1995年の落馬事故によって半身不随となったクリストファー・リーヴの俳優復帰作である。アルフレッド・ヒッチコック監督の映画『裏窓』の主人公が足を骨折したカメラマンであるのに対し、リーヴ演じる本作の主人公は事故によって四肢麻痺となった建築家と設定されている。主人公がリハビリテーションに取り組む場面はリーヴの実体験に基づいている。撮影はニューヨーク州ホワイト・プレインズのバーク・リハビリテーション・センターや、ニューヨーク州ヨンカーズにあるオーチス・エレベータ・カンパニー社の倉庫などで行われた。
カメラマンのジェフは事故で足を骨折し、車椅子生活を余儀なくされる。そんな彼にできる楽しみは、カメラの望遠レンズを使って裏窓から見る隣のアパートの住人達の人間模様の観察であった。ある日、いつも口喧嘩が絶えなかった中年夫婦の妻が突如として姿を消す。セールスマンらしい夫の怪しい挙動を観察していたジェフは、数々の状況証拠から殺人事件と確信。恋人リザと共に調査に当たる。事件を認めない友人の刑事を納得させるため、確たる証拠を掴もうとする2人に危機が迫り……。
2010年と2011年、有料、無料イベント双方で1日で6万5千人の来場があった。2000年、2千枚のチケットは完売。客層は幅広く、幼児から高齢者までカナダ、フランス、オーストラリア、ドイツ、イギリス、中国、日本、ロシアなど41カ国から集まった。2001年の移転から来客数は飛躍的に伸び、2002年は12万6千人が来場。翌年は出演者が減ったため来場者も少々減少したが、1.7%の減少にとどまり、全米の旅行者数が25%も減ったことに比べたらそれほど大きな減少ではない。来場者の減少は一時的なもので、2007年には19万1千人が来場して記録を更新した。
カントリーミュージック協会主催のCMAミュージック・フェスティバルでは4日間のカントリー・ミュージックのコンサートが行なわれ、ミュージシャンとファンとの交流の場でもある。毎年400組以上のアーティストが参加し、ナッシュビル・コンヴェンション・センターでは計30時間以上ファンとの写真撮影に応じたり、挨拶程度ではあるが会話をしたりする。この期間中、多くのアーティストのファンクラブがアーティストとの会合を設けたりする。リヴァーフロント・パークやニッサン・スタジアムなどでのべ150時間のコンサートが行なわれる。2001年まではレコード会社によって出演できるアーティストや出演時間を決められたが、2001年からソニー、WEA/EMI、ユニ・レコード、BMGでメイン・ステージを分配されるようになった。アーティスト達には時間厳守を言い渡されており、2007年、マルティナ・マクブライドが語ったところによると34分間のステージで「30分でも35分でもなく絶対34分」だったそうである。この期間中のコンサートを含むイベントはアーティスト達は無給である。毎年、収益の半分(2001年は20万ドル)はチャリティとして寄付され、残りの半分はCMAによりカントリー・ミュージックの発展に充てられる。
CMAミュージック・フェスティバル(CMA Music Festival )はアメリカ合衆国テネシー州ナッシュビルにあるカントリーミュージック協会（CMA）により毎年6月に行なわれるカントリー・ミュージックの4日間の音楽祭。1972年にファン・フェアとして始まり、現在では400組ものアーティストやセレブリティがライヴを行なったり、特別なチケットを持った来場客と写真を撮ったりする。2011年、有料、無料イベント双方4日間のべ25万人以上が来場。全米50州の他、41カ国から来場したとされる。
高校卒業後プロサッカー選手を目指し、単身ブラジル長期留学。帰国後、日本でブラジル式プロサッカー選手育成センター(FC COJB) にてトレーニングを受ける。その後、再度ブラジルへ短期留学。2005年より俳優を始める。
恋次が現世に行っている間は代わりに副隊長定例会に出席したり、ルキアの不在時には女性死神協会の定例会に出席する素振りも見せるなど、かなり仕事熱心な一面も描かれている。しかし、日番谷・京楽・浮竹との合同任務では他隊の隊長が様々な理由で来られないのに対し、白哉だけは「家の鯉の面倒を見ないといけないから」という貴族ならではの理由で赴かなかった。口うるさいやちるを菓子などでいとも簡単に黙らせたり、変な質問にも真面目に回答するため、周囲の人を戸惑わせたり笑わせたりすることも。「千本桜で髪を切った」という普段は口にしない冗談を言って恋次を驚かせたこともある。ちなみに習字教室を開いている。オフィシャルブックでは一度、牽星箝を携帯電話としてお笑いのネタにしたことも（全くウケなかったが）。
調性感のある音楽は、15世紀後半まで遡ることができるが、本来の意味における（すなわち機能和声法に基づく）調性音楽は、17世紀に実践的に形成され、18世紀に理論化されて発達を遂げ、19世紀に様々なかたちで高度に応用されるようになった。見方を変えると、19世紀は調体系の変質・崩壊の時期でもあり、エンハーモニック転調と準固有和音・借用和音・偶成和音の多用（シューベルト、ショパン）、不協和音の解決の遅延または未解決（ワーグナーのトリスタン和音）、旋法（教会旋法・民族旋法）による旋律線と半音階的和声法の結合（ショパン、ロシア五人組、グリーグ、フォーレ）によって、調性の概念が拡張されていった。たとえばショパンの《スケルツォ第3番》の導入部のパッセージや《ピアノ・ソナタ第2番》のフィナーレは、「調性の破壊・否定」が意図されたわけではないにせよ、結果的には調性感がほとんど生じない。伝統的な調性からの逸脱としてしばしば言及される、ワーグナーの楽劇『トリスタンとイゾルデ』（1859年）や、ドビュッシーの『牧神の午後への前奏曲』（1894年）、シェーンベルクの『浄められた夜』（1899年）の場合も、破壊や否定の意図があったわけでなく、何らかの衝動によって豊かな表現の可能性を追究した結果、調性の拡張・簡略化が付随したに過ぎない。