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ボスニア・ヘルツェゴビナ議会
ボスニア・ヘルツェゴビナ議会（ボスニア・ヘルツェゴビナぎかい、ボスニア語: Parlamentarna skupština Bosne i Hercegovine、セルビア語: Парламентарна скупштина Босне и Херцеговине、クロアチア語: Parlamentarna skupština Bosne i Hercegovine）は、ボスニア・ヘルツェゴビナの立法府である。両院制で、上院にあたる民族院と、下院にあたる代議院で構成される。
民族院 (Dom naroda / Дом народа) 定数は15人。スルプスカ共和国国会により選出されたセルビア人議員5人、ボスニア・ヘルツェゴビナ連邦議会上院のボスニャク人連合により選出されたボスニャク人議員5人、ボスニア・ヘルツェゴビナ連邦議会上院のクロアチア人連合により選出されたクロアチア人議員5人というようにそれぞれの構成体の議会によって任命されている。
議会の前身に一院制であるボスニア・ヘルツェゴビナ議会とボスニア・ヘルツェゴビナ人民議会がある。
ガーゴイル・トゥルーパーズ
『ガーゴイル・トゥルーパーズ』（原題：Reign of the Gargoyles) は、2007年3月24日アメリカのSyfyで放映されたテレビ映画。
日本では劇場未公開で、2008年7月4日にオリジナルビデオとしてリリースされた。
東景宏島
東景宏島（ひがしけいこうとう、英語：Grierson Reef、ベトナム語：Đảo Sinh Tồn Đông / 島生存東、中国語：染青沙洲）は、南沙諸島にある砂洲のひとつである。
東景宏島 地理
ユニオン堆（英語：Union Banks、中国語: 九章群礁）と呼ばれる群礁に属し、牛軛礁（Whitsun Reef）の南端から西に3海里の位置にある。面積は0.12平方キロメートル。
東景宏島 領有問題
ベトナムが実効支配しているが、中華人民共和国、中華民国（台湾）、フィリピンも主権を主張している。1978年からベトナム軍が駐留している。
2014年2月3日には、この島の周辺海域で、中国海軍の艦艇が中国国旗と思われる赤い旗を立てたブイを海面に投入したが、ベトナム海軍に即時回収されるという事件が起きている。
東景宏島 脚注
座標: 北緯9度54分18秒 東経114度33分42秒﻿ / ﻿北緯9.90500度 東経114.56167度﻿ / 9.90500; 114.56167
モルドバ共和国議会
モルドバ共和国議会（モルドバきょうわこくぎかい、ルーマニア語: Parlamentul Republicii Moldova）は、モルドバの立法府である。
モルドバ共和国議会 議会構成
一院制で、大統領を選出する権限を有している。
4年。
101。
非拘束名簿式比例代表制。
テニスラケット
テニスラケット（英: tennis racket, tennis racquet、中: 网球拍）は、球技のテニスにおいて、選手がボールを打つために用いるラケット。硬式テニス用とソフトテニス用がある。
ラケットを意図的に損壊させるとペナルティを受ける ほか、
ストリング（ガット）の切れたラケットは使用禁止となっているトーナメントもある。
テニスラケット 歴史
かつてジュ・ド・ポームという競技においては、素手、素手に革紐、グローブ風、木の棒（1344年という説あり）という段階を経て、バトワール（battoir）と呼ばれる1枚板を削ったラケット状のものに達した。そして1550年頃、ガット張りラケットが生まれた。従来はボール同様にラケットの製造権もギルド組織の管理下に置かれ、ほうき・ブラシなどの製造業者が兼業していたことから生産数が少量だったとされ、ラケット製造業組合が独立したのは1550年頃といわれる）。その後も手作りの木製品が主流だったが、大量生産化され、炭素繊維製のものも登場した。
日本では、初期のローンテニスにおけるラケットのことを、バットとも呼んでいたといわれる。
1967年にスチール製、1968年にアルミ製、1974年に複合材のラケットが初登場したという説がある。
1976年にプリンス社は、ストリング面が110平方インチのテニスラケット「クラシック」を発表（1960年代前半までは木製で68平方インチとルール規定されていたといわれる）し、パム・シュライバーなどに愛用された。日本ではデカラケと呼ばれた。130平方インチや超大型サイズの137平方インチのものもあったという。
テニスラケット 歴史
その後、1987年に厚ラケ、1995年に長ラケ と呼ばれるジャンルのラケットも出現した。
素材も進化し、Wilsonが1999年に東レから供給を受けた高価で希少な「ハイパーカーボン」などがある。
2009年（平成21年）12月現在
ラケットのフレーム
ハンドルを含め，全長で73.66cmを超えてはいけない。→73.7cmを超えてはいけない。
全幅で31.75cmを超えてはいけない。→31.7cmを超えてはいけない。
ストリング面
全長で39.37cmを超えてはいけない。→39.4cmを超えてはいけない。
全幅で29.21cmを超えてはいけない。→29.2cmを超えてはいけない。
テニスラケット ストリング
ストリング（ストリングスとも呼ぶ）には素材で大きく分けて、ナチュラルガット（カットグットとも呼ぶ天然素材）、ナイロンシンセティックガット、ポリエステルガット の3種類がある。
現在のように縦糸と横糸を垂直に交差させているものは、古いものでは1583年製とされるラケットに見られる。それ以前では、横糸のみ斜めに張って交差点を結んでいるもの（1552年・シャルル9世が用いたとされるもの）などが見つかっている。
高体連が主催・主管している大会では、ストリングにステンシルが入っているラケットは使用禁止になっている（ヨネックスのyy、プリンスのP、バボラのダブルラインなど）。
ラケットに張られたストリング上で、打球時にとても有効な領域をスウィートスポット と呼ぶが、それは3種類（3ヶ所）あるという定義もある。
テニスラケット グリップ
日本で発売されているラケットのグリップの規格サイズは、1（G1）・2（G2）・3（G3）・4（G4）がある。オーバーグリップテープを巻いて調節する場合もある。
テニスラケット スロート
ヘッドとグリップの間の空間の事をスロート（喉の意味）と呼ばれる。材料の強度が上がったため、軽量化のためにスロートの開口部が広く出来るようになった。そのため、上級者の試合ではほとんどないが、初心者の試合ではボールがスロートにはまることがあるが、その場合ははまった側の失点やフォールト、ダブルフォールトなど失敗扱いになる。はまったボールは生きているわけでは無いので、そのラケットを相手コートに投げても得点やサーブ成功にはならない。。 スロートにボールがはまるリスクを減らすために、シングルシャフトと呼ばれるスロートの無いラケットを選ぶ場合がある。その場合、仮にスロートに相当する部分に当たっても失点などが発生しない利点があるが、ラケットのねじれが少なくなるため、芯が狭くなる欠点がある。
テニスラケット テニスラケット開発史
テニスラケットの技術革新は日進月歩であり、テクノロジー革命により軽く、頑丈なものに進化している。
ウッドから、スチールやグラスファイバー、チタンやカーボンなどの素材革命が進み、
レギュラーサイズから、デカラケ・厚ラケ・長ラケなどの形状革命など、
ラケットを構成するあらゆる要素に画期的な新テクノロジーを駆使した大きいのに軽量、かつ強く反発力のあるラケットが開発された。
20世紀・ウッドラケットの時代は68平方インチでシングルシャフト、フレーム重量380g程とかなり重く、スウィングスピードがないのでしなりを利用してボールを飛ばしていた。
戦後まもない1949年にWilsonジャック・クレイマー・オートグラフを誕生させた。このラケットは1981年まで30年以上のロングセラーであった。
フランスのラコステによって、1967年にスチール製フレーム素材のテニスラケットがWilsonT2000として開発されました。
1968年にアルミ製、1970年にウッド素材より柔らかいグラスファイバーが取り入れられたが、カーボンに比べて重かったため、フルグラスファイバーの時代は短く、
その後1974年にカーボンファイバー炭素繊維フレームが登場した。
テニスラケット テニスラケット開発史
カーボン製は形状をいろいろな形に製造しやすいことから、Princeが1976年世界初の大きいサイズのプリンスクラシックを開発した。
これまでの70平方インチを110平方インチフェイスに拡大し当時デカラケと呼ばれていた。考案したのは、HEAD創始者ハワード・ヘッドであった。
カーボンフレームによるLサイズラケットはテニス史上最大の革命的大転換だった。
1980年代前半ほんの数年でイノベーションが進んで、複合素材台頭し始めレギュラーからデカラケへと移行しウッド時代に終止符を打った。
1985年頃はデカラケの全盛時代であった。フェースがかなり大きいデカラケはボールも当たりやすいがスピンが掛けにくく、飛びすぎるデメリットのため、フェイス面積がデカラケより少し小さな100平方インチ前後のミッドラケットが主流になっていった。
その次にイノベーションとなったのが1987年のWilson Profileで当時厚ラケと呼ばれていた。1990年頃になりカーボン・グラファイトの特性を生かしワイドボディフレームの出現で、ラケット開発に革命を起こした。
ボールの弾きを決めるのはフレームの硬さで厚いラケットは、その分フレームが硬くしならないので、よくボールを弾く。ただ当初の厚ラケは飛び過ぎるものだったので、中厚ラケットが主流となった。
テニスラケット テニスラケット開発史
その後1995年の頃になりラケットの長さが１インチ長い28インチのロングボディラケットPrinceマイケルチャンGraphiteが登場し当時長ラケと呼ばれていた。
HEADがチタンラケット製造を開始。1997年にラケットに革新をもたらした素材チタンは衝撃や腐食、高温にも強い。
耐久力に優れ、このスポーツに最適な軽量で強度のある素材チタンをフレームに採用し中空構造で高い反発性を実現している。
Wilsonは1998年にチタンと比べ軽く4倍の強度と硬度を備え新素材ハイパー・カーボンを発表。
Wilsonは2000年グロメット部にローラー組み込んだローラー・テクノロジーを開発。
HEADはインテリファイバー素材を使ってインパクト時に生じる衝撃の機械的エネルギーを電気的エネルギーに変換しグリップに内蔵したコンピュータマイクロチップで10倍増幅を開発。
HEADが2003年に世界最先端のニューテクノロジーチタンに比べ３倍の弾力性と強度を合わせ持つ液体金属素材LIQUIDMETALシリーズを開発。
黄金スペックの起源はBabolaTピュアドライブで基本スペックである重量＝300g、フレーム厚＝25㎜、フェイス面積＝100平方インチと同じ組み合わせのモデルがメーカー各社から発表された。
テニスラケット テニスラケット開発史
Princeが2005年にグロメットレス新構造フレームは、フレーム上にストリングホールを巨大化させた穴を空けることでグロメットはなく、フレームにストリングを直接張ることにより
ストリング可動範囲は大きく広がり、スィートスポットの拡大を実現させた。結果、振り抜くときの空気抵抗を大幅に激減させ、スイングスピードのアップした。
Wilsonは2010年にニューテクノロジー新素材BASALT Fiberバサルトファイバーを採用ラケットを開発した。
HEADはINNEGRAファイバーをカーボンファイバーと複合、インネグラ・ハイブリッド・コンポジット複合構造IGを開発した。
BabolaTがコアテックスとウーファー・システムにタングステンを織り込んだGTテクノロジーを採用し革新技術アエロモジュラーフレームテクノロジーで強烈なスピン性能を達成した。
HEADは2013年に先進ニューテクノロジー世界最強最軽量の素材Graphineを実現した。
BabolaTが2014年にグリップ部分に搭載された内蔵センサーにより通信機能搭載しワイヤレス通信で端末によるグラフや数値での分析を可能とした。
ラケット・メーカー各社が最新ハイテクノロジーを駆使し激化した開発競争が続いてきた結果
フレーム・フェイス形状の大型化と共にハイパーカーボン、アルティマムチタンなど素材における軽量化も相次ぐようになったことから反発性能の大幅な向上が続いた。
これによりスピン量が増大しボールスピードが上昇した。
テニスラケット ラケットブランド
ラコステやプーマやヤマハのように、ラケット市場から撤退した企業もある。
なお、シャネル やポルシェデザイン もラケットを発売している。
日本では、明治30年代には国産品が既にあった。1960年前後には木製ラケット生産業者が多数あり輸出も行われていたが、次第に台湾そして中国へ、生産基地が移っていったという。
主なラケットブランド（右端の#は、メーカー公式サイト）
ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオ
ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオ（英: Walt Disney Animation Studios、略称: WDAS、ディズニー・アニメーション）は、ウォルト・ディズニー・カンパニー傘下のアメリカ合衆国のアニメーションスタジオであり、同社の長編および短編アニメーション映画を制作している。現在のスタジオロゴには、最初の同期音声アニメーション短編『蒸気船ウィリー』（1928年）の一場面が使用されている。創立は1923年10月16日で、兄弟のウォルト・ディズニーとロイ・O・ディズニーがラフ・オー・グラム・スタジオの閉鎖後に設立した。同スタジオは世界で最も長い歴史を持つアニメーションスタジオであり、現在はウォルト・ディズニー・スタジオの一部門として、カリフォルニア州バーバンクのウォルト・ディズニー・スタジオ・ロットにあるロイ・E・ディズニー・アニメーション・ビルディングを本拠としている。
設立以来、『白雪姫』（1937年）から『ウィッシュ』（2023年）までの62本の長編映画と、数百本の短編映画を制作している。
ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオ
1923年にディズニー・ブラザース・カートゥーン・スタジオとして設立され、1926年にウォルト・ディズニー・スタジオと改名、1929年にウォルト・ディズニー・プロダクションとして社名変更した後、1934年に長編映画の制作を開始し、1937年には世界初の長編アニメーション映画である『白雪姫』を公開した。1986年、大規模な企業再編の中で、唯一のアニメーションスタジオから国際的な複合企業に成長したウォルト・ディズニー・プロダクションは、他の部門と区別するためにウォルト・ディズニー・カンパニーに改称され、アニメーションスタジオはウォルト・ディズニー・フィーチャー・アニメーションとなった。現在の名称は、ピクサー・アニメーション・スタジオがディズニーに買収された後の2006年に採用された。
ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオ
多くの人にとって、ディズニー・アニメーションはアニメーションの代名詞であり、「一企業のやり方が、これほどまでに圧倒的なまでに芸術的な価値を確立したものは、他にはない」と言われている。ディズニー・アニメーションは、設立以来、アメリカのアニメーションスタジオの最高峰として認められ、「何十年もの間、長編アニメーションにおいて、誰もが認める世界のリーダー」であり、手描きアニメーションの定番となった多くの技術、手法、コンセプトを開発した。また、同スタジオはストーリーボードの手法を確立し、現在ではアニメーションと実写の両方の映画製作で使用される標準的な手法となっている。ミッキーマウス、ミニーマウス、ドナルドダック、デイジーダック、グーフィー、プルートといった短編アニメーションの主役たちは、今や誰もが知っている人気のキャラクターであり、ウォルト・ディズニー・カンパニーのマスコット的存在となっている。
同スタジオの映画『アナと雪の女王』（2013年）、『ズートピア』（2016年）、『アナと雪の女王2』（2019年）はすべて、歴代興行収入ベスト50に入っている。『アナと雪の女王2』は、歴代アニメーション映画で2番目に高い興行収入を記録した。また、任天堂とイルミネーションの『ザ・スーパーマリオブラザーズ・ムービー』（2023年）が公開されるまで、アニメーション映画として史上最高の世界オープニング興行収入を記録した。
2013年までに、同スタジオは手描きアニメーションの長編映画の制作を終了し、手描きアニメーション部門の大半を解雇していた。しかし、同スタジオは、将来の手描きによる長編プロジェクトについて、クリエイターからの提案に応じると述べている。さらに2022年4月には、同スタジオで1992年から長年手描きアニメーションを手がけてきたアニメーターの一人で、20世紀フォックス（現：20世紀スタジオ）でもいくつかのプロジェクトに携わっていたエリック・ゴールドバーグが、ディズニー・スタジオ内で再び手描きアニメーションを復活させることを認めた。
ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオ 歴史
ミズーリ州カンザスシティ出身のウォルト・ディズニーとロイ・O・ディズニーは、1923年10月16日にロサンゼルスにディズニー・ブラザース・カートゥーン・スタジオを設立し、アニメーションの世界で実写の子役を演じる無声の短編映画『アリス・コメディー』シリーズを制作してスタートさせた。
アリス・コメディーはマーガレット・J・ウィンクラーのウィンクラー・ピクチャーズによって配給され、ウィンクラー・ピクチャーズは後に、1927年からユニバーサル・ピクチャーズを通じて、ディズニー短編映画の第二作目、全編アニメーションの『オズワルド・ザ・ラッキーラビット』も配給するようになった。
カリフォルニアに移ったディズニー兄弟は、当初ロサンゼルスのロス・フェリズにあるキングスウェル通り4406番地の叔父ロバート・ディズニーのガレージで仕事を始め、1924年2月には、隣のキングスウェル通り4649番地に自分たちの事務所を構え、スタジオを移転した。1925年、ディズニーは近くのシルバーレイク地区にあるハイペリオン通り2719番地の新社屋を購入し、スタジオの他の場所と区別するためにハイペリオン・スタジオと呼ばれるようになり、1926年1月に移転してウォルト・ディズニー・スタジオと名乗るようになった。
ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオ 歴史
一方、最初の1年分のオズワルドが完成した後、ウォルト・ディズニーはウィンクラー映画との契約を更新しようとしたが、マーガレット・ウィンクラーと結婚して事業を引き継いだチャールズ・ミンツは、オズワルド短編1本に対する前払い金を低くするようディズニーに迫ろうとした。ディズニーはこれを拒否し、オズワルドの権利はディズニーではなくユニバーサルが所有していたため、ミンツはオズワルドのアニメーションを制作するために自分のアニメーションスタジオを設立した。ディズニーのスタッフのほとんどは、1928年半ばにディズニーのオズワルド契約が切れると、ミンツによって雇われ、移籍してきた。
残りのスタッフが残りのオズワルドの契約を終える間、ディズニーと彼のアニメーターの長であるアブ・アイワークスは、少数の忠実なスタッフを率いて、ディズニーと彼のアニメーターであるアブ・アイワークスは、残った数名のスタッフに密かに仕事をさせ、ミッキー・マウスという新しいキャラクターを主人公とするアニメを制作した。
ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオ 歴史
ミッキー・マウスの最初の2本のアニメーション「プレーン・クレイジー」と「ギャロッピン・ガウチョ」は、1928年の夏に極秘の試写会が行われた。しかし、3作目のミッキーの短編アニメーションは、音楽家のカール・スタリングと実業家のパット・パワーズと協力してサウンドトラックを制作し、彼はディズニーに自作した「シネフォン」の音声をフィルム上で流すという技術を提供する。その後、ミッキー・マウス・シリーズの3作目「蒸気船ウィリー」は、ディズニー初のシンクロサウンドを使ったアニメーションとなり、1928年11月にニューヨークのウエスト57番劇場で公開されると大ヒットを収めた。ミッキー・マウスの音入りアニメーションシリーズは、パワーズがセレブリティ・プロダクションを通じて配給し、瞬く間にアメリカで最も人気のあるアニメーションシリーズとなった。ディズニーの二つ目の短編アニメーションシリーズである、シリー・シンフォニーは、1929年に『骸骨の踊り』で始まった。
ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオ 歴史
1929年、ディズニーとパワーズの間で金銭的な問題が生じ、ディズニーのアニメーション制作会社は1929年12月16日にウォルト・ディズニー・プロダクションとして再法人化し、新たにコロンビア ピクチャーズと配給契約を締結した。パワーズはその見返りとしてアブ・アイワークスと契約し、彼は自分のスタジオでアニメーションを制作し始めたが、1940年にディズニーに復帰することになる。
コロンビアは、1932年にユナイテッド・アーティスツと新たな配給契約を結ぶまでの2年間、ディズニーの短編映画を配給した。同年、ディズニーはテクニカラーが新しい3色分解フィルムを使い、従来のカラーフィルムでは不可能だったフルカラーの再現を可能にする2年間の独占契約を締結した。その結果、全編テクニカラーで公開された最初の短編アニメーション映画として、シリー・シンフォニー・シリーズの「花と木」が完成した。『花と木』は大ヒットを収め、その後、すべての『シリー・シンフォニー』はテクニカラーで制作されるようになった。
ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオ 歴史
1930年代初頭までに、ウォルト・ディズニーは、アニメーション作品のヒットの秘訣が、観客の心を掴んで飽きないような、感情移入できるストーリーを語ることにかかっていることに気づき、ストーリー開発に専念するストーリーボード・アーティストを集めた「ストーリー部門」を新たに設立した。魅力的なキャラクターと面白いストーリーで、1933年のテクニカラーによるシリー・シンフォニーの「三匹の子ぶた」は、映画館で大ヒットし、社会現象にもなり、主題歌「狼なんかこわくない」は人気チャート入りするほどのヒットとなった。
ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオ 歴史
1934年、ウォルト・ディズニーは主要なスタッフ数名を集め、初の長編アニメーション映画の制作計画を発表した。「ディズニーの道楽」と揶揄されながらも、『白雪姫』の製作に取りかかり、テクニカラーによる世界初の長編アニメーション映画となった。「白雪姫」の制作には、多くの人材が育成され、スタジオも大きく拡張し、ベテランのアニメーターや他の分野のアーティスト、新卒のアニメーターがこの映画のためにスタジオに参加した。レス・クラーク、ノーム・ファーガソン、アート・バビットといったヘッドアニメーターが指導し、近くのシュイナード芸術学院の美術教師ドナルド・W・グラハムが教えるトレーニング教室は、1932年にスタジオで始まっていたが、オリエンテーショントレーニングや継続教育クラスへと大きく発展していったのである。グラハムとアニメーターたちは、この授業の中で、 手描きアニメーションの基本的な技術や使い方を学び、実践していった。『春の女神』（1934年）や『風車小屋のシンフォニー』（1937年）などのシリー・シンフォニーは、人間の動きを再現するアニメーション、特殊効果アニメーション、マルチプレーン・カメラの使用といった新技術の実験作品として、アニメーション作品の層を複数の平面に分割し、カメラがアニメーション・シーン中を立体的に動いているように見せるという発想を生んだ。
ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオ 歴史
『白雪姫』の完成には、当時としては高額な140万ドル（うちストーリー制作費だけで10万ドル）という莫大な費用をかけ、1937年にユナイテッド・アーティスツからディズニー作品の配給を引き継いだRKOラジオ・ピクチャーズが1938年2月に公開すると空前の大ヒットを記録した。2年後の『風と共に去りぬ』の空前の大ヒットを前に、この作品は短期間で史上最高の興行収入を記録し、初公開時の興行収入は800万ドル超、1999年のドル換算で147,082,740ドルに相当した。
『白雪姫』の制作中も、短編アニメーション『ミッキーマウス」と「シリー・シンフォニー』シリーズの制作は続いていた。ミッキーマウスは1935年にテクニカラーに変更され、その頃には、ミッキーの愛犬プルート、仲間のドナルドダックとグーフィーなど、脇役のキャラクターも増えていた。ドナルド、グーフィー、プルートは1940年までにそれぞれのシリーズに登場することになり、ドナルドダックのアニメーションはミッキーマウスシリーズをしのぐ人気となった.。7回のアカデミー賞を受賞した『シリー・シンフォニー』 は1939年に終了し、その後、いくつかの短編が改訂版や再上映版として劇場公開されるようになった。
ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオ 歴史
『白雪姫』のヒットにより、ディズニーはバーバンクのブエナビスタ通りに新しく大きなスタジオを建設することができ、現在もウォルト・ディズニー・カンパニーが本社を構えている。1940年4月2日、ウォルト・ディズニー・プロダクションは、ウォルト・ディズニーが社長兼会長、ロイ・ディズニーがCEOとして、新規株式公開を果たした。
スタジオは新作の長編アニメーション映画の製作に乗り出し、その第一弾が1940年2月に公開された『ピノキオ』である。『ピノキオ』は公開当初の興行成績は微妙だった。公開直後の興行収入は、「白雪姫」の空前の大ヒットとスタジオの期待を下回るものだった。この映画の製作費は『白雪姫』の2倍である228万9000ドルのうち、ディズニーが1940年後半までに回収したのは100万ドルにすぎず、スタジオの報告によると、この映画の当初の最終興行収入は140万ドルから190万ドルの間で幅があった。しかし、『ピノキオ』は、アカデミー賞の歌曲賞と作曲賞を受賞し、ディズニー映画として初めて、アカデミー賞を同時に受賞した作品となった。
ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオ 歴史
レオポルド・ストコフスキーの指揮によるオーケストラの演奏に合わせて制作された映画『ファンタジア』は、1940年11月にディズニーが一部の地域限定で公開した映画である。この映画の製作費は200万ドルで、興行収入では140万ドルを稼いだが、ファンタサウンドの導入に高額な費用（1館あたり85,000ドル）がかかったため、「ピノキオ」以上の赤字となった。RKOは1941年に『ファンタジア』の配給を引き継ぎ、その後、何年もかけて大幅に編集したものを再上映している。一方、「ファンタジア」は、1942年2月26日に2つのアカデミー名誉賞を受賞した。1つは、この映画の立体音響を実現した革新的なファンタサウンドシステムの開発、もう1つは、ストコフスキーとこの映画に対する彼の功績であった。
ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオ 歴史
これらの作品とその後の1970年代後半までのすべての長編作品のキャラクターアニメーションの多くは、ウォルト・ディズニーが「ナイン・オールドメン」と名づけたアニメーターの頭脳集団によって統括され、その多くはディズニー長編アニメーション映画の監督や後のプロデューサーも務めていたのである。フランク・トーマス、オリー・ジョンストン、ウルフガング・ライザーマン、レス・クラーク、ウォード・キンボール、エリック・ラーソン、ジョン・ラウンズベリー、ミルト・カール、マーク・デイヴィスの9人である。この時期のディズニーの他のヘッドアニメーターは、ノーム・ファーガソン、ビル・タイトラ、フレッド・ムーアなどである。長編アニメーション部門の発展により、ディズニー・スタジオにカースト制度が生まれた。経験の少ないアニメーターたち（と長編アニメーション担当の仕事の合間のアニメーターたち）が短編を担当し、ナイン・オールドメンのような地位の高いアニメーターが長編を担当した。ウォルト・ディズニーがアニメーターの手柄を横取りすることへの懸念、報酬をめぐる議論から、新人アニメーターやより地位の低いアニメーターの多くが、ディズニー・スタジオの組合結成を目指すようになった。
ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオ 歴史
1941年5月に始まった組合によるストライキは、同年7月と8月にウォルト・ディズニーが関与することなく解決された。ウォルト・ディズニー・プロダクションが組合組織を立ち上げていた頃、ウォルト・ディズニーとスタジオの従業員数名がアメリカ政府から中南米への親善旅行に参加した。ディズニー・ストライキとその影響で、アート・バビットやビル・タイトラといったトップレベルのアニメーターから、フランク・タシュリン、モーリス・ノーブル、ウォルト・ケリー、ビル・メレンデス、ジョン・ヒューベリーといったディズニースタジオ以外の作品でも有名なアーティストまで、多くのアニメーターのスタジオからの流出を招いた。ヒューベリーは、他のディズニー・スタジオでストライキを行った数人とともに、1950年代にディズニーのライバルとなったユナイテッド・プロダクション・オブ・アメリカ・スタジオを設立することになる。
ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオ 歴史
『ダンボ』は、アニメーターのストライキの最中に制作され、1941年10月に初公開され、ヒットを収めた。この作品は、『白雪姫』の半分、『ピノキオ』の3分の1以下、『ファンタジア』の5分の2の予算で、95万ドルの製作費で作られた。『ダンボ』は最終的に、初公開時に160万ドルの興行収入を記録した。1942年8月、『バンビ』が公開されたが、『ピノキオ』や『ファンタジア』と同様、興行成績は振るわなかった。170万ドルの予算のうち、興行収入は164万ドルであった。
ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオ 歴史
『バンビ』の公開後、長編アニメーションの制作は一時的に中断された。一部の長編映画の失敗と、第二次世界大戦で海外映画市場の多くが閉鎖されたことから、スタジオの融資先であるバンク・オブ・アメリカは、スタジオが一時的に短編映画の制作に限定する場合にのみ資金を融資するとした。そのため、当時製作中だった「ピーター・パン」「ふしぎの国のアリス」「わんわん物語」などの長編は、戦後まで見送られることになった。真珠湾攻撃で第二次世界大戦に突入したアメリカは、スタジオには500人以上のアメリカ軍兵士が集まり、近隣の航空機工場を敵の爆撃機から守る役割を担った。さらに、ディズニーのアニメーター数名が戦争に参加するために徴兵され、スタジオはアメリカ軍のあらゆる部門、特に軍事訓練や民間のプロパガンダ映画の制作を請け負うことになった。1942年から1943年にかけて、スタジオのアニメーション制作の95パーセントは軍の関係であった。戦争中、ディズニーは実写とアニメーションを融合したプロパガンダ映画『空軍力の勝利』（1943年）を制作し、1941年の親善旅行から生まれたラテン文化をテーマにした短編シリーズは、二つの長編映画『ラテン・アメリカの旅』（1942年）と『三人の騎士』（1944年）にまとめられた。
ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオ 歴史
『ラテン・アメリカの旅』は、1940年代にディズニーが発表した他のいくつかの「オムニバス映画」の雛形となった。短編アニメーションを中心に、アニメーションと実写を組み合わせた低予算の映画である。これらの作品は、『メイク・マイン・ミュージック』（1946）、『ファン・アンド・ファンシー・フリー』（1947）、『メロディ・タイム』（1948）、『イカボードとトード氏』（1949）である。また、『南部の唄』（1946年）と『わが心にかくも愛しき』（1948年）の2本の長編映画も製作され、実写とアニメーションを融合した映像で、物語を表現している。この時代にも短編の制作は続き、ドナルドダック、グーフィー、プルートを中心に、ミッキーマウス、フィガロ、1950年代にはチップとデール、ハンフリー・ザ・ベアが出演するアニメーションも制作された。
さらに、1944年の『白雪姫』、1945年の『ピノキオ』、1946年の『ファンタジア』の再公開を皮切りに、これまでの長編映画の再上映を開始した。これは、7年ごとにディズニー映画を再公開するという伝統につながり、1990年代まで続いた後、スタジオのビデオ化にも影響されることになった。
ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオ 歴史
1948年、ディズニーはシャルル・ペローの童話をもとにした長編アニメーション映画『シンデレラ』で、長編アニメーション映画の制作に復帰した。『白雪姫』の2倍の予算である300万ドル近くを投じ、スタジオの将来はこの映画のヒットにかかっていた。1950年に公開された『シンデレラ』は大ヒットを記録し、その利益によってディズニーは1950年代を通じて長編アニメーション映画の製作を続けることができた。その大ヒットを受けて、『ふしぎの国のアリス』、『ピーター・パン』、『わんわん物語』の製作が再開された。さらに、グリム童話をチャイコフスキーの名曲に乗せて『眠れる森の美女』をアニメーション映画化するという壮大な新プロジェクトが始まったが、完成までには約10年かかったという。
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1951年に公開された『ふしぎの国のアリス』は、興行的には微妙な結果に終わり、初公開時の批評家たちの期待を大きく裏切った。一方、1953年に公開された『ピーター・パン』は大ヒット作となり、その年の興行収入第6位を記録した。1955年に公開された『わんわん物語』は、『白雪姫』以来の大ヒットを記録し、1955年の北米興行で推定650万ドルの収入を獲得した。『わんわん物語』は、ディズニー初のワイドスクリーン長編アニメーションとして、シネマスコープ方式で制作され、ディズニーが自ら設立した配給会社ブエナ・ビスタ・ディストリビューションから公開された初の長編アニメーション映画であった。
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1950年代半ばになると、ウォルト・ディズニーの関心は主に実写映画、テレビ、ディズニーランドのテーマパークといった新しい試みに向けられ、アニメーション映画の制作は主にアニメーターと監督のトップからなる「ナインオールドメン」の手に委ねられることになった。そのため、『眠れる森の美女』の制作中、何度も確認が遅れ、1959年にようやく公開されることになった。この作品は、画家のアイヴァンド・アールが考案した重厚なアートスタイルで制作され、大型のスーパーテクニラマ70と6チャンネルの立体音響で上映され、600万ドルというディズニーで最も高額な映画となった。しかし、『白雪姫』以来、スタジオで最も高い予算で制作された長編アニメーションであったにもかかわらず、この映画の多額の制作費とディズニーの他の1959年の作品の興行成績不振により、スタジオは1960年度に10年ぶりの年間赤字を計上し、スタジオ全体で大規模な人員削減を余儀なくされることとなった。
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10年の終わりには、ディズニーの短編映画は定期的に制作されなくなり、短編部門の担当者の多くは会社を去るか、『ミッキーマウス・クラブ』や『ディズニーランド』などのディズニーテレビ番組に異動することになったのである。1930年代にはシリー・シンフォニーズがアカデミー短編アニメ賞を独占していたが、MGMのトムとジェリー、ワーナー・ブラザースのルーニー・テューンズとメリー・メロディーズ、画一的な作風とスタイリッシュなアニメーション技術が古いディズニーのスタイルに代わるよりモダンなものとして賞賛されたユナイテッド・プロダクション・オブ・アメリカ (UPA) の作品によって最多受賞の座を追われることになったのである。1950年代には、ディズニーの短編のうち、スタイリッシュな『プカドン交響楽』のみがアカデミー賞短編アニメ賞を受賞した。
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ミッキーマウス、プルート、グーフィーの短編は1953年までにすべての制作が終了したが、ドナルドダックとハンフリーは継続し、1956年に短編部門が閉鎖されるまでワイドスクリーンシネスコープに変更された。その後、1969年までに、すべての短編映画は長編映画部門が制作した。アニメーション黄金時代の最後のディズニー短編作品は『トリはタフなり』であった。この時点からディズニーの短編は不定期にしか制作されなくなり、後の代表的な短編には『ミッキーのアルバイトは危機一髪』（1995年、ミッキーマウス主演）、『紙ひこうき』（2012年）などがある。
1959年のレイオフや、拡大した実写映画、テレビ、テーマパーク部門との競争にもかかわらず、長編アニメーション作品の制作は縮小したレベルで継続された。
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1961年、スタジオは『101匹わんちゃん』を発表し、従来のアニメーションのセル画にインクやペイントを施す工程でゼログラフィーを使用することを一般に広めた。ゼログラフィーは、紙の絵をトレースするのではなく、光化学的にアニメーションの絵を最終的なアニメーション制作に使われる透明なアセテートシート（「セル」）に転写することができる。その結果、アニメーターが描いた線がスクラッチで表現され、1980年代のディズニー映画を代表するアートスタイルとなった。この映画は、1961年の映画の中で10番目に高い興行収入となる640万ドルの収入を記録し、大ヒットを収めた。
1932年にスタジオで始まったディズニーアニメーションのトレーニングプログラムは、『白雪姫』の製作によって、ウォルト・ディズニーがカリフォルニア芸術大学（CalArts）の設立に協力することになった。この大学は、シュイナード芸術学院とロサンゼルス音楽院が合併してできたものである。ディズニーが開発したアニメーションのプログラムも学位取得の対象に含まれていた。1970年代から現在に至るまで、ディズニーをはじめとするアニメーションスタジオで活躍する多くのアニメーターたちの母校となった。
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1963年に公開された『王様の剣』は、北米でその年の第6位の興行収入を記録し、推定興行収入は475万ドルとなった。1966年には、A・A・ミルンの『クマのプーさん』の物語を短編映画化した『プーさんとはちみつ』が公開され、その後数年にわたりプーさんの短編映画が作られ、1977年には短編をまとめた長編映画『くまのプーさん 完全保存版』が公開された。
ウォルト・ディズニーが亡くなったのは1966年12月で、スタジオの次回作『ジャングル・ブック』が完成・公開される10ヶ月前だった。この映画は大ヒットを収め、1967年の年間興行収入第4位となった。
ウォルト・ディズニーの死後、ウルフガング・ライザーマンが製作兼監督として長編映画を作り続けた。ディズニーの悪役をソフトにしたのはライザーマンであり、その後の20年間で、ディズニーの悪役はほとんどすべて、怖いというよりコミカルか情けないキャラクターになった 。ライザーマンの主な優先事項は、スタジオが利益を上げ続けることであり、その目的のために、彼は家族向けの映画を作ることの重要性を強調した。アンドレアス・デジャによれば、ライザーマンは「子供たちを失えば、すべてを失う」と言ったという 。
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1970年代は、ウォルト・ディズニーが最後のプロジェクト作品として製作した『おしゃれキャット』の公開によって始まった。1971年、スタジオの共同創設者であるロイ・O・ディズニーが亡くなり、ウォルト・ディズニー・プロダクションはドン・テイタムとカード・ウォーカーの手に委ねられ、1978年まで会長とCEOが交互に重なることになった。次の長編『ロビン・フッド』（1973年）は、大幅に削減された予算と、これまでの長編から再利用されたアニメーションで制作された。『おしゃれキャット』と『ロビン・フッド』は、共にヒット作にはならなかったが、高い評価を得た。
1977年に公開された『ビアンカの大冒険』は、前2作を上回る大ヒットを記録した。高い評価を受け、興行収入も高く、アカデミー賞にもノミネートされたこの作品は、その年の第3位の興行収入となり、『ジャングル・ブック』以来、最もヒットし、名作といわれたディズニー・アニメーション映画となった。この映画は1983年に再公開され、新作の「ミッキーのクリスマスキャロル」が同時上映となった。
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『ビアンカの大冒険』は、ディズニー・アニメーション・スタジオの世代交代を告げる作品だった。ミルト・カールやレス・クラークといったベテランが引退し、ドン・ブルース、ロン・クレメンツ、ジョン・マスカー、グレン・キーンといった新しい才能に次々と入れ替わっていたのである。エリック・ラーソン、フランク・トーマス、オリー・ジョンストン、ウルフガング・ライザーマンらの指導を受けたカルフォルニア芸術大学のアニメーション学科出身の新人アニメーターたちは、ブルースが監督した実写とアニメーションのハイブリッド作品『ピートとドラゴン』（1977年）のアニメーションで初めて自分たちの才能を発揮する機会を得たのである。1979年9月、ディズニーのアニメーション技術が停滞していることに不満を感じたブルースは、他の新鋭アニメーターたちと共に、自分たちのスタジオ「ドン・ブルース・プロダクション」を立ち上げたが、これは1980年代のアニメーション界でディズニーの最大のライバルとなる。
ブルース一派の離反により半年遅れで、4年の製作期間を経て1981年年に公開されたのが『きつねと猟犬』である。この作品はスタジオにとって興行収入面でヒットしたと見なされ、ロイド・アレキサンダーの小説『プリデイン物語』シリーズをスーパーテクニラマ70で製作するという長年の夢だった『コルドロン』の製作が継続された。
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「コルドロン」は、ディズニー・アニメーションの魅力を幅広く伝えるとともに、カルアーツ出身の新しい世代のディズニー・アニメーターの才能を紹介することを目的としていた。キーン、マスカー、クレメンツ以外にもアンドレアス・デジャ、マイク・ガブリエル、ジョン・ラセター、ブラッド・バード、ティム・バートンなど、この新世代のアーティストたちは有望なアニメーターたちであった。ラセターは、1983年にディズニーにCGアニメーション制作を推し進めたことで解雇されたが、その後、CGアニメーションのパイオニアであるピクサーのクリエイティブ・ヘッドに就任し、1980年代後半からディズニーと密接な関係を持つことになる。同様に、バートンは、スタジオがお蔵入りにした実写短編映画『フランケンウィニー』を制作した後、1984年に解雇されたが、その後、ディズニーや他のスタジオで実写やストップモーションの長編映画のプロデューサーや兼監督として注目を集めるようになった。バートンがディズニーで手がけた話題作には、ストップモーション映画『ナイトメアー・ビフォア・クリスマス』（1993年）、実写版『アリス・イン・ワンダーランド』（2010年）、ストップモーションによるリメイク版『フランケンウィニー』（2012年）などがある。また、バードは、ディズニーの上層部がアニメーションのリスクを取らず、安全策をとっていると批判し、同社に勤務して数年で解雇されている。その後、ワーナー・ブラザース・アニメーションやピクサーなど、他のスタジオでアニメーション映画の監督を務めるようになる。
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ウォルト・ディズニーの義理の息子であるロン・ミラーは、1980年にウォルト・ディズニー・プロダクションの社長に、1983年にCEOに就任した。同年、映画とテレビの制作部門を拡大し、ウォルト・ディズニー・ピクチャーズというブランドを立ち上げて、長編アニメーション部門の作品を将来的に公開することになった。
1984年、乗っ取り騒動が相次いだ後、ロイ・O・ディズニーの息子でウォルトの甥にあたるロイ・E・ディズニーが取締役を辞任し、「セーブ・ディズニー」という署名活動を行い、取締役会にミラーを解任するよう働きかけ、功を奏した。ロイ・E・ディズニーは、マイケル・アイズナーを新CEOに、フランク・ウェルズを社長に迎えた。アイズナーは、映画部門であるウォルト・ディズニー・スタジオの会長にジェフリー・カッツェンバーグを任命した。アイズナー体制になり、完成間近だった『コルドロン』（1985年）は、後にディズニー・アニメーションの「最低」と呼ばれることになる作品である。4400万ドルというスタジオで最も高額な長編アニメーション映画であった『コルドロン』は、評価は低く、興行収入も伸びなかった。この映画の興行収入は2100万ドルで、スタジオは赤字になり、アニメーション部門の将来が危ぶまれることになった。
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1950年代から1980年代にかけて、ディズニーがさらに実写映画制作、テレビ、テーマパークに進出したため、アニメーションの収益における重要性は著しく低下した。新CEOに就任したマイケル・アイズナーは、長編アニメーションスタジオを閉鎖し、今後のアニメーションを外部委託することを強く考えた。ロイ・E・ディズニーが仲裁に入り長編アニメーション部門の責任者として、その経営を立て直すことを提案し、一方アイズナーは、テレビ用の低コストのアニメーションを制作するために、ウォルト・ディズニー・ピクチャーズ・テレビジョン・アニメーション・グループを設立したのである。アイズナーによって長編アニメーションの会長に指名されたロイ・E・ディズニーは、1985年に日々の運営を行うためにピーター・シュナイダーをアニメーション部門の社長に任命した。
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1986年2月6日、ディズニーの幹部はアニメーション部門をバーバンクのディズニースタジオの敷地から、約2マイル東（3.2キロメートル）、カリフォルニア州グレンデール近くのフラワーストリート1420にある様々な倉庫、格納庫、トレーラーに移転した。約1年後、成長著しいCG部門もそこに移転することになる。アニメーション部門の新拠点で初めて手がけた長編アニメーションは、『コルドロン』の制作を終えたジョン・マスカーとロン・クレメンツがベイカー街のバジルを基に制作をした作品『オリビアちゃんの大冒険』（1986年）である。この作品は評価も高く、興行成績も上々で、アニメーションスタジオの幹部の信頼を持たせることができた。しかし同年末、ユニバーサル・ピクチャーズとスティーヴン・スピルバーグのアンブリン・エンターテインメントが公開したドン・ブルースの『アメリカ物語』は、『オリビアちゃんの大冒険』を上回る興行収入を上げ、これまでのアニメーション映画としては史上初の興行収入となった。
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カッツェンバーグ、シュナイダー、ロイ・ディズニーの3人は、スタジオの構造を変えるべく、人材と制作量を増やし、2年から4年に1本だった新作アニメーションを毎年公開するようにした。ビリー・ジョエルやベット・ミドラーをはじめとする豪華キャストを起用し、モダンポップな音楽を取り入れた『オリバー ニューヨーク子猫ものがたり』（1988年）がその第一作目として製作された。『オリバー ニューヨーク子猫ものがたり』は、同じくブルース／アンブリン／ユニバーサルのアニメーション映画『リトルフットの大冒険/謎の恐竜大陸』と同日に公開されたが、『オリバー ニューヨーク子猫ものがたり』は全米で『リトルフットの大冒険/謎の恐竜大陸』を上回り、その時点で全米で最もヒットしたアニメーション映画となったが、全世界での興行収入はリトルフットが上回っている。
同時に1988年、ディズニーはハンナ・バーベラのオーストラリア・スタジオを買収し、ディズニー・アニメーション・オーストラリアを設立し、オーストラリアで長年続いてきたアニメーション産業への進出を開始した。
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『オリバー ニューヨーク子猫ものがたり』と次回作『リトル・マーメイド』が製作される一方で、ディズニーはスティーヴン・スピルバーグのアンブリン・エンターテイメントとアニメーターのリチャード・ウィリアムズと共同で、他のスタジオ（ワーナー・ブラザース、MGM、ユニバーサルなど）から提供されたアニメキャラクターを登場させた画期的な実写とアニメーションのハイブリッド作品『ロジャー・ラビット』をロバート・ゼメキスが監督した。ディズニーは、『ロジャー・ラビット』のキャラクターを制作するために、ウィリアムズの指揮の下、ロンドンに新しいアニメーションスタジオを設立し、カリフォルニアのスタジオから多くのアーティストがこの映画の制作のためにイギリスに赴いた。アカデミー賞で3つの部門に輝き、アメリカのアニメーション業界における注目を再び集めることになった。この映画以外に、スタジオは1980年代後半から1990年代前半にかけて、3本の『ロジャー・ラビット』の短編を制作した。
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1989年には二つ目の拠点スタジオとして、ウォルト・ディズニー・フィーチャー・アニメーション・フロリダが40名のスタッフで開設された。フロリダ州ベイレイクのウォルト・ディズニー・ワールドにあるテーマパーク、ディズニー・MGM・スタジオ内に事務所を構え、見学者はスタジオを訪れ、アニメーターの仕事を見ることができた。同年に公開された『リトル・マーメイド』は、批評家からは絶賛され、興業面でも過去数十年で最大のヒットを記録し、ディズニーの歴史に残る大きな功績となった。『リトル・マーメイド』は、『オリビアちゃんの大冒険』の共同監督であったジョン・マスカーとロン・クレメンツが監督を務め、北米の興行収入が8400万ドルとなり、スタジオにとって最高記録となった。この映画は、ブロードウェイの作曲家であるアラン・メンケンとハワード・アシュマンによる楽曲を中心に構成されており、また、彼らはこの映画の共同プロデューサーでありストーリーコンサルタントでもあった。『リトル・マーメイド』は、アカデミー賞で作曲賞と歌曲賞の2部門を受賞した。
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『リトル・マーメイド』は、アニメーションにミュージカル映画という新たな分野を開拓するきっかけとなった。また、この作品はディズニーのコンピューター・アニメーション・プロダクション・システム（CAPS）を初めて使用した作品でもある。
CAPSは、コンピュータ・アニメーションの開発会社であったピクサーがディズニーのために開発したもので、後のディズニー映画において、デジタル・インク＆ペイントやデジタル合成によって、コンピューター・グラフィックスをより円滑に組み込み、優れた作品作りを可能にする重要なものとなった。ウォルト・ディズニー・フィーチャー・アニメーションがその後10年間に渡って公開した大ヒット作の最初の作品であり、後にディズニー・ルネサンスと呼ばれる時代となった。ルネサンス時代には、スタジオはウォルト・ディズニーが生きていた頃のように、よりダークなテーマやより怖い悪役の映画を作るようになった。
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ミッキー・マウスが登場する『ミッキーの王子と少年』の同時上映作品『ビアンカの大冒険 ゴールデン・イーグルを救え!』（1990年）はディズニー初の長編アニメーション映画の続編であり、スタジオ初のCAPS/インク&ペイントシステムによるコンピュータによるデジタルペイントとデジタル合成で作られた映画である。しかし、この映画は『リトル・マーメイド』のようなヒットを記録することはできなかった。次の長編アニメーション映画『美女と野獣』は、ロンドンで制作が開始されたが、ディズニーがロンドンのスタジオを閉鎖し、『リトル・マーメイド』に続くミュージカル・コメディの形式に作り替えることを決めたため、バーバンクに移された。アラン・メンケンとハワード・アシュマンが作詞と作曲を担当したが、アシュマンは製作が完成する前に亡くなっている。
カーク・ワイズとゲイリー・トゥルースデイルが監督した『美女と野獣』は、1991年のニューヨーク映画祭でワークインプログレス版として初公開され、高評価を得て空前の大ヒットとなり、後にこのスタジオの最高傑作と評されることになる。アカデミー賞では6部門にノミネートされ、そのうち1部門はアニメーション映画としては初めて作品賞にノミネートされ、歌曲賞と作曲賞も受賞した。1億4500万ドルの興行収入は新記録となり、おもちゃやキャンペーン、サウンドトラックなどの関連商品も好調に売れた。
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『リトル・マーメイド』と『美女と野獣』のヒットにより、1990年代のディズニー作品の代表作となった。ブロードウェイ調の歌とテンポの良いアクション、宣伝効果の高いマーケティングと関連商品、あらゆる年齢層の観客を映画館に呼び込むために考え抜かれたミュージカルコメディー作品である。ジョン・マスカー、ロン・クレメンツ、カーク・ワイズ、ゲイリー・トゥルースデイルに加え、ストーリーアーティスト兼監督のロジャー・アレーズ、ロブ・ミンコフ、クリス・サンダース、ブレンダ・チャップマン、リードアニメーターのグレン・キーン、アンドレアス・デジャ、エリック・ゴールドバーグ、ニク・ラニエリ、ウィル・フィンなどの新鋭アーティストがこれらの映画を制作した。
1992年11月に公開された『アラジン』は、ディズニーのアニメーションのヒットで上向きになっており、全世界で5億400万ドルの興行収入を記録し、さらに歌曲賞と作曲賞の2部門でアカデミー賞を受賞した。メンケン、アシュマン、ティム・ライス（アシュマンの死後、彼の後任）が曲を収録し、ロビン・ウィリアムズが声を担当した『アラジン』は、ディズニーキャラクターの声を有名俳優や女優が担当するというトレンドを確立し、『ジャングル・ブック』『オリバー ニューヨーク子猫ものがたり』である程度実現されていたが、今では一般化された方法を確立したとも言える。
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1994年6月、ディズニーはロジャー・アラーズとロブ・ミンコフが監督した『ライオン・キング』を公開した。アフリカを舞台にした動物だけの物語で、ジェームズ・アール・ジョーンズ、マシュー・ブロデリック、ジェレミー・アイアンズといった豪華な声優陣を起用し、ティム・ライスとポップスターのエルトン・ジョンが歌を担当した。『ライオン・キング』は全世界で7億6,800万ドルの興行収入を記録し、これは手描きアニメーション映画としては現在までの最高記録であり、さらに関連商品、プロモーション、サウンドトラックの売り上げで数百万ドルを稼ぎ出している。
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『アラジン』と『ライオン・キング』は、それぞれの公開年において、世界最高の興行収入を記録した作品である。2つの作品を制作している合間に、ディズニーはアニメーションの手法を多様化し、元ディズニーのアニメーター、ティム・バートンを起用して「ナイトメアー・ビフォア・クリスマス」を制作し、ウォルト・ディズニー・フィーチャー・アニメーションは、この映画の手描きアニメーションによる特殊効果を担当した。アニメーションが再びディズニーのビジネスの重要な部分を占めるようになり、同社は事業の拡大を開始した。カリフォルニアのスタジオは2つのユニットに分かれて拡張され、バーバンクのメインディズニーランドに隣接する新しいディズニー・フィーチャー・アニメーションのビルが起工され、1995年に竣工した。1992年に正式に法人化されたフロリダにあるスタジオも拡張され、フランス・パリ郊外のモントルイユにあるディズニーテレビジョンアニメーションスタジオのひとつ、旧ブリッツィ・ブラザーズのスタジオはウォルト・ディズニー・フィーチャー・アニメーション・パリとなり、『グーフィー・ムービー ホリデーは最高!!』（1995年）やその後のディズニー作品のかなりの部分が制作された。また、テレビアニメーションのスタジオを利用してディズニー・ムービートゥーンズというブランドで、大ヒットしたアニメーション映画の続編を低予算のOVAとして制作した。『アラジン』の続編で、『アラジン』のテレビシリーズのパイロット版となった『アラジン ジャファーの逆襲』（1994年）は、最初の作品であった。ウォルト・ディズニー・フィーチャー・アニメーションは、1994年の『美女と野獣』と1997年の『ライオンキング』のブロードウェイミュージカル化にも大きく関わっている。