質問: 「音楽の三要素」といえば、リズム、ハーモニーと何?
回答: メロディ

タイトル: ドラム・ビート
西洋音楽において音楽の三要素とは旋律(メロディ)、和声(ハーモニー)、律動(リズム)だが、現代ポピュラー音楽では、このうちの拍子(リズム)・リズム感を強調して奏で、ビートと称してその躍動感・味わいを楽しむ。音楽でビート感を楽しむ流れは、黒人の音楽から来ているとされている。ビートには様々な種類があり、各々の楽曲も様々なスタイルを取り込んでいて一様ではないが、主に以下のように分けられる。

タイトル: 音楽
上記の要素に関連して、いわゆる西洋音楽の世界では、一般に音楽はリズム、メロディー、ハーモニーの三要素からなる、と考えられている。だが実際の楽曲では、それぞれが密接に結びついているので一つだけを明確に取り出せるわけではない。また、音楽であるために三要素が絶対必要という意味ではない。たとえば西洋音楽以外ではハーモニーは存在しないか希薄であることが多いし、逆に一部の要素が西洋音楽の常識ではありえないほど高度な進化を遂げた音楽も存在する。このようにこれら三要素の考え方は決して完全とは言えないが、音楽を理解したり習得しようとする時に実際に用いられ、効果をあげている。

タイトル: 音楽の定義
西洋音楽では、次の3つの要件が必要であるとしている。1.材料として音を用いる。2.音の性質を利用して組み合わせる。3.時間の流れの中で素材(音)を組み合わせる。そのため、リズム(律動)、メロディー(旋律)、ハーモニー(和声)をもつものが音楽とされる。つまり、音楽は時間の中に組み立てられた芸術であり、絵画や彫刻を芸術空間とよぶのにたいして、時間芸術ともよび、美学では人為的な音楽は音による時間の表現であると定義する。広くは人間が楽しめたり、意味を感じたりすることのできる音全体のことをさす場合もある。リズム(律動)、メロディー(旋律)、ハーモニー(和声)をもつものが音楽とされる。

タイトル: 限界 (音楽)
ハリー・パーチ、Ivor Darreg、ラルフ・デヴィッド・ヒルなどの微分音音楽の作曲家たちは、音楽の構成において次第により高次の倍音が使われるようになったことを指摘している。 中世西洋音楽では、オクターヴと完全五度から構成される(つまり最初の3つの倍音だけが関与する)和音だけが協和音であると考えられていた。 西洋では、ルネサンスのころに三和音が出現し、間もなく西洋音楽の基本的な構成要素となった。このような三和音中の長三度や短三度は、最初の5つの倍音の関係を利用している。20世紀になると、ブラックミュージックの基本的な構成要素として四和音が登場した。 伝統的な音楽理論教育では通常、このような七の和音を、長三度と短三度の連鎖として説明している。 けれども、これは5倍を超える倍音同士の関係から直接派生するものとしても説明可能である。

タイトル: 三曲合奏
楽器編成は古くは三弦、箏、胡弓の組み合わせが一般的であったが、箏、胡弓、尺八といった組み合わせの三曲合奏も行なわれた。胡弓の代わりに尺八が加わることも江戸時代後半から行なわれていたが、明治初年に虚無僧制度が廃止されて以降、尺八が積極的に三曲合奏に進出し、今日では胡弓よりも尺八が加わる方が圧倒的に多くなった。ただし胡弓入りの三曲合奏がなくなったわけではなく、現在でも各地で行なわれ、特に名古屋では比較的盛んであるし、また山田流箏曲に藤植流の胡弓が加わり三曲合奏されることもある。歌のある曲の場合は、三味線,箏の奏者が弾きながら唄う。

タイトル: トリコルド
トリコルドは、3音列のこと。例えばドレミ,レミファ,ミファソなど。ギリシア語のトリ (3) コルド(弦)より。

タイトル: MARETU
メタル的なフレーズを多用する一方、チップチューン、ポップスからの影響も受けている。また三味線など「和風」な演出が楽曲中に組み込まれている。

タイトル: スティーブン・フォスター
因みに彼の作品の大半は、トニカ(トニック Tonic , 主和音)、サブドミナント(Subdominant , 下属和音)、ドミナント(Dominant , 属和音)の主要三和音で書かれている。

タイトル: ロシアのクラシック音楽史
オリエンタリズムのもうひとつの音楽的特質として、ディオニューソス的陶酔を表象する語法がある。これは、強迫観念的なリズムや音の反復、クライマックスの効果、そして加速するテンポに依拠している。管弦楽作品では東洋的音響を持つ打楽器、トルコの太鼓やタンブリンが加えられる。和声の領域においては、バラキレフら「力強い一団」は2つの異なる語法を発展させた。ひとつは民謡や疑似民謡に基づく全音階的和声であり、もうひとつは半音階的あるいは「幻想」的和声である。前者は国民的な登場人物を描き、後者は幻想的な題材を描くのに用いられた。この使い分けの最も顕著な例は、ムソルグスキーの組曲『展覧会の絵』であり、この作品で描かれた「絵」はそれぞれ2つのタイプのいずれかに属している。

タイトル: 解決
解決(かいけつ)は、音楽用語の一つ。

タイトル: ポストモダン音楽
総じて「ポストモダン音楽」は調性を巡る人類の戦いであったとさえ言えるのである。多くのポストモダン音楽は、調性に依存しているために先鋭的になれない。「ミニマリズム?そんなものは死」と喝破したのはモダニズムの巨匠エリオット・カーターであった。調性が死んでも調性に依存したい人間の欲望は、21世紀の今もなお消えない。

タイトル: ネオ・リーマン理論
ネオ・リーマン変換は、いくつかの相互関係のある幾何学的構造でモデル化できる。リーマンの Tonnetz("tonal grid", 右側に示す)は、3つの協和音の間隔に対応する、3つの単体軸に沿ったピッチの平面配列である。長三和音と短三和音は、Tonnetz の平面をタイル状に結ぶ三角形で表される。辺で隣接する三和音は2つの共通のピッチを共有するため、主要な変換は Tonnetz の最小運動として表される。名前の由来となった理論家とは異なり、ネオ・リーマン理論では典型的に異名同音(G♯ = A♭)は等価であると仮定し、平面的なグラフをトーラス(円環面)で覆う。その他の声調に関する幾何学は、古典的なTonnetzの特定の特徴を分離または拡張するネオ・リーマン理論で説明される。

タイトル: 拍子
最初の音よりタイと強拍か弱拍に休符によって区切られた場合に超強となる。強拍における重心が確保されると小節が成立し、2つ並んで動機となる。効果はリズムと対位が共に終止の構造をとるまで有効である。ビートと異なり、音量による補強を拍子学に組み込まずに説明される。あくまで音量は波に働く総合力と解釈し、音質とかかわりがあるという立場から来る。

タイトル: セプテット
セプテット(septet)セプテット(septet)とは七人組、七重奏の演奏もしくは演奏楽団の事である。七重奏は例えば、ヴァイオリン、ヴィオラ、チェロ、コントラバス、クラリネット(B♭管)、ファゴット、ホルンという楽器編成で構成されている等。

タイトル: 管弦楽法
管弦楽法は主として、楽器法と編曲法に分けられる。また、それらを支える基礎技法が必要である。その他、様々な作曲家のスコアを分析することも推奨される。管弦楽法の基礎技法として、オーケストラに使われる各楽器についての知識である。旋律を複数の楽器がユニゾンやオクターブでなぞるときの効果について、また、和声学的にさまざまな声部を組み合わせるときの方法についての知識である。

タイトル: 交響曲第3番 (ベートーヴェン)
トリオ(中間部)ではホルン三重奏が見られ、特に第2ホルンはストップ奏法を多用する、当時としては難度の高いものとなっているが、緊張感のある音となるので、トリオのコーダでは大きな効果を得られる。ベートーヴェンが当時のホルンの特色を熟知していたことを示す一例であるが、音色が均質な現代のヴァルヴ・ホルンでは逆にそういった効果は得がたい。終結部では2分の2拍子になる部分もあり、総じて可変拍子的な感覚が多用されている。変ホ長調。4分の2拍子。自由な変奏曲の形式。パッサカリアであるという指摘もある。主題と10の変奏による。ただし、第4、第7変奏については、ソナタ形式における展開部の様相を示すため、変奏に数えず変奏と変奏の間の間奏のような形で捉えることもある。第10変奏もコーダの様相を示すため、変奏に数えないことがある。第4楽章の主題はバレエ音楽『プロメテウスの創造物』の終曲から転用している。

タイトル: 雅楽
「三鼓」とは、羯鼓(または三ノ鼓)、鉦鼓、太鼓であるが、羯鼓の演奏者が洋楽の指揮者の役割を担い、全体のテンポを決めている。「両絃」とは、楽琵琶、箏のことで、演奏者が一定の音形を演奏し、拍(はく)を明確にしている。

タイトル: ポップ・ミュージック
音楽学者Timothy Warnerによると、ポップ・ミュージックは一般的にライブよりもレコーディング、生産、テクノロジーに重点を置いているとし、進歩的な開発よりも流行が反映される傾向があるとしている。また、ダンスを促進し、ダンス向けのリズムを使用している傾向があるとしている。主なポップ・ミュージックの楽曲は2分半から3分半の長さで、一般的に一貫性のある楽曲が多く、リズミカルで、シンプルな構造、主流のスタイルが用いられる。歌詞は一般的に単純なテーマに焦点が当てられ、特に愛や恋愛に関するテーマが多い。和声の構成は、古典的なヨーロッパの調性音楽をシンプルにしたもの(ポピュラー和声)が多い。

タイトル: 交響曲第3番 (スクリャービン)
以下の3つの楽章からなり、それぞれにフランス語で題名が付されている。3つの楽章は互いに連結されている。また、第1楽章は、主部に先立ち序奏が設けられている。この序奏では、トロンボーンを主とする低音域に、モットーとなる強烈な主楽想が登場して、それに強奏のトランペットが応答したところで、第1ヴァイオリンと木管楽器が参入する。第1楽章は、主楽想の変形がヴァイオリンに登場し、それが低音に引き継がれて、次第にクライマックスを築き上げていく。それが消え去ると、弱音器を付けた弦楽器に讃美歌調の主題が登場する。続いて木管楽器とヴァイオリンが、低音の伴奏に合わせて第2の旋律を歌い出すと、今度は長いトレモロに乗って「ドレスデン・アーメン」を連想させる主題が登場し、トランペットが充実した伴奏に合わせて、いくつもの主題を原形で示す。再現部の後で、激しい伴奏に合わせてホルンとヴァイオリンに主楽想が戻ってくる。

タイトル: ハーモニカ
ハーモニカの発明者は諸説あるが、その起源は1820年頃に作られたオルガンの調律用の道具が有力とされる。1821年、ドイツのベルリンで、オルガン職人の息子、クリスチャン・フリードリヒ・ルートヴィヒ・ブッシュマン (Christian Friedrich Ludwig Buschmann、1805年6月17日 - 1864年10月1日) という当時16歳の少年が試作した、「AURA(オーラ)」というオルガンの調律用に鉄製リードを付けた笛がハーモニカの原型として有名である。彼はアコーディオンの発明者としても知られている。初期のハーモニカの原初的楽器は全ての音階が、単純な全て吹音楽器であった。

タイトル: 舞踏組曲 (バルトーク)
ハンガリー・ルーマニア(特にリズムで)・アラブのそれぞれの要素を持つ舞曲が、華やかなオーケストレーションで次々に現れる。ロンド主題の音階は五音音階に基づく。リトルネロなしで休みなく次の曲に続く(譜面には"atacca!"(そのまま続ける!)と書かれている)。ほぼ三部形式。バルトークお得意の「夜の音楽」を思わせる静かな舞曲で、アラブ風の旋律が静穏な弦楽器の密集和音の中から出現する。その雰囲気を引き継ぐように、リトルネロもまた静かに、切れ切れに出現する。「非常に原始的な舞曲でどこに由来するとも言えない」とバルトークが述べている。わずかに盛り上がって終わるが、そのリズムなどは終曲への序奏としての役割が大きい。

タイトル: 間奏曲
また、間奏とは、ひとつの楽曲の中で、声楽曲ならば声楽を伴わない器楽部分、器楽曲ならば主奏者(独奏者)が休止する部分のことである。

タイトル: 声部連結
作曲において、声部連結(または声部の連結、声部進行、運声法、声部誘導法、ボイス・リーディング)voice leadingとは、それぞれの音を滑らかで調和した形で音楽的に並べることで、あらゆるボイシングにおいて用いられる。

タイトル: 和声と創意の試み
以下の12曲から構成される。

タイトル: 重奏
重奏の形態は様々なものが考えられるが、主なものは次の通りである。現在ではほぼすべての弦楽器、管楽器などにピアノとの二重奏曲があるといってもよい。

タイトル: コンチネンタル・タンゴ
ヨーロッパで広く演奏される楽器編成に合わせるために、バンドネオンの利用が強制ではなく、アコーディオンや弦五部などで代用されている場合がある。楽器編成はアコーディオンのみならず、クラリネット、ドラムス、フルート、サックス、木琴も用いられる。リズムに関する特徴をひとつ挙げるとするならば「8分音符3つに、16分音符2つ」といった有名なリズムパターンがあり、これはコンチネンタル・タンゴ発祥のものであり、アルゼンチン・タンゴでこのようなパターンは採用されていないので、コンチネンタル・タンゴ(ヨーロピアン・タンゴ)の大きな特徴のひとつである。(その後、このパターンはアメリカン・タンゴでも採用され、ルロイ・アンダーソンの「ブルー・タンゴ」でも採用された。)

タイトル: モアリズム
モアリズム(英: more rhythm)は、日本の3人組リズム&ブルースバンドである。2007年結成。クニタチレコード所属。

タイトル: 交響曲第3番 (ハリス)
フルート3(3奏者はピッコロ持ち替え)、オーボエ2、イングリッシュホルン、クラリネット2、バスクラリネット、ファゴット2、ホルン4、トランペット3、トロンボーン3、ホルン4、トランペット2(C調)、トロンボーン3、チューバ2、ティンパニ、小太鼓、シンバル、トライアングル、木琴、ヴィブラフォン、大太鼓、弦五部、

タイトル: 和楽器
和楽器(わがっき)とは、日本で伝統的に使われてきた楽器。和太鼓・和琴・尺八・三味線など、先史時代に原形があるものから近世生まれのものまで、種類は多種多様である。「和」は「日本」を意味するが、「邦(くに、国)」と「楽器」を合わせた邦楽器(ほうがっき)も結果的同義。日本の伝統楽器などという表現もある。英語では "traditional Japanese musical instruments " あるいは "Japanese traditional instruments " と表現する。

タイトル: 田園の奏楽
また、別の解釈として『田園の奏楽』の4人の人物は、世界の四大元素である、水、火、土、風の象徴であり、世界の調和とそれぞれの関係性を描写しているという説もある。

タイトル: リフ
主にリズムセクションの楽器によって演奏され、楽曲の基礎や伴奏として成立するものを指す。特にロック、ラテン、ファンク、ジャズなどにおいて顕著であるが、ラヴェルの『ボレロ』のように、クラシックもまた時にシンプルなリフの上に成り立っている。シンプルでありながらキャッチーなリズムの音型をホンキングするサックスのように、あるいは、カウント・ベイシー・オーケストラのヘッド・アレンジに於ける、リフを基に展開される変奏のように、リフとは単純でもあり、逆に複雑なものとしても成立する。ギターによるものが顕著ではあるが、ベースやキーボードも少なからず用いられる。デヴィッド・ブラケット(1999)は、リフを「短旋律」と定義し、同じ頃リチャード・ミドルトン(1999)は同様に「短いリズム的、旋律的、または和声的音型の繰り返しであり、楽曲の基礎構造となるもの」と定義した。

タイトル: シンフォニエッタ (入野義朗)
まず、小太鼓によって、八分音符の数を1つから5つへと漸増させてゆく、この曲の統一要素となるリズムが提示され、続いて、ピアノと木管楽器により、原音列の前半6音と後半6音を重ねた上昇音形で、原音列が提示される。弦楽器のピッツィカートが厚みを増して盛り上がると、強く和音が叩かれ最初の頂点を形成する。速度を速めてフーガが開始される。まず、クラリネット、ファゴット、チェロ、コントラバスによりフーガ主題が提示され、ここで初めて原音列が明らかにされる。このフーガ主題の冒頭のリズム形は、八分音符単位で「4→3→2→1」と漸減してゆくものである。「提示ー展開ー再現」の三つの部分からなり、展開の部分ではリズム的な展開を主体とする。再現の部分では音色を変えながら音楽が進み、頂点で「4→3→2→1」のリズム形が拡大して奏される。「主題と変奏」レント。

タイトル: 和楽器
和楽器では雑音(噪音) の美が認められ、その要素が取り入れられていることが大きな特徴である。近代以降の西洋音楽の楽器(洋楽器)は、倍音以外を出そうとすることはなく、また近隣の中国や朝鮮の音楽と比べても、和楽器には噪音(倍音以外の音)を多く含む音を出す楽器の比率が高い。三味線や楽琵琶を除く各種琵琶の雑音付加機構「さわり」はその代表例である。また通常は噪音を出さない楽器にも噪音を出すための奏法がある。これには、楽器が大陸から日本に伝来し定着する過程で、そのような変化や工夫が加わっていったためと推測される。和楽器は、西洋音楽のモダンな同属楽器と比較すると音量が小さいものが多い。

タイトル: 音高
これはトーンクロマあるいはトーンクラスと呼ばれる(音高と合わせ音楽的ピッチあるいは旋律的ピッチとも)。

タイトル: 和声
教会旋法をより発展した形で用いたり、全音音階といったある法則性に基づく音階を創作し、旋律や和音をその音階を用いて構成するという手法を用いた。俗に色彩和声と言われる。近代音楽の和声に古典派で厳密に制御された規則は存在しないが、独自に教程に組み込んだ理論家は存在する。現代(ここでは20世紀初頭~現在21世紀)においては、20世紀初頭に調性が崩壊し、新ウィーン楽派による無調の音楽が出現した。これに対しバルトークは「中心軸システム」、ヒンデミットは独自の理論による「拡大された調性」を使い、中心音の調的支配力の中で12音の半音階を駆使した。オリヴィエ・メシアンは旋法と色彩を対応させた独自の和声法を展開した。そのほか手法の面において様々な試みがなされていて、例えば、複調、多調、多旋法、移調の限られた旋法、十二音技法、音列作法、雑音、微分音や非平均律などが挙げられる。