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札幌市交通局3000形電車 車体・車内
設計のベースは東西線用6000形となり、2000形の特殊な2車体7軸構造からボギー台車による2車体連接構造、平行カルダン駆動に変更された。同じくゴムタイヤ式であるフランス・パリのメトロやメキシコシティ地下鉄の車両とは異なり、札幌方式では急曲線もゴムタイヤのみで走行するため、左右輪の回転数の差を吸収する仕組みが必要となるが、本形式では台車に架装された2基の主電動機を左用と右用として使い分けることで差動装置を不要としており、それぞれの電動機から平歯車で前後の車輪を駆動している。
空気圧縮機には、C2000M形を採用したが、平成2年(1990年)製の305編成では、C2000L形を採用していて301～304編成のとは異なっている、いずれも三菱電機製となっている。
1車体の長さは2000形に合わせて13.5m、客用扉は両開き片側2扉、編成は8両編成、主回路制御方式は6000形と同じ電機子チョッパ制御を採用する。6000形と同様に、乗降促進ブザー音を備えている。第1編成は6000形に近い音色のブザーであったが、第2編成以降は別の音色とされ、以後に増備された車両はすべてこのブザー音に準じている。なお、バリアフリー法に準じた個別ドアへの視覚障害者向けドアチャイムは最後まで設置されなかった。
札幌市交通局3000形電車 車体・車内
車内の化粧板は6000形のように市内名所のイラストなどは描かれておらず、薔薇が描かれた暖色系のものを用いている。車両間の貫通路は2000形と異なり、すべて6000形に準じた六角形とされた。吊り革は従来通り三角形で6000形同様のカバーなしタイプである。両先頭車1番または16番ドアから運転席にかけてのスペースが2000形よりも短くなったため、着席人員は減少している。
1995年から導入された5000形とは客用扉の位置と数が異なるため（3000形：片側16ヶ所　5000形：同24ヶ所）、各駅ホームの乗車位置表示は色分けされ、緑色が3000形、青色が5000形のものである。接近時には2駅前発車の時点で「緑色の乗車位置でお待ち下さい」と放送およびLED案内装置の案内が入る（両端の終点駅だけは例外で、真駒内駅は前駅の自衛隊前駅発車後、麻生駅は2番ホームからの回送後に案内が入る）。
なおこの乗車位置の色分けと案内放送は、3000形の運用離脱後にホームドア設置に併せ無くなった。
札幌市交通局3000形電車 製造
全車が川崎重工業で製造された。
札幌市営地下鉄の車両では最も製造数が少ない形式であった。
編成および電動車(M)と付随車(T)の配置は、以下の通り。
なお、本系列登場後に札幌市電の3300形が登場しており、3301～3305の番号は3300形と重複している。（札幌市電3300形も5両が製造された）
札幌市交通局3000形電車 改造
第1編成落成時点では正面の塗装が窓の周囲を除いて側面帯と同じ濃緑に塗り分けられていたが、量産車と同様の淡緑1色に変更され、側面の帯も塗り直された。
2003年にLED式行先表示器が設置（02編成のみ）され、車内放送も自動化（02 - 05編成）された。また、すべての連結部に転落防止用外幌が備え付けられた。
2007年7月にはすべての客用ドアに号車とドア位置を示す点字プレートが貼付された。その時点では札幌市営地下鉄唯一の8両編成だったため「8号車」のプレートを見ることができた。
札幌市交通局3000形電車 廃車
老朽化および将来の可動式ホーム柵設置・ワンマン運転化を控え、2012年3月25日をもって、全編成が運用離脱した。これにより、南北線の営業車両は5000形に統一された。
那良口駅
那良口駅（ならぐちえき）は、熊本県球磨郡球磨村大字三ケ浦那良口にある、九州旅客鉄道（JR九州）肥薩線の駅である。
那良口駅 駅構造
単式ホーム1面1線を有する地上駅。コンクリート製の簡易駅舎が置かれている。
当駅は周囲の山々から伐採した木材を積み出すための貨物駅として開業したため、貨物取扱を行っていた頃は有人駅で駅構内に数本の貨物側線と木材積み込み用ホームが設けられていた。貨物取扱廃止後に全て撤去されたが、現在でも構内には当時の側線跡地が残っている。
肥薩線の復旧へ向けて、利用の少ない駅の廃止を含めた駅配置の適正化をJR九州が求めたことから本駅の廃止が浮上し、2025年3月25日、熊本県や沿線自治体から形成される「JR肥薩線再生協議会」は「駅を拠点とした観光振興なども見込めない」と結論づけ、本駅の廃止を含めた復興計画案が合意に達した。
那良口駅 駅周辺
駅前は何もない山間の駅であるが、当駅から約200メートル東へ行った那良川沿いには集落があり、集落内の那良口橋の袂には産交バスの那良口バス停がある。
那良口駅 隣の駅
九州旅客鉄道（JR九州）
■肥薩線
一勝地駅 - 那良口駅 - 渡駅
アングラ・レコード・クラブ
アングラ・レコード・クラブ（通称: URC）は、1969年1月に秦政明が設立した会員制レコードクラブ。現在は会員制クラブとしての活動は行っておらず、販売権を持つポニーキャニオンが過去のレコードをCDとして復刻、販売している。「日本で最初のインディーズレーベル」と言われる事もある。
※同じく「URC」と略されることがある「ウラワ・ロックンロール・センター」とは無関係。
アングラ・レコード・クラブ 歴史
当時フォークシーンで盛んになっていた政治を批判する歌詞のプロテスタントソングや反戦歌、差別用語や卑猥な言葉等放送禁止用語が含まれるなど歌詞に問題があったり、放送するに相応しくないという理由でメジャーで発売できない楽曲を自主制作で発売するために設立された。更にフォークソング世代で、自身もURCからアルバム「葛飾にバッタを見た」を発売し、日本のフォークソングについて記した「日本フォーク私的大全」の著者でもあるなぎら健壱によると「当時の大手のレコード会社は「あんなもん売れるはずないじゃないか。小汚ない格好してギター抱えギターのチューニングなんてどうでも良い(当時のギターの弦が合いにくかった。)」と楽観視していた」と歌詞以外に自主製作でしかフォークソングのレコードを出せなかった理由を語っている。つまり、当時の大手のレコード会社は採算が取れないであろうフォークソングを下に見ていたと分かる。
下記は、フォーク専門誌『うたうたうた〜フォーク・リポート』（アート音楽出版・発行）誌上で紹介された、アングラ・レコード・クラブ設立の意図と会員の募集内容である。
アングラ・レコード・クラブ 歴史
［アングラ・レコード・クラブとは］私達は、現状では日本のレコード界は民衆への音楽文化の一方通行の役割しか果たしていないと考えます。民衆の中から生れ、民衆自身がつくり出したすぐれた歌が数多くあるにもかかわらず、さまざまな制約から、商業ベースにのりうる歌や、歌い手はそのごく一部です。そこで私達は、すぐれてはいても商業ベースにのり得ないものを集めて、私達自身の手でレコード化し、クラブ会員のみを対象として、レコードを製作配布します。［会員募集のお知らせ］一．レコードの配布は、一回につきLP一枚、シングル二枚。二月、四月、六月、八月、十月の各月末。二．収録予定の歌い手は、五つの赤い風船、中川五郎、高田渡、遠藤賢司、ジ・アップルズなど多数交渉中。会員の中からのご推薦もお待ちしております。三．入会申し込みは、一、二回分の会費四千円を同封の上、アングラ・レコード・クラブまで申し込みください。
アングラ・レコード・クラブ 歴史
上述のように、当初は会員制の通信販売のみで、こうした呼びかけをコンサート会場でも行っていた。そして、会費を納めた会員にレコードを送るというシステムだったが、1000名の募集人数を大幅に超える会員希望者が殺到。募集人数を2000名に拡大したがそれでも入会希望者が後を絶たず、わずか半年で全国140のレコード店と、流通は通さない販売契約が成立し、会員クラブから正式にインディーズのレコード会社「URCレコード」として発足した。市販第一号LPは、1969年8月 (1969-08)に販売された岡林信康の『わたしを断罪せよ 岡林信康フォーク・アルバム第一集』。
この時、会員制時代に会員に配布した作品も市販化したことで、コレクター心理丸出しで「（コレクターアイテムとして）価値が下がる」とクレームを付ける会員もいたようである。
フォークソングのレコードが売れブームになると、フォークソングのレコードなんかが売るはずがないと楽観視していた大手のレコード会社が「フォークのレコードは売れるぞ」と見方を変え、次々にフォーク系のレーベルを立ち上げるようになり、URC所属者も次々に大手に引き抜かれて大手のレーベル所属になる。
アングラ・レコード・クラブ 歴史
その後URCの規模縮小の際に販売を旧エレックレコードに委託した。エレック倒産後は、東宝レコードとアンダーグラウンド・ディスク・センター（UDC）へと販売を委託するも、時代背景的に放送や発売に相応しくないような楽曲を歌うシンガーが減って行った事もあり、多くのミュージシャンは大手のレコード会社に移籍。制作数は激減し、70年代終わりに活動を停止。その後、SMS（渡辺プロダクション系列）から復刻されたのを始めに、キティレコード→東芝EMI→エイベックスと発売元も変化していった。エイベックスは一時アマゾンと提携し、アマゾンのサイト上で再発予定の諸作品のリクエストを募っていた。一定数のリクエストが集まった時点で再発を決定し、アマゾンで限定販売を行っていた。
現在は原盤権をシンコー・ミュージックが取得し、販売権をポニーキャニオンが取得している。また、エレックレコードの販売権も取得し、2009年からは「エレックレコード・URCレコード復刻プロジェクト2009」を立ち上げ、2つのレーベルの主要作品の復刻を行った。2013年からはグリーンウッド・レコーズが紙ジャケット・HQCDによる再発を開始（制作はポニーキャニオン）。主にこれまでCD化されなかったタイトルや長らく再発されていなかったタイトルを中心にリリース。2017年にはポニーキャニオンから「URCアナログ復刻シリーズ」がスタート。2018年の5月まで全12タイトルがリリースされた。
アングラ・レコード・クラブ ディスコグラフィ
URLシリーズとの違いは、見開きであることと、値段も200円高かった。
全国各地の禁歌・春歌をレコード化したもの。秋田民謡を集めた『みちのくの戯れ唄（日本禁歌集5）』も発売予定だったが、プロデュースの竹中労とURCレコード側との意見の対立により、当時は発売されなかったが、2008年12月20日にオフノートより、日本禁歌集1〜5までCD化された。
SMSレコードは、秦政明の協力を得て、音楽舎が保管していた未発表のライブ・テープを掘り起こし、＜幻のフォークライブ傑作集＞というシリーズにまとめ（一部エレックレコード関係のものもあり）、1978年12月 (1978-12)から全25作のLPを発売した。
藤堂高吉
藤堂 高吉（とうどう たかよし）は、江戸時代初期の武将、津藩の人物。丹羽長秀の三男で、羽柴秀長、次いで藤堂高虎の養子となった。母は杉若無心の娘。
藤堂高吉 生涯
天正7年（1579年）6月、近江佐和山城で丹羽長秀の三男として生まれる。母親は杉若越前守の息女。幼名は仙丸（せんまる）。天正10年（1582年）の織田信長の死後、羽柴秀吉は長秀の歓心を買うために、仙丸を秀吉の弟・秀長の養子として迎えた。実子の無い秀長の跡継ぎになるはずだったが、天正16年（1588年）に秀吉が自身と秀長の甥の秀保を秀長の跡継ぎにしようとしたため、高吉は居づらくなった。後継者の地位を失った仙丸を、秀長の家臣で継嗣が不在だった藤堂高虎が養子としてもらい受け、秀長はこれを認めて養子入りに際して1万石を遣わしたといわれる。
高虎は文禄4年（1595年）に伊予板島7万石の大名に抜擢され、高吉もそれに従い板島に入封した。この頃、溝口秀勝の七女を娶るが間もなく離縁した。しかしその侍女を留まらせて側室とし、長正をはじめとする子供たちを儲けた。
慶長5年（1600年）の関ヶ原の戦いでも東軍に与して活躍し、高虎の領国となった伊予今治20万石のうち2万石を領した。高虎は実子に恵まれなかったため養子の高吉を後継者と考えていたが、慶長6年（1601年）に高虎に実子・高次が生まれるとその話も消滅し、改めて高虎の家臣となった。しかし高虎は高吉の扱いに悩み、参勤交代に同伴させなかったという。
藤堂高吉 生涯
慶長9年（1604年）、高虎の留守中に隣接する松山城主加藤嘉明との合戦未遂事件・拝志騒動が起きた。加藤家と藤堂家の境界にある越智郡の拝志（歯石）城は、嘉明の弟・忠明を城代としていた。藤堂家の家臣が同僚を殺害して出奔、拝志に逃げ込んだため、高吉は家臣を派遣した。この家臣は加藤家に事情を説明するため、拝志城へ向かったが、何らかの問題が起き、加藤家によって殺害されてしまう。激怒した高吉は兵を率いて衣干砦まで出陣したが、高虎の家臣がこれをなだめて戦闘は回避された。幕府は、加藤家に非ありとして忠明を追放、殺害に関与した加藤家の家臣を切腹させた。しかし、かねてより嘉明との不仲に悩んでいた高虎は、さらなる関係悪化を回避すべく、高吉にも非があったとして宇和郡野村に蟄居させた。慶長11年（1606年）に徳川家康の口添えで蟄居が解かれ、備中国後月郡・小田郡内で1万石を加増された。
慶長13年（1608年）、高虎が伊賀一国と中部伊勢の22万石を得て転封した。高吉は家康の指示で今治に残ることになり、越智郡で2万石を与えられて竣工したばかりの今治城を得た。藤堂藩の支藩今治藩の誕生である。早速、家臣団に知行地を宛行い、慶長14年9月に重臣の矢倉氏に400石を与えたことが確認される。また検地も実地されたようで、元和6年2月付の「越智郡古谷村検地帳」が伝来している。
藤堂高吉 生涯
慶長19年（1614年）からの大坂の陣では徳川方として参戦し、夏の陣では長宗我部盛親隊を相手に活躍した（八尾の戦い）。
寛永7年（1630年）、養父の高虎が死去すると、高吉は葬儀に列席しようと今治から江戸に向かった。その途中の近江水口で本藩の使者によって説得され、代理として鎌田新兵衛を派遣し、高吉は今治に帰国した。家督が正式に決まっていなかったため、高次から相当の圧力がかかったとされる。
寛永12年（1635年）、松平定房が今治へ移封されることとなったために領地替えが行われ、藤堂家には新たに伊勢多気郡・飯野郡内2万石が替地として与えられ、そこが高吉の所領となった。しかし翌寛永13年（1636年）、高次の命により更に伊賀名張に移封され、名張藤堂家の祖となる。次男以下3名に5000石を分知し、1万5千石となった。
高次は高吉の存在を危険視したとされ（幕府に高吉を藤堂本家から独立した大名に取り立てようという動きがあったためといわれる）、享保年間まで名張藤堂家と本家との対立は続いた。そうした背景もあってか、名張家の藩主は第9代の藤堂長徳まで、藤堂氏の通字である「高」ではなく丹羽氏の「長」を使用している。
名張藤堂家は代々宮内を通称し、藤堂宮内家とも呼ばれる。11代の高節の時に明治維新となり、子孫は現在も東京に在住する。
寛文10年（1670年）7月に死去した。享年93。墓所は名張の徳蓮院にある。関ケ原の戦いで本戦に従った大名またはその嫡子（当時）の中では、西軍の宇喜多秀家と並んで、長く生きた人物の一人である。
交響曲第7番 (マーラー)
交響曲第7番（こうきょうきょくだい-ばん）ホ短調は、グスタフ・マーラーが1905年に完成した7番目の交響曲で、全5楽章から成る。第2楽章と第4楽章に「夜曲」（Nachtmusik）と名付けられている。
交響曲第7番 (マーラー) 概要
第7交響曲は、マーラーの「ウィーン時代」に完成されている。第2楽章と第4楽章は1904年、交響曲第6番の完成に引き続いて作曲されており、これらの音楽には相互の関連が認められる。とはいうものの、第6番で打ち出された古典的形式への回帰とは異なり、第7番では、第5番と同様のスケルツォ楽章を中心とする対称的な5楽章構成をとっている。また、第1楽章がロ短調で開始されるが、主部はホ短調、終楽章はハ長調という「発展的調性」をとっていることも第5番と共通する。
しかし音楽的には、第5番より多声的書法にもとづく重層的・多義的展開がいっそう進んでいる。全体としては調性音楽のうちに踏みとどまってはいるが、部分的に調性はあいまいとなり、多調や無調の明確な誕生を予感させる。
管弦楽の扱いでは、管楽器、打楽器の充実は第6番と同様であるが、前作のハンマーの代わりに、ギターやマンドリン、テノールホルンなどが使用されている。全曲を通じてホルンが重視されており、よく目立つ。奏法的に多彩なことも特徴で、音色・響きの工夫が凝らされ、劇性よりもむしろ室内楽的な配慮が見られる。
交響曲第7番 (マーラー) 概要
全楽章を通じての構成としては、ベートーヴェン以来の、「暗」から「明」に至る伝統的な進行が見られるものの、その経過にも帰結にもとくに明快な必然性が感じられないことから、物語としての読解が難しく、この曲は「構成的に難がある」「分裂症的」などと批判されてきた。
こうした経緯から、第7番は同じ純器楽のための作品でありながら、比較的明快で親しみやすい第5番や、緊密な構成のうちにきわめて劇的な音楽が盛り込まれた第6番の陰に隠れた存在として、マーラーの交響曲のなかでもあまり人気のない作品であった。しかし、1970年代後半から始まったマーラー・ブーム以降、第7番の再評価の動きも始まり、近年は録音機会にも恵まれ、読解についてもポストモダンとの発想的な親近性や、メタ・ミュージックとの分類など、さまざまな新しい解釈が生まれている。
なお当作品には第2・第4楽章「夜曲（Nachtmusik）」に由来する「夜の歌（Lied der Nacht）」という俗称があるが、これは後世の後付けであり、マーラーおよび作品には全くの無関係である。
演奏時間約80分。
交響曲第7番 (マーラー) 作曲の経過
このほか、ハンス・プフィッツナー『愛の庭のバラ』、レオ・ブレッヒ『それは私だった』、エルマンノ・ヴォルフ＝フェラーリ『せんさく好きな女たち』などをウィーン初演するなど、精力的に活動している。プフィッツナーは、マーラーの妻アルマが熱烈に崇拝していた作曲家で、アルマは偶然を装ってピアノの上にスコアを置き、昼休みにこの曲をピアノで弾いて、マーラーの関心を引いたとされる。
交響曲第7番 (マーラー) 楽曲構成
スケルツォ楽章を中心とし、その外側に2曲の「夜曲」、その外側に両端楽章という対称的配置となっている。このような構成をマーラーは好んでおり、交響曲第1番の初期構想が5楽章構成であったほか、交響曲第2番、交響曲第5番、交響曲第10番が5楽章構成である。演奏時間は通常80分前後を要するが、最短のもので69分（ヘルマン・シェルヘン指揮トロント交響楽団、1965年4月25日ライヴ録音）、最長のもので100分（オットー・クレンペラー指揮ニュー・フィルハーモニア管弦楽団、1969年ステレオ録音）がある。
ゆるやかに　ロ短調　4/4拍子　→　アレグロ・リゾルート・マ・ノン・トロッポ　ホ短調　2/2拍子　序奏付きのソナタ形式。
序奏はロ短調。弦が引きずるような特徴的なリズムを刻む上に、テノールホルンが同じリズムを使った半音階的な主題を示す。特徴的なリズムについては、バロック音楽のフランス風序曲との関連が指摘されている。テノールホルンの主題については、マーラーは「自然が咆吼する」と述べている。木管が行進曲調の主題を出し、4度下降の動機が示されるとテンポを速め、ホ短調の主部に入る。
交響曲第7番 (マーラー) 楽曲構成
第1主題はホルンとチェロの斉奏によって示され、トライアングルの響きを伴う。4度下降の動機は序奏で示されたもので、次作交響曲第8番の冒頭主題と親近性を持つ。第2主題はハ長調、ヴァイオリンによる叙情的なもの。序奏で出た木管の行進曲が小結尾的に現れ、提示部を締めくくる。
展開部は長大で、各種動機や序奏の主題も扱われる。トランペットのファンファーレ（序奏のリズムに基づく）が現れると音楽は静まり、やがて第2主題がハープのグリッサンドに導かれて大きく歌われる。ここは全曲でも印象的な部分で、ワーグナーの『ワルキューレ』第1幕との関連を指摘されることもある。この主題が最高潮に達したところで急激に落ち込み、序奏のリズムが戻るところは交響曲第6番のモットーを暗示する。つづくトロンボーンの独奏は交響曲第3番を思わせるもの。その後次第に力を増し、その頂点で第1主題が再現する。
再現部はより劇的に進行し、コーダに入ると4度下降の動機が各楽器で繰り返され、次第に祝祭的な雰囲気になって、最後はホ長調で明るく結ぶ。
「夜曲」　アレグロ・モデラート→アンダンテ・モルト・モデラート　ハ長調〜ハ短調　4/4拍子　拡大された三部形式。
交響曲第7番 (マーラー) 楽曲構成
序奏は、ホルンが呼びかけとその木霊のように掛け合い、盛り上がったところで交響曲第6番のモットー和音（ 音）が出る。
主部はハ長調だが、ハ短調との間を行き来して定まらない。主要主題はホルンによる穏やかな行進曲。低弦のカノン風な対旋律と弦の特徴的なリズムが伴っている（コル・レーニョ奏法）。第2主題は変イ長調、チェロのより活気づいた旋律。中間部はヘ短調、オーボエが哀愁を帯びた旋律を出す。この楽章は、モットー和音のほか、カウベルも鳴らされ、行進曲調であることなど、交響曲第6番との関連を強く印象づける。カウベルは、はじめ舞台裏で、そのあとではオーケストラの中で鳴らされ、遠近感が示されている。コーダの直前では、木管楽器が鳥のさえずりのように奏するカデンツァ風な部分があり、のちの交響曲第9番第1楽章を思わせる。
スケルツォ　影のように。流れるように、しかし早すぎずに　ニ短調　3/4拍子　三部形式
弦による影のような旋律、木管の哀調を帯びたやや俗な旋律がさまざまに展開される。各楽器の特殊奏法が駆使され、フォルテ記号が5個つけられ、弦を指板に打ち付けるような強い低弦のピッツィカート（バルトーク・ピッツィカート）など、多彩だが不気味な効果を出す。
交響曲第7番 (マーラー) 楽曲構成
中間部はニ長調、オーボエが明るい主題を出すが、ヴァイオリン独奏がすぐにもとの雰囲気に戻してしまう。
「夜曲」　アンダンテ・アモローソ　ヘ長調　2/4拍子　三部形式
第2楽章が「夜の行進」とすれば、この楽章は純然たるセレナーデである。冒頭、ヴァイオリン独奏がオクターブ上昇し、なだらかに降りてくる音型を奏し、ホルンとクラリネットが柔らかく主題を出す。この主題は第1楽章の序奏、「ボートのリズム」に基づいており、同時に前作交響曲第6番終楽章との関連を示す。ギターやマンドリンが夜曲の雰囲気を演出する。冒頭のブリッジ音型は何度も現れる。中間部は変ロ長調、チェロとホルンが和やかな旋律を奏する。
曲はクラリネットのトリルで閉じられるが、マーラーは楽譜の最後の小節に、ドイツ語でersterbend（原義「消え入るように」。sterben（死ぬ）から派生）と、イタリア語のmorendo（「だんだん遅く、弱く」という音楽上の発想記号として使われる）の2つの指示を書き込んでいる。
ロンド・フィナーレ　アレグロ・オルディナリオ　4/4拍子　ハ長調　自由なロンド形式
交響曲第7番 (マーラー) 楽曲構成
全体の構造はA-B-A-C-A-B-A-C-A-B-A-C-第1楽章第1主題回帰-C-A-コーダ
ティンパニが威勢の良いリズムを叩き、金管が呼応すると、トランペットとホルンが派手な主要主題を高らかに吹奏する。主要主題は変奏されながら楽章中に計7回再現される。この主題は、音型と調性から、ワーグナーの『ニュルンベルクのマイスタージンガー』との関連が指摘されている。ホルンによる楽しげなリズムや弦による活気に満ちた経過句などがつづく。いったん静まると木管が変イ長調で控えめな副主題を出す。この後、主要主題に基づくファンファーレをはじめとしてさまざまな素材が展開される。やがて影が差すような雰囲気になると、第1楽章の第1主題がホルン斉奏によって示される。しばらくこれを扱ううちに、第1楽章の第1主題は短調から長調に転じて全管弦楽で確保される。再び冒頭部分が戻り、音楽はいっそう祝典的になり、鐘が鳴らされる。最後にもう一度第1楽章の第1主題を示し、全曲を明るく結ぶ。
交響曲第7番 (マーラー) 第7番の評価と解釈
第7交響曲は、マーラーの他の交響曲と比較し、演奏機会が少ない。その理由としては、使用楽器が多く揃えづらいという「環境面」もあるが、最大の理由として、構成面と音楽自体がはらむ多義性が理解を困難にしていることも考えられる。具体的には以下のような議論があるが、様々な解釈を語る前に忘れてならないのは、①マーラー自身がこの曲に副題をつけていないこと、②この作品の内的テーマについて何も語っていないこと、③アルマ・マーラーがこの曲について「この交響曲に一貫した標題はない」と回想していることである。
第7番は、スケルツォ楽章を中心とした対称的な5楽章構成を持ち、これは交響曲第5番と同じである。しかし、両者を比較すると、第5番は曲調や「暗→明」の図式が明快であり、これが人気曲になっている理由と考えられる。対して第7番では、「夜曲」と題された楽章が第2及び第4楽章に配置されているが、第1及び第3楽章スケルツォも同様に「夜」の雰囲気がある中、第5楽章に至って突然「昼」真っ盛りに投げ出されるような奇異な感じがつきまとっていることから、第7番に関しては、構成上問題があるとの指摘がある。
交響曲第7番 (マーラー) 第7番の評価と解釈
テオドール・アドルノによれば、第7番のフィナーレは軽すぎ、マーラーが意図した「歓喜」は空虚なものとなっており、「闘争を経て勝利へ」という図式が茶番と化しているとする。アドルノは、ここに「交響曲」形式の終焉を見ており、この歴史的必然において第7番を「失敗作」であるとしている。
また、第7番でマーラーは交響曲形式そのものをパロディとして用いたという説もある。伝統的交響曲の素材は第7番ではコラージュの素材であり、その音楽はメタ・ミュージック（音楽についての音楽）としての性格を持ち、さらにはポストモダンあるいは脱構築との親近性を示しているというものである。この立場からは、マーラーは第5楽章で「歓喜」を意図しておらずパロディとして書いたのであって、この曲以降、交響曲のフィナーレらしいフィナーレは書かれなくなったとする。
一方で、マーラーが「夜曲」としたのは第2楽章と第4楽章のみであって、全曲を「夜の歌」としたり、第4楽章までが「夜」で第5楽章は「昼」などとするのは誤りとする擁護論もある。この立場からは、終楽章が「浮いて」見えるのは、構成上の問題というより、解釈や演奏の問題であるということになる。
交響曲第7番 (マーラー) 第7番の評価と解釈
マーラーの交響曲の「連続性」に着目すると、第7番は交響曲第6番から交響曲第8番へとつなぐ位置づけを持っているとする解釈も存在する。第6番で倒れた「英雄」の再生、そして第8番の純然たる「賛歌」に至るという解釈からすると、フィナーレ楽章はパロディとは言えない。
また前述のように、第4楽章のスコアの末尾に、ersterbend（「消え入るように」または「死に絶えるように」）と書き込んでいる。この言葉は、のちの交響曲第9番の終楽章の末尾にあることでよく知られるが、他にも交響曲第2番、交響曲第4番（第3楽章）、大地の歌にも見られるものである。この言葉が中間楽章の終わりに書き込まれているのは他に第4番が該当するが、このことから、ersterbendを境に音楽は「天上界」に至ると解釈し、第5楽章を「天上の祭典」と見なす説もある。
小澤征爾は第5楽章のコーダを、デパートの下りのエスカレーターを子供と駆け上がって上階に辿り着いた時の浮遊感に例えている。
渡駅
渡駅（わたりえき）は、熊本県球磨郡球磨村大字渡にある、九州旅客鉄道（JR九州）肥薩線の駅である。
渡駅 駅構造
島式ホーム1面2線を有する地上駅。駅舎とホームは構内踏切で連絡している。木造駅舎が残っている。駅舎には商工会が入っているが、完全な無人駅であり、乗車券の販売はない。かつては木材の積み出し駅としてにぎわっていた。
構内に男女別の水洗トイレが新設された。
渡駅 駅周辺
周辺には民家が広がり人吉市内へと続いている。駅前には産交バスの渡駅前バス停がある。
渡駅 隣の駅
※特急「いさぶろう・しんぺい」「かわせみ やませみ」・臨時快速「SL人吉」の隣の停車駅は各列車記事を参照のこと。
九州旅客鉄道（JR九州）
■肥薩線
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ダークスローン
ダークスローン（Darkthrone）は、ノルウェーのブラックメタル・バンド。バンド名はセルティック・フロストの曲「Jewel Throne」に由来するといわれている。
ダークスローン 略歴
1986年にノルウェー・コルボンにて、レイフ・ナゲル（Leif Nagell）とアンダース・リスベルゲットの2人で結成。当初は「ブラック・デス (Black Death)」と名乗っていた。1987年に名前を「ダークスローン」に改めてデモ集『Land of Frost』を録音。1988年には、テッド・シェルム（Ted Skjellum）がギタリストとして加入する。その後、デモ3枚を録音し、ピースヴィル・レコードとアルバム4枚のリリースを契約する。
1992年頃よりメンバーは名前を今のもの（ノクターノ・クルト、フェンリズ、ゼピュロス）に変え、コープス・ペイントを始めるが、イギリス・ツアーをキャンセルして以来、彼らはライブを行うのをやめ、またインタビュー等でメディアに露出することも避けるようになる。また1994年のアルバム『Transilvanian Hunger』のライナーノーツで、ユダヤ人を攻撃しているように見える表現があったため、物議を醸したが、次のアルバム『Panzerfaust』でフェンリズは、ダークスローンがポリティカルなバンドであることを否定している。現在でもライブは行わないが、インタビューには頻繁に応えている。
ダークスローン 略歴
続く2作『Under a Funeral Moon』、『Transilvanian Hunger』は前作の方向性をさらに発展させたもので、評価の高いこれらの作品は「三部作」と呼ばれることもある。ピースヴィル・レコードとの契約を満了したダークスローンは、サテリコンのサティアーのレーベル「Moonfog Productions」に移籍し、計7枚のフルアルバムをリリースする。なお、『Under a Funeral Moon』から『Panzerfaust』までの3作はフェンリズ所有のスタジオ「Necrohell Studios」で録音が行われていたが、それ以降は使われていない。
2005年には古巣であるピースヴィル・レコード傘下に自分たちのプロダクション「Tyrant Syndicate Productions」をつくり、ピースヴィル配給でアルバムのリリースを続けている。2006年に出たEP『Too Old, Too Cold』はノルウェーのシングルチャートで11位を獲得している。
ダークスローン 音楽的特徴
意図的な録音の質の低さと、反復の多いプリミティヴな楽曲が特徴で、その音楽性を評してプリミティヴ・ブラックメタルと呼ばれることもある。
初のフルアルバムとなる『Soulside Journey』の時点では、どちらかというとテクニカルなデスメタルをプレイしていたが、1991年頃にメイヘムのユーロニモスと出会ったことでインナーサークルに加入以来、現在に至るまで、ブラックメタルにカテゴライズされる作品をコンスタントにリリースし続けている。とりわけ1992年に発表した『A Blaze in the Northern Sky』は、初期バソリーに強く影響を受けており、速くプリミティヴで単調なもので、その後のダークスローンの方向を決定付けるものだった。また、三部作以降の音楽性は、元からあったHellhammer/初期セルティック・フロストの影響がますます強いものになり、ギターリフも以前ほどシンプルなものではなくなる。
2006年以降、彼らの楽曲はクラストコアの影響を強く受けたものへとシフトしてきている。
2013年にリリースされた『The Underground Resistance』では、これまでの路線にパワーメタル風の要素を加えた独特の音楽性を披露した。
ダークスローン メンバー
本名Leif Nagell。Gylve Fenris Nagellとも名乗る。結成当初からのメンバーで、当時はValhallというバンドでもドラムをプレイしていた。活動初期にはボーカルも担当している。1990年代前半には、Storm（ドラム、ボーカル）、Dodheimsgard（ベース、ボーカル）への参加、またサイド・プロジェクトとしてNeptune Towers、Isengardをやっていた。「DJ Ebola」の名前でオスロのDJイベントもやっている。『Total Death』を除けば、基本的に彼が歌詞を書いている。なお、ファースト・アルバムのクレジット「Hank Amarillo」は偽名。郵便局で働いている。
2016年知人からの依頼でノルウェーの首都オスロの南15キロほどにある町コルボンの町議会議員選挙へ数合わせとして出馬。当選はしたいと思っておらず「俺に投票するな」とのスローガンで愛猫を抱くポスターを掲出したところ意外にも当選した。
ダークスローン メンバー
本名Ted Skjellum。1988年にギタリストとして加入。『Soulside Journey』よりボーカルを兼任するようになる。ダグ・ニルセンの脱退後は、ベースも担当。また、サテリコンのアルバム『ネメシス・ディヴィーナ』にギタリストとして参加している。学校の先生である。
本名Ivar Enger。結成当初からのギタリスト。『Panzerfaust』以降はダークスローンへの関わりはない。
結成当初のベーシスト。『A Blaze in the Northern Sky』のベーストラックを録音後、脱退する。
ジョージアの大統領一覧
ジョージアの大統領一覧（ジョージアのだいとうりょういちらん）は、ジョージア（グルジア）の国家元首たる大統領の一覧である。
西人吉駅
西人吉駅（にしひとよしえき）は、熊本県人吉市下原田町にある、九州旅客鉄道（JR九州）肥薩線の駅である。
西人吉駅 駅構造
単式ホーム1面1線を有する地上駅。駅舎はないが待合所が設置されている。無人駅。
西人吉駅 駅周辺
駅前は住宅街であるが、南へ約100メートルの地点を国道219号が走っている。この国道は交通量が多く、産交バスの西人吉駅前バス停も国道上にある。当駅から西へ約300メートルの地点から渡駅方向へ数百メートルに渡って、線路沿いに桜の木が植えられており桜のトンネルを楽しめる。肥薩線の名所の1つである。
西人吉駅 隣の駅
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パラッパラッパー
『パラッパラッパー』 (PaRappa The Rapper) は、七音社によって制作され、1996年12月6日にソニー・コンピュータエンタテインメントが発売したPlayStation向けゲームソフトのタイトル、またはこれを原作とするテレビアニメのタイトル。本稿では続編『パラッパラッパー2』、映像化作品も含めて記述する。
パラッパラッパー 概要
「音楽(リズム)に合わせてボタンを押すゲーム」の基礎を築いた、元祖リズムアクションゲーム。リズム感が要求されるヒップホップを大々的に導入し、世界で初めて「音楽ゲーム」で成功を収めた作品であり「音ゲーの始祖」とも呼ばれる。
その斬新かつシンプルなゲーム性と、ポップで明るいグラフィックが話題を呼び、子供から大人まで楽しめる作品として大ブレイクした。本作は70か国以上で販売されており、国内累計出荷本数は148万本を記録。本作発売から12年後の2009年に『リズム天国ゴールド』が記録を更新するまでは「日本で最も売れた音楽ゲームソフト」として、同ジャンルの売り上げ本数1位の座を維持し続けた。
本作の主人公「パラッパ」はPlayStationを代表するキャラクターの一人として、様々なメディアに出演している。また、本作と同日に発売して大ヒットした『クラッシュ・バンディクー』とは互いに関係の深い作品となっている。
本作の関連作品として『ウンジャマ・ラミー』があり、基本的なゲーム性や世界観などを共有している。
リアルタイムに音声を切り替えられるCD-ROM XAの機能を有効活用したゲームとなっている。
パラッパラッパー ゲームシステム
基本システム
プレイヤーは、主人公である「パラッパ」を操作し、画面に表示される指示通りにボタンを押して「ラップ」を行うことでゲームを進めていく。ゲームの進行は各ステージの先生(お手本キャラクター)とのラップバトル形式で行われ、先に先生による「お手本」が表示された後、続いてプレイヤーがボタン入力に挑戦するという流れになっている。
ラップは正しいボタンを押すだけでなく「タイミングの正確さ」も重要であり、ラップの出来によってスコアが増減する。
評価ランク
お手本通りにラップができれば評価(ランク)が上昇して演出も豪華になっていくが、逆にボタンを間違えたり、タイミングがずれたりしてラップを失敗すると下の評価が点滅し、スタート時の「GOOD」から「BAD」、「AWFUL」と下降していく。
曲を完奏した時点の評価が「BAD」以下、あるいは「AWFUL」が点滅しているだけの状態で失敗してさらに下降してもその時点でステージ攻略失敗でゲームオーバーになる（パラッパ1では、「TRY AGAIN!! 〇YES ×NO」、パラッパ2では、「TRY AGAIN? 〇YES ×NO」も表示）。
パラッパラッパー ゲームシステム
ゲームオーバー時はステージ(曲)の初めからやり直しとなり、曲を完奏した時点で「GOOD」以上の評価を得るとステージクリアとなる(以降はCOOLでステージクリアとなる)。
アドリブ
本作の隠し要素として、あえてお手本にはないタイミングでボタンを押す「アドリブ」が存在する。アドリブは特定の法則のもとに、プレイヤーがオリジナルのリズム(ラップ)を生み出すことで通常よりも高い評価を得るというシステムであり、高評価を出すには必須のテクニックとなっている。また、アドリブを連続で成功させてランクが「COOL」に到達すると、舞台からお手本の先生が消えてパラッパの独壇場となる「COOLモード」に移行する。「COOLモード」中はお手本が一切表示されなくなるため難易度が上昇するが、この状態を維持して評価を下げずにステージをクリアすることで、通常プレイでは発生しない専用の演出を見ることができるようになっている。
パラッパラッパー 開発
企画の始まり
ミュージシャンの松浦雅也（元PSY・S）が企画を立案、キャラクターデザインおよびコミカライズをロドニー・アラン・グリーンブラット、ゲームシナリオを伊藤ガビン、セリフなどをMC RYUが手がけた。
松浦は本作の企画は七音社を設立する前に一度ソニー・コンピュータエンタテインメントに持参したものの、様々な条件を突きつけられた末にSCE側から不安がられて却下された。その後、松浦が七音社を立ち上げた後に、SCEIサイドからロドニー・アラン・グリーンブラットをキャラクターデザインに起用するなどのアドバイスもあり、企画が通った。
松浦は、「雑誌の連載記事を書いていたころ、編集スタッフから勧められた『ギターヒーロー』に似たゲームで遊んだものの、なぜだか面白くないと感じ、この点を改善しようという考えが『パラッパラッパー』の企画につながった部分があった。」と述べている。
制作当時のSCEはソニーとCBSソニーの出身者が同じくらい在籍しており、音楽(コンテンツ)をフィーチャーした独創的なゲームの模索を続けていたCBSソニーの出身者たちは、松浦らに接触した。
独特なビジュアル
パラッパラッパー 開発
『パラッパラッパー』の独特なビジュアルは、アメリカ出身のアーティストロドニー・アラン・グリーンブラットによるものである。後の任天堂のペーパーマリオシリーズでも採用された平面のキャラクターは人物の正面図と背面図をそのまま貼り合わせたような、厚みのないモデルであるが、動きやゲーム内の背景は3次元で描かれている。ロドニーは自身のウェブサイト"Whimsyload"にて、「松浦からロドニーのデジタル絵本Dazzeloidsのキャラクターを用いたデモを見せられ、キャラクターを平面にしてはどうかと提案してきた」と述べている。
松浦はインタビューの中で、ミュージシャン時代にサンプリングを多用した音楽を制作する中で人間の声を用いることに面白さを感じ、人間の声を用いたゲームを作りたいと考え、ラップを題材にすることにつながったと述べている。
個性的なキャラクター
『パラッパラッパー』は明るく描かれた都会のような場所を舞台としており、本作に登場するキャラクターは犬やカエル、甲虫といった動物や、植物といった動きの乏しい存在の擬人化が多くを占める。このうち、サニー・ファニー、ケイティ・キャット、PJベリーはロドニーの過去の作品からの流用である一方、パラッパや先生たちは本作に向けて新規に制作されたものである。
パラッパラッパー 開発
松浦はロドニーに「ラップ」のキャラクターを作るよう依頼し、ロドニーは甲殻類のエビを含む様々なタイプのキャラクター案を提出した。犬のキャラクター案が出てきたのは最後期であり、のちにこのキャラクターはパラッパとして採用された。
面白みのあるステージ
松浦は、ステージ5の舞台がトイレである理由について、「ピピンアットマーク/Macintosh向けのソフト『Tunin'Glue 』を制作・発売した際、皆がトイレットペーパーを引っ張り出す音とトイレを流す音を面白がったため、『パラッパラッパー』を作る時も全員に通ずる面白さがあると盛り上がるのではないかと言ったら、それが独り歩きしてあのような形になった」と述べている。
技術面
本作の技術は、たとえばゲームの進行状況によってBGMが切り替わるという部分などCD-ROM XAなどの既存技術を応用したものが基礎になっている。
また、『パラッパラッパー』は、PlayStationのゲームとしては初めて、制作にモーションキャプチャーが使われたE指定（ESRB）のゲームである。ただし、モーションキャプチャーはダンスシーンをより現実的にするために用いられたため、モーションキャプチャーが適用されているのはパラッパと先生たちのみである。
開発期間と売上
製作期間は、1994年からの約2年半。開発当時は「音楽ゲーム」というジャンルがまだ存在しておらず、過去に例のないゲームだったため開発スタッフ内では「これはゲームではない」とする意見が大勢であった。
発売時の初回出荷本数は数万本程度だったが徐々にプレイヤーに受け入れられていき、半年後には数十万本へと売り上げを伸ばしてブレイク。「音楽ゲーム」という新ジャンルを開拓し、世界中で愛されるタイトルとなった。
パラッパラッパー 評価
AUTOMATONのShuji Ishimotoは、「集大成ともいえるステージ5の舞台をトイレにするなんてすごいセンスだ」と松浦へのインタビューの中で評した。
パラッパラッパー 登場人物
パラッパ (Parappa)
本作の主人公。大きなニット帽がトレードマークの、どこにでもいるような犬の男の子。
「I Gotta Believe!!」（“僕なら出来るさ”の意）が口癖。妄想癖があり、事あるごとに妄想しては不安に陥ったり、勝手に気持ちが舞い上がったりする。サニーに想いを寄せていて、彼女の気持ちを掴むために様々な事に挑戦しているが、努力するのは苦手である。
『パラッパラッパー』ではサニーを振り向かせるために様々な先生たちの教えを受けながら成長していき、『パラッパラッパー2』ではヌードル団の野望を阻止するために大活躍した。
『ウンジャマ・ラミー』では一週目クリアで隠しプレイヤーとして登場し、ギターではなくラップで挑戦する。ストーリー上ではMilkcanの手伝いをするものだった。この作品のみ一人称が「俺」になっていた。
『プレイステーション オールスター・バトルロイヤル』では、PSP版の『パラッパラッパー』から6年ぶりに登場し、プレイヤーの一人として参戦する。タマネギ先生から教わった格闘技やスケボー、マイクなどを駆使し、トリッキーな戦法で戦う。
アニメでは多少気まぐれな性格で、例の口癖をほぼ使わず、子供っぽい一面を持っているが、妄想癖など根幹の性格はほぼ変わらない。ラップは全くしない。
パラッパラッパー 登場人物
テレビアニメ『PJベリーのもぐもぐむにゃむにゃ』では『CHOP SHOP フルーシCAFE』でアルバイトをしている。第10話にて誕生日を迎えた。
P.J ベリー (P.J Berri)
常に熊のパジャマ (P.J) を着ている男の子（中身は不明）で、パラッパの親友。
食べることと寝ること、そしてレコードを聞くことが大好き。また、マニア体質で雑学などに詳しい。昼間は呑気でマイペースな食いしん坊だが、夜になると凄腕のDJに変身する。
『パラッパラッパー2』ではヌードル団の野望を阻止するためにパラッパと共に行動し、活躍した。
『プレイステーション オールスター・バトルロイヤル』ではオープニングとエンディングに登場する。
テレビアニメでは基本的にゲームとは変わらないが、「～～な風情」「～～だもんねもんね」と語尾につけることが多い。所々の状況に問わず、よく居眠りをしている。
『PJベリーのもぐもぐむにゃむにゃ』ではタイトルキャラクターとして登場する。『CHOP SHOP フルーシCAFE』で悩み相談室を開いており、彼の夢の中での出来事に対する発言が寝言になり、相談者がアドバイスとして受け取るという設定である。
サニー・ファニー (Sunny Funny)
花の姿をした女の子。パラッパの想い人。
パラッパラッパー 登場人物
明るい性格で皆からも好かれるが、正直なため騙されやすい。可愛らしい容姿で、パラッパの他にジョーにも想いを寄せられている。その一方で、絡んできた不良にもひるむことなく強気な態度で見せるなど、しっかりと自分の意見を持っているところもある。父親の影響を受けているため、理想の彼氏像が限りなく高い。
最初はパラッパとは友達同然の関係であったが、彼の男らしい姿（実際はトイレを我慢していた）に見惚れ、それ以降から両思いとなる。
アニメでは天然でマイペースな面が強調され、「イカとドリアンのサンドイッチ」などといった創作料理を作ることがある他、萎れた植物を復活させる能力を持っている。更に感情によって頭の花びらが開閉するようで、サニー本人は頭の花びらを髪型だと話している。
『プレイステーション オールスター・バトルロイヤル』ではオープニングとエンディングに加え、対戦時のパラッパの妄想としても登場する。
『PJベリーのもぐもぐむにゃむにゃ』にもパラッパのあこがれとして登場している。
ケイティ・キャット (Katy Kat)
猫の姿をした女の子で、サニーの友達にあたる。苗字のスペリングは "Cat" ではなく "Kat"。
気が強く、思った事は何でもハッキリ言う性格。決断力があり、天性の仕切り屋だが、口を出すだけではなく自分もしっかり行動する。オシャレにはかなり気をつかっている。
パラッパラッパー 登場人物
『ウンジャマ・ラミー』ではMilkcanのリーダーとして、メインヴォーカルとベースを担当している。アニメではラミーやマーさんが登場しないため歌に関する設定はない一方、 同じ性格を持ったポーラと親しい様子が描かれている。
『プレイステーション オールスター・バトルロイヤル』ではオープニングとエンディングに登場する。
『PJベリーのもぐもぐむにゃむにゃ』には、Milkcanのメンバーたちとともに登場した。
ボクシーボーイ (Boxxy Boy)
パラッパのパパが作ったラジカセ。
顔と手足が付いており、喋ったりすることができるほか、占い機能もついている。必要な時にどこからともなく突然現れ、その場に会った音楽を選曲するが、お喋りが好きで仕切りたがり屋でもある。
『パラッパラッパー』ではムービー内の背景によく映っていたが、『パラッパラッパー2』ではステージを始める前に少しだけトレーニングを行わせてくれる。
『プレイステーション オールスター・バトルロイヤル』ではオープニングとエンディングに加え、パラッパの必殺技の一部として登場する。
ジョー・チン (Joe Chin)
パラッパラッパー 登場人物
逆三角形体格の犬の姿をした男。数々の企業を持つジョー・チン財閥の御曹司。大金持ちで色男だが、話がかなりくどい。独りよがりでマイペースな性格。パラッパと同じくサニーのことが好きで、終始アプローチするも、それがあまりにも過剰なので、本人達には軽く受け流されている。パラッパを恋のライバルとしてみているが、逆にパラッパ本人は何とも思っていない様子。
顎が長く、「ジョー・チン」という名前はここに由来する。
『パラッパラッパー』では42層のケーキを送るなど何度もサニーにアプローチをするが、最終的に失敗する。『ウンジャマ・ラミー』では彼の企業や商品が公開されたが、後にマーさんによって破壊し尽くされた。ステージ2のCOOL時、彼らしき人物が火事になっているビルの屋上で呑気にプールをしている姿を見せている。
『パラッパラッパー2』ではパラッパの妄想内でサニーの理想の男性として度々見かけてたり、ステージ4にあるロッククライミングの頂上でジャグジーに入っていたり、ヌードル団が街を襲撃している際に逃げている所を目撃できるが、これと言った活躍は見せなかった。ただし少しだけセリフはある。
『プレイステーション オールスター・バトルロイヤル』ではオープニングとエンディングに写真として登場し、オープニングではなぜか人気者になっていたがエンディングでは行方不明になり、ブームも過ぎ去った。
パラッパラッパー 登場人物
テレビアニメ版には登場しなかったが、『PJベリーのもぐもぐむにゃむにゃ』第4話にてテレビ番組の出演者として登場した。
パラッパパパ (Papa Parappa)
パラッパの父親。世界レベルの恐妻家。
『パラッパラッパー』ではパラッパに60回ローンの愛車を持って行かれるシーンぐらいしか出番がなかった。
発明家でもあり、『パラッパラッパー2』では数々の発明品が見られるが、どこか変なものが多い。
ヌードル団の野望を阻止するため、ヌードル化した物を元の姿に戻す発明品を制作するが失敗。対象物を拡大縮小する光線の発射機能を搭載させてしまう（なお、この光線はヌードルが美味しくなる効果があるらしい）。
その後、タコ山さんを洗脳していた機械を解析し、中にあったゲームを使い、ヌードルを元に戻す発明品を完成させる。そして、パラッパ達と共にその発明品を搭載したマシンを使い、街を襲撃しているヌードル団を止めようとする。
アニメにも登場し、パラッパをサポートするために活躍した。
ジェネラル・ポッター (General Potter)
サニーの父親。街の平和を守る立派で厳格な軍人。頭が植木鉢になっている（初登場時は茶色の植木鉢だったが、『パラッパラッパー2』からはピンク色になった）。
パラッパのパパとは同級生であり、仲が良いところが見られる。パラッパパパいわく「大の甘党」らしい。
パラッパラッパー 登場人物
『パラッパラッパー2』ではヌードル団を鎮圧するために奮闘する。部下の訓練にパラッパとPJを付き合わせて正規兵にし、タコ山さんのいる美容院へと派遣したりもしている。
街が襲撃された際は、パラッパパパと共に戦闘機に搭乗。発明品を使い鎮圧しようとする際に「大量のお菓子を発射してヌードル団を鎮圧する」という奇抜な戦法を繰り出していた。
テレビアニメ版には登場していないが、『PJベリーのもぐもぐむにゃむにゃ』に登場しており、家庭菜園と称する巨大な農場を維持管理している。
ママ (Mama Parappa)
パラッパの母親。職業は消防士。
コミック版のみ登場。
遊んでばかりいるパラッパに働いてもらいたいと悩んでいる。
ジェットベイビー (Jet Baby)
『パラッパラッパー2』以外のシリーズの冒頭ムービーに必ず登場する映画館のスーパーヒーローで、パラッパたちの間では大人気映画である。
ベリー・ボタンという場所の研究所で、超優秀な科学者夫妻によって作られた可愛いロボット。困っている人を助け、悪人を善人に変えることが使命。ただし、時々おむつを替えてあげなければならないという欠陥がある。
映画は、ジェットブーツで飛行し、一つ目の巨大怪獣に襲われそうになっている熊のぬいぐるみを救出するというストーリーだが、それ以外の活躍は一切ない。
パラッパラッパー 登場人物
元々はロドニーが温めていたアイデアで、OPを映画から始めるということを聞いたロドニーが登場させた。
タマネギ先生 (Chop Chop Master Onion)
フルーシ道場（フルーツ道場）で空手を教えている頭がタマネギの中年男性。本人いわく日系人で、日本語訛りの英語を話す。色々変わった人ではあるが、時々いいことを言うことはある。彼の道場のモットーは「苺を食らわば皿まで」で、これは「たとえ苺一個を食べる時にでも、意識を集中させ、全力で潰し、ミルクをかけ、砂糖をまぶし、皿まで食う勢いで行け」という意味を表している。
シリーズを通して登場している先生で、『ウンジャマ・ラミー』ではカジノにハマって道場経営に失敗し、門下生に逃げられ道場を失う。その後、路上で空手を教えたり、怪しいサングラスを売ったり、お手伝いさんとして働きつつどうにか生きていた。
また、『2』を除いて最初に出てくる先生であり、ゲームのチュートリアル役と言っていい立ち位置でプレイヤーとパラッパに基本を教授する。
『パラッパラッパー2』では新格闘エクササイズ“ロマンティック空手”を開発し、一躍有名人になる。
『プレイステーション オールスター・バトルロイヤル』ではパラッパステージの背景キャラクターとして登場する。
パラッパラッパー 登場人物
テレビアニメ版にも登場したほか、『PJベリーのもぐもぐむにゃむにゃ』ではパラッパたちのアルバイト先である喫茶店『CHOP SHOP フルーシCAFE』を経営している。
ボイスを担当しているのは本作のセリフや歌詞を担当した、MC RYU。アニメ版でも同じタマネギ先生を演じている。
ムースリーニ先生 (Instructor Mooselini)
ヘラジカの姿をした自動車教習所の女性教官。
常に怒ったような表情で鼻息を荒らげており、黒人風のラップで厳しい指導をする。しかし、車のドアを閉め忘れたり、角が天井に引っかかったりなど、うっかりでお茶目な一面を持っている。
『プレイステーション オールスター・バトルロイヤル』では、自動車教習用の車を運転しながら、パラッパステージの背景キャラクターとして登場する。
カエル先生 (Mr.Prince Fleaswallow)
ヒッピー風の少し怪しいカエル。ジャマイカ出身。
フリーマーケットの達人で、愛をテーマにビンの蓋のようなガラクタでも結構なお値段でファンキーに売る自信があるらしいが、実際はほとんど売れたためしがない（本人も「こんなに売れたのは初めてなんだ」と言っている）。レゲエ調のラップを演奏する（ゲーム上では連打系のラップとして表現されている）。
なお、彼のステージをクールモードでクリアするとクリア後のムービーに出てくる車が変わる。
パラッパラッパー 登場人物
『ウンジャマ・ラミー』では楽器屋の店員として少しだけ登場している。ただし、セリフはない。
テレビアニメ版にも登場しており、かつてはサーファーだったが、とある出来事がきっかけで海恐怖症になってしまったことが語られた。 また、ゲーム版では一人称は「わし」だが、アニメ版では「僕」で口調もゲーム版に比べて若々しい。
『プレイステーション オールスター・バトルロイヤル』では、逃げ惑う町の人々の一人として、パラッパステージの背景キャラクターとして登場する。
『PJベリーのもぐもぐむにゃむにゃ』では、記事や写真の無断使用が原因でホームページを閉鎖したことを明かし、PJから「自分で作ってみてはどうか」というアドバイスを受けた。
ニワトリ先生 (Cheap Cheap The Cooking Chicken)
人気の料理番組 "Cheap Cheap Cheap" の先生。「安く、安く、チープに」がモットーで、安い材料でおいしい料理を作ることに関しては天下一品。ただ、若干怒りっぽいところがある。作中ではシーフードケーキを制作する。
普段はお上品な態度を取っているが、丁寧な文体のイギリス英語で下品な言葉を連発するラップを演奏する。テレビから飛び出ると言った謎の能力を持っているらしいが、実際はパラッパと先生が同じスタジオにいるだけである。