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三曲合奏 三曲合奏の由来
芸術曲における箏と三味線の本格的な合奏は、元禄期の生田検校により始められたと言われ（異説もあり）、三味線の曲（地歌）に箏のパートを作り合わせるようになった。当時は両パートをほとんどユニゾンに合わせるだけであったが、文化頃に至って大阪の市浦検校により、元の三味線パートに対して異なった旋律を持つ箏のパートが作られるようになり、合奏効果が高まった。これを「替手式」と呼び、京都の八重崎検校らによりいっそう洗練されたが、三味線と箏の両パートを一人の作曲家が作るようになったのは八重崎の弟子の光崎検校からである。
いっぽう江戸では、1777年に山田検校が新しい箏曲山田流を創始するが、これは地歌ではなく一中節、河東節など浄瑠璃の音楽スタイルを取り入れたもので、はじめから箏と三味線を合奏させていた。
三曲合奏 三曲合奏の由来
胡弓も独自の楽曲である胡弓本曲を持つ一方、江戸中期からしばしば地歌や箏曲の合奏に加わっていたが、やはり即興的にユニゾンに近い状態で合わせられていたらしい。胡弓本曲に三味線または箏を合わせることはあったが、これは主に「地」で伴奏する形であり、普通二重奏までで三曲合奏にはしない。ただ、胡弓楽から「巣籠」や「獅子」といった器楽的要素が地歌に取り入れられ、地歌の器楽的発展のひとつの要素となった点は重要である。地歌や箏曲での合奏の中で、胡弓に独自の旋律を持たせたのは光崎の後輩にあたる名古屋の吉沢検校である。また同一曲において胡弓のパートも含め三パートすべてが一人の作曲家により作られるようになったのも吉沢からであり、以後二パート、三パートを一人で作曲することが多くなった。
江戸では、18世紀中頃に藤植検校により藤植流胡弓が成立していたが、山田検校により山田流箏曲が興ると、それに加わり合奏されるようになった。また尾張から松翁流胡弓が伝えられ、山田流箏曲との合奏専用に特化して伝えられている。
尺八は本来虚無僧の占有楽器であり、娯楽よりは宗教行為のひとつとして演奏されてきたが、江戸時代中期に黒沢琴古が出て、宗教音楽から世俗音楽への道が開かれた。しかし他の楽器との演奏は法令により表向き禁止されていたらしいが、実際にはすでに18世紀末に尺八が加わった三曲合奏図が見られる。ただし本格的な三曲への参入は幕末に大阪で始まり、特に明治になって、普化宗廃止により虚無僧という生業を断たれた尺八奏者たちが、新たな仕事の場として積極的に進出したのが大きなきっかけである。今日伝えられている琴古流系尺八のパートは、明治のごく初期に吉田一調、荒木古童らによって手付けされた。その後都山流の創始者である初代中尾都山がより手の込んだ手付を行ない、ほかにも竹保流、上田流、西園流など各流が独自の手付を行なっている。はじめて同一曲内において尺八のパートまで作曲したのは宮城道雄であり、西洋音楽の合奏法を取り入れて作曲されている。
釣り針
釣り針（つりばり）は、魚釣りに用いる針。多くの場合J字型に彎曲させてある。一般的には釣用の針は「鈎」と表記されることが多い。また、「鉤」の字が用いられることもある。
釣り針 概要
一般的で簡単な仕掛けとしては、釣り糸の先端に釣り針を結わえ付け、針を餌に埋めるように刺し込み、水中に投じる。魚が餌に食いつけば、餌の中の針が飛び出して魚の口に引っかかるしくみである。魚がそれを咥えた瞬間に手元に軽く引くことで引っかかりをよくするのを「合わせをいれる」あるいは「合わせる」という。
古くは鹿の角などを用いて作成した。それに代わり現在では炭素棒に金属を染み込ませて、更に焼き入れなどを行い作っている。
釣り針 構造
針先から順に以下のようになる。
針先
釣り針の先端部分。
かえし（モドリ、カカリ、イケ、バーブ）
先端にはかえしと呼ばれる針先の向いている方向と逆の方向にとがった部分があり、えさが外れたり針が魚の口から外れるのを防ぐ役割がある。ただし釣り針が皮膚に刺さるとやっかいである。引き抜こうとすると、大きな傷になってしまう。その場合、逆に先端を皮膚から突き出るように差し入れ、先端部を切り捨ててから抜くとよい。なお、かえしのない針先をスレといい、そのような針をスレ針という。
先曲げ（先腰）
針先側の曲がった部分。
腰曲げ（腰）
チモト側の曲がった部分。
胴（軸）
針の曲がった中央部からチモトの先端までの部分。内側を腹、外側を背という。また、胴の長さを胴長（軸長）、針先と胴との間の幅をフトコロという（針の曲がった奥の部分を指すこともある）。
釣り針 構造
チモト
釣り糸のハリス（鈎素）と結ぶための突起部分。T字型の撞木やリング状の管付（アイ）などの形状がある。
かえしが無い針（スレ針、バーブレスフック）もある。これはかえしがないぶん刺さりがよいうえに、キャッチアンドリリース時に魚体へ与えるダメージが少ないのでヘラブナ釣りに用いられる。また、魚を取り外す手間がかからないので、魚群から連続的に魚を釣り上げる遠洋カツオ一本釣り漁業などでも用いられる。
J字型の針を何本か背中合わせにくっつけた形のものもあり種類分けされる。Jが一本の場合はシングルフック、二本の場合はダブルフック、三本の場合はトリプルフック（トレブル）となる。多くは餌をこれにつけず、鮎の友釣りなどの魚を引っかけるタイプの釣りに使われる。
釣り針 種類
釣り針には種類が多くあり、大きく3つに分けられる。
袖型
針が着物の袖の形をしているタイプ。針先が短く軸が細いため、口が小さい魚でも吸い込みやすく、小さい餌もつけやすい。サイズがそろっている袖型は数多くの魚に使える万能型の釣り針である。袖型があれば、たいていの魚は釣ることができる。特に川釣りで多く使われる。針先が鋭く形状の長めな、ヤマメバリなどもある。ヤマメバリは、主に渓流釣りで使われることが多い。
丸型
針が丸みを帯びて針の軸が少し短めになっている。そのため、魚の吸い込みが良い釣り針。吸い込むように捕食するヘラブナの釣りに使う、ヘラバリは、代表的な丸型の釣り針。練り餌などもつけやすくなり、あわせやすい。また、丸型は力が分散するため、強度は高い。
角型
エビバリやタナゴバリなどがこのタイプで、形は角張っている。針先が短く小さい餌がつけやすく、魚の口先に掛かりやすい。
釣り針 歴史
釣り針や類似の器具は何千年も前に発明されたと考えられる。最古の釣り針は、日本の沖縄県南城市のサキタリ洞遺跡で発見された。約2万3,000年前の旧石器時代の貝製釣り針になり、東ティモールでも2万3,000-1万6,000年前の貝製釣り針が発見されている。これまで人類はありとあらゆる材料で釣り針を作ってきた。木、動物や人間の骨、角、貝殻、石、青銅、鉄、さらには最近の材料である。多くの場合、釣り針は素材の特徴を生かし強度を増すよう作成された。ノルウェーでは1950年代ごろまでカワメンタイ用釣り針にセイヨウネズを使っていた地域もある。鋼製釣り針は1600年代にヨーロッパで使われ始め、主流となっていった。
日本列島の旧石器時代の遺跡からは釣針は出土しておらず釣漁や網漁は確認されず、ヤスや銛による刺突漁が主であったと考えられている。
縄文時代には前期から沿岸部や湖沼のあった内陸部の遺跡から釣針や銛、魚網などの漁具が出土していることから漁撈の存在が確認され、シカの角などを用いた釣針が出土している。『古事記』の海幸山幸の話には 山幸が釣り針を借りる話が登場する。
釣り針 歴史
日本では特に播州地方において釣り針製造技術が発達した。その起源には諸説あるが、天保初頭に加東郡池田村（現小野市池田町）の源右衛門が京都から技法を持ち帰った説、多可郡上比延村（現西脇市上比延町）の新兵衛が弘化年間に京都で技術を習得した説のほか、最も有力な説は、加東郡下久米村（現社町下久米）の彦兵衛が、土佐から技術を習得し帰郷した説である。彦兵衛は当初、焼き入れの技術に苦労したが、一人で失敗を重ねながらついに成功し、さらにはその技術を惜しげもなく弟子や同業者に伝えたことから、北播州が釣針産業が発展する最大の要因となった。その技術は丹波やさらには岡山県方面まで伝授された。このため彦兵衛は釣針造りの職祖と呼ばれる。
熊本県菊池市七城町の小野崎遺跡からは、多くの弥生土器とともに2本の鉄の釣り針が出土している。
沖縄県南城市のサキタリ洞遺跡で、旧石器時代（約2万3千年前）の貝製の釣り針が発見された。世界最古級。1.4cmで巻貝の底を割って三日月形にして、磨いて先端を尖らせていた。発表した沖縄県立博物館・美術館で特別展で展示される。
釣り針 釣り針の漢字表記
中国でも通じる一般的な字（フック全般）。
かぎ形のものや釣針を含む一般的な字体であり、中国語など他言語においても広く用いられる。
日本で特に「釣り針」に使われることが多い、日本語特有の字体。
中国語など他言語では一般的に用いられず、日本語において釣針を意味する字体として発達した、日本語特有の用字である。
金へんを取った形（勹＋口） の字は 「勾」 はどちらも「かぎ」と読みます。「鈎」「鉤」から金へんを取った字は 勾（こう／まがる） です。
読み
意味
三弦
三弦（または三絃、さんげん。サンシエン、拼音: sānxiàn。意味は文字通り「三本の弦」)は、中国の伝統楽器で、ロングネックリュートタイプの撥弦楽器である。弦子（シエンズ、xiànzi）とも呼ばれる。日本では中華三味線（ちゅうかじゃみせん）、支那三味線（しなじゃみせん）と呼ばれることもある。
三弦の語は元のころにはじめて使われるようになった。
三弦 概要
丸みを帯びた形の胴体（共鳴箱）に蛇の皮を張り、フレットの無い長い棹を持つ。
全長は90cmから120cm程度で、一般的に、南方のものは小さく95cm程度で「小三弦」と呼ばれ、
北方のものは大きく120cm程度で「大三弦」と呼ばれる。
弦は絹糸を使用する。このため、湿度に影響されやすい。
多くの演奏家が、ケース内の湿気を取り除くためケースにシリカゲルを入れる。
秦代の楽器「弦鞀」から変化して成立したとされる。明の楊慎の『昇庵外集』に「今次三弦，始於元時」とあるのが初出で、同書の記述より元代に現在の形になったとされる。
三弦 用途
歴史的に歌の伴奏楽器として人気があった。南管や江南糸竹などのアンサンブルで用いられ、戯曲の演奏にも用いられる。現代中国音楽のオーケストラではあまり使われない。一般的に古典的な中国音楽にて使用されるが、現代中国のロックミュージシャン何勇(ハーヨン、Hé Yǒng)が使用したこともある。
琵琶などと比べてオリジナルのソロのレパートリーは少ない。
また、しばしば中国琵琶とテクニックを共有し、中国琵琶のために伝統的に書かれた曲を演奏することがある。
三弦がトレモロ演奏を行っている場合、元の曲は中国琵琶のために書かれた曲であったりする。
異なる役割のためのいくつかのサイズがある（大三弦など）。
大きいものは約三オクターブの音域がある。
三弦 他の楽器への影響
三弦が琉球王国に伝来し、宮廷音楽に取り入れられて三線になった。また、さらには16世紀には泉州（現大阪府の南部）の堺へと伝わり、平家琵琶の要素を取り入れるなどの改良を重ねて現在の三味線の原型となった。その後、三線は本土の三味線から逆影響を受けて完成した。
ア・ポルトゥゲーザ
ア・ポルトゥゲーザ（ポルトガル語: A Portuguesa、ポルトガル語発音: [ɐ puɾtuˈɣezɐ]）とは、ポルトガルの国歌である。日本語の題名として「ポルトガルの歌」、「ポルトガル人よ」、「ポルトガルの道に」とすることもある。ポルトガル在日大使館のWebサイトでは「ポルトゲーザ」と表記している。
1890年にイギリスがポルトガルに対して突きつけた最後通牒に反発する民衆の抗議活動の渦中でアルフレド・ケイルが曲を作り、エンリケ・ロペス・デ・メンドンサが歌詞を書き上げた。1891年1月のポルトで発生した共和主義者の反乱軍は「ア・ポルトゥゲーザ」を行進曲に採用したが、反乱は失敗に終わる。1910年10月5日革命の後、1911年に立憲君主制時代の国歌である「イーノ・ダ・カルタ」に代わる新生ポルトガル共和国の国歌に採用された。
曲のメロディーはフランスの国歌である「ラ・マルセイエーズ」から影響を受けていると指摘されている。
ポルトガル人は学校に通い始めるとすぐに国歌を覚えさせられるが、サッカーなどの国際試合を除いて、歌う機会は多くないと言われている。
ア・ポルトゥゲーザ 歴史
1890年1月11日、イギリスはポルトガルにポルトガル領アンゴラとポルトガル領モザンビークの間にまたがる土地（バラ色地図）からの撤退を要求する最後通牒を発行した。ポルトガルの民衆はイギリスからの要求に反発したが、ポルトガル政府はイギリスの要求をやむなく受け入れた。政府の決定はは国王カルロス1世と君主制への不満を高め、ポルトガル内の共和主義運動はより民衆の支持を集めていった。
政府が最後通牒を受理した夜、作曲家のアルフレド・ケイルはテオフィロ・ブラガなどの友人の提案で愛国者の抗議の行進曲である「ア・ポルトゥゲーザ」の曲を作り出す。作詞家のエンリケ・ロペス・デ・メンドンサはケイルの要望を受け入れ、ポルトガルの民衆が感じていた怒りに触発されて曲に合った歌詞を書き上げた。数日間の共同作業の末に完成した曲は「ア・ポルトゥゲーザ」と命名される。自費で出版された12,000冊の楽譜はすぐに完売し、楽曲の人気は国境を越えて広まり、歌詞は他の言語に翻訳された。
1890年3月29日にリスボンのサン・カルロス国立劇場で開催された大祖国音楽会でア・ポルトゥゲーザ」が演奏され、その後リスボンの他の劇場でも曲が演奏される。文化的な作品としての枠を超えて「ア・ポルトゥゲーザ」は営利的にも利用され、イワシの缶詰やクッキーなどいくつかの食料品にこの曲に由来する名前が付けられた。
ア・ポルトゥゲーザ 歴史
「ア・ポルトゥゲーザ」は元々ブラガンサ王朝に捧げる曲として作られたが、やがて政治的な武器として認識されるようになり、共和党の賛美歌となった。1891年1月31日にポルトガル北部の都市ポルトで反乱を起こした共和主義者は「ア・ポルトゥゲーザ」を軍の行進曲に採用するが、反乱は鎮圧され、「ア・ポルトゥゲーザ」の演奏は禁止された。ポルトガルの歴史を語りながらも歴代国王の名前が一切現れず、闘争心を煽る歌詞のため、共和主義者はこの歌を好んだと言われている。反イギリス的な歌詞のために政府は「ア・ポルトゥゲーザ」の演奏を禁じたこともあったが、かえって民衆からの愛着は強まり、公的な場の外で歌われ続けられた。
1910年10月5日革命の1年後に開催された第一回目の制憲議会で「ア・ポルトゥゲーザ」を正式な国歌として採用することが決定された。当時イギリスとの諍いは風化しており、歌詞の最後の部分の反イギリス的なフレーズ「英国人に向かって、進め、進め」が「大砲に向かって、進め、進め」に変更された。「ア・ポルトゥゲーザ」には異なる種類のメロディーラインが並立して存在していたが、1957年にそれらのメロディーラインが統一された。
胡弓 概説
1. 和楽器であり、多くのものは3本の弦を持ち（4本のものなどもある）、ほぼ三味線を小型にした形をしている。素材も三味線とほぼ同じで、現在では棹に紅木 (こうき) 、紫檀 (したん) 、普及品には花梨 (かりん)が使われ、胴は花梨で、皮は猫または犬、弦 (糸)  は絹製である。三味線と大きく異なるのは駒で、設置する位置も全く違うが、作りや材質も大きく異なっている。弓は紫檀、花梨、竹などを用い、漆が塗られることもある。弓の棹は中央部が毛側に向けてやや湾曲し、つまり内向きにわずかに反っているものが多い。これは弓に弾力を持たせるためで、現代のヴァイオリンと同じである。たいていは中央部で二つに分解できるようになっている。細部の仕様は流派、個人により異なる。毛は円筒状に束ねた馬尾毛である。これは取り外しができ、手元側に紐が付けられ、それを弓の棹に取り付けられた金属の小さな輪に結わえて留める。三曲系で使われる弓は長いものが多く、毛の長さ70センチメートル、全長1メートルを超えるものも珍しくない。また毛の量も非常に多く、それを緩やかに張るのが特徴である。流派によっては手元に大きな絹製の房をつける。いっぽう民謡系で使用される弓は非常に短く、棹も細い。毛の量もごくわずかであり、世界的に見ても同じ楽器で種目によりこれほど弓に大きな差があるものは珍しい。音楽としては、胡弓楽、地歌、義太夫節、清楽などで用いられる。「三曲」のひとつであり、三曲合奏の構成楽器の一つ。また日本の民謡で、特に北陸から関西にかけて使用されるほか、各地の民俗芸能や一部の宗教において演奏される。特徴として、弾く弦を変えるために弓ではなく本体を回す。
胡弓 概説
2. 琉球の擦弦楽器で、胡弓と書いてクーチョーと読む。本体は黒木（黒檀）やユシギ（イスの木）で作られ、胴は内地の胡弓と異なって椀型になっており（古くは椰子の実を二つに割って胴にした）、三線と同様にニシキヘビの皮を張る。弦は三線と同じく本来3本であったが、古典音楽の譜には三弦胡弓の最低音より低い音がある為、三線の名工で胡弓演奏家としても著名であった又吉真栄が低音用の弦を新たに設けた四弦胡弓を開発し、普及させた（三弦胡弓では1オクターブ上の音を弾いて代用していた）。また、棹の形状も三線と同じくいくつかの型に分けられるが、弦が4本になり糸倉を長く取る必要が生じたので、元々糸倉の長い型である与那城型（ユナグシク型）で製作されることが多い。奏法については内地の胡弓と同じく、弓ではなく本体を回転させて弦を移動し演奏する。楽譜は三線と同様の工工四（クンクンシー）に押し弓弾き・引き弓弾きの指示を加えたものが用いられる。その起源や、内地の胡弓との関連については不明。ただし東南アジアに類似楽器が多く、琉球がさかんに貿易をしていた15世紀頃にシャムやマラッカから原型が渡来した可能性がある。主に琉球古典音楽や琉球舞踊の演奏に伴奏楽器として用いられるが、ごく稀に民謡の伴奏にも用いられる。
胡弓 概説
3. 広義として、擦弦楽器を総称する時に「胡弓」の語を用いることがある。明治初期にはヴァイオリンも胡弓と呼ばれたことがある。一般的にはアジアの擦弦楽器を総称する時に使われることがあるが、定義は曖昧である。そのためもあり特に、中国の擦弦楽器である二胡、高胡などを俗に胡弓と呼ぶことすらある。現代では単に胡弓といった場合、むしろこれらを指すことも多い。しかしこれは明らかに誤用であり、そのために本来の胡弓との間に混同が生じており、問題化している（中国の擦弦楽器との区別のため和楽器の胡弓が「和胡弓」「大和胡弓」「日本胡弓」といった名称で呼ばれることもある）。このため、一部の胡弓関係者、二胡関係者により、正しい呼称の使用が呼びかけられている。
以下は1. 和楽器の胡弓についてである。
胡弓 歴史
胡弓が最初に文献に現れるのは江戸時代初期であり、三味線と比較するとやや遅い。その起源は諸説があり定かではない。中国の二胡など胡琴系楽器とはやや縁が遠く、むしろ東南アジアの楽器に近いのではないかという説や、南蛮貿易によりもたらされたヨーロッパのレベックやヴィオールに起源を求める説もある。当初は門付（かどつけ）などの民俗音楽に用いられていたようだが、一説によると三味線音楽の祖である石村検校も胡弓の名手だったという。また、八橋検校と親交のあった藤本箕山が1678年に著した『色道大鑑』には、八橋検校によって胡弓の弓が改良され音色が著しく変わったことが書かれている。このように、地歌・箏曲の成立とほぼ同時に当道座の盲人音楽家たちによって胡弓が演奏されていたことが分かる。また、初期の胡弓は胴が丸形をしており、三味線とは異なった形をしていたが、江戸時代中期までにはほぼ三味線と同形となり、形が定まった。
胡弓 歴史
その後、胡弓音楽は三味線 (三弦) の音楽である地歌、箏の音楽である箏曲と同時に発展し、これらを総称して「三曲」といい、相互に深くかかわり合って来た。また地歌や箏曲に加わり他の楽器と合奏することも多くなり、特に三曲すべてを合わせる三曲合奏の形式が出来上がっていった。江戸時代を通じて三曲合奏が盛んであり、このようにして、胡弓音楽は当道座の盲人音楽家たちによって作られ、今に至るまで伝承されてきた。今日、マスコミなどでは民謡の胡弓が取り上げられることが多く、一般にも知られているが、しかし胡弓音楽の主体は歴史的、内容的に見ても三曲にあり、現在でも新しい曲が作られ、演奏活動や伝承も行なわれている。
胡弓 種類
胡弓の種類については、通常の三弦のもののほかに、江戸時代中期に江戸において藤植検校が藤植流を創始し、四弦の胡弓が伝承されている。明治以降には宮城道雄が、通常使われている胡弓を大型にした大胡弓を開発し、この楽器を用いた楽曲を作曲している。他に、大正時代に音楽学者田辺尚雄が考案した「玲琴」がある。これは三本弦だが胡弓のように皮張りではなく板張りの台形胴を持ち、外見はモンゴルの馬頭琴に類似しており、はじめは民謡の一形態である「追分」の伴奏に使われていたが、やがて当時盛んになっていた「新日本音楽」に取り入れられ、様々な合奏で使われた。主に低音部を受け持ったが、戦後はほとんど使用されなくなった。また平成になって胡弓演奏家の原一男により低音域を拡張させた五弦胡弓が考案されている。
胡弓 三曲（胡弓楽・地歌・箏曲）における胡弓
江戸時代中期には盲人音楽家たちにより芸術音楽化が進み、胡弓独自の流派が立てられ、胡弓専門の音楽がつくられた。これを後世「胡弓楽」と呼ぶ。これに、同じく盲人音楽家たちの専門である地歌・箏曲を合わせて三曲と呼ぶ。胡弓専用の曲のほか、これら地歌曲の多くや箏曲の一部に胡弓を合奏することも盛んになり、ことに三曲の楽器すべてを合奏することを三曲合奏といい、盛んに行なわれた。こうして独奏楽器として、また三味線・胡弓合奏、箏・胡弓合奏、三曲合奏の1パートとして胡弓楽のジャンルが広がり発展することになる。ただし、特に江戸時代後半となると、胡弓楽と地歌、箏曲は交流が著しくほとんど一体化してしまっているので、胡弓楽という言葉はあまり使われない。また明治時代になると、三曲合奏は胡弓の代わりに尺八を用いることが多くなり、胡弓の演奏は減少したが、多くの地歌・箏曲の伝承流派は現在も胡弓の曲を伝承している。ただし胡弓楽は地歌、箏曲とは半ば独立した伝承系統を持っていることもあり、流派としては、地歌や箏曲の生田流に対応するものは流派を名乗っていないが大きく分けて大阪系、京都系、九州系、名古屋系があり、山田流箏曲に対応するものとして藤植流、松翁流がある。ほかに、大阪の政島検校(18世紀中頃)の創始による政島流があり、幕末に伝承が絶えてしまったが、現在の大阪系と関係があると思われる。また19世紀初頭に京都で活躍した名手腕崎検校の流れである腕崎流が存在したとも言われ、現在の京都系もそう名乗っているが、確かなことは分かっていない。その他品川検校による品川流があったとも伝えられるが、これについてはまったくわかっていない。名古屋系はもっともよく胡弓の伝承を守っており、吉沢派、寺島派に分けられる。吉沢派は幕末に活躍した吉沢検校の流れである。地歌曲や箏曲に胡弓を合奏させる場合、多くはほとんどユニゾンで目立ち過ぎぬように合わせるが、吉沢は胡弓に独自の旋律を与え、非常に技巧的な作曲、編曲をしており、作品のひとつ「千鳥の曲」は胡弓の本曲として、また箏の曲として名高い。また、たとえば箏曲「六段の調」に、吉沢の手付による胡弓パートが合奏される場合、特別に「長崎六段」と呼ばれるほど独自で技巧的な手付になっている。大阪系でも明治以降に菊原琴治などが独自の手付を残している。
胡弓 三曲（胡弓楽・地歌・箏曲）における胡弓
地歌・箏曲とともに発展し、当道座の盲人音楽家によって伝承されてきた胡弓音楽を胡弓楽と呼ぶ。胡弓楽としてみた場合、その音楽は「本曲」と「外曲」に分けられる。本曲は本手組とも呼ばれ、胡弓本来のために作られた曲であり、各流派がほぼ独自の本曲を持っている(一部本曲のない流派もある)。曲によっては『鶴の巣籠』のように尺八楽との交流によって生まれたものもあるし、先の『千鳥の曲』のように箏との二重奏曲的性格の強いものもある。このほか、有名な胡弓本曲に『蝉の曲 (名古屋系・吉沢検校作曲)』、『岡安砧』 (藤植流・作曲者不詳) などがある。特に藤植流には多くの本曲が伝えられており、また幕末に断絶してしまった政島流には更に多くの本曲があった。外曲は箏曲、地歌曲を指し、きわめて多くの曲がある。ただし胡弓演奏家はほとんどが地歌、箏曲演奏家でもあるので、本曲でも伴奏として箏や三味線が入ったり、また地歌や箏曲に取り入れられたりしている曲もあり、このような分け方は尺八ほど厳密ではない。また宮城道雄以降、今に至るまで胡弓のための新作曲も多くはないながら作られている。
胡弓 義太夫節における胡弓
義太夫節は上方で盛んだったためか、三曲の影響を色濃く受けている側面があり、そのひとつが胡弓を使う演奏といえる。特に『壇浦兜軍記』の「阿古屋琴責の段」では、頼朝を仇と狙い姿を消した、悪七兵衛景清の馴染みの傾城、阿古屋が景清の行方を詮議され、琴（箏）、三味線 (地歌三味線)、胡弓を見事に弾いて、その旋律に迷いがないことから、景清の行方を知っているのではないかという疑いを晴らすという場面で、胡弓が用いられることが有名である。この3つの楽器を用いている点も三曲の影響といえる。ちなみに、この演目が歌舞伎で上演される場合は、阿古屋を演ずる女形が3つの楽器を実際に演奏することが通例となっている。そのほかの曲でも『生写朝顔話』など義太夫節では胡弓が用いられる曲は少なくない。
胡弓 民謡における胡弓
民謡における胡弓としては富山県富山市八尾地区のおわら風の盆で演奏される「越中おわら節」などで使用されるのが有名である。ただし胡弓が加わるようになったのは明治以降である。おわら用とされている胡弓には近年、通常のものよりもやや棹が長く作られたものがある。これは野外での演奏のため、弦長を大きくして張力を高め、音量の増大をはかったものと思われる。弓は古典系のものよりもかなり短く、ただし湾曲部より先はむしろ長めにしてあり、つまり手元から先に向けての棹と毛の離角が大きい。毛量は少なく弛みを持たせずに張られている。また富山県の民謡には「麦屋節」、「せり込み蝶六」など胡弓を使用するものが多い。
胡弓 その他
その他、胡弓が使われる音楽として次のものがある。
胡弓 調弦
三味線を小型にしたような形を持つ胡弓は、三味線と同様の調弦が可能である。主なものとして、本調子、二上がり、三下がりがある。胡弓楽、地歌、箏曲の胡弓は圧倒的に三下がりが多い。義太夫節や民謡では二上がりの調弦を用いる曲も少なくない。
二胡
二胡（にこ、拼音: èrhú）は中国の伝統的な擦弦楽器の一種。2本の弦の間に挟んだ弓で弾く。琴筒はニシキヘビの皮で覆われている。
二胡 歴史
原型楽器は、唐代に北方の異民族によって用いられた奚琴という楽器であるとされる。この頃は現在のように演奏するときに楽器を立てず、横に寝かせた状態で棒を用いて弦を擦り、音を出した。宋代に入り演奏時に立てて弾く形式が広まり、この頃には嵆琴と字を変えて呼ばれるようになった。宋代宮廷のある嵆琴奏者が一本の弦で曲を弾いたエピソードが沈括《補筆談・楽律》に見え、この時ある程度の演奏技術が確立していたことが分かる。また同じく沈括《夢渓筆談》の記録より、宋代で既に馬の尻尾が弓に用いられていた様子がうかがえる。
近代になり劉天華等によって演奏技法が高度化され、それに伴い楽器自体も改良が重ねられた。1920年代、西洋音楽が中国に大量に入り、劉天華をはじめとした音楽家たちは中国の伝統文化と融合させた新しい音楽や奏法を開発した。劉天華は二胡独奏曲「良宵」「光明行」など十曲を作曲し、それまで演劇の伴奏が主体であった二胡に、独立した楽器としての地位を与えたのである。現在普及している形は、1950年代から（文化大革命の停滞期を挟み）1980年代ごろに出来上がったものが基本となっている。
二胡 分類
二胡は琴筒の形状、製作地によって大きく3つに分類され、以下の特徴がある。
蘇州二胡
琴筒が表裏とも六角、裏面に透かし彫り。哀愁ある深い音色。
北京二胡
琴筒の正面が八角形、裏側は円形。一般的には六角のものより音質が硬い。
上海二胡
琴筒が表裏とも六角、裏面の透かし彫りが蘇州より細かい。みやげ用に大量生産されているものが多く、音色に個性がない。
二胡 広義の二胡
広義の“二胡”は以下の楽器も含む。それぞれ奏法や音域、音色、楽器の大きさや形状が異なる。
京二胡
京劇の伴奏楽器として梅蘭芳が採用し、定着。サイズは京胡と二胡の中間。
高胡
広東音楽（かんとんおんがく）の「高音二胡」の略称。別名「粤胡（えつこ）」（「粤」は広東地方の旧国名）
中胡
「中音二胡」の略称。
低胡
「低音二胡」の略称。音域の高い順に、小低胡（別名「大胡」）、中低胡、大低胡などに細分される。
二胡 日本における「二胡」と「胡弓」
日本においてはこの楽器を胡弓と呼ぶ場合があるが、中国の二胡と日本の胡弓には直接のつながりがなく、胡弓は日本の伝統楽器、および伝統的な擦弦楽器群の総称をいう。また、中国には胡弓と呼ばれる楽器はない。
江戸時代にはすでに明清楽（殊に清楽）の流行と共に二胡の原楽器である胡琴が演奏されていたが、きちんと「胡琴」と呼ばれ、胡弓とは区別されていた。しかし明治初期にはヴァイオリンをも胡弓と呼んだ例があり、「胡弓」が広義の意味で擦弦楽器の総称としても使われる一方、明治から昭和前半にかけ本来の胡弓が衰退して知名度が低下した結果、次第に混同されこのような誤用が起こったと考えられる。
またこの誤用が一般的に普及した背景もあってか、中国胡弓と紹介する例も存在する。ただし、この場合前出の「胡琴」や「京胡」などの中国の伝統的な擦弦楽器全般（「胡弓」の用法と同様に）を指す場合もあり、読み手には文脈上の注意が必要になる。
いずれにせよ、混同による問題を避けるためにも、楽器そのものの持つ文化的背景などを尊重するためにも、正確な呼称が用いられることがのぞましいが、楽器そのものの普及とともに、次第に解決されていくと考えられる。
高胡
高胡（こうこ）は中国の伝統楽器。擦弦楽器。広東音楽で使われる粤胡（ユエフー）のことで、広東では二胡（アルフー）とも呼んでいる。大体1920年代に二胡の改良によってできたものである。
胴の部分は二胡に比べて小さく、調弦は二胡よりも4～5度高いので高胡と呼んでいる。
1950年代以降に広く用いられるようになり、現在では民族オーケストラの中で高音の擦弦楽器になっている。合奏、伴奏、独奏に用いる。
ウミホタル
ウミホタル（海蛍）は、顎脚綱（がくきゃくこう） 貝虫亜綱 ミオドコパ上目 ミオドコピダ目 ウミホタル科ウミホタル属に属する甲殻類である。
ウミホタル 特徴
成虫は長32- 3.5mmでメスがやや大きい。夜行性で、青く発光する。日本の太平洋沿岸に幅広く生息。日本沿岸に生息する発光性介形虫としては最もメジャーな種である。全身を透明な2枚の背甲で楕円球状に覆っており、米粒のような姿をしている。背甲は蝶番状で自由に開閉し、甲に覆われた軟体部には7対の付属肢を持つ。第1肢と第2肢は触角で、第2触角を遊泳に用いる。第3肢は大顎、第4肢は小顎で共に捕食のために使う。うちわ状の第5肢は背甲内に海水を循環させる役割を持ち、小さな第6肢がこれに付属している。第7肢（清掃肢）は背甲内の掃除を担い、抱卵・放仔時にも活躍する。
昼間は海底の砂中で生活し、夜間に遊泳して捕食や交配を行う。沿岸生物のほとんどは潮汐サイクルに支配された生活リズムを持つが、ウミホタルは月齢による支配を受けている。遊泳時には背甲前端のスリットから付属肢を出して泳ぐ。遊泳活動が盛んなのは春から秋にかけて。水温が低下するとあまり活動しなくなるが、冬季でも完全に冬眠することはない。正確な寿命はわかっていないが、飼育環境下では成体が半年以上生存した記録がある。
雑食性で何でも食べる。スカベンジャ的な食性を示すが、特に肉類を好む様で生きたゴカイやイソメ等を襲って食べることもある。
ウミホタル 発光
名前の由来となっている青色発光の目的は外敵に対する威嚇で、刺激を受けると盛んに発光する。ウミホタルは負の走光性（光から逃げる性質）を持っているため、発光は仲間に危険を知らせるサインにもなっていると考えられている。この光はウミホタルが分泌する発光物質（ルシフェリン）が酸化される際のもので、体外に放出されると同時に酵素（ルシフェラーゼ）の作用を受けて海中の酸素と激しく反応する。同様の反応で発光する生物は他に魚のキンメモドキやツマグロイシモチが知られるが、これらは摂食したウミホタルに由来しているものと考えられている。なお、ルシフェリンおよびルシフェラーゼは生物発光に関わる物質を指す一般的な名称で、ホタルの発光機構で言及されるものとウミホタルのそれとは全く異なる物質である。ウミホタルのルシフェリンはヴァルグリンであり、一般にウミホタルルシフェリン（Vargula luciferin）と呼びならわされる。
ウミホタル 発光
なお、この分野の研究において、ウミホタルは重要な役割を果たした。生物発光がルシフェリン–ルシフェラーゼ反応によることは、ラファエル・デュボアがヒカリコメツキやカモメガイを材料に示したものだが、これらの動物は多量に集めること、常時入手することなどが難しく、研究を進めるには困難であった。これに対して、ウミホタルは採集がたやすく、乾燥して保存することもできる上、その反応がより簡単で、発光物質も安定なものであることをアメリカのニュートン・ハーヴェイが見いだし、研究材料として大いに用いられるようになった。
ウミホタル 研究史
ウミホタルは1890年にドイツ人のグスタフ・ヴィルヘルム・ミュラーにより、Cypridina hilgendorfiiの名で新種として記載された。種小名は日本の江ノ島でタイプ標本を採集したフランツ・ヒルゲンドルフにちなむ。その標本は、ベルリンのフンボルト自然史博物館に保存されている。
ウミホタルの発光機構は、長い間研究者の関心を集めてきた。中でも下村脩が、1957年に初めてウミホタルのルシフェリン結晶化に成功した。
1962年に属がCypridinaからVargulaに変更された。
ウミホタル 利用
第二次世界大戦中に、日本でこれを軍事利用した例がある。ウミホタルを乾燥させ、これに水分を与えると、微弱な光を放つようになる。そこで、南方のジャングルで偵察を命じられた兵がウミホタルの乾燥粉を携え、これを行動中の足元に撒くことでかすかな光を放つ目印として使用したとされる。
竹本義太夫
竹本 義太夫（たけもと ぎだゆう、慶安4年〈1651年〉 - 正徳4年9月10日〈1714年10月18日〉）とは、江戸時代の浄瑠璃語り。義太夫節浄瑠璃の創始者。本名五郎兵衛、初期には清水五郎兵衛と名乗る。のちに竹本筑後掾と称した。
竹本義太夫 来歴
摂津国天王寺村の農家に生まれる。当初、当時人気の浄瑠璃語り井上播磨掾弟子である清水理太夫に入門し、播磨掾の芸風を学ぶ。のちに京都に出て、浄瑠璃語りの宇治加賀掾のもとで浄瑠璃を語り好評を得、清水五郎兵衛と名乗った。延宝5年12月に京都の四条河原に芝居小屋を建てて独立した。加賀掾の興業主であった竹屋庄兵衛が組織した操り人形芝居の一座に加わって西国で旅回りをし、延宝8年（1680年）のころ竹本義太夫と改名。いっぽう天和3年（1683年）には、近松門左衛門が加賀掾のために『世継曽我』を書いたが、翌年の貞享元年、義太夫は大坂道頓堀に竹本座を開場して座本（興行責任者）となり、その旗揚げとしてこの『世継曽我』を語り評判をとる。近松が竹本義太夫とかかわりを持つようになったのは、これが最初であった。
竹本義太夫 来歴
さらに貞享2年、竹本座は近松作の『出世景清』を上演し義太夫がこれを語ったが、以後義太夫と近松が提携して上演した作は「新浄瑠璃」と呼ばれるようになり、この作より以前の、播磨掾や加賀掾らが語ったものを「古浄瑠璃」と呼んで区別するほどの強い影響を浄瑠璃の世界に与えた。
元禄14年(1701年)に従七位上筑後掾（ちくごのじょう）を受領し、竹本筑後掾と称す。
同16年には近松作の『曽根崎心中』が好評により竹本座の経営が安定したので、座本を引退し初代・竹田出雲にその座を譲ったが、その後も竹本座には出演している。正徳4年に死去、享年64。墓所は大阪市天王寺区の超願寺。なお弟子の発起によって生國魂神社境内の浄瑠璃神社にも祀られている。
二代目竹本義太夫に関しては「竹本政太夫」の項を参照。
浄瑠璃
浄瑠璃（じょうるり）は、三味線を伴奏楽器として太夫が詞章（ししょう）を語る音曲・劇場音楽である。
詞章が単なる歌ではなく、劇中人物のセリフやその仕草、演技の描写をも含み、語り口が叙事的な力強さを持つ。このため浄瑠璃を口演することは「歌う」ではなく「語る」と言い、浄瑠璃系統の音曲をまとめて語り物（かたりもの）と呼ぶ。
江戸時代初期以降、個々の太夫の口演が「――節」と呼ばれるようになり、その後流派として成立して、現在は義太夫節・河東節・一中節・常磐津節・富本節・清元節・新内節・宮薗節（薗八節）の8流派が存在する。
単独で素浄瑠璃として演じられるほか、流派によっては人形劇である人形浄瑠璃として（文楽など）、歌舞伎音楽として、日本舞踊の伴奏として演じられる（流派ごとの上演形態については後述）。
浄瑠璃 歴史
戦国時代ごろの御伽草子の一種『浄瑠璃十二段草子』。作者は「百家系譜」によれば小野阿通という織田信長に仕える侍女で、大病のため静養していた信長のために三味線を用いて語ったという説が江戸時代までは有力であったが、現在までに様々な学者により議論が進められ、享禄4年（1531年）の「宗長日記」は、少なくともそれ以前から浄瑠璃が存在していた、との記述があり、それを当道座に所属していた琵琶法師によって、平曲（平家物語を琵琶により伴奏して語ったもの）に次ぐ新たなものとして扱われ、滝野検校によって節づけがなされ、はじめ琵琶で演奏されていたものが、虎沢検校に師事した沢住検校によって三味線を用いて語るようになり、それを小野阿通が信長に聞かせたという説が一般的である。
浄瑠璃御前（浄瑠璃姫、もしくは三河国矢矧宿の遊女）と牛若丸の情話に薬師如来など霊験譚をまじえたものを語って神仏の功徳を説いた芸能者にあるとするのが通説であり、「浄瑠璃」の名もここから生まれたものである。浄瑠璃とはサンスクリット語からの訳で、清らかな青いサファイヤを意味し、薬師如来の浄土はこれによって装飾されているとされた。
浄瑠璃 歴史
その内容はだいたいにおいて享禄年間（1528–32年）には完成していたと考えられる。最初期は平曲、謡曲、説経節などの節付けに学んで扇拍子を伴奏にしたようだが、永禄年間（1558–1570年）に琉球から三線が渡来し、これが三味線へと発達するにしたがって飛躍的な成熟を遂げることになる。三味線をいち早く音曲に取入れたのは上方の盲人であったが（上方地歌）、沢住検校が浄瑠璃と合体させ、さらに文禄年間（1593–1596年）にいたってこれが傀儡子の伴奏として用いられるようになり、現在にまでいたる浄瑠璃音曲が完成してゆく。浄瑠璃姫十二段草紙の構成は下記のとおり。
浄瑠璃 歴史
一段 「申し子の段」 - 姫父母の素性。申し子すなわち神仏に子を願うこと。浄瑠璃の由来。
二段 「花そろえの段」 - 姫の庭に咲く美しい花の描写。
三段 「美人そろえの段」 - 姫の侍女たちの美を形容。
四段 「そとの管弦の段」 - 姫と侍女たちの管弦に、牛若丸が門外で笛を合わせる。
五段 「笛の段」 - 牛若の服装と容姿の美に侍女たちが騒ぐ。
六段 「使ひの段」 - 姫が使いを出し歌によって牛若の心を引き、謎かけをする。
七段 「忍びの段」 - 牛若が忍び入ろうと、故事を引き、姫の心をうかがう。
八段 「枕問答」 - 仏法になぞらえて姫に問い詰め、姫が負けて無言になる。
九段 「やまとことばの段」 - さらにやまとことばで問い続け、姫に口を開かせる。
十段 「御ざうつりの段」 - 一夜の契りの後、朝の別れ。
十一段 「吹上の段」 - 吹上の浦で牛若が奇病にかかり、姫が八幡山の知らせで駆けつける。
十二段 「御曹司東くだりの段」 - 両人は記念の品を交わし、牛若は奥州に下る。
浄瑠璃 歴史
浄瑠璃が本格的な芸術性を備えるようになるのは江戸時代に入ってからである。浄瑠璃に節づけをした滝野検校の門人である杉山丹後掾と、浄瑠璃に三味線をはじめて用いた沢住検校の門人の薩摩浄雲によって京から江戸へともたらされた浄瑠璃という三味線音楽は、彼らの門下によって多くの流派にわかれ、世人に大いに受入れられるようになっていった。
杉山丹後掾の門下からは、江戸肥前掾（肥前節）、近江大掾語斎（語斎節）、江戸半太夫（半太夫節）。薩摩浄雲の門下からは、桜井丹波少掾（金平節・金平浄瑠璃）、薩摩外記（外記節）、内匠土佐少掾（土佐節）、井上播磨掾（播磨節）、虎屋永閑（永閑節）、宇治加賀掾（嘉太夫節）、別系統で伊藤出羽掾（出羽節）、二代目岡本文弥（文弥節）など多くの古浄瑠璃太夫が現れ、掾号を受領した太夫も多かった。日本邦楽史では、近松門左衛門が竹本義太夫のために書いた『出世景清』（貞享3年/1686）が従前にはない物語性を持った革命的な浄瑠璃作品であることから、それ以前に出た浄瑠璃を「古浄瑠璃」、以後を「新浄瑠璃」あるいは「当流」といって区別している。古浄瑠璃からは説教節の影響も受けて説教浄瑠璃なども生まれた。古浄瑠璃時代の詞章（歌詞）や戯曲には未発達なものが多く、かならずしも文学的には高い評価を得るものではないが、これが現存する完成度の高い8つの浄瑠璃への橋渡しとなった。
浄瑠璃 歴史
貞享元年（1684年）ごろ、竹本義太夫（後に筑後掾）が道頓堀に竹本座を開設して義太夫節を樹ててよりのちは、浄瑠璃に新たな時代が訪れる。名作者近松門左衛門と結ぶことによって、戯曲の文学的な成熟と詞章の洗練が行われ、義太夫節と人形浄瑠璃は充分に芸術性が高まっていた。この新しい様式は上方の人士から熱狂的な支持を受け、義太夫節はそれ以前の古浄瑠璃を圧倒することになる。たとえば古浄瑠璃時代にはその人の名を付して何某節と呼ばれていたように、それがひとつの様式として後代に受け継がれる性格のものではなかった（一節一太夫）が、義太夫節にいたってはそのあまりに完璧な内容のために、「義太夫節」という流儀名が竹本義太夫死後もひとつの様式の名前として用いられ続け、家元制をひいていないにもかかわらず、今日まで残っているのは、その象徴的な事例であろう。義太夫節の特徴は「歌う」要素を極端に排して、「語り」における叙事性と重厚さを極限まで追求したところにある。太夫と三味線によって作りあげられる間の緊迫、言葉や音づかいに対する意識、一曲のドラマを「語り」によって立体的に描きあげる構成力、そのいずれをとっても義太夫は浄瑠璃界にのこした功績は大きい。
浄瑠璃 歴史
一方、このころ竹本義太夫と同期の都太夫一中は京で一中節を創始し、その弟子宮古路豊後掾がさらに豊後節へと改めて、享保19年（1734年）これを江戸へもたらした。豊後節の特徴は義太夫節の豪壮な性格とは対照的に、一中節の上品な性格を生かしたやわらかで艶っぽい語り口にあり、江戸において歌舞伎の劇付随音楽として用いられたため、またたく間に大流行を見た。その人気は、心中ものの芝居にさかんに用いられたために江戸で心中が横行し、風俗紊乱を理由に豊後節の禁止が布告され、豊後掾が江戸を去らねばならなくなったほどであった（ただし、この豊後節禁止は河東節をはじめとする江戸浄瑠璃側の嫌がらせという説もある）。
浄瑠璃 歴史
しかし、この宮古路豊後掾に師事した宮古路文字太夫（のちの常磐津文字太夫）、宮古路加賀太夫（のちの富士松薩摩）、宮古路薗八らが、数年後にそれぞれ常磐津節、富士松節、薗八節を創始するにいたって、豊後節の伝統は江戸に根付き、大阪の義太夫節と共に、それ以前の古浄瑠璃の人気を奪いさってゆく。常磐津節は歌舞伎の伴奏用浄瑠璃として盛んに用いられ、豊後節のやわらかさと江戸古浄瑠璃の豪壮さを取混ぜた独特の風情を持っており、江戸らしい気風のよさを感じることができる。一方、富士松節からは鶴賀若狭掾、鶴賀新内という名人が輩出し、特に鶴賀新内は新内節を創始することにより、豊後節系浄瑠璃の新たな局面を開くことになる。新内節は一時期、歌舞伎にも用いられたことがあるが、江戸時代後期からは主として門付けを中心として行われ、豊後節の艶麗な部分を引継いで情緒纏綿たる世界をつくりあげてゆく。薗八節からはが出て、宮薗鸞鳳軒と称し宮薗節を創始した。
四代目範馬のような豊後節系浄瑠璃の展開は江戸中期以降にいたって新たな局面を見せる。常磐津文字太夫の門弟、富本豊前掾が一派を立てて富本節を称し、さらに二代目富本豊前太夫の門下から清元延寿太夫による清元節が生れる（文化11年、1814年）。これらはいずれも常磐津節の艶麗な芸風をさらにつよめた流儀で、むろん歌舞伎の劇付随音楽としても用いられたが、それだけにとどまらず、素人の習事、座敷音曲としての性格をも備えるようになってゆく。通常豊後節から見て、子、孫、曾孫になる常磐津節、富本節、清元節を「豊後三流」と称し、それぞれに微妙な性格の違いがある。常磐津節は艶麗さの反面、古い江戸浄瑠璃の名残を引いて豪壮な部分があり、歯切れのいい語り口をも兼ね備えている。それに対して、富本節と長唄の混交から生れた清元節には豪壮さがまったくなく、高音を多用した繊細で情緒的な浄瑠璃になっており、「語り」よりも「歌」の要素がきわめてつよい。常磐津節には素朴で豪放な部分があり、清元節にはそれを洗練させすぎたゆえの美しさともろさがある。そして富本節は艶麗さと古雅な味いを共存させ、寂びた風情には捨てがたいものがあるが、惜しむらくは常磐津節と清元節のあいだにあって独自性が発揮できなかったために、明治以降は衰微するに至った。
現在、義太夫節は人形浄瑠璃（文楽・結城座・淡路人形座）・歌舞伎音楽（文楽とは別流派となっている竹本連中）・素浄瑠璃、河東節は歌舞伎音楽（『助六』上演時）・素浄瑠璃、一中節は日本舞踊伴奏・素浄瑠璃、常磐津節は歌舞伎音楽・日本舞踊伴奏・素浄瑠璃、富本節は素浄瑠璃、清元節は歌舞伎音楽・日本舞踊伴奏・素浄瑠璃、新内節は素浄瑠璃として、それぞれ活動を続けている。
浄瑠璃 芸脈
義太夫節
薩摩浄雲→虎屋源太夫→井上播磨掾（播磨節）→清水理兵衛
河東節
杉山丹後掾→江戸肥前掾（肥前節）→江戸半太夫（半太夫節）→十寸見河東（河東節創始）
一中節
伊藤出羽掾（出羽節）→二代目岡本文弥（文弥節）→都万太夫（都越後掾）→都太夫一中（一中節創始）
常磐津節
都太夫一中（一中節）→宮古路豊後掾（豊後節）→常磐津文字太夫（常磐津節創始）
富本節
常磐津文字太夫（常磐津節）→富本豊前掾（富本節創始）
清元節
富本豊前掾（富本節）→初代富本斎宮太夫→清元延寿太夫（清元節創始）
新内節
宮古路豊後掾（豊後節）→富士松薩摩（富士松節）→鶴賀若狭掾→鶴賀新内（新内節創始）
宮薗節
宮古路豊後掾（豊後節）→宮古路薗八（薗八節）→宮薗鸞鳳軒（宮薗節創始）
大薩摩節
享保年間に大薩摩主膳太夫が創始した江戸浄瑠璃の一派。文政年間に長唄演奏者の四代目杵屋三郎助に家元権が預けられ、2020年現在も長唄の演奏家により演奏される。ほかの浄瑠璃と同様の姿勢で演奏されるほか、立ち位置で演奏する歌舞伎の演出があり、このとき三味線演奏者は右足を四角錐状の足置きに乗せ膝上に三味線を載せて演奏し、太夫は原稿を手にもって語る。
また、桜井丹波少掾（和泉太夫）の創始した金平浄瑠璃は、後に歌舞伎の荒事に影響を与えた。半太夫節は河東節、長唄、地唄に、外記節は河東節に面影が残る。
虚無僧
虚無僧（こむそう）とは、禅宗の一派である普化宗の僧のこと。
虚無僧 解説
普化宗は唐の普化を祖とし、日本には臨済宗の僧心地覚心が南宋に渡り、普化の法系の張参に竹管吹簫の奥義を受け、張参の弟子「宝伏」ら4人の居士を伴い、建長6年（1254年）に帰国し紀伊由良の興国寺に普化庵を設けて住まわせたことに始まる。古くは、「こもそう（薦僧）」ということが多く、もと坐臥用のこもを腰に巻いていたところからという。
虚無僧は「僧」と称していながら剃髪しない半僧半俗の存在である。尺八を吹き喜捨を請いながら諸国を行脚修行した有髪の僧とされており、多く小袖に袈裟を掛け、深編笠をかぶり刀を帯した。はじめは普通の編笠をかぶり、白衣を着ていたが、江戸時代になると徳川幕府によって以下のように規定された。
托鉢の際には藍色または鼠色の無紋の服に、男帯を前に結び、腰に袋にいれた予備の尺八をつける。首には袋を、背中には袈裟を掛け、頭には「天蓋」と呼ばれる深編笠をかぶる。足には5枚重ねの草履を履き、手に尺八を持つ。
虚無僧 解説
旅行時には藍色の綿服、脚袢、甲掛、わらじ履きとされた。なお、よく時代劇で用いられる「明暗」と書かれた偈箱（げばこ）は、明治末頃から見受けられるようになったもので、虚無僧の姿を真似た門付芸人が用いたものである（因みに「明暗」に宗教的な意味合いはなく、「私は明暗寺（みょうあんじ）の所属である」という程度の意味である）。江戸時代には、皇室の裏紋である円に五三の桐の紋が入っており、「明暗」などと書かれてはいなかった。江戸期においても偽の虚無僧が横行していたが、偽虚無僧も皇室の裏紋を用いていたようである。
慶長19年（1614年）に成立したという『慶長掟書』（けいちょうじょうしょ）には「武者修行の宗門と心得て全国を自由に往来することが徳川家康により許された」との記述があるが、原本は徳川幕府や普化宗本山である一月寺、鈴法寺にも存在しないため、偽書ではないかと疑問視されている。罪を犯した武士が普化宗の僧となれば、刑をまぬがれ保護されたことから、江戸時代中期以降には、遊蕩無頼の徒が虚無僧姿になって横行するようになり、幕府は虚無僧を規制するようになった。
明治4年（1871年）、明治政府は幕府との関係が深い普化宗を廃止する太政官布告を出し、虚無僧は僧侶の資格を失い、民籍に編入されたが、明治21年（1888年）に京都東福寺の塔頭の一つ善慧院を明暗寺として明暗教会が設立されて虚無僧行脚が復活した。
自宅に訪れた虚無僧への喜捨を断るときには「手の内ご無用」と言って断る。
虚無僧 時代劇における虚無僧
江戸時代らしさを演出する市中・街道の通行人のほか、深編笠で素顔が見えない点を生かして、暗殺者や隠密、武士が本当の身分を隠して行動する時の姿として登場する。尺八を鳴らしながら近づいてきた虚無僧の一団が、すれ違った瞬間に襲い掛かるといった場面が典型的である。
ベンチャーキャピタル
ベンチャーキャピタル（venture capital、略称：VC）とは、ハイリターンを狙ったアグレッシブな投資を行う投資会社（投資ファンド）のこと。主に高い成長率を有する未上場企業に対して投資を行い、資金を投下する。上場時に売却することで大きな値上がり益を期待できるが、投資先企業の中には上場を果たすことができずに、出資金の回収が全くできないケースもあり、その意味で、ハイリスク・ハイリターンのスタンスで企業に投資しているといえる。経営コンサルティングなどを提供し、投資先企業の価値向上を図る企業も存在する。担当者が取締役会等にも参加し、経営陣に対して監視・コントロール・指導を行うこともある。事業会社が保有するコーポレートベンチャーキャピタル（CVC）は、VCの一種だが、フィナンシャルなリターンだけでなく、むしろ、ファンドの設立母体となった企業の新規事業立ち上げのために寄与する技術やアイディアなどの事業シーズを獲得するための情報探索のツール、新規事業立ち上げを推進する方策としてのVCファンドのことである。
ジャフコや大和SMBCキャピタル等の業界大手は、企業買収（バイアウト投資）等も行っており、買収ファンドの一面も持つ。
ベンチャーキャピタル 概要
ベンチャーキャピタルは、未上場企業に投資し、ファンドの運用報酬も収益源とする事業である。投資した企業を上場（株式公開）させたり、他のファンド等に転売して利益を得ることもある。投資が失敗し、廃業したり上場できないベンチャーも多いため、各投資案件に対しては投資金額の3倍、5倍、10倍といったリターンを目標としている。つまり、打率は低いが、長打を狙うタイプの投資方針となっている。一般には株式等のエクイティの引受けが基本的な投資手法となっているが、その他に、いわゆるCBの引受けや様々な設計の種類株等の引受けも行う。
自己資金を未上場企業に投資するケースと、投資事業組合（ファンド）を設立し、投資家から資金を集めて、ベンチャーキャピタルがそのファンドマネージャーとして未上場企業に投資するケースとがある。このようなベンチャーキャピタルファンドは、金融商品としては直接金融の中のオルタナティブ投資の一つであるプライベートエクイティの一形態として位置づけられる。
未上場企業に対して「出資」という形態で資金を投じるため、産業育成という役割が非常に大きい。ベンチャーキャピタルが出資先ベンチャー企業の経営に深く関与する場合もある。このような投資スタイルは「ハンズオン」と呼ばれている。時には投資担当者が投資先企業の社外取締役に就任して経営の一端を担うこともある。
ベンチャーキャピタル ベンチャーキャピタルの属性
ベンチャーキャピタルには独立系ベンチャーキャピタルやコーポレートベンチャーキャピタルといったいくつかの属性が存在する。株式会社INITIALは調査の際に金融系・独立系・コーポレートベンチャーキャピタル・海外・政府系・その他に分けている。
金融系ベンチャーキャピタル（略称：金融系VC）とは銀行や証券会社などの金融機関がファンドの出資者となっているベンチャーキャピタルのことを指す。
独立系ベンチャーキャピタル（略称：独立系VC）とは無限責任組合員（general partner、略称：GP）として、投資事業有限責任組合（VCファンド）を組成して、有限責任組合員（limited partner、略称：LP）である事業会社や機関投資家などから資金を集め、投資を行っているベンチャーキャピタルのことを指す。
ベンチャーキャピタル 日本のベンチャーキャピタル
1963年に政府の特殊法である中小企業投資育成会社法によって設立された、東京中小企業投資育成、大阪中小企業投資育成、名古屋中小企業投資育成の3社がベンチャーキャピタルの草分け的存在であると言われている。民間のベンチャーキャピタルで最古のものは1972年の京都エンタープライズデブロップメント（KED、1979年解散）で、現存する中ではジャフコ（当時は日本合同ファイナンス）が最初である。
ジャフコが野村グループの一員として設立されたように、日本におけるベンチャーキャピタルはその多くが銀行、証券会社、保険会社など金融機関の関連会社である。そのほかに、事業会社系、商社系、通信系などのベンチャーキャピタルが存在する。これらのベンチャーキャピタルが運営するファンドは、専ら親会社が出資しているため、コーポレートベンチャーキャピタル（CVC)と呼ばれる。親会社にとって、CVCは投資リターン以外の戦略的な狙いを持つことが多く、事業シナジーや情報収集が目的として挙げられる。
ベンチャーキャピタル 日本のベンチャーキャピタル
ストラテジックなリターン（戦略的なリターン）を得るCVC投資の始まりは、米国ゼロックス等が1960年代であり、日本の超大手企業にもすでに普及してる。「イノベーションのジレンマ」で社内から新しいイノベーションが生み出されないといったケースや、準大手企業や中堅企業で中央研究所などからの自社内R&Dが出てこない場合など、外部に新しい事業シーズを求めなければならない状況にあるオープン・イノベーションの最適なツールとなっている。
大学系のベンチャーキャピタルも存在するが、私立大学であればCVCと同様、親会社が出資しており、公立大学であれば税金が原資である。これらの大学系ベンチャーキャピタルは特定の大学の技術や学生を支援する目的で運営されている。
東京中小企業投資育成、大阪中小企業投資育成、名古屋中小企業投資育成以外にも政府系のベンチャーキャピタルは多く設立されている。
CVCや大学系、政府系ではなく、関連企業を持たないベンチャーキャピタルは独立系とも呼ばれ、ファンドの資金調達を独自に行うとともに、業種に特化するなど投資方針の独立性を持つことが多い。
2002年11月に日本における業界団体としては初めての日本ベンチャーキャピタル協会が設立された。なお、業界最大手のベンチャーキャピタルであるジャフコも2016年6月15日に加入が発表された。
証券系VC
都市銀行系VC
保険系VC
独立系VC
その他金融
事業会社系(CVC)
事業創造型VC
政府系ベンチャーキャピタル
大学系ベンチャーキャピタル