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우루크 고고학
우루크의 위치는 1835년에 프레이저와 로스에 의해 처음 확인되었다. 윌리엄 로프터스는 1849년 탐사 임무 후 1850년과 1854년에 그곳을 발굴했다. 로프터스 자신의 기록에 따르면, 그는 첫 발굴이 기껏해야 피상적이었다고 인정하는데, 그의 후원자들이 그에게 최소한의 비용으로 대규모 박물관 유물을 제공하도록 강요했기 때문이다. 로프터스가 발견한 큰 현무암 석비는 나중에 유실되었다. 와르카는 1902년에 고고학자 발터 안드레아에 의해 탐사되기도 했다. 1905년에는 고고학자 에드거 제임스 뱅크스가 와르카를 방문했다.
우루크 고고학
1912년부터 1913년까지 독일 동양학회의 율리우스 요르단과 그의 팀은 유적지에 있는 네 개의 알려진 사원 중 하나인 이슈타르 사원을 발견했다. 우루크의 사원들은 벽돌로 지어졌고 다채로운 모자이크로 장식되어 매우 인상적이었다. 요르단은 또한 성벽의 일부를 발견했다. 나중에 이 40-to-50-피트 (12 to 15 m) 높이의 벽돌 성벽은 방어 메커니즘으로 사용되었을 가능성이 높으며, 총 9 km (5.6 mi) 길이로 도시를 완전히 둘러쌌던 것으로 밝혀졌다. 퇴적층 연대 측정 기법을 사용하여 이 성벽은 기원전 3000년경에 세워진 것으로 추정된다. 요르단은 전체 유적지의 등고선 지도를 제작했다.
독일 동양학회는 1928년에 우루크로 돌아와 제2차 세계 대전이 발발하기 전인 1939년까지 발굴을 계속했다. 팀은 1931년 요르단이 바그다드 유물관리국장이 되기 전까지 그가 이끌었고, 그 후 A. 뢸데케, 에른스트 하인리히, H. J. 렌젠이 이끌었다. 발굴된 유물 중에는 젬데트 나드르 층에서 발굴되었지만 양식적으로 우루크 4기로 추정되는 사자 사냥 석비가 있었다.
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독일의 발굴은 전쟁 후 재개되어 1954년부터 1967년까지 하인리히 렌젠의 지휘 아래 진행되었다. 그 후 1968년에는 J. 슈미트가, 1978년에는 R. M. 뵈머가 뒤를 이었다. 총 39시즌 동안 독일 고고학자들은 우루크에서 작업했다. 그 결과는 두 개의 보고서 시리즈에 기록되어 있다.
가장 최근에는 2001년부터 2002년까지 독일 고고학 연구소 팀이 마르가레테 판 에스, 요르크 파스빈더, 헬무트 베커와 함께 우루크에서 부분적인 자력계 조사를 실시했다. 지구물리학적 조사 외에도 시추 코어 샘플과 항공 사진이 촬영되었다. 이는 2005년에 고해상도 위성 이미지로 이어졌다. 작업은 2016년에 재개되었으며 현재 성벽 지역과 주변 경관 조사에 집중하고 있다. 작업의 일환으로 우루크 고고학 지역의 디지털 트윈을 만드는 작업이 진행되었다. 현재 진행 중인 작업에는 지구물리학적 조사도 포함된다. 유적지의 토양 특성상 지표 투과 레이더가 적합하지 않으므로, 세슘 자력계와 저항 프로브를 함께 사용하고 있다.
우루크 고고학
우루크에서 여러 원시 쐐기 문자 점토판이 발견되었다. 약 190개는 우루크 V기(기원전 3500년경)의 "숫자 점토판" 또는 "눌러 찍은 점토판"이었고, 1776개는 우루크 IV기(기원전 3300년경)에서, 3094개는 젬데트 나스르 시대라고도 불리는 우루크 III기(기원전 3200-2900년경)에서 발견되었다. 나중에 해독된 쐐기 문자 점토판에는 수메르 문명의 왕들에 대한 기록인 유명한 수메르 왕명표가 포함되어 있다. 신바빌로니아 제국, 후기 바빌로니아, 셀레우코스 제국 시대의 법률 및 학술 점토판은 아담 팔켄슈타인과 독일 고고학 연구소 바그다드 지부의 다른 아시리아학 학자들인 얀 J. A. 다이크, 헤르만 훈거, 앙투안 카비뉴, 에그베르트 폰 바이어, 그리고 카를하인츠 케슬러 또는 에를렌트 겔켄과 같은 다른 학자들에 의해 출판되었다. 많은 쐐기 문자 점토판들은 대영박물관, 예일 바빌로니아 컬렉션, 루브르 박물관과 같은 박물관 및 소장품으로 인수되었다. 루브르 박물관에는 아람어 우루크 주문으로 알려진 아람어 쐐기 문자 점토판이 소장되어 있다. 우루크에서 발견된 마지막 쐐기 문자 점토판은 W22340a로, 서기 79/80년으로 추정되는 천문 역서이다.
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사람 이름이 나오는 가장 오래된 글은 우루크에서 발견되었는데, 여러 점토판에 쿠심이라는 이름이 언급되어 있다. 이 쿠심이 한 인물이라면, 그는 보리 거래를 기록하는 회계사 역할을 했다. (29,086 단위 보리, 37개월, 쿠심)
경사 가장자리 그릇은 우루크 시대에 가장 흔하게 사용된 용기였다. 이 그릇은 부양 노동자들에게 음식이나 음료를 배급하기 위한 용기였던 것으로 여겨진다. 도자기 제작을 위한 빠른 돌림판의 도입은 우루크 시대 후반에 발전했으며, 도자기의 대량 생산을 더 간단하고 표준화되게 만들었다.
'와르카의 숙녀'와 '수메르의 모나리자'로도 알려진 와르카의 가면은 기원전 3100년경의 것으로, 인간 얼굴의 가장 초기 표현 중 하나이다. 조각된 대리석 여성 얼굴은 아마도 이슈타르를 묘사한 것일 것이다. 높이는 약 20 cm (7.9 in)이며, 더 큰 숭배상에 통합되었을 수 있다. 이 가면은 2003년 4월 2003년 이라크 침공 중에 이라크 박물관에서 약탈당했다. 2003년 9월에 회수되어 박물관으로 반환되었다.
고고학자들은 우루크에서 시간 순서대로 서로 위에 지어진 여러 우루크 도시를 발견했다.
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전통적으로 아누 지구라고 불리는 지역은 단일한 거대한 테라스로 구성되어 있으며, 원래 수메르의 하늘신 아누에게 봉헌된 것으로 추정되는 아누 지구라트이다.
석조 사원은 석회암과 역청으로 지어졌으며, 판축으로 된 단상 위에 놓여 있고 석회 모르타르로 마감되었다. 단상 자체는 의례적으로 결혼 침대로 사용되었던 기파루라는 직조된 갈대 매트 위에 건설되었다. 기파루는 생식력의 원천이었으며, 이 힘이 구조물 위로 방출되었다. 석조 사원의 구조는 에누마 엘리시의 일부 신화적 개념을 더욱 발전시키는데, 이는 그곳에서 발견된 수로, 물탱크, 용기 등으로 미루어 볼 때 봉헌 의식과 관련이 있을 수 있다. 이 구조물은 의례적으로 파괴되었고, 점토와 돌을 교대로 덮은 후, 얼마 후 발굴되어 모르타르로 채워졌다.
에안나 지구는 우루크 시대 VI–IV기에 문자 기록과 기념비적인 공공 건축물이 모두 등장했다는 점에서 역사적으로 중요하다. 이 두 가지 발전의 결합은 에안나를 인류 역사상 최초의 진정한 도시이자 문명으로 평가할 수 있게 한다. 에안나 IVa기에는 가장 초기의 문자 기록이 포함되어 있다.
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에안나의 첫 번째 건물인 돌 원추형 사원(모자이크 사원)은 기존 우바이드 사원 위에 VI기에 지어졌으며, 정교한 버트레스 시스템을 갖춘 석회암 벽으로 둘러싸여 있다. 판축 외벽에 박힌 색색의 돌 원추형 모자이크 때문에 명명된 돌 원추형 사원은 메소포타미아에서 가장 초기의 물 숭배와 관련될 수 있다. 이 사원은 우루크 IVb기에 "강제로 파괴"되었고, 그 내용은 리엠첸 건물에 매장되었다.
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다음 시기인 우루크 V기에는 돌 원추형 사원에서 동쪽으로 약 100m 떨어진 곳에 석회암 사원이 기존 우바이드 사원 위에 2m 높이의 판축 포디엄 위에 지어졌는데, 이 사원 역시 돌 원추형 사원처럼 우바이드 문화의 연속성을 보여준다. 그러나 석회암 사원은 그 규모와 돌의 사용 면에서 전례가 없었으며, 이는 전통적인 우바이드 건축과는 확연히 달랐다. 돌은 우루크에서 동쪽으로 약 60km 떨어진 우마이야드의 채석장에서 가져온 것이다. 사원 전체가 석회암으로 지어졌는지, 아니면 기초만 석회암으로 지어졌는지는 불분명하다. 석회암 사원은 아마도 최초의 이슈타르 사원일 것이지만, 확실히 알 수는 없다. 돌 원추형 사원처럼 석회암 사원도 원추형 모자이크로 덮여 있었다. 이 두 사원은 모두 직사각형으로 모서리가 기본 방향과 일치했으며, 긴 축을 따라 두 개의 작은 홀이 양쪽에 배치되고 버트레스가 있는 외벽을 특징으로 했다. 이는 미래 모든 메소포타미아 사원 건축의 유형학의 원형이 되었다.
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이 두 기념비적인 건축물 사이에 건물 단지(A–C, E–K, 리엠첸, 원추형 모자이크라고 불림), 안뜰, 벽이 에안나 IVb기 동안 건설되었다. 이 건물들은 도시가 250 ha (620 ac)로 성장하고 장거리 무역을 확립하는 우루크의 대규모 확장 시기에 건설되었으며, 이전 시기의 건축 양식의 연속이다. 독일인들이 리엠첸이라고 부르는 16 cm (6.3 in)×16 cm (6.3 in) 크기의 벽돌 모양에서 이름을 따온 리엠첸 건물은 돌 원추형 사원이 파괴된 후 중심에 의례적인 불을 계속 태우던 기념물이다. 이런 이유로 우루크 IV기는 신앙과 문화의 재정향을 나타낸다. 이 기념물의 외벽은 기하학적 및 인물 벽화로 덮여 있었을 수 있다. 이 사원에서 처음 사용된 리엠첸 벽돌은 우루크 IV기 에안나의 모든 건물을 짓는 데 사용되었다. 색색의 원추를 외벽 장식으로 사용하는 방식도 크게 발전했으며, 아마도 원추형 모자이크 사원에서 가장 효과적으로 사용되었을 것이다. 사원 N, 원형 기둥 홀, 원추형 모자이크 안뜰의 세 부분으로 구성된 이 사원은 당시 에안나에서 가장 기념비적인 건축물이었다. 이들은 모두 의례적으로 파괴되었고, 에안나 지구 전체는 IVa기에 훨씬 더 웅장한 규모로 재건되었다.
에안나 IVa기 동안, 석회암 사원은 철거되었고 그 기초 위에 붉은 사원이 건설되었다. 우루크 IVb기 건물들의 축적된 잔해는 테라스인 L자형 테라스로 형성되었고, 그 위에 건물 C, D, M, 대형 홀, 기둥 홀이 건설되었다. 건물 E는 처음에는 궁전으로 생각되었으나, 나중에 공동 건물로 밝혀졌다. 또한 IV기에는 두 층의 벤치로 둘러싸여 원추형 모자이크로 덮인 움푹 들어간 안뜰인 대형 안뜰이 건설되었다. 작은 수로가 대형 안뜰로 이어져 한때 정원에 물을 공급했을 수도 있다. 이 시기의 인상적인 건물들은 우루크가 정점에 달하고 600헥타르로 확장되었을 때 건설되었다. 에안나 IVa기의 모든 건물은 불분명한 이유로 우루크 III기에 파괴되었다.
III기 에안나의 건축은 이전과 매우 달랐다. 기념비적인 사원 단지는 대형 안뜰 주변의 목욕탕과 미궁 같은 판축 건물로 대체되었다. 이 시기는 초기 왕조 수메르 시대인 기원전 2900년경에 해당하며, 경쟁 도시국가들로 인해 우루크의 지배력이 약화되면서 사회적 격변이 심했던 시기이다. 이 시기의 요새와 같은 건축물은 그러한 혼란을 반영한다. 이슈타르 사원은 이 시기에도 새로운 형태로 '우루크의 이슈타르의 집'(수메르어: e₂-ᵈinanna unuᵏⁱ-ga)이라는 새로운 이름으로 계속 기능했다. 이 건축물의 위치는 현재 알려져 있지 않다.
우루크 통치자 목록
수메르 왕명표(SKL)에는 우루크의 5개 왕조 중 22명의 통치자만이 기록되어 있다. 6번째 왕조는 SKL에 언급되지 않은 아모리인 왕조였다. 다음 목록은 완전한 목록으로 간주되어서는 안 된다.
클래식 기타
클래식 기타(영어: Classical Guitar)는 양의 창자를 꼬아 만든 거트줄이나 나일론줄을 사용하는 기타로 손으로 뜯어서 멜로디와 화음을 동시에 연주하는 독주 악기로 많이 쓰인다.
클래식 기타로 클래식 음악만 연주하는 것은 아니며 포크, 재즈, 플라멩코 등 다양한 장르를 연주한다.
오늘날의 현대 클래식 기타는 19세기 스페인 제작가 안토니오 데 토레스 후라도(:en:Antonio de Torres Jurado)에 의해 자리잡았다. 그래서 현대 클래식 기타를 스패니시 기타(Spanish guitar)라고도 부른다.
클래식 기타 클래식 기타의 역사와 유래
클래식 기타는 기원전 4500년 전 수메르 왕국의 판두라(en:pandura)라는 악기에서 유래한다. 이어서 기원전 2500년경 하프와 비슷하게 생긴 악기가 나타나고 이집트 시대에는 네페르(en:Nefer), 그리스에서는 기타라가 사용되었다. 여기서 그리스의 ‘기타라’라는 이름이 현재의 악기의 이름에 영향을 미쳤다. 직접적인 조상은 중세 시대의 류트이다.
클래식 기타 구조
클래식 기타는 크게 헤드, 넥, 바디의 세 부위로 구분할 수 있다. 헤드는 소리를 조율할 때 사용하는 부분인데 이 부위에 있는 헤드머신을 사용해 줄을 감거나 풀 수 있다. 헤드에 문제가 있으면 줄의 음높이가 매번 바뀔 수 있다.
넥은 왼손으로 줄을 누르게 되는 부분이다. 넥이 휘어있거나 프렛의 높이에 문제가 있으면 소리에 잡음이 섞이는 경우가 많아서 장기간 기타를 쓰지 않고 보관을 할 때는 줄을 풀어놓아 넥이 휘는 것을 방지하는 것이 정석이다. 또한 오늘날엔 대개 6,5,4번 줄은 쇠줄, 나머지는 나일론 줄을 이용한다
바디는 울림통이라고도 불리는데 기타줄의 소리가 여기서 증폭되어 나오게 된다. 이 부분이 기타 제작에서 가장 까다로우며 재료의 선택 및 처리가 쉽지 않다. 바디를 어떻게 제작하느냐에 따라 기타의 음색 및 음량, 여운의 길이 등이 달라진다.
상판은 일반적으로 원목으로 만들어진다. 측후판은 자체가 울리기보다는 상판의 울림을 반사하는 역할이 주가 되기 때문에 합판을 쓰기도 하나, 상판은 기타줄의 소리를 받아 울림을 생성하는 역할을 하기 때문에 초저가형 악기를 제외하고는 원목을 사용한다. 일반적으로 스프러스나 시더를 사용한다.
클래식 기타 구조
더블탑 : 더블탑(double top/sandwich top/composite top)이란 얇은 두 판 사이에 벌집 모양 노맥스 판을 끼워넣고 붙여 가볍고 튼튼한 상판을 만드는 방식이다. 소리가 커지고 원달력이 향상되며, 구조 상 변형과 파손에 강한 장점이 있지만 한 번 파손되면 상판 전체를 교체해야 하는 등 수리하기 어렵고, 노맥스 판 자체는 단단하지 않아서 진공 흡입기를 사용해야 하는 등 제작 과정이 굉장히 어려워 아무리 저렴해도 250호 이하로는 가격이 떨어지지 않는다. 마티아스 다만(Matthias Dammann)이 개발했으며, 본래는 노맥스 판 대신 발사나무를 사용하는 형태였으나 현재 이상으로 제작이 어려웠고, 게르노트 바그너(Gernot Wagner)가 노맥스 판을 사용하는 방식을 제안하였다. 다만의 더블탑 기타는 버전 1, 2, 3으로 나뉠 수 있으며, 노맥스판은 버전 1에 쓰였고 2부터는 쓰이지 않는다. 국내에서는 버전 1을 기반으로 한 더블탑이 제작되고 있다.
클래식 기타 구조
래티스 : 래티스(lattice brace)는 그렉 스몰맨(:en:Greg Smallman)이 개발하였다. 앞판을 극단적으로 얇게 만들고 측후판을 두텁게 만들어 기타를 일종의 스피커처럼 만드는 방식이다. 앞판의 강도를 보완하기 위해 격자형 버팀목을 설치하여 래티스라 불린다. 음량이 커지는 효과가 있는데, 소수의 공방에서는 100호 미만의 연습용 기타에 래티스 브레이싱을 사용하기도 한다. 이 때는 전통적인 기타 구조에 상목 브레이싱에 래티스 브레이싱을 적용하는 방식이다.
클래식 기타 구조
다양한 나무가 사용되나 일반적으로는 로즈우드 계열, 특히 북인도황단 쪽을 사용한다. 저가형에는 동남아산 마호가니를 주로 하여 만든 합판이 사용된다. 브라질흑황단, 온두라스황단 등을 최고로 치나 오랫동안 벌목이 이루어져 오늘날에는 굉장히 희귀해졌고 규제가 강해졌다. 브라질흑황단은 소리가 웅장하고 단단한 편이고, 잘만 사용하면 최상의 소리를 들려주나 쓰기 까다롭다. 어지간한 공방도 하카란다의 가능성을 제대로 끌어내는 곳은 많지 않으므로 공방이 하카란다를 잘 다루는지 모르면 인디언 로즈우드로 주문하는 게 좋다. 북인도황단은 브라질흑황단에 비해선 소리가 다소 무르고 부드러운 편이며 측후판 자재로 제일 널리 쓰인다. 품질이 좋지 않은 브라질흑황단을 쓰거나, 어설프게 쓸 바에는 차라리 북인도황단을 사용하는 것이 낫다. 또한 오늘날 하카란다는 심각한 멸종위기에 처해있으며, 철도 침목이나 통나무집의 자재, 침대나 테이블 따위에 쓰인 하카란다를 기타 재료로 재가공하는 형편이니 고품질 하카란다를 구하기는 하늘의 별따기인 것이다.
더블백 : 후판은 전판의 울림을 반사하는 역할을 하는데, 후판 뒤에 다른 후판을 두어서 후판의 음향 반사 작용을 방해하지 않도록 하는 것이다. 후판 뒤의 후판은 음향에는 거의 영향을 미치지 않기 때문에 합판을 많이 사용한다. 마누엘 콘트레라스가 1970년대에 최초로 선보였는데, 제작가는 이를 '더블타파(doble tappa)'라고 불렀다.
클래식 기타 품질
프랑스의 명장급 제작가 다니엘 프레드리히(Daniel Friedrich)가 꼽은 좋은 클래식 기타의 기준은 다음과 같다.
클래식 기타 부속품
클래식 기타의 줄은 크게 양의 가죽으로 만든 거트현, 나일론현으로 나뉜다. 기술이 발전하기 전에는 거트현이 쓰였는데, 거트현은 고전음악에 어울리며 지두탄현에 적합한 특성을 갖는다. 거트현과 유사한 특성을 재현하기 위해 나일론현의 겉을 거칠게 처리한 렉티파이드현이라는 제품이 있고, 나일론현의 겉부분을 고운 사포로 갈아도 비슷한 느낌을 재현할 수 있다. 카본현은 나일론현에 탄소섬유를 섞은 것으로, 나일론현에 비해 장력이 세고 얇으며 약간 불투명하고 여운이 길다. 나일론 3번줄은 두께가 유난히 두꺼워 연주자의 취향에 따라 3번줄에 카본을 쓰거나 2,3번줄에 카본을 쓰기도 하며 티타늄현을 사용하기도 한다. 티타늄현은 나일론현에 티타늄을 섞은 것으로, 순수 나일론현과 카본현의 중간 특성을 갖는다. 약간의 보라색을 띈다.
클래식 기타는 통기타와는 달리 연주 시에 넥을 치켜세운다. 이를 위해 발판, 무릎 받침대, 무릎 방석 따위를 이용하여 넥의 각도를 맞춘다.
클래식 기타 부속품
케이스는 흔히 천으로 만드는 소프트 케이스, 플라스틱이나 나무 등으로 만드는 하드 케이스로 나뉘는데, 30만원 이하의 입문용 저가형 기타가 아닌 이상 소프트 케이스는 추천되지 않는다. 클래식 기타는 구조적으로 약한 편이기 때문에 쓰러지면 헤드에 금이 가고, 부딪치면 바디가 손상된다. 특히 합판을 쓴 중저가형 악기보다 원목을 쓴 고가형 악기가 더더욱 취약한 편이다. 또한 고가형일수록 적정 습도를 유지해야 기타가 상하지 않는데, 밀폐가 잘 되는 하드 케이스에 보관하면 굳이 방 전체의 습도를 맞추지 않아도 기타를 관리할 수 있다는 장점이 있다. 고강도 스티로폼으로 제작된 하드 케이스는 폼 케이스라고 부르는데, 일상적인 상황의 가벼운 부딪힘은 충분히 방어할 수 있으면서도 무게는 훨씬 가벼운 장점이 있다.
기타의 울림통에 장착하여 습도를 조절하는 장치. 내부에서 습기를 발산하는 재질에 물을 공급한 다음에는 물기를 전부 제거해야, 물이 기타 목재에 들어가서 기타 소리를 안 좋게하는 일을 방지할 수 있다.
클래식 기타 등급
클래식 기타의 등급은 크게 원목, 합판의 비중이 얼마나 되는지로 나뉘는데, 앞판, 옆판, 뒷판을 모조리 원목을 사용한다면 올솔리드(올솔), 앞판만 원목을 사용한다면 탑솔리드(탑솔)라 불리고, 저가형 제품은 합판만을 사용한다. 원목의 비중이 높을수록 일반적으로 소리가 좋아지지만 관리가 어려워진다. 목재 대신 카본으로 제작되기도 하지만, 통기타 등에 비해 굉장히 드물다.
클래식 기타 등급
습도에 따라 넥이 휠 수 있는데, 이를 방지하기 위해 넥 가운데를 파내거나 반으로 잘라 흑단, 로즈우드 등의 단단한 목재를 심기도 한다. 코르도바 제품의 경우 통기타처럼 트러스 로드를 심어 넥의 휨을 조절하지만, 금속은 목재와 음향학적 특성이 다른데다 넥의 무게 또한 달라지므로 플라멩코 기타(:en:Flamenco guitar)에 가까운 카랑카랑한 소리를 내게 된다. 무게에 의한 영향을 방지하기 위해 속이 빈 두랄루민 봉을 삽입하는 경우도 있지만 역시 어느 정도의 카랑카랑함을 면할 수는 없다. 드물게는 탄소섬유층을 삽입하기도 한다. 중요한 것은 잘 휘는 목재를 사용하면 아무리 보강해도 휠 넥은 휜다는 것이다. 처음부터 잘 건조된, 잘 휘지 않는 목재를 쓰는 게 좋고, 보강 목재는 어디까지나 보조적으로 쓰인다.
또한 수제 기타 중에서도 장인이 특별히 공들여 튜닝한 수제품 즉 콘서트(급) 기타인지, 아니면 다소 저가 재료를 사용하며 대량 생산의 묘리를 적용한 중저가형 제품인지 나눌 수도 있다.
클래식 기타 등급
중저가형 제품은 폴리우레탄 코팅을, 고가형 제품은 주로 쉘락(en:Shellac) 코팅을 씌우는데, 우레탄 코팅은 쉘락에 비해 두껍고 튼튼해서 흠집이 잘 나지 않고 기타의 갈라짐을 방지한다는 장점이 있지만, 대개 쉘락보다 두껍고 소리를 흡수하는 성질이 있기 때문에 소리의 품질에 있어 쉘락보다 떨어진다. 또한 클래식 기타는 코팅의 영향을 많이 받기 때문에, 겉을 페인트로 코팅하는 일은 초저가형 외에는 존재하지 않는다. 통기타와 달리 무광 코팅은 저가형 외에는 거의 존재하지 않고, 저가형 중에서도 찾아보기 힘들다. 나이트로셀룰로스 래커 코팅은 클래식 기타에서는 콘서트급 기타에 드물게 활용되며, 주로 일렉 기타에 많이 쓰였다. 제작가에 따라서는 콘서트급 악기에도 폴리우레탄을 사용하기도 한다. 중요한 것은 칠이 무엇이든 얇게 칠할수록 울림이 좋아진다는 것이다. 하지만 무작정 얇게 칠하기만 한다고 반드시 좋아지는 것만은 아니고, 음색의 방향성을 어떻게 바꿀지에 따라서 일부러 두껍게 칠하기도 한다. 다만 쉘락은 두껍게 칠하다간 갈라질 위험이 높고, 갈라짐 없이 두껍게 칠하려면 반 년 이상 소요된다.
클래식 기타 수리
클래식 기타 수리 접착제로는 과거에는 아교가 쓰였지만 성능이 불충분했고, 오늘날에는 성능이 훌륭한 목공 본드가 많이 개발되어 한 번 부러진 곳이 또 부러지지는 않는다. 또한 쉘락 코팅은 땀과 체온으로도 변질되는 등 굉장히 손상되기 쉬우므로 코팅을 다시 하거나, 우레탄 코팅을 쉘락 코팅으로 바꿔 소리 향상을 도모하기도 한다. 보통 악기 수리 업체, 클래식 기타 공방에 수리를 맡긴다.
클래식 기타 관리
클래식 기타는 충격과 습도에 특히 취약하므로 관리가 필요하다. 저가형 합판 기타는 약간의 습도 관리 정도로 충분하나, 원목의 비중이 높아질수록, 고급 제품일수록 섬세한 관리가 필요하다.
소프트 케이스보다는 하드 케이스가 좋고, 소프트 케이스를 써야겠다면 얇은 천으로 된 케이스보다는 충격 흡수재를 두텁게 보강한 긱백이 충격 보호에 유리하다. 습도 관리에는 지퍼로 잠그는 형식의 케이스(주로 고강도 스티로폼으로 만드는 폼 케이스가 이런 경우가 많음)보다는 꽉 맞물려 잠기는 형식의 하드 케이스가 유리하다. 하드 케이스는 간혹 멜빵이나 손잡이가 없는 경우도 있으므로 알아보고 구매하는 것이 좋다.
클래식 기타 관리
습도 관리는 습할 때, 건조할 때로 나뉘는데, 대한민국의 경우 전자는 여름, 특히 장마철이고 후자는 한겨울이므로 모든 경우를 대비해야 한다. 실리카 젤로도 제습할 수 있지만 본래 실리카 젤의 제습 능력이 그렇게 강력하지 않으므로 장마철에는 보통 케이스 안에 150g 이상의 양을 넣어야 하며 습도계를 넣어서 습도를 점검하여야 하고 상태를 봐서 주기적으로 교체하여야 한다. 염화칼슘 제습제 슬림형, 혹은 하드 케이스에 여유 공간이 있다면 일반 크기 염화칼슘 제습제 제품을 비치할 수도 있지만 물이 흘러내리면 기타가 망가진다는 위험성이 있어 추천하지 않는다. 또한 염화칼슘 특유의 냄새가 기타에 옮을 수 있는데, 진한 향기가 생명인 하카란다 측후판을 사용한 악기의 경우 염화칼슘 제습제를 사용하지 않을 것을 강력히 권한다. 겨울에는 댐핏을 사용하면 좋다. 다만 가습 물질에 물기를 첨가한 후에는 외부의 물기를 철저히 없애야 기타에 물이 닿아 상하는 일이 없다. 가습기, 제습기를 활용할 수도 있으나 가격적으로 부담이 된다. 난방을 약하게 하면 습도 유지에 도움이 된다.
클래식 기타 관리
쉘락 코팅의 경우 땀과 체온으로도 변질되므로, 연주한 다음에는 기타용 수건으로 닦아주어야 한다. 맨살이 닿으면 높은 온도로 인해 하얗게 변하므로 미관상 좋지 않다.
줄을 갈 때마다 지판에 기름칠을 해주는 것이 좋다. 일반적으로 레몬 오일을 많이 쓰지만 미네랄 오일로도 충분하다. 다만 클렌징 오일처럼 세척을 목적으로 하는 오일은 세척 목적의 첨가물이 들어있기 때문에 기타에 해롭다. 만일 지판에 때가 끼어있다면 기름칠 하기 전에 줄을 풀고 칫솔 등을 동원하여 충분히 제거하여야 한다. 때는 장마철 등 습도가 높을 때 습기를 머금어 기타에 해롭다.
버징은 프렛을 잡고 소리낼 때 다른 프렛에 닿아서 즈즈즈 하는 소리가 나는 것을 말한다. 습도 관리를 잘 하지 못해서 넥이 뒤로 휠 때, 상현주나 하현주의 높이가 안 맞을 때도 생기지만, 프렛이 불규칙적이거나 너무 높을 때도 생긴다. 이렇게 되면 프렛을 갈아주어야 하는데, 일반인이 하기는 힘드므로 악기 공방이나 전문 수리점에 맡기는 것이 좋다.
클래식 기타 수명
클래식 기타의 수명은 클래식 악기 중에서는 상당히 짧은 편이다. 바이올린 등의 다른 악기에 비해 구조가 취약하고 복잡하며, 판이 얇기 때문이다. 드물게는 100년 이상을 버티기도 하나, 대개는 콘서트급 기타를 기준으로 적절히 관리하여도 20~40년이면 수명이 다하게 된다. 하지만 수명이 다하지 않았다면 에이징이 충분히 되어 신품보다 괜찮은 소리를 들려주기도 한다. 전문 연주자의 손길 아래 오래도록 혹사당한 기타는 수명이 빨리 다하는 경향이 있으며, 최고급 클래식 기타를 중고로 구매할 때 주의해야 하는 것은 이 때문이기도 하다. 반대급부로 잘 연주하지 않은 채로 오래
특히 앞판의 두께가 영향을 많이 미친다. 일반적으로 앞판이 얇으면 적은 힘으로도 소리가 잘 나며 에이징이 빠르고, 앞판이 두꺼우면 충분한 힘이 가해져야 제대로 소리 낼 수 있고 에이징이 느리다. 그리고 시더가 스프러스보다 수명이 짧은 편이다.
클래식 기타 수명
다만 수명이 다한다는 게 기타가 부러지거나 한다는 건 아니고, 에이징의 정도가 지나치게 되어 소리가 지나치게 커지면서 통제 불능이 되거나, 음색의 퀄리티가 저하된다거나 하는 것이다.
습도가 나쁜 환경에서 보관하면 수명이 빠르게 줄어드는데, 나무가 팽창, 수축을 반북하며 접착 상태가 점점 나빠지기 때문이다. 부적절한 습도는 전판 갈라짐, 지판 깨짐, 전판 부풀어오름, 넥 휨 등 육안으로 보이는 파손이 없더라도 충분히 치명적인 영향을 끼치는 것이다. 전문 연주자한테 혹사당하지 않은 기타는 주로 좋지 얂은 습도 환경 때문에 수명이 줄어든다.
페르마 수
페르마 수(영어: Fermat Number)는 음이 아닌 정수 n에 대해
형태로 나타나는 양의 정수를 말한다. 이러한 형태의 수를 최초로 연구한 피에르 드 페르마의 이름을 딴 것이다.
최초 여덟개의 페르마 수는 다음과 같다(OEIS의 수열 A000215):
F0 = 21 + 1 = 3
F1 = 22 + 1 = 5
F2 = 24 + 1 = 17
F3 = 28 + 1 = 257
F4 = 216 + 1 = 65537
F5 = 232 + 1 = 4294967297 = 641 × 6700417 (오일러, 1732)
F6 = 264 + 1 = 18446744073709551617 = 274177 × 67280421310721
F7 = 2128 + 1 = 340282366920938463463374607431768211457 = 59649589127497217 × 5704689200685129054721
페르마 수 소수성
2n + 1 꼴의 수가 소수라면 n은 반드시 2의 거듭제곱이어야 한다. 따라서 2n + 1 꼴의 소수는 모두 페르마 수가 된다. 이러한 소수를 페르마 소수라고 한다. 현재까지 알려진 페르마 소수는 F0,...,F4 뿐이다. 보통 어떤 수가 페르마 소수인지 확인할 때에는 페팽 소수판별법이 많이 쓰인다.
n > 4인 페르마 소수는 아직 알려져 있지 않다. 그밖에도 다음과 같은 의문은 해결되지 않고 있다.
5 ≤ n ≤ 32 사이의 모든 Fn은 합성수라는 것이 밝혀졌다. 이 중 5 ≤ n ≤ 11 사이의 수만이 완전한 소인수분해가 구해져 있다.
페르마 수 Fn 에 대하여 현재의 소수성 상태의 적요가 아래 표에 주어져 있다.
2025년 현재 329개의 페르마 수가 합성수라는 것이 밝혀졌고 373개의 소인수가 밝혀졌다.
페르마 수 역사
피에르 드 페르마는 1637년 위 형태로 쓸 수 있는 모든 정수는 소수일 것이라고 추측했으나 1732년 레온하르트 오일러가 F5=4,294,967,297를 641 × 6,700,417 로 소인수분해 함으로써 반증 되었다.
페르마 수 작도 가능한 다각형과의 관계
한편, n이 2의 거듭제곱과 서로 다른 페르마 소수의 곱들로 표현가능하다는 것과, 정n각형은 작도 가능하다는 것이 필요충분조건이다. 즉, 다시 말해서 가 모두 서로 다른 페르마 소수일 경우 이면 정n각형은 작도 가능한 정다각형이 되고 그 역도 성립한다.
표의문자
표의문자(表意文字, ideogram)는 특정 문자에서 관념이나 개념을 나타내는 데 사용되는 상징이다. (표의문자는 음성 언어를 나타내어 특정 언어에 독립적인 표음문자와 대조된다.) 일부 표의문자는 다른 것보다 더 임의적이다. 일부는 어떤 관습에 대한 사전 지식을 전제로 해야만 의미가 있고, 다른 것들은 그 기표를 더 직접적으로 닮아 있다. 물리적인 대상을 시각적으로 나타내는 표의문자는 그림문자라고 불린다.
표의문자 용어
표의문자는 언어의 특정 형태소를 나타내는 표어문자와 동일시되어서는 안 된다. 넓은 의미에서 표의문자는 위에 언급된 음성 영어 문자 체계의 예시처럼 다른 원리에 기반을 둔 문자 체계의 일부를 형성할 수 있으며, 특정 발화된 단어와 일치하지 않으므로 여러 언어에 걸쳐 동일한 개념을 나타낼 수도 있다. 주어진 표의문자를 읽는 단일한 방법이 항상 존재하지 않을 수도 있다. 형태소에 할당된 표어문자로 남아 있으면서도 ⟨틀:Zhi⟩ '중심'과 같은 특정 한자는 그 기원과 시각적 구조를 고려할 때 더 좁은 의미에서 표의문자로 분류될 수 있다.
표의문자 용어
그림문자는 정의에 따라 참조되는 대상과의 직접적인 아이콘적 유사성을 통해 개념을 나타내거나, 또는 더 넓게는 시각적으로 나타내거나 묘사하는 표의문자이다. 원시 문자 체계에서는 그림문자가 일반적으로 사용 가능한 대부분의 기호를 구성했다. 그 사용은 레부스 원리를 통해 확장될 수도 있었다. 예를 들어, 거바 주석이 없는 그림 동파 문자는 나시어를 나타낼 수 없지만, 구전 문학을 암송하기 위한 기억술로 사용된다. 일부 체계는 추상적인 개념을 나타내는 지사자도 사용한다. 때로는 표의문자라는 단어가 지사자를 지칭하고 그림문자와 대조하는 데만 사용되기도 한다.
표의문자 용어
표의문자라는 단어는 역사적으로 신성문자, 쐐기 문자, 한자를 묘사하는 데 자주 사용되었다. 그러나 이러한 기호는 언어의 의미 요소를 나타내며, 밑에 깔린 개념을 직접 나타내지는 않는다. 즉, 그 사용은 일반적으로 특정 구어에 대한 지식을 필요로 한다. 현대 학자들은 이러한 기호를 대신 표어문자라고 부르며, 일반적으로 표의문자라고 부르는 것을 피한다. 대부분의 표어문자는 해당 단어의 발음을 어떤 형태로든 포함하고 있으며, 종종 레부스 원리를 사용한다. 나중의 문자 체계는 선택된 기호를 사용하여 언어의 소리를 나타냈는데, 예를 들어 '황소'를 의미하는 표어문자 ʾālep이 초성 성문 파열음을 나타내는 문자 알레프로 채택된 경우이다. 그러나 일부 표어문자는 여전히 시각적으로 자신이 나타내는 형태소의 의미를 효과적으로 묘사한다. 그림문자는 단어가 지칭하는 대상과 같은 모양을 하고 있는데, 예를 들어 '황소'를 의미하는 셈어 단어 ʾālep를 나타내는 황소 아이콘이 있다. 다른 표어문자는 더 추상적인 기법을 통해 시각적으로 의미를 나타낼 수 있다.
표의문자 용어
많은 신성문자와 쐐기 문자는 표어적으로 또는 음성적으로 사용될 수 있었다. 예를 들어, 수메르어 딩기르 ⟨𒀭⟩은 '신'을 의미하는 diĝir, 신 안 또는 '하늘'을 의미하는 an을 나타낼 수 있었다. 아카드어에서 글자 ⟨⟩는 어간 il- '신', 단어 šamu '하늘', 또는 음절 an을 나타낼 수 있었다.
한자는 일반적으로 표어문자로 기능하지만, 전통적인 분류의 여섯 가지 부류 중 세 가지는 기원이 표의적(또는 의미론적)이며 음성적 요소가 없다.
그림문자(틀:Zhi xiàngxíng)는 일반적으로 가장 오래된 글자들 중 하나이며, 기원전 12세기까지 거슬러 올라가는 형태를 가지고 있다. 일반적으로 문자의 진화와 함께 그림문자의 형태는 직접적인 재현성이 줄어들어, 그 지시대상을 직관적으로 파악하기 어렵게 되었다. 예시로는 ⟨틀:Zhi⟩ '밭'과 ⟨틀:Zhi⟩ '마음'이 있다.
회의문자(틀:Zhi huìyìzì)는 여러 다른 글자들로부터 합성된 의미를 가지고 있는데, 예를 들어 ⟨틀:Zhi⟩ '해'와 ⟨틀:Zhi⟩ '달'이 결합된 ⟨틀:Zhi⟩ '밝다' 또는 ⟨틀:Zhi⟩ '사람'과 ⟨틀:Zhi⟩ '나무'로 구성된 ⟨틀:Zhi⟩ '쉬다' 등이 있다. 20세기 후반에 고대 중국어 음운론에 대한 이해가 발전하면서, 많은 연구자들은 회의문자로 생각되었던 대부분의 글자의 어원이 실제로는 음성적 요소를 포함하고 있다고 확신하게 되었다.
표의문자의 예로는 1970년대에 미국 교통부의 요청으로 미국 그래픽 예술가 협회가 개발한 50개의 기호 모음인 DOT 그림문자가 있다. 처음에는 공항 표시용으로 사용되었지만, 점차 널리 퍼졌다.
많은 표의문자는 관습에 의해서만 개념을 나타낸다. 예를 들어, 빨간 팔각형은 시간의 흐름에 따라 대중적 연관성과 의미의 구체화로 인해 '정지'라는 의미를 지니게 되었다. 기호학 분야에서, 이것들은 순수 기호의 한 유형이며, 이 용어는 비그래픽 매체를 사용하는 상징도 포함한다. 한자의 현대적 분석은 순수 기호가 시스템 자체만큼이나 오래되었다는 것을 보여주는데, 대표적인 예로는 ⟨틀:Zhi⟩ '다섯'과 ⟨틀:Zhi⟩ '여덟'을 포함하여 4보다 큰 숫자를 나타내는 숫자들이다. 이들은 시각적으로나 음성적으로 그들이 나타내는 수량에 대해 아무것도 나타내지 않고, 오직 관습적으로만 나타낸다.
표의문자 역사
진정한 문자 체계가 순수 표의문자 체계에서 발전함에 따라, 음성 문자를 가진 후기 사회들은 그림, 도표, 표어문자 간의 직관적인 연결에 의해 종종 강요되었지만, 후자의 필수적인 음성적 차원을 궁극적으로 알지 못했다. 그리스어 사용자들은 기원전 7세기경에 정기적으로 이집트를 방문하기 시작했다. 고대 그리스어 작가들은 일반적으로 이집트 문자 체계를 순전히 표의적인 것으로 오해했다. 전통에 따르면, 그리스인들은 이집트인들로부터 피타고라스( 570 – c. 495 BCc.)를 통해 글쓰기 능력을 습득했는데, 피타고라스는 이집트인들의 '상징적 가르침'의 무음 형태를 직접 배웠다고 한다. 플라톤(기원전 428~347년)부터 신성문자를 표의문자로 여기는 개념은 대부분의 언어를 현실의 불완전하고 모호한 이미지로 보는 더 넓은 철학적 개념에 뿌리를 두고 있었다. 플라톤의 견해는 형상계를 존재론적으로 분리된 세계로 보았지만, 그의 제자 아리스토텔레스(기원전 384~322년)는 오히려 형상을 모든 사람의 마음속에 동일하게 존재하는 추상적인 것으로 보았다. 둘 다에게 표의문자는 이집트인들이 소유한 형상을 더 완벽하게 나타내는 것이었다. 아리스토텔레스적 틀은 중세 시대까지 지중해 세계에서 언어 개념의 기초가 되었다.
표의문자 역사
고전 이론에 따르면, 표의문자는 형상을 직접적으로 반영했기 때문에 유일한 "진정한 언어"였으며, 독자들에게 난해한 지혜를 전달하는 독특한 능력을 가지고 있었다. 이집트 신성문자를 읽는 능력은 후기 고대 시대에 이집트의 헬레니즘화와 기독교화 과정에서 상실되었다. 그러나 이러한 경향이 신성문자 포기를 강요했다는 전통적인 견해는 최근 학계에서 거부되고 있다.
유럽은 16세기 말에 이르러서야 중국어를 완전히 알게 되었고, 처음에는 이 시스템을 이집트 신성문자로부터 부분적으로 영향을 받은 기존의 표의문자 체계와 연결시켰다. 궁극적으로 장프랑수아 샹폴리옹의 1823년 신성문자 해독 성공은 신성문자가 순전히 표의적인 것이 아니라 구어인 이집트어를 나타낸다는 이해에서 비롯되었다. 샹폴리옹의 통찰력은 부분적으로 프랑스 한학자 장피에르 아벨르뮈사의 반절 연구에 대한 친숙함에서 비롯되었는데, 이 연구는 한자가 종종 소리를 쓰는 데 사용되며 단순히 개념만을 나타내지 않는다는 것을 보여주었다.
표의문자 역사
이러한 표의문자 개념에 영감을 받아, 보편적인 문어, 즉 사용하는 언어와 관계없이 모든 사람이 그 해석에 접근할 수 있는 표의문자를 설계하려는 여러 시도가 있었다. 초기 제안은 1668년 존 윌킨스의 『실제 문자 및 철학적 언어를 향한 시론』에서 이루어졌다. 더 최근에는 1949년 찰스 K. 블리스에 의해 블리스심볼이 고안되었으며, 현재 2,000개 이상의 그림을 포함한다.
멘델스존
멘델스존의 다른 뜻은 다음과 같다.
철학자 모제스 멘델스존 (1729 - 1786)
작곡가 펠릭스 멘델스존 (1809 - 1847) (모제스의 손자)
작곡가이자 피아니스트 파니 멘델스존 (1805 - 1847) (펠릭스의 누나)
소행성 3954 멘델스존
펠릭스 멘델스존
야코프 루트비히 펠릭스 멘델스존 바르톨디(독일어: Jacob Ludwig Felix Mendelssohn Bartholdy, 1809년 2월 3일 ~ 1847년 11월 4일)는 독일의 초기 낭만파 시대의 작곡가, 피아니스트, 오르가니스트, 지휘자이다. 가장 유명한 작품으로는 결혼행진곡이 포함된 『한여름 밤의 꿈』 , 『이탈리아』 및 『스코틀랜드』 교향곡, 오라토리오 『성 바울』과 『엘리야』, 『핑갈의 동굴』 서곡, 성숙기의 바이올린 협주곡, 현악 팔중주곡, 크리스마스 캐럴 『Hark! The Herald Angels Sing』 등이 있다. 또한, 『무언가』는 가장 유명한 독주 피아노 작품이다.
펠릭스 멘델스존
멘델스존의 할아버지는 유대인 철학자 모제스 멘델스존이었으나, 펠릭스는 처음에는 종교적 교육을 받지 않다가 일곱 살 때 개혁 교회에서 세례를 받았다. 어린 시절부터 신동으로 인정받았지만, 부모는 그의 재능을 상업적으로 이용하지 않으려 조심했다. 그의 누이 파니 멘델스존 또한 비슷한 음악 교육을 받았으며, 뛰어난 작곡가이자 피아니스트였다. 파니의 몇몇 가곡은 오빠의 이름으로 출판되었으며, 『부활절 소나타』는 1970년대에 분실 되었다가 재발견된 후 한동안 펠릭스의 작품으로 잘못 인정되기도 했다.
멘델스존은 독일에서 일찍이 성공을 거두었으며, 1829년 『마태 수난곡』 공연을 통해 요한 제바스티안 바흐의 음악에 대한 관심을 되살렸다. 작곡가, 지휘자, 독주자로서 유럽 전역을 여행하며 좋은 평가를 받았으며, 영국을 열 차례 방문하여 주요 작품들을 초연하며 특히 명성을 얻었다. 멘델스존의 보수적인 음악 취향은 프란츠 리스트, 리하르트 바그너, 샤를 발랑탱 알캉, 엑토르 베를리오즈와 같은 동시대 진보적 음악가들과 차별화되었다. 그가 설립한 라이프치히 음악원은 이러한 반(反)급진적 음악관의 요새가 되었다. 19세기 후반과 20세기 초반에 걸쳐 음악적 취향의 변화와 반유대주의로 인해 상대적으로 저평가 되었으나, 그의 창의적 독창성은 재평가 되었으며, 현재 낭만주의 시대에서 가장 인기 있는 작곡가 중 한 명으로 자리 잡았다.
펠릭스 멘델스존 생애
펠릭스 멘델스존은 부유한 시민층 계급의 명망이 있는 유대인 가문에서 태어났다. 유명한 철학자인 모제스 멘델스존(Moses Mendelssohn)은 그의 할아버지다. 그의 아버지인 아브라함 멘델스존 바르톨디(Abraham Mendelssohn Bartholdy)는 1804년에 자신의 맏형 요제프의 은행에서 일하게 된다. 어머니인 레아 멘델스존 바르톨디(Lea Mendelssohn Bartholdy)는 살로몬의 제조업 가문 출신이다.
아브라함과 레아는 1804년에 결혼하여 베를린에서 함부르크로 거처를 옮긴다. 1805년에 태어난 펠릭스 멘델스존의 누나인 파니 멘델스존은 음악적 재능을 가졌다고 한다. 다른 남매로는 1811년생인 레베카 디리흘레트(Rebecca Dirichlet), 1812년생인 파울 멘델스존(Paul)이 있다. 아브라함 멘델스존의 모든 자녀들은 1816년 3월 21일에 개신교 목사로부터 개신교의 가정 세례를 받았다. 여기서 바로 펠릭스는 야코프 루트비히라는 세례명을 받게 된다.
펠릭스 멘델스존 생애
1844년 여름에 있었던 멘델스존의 8번째 영국 방문에서 그는 런던에서 다섯 개의 필 하모닉 콘서트를 진행했으며 다음과 같이 썼다. "이 계절은 이전과 같았다. 3주 전에 매일 약속이 채워졌고 나머지 2개월 동안 나는 더 많은 음악을 듣게 되었다." (레베카 멘델스존 바르 톨디에게 보낸 편지, 소덴, 1844년 7월 22일). 계속되는 방문에서 멘델스존은 빅토리아 여왕과 남편 앨버트 왕자를 만났는데, 그는 자신의 음악을 크게 경외했던 작곡가였다.
멘델스존의 오라토리오 엘리야는 버밍엄 트리엔날레 뮤직 페스티벌(Birmingham Triennial Music Festival)에 의해 초대 받아 1846년 8월 26일 버밍엄 타운 홀(Town Hall)에서 초연 되었다. 그것은 영국에서 그의 시간 동안 많은 멘델스존의 작품을 저술하고 번역한 윌리엄 바돌로매에 의해 영어로 번역된 독일어 텍스트로 구성되었다.
1847년 영국을 마지막으로 방문한 멘델스존은 베토벤의 피아노 협주곡 4번 솔로 연주자였으며, 오케스트라와 협연하여 스코틀랜드 교향곡을 연주했다.
펠릭스 멘델스존 죽음
멘델스존은 말년에 건강이 악화되었으며, 신경 문제와 과로가 그를 더욱 쇠약하게 만들었다. 영국에서의 마지막 순회 공연 이후 그는 극도로 피로하고 병약해졌으며, 1847년 5월 14일 누이 파니가 사망하자 더욱 큰 충격을 받았다. 불과 6개월도 지나지 않아, 11월 4일 38세의 나이에 멘델스존은 연이은 뇌졸중을 겪은 후 라이프치히에서 유언도 남기지 못한 채 세상을 떠났다. 그의 할아버지 모제스, 누이 파니, 그리고 부모 모두 비슷한 뇌졸중으로 사망한 바 있다.
멘델스존의 장례식은 라이프치히의 파울리너 교회에서 거행되었으며, 그의 유해는 베를린 크로이츠베르크의 드라이팔티히카이츠 묘지 1에 안장되었다. 운구에는 이그나츠 모셸레스, 로베르트 슈만, 닐스 가데가 참여했다. 그는 생전에 한 서신에서 죽음을 "음악이 계속 존재하면서도 더 이상 슬픔이나 이별이 없는 곳"으로 묘사한 바 있다.
펠릭스 멘델스존 작품
그의 일생은 실로 작곡과 연주의 연속이었다. 그는 슈베르트와 같은 생활의 고통이 없이 비상한 재능을 충분히 발휘할 수 있었는데, 그것이 작품상에 나타나, 명쾌하고도 아름다운 음악이 되었다. 그는 색채적이며 우아한 낭만적인 작품을 많이 남겼는데, 그의 바이올린 협주곡은 베토벤·브람스의 곡과 함께 3대 바이올린 협주곡으로 손꼽힌다. 그의 유명한 작품은 바흐의 고전 음악 연구에서 배워 얻은 바가 많고, 바흐를 세상에 소개한 공적은 실로 크다. 그는 낭만파의 선구자로, 신고전파의 길을 지시한 것으로서, 음악 사상 중요한 위치를 차지한다.
멘델스존은 음악에 대한 자신의 명확한 비전을 강하게 고수했다. 그의 『무언가』를 가사곡으로 변형하자는 한 서신의 제안에 대해 그는 "내가 사랑하는 음악이 내게 표현하는 것을 말로 옮길 수 없는 것은 그것이 너무 막연해서가 아니라, 오히려 너무 명확하기 때문이다"라고 답했다.
펠릭스 멘델스존 작품
로베르트 슈만은 멘델스존을 두고 "그는 19세기의 모차르트이며, 가장 빛나는 음악가로, 시대의 모순을 가장 명확히 꿰뚫어보고 이를 처음으로 조화롭게 만들었다"고 평가했다. 이러한 평가는 멘델스존의 작곡 스타일과 과정의 두 가지 특징을 강조한다. 첫째, 그의 음악은 철저한 기술적 숙련과 선대 대가들의 스타일에 대한 해석에서 비롯되었으며, 베토벤과 베버의 초기 낭만주의 요소를 인식하고 발전시키기도 했다. 역사학자 제임스 개럿은 "멘델스존이 초기 음악과의 관계를 깊이 중시한 것은 그의 경력 초기부터였다"고 설명한다. 멘델스존 본인도 이 접근 방식을 인정했으며, 괴테와의 만남에서 그는 "매일 아침 한 시간 동안 위대한 작곡가들의 작품을 연대 순으로 연주하며 음악 발전에 대한 설명을 했다"고 기록했다. 둘째, 그는 새로운 음악 형식이나 더 이국적인 오케스트레이션을 도입하기보다는 자신이 계승한 음악적 유산을 재해석하고 강화하는 데 더 관심을 가졌다. 이러한 점에서 그는 바그너, 베를리오즈, 리스트와 같은 당대의 급진적인 음악가들과 상당히 다른 길을 걸었다. 그는 리스트의 피아노 기교를 존경했지만, 그의 음악을 유치하다고 평가했으며, 베를리오즈는 "멘델스존은 예전의 음악을 지나치게 깊이 연구했다"고 평하기도 했다.
펠릭스 멘델스존 작품
음악학자 그렉 비터칙(Greg Vitercik)은 "멘델스존의 음악은 도발적 성격을 띠는 경우가 드물지만, 초기 작품에서부터 나타난 그의 양식적 혁신은 고전적 형식과 낭만주의적 감성 간의 모순을 해결했다"고 평가했다. 그는 고전주의 전통에서 발전부에서 재현부로의 전환이 감정적 절정을 이루는 반면, 낭만주의 작곡가들은 재현부 이후에 감정적 절정을 배치하려 했다고 분석했다. 멘델스존은 이러한 문제를 해결하기 위해 형식적 요소의 균형을 변화 시키는 방식으로 접근했으며, 재현부를 단순한 반복이 아니라 조화적으로 변형하여 논리적인 흐름을 유지했다.
음악학자 리처드 타루스킨(Richard Taruskin)은 멘델스존이 일찍이 비범한 기량을 보였지만, 그의 스타일은 본질적으로 보수적이었다고 평가했다. 그는 "멘델스존은 혁신을 내세우기보다 이미 확립된 고전적 형식을 충실히 따랐으며, 그의 낭만주의는 비교적 전통적이고 객관적인 음악적 회화주의로 표현되었다"고 설명했다.
펠릭스 멘델스존 악기
그의 피아노 연주를 위해 멘델스존은 비엔나 피아노 제작자 콘래드 그라프의 악기를 사용했다. 1832 년에 그는 Aloys Fuchs 에게 그라프의 피아노를 사서 베를린에 있는 그의 부모 집으로 배달해달라고 요청했다. 멘델스존은 악기에 매우 만족하여 그라프에서 두 대의 피아노를 주문하기로 결정했다. 하나는 자신을 위한 것이고 다른 하나는 그의 형제의 신부를 위한 것이었다.
김진태 (만화가)
김진태(1968년 3월 8일 - )는 대한민국의 만화가이다.
김진태 (만화가) 활동
한국외국어대학교 스페인어과에 재학 중 학보에 4단만화 《외고집》을 연재했으며, 1988년 음악신문에 《음악기행》을 연재하면서 데뷔했다. 1989년 호산문화사 주최 주간만화 카툰 부문 신인상을 수상했다. 1990년 주간만화에 《스커트 밑의 극장》을 연재하면서 이름을 알리기 시작했고, 1991년 역시 주간만화에 연재한 《대한민국 황대장》으로 자기 스타일을 확립했다. 한국의 대표적인 개그만화가로 다양한 소재와 장르를 소화해내는 작가로 알려져 있다.
《음악기행》에서 음악을, 《스커트 밑의 극장》에서 속옷을, 《대한민국 황대장》에서 슈퍼히어로를 다루는 등 작품마다 변화무쌍한 소재를 채용하여 인지도를 넓혔고, 이후 같은 작품으로 공중파 코미디 프로그램 진출, 《시민쾌걸》로 스포츠신문 장기연재를 실현했다.
김진태 (만화가) 활동
슈퍼히어로(황대장 시리즈, 《시민쾌걸》, 《영웅열공전》), 조폭물(《굿모닝 보스》), 홈드라마(《하드보일드 뉴패밀리》), 미스터리 음모론(《보글보글》, 《2급비밀》), 직장 시트콤(《체리체리 gogo》, 《바나나걸》), 동물만화(《엔터 더 팻》), 의학 드라마 (《왕십리 종합병원》), 교도소 영화(《호텔 캘리포니아》), 사극(《사또 IN DA HAUS》) 등등 다양한 테마와 코드를 넘나들며 독특한 풍자와 웃음으로 인기를 모았다. 길창덕, 신문수, 윤승운을 잇는 한국 명랑만화의 마지막 계승자로, 작가 본인도 아동용 만화를 발표할 때는 '명랑 만화가'로 자기를 소개한다.
황가두, 마귀, 깍귀, 치타 선배 등 개성 넘치는 캐릭터들을 다수 배출했으며 작품 내용에 따라 이들 캐릭터를 전혀 다른 배역으로 다시 출연시켜 세계관을 이어 나가는 '김진태 월드'를 형성하고 있다. 개그작가이면서도 순간 순간 웃기는 것에만 주력하지 않고 긴 호흡속에 캐릭터들의 개성을 모두 살려내는 능력으로 평가받고 있다. 국내에서 본격적으로 패러디 만화를 개척한 선구자로 평가받기도 하지만 작가 본인은 '패러디란 극의 중간에 잠깐 삽입해 흐름을 부드럽게 해주거나 캐릭터를 유쾌하게 돋보이도록 해주는 역할로만 사용'하며, 패러디가 이야기의 흐름을 방해하는 것을 경계하고 있다.
김진태 (만화가) 대표작
제1권 - 1998년 10월 31일 / 제1화~제7화
제2권 - 1998년 10월 31일 / 제8화~제14화
제3권 - 1998년 12월 24일 / 제15화~제21화
제4권 - 1998년 12월 24일 / 제22화~제27화(제23화부터 《빅보물섬》으로 잡지명이 변경되었으며 월간으로 발행 형식 변경)
김진태 (만화가) 대표작
제5권 - 1999년 1월 29일 / 제28화~제34화(마지막회)
《대한민국 황대장》의 속편으로, 대한민국 황대장의 아들 신한국 황대장이 주인공이다. 성인만화였던 전편과는 달리 아동용 명랑만화로 기획된 작품.
연재 당시 SBS의 코미디 프로그램이었던 '웃으며 삽시다'에서 《정재환의 대한민국 황대장》이라는 코너로 각색되었으나 주인공 이름이 황대장이라는 것 말고는 공통점이 거의 없는데 이 코너 주인공 정재환은 91년 가을 SBS 이적 뒤《대한민국 황대장》등 MBC 시절 잘 하지 않던 콩트 코미디에만 집중 투입됐고 그 결과 함께 자리를 옮긴 KBS 출신의 최양락 이봉원 뿐 아니라 신동엽 홍록기 등 SBS에서 키운 신인들한테 밀려 용도폐기됐으며 《대한민국 황대장》 이후 MC로 전업했고 이 코너가 자신의 처음이자 마지막 슬랩스틱 코미디 출연작이 됐다. 해당 코너의 주제가 가사가 만화 극중에서 인용되었으며 '웃으며 삽시다'를 홍보하는 대사도 나왔다. 단행본 제4권에는 이 장면 아래에 '연재 당시에는 만날 수 있었으나 지금은 못 만납니다!'라는 안내문이 추가되었다.