質問: イタリア語で「美しい歌」という意味がある、特にイタリアのオペラで理想的とされる歌唱法を何という?
回答: ベルカント

タイトル: 皇帝に捧げた命
『皇帝に捧げた命』の音楽も、基本的にはイタリア風のオペラ様式に、多くのフランス風の特徴やいくらかのウィーン風の舞踏音楽、ロシア民謡の素材などを織り込んだ折衷的なものとなっている。

タイトル: オペラ
後者は直後のアリアや重唱の導入として置かれることが多い。ロマン派時代のオペラではレチタティーヴォ・セッコはほとんど見られなくなった。アリアは主に登場人物の感情を表現するもので、古典的なオペラではアリアを歌う間はドラマの進行が静止することもあるが、時代が下るにつれて、アリアでも登場人物の感情の推移を通じてドラマを進めるようになった。アリアはおおむね大規模なもので、主要な登場人物について割り当てられる。より小規模なものをアリオーソ、カンツォネッタ、ロマンツァなどと、歌の性格によって呼ぶこともある。役柄どうしの対話は重唱で行われ、群集などが登場する場面では合唱も加わることがある。特に各幕の終曲(フィナーレ)では、ほとんどの登場人物による重唱や合唱で構成される場合がある。

タイトル: イタリア歌曲集
日本の音楽大学や音楽学部のある大学、音楽科が設置されている高等学校で声楽を専攻している者であれば、ほとんどの者が使用しており、初心者が勉強するために使われることが多い。初心者の大半は「Nina」、「Nel cor piu non mi sento」、「Sebben, crudele」、「Caro mio ben」(いずれも「イタリア歌曲集1」に収録)のような歌いやすい曲から習うことが多く、ある程度上達すれば第2集以降の曲へ進むこともある。

タイトル: ジュディッタ・パスタ
ジュディッタ・アンジョラ・マリア・コンスタンツァ・パスタ(Giuditta Angiola Maria Costanza Pasta 旧姓Negri 1797年10月26日 - 1865年4月1日)は、イタリアのサロンノ生まれのソプラノ歌手。最も偉大なオペラ歌手の一人と考えられており、20世紀のソプラノ、マリア・カラスもパスタと比較された。

タイトル: ドラマ・ジョコーソ
ドラマ・ジョコーソ(ドランマ・ジョコーソ、イタリア語:Dramma giocoso、複数形:drammi giocosi)は、18世紀中期に流行したオペラの1形式。正しくはdramma (giocoso) per musica(音楽のためのおどけたドラマ)なので、オペラ全体よりむしろオペラ台本を指す言葉である。

タイトル: ノルマ (オペラ)
『ノルマ』 (Norma) は、ヴィンチェンツォ・ベッリーニが作曲、1831年に初演された全2幕からなるオペラである。主役を歌うソプラノ歌手にとって最も難度の高いオペラの1つと考えられており、過去にはローザ・ポンセル、ジーナ・チーニャ、ジンカ・ミラノフ、マリア・カラス、ジョーン・サザーランド、モンセラート・カバリェなどが得意とした。ソプラノのアリア「清らかな女神よ」(Casta Diva, カスタ・ディーヴァ)は特に有名であり、リサイタルなどで単独で歌われることも多い。

タイトル: 古代ギリシアの音楽
ならば単純に、多くの人にとって心地よい音楽を演奏し、歌えばいいではないか」と主張した。この単純な哲学は後の平均律の考えを支えた。また20世紀の調性音楽、無調音楽という2つ潮流に分かれ出たことと比較することができるかもしれない。なんでもいいから心地よい音楽を演奏する、ということはプラトンの時代に確立した「様式のエートス(=音楽の道徳論→音楽には道徳的な側面があり、人間の精神はこれに左右されるという考え)」を冒涜するものだった。これはつまり当時のギリシア人が様々な音階様式にたいして感情的で、超自然的な特徴を見出し、それらに関係した複雑な音楽体系をつくりあげていた、ということを示している。古代ギリシア各地の部族、民族の名前から派生した様々な音階名(モード)はそれぞれの民族の気質、精神性をあらわしている。例えばドーリア音階は荒々しく、フリギア音階は官能的...などである。

タイトル: カーロ・ミオ・ベン
日本で声楽を志す者のほとんどが歌ったことのある有名な曲であり、小中高の音楽の教科書や、畑中良輔編の『イタリア歌曲集』にも収録されている。

タイトル: シュプレヒゲザング
シュプレヒゲザング (独: Sprechgesang, ドイツ語: [ˈʃpʀɛçɡəˌzaŋ]「語る歌」)、または シュプレヒシュティンメ (独: Sprechstimme, ドイツ語: [ˈʃpʀɛçˌʃtɪmə]「語る声」) は、 表現主義音楽における、歌と語りの中間に位置する歌唱技法である。シュプレヒゲザングはオペラの歌唱技法であるレチタティーヴォと直接的な関係があり、両者が同様に扱われることがあるが、レチタティーヴォが話し声のように早口で自由な表現でありながらも音高に合わせて歌われるのに対し、シュプレヒシュティンメは特定の音高に縛られないため、より普通の「話し声」に近い。

タイトル: バロック音楽
ルネサンス音楽において声楽は3声部以上を持つものが主流であったが、カメラータでは劇中の音楽として、劇の登場人物が1人で歌唱する作品の形式を発案した。これをモノディー形式と呼ぶ。カメラータの音楽劇の最初のまとまった試みは1598年にヤーコポ・ペーリ(1561年 - 1633年)を中心として行われた音楽劇「ダフネ」の上演であり、これを以てオペラの誕生とする意見もある。モノディー形式の例として今日最も有名なのは、ジュリオ・カッチーニ(1545年頃 - 1618年)の Le nuove musiche(「新音楽」、1601年)である。「新音楽」の作品は、歌手の歌うメロディーと伴奏用の低音パートの2声部に加えて、低音パートに数字を添えて記譜されている。数字は低音の上に奏すべき和音を示しており、これはいわゆる通奏低音の原型とも言うべきものである。

タイトル: ナポリ楽派
ナポリ楽派(イタリア語: Scuola musicale napoletana)は、18世紀にナポリを中心にして、オペラの形式に大きな足跡を残した楽派。

タイトル: 美しきエレーヌ
彼が表現したかったもの(モーツァルトが微笑みによって描いたことをオッフェンバックが笑いによって描こうが、大した違いではない)、それはわれわれ人間の常に満たされることのない欲望である。さらに《ヴィーナスへの祈願》に触れて「一般的に、オペラ・ブフやオペレッタは、ありふれた主題を扱って面白おかしい喜劇となり得るが、オッフェンバックの作品は心理的葛藤など深刻な主題をユーモアと茶番で包み、常にドラマティックであり得る。彼の独創性は本質的に「女性の観点」からの葛藤を分かり易く表現することである。-中略-オッフェンバックのフェミニズムは当時としてみれば、驚くほど進んでいたのであった」ということである。『新グローヴ オペラ事典』によれば「エレーヌとパリスの歌にはオッフェンバックの中で最も表情豊かで均整のとれた声楽の書法が見られる。

タイトル: アニタ・チェルクェッティ
チェルクェッティは、その秀でた声楽能力により、理想的なヴェルディ歌手として評価されている。力みのない発声から繰り出される、低音から高音までむらのない豊麗な響きと、声楽的な制約から解放された自由な表現力が両立している。ヴェルディのソプラノの中でも最難役の1つである「シチリアの晩鐘」のエレーナ公女の録音(1955年)では、1幕の登場直後でのゆったりとしたテンポを満たす充実した響きは、発声の完成度が頂点に達していることを証明する。終幕の「ボレロ」は快速で歌われるが、鈍重とは無縁のスピード感でも、まったく声の響きの充実度が犠牲にならず、最高音までスムーズに声が出切っている。トリルの切れも申し分なく、技巧的にも極めて高いレベルにある。この録音だけでも、チェルクェッティが「幻のソプラノ」ではなく、真に傑出した歌手であることが明らかである。

タイトル: オペラ
これらの独唱・重唱・合唱について、古典的なオペラでは各々が独立して作曲されており、一連番号が付けられていたことから「ナンバーオペラ」と呼ばれ、各ナンバーの間は前述したレチタティーヴォによってつながれる。各曲が独立しているため、上演時の都合によりナンバー単位で省略されたり、作品の作曲家または別な作曲家により、代替あるいは挿入用のアリアが加えられたりすることもあった。しかしロマン派の半ば以降にはナンバーによる分割が廃され、各幕を通して作曲されるようになった(上演の際に慣習的なカットを行うことがある)。また、アリアとレチタティーヴォも明確には区別されなくなっていった。ジングシュピール、オペラ・コミック、オペレッタ、サルスエラなどの様式では、レチタティーヴォ・セッコでなく台詞を用いて劇が進められる。歌手、および歌手の演ずる役柄はそれぞれの音高(声域)で分類される。

タイトル: ベニャミーノ・ジーリ
ベニャミーノ・ジーリ(Beniamino Gigli、1890年3月20日 - 1957年11月30日)は、イタリアのテノール歌手。20世紀前半の最も偉大なオペラ歌手の一人である。

タイトル: コロラトゥーラ
コロラトゥーラ(イタリア語: coloratura)は、クラシック音楽の歌曲やオペラにおいて、旋律に細かく速い音符の連なりを用いて装飾を施し、まるで声を転がすように歌う技法である。このような装飾は、音価の長い音符を音価の短い音符に分割するディミヌツィオーネ(イタリア語:diminuzione)という方法が用いられ、音価の長い白い音符から音価の短い黒い音符に変えるため、音符に色を塗るcolorireという言葉からコロラトゥーラという言葉が生まれた。このように細かく速い音符の連なりを敏捷に歌う技法をアジリタ(イタリア語:agilità)とも呼ぶ。この技法は16世紀からロッシーニの活躍した1800年代中頃までの期間に大きく発展した。特にカストラートの歌手達によって極限まで歌唱技術が高められたが、過剰な装飾を施すことは時に音楽の本質を歪めることもあった。

タイトル: メロドラマ
またベルリオーズ『レリオ』は、メロドラマの手法をオペラではなく交響曲に応用したものである。19世紀に入ると、ピアノの伴奏に合わせて詩を朗読するという室内版メロドラマが人気となり、シューベルト「この世からの別れ」(Abschied von der Erde)、シューマン「美しきヘートヴィヒ」(Schön Hedwig)、リスト「美しき僧侶」(Der traurige Mönch) など名作が多数作られた。また同時期、イタリアではとくにオペラの中で音楽よりも台詞を重視する作曲手法を「メロドランマMelodramma」と呼ぶようになった。

タイトル: ベルカント
彼の歌唱は、オペラ「アルタセルセ」の差し替えアリア「私は揺れる船のように Artaserse:Son qual nave Ch'agitata 」(リッカルド・ブロスキ作曲)の楽譜から知ることができるが、アジリタを駆使して複雑で華麗な装飾を聞かせたことが分かる。発声、歌唱の指導者としては、ピエル・フランチェスコ・トージ(英語版)(Pier Francesco Tosi、1653〜1732)や、ジョヴァンニ・バッティスタ・マンチーニ(英語版)(Giovanni Battista Mancini、1714〜 1800)が高名である。

タイトル: エットレ・パニッツァ
オペラ作曲家としてのパニッツァの作品は、イタリアのヴェリズモ・オペラの様式を受け継いだ作風が特徴的であり、美しくドラマティックなメロディによってオペラ愛好家からの評価は高い。反面、歌手にとっては力強いドラマティックな声と表現が求められるため、現状としてはなかなかパニッツァの作品を歌いこなせる歌手が少ないという難点がある。パニッツァが作曲したオペラの中でも、ジャコモ・プッチーニに優れた台本を提供したルイージ・イッリカの台本に基づく3幕のイタリア語オペラ『アウローラ』は傑作として高く評価され、パニッツァが作曲した作品の最高傑作とされている。『アウローラ』は、ウンベルト・ジョルダーノ作曲の『アンドレア・シェニエ』からの影響を強く受けた、ヴェリズモ・オペラの系譜に連なる作品である。

タイトル: リブレット (音楽)
最初にイタリア語でオペラが書かれたことから、18世紀を通じてヨーロッパでは(フランスを除いて)イタリア語の使用がこのジャンルでは支配的だった。ロシアでは19世紀になっても、サンクトペテルブルクにはイタリア・オペラ一座があり、自国語ロシア語のレパートリーの出現を求められていた。1800年以前の例外としては、ヘンリー・パーセルの諸作品、バロック期のハンブルクのドイツ語オペラ、18世紀にはバラッド・オペラ、ジングシュピールなどがある。文学や歌と同様に、歌詞は多くの翻訳の問題・難問を抱えている。かつて(さらに現在も)台詞のある外国語の音楽劇、とりわけ喜劇は、歌のパートは原語で、台詞のパートはその土地の言葉で上演されることもあった。しかし、それは、ミュージカルやオペレッタを本当に理解できない人々に、「歌詞は重要なものではない」という誤まった考えを与えてしまうことになった。

タイトル: オペラ
プレスコで収録された音声にあわせて、歌手(または別人の俳優)の口パク演技を撮影する方式で、このやり方は今日までオペラ映画として存続している(ただし、70年前後からは劇場上映よりもテレビ用途で制作されることのほうが多い)。舞台の枠組みにとらわれず、自由に野外ロケや特殊撮影などを織り込めるのが特長である。音質、画質の面でも(特に70年代あたりまでは圧倒的に)有利である。公演に映画カメラを持ち込んでの実況収録も1950年代から始まっているが、当初は撮影時の機械音やズームレンズの未発達、フィルムの感度が悪い、などの問題があり、たとえば1960年制作の「ばらの騎士」(カラヤン指揮)などでは、音声のみ実況で収録、映像は終演後に無人の劇場で口パクで撮り直すことによって照明やカメラ位置の自由を確保するという擬似実況方式(前後の拍手やカーテンコールは実況映像)を採用している。

タイトル: マリア・スラティナル＝ニストゥール
 フランス・オペラでは、グノーの「ファウスト」のマルグリートがレパートリーとなる。ルーマニアのオペラでは、エネスコの「エディプス王」、パスカル・ベントユの「ハムレット」、エミール・レレスクの「エカテリーナ・テオドロウ」を歌っている。

タイトル: オペラ・ブッファ
オペラ・ブッファ(イタリア語:opera buffa)は、オペラの一形態。18世紀前半にナポリで生まれ、その後ローマやイタリア北部でも広く知られるようになった。18世紀後半には豊かに発展し、パイジェッロ、チマローザ、モーツァルトによって頂点を迎え、19世紀前半のドニゼッティの頃まで盛んに書かれた。

タイトル: オペラ・ブッファ
しかし1768年5月、音楽愛好家でもあったオーストリア皇女マリア・カロリーナがナポリ王フェルディナンド4世のもとに嫁いで以降、ナポリの宮廷はオペラ・ブッファを演ずる民間劇場一座を宮廷に招き、これを奨励しており、ここから急速にオペラ・ブッファの「高踏化」が始まったとみることができる。すでにブフォン論争である程度オペラ・ブッファが紹介されていたフランスのほか、ナポリを見習った他地域の宮廷でも同様にオペラ・ブッファが急速に好まれ始め、後にモーツァルトの名作『フィガロの結婚』や『ドン・ジョヴァンニ』など、「芸術的」なブッファが生み出される土壌を作り出した。この時期で重要な作曲家が、サッキーニ、ピッチンニ、グリエルミ、パイジエッロ、マリネッリ、チマローザ、トリット、パルマ、ヴァレンティーノ・フィオラヴァンティなどである。喜劇の形式はさまざまで、非常に幅広いものである。

タイトル: レナータ・スコット
レナータ・スコット(Renata Scotto, 1934年2月24日 - )は、イタリアのソプラノ歌手。ベルカント唱法の正統な伝統を受け継ぐオペラ歌手として、歌唱力に加えて美貌と演劇力によっても幅広く称賛された。2002年をもって舞台から引退したが、現在は舞台監督に加えて、イタリアやニューヨークに設立したオペラ学校で教鞭を執っている。

タイトル: メッサ・ディ・ヴォーチェ
メッサ・ディ・ヴォーチェは、非常に高度な声楽の演奏技法と広く考えられている。ベルカントの発声法を支える大変重要なテクニックであり、ベルカントの指導者として有名なピエル・フランチェスコ・トージ(英語版)(Pier Francesco Tosi、1653〜1732)は、彼の著書「古今の歌手に関する見解 Opinioni de' cantori antichi, e moderni 」で大きく扱っている。同じく有名な指導者のジョヴァンニ・バッティスタ・マンチーニ(英語版)(Giovanni Battista Mancini、1714〜 1800)も彼の著書「装飾の施された歌唱に関する実践的 省察 Riflessioni pratiche sul canto figurato」の中で重要なテクニックとして扱っている。

タイトル: バッラータ
バッラータ(ballata, 複数:ballate)とは、13世紀後期から15世紀にかけて使われたイタリアの詩形、楽式。

タイトル: 演歌
演歌が用いる音階の多くは日本古来の民謡等で歌われてきた音階を平均律に置き換えた五音音階(ペンタトニック・スケール)が用いられることが多い。すなわち、西洋音楽の7音階から第4音と第7音を外し、第5音と第6音をそれぞれ第4音と第5音にする五音音階を使用することから、4と7を抜くヨナ抜き音階と呼ばれる音階法である。この音階法は田中穂積による日本初のヨナ抜き短調曲である「美しき天然」の影響を受けた古賀正男(後の古賀政男、1904年(明治37年)-1978年(昭和53年)) による古賀メロディとして定着し、以降演歌独特の音階となる。ただし、ヨナ抜き音階そのものは演歌以外の歌謡曲などでもよく使われる音階である(例えば1920年代に演歌師が歌い流行した「船頭小唄」「籠の鳥」等はヨナ抜き音階を用いて現代の演歌にも似る。)。

タイトル: オテロ
『オテロ』または『オテッロ』(Otello) はウィリアム・シェイクスピアの戯曲「オセロ (Othello)」のイタリア語での呼び名。これを基にしたイタリア・オペラの題名にもなっており、以下の作曲家が書いたものが有名である。