hotchpotch/wikipedia-multilingual-ir-pairs huggingface dataset:
金子修介 略歴
その後、脚本の書ける助監督として何本かのロマンポルノで助監督兼任または単独で脚本を執筆したのち、1984年（昭和59年）2月に日活ロマンポルノ『宇能鴻一郎の濡れて打つ』で商業監督デビューした。同年6月に、にっかつ撮影所の契約社員となり、1985年（昭和60年）にニュー・センチュリー・プロデューサーズへ移籍。弓月光の漫画を原作としたお色気コメディ『みんなあげちゃう』で一般映画初監督。1987年（昭和62年）、ヤクザコメディ『恐怖のヤッちゃん』をヤクザ映画の総本山、東映京都撮影所で撮るという難しい企画で初の他社撮影所進出に成功（しかも同撮影所はロマンポルノの先輩、田中登と神代辰巳がともに苦杯をなめた因縁の地であった）。以降、松竹、東宝と大手撮影所で作品を製作し、現在はフリーランスの立場で映画製作を手がけている。
なお、自主映画出身でロマンポルノ『ピンクカット 太く愛して深く愛して』にゲスト監督として招聘された森田芳光に対しては、同作品および引き続いて日活撮影所協力で製作されたATG映画『家族ゲーム』、さらには自らの監督昇進後に作られた角川映画『メイン・テーマ』でも助監督として補佐した。ロマンポルノでは、青春ものを得意とする小原宏裕らの現場に多くついている。
1996年、『ガメラ 大怪獣空中決戦』で第38回ブルーリボン賞監督賞および映画芸術誌邦画ベスト10で第1位、『ガメラ2 レギオン襲来』で第17回日本SF大賞および第27回星雲賞メディア部門を受賞。
1997年、『ガメラ2 レギオン襲来』で2年連続で第28回星雲賞メディア部門を受賞した。
2022年、『信虎』がマドリード国際映画祭2022で「外国語映画部門 最優秀監督」を受賞。
金子修介 人物
両親は日本共産党の党員で、雑誌『今日のソ連邦』を購読していた。父の金子徳好は、「アメリカはベトナムから手を引け」などの反戦ゼッケンを8年もの間、胸に付けて通勤し続けた。母の金子静枝は切絵作家、弟の金子二郎は脚本家である。脚本家の金子鈴幸は息子、映画監督の金子由里奈は娘。
小学生のころから石森章太郎の『マンガ家入門』を手本にマンガを描き始め、中学3年生のときには 『COM』にも投稿。高校に入学した1971年より8ミリ映画による自主映画の製作を始め、映画青年となる。
小学生のころは自作の怪獣事典を作るほどの怪獣少年であった。小学校時代の学芸会では、同級生であった野田秀樹とダンボールなどで作った怪獣を演じたという。小学1年生の時に観た『キングコング対ゴジラ』では、ゴジラが引き分けることに納得がいかず、ゴジラが勝つ漫画を自作した。
映画を撮り始めたころには怪獣のことは忘れて『仁義なき戦い』に傾倒しており、自身も社会問題を題材にすることを目指していたが、デビュー後に世界に通用するエンターテイメントは何か考えたところ、ハリウッドに対抗できる題材は怪獣映画だと思い至った。自身のデビュー当時は怪獣映画をやりたいと言っても笑い話にしかならなかったが、後年にハリウッドでモンスター・ヴァースが制作された際には、当時の考えは間違いではなかったと思えるようになったという。
金子修介 人物
幼少期、最初に鑑賞した映画『モスラ』は、両親とともに観た幸福な体験として記憶されているという。後年、『ゴジラvsモスラ』の制作発表当時の特報に監督名が記載されていなかったことから、東宝プロデューサーの富山省吾へ監督への起用を要望する年賀状を送っていた。これは実現に至らなかったが、地上のゴジラを空中からモスラが攻撃するとの構想は、後に手がけた『ガメラ 大怪獣空中決戦』でのガメラとギャオスの戦いに継承された。また、『ガメラ』への起用時には、『vsモスラ』の件を知っていた大映プロデューサーの鈴木良紀から「ゴジラの仇をガメラで討ちましょう」と言われたという。その後、『ゴジラ・モスラ・キングギドラ 大怪獣総攻撃』でモスラを登場させているが、当初の企画におけるバランの代わりであったため、モスラを爆散させたことや小美人を出せなかったことなどが心残りであったと述べている。なお、ゴジラシリーズの中で好きな怪獣としてメカキングギドラを挙げている。
金子修介 作風および評価など
映画スタッフ編成では、いわゆる「○○組」といった形ではなく、作品ごとにチームを組むスタイルのため、固定スタッフは多くないが、編集の冨田功とは14作品、撮影監督の高間賢治とは10作品以上で、作曲家の大谷幸とも8作品で組んでいる。
少女アイドル好きで知られ、アイドル映画で起用されることも多いが、自身の企画においても若手女優のキャスティングに偏重している。
ロマンポルノ時代には山本奈津子・イヴ・水島裕子・かとうみゆき、一般映画では深津絵里・小沢なつき・中山美穂・宮沢りえ・斉藤由貴・織田裕二・佐伯日菜子、最近作でも優香・上戸彩・藤原竜也らを起用しており、その演出手腕にも定評がある。
オタク歴を公言している世代としては映画監督デビュー第1号である。ロマンポルノという分野においてアニメパロディを織り込んで注目を集め、その後も『ゴジラvsモスラ』の監督立候補など、怪獣映画を作ることに関心を寄せ、『ウルトラQ』映画化の頓挫を経験した後、『ガメラ 大怪獣空中決戦』の成功で怪獣映画というジャンルに新風を吹き込んだ。自らの嗜好と趣味を絶え間なくアピールし続けることにより、撮りたい映画を撮れる環境を作り上げていった努力の軌跡である。
金子修介 作風および評価など
怪獣映画の2大シリーズであるゴジラとガメラを両方とも撮った経験を持つ、最初の監督でもある。さらに、テレビドラマにおいては『ウルトラマンマックス』も演出しており、その劇中でソフトビニール人形を使った子供の遊びとして「ゴジラ対ガメラ」を意図的に構成してみせた。このシーンは金子が直接東宝プロデューサーの富山省吾や角川映画に許可を得ており、権利関係から再放送やソフト化の際にはカットされている。
物語を観客に信じさせるための強固な理屈作りを重視しており、原作ものでも原作にない設定を加えている。怪獣映画では、観客は2体以上の怪獣を観たいと分析しているが、2体以上では理屈付けが難しく、ガメラやゴジラでは対戦相手に古代からの因縁を設けている。
金子修介 作風および評価など
『ガメラ』の撮影では、自衛隊の全面協力を受けたことが『朝日新聞』と『読売新聞』に興味本位で取り上げられ、『しんぶん赤旗』同紙日曜版には自衛隊を賛美するものと同作の完成前から批判する読者投稿が掲載された。しかし、自身は「日本の自衛のためには憲法九条の二項の戦力の保持は改正して軍隊として認めるべきだが、集団的自衛権を否定して軍事同盟も破棄すべき」とする持論を挙げており、自衛隊のメディア戦略なども理解している。そして、映画の完成前から批判意見を載せた『しんぶん赤旗』に反論する自らの意見を掲載させている。ただし、『ガメラ』の監督作品全3作とも戦闘機が撃墜されるシーンが自衛隊から協力をもらうために不採用となった件に関しては、後年の『ゴジラ・モスラ・キングギドラ 大怪獣総攻撃』（以下『GMK』）で実在しない防衛軍を設定し、その戦闘機が住宅地へ墜落して火災が発生するシーンを映像化してみせた。同作品については、日米安全保障条約が締結されておらず戦争放棄のために兵器の所有を認めている世界観であるとしている。
金子修介 作風および評価など
ガメラシリーズのころから自身でも特撮の演出も手掛けたいと希望し、『GMK』では自身で造型の打ち合わせや絵コンテの制作を行った後に特殊技術の神谷誠へ委ねるというスタイルをとった。金子は、自身で怪獣に芝居をつけたいという想いもあったが、実際の現場を見て自身では細かい芝居をつけることはできなかっただろうと感じ、神谷を信頼して正解であったと述べている。
脚本家の長谷川圭一は、かつて金子組で装飾スタッフを務めており、執筆した脚本を金子に読んでもらってアドバイスを受けるなどを経て、デビューに至った。そのつながりから金子は、『GMK』で長谷川を脚本家として起用している。
津川雅彦には、CMを演出した縁から可愛がってもらったといい、金子作品には短いシーンでも出演することが多い。津川は、金子について義理人情に厚く、笑顔が可愛いので惚れてしまったと語っていた。
『GMK』で主演を務めた新山千春は、金子について「独特な雰囲気の方」と評しており、新山の役作りが金子の考えと違うものであっても頭ごなしに否定はせず、指示もわかりやすく伸び伸びと演技できたと語っている。同作品に出演した小林正寛も金子からいろいろなことを教えてもらい愛情を感じたと述べ、葛山信吾は「非常にマイペースな方」と述懐している。
1993年の作品『卒業旅行 ニホンから来ました』の撮影時、主演の織田裕二との間でトラブルが発生し、その顛末を公開直後の『シナリオ』誌に寄稿した。また、『卒業旅行』の撮影に関しては『ガメラ監督日記』の中で「本が3冊書けるぐらい」の経験をした、と綴っている。
金子修介 著作
ムック
ガメラ監督日記（小学館、1998年）ISBN 9784093872423
失われた歌謡曲（同上、1999年）ISBN 9784093851374
小説
夏休みなんかいらない（ムーブ、GEN-SAKU!文庫、2011年）電子書籍
カルダーノ
カルダーノ（イタリア語: Cardano）:
アーベル
アーベル (Abel) はヨーロッパ系の男性名、姓。旧約聖書の人物アベルに由来。
アーベル 会社
アーベル（Arvel） - 京都市伏見区に本社を置くOAサプライ総合メーカー、株式会社バッファローコクヨサプライのブランド。2007年8月1日に株式会社アーベルから組織変更。アーベルの親会社であったコクヨと、株式会社バッファローの持株会社である株式会社メルコホールディングスと2007年2月に提携したことに基づくもの。株式会社メルコホールディングスの連結対象会社。
ジェリー・ブラッカイマー
ジェリー・ブラッカイマー（英語: Jerry Bruckheimer, 本名：ジェローム・レオン・ブラックハイマー（Jerome Leon Bruckheimer、1943年9月21日 - ）は、アメリカ合衆国ミシガン州デトロイト生まれの映画プロデューサー・テレビプロデューサー。
ドイツからのユダヤ人移民の子孫で、本来の発音はブラックハイマー（ドイツ語読みはブルックハイマー）だが、1980年代の映画公開資料で誤った片仮名表記がそのまま使われている。
ジェリー・ブラッカイマー プロフィール
幼いころ写真好きのおじにカメラをもらってから写真に熱中するカメラ狂で、至る所でスナップ写真を撮っていた。コンテストにも応募しており、高校生の時にはコダックのコンテストで優勝した。アリゾナ大学で心理学を専攻。卒業後、ニューヨークに移り広告代理店のメール室で働いたが、すぐにコマーシャル・フィルムの製作に従事し、映画制作のきっかけをつかんだ。CF監督として数々の賞を受賞したブラッカイマーはロサンゼルスに移り映画製作に身を投じた。
1980年代から1990年代にかけて、彼はプロデューサー・ドン・シンプソンの製作助手になり、パラマウント映画のために働き一連の大ヒット映画を手がけた。ブラッカイマーの最初の大ヒットは1983年の『フラッシュダンス』であり、立て続けに『ビバリーヒルズ・コップ』（1984年）・『トップガン』（1986年）・『ビバリーヒルズ・コップ2』（1987年）・『デイズ・オブ・サンダー』（1990年）などのヒットを飛ばした。
ジェリー・ブラッカイマー プロフィール
1996年、ブラッカイマーはドラッグ濫用がひどくなった盟友シンプソンと絶縁した。直後シンプソンが急死したことによりブラッカイマーのキャリアは打撃を受けたが、マイケル・ベイほかミュージック・ビデオ出身の映画監督たちによるアクション映画の製作を続け、『アルマゲドン』・『パイレーツ・オブ・カリビアン/呪われた海賊たち』・『ブラックホーク・ダウン』などの大ヒット作を送り出している。
2013年6月には、ハリウッドのウォーク・オブ・フェームに殿堂入りした。
2021年には新設されたナショナルホッケーリーグ（NHL）のシアトル・クラーケンの共同オーナーとなった。
ジェリー・ブラッカイマー 作品の特徴
彼の製作した映画のほとんどは凝った特殊効果の導入による派手なアクション、大ヒットしているポップ・ミュージックを起用したサウンドトラック、カメラ映りのよい俳優たちの起用を特徴としている。このため彼の映画は派手なオープニングと見た目のわりに無内容だとして全米の映画評論家からは酷評されているが、これは彼自身の『映画は極上の娯楽である』というポリシーによるものである。その屈託無く万民受けする映画のスタイルは、結果としてアメリカだけでなく世界中で多くの観客を集めることとなり、収益的には大きな成功を収めているに至っている。
1997年からはテレビへも進出して数多くの警察ドラマを製作し、テレビ界においても大きな成功を収めた。特に『CSI:科学捜査班』は2作のスピンオフがシリーズ化され、3作すべてが高い人気を誇る。テレビドラマにおける彼の作品は、娯楽性を追求をする映画とは異なり、社会に対する問題提起、人間模様や心理の緻密な描写に比重を置いているのが特徴的である。テレビドラマのほかにも『アメージング・レース』（The Amazing Race）のようなリアリティ番組を製作している。
ジェリー・ブラッカイマー 作品の特徴
ブラッカイマーが関わる作品にはいくつかの共通した趣向性があり、そのほとんどの作品で、太陽光線や自動車のヘッドライトを渋く光らせる場面を挿入したり、奇抜なカメラアングル、映像処理で随所にフィルターをかけたりと、視覚効果に対する美的な拘りが顕著である。アクション映画におけるカーチェイスシーンや爆破シーンといった見せ場では、より痛快かつ爽快な印象を与えんとするため、過剰なまでに緻密な計算を盛り込んだ密度の高い演出を好み、その撮影に膨大な費用や時間を割くことを惜しまないことで有名である。展開が堅くなりすぎないように演者に細かいところでコミカルなやり取りをさせたり小ネタを挟んで笑いを誘うようなシーンも多く挿入されている。また作品に込める根底のテーマとしては、怠慢な国家や政治の体制を皮肉るものが多いのも特徴である。
共和党支持者であり、2008年アメリカ合衆国大統領選挙では、ジョン・マケインを支持した。『トップガン』、『アルマゲドン』、『パール・ハーバー』、『ブラックホーク・ダウン』などの軍事アクション映画の製作の際、軍や政府機関の協力を得られるのは、この事も関係していると思われる。
ジェリー・ブラッカイマー 映画界での高額収入記録
2010年2月、『ヴァニティ・フェア』誌が「2009年に最も稼いだハリウッドの稼ぎ手」のランキングを発表し、3,600万ドル（日本円で約32億4000万円）を稼いで10位にランクインした。この金額は映画のギャラだけでなく、商品のロイヤリティ収入なども含んでいる。
2010年12月、経済誌『フォーブス』が「エンターテインメント業界で最も稼いだ人物」のランキングを発表し、1億ドル（日本円で約82億円）を稼いで6位にランクインした。
リュミエール兄弟
リュミエール兄弟（frères Lumière、リュミエールきょうだい）ことオーギュスト・マリ・ルイ・ニコラ・リュミエール（Auguste Marie Louis Nicolas Lumière、1862年10月19日 - 1954年4月10日）とルイ・ジャン・リュミエール（Louis Jean Lumière、1864年10月5日 - 1948年6月6日）は、フランスの映画発明者。「映画の父」と呼ばれる。世界初の実用カラー写真の開発者でもある。
リュミエール兄弟 来歴
父・アントワーヌ（1840年3月13日 - 1911年）はもともと肖像画家だったが、ダゲレオタイプを手にしてから写真館を開業していた。1881年に弟・ルイは父の仕事を手伝い始め、感光剤や写真乾板（ガラス乾板）の研究・改良を行った。ルイの研究が評判になったので、アントワーヌはリヨンに写真乾板の工場を開設。さらに、1890年頃にルイが開発した乾板感光剤「エチケット・ブルー（青ラベル）」が大ヒットした。
1894年、パリでアントワーヌはエジソンの開発したキネトスコープを目の当たりにした。父の勧めで兄弟は動画の研究を開始。キネトスコープを改良しスクリーンに投影することによって、一度に多くの人々が鑑賞できるシネマトグラフ・リュミエールを開発した。フィルムの長さは17メートルで、手で回すことで撮影・上映でき、映像は約50秒になる。
リュミエール兄弟 来歴
当時、義手や義足、写真機材等の製造を営んでいた二人は、自らの工場の近辺等で撮影を行い、1895年12月28日、パリのグラン・カフェ地階のサロン・ナンディアン（＝インドの間）（現ホテル・スクリーブ・パリ）で、その映像などを人々に有料公開（世界初の映画館ともされる）した。この中で、世界最初の実写映画は『工場の出口』である。また『ラ・シオタ駅への列車の到着』では、カメラに向かってくる汽車を見て観客が大騒ぎしたという伝説を産んだ（これについては異説もある。詳細は作品の項目を参照）。二人は1900年に開催されたパリ万博でも映画を上映しており、来場した世界中の人々を魅了している。一方で、リュミエール協会を立ち上げ世界中にカメラマンを派遣、日本を含む世界各地の最初期の映像を多く残した。
その後、二人はシネマトグラフの特許をパテに売り渡し映画事業から撤退するが、二人の活動に刺激を受けたエジソンは映画撮影のための施設を作り、劇映画製作に乗り出していった。
1907年、二人は世界初の実用カラー写真「オートクローム」を発売。これは、赤、緑、青（三原色）に染めた馬鈴薯澱粉をカラーフィルターにしたもの。従来の三色分解ワンショットカメラ（一度に三枚の乾板を使用）と違って乾板一枚だけで撮影できたので、アマチュアを中心に支持を集めた。1909年エリオット・クレッソン・メダル受賞。
リュミエール兄弟 その他
日本ではリュミエール兄弟のシネマトグラフ映写機2台とフィルム8種が輸入され、1897年2月20日から大阪難波新地の南地演舞場で公開された。
また、1982年には映画発展のためのフランスの学術機関としてリヨンにリュミエール研究所が設立された。最初の映画の撮影も行われた父・アントワーヌの写真乾板工場跡地には、現在映画上映も行われているプルミエ・フィルムが建てられており、その向かいにはアントワーヌが1902年に建てた館を転用している「リュミエール美術館」がある。同研究所はこれらの施設の管理・運営も行っている。
映画祭
映画祭（えいがさい）とは、 映画業界の祭典であり、新たに制作された映画作品の上映を行い、優れた作品の選考や賞の授与を行い、映画作品を売り込む側と上映するために映画作品を買い付ける側が出会い商談を行う市場機能も備えている。
特定の場所で期間限定で開催され、名称はベルリン国際映画祭、カンヌ国際映画祭などのように、開催地の地名を冠したものが多い。通常、年に一度など定期的な開催サイクルを持つ。映画作品の上映や選考・受賞や市場機能のほか、映画に関するイベント（講演会、研修会、見学会、レセプション、等）を含む映画祭もある。作品上映の前後に、監督や出演者などの舞台挨拶やティーチイン（観覧者との質疑応答）などが行われるものも多い。
最も有名なのは国際映画祭であるが、ファンタスティック映画祭、ドキュメンタリー映画祭、女性映画祭などテーマ別の映画祭も多数ある。複合的に国際アニメーション映画祭といった名称・分類もあり、東京国際映画祭の協賛企画として東京国際女性映画祭が開かれる場合などもある。
映画祭 世界三大映画祭
国際映画製作者連盟（FIAPF）公認の国際映画祭のうち、以下の3つを指す。モスクワ国際映画祭を加え、世界四大映画祭と称されることもある。
映画祭 国際映画製作者連盟（FIAPF）公認の映画祭
国際映画製作者連盟（FIAPF）公認の長編映画祭（Competitive Feature Film Festivals）で、長編・短編作品ともに扱う国際映画祭。
FIAPF公認の長編映画祭（Competitive Feature Film Festivals）で長編作品しか扱わない映画祭。
FIAPF公認のスペシャライズド長編映画祭（Competitive Specialised Feature Film Festivals）で、長編・短編作品ともに扱う国際映画祭。
FIAPF公認の非コンペティティブ長編映画祭（Non-Competitive Feature Film Festivals）で、長編・短編作品ともに扱う国際映画祭。
映画祭 世界三大ファンタスティック映画祭
SF映画、ホラー映画、スリラー映画、サスペンス映画など、フィクション、ファンタジー系のジャンルに焦点を当てた専門の映画祭については、以下の3つが三大映画祭とされる。
映画祭 インディペンデントな主要映画祭
FIAPFに加盟していない、或いはFIAPFから公認を受けていないが、世界の映画界で重要な地位を占める映画祭としては以下のものがある。
映画祭 アカデミー賞（映画芸術科学アカデミー）公認の映画祭
アカデミー賞は授賞式前年の1年間にアメリカ国内の特定地域で公開された作品を対象に選考され、また映画産業全般に関連した業績に対して授与される賞であるが、例外としてアメリカ国内の特定地域で公開されていない作品でも同賞の候補作となることがある。それは世界各地で開かれるアカデミー賞の公認を受けた映画祭で受賞することであり、公認映画祭のグランプリ受賞作は自動的にアカデミー賞のノミネート候補作に推挙されるシステムとなっている。日本ではショートショートフィルムフェスティバル、山形国際ドキュメンタリー映画祭、ひろしまアニメーションシーズンが公認を受けている。
映画祭 国際アニメーション映画協会公認の映画祭
国際アニメーション映画協会公認の映画祭の中で、アヌシー、ザグレブ、オタワ、広島をもって世界四大アニメーション映画祭とされているが、広島のみが ASIFA公認（ASIFA Endorsement）であり、その他はASIFAパートナーシップ映画祭（ASIFA Partnership Festival）である。ASIFA Endorsementを得るには「ASIFA公認国際映画祭規約」を遵守する必要がある。この規約には、コンペティションの審査方法や特別プログラムに関する基準のほか、作家や関係者等の招待、広報、著作権保護、表現の自由の保障等、映画祭運営全体について厳しい基準が設けられている。なお、広島は2020年に開催された第18回大会をもって終了し、2022年にひろしまアニメーションシーズンが立ち上がった。
映画祭 インディペンデントな主要アニメーション映画祭
ASIFAに加盟していない、或いはASIFAから公認を受けていないアニメーション映画祭としては以下のものがある。
映画祭 日本国内で開催される国際映画祭
長編短編、ジャンル、性別、地域といった制限を課すことなく全世界で公募している国際映画祭。
初回開催年順
映画祭 世界三大映画祭の制覇者
アンリ＝ジョルジュ・クルーゾー
ミケランジェロ・アントニオーニ
ロバート・アルトマン
ジャファール・パナヒ
映画会社の一覧
以下は、現存する世界の映画会社の一覧。会社の実体を持たない部門やブランドなども含まれる。
映画会社の一覧 アメリカ
ウォルト・ディズニー・スタジオ（ウォルト・ディズニー・カンパニー）
ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオ
ウォルト・ディズニー・ピクチャーズ
ディズニーネイチャー
タッチストーン・ピクチャーズ
ピクサー・アニメーション・スタジオ
ルーカスフィルム
マーベル・スタジオ
20世紀スタジオ
20世紀アニメーション
20デジタル・スタジオ
サーチライト・ピクチャーズ
映画の配信媒体
映画の配信媒体（えいがのはいしんばいたい）は、フィルムやビデオカセットなどの形で制作された映画が視聴者に映画として鑑賞されるまでに通る経路を指す。その主なものとして、次のような媒体があるとされている。
細分すると、映画館でもロードショー系の上映と、それ以外のものがあり、また、テレビでもペイ・パー・ビュー方式のもの、映画専門チャンネルなど有料の衛星やケーブル系のチャンネル、地上波放送などに分けることができる。ビデオも、セル（販売）とレンタルがある。
典型的には、映画の権利を持つ制作会社は、上映や販売や放送やレンタルなどのタイミングを調整し、複数の配信媒体を通じて繰り返し収益を上げようと試みる。また、近年では映画館での上映で制作費を回収することを見込まず、その他の配信媒体経由からの売り上げと併せて利潤を確保するべく制作費を充当する動きも出ている。
このように数多くの配信媒体がある1つの理由に、映画は制作費の膨大さに比べて上映、配信には費用がかからないことが挙げられる。一度映画が制作されれば、制作者側としてはそれを多く上映、販売、放送、レンタルに結びつけるほど収益が上がることが期待できる。
映画の配信媒体
また、音楽ほどではないが、映画はしばしば繰り返し鑑賞される商品である点も指摘できる。人はしばしば気に入った映画を何度も見る。
映画のこうした特性は、近年、映画会社が「コンテンツ」資源を多く保有するメディア会社として注目されている理由でもあり、ソニーによるコロンビア映画(現ソニー・ピクチャーズエンタテインメント)の買収（1989年）、松下電器によるMCAの買収（1990年）の背景でもあったとされる。その後、松下電器はMCA株を売却することになったが、逆にソニーはメトロ・ゴールドウィン・メイヤー(MGM)についても買収することで基本合意に達したことを2004年9月13日に発表し、DVDに続く次世代ビデオディスクにおいても、こうした動きが続くことが予想される。
また、伝統的に、映画の制作会社と配給会社、その他のメディア会社の融合や取り引き慣行は独占禁止法などの政策論議の対象となる傾向にある。
映画の賞
映画の賞（えいがのしょう）では、映画に与えられる賞について述べる。
映画の賞には大きく分けて2種類ある。観客側（マスメディア
等含む）が与える賞と、映画製作関係者による技術的な部分にも目を向けた賞とである。前者が監督や俳優等への賞に集中するのに対して、後者は撮影や録音・音楽・美術等といった映画スタッフへの賞も設けている。ハリウッドのアカデミー賞等は後者の代表格である。
以上のものが年間を通しての評価であるのに対して、映画祭で与えられる賞もある。これにはコンペティション部門で与えられるもの、新人監督、永く映画界に貢献のあった監督に与えられるものなどがある。
映画のジャンル
映画のジャンル（えいがのジャンル）とは、広義には、映画を構成する諸要素（主題、題材、ストーリーテリング、スタイル、登場人物など）の共通の特徴を基準に、映画をマスメディアおよび大衆が通俗的に分類したものである。
狭義には「ジャンル映画」と呼ばれる、種々分類された典型的な娯楽映画を指す。
映画のジャンル 定義
映画の関連書籍には、ジャンルを分ける考え方があるが、一方で映画の特徴的な要素にはモードと呼ばれる様式が存在する。ミレニアム以降、前者が歴史的、文化的に属するグループがそれぞれに分かれるものに対し、「モード」は、例えば映画の要素としてのメロドラマをモードとして捉えると、より広い歴史的、文化的分野にわたってメロドラマは機能しており、映画を構成しながら、観客の感性に訴えるより大きなパターンを指す可能性があるとされる。今日では便宜的に両者は補完的な役割を果たす流れで語られている。
便宜上、その作品の中の特徴的な要素を恣意的に取り出して分類しているだけである。だから、分類方法も基準も選者によって、違ってくることも多い。また、特定のジャンルのみに固定できる映画ばかりでもない。公開時（放送、リリース時）のセールスの仕方に従っているのが通例である。
映画のジャンル 定義
様々な映画を題材、テーマ、物語形式、登場人物などの共通の特徴を基準に分類したカテゴリー。コメディ、アクション、西部劇、ホラー、SF、その他があり、特に前述のような娯楽性や見世物度がより高いジャンルに属する映画作品に対し、代名詞的にジャンル映画の語を用いる事もある 。 — キネマ旬報『現代映画用語辞典』
インターネット・ムービー・データベースは、映画のジャンルを23の基本的ジャンルに分類している。アクション映画、冒険映画、アニメーション映画、伝記映画、コメディ映画、犯罪映画、ドキュメンタリー映画、ドラマ映画、ファミリー映画、ファンタジー映画、フィルムノワール、歴史映画、ホラー映画、音楽、ミュージカル映画、ミステリー映画、ロマンス、SF映画、短編映画、スポーツ、スリラー映画、戦争映画、西部劇である。
映画史
映画史（えいがし）は、映画がどのような経緯をもって誕生し、世界で発展してきたかという歴史である。
映画史 映画史
映画につながる技術は19世紀後半から、フランスのマレー、アメリカのマイブリッジ、ドイツのアンシュッツなど、多くの人々によって研究されてきた。それらの研究は全て、19世紀前半に完成された写真技術を、現実の運動の記録と再現に応用しようとしたものである。
これらの人々の積み重ねを経て、1893年、アメリカのトーマス・エジソンが自動映像販売機（映写機）キネトスコープを一般公開。さらに、フランスのリュミエール兄弟がシネマトグラフ・リュミエールという、現在のカメラや映写機と基本的な機構がほぼ同じ複合機（カメラ＋映写機＋プリンター）を開発し、1895年3月にパリで開催された科学振興会で公開。同年12月28日にパリのグラン・カフェと言う名称のカフェ（現ホテル・スクリーブ・パリ）で有料の試写会を開いた。
他にフランス人のルイ・ル・プランスも同時期に映写装置を開発していた。しかし、透明で柔軟性に富むフィルム材料が手に入らず一時、頓挫していた。
エジソンが開発したのは箱を覗き込むと、その中に動画をみることができるというもの。リュミエール兄弟が開発したのは、その仕組みを箱から、スクリーンへと投射するものへと改良し、一度により多くの人が動画を観賞することができるようにしたもの。現在の映画の形態を考慮すると、リュミエール兄弟の最初の映画の公開をもって映画の起源とする方が有力な説となる。
映画史 映画史
リュミエール兄弟らが公開した世界最初の映画群は、駅のプラットホームに蒸気機関車がやってくる情景をワンショットで撮したもの（『ラ・シオタ駅への列車の到着』）や、自分が経営する工場から仕事を終えた従業員達が出てくる姿を映したもの（『工場の出口』）など、計12作品。いずれも上映時間数分のショートフィルムだった。初めて映画を見る観客は「列車の到着」を見て、画面内で迫ってくる列車を恐れて観客席から飛び退いたという逸話も残っている。これらの映画の多くは単なる情景描写に過ぎなかったが、やがて筋書きを含む演出の作品が作られるようになった。例えば『水をかけられた散水夫』という作品は、散水夫がホースで水を撒いていると、一人の少年がホースの根元を踏んで水が出なくなり、散水夫がホースを覗き込むと少年が足を離して散水夫がずぶぬれになり、散水夫は少年を追いかけ折檻するという筋書きで、数分の動画の中に筋書きと笑いの要素を含んでおり、コメディ映画の発端のひとつとなった。
またこの頃は著作権に関する意識が無く、フランス以外でもイギリスなどで同じような『散水夫』の模倣作品が数通り作られている。
映画史 映画史
なお、最初の作品はリュミエール兄弟が経営していた工場から従業員が出てくるシーンを捉えた『工場の出口』で、リュミエール兄弟は1894年末頃に撮影したとしているが詳細は不明。また、この作品はグラン・カフェで上映された12本のうちの1本とは別なバージョン（『工場の出口』は4つのバージョンがある）。
初期の映画は、画像のみで音声のないサイレント映画と呼ばれるもので、これは1920年代末期にトーキー映画が登場して普及するまで続いた。シネマトグラフの投影機はけたたましい騒音をもたらし、映画には音声がなかった。これを紛らわすため、ピアノや足踏みオルガンの演奏による音楽の伴奏とともに上映する形式が普及した。現在においてサイレント映画にフォックストロットやケークウォークのような当時流行したピアノのダンス音楽がつくことが多いのは、そのような理由によるものである。また後年名だたる作曲家や指揮者になったクラシック音楽家は、若い頃にサイレント時代の映画館のピアノ伴奏のアルバイトをしていたという人も多い。
映画史 映画史
1895年、アメリカのアルフレッド・クラークによって発表された『メアリー女王の処刑』は世界初のホラー映画として名を挙げられる。メアリーが処刑台の上に首を置き、処刑人が斧を振り下ろそうとするところでカメラを止め、メアリーの人形に置き換えられてから撮影を再開する「ストップ・トリック」（中止め、置き換えなどとも言う）という技法を用いており、映画史上初めてトリック撮影が行われた作品と言われる。
日本初の映画は1896年11月、神戸の花隈の神港倶楽部にて世界初のエジソンが発明した映写機「キネトスコープ」により一般公開されたもので、1896年12月には大阪市でエジソン社製映写機「ヴァイタスコープ」による試写が行われ、1897年1～2月に京都市で開かれたシネマトグラフによる上映会の記録があるという。
初期の映画は日本では別名「活動写真」とも呼ばれ、映画館は「活動小屋」とも呼ばれた。日本独自の上映手法として、上映中の場面に合わせて解説を行う「活動弁士」と呼ばれる人が活躍していた。
映画史 映画史
日本で最初の“活動写真”製作は、フランス製ゴーモンカメラにより、浅野四郎らが失敗を重ねた末、2年がかりで「浅草仲見世」「芸妓手踊」など実写11本を作り、1899年（明治32年）7月20日から東京歌舞伎座で公開。俳優を使った劇映画は同年関東各地を荒らしたピストル強盗逮捕を横山運平主演で柴田常吉が撮影した「稲妻強盗/清水定吉」で、同年9月に撮影、公開。
1898年、世界初のクリスマス映画『サンタクロース（英語: Santa Claus）』が発表される。史上初めて、異なった場所で起きた出来事を編集で関連性があるように見せる技法のパラレル・アクションを取り入れ、多重露光と呼ばれる方法で撮影された映画である。
1902年に、世界で初めて物語構成を持ち、複数のシーンで構成された映画『月世界旅行』がフランスで制作される。監督は元マジシャンで、世界で最初の職業映画作家でもあるジョルジュ・メリエス。この作品は、世界初のSF映画であり、VFX映画である。
翌年の1903年にアメリカでも、エドウィン・ポーター監督による物語性のある作品『大列車強盗』が制作・公開される。世界初の西部劇であり、この作品において、初めてクロスカッティングが用いられた。
1906年にジェームズ・スチュアート・ブラックトン監督による『愉快な百面相』が制作される。実写ではなく絵画表現を用いた世界初のアニメ映画とされる。
映画史 映画史
この頃の映画の著作権は存在が曖昧であったが、1908年、パリの裁判所が映画にも著作権保護法の適用を認めた。
メジャーになりつつあった映画制作会社からの制約や支配を嫌い、またニッケルオデオンで消費されるだけのショートフィルムに飽きたらずに新しい表現を求めた若い映画人達が西海岸に移住し、映画都市・ハリウッドが形成され始める。
アメリカの映画監督であるD・W・グリフィスが、『國民の創生』（1915年）、『イントレランス』（1916年）、『散り行く花』（1919年）等により、クローズアップやクレーンショット、カットバック、フラッシュバック、パン等の様々な映画技法（映画文法とも呼ばれる）を本格的に使用し、今日的な意味における映画の原型を完成させる。このことによりグリフィスは後に「映画の父」と呼ばれるようになる。また、『國民の創生』は当時の映画興行収入1位を記録した。グリフィスの下から独立したマック・セネットは、1912年にキーストン・スタジオを設立して多様なアイディアを盛り込んだスラップスティック・コメディを量産するとともに、多くの人材を輩出した。
映画史 映画史
政治権力は映画の持つ影響力に目を付け、プロパガンダの手段として使うようにもなった。第一次世界大戦においてはアメリカやドイツでプロパガンダ作品が制作された。ヴァイマル共和政下のドイツは複数の映画会社が合併して国策撮影所であるウーファ（UFA）が設営された。
1910年代-1920年代、アメリカやヨーロッパでは『ファントマ』シリーズや『吸血ギャング団』シリーズ（いずれもフランス）などの連続活劇が流行している。
1917年、長野県松本市、岡山県岡山市において、児童の活動写真観覧を禁止する措置。
1920年代には、チャールズ・チャップリン、バスター・キートン、ハロルド・ロイドといったコメディ俳優が台頭し、「世界の三大喜劇王」と称される。
1920年、ソ連において世界初の国立映画学校が創設され、クレショフがその教授として招聘された。クレショフは同校においてクレショフ映画実験工房（一般的にはクレショフ工房と略称で呼ばれる）なるワークショップを運営し、モンタージュ理論を打ち立てると共に、その実験を行った。
映画史 映画史
同年、ロベルト・ヴィーネ監督による『カリガリ博士』が公開される。本作はフィルム・ノワール、およびホラー映画、シュルレアリスムにも影響を与えた重要な作品として位置づけられることが多い。またドイツにおいて第一次世界大戦前に始まり1920年代に最盛となった、客観的表現を排して内面の主観的な表現に主眼をおくことを特徴とした芸術運動「ドイツ表現主義」の代表的な作品であり、映画としては最も古く、最も影響力があり、なおかつ、芸術的に評価の高い映像作品とされる。他にも『メトロポリス』や『M』のフリッツ・ラングや、『吸血鬼ノスフェラトゥ』のF・W・ムルナウ等が活躍した。
1921年、ドイツでハンス・リヒターにより、ダダイスムの一表現として幾何学模様の変容を映した『絶対映画』というアニメーション映画が作られる。遅れて1927年、マルセル・デュシャンによってフランスでも幾何学模様の変容（デュシャン作品は円盤の回転）による『純粋映画』が試みられた。ダダイスムのグループは実写による筋書き（ただし一貫性のある物語ではない）を持つ映画『幕間』も作っており、こちらはデュシャン本人をはじめエリック・サティなどが出演している。上映用の付随音楽はサティによって作曲され、これがサティの遺作となった。
映画史 映画史
1922年、世界初のドキュメンタリー映画とされる『極北のナヌーク』が公開される。カナダ北部で暮らすイヌイットの文化・習俗を収めた作品で、映画というものが記録・啓蒙にきわめて大きな役割を果たしうると考えていたイギリスの映画プロデューサージョン・グリアソン(en) が、その批評の中で「ドキュメンタリー」という言葉を初めて用いたことが始まり。
1925年、クレショフ工房の生徒であったセルゲイ・エイゼンシュテインはモンタージュ理論に基づき『戦艦ポチョムキン』を制作。エイゼンシュテインと共にクレショフ工房の出身者であったフセヴォロド・プドフキンやボリス・バルネット、ジガ・ヴェルトフなどはモンタージュ理論を元にした作品を製作し、ロシア・アヴァンギャルドにおける代表的映画監督となる。
1927年に『メトロポリス』が公開され、以降多数のSF作品に多大な影響を与え、世界初のSF映画とされる『月世界旅行』が示した「映画におけるサイエンス・フィクション」の可能性を飛躍的に向上させたSF映画黎明期の傑作とされている。また、前年の1925年に製作された『戦艦ポチョムキン』と並んで、当時の資本主義と共産主義の対立を描いた作品でもある。
映画史 映画史
1927年、アメリカで世界初のトーキー映画『ジャズ・シンガー』（アラン・クロスランド監督）公開。映画全編を通してのトーキーではなく、部分的なトーキー（パートトーキー）であったが、本作をきっかけにトーキーは世界的に受け入れられ、急速に普及した。もっともアメリカのチャールズ・チャップリン、ロシアのエイゼンシュタインといった映画製作者、映画伴奏の楽士や日本特有の映画職業であった活動弁士を生業とする人々など、熟成の期にあったサイレント映画に固執した人々も多く、本格的にトーキー映画の芸術性が認められたのは30年代に入ってよりの事である。
1928年、ディズニー制作の短編アニメーション作品『蒸気船ウィリー』が公開。一般的に、この作品がミッキーマウスとミニーマウスのデビュー作とされ、世界で初めてサウンドトラック方式を採用した映画と言われている。
同年、長編映画として世界初のオール・トーキー映画『紐育の灯』が公開。
1929年、アメリカでアカデミー賞が始まる。初年度作品賞はウィリアム・A・ウェルマンの『つばさ』。なお、初年度についてのみ作品賞は二作品が選ばれており、もう一つの作品であるF・W・ムルナウの『サンライズ』には芸術作品賞という名目で賞が与えられている。
映画史 映画史
1920年代から1930年代にかけて、ジャック・フェデー、ルネ・クレール、ジュリアン・デュヴィヴィエ、マルセル・カルネらのフランスの作家が登場して商業的な成功を収め、フランス映画の黄金時代を形成する。後にこれらの作家・作品は、映画批評家のジョルジュ・サドゥール（Georges Sadoul）によって「詩的リアリズム」と定義された。特定のジャンルといえるほど明確ではないが、大型セットにおけるスタジオ撮影を基本とし、遠近などに関して誇張を行なう場合が多く、そのため画面上におけるパースペクティブに歪みを生じさせることが多い。
1929年、アヴァンギャルド映画の原点、シュルレアリスムの最高傑作と評される実験映画『アンダルシアの犬』が公開。
同年、ソビエト連邦のドキュメンタリー映画『これがロシヤだ』（現邦題：カメラを持った男）が公開。多重露光、低速度撮影、スローモーション、フリーズフレーム、マッチカット、ジャンプカット、分割スクリーン、ダッチアングル、超接写、トラッキングショット、逆回転、ストップモーション・アニメーションおよびSelf-reflexive（映画制作の過程自体を題材とすること）など、当時としては画期的な最先端の特殊撮影技法を用いている。
映画史 映画史
第二次世界大戦の影響を受け、フリッツ・ラング（ドイツ）やジャン・ルノワール(フランス)等の多くの映画人がアメリカに亡命する。亡命ではなく招聘されてあるいは自ら望んでアメリカに行ったマックス・オフュルスやエルンスト・ルビッチ（ドイツ）、ルネ・クレール（フランス）などの作家も含めると、1930年代から1940年代にかけてのアメリカには著名な多くの映画作家が世界中から集まっていた。
スタジオ・システムにより、映画製作本数も年間400本を超え、質量共にアメリカは世界の映画界の頂点にあった。このことにより、1930年代～1940年代は「ハリウッド黄金期」と呼ばれている。 なお、1940年代の終わりにスタジオ・システムは独占禁止法と、テレビの登場によって崩壊した。
また世界的な不況の中、トーキーの時代が本格的に到来し、音楽や効果音が生かせることからミュージカル映画やギャング映画が映画の主流となる。アメリカでは宗教保守派などから、映画や漫画が若年者や犯罪者に与える影響を憂慮する声が高まり、1934年にはヘイズ・コードと呼ばれる暴力やセックス、社会に対する描写を制約する映画製作倫理規定が作られた。過激な暴力シーンや性的シーンは以後影を潜め、1960年代後半に撤廃されるまでハリウッド映画を縛ることになる。
1932年、イタリアでヴェネツィア国際映画祭が始まる。
映画史 映画史
同年、世界初の群像劇映画『グランド・ホテル』が公開。さまざまな人物が1つの舞台に集いあい、それぞれの人生模様が同時進行で繰り広げられていくという、当時としては斬新なストーリー展開が大ヒットを呼び、この手法は後に「グランドホテル方式」と名付けられる。その物語構成が高い評価を受け、第5回アカデミー賞 では作品賞を受賞。作品賞だけにノミネートされ、作品賞だけを受賞した史上唯一の映画となった。
1933年、『キング・コング』が公開。ストップモーション・アニメーション、マットペイント、リア・プロジェクション・エフェクト、ミニチュア撮影などデジタル時代以前の特殊効果が数多く使用された画期的な映画として知られている。
1934年公開のフランク・キャプラの『或る夜の出来事』を皮切りに、アメリカでスクリューボール・コメディが流行。また、『或る夜の出来事』は、第7回アカデミー賞にて主要5部門でノミネートされ、史上初の5部門とも受賞した（作品賞、監督賞、主演男優賞、主演女優賞、脚色賞）。この5部門を全て制することは、1975年の『カッコーの巣の上で』が成し遂げるまで出ないほどの大記録であった。
1935年、世界初のカラー映画ルーベン・マムーリアンの『虚栄の市』が公開。テクニカラーによる。
映画史 映画史
同年、ジャン・ルノワール監督の『トニ』が公開。徹底したリアリズムで描く本作の影響を受け、1930年代の末から1940年代にかけて、イタリアでネオレアリズモ運動が起こる。中心的な作家は、ルノワールの助監督を勤めていたルキノ・ヴィスコンティやロベルト・ロッセリーニ等。
1937年、ディズニー制作の長編映画第1作目であり、世界初のカラー長編アニメーション映画となる『白雪姫』が公開。ロトスコープや、マルチプレーン・カメラの使用など、当時としては珍しいアニメーション技術を使用。桁外れの大ヒットを記録し、現在でもアニメ史に残る傑作として知られる。
1939年、ヴィクター・フレミング監督の『オズの魔法使』と『風と共に去りぬ』が公開。ジュディ・ガーランド主演のミュージカル映画である『オズの魔法使』は、当時一般的であったモノクロフィルムと、まだ極めて珍しかったカラーフィルムの両方で撮影され、その映像演出は高い評価を受けた。商業的には成功とは言えなかったものの、全時代を通じて史上最も多く鑑賞され、愛された映画だと考えられている。
一方で『風と共に去りぬ』は、400万ドル前後の製作費をかけて、当時としては画期的な長編テクニカラー映画であったことも手伝って、空前の世界的大ヒットとなった。世界観客動員数歴代最多の２０億人を記録している。
映画史 映画史
1940年、ディズニー製作のアニメーション映画『ファンタジア』が公開。ステレオ効果が利用された最初の映画で、なおかつサラウンドの原型ともいえるステレオ再生方式が世界で初めて一般的に導入され、実用化された。音響技術において非常に重要な歴史的映画となった。
同年にはアドルフ・ヒトラーやファシズムを風刺したチャップリン初のトーキー映画である『独裁者』が公開され、大ヒットを記録した。ラストシーンでのチャップリンの6分にも渡る演説シーンは「世紀の6分間」と言われ、映画史上に残るシーンとして評価されている。
1941年から参戦した第二次世界大戦中には、『ミニヴァー夫人』や『カサブランカ』『ヤンキー・ドゥードゥル・ダンディ』などの戦意高揚を目的とした、愛国的な映画や、戦争プロパガンダ作品が多く製作された。
また、同年にはオーソン・ウェルズの監督デビュー作『市民ケーン』が公開。主人公が新聞王ウィリアム・ランドルフ・ハーストをモデルにしていたことから、上映妨害運動が展開され、興行的には失敗したが、パン・フォーカス、長回し、ローアングルなどの多彩な映像表現などにより、年々評価が高まった結果、現在では映画史上最高傑作として映画誌や批評家らによるランキングで常に上位にランクインしている。
映画史 映画史
1940年代から1950年代後半にかけて、ジョン・ヒューストン監督の『マルタの鷹』(1941年)を皮切りに、後にフィルム・ノワールと呼ばれる犯罪映画がさかんに作られる。代表作にはビリー・ワイルダー『深夜の告白』（1944年）や、ジャック・ターナー『過去を逃れて』(1947年)などがある。フィルム・ノワールの語は、第二次大戦前後のアメリカ映画を分析したフランスの批評家によって命名され、アメリカでは70年代頃に一般化した。
1946年、フランスで「カンヌ国際映画祭」が始まる。
同年、『我等の生涯の最良の年』が公開。第19回アカデミー賞において作品賞をはじめ、当時のアカデミー賞最多記録（アービング・G・タルバーグ賞を含めた場合） となる9部門の受賞に輝いた。興行成績においても、トーキー時代以降の映画として『風と共に去りぬ』以来という大ヒットを記録している。
映画史 映画史
1950年、『羅生門』が公開。日本映画として初めてヴェネツィア国際映画祭金獅子賞とアカデミー賞名誉賞 を受賞し、黒澤明や日本映画が世界で認知・評価されるきっかけとなった。また同じ出来事を複数の登場人物の視点から描く手法は、本作により映画の物語手法の1つとなり、国内外の映画で何度も用いられた。海外では羅生門効果などの学術用語も成立した。撮影担当の宮川一夫による、光と影の強いコントラストによる映像美や、太陽に直接カメラを向けるという当時タブーだった手法などの斬新な撮影テクニックも高く評価された。
1951年、ドイツでベルリン国際映画祭が始まる。
1953年、テレビが新しい娯楽として広まったものの、『巴里のアメリカ人』や 『雨に唄えば』といった ミュージカル映画を中心とした大掛かりなセットを駆使し大量のスターを起用した娯楽大作の全盛期が続いた。一方で、『スタア誕生』、『喝采』、『オクラホマ!』など、ストーリー性を重視したミュージカルが50年代半ばに誕生し、現在まで続くミュージカル映画の原型を造った。
映画史 映画史
赤狩り（レッドパージ）の影響により多くのアメリカの映画人が追放の憂き目に遭う。実際に共産主義活動に関与したことがあるジョゼフ・ロージーやニコラス・レイ、ダルトン・トランボ等は米国議会の公聴会における証言を拒否して亡命や映画界からの排除を余儀なくされた。しかし中にはエリア・カザンのように移民の係累であるが故に証言を拒否することができず、やむなく証言し結果的にかつての仲間達を売らざるを得ない者もいた。70年代以降に彼らの多くは名誉回復し映画界への復帰を果たしたが、ロージーはかつての盟友であるエリア・カザンの再三に渡る帰国の呼びかけにも応じることなく、亡命先のイギリスで客死した。
テレビの普及による観客動員数の減少に頭を悩ませたアメリカ映画界は、テレビでは実現できない内容を目指し、画面サイズの拡大（シネラマ）や立体映画、大作主義に手を伸ばし始め、1954年の『ダイヤルMを廻せ!』がヒットすると最初の3D映画ブームが巻き起こった。また、大作主義は一時のハリウッドを席巻したが、そのことは映画監督を始めとする製作陣に精神的・肉体的な疲弊を呼び起こすと共に、制作本数の減少による新人監督のデビューの機会を奪い取ることになってしまった。
映画史 映画史
1930年代から反トラスト法（独占禁止法）に問われていた、メジャー映画制作会社の配給、興行の統括による劇場の系列化に関して最高裁判所で違法の判決が下され、メジャー各社は制作と興行との分離を強いられることになった。
赤狩りにより才能ある作家達の多くを一時的に失い、大作主義により残った作家達を疲弊させ新しい作家の登場の機会を阻み、さらには独禁法により安定的な興行システム(経営基盤)を奪われたハリウッドは、結果的に黄金時代の終焉を迎えることとなってしまった。
赤狩りは作品の内容にも大きな影響を与え、アメリカ国内ではなく、ヨーロッパやアフリカで撮影する場合も多くなり、『ローマの休日』や『ベン・ハー』はその代表的な作品である。なお『ベン・ハー』は、同年アカデミー賞で史上最多11部門の受賞を記録した。
1954年、日本で『ゴジラ』が公開。東宝が製作した日本初の本格的怪獣映画であり、本作のヒット以降、特撮映画が日本映画の人気ジャンルとして定着する。
映画史 映画史
1956年を境に、イギリスでフリー・シネマと呼ばれるドキュメンタリー・フィルムの映画運動が起こる。このフリー・シネマは、1950年代後期から1960年代初頭にイギリス・ニュー・ウェイヴと呼ばれる「イギリスの若手監督集団」、および「インディペンデント映画会社」に多大なる影響を与えることとなる。このイギリス・ニュー・ウェイヴは、イギリス映画の伝統であるドキュメンタリーとリアリズムの潮流における重要な段階としてみなされている。
1958年、アルフレッド・ヒッチコック監督の『めまい』が公開。近年ではヒッチコック作品の中でもトップクラスの傑作との評価されており、中でもズームレンズを用い、ズームアウトしながらカメラを被写体へ近づけることで、被写体のサイズが変わらずに背景だけが望遠から広角に変化してゆく「めまいショット」（一般にはドリーズームと呼ばれる）が、この作品以後、数え切れないほどの映画やCM、テレビドラマで引用されるようになった。
映画史 映画史
1950年代末期から1960年代初頭にかけて、フランスでヌーヴェルヴァーグと呼ばれる映画運動が起こる。それは端的に言えば、結末のない物語や、その場の偶然を生かした即興演出などで、従来の映画の定石を打ち破ろうとする試みであった。1959年5月には、フランソワ・トリュフォーの『大人は判ってくれない』がカンヌ国際映画祭で上映され、監督賞と国際カトリック映画事務局賞を受賞。7月には、クロード・シャブロルの『いとこ同志』がベルリン国際映画祭で金熊賞を受賞し、ヌーヴェルヴァーグの名は一挙に広まった。
そんなヌーヴェルヴァーグの評価を確固たるものにしたのが、アナーキストとアナーキズムを主題としたジャン＝リュック・ゴダール監督の『勝手にしやがれ』（1960年）であった。本作はジャンプカットという革新的な技法を定着させ、手持ちカメラでのロケ撮影や高感度フィルムの利用など、これまでの映画の既成概念をひっくり返すことに成功した。
同時期にアメリカでは、テレビに対抗意識を燃やしたハリウッド企業の巨大資本化、超大作志向が続く一方で、ヌーヴェルヴァーグに触発されたインデペンデント系の映画が急速に芽を出し始め、ジョナス・メカス等によるアメリカン・アヴァンギャルドと呼ばれる運動が起こる。
映画史 映画史
また同年にはサスペンス映画の金字塔『サイコ』や、『血を吸うカメラ』などのサイコロジカルホラー映画が公開。ジャッロと呼ばれるイタリア産の推理サスペンス映画の発展も重なり、スラッシャー映画というジャンルが黄金期を迎えることとなる。またこの2本は、異常殺人というモチーフの重なりや、その主題へのアプローチの差異などで、しばしば比較されるようになる。
1961年に日本において芸術系映画の配給を目的として日本アート・シアター・ギルド（ATG）が設立される。イェジー・カヴァレロヴィチの『尼僧ヨアンナ』を皮切りに当初は海外作品の配給が主体だったが、1960年代後半には独立系の制作会社の作品に対する出資を行うようになった。松竹を退社した大島渚等松竹ヌーヴェルヴァーグの面々を始めとする数多くの作家達がATGの出資により作品を手がけ、数多くの名作・傑作・話題作・問題作を世に送り出した。
1965年、ミュージカル映画『サウンド・オブ・ミュージック』が大ヒットし、当時の世界興行収入を塗り替える。
映画史 映画史
1968年、『猿の惑星』と『2001年宇宙の旅』の二作品のヒットによりSF映画に注目が集まり、後のスターウォーズブームへと繋がることとなった。
また、スタンリー・キューブリック監督は、SF三部作と呼ばれる『博士の異常な愛情』（1964年）、『2001年宇宙の旅』（1968年）、『時計じかけのオレンジ』（1971年）を作り、これらの成功で、世界中の批評家から映画作家としての優れた才能を認知された。
これまでのハリウッド黄金期は、観客に夢と希望を与えることに主眼が置かれ、ハッピーエンドが多くを占めていた。しかし、スタジオ・システムの崩壊や、赤狩りの傷が深かったこともあり、ハリウッドは製作本数も産業としての規模も低迷。1960年代は、まだジャーナリズムの熱意が高かったことも相まって、ベトナム戦争の実態を目の当たりにした若者層のヒッピー化、反体制化が見られた。1960年代後半から1970年代半ばにかけて、このようなベトナム反戦ムーブメントや公民権運動を端を発した、当時の若者の世相を投影する作品群「アメリカン・ニューシネマ」が大流行する。代表作品には『俺たちに明日はない』（1967年）『卒業』（1967年）『イージー・ライダー』（1969年）『真夜中のカーボーイ』（1969年）などがある。
映画史 映画史
1960年代の末から登場したドイツの作家達が、ニュー・ジャーマン・シネマとしてもて囃される。ストローブ＝ユイレ、フォルカー・シュレンドルフ、ヴェルナー・ヘルツォーク、ヴィム・ヴェンダース、ライナー・ヴェルナー・ファスビンダー等がこれに相当するのだが、ヌーヴェルヴァーグのように作風における共通点があったり、共同活動などを行ったものではなく、同時期に登場した同世代の作家達に対して付けられた総称だった。
1968年の『ローズマリーの赤ちゃん』を起源として、1974年にウィリアム・フリードキン監督による『エクソシスト』が爆発的にヒットする。それを皮切りに、『キャリー』や『オーメン』(ともに1976年)、『サスペリア』(1977年)といったオカルト映画ブームが始まった。