Gaceta musical de Madrid (Madrid. 1855) (1855-07-01 00:00:00), página 2

línea de progreso que la Italia, y únicamente la Francia y la Inglaterra estaban mucho más atrasadas a principios del siglo XVIII, bajo el punto de vista de la expresión y colorido.

En Italia Alejandro Scarlatti, en Alemania Keiser, Haendel y en Francia Rousseau, esos cuatro grandes hombres que tanto se distinguieron por su genio y talento, hacían un uso constante del fuerte, piano, y piano assai en muchas de sus obras. También por ese tiempo aparecen en algunas obras de autores españoles ciertas palabras que indican la intensidad del sonido, ó sea piano fuerte, etc., y entre ellas citaremos un motele de D. Sebastian Duron, en el que se encuentran las palabras á toda voz, que quiere decir fuerte, quedo piano, eco pianissimo, y en otra partición se halla la palabra puntuado, pizzicato, etc. El primero que hizo uso del aumento y disminución progresiva de la intensidad de los sonidos (creciendo, diminuendo), fue Carlos Felipe Emmanuel Bach, hijo de Sebastian Bach, á mitad del siglo XVIII. Antes del descubrimiento de estos matices, Bach, hijo, había ya hecho uso de otros signos en la música de piano (instrumento que hacia poco se había introducido en el arte) como la f, doble ff, p, doble pp, mf (medio fuerte), sforzando). No es necesario decir que cuantos vinieron detrás de Bach, adoptaron los signos que él había empleado para el colorido de sus obras, como se ve en todas sus particiones. Algun tiempo después, Duni en Francia, empezó á usar de la FP (fuerte piano) y PF (piano fuerte), y además, de este signo sobre notas tonadas. Al mismo tiempo que se adelantaba en los signos de intensidad, se empezaba á hacer uso del pizzicato, staccato, tremolo y toda clase de articulaciones en los instrumentos de cuerda, como asimismo de las indicaciones respecto del carácter general de la expresión, por ejemplo: andante, cantabile, con affetto, largo, etc. Vino Haydn, algún tiempo después Mozart y más tarde Beethoven, tres grandes genios, cuyas obras están llenas de signos de expresión. Desde que Rossini empezó á escribir hasta hoy, se han aumentado considerablemente los signos de intensidad, los de articulación, las alteraciones de movimiento, y otros varios que se hallan en todos los métodos de solfeo y demás obras elementales.

Al dar esta corta noticia histórica de la expresión en música, nuestro objeto ha sido únicamente demostrar los adelantos que se han hecho en esta materia desde dos siglos y medio á esta parte, y muy especialmente en el transcurso del último, es decir, desde la mitad del siglo XVIII hasta hoy.

El gran partido que de todos estos recursos han sabido sacar en Francia, Alemania, y en algún tiempo en Italia, como lo prueba la exactitud en la ejecución de las obras de todos géneros, así instrumentales como vocales, es sorprendente. Las sociedades de coros que se han organizado en Alemania, Bélgica y Francia, han llegado á un grado de perfección admirable bajo todos conceptos. No solamente hacen uso de todos los matices antes indicados, sino que á veces acompañan los solos con la boca cerrada (chiusa), aplicando á este sistema todos los acentos del colorido, lo cual es de un efecto maravilloso. En ciertas épocas del año, y en distintas poblaciones, hay unas especies de oposiciones (concours), en donde acuden las sociedades de coros de todas partes á manifestar sus adelantos ante un jurado presidido por la municipalidad y compuesto de los profesores mas respetables en el arte, quien dá un premio á la mas sobresaliente, lo cual, ademas de servirles de estímulo, es uno de los mejores medios para el verdadero progreso de noble arte que cultivan.

Cuando nosotros vemos el estado de apogeo en que se halla la música en las naciones antes mencionadas, y reflexionamos en lo mucho que nos falta aun para llegar al grado de perfección que ellas poseen en la parte de ejecución, el alma se nos llena de tristeza. Y esto es tanto mas triste, cuanto que nuestra inferioridad no es debida á la carencia de disposición natural, sino mas bien á nuestra desidia y demasiado amor propio. Estos defectos son suficientes para que jamás lleguemos á interpretar la música según los buenos autores la han concebido.

Nosotros vamos á indicar el camino que debe seguirse, si queremos salir de la mediocridad en que nos hallamos. El deber de un director de orquesta, es (partiendo del principio de que reina en sí las cualidades y conocimientos que debe tener en la materia) el de estudiar muy detenidamente, bajo todos aspectos, la partitura que leha dirigir, no solamente respecto de las modificaciones de claro-oscuro, de tiempos y de sus alteraciones, etc., que en ella están escritas, sino que debe procurar identificarse con el carácter general de la obra, penetrando el pensamiento del autor, e indicar á sus subordinados ciertos efectos de un orden superior que no siempre se les alcanza, y cuyos acentos muchas veces no pueden anotarse con signos. De nada servirán todos cuantos esfuerzos haga un buen director para el acertado desempeño de una pieza de música, si todos los individuos que componen su orquesta no le secundan con la mejor buena fe, haciendo exactamente todo cuanto está anotado en su parte respectiva, desde el primero al último matiz, ó si son poco cuidadosos del cumplimiento de su obligación, ó no tienen la suficiencia necesaria para desempeñar su parte.

Uno de los defectos capitales de que abundan nuestras orquestas, es el afán que tienen la mayor parte de los individuos que las componen, de querer que se les oiga mas que á los que están á saludo, estos á su vez imitan á aquellos por no querer quedar obscurecidos, lo que comunmente dá por resultado el que se oiga menos la parte ó melodia principal que la de acompañamiento; y esto dimana de una preocupación muy arraigada