質問: ある声部の旋律を、他の音部がそのまま忠実に模倣しながら追いかけていく、パッヘルベルの作品でも有名な楽曲の形式は何?
回答: カノン

タイトル: イ長調
そして、オーボエの響きが悪い調だったので単独で旋律を吹かせないようヴァイオリンとユニゾンか二人一組で長い持続和音を奏する書法が基本であった。このように古典派の様式では管弦楽法的に制限の多い調であったのであまり多く書かれなかった。クラリネットにはA管があり、B♭管よりも柔らかく内省的な響きがする。モーツァルトはこのA管クラリネットを好み、クラリネット曲を中心にイ長調の曲を多く残している。マルカントワーヌ・シャルパンティエはこの調について「陽気で牧歌的」と述べている。マッテゾンは「輝かしくはあるが、非常に攻撃的」と述べている。また「気晴らしよりは、嘆き悲しむような情念の表現に向いている」とも考察している。

タイトル: 交響曲第1番 (フルトヴェングラー)
ブルックナーの影響の濃い、後期ロマン派の流れを汲んだ作品である。全曲約75分。ロ短調、4分の4拍子、自由なソナタ形式。冒頭、弦楽器が小刻みに上昇する音形を繰り返し、旧作『ラルゴ』から引き継いだ、堂々とした旋律が提示される。金管群が咆哮し、属音上の空五度で力を弱め、弦楽器に緩やかに流れる第1主題が現れ、クラリネットが答える。この主題の音形は、弦楽器のリズミカルな動きの上で金管にも現れ、静かになって弦楽器に薄明るい第2主題が現れる。この主題はしばらく展開され、弦楽器によるしつこい動きの上で金管が咆哮し、弦楽器の上行音形の頂点でニ長調の明るい合唱風の旋律(「第九」の「歓喜の歌」の旋律の前半の縮小形にも聞こえる)がホルンとトランペットで高らかに響く。すぐにこの旋律も展開され、冒頭の管楽器の下降音形がかえってくる。

タイトル: 光 (シュトックハウゼン)
全曲演奏にはワーグナーの『ニーベルングの指環』の倍、約28時間かかることでも有名であるが、全曲がわずか1分のズーパーフォルメル (Superformel) という3声(主要なキャラクターであるミヒャエル、ルツィファー、エーファの3人を象徴する)からなる旋律に基づいている。

タイトル: ホルン協奏曲 (細川俊夫)
作品はベルリン・フィルハーモニー管弦楽団、バービカン・センターとコンセルトヘボウ管弦楽団との共同委嘱によって制作された。作品は当初、1982年におこなわれたベルリン・フィルハーモニー管弦楽団創立100周年記念作曲コンクールで細川が1位で入賞した際の新作委嘱として書かれる予定であったものが諸事情などによって実現しなかった。

タイトル: 舟歌
もともと船頭が舟を漕ぐのに都合の良い調子で口ずさむ歌であったと考えられ、このような民謡や労働歌としての舟歌にロシアの『ヴォルガの舟歌』、日本の『最上川舟唄』などがある。メンデルスゾーンが『無言歌集』で『ヴェネツィアのゴンドラの歌』(Venezianisches Gondellied)を作曲したのが早い例であり、その後ショパン、アントン・ルビンシテイン、フォーレ、チャイコフスキー、プッチーニ(「マランゴーナの舟歌」)、ラフマニノフらが作品を残している。とくにフォーレは生涯を通じて13曲の舟歌を作曲しているのが注目される。またオッフェンバックのオペラ『ホフマン物語』の中の『ホフマンの舟歌』も有名である。舟歌はおおむね6/8、9/8といった複合拍子をとり、低音部で比較的単純なリズムが繰り返されて波間をたゆたうような印象を与え、その上にメロディーが歌われる。

タイトル: マックス・ブルッフ
ブルッフの作品を第一に特徴づけているのはその旋律性である。ブルッフは魅力的な旋律を生み出すことに長けており、それはほぼ全ての作品を覆い、親しみやすいものにしている。ヴァイオリン作品を多く書く理由についても「ヴァイオリンはピアノより旋律を良く歌うことができるし、旋律は音楽の魂だからだ」と語っている。もう一つの特徴は、民族音楽への興味である。ブルッフは「歌というものに対して不親切な時代における、ひとつの光明」として、ヨーロッパの様々なうたに興味を持ち、《スコットランド幻想曲》や《コル・ニドライ》をはじめとする複数の作品で民俗的な要素を取り入れている。

タイトル: 吹奏楽曲
吹奏楽曲は、主に以下のようなジャンル分けができる。曲名に、作曲者によって明確にジャンルを謳っている楽曲は、上述のようなジャンル分けが可能である一方で、それを明示しておらず、曲の内容から鑑みた場合にこれらの分野の中間的な存在の作品もある。吹奏楽の歴史的な背景から、吹奏楽曲は、 音楽ホールの舞台で演奏されることを想定したものばかりでなく、機会音楽として屋外の特設ステージなどで演奏されるものや、マーチングバンドや鼓笛隊などによって行進しながら演奏されるものも多い。演奏に際しては、指揮者を用いることが多い。

タイトル: アントン・ブルックナー
またすべてセオリー通りにトリオを挟んで楽章冒頭にダ・カーポして終わる(コーダがつく場合もある)。交響曲第2番の初稿および第8番、第9番では第2楽章がスケルツォとなっている。その他の細かい点では、以下のような書法が特徴として指摘されている。一般的には後期ロマン派に位置づけられる。作曲技法的にはベートーヴェン、シューベルトの影響を、管弦楽法、和声法ではワーグナーの影響を受けていると言われる。そしてグスタフ・マーラー、フランツ・シュミットなどに影響を与えたほか、ハンス・ロットの才能をいち早く見出した。一方、後期ロマン派の中での特異性も指摘されている。一つは、オペラや文学との接点の少なさであり、これは作品にオペラが残されていないことや、ワーグナーの楽劇『ワルキューレ』に対する無理解にもとづく感想(「何故ブリュンヒルデが焼き殺されたのか?」と述べたと伝えられている。

タイトル: ジョヴァンニ・ガブリエーリ
このような分割合唱様式は、数十年来の伝統があり、少なくともヴェネツィアにおいて開祖はおそらくアドリアン・ヴィラールトであったにせよ、ジョヴァンニ・ガブリエーリは、楽器法において二つ以上のグループを厳密に方向付けることにより、器楽集団や声楽集団の利用を、細心の注意をもって決定した最初の作曲家となったのである。聖マルコ大寺院のアコースティックはこの400年の間にほとんど変化していないので、楽器は、適切に配置すれば、遠い地点でも完全に明晰に聞き分けることができる。したがって、たとえば弦楽器の独奏者と金管楽器の集団というような楽器編成は、文字にすると奇妙に見えても、聖マルコ大寺院で響かせてみるなら、完璧なバランスを保っているのである。ガブリエーリは楽器の活用においてだけでなく、強弱記号の展開においても独創的であった。

タイトル: エルネスト・ブロッホ
歌劇《マクベス》(1910年)を含む初期作品は、新ドイツ楽派のリヒャルト・シュトラウスや、フランス印象主義音楽のドビュッシーの両方からの影響を示している。最も有名な作品を含む成熟期の作品は、しばしばユダヤ教の典礼音楽や、ユダヤ人の民俗音楽を依り拠としている。この例が、チェロと管弦楽のための《シェロモSchelomo 》や《イスラエル交響曲Israel Symphony 》(以上1916年)、ヴァイオリン曲《バール・シェムBaal Schem 》(1923年)、バリトン独唱と合唱、管弦楽のための《聖なる典礼Avodath Hakodesh 》(1933年)にほかならない。ヨゼフ・シゲティのために作曲されたヴァイオリン協奏曲や、合唱つきの《アメリカ狂詩曲》もこの時期の作品である。第二次世界大戦後の作品は、様式の上でより多様性がみられるが、本質的にロマン主義的な音楽語法は依然として残っている。

タイトル: 交響曲第9番 (マーラー)
その理由として、終楽章の最後の小節に、マーラー自身がersterbend(死に絶えるように)と書き込んでいることがある(後述)。また、この曲でマーラーは過去の自作、他作から多くの引用をしており、これらが過去の追想や別離の気分を高めている。引用は、それまでのマーラー作品でも部分的に見られたものであるが、第9番ではそれが体系的といえるほど多用されている。引用の手法も単純でなく、ひとつの素材が変形されるなかで、引用された音楽との間で多様な連関を想起させるものとなっており、同じ進行の繰り返しを徹底的に避けるマーラーの作曲技法とひとつに重なっている。こうした手法は、後の1960年代後半から1970年代にかけて流行したコラージュ音楽の発想の原型とも見られている。この引用を含めて技法的には、それまでの諸作品の集大成であることを超えて、新たな境地を開こうとする意欲が認められる。

タイトル: バロック音楽
バロック音楽から古典派音楽への推移を、対位法的なものからホモフォニックなものへの転換と見るならば、バロック音楽それ自体が同様の推移をたどっており、バロック音楽といわゆる古典派音楽の境界を明確に線引きする事は難しい。連続的な趣味の変化に伴って、過去の遺物となったバロック時代の音楽は18世紀後半にはほぼ完全に忘却された。ロマン派期になると、メンデルスゾーンによるバッハのマタイ受難曲の「再発見」に象徴されるように、バロック時代の音楽へと興味が向かうようになり、作品にバロック風の味付けを施す作曲家もいた(たとえばブラームスやフランクなど)。

タイトル: シンフォニックメタル
シンフォニックメタル(英:Symphonic Metal)は、ヘヴィメタルから派生した音楽のジャンルの一つ。オーケストラや合唱とのアンサンブルを軸としたサウンドがシンフォニー(交響曲)を想起させるため、こう呼ばれる。リード・ボーカルにオペラを思わせる声楽的な技巧を取り入れたものは、特にオペラティック・メタル(Operatic Metal。略して「オペラ・メタル」)とも呼ばれる。ただし、これらは必ずしも交響曲やオペラの形式にならったものではない。

タイトル: 合唱交響曲
合唱交響曲はオラトリオやオペラのように管弦楽と合唱、そして多くの場合独唱も交えた作品であるが、わずかながら無伴奏の合唱のための作品も書かれている。1858年に自身の作品である『ロメオとジュリエット』を言い表そうと最初にこの用語を創作したベルリオーズは、自身が思い描く管弦楽と声楽に特有の関係性について説明している。声楽は頻繁に用いられるが演奏会形式のオペラでもカンタータでもない、合唱交響曲なのだ。始まってすぐに歌があれば、それにより聴衆の心は管弦楽が感情や情熱を表現する劇的な場面への準備を整えることになる。また音楽の展開に合わせて合唱の重みは徐々に増されていかねばならない。それが突如として現れることによって作品の統一性を棄損するのであれば(略)アリア、レチタティーヴォ、合唱へ向かって演出が構築されていくのが一般的なオラトリオやオペラとは異なり、合唱交響曲は楽章制で交響曲のように構成される。

タイトル: 交響曲 (ピツェッティ)
表題は「交響曲イ長調」であるが、全曲の主音がA音であるというだけであり、イ長調で通して書かれた楽章は存在しない。イ短調(正確にはイ音を主音とするフリギア旋法)、4分の3拍子。序奏付きのソナタ形式。冒頭、ホルンとファゴットのユニゾンにより、グレゴリオ聖歌風の循環主題が提示される。弦楽器、木管楽器も加わって最初の頂点を築くとアレグロの主部に入る。イ短調の飛び跳ねるような第1主題の提示のあとすぐに、ホルンにファンファーレ風の第2主題が登場する。これら二つの主題と、循環主題が駆使されてソナタ形式を構成している。展開部が比較的長めに書かれている。再現部においては、第2主題のファンファーレに導かれて、第1主題がやや変化して再現される。静かにイ短調に終結する。演奏時間約16分。ヘ長調、4分の4拍子、ABAの三部形式。循環主題を想起させる旋律が、フルートとファゴットに現れると、弦楽合奏で主題が提示される。

タイトル: コラール
コラールの旋律は多くの場合単純で、歌うのが容易である。これはもともと、専門の合唱団ではなく、教会に集まった会衆の人々が歌うものとして考えられていたからである。一般に韻を踏んだ詞を持ち、有節形式(同じ旋律に歌詞の違う節をあてて繰り返す形式)で書かれている。歌詞の各連のなかでは、ほとんどのコラールがドイツのバール形式としても知られる、A-A-Bの旋律パターンをとっている。

タイトル: ニ短調
バロック時代、鍵盤楽器はハ長調を基準に中全音律等の古典調律に調律された。ニ短調の場合、近親調全ての調の音階の響きが良いので、ト短調同様、穏やかで真面目な雰囲気を感じさせる。ヴァイオリンの弦の音をすべて含んでいるため、ヴァイオリンにとっては演奏しやすく機能和声上の主音、属音、下属音の五度が開放弦のため倍音の響きが豊かな調である。リュート (バロック式13コース) の場合、第1コースから順にf',d',a,f,d,Aとニ短調の主和音に調弦される。そのためリュートが良く響く調である。弦・管楽器ともに比較的よく響く調であることから、短調の作品が極端に少なかった古典派時代においても、この調は多く書かれた。ただし長調の曲の数に比べれば圧倒的に少ない。交響曲・協奏曲のジャンルではトランペットとティンパニを加えた葬送的な作品が多い。シャルパンティエはこの調について「厳粛さや敬虔さを表す」と述べている。

タイトル: 3つの断章 (桑原洋明)
タイトルどおり短い休符で分けられた3つの部分からなる。作曲者によると、その短い休符により緊張感の高い状態を保つことが求められている。楽譜にはダイナミクスが細かく指示されており、ト短調を基本にしながらもさまざまな和声が組み合わされ、4/4(2/2)拍子に3拍子のリズムやフレージングが用いられるなど、スリリングな響きが作り出される。

タイトル: 音色
擦弦楽器や管楽器のように音を持続させるように作られた楽器であっても、音の出た瞬間には音が安定しないし、そもそも音が急速に強くなるという変化がある。ヒトの聴覚は実際にはこういった変化も、音色の一部として聞き取っている。このような変化、特に音の強さの変化をエンベロープと呼び、電子楽器で音色を作るときの、重要な要素となっている。また、ビブラートや、トレモロ、装飾音などは、このことを実際の演奏に古くから応用させたものと言うことができるだろう。声楽にあっては、歌詞による発音の違いも音色の違いに当たる。したがって、歌詞による音色の変化を作曲者が利用しようとした場合、歌詞を翻訳すると、その意図を十分に実現できないことが起こりうる。なお、基音は、どのような場合にも音の支配的な周波数(高さとしてとらえられる周波数)であるというわけではない。

タイトル: 軽音楽
旋律を重視する点に音楽的な特徴があり、マントヴァーニ楽団(Mantovani orchestra)のシンボルともなったロナルド・ビンジ(英語版)のcascading strings(弦を多くのプルトにわけ、わずかな時間差で同じ旋律を演奏すると、リバーブのような、滝の流れるような独特の効果が得られる)やロバート・ファーノン(英語版)のクローズハーモニー(各声部が近い音程をもって和声を構成する方法)が代表的な手法である。このジャンルはイージーリスニング、ムード音楽、ラウンジ・ミュージックとして現在も生き延びている。

タイトル: 移調の限られた旋法
これらの旋法は、オクターヴ以外の最も単純な協和音程である完全5度の堆積(ピタゴラス音階、ピタゴラス音律を参照)を基礎としている教会旋法や、長音階、短音階とは基本的な構成原理が異なっており、またその性質から中心音の調的支配力が存在しにくい(または存在しない)ため、19世紀後半から20世紀にかけて、伝統的な調性の崩壊していく過程で何人かの作曲家たちによって注目されることになったが、こうした傾向を集大成し体系化したのがメシアンであった。メシアンは、これを聴く者は、移調が限られている不可能性の魅力に囚われ、その調的遍在性がカトリック思想における「神の遍在性」と結びついて、非可逆リズムとともに「神学的な虹をもたらす」としている。

タイトル: 魔王 (ゲーテ)
後者のモチーフは作品全体を通して用いられる。息子の叫びは後になるほど高く、大きくなっていく。終わり間近では音楽が早まることで父親が馬を急がせることを表現する。目的地への到着とともに音楽はゆっくりとなり、ピアノは一旦止まる。「その腕の中で子は死んでいた」と歌われ、劇的な終止で結ばれる。この作品は歌唱・演奏が極めて困難な曲として知られる。歌手は登場人物を演じ分けることを要求され、伴奏のピアニストは詩の劇的さと切迫性を表現するために、和音とオクターヴの素早い繰り返しを演奏する必要があるためである。

タイトル: コラール
さらにコラールに対して和声付けを行っていた歌われる声部もコラール旋律に対して自由に動くようになり、複雑な形式へ発展した (この形式の正確な呼び方は決められていないが、音楽学者の磯山雅は『コラール合唱』と書いている。)。こうして一つのコラールをその節によって様々な形式で演奏する『コラール・カンタータ』がヨハン・ゼバスティアン・バッハ、フェリックス・メンデルスゾーン、マックス・レーガーらによって作曲されている。さらにこの大規模な形式は鍵盤楽器、主にオルガンに採り入れられ、元のコラール旋律さえも多くの装飾が加えられて変形される『ファンタジア(ファンタジー)』の他、『トッカータ』、『パルティータ』などでコラール編曲が生まれた。