Revista de teatros (Madrid) (1841-12-08 00:00:00), página 3

dos puntos, punto y coma, ó coma; cuál frase ha colocado entre paréntesis, y cuál otra ha puesto solo entre comas; porque si un escrito está bien puntuado (y si tiene alguna falta, debe suplirla el actor), cada una de estas notas debe marcarse con diversa entonación. En los discursos largos, necesita el actor tomar aliento algunas veces; pero ha de procurar hacerlo sin perjudicar en lo más mínimo el sentido; lo cual conseguirá fácilmente, ensayando al tiempo del estudio sus facultades, á fin de economizarlas, de modo que venga á respirar en las pausas que trae naturalmente el discurso, y procurando con sumo cuidado no separar nunca las partes de la oración que deben ir unidas, como el artículo del nombre, la preposición de su término, el adjetivo del sustantivo, ó el verbo del adverbio: porque estas faltas casi siempre producen un barbarismo que escita la risa del público.

Es defecto muy común del decir, el no dar el debido valor á las reticencias ó puntos suspensivos que suelen poner los autores, unas veces cuando el personaje no quiere ó no sabe acabar de explicar su idea, y otras cuando no puede hacerlo porque le ataja la réplica del interlocutor. Algunos actores en vez de una pequeña pausa, acompañada del ademán de querer hablar mas, ó terminar una frase, hacen un punto final seco, que trunca el sentido y produce malísimo efecto. En los dramas en verso suele incurrirse en dos vicios opuestos: algunos actores esclavos del metro, hacen una pausa marcada al fin de cada uno, lo que en lenguaje de teatro se llama ren- glonear; otros por el contrario, á fuerza de querer conservar el sentido, destruyen entera- mente la medida, y reducen á mala prosa lo que eran tal vez versos muy bellos. Uno y otro debe evitarse: el sentido es lo primero, pero los versos deben recitarse de modo que el que los oye conozca lo que son; para ello no debe-hacerse una pausa uniforme en cada uno; mas es necesario apoyarse ligera- mente en el final, ligándolo luego con naturalidad al principio del siguiente.

Otro defecto del decir se ha introducido de algunos años á esta parte en nuestro teatro, sobre todo en la tragedia, y es aquella ca- dencia acompañada, aquella especie de sonso- nete que proviene de apoyarse constantemen- te sobre un mismo tono en los finales de los periodos. A los actores franceses, de quien lo hemos tomado, no les es tan fácil como á los españoles el declamar con naturalidad; porque el verso alejandrino que recitan, en razón del mecanismo de su construcción, no puede cor- rer con la rapidez y soltura que nuestros be- llos endecasílabos; y antes bien la césura y el continuo martilleo de sus rimas, es na- tural que arrastre la afectación de que habla- mos, la cual convertida ya en hábito, se es- tiende también á la prosa. Nuestros versos, nuestro carácter mismo, piden mas naturali- dad, menos música, digámoslo así, en la de- clamacion.

LA ESPRESION. Entiendo aquí por expresion el acento ó tono con que se pronuncian las palabras, para que mas claramente repre- senten las ideas á que se refieren, y produzcan el efecto que el autor se ha propuesto. Para esto es claro que el actor habrá de acomo- dar el tono á las ideas; porque no sería en verdad bien visto ni propio, ni natural, que pronunciase con tono alegre las frases que de- ben inspirar tristeza ó compasión, se manifes- tase apesadumbrado cuando refiere cosas pro- pias para escitar la risa ó la alegría, y así de los demas afectos.

Pero no basta esto; y suponiendo que en el estudio artístico del papel, se habrá pene- rado ya el actor del valor ó importancia respectiva de cada una de las palabras que ha de decir, y hecho la conveniente distincion de las mas notables, procurará recitar con el tono natural y corriente las que no tienen otro oficio que enlazar y formar el discurso, separará con pausas mas ó menos breves las ideas en que quiera que fije mas la atención la persona á quien se dirigen, y notará con un acento mas marcado, mas alto ó mas bajo, mas rápido ó mas detenido que el resto del discurso, aquellas á que naturalmente deba dar mas importancia el personaje. Esto en algunas ocasiones es indis- pensable para verter la idea del autor. En el Avaro, por ejemplo, en la penúltima esce- na del acto quinto dice D. Onofre á D. An- selmo: «Esta afrenta recae sobre vos, Sr. Don Anselmo, y debeis mostrarnos parte contra él y seguir, á vuestras costas, todos los trámites judiciales hasta quedar vengado de su inso- lencia.» La especie de paréntesis á vuestras costas, es un rasgo que pinta el carácter del personaje, y de consiguiente debe marcarla el actor con una rápida transición, que la ha- ga resaltar del resto de la frase; porque de otro modo se perdería el efecto que el autor se propuso. Otro ejemplo podemos citar en el acto primero de nuestro Pelayo: descubierto ya éste, habla lleno de fuego á Munuza á pre- sencia de Hormesinda, á la que acaba de re- convenir ágridientemente por su debilidad, y diri- giéndose al caudillo sarraceno, le dice con alti- tivo despecho:

«Yo te oborrezco y te persigo, y ella ¿Cuál delito es mayor? ella te ama.»

La frase intercalada, ¿cuál delito es mayor? es una inspiración feliz del poeta, porque ma- nifiesta con solo una pincelada, que es tan atroz á los ojos de Pelayo el delito que co- mete su hermana, amando al tirano de su