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형용어구 언어학
일부 형용어구는 라틴어 용어 epitheton necessarium으로 알려져 있는데, 이는 사자심왕 리처드나 대머리왕 샤를과 함께 비만왕 샤를처럼 군주의 이름 뒤에 숫자를 붙이는 대신 지명자를 구별하기 위해 필요하기 때문이다. 동일한 형용어구는 알렉산드로스 대왕과 콘스탄티누스 1세처럼 다른 이름에 반복적으로 사용될 수 있다.
다른 형용어구는 혼란의 심각한 위험 없이 쉽게 생략될 수 있으며, 따라서 epitheton ornans로 알려져 있다. 따라서 고전 로마 작가 베르길리우스는 그의 주인공을 체계적으로 pius Aeneas라고 불렀는데, 여기서 형용어구는 종교적으로 경건하고 겸손하며 건전하다는 의미의 pius였으며, 아이네이아스의 무기 운반자를 fidus Achates라고 불렀는데, 여기서 형용어구는 충실하거나 충성스럽다는 의미의 fidus였다.
형용어구 문학
형용어구는 고대 서사시의 특징적인 스타일로, 특히 호메로스나 북유럽 사가(위 참조, 호메로스 문학의 형용어구)에서 두드러진다. 제임스 조이스가 "코털색 바다"라는 구를 사용할 때 그는 호메로스의 익숙한 형용어구 "와인색 바다"를 비틀고 있다. "신중한 텔레마코스"라는 구 또한 형용어구로 간주된다.
수사학에서 그리스 용어 환유(antonomasia)는 고유명사 대신 형용어구나 구를 사용하는 것을 의미하며, "펠레우스의 아들"을 의미하는 "펠레이데스"로 아킬레우스를 식별하는 식이다. 일반적인 용어 대신 고유명사를 사용하는 반대 개념도 때때로 환유라고 불리는데, 예를 들어 웅변가를 마르쿠스 툴리우스 키케로라고 부르는 식이다. 아킬레우스의 경우 "펠레이데스", 베르길리우스의 《아이네이아스》에서 여신 유노의 경우 "사투르니아"와 같이 아버지의 이름이나 조상의 이름을 사용하는 것은 특히 부칭적 장치라고 불리며 그 자체로 형용어구의 한 유형이다.
윌리엄 셰익스피어의 희곡 로미오와 줄리엣에서는 프롤로그에서 "별을 가로지른 연인들"과 "죽음으로 표지된 사랑"과 같은 형용어구들이 사용된다.
형용어구 문학
형용어구는 비전문적인 용어로, 사람의 스타일, 예술적 본성 또는 지리적 참조를 나타내는 데 사용될 수 있는 영광스러운 별명이었다. 그것들은 단순히 발음하기 어렵거나 불쾌한 이름을 처리하기 위한 목적으로 생겨났다. 거기서부터 공동체 내에서 개인의 위치를 나타내기 위해 장로들이나 동료들이 부여한 매우 중요한 것이 되거나, 자신이 되고 싶거나 생각하는 사람을 나타낼 수 있었다. 이러한 운동의 우아함은 역사 전반에 걸쳐 현대에 이르기까지 사용되었으며, "천상의 아프로디테와 손님의 수호자 제우스"부터 "조니 풋볼과 킹 제임스"에 이르는 많은 예시들이 있다.
미국 만화는 슈퍼히어로에게 형용어구를 부여하는 경향이 있는데, 팬텀은 "걸어 다니는 유령", 슈퍼맨은 "강철의 사나이", "다이내믹 듀오" 배트맨과 로빈은 각각 "다크 나이트"와 "소년 원더"로 알려져 있다.
또한, 스페인어 형용어구인 epíteto는 카스티야 문학의 시에서 흔히 사용된다.
형용어구 종교
고대 인도와 이란(가장 고대부터 공통적인 인도-이란 시대로 거슬러 올라감) 그리스, 로마와 같은 많은 다신교 종교에서, 신의 형용어구는 일반적으로 신의 본질과 역할의 특정 측면을 반영하며, 특정 경우에 그 영향력을 얻기 위해 사용될 수 있다. 아폴론 무사게테스는 "아폴론, [[[뮤즈 (신화)|뮤즈]]]의 지도자"이며 따라서 예술과 과학의 후원자이고, 포이보스 아폴론은 동일한 신이지만 빛나는 태양신으로서이다. "아테나는 폴리아스로서 도시를 보호하고, 에르가네로서 수공예품을 감독하며, 프로마코스로서 전투에 참여하고, 니케로서 승리를 부여한다."
다른 한편으로 형용어구는 신의 특정 지역적 측면을 식별할 수 있는데, 예를 들어 신화적인 탄생지나 특정 성소에서의 초자연적 존재에 대한 참조와 같다. 제물은 동일한 경우에 피티아 아폴론(아폴론 피티오스)과 델포이 아폴론(아폴론 델피니오스)에게 바쳐질 수 있다. 지역적 형용어구는 단순히 특정 숭배 중심지와 그곳의 숭배 전통을 의미하며, 예를 들어 올림피아의 제우스나 스파르타의 카르네이아 축제의 아폴론 카르네이오스처럼 특정 축제에 나타난 신을 가리킨다.
형용어구 종교
종종 형용어구는 올림포스 신과 더 오래된 신의 융합의 결과이다. 포세이돈 에렉테우스와 아르테미스 오르티아는 신과 일반적으로 그에 해당하는 더 오래된 신의 문화 간 등식을 반영한다. 따라서 대부분의 로마 신과 여신들, 특히 올림포스 12신은 그리스, 에트루리아 및 대부분의 다른 지중해 판테온에서 전통적인 대응자를 가졌다. 예를 들어 올림포스 신들의 수장인 유피테르는 제우스와 같다. 그러나 특정 숭배에서는 신의 한 특정 측면에 기반한 다른 등식이 있을 수 있다. 따라서 그리스어 트리스메기스토스는 이집트 과학과 발명의 신 토트의 그리스 이름으로 처음 사용되었고, 나중에 그리스 헤르메스의 에피테톤으로, 마지막으로 완전히 등치된 로마의 메르쿠리우스 메르쿠리우스 (둘 다 신들의 사자였다)로 사용되었다. 그리스인들 사이에서 T.H. 프라이스는 코우로트로포스의 양육력이 헤라나 데메테르를 특별히 식별하지 않고도 제물에서 불려지고 비문에 기록될 수 있다고 언급했다.
형용어구 종교
일부 형용어구는 공통적인 특징을 가졌거나 혈연 관계 또는 다른 유대감을 강조하기 위해 동일한 판테온의 여러 신들에게 다소 우연히 또는 의도적으로 적용되었다. 따라서 이교도 로마에서는 여러 신과 영웅들에게 다른 (보통 주요한) 신의 동반자로서 코메스라는 에피테톤이 주어졌다. 형용어구는 집단적으로 사용될 수도 있는데, 예를 들어 라틴어 필레아티는 형제인 디오스쿠로이를 지칭하는 "펠트 모자를 쓴 사람들"이라는 뜻이다. 일부 형용어구는 설명하기 어렵다.
가톨릭 신자, 동방 정교회 신자 및 다른 교회의 그리스도인들은 예수 (예: "그리스도"; "평화의 왕"; "선한 목자"), 마리아 (예: "하느님의 어머니"; "파나기아"), 그리고 성인들 (예: "교황 성 요한 바오로 2세 대왕, 성 은둔자 테오판")을 숭배할 때 형용어구를 사용한다. "루르드의 성모"는 성모의 어떤 측면이 불려지는 경우를 제외하고는 본질적으로 우회어이다.
형용어구 수사학
형용어구는 장소, 사물 또는 사람을 특징지어 그 사물의 특성을 더욱 두드러지게 만드는 형용사 또는 형용사구이다. 이러한 서술적 구는 화자에게 이로운 긍정적 또는 부정적 방식으로 사용될 수 있다. "숙련된 웅변가가 사용하는 형용어구는 사실상 압축된 논증들이며, 그 힘은 단순한 힌트로 충분히 전달된다는 것을 일반적으로 발견할 수 있다. 예를 들어, 누군가 '우리는 프랑스 혁명의 피비린내 나는 혁명에서 경고를 받아야 한다'고 말하면, 그 형용어구는 우리가 경고를 받아야 할 이유 중 하나를 제시하며, 이는 그 논증이 길게 진술되었을 때보다 덜 명확하지 않으면서도 더 강력하다." 설득이 수사학의 핵심 요소이므로 형용어구를 사용하는 것은 합리적이다. 설득력 있는 단어 사용은 논증에 영향력을 부여한다. 서술적인 단어나 구와 함께 지식은 강력한 도구가 될 수 있다. 이는 브라이언 쇼트의 기사에서 "새로운 수사학은 언어의 명확성과 직접성에 대한 광범위한 존중에서 경험주의적 성격을 얻는다"고 말하는 것으로 뒷받침된다. 웅변가들은 청중이 자신들의 관점을 이해하도록 유도하기 위해 형용어구를 사용하여 언어적 형태의 이미지를 설득 전술로 사용한다.
형용어구 수사학
웅변가들은 다양한 의미를 가진 다양한 형용어구를 사용할 수 있다. 가장 일반적인 것은 고정 형용어구와 전이 형용어구이다. 고정 형용어구는 동일한 사람이나 사물에 대해 동일한 단어 또는 구를 반복적으로 사용하는 것이다. 전이 형용어구는 묘사하는 사람이나 사물 이외의 명사를 수식하는 것이다. 이것은 또한 전치환이라고도 알려져 있다. 이는 종종 수식어를 생물에서 무생물로 옮기는 것을 포함할 수 있다. 예를 들어, "쾌활한 돈"과 "자살하는 하늘"과 같다.
형용어구 수사학
웅변가들은 형용어구를 비방적인 단어로 사용하지 않도록 특별히 주의한다. 잘못 사용하면 웅변가들은 인종적이거나 모욕적인 형용어구를 사용했다는 비난을 받을 수 있다. 미국 언론인 윌리엄 새파이어는 2008년 뉴욕 타임스 칼럼에서 이 단어의 사용에 대해 논의했다: "오랫동안 나의 타임스 동료였던 데이비드 바인더는 '나는 비방적인 단어로서의 형용어구에 초점을 맞춘 민족주의에 대한 글을 쓰고 있습니다. 1942년 나의 큰 웹스터 사전에서는 여전히 '묘사' 또는 '특징화'의 동의어였지만, 지금은 거의 전적으로 '비하' 또는 '비방적인 단어'의 동의어가 된 것 같습니다.' ... 지난 세기 동안 [형용어구]는 '남용적인 단어'로 꽃을 피웠고, 오늘날 정치적 비방을 묘사하는 데 기쁨으로 사용되고 있습니다."
형용어구 성씨 이전의 사용
묘사적인 별칭은 같은 이름을 가진 다른 사람들과 구별하기 위해 사람에게 주어졌다. 잉글랜드에서는 성씨 사용이 광범위하게 채택되지 않았던 시기에 별칭이 사용되었다. 예를 들어, 1086년의 둠스데이 북에는 "리처드"라는 이름을 가진 40명의 개인이 식별된다. 그 중 다수(40%)는 "쿠르시의 리처드"와 같이 그들이 어디에서 왔는지, 또는 일부 경우 어디에 살았는지를 나타내는 지명적 별칭으로 식별된다. 다른 사람들(25%)은 "집사 리처드"와 "대머리 리처드"와 같이 직업적 또는 개인적으로 묘사적인 별칭으로 식별된다. 리처드 배셋과 같은 일부 개인은 현재 성씨로 인식되는 것을 사용했다.
별칭과 성씨의 차이점은 별칭은 일반적으로 상속되지 않으며, 특정 개인의 상황이 변함에 따라 변경될 수 있다는 점이다. 예를 들어, 대머리 리처드는 항상 대머리가 아니었을 것이고, 브램턴의 리처드는 항상 브램턴에 살지 않았을 수도 있다.
형용어구 성씨 이전의 사용
별칭의 사용은 성씨의 채택으로 끝나지 않았다. 일부 경우, 가운데 이름이 채택되기 전에는 세금 목록과 같은 정부 기록에 같은 이름과 같은 성씨를 가진 사람들이 모두 포함되었다. 이는 사람을 더욱 구별하기 위해 별칭을 사용하게 만들었다. 예를 들어, 한 "존 스미스"는 "방앗간의 존 스미스"로 묘사될 수 있었고, 다른 한 명은 "키 작은 존 스미스"로 묘사될 수 있었다.
음악성
음악성 또는 뮤지컬리티(musicality)는 "음악에 대한 감수성, 지식 또는 재능" 또는 "음악적인 품질 또는 상태"를 의미하며, 선율성 및 화성과 같이 모호하게 정의되지만 음악 작품 및 장르의 특정 자질을 지칭하는 데 사용된다. 이러한 정의는 음악을 정의하는 것의 어려움으로 인해 다소 방해받지만, 구어적으로 "음악"은 종종 잡음 및 무작위성과 대비된다. 경연 음악의 심사위원들은 연주가 악보를 생생하게 표현하고, 음정, 리듬, 작곡가의 다이내믹 표기만을 충실히 재현하는 것을 넘어선 것을 표현한다고 묘사할 수 있다. 두 명 이상의 음악가가 함께 있을 때, 연주자들이 개별 부분의 합보다 더 큰 것을 표현하는 앙상블 효과라는 추가적인 경험이 있다. 음악적이라고 여겨지는 사람은 음정, 리듬, 화성을 포함한 음악의 측면의 차이를 인지하고 재현할 수 있는 능력이 있다(참조: 청음 훈련). 두 가지 유형의 음악성을 구분할 수 있다: 음악을 인지할 수 있는 능력(음악적 수용성)과 음악을 창작하는 것 외에 음악을 재현할 수 있는 능력(음악적 창의성).
음악성 음악 vs. 음악성
음악의 인지적, 생물학적 기원에 대한 많은 연구는 음악을 정의하는 것이 무엇인지에 대한 질문에 집중되어 있다. 새들의 노랫소리, 혹등고래의 노래 구조, 태국 코끼리 오케스트라, 또는 긴팔원숭이의 엇갈린 듀엣을 음악으로 간주할 수 있을까? 이것은 이제 일반적으로 함정으로 간주된다. 이 질문에 답하려 할 때, "음악"과 "음악성"이라는 개념을 분리하는 것이 중요하다. 음악성은 모든 복잡성 속에서 우리의 생물학적 및 인지적 시스템에 기반하고 그것에 의해 제약받는 자연스럽고 자발적으로 발전하는 일련의 특성으로 정의될 수 있으며, 음악은 모든 다양성 속에서 음악성에 기반한 사회적, 문화적 구성물로 정의될 수 있다. 또는 간단히 말해: 음악성 없이는 음악도 없다.
음악성 음악 vs. 음악성
그러나 우리가 음악성이라고 부르는 이 복잡한 특성을 구성하는 것이 무엇인지 정확하게 구분하는 것은 여전히 어려운 일이다. 음악을 인지하고 만들고 감상하는 데 필수적인 인지적, 생물학적 메커니즘은 무엇일까? 이러한 근본적인 메커니즘을 식별해야만 우리는 이것들이 어떻게 진화했을지 알 수 있다. 다시 말해: 음악 인지 진화 연구는 음악성을 구성하는 기본 메커니즘의 특성화에 달려 있다.
콜윈 트레바텐은 아기의 음악성을 연구했으며, 여기에는 의사소통에서의 사용도 포함된다.
나이지리아의 음악
나이지리아의 음악은 다양한 종류의 민요와 대중음악을 포함한다. 유럽 접촉 이전의 나이지리아 음악사에 대해서는 거의 보존되지 않았지만, 16세기와 17세기부터 거슬러 올라가는 청동 조각상에서 음악가와 악기를 묘사한 것이 발견되었다. 이 나라의 국제적으로 가장 유명한 장르는 원주민 음악, 아팔라, 아우르레베 음악, 라라 음악, 웨레 음악, 오게네, 푸지, 주주, 아프로비트, 아프로비츠, 이보 하이라이프, 아프로-주주, 와카, 이보 랩, 가스펠, 나이지리아 팝 그리고 요-팝이다. 민속 음악 스타일은 각기 고유한 기술, 악기 및 노래를 가진 250개 이상의 국가 민족 그룹과 관련이 있다.
가장 큰 민족 그룹은 이보족, 하우사인 및 요루바족이다. 나이지리아와 아프리카 전역의 전통 음악은 종종 기능적이다. 즉, 결혼식이나 장례와 같은 의식을 기념하기 위해 연주되며 예술적 목표를 달성하기 위한 것이 아니다. 일부 나이지리아인, 특히 어린이와 노인들은 오락을 위해 악기를 연주하지만, 솔로 연주는 드물다. 음악은 농업과 밀접하게 연결되어 있으며, 예를 들어 파종 시기의 다른 부분 동안 연주할 수 있는 악기에 대한 제한이 있다.
나이지리아의 음악
노동요는 흔한 종류의 전통 나이지리아 음악이다. 그들은 밭, 강 카누 및 다른 분야에서 일하는 사람들의 리듬을 유지하는 데 도움이 된다. 여성들은 마를 찧는 것과 같은 가사 작업에서 고도로 장식된 음악에 복잡한 리듬을 사용한다. 북부 지역에서는 농부들이 서로의 농장에서 함께 일하며, 주최자는 이웃을 위해 음악가들을 공급해야 한다.
음악 작곡 문제도 매우 다양하다. 예를 들어, 흐와나족은 모든 노래가 조상에 의해 가르쳐진다고 믿는 반면, 티브족은 거의 모든 노래에 대해 작곡가의 이름을 인정하고, 에픽족은 세속적인 노래에 대해서만 개별 작곡가의 이름을 지정한다. 나이지리아의 많은 지역에서 음악가들은 가사에 다른 상황에서는 불쾌하게 여겨질 수 있는 내용을 담는 것이 허용된다.
나이지리아의 음악
나이지리아 음악의 가장 일반적인 형식은 콜-앤-리스폰스 합창으로, 선창자와 합창단이 번갈아 가며 구절을 주고받으며, 때로는 선창자의 가사를 따라 하거나 오스티나토 보컬 프레이즈를 반복하는 악기가 동반된다. 남부 지역은 복잡한 리듬과 멜로디 악기를 사용하는 독주자들을 특징으로 하는 반면, 북부 지역은 일반적으로 다성음악 관악 앙상블을 특징으로 한다. 최북단 지역은 단선율적 (즉, 단일 선율) 음악과 관련이 있으며 드럼을 강조하며, 이슬람 음악의 영향을 더 많이 받는 경향이 있다.
나이지리아의 음악 전통 악기
북부 사람들은 복잡한 타악기 음악, 한 줄짜리 고제, 그리고 강한 찬송가 보컬 전통으로 알려져 있다. 14세기부터 이슬람의 영향을 받아 하우사 음악은 서부 아프리카 전역의 다른 무슬림 사헬 부족들(예: 밤바라족, 카누리족, 풀라니족, 송가이족)과 유사하게 자유로운 리듬 즉흥 연주와 오음음계를 사용한다. 전통 하우사 음악은 출생, 결혼, 할례 및 기타 중요한 삶의 사건을 축하하는 데 사용된다. 하우사 의례 음악은 이 지역에서 잘 알려져 있으며, 찬송가 가문들이 주도한다. 하우사족은 탐보라 드럼과 말하는 북과 같은 타악기를 연주한다. 그러나 하우사 국가 악기 중 가장 인상적인 것은 길쭉한 국가 트럼펫인 카카키로, 원래 송가이족 기병이 사용했으며, 성장하는 하우사 국가들이 군대 권력의 상징으로 채택했다. 카카키 트럼펫은 길이가 2미터가 넘을 수 있으며, 운반하기 쉽도록 세 개의 휴대 가능한 부분으로 쉽게 분해할 수 있다.
나이지리아의 음악 전통 악기
이보족은 나이지리아 남동부에 거주하며 다양한 민속 악기를 연주한다. 그들은 외국 스타일을 쉽게 수용하는 것으로 유명하며, 나이지리아 하이라이프의 중요한 부분을 차지했다. 가장 널리 퍼진 악기는 13현 치터인 오보이다. 이보족은 또한 슬릿 드럼, 실로폰, 플루트, 리라, 우두 및 류트를 연주하며, 최근에는 수입된 유럽 금관악기도 사용한다.
궁중 음악은 더 전통적인 이보족 사이에서 연주되며, 그들의 왕실 전통을 유지한다. 우피에(슬릿 드럼)는 족장을 깨우고 식사 시간 및 기타 중요한 정보를 그에게 전달하는 데 사용된다. 종과 북 앙상블은 족장이 마을을 떠나고 돌아올 때 알리는 데 사용된다. 식사 시간에는 파이와 휴일의 다른 디저트 음식이 포함될 수 있다.
요루바족은 북 전통을 가지고 있으며, 둔둔 모래시계 장력 드럼의 특징적인 사용이 있다. 둔둔을 사용하는 앙상블은 둔둔이라고도 불리는 음악 유형을 연주한다. 이 앙상블은 다양한 크기의 장력 드럼과 함께 팀파니 (구두구두)로 구성된다. 둔둔 앙상블의 리더는 이얄루이며, 드럼을 사용하여 요루바어의 음색을 모방하여 "말한다". 요루바 문화의 많은 음악은 영적인 성격을 띠며, 그들의 신에게 바쳐진다.
나이지리아의 음악 전통 악기
요루바 음악은 유럽, 이슬람교 및 브라질 형식의 초기 영향으로 인해 현대 나이지리아 대중음악의 가장 중요한 구성 요소 중 하나이다. 이러한 영향은 금관악기, 악보, 이슬람교 타악기 및 브라질 상인들이 가져온 스타일의 수입에서 비롯되었다. 나이지리아에서 가장 인구가 많은 도시인 라고스와 가장 큰 도시인 이바단에서 이러한 다문화 전통이 결합되어 나이지리아 대중음악의 다문화 음악적 태피스트리를 더한다. 아인데 배리스터의 푸지, 살라와 아베니의 와카, 유수프 올라툰지의 사카라와 같은 현대 스타일은 주로 요루바 전통 음악에서 파생되었다. 많은 현대 요루바 음악가들은 그들의 모국어로 노래한다. 9ice는 Gongo Aso로 업계에 진출한 많은 사람 중 한 명이다. 영국을 기반으로 활동하는 색소폰 연주자 툰다이 아킨탄은 요루바 리듬을 기반으로 요루비트를 만들었다. 티미 코루스, 바베 미 조워, 플로샤는 요루바어로 랩과 노래를 한다.
나이지리아의 음악 연극 음악
나이지리아 연극은 음악을 광범위하게 사용한다. 종종, 이것은 단순히 연극 제작에 사용되는 전통 음악이며, 각색 없이 사용된다. 그러나 나이지리아 오페라에 사용되는 독특한 음악 스타일도 있다. 여기서는 음악이 극적인 행동의 인상을 관객에게 전달하는 데 사용된다. 음악은 문학 드라마에서도 사용되지만, 오페라보다 음악적 반주가 더 드물게 사용된다. 다시 말하지만, 음악은 사건의 분위기나 톤을 관객에게 전달한다. 예를 들어, 인간 배우와 비인간 배우가 모두 등장하는 살인과 복수에 관한 연극인 존 페퍼 클라크의 《오지디 사가》가 있다. 연극의 각 등장인물은 캐릭터가 관련된 전투에 동반되는 개인 테마곡과 관련이 있다.
전통 나이지리아 연극에는 보르노주와 오고니족 및 티브족 사이의 인형극과, 에궁궁 마스크에서 유래했을 수 있는 고대 요루바 알라아린조 전통이 포함된다. 도로 건설 식민 세력의 유입과 함께 이들 연극 집단은 전국적으로 퍼져나갔고, 그들의 작품은 더욱 정교해졌다. 이제 그들은 일반적으로 유럽 악기, 영화 발췌본 및 녹음된 음악을 사용한다.
나이지리아의 음악 연극 음악
과거에는 후베르트 오군데와 아데 러브 모두 매우 풍부한 요루바어를 사용하여 영화의 사운드트랙을 제작했다. 토페 알라비를 선두로 하는 현대 요루바 영화 및 연극 음악 작곡가들은 다양한 원본 음악으로 드라마틱한 액션을 동반했다.
1959년 텔레비전이 도입된 이래로 성장하는 텔레비전 및 영화 산업은 축제와 종교 의식에서 진화한 나이지리아의 광범위한 원주민 극장에서 많은 예술가와 음악 구조를 가져왔다. 이 시대의 초기 텔레비전 드라마는 나이지리아 하이라이프와 같은 인기 있는 원주민 장르의 민속과 노래, 그리고 이보어, 요루바어 등 원주민 언어를 활용했다. 1990년대 초 논란의 여지가 있는 놀리우드라고 불리는 나이지리아 영화 산업의 출현과 함께, 이들 TV 프로듀서 중 다수가 영화 제작에 동시에 참여하여 이러한 원주민 소싱 기술을 영화 음악에 확산시켰다. 유럽과 북미 예술의 영향을 받은 시대 이후, 나이지리아 영화 산업은 선행이라는 독특한 영화 음악 방식을 개발했다.
나이지리아의 음악 연극 음악
유명한 나이지리아 사운드트랙 프로듀서 스탠리 오코리에 의해 대중화된 선행은 모티프와 반복적인 멜로디를 활용하여 대화와 주요 줄거리 사건이 화면에 나타나기 전에 예고한다. 나이지리아 영화 산업에 고유한 이 새로운 영화 음악 기술은 나이지리아 원주민 공동체의 이야기 예술에서 영감을 얻었으며, 공동체의 언어, 노래, 춤 및 드라마의 특성을 보여준다.
나이지리아의 음악 어린이 음악
나이지리아의 어린이들은 보통 게임 노래를 부르는 등 많은 고유한 전통을 가지고 있다. 이들은 대부분 고어(古語)를 사용하는 콜-앤-리스폰스 형태의 노래이다. 타록족 사이에서는 성적으로 노골적이고 음란한 다른 노래들도 있는데, 이런 노래들은 집에서 멀리 떨어진 곳에서만 연주된다. 어린이들은 또한 음정이 없는 뗏목 치터 (옥수수 줄기로 만듦)와 통조림 깡통으로 만든 드럼, 파파야 줄기로 만든 파이프, 수수 줄기로 만든 구강 하프와 같은 악기들을 사용한다. 하우사족 어린이들은 살아있는 화난 복어의 부푼 배를 두드려 리듬을 연주하는 독특한 악기를 연주한다.
나이지리아의 음악 전통 악기
타악기는 어디에나 있지만, 나이지리아의 전통 음악은 다양한 악기들을 사용한다. 실로폰과 같은 많은 악기들은 서아프리카 전역의 음악에 필수적인 부분이며, 다른 악기들은 마그레브의 무슬림 또는 남부나 동아프리카에서 수입된 것이다. 다른 악기들은 유럽이나 아메리카에서 유입되었다. 금관악기와 목관악기는 나이지리아 음악 발전에 중요한 역할을 한 초기에 수입된 악기였으며, 나중에 수입된 일렉 기타는 주주 음악의 대중화를 촉진했다.
실로폰은 서아프리카와 중앙아프리카 전역에서 흔한 조율된 몸울림악기이다. 나이지리아에서는 주로 남부 지역에서 가장 흔하며, 중앙아프리카 모델에 속한다. 때로는 여러 사람이 동시에 하나의 실로폰을 연주하기도 한다. 악기는 대개 바나나 통나무 위에 놓인 느슨한 나무로 만들어진다. 피트- 및 박스-공명 실로폰도 발견된다. 부드러운 패드로 두드리는 점토 항아리 앙상블이 흔하며, 때로는 물로 채워진다. 일반적으로 조율되어 있지만, 때로는 저음 리듬을 만들기 위해 조율되지 않은 예시도 사용된다. 속이 빈 통나무도 사용되며, 길이를 따라 쪼개지고 슬릿 끝에 공명 구멍이 있다. 전통적으로 먼 거리에 걸쳐 의사소통하는 데 사용되었다.
나이지리아의 음악 전통 악기
다양한 종들은 왕실 의례의 흔한 부분이며, 비밀결사에서 사용되었다. 대개 철로 만들어지거나 북부의 이슬람 오케스트라에서는 청동으로 만들어진다. 천 위에 놓이고 막대기로 두드리는 타악기는 여성 음악과 보리 컬트 춤의 일부이다. 때로는, 특히 북부에서는 조롱박을 물속에 거꾸로 놓아 그 아래의 공기 양으로 음높이를 조절한다. 남서부에서는 여러 개의 조율된 조롱박이 수조에 떠 있는 채로 연주된다.
긁는 악기는 남부 전역에서 흔하다. 가장 흔한 유형 중 하나는 톱니 모양의 막대기로, 다양한 속도로 막대기를 가로질러 조개껍데기를 끌어당겨 연주한다. 이것은 여성 법정 악기로 사용될 뿐만 아니라 장난스러운 게임에서 어린이들도 사용한다. 요루바족 사이에서는 철 막대기가 막대기를 대신할 수 있다. 속이 비거나 씨앗이나 돌이 들어있는 조롱박으로 만든 마라카스가 흔하며, 구슬이나 조개껍데기의 끈 그물이 조롱박을 감싸는 그물-마라카스도 흔하다. 마라카스는 일반적으로 의례적이거나 종교적인 맥락에서 주로 여성에 의해 연주된다.
나이지리아의 음악 전통 악기
많은 종류의 북은 나이지리아에서 가장 흔한 종류의 타악기이다. 이들은 전통적으로 단일 나무 조각이나 구형 조롱박으로 만들어졌지만, 최근에는 기름통으로 만들어지기도 한다. 모래시계 드럼은 가장 흔한 형태이며, 양면 배럴 드럼, 단면 드럼, 원뿔형 드럼도 있다. 프레임 드럼도 나이지리아에서 발견되지만, 브라질에서 수입된 것일 수 있다. 특이한 타악기는 우두라는 일종의 그릇 드럼이다.
이 악기는 대부분의 아프리카 국가에서 매우 중요하다.
악기용 활은 나이지리아에서 입으로 공명하는 코드 형태로 발견되며, 뜯거나 두드려서 연주한다. 주로 국가 중앙 지역에서 가장 흔하며, 농업 관련 노래와 사회적 우려를 표현하는 노래와 연관되어 있다. 옥수수 줄기를 묶고 두 개의 브릿지로 현을 지탱하여 만든 일종의 뗏목 치터는 엄지손가락으로 연주하며, 주로 독주 오락용으로 사용된다. 아치형 하프는 국가 동부 지역, 특히 타록족 사이에서 발견된다. 보통 5개 또는 6개의 현이 있으며 오음음계로 조율된다. 도마뱀 가죽 상판이 있는 그릇 공명 스파이크-피들은 북부 지역에서 사용되며, 중앙아시아 및 에티오피아 형태와 유사하다. 하우사족과 카누리족은 다양한 스파이크-류트를 연주한다.
나이지리아의 음악 전통 악기
다양한 금관악기와 목관악기도 나이지리아에서 발견된다. 여기에는 긴 트럼펫이 포함되는데, 종종 알루미늄으로 만들어지며 쌍으로 연주되거나 최대 6개까지 앙상블로 연주되며, 종종 샬뤼모가 동반된다. 나무 트럼펫, 호리병 트럼펫, 끝으로 부는 플루트, 십자형 휘파람, 가로형 클라리넷, 그리고 다양한 종류의 뿔 악기도 발견된다.
나이지리아의 음악 대중음악
많은 아프리카 국가들은 다양한 민속 문화 지역에서 현대 국가로 강제 전환되는 과정에서 격동과 폭력을 겪었다. 나이지리아는 시골의 다양한 민족들로부터 대중적인 문화적 정체성을 구축하는 데 대부분의 아프리카 국가들보다 더 많은 어려움을 겪었다.  라고스 거리에서 시작된 나이지리아의 대중음악은 오랫동안 아프리카 팝 분야의 필수적인 부분이었으며, 많은 민족 그룹의 영향과 악기를 도입하여 나이지리아 대중음악을 형성했다.
나이지리아의 음악 대중음악
나이지리아 대중음악의 초기 스타일은 종종 나이자 뮤직(Naija Music)이라고 불렸으며, 팜와인 음악과 하이라이프로 1920년대에 나이지리아와 인근 국가인 라이베리아, 시에라리온, 가나 사이에 퍼졌다. 나이지리아에서는 주주 음악이 만들어졌다. 이 시기에 전통 요루바 음악에서 파생된 아팔라와 같은 몇몇 다른 스타일도 제한된 청중을 찾았다. 1960년대까지 쿠바, 미국 및 다른 수입 음악 스타일이 큰 인기를 얻었으며, 음악가들은 이러한 영향을 주주에 통합하기 시작했다. 특히 남부 도시의 하우사인 인구와 중동 공동체의 혼합은 그들에게 볼리우드와 볼리우드 음악을 접하게 했다. 그 결과 20세기 마지막 수십 년 동안 와카 음악, 요-팝, 아프로비트를 포함한 새로운 스타일이 번성했다.
나이지리아의 음악 대중음악
20세기 초까지 요루바 음악은 금관악기, 서양식 악보, 이슬람 타악기 및 새로운 브라질 기술을 통합하여 라고스에서 탄생한 팜와인 스타일을 만들어냈다. 팜와인이라는 용어는 시에라리온, 라이베리아, 가나의 관련 장르를 설명하는 데도 사용된다. 이러한 종류는 나이지리아 팜와인보다 더 잘 알려져 있다. 그러나 팜와인은 원래 현악기, 특히 기타나 밴조를 쉐이커와 손 북이 반주하는 다양한 스타일을 의미했다. 이 도시 스타일은 술을 마시는 것을 동반하기 위해 술집에서 자주 연주되었다 (이름은 알코올 음료인 야자술에서 유래했다).
나이지리아의 음악 대중음악
팜와인의 첫 번째 스타들은 1920년대에 등장했으며, 그 중 가장 유명한 인물은 툰데 킹이었다. 킹은 아마도 자신이 창조하는 데 기여한 음악 스타일인 주주(jùjú)라는 단어를 브라질 탬버린 소리를 언급하며 만들었을 것이다. 또는 이 용어는 식민지 지배자들이 경멸적으로 사용한 표현(어떤 토착 전통이든 '단순한 주주', 즉 프랑스어로 "헛소리"로 치부될 가능성이 있었다)에서 발전했을 수도 있다. 1930년대 초까지 히즈 마스터스 보이스와 같은 영국 레코드 레이블은 팜와인을 녹음하기 시작했고, 오조게 대니얼, 툰데 나이팅게일, 스피디 아라바와 같은 더 많은 유명인들이 등장했다. 이 예술가들은 툰데 킹과 함께 주주라는 스타일의 핵심을 확립했으며, 이는 20세기 내내 나이지리아에서 가장 인기 있는 장르 중 하나로 남아있었다. 초기 개척자인 오조게 대니얼, 이레월 덴게, 그리고 "눈먼 음유시인" 코코로를 포함한 일부 주주 음악가들은 유랑 생활을 했다.
나이지리아의 음악 대중음악
아팔라는 보컬과 타악기를 사용하는 무슬림 요루바 음악 스타일이다. 1930년대 후반 라마단 금식 후 예배자들을 격려하는 수단으로 등장했다. 대중적인 아프로-쿠바 타악기의 영향을 받아 아팔라는 더욱 세련된 스타일로 발전하여 많은 청중을 끌어모았다. 이 음악은 두세 개의 말하는 북(오멜레), 마라카스 (세케레), 엄지 피아노 (아기디그보), 그리고 벨 (아고고)을 필요로 했다. 하루나 이숄라는 가장 유명한 아팔라 연주자였으며, 나중에 푸지 음악의 일부로 아팔라를 더 많은 청중에게 알리는 데 중요한 역할을 했다.
나이지리아의 음악 대중음악
제2차 세계대전 이후, 나이지리아 음악은 미국과 유럽에서 수입된 전자 악기를 포함하여 새로운 악기와 기술을 받아들이기 시작했다. 로큰롤, 솔 음악, 그리고 나중에는 펑크가 나이지리아에서 매우 인기를 얻었고, I. K. 다이로와 같은 예술가들에 의해 이러한 장르의 요소들이 주주에 추가되었다. 한편, 하이라이프는 이보족 사이에서 서서히 인기를 얻고 있었고, 그들의 독특한 스타일은 곧 전국적인 청중을 찾았다. 동시에 아팔라의 하루나 이숄라는 이 나라의 가장 큰 스타 중 한 명이 되고 있었다. 1970년대 초중반에는 나이지리아 음악 역사상 가장 큰 세 인물인 펠라 쿠티, 에베네제르 오베이, 킹 서니 아데가 절정기에 있었고, 그 10년의 끝에는 요-팝과 나이지리아 레게의 시작을 보았다.
60년대에 하이라이프와 주주와 같은 대중적인 스타일이 나이지리아 차트에서 정상을 차지했지만, 전통 음악은 널리 퍼져 있었다. 전통 스타로는 하우사족 댄 마라야가 있었는데, 그는 1967년 비아프라 전쟁 동안 연방군 사기를 북돋기 위해 전장에 끌려갈 정도로 유명했다.
나이지리아의 음악 대중음악
제2차 세계 대전 이후, 툰데 나이팅게일의 s'o wa mbe 스타일은 그를 최초의 주주 스타 중 한 명으로 만들었고, 그는 장르에 더 서구화된 팝 영향을 도입했다. 1950년대 동안, 녹음 기술은 더욱 발전했고, 간간 말하는 북, 일렉 기타 그리고 아코디언이 주주에 통합되었다. 이러한 혁신의 대부분은 1957년에 결성된 IK 다이로와 모닝 스타 오케스트라 (나중에 IK 다이로와 블루 스팟)의 작업이었다. 이 연주자들은 주주를 시골의 가난한 사람들로부터 나이지리아의 도시 및 그 너머로 가져왔다. 다이로는 60년대에 아마도 아프리카 음악의 가장 큰 스타가 되었으며, 일본까지 그의 명성을 퍼뜨린 수많은 히트곡을 녹음했다. 1963년, 그는 영국 기사단인 대영 제국 훈장 회원으로 선정되어 영예를 안은 유일한 아프리카 음악가가 되었다.
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이보족 사이에서는 가나의 하이라이프가 1950년대 초에 인기를 얻었고, 곧이어 카메룬과 자이르의 다른 기타 밴드 스타일이 뒤따랐다. 1950년대의 가장 인기 있는 하이라이프 연주자인 가나의 E. T. 멘사는 이보족 지역을 자주 순회하며 헌신적인 팬들의 엄청난 인파를 끌어모았다. 바비 벤슨 & 히즈 콤보는 전국적으로 청중을 찾은 최초의 나이지리아 하이라이프 밴드였다. 벤슨의 뒤를 이은 짐 로슨 & 더 메이어스 댄스 밴드는 로슨이 1971년에 사망하면서 1970년대 중반에 전국적인 명성을 얻었다. 같은 기간 동안 다른 하이라이프 연주자들도 전성기를 맞았다. 여기에는 프린스 니코 음바르가와 그의 밴드 로카필 재즈가 포함되었는데, 그의 "스위트 마더"는 1,300만 장 이상 판매되어 어떤 종류의 아프리카 싱글보다 많이 팔린 범아프리카적인 히트곡이었다. 음바르가는 판코라고 명명한 스타일로 영어 가사를 사용했는데, 이는 "정교한 룸바 기타 프레이징을 하이라이프 관용구에 통합"한 것이었다.
나이지리아의 음악 대중음악
1960년대 내전 이후 이보 음악가들은 라고스에서 쫓겨나 고향으로 돌아갔다. 그 결과 하이라이프는 주류 나이지리아 음악의 주요 부분이 아니게 되었고, 동부 이보족과 순수하게 연관된 것으로 여겨졌다. 하이라이프의 인기는 이보족 사이에서 서서히 줄어들었고, 주주와 푸지에 의해 대체되었다. 그러나 몇몇 연주자들은 이 스타일을 유지했는데, 요루바 가수이자 트럼펫 연주자인 빅터 올라야 (플래티넘 레코드를 획득한 유일한 나이지리아인), 스테판 오시타 오사데베, 올리버 드 코크, 셀레스틴 우쿠, 오리엔탈 브라더스, 소니 오코순, 빅터 우와이포, 그리고 주주와 하이라이프를 융합한 독특한 토예 스타일의 올랜도 "닥터 간자" 오워 등이 있었다.
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나이지리아 요루바 주 중 하나인 오군 주 출신의 전통 스타일인 아팔라는 1960년대에 하루나 이숄라, 세피우 아얀, 카수무 아디오, 아인라 오모우라 등의 연주자들에 의해 큰 인기를 얻었다. 1955년부터 1983년 사망할 때까지 나이지리아에서 가장 꾸준히 히트곡을 낸 이숄라는 느리고 감성적인 것과 빠르고 활기찬 것을 번갈아 가며 아팔라 노래를 녹음했다. 그의 가사는 즉흥적인 찬사와 쿠란 구절, 그리고 전통적인 속담이 혼합된 것이었다. 그의 작품은 발전하는 푸지 스타일의 형성적인 영향을 미 미쳤다.
나이지리아의 음악 대중음악
1960년대 후반에 최초의 푸지 밴드가 등장했다. 아인데 배리스터에 따르면 푸지는 일본의 후지산에서 따온 이름으로, 순전히 단어의 소리 때문이었다고 한다. 푸지는 아팔라와 아지사리 신앙 음악가들의 "장식적이고 자유로운 리듬" 보컬이 결합된 형태였으며, 사카라, 탬버린-드럼, 하와이 기타가 반주되었다. 이 장르의 초기 스타들 중에는 하루나 이숄라와 아인라 오모우라가 있었다. 이숄라는 50년대 후반부터 80년대 초까지 수많은 히트곡을 발표하며 이 나라에서 가장 유명한 연주자 중 한 명이 되었다. 푸지는 1960년대와 70년대 사이에 꾸준히 인기를 얻었으며, 이 과정에서 이슬람교와 밀접하게 연관되었다.
나이지리아의 음악 대중음악
푸지는 기타 없는 주주로 묘사되어 왔는데, 아이러니하게도 에베네제르 오베이는 한때 주주를 기타 있는 맘보로 묘사했다. 그러나 그 뿌리에서 푸지는 무슬림 전통 웨레 음악의 아지사리 노래와 "아팔라 타악기 및 보컬 노래의 측면, 그리고 침울하고 철학적인 사카라 음악"의 혼합이다. 이러한 요소들 중에서 아팔라가 푸지의 근본적인 기반이다. 푸지의 첫 스타는 라이벌 밴드 리더인 알하지 시키루 아인데 배리스터와 아인라 콜링턴이었다. 알하지 시키루 아인데 배리스터는 10살 때부터 무슬림 노래를 불렀지만, 1970년대 초 골든 푸지 그룹과 함께 푸지 경력을 시작했다. 그는 영국 런던 여행에서 돌아온 후 그룹 이름을 "푸지 런던너스"로 변경했다. 오랜 시간 동안 — "Orilonise", "Fuji Disco/Iku Baba Obey", "Oke Agba", "Aye", "Suuru"와 같은 히트곡을 내며 — 그는 그룹 이름을 "슈프림 푸지 커맨더스"로 변경했다. 아인데의 라이벌은 아인라 콜링턴 또는 "바바 알라티카"로, 빠른 템포와 춤추기 좋은 푸지 스타일로 유명했으며, 80년대에는 "ko bo simi lo'run mo e"를 발표했고, "ijo yoyo, Lakukulala 및 American megastar"와 같은 히트 앨범을 발표했다. 모든 존경을 담아 아인라 콜링턴은 일관된 사회 평론가이다. 1980년대에는 와시우 아인데 마샬과 같은 떠오르는 스타들이 뒤를 이었다.
나이지리아의 음악 대중음악
에베네제르 오베이는 1964년에 국제 형제단(International Brothers)을 결성했고, 그의 밴드는 곧 IK 다이로의 밴드와 경쟁하여 나이지리아에서 가장 큰 그룹이 되었다. 그들은 복잡한 말하는 북 중심의 타악기 요소를 포함하는 블루스 풍의 기타 기반, 하이라이프 영향을 받은 주주(jùjú) 음악을 연주했다. 오베이의 가사는 도시 청취자들에게 호소하는 문제들을 다루었으며, 요루바 전통과 그의 보수적인 기독교 신앙을 통합했다. 그의 라이벌은 같은 시기에 등장한 킹 서니 아데로, 1966년에 그린 스팟(Green Spots)을 결성했고, 1974년의 에수 비리 에보 미 이후 아프리카 비츠(African Beats)와 함께 몇몇 주요 히트곡을 달성했다. 아데와 오베이는 주주 음악에 새로운 영향을 통합하고 새로운 팬을 확보하기 위해 경쟁했다. 하와이 슬랙키, 키보드 및 백 보컬은 이 급변하는 시기에 추가된 혁신 중 일부였다. 아데는 자메이카 덥 음악의 강력한 요소를 추가했고, 기타가 리듬을 연주하고 드럼이 멜로디를 연주하는 방식을 도입했다. 이 시기에 주주 노래는 짧은 팝송에서 종종 20분 이상 길이의 긴 곡으로 변했다. 밴드는 원래 앙상블의 네 명의 연주자에서 IK 다이로와 함께 10명, 오베이와 아데와 함께 30명 이상으로 늘어났다.
나이지리아의 음악 대중음악
1980년대 초, 오베이와 아데는 나이지리아 외부에서 더 많은 청중을 찾았다. 1982년, 아데는 아일랜드 레코드와 계약을 맺었는데, 이는 밥 말리의 성공을 재현하기를 희망했으며, 주주 음악을 발표하여 유럽과 미국에서 예상을 훨씬 뛰어넘는 판매를 기록했다. 오베이는 1980년 버진 레코드에서 Current Affairs를 발표하여 영국에서 잠시 스타가 되었지만, 아데만큼 국제적인 경력을 유지하지 못했다. 아데는 주주 음악의 짧은 국제적 명성을 이끌었지만, 1985년 스티비 원더와 녹음한 오라의 상업적 실패로 음반 계약을 잃고 그의 밴드가 대규모 일본 투어 도중 이탈하면서 끝이 났다. 아데의 국제적 명성은 주류 음반사로부터 많은 관심을 받았고, 떠오르는 월드 뮤직 산업에 영감을 주는 데 도움이 되었다. 1980년대 말까지 주주 음악은 요-팝, 나이지리아 가스펠, 레게와 같은 다른 스타일들에게 자리를 내주었다. 그러나 1990년대에는 푸지와 주주 음악이 여전히 인기를 유지했으며, 와카 음악과 나이지리아 레게도 그러했다. 1990년대 말에는 힙합 음악이 세네갈과 같은 이웃 지역에서 주요 음악의 일부가 된 후 나이지리아로 확산되었다.
나이지리아의 음악 대중음악
1980년대의 가장 큰 두 스타는 세군 아데왈레와 시나 피터스였는데, 그들은 1970년대 중반 프린스 아데쿤레와 함께 공연하며 경력을 시작했다. 그들은 결국 아데쿤레를 떠나 시나 아데왈레 & 더 인터내셔널 슈퍼스타즈(Shina Adewale & the International Superstars)라는 짧은 파트너십을 맺은 후 솔로 경력을 시작했다. 아데왈레는 둘 중 먼저 성공을 거두었으며, 요-팝의 가장 유명한 연주자가 되었다.
요-팝 열풍은 오래가지 못하고 시나 피터스의 아프로-주주 스타일에 의해 대체되었는데, 이 스타일은 《아프로-주주 시리즈 1》(1989) 발매 후 주류로 진입했다. 아프로-주주는 아프로비트와 푸지의 결합이었고, 시나의 팬들 사이에서 "시나매니아"라고 불리는 열광을 일으켰다. 그는 1990년에 올해의 주주 음악가로 선정되었지만, 그의 후속작 《시나매니아》는 나름대로 판매되었으나 평론가들에게 혹평을 받았다. 그러나 그의 성공은 신인들에게 길을 열어주어 패뷸러스 올루 파제미로쿤과 아데왈레 아유바의 성공으로 이어졌다. 같은 시기에 델레 타이워가 개척한 펑키 주주와 같은 새로운 스타일도 부상했다.
나이지리아의 음악 대중음악
아프로비트(Afrobeat)는 나이지리아와 가장 밀접하게 연관된 스타일이며, 아프로비트 녹음은 선진국 전역에서 발견되는 월드 뮤직 범주의 중요한 부분이다. 이는 푸지, 주주, 재즈 및 기타 음악 장르의 요소를 담은 음악이다. 가장 인기 있고 잘 알려진 연주자, 실로 나이지리아 역사상 가장 유명한 음악가는 단연 펠라 쿠티이다. 쿠티가 종종 아프로비트의 유일한 선구자로 여겨지지만, 올랜도 줄리어스 에케모데와 같은 다른 음악가들도 초기 아프로비트 현장에서 두각을 나타냈으며, 그들은 하이라이프, 재즈 및 펑크를 결합했다. 짧은 미국 생활 동안 그는 블랙 파워 운동과 흑표당에 노출되었고, 이 영향은 그의 가사에서 표현되게 된다. 런던에서 잠시 거주한 후 그는 라고스로 돌아와 도시에서 가장 인기 있는 음악 장소 중 하나인 "더 슈라인(The Shrine)"이라는 클럽을 열었다. 그는 토니 앨런 드럼 연주자를 포함한 대규모 밴드인 아프리카 '70과 함께 녹음을 시작했고, 앨런은 그 이후로 자신만의 유명한 음악가가 되었다. 아프리카 '70과 함께 쿠티는 빈곤, 교통, 피부 미백과 같은 다양한 문제들을 다루며 정부의 분노를 사면서 일련의 히트곡을 녹음했다. 1985년 쿠티는 5년형을 선고받았지만, 국제적인 항의와 대규모 국내 시위 후 2년 만에 석방되었다. 석방 후 쿠티는 노래에서 정부를 계속 비판했으며, "어떤 남자도 여자의 질을 소유할 권리가 없다"며 갑자기 28명의 아내와 모두 이혼하는 등 기이한 행동으로 유명해졌다. 1997년 에이즈로 인한 그의 죽음은 나이지리아 기록 역사상 전례 없는 국가 애도 기간을 촉발시켰다.
나이지리아의 음악 대중음악
1980년대에 아프로비트(Afrobeat)는 급성장하는 월드 뮤직 장르와 연관되었다. 유럽과 북미에서는 소위 "월드 뮤직" 공연자들이 전 세계에서 와서 다양한 스타일로 연주했다. 펠라 쿠티와 그의 아프로비트 추종자들은 월드 뮤직으로 간주되는 가장 유명한 음악가들 중 하나였다.
1980년대부터 1990년대까지 아프로비트는 미국 펑크와 힙합의 새로운 영향을 받아 다양화되었다. 항상 마스크를 쓰고 수수께끼 같은 라그바자는 특히 1996년 LP 《C'est Une African Thing》 이후 새로운 아프로비트 물결의 선두 주자 중 한 명이 되었다. 그의 아버지 펠라의 자리를 대신하여 깜짝 출연한 후, 페미 쿠티는 유럽 전역을 순회할 수 있게 해준 큰 팬층을 확보했다. 페미 쿠티와 세운 쿠티는 아버지 펠라 쿠티의 뒤를 이었다.
인기 가수 살라와 아베니는 1976년 《Late General Murtala Ramat Mohammed》 발매 후 전국적으로 유명해졌는데, 이 곡은 나이지리아 여성 가수가 백만 장 이상 판매한 최초의 음반이었다. 1980년대에도 그녀는 이 나라에서 가장 많이 팔리는 아티스트 중 한 명으로 남아 있었으며, 와카라고 불리는 자신만의 독특한 음악을 만들었다. 그녀는 이 장르와 너무 밀접하게 연관되어 있어서 왕족 인물인 오요의 알라아핀, 오바 라미디 아데예미가 1992년에 그녀에게 "와카 음악의 여왕"이라는 칭호를 수여했다. 와카는 주주, 푸지, 그리고 전통 요루바 음악의 융합이었다.
나이지리아의 레게 음악에 대해 말하자면, 이 음악 브랜드는 단순히 "테라코타"라고 불리는 음악가에 의해 시작되었다. 80년대에 나이지리아 레게 스타로는 다니엘 윌슨, 더 맨데이트스, 라스 키모노, 마제크 파섹이 있었는데, 1988년 밥 말리의 "리뎀션 송" 커버는 나이지리아 레게에 전례 없는 성공을 가져왔다. 많은 후기 나이지리아 레게 스타들처럼, 파섹은 1980년대 중반부터 후반, 90년대 초까지 끊임없이 투어하고 녹음했던 오랜 밴드 더 맨데이트스의 일원이었다. 나중에 두각을 나타낸 레게 음악가로는 제리 제토와 대디 쇼키가 있다.
아프리카 카리브 퓨전은 수년 동안, 특히 21세기에 인기 있고 성장하는 장르이다. 이 음악 장르에서 아프리카 음악가들은 자메이카 파투아를 그들의 가사와 비트에 통합한다. 자메이카에서 매우 인기가 많지만, 이 잘 혼합된 장르는 19세기경 나이지리아 레게 음악가 마제크 파섹이 이 퓨전에 국제적인 관심을 끌면서 아프리카 지역에 잘 알려지게 되었다. 이 음악 장르는 던컨 마이티, 티마야, 슬림 버나, 오레지, 버나 보이, 파토랭킹과 같은 최근 21세기 아티스트들이 젊은 청중을 끌어모으면서 나이지리아에서 훨씬 더 많은 존재감을 얻고 있다.
힙합 음악은 1980년대 후반에 나이지리아에 유입되었고, 1990년대 초반 내내 꾸준히 인기를 얻었다. 초기 아티스트로는 사운드 온 사운드, 엠파시스, 러프 러그드 & 로, SWAT ROOT, 드 위즈, 블랙 마스큐라데즈가 있었다. 게다가, 더 트라이브스멘의 "트라이벌 마크스"(1999)와 트리오 더 레메디스의 "주딜"과 "사코마"와 같은 초기 히트곡으로 관심이 집중되면서 10년 후반에 주류 성공이 커졌다. 더 레메디스의 한 명인 토니 테투일라는 플랜태션 보이즈와 함께 큰 상업적 성공을 거두었다. 1999년 솔로몬 데어 (대중적으로 솔로디로 알려진), 케니 오궁베의 케니스 뮤직, 넬슨 브라운의 도브 레코드, eLDee의 트라이브 레코드에 의해 페이백타임 레코드가 설립되면서 나이지리아 힙합 씬을 재정의하고 확립하는 데 도움이 되었다. 또한, 미디어의 지원과 함께 엔터테인먼트 씬의 전반적인 급속한 성장은 나이지리아 힙합 음악을 대중화하는 데 도움이 되었다. 비디오휠스, 힙TV, 뮤직 아프리카, MTN 옐로 쇼, 뮤직 아프리카, 나이지지, 사운드시티와 같은 TV 프로그램이 중요한 역할을 했다. 다른 저명한 나이지리아 힙합 음악가로는 투페이스 이디비아, 벡터, 레미니스, 아이스 프린스, M.I 아바가, 러기드맨, 이드리스 압둘카림, 에리가, 위어드 MC, 나에토 C, 트윈-X, P-스퀘어가 있다.
2012년 말경 나이지리아에서 힙합 운동은 인기를 잃기 시작했다. 아프로비츠 아티스트들이 게임을 지배하기 시작했고, 위즈키드, 다비도, 올라미데, 버나 보이, 레마, CKay, 파이어보이 DML, 키스 대니얼, 테크노, MC 갤럭시, 아데쿤레 골드, 다미 크레인, 릴 케시와 같은 유명한 아티스트들이 수년 동안 그들의 노래로 큰 주목을 받았다.
2023년 현재, 새로운 힙합 아티스트들이 다시 한번 나이지리아에서 이 장르를 살아있게 유지하고 있음을 증명했다. 아프로비츠만큼 인기가 많지는 않지만, PsychoYP와 같은 아티스트들은 드릴 음악에 전념하고 있음을 증명했고, 대부분 현대 팝 아티스트로 분류되는 블루 이반 또한 끊임없는 트랩 및 사이키델릭 팝 음악 카탈로그로 이 장르를 대표하고 있음을 증명했다.
나이지리아의 음악 아프로비츠: 국제적 돌파
아프로비트(Afrobeat)와 달리, 아프로비츠는 2018년 이후 전 세계적인 성공을 거두었다. 나이지리아 아티스트들이 여기에 주요 기여를 했다.
빌보드에 따르면, 2023년 현재 나이지리아의 아프로비츠는 미국과 영국에서 가장 빠르게 성장하는 장르이다. 아프로비츠 스타 CKay는 "아프로비츠는 새로운 팝이다"라고 말했다.
나이지리아 음악가들은 점점 더 국제적인 인정을 받고 있다.
킹 서니 아데, 페미 쿠티, 세운 쿠티와 같은 아티스트들은 과거에 그래미 후보에 올랐다.
버나 보이의 《아프리칸 자이언트》는 2020년 그래미 어워드에서 최우수 월드 뮤직 앨범 후보에 올랐다. 그의 《트와이스 애스 톨》은 이듬해 최우수 글로벌 뮤직 앨범 그래미를 수상했다. 위즈키드의 《메이드 인 라고스》는 2021년 같은 부문 후보에 올랐다. 위즈키드의 템스가 피처링한 에센스는 최우수 글로벌 뮤직 퍼포먼스 부문에도 후보로 올랐다.
나이지리아의 음악 아프로비츠: 국제적 돌파
아프로비츠 아티스트와 세계적인 음악 스타들의 협업은 더 많은 글로벌 노출로 이어졌다. 2019년, 미국 스타 비욘세는 위즈키드와 버나 보이를 포함한 수많은 나이지리아 스타들의 도움을 받았다. 그녀의 "브라운 스킨 걸"은 2021년 그래미 어워드에서 최우수 뮤직 비디오를 수상했다. 앙젤리크 키조의 앨범 《Mother Nature》(2021)는 많은 나이지리아 스타들이 참여했으며, 최우수 글로벌 뮤직 앨범 후보에 올랐다.
나이지리아 아프로비츠의 성공은 2005년 MTV 유럽 뮤직 어워드에서 최우수 아프리카 액트 부문을 신설하고, 2011년에는 BET 어워드에서 최우수 국제 액트: 아프리카 부문에서 상을 수여하게 했다.
2012년, D'banj의 "올리버 트위스트"는 영국 싱글 차트에서 9위, UK R&B 차트에서 2위를 기록했다. 이는 이러한 성과를 달성한 최초의 나이지리아 아프로비츠 노래였다.
나이지리아의 음악 아프로비츠: 국제적 돌파
2012년 4월, P-스퀘어는 2009년 히트 싱글 'E No Easy'를 맷 휴스턴과 리믹스하여 SNEP - 프랑스 공식 차트에서 상위 5위, 울트라톱 - 벨기에 공식 차트에서 상위 10위 안에 진입한 최초의 나이지리아 아프로비츠 노래가 되었으며, 각각 29주와 16주 동안 차트에 머물렀다. 이 노래는 프랑스에서 첫 아프로비츠 여름 히트곡이 되었고, 이는 유럽의 프랑스어권 국가들에서 아프로비츠의 인지도를 높이는 데 기여했다.
위즈키드의 "에센스"는 템스가 피처링했으며, 저스틴 비버와의 리믹스로 미국 빌보드 100 차트의 상위 10위 안에 들었다.
위즈키드, 다비도, 버나 보이와 같은 나이지리아 팝 음악가들은 각각 런던의 O2 아레나와 파리의 아코르 아레나를 매진시켰다.
나이지리아의 음악 음악 속 여성
나이지리아 음악 산업에서 여성 아티스트들은 그들의 재능과 업적으로 두각을 나타내고 널리 인정받고 있다. 수년 동안 대부분의 나이지리아 여성 아티스트들은 현대 아프리카 음악에 전념했지만, 21세기에 들어 여러 여성 아티스트들이 랩, 힙합, 아프로비트를 포함한 다른 장르로 다양화하기 시작했다. 주목할 만한 나이지리아 여성 래퍼로는 위어드 MC, 사샤 P, 모체다, 에바 알로디아가 있다. 많은 여성 아프로비트 아티스트들이 있지만, 아사, 오마우미 메그벨레, 세이이 셰이, 니니올라, 티와 세비지, 테니, 예미 알라데, 시미처럼 수년 동안 꾸준히 활동한 아티스트는 소수에 불과하다.
2020년대에는 템스와 아이라 스타와 같은 아티스트들이 국제적인 찬사와 인정을 받으며 나이지리아 음악에서 여성의 존재감이 급증했다.