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달집
《달집》은 3막 4장으로 구성된 노경식(盧炅植)의 작품이다. 1971년 '국립극단' 공연. 임영웅(林英雄) 연출. 백성희(白星姬) 주연.  이 작품은 한국의 토착적 인간상을 부각시켜 보려고 했다는 점, 한국농촌에서 흔히 볼 수 있는 인물을 전형화(典型化)하는데 성공했다는 점, 사용된 전라도 사투리의 대사가 작가가 표현하고자 하는 인물의 생활과 의지에 완전히 일치되고 있다는 점에서 문제작이 되었다.  1951년 음력 대보름을 전후한 남원(南原) 가까운 산골, 성간난 노파는 작은 아들 창보(그의 처는 호열자로 죽었다)와 큰손자 원식의 처인 순덕 모자를 데리고 살고 있다. 노파의 남편은 3·1 운동 때 헌병대에 끌려갔다 나와 죽었고, 큰아들은 일제 때 징용에 끌려가서 죽었다. 간난 노파(老婆)의 보람은 군대에 간 원식이 허리를 다쳐 곧 돌아온다는 것과, 멋 모르고 빨치산이 된 작은 손자 만식의 무사귀가이다. 그러나 만식은 간밤에 이웃 마을에서 피살되고, 이어 습격한 빨치산들에 창보와 순덕이 납치된다. 그들은 다음날 돌아오지만 순덕은 이미 욕을 당한 뒤였다. 간난 노파는 이를 불용납, 단호히 그녀의 가출을 명한다. 창보는 이를 완강히 반대,모자 싸움 끝에 간난 노파가 남편 면회를 갔다 헌병대에서 젖을 보인 일, 만주에서 돌아오다 자기의 처가 로스께 놈한테 욕을 당한 것을 노파가 용서 못해 처가 기어이 약을 먹고 자살한 것을 호열자로 죽었다고 조작한 일 등을 폭로하고 뛰쳐 나간다. 잠시 후 원식이 봉사가 되어 돌아오자 이튿날 순덕이 목매달아 죽는다. 하지만 노파는 요지부동, 곧 새봄이 오면 서둘러야 할 농사일을 먼저 채비한다.  한국적 여인상(女人像)을 3대에 걸친 시대에 배치시킨 착안과 노파의 완고한 보수성을 한국여인의 생명의 원천으로 파악한 작가의 의도는 높이 살 만하다.
병자 3인
《병자 3인》(病者三人)은 4장으로 구성된 일재(一齋) 조중환(趙重桓, 1863-1944)의 작품이다. 한국 최초의 지상(紙上) 발표 희곡으로 1912년 11월 17일부터 25일까지 <매일신보>에 연재되었다.  1910년대의 희곡으로서 잔존하는 작품 가운데 그 작가가 직접 연극활동에 참여, 당시의 연극현실을 작품 속에 반영시킴으로써 후대에 당시의 연극을 규명해 볼 수 있는 자료적 가치를 갖는 작품으로서는 유일한 작품이다. 조일재는 바로 윤백남과 더불어 '문수성(文秀星)'의 창단 동인이며, 연기자일 뿐만 아니라 극본을 제공하던 문사(文士)로서 연극운동을 실천하고 있었다.  당시 극본의 무대화(舞臺化)는 구술(口述)을 통한 설명에 상당 부분을 의존했고 한편 기타 무대상연의 관례 때문에 극본 자체의 완벽성이 결여되어 있어, <병자 3인>도 오늘날의 희곡에 견주어 보면 치졸하고 미숙함을 면치 못하고 있다. 이 작품의 주제는 여권(女權) 옹호로서 남성 우위(男性優位), 여성 하위의 현실을 완전히 전도시킨 매우 소극적(消極的)인 극이다.  여학교 교원인 아내의 남편은 교사시험에 떨어져 그 학교의 하인이 된다. 그는 다시 시험을 치라는 아내의 독촉에 귀머거리 위장을 한다. 의사인 아내의 남편은 한의학을 한 엉터리 교의(校醫)로서 오진(誤診)을 추궁하는 아내에게 벙어리 행세를 한다. 교장인 아내 밑에서 회계로 있는 남편은 공금을 유용하고 장님을 가장한다. 그러나 남편들의 위병(僞病)은 아내들의 집요한 공격으로 폭로되고 마는데 이러한 대립과 갈등에 견디다 못한 남편들이 차라리 '감옥소에 가는 것이 상팔자'라고 집단적인 항거를 하자 아내들도 심경의 변화를 일으켜 화해를 한다.
운명 (희곡)
《운명》(運命)은 1막 2장으로 구성된 윤백남(尹白南, 1888-1951)의 작품이다. 1918년에 썼다. 1921년 예술협회에서 창립공연을 가졌다. 이기세(李基世) 연출. 1930년 출간.  그릇된 기성윤리와 유교(儒敎)의 폐습이 낳은 부권(父權) 남용을 고발하고 밀려오는 해외 사조(思潮)에 맹목적으로 영합하는 젊은이에게 경각심을 주어 새로운 도덕과 양속(良俗)을 일으키자는 개화기의 희곡이다.  무대는 하와이의 호놀룰루. 직업이 전도사(傳道師)이기 때문에 서양사람과 교섭이 많고, 무엇이고 서양 것이라면 덮어놓고 숭배하는 아버지의 강권에 못 이겨 딸 박메리는 사진에서만 본 남자를 찾아 하와이로 간다. 그녀는 이화학당(梨花學堂) 출신의 인텔리 여성으로 일본 유학생인 애인 이수옥이 있었다. 처음에는 아버지의 명을 어기려고 했지만 서양을 동경하는 허영 때문에 결국 하와이로 와서 양길삼과 결혼한다.  그런데 양길삼은 나이 많은 구두수선공으로 전혀 교양이 없는 자였다. 얼마 후 이수옥이 미국 유학차 하와이를 들르게 되었을 때 박메리를 만난다. 그는 여자가 사기결혼을 했음을 안다. 한편 이 옛 애인을 만나는 광경을 우연히 목격한 양길삼의 친구는 여자를 위협, 정조를 요구하다 거절당하자 남편에게 알린다. 노기충천한 양길삼은 이들이 만나고 있는 현장을 급습하여 일대 격투가 벌어지는데 격투 중 양길삼이 들고 있던 칼을 빼앗으려던 이수옥이 잘못하여 그 칼로 양길삼을 죽인다. 결국 이수옥은 유학의 꿈도, 애인과의 재결합의 희망도 무산된 채 감옥으로 가야할 운명에 처하게 되는 것이다.
아리랑고개 (희곡)
《아리랑고개》는 2막으로 구성된 춘강(春崗) 박승희(朴勝喜, 1901-1964)의 작품이다. 1929년 '토월회(土月會)'에서 재기공연을 했다. 연출 박승희. 주연 석금성(石金星), 이백수(李白水), 윤성묘(尹星畝), 박제행(朴齊行).  일본사람에게 빚을 갚지 못해 땅을 빼앗기고 북간도로 떠나야 했던 민족 수난의 현실을 다룬 이 작품은 일제의 토지착취, 경제착취로 울분 비탄에 빠져 있던 한국인의 슬픔을 흙, 고향, 조상의 묘 등 단순하면서도 매우 감각적인 대사와 처녀들의 아리랑 노래를 사용하여 당시 대단한 감명을 주었었다. 희곡 자체로는 이렇다 할 만한 것이 없었는데 다만 그 시대적 상황과 민족 감정에 작품의 내용이 잘 맞았던 것이었다.
김영일의 죽음
《김영일의 죽음》은 3막 4장으로 구성된 포석(抱石) 조명희(趙明熙)의 작품이다. 1920년에 썼다. 1921년 동우회(同友會：도쿄에 유학중인 고학생과 노동자들의 모임) 순회극단 공연. 주연 유춘섭(柳春燮), 허일(許一), 마해송(馬海松). 1923년 출간.  1920년대의 신극운동(新劇運動)이 근대극으로서의 과도기를 지나고 있을 때 '동우회' 극단의 참신한 연극은 매우 중요한 의의를 가지며, 그들의 레퍼토리 가운데 가장 많은 공명을 받았던 작품이 <김영일의 죽음>이었다. 한국인의 가난과 부(富)의 불공평을 비판하면서 사회주의 사상을 고취하는 한편, 박애정신을 호소하고 있다.  도쿄의 고학생 김영일은 니체의 초인의 얼굴을 가진 열렬한 기독교신자이다. 그에게는 엿장수인 고학생 학우 두 사람이 있었는데, 김영일의 모친이 위급하다는 소식을 듣고 그에게 권유, 모 회사 중역인 부유한 한국인 학생에게 가서 귀국 여비를 사정하도록 한다. 그러나 거절당하자 격분한 나머지 싸움이 벌어지고 그들은 출동한 형사에게 체포되어 유치장 신세를 진다. 때는 마침 겨울이라 쇠약한 김영일은 폐렴에 걸려 석방된 뒤 하숙방에서 병사한다. 그는 죽으면서 친구들에게 위대하고 진실한 '나'라는 것을 존중하고, 그리고 사람은 다같이 운명에 학대받는 불쌍한 존재이니 서로 사랑하라고 당부한다.
혈맥 (희곡)
《혈맥》(血脈)은 3막으로 구성된 김영수(金永壽, 1911-1979)의 작품이다. 1947년 문교부 주최 제1회 전국연극경연대회 작품상을 수상했다.  8·15광복 후의 민족의 감격과는 대조적으로 나날의 생계를 위협받고 있는 하층민의 생활을 묘사하는 가운데, 작자는 "40년 동안을 그렇게 슬프게, 비굴하게 살아오구두 그래도 아직도 모자라서 우리는 나 하나만을 찾구 나 하나만을 내세워야겠고?" 하며 과거의 역사를 반성, 힘을 합쳐 내 집을 일으키고 나라를 세워야 할 정신을 일깨워주려는 작품이다.  일제시대의 방공호(防空壕)에 살고 있는 땜장이 목판장수, 복덕방 거간을 중심으로 댄서, 암거래상, 노동자 등 28명의 등장인물이 나오는데, 그 중 분명한 의식을 지니고 있는 자는 일본에서 공부를 한 원칠뿐이다. 그는 기대가 컸지만 광복 후의 혼란 속에서 무력한 생활을 하고 있어, 폐결핵으로 신음하고 있는 아내 때문에 더욱 고통스러운 목판장수 형과 늘 충돌을 일으킨다. 땜장이는 본처의 딸을 술집으로 보내자는 술장수 후처의 졸림을 당하나, 딸이 복덕방 거간의 아들과 도망쳐 공장에 취직하자 숨을 돌린다. 홀아비 복덕방 거간은 새장가를 드는데 그 계집에게 생명처럼 아끼던 돈을 도둑맞고 자살을 한다고 야단이다. 원칠은 무력한 생활을 청산, 돈을 벌기 위해 공사장(工事場)에 나가 일을 하다가 부상을 당해 오면서 형수가 먹고 싶다던 것을 사왔으나 이미 형수는 죽어 있었다. 형수의 장례를 치르는 가운데 멀리서 지경다지는 소리가 점차 높아져 온다. 광복 후의 사회상의 단면(斷面)을 매우 리얼하게 보여 주는 작품이다.
국물 있사옵니다 (희곡)
《국물 있사옵니다》는 이근삼(李根三)의 작품이다. 1966년 '민중극장' 공연. 양광남(梁廣南) 연출.  이근삼 특유의 위트를 살려 현실적 가치질서를 전도시켜 현대 한국 사회가 지니고 있는 허점을 풍자한 소극(笑劇)이다. 작자는 이 극에서 독특한 화술(話術)과 간략한 무대장치의 교묘한 활용 및 주인공의 다각적 이용(해설자, 사건의 주도자, 도구 운반자 등)으로 빠른 템포를 유지, 세태 풍자극이 빠지기 쉬운 매너리즘에서 구출해 주고 있다.  주인공 김상범은 평범한 사회인으로서 정직하고 상식적으로 살아오는 동안 늘 실패와 손해만 보아왔다. 그러다 우연히 휴지 한 장이 계기가 되어 사장의 눈에 들게 되자, 세상에는 출세(出世)의 지름길이 있음을 깨닫고 과감히 행동을 개시한다. 먼저 상사인 경리과장이 회사돈을 유용한다고 모함하여 성공, 그 자리를 차지하고, 사장의 며느리이며 비서인 성아미와 박전무와의 스캔들을 이용, 임신중인 그녀와 결혼한다. 암흑가의 건달과 타협, 그에게 강도질을 하게 하고 뒤에서 총을 쏘아 회사에 큰 공로를 세운다. 드디어 그는 상무가 되고 사장까지 바라볼 수 있게 된다. 그러나 그는 행복하지 못하다. 대학교수를 집어치우고 초등학교 교사가 된 형과 밤잠도 거의 자지 않고 공부해서 입사시험에 합격한 동생은 오히려 행복하고 만족스러운데……왜 그럴까?  작자는 김상범의 어처구니 없는 희극 속에서(작가는 그것이 현실이라고 주장한다) 현대인의 비애(悲哀)를 보여주고 싶어했던 것이다.
토끼와 포수
《토끼와 포수》는 5경 구성의 박조열(朴祚烈) 작품이다. 1965년 '민중극장' 공연. 김정옥(金正鈺) 연출.  1960년대의 신인중에서 가장 뛰어난 작가의 한 사람인 박조열의 데뷔작이다. 그는 연극적인 센스와 언어감각이 예민해서 인물 설정이 치밀하고 액션의 발전이 경쾌할뿐더러 점층적 발전 끝에 파열하는 대사의 그 코믹한 맛은 일품이다. 특히 이 작품에서 높이 살 만한 점은 진부한 테마임에도 불구하고 신선하고 세련되며 전혀 구질구질한 때가 없다는 점이다.  포수 장운(화가)은 전에 만난 일이 있는 토끼(인형 제작가인 미망인 민혜옥)를 잡으려고 그녀 건넌방에 세들어 온다. 혜옥은 응접실에 빨랫줄과 말뚝으로 경계선을 만들며 그를 강도니 뭐니 하지만 여자마음을 꿰뚫고 있는 유들유들한 장운은 오히려 사냥욕을 일으킬 뿐이다. 첫눈에 그가 좋아진 혜옥의 딸 민영은 혜옥도 차츰 그를 좋아하게 될 것이라 한다. 명랑한 그녀는 꽉 막힌 곤충학도 기호를 어디가 좋은지도 모르며 사랑하는데 혜옥은 그것을 못마땅하게 생각한다. 그러자 여자를 설득시키는 최고의 무기는 용기와 계속성이라는 장운의 조언(助言)을 듣고 기호는 술을 마시고 용기백배, 약혼식을 선언한다. 이에 혜옥은 그만 아연해진다. 한편 장운이 기호 때문에 마신 술로 병이 나서 눕자 혜옥은 하녀를 시켜 장운 모르게 병구완을 한다. 마침 기호의 아버지가 신부의 선을 보러온다. 그런데 기호는 장운이 장인이라 해놨기 때문에 그는 자연스럽게 혜옥의 남편, 민영의 아버지 노릇을 한다. 혼사(婚事)가 성취되고 모두 나가 둘만이 남게되자 장운은 혜옥 앞을 사자 같은 여유만만한 자세로 왔다 갔다 하다 "여보" 하고 부른다. 혜옥은 잠시 주저하다 입만 움직여 "예" 한다.
포로들 (희곡)
《포로들》은 이재현(李載賢)의 장막 희곡작품이다. 5·16 민족문화상 공모 희곡부 당선작이다. 1972년 '국립극단' 공연. 이기하(李基夏) 연출.전쟁과 휴머니즘의 갈등, 이데올로기와 개인의 자유와의 갈등을 다룬 최초의 서사적 연극(敍事的演劇)의 성공작이다. 이재현은 이미 1950년대에 데뷔, 많은 작품을 남겼지만 역사를 조감하는 안목과 새로운 연극 수법으로 이 작품에서 크게 주목을 받았다.  휴전(休戰)을 얼마 앞둔 거제도 포로수용소, 제네바 협정을 내세워 형식주의 노예가 된 수용소 당국 밑에서 공산분자들은 마음놓고 조직을 확대하고 우경(右傾) 포로들에 대한 테러 행위를 자행한다. 포로 가운데 영철은 부산에 피난 온 옛 고향 애인을 통해 그를 알게 된 군목(軍牧)의 설득에도 불구하고 북송을 희망한다. 두고 온 부모가 계신 고향으로 가고 싶다는 순수한 생각에서이다. 그러나 그 순수성은 이데올로기에 짓밟히고 그를 역이용하려는 공산분자(共産分子)에게 고문을 당하고 나자 생각이 바뀌지만, 이미 저들은 수용소 소장을 납치하고 저들의 요구를 관철시킨 뒤였다. 신임 소장에 의해 강경한 조처가 내려진 가운데 영철은 저들의 마수를 탈출하려 하지만 그만 피살당하고 만다. 타의적으로 결정된 인간의 비극을 고발하고 각성시킨 수작(秀作)이다.
나파모스타트
나파모스타트(Nafamostat)는 췌장염 치료제이다. 성분명은 나파모스타트 메실산염 (nafamostat mesilate)이다.
나파모스타트 역사
나파모스타트는 일본 제약사 토리이에서 개발한 의약품이다. 제일약품은 2019년 식약처를 통해 췌장염 치료제 나파모스타드의 생산 및 판매 제네릭 허가를 받아 판매하고 있다. 헤파린 대체약물로 투석환자나 급성췌장염 환자 등에게 사용된다.
SK케미칼은 나파모스타트를 주성분으로 한 혈액 항응고제 '주사용 후탄'을 지난 2005년 일본 토리이로부터 도입해 국내 최초로 소개했으며 2020년 국내 발매 14년을 맞이한 기업이다.
나파모스타트 코로나19
2020년 3월 18일, 도쿄대 의과학연구소가 췌장염 치료제로 일본에서 승인된 나파모스타트 메실산염(Nafamostat Mesilate)을 코로나19 환자에게 시험 투약했다.
4월 17일, 한국 식약처가 나파모스타트 임상시험을 승인했다. 경상대학교가 혈액 투석환자나 급성췌장염 환자 등의 혈액응고방지제로 쓰이는 후탄(나파모스타트메실산염, SK케미칼)이 코로나19 폐렴 환자를 대상으로 임상시험에 돌입한다.
4월 24일, 정부가 코로나19 치료제 현황을 점검했다. 나파모스타트는 에볼라 치료제인 렘데시비르보다 50배 이상 바이러스를 억제시키는 등 코로나19 고위험군 3명 완치가 발표된 바 있다.
5월 14일, 한국파스퇴르연구소(소장 류왕식)는 혈액 항응고제 및 급성 췌장염 치료제의 성분인 '나파모스타트'가 코로나19 바이러스 감염을 억제하는 매우 강력한 항바이러스 효능을 가졌다고 밝혔다. 연구논문에서, 나파모스타트가 Calu-3 세포에서 렘데시비르보다 약 600배 더 강력함을 나타낸다고 한다. 연구팀은 "렘데시비르 농도의 600분의 1로 동일한 항바이러스 효과를 얻었다"고 말했다.
옛날 옛적에 훠어이 훠이
《옛날 옛적에 훠어이 훠이》는 소설가인 최인훈(崔仁勳, 1933-  )의 두번째 희곡 작품이다. 1976년 가을 '산하(山河)' 공연, 표재순(表在淳) 연출. 평안도 지방에 전래되어 온 '장수설화'를 바탕으로 한민족의 비극성을 보편적인 인류의 비극성과 연결시킨 역작(力作)이다. 장수설화와 동형인 출애급기(出埃及記)의 바스까제(際)뿐만 아니라 신구약 성서에 나타나 있는 상징체계는 메시아의 탄생, 죽음, 그리고 부활이다. 작가는 이런 사고의 바탕에서 고난에 찬 한국인의 비극적 삶과 죽음을 격조 높게 묘사하였다. 사는 데 주눅이 들어 말더듬이까지 된 주인공이 어쩌다 장가를 들어 낳은 아들이 '장수'였다. 마침 뒷산인 용마산(龍馬山)에서 용마가 욺으로써 '장수'가 났다는 소문이 퍼지고 이에 관헌들이 이웃 동네까지 와서 '장수'를 찾아다니는 것이었다. 뒤늦게 자기 아들이 '장수'인 것을 안 주인공은 발견되면 가족 전체가 화를 당할까 두려워한 나머지 '장수'를 눌러죽인다. 이에 충격을 받은 아내는 방에서 목매달아 죽고 주인공도 따라 자살한다. 그리하여 이 비극적인 세 사람은 용마를 타고 승천한다는 것이 이 작품의 줄거리이다.  작가 최인훈은 이 이야기를 통하여 자기들의 운명(運命)조차 짊어지고 나갈 힘이 없는 한국인의 고난에 찬 삶을 그리고 있다. 즉 지정학적으로 보아서 강대국의 틈바구니에 끼어 악정과 가난에 시달려 온 민족의 수난을 매우 비관주의적 각도에서 상징적으로 묘사한 것이다. 오영진(吳泳鎭)의 일련의 희극 작품이 신화문학의 희극적 비전에 속한다면 최인훈의 희곡은 비극적 비전에 속한다고 하겠다.
송태근
송태근(1956년 4월 28일 ~ )은 대한민국의 목사이다. 2012년 6월부터 삼일교회 담임목사로 사역하였다.
송태근 활동
1994년에 900여명의 성도가 출석하는 노량진 강남교회 3대 담임목사로 부임한 송태근 목사는 사람을 키우는 일에 목회 철학을 두고 목회자 양성과 장애인 사역을 중점으로 하면서 고시생이 많은 노량진의 지역 특성상 청년사역에 심혈을 기울여 2012년 기준 5천여 명의 성도가 출석하는 교회로 성장하게 하였다.
삼일교회 당회가 2012년 5월말 송태근을 초빙하면서 “성경본문 중심의 설교를 하는 송태근 목사는 한국 교회 대표적인 강해 설교가로 인정받고 있는 분”이라며 "복음적 설교의 은사를 가진 분을 후임으로 결정하게 됐다"고 밝했다.
송태근 논란
교회개혁 실천 운동에 앞장섰던 송태근은 2014년 2월 논문 표절과 재정 의혹을 받은 사랑의 교회 오정현 목사와 축구 경기를 하는 등 함께 어울린 사실과 2014년 3월 4일 삼일교회 설립 60주년을 맞아 개최한 세미나에 한국대학생선교회(CCC)를 세습한 박성민 대표를 초청해 '캠퍼스 사역의 현주소와 대안'이라는 주제로 발제하게 한 것을 두고 논란이 되었다.
빛은 멀어도
《빛은 멀어도》는 4막 5장으로 구성된 박현숙(朴賢淑, 1925-    )의 작품이다. 1960년대 작품이지만 '성좌(星座)'에 의해 1977년 가을 제1회 대한민국 연극제에 올려졌다. 김학천(金學泉) 연출. 전후가 시대배경이 된 <빛은 멀어도>는 전통모랄과 새로운 모랄이 부딪치는 세태풍속극(世態風俗劇)이다. 전후의 풍속도를 여성의 시각으로 포착한 이 작품은 가난한 대학생이 부유한 집 가정교사로 들어가 그집 딸과 사랑함으로써 문제가 야기된다. 결혼 과정에서 갖은 수모를 당한 남주인공은 처부모에 복수할 것을 결심하고 고의적으로 애인이 있다고 속인다. 그로 인한 충격으로 아내는 정신이상이 되고 하반신마저 못쓰게 된다. 자기를 그토록 사랑하는 아내를 그녀의 부모에 대한 증오심으로 해서 불행하게 만든 남주인공은 결국엔 아내에게 용서를 빌고 화해하기 위해 집으로 돌아오며 장모는 사위를 용서한다는 이야기이다. 그러니까 전후 우리 사회에 만연되어 있는 황금만능주의와 비뚤어진 가치관으로 인한 보상을 한 여인이 비극적으로 치른다는 이야기이다.  비교적 진부한 소재와 주제지만 알기 쉬운 내용과 작가의 여성적이고 따뜻한 인간애와 센티멘탈리즘이 전편을 감싸고 있다.
우보시의 어느 해 겨울
《우보시의 어느 해 겨울》은 2막 16경으로 구성된 신명순(申明淳, 1940-    )의 작품이다. 1974년 '민예극장' 공연. 허규(許圭) 연출. 1960년대 이후의 한국 정치와 사회를 은유적으로 비판한 작품이다. 평화를 포식한 끝에 뱃속에 더러운 찌꺼기가 가득 차서 누군가 수술을 해야하는 썩은 우보시에 검은 군대가 진주하는 것으로 시작되는 이 작품은 자유와 평화의 상호관계를 다루고 있다. 검은 군대에 항거하는 게릴라, 금지된 종을 치는 소년, 자유가 없이는 평화가 존재할 수 없다고 주장하는 신부(神父), 방관적인 시민, 질서를 요구하는 사령관 등이 얽혀, 대립·갈등하는 음울한 이야기가 바로 이 작품의 줄거리이다. 이 작품에서 가상의 도시인 우보시와 우보시민이 벌이는 삶의 몸부림은 많은 것을 상징적으로 암시해 준다. 그러나 그런 우화(寓話)가 관객에게 무엇을 암시하려는 것인가에 이 작품의 핵심이 있다. 시민과 군대와 교회라는 세 대립관계에서 작가가 서 있는 자리는 어디냐 하는 것도 문제이다. 이 문제는 오늘날 작가가 겪는 고뇌와, 창작을 함에 있어서의 어려움으로 볼 수 있는 것이다.  <우보시의 어느 해 겨울>은 우화적 수법으로 사회와 정치를 비판한 작품으로서 막스 프리쉬의 <안도라>와 매우 흡사하다.
출세기
《출세기》(出世記)는 24장으로 구성된 윤대성(尹大星, 1939-    )의 작품이다. 1974년 '동랑레퍼터리극단' 공연. 김기주(金基柱) 연출. <동아일보> 신춘문예(<출발>)를 통해 데뷔한 윤대성은 사회부조리에 대하여 매우 신랄하게 비판을 가하는 사회문제 극작가이다. <출세기>만 하더라도 대중의 우매성과 매스컴 공해, 그리고 그로 인한 인간의 전락과정에 초점을 맞춘 작품이다.  이 작품을 통해서 작가는 문명공해 속에서 인간이 어떻게 몰락해 가는가 하는 것을 독특한 재치와 희극적 터치로 처리하고 있다. 전에 <목소리>라는 작품으로 매스컴의 횡포를 다룬 적이 있었던 윤대성은 최장기간 지하에 매몰되었던 광부 양창선의 실화를 소재로 <출세기>를 쓴 것이다. 지하에 매몰됨으로써 일약 매스컴의 총아가 되었던 주인공은 진짜 출세나 한 줄 알고 나서지만 곧 그는 매스컴에서 잊혀진 인물이 되어 초라하게 귀가한다는 희비극이다. 그러니까 작가는 매스컴의 위력 앞에서 붕괴되고 농락당하는 인간을 묘사함으로써 인간성 상실의 현대인을 시니컬하게 고발하고 있는 것이다. 24장에 걸쳐 오늘의 사회단면의 요모조모를 스케치하듯 묘사한 작품이 바로 <출세기>이다.
쉬 쉬 쉬잇
《쉬 쉬 쉬잇》은 이현화(李鉉和, 1943-    )의 작품이다. 1970년도 <중앙일보> 신춘문예(<요한을 찾습니다>)를 통해 등장한 이현화는 70년대에서 가장 기대되었던 신진작가이다. 이현화는 기하학적인 극구성과 예리하고 발랄한 대사처리, 시종 위협과 공포를 불러일으키는 분위기 조성, 통렬한 냉소로 시대를 풍자하는 작가이다. '자유극장'에 의해 공연된 <쉬 쉬 쉬잇>(金正鈺 연출)도 그런 독특한 작품으로 <누구세요?> <텍서사이스> 등과 함께 3부작으로 구성되어 있다.  신혼부부가 여행중에 어떤 침입자에 의해 고초를 당하는 이야기의 <쉬 쉬 쉬잇>은 이 시대의 정신상황을 해럴드 핀터식으로 점검한 작품이다. 즉 오늘의 인간의 내면적 파멸이 원죄의식에서 나온 양심의 하자(瑕疵)라는 잠재의식에 의한 것이냐, 아니면 시대상황이 주는 외부적 충격에 연유한 것이냐에 대해서 매우 암시적이고 상징적으로 어떤 해답을 던지고 있다.  이 작품은 감각면에서나 드라마의 전개에 있어서 외국작가의 수준에 그리 뒤지지 않는 작품이다. 추리극은 첨단적 연극의 한 경향이며 삶의 공포는 핀터라든가 카프카 등이 즐겨 다룬 작품주제이기도 하다.
쉬쉬쉬잇
《쉬쉬쉬잇》은 1984년 9월 9일에 MBC TV에서 방영되었던 베스트셀러극장이다.
쉬쉬쉬잇 줄거리
덕구(한인수)는 자신이 하는 모든 일들이 항상 끝판에 가서 실패하자 위기의식에 휩싸인다.
그는 자신의 이런 심약한 정신상태를 극복하기 위해 사장 딸 영애(오미연)에게 접근한다.
처음으로 계획한 일을 성공시킨 덕구는 미인인 신부와 재산을 동시에 얻지만 영애를 노혔던 숱한 라이벌들의 위협을 받는다.
저 별이 위험하다
《저 별이 위험하다》는 김광림의 작품이다. 동숭아트센터 개관 5주년 기념공연. 박광정 연출. 신의 인간에 대한 무관심과 인간의 인간에 대한 사랑의 부재로 위기상황에 빠진 인간상황을 그리고 있다. 김광림은 우리가 사는 이 세상이 자멸하기 직전에 처해 있다고 진단한다. 환경오염, 에이즈 같은 불치 병의 만연, 인간상호간의 무관심, 증오, 가치혼돈과 정체감 상실 등으로 인간과 환경이 크게 파괴되어 있다는 것이다. 더구나 수술복을 입은 하나님은 응급수술을 받아야 하는 중환자(이 세상)를 방치한 채 내기 당구에만 열중한다. 이제 인간은 어떤 지푸라기를 잡아야 하는가? 그 해답을 찾으려는 필사적인 탐사가 이루어진다. 작가는 휴머니스트답게 인간상호간에 사랑을 회복하는 것만이 유일한 희망이라고 결론짓는다. 부조리적 세계관에 실존주의적 해결책을 접목시킨 셈이다. 연출자 박광정은 선정과 폭력이 충만한 무대로 작가의 절망을 더욱 고통스럽게 부각시켰고 무대미술을 맡은 박동우는 링거병들을 천장에 가득 매달아 중병에 걸린 지구촌의 형상을 시각적으로 친절하게 설명해 주었다.
비닐하우스 (희곡)
《비닐하우스》는 오태석(1941-    )의 작품이다. 오태석연극제의 두번째 공연이다. 극단 목화·레퍼토리컴퍼니, 이윤택 연출. 전쟁과 공해로 얼룩진 후기산업사회를 배경으로 위선적인 공동선을 표방하는 거대한 조직에 순치되고 파괴되어가는 인간군상을 보여준다.  비닐하우스는 엄청난 재난에 대비하여 국민들이 집단으로 채혈하는 곳, 사람들은 마치 입영영장을 받듯이 헌혈통지서를 받고 이 곳에 와서 저마다 할당된 양의 피를 뽑는데, 국민적 합의로 세워졌다는 이 기관이 자율과 자발보다는 강요와 통제에 의해 통치된다. 헌혈자들은 죄수 취급을 당하여 이름 대신 번호로 불리고 비닐하우스의 화초같이 고분고분해지도록 사육된다. 세속적이지만 아직도 정의감과 인간미를 지니고 있는 청과시장 중매인이 비닐하우스에 침입하여 조직의 비리와 싸워 마침내 승리한 뒤 수용소를 탈출하기까지의 과정을 다룬 극이다. 마지막 장면의 처리를 놓고 연출자와 작가 사이에 있었던 논쟁이 극계의 관심을 끌기도 했었는데, 원래 오태석은 이 침입자마저 조직이 보낸 역정보원으로 설정하였으나 이윤택은 관객의 신뢰를 배반할 수 없다면서 작가의 안을 무시하고 매우 낙관적으로 극을 마무리지었다.
구멍의 둘레
《구멍의 둘레》는 정우숙 작품이다. 삶이 강요하는 함정의 둘레를 서성이면서 괴로워하는 인생들의 초상을 통해 진정한 고통의 의미를 생각게 하는 극이다. "지옥이 이승보다 더 괴로울까?" 극중의 한 등장인물이 내뱉는 이 대사가 암시하듯, 이 청년여류작가의 절망 또한 두 선배작가 못지 않게 깊다. 기혼여성인 서명인이 주인공으로, 집에서는 병든 시부모를 헌신적으로 모시고 무능하고 무책임한 남편에 순종하며 자식을 끔찍이도 사랑한다. 남자를 무차별하게 정죄하는 초보적 여성주의를 드러내기 쉬운 설정이지만 작가는 보다 근본적인 데에 관심을 두고 있다. 다시말해 그녀의 가정생활보다는 그녀가 맹인 현수에게 책을 읽어주는 아르바이트를 하면서 두 사람이 변화하는 과정에 보다 큰 비중을 두고 있다. 흥미롭게도 가정에서는 전통적인 현모양처의 역할에 충실한 그녀가 직장에서는 해방된 강인한 여성으로 돌변하여, 위선적으로 예수의 고통을 흉내내는 현수로 하여금 끝내 진실을 직시하게 하는 능동적인 역할을 한다. 그러나 극의 결말은 설사 진실을 마주본다 할지라도 어둠과 고통과 두려움에 둘러싸인 인생의 실존상황은 달라지지 않음을 보여준다. 인생의 부조리를 관찰하는 작가의 시선이 매우 차갑게 느껴지는 작품이다.
이혼의 조건
《이혼의 조건》은 윤대성(1939-  )의 작품이다. 전통적인 사회통념과는 달리 이 극에서 메마른 가정이나마 지키고자 하는 쪽은 남편이다. 비록 그는 젊은 여자와 외도를 즐기고, 가정에 얽매인 아내와는 반대로 자유롭게 살고 있지만, 가정만큼은 깨뜨려서는 안 된다고 생각한다. 사랑이 아닌 적대가 바탕을 이루고, 서로에게 아물 수 없는 상처만 주고 인생을 소모하며 가정위기의 책임을 상대방에게 전가하는 부부. 그러나 놀랍게도 자식 세대에게는 그들이 그토록 혐오하는 결혼제도의 올가미를 씌우는 데 직·간접적으로 공모한다. 25년간의 무의미한 결혼생활을 청산하고 홀로서기를 시도하는 아내는 술취한 사윗감이 잠자고 있는 침실로 이미 처녀가 아닌 딸을 들여보냄으로써 파혼이 불가능하도록 계략을 쓴다. 반대로 무의미하지만 습관이 되어버린 결혼생활을 지키려고 애쓰는 남편은 사윗감이 파혼하겠다고 말하자 뜻밖에도 선선히 응낙한다. 그런 그는 사윗감을 술취하게 만듦으로써 아내의 계략이 작용하게끔 한다.
불지른 남자
《불지른 남자》는 이강백의 작품이다. 1980년대에 광주미문화원에 불을 질렀던 정재현이 10년 넘게 형을 살고 나와 세상을 돌아보는 일종의 순회극이다. 군사정권이 물러가고 문민정부가 들어섰으니 세상이 좋아졌다고 이구동성이다. 그러나 재현이 둘러본 오늘의 세상은 10년 전 그가 미문화원에 불을 질렀던 때와 전혀 다름이 없다. 재현은 옛 동지들을 만나보지만 그들은 세상이 변했음을 오히려 더 과장되게 주장하면서 일상의 안일 속으로 잠겨 들어간다. 그러면서 그들은 군사문화를 상징하는 폭탄주를 매일 마신다. 그들이 말하는 변화의 거짓됨과 거짓에 앞장선 자신들의 변절을 잊고자 함이다.  재현의 종말이 매우 충격적이다. 친구의 양로원에 식사보조원으로 취직한 그는 치매증을 앓고 있는 노인들에게 밥을 먹여주다가 오히려 그들에게 맞아 죽는다. 외세의 지배를 당하던 때가 더 좋았다고 회상하는 노인들의 잘못된 시각을 고쳐주려다가 변을 당한 것이다. 작가는 노인들의 치매와 우리들의 건망증을 동일시한다. 10년 전 그가 사회를 향해 의식의 불을 켜기 위하여 불을 질렀지만, '우리는 세상이 바뀌었다고 기분을 내면서 불지른 남자를 잊었다. 그가 오랫동안 갇혀 있던 망각으로부터 우리에게 돌아왔을 때 우리는 냉담하였고, 그의 과거 행위를 비난하였으며, 그를 조롱하다가 끝내 그가 죽은 줄도 몰랐다. 그러나 죽은 재현은 천국에서 다시 우리를 위해 성냥불을 켠다.'  이강백은 가장 주관적인 연극양식인 표현주의적 기법과 극구성을 적용하면서 흑백논리에 의한 인물설정의 결함을 극복했다.
대머리 여가수
《대머리 여가수》(La Cantatrice chauve)는 프랑스의 전후(戰後) 극작가 외젠 이오네스코의 작품이다. 1950년에 처음 공연되었을 때 '반영극(反演劇)'이라는 부제(副題)를 달았다. 1950년대에 크게 대두된 이른바 '부조리(不條理) 연극'의 최초의 작품이다.  한국에서는 이가형 역, 김진태 연출로 극단 '가교'에 의하여 1970년 6월에 상연된 바 있다.  스미드와 마틴이라는 두 쌍의 부부를 등장시킨 이 극은 재래적 뜻의 플롯이 전혀 없는 상황 속에서 전개되는데, 주제를 요약하면 일상생활 속에 함몰된 부부생활의 무의미함, 인간들끼리의 커뮤니케이션의 근원적 불가능성, 나아가 생의 불모성(不毛性)을 다룬 것이라 할 수 있다. 한편 수법으로서는 일상적 회화를 패러디의 대상으로 삼아, 말 자체가 갖는 무의미함을 단조롭게 반복하며, 우리가 비논리적이라고 생각해 오던 엉뚱한 상황을 그로테스크하게 과장하는 의상외(意想外)의 방법을 썼다.
스랏다
스랏다(산스크리트어·힌디어: श्राद्ध)는 사람의 영혼, 특히 죽은 부모에게 경의를 표하기 위해 수행하는 의식이다. 개념적으로, 스랏다는 사람들이 있는 그대로 있도록 도와주고 그들의 평화를 기도해 준 그들의 부모와 조상들에게 진심 어린 감사와 추모를 표현하는 방법이다. 스랏다는 또한 "추모의 날"로 생각될 수 있다. 스랏다는 힌두력에 따라 부모가 각각 죽은 날("tithi")에 따로따로 수행된다. 게다가, 스랏다는 또한 가을 샤라드 나바라트리 바로 전에, 피트리 팍샤 또는 슈라다 팍샤(조상들의 밤) 동안 부모 모두의 '피트리' 공동체 전체를 위해 집합적으로 수행된다.
스랏다 의식
실제로 카르타(스라다를 수행하는 사람)는 (1) 그날 브라만(사제)들을 초대하고, 그들에게 부모의 신성을 불러내어 경배하고 먹을 것을 주며, (2) 호마(불의식)를 수행하여 제물을 조상에게 전달하고 영양을 공급하고 보호하는 신들인 아그니와 소마를 달래고 (3) 떠난 영혼에게 쌀 한 공기('핀다 프라다나', 조상의 영혼인 피트리스에게 바치는 공양)를 제공한다. 공물은 아버지, 할아버지, 증조부/어머니, 아버지의 어머니, 아버지의 할머니 등 3대에 걸쳐 바쳐진다. 카르타는 사제에게 환대를 베풀고 브라만에게 “닥시나”(수수료)를 주는 것으로 의식을 마무리한다. (스랏다를 하는 동안 발을 씻겨주는 등 브라만에 대한 존경심을 표시하는 다양한 행동이 행해진다). 힌두교에서도 까마귀를 숭배하며, 스랏다 기간 동안 까마귀에게 음식이나 핀다를 바치는 관습이 여전히 남아 있다.
스랏다 의식
이는 힌두교의 현자들이 구상해온 보다 중요하고 숭고한 "사삼스카라"(정신과 영혼을 정화하기 위한 의식)의 하나이기 때문에, 의식의 수행자가 자신이 하는 일을 이해하는 것은 필수적이다. 그래야만 의식의 참된 의도가 성취되고, 의식의 수행자는 완전히 만족감을 느낄 수 있다. 그렇지 않으면, 의식은 단지 자신의 기계적인 운동이 된다.
사후에 가족들은 마지막 의식과 홀람을 행한다. 이러한 의식들은 한 사람의 삶을 반영하는 것이다. 산티호맘과 아그니호맘도 포함될 수 있다. 산티호맘 이후에는 몸에 성수를 뿌려 씻어낸다. 다른 의식으로는 음식을 바치는 것과 몸에 약초를 바르는 것이 있다. 하반은 불의 신 아그니를 달래기 위해 행해진다. 호맘 때에는 수행자가 신에게 고인의 잘못과 죄를 용서해 달라고 기도하는 동안 구절들이 낭송된다.
스랏다 스랏다 기간
경전에서는 96개의 스랏다 카르마를 수행하도록 규정하고 있다. 하지만 이러한 관행을 지키기는 어렵다. 또한 일 년에 한 번, 피트르 파크샤 기간에는 더 큰 우주인 조상에게 공양을 바친다. 힌두교 아만타 달력(아마바샤로 끝나는 달)에서는 바드라파다의 하반기를 피트루 파크샤라고 부른다: 피트리파크샤 또는 스라다파크샤, 아마바샤(초승달)는 사르바피트리 아마바샤라고 한다. 이 부분은 무후르타샤스트라(선거 점성술)에서 불길한 것으로 간주된다. 이 시기(일반적으로 9월)에는 인도와 네팔의 농작물이 준비되며, 나바라트리와 같은 다른 축제가 시작되기 전에 부모나 조상 등 조상에게 먼저 존경과 감사의 표시로 농작물을 바친다(핀다를 통해).
많은 사람들이 페호와, 쿠루크셰트라, 하리드와르, 고카르나, 나시크, 가야 등의 힌두교 성지 순례지를 방문해 스랏다 의식을 거행한다. 하리드와르는 힌두교 계보 등록지로도 유명하다.
우리 읍내 (희곡)
《우리 읍내》(Our Town)는 미국 극작가 손턴 와일더의 작품이다. 1938년 작품이다. 미국의 어느 소읍(小邑)을 무대로 1900년 초를 시기로 잡은 이 극은 평범한(거의 극적인 사건이 벌어지는 일 없는) 사람의 삶과 죽음을 그린 작품이다. 이름없이 평범하게 살아간 그 생활 속에 인생의 참뜻이 있지만 사람들은 대개 그 뜻을 이해하지 못하고 살아가는 존재라는 것을 거창한 주제의식 같은 것을 전혀 배제한 채 그려보이는 데 특색이 있다.  한국에서는 이화여대 '영어극'(1957. 5), '고대극회'(1959. 5. 김갑순 역, 이기하 연출), '실험극장'(1970. 9. 오화섭 역, 김영현 연출) 등에 의하여 상연된 바 있다.  에밀리와 조지 두 남녀가 한 고을의 이웃에 살면서 학교에 같이 다니고 졸업해서 곧 결혼하고 아이를 낳고, 그리고 에밀리는 요절하고 만다는 이야기뿐인데 작자의 주안점은 그들의 이야기 자체에 있는 것이 아니라, 인생이 그런 식으로 벌어지고 그 속에 깊디깊은 진리가 숨어 있다는 것을 강조한다. 따라서 1막은 일상생활, 2막은 사랑과 결혼, 3막은 죽음이라고 각 장면을 설명하고, 이색적으로 제3막을 묘지의 장면으로 하여 죽은 자들을 등장 인물로 하고 있다. 작품 전체에 개별적인 것을 통한 보편화의 의도가 뚜렷이 엿보인다.
검찰관 (희곡)
《검찰관》(檢察官, 러시아어: Ревизор 레비조르[*])은 러시아의 희곡이다. 니콜라이 고골의 작품으로 5막으로 되어 있다. 1836년에 상트페테르부르크의 알렉산드린스키 극장에서 초연되었으나 당시에는 찬반양론으로 객석을 들끓게 한 작품이다. 그 결과 작자는 논쟁을 피하기 위하여 국외로 도피할 정도로 제정 러시아의 지방관리의 악덕을 철저히 묘사한 희극이다.
검찰관 (희곡) 줄거리
지방 소도시의 시장의 저택. 페테르부르크에서 검찰관이 시찰하러 온다는 편지를 받은 시장은 지방의 유지들을 모아 대책을 강구하고 있다. 거기에 지주인 도브친스키와 보브친스키가 검찰관다운 뛰어난 용모를 가진 사나이가 여관에 머무르고 있음을 알리러 온다.
그러나 여관에 머무르고 있는 것은 다름 아닌 하급 관리 헬레스타코프로 도박으로 가진 돈을 다 날려버린 결과 여관에서는 식사(食事)마저도 주지 않는 형편이다. 그러나 그를 검찰관이라고 굳게 믿고 있는 시장은 여관에까지 가서 정중히 그를 맞아들이고 여관의 밀린 계산마저 지불한다.
검찰관인 체하고 시침을 뗀 헬레스타코프는 지방의 유지들을 따라 시장의 저택으로 온다. 시장의 처 안나와 딸 마리아를 상대로 그는 득의(得意)의 허풍을 떤다. 그리고 시장을 비롯한 유지들은 안절부절한다.
검찰관 (희곡) 줄거리
시장 저택에 유숙한 헬레스타코프는 그 지방 유지들 한 사람 한 사람에게 돈을 좀 빌려달라고 한다. 지방의 명사들은 그들대로 그에게 돈을 빌려줌으로써 그들의 부정이 은폐되어 별 탈 없이 끝날 것이라고 안도한다. 이 사이에 헬레스타코프는 시장의 딸 마리아와 약혼까지 하기에 이른다.
시장의 저택에는 마리의 약혼을 축하하기 위한 지방의 유지들이 모여 있다. 거기에 우체국장이 헬레스타코프가 그의 친구에게 보낸 편지를 가지고 뛰어든다. 거기에는 그 지방 유지들을 비웃는 악평이 쓰여져 있는 게 아닌가. 시장 저택에 모인 사람들은 가짜 검찰관을 진짜 검찰관으로 오인한 죄를 서로 덮어씌우는 일로 인하여 소동을 피우게 된다. 그때 진짜 검찰관이 도착했다는 전갈이 온다.
검찰관 (희곡) 공연
한국에서의 공연은 1932년 5월 4일부터 3일간, 극예술연구회의 직속 극단 '실험무대'의 제1차 시연형식(試演形式)으로 행해졌다. 당시 공연을 한 진용은 다음과 같다.   번역－함대훈, 연출－홍해성, 출연에는 극예술연구회 동인들인 이헌구(李軒求), 함대훈(咸大勳), 서항석(徐恒錫), 유치진(柳致眞), 이하윤(異河潤), 김진섭(金晋燮) 등이었으며, 그 이후의 한국 신극의 주동적 인물이 망라되었다는 점은 특기할 만하다.
세인트 존 (희곡)
《세인트 존》(Saint Joan)은 잔 다르크를 주제로 한 조지 버나드 쇼 만년(1923년)의 걸작, 역사를 현실주의적으로 해석한 작품이다. 한국에서는 이진섭 역, 이진순 연출로 '국립극단'에 의하여 1963년 3월에 상연된 바 있다.  이 작품은 전 7장으로 되어 있고, 첫장면에서 존이 자기 존재를 시골 영주에게 알려 마치 그녀가 기적을 행한 것같이 보여주는 장면도 합리적으로 다뤄져 있다. 그것은 종래의 의미의 기적이라기보다 뭇사람들을 훨씬 뛰어넘은 한 사람의 '천재'로서 그려져 있다. 그러기 때문에 왕자에게도 신임을 얻고 오를레앙을 방비하는 젊은 장군의 승복(承服)을 받을 수도 있게 된다. 이와 아울러 그녀를 넘어뜨려야 장래의 화근이 없겠다는 반대파의 입장도 매우 명료하고, 또 종교재판관들처럼 공정하게 그려져 있어 흔히 있을 수 있는 주인공의 신격화(神格化)와 거기 대립되는 인물의 악역화(惡役化)의 인상은 전혀 없다. 이 극의 또 하나의 특색으로 존의 처형이라는 클라이맥스 겸 극의 종결을 이룩하는 장면 다음에 다시 하나 '에필로그'라고 이름붙여 새장면이 첨가되어 있다. 존이 죽은 뒤 25년이 지난 어느날 옛날 왕자였던 국왕 샤를 7세의 꿈자리에 여러 인물들이 나타나 존의 처형에 대해서 변소(辯疏)를 하는, 말하자면 논의극적(論議劇的)인 장면인데 여기서 쇼는 되풀이하여 존과 같이 인간을 보다 나은 상태로 이끌 수 있는 천재의 출현에 대해 세계는 너무나도 무지하고 또 두려워하고 있다고 개탄한다. 그러나 이 장면은 공연에서 제외되어도 상관없다고 작자는 말하고 있다.
성난 얼굴로 돌아보라 (희곡)
《성난 얼굴로 돌아보라》(Look Back in Anger)는 영국의 희곡이다. 존 오스본 작의 3막극. 1956년 작품으로 물질 문명이 가져 온 인간 상호의 매스 커뮤니케이션의 부재(不在), 소위 인간을 맺어주는 애정이 파괴된 상황을 사실적(事實的)인 수법으로 묘사하고 있다.  한국에서는 김경옥 역으로 '제작극회'(1960. 7), 극단 '성좌'(1970. 3) 등에 의하여 상연된 바 있다.  중부 잉글랜드의 봄날 저녁무렵이다. 지미는 애리슨을 열애하고 있지만 말로 표현하지는 못하고 있다. 그는 매일같이 사랑하고 있음을 애리슨에게 알리고자 하지만, 오히려 애리슨은 지미로부터 멀어져 가고자 한다. 클리프도 애리슨에게 친절하게 대한다. 애리슨의 동무 헬레나가 지미를 찾아온다. 애리슨은 임신중이다(제1막). 2주일 후 지미는 세속적인 헬레나에게 혐오감을 느낀다. 그리고 애리슨이 헬레나의 유혹에 빠지지 않도록 노력하지만 도리어 역효과만 낸다. 지미는 초조해진다. 그 초조는 애리슨과 헬레나에 대한 분노로 변한다. 헬레나는 권력과 위엄으로 당당하게 응대(應對)는 하지만, 기분은 좋지 않다. 그 때문에 애리슨에게 하는 말은 잔인성을 띤 외설스런 언사이다. 다음날 저녁 때, 애리슨의 부친이 헬레나의 전보로 애리슨을 맞으러 온다. 이 군인 출신의 사람좋은 아버지를 애리슨은 애정을 갖고 맞는다. 그리고 지미에게 편지를 써두고 집을 나간다. 자기 곁을 떠난 애리슨에 대한 지미의 사랑은 점점 강해진다. 그리고 애리슨이 자기의 사랑을 알아 주지 않음에 분노를 느낌과 동시에 자기 자신에게도 초조함을 느낀다(제2막). 수개월 후의 저녁때 지미는 일상 생활의 무미 건조함을 통절하게 느끼고 강렬한 정열을 바라게 된다. 헬레나는 지미를 이해하면서도 동등한 입장으로 그를 대한다. 지미와 헬레나의 대화에는 증오마저 느껴진다. 그러나 지미는 헬레나와 함께 빠져 나와 새로운 생활을 갖고자 한다. 그때 갑자기 애리슨이 돌아온다. 그러나, 그로부터 몇 분 후 애리슨은 유산을 하고 만다. 이전의 위엄을 되찾은 헬레나는 자신의 행동은 자발적이고 또 자신의 슬픔을 깨달았기 때문이라 하고 떠난다. 지미는 비로소 애리슨에 대하여 이제까지 말할 수 없었던 것을 말할 수 있게 된다. 이를 들은 애리슨은 절망적으로 울부짖는다(제3막). 라스트신의 두 사람의 모습은 왜곡된 형태로밖에 애정이 존재하지 않는 현대 사회를 예리하게 묘사한다.
밤으로의 긴 여로 (희곡)
《밤으로의 긴 여로》(Long Day's Journey into Night)는 미국의 대표적 극작가 유진 오닐의 사후(死後)에 발표된 대표적인 작품이다. 1940년을 전후해서 완성되었다고 하나 발표는 1955년에 그의 미망인의 손에 의해 이루어졌다. 한마디로 해서 오닐 자신의 자서전적인 작품인데 주인공 에드먼드는 바로 젊은날의 오닐 자신이라고 보여진다. 한국에서는 오화섭 역, 이해랑 연출로 '한국연극연구소'(1962), 극단 '신협'(1971. 10) 등에 의하여 상연된 바 있다.
밤으로의 긴 여로 (희곡) 개요
젊은 에드먼드는 퇴직한 배우인 아버지와 신경증 때문에 정신의 안정을 얻지 못하는 어머니, 그리고 겉보기에 매우 거칠고 술주정뱅이인 형 사이에서 내성적인 성격을 달래고 있다. 그는 폐를 앓고 있는데 저축해 둔 것이 있는 아버지이지만 원래 구두쇠라서 시설이 좋은 요양소에 그를 보내기를 주저하고 있다. 이것을 잘 알고 있는 어머니나 형은 그런 아버지를 몹시 비판하나 그들은 그들대로의 마음 속 고민이 축적되어, 이 가족을 에워싼 눈에 보이지 않는 망령(亡靈)의 그림자는 집요하기 짝이 없다. 이런 가운데서 결국 어머니가 좌절하고 그것을 고통스런 마음으로 지켜보는 아버지와 형, 그리고 에드먼드는 모두가 다 자신의 고독을 뼈저리게 느낀다.  과거가 망령처럼 현재를 지배하고 있는 이 정신의 불모상(不毛相)을 오닐은 곧잘 그렸지만 여기서는 그것이 일종의 연민을 동반하여 작자의 깊이 있는 눈에 어김없이 포착되어 있다.
생일 파티 (희곡)
《생일 파티》(The Birthday Party)는 영국의 전후 극작가 해럴드 핀터의 희곡이다. 1958년 작이다. 그가 즐겨쓰는 주제, 즉 외부로부터 차단된 '방'의 세계 속에 정체불명의 힘이 침입해 들어온다는 이른바 '위협의 희극'의 대표적 작품이다.  한국에서는 박영희 역, 유덕형 연출로 극단 '드라마센터'에 의하여 1970년 10월, 1971년 2월에 상연된 바 있다.  이 경우의 '방'의 주인공은 스탠리. 밝혀지지 않은 동기(핀터의 작품에서는 언제나 그렇다)로 해서 어느 해변가 하숙집에 살고 있는 피아니스트 출신의 스탠리라는 사나이는 하숙집 안주인의 지나친 보살핌을 받고 있는데 어느날 난데없이 골드버그(유태인)와 매캔(아일랜드인)이라는 정체 불명의 두 사나이의 방문을 받는다. 그들은 받고 싶지도 않은 친절을 잔뜩 베풀고 급기야는 스탠리 자신이 알지도 못하는 생일잔치를 베풀어 한바탕 소란을 피운 다음날 쥐도 새도 모르게 그를 납치해 간다. 나갈 때의 스탠리의 행색은 이미 자신의 의사를 완전히 상실한 듯한 멍한 표정이다. 그러나 하숙집 아주머니는 그 사실도 모른 채 있다. 마치 무슨 갱스터 이야기를 연상시키기도 하는 이 극은 그러나 다의적(多義的)으로 해석될 수 있는 공백적 부분을 많이 남겨 놓고 있다. 이 점을 핀터의 묘미라고 해석하는 사람이 많다.
안도라 (희곡)
《안도라》(Andorra)는 현대 스위스의 대표적 극작가인 막스 프리슈의 2막극이다. 1950년대 작품으로 1961년 11월 취리히에서 초연되었다.
안도라 (희곡)
한국에서는 1965년 11월 강두식(姜斗植) 역, 허규(許圭) 연출로 극단 '실험극장(實驗劇場)'에 의해 처음 소개되었고, 그 이후에도 여러 극단에 의해 여러 번 공연되어 호평을 받았다. 안도라라는 가상의 소도시에서 안드리란 한 젊은이가 유태인으로 오해를 받고 동료시민에 의해 참혹한 죽음을 당한다. 그러나 그가 피살된 후 그의 진짜 부모가 알려지고 그가 유태인이 아님도 판명된다는 줄거리이다.  줄거리에서 보는 바와 같이 <안도라>는 나치즘에 대한 비판을 우화적(寓話的)으로 묘사한 작품이다. 작품에 나오는 검은 나라와 검은 군대는 권력이 최고조에 달했던 나치스를 상징하고 안도라는 침략당한 주변 국가들을 상징한다. 작품에서 안도라 사람들은 침략자에게 차차 양보하고 살인 행위마저 묵인하는데, 이것은 현대인의 나약성과 도덕적 타락을 고발한 것이다. 그리고 인간이란 그릇된 편견에 따라 타인을 봄으로써 그에 대한 그릇된 상(像)을 만들게 되고, 결국 편견은 무서운 결과를 낳는다는 것이다.  이처럼 <안도라>는 인간본질에 대해 깊숙이 조명한 작품이다. 연극의 본질이 끝없는 인간 탐구에 있다고 볼 때, 이 작품은 현대의 고전이 될 만하다.  반유태주의에 대한 비판과 나치의 폭력을 상징적으로 묘사한 이 <안도라>는 우리나라뿐만 아니라 전세계에서 많이 공연된 작품이다.
에쿠스 (희곡)
《에쿠스》(Equus)는 영국의 극작가 피터 섀퍼의 대표작으로서 1973년에 영국 올드빅 극장에서 초연된 후 전세계적으로 센세이션을 일으킨 작품이다. 한국에서는 1975년 9월에 극단 '실험극장(實驗劇場)'이 신정옥(申定玉) 역, 김영렬(金英烈) 연출로 소극장 개관기념으로 공연하여 3개월이라는 연극사상 최장기 기록을 세웠고 관객 확대에도 성공하여 연극에 대한 대중의 새로운 인식과 아울러 연극운동의 전환점을 만든 작품이다. 현대문명과 기성도덕, 또 그에 따른 기성세대의 위선을 비판한 이 작품은 근본적으로 현대인의 절망과 실존적 고뇌를 그리고 있다. 라틴어로 말(馬)이란 뜻의 '에쿠우스'는 영국 법정에서 커다란충격과 파문을 불러일으켰던 '6마리의 말의 눈을 쇠꼬챙이로 찌른 마굿간 소년의 괴기적 범죄실화'를 소재로 한 작품이다. 한 시골 정신병동이 무대로 되어 있는 이 작품의 줄거리는 대략 다음과 같다. 어느날 한 여판사는 6마리의 말을 쇠꼬챙이로 찔러 법정에 서게 된 소년을 정신과 의사에게 데려와서 그 원인규명과 진료를 간청한다. 이 소년은 형벌보다는 병리적 치료를 받게 해야 할 것이라는 것이 여판사의 제안이었다. 의사는 자기 병원에 입원시킨 후 그 소년의 범죄에 대한 심리적 요인을 캐기 시작한다. 그리하여 의사는 소년의 부모를 찾아가서 그 집안 사정부터 알아본다. 소년의 아버지는 인쇄공이고 어머니는 전직 교사였다. 의사는 소년의 어머니로부터 그는 일찍부터 철저한 기독교 교육을 받았고, 말을 유난히 사랑했었다는 이야기를 듣는다. 그리고 소년의 어머니는 기독교의 광신도인데 반해 아버지는 무신론자라는 것도 알게 된다. 그런 이질적 부모 밑에서 성장한 소년은 전기기구 상점에서 점원 노릇을 하다가 마구간에서 일하고 있던 소녀를 알게 되고, 그녀의 소개로 마구간에서 그녀와 같이 일하게 된다. 이야말로 소년에게는 생의 환희이며 인생의 전부였다. 어느날 소녀는 소년을 꾀어 성인영화를 구경한다. 그런데 뜻밖에도 거기서 항상 근엄하기만 했던 아버지를 만났던 것이다. 소년의 실망은 더할 나위 없었다. 마구간으로 돌아온 소녀는 소년을 유혹하여 성관계를 갖는다. 그러나 소년은 뜻을 이루지 못한다. 말이 내려다보고 있었기 때문이다. 소년은 갑자기 분노가 폭발하여 말굽파게로 마구간의 말눈을 모조리 찔러 버린다. 그리고 자기 눈마저 찔렀던 것이다. 이상은 의사가 치료를 위해 소년에게 재현시킨 것이다. 소년은 신(神)을 긍정하는 어머니와 신을 부정하는 아버지와의 이질적 상황 속에서 자기모순이라는 성격을 만들었던 것이다. 고독했던 소년은 말을 동경과 애정과 신앙으로 삼았다. 그러나 기성에 대한 일체가 무너지면서 신처럼 생각했던 말을 공격하고 말았던 것이다. 우리는 '에쿠우스'에 나오는 말을 신이라든가 숙명, 또는 냉혹한 현실과 물질문명의 상징으로 볼 수가 있다. 젊은이는 그런 비정과 중압감에서 자기 생의 의미를 찾고 인간으로서의 존재 확인을 위해 방황한 것이다. 그리함으로써 자기 스스로를 그대로 포기하는 것이 아니라 자기를 새롭게 발견하기 위한 자기 포기를 결행했던 것이다.