特级战列巡洋舰遂行破交作戰。
除了興建出來的產品，還有一些國家是計畫興建或是技術不純熟而未完工；如蘇聯於1930年代末期開工的喀琅施塔得級戰列巡洋艦、荷蘭投降前計畫興建的1047號戰鬥巡洋艦設計案。
战列巡洋舰 衰落
不過到1930年代中期之後，戰鬥巡洋艦的設計思維逐漸無法跟上時代進步；因為新型高溫高壓重油鍋爐使高輸出蒸氣渦輪主機得以普及，戰艦即便披覆重裝甲仍然可以維持相對高速，工程師不再得為噸位分配而出現極度矛盾的設計思慮。如英王喬治五世級戰艦，屬性雖為戰艦，但極速仍可達29節；使用技術更為先進的愛荷華級戰艦極速更一舉突破33節，這時再做分類顯然毫無意義。況且航空母艦的出現使戰艦失去往日的武力投射指標意義，投資在戰艦興建的國家越來越少，海上決戰也改變了作戰方式。
最後一種設計屬性近似戰鬥巡洋艦的軍艦為美國海軍建造的阿拉斯加级大型巡洋舰。在太平洋战争中它们表现并不突出，且單艦造價達到愛荷華級戰艦的70%，战后四艘本来计划建造的同級舰被放弃了。这两艘船装备12英寸口径主炮，它们的装甲也是为了对付12英寸口径主炮。这与过去的英国战列巡洋舰不同：英国舰艇装备了12英寸口径主炮，但它们的装甲无法对抗它们自己的武器。而战列巡洋舰的鼻祖英国人也只保留胡德号，反击号和声望号三舰。在二战中，除了胡德号被俾斯麦号击沉外，反击号也在远东被日本海军的陸基轰炸机击沉。只有声望号坚持到二战结束。
战列巡洋舰 戰後發展
1980年代蘇聯的基洛夫級飛彈巡洋艦有部分人將它劃入戰鬥巡洋艦，因為其噸位過大，幾乎與二戰時期的部分戰艦相當。
周厚复
周厚复（1902年8月17日—1970年5月17日），男，江苏江都人，中国有机化学家，化学教育家。
周厚复 生平
1902年8月17日生于江苏省江都。1922年毕业于江苏扬州省立第五师范学校，随后进入厦门大学化学系学习，后转入国立东南大学化学系。1929年赴法国巴黎大学攻读有机化学，1932年获得博士学位，此后转入德国柏林大学从事毒气研究。
1933年应浙江大学化学系系主任郦坤厚邀请，在浙大教授有机化学。1934年起任浙大化学系系主任。1940年任贵州农工学院筹备委员会委员。1943年周先生转任四川大学理学院院长，随后赴英国伦敦大学进修。由于受到德国飞机轰炸的惊恐，又加上学术成果几次被剽窃，周先生受到重大打击，罹患精神分裂症。
周厚复最早在中国探讨电子学说在有机化学中的应用。1944年他撰写的有关原子结构理论的论文，被英国皇家学会推荐为诺贝尔化学奖评选论文。
1948年周厚复先生移居台湾，任台北工业试验所有机研究室主任。
1970年5月17日因肝病辞世于台北。
皮特凯恩群岛
皮特凯恩群岛（英語：/ˈpɪtkɛərn/;皮特肯语: ），正式名称为皮特凯恩、亨德森、迪西和奥埃诺群岛，是由4座岛屿组成的南太平洋群岛，其中只有第二大岛皮特凯恩岛有人定居。皮特凯恩群岛是英国在太平洋地区剩下的最后一块海外领地，亦属于联合国非自治领土。
皮特凯恩群岛因邦蒂號叛變事件及其相关文艺作品而闻名于世。此外皮特凯恩群岛也是全世界除馬爾他騎士團以外人口最少的政治实体，其人口常年保持45—50人左右的规模。该群岛的居民大都为邦蒂号上的叛变船员和大溪地人的后裔。
皮特凯恩群岛 历史
皮特凯恩群岛最早的居民是波利尼西亚人，他们在岛上的踪迹最晚可追溯到公元15世纪。但是当葡萄牙探险家佩德羅·費爾南德斯·德·基羅斯于1606年发现该群岛时，岛上已经无人居住。
1767年，英国海军军官菲利普·卡特莱特率领探险船“燕子号”的船员们再度发现了该群岛,并以最早看见该岛的见习官罗伯特·皮特凯恩的姓氏命名该群岛的主岛为皮特凯恩岛。
1790年1月15日，“邦蒂号”上的9名叛变船员和他们的大溪地同伴逃亡到该岛。他们包括了叛变的首领、船上的大副弗莱彻·克里斯蒂安和其他8名船员、6名大溪地男人和12名大溪地女人。他们将邦蒂号上所有的物资都搬下船，然后放火把整艘船都烧了。不过今天人们还是可以在海底看到邦蒂号的残骸。
皮特凯恩群岛 历史
在岛上，船员很快就发生了内乱。加上疾病侵袭，到1800年時，叛變的船員中，只剩下约翰·亚当斯一人幸存。1814年英国海军再度发现了该岛，但却被岛民的历史所感动，因此决定不将最后剩下的叛变者逮捕。
1838年，该岛正式成为英国殖民地。到1850年时，岛上的居民多到小岛无法承受的地步，岛民们于是向维多利亚女王求援。女王批准岛民们迁徙至诺福克岛。于是在1856年5月3日，全部193名岛上的居民开始迁徙。但是18个月后，17名岛民又重新回到了皮特凯恩群岛，5年后又有27人返回家园。
1937年岛上的人口达到历史性的高峰233人，之后又开始了大规模的迁徙活动，大部分是迁往新西兰，使得今天岛上的人口保持在50人左右。