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門倉甲が仮想空間で目覚めたとき、そこは戦場だった。記憶をなくしてしまった甲は、訳もわからぬままそこにいた女性、レインの導きで仮想空間から現実世界に脱出する。しかし、自分がまだ学生であると思っていた甲の目の前に現れた現実世界は平和だったはずの世界とは似ても似つかぬ荒廃した都市だった。自分は平和な世界で星修学園に通う学生だったはず。再従姉妹である亜季が住む如月寮で、悪友の雅や千夏、幼なじみの菜ノ葉、そして空と真の姉妹達と楽しく過ごしていたはず。しかしそんな甲に突きつけられた「今」の現実は、自分がすでに学生ではなく、自分が忌み嫌っていた、父親と同じ「傭兵」として、そして凄腕のシュミクラム乗りとして、部下のレインと共に戦場を駆け巡っているというものであった。自分を戦場へと導いたものがなんだったのかすら思い出せない甲だったが、レインの導きと外科医・ノイの治療によって少しずつ記憶の断片を取り戻しながら、自らの過去と現在に起こった事件を知り、そして隠された真相に近づいてゆく。
BALDRシリーズ特有のアドベンチャーゲーム＋2Dアクションゲームという構成になっている。アドベンチャーパートについても主人公の過去・現在の二つの視点で物語が展開され、さらに、それぞれのパートでも現実世界での出来事とネット上の仮想空間の出来事が存在するという重層的な構造になっている。Dive1、2ともに攻略ルートは固定されており、レイン→菜ノ葉→千夏→亜季→真→空の順に解放される。それぞれのルートで全ての謎が明かされることはなく、ルートが進むにつれ徐々に解き明かされていき、最終ルートである空ルートで全ての真相が明らかになるという仕組みになっている。また、前作では所々で触れられるだけだった並行世界の概念が、今作では物語の根幹に組み込まれている。
例えば、「xは高々2である」という表現は「xは多くとも2である」こと、すなわち「x≦2」を意味する。同様に「高々可算(at most countable)」は「有限個（1つもないというケースを含む）または可算無限個である」ということを意味する。これについては通常「可算以下」といった表現はしない。単に「可算」と言った場合も、数え上げることができるという意味で「高々可算」と同じ意味である場合もあるが、「可算」が可算無限のみを意味する場合もあるので、有限個でもよいということを明確に示したい場合に「高々可算」という表現が好まれる。
日常語での「高々」は、「あまり多くはない」というニュアンスを持つが、数学における「高々」は、「高々可算」の用例があるように無限に存在する場合でさえ用いられ、否定的なニュアンスはほとんどない。また、日常語ではそのニュアンスを重視するため、数学における厳密な意味を持たない場合もある。例えば、1000人収容の会場に「客は高々100人だろう」と予想したとして、実際の客の入りが101人であれば、日常的には非常によい予想だったと受け止められるが、数学的には偽の命題とされる。
最近とあるマンションに引っ越してきた「彼女」に関する街頭インタビューから、物語は始まる。人々が「彼女」に抱く印象はさまざまで、「料理が得意」「無賃乗車でトラブルを起こした」「お天気屋」「古美術への造詣が深い」「さまざまなジャンルの本を読む」「ぶっきらぼうに電話に出る」「そそっかしい」など一定しない。当の「彼女」は、引っ越してきたばかりの部屋にて荷解きの最中で、無数の付箋が貼られたコルクボードを取り出しているのだった。
カラクムルで人が定住したのは先古典期中期で、後期には巨大なピラミッド型の「建造物II」が建てられている。カラクムルの名は、もうひとつの「建造物I」と併せて「2つの隣り合うマウンド」が存在することを意味するが、古典期には「蛇」を意味する「カーン」(Kaan) ないし「カン」(Kan) と呼ばれていたことが紋章文字から推定されており、その出現頻度は当時の権勢の傍証になっている。先古典期の様子は直接的な文字資料を持たないが、他地域の遺跡との比較などを踏まえて、相応の権力基盤が成立していたものと推測されている。その後、古典期前期には離れた都市にも支配を広げていたことが読み取られているが、カラクムル自体にはその頃に属する石碑は2つしかない。その後、トゥーン・カブ・ヒシュ王の治世（6世紀前半）以降、領地拡大が顕著になり、広い範囲を勢力におさめていく。ことに南のカラコルによるティカルに対する勝利（562年）およびその後のティカルの停滞には、カラクムルが大きく関わっていたとされる。カラクムルはその後も勢力を拡大し、パレンケを2度破り、ナランホを攻略して最終的に支配下に置き、ティカルに対しても更なる干渉によって弱体化を狙った。しかし、ティカルに喫した大敗（695年）を境にマヤ南部唯一の超大国としての地位から陥落し、徐々に勢力を弱めてゆく。そして542年から909年までに16人を数えたカラクムルの王統は、909年と推測される石碑に刻まれたアフ・トーク王を最後に、以降確認できなくなる。一般に10世紀末を以ってカラクムルは放棄されたと見なされている。カラクムルでは1450年から1550年の儀式の跡なども見つかっているが、密林に覆われて長らく忘れ去られていた。1931年にサイラス・ランデルが発見した後も、その研究はなかなか進展しなかった。しかし、20世紀の第4四半期になると、紋章文字の研究や関連遺跡の碑文の研究が進展した結果、カラクムルの重要性が大いに注目されることとなった。
1972年にカラクムル遺跡は文化財保護関連の法令によって保護され、1989年5月に周辺の自然環境が生物圏保護区に指定された。世界遺産には、まずカラクムル遺跡のみが推薦された。推薦された範囲でもごく一部しか解明されていない状態ではあったが、世界遺産委員会の諮問機関である国際記念物遺跡会議 (ICOMOS) は、カラクムルがマヤの主都の一つであるとともに、その建造物群が地域の政治的・宗教的生活様式や12世紀にわたる発展様式をよく示していること、その記念碑群が美術的にも優れていることなどからその顕著な普遍的価値を認め、「登録」を勧告した。そして、2002年の第26回世界遺産委員会にて、正式登録を果たした。当初の面積は3,000 ha、緩衝地域は147,195 ha であった。その後、2001年に暫定リストに記載されていたカラクムル生物圏保護区も含む拡大推薦が、2013年1月23日に行われた。その推薦範囲は、当初の面積の110倍以上にもなる331,397 ha となった。その推薦を受けて、ICOMOSは大幅に拡大された面積には250箇所もの関連遺跡があるものの、その範囲内にある遺跡で価値の証明に必要な遺跡が全て含まれているかどうかの証明が不十分として、「登録延期」を勧告した。他方、自然遺産関連の諮問機関であるIUCNは、生態系や生物多様性の潜在的価値を認めつつも、カラクムル生物圏保護区全体の半分ほどに設定された推薦範囲で完全性を満たしているかなどを疑問視し、範囲の再考も含めて「登録延期」を勧告した。これらの審議を踏まえた第38回世界遺産委員会（2014年）では、委員国の関心は自然遺産の要素を認められるかに集中し、文化遺産の拡大範囲の適切性は論点とならなかった。そして多くの委員国は生物圏保護区に指定されていることからその価値に好意的で、拡大を承認する意見が相次いだ。その結果、世界遺産の範囲の設定には今後の再検討の余地がある旨が付記されたものの、逆転での登録を果たした。この拡大登録以前にも、オフリド地域の自然・文化遺産、セント・キルダ、トンガリロ国立公園、ウルル＝カタ・ジュタ国立公園、リオ・アビセオ国立公園、ンゴロンゴロ保全地域など、拡大によって複合遺産になった事例は存在した。しかし、それらはいずれも自然遺産として登録されていた物件の文化的価値が追認されたものであった。それに対し、カラクムルは文化遺産が拡大されて複合遺産となった最初の例である。また、メキシコの世界遺産としては、初の複合遺産でもある。
世界遺産に拡大登録された2010年代半ばの時点では、カラクムル行きの公共交通機関はない。そのため、カラクムルへの観光には、カンペチェ市の旅行会社が主催しているツアーに参加するか、カンペチェからバスで4 - 5時間の場所にあるシュプヒルの町でタクシーを用意することになる。カラクムル生物圏保護区の入り口に辿り着いても、そこから都市遺跡までは60 km 程度離れている。しかも、域内の物販はガイドブックとミネラルウォーターくらいしかない上、出土品の展示館などもなく、出土品を見るにはカンペチェ市内のサン・ミゲル砦考古学博物館に行く必要がある。マヤ文明の遺跡には密林にあっても観光名所としてのインフラ整備が進んでいる例もあるが、カラクムルはそれとは対照的である。カラクムルは2002年に文化遺産になっていたにもかかわらず、2014年の時点でさえも都市遺跡を訪れる観光客は月300人とされていた（生物圏保護区そのものの訪問者は、2012年の時点で年25,000人）。しかし、このような訪問のしづらさも、むしろ逆にエコツーリズムの面から積極的に評価しようとする見解もある。
有田 正光（ありた まさみつ、1950年4月13日 - ）は、日本の水理学者。東京電機大学理工学部建設環境工学科教授。専攻は水理学（環境水理学）、河川水理学、海岸水理学。もともと河川や海岸の専門家だが、最近は環境問題を広範囲に取り扱う。
江吏部集（ごうりほうしゅう）は、平安時代の文人である大江匡衡の詩文集。
「江吏部」とは匡衡が大江氏であったことと、式部省の官人であったことから式部の唐名である「吏部」に由来する。寛弘8年（1011年）前後に成立。詩133首、詩序29首、和歌1首、和歌序1首を含む。全3巻。収録されている作品は部類別15門に分類し配列されており、中国の類書や千載佳句を手本としたと考えられている。平安期文人で詩文集が現存する数少ない事例で、内閣文庫本、静嘉堂文庫本はじめ20ほどの近世を中心とする写本が現存している。最古の古写本は宮内庁書陵部所蔵本で、抄出本であるが奥書によれば大永6年（1526年）7月に「禁裏御本」を書写したものであるという。また、匡衡の漢文については47首が『本朝文粋』に収録されている。
兵庫県加古川市出身。実兄に早稲田大学教授で経済学者の小西秀樹がいる。兵庫県立加古川東高等学校を経て1988年、関西学院大学文学部に進学。在学中ラクロス部の結成に関わり初代主将に就任。日本代表選手にも選出された。当時の代表メンバーの仲間にテレビ東京アナウンサーの佐々木明子がいた。関西学院大学卒業後の1992年、讀賣テレビ放送に報道記者として入社し、阪神・淡路大震災、和歌山毒入りカレー事件の取材を担当。司法担当だった時には、当時少年事件を担当していた弁護士大平光代を取材、ドキュメンタリー番組を制作。2000年に出版された大平の自伝『だから、あなたも生きぬいて』（講談社）において、あとがきを執筆した。また2001年よりNNNロンドン支局に特派員として派遣され、ヨーロッパや中東を中心に海外レポートを発信した。特に、アメリカ同時多発テロ以後の英ブレア外交、イラク、パレスチナなど中東情勢を取材。その傍ら、サッカーのスター選手だったデービッド・ベッカムに1年4か月間継続取材し、日本での人気爆発にも一役買った。2004年に帰国後ロンドン支局を開設していた日本テレビへ出向となり、政治部記者として取材活動を行う傍ら、『ズームイン!!サタデー』ニュース担当などで番組にキャスターとして出演。2005年度改編で『NNNニュースプラス1』サブキャスターに就任し、番組内の討論コーナー『爆論！言わせてもらうぞ』の進行役を担当した。2006年4月、正式に日本テレビ社員となり、引き続き『プラス1』の後継番組『NNN Newsリアルタイム』サブキャスターに就任。また日本テレビの多チャンネル戦略に伴い地上波以外にも登場するようになり、日テレNEWS24の『闘論〜TALK BATTLE〜』のメインキャスターにもなった。その後は改編の都度担当を変えながらも報道担当を続けた。2010年『news every.』サブキャスター就任、ニュージーランド地震、東日本大震災などを取材。2013年2月23日、担当していた『ズームイン!!サタデー』のエンディングにて、結婚したことを公表。同年9月30日開始のBS日テレ『深層NEWS』で、2016年12月23日までメインキャスターを担当していた。2017年6月より『news every.』に復帰。平日月曜日から金曜日の第1部に出演。解説委員として、「ナゼナニっ？」のコーナーを担当。
1992年のアフリカネイションズカップではガーナをPK戦の末11-10で破り優勝を果たす。2006 FIFAワールドカップにアフリカ予選でカメルーンを抑えて本大会初出場を果たした。そして本大会では結果こそグループリーグ敗退だったものの、アルゼンチン、オランダには敗れたものの、セルビア・モンテネグロには3-2で初勝利を記録した。南アフリカW杯では、初戦でポルトガルに0-0と引き分け、2戦目のブラジル戦は1-3で敗れた。3戦目の北朝鮮戦は3-0で勝利するものの、1勝1敗1分の3位でグループリーグ敗退となった。2014 FIFAワールドカップでは初戦で日本に2-1で勝利したものの、2戦目のコロンビアには1-2で敗れた。勝てば（日本は最終戦で勝利しなかったため、厳密には引き分け以上で）グループリーグ突破となる3戦目のギリシャ戦では終了間際にPKを決められてしまい、1-2で敗戦となった。結果は1勝2敗の3位でグループリーグ突破目前のところで逃すこととなった。2015年のアフリカネイションズカップでは、前回優勝した1992年と同じくガーナをPK戦の末9-8で破り2度目の優勝を果たした。2018 FIFAワールドカップではアフリカ3次予選で敗退となり、4大会連続のワールドカップ出場はならなかった。旧宗主国でもあるフランスなどヨーロッパのリーグで活躍する選手も多く、主な代表選手としてディディエ・ドログバ、コロ・トゥーレ、ヤヤ・トゥーレ（トゥーレ・ヤヤ）兄弟らがいる。
インディーズでリリースされた太陽レコード盤とはミックスが異なり、またCD盤のみに収録されていた2曲は収録されていない。1990MIXとは正式にアルバムジャケット等には記載は無いが、公式サイトではこの表記になっているため、ここではこの表記を用いる。
双子の兄・孝とともに世代トップ選手として活躍。中学3年生の時には、全日本中学校選手権とジュニアオリンピックで3000mに出場し、いずれの大会でも孝が優勝、宏が準優勝とワンツーフィニッシュを決めるなと圧倒的な強さで名を馳せた。孝・宏と同い年の双子の長距離選手で、後に台頭することになる村山謙太・紘太兄弟は、全国大会での2人のワンツーフィニッシュを見て「（当時無名であった自分たちより）3000mで1分速い。しかも自分たちと同じく双子。」と衝撃を受けたと語っている。また、中学3年時には孝とともに鹿児島県代表として全国都道府県対抗男子駅伝競走大会に出場し、中学生区間の6区で区間賞を獲得した。（孝はもう1つの中学生区間2区で区間2位）
兄の孝とともに地元鹿児島の鹿児島実業高校に進学。高校3年時には全国高校駅伝で6区を担当し区間賞を獲得。1区で区間2位と好走した孝とともに、チームの全国高校駅伝初優勝に貢献した。強力な留学生を要する学校を抑えての、日本人のみのチームでの優勝であった。
大学も孝とともに大東文化大学に進学。大東文化大学は箱根駅伝4度の総合優勝実績がありながら、2人の入学直前の第87回箱根駅伝には予選会を通過できなかったため出場ができていないなど低迷していた。そのような状況下で、孝とともにダブルエースとしてチームを支え、2人が大学2年時に大東文化大学は3年ぶりに箱根駅伝本戦に返り咲いた。そして3年時、4年時には大東文化大学はシード権を獲得するまでに復活した。個人としては、3大会出場した箱根駅伝ですべて区間順位一桁の好走を見せた（2年時:1区5位、3年時:1区8位、4年時:5区4位）。また、3年時の第90回大会では1区を宏、2区を孝が担当し、双子でのタスキリレーが見られた。
2015年4月に兄の孝、鹿児島実業高校時代のチームメイトである吉村大輝（流通経済大学卒）・有村優樹（明治大学卒）、市田兄弟らと同じく鹿児島県出身の大六野秀畝（明治大学卒）、村山謙太・紘太兄弟とともに旭化成に入社した。同年11月に九州実業団毎日駅伝で実業団駅伝デビューした際には、孝は2区を、弟の宏は3区を担当し、実業団でも双子でのタスキリレーが実現した。宏は孝から先頭でタスキを受け取ると、自身も首位を維持。旭化成はその後も先頭を譲ることなくゴールし、兄弟ともに旭化成の3年ぶりの優勝に貢献した。2016年2月、この年から開催されることになったクロカン日本選手権に孝とともに出場し、7位でゴール。箱根駅伝で山の神として名を馳せた神野大地（青山学院大学）を2位に抑え、初代クロカン日本一の栄冠を手にした孝と2人揃って入賞し、団体の部で優勝を果たした。2017年1月のニューイヤー駅伝では6区にエントリーされ、エース区間の4区にエントリーされた孝とともにニューイヤー駅伝デビュー。4区の孝、5区の村山謙太と連続区間賞の良い流れで、先頭でタスキを受けると、従来の区間記録を更新する快走で後続を突き放し、チームの18年ぶり優勝を決定づけた。
アメリカにおいて、音楽のもつ意味をもっとも強く決定づけているのは、音楽と人種の関係であろう。ヨーロッパ音楽とアフリカ音楽というまったく異なった源泉からブラックミュージックのアイデンティティが確立された過程は、歴史的研究における恒常的なテーマのひとつである。植民地時代における、西アフリカ全体のスタイル・歌唱法・楽器が奴隷のるつぼの中で混合されていった時期のブラックミュージックについてはほとんど文献が残っていない。19世紀中頃には、すでにアメリカ黒人の民俗的な伝統は広く有名になっており、ブラックミュージックのスタイル・楽器・イメージは、スピリチュアルやミンストレル・ショーや労働歌を通じてアメリカ音楽の主流の一部になっていった。ブラックミュージックの技法は、ブルース、ジャズ、リズム・アンド・ブルース(R&B)、ロックンロール、ソウルミュージック、ヒップホップなどを通じ、アメリカのポピュラー音楽にとって不可欠な要素になっているが、元々は黒人の技法や慣習の中で作られたものが人種の壁を越えて広がったものである。これとは対照的に、カントリー・ミュージックはアフリカ、ヨーロッパ、さらにはインディアンやハワイの伝統をもその起源に含んでいたが、しかし長い間白人音楽の一種と考えられてきた。アメリカ音楽の創作・享受には経済的・社会的な階級による溝がある。例えば交響楽には上流階級のファンからの出資があるのに対して、田舎風・民族風の民俗音楽の奏者は全体的に貧しい。とはいえこの分断は絶対的なものではなく、時には溝があるように「感じられる」だけという場合もある。例えばアメリカのカントリーミュージックは、「聴いているのが実際に労働者であるかどうかはともかくとして、労働者階級のアイデンティティに訴えかける」ようにデザインされた、ひとつの商業的ジャンルでもあるのだ。カントリーミュージックは地理的なアイデンティティとも関連しており、その起源と役割は特に田舎風である。R&Bやヒップホップといった他のジャンルは、伝統的に都市的だと認識されている。
アメリカは、世界中から文化を取り入れ、独特の新しい方法を生み出す文化のるつぼであるとよく言われている。アメリカ音楽の諸要素は、それぞれ元をたどれば特定の起源に行き着くことが出来る。とはいえ、アメリカ音楽はつねに技法・演奏法・ジャンルの移植と融合によって発展してきたため、ある音楽的要素の起源を何か特定の文化に求める主張には問題がある。外国音楽の要素がアメリカへ入ってきた経路は、個人やグループで行う教育活動・対外活動によって音楽を取り入れる公式なものと、奴隷制による西アフリカ音楽の移入や、移民によるアイルランド音楽の移入など非公式なものとがある。アメリカ独自の音楽は、緊密な接触を通じた異文化どうしの融合の結果生じたものである。この例として奴隷制があげられる。奴隷制によって様々な部族の出身者がごちゃまぜになって共同住居で生活することになった結果、ひとつの音楽的慣習が共有されることとなり、それがさらにラテンおよびヨーロッパ固有の音楽の要素と融合することで深まっていったのである。アメリカの民族・宗教・人種の多様性から生まれた音楽的要素は、フランス音楽・アフリカ音楽の融合であるルイジアナ・クレオール音楽や、インディアン音楽・メキシコ音楽・ヨーロッパ音楽の融合であるテハーノ音楽、現代ハワイ音楽におけるスラックキーギター等の技法、などがある。音楽を取り入れる過程には批判がなかったわけではない。例えば20世紀半ばのフォーク・リバイバルには、社会運動推進の目的もあり、様々な地方の音楽が盛り込まれたことから、「他集団の歌の商業化（……）と、それに伴う意味の希薄化」の原因になったのではないか、という議論が起こることとなった。文化的な割り当ての問題は、アメリカにおける人種同士の関係における大きな問題でもある。遅くとも19世紀半ばのスティーブン・フォスターや、ミンストレル・ショーのブーム以来、ブラックミュージックの技法・イメージ・言い回しをアメリカ白人がアメリカ白人のために使用することは多い。アメリカの音楽業界は、ブラックミュージックの白人演奏者を売り出そうと積極的に試みていた。これは、白人演奏者がアメリカで主流派に属する中流階級アメリカ人の嗜好に合うためである。こういった動きの中で、ベニー・グッドマン、エミネム、エルヴィス・プレスリーなどのスターや、ブルー・アイド・ソウル、ロカビリーなどのポップミュージックのスタイルが生まれた。
アメリカは、数々の民族グループからなる人種のるつぼである。これら諸民族の多くは、出身地の民俗音楽の伝統を保持しつつも、アメリカ独特のスタイルをもった外国音楽を生み出していった。ニューイングランドのカーボベルデ音楽や、カリフォルニアのアルメニア音楽、ニューヨークのイタリア音楽・ウクライナ音楽などの民族は、定住したそれぞれの地域で流行を生み出した。ルイジアナにはクレオール（アメリカによる州の買収前からルイジアナ州に住んでいた人々を中心とする、様々な非アングロサクソン系祖先をもつコミュニティ）やケイジャン（カナダのアカディアを去ってルイジアナ州に定住したフランス語圏のグループ）といった民族グループがあり、また大きな港町だったニューオーリンズにカリブ海域全域の人々が集まった結果、ケイジャン音楽やクレオール音楽などの、多種多様なスタイルの混交が生じた。米墨戦争以前は、テキサス州全域を含む現在のアメリカ合衆国西部のほとんどは、スペインおよびそれを引き継いだメキシコ共和国の管理下にあった。テキサス州がアメリカに編入されると、テキサスに住んでいた土着のテハーノたちは、他のテキサス住民とは別々の文化を保ちつつ、メキシコ人とも別々の文化を発展させた。初期のテハーノ音楽の発展の中心にあったのは、マリアッチやコリード (en:corrido) といった伝統的なメキシコの技法と、19世紀後半に定住したドイツやチェコ出身者によるヨーロッパ大陸の技法であった。特に、アコーディオンは20世紀前後にテハーノ音楽の奏者に取り入れられ、テキサスや北メキシコのアマチュア音楽家に広く使われるようになった。
初期の一部の入植者がアメリカへもたらしたクラシック音楽は、ヨーロッパ芸術における教会音楽・演奏会音楽の伝統に根ざしている。この伝統における規範はバロック～ロマン派の時代を中心とする、1550年から1825年までの間に成立したものである。アメリカのクラシック作曲家の多くは、19世紀後半まで完全にヨーロッパのモデルの中で作品を作ろうとしていた。高名なチェコの作曲家、アントニン・ドヴォルザークは、1892年から1895年にかけてアメリカを訪れた際に、アメリカのクラシック音楽は、ヨーロッパの作曲家の模倣に代わる新たな独自のモデルが必要だと繰り返し語り、その後の作曲家がアメリカ独自のクラシック音楽を作るきっかけとなった。20世紀初めには、多くのアメリカ人作曲家がジャズ・ブルース・インディアンの音楽など、クラシックとは異質の要素を作品に取り入れるようになった。アメリカは比較的オーケストラ活動が盛んな国で、世界でもドイツに次ぐ数のプロオーケストラを擁している。ただし、オペラは盛んではなく専属管弦楽団を擁した常設歌劇場は３つ（ドイツで約80、イタリアで約20）しかない。演奏活動においても当初は欧州の人材に依拠するところが大きく、19世紀から現在まで中断無く活動している５つの老舗オーケストラは、すべて初代指揮者がドイツ人であった。
植民地時代のアメリカでは、クラシック音楽のグループは2つあった。一つめの、アマチュア作曲家・衒学者グループは、シンプルな聖歌を基本としながら、年を追うごとに複合的な手法を用いるようになっていった。もう一つの分野は、フィラデルフィア・バルチモアなど、中部大西洋岸の諸都市における、ほぼヨーロッパのモデルの中で活動する有名な作曲家たちのグループである。こちらの作曲家たちのほとんどはイングランド出身で、ヨーロッパ音楽の中でも特に、当時有名だったイングランドの作曲家のスタイルで活動していた。クラシック音楽がアメリカに持ち込まれたのは植民地時代である。この時代、アメリカの作曲家の多くはヨーロッパ音楽を唯一のモデルとして活動していたが、ウィリアム・ビリング(en:William Billings)、サプライ・ベルチャー(en:Supply Belcher)、ジャスティン・モーガン(en:Justin Morgan)など、第一ニューイングランド派として知られる作曲家は、ヨーロッパのモデルから完全に独立したスタイルを生み出した。これらの作曲家の中でももっとも多く記録が残っているのはビリングである。ビリングはまた「アメリカの聖歌隊の創設者として、最初にピッチパイプを使った音楽家として、チェロを礼拝に取り入れた最初の人物として」その影響力は大きい。第一ニューイングランド派の作曲家の大半はアマチュア歌手であった。彼らはアマチュアによる演奏に向いた新たな形式の宗教音楽を作り出したが、その中で、ヨーロッパのスタンダードからすれば奇妙に思えるような和声の技法を用いることもしばしばあった。彼らのスタイルは「洗練された、当時のヨーロッパのやり型」の影響を逃れ、モードや、五音の音階・メロディといった技法を使用し、ヨーロッパの和声のルールを忌避した。19世紀初頭、アメリカは風変わりで意図的な「アメリカ流」スタイルの作曲を行い、アメリカで交響楽団のための作曲を行った最初の作曲家となったアントニー・フィリップ・ハインリヒ(en:Anthony Philip Heinrich)などの様々な作曲家を生んだ。この他にも、有名なところではウィリアム・ヘンリー・フライ(en:William Henry Fry)、ジョージ・フレデリック・ブリストウなど、多くの作曲家が、方向性こそきわめてヨーロッパ的であったが、アメリカ流のクラシックスタイルのアイデアを支持した。しかしヨーロッパで有名になったアメリカの作曲家は、ジョン・ノウルズ・ペインが最初である。ペインの成功例は、エイミー・ビーチ、エドワード・マクダウェル、ホレイショ・パーカーといった第二ニューイングランド派の作曲家を刺激することとなった。もっとも記憶に残っている19世紀アメリカの作曲家は、おそらくルイス・モロー・ゴットシャルクである。音楽史研究家のリチャード・クロフォードによれば、ゴッドシャルクは「土地に根ざした民俗上のテーマや韻律を、コンサートホールへともたらした」ことで有名である。ゴッドシャルクの音楽は故郷のニューオーリンズでの文化の交流を反映している。ニューオーリンズはラテン・カリブ・アフリカ・ケイジャン・クレオールと、様々な音楽が根づいた土地であった。ゴッドシャルクはその生涯において天才ピアニストとして知られており、作曲家としての活動は少ないにもかかわらず、その評価は高い。
エルマイラ出身のチャールズ・トムリンソン・グリフスは1914年から革新的な作品を発表し、ニューヨークのクラシック音楽シーンに登場した。だがニューヨークの作曲家でもっとも有名なのは、ジョージ・ガーシュウィンである。ティン・パン・アレーやブロードウェイ劇場の作詞作曲家だったガーシュウィンの作品は、ジャズの先駆者たちからの強い影響を受けていた。ガーシュインの作品によって、アメリカのクラシック音楽は前代未聞の国際的な注目を浴びることとなった。ガーシュイン以後、最初に有名になった作曲家はブルックリン出身のアーロン・コープランドである。コープランドは技法や形式においてはいまだヨーロッパ式ではあったものの、アメリカの民俗音楽の要素を最貧に用いた。コープランドは、その後はバレエ、さらにその後はセリエル音楽に傾倒した。国際的な注目を浴びたアメリカのクラシック作曲家の初期の人物にはチャールズ・アイヴズもいる。アイヴズはユニークなアメリカ流のスタイルの音楽を発表したが、1954年に死亡するまではほとんど無名であった。指揮者して活躍したレナード・バーンスタインは作曲家としても活動しており3曲の交響曲、オペラ、ミュージカルの作品を残している。ジョン・ケージ、ジョン・コリリアーノ、スティーヴ・ライヒなど、20世紀後半の作曲家たちの多くが、モダニズムとミニマリズムの技法を用いた。ライヒは、同時に始まりそれぞれリピートを繰り返す2つの音楽の流れがしだいに同期を乱していき、自然と展開感を形成する、フェイジング(en:phasing)と呼ばれる技法を考案した。また、ライヒは非西洋音楽にも興味を持ち、アフリカのリズム技法を作曲に取り入れている。近年の作曲家や演奏家はフィリップ・グラスやメレディス・モンク(en:Meredith Monk)などのミニマリズム作品に強い影響を受けている。
ジャズは、スウィング、ブルー・ノート・スケール、コールアンドレスポンスのボーカル、ポリリズム、即興を特徴とした音楽の一種である。元々はダンスミュージックの一種であったが、ポピュラー音楽において主要な地位を占めるようになり、また西洋のクラシック音楽の重要な構成要素にもなった。ジャズのルーツは西アフリカの文化・音楽表現や、ブルース・ラグタイムといった黒人の音楽慣習や、ヨーロッパの軍楽にある。初期のジャズとラグタイムは近縁関係にあるが、ジャズのほうが複雑な即興リズムを用いているという点で区別できる。初期のジャズバンドはベント、ブルー・ノートといった多くのブルース用語や、グロウル、スメアなど、ヨーロッパの器楽では用いられない技法を採用した。ジャズが誕生したのは、ケイジャンや黒人クレオールが住むニューオーリンズである。19世紀、黒人クレオールたちは、ケイジャンたちのフランス系カナダ人の文化とみずからの音楽スタイルと融合させた。葬式やパレードで演奏するクレオールの大型バンドが、初期のジャズの重要な基礎となり、やがてジャズはニューオーリンズからシカゴなどの北部の諸都市の都心へ広がっていった。ジャズは長い間人気を保っていたが、そんな中でスター奏者となり、ジャズの発展を大きく後押ししたのがルイ・アームストロングと、その友人であるピアニストのアール・ハインズ(en:Earl Hines)である。アームストロングやハインズや共演者たちは即興演奏者であり、ひとつのメロディから数多くのバリエーションを創作することができた。スキャット(意味のない音を即興で歌う歌唱法)を世間に広げたのもアームストロングである。アームストロングとハインズは、スウィング・ジャズ(もしくは端的に「スウィング」とも)と呼ばれる、ビッグバンドによる大衆的なジャズの発展に大きく影響を与えた。スウィング・ジャズの特徴には、通常コントラバスとドラムによる強いリズムセクション、普通～速い程度のテンポ、大半のジャズの分野に共通する音符のスウィングをはじめとするリズムの工夫などがある。スウィング・ジャズは1930年代のジャズに、ブルースやティン・パン・アレーの要素を合わせたものである。スウィング・ジャズは他種のジャズよりも大規模なバンド編成をとるため、バンドリーダーは要素をしっかり管理するようになり、それまでジャズに不可欠だった即興演奏は敬遠されることとなった。スウィング・ジャズは黒人のダンスの主要な位置を占めるようになり、スウィング・ダンスと呼ばれる大衆的なダンスを伴うようになった。ジャズは、戦前のスウィング・ジャズ時代のような、大衆音楽の中心的地位へは返り咲かなかったが、その後のポピュラー音楽において、様々なスタイルのアーティストに影響を与えた。また、ジャズはマイルス・デイヴィスなどの異色のポップスターを生んだ。40年代後半から50年代初頭にかけて、ジャズはビバップをはじめとする小ジャンルを発展させた。ビバップは速いテンポ、メロディよりもハーモニーに重点を置いた即興演奏、減五度の仕様などが特徴である。ビバップは1940年代前半から中頃に成立し、ハード・バップやフリー・ジャズなどのスタイルへ派生していった。ビバップの先駆者には、ニューヨークの小さなジャズ・クラブ出身のチャーリー・パーカーとディジー・ガレスピーなどがいる。
元々、カントリー・ミュージック(端的にカントリーとも)は、黒人のブルースとスピリチュアルにアパラチア地方の民俗音楽が融合したものであり、ポピュラー音楽の聴衆に受け入れられ、人気を獲得したのは1920年代のことであった。カントリーの起源は南部田園地帯の民俗音楽にあり、これはアイルランド・イギリス音楽に、アフリカ音楽・ヨーロッパ大陸部の音楽が加わったものである。アングロサクソン・ケルト系のメロディと、ダンス・ミュージック、バラッドが現代カントリーの最も古い前身であり、これらは後にヒルビリー(en:hillbillyヒルビリー音楽とも)と呼ばれるようになった。初期のヒルビリーは、ブルースの要素を借用していたが、カントリー・アンド・ウエスタン、端的にカントリーと呼ばれる商業ジャンルになるまでの発展過程においては、むしろ19世紀のポピュラーソングから多くの点を吸収した。初期のカントリーにおける楽器編成はヨーロッパ起源のフィドルや、アフリカ起源のバンジョーの間で変遷がみられ、また後にはこれにギターが加わった。20世紀初めには、ハワイ音楽グループの人気から、ウクレレやスティール・ギターといった弦楽器がよく見られるようになった。商業音楽としてのカントリーのルーツは、1927年、音楽スカウトマンのラルフ・ピアー(en:Ralph Peer)がレコーディングしたジミー・ロジャーズ(en:Jimmie Rodgers (country singer))やカーター・ファミリーまでさかのぼる。大衆的にはあまり成功しなかったが、わずかながら需要があったことため商業的なレコーディングが行われることとなった。第二次世界大戦後、カントリーのような特徴的なスタイルへの関心が高まりによって有名ポップスターも生まれた。この時期もっとも影響力のあったカントリー・ミュージシャンは、アラバマ州出身のブルース風カントリー歌手、ハンク・ウィリアムス(en:Hank Williams)である。ウィリアムスは、現在でもカントリーミュージックにおける最高の作詞作曲家・演奏家のひとりとして知られている。1940年代を通じ、ホンキートンクの粗々しさがしだいに和らいでいったのと同時に、ナッシュビル・サウンドはポピュラー指向を強めていった。ナッシュビル・サウンドは、チェット・アトキンスなどのプロデューサーが、楽器編成からヒルビリーの要素を取り除き、より聞きやすい編成と進んだプロデュース技術を駆使して創設したジャンルである。ナッシュビル発のレコードは大半がナッシュビル・サウンドのスタイルを取るようになり、弦楽器とコーラスを組み入れはじめた。しかし1960年前半には、多くの伝統的な演奏者やファンは、ナッシュビル・サウンドは勢いがなくなったと見なすようになり、ナッシュビル・サウンドはベイカーズフィールド・サウンドのような地方の音楽シーンへ分岐していった。しかし一方で、文化の象徴ともなったジョニー・キャッシュのように、人気を保ったミュージシャンも少数ながら存在した。ベイカースフィールド・サウンドは1950年代中盤から後半にかけて生まれた音楽で、ウィン・スチュアートやバック・オーエンズなどのアーティストが、ブレイクビーツなどのロックの要素や、ウエスタン・スウィングの要素を取り入れたものである。このスタイルはマール・ハガード(en:Merle Haggard)などの1960年代のアーティストによって広められた。またハガードは、ウィリー・ネルソンやウェイロン・ジェニングス(en:Waylon Jennings)といったシンガーソングライターと並ぶ、アウトロー・カントリー(en:outlaw country)のアーティストでもあった。アウトロー・カントリーはロック指向のジャンルで、歌詞は自身の犯罪行為を扱っており、ナッシュビル・サウンドのこざっぱりとしたカントリー歌手とは対照的だった。1980年代には、カントリーのチャートはポップシンガーで埋めつくされていたが、一方でドワイト・ヨアカムのようなアーティストの登場により、ホンキートンク風カントリーのリバイバルも始まっていた。1980年代には、カントリーの主流がさらにポピュラー指向のスタイルになることに反対したアンクル・トゥーペロのような、オルタナティブ・カントリー(en:alternative country)のアーティストも登場した。2000年代初めの時点で、ポピュラー指向のカントリーアーティストは、ガース・ブルックスなど、ベストセラーアーティストの中にもまだ残っている。
R&B(リズム・アンド・ブルース)は1930・40年代に生まれた音楽スタイルである。初期のR&Bは「ブルースシンガーの後ろでビシビシ鳴っており、ジャンジャンかき鳴らされる色々な電子楽器や、激しいリズムセクションを超える大声で叫ばないと歌手の声は聞こえない」と評されるリズムユニットで構成されていた。レコード会社は、R&Bの大胆なリズムや示唆的な歌詞は一般聴衆(特に中流階級の白人)には受けないと考えたため、R&Bは大規模なレコーディングやプロモーションの対象にならなかった。金管セクションを減らしてリズム楽器を目立たせたバンド構成を使った初期R&Bの音楽スタイルを考案したのは、ルイ・ジョーダンなどのバンドリーダーである。ジョーダンは1940年代終わりまでにR&Bチャートで多くのヒットを出し、ワイノニー・ハリス(en:Wynonie Harris)やロイ・ブラウンといった同時代のアーティストに道を開いた。しかし、有名になったR&Bのかなりの部分は、白人によってカバーされた曲だった。それらの曲は、ジョーダンの時代のにぎやかなスタイルではなく、パット・ブーンなどの白人ミュージシャンの、より白人聴衆に受け入れられやすいスタイルであった。とはいえ1950年代の後半には、ポップ・チャートでも黒人音楽がチャート・インし、チャック・ベリーなどのアーティストが白人リスナーの間でも、名声を得るようになった。ソウルミュージック(端的にソウルとも)は、1950年代のアメリカで生まれた、R&Bとゴスペルを組み合わせたスタイルである。ゴスペルの手法を用いながら、非宗教的なテーマを扱っていることがソウルの特徴である。1950年代のレイ・チャールズ、サム・クック、ジェームス・ブラウン、ジャッキー・ウィルソンらのレコードがソウルの始まりだと一般的に考えている。レイ・チャールズの1962年のレコードモダン・サウンズ・イン・カントリー&ウエスタン・ミュージックではソウルとカントリーの融合(ディープ・ソウル)が取り上げられており、人種の壁を越えて受け入れられた。クックの代表曲のひとつア・チェンジ・イズ・ゴナ・カム(1964年)はソウルの古典として1960年代の公民権運動の賛歌ともなった。1960年代初めから中頃にかけて、デトロイトのモータウン・レコード社はソウルのレコードをリリースして大成功を収めた。これらのレコードはポピュラー音楽会に大きな影響を与え、白人のリスナーにも受け入れやすくなったため、黒人アーティストと白人リスナーの交流もより容易になった。純粋なソウル・ミュージックを広めたのは、オーティス・レディングをはじめとする、南部メンフィスのスタックス・レコード社のアーティストである。だが1960年代終わりごろ、女性ソウルスターとして最も人気が高かったのはアトランティック・レコード社のアーティストアレサ・フランクリンだった。またこの頃には、ソウルはサイケデリック・ロックなどの影響を受けていくつかのジャンルに分かれていた。1960年代の社会的・政治的動乱から刺激を受けたマーヴィン・ゲイやカーティス・メイフィールドなどのアーティストが激しい社会的主張をこめたアルバムをリリースしていた一方で、ダンス指向の音楽へと変化していく派生ジャンルもあり、これはジェームス・ブラウンらによってファンクへと発展した。マーヴィン・ゲイは、以前は政治的・社会的な色彩の強いテーマの歌詞を扱うことが多かったが、ファンクや、セクシャルな要素や恋愛要素のテーマを扱う音楽を広めるのに一役買った。「レッツ・ゲット・イット・オン」(1973年)、「アイ・ウォント・ユー」(1976年)など、彼の1970年代のレコードはクワイエット・ストームの音楽とフォーマットの発展の一因となった。1970年代、ギル・スコット＝ヘロンやラスト・ポエッツなどのアーティストたちは、詩・ジャズファンク・ソウルが融合したスポークンワード・ソウルのスタイルを作り上げた。ここで扱ったのは、黒人の視点から見た政治的・社会的な主張であった。ギル・スコット＝ヘロンの「 ザ・リヴォリューション・ウィル・ノット・ビー・テレヴァイズド」(1971)や「ウィンター・イン・アメリカ」(1974)はその後のヒップホップアーティストに大きな影響を与え、また一方でブライアン・ジャクソン(en:Brian Jackson)と組んで生み出したユニークな音楽は、ネオ・ソウルのアーティストに影響を与えた 。1970年代、フィラデルフィア・ソウルグループのオージェイズ(en:The O'Jays)やブルー・アイド・ソウルグループのダリル・ホール&ジョン・オーツといった、洗練されたグループが成功を収めた。1970年代の終わり頃には、ソウルを含め多くの音楽ジャンルがディスコ文化の影響を受けていた。1970年代終わりから1980年代初めにかけてのエレクトロやテクノの影響を受けたソウルは激しさを失い、より洗練された曲が作られるようになった。90年代ごろには、若いミュージシャンの「R&B」と、ベテランのソウルが分離されることとなった。若者向きのジャンルは、現代R&B(en:Contemporary R&B)として昔のR&Bと区別して語られる場合が多い。1980年代には、ファンクの影響を受けたプリンス (ミュージシャン)や、ポップ・スターマイケル・ジャクソン、ティナ・ターナーやホイットニー・ヒューストンなどの女性ヴォーカリスト、などがヒットを連発した。1980年代後半には、ニュージャックスウィングやグラウンド・ビート、さらに90年代にはヒップホップソウル(en:hip hop soul)やネオ・ソウルなどの一連のサブジャンルにおいて、現代R&Bはヒップホップの影響を受けるようになった。ニュージャックスウィングは、通常ラップをかけた韻文とドラムマシンを特徴とする、声楽のスタイルである。ヒップホップソウルやネオ・ソウルが生まれたのはその後の1990年代であった。メアリー・J. ブライジやR・ケリーの作品に代表されるように、ヒップホップソウルは現代R&Bとヒップホップのビート感の混交であり、さらに作品によってはギャングスタ・ラップのイメージやテーマが含まれる場合もある。ネオ・ソウルは1960・70年代のソウルのヴォーカルにヒップホップの影響が加わったスタイルである。ヒップホップソウルのほうが概して主流であったが、ネオ・ソウルはディアンジェロ、エリカ・バドゥ、アリシア・キーズ、ローリン・ヒルなどの作品を通して幾分メジャーになっていった。ディアンジェロのアルバム「ヴー・ドゥー」(en:Voodoo)は、複数の音楽ライターによってネオ・ソウルの基礎を作った傑作として評価されている。
ヒップホップは音楽を含む文化的運動である。音楽としてのヒップホップは2つの要素からなる。すなわちラップと、DJもしくはプロデュース(サンプリング・演奏・ターンテーブル・ビートボックスにより曲を作る)である。ヒップホップは、1970年代にニューヨーク市のブロンクス区で生まれた。クール・ハーク（ジャマイカ系）、アフリカ・バンバータ、グランドマスター・フラッシュらがラップの初期に活躍した。ハークは、ポピュラー音楽のリズムに合わせたトースティングの手法をジャマイカから持ち込んだ。MCは、もともとDJがソウル・ファンク・R&Bの各曲を紹介しつつ、観客の興奮やダンスを途切れさせないようにするために生まれたものであったが、やがてDJは曲のパーカッションブレイクの音を取り出すことで繰り返すビートを作り、そこにMCをラップで重ねるようになった。1980年代始めには、有名ヒップホップ曲やLL・クール・Jなどの有名アーティストも現れ、メインストリームの名声を獲得した。その他にも、政治色の強い歌詞や社会意識を実験的に組み込んだり、ヒップホップをジャズ・ヘヴィメタル・テクノ・ファンク・ソウルなどと組み合わせるアーティストもいた。1980年代後半にはオルタナティブ・ヒップホップ(en:alternative hip hop)や、デ・ラ・ソウルなどの先駆者による融合スタイルのジャズ・ラップ(en:jazz rap)など、新しいスタイルが現れた。ギャングスタ・ラップはヒップホップの一種で、男らしさ・肉体中心主義・危険な犯罪的イメージに注目した歌詞が特徴である。ギャングスタ・ラップの起源は1980年代半ばの、フィラデルフィアのスクーリーD(en:Schoolly D)や西海岸のアイス-Tまでさかのぼることができるが、ギャングスタ・ラップのスタイルが勢力を伸ばし、ニューヨークのラッパーのノトーリアス・B.I.G.やヒップホップグループのウータン・クラン、また西海岸のトゥー・ショート(en:Too Short)やN.W.A.など、アメリカの様々な地域で受け入れられたのは1980年代後半だった。1990年代初期、西海岸ラップの音楽シーンでGファンクが生まれた。これはギャングスタ・ラップの歌詞を重厚でぼんやりした曲にのせたもので、曲は1970年代ファンクからのサンプリングが多かった。2パック、ドクター・ドレー、スヌープ・ドッグなどの提唱者が有名。ギャングスタ・ラップは、1990年代終わりから21世紀への変わり目にかけてアメリカのポピュラー音楽界に大きな存在感を保っており、特にエミネムの大ヒット以後は顕著であった。
アメリカの音楽業界は、特定ジャンルの音楽のプロデュース・マーケティング・販売を行う大企業が優位を占めている。これらの大企業は、対象となるリスナーが少ないスタイルのプロデュースを行わないか、行ったとしても割く仕事量や録音メディアの発売数はきわめて少ない。こういったニッチ市場を埋める比較的小規模な企業群が、ポルカからサルサまで様々なスタイルの録音メディアを幅広く提供しているのである。多くの中小音楽企業はコアなファン集団を基盤にして成り立っており、こういったファン集団がひとつの地域を基盤にしていることもある。テハーノ音楽やハワイ音楽がその例である。一方で集団が広範囲に分布していることもあり、ユダヤ人向けのクレズマーがこの例である。音楽業界における、単独で最も大きいニッチ市場はラテン音楽である。ラテン音楽はアメリカのポピュラー音楽に長きにわたって影響を与えており、特にジャズの発展に関して決定的な部分を占めていた。現代のラテン・ポピュラー音楽のスタイルには、コロンビアのクンビア、パナマのレゲトン、メキシコのコリードなど、ラテンアメリカ中から輸入された様々なジャンルが含まれている。アメリカにおけるラテン・ポピュラー音楽は、コンガ・ルンバ・マンボなどのスタイルで知られる、1930・50年代のダンスバンドの流行が始まりである。50年代には、ペレス・プラードがチャチャのスタイルを有名にし、またアフロ・キューバン・ジャズがラテン音楽におけるハーモニー・メロディ・リズムの可能性を明らかにした。しかし、アメリカ式のラテン音楽で最も有名なのはサルサである。サルサは多くのスタイルやバリエーションを含んでおり、「サルサ」の用語はこのうちで最も有名なキューバ由来のポピュラー音楽としてのジャンルを指して使われる。しかし、最狭義の「サルサ」は、1970年代半ばにニューヨークのキューバ・プエルトリコ移民グループによって作られたスタイルと、その様式を受け継ぐスタイル(1980年代のサルサ・ロマンティカ(en:salsa romantica)など)を指す。サルサは、複数のパターンを同時に演奏する、複雑なリズムをもつ。クラーベのリズムはサルサ楽曲の基本をなしており、演奏者それぞれのフレーズのための、共通するリズム上の基礎として用いられている。
アメリカ合衆国連邦政府は、音楽業界の取締まりを行い、知的財産法を施行し、また各種の音楽の促進・収集に努めている。アメリカ合衆国著作権法の下、録音・作曲などの音楽作品は、それが有形の形式に固定された時点から知的所有物として保護される。著作権者の多くは、アメリカ議会図書館に自身の作品を登録し、議会図書館は資料コレクションの管理を行う。また20世紀初めより、議会図書館は調査員を派遣して民俗音楽を録音するなどして文化上・音楽学上重要な資料を積極的に収集している。この調査員には、アメリカ民俗音楽収集家のアラン・ローマックス(en:Alan Lomax)などがいる。ローマックスの著作はルーツ・リバイバル(20世紀半ばのフォークソングのリバイバルブーム)の一因となった。また連邦政府は、ミュージシャンを含む芸術家への補助金を割り当てる全米芸術基金(en:National Endowment for the Arts)・全米人文科学基金や、調査・教育プログラムを実施するスミソニアン博物館や、非営利テレビ放送局への出資を行うアメリカ公共放送協会(en:Corporation for Public Broadcasting)への出資も行っている。音楽は長きにわたってアメリカの政治に影響を与えている。政党や社会運動がみずからの理想や価値観を伝えるため、また政治的な行事の中に娯楽要素を提供するため、音楽・歌を使うことは頻繁にあった。ウィリアム・ハリソンの大統領選挙キャンペーンは、音楽によって大きく利益を得た最初の例である。これ以降、有力候補が民衆の興味を引くために歌を援用することが一般的になった。またその後の数十年間において、政治家がテーマソングを決めることもしばしばあり、中には象徴的な扱いを受ける歌もあった。例えば、1932年のフランクリン・ルーズベルトのキャンペーンに使われた“Happy Days Are Here Again”(また幸せな日々が来る)という歌は、それ以来民主党のと結びつけて語られている。しかし1950年代以降は、音楽がほとんど、もしくは全くないテレビキャンペーンにとって代わられ、音楽は政治における重要性をなくしていった。だが1960年代には特に、ある種の音楽は、政治的な抗議とさらに深く関わるようになった。マヘリア・ジャクソンなどのゴスペルスターは、公民権運動において重要な人物となった。また同時期、フォーク・リバイバルは1960年代のカウンターカルチャーやベトナム反戦運動の広がりの一因となった。
アメリカの音楽業界には、レコード会社からラジオ放送局、コミュニティ楽団まで様々な分野がある。世界の大手レコード会社の多くがアメリカに拠点を置いており、これらを代表する業界団体としてアメリカレコード協会がある。これらのレコード会社は、所有するレーベルと契約したアーティストのプロデュースを行う。レコード会社が広告・公演・テレビ出演などを通じて所属アーティストの販促・マーケティングを行うこともある。レコード会社の関連企業にその他の音楽メディア企業がある場合、ポピュラー音楽に関連する商品をプロデュースすることもある。MTVのようなテレビチャンネル、ローリング・ストーンのような雑誌、また各種ラジオ局などがこれにあたる。近年、音楽業界は著作権に保護された音楽作品のダウンロードの増加についての騒動に巻き込まれている。多くのミュージシャンやアメリカレコード協会は、違法ダウンロードを行うファンへ罰則を課す方法を検討している。アメリカのラジオ局はしばしばポピュラー音楽を放送する。放送局はそれぞれラジオフォーマット(放送する歌のカテゴリー)がある。ラジオフォーマットの曲目は、完全にジャンル別という分けではないがジャンルごとの分類に沿っている。アメリカのラジオ局の大半は地方局であり、局ごとに独自の選局をすることもある。その他にもクリア・チャンネルのように大企業が所有する放送局も多数あるが、こういった放送局の曲目は比較的少なく、同じ曲が繰り返しかかることが多い。ビルボード誌は、様々な分野における音楽レコードの売り上げについて、多くの音楽チャートを集成し、レコードの売り上げを追跡調査している。Billboard Hot 100は、ポップ・ミュージックのシングルチャートである。また、アルバムの調査はBillboard 200で行われている。アメリカの家庭において音楽メディアは一般的ではあるが、音楽業界の収入のほとんどは少数の愛好者からくるものである。例えば、アルバム売上額の62%の元になっている購入者は、全体の25%以下にすぎない。音楽流通業者のハンドルマン社への調査によれば、月に1枚アルバムを購入してアルバム売り上げの62%をまかなう消費者は、音楽消費者全体の23%にすぎないという。アメリカレコード協会によれば、2005年のCD出荷枚数は7億500万枚、うちシングルが280万枚“2005 Yearend Market Report on U.S. Recorded Music Shipments (pdf) (PDF)”. Recording Industry Association of America. 2007年3月8日時点のオリジナルよりアーカイブ。2006年4月12日閲覧。。アメリカの音楽業界においては大手レコード会社が優位に立っているものの、一方でインディーズ音楽業界も存在する。インディーズ音楽の主要な基盤は、地方から外への販路をもたない、もしくはあっても限られているような地方のレーベルである。アーティストがインディーズレーベルからレコードを出し、十分な名声を獲得してからメジャーレーベルと契約することもあれば、あえてインディーズレーベルにとどまり続けるものもいる。一般的な音楽とスタイル面で似ていることもあるが、多くのリスナーにとってインディーズの音楽は、あまり聞く機会がなかったり、特殊だったり、受けが悪かったりすることが多い。インディーズのアーティストが、自身の曲をインターネットでファンに公開していることも多い。各種レコード中心のアーティスト以外にも、コミュニティ楽団、結婚式などでの歌手・バンド、ラウンジ歌手、ナイトクラブのDJなど、音楽にたずさわる様々なプロフェッショナルがいる。アメリカ音楽家連盟(en:American Federation of Musicians)は、プロ音楽家を対象としたアメリカ最大の労働組合である。とはいえ、音楽に関する安定雇用下にある加入者は、全加入者の15%にすぎない(2000年時点)。
音楽はアメリカの教育において重要な地位を占めており、ほとんど全ての教育過程に組み込まれている。公立の小学校では必修科目、その後は選択科目となるのが一般的。一般的な高校では、コーラスをメインにした声楽と、大人数のスクールバンド形式をとる器楽のクラスが開講される。演劇科による舞台製作の一部として音楽が組み込まれる場合もある。公立・私立ともに、学校が音楽クラブ・グループへの出資を行うことはよくあり、その場合スポーツの対抗戦で演奏を行うマーチングバンドが含まれることが多いが、これはジョン・フィリップ・スーザのバンドが1880・90年代に大人気となったことから始まった傾向である。小規模ながら重要な音楽アカデミーや音楽大学も存在するが、アメリカにおける音楽の高等教育は、主に大規模な総合大学が担っている。大学の音楽学部は、スポーツイベントに不可欠なマーチングバンドから、バーバーショップ・グループ、グリークラブ、ジャズバンド、交響楽団に至るまでさまざまなバンドへの出資を行うことがある。また、外国の演奏家を招いてコンサートを行ったりなど、音楽に関する交流活動への出資も行うことがある。音楽学科を設けて数々の音楽スタイルについて研究している大学もある。