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The 1989 World Tour 상업적 성과
세인트루이스에서 스위프트는 원래 2015년 10월 13일과 14일에 공연할 예정이었으나, 세인트루이스 공연 중 하나가 취소되고 다른 하나는 2015년 9월 28일로 재조정되었으며, 티켓은 2015년 1월 30일에 판매되었다. 그러나 세인트루이스 공연 티켓은 몇 분 만에 매진되었고, 그 결과 9월 29일에 같은 장소에서 두 번째 공연이 추가되었다. 엄청난 수요로 인해 스위프트는 유럽 지역에 쾰른과 더블린 공연을 추가했다. 스위프트는 첫 공연이 매진된 후 6분 만에 더블린 공연을 하나 더 추가했으며, 두 공연 모두 55분 만에 매진되었다. 호주에서는 2015년 12월 11일 AAMI 파크에서 열린 멜버른 첫 공연 티켓이 한 시간도 채 안 되어 매진되었다. 그 직후 스위프트는 멜버른과 애들레이드에서 추가 공연을 발표했다. 폭발적인 수요로 인해 2015년 7월 스위프트는 첫 두 공연이 매진된 후 멜버른에서 세 번째 공연을 추가했다. 스위프트는 AAMI 파크에서 세 번의 공연을 펼친 최초의 여성 아티스트가 되었다. 2015년 1월, 포브스는 The 1989 World Tour가 2015년 2차 시장에서 가장 비싼 콘서트 투어 중 하나라고 보도했다.
The 1989 World Tour 상업적 성과
이 투어는 스위프트의 북미 지역 첫 5개 공연(2015년 5월 20일~6월 6일, 배턴루지 제외)으로 빌보드 핫 투어 차트에서 1위를 차지했으며, 149,708장의 티켓 판매로 1,680만 달러의 수익을 올렸다. 샬럿과 필라델피아에서 열린 3개 공연에서 총 129,962장의 티켓이 판매되어 1,520만 달러의 수익을 올리며 빌보드 핫 투어 차트에서 2주 연속 1위를 차지했다. 2015년 8월 1일까지 The 1989 World Tour는 북미에서 20회 공연을 통해 8,620만 달러의 총수익을 기록했으며, 7개의 아레나와 9개의 경기장에서 771,460장의 티켓을 판매했다. 9월 9일, 빌보드는 투어가 1억 3천만 달러 이상의 수익을 올렸으며 110만 장의 티켓을 판매했다고 보도했다. The 1989 World Tour는 2015년 10월 빌보드가 투어가 1억 7,300만 달러 이상의 수익을 올렸다고 보도했을 때 스위프트의 The Red Tour를 제치고 가장 높은 수익을 올린 투어가 되었다. 이 투어는 또한 핫 투어 차트에서 다시 1위를 차지했으며, 토론토, 세인트루이스 및 디모인에서의 공연으로 총 1,360만 달러의 티켓 판매 덕분에 스위프트의 2015년 여섯 번째 차트 1위를 기록했다.
The 1989 World Tour 상업적 성과
2015년 12월에 발표된 빌보드의 "Top 25 Boxscores" 목록에서 스위프트는 The 1989 World Tour 공연으로 7개의 순위를 기록하며 모든 투어 아티스트 중 가장 많은 순위를 차지했다. 멜버른에서 끝난 후, 투어는 2억 5천만 달러 이상의 수익을 올렸으며 폴스타가 보도한 바와 같이 2015년 세계 최고 수익 투어가 되었다. 또한 2015년 북미에서 가장 높은 수익을 올린 투어였다. The 1989 World Tour는 북미에서만 거의 2억 달러의 수익을 올렸으며, 2005년 롤링 스톤스가 세운 이전 최고 기록인 1억 6,200만 달러를 경신했다. 도쿄도의 두 공연은 폴스타의 "2015년 연말 국제 박스오피스 톱 100" 목록에서 9위를 차지했다. 이 목록에 포함된 다른 공연으로는 멜버른, 시드니, 상하이시, 브리즈번 공연이 있었다. The 1989 World Tour는 또한 폴스타의 또 다른 목록인 "2015년 연말 콘서트 총수익 톱 200 [북미 지역]"에서 24개의 순위를 기록했으며, 최고 순위는 이스트러더퍼드의 두 공연으로 5위였고, 최저 순위는 덴버의 두 공연으로 160위였다. 전반적으로, 이 투어는 스테이플스 센터 역사상 아티스트가 가장 많이 매진시킨 공연 기록(스위프트 경력 전체 16회)을 포함하여 여러 참석 및 수익 기록을 깼으며, 코비 브라이언트가 수여한 현수막으로 기념되었다.
The 1989 World Tour 콘서트 영화
The 1989 World Tour Live라는 제목의 콘서트 영화가 애플 뮤직과의 협력으로 공개되었다. 2015년 12월 13일, 스위프트는 이 영화를 발표하며 애플과의 첫 협업을 알렸다. 애플 뮤직과의 파트너십은 스위프트가 이전에 스트리밍 플랫폼의 보상 관행에 대해 우려를 제기한 이후 이루어졌다는 점에서 의미가 있었다. 2015년 초, 스위프트는 스포티파이에서 자신의 카탈로그를 철회하며 아티스트에 대한 서비스의 지불 모델을 비판했다. 애플 뮤직은 구독 서비스의 무료 체험 기간 동안 아티스트에게 지불하기로 동의했기 때문에, 애플 뮤직과의 협업은 디지털 음악 산업에서 아티스트에 대한 공정한 보상을 옹호하는 그녀의 입장과 일치하는 것으로 여겨졌다.
The 1989 World Tour 콘서트 영화
요나스 오켈룬드가 감독한 이 콘서트 영화는 주로 시드니 공연을 선보이며, The 1989 World Tour의 주목할 만한 측면인 특별 게스트 출연을 특징으로 한다. 이러한 협업이 포함되었지만, 영화는 스위프트의 공연과 쇼의 전반적인 규모에 중점을 둔다. 비하인드 스토리 영상과 라이브 콘서트 세그먼트는 제작의 복잡성과 공연의 중심에 있는 스위프트의 역할을 모두 강조하여 투어의 창의적인 과정과 실행에 대한 균형 잡힌 시각을 제공한다.
The 1989 World Tour Live는 2015년 12월 20일 애플 뮤직에서 독점적으로 처음 공개되었다. 이 발매는 스트리밍 산업에서 스위프트의 영향력과 디지털 플랫폼에서 아티스트에 대한 더 나은 보상을 위한 그녀의 옹호를 강조했다. 이 콘서트 영화는 2020년 5월 22일에 제거되기 전까지 거의 5년 동안 이 서비스에서 이용할 수 있었다. 또한, 이 영화의 장면들은 나중에 "New Romantics"의 뮤직 비디오에 사용되었다.
The 1989 World Tour 세트리스트
이 세트리스트는 2015년 5월 5일 도쿄 공연 기준이다. 모든 투어 공연을 대표하지 않는다.
다음 곡들은 "You Are In Love" 대신 스위프트가 공연한 곡들이다.
"You Belong with Me": 이스트러더퍼드에서의 두 번째 공연, 워싱턴 공연, 덴버 공연, 콜럼버스 공연, 로스앤젤레스 공연, 애들레이드 공연, 상하이 공연; 토론토에서의 첫 공연, 내슈빌에서의 첫 공연, 캔자스시티에서의 첫 공연, 세인트루이스에서의 첫 공연, 폭스버러에서의 첫 공연, 싱가포르에서의 첫 공연; 그리고 디모인 공연과 솔트레이크시티 공연
"Fifteen": 시카고에서의 첫 공연, 오마하에서의 첫 공연, 덴버에서의 첫 공연, 세인트폴에서의 첫 공연, 그리고 에드먼턴에서의 첫 공연; 멜버른, 토론토, 세인트루이스, 폭스버러에서의 두 번째 공연, 내슈빌에서의 두 번째 공연, 캔자스시티에서의 두 번째 공연, 그리고 글렌데일에서의 두 번째 공연; 로스앤젤레스에서의 세 번째 공연; 그리고 인디애나폴리스, 렉싱턴, 알링턴, 파고, 마이애미, 그린즈버러, 애틀랜타, 그리고 탬파 공연
The 1989 World Tour 세트리스트
아래는 스위프트와 함께 무대에 오르거나 공연한 특별 게스트들의 전체 목록이다.
2015년 8월 21일 – 로스앤젤레스: "Counting Stars" with 라이언 테더 of 원리퍼블릭; 코비 브라이언트 presenting Swift with a banner hung on the 스테이플스 센터 rafters in honor of Swift's 16 sold-out shows, the most of any recording artist at the arena.
2015년 9월 29일 – 세인트루이스: "The Fix" with 넬리, and "Hot in Herre" with 넬리 and 하임. To celebrate 하임's last night on the tour, Swift invited them to join her onstage as back-up dancers for 넬리.
The 1989 World Tour 세트리스트
2015년 10월 27일 – 마이애미: 드웨인 웨이드 presenting Swift a "13" numbered jersey in honor of Swift's lucky number and his 13th season with the 마이애미 히트; "Give Me Everything" with 핏불; "Livin' la Vida Loca" with 리키 마틴.
2015년 10월 31일 – 탬파: "Here" with 알레시아 카라; "Let It Go" with 이디나 멘젤. During "Style", before "Let It Go" was performed, Swift wore an 올라프 costume while Menzel wore her in-voice character 엘사, both from 겨울왕국, in honor of 할로윈.
The 1989 World Tour 스태프
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쇼
밴드
신비극
신비극(mystery play)과 기적극(miracle play, 이 용어들은 종종 혼용되지만 두 가지 다른 형태로 구별된다)은 중세 유럽에서 가장 초기에 공식적으로 발전된 희곡 중 하나이다. 중세 신비극은 교회당에서 성경 이야기를 활동 그림과 함께 교창 성가를 곁들여 표현하는 데 중점을 두었다. 이들은 창조, 아담과 하와, 카인의 아벨 살해, 최후의 심판과 같은 주제를 다루었다. 종종 며칠 동안 이어질 수 있는 연작 형태로 함께 공연되었다. 이 이름은 기적의 의미로 사용된 신비에서 유래했지만, 때때로 인용되는 유래는 '공예'를 의미하는 라틴어 'ministerium'에서 비롯되었으며, 따라서 공예 길드에 의해 공연된 '신비' 또는 연극을 의미하기도 한다.
신비극 기원
일찍이 5세기부터 살아있는 타블로가 성스러운 의식에 도입되었다. 이 연극들은 전례 텍스트의 단순한 수식어인 '트로프'(tropes)로 시작하여 점차 정교해졌다. 초기에는 당일 예배의 성가가 산문 대화에 추가되었다. 이러한 전례극의 인기가 높아지면서, 토착어 형태가 나타났고, 후기 중세에는 순회 극단과 연극 공연이 일반화되었다.
쿰 콰에리티스?는 이 드라마의 가장 잘 알려진 초기 형태이다. 이는 그리스도의 무덤에 있는 천사와 그의 죽은 몸을 찾는 여인들 사이의 도식적인 대화이다. 레스폰소리움의 초기 형태는 나중에 대화와 극적 행동으로 정교해졌다. 초기 공연은 라틴어로 진행되었으며, 전령이 사건의 개요를 설명하는 토착어 프롤로그가 먼저 나왔다. 초기 연극의 작가와 연출가는 아마도 수도사나 성직자였을 것이다.
신비극 기원
1210년, 기적극의 인기가 커지는 것을 의심한 교황 인노첸시오 3세는 성직자들이 공개 무대에서 연기하는 것을 금지하는 교황 칙서를 발표했다. 이는 연극의 조직을 도시 길드로 넘기는 결과를 낳았고, 이후 여러 변화가 따랐다. 라틴어 텍스트는 토착어로 대체되었고, 비성경적 구절과 코믹한 장면이 추가되었다. 예를 들어 웨이크필드 연작의 세쿤다 파스토룸이 그러하다. 연기와 인물 묘사는 더욱 정교해졌다.
이러한 토착어 종교 공연은 요크와 같은 영국의 일부 대도시에서 길드에 의해 공연되고 제작되었으며, 각 길드는 특정 성경 이야기의 한 부분을 담당했다. 길드의 통제에서 라틴어 'ministerium'에서 유래한 신비극 또는 '미스터리'라는 용어가 생겨났다. 'ministerium'은 "직업" (즉, 길드의 직업)을 의미한다. 이 장르는 잉글랜드의 종교 개혁과 1534년 잉글랜드 국교회의 설립으로 다시 금지되었다.
신비극 기원
신비극은 일부 지역에서는 창조부터 심판의 날까지 기독교 달력의 주요 사건들을 다루는 일련의 연극으로 발전했다. 15세기 말까지 축제일에 이러한 연극을 연작으로 공연하는 관행이 유럽 여러 지역에서 확립되었다. 때로는 각 연극이 장식된 행렬 수레 위에서 공연되어 도시를 이동하며 다양한 군중이 각 연극을 관람할 수 있게 했다. 전체 연작은 공연하는 데 최대 20시간이 걸릴 수 있었고 여러 날에 걸쳐 진행될 수 있었다. 이러한 연작들은 전체적으로 코퍼스 크리스티 연작이라고 불린다. 이러한 연작은 종종 그리스도의 성체 성혈 대축일 동안 공연되었다.
이 연극들은 성직자와 아마추어의 조합으로 공연되었으며, 매우 정교한 연 형태로 쓰여졌다. 이들은 종종 화려한 무대 장치와 특수 효과가 특징이었지만, 때로는 소박하고 친밀하게 연출될 수도 있었다. 심지어 단일 연극 연작 내에서도 다양한 연극적이고 시적인 스타일이 존재했다.
신비극 영국 신비극
현존하는 완전하거나 거의 완전한 4개의 영어 성경극 모음집이 있다. 한 모음집은 48개의 연극으로 구성된 요크 연작이다. 또한 32개의 연극으로 구성된 타운리 연극, 루두스 코벤트리아에, 그리고 24개의 연극으로 구성된 체스터 연작이 있는데, 이것은 현재 일반적으로 오래된 중세 전통의 엘리자베스 시대 재구축으로 여겨진다. 또한 코번트리에서 공연된 신약성경 연작의 두 연극도 현존한다. 추가로 15세기 막달라 여자 마리아의 삶에 대한 연극, 브롬 아브라함과 이삭, 그리고 16세기 성 바울의 개종에 대한 연극이 존재한다. 중세 영어 드라마 외에도 콘월어로 된 몇 편의 연극이 남아 있는데, 즉 오르디날리아 (세 편의 연극으로 된 연작)와 파스콘 아간 아루트는 모두 성경 이야기를 다루고, 베우난스 케와 베우난스 메리아세크는 성인들의 삶의 이야기를 다룬다.
신비극 영국 신비극
이러한 성경극들은 내용이 매우 다양하다. 대부분 루시퍼의 타락, 인간의 창조와 타락, 카인과 아벨, 노아와 홍수, 아브라함과 이삭, 예수 탄생, 라자로의 부활, 수난, 부활과 같은 에피소드를 포함한다. 다른 연극들은 모세 이야기, 예언자들의 행렬, 그리스도의 세례, 광야에서의 유혹, 성모 승천 및 대관식을 포함했다. 특정 연작에서 연극은 새롭게 부상하는 중세 공예 길드의 후원을 받게 되었다. 예를 들어, 요크의 메서스(mercers)는 최후의 심판 연극을 후원했다. 다른 길드들은 그들의 직업에 적합한 장면을 선보였다. 목수 길드에서는 방주 건조를, 제빵사 길드에서는 오병이어의 기적, 그리고 금세공사 길드에서는 금, 유향, 몰약을 바치는 동방 박사의 방문을 선보였다. 그러나 길드 연합이 모든 도시의 제작 방식이었다고 이해해서는 안 된다. 체스터 연극은 길드와 관련되어 있지만, N-타운 연극은 길드와 관련되거나 수레 무대에서 공연되었다는 어떤 징후도 없다. 아마도 현대 독자와 관객에게 가장 유명한 신비극은 웨이크필드의 것이다. 불행히도 타운리 필사본의 연극이 실제로 웨이크필드에서 공연된 연극인지는 알 수 없지만, 두 번째 목동들의 연극에서 호버리 슈로기스(Horbery Shrogys)에 대한 언급은 매우 시사적이다. 1897년 Mrs. Basil Holmes의 "The London Burial Grounds"에서 저자는 런던 리든홀 스트리트의 성 캐서린 크리 옆에 있는 성 프라이어리 교회가 10세기부터 16세기까지 기적극이 공연되던 장소였다고 주장한다. 런던의 주교 에드먼드 보너 (c 1500 - 1569)는 1542년에 이를 중단시켰다.
신비극 스페인 신비극
스페인에서 가장 오래된 전례극은 12세기부터 전해지며 오늘날 톨레도 대성당에 보관되어 있다. 이 연극은 동방 박사, 즉 별을 따라 베들레헴에서 아기 예수를 방문한 동방의 세 현자에 대한 이야기이다. 이는 프랑스에서 쓰여진 이전 연극을 기반으로 한 것으로 여겨진다.
엘체 미스터리 극 (스페인어: Misteri d'Elx)은 13세기부터 시작되어 현재까지 알려진 중단 없이 매년 공연되고 기념되는 전례극이다. 성모 승천을 기념하며, 매년 8월 14일과 15일에 엘체 시의 산타 마리아 대성당에서 공연된다. 트리엔트 공의회가 교회에서의 연극 공연을 금지하면서 이 연극의 연례 공연은 위협받았으나, 1632년 교황 우르바노 8세가 특별 허가를 내어 계속될 수 있었다. 2001년, 유네스코는 이 연극을 인류 구전 및 무형 유산 걸작으로 선언했다.
신비극 기적극
기적극 또는 성인극은 이제 신비극과 구별되는데, 이는 성경적 사건보다는 성인, 특히 성 니콜라오스 또는 성모 마리아의 기적적인 개입을 구체적으로 재현하기 때문이다. 19세기의 로버트 챔버스는 "특히 영국에서는 기적극이 일반적으로 종교극을 의미하게 되었다"고 언급한다.
콘월어 기적극, 특히 오르디날리아 3부작, 베우난스 메리아세크, 베우난스 케는 전통적으로 플레인안과리에서 공연되었다. 관객의 주의를 사로잡기 위해 "연극은 종종 시끄럽고, 상스럽고, 재미있었다."
신비극 현대 공연
중세 신비극에 대한 관심은 1800년대 초 윌리엄 혼과 제임스 헤이우드 마클랜드의 언급과 출판 이후 커지기 시작했다. 특히 시인 바이런 경은 유사한 주제의 중세 드라마를 현대적으로 재해석한 연극 카인과 하늘과 땅: 미스터리를 썼다. 신비극은 영국 전역에서 정기적으로 제작된다. 지역 연작극들은 영국제의 일환으로 1951년 요크와 체스터에서 부활했으며, 현재도 지역 길드에 의해 공연되고 있다. N-타운 연작은 1978년 링컨 미스터리 연극으로 부활했으며, 1994년에는 리치필드 미스터리극이 부활했다.
1977년 로열 내셔널 시어터는 토니 해리슨에게 미스터리를 창작하도록 위촉했는데, 이는 웨이크필드 연작 등을 재해석한 작품이다. 이 작품은 1985년에 다시 부활했으며 (채널 4 텔레비전을 위해 촬영되었다), 2000년 극장의 밀레니엄 기념 행사에서도 공연되었다. 이 작품으로 빌 브라이든은 1985년 이브닝 스탠더드 연극상 최우수 감독상과 1985년 로런스 올리비에상에서 최우수 감독상을 수상했으며, 그 해에 세 연극이 라이시엄 극장에서 처음으로 함께 공연되었다.
신비극 현대 공연
2001년, 이산고 앙상블은 런던의 개릭 극장에서 코사어, 줄루어, 영어, 라틴어, 아프리칸스어의 혼합으로 공연된 체스터 연작의 아프리카 버전인 미스터리 – 이이밈망갈리소(The Mysteries – Yiimimangaliso)를 제작했다. 이들은 2015년 셰익스피어 글로브에서 미스터리(The Mysteries)라는 이름으로 각색된 버전을 다시 공연했다. 2004년에는 캔터베리 대성당에서 두 편의 신비극(하나는 창조에, 다른 하나는 수난에 중점을 둠)이 공연되었는데, 배우 에드워드 우드워드가 하나님의 역할로 출연했다. 대규모 출연진에는 대니얼 맥퍼슨, 토머스 제임스 롱리 및 조지프 맥매너스도 포함되었다.
2019년부터 옥스퍼드 대학교 구성원들은 세인트 에드먼드 홀에서 다양한 언어로 중세 신비극의 여러 연작을 상연하고 있다.
신비극 각주
Anderson Magalhães, Le Comédies bibliques di Margherita di Navarra, tra evangelismo e mistero medievale, in La mujer: de los bastidores al proscenio en el teatro del siglo XVI, ed. de I. Romera Pintor y J. L. Sirera, Valencia, Publicacions de la Universitat de València, 2011, pp. 171–201.
바지 역할
연극에서 바지 역할(Breeches role) 또는 바지 배역(바지 연기, 호젠롤레라고도 함)은 여성 배우가 남성 복장을 하고 연기하는 배역을 말한다. 무릎 길이의 꼭 끼는 바지인 바지는 이러한 역할이 도입되었을 때 표준 남성 복장이었다. 연극 용어인 트라베스티는 이러한 종류의 크로스드레싱과 남성 배우가 여성 캐릭터로 분장하는 것을 모두 포함한다. 둘 다 음악과 오페라의 크로스드레싱과 이후 영화와 텔레비전의 크로스드레싱의 오랜 역사 중 일부이다.
바지 역할
오페라에서 바지 역할은 여성 가수가 부르고 연기하는 모든 남성 캐릭터를 의미한다. 대부분의 경우 캐릭터는 사춘기 또는 아주 젊은 남성으로, 메조소프라노 또는 콘트랄토가 노래한다. 오페라의 개념은 캐릭터가 남성이고, 관객은 배우가 남성이 아님을 알면서도 그를 남성으로 받아들인다는 것이다. 크로스드레싱한 여성 캐릭터(예: 피델리오의 레오노레 또는 리골레토 3막의 길다)는 바지 역할로 간주되지 않는다. 가장 자주 공연되는 바지 역할은 체루비노(피가로의 결혼), 옥타비안(장미의 기사), 헨젤(헨젤과 그레텔), 오르페오(오르페오와 에우리디체)이며, 후자는 원래 남성 가수, 처음에는 카스트라토, 나중에는 개정된 프랑스 버전에서 오트콩트르를 위해 쓰여졌다.
비음악극은 일반적으로 음역에 대한 요구 사항이 없으므로 오페라와 같은 의미의 바지 역할을 포함하지 않는다. 일부 연극에는 성인 여성 배우를 위해 쓰여진 남성 역할이 있으며, (다른 실용적인 이유로) 보통 여성들이 연기한다(예: 피터 팬). 이러한 역할은 현대 시대의 바지 역할로 간주될 수 있다. 그러나 대부분의 경우 남성 캐릭터를 연기하는 여성 배우의 선택은 프로덕션 수준에서 이루어진다. 햄릿은 바지 역할이 아니지만, 사라 베르나르는 한때 햄릿을 바지 역할로 연기했다. 연극이 바지 역할을 "포함한다"고 말할 때, 이는 여성 캐릭터가 남자인 척하고 남성 복장을 변장으로 사용하는 역할을 의미한다.
바지 역할 역사
1660년 잉글랜드 왕정복고 시대에 런던 극장이 다시 문을 열었을 때, 첫 전문 여배우들이 공개 무대에 등장하여 셰익스피어 시대의 드레스를 입은 소년들을 대체했다. 진짜 여성들이 왕정복고 희극의 외설스러운 대화를 말하고 무대에서 몸매를 뽐내는 것은 큰 신기함이었고, 곧 여성들이 무대에서 남성 옷을 입는다는 훨씬 더 큰 센세이션이 도입되었다. 1660년에서 1700년 사이에 런던 무대에서 제작된 약 375편의 연극 중 89편, 거의 4분의 1이 남성 옷을 입은 여배우를 위한 하나 이상의 역할을 포함하고 있었다(하우 참조). 거의 모든 왕정복고 시대 여배우들은 언젠가 바지를 입고 등장했으며, 바지 역할은 심지어 오래된 연극의 재공연에도 불필요하게 삽입되기도 했다.
바지 역할 역사
재클린 피어슨과 같은 일부 비평가들은 이러한 크로스드레싱 역할이 여성들이 남성 왕정복고 시대의 난봉꾼들의 난폭하고 성적으로 공격적인 행동을 모방하게 함으로써 전통적인 젠더 역할을 전복시킨다고 주장했지만, 엘리자베스 하우는 상세한 연구에서 남성 변장이 "여배우를 성적 대상으로 보여주는 또 다른 수단에 불과하다"고 반박했다. 토머스 서던의 서 앤서니 러브 (1690)의 에필로그는 유명한 "바지" 여배우 수사나 마운트포드(수사나 버브루겐으로도 알려짐)의 다리를 관객이 엿볼 수 있다면 연극이 지루해도 별 상관이 없다고 시사한다.
You'll hear with Patience a dull Scene, to see,
In a contented lazy waggery,
The Female Mountford bare above the knee.
캐서린 아이사만 마우스는 또한 여성의 다리와 엉덩이를 드러내는 것 외에도 바지 역할에는 종종 캐릭터가 머리를 풀 뿐만 아니라 가슴도 드러내는 장면이 포함되어 있다고 주장한다. 이는 왕정복고 시대의 많은 여배우들의 초상화에서 입증된다.
바지 역할은 영국 무대에서 수세기 동안 인기를 유지했지만, 실제 남성 및 여성 의류의 차이가 덜 극심해지면서 그 매력은 점차 감소했다. 그들은 빅토리아 시대 버레스크에서 중요한 역할을 했으며 팬터마임의 프린시펄 보이에게 전통적이다.
바지 역할 오페라
역사적으로 바지 역할로 간주되는 역할 목록은 오페라 관객의 취향에 따라 끊임없이 변화한다. 초기 이탈리아 오페라에서는 많은 주요 오페라 역할이 카스트라토, 즉 사춘기 전에 거세되어 매우 강하고 높은 목소리를 가진 남성에게 할당되었다. 소년 가수들을 거세하는 관습이 사라지자 작곡가들은 마리에타 알보니와 로사문다 피사로니와 같은 가수들이 전문으로 하는 메조소프라노 음역대의 영웅적인 남성 역할을 만들었다. (아래 크세르크세스 참조.)
카운터테너의 훈련과 사용이 보편화되면서 이러한 역할을 부를 수 있는 남성이 늘어나고 있다.
캐스팅 감독은 요한 스트라우스 2세의 박쥐에 나오는 어린 오를로프스키 왕자를 여성에게 맡길지 남성에게 맡길지 선택해야 한다. 둘 다 이 역할을 흔히 부른다. 메조가 연기할 때는 왕자가 여성처럼 보이지만 소년처럼 들린다. 카운터테너가 연기할 때는 남성처럼 보이지만 여성처럼 노래한다. 이러한 불일치는, 이 경우와 같이 대화도 있는 경우 훨씬 더 명확해진다.
트라베스티(프랑스어 travesti, 변장한 것에서 유래)라는 용어는 반대 성별이 부르는 모든 역할에 적용된다.
바지 역할 오페라
밀접하게 관련된 용어는 스커트 역할로, 주로 코믹하거나 시각적인 효과를 위해 남성 가수가 연기하는 여성 캐릭터를 말한다. 이러한 역할은 종종 못생긴 의붓자매나 매우 나이 많은 여성이며, 바지 역할만큼 흔하지는 않다. 18세기 말까지 교황령에서는 여성들이 무대에서 노래하는 것이 허용되지 않았지만, 유럽의 다른 지역에서는 그렇지 않았다, 교황령에서 초연된 많은 여성 오페라 역할은 원래 카스트라토를 위한 스커트 역할로 쓰여졌다 (예: 레오나르도 빈치의 아르타크세르세스의 만다네와 세미라). 브리튼의 커류 리버의 광녀와 프로코피예프의 세 개의 오렌지에 대한 사랑의 요리사는 후기 예시이다. 훔퍼딩크의 헨젤과 그레텔에 나오는 마녀 역할은 메조소프라노를 위해 쓰여졌지만, 현재는 테너가 한 옥타브 낮게 노래하는 경우가 더 많다. 같은 오페라에서 헨젤, 샌드맨, 듀맨의 "남성" 역할은 여성들이 노래하도록 되어 있다.
바지 역할이 있는 오페라:
무술 안무
무술 안무(stage combat)는 공연자에게 해를 끼치지 않으면서 물리적인 싸움의 착각을 불러일으키기 위해 연극에서 고안된 전문 기술이다. 이는 실제 연극뿐만 아니라 오페라 및 발레 공연에서도 사용된다. 영화와 텔레비전의 출현으로 이 용어는 무대에서의 이전 라이브 공연과 대조적으로 촬영된 격투 시퀀스의 안무를 포함하도록 확장되었다. 이는 스턴트 연습과 밀접하게 관련되어 있으며 배우들에게는 흔한 연구 분야이다. 무대 격투 기술로 유명한 배우들은 종종 춤, 체조 또는 무예 훈련 배경을 가지고 있다.
무술 안무 역사
무술 안무와 모의 전투의 역사는 고대로 거슬러 올라가는데, 아리스토텔레스는 비극이 사람들 간의 갈등이라고 언급했고 혹은 심지어 인류의 기원과 영장류의 과시 행동까지 거슬러 올라갈 수도 있다. 무예 능력의 과시는 전사 사회에서 자연스럽게 나타나는 현상이며, 의례화된 모의 전투는 종종 전쟁 춤으로 발전한다. 고대 그리스의 아리스토파네스의 리시스트라타에 나오는 남녀 간의 투쟁이든, 헤로도토스가 자신의 역사 (헤로도토스)에서 막대기로 서로를 때리지만 아무도 죽지 않는 종교 축제에 대해 이야기하는 고대 이집트든, 연출된 전투는 항상 존재해 왔다. 시민들을 의례에서 희생시키는 것이 이치에 맞지 않기 때문에, 많은 고대 문명은 춤을 통해 전투를 상징하는 제스처를 취하거나, 실제로 닿지 않고 누군가의 목이나 목에 무기를 가져다 대어 죽음이나 폭력 행위를 상징했다.
무술 안무 역사
오락을 위해 연출된 싸움은 전투원에게 진지한 것일 수도 있었는데, 로마 검투사들의 경우나 유럽 중세의 재판 결투와 같은 모든 공개 결투가 그러했다. 중세 토너먼트와 마상창시합은 경쟁적인 의례화된 모의 전투의 고전적인 예이다. 막시밀리안 1세 시대의 마상창시합은 각 기사에게 막대한 비용과 그에 상응하는 높은 명성을 수반하는 스포츠로 발전했으며, 이는 현대 포뮬러 원 경주와 비견될 만했다. 동시에 고도로 전문화된 장비로 부상 위험을 최소화했다.
중세 후기에는 안무 유무와 상관없이 연출된 펜싱 시합이 펜싱 학교에서 인기를 얻었다. 일부 독일 페히트부흐("전투 매뉴얼", 문자 그대로 '싸움' 또는 '펜싱 책')에는 심각한 전투에서는 비현실적일 수 있는 '클롭페흐텐'("난투")에 사용되는 화려한 기술에 전념하는 섹션이 있으며, 중세 후기 독일 대가들은 모의 싸움(fechten zu schimpf, '욕설 싸움')과 실제 전투(fechten zu ernst, '진지한 싸움')를 구별했다.
무술 안무 역사
유럽 연극 전투의 역사는 서양 중세 연극에 뿌리를 두고 있으며, 엘리자베스 드라마에서 구체화된다. 윌리엄 셰익스피어의 연극단과 런던 방어 대가 무기 길드의 일원이었던 리처드 타르튼은 현대적 의미의 최초의 격투 감독 중 한 명이었다. 연극에 묘사된 검투는 실제 생활에서 얼마나 인기 있는 오락이었는지를 보여주었다. 1615년 이전 영국에서는 많은 연극에서 결투가 등장했고, 결투는 쇼의 하이라이트로 여겨졌다. 1615년 이후에는 제임스 왕에 의해 결투가 공개적으로 비난받았고, 결투는 줄거리와 관련하여 최후의 수단으로 사용되었다.
17세기 후반과 18세기 초반 동안, 양식화된 무술 안무는 수세기 동안 일본의 가부키 연극(‘다치마와리’, 즉 ‘싸움 장면’)과 중국 경극, 인도 연극 등 전통 공연 예술의 주요 특징이었다.
무술 안무 역사
유럽의 펜싱 대가들은 양손검, 레이피어, 궁정검과 같은 무기를 사용하여 역사적 펜싱 기술을 연구하고 실험하기 시작했으며, 배우들에게 그 사용법을 가르쳤다. 이들 중 특히 주목할 만한 인물은 파리의 격투 감독이자 무술가인 조지 뒤부아로, 검투사 전투와 르네상스 레이피어와 단검 펜싱을 기반으로 한 공연 펜싱 스타일을 만들었다. 런던의 에게르튼 캐슬과 알프레드 허튼 대위도 고대 펜싱 시스템을 부활시키고 이러한 스타일을 배우들에게 가르치는 데 참여했다.
19세기 후반과 20세기 초반 동안 유럽, 영국 연방 및 미국 전역의 순회 연극 공연에서 검술 장면은 일반적으로 "라운드 에이츠" 및 "글래스고 텐스"와 같은 이름으로 알려진 몇 가지 널리 알려진 일반적인 루틴을 결합하여 만들어졌다.
무술 안무 역사
영화 펜싱은 1920년대 더글러스 페어뱅크스의 영화에서 시작되었다. 이 시기에 등장한 가장 유명한 격투 감독 중 한 명은 패디 크린(Paddy Crean)으로, 그는 영화와 연극을 위한 무술 안무, 특히 검술을 혁신했다. 패디는 에롤 플린 영화 등에서 볼 수 있는 화려한 검술 스타일을 만들었다. 그는 무엇보다 안전을 최우선으로 내세웠고, 그 다음에는 싸움의 이야기에 집중했다. 패디 크린의 제자였던 B. H. 배리(B. H. Barry)와 J. 앨런 서데스(J. Allen Suddeth)는 패디의 유산을 계속 발전시킨 두 명의 격투 대가이다. 배리는 영국 격투 감독 협회(Society of British Fight Directors) 설립을 도왔으며, 이 협회는 나중에 영국 드라마틱 전투 아카데미(British Academy of Dramatic Combat, BADC)가 되었고, 이후 미국으로 건너와 격투 연출에 더 구체적인 형태를 부여했다. J. 앨런 서데스는 미국에서 국립 격투 감독 훈련 프로그램(National Fight Directors Training Program)을 설립하고 "Fight Direction for the Theater" (1996)라는 책을 저술했다. 무술 영화는 1940년대부터 별개의 장르로 등장했으며, 1960년대부터는 이소룡과 치바 신이치에 의해 대중화되었다.
무술 안무 역사
1960년대 중반부터 존 월러는 유럽 역사 무술 (HEMA) 부활의 선구자로서 무대 및 스크린의 격투 감독이었으며, 나중에는 런던 드라마 학교에서 역사적 사실성을 강조한 무술 안무 교사로 활동했다. 격투 안무가들의 비공식 길드는 1969년부터 1996년까지 영국 격투 감독 협회(The Society of British Fight Directors)가 설립되면서 1970년대에 형태를 갖추기 시작했다. 훈련은 1977년 미국 격투 감독 협회 (Society of American Fight Directors)가 결성되면서 미국에서 시작되었다.
이후 국내외적으로 무술 안무 예술 형태의 기예, 훈련 및 작업 품질을 유지하기 위해 전 세계적으로 추가 학회 및 협회가 설립되었다. 여기에는 1993년 영국 무대 및 스크린 전투 아카데미 (British Academy Of Stage & Screen Combat, BASSC) 및 캐나다 격투 감독 (Fight Directors Canada, FDC); 1994년 호주 격투 감독 협회 Inc. (SAFDi); 1995년 북유럽 무대 격투 협회 (Nordic Stage Fight Society, NSFS) 및 뉴질랜드 무술 안무 협회; 1996년 영국 드라마틱 전투 아카데미 (BADC, 이전 영국 격투 감독 협회); 1997년 전투 예술 (Art of Combat); 1999년 뉴욕 무대 및 스크린 전투 (New York Combat for Stage & Screen); 2004년 독일 무술 안무 (Stage Combat Deutschland); 2010년 호주 무술 안무 협회 (Australian Stage Combat Association, ASCA); 2015년 영국 무술 안무 길드 (The British Guild of Stage Combat)가 포함된다. 2005년부터 East 15 연극 학교는 런던에서 연기 및 무술 안무 분야에서 B.A. (Hons) 학위를 제공했다. 많은 협회들이 배우가 받은 훈련량을 나타내는 지표로 사용되는 다양한 무기 인증 프로그램을 제공한다. 코로나19 팬데믹 초기에는 여러 단체가 국제 가상 워크숍을 포함한 원격/가상 훈련에서 큰 발전을 이루었다.
무술 안무 기술
무술 안무 훈련은 환영의 따귀, 주먹질, 발차기, 던지기 및 잡기 기술과 같은 비무장 전투 기술을 포함한다. 또한 레이피어와 단검, 궁정검과 브로드소드와 같은 다양한 형태의 펜싱의 연극적 각색, 육척봉과 칼과 같은 다른 무기의 사용, 그리고 프로레슬링 및 다양한 스타일의 무예와 같은 더욱 전문적인 기술도 포함한다. 그러나 무술 안무는 모든 형태의 안무된 폭력을 포함할 수 있으며, 선택지는 안전 문제와 참여자들의 능력에 의해서만 제한된다. 참고로, 이러한 기술의 대부분은 실제 격투 기술에서 파생되었지만, 배우들에게 더 안전하도록 수정되었다. 예를 들어, 얼굴에 따귀를 때리는 안전한 환영을 만드는 여러 가지 방법이 있지만(분명히 전투에서 실제로 할 수 있는 일임), 이들 중 어느 것도 피해자의 얼굴에 실제로 접촉하는 것을 포함하지 않는다.
무술 안무 기술
가장 중요한 문제는 배우와 관객의 안전이다. 이 요구 사항으로 인해 많은 표준 무술 및 펜싱 기술이 공연을 위해 특별히 채택되었다. 예를 들어, 많은 기본적인 검 공격과 패리는 배우들이 무기의 끝을 상대방의 얼굴을 지나치거나 다른 방식으로 배우의 건강과 안녕을 부주의하게 위험에 빠뜨리지 않도록 수정되어야 한다. 무술 안무의 공격 동작은 공연 파트너의 몸을 지나치거나, 명백한 목표물을 약간 빗나가게 조준된다. 마찬가지로, 캐릭터들은 잔인한 비무장 전투에 참여할 수 있지만, 배우들은 안전하고 흥미진진한 싸움 장면을 보장하기 위해 높은 수준의 공모와 의사소통을 해야 한다. 많은 형태의 무술 안무에서 거리는 기술의 핵심 요소이다. 많은 공격은 '거리 밖에서' 수행되어 한 공연자가 실수로 다른 공연자를 때릴 가능성이 전혀 없도록 한다. 주어진 공연자에게 적절한 기술 수준이 무엇인지 결정하는 데에는 할당된 리허설 시간과 감독의 기대를 고려하여 상당한 전문적인 판단이 요구된다.
무술 안무 기술
무술 안무의 또 다른 중요한 요소는 소리이다. 소리는 관객에게 행동의 신뢰성을 높여준다. 만들 수 있는 소리에는 두 가지 종류가 있다. 하나는 음성 반응이다. 맞았을 때 헐떡거림, 신음, 끙끙거림을 추가함으로써 전투원들은 동작에 생기를 불어넣는다. 다른 종류의 소리는 '낲(knap)' 또는 몸의 공명하는 부분을 때려서 나는 타악기 소리이다. 이것은 충격이 발생할 순간에 맞춰지고 관객에게서 숨겨지도록 연출된다. 이를 통해 관객은 상응하는 소리를 듣고 반응을 보면서 실제 타격이나 따귀가 가해졌다고 믿게 된다.
연극의 전투 단계 리허설은 격투 리허설이라고 불린다. 안무는 일반적으로 단계별로 학습되며, 처음에는 매우 느리게 연습한 후 극적으로 설득력이 있고 공연자와 관객에게 안전한 속도로 증가시킨다. 무술 안무조차도 위험하므로 배우는 가능한 한 많은 훈련과 경험을 쌓는 것이 좋다. 공연 전에 "격투 콜(fight call)" 또는 짧은 리허설이 매번 진행되는데, 배우들이 근육 기억을 늘리기 위해 격투를 "표시(mark)"하는 데 사용된다. 격투 안무가 포함된 쇼는 일반적으로 전문 격투 안무가에 의해 훈련되고 감독되며, 격투 콜을 진행하고 공연 기간 동안 배우들의 안전을 책임지는 격투 대장(fight captain)도 포함될 수 있다.
중세 또는 르네상스 시대를 배경으로 하는 영화의 격투 스타일은 비현실적이고 역사적으로 정확하지 않을 수 있다. 대부분의 격투 안무가들은 아시아 무술과 스포츠 펜싱을 혼합하여 격투 장면을 재현한다. 이는 일반적으로 감독이 요구하는 격투의 모습 때문이다. 감독이 스토리가 특정 방식으로 흘러가기를 원하면, 격투 감독은 해당 스타일에 맞게 격투를 안무하고 스토리를 전달한다.
무술 안무 무기
무술 안무의 경우, 모든 날은 무디게 하고 끝은 뭉툭하게 처리하여 실수로 찔려도 심각한 부상을 입을 위험이 없도록 해야 한다. 또한, 전시용이 아닌 실제로 사용되는 무기는 전투 준비가 완료된 것으로 인증되어야 하며, 칼날이 우발적으로 부러지는 사고를 방지해야 한다.
무대 무기의 첫 번째 알려진 갤러리 전시회인 '충돌하는 강철: 무술 안무의 예술(Clashing Steel: The Art of Stage Combat)'은 2025년 7월부터 9월까지 Culture Lab LIC에서 열렸다. 큐레이터는 Meron Langsner, Edjo Wheeler, Jesse Belsky였다.
근접 무기는 대규모 전투 장면에 사용되며 창, 도끼, 철퇴, 편곤 등을 포함할 수 있다. 이들은 안전 거리를 유지할 수 있는 넓은 공간에서 가장 잘 사용되는 다른 무기들이다.
무술 안무 무기
육척봉은 무기의 크기가 크기 때문에 넓은 공간에서 공연되는 쇼에서 사용된다. 가장 인기 있는 육척봉 전투 중 하나는 17세기 발라드에 나오는 로빈 후드 이야기에서 로빈 후드와 리틀 존 사이의 전투이다. 현대 육척봉 안무는 1447년경에 시작된 일본 무술인 천신쇼덴 가토리신토류의 봉 기술도 통합했다. 이 스타일의 예는 1748년에 쓰여진 유명한 가부키 연극 요시쓰네 센본자쿠라에서 볼 수 있다.
무대에서 아시아 무술을 재현하는 것은 종종 영화적 표현을 모방하는 것이며, 공연자 자신이 가지고 있지 않은 높은 수준의 기술에 대한 환상을 만들어내는 경우가 많다. 종종 실제 무술 수련보다는 아시아 무술 영화에서 영감을 받은 양식화된 움직임으로 안무된다.
퀴 응우옌과 로버트 로스 파커가 이끄는 뱀파이어 카우보이즈 극단(Vampire Cowboys Theatre Company)은 정교한 무술 파생 격투 장면을 무대화하는 것을 중심으로 한 장르를 구축했다.
무술 안무 무기
랜퍼드 윌슨의 희곡 번 디스(Burn This) 역시 아이키도와 공수도 요소를 포함하도록 각본에 쓰인 격투 장면을 담고 있다. 이 희곡 자체는 무술에 초점을 맞추지 않지만, 그 포함은 희곡의 중요한 순간에 중요하다. 뮤지컬에서 무술이 장면의 중심이 되는 예는 스티븐 손드하임의 컴퍼니에서 "함께 하는 작은 일들"(The Little Things You Do Together)이라는 노래에서 찾을 수 있다. 이들은 또한 데이비드 헨리 황의 일부 작품에서도 등장한다.
팬 아시안 레퍼토리는 셰익스피어의 희곡을 봉건 일본으로 옮겨 적절한 검술 스타일을 사용한 쇼군 맥베스(Shogun MacBeth)를 두 차례 제작했다. 또한 같은 희곡을 일본 배경으로 각색하여 핑 총은 구로사와의 거미집의 성의 무대 버전을 만들었다.
아시아 연극의 관점에서 볼 때, 가부키와 같은 장르의 격투 장면은 종종 고도로 양식화되어 있다.
무술 안무 무기
유럽의 중세 초기에 흔히 사용되었던 큰 검인 브로드소드는 크기와 무게 때문에 양손으로 휘두를 수 있는 큰 손잡이가 특징이었다. 찌르기보다는 베기에 사용되었던 이 무기는 셰익스피어의 맥베스 (희곡)와 같은 이 시대를 배경으로 하는 연극에서 사용되며, 반지의 제왕 (영화 시리즈)와 같은 판타지 서사시에서도 볼 수 있다.
잉글랜드에서 레이피어의 올바른 사용법을 가르치는 최초의 학교는 1576년 이탈리아의 로코 보네티(Rocco Bonetti)가 시작했다. 보네티는 존 릴리 (작가)로부터 임대하여 블랙프라이어스에 학교를 열었다. 레이피어는 베기보다 찌르기의 이점이 있어 브로드소드보다 훨씬 작고 가벼운 무기가 될 수 있었다. 로미오와 줄리엣 및 햄릿과 같이 결투가 벌어지는 셰익스피어 연극에서 인기가 많으며, 단검과 함께 사용될 수 있다.
무술 안무 무기
궁정검은 17세기 후반 잉글랜드와 프랑스에서 유행했다. 찌르는 무기로 사용되었기 때문에 찌르기가 성공할 수 있는 틈을 찾기 위해 검의 움직임이 최소화되었다. 이 시대의 대부분의 남성들은 궁정검을 패션 액세서리로 휴대했기 때문에 대부분 우아하게 장식되었다. 궁정검 결투의 예는 크리스토퍼 햄프턴이 1782년 동명 소설을 바탕으로 1985년에 쓴 위험한 관계에서 볼 수 있다.
부이 나이프에서 스위치블레이드까지 다양한 칼싸움 스타일이 있다. 칼싸움은 빠르고 날카로운 움직임을 보이는 경향이 있다. 이에 대한 예는 웨스트 사이드 스토리에서 리프와 베르나르도 간의 싸움에서 볼 수 있다. 그러나 연극에서는 종종 조르주 비제의 오페라 카르멘 1막에서 오셀로가 데스데모나를 목 졸라 죽이는 장면처럼 한 배우가 칼을 들고 비무장한 사람과 맞서는 경우가 많다.
검과 방패는 무술 안무에서 일반적으로 둥글고 방어 및 공격 무기로 사용할 수 있을 만큼 강하다. 방패를 사용하는 데 중요한 요소는 방패를 든 팔을 위쪽 대각선으로 들어 주먹이 팔꿈치보다 높게 하여 타격 시 방패 상단이 움직이지 않도록 하고, 방패나 무기로 얼굴을 맞을 위험을 피하는 것이다. 검과 방패는 셰익스피어의 장미 전쟁 역사극과 같은 전투 장면에서 볼 수 있다.
현대 액션 영화의 필수 요소로, 인상적인 안무와 스턴트 덕분에 시각적 볼거리가 풍부하다.
이것은 무기 없는 맨손 전투를 의미한다. 맨손 전투의 요소에는 따귀, 주먹질, 발차기, 잡기, 목 조르기, 넘어지기, 구르기, 그래플링 등이 포함된다. 많은 격투 감독들은 난잡한 길거리 싸움과 아이키도 및 브라질리안 주짓수와 같은 무술을 조합하여 이러한 유형의 싸움을 만든다. 일반적으로 검이 유행하지 않는 현대 연극에서 더 흔하지만, 셰익스피어의 오셀로에서 오셀로가 데스데모나를 목 졸라 죽이는 장면과 같이 고전 연극에서도 볼 수 있다.
발견된 물체는 전통적인 무기가 아니지만 장면의 맥락에서 무기로 사용될 수 있는 물체이다. 이에 대한 고전적인 예는 누군가의 머리에 병을 깨뜨리는 것이다. 모든 무술 안무와 마찬가지로 물체는 실제로 받는 사람에게 위험을 초래하지 않도록 조작된다. 병이나 접시의 경우 실제 유리병 대신 설탕 유리 주형이 사용된다.
무술 안무 사실성
격투 안무는 특정 작품의 요구 사항에 따라 진정한 사실주의에서 노골적인 판타지에 이르기까지 폭넓게 달라질 수 있다. 연극 격투 감독이 엄격한 사실주의를 목표로 하지 않는 가장 큰 이유 중 하나는 숙련된 격투가들이 움직이는 방식으로 몸과 칼날이 움직이면 라이브 관객이 액션의 '이야기'를 쉽게 따라갈 수 없기 때문이다. 예를 들어, 에드몽 로스탕의 시라노 드 베르주라크 (희곡)는 17세기 레이피어를 사용하여 시라노가 많은 원형 베기 공격을 하는 장면을 보여줄 수 있다. 그러나 더 효율적이고 실용적인 공격은 상대방의 몸에 더 빠르고 직접적인 선을 취하는 것이다. 하지만 격투 감독은 공격이 더 빨라지면 관객이 액션을 잘 따라갈 수 없다는 것을 알고 있기 때문에(관객은 얇은 칼날이 공중을 가르는 것을 거의 볼 수 없을 것이다) 대부분의 격투 안무가들은 관객이 이야기를 따라가는 데 도움이 되는 선택을 할 것이다. 물론 이것은 작품, 감독 및 기타 스타일적 선택에 달려 있다.
무술 안무 사실성
무대 위 라이브 격투, 예를 들어 연극과 같은 상황에서 관객은 배우들이 다치고 있다고 느끼면 시뮬레이션된 폭력에 대해서도 부정적으로 반응할 것이라는 격투 안무가들의 한 학파의 견해가 있다. 예를 들어, 배우가 실제로 얼굴을 맞으면 관객은 캐릭터에 대한 생각을 멈추고 대신 공연자를 걱정하게 될 것이다. 또한 대규모 전투 장면이 통제 불능 상태로 보이면 관객들은 자신의 안전을 걱정할 수도 있다. 따라서 무대 격투는 단순히 안전 기술일 뿐만 아니라 관객이 중단 없이 불신의 유예를 유지하는 데도 중요하다.
무술 안무 유형
서양 중세 연극에 뿌리를 둔 무술 안무는 엘리자베스 시대 연극 (셰익스피어의 간단하고 자주 보이는 무대 지시, 그들은 싸운다)과 함께 고전 연극 안무에 들어간다.
검투 장면이 있는 고전 희곡:
무술 안무 유형
영화는 안무된 싸움의 개념을 극장 격투에서 직접 물려받았다. 1920년 더글러스 페어뱅크스는 영화에서 펜싱 장면 제작을 돕기 위해 펜싱 대가에게 요청한 최초의 영화 감독이었다. 1935년부터 에롤 플린과 함께 두 번째 검객 영화의 물결이 일었다. 1970년대에는 삼총사 (1973)를 계기로 검객 영화에 대한 새로운 관심이 일어났다. 이 시기의 감독들은 어느 정도 역사적 정확성을 목표로 삼았지만, 2007년 브리태니커 백과사전에 따르면 "영화 펜싱은 실제 펜싱 기술의 형편없는 재현"으로 남아 있다.
밥 앤더슨과 피터 다이아몬드(에피소드 IV, V & VI), 닉 길러드(에피소드 I, II & III)가 안무한 스타워즈 영화는 기존 무술에서 파생된 검술 기술을 사용하여 광선검 전투를 묘사하는 경향이 있지만, 라이트세이버나 포스와 같은 판타지 무기를 사용하여 수행되는 반면, 반지의 제왕 (영화 시리즈)에 등장하는 액션은 밥 앤더슨이 안무했으며, 토니 울프가 디자인한 판타지 무기와 격투 스타일을 사용했다.
1970년대와 1980년대 동안, 이소룡, 치바 신이치, 성룡, 홍금보는 무술 액션 영화에서 안무와 연기 모두로 유명해졌고, 영화의 무술 안무 발전에 영향을 미쳤다. 홍콩 기반의 격투 안무가 원화평은 와호장룡과 매트릭스 삼부작에서의 작업으로 유명한데, 이 영화들에서 종종 비현실적인 격투 기술은 불릿 타임과 같은 연출 기술로 보완된다. 정소동은 홍콩 액션 영화 분야에서 우아한 와이어 액션 기술을 사용하는 것으로 특히 주목받는다. 대조적으로, 윌리엄 홉스가 격투 감독을 맡은 결투자들, 로버트 브루스가 격투 감독을 맡은 전사의 후예, 그리고 리처드 라이언이 격투 감독을 맡은 트로이 (영화) 및 아이온크래드와 같은 영화들은 거칠고 사실적인 전투 장면을 포함하는 것으로 널리 유명하다. 라이언은 또한 다크 나이트의 배트맨 스타일이나 가이 리치 감독의 두 편의 셜록 홈즈 영화에서 셜록 홈즈의 '예측' 스타일과 같은 스타일을 고안하는 창의성으로도 유명하다.
전투 재현은 리인액트먼트의 한 측면으로, 일반적으로 역사상 특정 교전뿐만 아니라 '승자'가 미리 결정되지 않은 비대본 전투도 묘사하는 것을 목표로 한다.
무술 안무 추가 읽을거리
Meron Langsner, 'Theatre Hoplology: Simulations and Representations of Violence on the Stage' in 'Text & Presentation 2006' edited by Stratos E. Constantinidis', McFarland (2007), ISBN 0-7864-3077-X, 9780786430772.
영상
대리 역할
영화 제작에서 대역, 대리 역할 또는 더블(double)은 다른 배우를 대신하는 사람으로, 얼굴이 보이지 않게 한다. 스턴트 대역, "댄스 대역", "엉덩이 대역", "손 대역" 등 특정 신체 부위나 능력에 따라 다양한 용어가 사용된다.
대리 역할 대역의 종류
신체 대역 또는 사진 대역은 특정 장면에서 캐릭터의 크레디트 배우를 대체하기 위해 사용된다. 신체 대역의 얼굴은 그들이 같은 캐릭터라는 환상을 유지하기 위해 가려진다. 보통 얼굴이 나오지 않는 각도로 몸을 촬영하거나(예: 신체 대역의 뒷모습을 보여줌) 후반 작업에서 원래 배우의 얼굴을 신체 대역 위에 겹쳐서 처리한다. 대역의 얼굴은 보통 카메라에 잡히지 않으며, 특히 배우와 얼굴이 닮지 않은 경우 더욱 그렇다. 대역의 머리색이 주연 배우와 다를 경우 보통 가발이 사용된다. 이는 장면 배치 및 조명 조정과 같은 비촬영 목적으로 배우를 대체하는 스탠드 인과 대조된다.
신체 대역은 때때로 배우와 동일한 타이밍으로 대사를 암송할 수 있어야 하며, 다른 주연 배우들과 협력하여 정확한 신체 동작을 재현해야 한다. 보통 대역은 자신이 대체하는 배우와 강한 유사성을 가져야 한다. 광범위하게 사용되는 신체 대역, 특히 크레디트 배우가 부재중이거나 촬영을 원하지 않거나 사망했을 때 사용되는 경우 페이크 솀프(Fake Shemp)라고 알려져 있다.
대리 역할 대역의 종류
대역은 악기 연주, 춤 또는 기타 운동 능력과 같은 특별한 기술이 필요할 때 사용될 수 있다. 또한 신체 일부만 보여지는 경우 대역의 용어는 더 구체적일 수 있다. 흔한 대역은 "손 대역"으로, 손이나 팔만 나오는 장면을 촬영하는 데 사용된다. 이러한 삽입 장면은 주로 주연 배우의 시간을 더 효율적으로 사용할 수 있도록 세컨드 유닛에서 프로덕션 후반에 대역과 함께 촬영하는 경우가 많다.
신체 대역은 종종 노출 장면을 위해 사용된다. 그 이유는 다양하다. 배우의 나체는 카메라에 너무 많은 신체적 결함과 불완전함을 보여줄 수 있으며, 특히 노화로 인해 더욱 그렇다. 일부 배우는 나체 연기를 불편해하기도 한다. 흔한 신체 대역은 "엉덩이 대역"으로, 전체 노출이 덜 흔한 텔레비전에서 주로 사용된다. "스턴트 엉덩이"라는 용어도 증명되었고, "스턴트 거시기"도 그렇다.