Question: Когда вышел первый мультфильм в стиле аниме?

История аниме

Аниме, как самостоятельное направление в мультипликации возникло в 1958 году и было официально признано как искусство в конце XX-го века. История аниме корнями уходит к началу XX-го столетия, когда японцы стали проявлять заметный интерес к иностранным техникам создания анимационных фильмов.
Несмотря на то, что эксперименты с анимацией проводились в Японии и до этого, первым заметным творением, относимым к аниме, стал показ «Tale of the White Serpent», мультфильма студии «Toei». Первый аниме-сериал «Otogi Manga Calendar» выпустила студия «Otogi», представляющий собой чёрно-белые исторические мультфильмы. В 1963-м (in Dutch), прозванный «Богом манги», основал студию «Mushi Productions» и выпустил свой первый аниме-сериал «Tetsuwan Atom». Это стало началом бума аниме.
В течение 1970-x годов аниме активно изменялось, разрывая связи со своими иностранными прародителями и рождая новые жанры, такие, как меха. Появлялись такие произведения, например, как «Lupin III» или «Mazinger Z». Многие известные режиссёры, в частности (in Dutch), (in Dutch), (in Dutch), (in Dutch), и (in Dutch), начинали свою карьеру в эти годы.
К 1980-м годам аниме и манга широко распространились в Японии, и переживали свой так называемый «Золотой век». Были выпущены первые сериалы из цикла «Gundam», начала свой путь к вершине (in Dutch). В 1988 году полнометражный фильм «Akira» установил в 1988-м рекорд бюджета аниме-фильма и создал совершенно новый стиль анимации.
1990-е и 2000-е годы стали временем широкого признания аниме за пределами Японии. «Akira», «Манускрипт ниндзя» и вышедший в 1995 году «Ghost in the Shell», впервые объединивший традиционную анимацию и компьютерную графику, получили известность по всему миру. В 1997 году полнометражный аниме-фильм «Принцесса Мононоке» собрал 160 миллионов американских долларов в Японии. 
Многократно возросло число как поклонников аниме, так и зрителей, смотрящих его от случая к случаю. В то же время в Японии продолжали совершенствоваться технологии создания и отрисовки аниме: студии переходили на компьютерную графику, активно применяя трёхмерную анимацию. Из детских мультипликационных фильмов начала XX-го века японская анимация превратилась в культуру, творящую разнообразные, серьёзные и забавные, эмоциональные и наивные, предназначенные для подростков, детей и взрослых произведения.
Истоки

Старейшее известное аниме, найденное в 2005 году, было создано около века назад — приблизительно в 1907 году. Короткий мультфильм под названием «Кацудо сясин» состоял из пятидесяти нарисованных на ленте целлулоида кадров. Изображённый на них мальчик рисует иероглифы , означающие «движущиеся фотографии» и использующиеся в то время для обозначения слова «кино», затем поворачивается к зрителю, снимает шляпу и кланяется. Художник и автор этой анимации неизвестен[1][2]. В 1917 году в Японии стали появляться первые анимационные фильмы. Их продолжительность составляла от одной до пяти минут. К числу первых японских мультфильмов относятся «Дэкобоко сингатё» () Дэкотэна Симокавы, «Сару кани кассэн» (), «Тупой меч» (, Накамура гатана) (1917) и «Момотаро» (1918) Сэйтаро Китаямы[3]. Произведения первой четверти XX века, в основном, создавались энтузиастами, которые вдохновлялись творениями своих иностранных коллег. Иногда сюжеты и герои таких аниме были заимствованы из западной культуры, но чаще это были экранизации старинных японских сказок. Длительность отдельных мультфильмов периода 1920-х годов могла достигать 15-ти минут[3][3][3].
По различным причинам большая часть произведений этих лет к настоящему времени оказалась утрачена. Известно, однако, что некоторые из них демонстрировались на публике, и даже собирали деньги в кинотеатрах. В эпоху немого кино творили такие аниматоры, как , , ,  (чей мультфильм «Гора Обасутэ», считается старейшим известным именованным аниме[3]),  и мастер анимации теней, . Большинство из них работало в домашних условиях, хотя их и поддерживали владельцы кинотеатров, покупая у них права на показы их творений[3]. Их работы отличались простотой и понятностью, в связи с чем постепенно становились востребованы в обществе[2].
Второе поколение японских аниматоров появилось в предвоенный период. К этому времени японский фольклор в аниме уступил место новым сюжетам, часто юмористическим, в западном стиле. Анимация завоевала внимание широкой общественности и интерес государства; в частности, была популярна американская анимация[3]. Министерство образования Японии оказывало финансовую поддержку аниматорам, так как на первых порах аниме использовалось в школах в качестве вспомогательного учебного материала. Со временем этот жанр стал востребован и в других сферах: наука, реклама, политика[2]. В эти годы были приняты первые законы, ограничивающие аудиторию произведений — некоторые аниме были признаны пригодными к демонстрации только лицам старше 15 лет.
На аниме также отражалась общая политическая и социальная обстановка в Японии. В 1930-х годах была усилена политическая цензура[3]. В 1932 году Кэндзо Масаокой была создана студия Masaoka Film Production, которая занималась только созданием анимации. В 1933 году на ней был снят первый звуковой мультфильм под названием Chikara to onna no yononaka[3]. Одной из первых ласточек наступающего милитаризма стал вышедший в 1934-м году 11-минутный мультфильм Ясудзи Мураты Norakuro(のらくろ,Норакуро, Russian: Ефрейтор Норакуро), снятый по мотивам одноименного комикса о невезучем псе, попавшем рядовым в армию зверей[3]. После вторжения Японии в Китай в 1937-м году были приняты первые законы о цензуре, которые существенно упростили контроль над производимой продукцией. В предвоенные годы появилось большое количество пропагандистских аниме, снятых по заказу военных. Целью таких фильмов была агитация патриотизма и национализма среди японской молодёжи[3][2].
В преддверии разразившейся Второй мировой войны так же и стиль в аниме начал меняться. Аниме не должно было напоминать западные мультфильмы. В 1942 году в Токио на закрытом показе были продемонстрированы американские фильмы «Унесённые ветром» и «Белоснежка и семь гномов»[3]. Мультфильм «Белоснежка», будучи цветным, произвёл сильное впечатление на зрителя. Японское правительство решило финансировать создание первого японского полнометражного мультфильма агитационного содержания, и поручило  собрать для этой цели команду аниматоров. Таким образом, в 1943 году в свет вышел 37-минутный анимационный фильм Momotaro no Umiwashi(桃太郎の海鷲,Момотаро но Умиваси, Russian: Момотаро — морской орёл), сюжет которого воспроизводит нападение японцев на Пёрл-Харбор. В 1945 году Сэо снял продолжение — Momotarou: Umi no Shinpei(桃太郎 海の神兵,Момотаро: Уми но Симпэй, Russian: Момотаро — божественный моряк), повествовавшее о команде сильных бесстрашных зверей, освобождавших Индонезию и Малайзию от дьявольских рогатых пришельцев, символизировавших американские войска[3]. Данный мультфильм произвёл впечатление на молодого Осаму Тэдзуку, который после ознакомления с ним решил стать аниматором[3].
1950—1960-е годы. Toei Animation и Mushi Production
После окончания войны экономика Японии находилась в упадке. Несмотря на то, что цензура и государственное участие в создании анимации были практически сведены к нулю[4], сколько-либо заметных произведений не появлялось практически десять лет. Реализуя план послевоенного преобразования Японии, американцы стали, в частности, массово ввозить свою кинопродукцию на её территорию (в начале 1950-х годов, после завершения оккупации анимационные фильмы стали закупаться японскими прокатчиками уже на добровольной основе), вследствие чего японская аудитория получила возможность ознакомиться со многими популярными американскими мультфильмами того времени, например, о Микки Маусе, Дональде Даке и Супермене[5]. Техническое превосходство американских фильмов поразило японских аниматоров, осознавших необходимость создания крупных анимационных студий по американскому образцу. Первыми такими студиями стали «Ниппон дога» и «Тохо эйга»[2][3]. «Ниппон дога» была основана Масаокой Кэндзо и Ямамото Санаэ. На этой студии начал свою карьеру режиссёр Ясудзи Мори[2]. Небольшие студии более не могли обслуживать запросы публики, а крупные компании не возникали из-за рискованности предприятия и тяжёлого экономического положения в стране.
Ситуация изменилась с появлением в 1956 году Toei Animation (входившая в состав японской кинокомпании Toei и до 1998 года известная под названием Toei Doga), созданная Хироси Окавой после приобретения «Ниппон дога»[2]. Первым фильмом студии стал чёрно-белый короткометражный мультфильм «Каракули котенка»(こねこのらくがき,Конэко но ракугаки)[3], а в 1958 году Toei Doga выпустила свой первый полнометражный цветной аниме-фильм под названием «Легенда о Белой Змее»(白蛇伝,Хакудзядэн), оказавший серьёзное влияние на будущего аниматора (in Dutch). Возникновение Toei ознаменовало собой начало нового периода в развитии аниме — периода профессионального творчества. Первые полнометражные фильмы студии очень близко следовали канонам произведений Диснея: сюжеты были основаны на народных сказках, использовались музыкальные и песенные вставки, а наравне с людьми в фильмах фигурировали животные, оказывающие поддержку главным героям[3][6]. Вместе с тем студия с первых лет существования была ориентирована на создание аниме-сериалов[2]. Третьим крупным проектом студии Toei Doga стал фильм «Путешествие на Запад»(西遊記,Сайю:ки) режиссёра Тайдзи Ясубиты, созданный по мотивам манги уже известного на тот момент художника Осаму Тэдзуки[2].  Компания существует и до сих пор, оставаясь самой старой известной японской анимационной студией.
Значительным вкладом раннего Toei в современное аниме стало использование «ключевых сцен». Широко используемый сегодня метод сокращения затрат на анимацию состоит в том, что отдельные, значительные в визуальном смысле кадры прорисовываются с гораздо большей детализацией, чем общий поток видео. Ясуо Оцука, аниматор из Toei, первым стал использовать этот приём, создав его в процессе экспериментов по упрощению работы над мультипликацией.


В ранних аниме-сериалах 60-х годов было популярно изображать героического ребёнка или подростка, который обладает сверх-человеческими силами и борется со злом. При этом он обязательно находит поддержку со стороны обычных людей — профессора и новых друзей-детей. Типичным примером могут послужить: Space Ace[3], Prince Planet, Dolphin Oji, Astro Boy и другие.
Существенное влияние на развитие японской анимации в 1960-е годы оказало широкое распространение телевидения в стране[7]. В 1963 году Осаму Тэдзука, известный японский художник, автор ряда популярных манг, начал выпускать на своей студии Mushi Productions, созданной им в 1961 году[3], свой первый анимационный чёрно-белый телесериал Tetsuwan Atomu(鉄腕アトム, English: Astro Boy, Russian: «Могучий Атом»), с которого принято начинать историю японских аниме-сериалов. Однако он не был первым аниме-сериалом на японских телеэкранах — таковым был Otogi Manga Calendar, выпускавшийся с 1962 года. Тем не менее, именно в Tetsuwan Atomu впервые использовался сквозной сюжет и постоянные персонажи, с которыми на протяжении сюжета происходили определённые изменения — они появлялись, исчезали, взрослели, старели[3]. Tetsuwan Atomu стал одним из первых аниме-сериалов, продемонстрированных по американскому телевидению[8]. Произведения Тэдзуки на телеэкранах мгновенно обрели ту же популярность, что и их манга-прототипы, и вдохновили других художников на создание телевизионных сериалов — к 1963 году на территории Японии было создано ещё четыре анимационных студии[3]. Сам Тэдзука благодаря своему аниме, ставшему широко известным, получил прозвище «Бог манги»[9].  В 1964 году была основана Tokyo Movie Shinsha, ставшая одной из крупнейших японских анимационных студий. В 1965 году начал выпускаться первый цветной мультсериал студии Mushi Productions под названием Jungle Taitei(ジャングル大帝, English: Kimba the White Lion), сюжет которого лёг в основу выпущенного позднее диснеевского мультфильма «Король Лев»[3]. В 1966 году Toei Doga выпустила свой первый сёдзё-сериал под названием Mahoutsukai Sally(魔法使いサリー,Махо:цўкай Сари:, Russian: «Ведьма Салли») по мотивам манги Мицутэру Ёкоямы «Ведьма Санни»; данное аниме также является первым в жанре махо-сёдзё[3]. Выпущенный в 1969 году сериал Himitsu no Akko-chan(ひみつのアッコちゃん,Химицу но Акко-тян, Russian: «Секрет Акко-тян») определил каноны жанра «махо-сёдзё» — обычная девочка обретает волшебные силы благодаря определённому предмету и отправляется помогать людям; обычно её поддерживает некое животное, также обладающее волшебными силами[3]. По различным причинам героиня вынуждена скрывать свои способности от окружающих. Оба сериала имели значительный успех в Японии[3].
В 1968 году был выпущен полнометражный анимационный фильм режиссёра Исао Такахаты под названием Taiyo no Ouji Horus no Daibouken, в работе над которым принимали участие Хаяо Миядзаки и Ясудзи Мори. Хотя фильм приобрёл популярность у зрителей (особенно у студентов), руководители студии Toei Doga обвинили Такахату в небольших кассовых сборах за первое время проката, после чего он был понижен в должности. Данный фильм считается первым, над которым Миядзаки и Такахата работали вместе[3].
Для аниме поздние 1960-е годы ознаменовались экспериментами с формой и содержанием. К тому времени в анимации установился канон жанра сёнэн — мальчик, обладающий необычными способностями, имеет цель и для её достижения применяет свои способности, а в процессе преодоления испытаний взрослеет[3]. Тэдзука, сторонник идеи о создании комиксов и анимации для различных возрастов, создал несколько фильмов, ориентированных на взрослую аудиторию: это были «Тысяча и одна ночь» (1969), «Клеопатра» (1970)[3] и «Печальная Беладонна» (1973). «Беладонна» оказалась среди них самым необычным произведением — многие считают, что этот фильм даже стал идейным вдохновителем известного современного аниме Revolutionary Girl Utena (1997). Также в 1971 году был начат телепоказ первого «взрослого» телесериала, Lupin III. К концу 1960-х были сформированы каноны и других жанров аниме, позднее получивших развитие: меха-сэнтай (Cyborg 009)[3], спокон (Kyojin no Hoshi и Attack No. 1), мистика (Humanoid Monster Bem)[3], научная фантастика, повседневность, пародия, комедия[3], история[10]. Также в 1969 году в свет вышли два анимационных фильма, ставших классикой жанра кодомо и приобретших популярность в России: «Кот в сапогах» и «Летающий корабль-призрак»[3]. Произошло чёткое разделение аниме по половому признаку[3].
Также конец 60-х годов считается периодом перехода из чёрно-белой анимации в цветную. Одним из первых цветных аниме-сериалов стал Dolphin Oji, который однако не завоевал большую популярность. Ранее разработчики хотели выпустить чёрно-белую версию, но остановили разработки на четвёртой серии, вскоре выпустив цветную версию.
1970-е годы
На протяжении следующей декады телевидение медленно, но верно вытесняло кинотеатры с позиций наиболее популярного развлечения. К тому моменту аниматоры уже имели большой опыт в своём деле, а индустрия аниме стала достаточно прибыльной. Расширились жанровые рамки анимационных сериалов, формировались также и новые жанры. Многие каноны телесериалов того времени получили развитие в дальнейшем. За пределами Японии аниме практически не распространялось[3]. Обычная продолжительность анимационных сериалов тех лет составляла приблизительно 20—30 серий, однако во многом она зависела от популярности конкретного аниме[2]. Toei Animation постепенно оставила создание стилизованных под Диснея мюзиклов, и переключилась на производство телесериалов. Аниматоры, работавшие на Mushi Production, разошлись по вновь созданным студиям вроде Madhouse или Sunrise после того, как Mushi внезапно обанкротилась. Такое перераспределение талантов в целом позитивно сказалось на индустрии аниме, поскольку позволило молодым аниматорам занять ключевые позиции в студиях и впоследствии довольно-таки свободно экспериментировать с производимыми фильмами.
Примером тому может стать телесериал 1974-го года Heidi Исао Такахаты. Будучи довольно реалистичной драмой, рассчитанной на детей, сериал поначалу был отвергнут многими телесетями — продюсеры считали, что детям будет интересно что-нибудь более фантастичное, с элементами сказки. Heidi, тем не менее, оказался невероятно популярен не только в Японии, но и за её пределами — во многих странах Европы. Неожиданный успех сериала дал Миядзаки и Такахате возможность заняться созданием литературного аниме World Masterpiece Theatre («Театр мировой классики»). Сериал успешно просуществовал до середины 1990-х годов, хотя Такахата и Миядзаки через несколько лет оставили проект.
Основную часть зрительской аудитории составляли дети, для которых и создавалась бо́льшая часть аниме. Основными героями сериалов для детей обычно становились персонажи известных детских художественных произведений или разумные животные. Немалое влияние на детское аниме оказала созданная в 1975 году студия Nippon Animation, выпустившая в тот период значительное количество кодомо-сериалов, среди которых Flanders no Inu(フランダースの犬,Фуранда:су но Ину, Russian: «Фландрийский пес») (1975), Mitsubachi Maaya no Boken(みつばちマーヤの冒険,Мицубати Ма:я но Бокэн, Russian: «Приключения пчёлки Майи») (1975—1976), Piccolino no Bouken(ピコリーノの冒険,Пикорино но Бокэн, Russian: «Приключения скорее Пикколино, чем Пиноккио») (1976—1977), Araiguma Rascal(あらいぐまラスカル,Арайгума Расукару, Russian: «Енот по имени Раскал») (1977) и др. Одним из наиболее популярных и вместе с тем самых длительных аниме стал сериал «Дораэмон»(ドラえもん), сюжет которого повествует о приключениях мальчика по имени Нобита и пришедшего из будущего кота-робота Дораэмона. Успеху данного сериала способствовали оригинальные авторские задумки касательно фантастических приспособлений, дизайн персонажей (позднее ставший известным под названием «супердеформация»), а также простота и понятность затронутых в сюжете проблем[9][3].







“Я хотел создать что-то иное, и я подумал, что это будет интересно иметь робота, которым можно управлять так же, как автомобилем”—Го Нагаи[9]
В эти же годы возник ещё один специфический, принципиально новый для аниме жанр, меха (сериалы о гигантских фантастических роботах)[9]. Основу данного жанра заложил (in Dutch)[3]. Ранние работы, относимые к нему, включают Mazinger Z(マジンガーＺ,Мадзинга: Дзэтто) (1972—1974)[3], Science Ninja Team Gatchaman(科学忍者隊ガッチャマン,Кагаку ниндзятай Гаттяман, Russian: «Команда учёных-ниндзя „Гатчаман“») (1972—1974)[3] и Mobile Suit Gundam(機動戦士ガンダム,Кидо: Сэнси Гандаму, Russian: «Мобильный воин Гандам») (1979—1980)[3]. Девушки в этих аниме обычно исполняют роль «боевых подруг». В сериале Science Ninja Team Gatchaman впервые закрепилась концепция команды из пяти героев, обладающих уникальными способностями[3]. Творения Го Нагаи, в том числе и Mazinger Z, стали классикой жанра меха[9]. Японская аудитория поначалу равнодушно приняла аниме Gundam, однако в дальнейшем его популярность росла, и к началу 1980-х годов он приобрёл статус культового аниме[3] и оказал глубокое влияние на жанр меха[9]. Взросление научной фантастики в аниме привело к смещению акцента сериалов с похождений супергероев на более реалистичные и проработанные космические оперы, где понятия добра и зла уже не были так картинно-прямолинейны. Характеры персонажей прорабатывались более глубоко, что позволяло рассматривать одни и те же проблемы с разных точек зрения. Одним из научно-фантастических произведений с романтическим уклоном стал телесериал Space Battleship Yamato (1974—1975) режиссёра (in Dutch). В основу характеров персонажей данного аниме была заложена концепция европейского романтизма XIX века, они имели сходство с творчеством Александра Дюма и Фенимора Купера[3]. Дизайны космических кораблей в сериале были выполнены в ретро-стиле и имели внешнее сходство с японскими военными кораблями времён Второй мировой войны. В последующих фантастических сериалах ретро-стилистика также имела место[3].
В период 1970-х годов продолжали выпускаться сериалы жанра махо-сёдзё, которые имели частичные, а порой и значительные отклонения от установленных стандартов: Mahou no Mako-chan(魔法のマコちゃん,Махо но Мако-тян, Russian: «Волшебница Мако») (1970—1971), Cutey Honey(キューティーハニー, Russian: «Милашка Хани») (1973—1974), Majokko Megu-chan(魔女っ子メグちゃん,Мадзёкко Мэгу-тян, Russian: «Кудесница Мэг») (1974—1975). Так, главной героиней сериала Mahou no Mako-chan была уже взрослая девушка, а не девочка; сюжет сериала в основном фокусировался на любовной истории главной героини, а не на магии, которой она обладает. Сериал Cutey Honey предназначался уже не для девушек, а для юношей. В данном аниме практически не затрагивалась тема любви, а его сюжет содержал множество элементов научной фантастики. В аниме Majokko Megu-chan присутствует эротический юмор[3].
Снимались также сериалы, главных персонажей которых можно охарактеризовать как «антигероев». Таковыми стали Ashita no Joe(あしたのジョー,Асита но Дзё:, Russian: «Завтрашний Джо») (1970—1971), Lupin III(ルパン三世,Рупан Сансэй, Russian: «Люпен III»), . Протагонистом Ashita no Joe стал хулиган и преступник Джо Ябуки, усилиями пожилого тренера ставший профессиональным боксёром. Предметом широкого обсуждения стала необычное для аниме окончание данного сериала. Главным героем Lupin III стал вор Арсен Люпен III. Полнометражный фильм «Замок Калиостро», являющийся продолжением Lupin III, до 1984 года (когда был снят фильм «Навсикая из Долины ветров») назывался читательской аудиторией журнала Animage «лучшим фильмом в истории аниме». В Devilman была спроектирована неоднозначная ситуация, когда герой для победы над демоном должен был стать демоном сам[3].
Во второй половине 1970-х годов на экраны вышли два телесериала, которые оказали ключевое влияние на развитие жанра сёдзё: «Кэнди-Кэнди»(キャンディ・キャンディ,Кянди Кянди) (1976—1979), созданный студией Toei Doga, и Versailles no Bara(ベルサイユのばら,Бэрусайю но Бара, Russian: Роза Версаля) (1979—1980) студии TMC. В «Кэнди-Кэнди» были сформированы многие архетипы персонажей сёдзё-сериалов и мотивы развития сюжетной линии, нашедшие отражение в последующих произведениях. Концепция перемещения персонажей в другую эпоху, однако, развития не получила. Сериал Versailles no Bara режиссёров Тадао Нагахамы и Осаму Дэдзаки отличается высокой исторической точностью (единственным вымышленным персонажем в нём является девушка Оскар) и считается одним из лучших исторических аниме. Оскар — капитан дворцовой стражи, которая одевается в мужскую одежду и ведёт себя как юноша. Главная героиня не является японкой, так как для японской девушки такое поведение считалось недопустимым, а действие произведения разворачивается не в Японии, а во Франции[3].
В течение 1970-х годов аниме начало постепенно проникать в западную культуру, однако зачастую оно было не переведено на соответствующие языки, либо перевод осуществляли поклонники. Те же аниме, которые транслировались по телевидению, обычно подвергались монтажу, так как компании-дистрибьюторы надеялись таким образом сделать сериалы более понятными для неяпонской аудитории. Поклонники часто были недовольны трудностями в приобретении соответствующей продукции[11]. В 1977 году в США был организован первый клуб поклонников японской анимации[12].
1980-е годы. Золотой век аниме

Период 1980-х годов принято называть «Золотым веком аниме»[2]. Среди подростков, родившихся в 1960-х годах и уже знакомых с аниме, возник спрос на более серьёзные произведения, отвечающие их интересам. Благодаря деятельности как молодых аниматоров, так и профессионалов в своём деле аниме-индустрия стала частью не только японской, но и мировой культуры. Развивался также рынок любительских художественных произведений. Впоследствии некоторые его участники (например, группа CLAMP и студия Gainax) сами формировали серьёзные коммерческие объединения[3].
К моменту появления на экранах Space Battleship Yamato и Mobile Suit Gundam происходило зарождение субкультуры отаку (в Японии под данным термином понимается преданный поклонник чего-либо, а за её пределами — поклонник аниме и манги)[3], которая в дальнейшем оказала существенное влияние на развитие индустрии аниме[2]. В начале 1980-х годов в свет вышли сериалы аналогичного жанра, среди которых аниме Waga Seishun no Arcadia(わが青春のアルカディア,Вага Сэисюн но Арукадиа, Russian: «Аркадия моей юности») (1982), снятое по мотивам произведений Лэйдзи Мацумото, Uchuu Taitei God Sigma(宇宙大帝ゴッドシグマ,Утю Тайтэй Годдо Сигума, Russian: «Космический император-бог Сигма») (1980—1981), Uchu Senshi Baldios(宇宙戦士バルディオス,Утю Сэнси Барудиосу, Russian: «Космический воин Балдиос) (1980—1981), Hyakujuu Ou Golion(百獣王ゴライオン,Хякудзю о: Горайон, Russian: «Повелитель ста зверей Голион) (1981—1982). В тот же период был выпущен аниме-сериал Chou Jikuu Yousai Macross(超時空要塞マクロス,Тё Дзику Ёсай Макуросу, Russian: «Гиперпространственная крепость Макросс»), который изначально задумывался как пародия на уже существующие космические оперы, однако сам вошёл в число популярных произведений данного жанра и внёс ряд изменений в каноны жанра меха-сэнтай. Введение в сюжетную линию персонажа Линн Минмэй, популярной певицы, было обусловлено ростом популярности японской поп-музыки среди молодых людей. Песня «Помнишь ли нашу любовь?» в исполнении Мари Идзиды (сэйю Минмэй) занимала призовые места в хит-парадах японской музыки[3]. Поначалу немногочисленные, поклонники редких космических сериалов тех времён и научной фантастики объединялись, находя друг друга по совместным увлечениям и через первые, посвящённые аниме, журналы, такие, как Animage или более поздний Newtype. Само возникновение таких журналов стало откликом на возрастающую популярность аниме во всех слоях населения.
Первые поклонники аниме появлялись также и в других странах, а сама японская анимация начала постепенное вхождение на мировой рынок[3]. Некоторые популярные аниме были импортированы в США и показаны по телевидению (изначально с субтитрами, а позднее в дубляже)[13]. Расхожей практикой того времени была переработка сериала перед показом: так, Gatchaman после первой обработки превратился в Battle of the Planets (1978), вторая же сделала из него G-Force (1986). Знаковый Space Battleship Yamato вышел в Америке в 1979 как Star Blazers. Сериал Robotech (1985) был скомпонован из трёх различных аниме — The Super Dimension Fortress Macross, Super Dimension Cavalry Southern Cross и Genesis Climber Mospeada[13][14]. На этих исправленных и дополненных версиях японских сериалов и росло первое поколение американских отаку.
В начале 1980-х годов создавались сериалы в жанре «фантастической комедии». Одним из первых сериалов данного жанра стал Dr. Slump(Dr. スランプ,Докута: Суранпу, Russian: «Доктор Сламп») (1981—1986), снятый по манге Акиры Ториямы и повествующий о приключениях сумасшедшего учёного Слампа и созданной им механической девушки Арале. В 1982 году в свет вышла одноимённая экранизации манги (in Dutch) Urusei Yatsura(うる星やつら,Урусэй Яцура, Russian: «Несносные пришельцы») (1981—1986), режиссёром которой выступил (in Dutch). Она во многом определила сюжетные линии последующих романтических комедий и характеры героев произведений данного жанра, в частности, наличие в сюжетной линии любовного треугольника. В тот период вышли также романтическая комедия с элементами мистики Tokimeki Tonight(ときめきトウナイト,Токимэки Тунайто, Russian: «Ночные страсти») (1982—1983) и фантастическая комедия Dirty Pair(ダーティペア,Да:ти Пэа, Russian: «Грязная парочка») (1985), главные героини которого стали классическим дуэтом девушки-сорвиголовы и её спокойной подруги. В подобных сериалах основную роль играл юмор, а не реалистичность окружения[3]. Продолжали также выходить аниме-сериалы жанра махо-сёдзё. В начале 1980-х годов вышли в свет такие сериалы, как Mahou Shoujo Lalabel(魔法少女ララベル,Махо: сё:дзё Рарабэру, Russian: «Юная волшебница Лалабель») (1980—1981), Mahou no Princess Minky Momo(魔法のプリンセス ミンキー モモ,Махо: но Пуринсэсу Минки: Момо, Russian: «Принцесса-волшебница Минки Момо») (1982—1983) и Maho no Tenshi Creamy Mami(魔法の天使クリィミーマミ,Махо: но Тэнси Курими Мами, Russian: «Волшебный ангел Крими Мами») (1983—1984). Одной из отличительных черт аниме Mahou no Princess Minky Momo стала смерть главной героини, не имевшая места более ранних аналогах. В Maho no Tenshi Creamy Mami главная героиня Юу Морисава могла превращаться из 10-летней девочки в 16-летнюю девушку, являющуюся популярной певицей; сюжеты с поп-звёздами были обусловлены тогдашними устоями японского шоу-бизнеса. Сюжетная завязка, в которой маленькая девочка магическим образом превращается во взрослую и удачливую девушку, нашла отражение и в более поздних сериалах данного жанра[3].
С течением времени субкультура отаку начала оказывать заметное влияние на создание аниме. Некоторые из первых отаку сами становились режиссёрами и аниматорами, что не могло не сказаться на выпускаемой ими продукции. Например, компания Daicon Films, впоследствии ставшая студией Gainax. Основатели Gainax, будучи отаку, начали свою творческую карьеру с создания коротких аниме-фильмов для участия в конкурсе Daicon Scifi. Впоследствии ими же при финансовой поддержке компании Bandai был снят дорогостоящий фильм Ouritsu Uchuugun — Honneamise no Tsubasa(王立宇宙軍 オネアミスの翼,Орицу Утю:гун — Онэамису но Цубаса, Russian: «Королевские космические силы — Крылья Хоннеамиз») (1987), а спустя год — дебютный проект режиссёра (in Dutch) Top o Nerae! Gunbuster(トップをねらえ!,Топпу о Нэраэ, Russian: «Стремись к вершине! Ганбастер»), сюжетная линия которого содержала множество шуток и пародий[3].
Активно снимались полнометражные анимационные фильмы. Наиболее известными стали детское аниме Unico(ユニコ,Юнико) (1981), научно-фантастический фильм Space Adventurer Cobra Gekijouban(スペースアドベンチャー コブラ, Russian: «Космические приключения Кобры») (1982) и Hadashi no Gen(はだしのゲン,Хадаси но Гэн, Russian: «Босоногий Гэн») (1983). В 1982 году вышел малоизвестный фантастический боевик Future war 198X nen, сюжет которого повествовал о возможной Третьей мировой войне между США, Японией и СССР, и о романе русской девушки Тани и японца Сюна. В фильме Golgo 13(ゴルゴ13,Горуго Са:ти:н), снятом в 1983 году, были впервые применены компьютерные спецэффекты. В эти же годы был снят один из самых известных, классических аниме-фильмов — Kaze no Tani no Nausicaa(風の谷のナウシカ,Кадзэ но тани но Наусика, Russian: «Навсикая из долины ветров») (1984). Режиссёр «Навсикаи», (in Dutch) и его напарник (in Dutch) получили возможность основать собственную студию под патронажем бывшего редактора Animage Тосио Судзуки, назвав её Studio Ghibli. Фильм Kamui no Ken(カムイの剣,Камуи но Кэн, Russian: «Божественный меч») (1985) режиссёра Ринтаро укрепил новый стандарт качества полнометражной анимации. Его сюжет рассказывает о молодом воине, обвинённом в убийстве матери, который путешествует по миру, чтобы отомстить настоящим убийцам. Пик развития полнометражной анимации пришёлся на вторую половину 1980-х годов[3].
Эволюционировали и способы распространения аниме. Помимо традиционного показа сериалов по телевидению появилось отдельное направление сбыта, называемое OVA (English: Original Video Animation, «анимация непосредственно для продажи на видео»)[3]. К середине 1980-х годов оно получило широкое распространение на рынке домашнего видео[15]. OVA-произведения не показывались на телевидении, а сразу продавались на видеокассетах. Впоследствии они оказали существенное влияние на развитие аниме[3]. Первым известным творением данного формата считается научно-фантастический видеосериал Dallos(ダロス,Даросу) (1983—1984), созданный под руководством (in Dutch)[3]. Впоследствии OVA-произведения стали активно использовать для предварительной оценки произведения перед созданием его полнометражной или телеверсии. Многие известные сериалы, Patlabor, например, зарождались как OVA, но впоследствии получали телевизионные или кинопродолжения. С появлением OVA также связано возникновение первых целостных порнографических аниме, хентая, таких как Lolita(ロリータアニメ,Рорита) (1984) и Cream Lemon(くりいむレモン,Кури:му Рэмон, Russian: «Сливки первой ночи») (1984—1986) — до этого их авторов сдерживали рамки цензуры телевидения и кинотеатров[3]. Второй сериал, сочетающий в себе эротику и пародию на популярную мангу и аниме, приобрёл значительную популярность, и благодаря высокому уровню продаж по его мотивам были сняты различные побочные OVA-серии; а слово «лимон» стало обозначать любительские пародии на сексуальную тематику[3].
К середине 1980-х годов в Японии уже существовало большое количество анимационных студий, а сама индустрия аниме пополнялась новыми мастерами. После выхода фильма «Навсикая из Долины ветров» интерес к полнометражным фильмам возрос как среди зрительской аудитории, так и среди аниматоров. В 1986 году вышли Tenkuu no Shiro Laputa(天空の城ラピュタ,Тэнку: но сиро Рапюта, Russian: «Небесный замок Лапута») режиссёра Хаяо Миядзаки, пародийный фильм Project A-Ko(プロジェクトA子,Пуродзэкуто A-Ко) и фильм в жанре паропанк «Виндария». В дальнейшем производство аниме-фильмов сократилось, однако увеличился выпуск OVA-сериалов[3]. В 1988 году произошло известное событие в истории полнометражной анимации — мангакой Кацухиро Отомо был снят фильм Akira по мотивам собственной манги. Благодаря техническому исполнению и запутанному сюжету данный фильм произвёл огромное впечатление на весь мир. В 1989 году Миядзаки выпустил полнометражный анимационный фильм Majo no Takkyuubin(魔女の宅急便,Мадзё но Таккюбин, Russian: «Ведьмина служба доставки»), снятый по мотивам детской книги «Служба доставки Кики». Сам фильм представлял собой цельную историю о жизни ведьмы Кики, занимающейся доставкой почтовых посылок, тогда как книга являлась сборником отдельных рассказов о её жизни[3].
Во второй половине 1980-х годов выпуск научно-фантастических аниме пошёл на убыль[3], а среди японских анимационных лент преобладали произведения жанра киберпанк. Обычно в таких аниме изображался антиутопический мир будущего, которым управляет искусственный разум. В 1987 году в свет вышла OVA Black Magic M-66(ブラックマジック, Russian: «Чёрная магия М-66»), снятая по мотивам одноимённой манги (in Dutch), а также начался выпуск сериала Bubblegum Crisis(バブルガムクライシス,Бабуругаму Кураисису, Russian: «Кризис каждый день») (1987—1991), который сразу после выхода стал классикой жанра киберпанк. Год спустя были экранизированы ещё два произведения Сиро — Appleseed(アップルシ－ド,Аппуруси: до, Russian: «Яблочное зёрнышко») и Dominion: Tank Police(ドミニオン) (1988—1989), кроме того, начала выходить OVA под названием Kidou Keisatsu Patlabor(機動警察パトレイバ,Кидо Кэйсацу Паторэйба, Russian: «Мобильная полиция Патлейбор») (1988—1989), которая по жанровой принадлежности относилась и к киберпанку, и к меха-сэнтаю[3]. Некоторые из созданных в то время анимационных телесериалов приобрели значительную популярность и были успешны в коммерческом плане. Таковыми стали Dragon Ball(ドラゴンボール,Дорагон Бо:ру, Russian: «Жемчуг дракона») (1986—1989), Saint Seiya(聖闘士星矢,Сэйнто Сэйя, Russian: «Святой Сэйя») (1986—1989), Kimagure Orange Road(きまぐれオレンジ☆ロード,Кимагурэ Орэндзи Ро:до, Russian: «Капризы Апельсиновой улицы») (1987—1988) и «Ранма ½»(らんま½,Ранма нибун-но ити) (1989). Кроме того, зрительская аудитория начала проявлять интерес к сэйю, озвучивающим персонажей аниме — после выхода «Ранма ½» (in Dutch) стала одной из наиболее популярных актрис озвучивания[3]. Поздние 1980-е годы стали для аниме временем высокобюджетных и экспериментальных произведений. В 1985-м при поддержке Тосио Судзуки вышел новый фильм Мамору Осии, «Angel's Egg». Формат OVA также позволил опубликовать многие короткие нестандартные произведения, например «Take the X Train», «Neo-Tokyo» и «Robot Carnival» (все — 1987 года выпуска).
Кинокартины становились всё более амбициозными, раз за разом стараясь превзойти друг друга, и достигнуть высот популярности и значимости «Навсикаи». Среди самых заметных фильмов тех лет — «Night on the Galactic Railroad» (1985), «Tale of Genji» (1986) и «Grave of the Fireflies» (1987), все основанные на известных произведениях японской литературы. Успех отдельных фильмов привёл к увеличению финансирования прочих проектов, и появлению таких высокобюджетных творений, как «Char's Counterattack» (1988) и «Arion» (1986). Кульминацией затрат на создание аниме-лент стали два самых дорогостоящих на тот момент аниме-фильма: «Wings of Honneamise» (1987) и «Акира» (1988).
Большая часть этих фильмов, однако, не окупилась в прокате. И «Акира», и «Wings of Honneamise» провалились по сборам во время своего первого показа в кинотеатрах. Кризис вложений, возникший вследствие таких удручающих результатов, стал причиной закрытия многих аниме-студий, другим же пришлось отказаться от экспериментов, и вернуться к проверенным временем решениям и сюжетам. Одна из немногих безболезненно перенесла спад финансирования Studio Ghibli, с завидным постоянством выпуская пользующиеся успехом фильмы. Очередная их лента, «Kiki's Delivery Service», вышедшая в 1989, заняла первое место по кассовым сборам в том году, собрав более 40 миллионов долларов за время показа в кинотеатрах.
Несмотря на провал в японском прокате фильма «Акира», за пределами страны его ждал успех. Будучи показан во многих странах Европы и Америки, фильм стал весьма популярен, и даже до некоторой степени представлял собой на Западе японскую анимацию тех лет. Со смертью же Осаму Тэдзуки в 1989, финансовым кризисом и увеличением международного интереса к аниме, период, называемый «золотым веком» принято считать законченным.
1990-е годы
К началу 1990-х годов стилистика аниме претерпела изменения. Оно стало боле изящным, и при этом производители увеличили средства на его создание. Широкое распространение получил стиль «кавайи»[3]. Одним из первых сериалов в этом стиле стало аниме Fushigi no Umi no Nadia(ふしぎの海のナディア,Фусиги но Уми но Надиа, Russian: «Надя с загодочного моря») (1990—1991) режиссёра Хидэаки Анно, сюжет которого частично опирался на романы Жюля Верна «20 000 лье под водой» и «Пять недель на воздушном шаре». В 1991 году вышел ещё один OVA-сериал 3×3 Eyes режиссёра Дайсукэ Нисио. В данном аниме имеет место полная зависимость главного героя Якумо от девушки Пай, которая вернула ему жизнь — в японской культуре подобное положение дел считается позором для мужчины[3]. В 1992 году выходит OVA Bannou Bunka Nekomusume(万能文化猫娘,Банно: Бунка Нэкомусумэ, Russian: «Современная универсальная девушка-кошка») (1992—1994), главной героиней которого является девушка-андроид Нуку-Нуку, созданная для защиты главного героя Рюносукэ. Героинь 3×3 Eyes и Bannou Bunka Nekomusume озвучивала Мэгуми Хаясибара[3]. Появился также новый вид — аниме, созданное по мотивам игр[3].
В начале 1990-х годов в Японии возрос интерес к произведениям жанра фэнтези. Так, режиссёр Сигэто Макино и студия Madhouse создали аниме Lodoss-tou Senki(ロードス島戦記,Ро:досу то: Сэнки, Russian: «Летопись войн острова Лодосс») (1990—1991) по мотивам романа Рю Мацумото. Мир данного художественного произведения был создан под влиянием творчества Джона Р. Р. Толкина и японских легенд о древних героях и чудовищах. Внешность эльфийки Диидлит стала образцом облика эльфа в манге и аниме[3]. С 1991 года начали выходить в свет фильмы серии Arslan Senki(アルスラーン戦記,Арусура:н Сэнки, Russian: «Летопись войн Арслана») (1991—1995), созданные по мотивам романов Ёсики Танаки. Тогда же вышел и OVA-сериал RG Veda(聖伝, Russian: «Риг-Веда») (1991—1992) по мотивам одноимённой манги группы CLAMP[3]. Вышедший в 1992 году OVA-сериал Bastard!! был в большей степени ориентирован на юношескую аудиторию. Сеттинг данного аниме отличался сложной системой магических заклинаний, которая впоследствии легла в основу многих аниме в жанре фэнтези. Также в сериале используется типичный элемент аниме и манги, когда персонаж при использовании боевого приёма вслух произносит его название[3]. В OVA Dragon Half (1993) сочетались фэнтези и современность; данное сочетание сыграло большую роль в дальнейшем развитии стилистики аниме[3]. Подъём жанра киберпанк прекращается в связи со снижением популярности, однако соответствующие аниме всё ещё продолжают выпускаться: Cyber City Oedo 808(サイバーシティ OEDO 808,Сайба: Сити О:эдо Хатимарухати, Russian: «Кибер-город Эдо 808») (1990—1991), Roujin Z(老人Z,Ро:дзин Дзэтто, Russian: «Старик Зет») (1991), Gunnm(ガンム,Гамму, Russian: «Сны оружия») (1993)[3]. В 1995 году выходит анимационный фильм «Призрак в доспехах», завоевавший большую популярность[11].
Продолжали выходить аниме жанра сёдзё: Kingyo Chuiho!(きんぎょ注意報!,Кингуо Тюихо!, Russian: «Осторожно! Золотая рыбка!») (1991—1992), Mamono Hunter Youko(魔物ハンター妖子,Мамоно Ханта: Ё:ко, Russian: «Ёко — охотница на демонов») (1991—1995), Oniisama e…(おにいさまへ…, Russian: «Уважаемый старший брат») (1991—1992), Hime-chan no Ribbon(姫ちゃんのリボン,Химэ-тян но Рибон, Russian: «Ленточка Химэ») (1992—1993). Одним из важнейших событий в истории данного жанра стал выход в 1992 году анимационного сериала Bishoujo Senshi Sailor Moon(美少女戦士セーラームーン,Бисё:дзё Сэнси Сэ:ра: Му:н, Russian: «Красавица-воин Сейлор Мун») (1992—1993), в котором сочетались жанры махо-сёдзё и сэнтай, так как героинь, обладающих волшебными силами, теперь было пятеро[3]. В этот же период в свет вышел сёдзё-сериал «Мальчик-мармелад»(ママレード・ボーイ) (1994—1995), особенностью которого стали сложные романтические отношения большого количества персонажей. Данное аниме отличается реализмом — костюмы персонажей рисовались по образцу достижений подростковой моды того периода[3]. Одними из самых значительных OVA-сериалов того периода стали Tenchi Muyo!(天地無用!,Тэнти Муё:!, Russian: «Тэнти — лишний!»), который изначально задумывался как пародия на «Звёздные войны», и Aa! Megami-sama(ああっ 女神さまっ,Аа! Мэгами-сама!, Russian: «Моя богиня!»), где присутствует тема предназначения персонажей друг другу[3]. Хаяо Миядзаки и Исао Такахата продолжали создание полнометражных анимационных фильмов на студии «Гибли»: «Ещё вчера» (1991), «Порко Россо» (1992), «Помпоко: Война тануки» (1994)[3].
После всплеска популярности предыдущих лет к началу 1990-х годов аниме переживало кризис финансирования[3]. Бюджеты занижались и многообещающие проекты сворачивались за недостатком средств. Снижалось качество аниме-сериалов и фильмов, связанное с возвратом к проверенным временем сюжетам и конструкциям; сериалы становились короче — нормой стали аниме из 13 или 26 серий, хотя ранее эта цифра считалась минимальной[3][3]. Продюсеры не хотели рисковать, поддерживая дорогостоящие экспериментальные фильмы.

В 1995 году выходит ставший впоследствии культовым телесериал «Евангелион»[3]. Его режиссировал (in Dutch) из студии Gainax. Сериал продолжает развитие концепций жанра меха — присутствующие в нём роботы сочетают в себе как механические детали, так и биологическую материю; в сюжете также есть намёки на божественное происхождение Евангелионов[9]. В сериале сочетаются идеи и мотивы, интересные как поклонникам аниме, так и более широкой аудитории[3]. В том же году вышли два других сериала — «Рубаки» режиссёра Такаси Ватанабэ, повествующий о приключениях волшебницы Лины Инверс, и Bakuretsu Hunter(爆れつ ハンター,Бакурэцу Ханта:, Russian: «Неистовые охотники») (1995—1996). Во всех трёх сериалах отсутствует чёткая грань между Добром и Злом — каждый из героев имеет свои недостатки и преследует личные цели[3].
Будучи вначале поставлен в детский таймслот, «Евангелион» был крайне непопулярен, несмотря на изначальную свою принадлежность ко вполне симпатичному детям меха. Несколько серий спустя таймслот был изменён, и в своём новом качестве Евангелион неожиданно завоевал внимание публики. В короткие сроки сериал стал невероятно известен в Японии, а вскоре и среди поклонников аниме по всему миру. Рассказанная сумбурно, скомкано, с использованием множества артхаусных приёмов история бегущего от реальности мальчишки оказалась принята так хорошо, что десять лет спустя объёмы продаж сопроводительных товаров — фигурок героев, коллекционных предметов — всё ещё достаточно велики.
Влияние «Евангелиона» на аниме-индустрию было столь велико, что породило даже ряд так называемых «пост-Евангелион» сериалов. Большинство из них также относятся к жанру меха и имеют какой-либо религиозный, философский или психологический подтекст. Примерами таких сериалов могут служить «RahXephon», «Brain Powered» и «Gasaraki». Ещё одна порождённая «Евангелионом» — или, по крайней мере, получившая благодаря этому сериалу второе дыхание, — стилизация сериалов — это «психоделика», странные или крайне необычные, спорные сериалы. После выхода «Эксперименты Лэйн» (1998) полуночное телевидение стало плацдармом для обкатки многих экспериментальных сериалов. Среди последних «Boogiepop Phantom» (2000), «Texhnolyze» (2003) и «Агент Паранойи» (2004).

2000-е годы

В последние годы в развитии аниме наблюдался очередной период активного роста. Аниме стало повсеместно популярным за пределами Японии, вызвав развитие соответствующей субкультуры во многих странах. Выросло как число дистрибьюторов аниме, так и количество компаний, его выпускающих. Объём их выпускаемой продукции возрастает, причём зачастую не в ущерб её качеству. Повышается общий уровень качества анимации, для создания аниме и манги активно используются компьютерные технологии.
Несмотря на то, что первые фирмы, лицензирующие и распространяющие аниме на территории США, появились задолго до этого, конец 1990-х и начало 2000-х годов ознаменовались усилением позиций этих компаний и увеличением их количества. На американском рынке ситуация с лицензированием аниме стала такой, что большая часть аниме-продукции лицензируется и издаётся в пределах года с момента её выхода на экраны в Японии. Подобная заинтересованность в аниме сказывается на его финансировании в Японии: многие дистрибьюторы, например Geneon, спонсируют создание отдельных аниме-сериалов и фильмов. Ситуация с лицензированием аниме в России также изменилась в лучшую сторону: за последние годы фактически с нуля возникли несколько крупных российских компаний, закупающих лицензии и распространяющих аниме.
С развитием компьютерных технологий в аниме всё чаще используется компьютерная графика. В последнее время трёхмерные анимационные вставки появляются даже в не слишком масштабных проектах. Существует аниме, целиком созданное при помощи этих приёмов. Например, «Gantz» (2004) комбинирует двумерных персонажей переднего плана с полностью трёхмерным окружением, наследуя это у одноимённой манги, созданной таким же образом. 
Менее заметным на первый взгляд, но гораздо более важным достижением стал полный переход на компьютерную обработку графики. Сегодня графика практически любого аниме переводится после отрисовки в компьютерный формат, либо рисуется сразу при помощи графических планшетов. Вся работа по комбинации изображений, созданию анимации, наложению звука и музыки проводится в цифровой форме. Перевод видео на плёнку может быть выполнен лишь на последнем этапе; впрочем, с развитием телевидения, и это сегодня подчас не требуется.
С увеличением числа производимых сериалов повышается и количество нестандартных, экспериментальных лент. Обычная для аниме свобода творчества режиссёра даёт возможность воплощать в жизнь самые неожиданные идеи. Однако не убывает и число традиционных сериалов, сделанных по всем канонам жанров. Часто такие произведения даже вырождаются в шаблонное творчество, не представляющее собой, по мнению многих, ничего стоящего. Тем не менее, некоторые сериалы, выглядящие полностью стереотипно, оказываются, в итоге, весьма необычны, и обретают немалую популярность. Таковы, например, «Love Hina» (2000) и «School Rumble» (2005).
Растущая популярность, с другой стороны, стала причиной возникновения такого явления, как аниме, направленное исключительно на аудиторию отаку. После невероятного успеха «Евангелиона» 90-х годов многие студии пробовали себя в создании сериалов, которые могут стать для поклонников японской анимации «классикой». Другое направление развития, активно используемое в последнее время — фансервис. В видеоряд такого аниме встраивают кадры эротического содержания или даже посвящают эротике целиком весь сериал, сохраняя при этом некий сюжет. Примерами аниме с ярко выраженным фансервисом такого рода могут служить «Жаркое лето» (2003) и «Hand Maid May» (2003). Иногда аниме базируется на популярных японских эротических видеоиграх в жанре «симулятор свиданий», однако такие экранизации могут быть и вполне серьёзными работами, как например «Kanon» (2002).
Ещё один вариант фансервиса — упоминание в сериале культуры отаку, в некоторых случаях — демонстрация их «необычности» и «отстранённости от остального мира». Зародившееся ещё в 1980-е годы с «Otaku no Video» студии «Gainax» направление в последние годы пополнилось несколькими достойными работами, подчас исследующими отаку на вполне серьёзном уровне. Например «Genshiken» (2004) целиком посвящён субкультуре поклонников японской развлекательной продукции.
Ещё одним необычным феноменом последних лет стал японский аниматор (in Dutch), создавший свои первые короткометражные аниме-фильмы «She and Her Cat» (1999, 5 мин.) и «Голос далёкой звезды» (2002, 30 мин.) в одиночку или при помощи своего друга. Получив, таким образом, внимание общественности и финансирование, в 2004 году он выпустил полнометражный полуторачасовой фильм «За облаками» («Beyond the Clouds, the Promised Place»). Другим примером «ручной» работы на фильмом стало творчество лауреата Оскара за 2009 год Кунио Като. Его фильмы имеют философский подтекст и предназначены для взрослой аудитории. Ярким явлением стали фильмы режиссёра Мамору Хосоды «Девочка, покорившая время», «Летние войны» и «Волчьи дети Амэ и Юки».
См. также

История мультипликации
История кинематографа
История манги
Манга
Примечания

Литература
на русском языке

на английском языке

Ссылки
 — мини-энциклопедия аниме и манги, содержащая большое количество статей по истории аниме.
 — книга Б. Иванова на его официальном сайте.

Категория:Аниме
Аниме