質問: ジャズにおいて、「ルルル」や「ダバダバ」など、意味のない音でメロディを即興的に歌うことを何というでしょう?
回答: スキャット

タイトル: ストレイト・アヘッド・ジャズ
ストレイト・アヘッド・ジャズ(Straight-ahead jazz、「まっすぐなジャズ」の意)は、1960年代後半からジャズに登場し始めた、ロックの影響を避けたジャズのことである。その代わりに、パフォーマンスにおいては、ウォーキング・ベースとスウィング・ライド・パターンに依存しているところがある。オールミュージックは、以下のように説明している。純粋主義者にとって、フュージョンが「本物の」ジャズではなかったため、ロックのビートや電子楽器といったフュージョンの革新を支えたものを採用していない音楽がストレート・アヘッド・ジャズであると説明されるようになっていった。タナー、ジェロウ、メッギルは、「まっすぐな」美学をハードバップの時代にさかのぼっており、その後も数多のミュージシャンたちが、境界を押し広げる革新的な音楽に直面したときに、ジャズの伝統へと導かれ続けている。

タイトル: ドント・ノー・ホワイ
これらの演奏をもとに様々なジャズミュージシャンがカバー演奏を披露している。

タイトル: リズム歌謡
リズム歌謡(リズムかよう)とは歌謡曲の中の1ジャンルを示す名称である。歌謡曲の中でもリズムを強調したもの、またはリズムが印象的に聞こえるもの(効果的に使われているもの)を指す。「リズム」に特に決まりはなく、マンボ、ブギ、ルンバ、チャチャチャ、ボサノヴァ、サンバ、ジャズ、ツイスト、ロック、ワルツなどのリズムが用いられている。曲名中にリズム名が記載されている事がある(例:美空ひばり「お祭りマンボ」)。1990年代後半から2000年代前半にかけ、1950年代から1970年代のリズム歌謡の曲がクラブミュージックの分野で「レア・グルーヴ」として注目されるようになった。

タイトル: ビバップ
ビバップの時代には、チャーリー・パーカーやディジー・ガレスピーらにより和声が極限まで拡張されることとなった。具体的には原曲のコード進行を、さまざまな代理和音を用いてリハーモナイズしたり、頻繁な内部転調を行う、あるいはテンションノートが積極的に用いられるなどである。このようにしてビバップの演奏では調性が希薄になった。コードの進行がフレーズから聞き取れるようなフレーズづくりもビバップの特徴である。しかしこのスタイルは、1950年代終わりごろには、誰がやっても同じようなアドリブになってしまう状況に陥り、行き詰まった。フリー・ジャズはこの行き詰まりを打破するべく生まれたジャンルのひとつである。

タイトル: Tone duh bell easy
宗教歌というよりも、奔放な旋律やコード進行の中に、後に誕生するジャズの息吹が感じられる。

タイトル: ミロンガ
歌は軽快な2/4拍子で決まり、しばしば即興のミュージカルが含まれる。

タイトル: 移動ド
移動ド(いどうド、英語:Movable do)とは、「ドレミファソラシド」を音名ではなく階名として考える、または歌う方法。長調では主音を「ド」、短調では主音を「ラ」または「ド」とする。階名で歌うことは「階名唱法」とも呼ぶ。ソルフェージュでの訓練において使われる。一般的に、ポピュラー音楽のソルフェージュの訓練では移動ドを使う。

タイトル: ジャズドラム
最初期のジャズドラマーたちは、その幅広い影響に比して、限られた引き出ししか持っていなかった。軍楽のルーディメンツと軍隊式のビートが、基本的に彼らが自由に使えた唯一の技法であった。しかし、演奏される個別の音楽に適応する必要があったので、新しい技法とミュージシャンとしての能力が進化を始めた。用いられる主要な技法にロールがあり、重要なパターンの1つは単純に1つおきのビートをロールにするというものであった。これが最初の「ライドパターン」の1つであり、キューバ音楽でクラーベが果たしていたのと同様の機能を持つビートとなる一連のリズムとなっていった――楽団の他のメンバーにとっての「心のメトロノーム」である。ニューオーリンズの第2世代のジャズドラマーの中で最も有名かつ重要な1人であるベイビー・ドッズは、各コーラスの背後でドラマーが何か違ったものを演奏する重要性を強調した。

タイトル: ビバップ
マンネリ化したスウィング・ジャズに飽きた、即興演奏が好きなチャーリー・パーカーやディジー・ガレスピーらのジャズマンたちが、ミントンズ・プレイハウスなどのライヴハウスなどの閉店後に、ジャム・セッションをやることで生まれた。ビバップの登場により、それまで「大衆音楽・娯楽音楽」のみを演奏するとみられていた黒人音楽が、「芸術音楽」も演奏できると認識を改めさせる契機となった。最初に決まったテーマ部分を演奏した後、コード進行に沿った形でありながらも、自由な即興演奏(アドリブ、インプロヴィゼーション)を順番に行う形式が主となる。基本的には、コード構成音や音階に忠実にアドリブ演奏しながらも、テーマのメロディーの原型をとどめないくらい、長めのインプロヴィゼーションが導入された演奏となっていった。そのため、技術的に優れた演奏が多い反面、長いアドリブのために、アドリブ自体が主体になってしまう側面があった。

タイトル: ダモ鈴木
ダモ鈴木は自分の独自の歌唱スタイルを現在このように呼んでいる。これは、フリージャズなどに見られる、即興ではあっても予定調和的な部分が大きい「即興演奏」と区別するために、ダモ自身が提唱しているオリジナル・スタイルであり、とくにダモ鈴木ネットワーク・シリーズにおいては、全く何のリハーサルも行わず、ミュージシャン同士の直感的セッションによって引き起こされ、次第に構築されていくアンサンブルや楽曲、すなわちサウンド、バイブレーションを主体とした考え方から来ている、独自なものと考えられる。そのため歌詞や音程はあってないようなもので、日本語・英語・ドイツ語とゆかりのある言語のどれでもない不定形の歌唱によって、文字通りその場のインスピレーションでコンポーズされる。

タイトル: ヴォーカリーズ
ヴォーカリーズは、ジャズ以外の音楽ジャンルでも用いられることがある。例えば、アニー・ハズラムは、プログレッシブ・ロック・バンドであるルネッサンスとともに「Mother Russia」(1974年のアルバム『Turn of the Cards』に収録)、「Prologue」、「Rajah Khan」(いずれも1972年のアルバム『Prologue』に収録)をそのように歌っている。クラシック音楽に用いる事例としては、1956年のアルバム『At the Drop of Another Hat』に収録されたフランダース&スワン(英語版)の喜劇的な「Ill Wind」があり、そこでは、モーツァルトの『ホルン協奏曲第4番(英語版)』の第3楽章「ロンド」に歌詞が載せられている。本来は器楽であるクラシック音楽のメロディ(旋律)に、日本語の歌詞を載せて歌う行為は、日本ではしばしば行われている。

タイトル: 口パク
ミュージカル映画の一部には、そもそも本人が歌っておらず、他の歌手による歌声を録音し、それにあわせて口パクをしているような、深刻な口パクもある。特にインド映画は、ほとんど他歌手による物で「プレスコアリング」と呼ばれ、プレスコ専門の有名な歌手がいる。収録済み歌唱に合わせて口を動かし、あたかも登場人物が歌っているかの様に演出する技法を言う。

タイトル: メリスマ
当然ながら、民族音楽にルーツを持ついくつかのジャンルのポピュラー音楽(たとえばロックやブラック・コンテンポラリー)の歌唱法にもメリスマは利用され、ジョン・レノン、ホイットニー・ヒューストン、スティーヴィー・ワンダー、セリーヌ・ディオン、マライア・キャリーはメリスマ的な歌唱法を利用している。アメリカポピュラー音楽界の影響を受けやすい日本のポピュラー音楽界でも、旋律中にメリスマを用いる例が見受けられるようになった。

タイトル: ドレミ記譜法
ここでは、より明確にメロディを表現できるように記譜方法を定義するものである。

タイトル: ルククルン
声調を犠牲にしてメロディーを優先すると歌詞の意味が不明になるばかりではなく、まったく違った意味になってしまうので、声調が犠牲になることは、ない。したがって、原メロディーの意図しない音程が挟み込まれることは一般に当然のことで、この音程がアヴォイド・ノート(回避音)になってしまうこともしばしばである。このアヴォイド・ノートの出現が大胆で特異な和音解釈を思わせ、タイ歌謡独特のフレージングの大きな特徴になっている。アヴォイド・ノートは多くの場合、テンション・ノートとして構成される。しかし、近年では稀に構成音を転回させて、いわゆる代理コードと解釈して演奏されることもあって、これは西暦2000年前後からタイの演奏者の水準が劇的に向上し、音楽理論の理解が進んだことによる。このテンション・ノートや代理コードの使用も相俟って、タイの歌謡曲はジャズとの親和性が高い。

タイトル: ポピュラー音楽
ディキシー・ランド・ジャズはトランペット・クラリネット・トロンボーン・ピアノ・ベース(もとはチューバ)・ドラム・ギター(もとはバンジョー)が標準的な編成で、決まったコード進行が繰り返される中、管楽器たちが即興演奏を行い、その時にはシンコペーションやスイングでリズムを豊かにするような工夫が行われる。ジャズも様々なスタイルがあるが、この即興とスイングの要素はどのジャズにも見られる。ラグタイムやジャズは、黒人の音楽ではあるがヨーロッパ音楽の要素も多く含んでおり、メイン・ストリーム側とすぐに接触が生じ、ティン・パン・アレーからラグタイムやジャズの曲が売り出されて人気を得たり、逆にティン・パン・アレーの曲をジャズ・ミュージシャンが演奏したりということが盛んに見られるようになった。ジャズは本質的には「演奏テクニック」であり、どんな曲でも演奏できる代わりに必ず何か「元ネタ」を必要とする。

タイトル: ジャズドラム
ジャズ(の、特にドラム)に現れるアフリカ音楽由来の器楽の特質としてはピッチのない楽器を用いて音楽的なピッチもしくは高低的な音色を作り出すこと、全ての楽器を用いて人間の声を真似ようとすること、リズム構造を他のリズム構造と重ね合わせること(例えば3拍と2拍)、時間の規則的な区分(音楽用語でいう小節)を2拍と3拍のグループに分割すること、楽曲全体を通じてしばしばクラーベと呼ばれる反復的なリズムパターンを用いることなどがある。そのパターンと、それに伴う美学がジャズの世界ではしばしば顕著に現れるので、この最後のものは特に重要である。アフリカの奴隷たちがカリブ海諸島、特にキューバへと連れて来られたという経緯のため、クラーベ(スペイン語:[ˈklaβe])はカリブ音楽に不可欠なものでもある。

タイトル: ポスト・バップ
研究家のキース・ウォーターズによると、ポスト・バップの録音に見られる特徴として、モード・ジャズに特徴的なゆっくりとした和声リズム、基礎となる和声構造の「内側」と「外側」を演奏するテクニック、リズム・セクションの伴奏に対する対話的(または会話的)アプローチ、珍しい和声進行、和声またはメトリックの重ね合わせの使用、頭の主張やコーラスの構造即興の珍しい基礎の形式設計、または即興時の基礎となるコーラス構造の完全な放棄などがあるとしている。

タイトル: フリー・ジャズ
フリー・ジャズ(英: Free jazz)は、1950年代末にビバップなどのそれまでのジャズの演奏形態を否定、革新した当時の新しいジャズのジャンルであり、1960年代に隆盛となった。

タイトル: ジャム (音楽)
ジャムセッション(英: Jam session)とは、本格的な準備や、予め用意しておいた楽譜、アレンジにとらわれずに、ミュージシャン達が集まって即興的に演奏をすることである。特にこれを重視するバンドをジャム・バンドという。類似語としてアドリブやインプロヴィゼーション(即興)がある。

タイトル: ジャイブ (ダンス)
ジャイブ(英語: jive)はジルバから派生した、アメリカ合衆国内のアフリカ系アメリカ人の間で踊られ始めたダンスの形式の一つ。1930年代初め頃からジャズ・シンガーのキャブ・キャロウェイの影響によって広まった。 1930年代から1940年代にかけてのスウィングミュージックの演奏者にとって「ジャイブ」とは、口先だけの分別のない話を意味する表現だった。

タイトル: バラード
ゆったりしたテンポ、静かな楽想、美しいメロディラインやハーモニー、そしてラヴソングを中心とした感傷的な歌詞を音楽的な主軸とし、楽式的には、ピアノなどによる静かなイントロとエンディングに向けての劇的な盛り上がりが特徴とされる。音楽のジャンル(ロック、ジャズなど)とは異なる概念である。同じアーティストであっても、曲によりバラードの該当、非該当が分かれる曲調による区分である。タイトルがバラードと定義されていない曲がバラードに該当するかどうかについて判定することは困難である。1980年代後半以降は、ドラムスによるリズムが曲の全編を通して明確に刻まれているようなミディアム・テンポのポップスも、編曲が比較的静かで、美しいメロディラインや感傷的な歌詞を特徴とする場合は、バラード曲と呼ばれる傾向が強まっている。(en:Ballad (music))※五月のバラは川口真の作曲

タイトル: ドローン・ミュージック
ホセ・マセダは音楽の根源を「ドローンとメロディー」であると定義している。インドの伝統音楽ではタンブーラで一つの音が強調され続けるため、ドローン・ミュージックの源泉として讃えられることが多い。

タイトル: オール・オブ・ミー (曲)
「オール・オブ・ミー」はリアル・ブックのほとんどの版にある。通常スウィング・フィールで演奏する。

タイトル: 和音
コードネーム(英: chord symbol)は和音を表す記号である。バークリー音楽大学の教授 Jerry Gates は「コードネームはファーディ・グローフェ(1892 – 1972)とジェリー・ロール・モートン(1890-1941)により発案されたと聞いている」と述べている。ジャズ演奏において、リード・シートというメロディとコードネームが記されただけの楽譜を用いて、メロディをフェイクしたり、アドリブを演奏したりするのに非常に役に立つ。また、ポピュラー音楽や、ギターで和音を演奏するときに多用される。基本的に英語が使われる。コードネーム単体ではリズムを表すことができないので、旋律の楽譜の上に添えて書かれることが多い。コードネームは、英語音名で根音(ルート)を表し、それに和音の種類を表す記号を添える。

タイトル: ヴォーカリーズ
ヴォーカリーズ創作の「第一の波 (first wave)」では、オリジナルのインストゥルメンタル曲の演奏者に対する賞賛を捧げる形がとられることがよくあり、例えば、エディ・ジェファーソン(英語版)による「ボディ・アンド・ソウル (Body and Soul)」は、世界的に評価されているこの曲のソロを吹いたコールマン・ホーキンスについての歌詞で歌われる。「ヴォーカリーズ (vocalese)」という単語は、(母音唱法を意味する)音楽用語である「ヴォカリーズ (vocalise)」と、言語名称などに用いられる接尾辞「-ese」を結びつけた造語であり、ジャズ評論家のレナード・フェザーがランバート、ヘンドリックス&ロスの最初のアルバム『Sing a Song of Basie』について用いたのが最初とされている。

タイトル: ジャズ
卑猥な意味をもつという"jass(ジャス)"によるとする説や、19世紀からアメリカ南部の黒人が使っていた性行為などの性的意味、熱狂や急速なテンポ・リズムを意味するスラングのjazz(ジャズ)によるとする説などがある。jassという言葉の意味は様々に変化し、上記のような特徴をもつ黒人音楽を、ジャズと称するようになった時期も明らかではない。作曲家のジェリー・ロール・モートンは、ラグタイム時代からスウィングジャズ時代まで活動した。1916年にシカゴで活動していたジョニー・ステイン(英語版)をリーダーとする白人バンドが、jassということばにヒントを得てバンド名を"Stein's Dixieland Jass Band(ステインのディキシーjassバンド)"とし、これからジャズと称されるようになった、という記録がある。

タイトル: ボーカル・ジャズ
ボーカル・ジャズ(Vocal jazz)またはジャズ・シンギング(jazz singing)は、声を使ったジャズへの楽器的なアプローチである。ア・カペラと同様に、伝統的な楽器に頼るのではなく、声のアレンジを利用して音楽を形成するさまざまなサウンドを作成する。1つの形式であるボーカル・ジャズ・アンサンブルは、20世紀初頭にアメリカで登場した。

タイトル: オールド・ラング・サイン
作曲者不詳。日本でいうヨナ抜き音階と同じ音階による旋律である。

タイトル: ボサノヴァ
しかし、ジョビンの録音でそういったオーケストラ・サウンドを耳にすることはあっても、それ以外の多くのボサノヴァではあまり聴かれない。ジョビンによる録音の知名度の高さから、このような誤解が生まれたと考えられる。なおジョビン自身は、ボサノヴァの可能性を広げるために、編曲の一手法として、オーケストラを導入していた。声を張らない囁くような歌声が、一般的に多く見られる特徴であり、サウダージの表現として捉えられる。この歌唱法は一説に、ジョアン・ジルベルトが、ジャズミュージシャンのチェット・ベイカーの歌声から着想を得て、生み出したとも言われている。また、ビング・クロスビーやフランク・シナトラに代表される「クルーナー唱法」の影響も指摘されている。ジャズと同様にスキャットも多用される。またソロのほか、コーラスも一般的である。

タイトル: ネリー・メルバ
公演における歌唱のほとんどがそうであったように、録音においてもメルバは、20世紀初頭のイギリスにおいて標準的であったA=452Hz(「ラ」の音高を452ヘルツとするチューニング)でも、現代において標準となっているA=440Hzでもなく、「フレンチ・ピッチ」(A=435Hz)を採用していた。このことと、初期録音の様々な技術的限界(音盤は本来想定されている78回転より遅く/速く回して録音が行なわれる事もあったし、密閉された録音スタジオは音溝を刻む蝋管の蝋を柔らかい状態で保つため非常に暑く、録音セッションの最中に楽器の調律が無茶苦茶になってしまう事もよくあった)から、残された録音からメルバが実際に歌った速度と音高を復元するのは、単純な事ではない場合がある。