古典雕塑

古典雕塑有广义跟狭义之分，广义的古典雕塑（classical sculpture），经常伴随小写字母「c」，指的是来自古希腊和古罗马以及在其统治或影响下的希腊化和罗马化文明的雕塑，时间从公元前500年左右到公元200年左右。狭义的古典雕塑（Classical sculpture）则特指古希腊雕塑中从公元前500年左右到公元前323年左右的时期，未包含古风及希腊化风格，通常伴随大写字母「C」。 「古典」一词也被广泛用于描述后来雕塑的风格倾向，而不仅限于新古典主义或古典主义风格的作品。
古希腊雕塑从早期开始的主要主题就是人物，通常是男性和裸体（或接近裸体）。除了肖像雕塑的头部外，身体都高度理想化，但却达到了前所未有的自然主义程度。除了站立的雕像之外，古典雕塑一词还包括浮雕作品（例如帕德嫩神庙的埃尔金石雕）和较平坦的浅浮雕风格。雕塑作品强调人体形态，而浮雕则用来创造精致的装饰场景。
尽管大型雕塑或在中世纪前期和拜占庭艺术之中几乎中断，但随著古罗马雕塑的出土，在义大利文艺复兴时期重新流行，古典雕塑至少直到19世纪仍具有巨大的影响力。
古希腊雕塑.
可分为几个时期：
古风时期.
古风时期最重要的雕塑形式是青年立像（kouros），这是站立的男性裸体雕像（比如克琉比斯和比同）。青年立像站姿笔直，左腿些微向前，双臂放在身体两侧，反映了埃及的影响。许多古希腊的领地上都发现过青年立像，但在阿提卡和维奥蒂亚的青年立像尤为卓越，而其中大多在阿波罗圣所中发现，仅维奥蒂亚的阿波罗普托翁圣所就发现了一百多件。这些自立式雕塑通常以大理石制作，但也会以石灰石、木材、青铜、象牙和陶土来制作。它们通常是真人尺寸，不过早期有高达3米的巨像实例。
古风希腊的雕塑家似乎在风格上受到埃及人的影响，不过在早期就已发生分歧，尤其是古风希腊的男性形象往往以裸体呈现，但这古埃及艺术的各个时期都很罕见（除非描绘奴隶或敌人）。古风时期所描绘的女性人物与古埃及艺术相同，总是穿著衣服，直到很久之后才出现女性裸体。许多古风时期的标志性作品会出现被认为是「古风式微笑」的特色，这些人物塑像的嘴唇紧抿并微微上扬，眼神空洞。
在古风时期，后来所重视的自然主义骨骼和肌肉解剖学尚未发展，这可从对膝盖和其他关键关节等细节的观察中看出。此外，从更古老埃及雕像及早期的青年立像可看出，一些解剖细节似乎是「雕上去」的，但这些被切割的特征仅保留在表面，而非深入渗透成为身体的一部分，到了晚期的青年立像，其看似有弹性的皮肤则是借由下方的骨骼和肌肉从内部塑造而来的。随著古风风格逐渐过渡到所谓的古典风格，展现出了越来越多的技术性知识和技能，可以察觉出明显的进步。到公元前六世纪末，青年立像的解剖结构已经变得足够自然，导致其姿势显得不自然而须放弃僵硬的对称正面。
古典时期.
古典时期雕塑的风格和功能都发生了变化。姿势变得更加写实（参见《》，向更自然主义的雕塑过渡的例子），希腊雕塑家用各种姿势描绘人形的技能大大提高，大约从公元前500年开始描绘真人。《哈尔摩狄奥斯和阿里斯托革顿》雕像是在雅典竖立的，用于庆祝最后一位庇西特拉图暴君喜帕恰斯被暗杀。据说这件作品是第一件描绘真人的公共纪念碑。
希腊艺术家开始研究人类运动和解剖学，他们发现活人在站立时往往会表现出「重心转移」或对立式平衡（Contrapposto）。
第一件展示对立式平衡的希腊雕像是著名的《克雷提奥斯的少年》，其历史可追溯至公元前480年左右。对立式平衡很快成为希腊雕塑技术的一个决定性元素，并集大成于波留克列特斯的《规范》（Canon）之中。《规范》是一部理论著作，讨论了人体各部分的理想数学比例，并提出了人体雕塑的动态平衡，即在放松和紧绷的身体部位之间以及在各部位的移动方向之间的平衡。波留克列特斯试图透过在一件名为《规范》的雕像中实践他的规则，用于证明其计算的精准性。尽管这件雕像本身已消失在历史长河中，但原理仍在《》中得到了体现，其紧缩和放松的四肢的交叉平衡就运用了极其动态和复杂的对立式平衡。
希腊神庙是专门建造来容纳用于崇拜的大型雕像。他们认为，在据称是圣洁之地的周围放置神龛能够取悦神灵。在古典时期，雕塑家们不仅为神庙创作作品，还为已故的亲人创作悼念雕像，这些雕塑往往以死者呈休闲姿势的方式表现。成功的运动员和富裕家庭会订制自己的雕像并放置在神庙，以表达对神灵的敬意。公元前5世纪，肖像作品开始流行，出现了以将军、哲学家和政治领袖为主题的半身像。
希腊作品的高品质引起了义大利人的兴趣，并极大地影响了伊特拉斯坎艺术以及后来的罗马艺术。事实证明，罗马对希腊艺术的热爱非常重要，不仅因为传承了古典希腊风格，还因为大多数留存下来的古典希腊作品主要是以罗马大理石复制品的形式存在，原件是希腊的青铜作品。由于青铜一直是有价值的金属，大多数原件很可能在很久以前就被熔解，只有极少数名副其实的幸存作品，而且大多是在沉船中发现的。
然而，希腊人确实雕刻了大理石，并且许多古典希腊大理石得以幸存。著名的帕德嫩神庙的大理石浮雕（亦称作额尔金大理石浮雕）一直在原地保存到了19世纪初。事实上，许多幸存的古典希腊大理石都来自建筑背景。
希腊化时期.
公元前4世纪期间，古典时期过渡到了希腊化时期。雕塑变得越来越自然主义，普通人、妇女、儿童、动物和家庭场景成为被认同的主题，这些雕塑是由富裕家庭委制，用来装饰其房屋和花园。各年龄层的男女纷纷制作出写实肖像，雕塑家不再觉得有必要将人们描绘成美丽或完美的身体。大多数希腊男性雕塑都是以臀部稍微偏向一侧的方式站立。当人类以这种方式站立时，会用到更多的肌肉。
罗马雕塑.
对罗马雕塑的研究因其与希腊雕塑的关系而复杂化。即便是最著名的希腊雕塑，如观景殿的阿波罗和，也只能从罗马帝国或希腊化时期的「复制品」得知其样貌。艺术史学者曾一度认为这种模仿表明了罗马艺术想像力的狭隘，但在20世纪末时开始重新评估罗马艺术：对希腊雕塑本质的一些印象实际上可能是基于罗马艺术。
罗马雕塑的长处在于肖像，他们不像希腊人或古埃及人那样关注理想，而是创作出非常有个性的作品，以及叙述性的浮雕场景。罗马雕塑的例子被大量保存下来，这与罗马绘画完全不同，后者十分普及，但几乎全都失传。拉丁作家与一些希腊作家在其作品中描述了雕像，尤其是老普林尼在其《自然史》第34卷所提到的，其中有一些描述与现存的作品相符。虽然有大量的罗马雕塑（尤其是石雕）保存了下来，但往往或多或少是受损的或支离破碎的；真人大小的青铜像则更为罕见，因为大多数青铜像的金属都被回收了。
实际上，大多数雕像在最初创作时更加栩栩如生，色彩鲜艳。今日所发现的原生石质表面是千百年来颜料流失所致。
肖像.
肖像是罗马雕塑的主要流派，可能源于罗马传统中对家庭和祖先的重视；罗马精英住宅的入口大厅（中庭）会展示祖先的。在罗马共和国期间，不掩饰身体缺陷被认为是性格的标志，并且会特别将男性描绘成粗犷且不关心虚荣的人，而肖像是代表其经历的图谱。在帝国时代，更加理想化的罗马皇帝雕像，尤其是与有关的雕像，变得四处可见。即使是中等富裕的中产阶级的墓碑有时也会展示一些不知名死者的肖像浮雕。
颜色.
古代雕像和浅浮雕幸存下来后裸露出材料表面，因此人们通常会将古典艺术与白色大理石雕塑相联系。但有证据表明许多雕像其实都涂上了鲜艳颜色，然而随著时间过去，大多数颜色都褪色了，另外清洁过程中也会清除微小的残留物。不过在某些情况下，仍会留下可供辨识的细微痕迹。2007-2008年期间，在欧洲和美国举办了巡回展览「」，展出了20件希腊和罗马作品的彩色复制品，以及35件雕像和浮雕的原件。诸如颜料是涂一层还是涂两层，颜料研磨得多细，或者每种情况下到底使用了何种颜料结合剂，以及其他所有会影响成品外观的因素，这些细节都尚不清楚。
影响.
希腊罗马的雕塑对西方艺术产生了深远的影响，确立了艺术中现实主义的可能性和潜力。由于雕塑的相对持久性，它得以保存并继续影响不同文化和不同时代的艺术家，从欧洲到亚洲，乃至今天的全世界。
西罗马帝国灭亡后，古典艺术在欧洲逐渐失宠，但古典艺术于义大利文艺复兴早期被重新发现，被证明有著决定性影响。古典复兴时期其中一位重要雕塑家是多那太罗，许多其他雕塑家如米开朗基罗也创作了可被认为属于古典风格的作品。现代古典主义在许多方面与19世纪的古典雕塑形成鲜明对比，后者的特点包括致力于自然主义如，致力於戏剧性如弗朗索瓦·吕德，致力于感伤性如让-巴蒂斯特·卡尔波，或致力于一种庄严的宏伟如弗雷德里克·雷顿。随著21世纪到来，古典传统有几个不同方向被采纳，但对真人模特儿和后文艺复兴时期传统的研究仍是其基础。