質問: 音の出る映画のことを、音の無い「サイレント」に対して何という?
回答: トーキー

タイトル: サイレント映画
トーキーが実用化されてからは、サイレント映画に音楽のサウンドトラックを付加したものが上映され、これをサウンド版という。トーキー以後の時代にも、サイレント映画(多くは厳密にはサウンド版)として製作された作品も存在する。ジャック・タチ、メル・ブルックス、アキ・カウリスマキらが、「その後のサイレント映画」を監督した映画作家である。

タイトル: 映画音楽
映画は当初はサイレント(無声映画)であり、音声がついたのは1920年代にトーキーが発明されてからである。しかしながら、それ以前のサイレント映画を上映する際にも、映画館内でピアノなどによる音楽を流していた。時には、予算のある映画の場合、オーケストラピットでフルオーケストラの伴奏がつくこともあった。世界で最初の映画音楽は1908年、サン=サーンスが『ギーズ公の暗殺』のために作曲した音楽と言われる。他にも、ショスタコーヴィチが1929年に『新バビロン』、エリック・サティが1924年に『幕間』を作曲するなど、初期の映画音楽はクラシック音楽の作曲家が主な担い手であった。日本では山田耕筰が1922年から1924年に昭和シネマ制作の『霊楽堂』に付けたのが最初である、といわれている。

タイトル: トーキー
トーキー (英: talkie) は、映像と音声が同期した映画のこと。サイレント映画(無声映画)の対義語として「トーキー映画」と呼ばれることもあるが冗語である。無声映画の対義語としては「発声映画」と呼ばれる。音声が同期した映画が一般的な現在では、あえて「トーキー」と呼ぶことはない。発声映画が最初に上映されたのは1900年のパリでのことだったが、商業的に成り立つにはさらに10年以上を要した。当初は映画フィルムとは別にレコード盤に録音したものを使っていたため同期が難しく、しかも録音や再生の音質も不十分だった。サウンドカメラの発明によって同期が簡単になり、1923年4月にニューヨークで世界で初めてその技術を使った短編映画が一般上映された。発声映画の商業化への第一歩はアメリカ合衆国で1920年代後半に始まった。トーキーという名称はこのころに生まれた。

タイトル: サイレント映画
日本では、1930年代前半(昭和初期)にトーキーに移行し始めたが、剣戟映画を中心に1938年(昭和13年)まではサウンド版を含めたサイレント映画が製作・公開されていた。

タイトル: パーソナル・ソング
映画監督の筒井武文は、作中での患者の症状の説明が多いために、作品の感動が抑圧されていることや、患者の音楽を聴く場面が多く積み重ねられているために、映画としての説得力が失われているとし、コーエンの試みの素晴しさは必ずしも作品自体の価値には繋がらないと批判している。また筒井は、音楽を後からミックスした場面が明らかに見受けられる点も残念と述べている。映画系文筆家の那須千里は、作中で音楽が絶え間なく流れ続けるために啓蒙色を強く感じるとの欠点を指摘している。本映画でのコーエンの試みは、各メディアにおいてしばしば音楽療法(Music therapy)として紹介されており、日本語版の字幕でも「音楽療法」という言葉が頻繁に用いられている。しかし、AMTAは先述のように本映画を評価し、コーエンらの試みが高齢者や認知症患者の助けになると認めてはいるものの、音楽療法とは認めていない。

タイトル: 長回し
ただし、当時使用されていた35ミリのフィルムのワン・リールは10分しかなかったため、繋ぎ目でそれとわからないような巧妙な編集を行っている。しかし、デジタルシネマではフィルム長の制限が無いため約10分という制約もなくなり、アレクサンドル・ソクーロフの『エルミタージュ幻想』(2002年)では約90分間の全編がワンカットで撮影され、以降この作品を嚆矢として全編がワンカットで撮影された作品が続出している(en:one shot (film)も参照)。ロバート・アルトマン監督の『ザ・プレイヤー』(1992年)では、冒頭から映画製作者が「『黒い罠』(1958年)の長回しが凄い」や「『ビギナーズ』(1986年)の長回しが凄い」など、長回しに関する議論をしながら、この映画本編でも8分6秒間の長回しを行うという試みがなされている。

タイトル: サイレント・ナイト (2021年の映画)
『サイレント・ナイト』(原題:Silent Night)は2021年に公開されたイギリスのコメディ映画である。監督はカミーユ・グリフィン、主演はキーラ・ナイトレイが務めた。本作はグリフィンの長編映画監督デビュー作となった。

タイトル: ブレインストーム (映画)
当初はトランブルが提唱している「ショースキャン(動体解像度を飛躍的に高め、現実と人工映像との差を無くすために大画面フィルムを60コマ/秒で駆動する)」をブレインストーム装着時のイメージとして用いる予定であったが、通常の24コマ/秒とショースキャンの60コマ/秒を切り替えて上映する困難さからスクリーンサイズを通常シーンを35mmビスタサイズ、ブレインストーム装着時には65mmと使い分ける事で解決した。バーチャル・リアリティやインターネットを予想し映像化した内容であったが興行的には苦戦し、上記通り制作費に対し収益が半分程度しか上がらず、劇場用映画としてはトランブル最後の監督作になっただけでなく、視覚効果スタジオEEGも退く事になった。

タイトル: 非・バランス
企画はサンダンス・カンパニーの古澤利夫(藤崎貞利)(詳細は『それから』を参照)。平山秀幸の助監督をやっていた冨樫森が監督に抜擢された。メディアボックスと日本ビクターが製作費を折半し、興行は東京テアトルが持つミニシアターで上映された。製作費が少なく、撮影は35mmフィルムではなく、スーパー16で撮影されている。

タイトル: 音楽の哲学
ケージは演奏者によってではなく、演奏者を取り巻く空間によって音楽を作り出そうとした。つまるところどんな場所でも何かしら音が鳴っており、演奏が行われていないコンサートホールの中でもまったく静寂であるということはありえない。ケージはどんな音でも音楽とみなせると考え、またそのアイデアは彼の多くの作品の中に反映されている。「絶対音楽」とは、他の何かを表現するような音楽でなく、叙述的でない(音楽それ自身以外を表現するためではない)音楽を指していう。対して「標題音楽」とは雰囲気やイメージをリスナーのこころに喚起させるような音楽のことである。上の定義に従えば、絶対音楽が音楽以外の意義を持つことはできないために、絶対音楽の本質・意義は音楽それ自身にある、ということになる。

タイトル: 非映画コンテンツ
デジタル技術の普及発展とともに、映画館における映写設備のデジタル化や広帯域伝送路の整備が進み、ライブイベントの実況中継など、映画館で映画以外のコンテンツを上映する機会は拡大してきた。2008年5月10日未明に、L'Arc〜en〜Cielがパリで行なったコンサート(現地時間5月9日)が、日本全国の5カ所のシネマコンプレックスで衛星生中継され、東京の新宿バルト9では9つのスクリーンすべてが満員となった事例は、先駆的な成功例であった。ライブイベントの生中継は「ODS生中継」、録画されたものの上映は「ODS上映」と呼ばれる。コンテンツの例としては、スポーツ中継、各種のコンサートのほか、演劇、オペラ、バレエ、歌舞伎、寄席などが挙げられる。

タイトル: 女はどうなるか
『女はどうなるか』(おんなはどうなるか)は、1934年(昭和9年)に日本で製作・公開されたサイレント映画である。大都映画製作。

タイトル: クライム映画
クライム映画(クライムえいが、英: crime film)は、犯罪を題材にした映画である。犯罪映画(はんざいえいが)とも称される。

タイトル: 笑ふ男
当初、芳しい評価は得られなかった。一部の批評家は暗いテーマを嫌い、また、舞台がドイツ風で17世紀のイギリスに見え合いと不満を漏らした。特に批判的だったのがポール・ロサで、その著書『The Film Till Now』の中でこの映画のことを「映画技法の稚拙な模倣」とこきおろした。近年になって、作品の評価は高まっている。映画評論家のロジャー・イーバートは「ドイツ表現主義のサイレント映画の最後の宝」と4つ星(満点)をつけ、レナード・マルティンも「目が眩むよう」と高く評価している。

タイトル: 仁義なき戦い
あの旋律を聴くことで、あの映像が浮かんでくるということもあるわけです」と話している。サントラ盤「東映アクション映画音楽列伝 仁義なき戦い サウンドトラックコレクション」が発売されている。VPCD-81121撮影の吉田貞次は、満映時代にニュース映像などを撮っていた人で、何度か登場する実際の商店街でのドンパチのシーンは「ニュース方式」、所謂「ゲリラ撮影」で行われた。他の場所で何度もリハーサルを重ねて、それを現場に持っていき、役者・スタッフとも映画人のような格好はしないで、カメラも隠し、一斉にアクションをかけ、それをカメラがニュースのようにつかまえていく。役者もどこにカメラがあるか分からないから、初めからおしまいまで本気でやる。ときには役者とカメラがぶつかることもあった。カメラは手持ちの小さい物で、アクションに紛れるとカメラがあるかどうかはわからない。

タイトル: スチューデント (映画)
時代、地域を強く示すもののみ

タイトル: ミュージカル
ブック・ミュージカルの代表作として、『マイ・フェア・レディ』『サウンド・オブ・ミュージック』『オペラ座の怪人』などが挙げられる。また、ブックレス・ミュージカルの代表例としては『CATS』や『コーラスライン』などがある。ミュージカルは、映画、テレビ、テーマパークにおけるアトラクションなど舞台以外のメディア上でも展開されることが大きな特徴のひとつである。比較的新しい演劇形式であるため、その方向性やスタイル、音楽においては、定まった形式が決まっておらず、聾唖者の手話やパペットを取り入れるなど、前衛的な試みが常に行われている。また、ミュージカルという演劇形式そのものに自己言及する傾向があるのも大きな特徴である。いわゆるバックステージものと呼ばれる作品がミュージカルには多い。ミュージカルは上演形式としては一幕または二幕からなる場合が多い。

タイトル: シネマトグラフ
シネマトグラフが最終的に採用した、35ミリ幅で両側に4個ずつパーフォレーションを付けるというフィルムの規格は、1909年にパリで開催された国際映画製作者会議で国際標準規格に決定し、現代までその基本構造はほとんど変化していない。

タイトル: 反響
音波は壁などの物体に衝突すると、その壁自体が音波と同じように振動する。その物体の振動により再び音波が発生する。これによって生じたものが反響である。物体の性質によって、反響してくる音波は変化する。特定の周波数帯が弱まったり、音量(振幅)が小さくなったりする。反響は音波の自由端反射になる。それに対し、全く反響しない部屋は無反響室と呼ばれる。英語ではエコー(Echo)という。カラオケルームなどにあるエコー機能は反響に残響を加えているものが多い。残響はリバーブ(Reverberation)である。音楽製作などの場ではディレイ(Delay)と呼ぶほうが一般的である。残響は、反響の一つ一つが区別できないほど連続的に音が反射してくることで、厳密に言うと原理的には同じものである。実際の反響現象としては、鳴き龍、鸚鵡石、山彦などがある。日本人は山のてっぺんで「ヤッホー」と叫ぶが、なぜヤッホーかは不明。

タイトル: 風の歌を聴け (映画)
「『風の歌を聴け』という最初の小説を書いたとき、もしこの本を映画にするなら、タイトルバックに流れる音楽は『ムーンライト・セレナーデ』がいいだろうなとふと思ったことを覚えている。そこにはエアポケット的と言ってもいい、不思議に擬古的な空気がある。僕の頭の中で、その時代の神戸の風景はどこかしら『ムーンライト・セレナーデ』的なのだ」(ただし、劇中で同曲は使用されていない)。また大森没後の読売新聞への寄稿では、「映画『風の歌を聴け』で大森くんはいろいろと実験的な試みをおこなった。(中略)フランスのヌーベルバーグの手法を積極的に取り入れたり、とにかく斬新な感覚を駆使して僕の小説世界を映画に移し替えようとした。それが意図通り面白い効果を上げている箇所もあったし、今ひとつうまくかみ合っていないと感じられる箇所もあった。

タイトル: スタジオ・システム
スタジオ・システム(Studio system)とは、1920年代から1950年代初期にかけての、アメリカの映画産業の形態を大まかに定義した用語。米国内で少数の映画会社が寡占的に映画産業を独占していた形態を一般的に指す。

タイトル: サウンド・オブ・ミュージック (映画)
『サウンド・オブ・ミュージック』(英: The Sound of Music、「音楽の調べ」の意)は、1965年に公開されたロバート・ワイズ監督、ジュリー・アンドリュース主演のミュージカル映画。20世紀フォックス配給。

タイトル: スローシネマ
フランスの映画批評家ミシェル・シマンは、「スローネスの映画」という用語を2003年に使用した。この言葉を初期に使った批評家の1人であるシマンは、タル・ベーラ、蔡明亮、アッバス・キアロスタミといった映画監督の名を挙げ、彼らの作品をもとにこの現象を語ることができると述べた。2008年のマシュー・フラナガンの記事によって、この概念の理論的土台はさらに発展を遂げた。 記事の主だった内容としては、スローシネマは極端な長回しの使用を基礎的な要素として成り立っており、長回しを用いることで、物語の重要性には力点が置かれず、静寂や日常性が強調されるのだという。フラナガンはスローシネマにおける物語性を排除する傾向について、1950~60年代のヨーロッパのモダニズム映画に端緒を持ち、それをさらに発展させたものだとした。

タイトル: 叫
梅本洋一は、『LOFT ロフト』が「多方向に逸脱を続けることで、映画に新たな可能性を拓いた」のに対し、『叫』には「逸脱がない代わりに、極めて高い完成度」がある、と評した。

タイトル: 視覚方言
ヴィクトリア朝イギリスの小説家、チャールズ・ディケンズは物語のなかで、無教養なキャラクターのセリフを発音スペリング(英:pronounciation spelling)と非標準文法(英:nonstandard grammar)を使って書いた。例えば、『荒涼館』に登場する、道路清掃人(英語版)を生業とする浮浪児、ジョーのセリフは以下のようになっている。ここで、"wos"、"sed"、"wuns"は、標準的な発音を表している。テリー・プラチェットはファンタジー小説『ディスクワールド』シリーズで、キャラクターを面白おかしく描くために、台詞のフォントを変えるなど、視覚方言を多用した。例えば、登場人物の一人、死神(英語版)は小文字だけで話し、筆談でしか意思疎通が計れないゴーレムは、元になった伝承にちなんでヘブライ語に似せた文字で話す。

タイトル: 砂丘 (映画)
以下の楽曲が映画に使用された。基本のクレジットはピンク・フロイドとジェリー・ガルシア。ピンク・フロイドの曲は「若者の鼓動 (Heart Beat, Pig Meat)」「崩れゆく大地 (Crumbling Land)」「51号の幻想 (Come In Number 51, Your Time Is Up)」の3曲のみである。アントニオーニはピンク・フロイドのCareful with That Axe, Eugeneを聴いて、映画のラストシーンにぴったりだと思って彼らに曲を依頼した。ピンク・フロイドは1969年の12月に10日間ローマに滞在し、本作に使用する楽曲を作っている。上記の3曲以外にも曲のアイディアをアントニオーニに提示しているが、アントニオーニのイメージに合わなかったためにそれらは採用されなかった。

タイトル: ディズレーリ (1929年の映画)
この作品は、もともとヴァイタフォンのサウンド・オン・ディスクで制作されていたが、1934年にサウンド・オン・フィルムの技術に転換され、再公開され、このときのフィルムが現存している。全体として、サウンドトラックのための領域を確保するため、画面の左側がはっきりわかるくらい削られているが、オープニングとエンドロールは、画面の中央に文字が来るようる作り直されている。検閲コード以前に制作された映画であったため、サウンドトラックへの転換の際に、合わせて3分ほどの映像が削除されているが、この部分は失われて現存しないものと考えられている。

タイトル: 映画
テレビ番組を充実させるためにテレビ局が行った策であり、1960年代のアメリカのテレビ番組の中では一種の「主力の番組」として内容としては西部劇や「ホームドラマ」の映画が多く製作された。1970年代後半~1980年代以降に、ベータマックスやVHSなどといった規格の比較的安価な家庭用のビデオ装置が先進国の家庭から次第に普及してゆくと、やがてビデオ装置を所有している比較的裕福な家庭をターゲットに、数千円~1万円超という価格設定で映画作品がビデオテープの形でも販売されるようになった。これによって映画(制作)会社が収益を得る方法が増えた(映画館にフィルムを貸す、テレビ局から権利料を得る、以外の選択肢が生まれた)。

タイトル: メキシコの映画
メキシコにおけるサイレント映画の産業は、確かに映画を製作していた。しかしながら、そのほとんどは1920年代までにすでに散逸し、記録もほとんど残っていない。映画史家のジム・モーラによれば、同国での最初の「活動写真」は、1895年(明治28年)、トーマス・エジソンのキネトスコープを使用して上映されたという。オーギュスト・リュミエールがシネマトグラフ映写機を導入したのはその1年後であった。首都における最初の映画興行は、万国共通の1分間映画、『カード遊びをする人々』、『列車の到着』、『魔法の帽子』であった。。初期の映画製作の起源は、いずれもサルヴァドール・トスカノとの協力によるものである。トスカノが手がけた同国の最初のフィクション劇映画は、ドン・ファンの物語を映画化した『ドン・ファン・テノリーオ』であった。メキシコ革命の間、トスカノはその闘争をフィルムに記録した。