heegyu/kowiki-sentences huggingface dataset:
위서 문제기(魏書 文帝記)의 주(註)에 나오는 222년 2월 8일자 손권의 상소문에 의하면 「유비는 4만 병력과 2천-3천 군마를 이끌고 자귀를 출발했습니다」라고 되어 있다.
선주전(先主傳)에는 「222년 정월, 유비는 자귀에 주둔하고, 오반과 진식 등은 수군을 이끌고 이릉에 진을 쳤다」, 「2월에 선주(先主)는 여러 장수들을 거느리고 자귀를 떠나 효정으로 진격하였다」라는 기사가 보인다.
촉군의 피해에 대해서는 오주전(吳主傳)에는 「죽거나 투항한 자가 수만 명에 달했다」고 적혀 있고 육손전에도 촉군 전사자에 대해 이와 비슷하게 기록되어 있다.
정사 삼국지 위서(魏書)에는 촉한 정규군 병력 규모를 4만 2~3천, 오서(吳書)에서는 4만 6천이라 적고 있고 자치통감(資治通鑑)에서는 4만여명이라고 적고 있다.
그러나 이는 황권이 거느렸던 '부장급 장수만 100명이 넘는' 대병단(大兵團)과 오반, 진식의 수군(水軍) 등이 '전혀' 언급되지 않은 '유비 본대의 숫자만을 파악한 규모' 이니 이들 기록을 '있는 그대로' 받아들여서는 안된다.
참고로 《정사 삼국지》(正史 三國志)의 저자 진수(陳壽)와 동시대의 인물이자 서진(西晉)의 학자인 부현(傅玄)이 저술한 《부자》(傅子)에서는 이릉대전(효정 전투) 당시 사망한 촉한군의 규모를 8만이라고 서술하고 있다.
거기에 수천에서 1만 이상에 달하는 형주 호족 군세와 수만 명에 달하는 오계(웅계, 만계, 유계, 무계, 진계)의 무릉만이 같은 비정규 군세까지 합치면 촉한이 스스로 10만 대군이라고 자칭하기에 전혀 부족함이 없는 규모가 된다.
중국 삼국시대 당시 10만 이상의 병력 동원은 당시로서는 엄청난 규모였다.
오카이 치사토(, 1994년 6월 21일 ~ )는 사이타마현 출신의 전 여성 아이돌 가수이다.
동생은 전 하로프로에그 소속 오카이 아스나다.
2019년 4월 26일에 연예 활동 휴지를 발표였으나, 2020년 4월 30일에 소속사 매니지먼트 계약 종료 동시에 연예계 은퇴를 했다.
하기와라 마이(萩原舞, 1996년 2월 7일 ~ )는 사이타마현 출신의 전 여성 아이돌 가수이다.
2017년 6월 12일, 사이타마 슈퍼 아레나에서 ℃-ute 마지막 콘서트 끝으로 연예계를 은퇴했다.
프로듀서에게 가창력을 인정 받으며 노래 파트가 늘기도 했다.
KBS 교통캠페인 드라마 - 노란 안전선 위에 행복 (KBS 라디오)
루돌프 슈타믈러(, 1856년 2월 19일 ∼ 1938년 4월 25일)는 신칸트파의 마르부르크학파에 속하는 독일의 법학자이다.
비판적 방법에 따라서 법의 순수 형식을 찾고, ‘불가침적·자주적·결합적 의욕’이라는 법개념에 도달하였다.
이 자유로운 의욕의 결합된 순수 완성상태를 정(正 : 당위(當))법인 법이념으로 하였다.
법실증주의에 의한 자연법 부인에 반대하지만, 다른 한편으로 일부일처제처럼 고래(古來)의 자연법론이 경험적 내용을 가지고 주장된 것에 대해서도 반대하고 순보편 형식적인 ‘내용가변(內容可變)의 자연법’을 설파하였다.
RZD ED4()는 데미호보 공장에서 생산되어 1997년부터 도입된 러시아 철도의 전기 동차이다.
1993년부터 생산된 ED2T 전동차의 부품들을 러시아 국내에서 수급하기 위해서 만들어졌다.
ED2T의 부품들이 라트비아 리가의 RVR에서 생산된 반면, ED4는 ED2T의 외장을 기반으로 하여 노보시비르스크에서 생산된 모터와 노보체르카스크 전기 기관차 공장에서 생산된 전기 부품을 결합하여 만들어졌다.
ED2T 전동차와 비슷하게 통근형이며, ER2 전동차를 대체한다.
시험 운행 중 발생한 문제점 때문에 이를 해결한 직후 세베르노카프카즈스카야
선으로 보내졌고 개선형 ED4M이 생산되기 시작했다.
세베르노카프카즈스카야
선에서 활동하던 ED4-0001 전동차는 모스크바 대순환선으로 이동되어 지금까지 사용되고 있다.
ED4에서 전두부와 운전실이 개조되었다.
이 외에도 ED4와는 여러 차이점이 존재한다.
1998년 ED4M 전동차의 시험 운행이 이루어졌다.
이때 생산된 차량들은 노보체르카스크 전기 기관차 공장에서 생산된 전기 장치를 장착하고 있었다.
노보체르카스크 전기 기관차 공장에서 생산된 전기 장치의 문제점 때문에 1998년 데미호보 차량 공장에서 생산한 개선형이다.
모스크바 선에 도입하기 위하여 1999년-2000년 사이에 생산되었다.
1등칸 5량, 2등칸 3량, 3등칸 2량으로 구성되어 있다.
이 전동차는 ED4MKM을 기반으로 한 공항 철도 전용 차량이다.
ED4MKM과 비교하여 기술적인 차이는 없지만 내외장이 개조되었다.
모든 좌석은 1등석이며 1량은 VIP석이다.
화물칸이 있는 대신 열차 내 판매 시설이 없다.
필리핀 항공()은 필리핀의 국책항공사로, 아시아에 있는 항공사 중 인도의 에어 인디아에 이어 두 번째로 오래된 항공사로 1932년에 설립되었다.
허브 공항은 마닐라에 있는 니노이 아키노 국제공항과 세부에 있는 막탄 세부 국제공항이 있다.
필리핀항공은 아시아에서 최초로 상업 비행을 시작한 항공사로, 필리핀을 대표하는 국적 항공사이자, 필리핀 유일의 FSC(Full Service Carrier)이다.
1941년 3월 아시아 최초로 상업운항을 시작하였으며, 취항 이래 현재까지 국제선 구간 무사고 경력을 가지고 있다.
1941년 2월 26일 설립 했으며 아시아의 항공사 가운데 두 번째로 오래되었다.
아시아 항공사로 최초로 태평양을 건너 미국에 취항했으며 점차 유럽과 동남아시아로 노선을 확대했다.
1962년 제트기를 도입하고 이후 계속해서 새로운 기종을 투입했다.
1991년 대한민국에 진출을 하면서 김포국제공항발 니노이 아키노 국제공항간 국제선이 신설 되었다.
1997년 아시아 금융위기로 심각한 타격을 입어 장기간 영업부진을 겪고 부채에 시달렸다.
당시 보유 항공기와 종업원 수를 줄이는 등 자구책을 마련했다. 하지만 점차 회생 하면서 2000년대 다시 도약하게 되었다.
2007년 필리핀에서 최초로 국제항공운송협회가 수여하는 IOSA 인증을 받았다.
필리핀 항공사 가운데 유일하게 IOSA 인증을 받은 안전한 항공사에 해당된다.
영국의 항공 전문 평가 기관인 스카이트랙스에 의해 3성급 항공사에 선정되었다.
루치노 탄() 회장은 2010년 &lt;포브스&gt;가 발표한 필리핀 10대 부자 순위에서 2위를 차지했다. 하지만 같은 해에 유럽에서 필리핀 항공 당국의 안전 확인 체제에 문제가 있다며 다른 모든 필리핀 항공사와 함께 2010년 3월 30일부터 EU 역내 취항 금지 항공 회사 목록에 의해 유럽 진입이 금지되었다가 2013년 7월에 유럽 연합에 의해 유럽 취항 금지가 해제되었다.
한국과 필리핀 전 운항 노선에 한국인 승무원이 탑승하여 언어 장벽을 해소하고 있으며, 한국인 입맛에 맞는 따뜻한 기내식, 음료, 담요 및 기내 엔터테인먼트 시스템 myPAL Player을 무료로 제공한다.
또한 이코노미석 20kg, 프리미엄이코노미석 25kg, 비즈니스석 30kg의 무료 수하물이 제공된다.
필리핀항공은 고유 마일리지 혜택인 마부하이 마일즈로 높은 수준의 마일리지를 제공하고 있으며, 무료항공권 제공, 좌석 등급의 업그레이드, 제 3자 마일리지 양도 등 다양한 서비스를 제공하고 있다.
에스지신성건설 주식회사는 대한민국의 건설 회사로서, 모태인 신성전기기업사로 1952년에 설립되었다.
대한민국 시공능력평가 기준으로 41위이다.
2008년 11월 12일 법정관리에 신청된 후 약 5년 동안의 회생절차를 걸쳐 2013년 7월에 연합자산관리(UAMCO)에 인수되었다가 2014년 SG세계물산의 모태인 SG그룹에 인수되어 6월 24일에 현재의 명칭으로 변경되었다.
미소지움은 순 우리말인 미소짓다의 《미소진》과 공간, 집, 대형경기장을 의미하는 영문형 어미인 -UM 이 합쳐진 《SG 신성건설주식회사》의 브랜드 이름이다.
중견 건설업체인 신성건설이 2008년 11월 12일, 법정관리에 신청되어 건설업체들의 줄도산이 우려될 것으로 보이고 있다.
서울중앙지방법원에 따르면, 기업 회생절차에 수순을 밟기로 결정되었다.
대한민국에서 건설시공능력 평가기준으로 50위권 안에 든 건설회사가 부도 위기에 몰려 두 손을 들기는 외환위기 이후 처음이다.
이후 약 5년 동안의 노력 끝에 2013년 10월 4일, 회생절차가 종결되었다.
영혼 성운()은 카시오페이아자리의 동쪽에 위치한 발광성운이다.
신 칸트 학파에 대해서 설명한다.
칸트에서 시작된 독일 관념론은 1830년대의 헤겔 철학에 이르러 정점(頂點)에 도달하였다.
피히테나 셸링이 칸트 철학의 한계를 극복하려고 한 것이 헤겔에게서 절대관념론(絶對觀念論)으로 완결된 것이다.
그러나 이와 같이 관념론으로 내닫는 경향에 반대하고, 실증적(實證的)·자연주의적(自然主義的)·유물론적(唯物論的)인 실재론(實在論)의 입장을 취하는 학파들이 이미 19세기 초에 나타나기 시작하여 헤겔 철학에 비판적인 태도를 취하기에 이르렀다.
이와 같이 헤겔 학파가 좌·우·중간파로 분열되어 혼선을 일으키고 자연주의·실증주의·통속적 유물론이 한편에서 유행하기 시작하자 이들 양자를 모두 불신하고 오히려 칸트의 담백한 이성비판(理性批判)으로 돌아가 지식·과학의 기초를 새로 정립하려는 움직임이 나타났으니 이것이 바로 신칸트학파(혹은 신칸트주의)이다.
그들은 19세기 후반부터 20세기 초에 걸쳐 칸트 철학을 그의 비판주의(批判主義)에 연결지어 그 정신을 부활·발전시키려고 한 것이다.
여기에는 독일을 중심으로 프랑스·영국·이탈리아 등의 철학자들뿐만 아니라 사회과학자도 다수 포함되어 있다.
헤겔 생전에도 자기의 사상을 칸트에 연결지으려 한 사람들이 있었고, &lt;칸트 전집&gt;이 두 곳에서나 나왔으며, 헤겔 사후에 이런 움직임은 더욱 활발해져 칸트의 입장으로 돌아가 철학을 발전시키려는 노력이 1840년대에 현저해졌다.
19세기 중엽에 통속적 유물론자들의 소박실재론(素朴實在論)이 정신(精神)을 단순한 물질의 부대현상 내지 대뇌(大腦)현상으로 보는 데 반발하여 이것을 인식론적으로 비판하기 위하여 칸트에 접근하는 사람들이 나타났으니 생리학자 헬름홀츠(1821-1894), 철학자 랑게(&lt;유물론자(唯物論者)&gt;) 등이다.
그들은 유물론 역시 다른 형이상학과 마찬가지로 허구적인 것이라고 반박하고 일종의 특수한 아프리오리한 정신의 제 법칙, 즉 정신의 체제가 있지 않으면 안 된다고 하였다.
그러나 '칸트로 돌아가자'는 운동이 본격화된 것은 역시 &lt;칸트와 그의 아류(亞流)들&gt;(1865)을 쓴 리프만이었다.
그는 사실판단도 가치판단도 그것이 성립하기 위해서는 가치적인 요청 또는 규범이 없어서는 안 된다고 하고, 인간이성의 한계내에서 비판적인 형이상학을 수립하려고 하여 칸트 부흥운동에 큰 영향을 끼쳤다.
1870년대부터는 칸트 철학의 연구가 본격화되어 코헨의 &lt;칸트 경험의 이론&gt;(1871)이 나오고, 빈델반트가 &lt;역사와 자연과학&gt;(1874) 속에서 개성기술적 방법과 법칙정립적 방법을 분류하여 새로운 방법으로 제시하였다.
그 밖에 문헌학(文獻學)적인 칸트 연구가 1880년에 융성하여 아르놀, 파이힝거 등의 활약이 있었다.
그러나 신칸트학파의 독자적인 철학체계가 나타나기 시작한 것은 역시 1890년대 이후였다.
마르부르크 학파(혹은 마부르크 학파)에서는 코헨·나토르프·카시러, 서남(독일) 학파에서는 빈델반트·리케르트·라스크 등이 칸트 철학의 입장에서 자기의 철학체계를 구성해 내놓았고, 1896년에는 잡지 &lt;칸트 연구&gt;도 창간되었으며, 이 때부터 개별과학에도 영향을 미치고, 독일 이외의 영국·프랑스·이탈리아 등에도 파급되었다.
법철학에서는 루돌프 슈탐러가 마르부르크 학파의 생각을 순수법학에 응용하였고, 교육학에서는 나토르프가 헤르바르트주의에 대해 사회교육학을 설했으며, 신학에서는 알브레히트 리츨이 종교를 가치판단의 총괄로 보았고, 트뢸치도 신학에서 리츨의 제자로 서남독일학파 계통이다.
베버도 리케르트와 관계가 있고 사회문제에서는 베른슈타인·슈타우딩거·아들러카를 포를렌더 등에게 영향을 주었다.
코헨 자신도 윤리적 사회주의를 부르짖었고, 나토르프는 이를 사회이상주의로 전개시켰다.
프랑스에서는 샤를 르누비에·필롱·라슐리에, 영국에서는 에드워드 케어드·토머스 힐 그린, 이탈리아에서는 카를로 칸토니 등이 신칸트 학파에 속한다.
이와 같이 발전하던 신칸트학파도 1930년대에 와서는 현상학자(現象學者) 후설·하이데거, 마르부르크 학파 출신의 하르트만 등의 칸트 형이상학에 대한 긍정적인 해석, 생철학자(生哲學者) 딜타이·지멜 등의 칸트 인식주관에 대한 새로운 해석이 나오자, 그들로부터 비판을 받고 쇠퇴하게 되었다.
기존에 쓰였던 네우마 기보법을 대체하게 된 현대적인 기보법을 발명했으며, 계이름을 도입했다.
1020년경 폰포자(페라라 근교)의 베네딕트회 성마리아수도원에 들어가 음악이론을 배우고, 오늘날의 5선보와 원리가 거의 같은 4선(四線)을 사용한 새로운 기보법을 고안하여 《그레고리오성가집》을 기초하였다.
이렇듯 그는 음악이론에서 실천적·교육적 태도를 견지한 점에서 사변적(思辨的)인 방법에 치중한 중세 음악이론가들과는 다르며, 후세에 끼친 영향이 크다.
토스카나의 아레초 또는 그 근교 출신으로 베네딕도회의 수도사가 되었으나 후에 아레초의 주교좌대성당(主敎座大聖堂)에서 음악을 가르쳤으며, 로마 교황에게도 초대되어 음악 이론을 강의하였다.
만년에는 아레초 부근의 아베라나의 수도원장을 지냈다.
귀도는 성 요한 찬가의 각 시구(詩句) 첫째 음이 헥사코드(6음 음계)의 음의 순으로 되어 있는 것을 이용하여 각개의 음절(우도, 레, 미, 파, 솔, 라)을 따서 계명창법(階名唱法)을 시작하였고, 또한 다른 헥사코드 사이의 바꾸어 읽기(變調)의 방법도 확립하여 계명창법과 변조의 이해를 쉽게 하기 위해 손바닥의 각 부분을 음이름으로 한 귀도의 손에 의한 교수법도 고안했다.
또 그때까지 사용되고 있던 바(F)음의 빨간 줄(赤線)과 다(C)음인 노란줄에 2줄의 까만 줄을 더하여 4선보표를 만들어 음고를 보다 정확하게 나타내려고 하였다.
한편 구이도는 그의 저작 &lt;미크롤로구스&gt;에서 2성(二聲) 오르가눔의 작곡법을 상술하였다.
1025년에서 1028년 사이에 씌어진 것으로 추정되는 〈미크롤로구스〉는 다성음악과 평성가 모두를 논의하고 있는 포괄적인 음악 이론서이다.
이 논서는 중세에 보에티우스의 논서 〈음악의 원리〉 다음으로 가장 많이 사보되고 읽혀졌던 지도서로서, 중세 동안 수도원에서 정규 교과서로 사용되었고, 13세기부터는 대학에서 교과서로 사용되었다.
귀도 다레초는 여섯 개의 음절들 ut, re, mi, fa, sol, la에 근거한 계명창(Solmization)을 발명했으며, 새로운 기보체계, 즉 보표선의 도입으로 오늘날까지 사용되는 선과 칸을 통한 정확한 음높이 기보체계를 발전시켰다.
서양의 계명창법은 동방의 것으로부터 유래된 것이라는 설이 있으며, 특히 인도, 페르시아와 아랍 등지에서 서양의 것에 유사한 계명창법이 발견된다.
그러나 이 방법은 고대 그리스 인들도 이미 사용했던 것으로 보이며, 11세기에 재발견되었고, 이는 구이도의 공으로 돌려진다.
그의 계명창법에서 채택한 ut, re, mi, fa, sol, la 여섯 음절들의 유용성은 구이도가 그것들을 도입하기 이전에 이미 인식되었던 것이라는 증거들도 나타나지만, 실제적으로 그 여섯 음절들을 악보의 시창법에 처음으로 적용시킨 사람은 구이도이다.
〈안티포너리〉 제작 작업을 함께 했던 폼포사의 동료 수도사 미카엘에게 1030년에서 1032년 사이에 보낸 것으로 추정되는 편지에서, 구이도는 소년들에게 모르는 성가들을 빠른 시일 내에 습득해서 가르치는 데 자신이 사용했던 시창법을 다음과 같이 설명하고 있다.
이제까지 모르는 성가를 가르치는 데 가장 일반적인 방법은 모노코드로, 한 음씩 소리내어 그 음을 듣고 배우는 것이었다.
이것은 초보자에게나 좋은 유치한 방법일 뿐으로, 모르는 성가를 부를 때 다른 사람의 목소리나 어떤 악기의 소리에 의지해서 배우는 것은, 장님이 안내자 없이는 한 걸음도 나아갈 수 없는 것과 마찬가지다.
그러나 자신이 성 요한 축일을 위한 찬미가 ‘Ut queant laxis(너의 시종들이 마음껏)’로부터 유래된 음절들 ut, re, mi, fa, sol, la를 사용해서 새로운 선율들을 쉽게 읽을 수 있게 하는 방법을 발견했고, 이로써 합창단 소년들이 앞서 들어본 적도 없는 노래를 익히는 데 이전의 방식으로 배우는 경우 몇 주를 필요로 했던 것을 사흘 이내에 배울 수 있게 되었으며, 또한 이 방식을 사용해서 기보되지 않은 성가를 듣고 기보할 수도 있게 되었다고 했다.
여기에서 ‘쉽게 읽을 수 있는 방법’이란 현재 우리가 사용하고 있는 계명창을 일컫는다.
어릴 때 천연두를 앓아 장님이 되었는데, 암흑 세계의 공포에서 벗어나기 위해 보존하고 있던 오르가넷토라고 하는 오르간을 연주하면서 노래를 불러왔다고 전해지고 있다.
전기(傳記)에 대해서는 그다지 확실하지 않으나 피렌체 근교의 피에솔레에서 태어나 피렌체를 중심으로 작곡가·연주가로서 활약하였다.
그는 여러 가지 악기의 연주에 뛰어났을 뿐만 아니라 피렌체 교회의 오르간 설계나 조율에도 손을 댔고, 또 류트와 프살테리움을 한데 합한 것 같은 악기를 발명하기도 했다(세레나 세레노룸이라고 이름했다). 그는 또한 베네치아나 북이탈리아의 스칼라가(家)의 궁정에도 간 듯하다.
유해(遺骸)는 피렌체의 산 로렌초 성당에 안장되었는데, 오르가넷토를 손에 든 란디니의 모습을 조각한 묘비가 세워져 있다.
란디니는 철학이나 천문학에도 조예가 깊었으며, 그가 작곡한 시는 거의 자작이었을 것으로 생각된다.
14세기의 이탈리아는 이른바 아르스 노바의 시대로서, 북이탈리아의 몇몇 도시와 피렌체를 중심으로 세속 음악의 꽃이 피었다.
란디니의 작품으로 알려져 있는 곡은 마드리갈 11곡, 캇차 2곡, 발라타 114곡으로 모두 세속적인 2-3성의 성악곡(악기용의 성부도 있다)인데, 그것은 아르스 노바의 이탈리아 음악의 약 4분의 1에 해당하며, 그는 진정 14세기 이탈리아를 대표하는 음악가로 되어 있다.
특히 프랑스 음악의 영향을 받아 다성적으로 작곡하게 된 발라타의 작곡에 뛰어나 그 음악은 페트라르카나 조반니 보카치오의 시대에 걸맞으며 싱싱하고 유려하다.
한편 '란디니마침(終止)'이라고 하는 마침꼴은 14세기에 널리 사용되고 있던 것이므로 그의 이름과 결부될 이유는 없다.
—-그의 발라타를 비롯한 많은 곡에서 [7-6-8] 도의 구성의 종지를 보여졌던 것을 참고하여 ‘란디니종지’ 라 이름붙여졌으며 이탈리아를 비롯하여 당시 프랑스의 음악에서도 자주 보여지던 형태이다.
성은 피에를루이지라고 하지만 보통 출신지인 로마 근교의 마을의 이름을 따서 팔레스트리나라고 부른다.
소년 시절 고향 마을의 산타가피터 대성당의 소년 성가대에 들어가, 1537년에 로마의 산타 마리아 마조레 대성전의 성가대에 참가하여 기초 훈련을 받았다.
변성기(變聲期)에 다시 산타가피터로 돌아와서 오르간 주자 겸 노래 교사가 되었다.
1551년, 교황청의 줄리아 예배당의 악장에 임명되었고, 곧 교황의 예배당 가수가 되었다.
그러나 교황이 바뀌어 바오로 4세가 되자 아내가 있는 팔레스트리나는 해고되었다(1555). 그리하여 그는 산 조반니 인 라테라노 대성전 및 산타 마리아 마조레 대성전 등에 근무했으나 1571년에는 다시 줄리아 예배당의 악장으로 초청되어 세상을 떠나는 해까지 이 지위에 머물러 있었다.
1580년에 부인과 사별했고 한때 신부가 되었으나 곧 돈많은 미망인과 재혼하였고, 재정적 원조를 얻어 작품출판도 많이 하였다.
1586년 교황의 전속작곡가 칭호를 받은 팔레스트리나는 대음악가로 존경받다가 별세하였으며, 산 피에트로 대성당에 안장되었다.
팔레스트리나는 약 105곡의 미사곡을 비롯하여 많은 모테토, 찬가 등의 종교 음악 외에 마드리갈 등의 세속곡도 남겼다.
그의 작품은 거의 무반주의 성악곡이며 4-5성의 작품이 압도적으로 많다.
그는 플랑드르 악파의 다성수법을 충분히 몸에 익히고 있으면서도 서정적인 표정을 잃지 않았고, 호모리즘풍의 양식도 채택하여 긴밀한 구성으로 맑고 깨끗한 음악을 만들었다.
그 종교음악은 트리엔트 공의회(1545-1564)에 의하여 지향된 반종교개혁의 정신에 따른 것으로 높이 평가되어 오늘날에 와서도 가톨릭 교회 음악의 한 규범으로 하고 있다.
팔레스트리나는 105개의 미사, 68개의 봉헌, 최소 140개의 마드리갈, 300개 이상의 모테트를 포함하여 수백 개의 작품을 남겼다.
또한, 적어도 72개의 찬송가, 35개의 마니피캇, 11개의 리타니, 그리고 4-5세트의 애가가 있다.
팔레스트리나의 미사곡은 그의 작곡 스타일이 시간이 지남에 따라 어떻게 발전했는지 보여준다.
그의 "Missa sine nomine"는 B단조 미사곡을 쓰면서 그것을 연구하고 연주했던 요한 세바스티안 바흐에게 특히 매력적이었던 것 같다.
팔레스트리나의 미사 대부분은 1554년에서 1601년 사이에 인쇄된 13권으로 이루어졌으며, 마지막 7권은 그의 사후에 출판되었다.
ET2()는 1993년부터 도입된 러시아 철도의 전동차이다.
토르조크 차량 공장에서 생산되었으며, 모스크바 선, 옥탸브리스카야 선, 스베르들롭스크 선, 유즈나야 선, 유즈노우랄스카야 선, 자파드노시비르스카야
선, 칼리닌그라드스카야
선 등지에서 사용되고 있다.
1993년에서 1996년까지 총 26량 생산된 교외형 전동차이다.
안락한 좌석이 달려 있는 교외형 전동차이다.
옥탸브리스카야 선의 상트페테르부르크-노브고로드 사이에서 운행되었다.
2004년부터 생산된 교외형 전동차이다.
ET2MRL-062 8량 1편성이 제작되었으며, 2003년부터 유즈노우랄스카야 선에서 운행한다.
에너지 절약형 교외형 전동차로 2005년에서 2006년까지 제작되었다.
옥탸브리스카야 선에서 운행한다.
4량 1편성 시험차로 유도 전동기를 사용하였고 운전석이 개조되었다.
베네치아에서 태어난 가브리엘리는, 역시 베네치아 출신의 음악가이며 산 마르코 대성당의 제1오르간 주자로 근무하였고 뛰어난 작곡가이기도 한 숙부 안드레아 가브리엘리(1510-1586) 밑에서 음악교육을 받고 산 마르코 대성당의 제2오르간 주자의 지위를 거쳐, 숙부가 죽은 후 곧 제1오르간 주자로 임명되었다.
조반니 가브리엘리는 작곡가로도 이름이 높았으며, 알프스 이북으로부터도 하슬러(1564-1612), 쉬츠(1585-1672) 등 뛰어난 음악가들이 그의 문을 두드렸다.
가브리엘리의 작품으론 인토나치오네나 토카타 등의 오르간 음악, 성악, 기악 및 그 혼합으로 된 교회음악, 협주적인 마드리갈 등이 알려져 있으나 빌라르트(1490-1562)나 안드레아 가브리엘리 등의 분할합창이나 협주적인 수법을 더욱 발전시켜서, 같은 무렵의 베네치아 파의 회화에 알맞은 화려한 색채적인 음의 향연을 전개하고 바로크적인 표현에 일대 진전을 보이고 있다.
북이탈리아의 페라라에서 루차스키(1545경-1607)에게 오르간을 배웠다고 한다. 1604년부터는 주로 로마에 머물렀고, 1608년에는 산 피에트로 대성당의 오르간 주자로 임명되어 여생을 이 지위에 머물렀다.
프레스코발디는 베네치아의 오르간 음악의 전통을 계승하여 토카타, 칸초네, 리체르카레 등의 분야에서 규모가 큰 표현을 구축하였고 또한 하프시코드의 음악에도 뛰어난 작품을 남겨, 바로크풍의 건반악기 음악의 문을 열었다.
소나타와 협주곡의 발전에 지대한 영향을 끼쳤으며, 바이올린 및 현대 화성학에도 커다란 족적을 남겼다.
북이탈리아의 푸지냐노에서 태어나, 어렸을 때 파엔차에서 한 신부로부터 음악의 기초를 배우고, 13세 때부터 당시 기악의 중심지였던 볼로냐에 가서 바이올린을 배웠다.
코렐리는 이미 17세로 국제적으로도 유명하던 볼로냐의 아카데미아 필하모니카의 회원이 되었다.
그 뒤 프랑스로 가서 륄리를 만났다는 설도 있으나 확실하지 않다.
그는 1675년에는 로마에 있는 성당에서 바이올린 주자로 있었으며 1679년에는 로마에서 파스퀴니(1637-1710)의 오페라를 지휘하였다.
같은 해 독일을 여행했다고도 하지만 이것도 불명확하다. 1681년에 당시 로마에 거주하고 있던 스웨덴의 크리스티나 여왕에게 바친 작품 1의 트리오 소나타집을 출판하였다.
1689년에 후원자인 크리스티나 여왕이 승하한 뒤 코렐리는 추기경인 오토보니의 저택에서 악장과 바이올린 주자를 겸한 지위에 올랐고 그 뒤로는 추기경의 후대를 받아 마음놓고 창작활동을 할 수 있었다.
1706년 로마의 아카데미아 데리 아르카디에 들어가 알레산드로 스카를라티(1660-1725) 등과도 교제했다.
그는 생전에 작품1에서 작품4까지 각각 12곡씩의 트리오 소나타집(集)과 작품5의 12곡의 바이올린 소나타집을 출판했고 사후 작품6이라 하여 역시 12곡의 콘체르토 그로소(합주협주곡)가 출판되었다.
이탈리아 작곡가의 대부분이 그렇듯이 오페라나 칸타타의 작곡에 큰 비중을 두었던 당시로서는 코렐리의 작품구성은 진귀하다.
그는 소년시절을 보낸 볼로냐의 음악가들에 의하여 개척되고 있던 바이올린을 중심으로 한 기악, 트리오 소나타, 콘체르토 그로소의 영역에서 수는 많지 않으나 한곡 한곡이 불멸의 금자탑을 이룩하였다.
코렐리는 이러한 곡들의 내적 구성 면에서 교회 소나타와 실내 소나타 양쪽의 원리를 근거로 하고 있다.
그의 음악은 현악기의 높은 포지션이나 중음주법(重音奏法) 등의 어려운 기교를 지양하여 기술을 완전히 내적 표현에 종속시키면서 균형잡힌 고아한 서정에 넘치는 양식을 만들어 놓았다.
코렐리는 또한 바이올린의 교사로서도 뛰어난 소미스(1686-1763), 제미니아니(1687-1762), 로카텔리(1695-1764) 등의 뛰어난 제자를 통해 그 가르침은 유럽에 퍼졌다.
시칠리아의 팔레르모에서 태어나 소년 시절 로마에서 교육을 받았으나, 누구에게 배웠는지는 확실하지 않다.
1679년에 오페라 《꼭 닮은 사람》으로 로마에 등장하여 대성공을 거두었으나 1685년경부터 나폴리의 왕실극장의 악장으로 그 곳에 정주하면서 잇달아 오페라를 작곡했다.
1703년에 산타마리아 마졸레 성당의 악장에 임명된 듯하며 이후 1708년까지 로마에 있었다.
그의 종교음악의 대부분은 이 무렵에 작곡되었고 또한 당시 로마에서는 오페라가 풍기문란 혐의로 탄압을 받아 번성하지 못했기 때문에 칸타타를 많이 작곡하여 음악애호가인 귀족들의 요망에 답하였다.
1708년엔 다시 나폴리로 돌아와 그 뒤 1717년 ~ 1722년에는 로마에서 오페라 창작과 상연에 임한 것 외에는 대체로 나폴리에 거주하고 있었다.
스카를라티는 오페라만도 약 115곡이나 작곡했다 하며 그 밖에 칸타타, 기악곡 등의 작품은 방대한 수에 달하고 있다.
그는 오페라 영역에서 빠르게－느리게－빠르게의 세 부분으로 된 이탈리아풍 서곡의 형성을 확립하고 오페라에서 노래를 레치타티보와 아리아로 분류하고, 아리아로는 다카포의 형식을 정착시킨 사람으로 알려져 있다.
그의 오페라는 피렌체의 카메라타나 몬테베르디(1567-1643) 등 오페라의 초기 작가들의 이념을 계승발전시켜 거기에 성악성과 음악 면으로부터의 형식적 요구를 도입시켜 이른바 오페라 세리아의 전형을 이루어 놓았으나 동시에 종래 오페라의 퇴락 징조였는지도 모른다.
스카를라티에 계속되는 수세대의 나폴리의 오페라 작가가 유럽의 악단에 군림했기 때문에 그를 나폴리 악파의 아버지라고들 하지만 그의 음악형식이나 양식 면에서는 '기초를 다진' 면은 오히려 적은 것으로 생각된다.
스카를라티는 또 칸타타 등보다 더 훈련된 청중을 예상한 곡으로는 오페라에서는 볼 수 없는 것 같은 반음계적 수법이라든가 대담한 조바꿈 등을 사용하여, 당시의 음악적 표현을 할 수 있는 데까지 해보려고 힘썼다.
로마법·인도법 등의 법제사·비교법 연구의 성과인 《고대법》(1861년)으로 독일의 역사 법학에 진화론 사상을 가미해서 영국 역사 법학을 수립했다.
법의 발전을 사회의 발전과의 관련에서 포착하고, 로마가 고대 일반의 정체적 사회로부터 탈피하여 진보적 사회로 진화하고, 법문화를 탄생시킨 점에 힌트를 받아 ‘신분에서 계약으로’의 법진화의 법칙을 제창하였다.
알레산드로 스카를라티의 아들로 나폴리에서 태어났다.
그는 음악가였던 아버지에게 처음 음악을 배웠을 것으로 여겨진다. 1701년 나폴리의 궁정예배당 오르간 주자로 임명되었으며 2년 뒤에는 로마에서 대위법 등 이론을 배웠다.
그 뒤로 그는 아버지와 같이 오페라 작가로 등장했으나 1708년 피렌체와 베네치아로 수업하러 갔다.
이때 베네치아에서 독일의 헨델과 만나 오르간과 하프시코드의 경기를 하여 그 뒤부터 그와 친교를 맺었다.
1709년에 로마에 거주하고 있던 폴란드 황태후 마리아 카지미라에게 봉사했고 황태후의 소극장을 위하여 몇 편의 오페라를 작곡했지만 황태후가 로마를 떠난 후로는 포르투갈 대사의 악장을 거쳐 1715년 교황청의 줄리아 예배당의 악장이 됐다.
1719년 런던을 방문했고 다음해에 오페라 &lt;나르키소(나르키소스)&gt;를 상연했으나 1721년에 포르투갈의 궁정악장이 되어 리스본으로 갔다.
그는 거기서 왕녀인 마리아 바르바라의 하프시코드의 교사로도 근무하였다.
한때 이탈리아로 돌아왔으나 1729년 마리아 바르바라가 스페인 왕자와 결혼했을 때 그녀를 따라 마드리드로 갔다.
그리고 결국 마드리드에 정주하여 그 곳에서 일생을 마쳤다.
스카를라티는 오페라·교회음악 등도 작곡했으나 가장 유명한 것은 무엇보다도 약 555곡이나 되는 하프시코드 곡이다.
이것들은 주로 마리아 바르바라를 위하여 작곡된 것으로 연습곡이라고 불렸으나 오늘날에는 소나타라고도 한다.
이들 소나타는 2부분형식으로 된 1악장으로 되어 있으나 화성구조나 복주제(複主題)의 징조도 보인 점 등 후의 고전파 소나타의 원형을 보이고 있는 면이 현저하며, 대체로 이것은 이미 로코코풍으로 되어 있으며 3도나 6도, 양손의 교차 등 후의 피아노 기법이 퍽 활발히 개척돼 있다.
아버지는 피렌체의 귀족 출신이며, 경제적으로 유복한 가정에서 자랐다.
1709년 17세로 북이탈리아의 파도바 대학에 입학하여 법률학을 전공했으나 곧 음악과 펜싱에 열중하였고 특히 펜싱 명수로 이탈리아에서 유명해졌다.
1713년, 21세 때 엘리자베타 프레마초레와 사랑에 빠져 결혼했다.
그러나 이 일이 프레마초레의 보호자였던 유력한 추기경의 노여움을 사서 체포명령이 내려져 파도바를 퇴거하여 각지를 방랑하다가 중부 이탈리아 아시시에 주거를 정하고 바이올린과 작곡 공부에 몰두하였다.
그는 바이올린 주법을 연구했고 또한 유명한 바이올린 소나타 &lt;악마의 트릴&gt;을 작곡하는 등 현저한 진보를 보였다.
1715년 23세 때, 허락을 받고 부인이 기다리는 파도바로 돌아와 음악가로 활약하여 점점 명성을 떨쳤다.
한편 연찬을 거듭한 뒤 1721년 4월, 파도바의 성 안토니오 예배당의 수석 바이올린 주자가 되어 예배당 합주단·합창단을 지도하였다.
1728년 그 곳 바이올린 학교를 설립하여 바이올리니스트의 조직적인 양성에 나섰다.
교육활동을 하는 한편 이탈리아 각지를 연주여행했으며 그의 명기를 피로(披露)하였다.
1755년 63세 때는 간절한 요망으로 파리와 런던을 방문하여 열광적인 환영을 받았다.
작곡가로서의 타르티니는 이탈리아 바로크 최후의 바이올린 음악의 대가로서 중요하다.
그의 바이올린 소나타는 형식이나 양식적인 면에서 새로운 맛은 보이지 않지만 우아한 멜로디와 간결한 화성에 독특하고 유화한 분위기가 있고 신선한 매력이 넘치고 있다.
교육자로서는 음악학교를 설립하여 후진지도에 임한 외에 &lt;화성론&gt; 등의 우수한 저서를 출판하여 후세에 영향을 미쳤다.
1749년 작곡한 그의 대표작이다.
아시시에서 새로운 바이올린 주법의 연구에 심혈을 기울이고 있을 때 한밤의 꿈에 악마가 소나타를 연주하는 것을 들었다고 한다.
잠에서 깬 타르티니는 기억을 더듬어 그 소나타를 악보에 기록했는데 바로 그것이 &lt;악마의 트릴&gt;이다.
그 호칭은 마지막 제3악장에서 바이올린으로 연주하기 매우 어려운 트릴이 나오기 때문이다.
그뿐 아니라 꿈속에서 악마에게 배웠다 하여 작가 자신이 붙인 이름이다.
형남 4군 전투(荆南 四郡 戰鬪)는 유비가 적벽 대전 후 형주 남부의 네 군인 영릉, 계양, 무릉, 장사를 평정한 전투이다.
유비가 쳐들어오자 영릉 태수 유탁의 아들 유현이 영릉의 맹장 형도영과 함께 유비에 맞선다.
그러나 형도영은 제갈량의 계략으로 조운에게 전사하고 유현은 장비에게 사로잡히면서 결국 영릉 태수 유도는 항복한다.
영릉이 평정되자 유비의 부하 조운이 계양을 공격한다.
조운의 실력을 알아본 계양 태수 조범은 항복한다.
조범은 조운과 의형제를 맺고 자신의 형수를 맺어주려 하지만 조운은 인륜을 저버리는 일이라 하며 화가 나 돌아가버린다.
이에 부하 진응과 포륭이 조범을 부추겨 거짓 항복으로 조운을 공격하려 하지만 일은 발각되어 진응과 포륭은 조운에게 잡혀 처형되고 계양성으로 진군해 조범을 다시 붙잡는다.
조운이 계양을 평정하자 이에 장비가 1000명의 군사를 이끌고 무릉을 공격하고 이에 무릉 태수 금선은 정예 병사로 장비에 맞서 보지만 부하 공지에게 살해당하고 유비는 공지를 무릉 태수로 봉하면서 무릉은 평정된다.
유비의 부하 관우는 장사성을 평정하기 위해 가고 장사의 명장 황충과 격돌한다.
한현의 부하 관군교위 양령이 군사 1000명을 이끌고 선봉에 서지만 관우에게 단칼에 베어져 버린다.
관우는 황충과의 첫 싸움이 무승부로 끝나자 관우와 황충은 다음 날 다시 맞서고 이때 황충의 말 앞다리가 부러져 황충이 굴러떨어지지만 관우는 의리를 지키며 자기 진영으로 물러난다.
관우의 모습에 감탄한 황충은 활을 관우에게 쏘지만 일부러 빛 맞춰 쏜 뒤 다시 돌아온다.
그러나 장사 태수 한현은 이 모습을 구실로 황충이 관우와 내통한 것이라 알고 황충을 잡지만 한현의 부하 위연이 이 일에 분노해 한현을 죽이고 황충을 구해줘 유비에게 투항한다.
유비는 시골에 묻혀 살던 옛 형주 자사 유표의 조카 유반을 장사 태수로 봉하고 장사는 평정된다.
진수의 《정사 삼국지》에는 유비의 형남 4군 평정은 실제 시기로는 주유와 조인이 1년 동안 남군 전투를 펼치는 기간에 유비가 평정한 것으로 알려져 있다.
위연이 유비의 부하가 된 건 실제로는 유비가 형주에 있을 때 부곡으로서 이미 유비의 부하였고 위연이 연의에서 처음 등장할 때부터 배신을 하며 등장하고, 제갈량이 반골의 상을 언급하며 그를 죽이려 했던 건 후에 있을 위연의 반역에 대한 연의의 소설적 복선 장치다.
오늘날 그의 오페라는 거의 상연되는 일이 없으나 18세기 후반에 파리에서 활약했고, 글루크의 대항적 존재로 간주되었다.
그리하여 동일 대본으로 &lt;타우리스의 이피게니아&gt;를 글루크와 경작(競作)하여 두 사람을 지지하는 사람들이 두 파로 갈려 이른바 '글루크 피치니 논쟁'을 일으킨 것은 유명하다.
만년은 프랑스 정부가 주는 연금을 받았고, 파리 음악원의 감독으로 후진지도에 힘썼다.
오늘날 중화인민공화국 안휘성 루안시 서우현인 수춘(壽春)에서는 여러 차례의 전투가 있었다.
수춘 전투의 다른 뜻은 다음과 같다.
악식 또는 악곡의 형식(樂式, )이란 음악의 형식을 말한다.
모든 음악작품은 '변화'와 '통일'이라고 하는 상반된 양면을 모두 가지고 있다.
전자는 이른바 원심력인 것이고. 후자는 구심적인 힘에 비유된다.
어떤 작품이 풍부한 변화를 가졌고, 또한 견고한 통일감이 있다면, 그 작품은 성공하였다고 하겠다.
멜로디, 화성, 리듬, 음색 등 음악의 여러 요소의 다종(多種)·다채로운 사용이 작품에 변화를 가져온다.
이와 반대로 통일감은 전체를 될 수 있는 대로 적은 소재에서 만들어내는 것으로 확보된다.
그러나 변화를 구하는 나머지 작품이 다양한 소재의 단순한 나열에 그친다면 결과는 잡다하고 산만한 인상에 그칠 것이며, 너무나 제한된 소재는 단조로워서 거북하고 지루한 인상을 주기 쉽다.
그리하여 바람직하기는 적은 소재에 어떻게 다양한 변화를 주느냐에 있다고 할 수 있다.
작곡가는 이 상반된 2개의 힘 '변화'와 '통일'의 겨룸에서 자신이 말하고자 하는 바를 구체적인 구조(構造)에 어울리게 음으로 표현하는 것이다.
악식(음악의 형식)은 이 구조를 가장 큰 요소로 가지며, 음악 작품에 하나의 형태를 주고 있는 이념을 말한다고 정의해도 무방할 것이다.
그 형태는 개성적일 수도 있고, 평범할 수도 있으며, 아름다울 수도, 추할 수도 있다.
즉, 형식은 단순한 주형으로서의 구조만을 가리키는 것이 아니고, 또한 구조만이 그 작품을 성공시키는 열쇠도 아니다.
다시 말하면 악식에는 미학의 영역에 속하는 면과 구조상의 문제가 포함되어 있다.
그러나 여기서 말하는 형식은 구체적으로 볼 수 있는 것, 즉 한 작품의 도식이라고 할 만한 구조에 한한다.
물론 각자의 작품이 다르듯이 그 구조도 천차만별하여, 원칙적으로 아주 똑같은 구조는 있을 수 없다.
예를 들면, 소나타 형식은 제시부, 전개부, 재제시부의 3부로 된다고 대별한 원칙을 보일 수는 있어도, 그 세부적인 구조에서는 시대, 양식, 악기, 작곡가의 개성, 창의 등 여러 가지 조건에 의해서 실로 다양한 변화가 일어날 수 있다.
이러한 것도 작곡가는 미리 정한 도식에 따라 작곡하는 것이 아니며, 구조는 자기의 내적 창조력의 욕구에 따라 창조되고 변경되기 때문이다.
즉, 작곡가는 형식(구조)을 작곡한다.
따라서 형식(구조)은 그 때마다 새롭고 항상 1회에 한하는 것이다.
그러나 그와 같이 다른 형식 간에도 공통하는 원리(또는 이념)는 존재하므로, 베토벤과 리스트의 소나타를 비교해 보면, 또 베토벤 자신의 몇 개의 소나타를 살펴보면 위에서 말한 바는 충분히 명확해진다.
푸가와 소나타는 주제의 전개나 3부 구조라는 아이디어를 공유(共有)하면서도 다른 몇 가지 점에서는 확실히 다른 점이 있으므로, 우리는 많은 작품에서 푸가를 진정한 푸가로, 소나타를 진정한 소나타로 나타나게 하는 그 구조적 특징을 추출(抽出)하여 정리·분류하는 것이 가능하다.
그 자체, 무엇인가의 표현력과 쉽게 알아들을 수 있는 명확한 특징을 가지고 있으며, 주제 또는 주요 악상 중에 품고 있는 것을 조건으로 한다.
동기는 다양한 변화를 받으면서 반복되고 쌓이고 겹쳐서 악곡에서 마치 건축할 때 벽돌과 같은 역할을 하며, 이와 같은 동기의 반복 사용은 동기적 노작(Motivische Arbeit)으로 부른다.
특히 소나타 형식에서는 전개부의 중요한 기법을 이루고 있다.
이상과 같은 조건을 구비하고만 있다면 동기의 길이는 자유이며, 때때로 행하여지고 있는 2마디를 가지고 동기로 하는 설을 반드시 고려할 필요는 없다.
어떤 곡을 봤을 때, '이 주제 속에는 어떠한 동기가 들어 있을까?' 즉 '모티프 조작에 견딜 수 있는 동기는 주제의 어디에 들어 있을까?' 등의 여러 가지 동기가 생각되겠으나, 그것을 결정하는 데는 곡의 주제 이후 부분을 면밀히 분석하여, 무엇이 실제의 동기로 쓰여졌는가를 살피지 않으면 안 된다.
이와 같은 모티프 조작으로 주제는 전개되는 것이지만, 소나타 형식이나 푸가와 같이 주제의 전개로 음악이 구성되는 형식에서는, 작곡가는 미리 주제 안에 전개의 가능성을 가진 동기를 넣어 둔다.
또 동기가 될 수 있는 요소로는 리듬이 가장 다양한 가능성을 가지고 있으나(리듬적 특징이 다른 것에 비해 가장 쉽게 지각되기 때문이다.), 음정, 화성, 때로는 휴지에서도 쓰는 법에 따라서는 충분히 동기로서의 기능을 다할 수 있다.
다만 극히 완만한 음악, 짧은 곡, 가사를 가지는 음악에서는 동기가 인정되는 경우도 있다.
단락의 효과가 문장에 있어서 쉼표에 해당하느냐, 마침표에 해당하느냐, 또는 포함되어 있는 동기의 종류나 상태 여하로 악절의 구조도 다양하다.
보통 4마디군을 '작은악절(phrase)'이라 하며, 작은악절은 둘이 모여 '큰악절(sentence, period)'을 구성하지만, 이 때는 전자를 '앞작은악절', 후자를 '뒤작은악절'이라 한다.
큰악절이 다시 둘이 모이면 '악단' 또는 '복합악절'을 구성한다.
악절은 항상 2개의 배수 마디로 된다고는 할 수 없으나, 고전파 및 낭만파의 음악에서는 이와 같은 구조로 된 악절이 많이 보인다.
복합악절 중에 있는 작은악절이나 큰악절 중의 2마디군의 배치 방식은 같은 동기로 되는 a－a－a－a라는 꼴 외에도 다른 동기가 개재하는 a－b－a－b나, a－b－c－a, a－b－c－d 등 여러 가지 방법이 가능하다.
주제(主題, subject, theme)는 작곡자의 표현 내용이 가장 단적으로 응축된 것으로, 악곡의 생명을 가름하는 중요한 요소이다.
그러나 주제 그 자체는 형식적으로는 자유이므로, 가령 큰악절이 아니면 안 된다든가, 복합악절이 아니면 안 된다는 제약은 전혀 없다.
즉, 형식이 달라짐에 따라 주제의 형태도 또한 달라진다.
반복 형식(反復形式)이란 어떤 맺음을 가지고 있는 한 부분이 반복되는 것을 원리로 하는 형식을 말한다.
이 반복은 변주곡 형식과 같이 연속적으로 반복하는 것도 있고, 론도 형식과 같이 다른 부분을 사이에 넣어 반복하는 것도 있다.
반복되는 부분(단위)의 규모는 작은 것에서부터 큰 것에 이르기까지 여러 가지이며, 반복은 반드시 원형대로만 하지는 않는다.
오히려 반복할 때마다 다른 형으로 나타난다.
즉, 변주되는 것이 보통이다.
또 반복하는 횟수도 개개의 형식에 따라 다르다.
이와 같은 반복의 원리를 갖는 형식은 다음과 같다.
계속 형식(繼續形式)은 반복형식에 대한 대칭어이다.
이것은 소나타 형식이나 론도 형식 등에서 볼 수 있는 일정한 부분(곡의 단락)과 그 반복은 없고, 몇 개의 가락이 서로 얽히어 끊임없이 계속되는 음악의 형식이다.
주로 대위법 양식으로 된 다성음악이 이에 속한다.
그리고 또 형식은 정한가락형식(定旋律形式)과 모방형식(模倣形式)의 2가지로 대별한다.
정한가락(定旋律)이라는 것은 다성음악을 작곡할 때 기초가 되는 가락이다.
이 가락을 토대로 하여, 거기에 몇 개의 대한가락(對旋律)을 부가한다.
이 형식으로 된 악곡으로는 다음과 같은 것이 있다.
모방(模倣)이란 일반적으로 2성 이상의 다성악곡에서 하나의 성부로 나타난 가락(주제, 동기)과 동형의 가락이 다른 성부로 뒤따르듯이 반복되는 것을 말한다.
모방하는 방법은 가락의 음정이나 리듬형을 바꾸지 않고 엄격하게 모방하는 것과 가락이나 리듬의 윤곽만을 가지면서 모방하는 비교적 자유로운 것이 있다.
이와 같은 형식으로 된 악곡에는 다음과 같은 것이 있다.
복합형식(複合形式)은 2개 이상의 소곡 또는 악장이 서로 관계하면서 하나의 끝맺음이 있는 전체를 형성하는 형식으로서, 단일 악장의 곡에 대하여 다악장형식인 것을 말한다.
다음의 형식은 복합 형식이면서 순환 형식이기도 하다.
교향곡이나 협주곡, 소나타 등은 대개 3개 또는 4개의 악장으로 되어 있다.
이런 것들은 '다악장형식'의 음악이다.
또 '고전모음곡'도 4개 또는 그 이상의 독립된 춤곡으로 구성되어 있다.
모음곡의 각 춤곡 사이엔 교향곡이나 소나타의 전 악장간에서 보듯이 형식적·조적·성격적 대조감은 없고, 규모도 훨씬 작은 것이기는 하나 형태로 보아 다악장형식에 가깝다고 할 수 있다.
이와 같은 다악장형식, 또는 거기에 가까운 음악의 몇 개의 악장, 또는 전 악장에 같은 소재(주제 또는 동기)를 쓰는 것이 순환형식(循環形式)이다.
즉 같은 소재가 몇 개의 악장을 순환하는 것이다.
그러나 실제로는 그 개개의 악장 자체는 소나타 형식이나 론도 형식이라고 하는 구체적인 구조로 되었다고 할 수 있으며, 따라서 정확하게는 '순환형식'이 아니라 '순환원리'라고 하는 것이 옳겠다.
물론 목적하는 바는 소재를 최소한으로 함으로써 전체에 강한 통일감을 주려는 데 있다.
그러나 가령 아주 똑같은 가락이 각 악장을 통하여 나타나는 일이 있다면 분명히 단조로운 인상을 주는 결과가 되겠다.
그리하여 당연히 같은 소재는 많든 적든 간에 변주되어 각 악장에 나타나게 된다.
그 변주되는 상황에 따라 순환식도 단순한 것부터 복잡한 것에 이르기까지 여러 단계가 있게 된다.
거의 원형 그대로의 형이 각 악장에 나타나는 극단적인 것이 있는가 하면 매우 복잡하게 변주되어 있어 원형과의 관련을 그 자리에서 알기에 매우 어려운 경우도 생각하게 된다.
이와 같이 몇 개의 다른 부분을 하나의 소재로 통일한다는 아이디어 그 자체는 오래전부터 있었다.
예를 들면 15세기, 16세기에 많은 예가 있다. '순환미사'에서는 미사 각 부분에 같은 정선율을 쓰고 있고, 샤인(Johann Hermann Shein, 1586년-1630년)의 모음곡의 예에서도 각 춤곡의 첫머리에 동일한 선율적 소재가 쓰인 것을 이해할 수 있겠다.
이와 같은 수법은 바로크 시대의 소나타에서 한층 발전한 용례를 거쳐, 베토벤에 이르면 한층 더 정묘하고 치밀한 형태를 쓰고 있다.
그는 의식적인 용례는 물론 작곡자 자신은 의식하지 못하였더라도 결과적으로는 순환적 수법을 쓴 것으로 분석되는 작품이 몇 개 있다.
타고난 천분과 꾸준한 수련으로 연마된 기술은 마침내 작가의 무의식중에 형식을 완결시켜 악곡의 세부에 논리적인 일관성을 주는 일이 자주 있다.
그러나 순환원리를 가장 철저하게 그리고 복잡한 형태로 응용한 것은 낭만파의 작곡가들이다.
음악의 표현내용이 점차로 폭을 넓히고 또한 상세하게 됨에 따라 그들은 순환수법을 대부분 문학적 내용과 결부시켜 씀으로써 낭만파 음악의 중요 분야인 표제 음악에 극히 합당한 기법을 짜내었다. '고정관념'과 '지도동기(Leitmotiv)'라고 불리는 것이 바로 그것이다.
18세기의 이탈리아 오페라 부파의 전통을 이어받아 그것을 로시니에게 전승(傳承)한 공적은 높이 평가되고 있다.
가난한 환경에서 자랐으나 남다른 악재(樂才)를 보였으므로 나폴리의 음악원에 입학이 허락되어 여기서 이탈리아 여러 대가의 성악 양식을 완전히 몸에 익혀 1772년, 22세로 음악원을 졸업하였다.
그 해에 발표한 오페라로 대성공을 거두었으며, 일약 작곡가로서의 지위를 확립했다.
명성이 높아짐에 따라 국외로부터의 초빙이 있어 1787년 37세로 러시아의 여황제 예카테리나 2세의 궁정 작곡가로 상트페테르부르크로 갔다.
1791년 러시아에서 귀국하는 도중 오스트리아 황제의 초청으로 살리에리의 후임으로서 빈 궁정악장이 되었다.
여기서 걸작 오페라 부파 &lt;비밀결혼&gt;을 써서 창작활동의 정점에 달하였다.
1793년 나폴리로 돌아와 나폴리의 궁정악장에 취임하였다.
그 뒤 공화제혁명에 가담한 혐의로 체포되어 감금됐다가 1800년 나폴리에서 추방되었다.
감금되었을 때 건강을 해친 것이 원인이 되어 다음해 1월 11일 베네치아에서 급사하였다.
너무 갑작스런 죽음으로 나폴리 왕에 의한 독살이라는 소문이 퍼져 그 때문에 정부는 사인조사를 했어야 했다.
치마로사의 오페라는 풍부한 멜로디와 등장인물의 기지에 넘친 생생함에 매력이 있다.
그러나 성서의 깊이와 음악적 구성력에 다소 결점이 있어 그 때문에 지금에 와서는 그 작품은 상연되는 일이 적다.
나폴리에서 활약하였으며 1776년 36세로 러시아의 여황제 예카테리나 2세에 초빙되어 궁정 지휘자 및 이탈리아 오페라 감독이 되었다.
그동안 오페라 부파 &lt;세비야의 이발사&gt;를 작곡했는데, 이는 로시니에 의한 동명의 명작이 쓰일 때까지 절대적 인기를 얻었다.
1784년 나폴리로 돌아왔으며 뒤에 나폴레옹 보나파르트에 초빙되어 한동안 예배당 악장으로 일했다.
그 오페라는 성격묘사의 교묘함과 오케스트라의 극적 용법으로 알려져 있다.
무치오 클레멘티(, 1752년 1월 24일 - 1832년 3월 10일)는 이탈리아의 피아니스트이며 작곡가이다.
1752년 이탈리아 로마에서 태어났다.
신동(神童)으로 9세에 오르가니스트 지위를 차지했고, 12세에 오라토리오와 미사 등 복잡한 큰 곡을 작곡하여 출생지 로마에서 센세이션을 일으켰다.
14세에 영국에 건너가 더욱 연찬을 쌓아 21세에 런던에서 데뷔하여 명 피아니스트의 이름을 날렸다.
1780년까지 런던에서 피아노 연주생활과 교사생활을 하는 한편, 이탈리아 오페라의 지휘자로도 활약하였다 1781년 29세 때 유럽 각지로 연주 여행을 떠났을 때 빈에서 25세의 모차르트와 피아노 경연을 벌인 이야기는 유명하다.
모차르트는 클레멘티 연주를 "기계적이며 음악성이 없다"라고 평했으나 클레멘티측에서는 모차르트를 정당하게 평하였다고 한다.
이후 런던을 중심으로 활약하여 후진지도에도 힘을 써서 유능한 제자를 키워냈다.
클레멘티의 역사적 역할은 근대적인 피아노 연주기술을 확립한 점에 있다.
피아노 연습곡의 명저 &lt;그라두스 아드 파르나슴
&gt;은 오늘날도 사용되고 있다.
또한 베토벤은 클레멘티의 피아노 소나타를 아껴 간결한 형식, 정신의 새로움
등 배울 점이 많다고 칭찬했다.
1782∼1802년 다시 영국에 거주하면서 지휘자 ·피아니스트 ·교사로 활약하다가 1802년에는 제자 J.필드와 함께 러시아를 방문, 열광적인 환영을 받았다.
그 후 한동안 이탈리아에 머물렀다가 10년 런던으로 돌아가 정착하였으며, 그 뒤 음악출판업과 피아노 제조업에 전념하면서 작곡도 하였다.
작품으로는 교향곡과 실내악곡도 남겼으나 가장 중요한 것은 피아노 소나타로 현재 64곡이 남아 있으며 거기서는 균형감, 간결하고 조화된 표현법, 순수하고 엄격한 형식감 등을 엿볼 수 있다.
소나타 형식(Sonata form)이란 고전파 시대 초기부터 광범위하게 사용된 악곡의 형식을 말한다.
소나타라는 명칭을 갖는 악곡은 16세기 중엽에 출현한 이래 오늘까지 여러 시대를 통하여 작곡되어 왔으나, 그 형식 내용은 천차만별하다.
예를 들면 바로크 시대에 애호되었던 '교회 소나타'나 '실내 소나타'와 고전파의 소나타 사이에는 형식상의 공통점은 하나도 없으며, 같은 건반악기를 위한 소나타일지라도, 스카를라티와 베토벤에서, 그 구조는 아주 다르다.
이와 같은 관계는 이 밖에도 많이 찾아볼 수 있으나, 그것은 소나타가 이탈리아어의 Sonare('울린다' 또는 '연주한다'는 뜻)라고 하는 추상적인 말에서 연유하며, 어떤 구체적인 양식이라든가 구조를 가리키는 것이 아니기 때문이다.
그러나 오늘날 악식상의 용어로 쓰이는 소나타 형식은 한 특정 구조를 가진 형식을 뜻한다.