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extravagancias, cuando se ingirió en el moribundo culto gentílico el culto oriental de Mitra; á caer en tal degradación, que se ajustaban jaspes de colores para simular los del ropaje; se labraban pelucas de piedra para cambiarlas según la moda, y se terminaba detalladamente el cuerpo de la estatua, dejando desbastada apenas la cabeza, para completarla luego, según fuese el emperador á quien se dedicase, ó según conviniera al comprador que la adquiriese.

Al acabar la Edad antigua, no existía en todo el Bajo Imperio ni un artista para tallar el busto del Emperador en las monedas. Tras la agonía, la muerte.

III

Los primeros tiempos del Cristianismo fueron funestos al arte. La irrupción bárbara, victoriosa por do quier, primero; el odio de los discípulos de Cristo á toda estigie pagana, después; los furores de los iconoclastas, por último, destruyeron á porfía las más preciosas obras de la antigüedad. En Roma, en Atenas, en Bizancio, en Egipto, cayó la furia devastadora como un alud que lo arrasa todo. A nombre de la religión naciente, el emperador Teodoro mandó destrozar, sólo en Egipto, cuarenta mil estatuas. La superstición, que rara vez se divorcia de la fe absoluta y ciega, sugería á los cristianos la idea de que los ídolos gentílicos albergaban en su interior espíritus infernales, y al derribarlos, no creían derribar únicamente un símbolo de idolatría, sino un refugio del diablo.

Una de las primeras herejías, la de los gnósticos, créese que introdujo las imágenes de Jesús, y como pretendía amalgamar la nueva doctrina con las teosofías paganas y orientales, le tributaba culto al par que á Platon. Luego apareció para el arte escultórico una edad muy semejante á la egipcia. El sacerdocio imperaba sin obstáculo; la Iglesia dirigía las conciencias como las acciones.

Convino entonces en representar al Salvador con forma terrenal, y lo mismo á la Virgen más tarde; pero los artistas eran monjes; ni el desnudo ni el antiguo podían estudiarse; la misma ejecución plástica de la imagen estaba subordinada á reglas y su-
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peditada á ritos; Tertuliano, San Cirilo, San Clemente y otros Padres de la Iglesia—atribuyendo, con razon, á Jesucristo, el emblema de la abnegacion, de la humildad y de la pobreza, y el alejamiento, por ende, de cuanto signifique júbilo para los sentidos ó encanto para las pasiones—decretaron que Jesús no era bello y que debía ser representado como «el más feo de los hijos de los hombres». Por otra parte, los primeros cristianos, oriundos de Judea, país sin tradicion artística y sin amor al arte, llegaron á países donde el arte estaba íntimamente ligado con el paganismo; y como los mismos Santos Padres decían del artista, "que es la mano que ejecuta y no el pensamiento que concibe", de aquí, que en escultura, como en pintura, apareciesen aquellas imágenes escuetas, austeras y entumecidas, aun más tristes y muertas que las momias esculpidas de los egipcios. Arte lastimoso, en verdad, pero natural y vigorosa protesta de un culto, todo mortificación, mansedumbre y penitencia, contra un culto, todo fuerza, y orgullo y sensualismo. Era, en la soberbia satíral romana henchida de flores, de cantos, de aromas y de danzas, la aparición aterradora de Lázaro, que á la voz de Cristo salía lívido y descarnado de su tumba.

En la arquitectura ojival halló amparo y respiro la escultura. Verdad es que no existia independiente; verdad es que estaba como clavada al muro; verdad es que no era libre en la eleccion de tema; pero las figuras, si todavía flacas y duras, empezaron á ser esbeltas como las ojivas, á cuyo pie nacieron.

Al propio tiempo el municipio se alza ya frente al convento: el ciudadano compite con el fraile, y el arte deja de ser hierático y se seculariza. Pueblan los escultores con obras de su mano las iglesias góticas; las hornacinas, los florones, los doseletes, los pináculos, los botareles y canalones mismos se animan con millares de estatuas. Las figuras son motivo de ornamentacion únicamente; pero ¿qué gallarda fantasía, qué facilidad de ejecucion, qué invencion prodigiosa la que revelan las Virgenes, los Cristos, los Santos, los ángeles, los prelados, los monjes, los guerreros... y hasta los enanos, las quimeras, los tragos y las alimañas de toda suerte que se abrigan, se encaraman, trepan, corren, suben, giran, descienden, rodean, soportan, penden y se hunden por todos los resaltes, por todas las molduras y por todos
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los relieves de aquellas maravillosas catedrales, de aquellos templos cuyos rosetones parecen mágicas florescencias de la piedra; cuyas bóvedas parecen las manos unidas para el rezo, y cuyas ventanas, mucho más elevadas que las puertas, parecen rasgadas en el muro para fijar el iris en sus cristales de colores, subir con el incienso á los espacios ó bajar con los querubines desde el cielo!...

Seguía, empero, el arte sin haber roto por completo las fajas del embalsamador. Los cruzados, al tornar de Oriente, no habían traído más que ideas vagas de las imágenes bizantinas cargadas de joyas y presas, y torpes e inexpressivas, como (según apuntado queda) los groseros ídolos del paganismo primitivo, ó las abigarradas y ridículas imágenes del catolicismo meridional moderno. Cúpulas á Italia, á Pisa, en opinión común de los autores, la gloria de la resurrección de la escultura; resurrección que fué una vida nueva.

Vasari, ese Plutarco de los artistas, cuenta que la llegada á Pisa de unas naves, que traían, como despojos de la Grecia, un sarcófago donde estaba trazada en relieve la caza de Meleagro, despertó en Nicolás (llamado el Pisano por antonomasia) un mundo de ideas que, sacudiendo el letargo que adormecía á los artistas, trazó camino ancho, espacioso y bello á la escultura.

A Nicolás sucedieron Juan y Andrés Pisano. Las puertas que de éste existen en el Baptisterio de Florencia, declaran cuánto en breve espacio se había adiestrado el buril. Mas quien con otras puertas del mismo Baptisterio abrió de par en par al génio de las artes, el palacio triunfal del Renacimiento, fué aquél Lorenzo Ghiberti, que, en empeñado certámen, dispuesto para la obra de las mismas, con Jacopo della Quercia, Nicolás d'Arezzo, Francesco de Vandabrina, Simon da Colle, Filippo Brunelleschi y Donato de Nicolo, llamado Donatello, venció á los cuatro primeros y fué proclamado vencedor por los dos últimos.

A estos, ilustres todos en su arte,—particularmente Donatello, que pecaba de realista (y que hizo por tanto lo verdadero más que lo bello) y Brunelleschi, á quien, por lo que Vasari afirma, cedió el anterior la palma en escultura con nobleza y magestad;—á estos, digo, siguieron otros no menos ilustres: Lucca
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della Robbia, que aplicó el esmalte y el color á los barros cocidos, y cuyas obras le otorgan muy privilegiado lugar, así entre los ceramistas como entre los estatuarios; Andrea Verocchio, cuya estatua ecuestre del condottiero Colleone, erigida en Venecia, pasa como modelo y tipo, por nadie todavía aventajado; Andrea Sansovino, cuyo talento de escultor corría parejas con el talento de arquitecto, y que dejó, entre otras muestras de ambas aptitudes, el grupo de San Juan y Jesús en el citado Baptisterio de Florencia, y en Venecia el palacio de la Biblioteca de San Marcos.—Después, brotó Miguel Angel Buonarroti.

Miguel Angel es más que un artista; es el arte. Fué pintor, escultor, ingeniero, arquitecto, poeta. Bajo la ancha bóveda de su frente cabían los génios todos del pensamiento. Su vida, agitada y tempestuosa, como los Profetas de la Capilla Sixtina, fué un batallar sin tregua con el pincel, con el compás, con el cincel, con la pluma, con la espada. Resistió á príncipes y á Papas; dominó religiones y mitologías; ablandó el mármol y el bronce. Fué sabio en dirigir edificios; táctico al disponer fortificaciones; galano al escribir poesías; grandioso al pintar cuadros; arrogante al esculpir estatuas. Alguien habrá podido rivalizar con él en una de las artes; reinar en todas como él, ninguno. Si la diestra robusta del Júpiter de Fidias, empuñaba un haz de rayos, la diestra del Buonarroti, empuñaba, águila de cetro, las artes todas del dibujo. Fué un génio sin padres ni hijos; los que lo precedieron tantoaban, los que le siguieron desvariaron. Fué como la montaña; cansancio al subir; indiferencia al bajar; fortaleza y admiración sólo en la cumbre. Su lápiz daba bulbo al lienzo; su escoplo hacia gritar á la piedra. Sus figuras no conservan la serenidad olímpica del dios clásico; se agitan furiosas como Ixion en la rueda que lo descovanía, ó como Prometeo bajo el buitre que lo rie. Sus sonetos cantan un amor imposible; sus pinturas rebasan el caballeta, sus estatuas calcinan el pedestal.

Viejo ya, en la edad en que las fuerzas yacen exhaustas en otros, dejó, cual testamento de un titán, la figura más imponente de la escultura; la página más grande de la pintura; la corona más alta del arquitecto; la estatua de Moisés, el fresco del Juicio final; la cúpula del Vaticano. Murió y dejó un trono
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vacante. No ha habido en el arte principio alguno que osara sentarse en él.

Mas, sin moderar el entusiasmo que Miguel Angel inspirar debe, conviene advertir que produjo grave perturbación en el arte, y que inició una escuela de fatales ejemplos y lastimosos resultados. Buonarroti se había emancipado de toda ley, porque sus brios le permitían vivir á contrafuero; había roto los cánones antiguos, porque el génio los lleva en sí. Pero las reglas que el génio inventa sirven solo para él, como la clava de Hércules sólo podía blandirla su dueño. El error de los sectarios consiste siempre en querer apropiarse esas reglas. A Miguel Angel, pues, sucedió Juan de Bologna, que es la imitación, Bacio Bandinelli, que es la exageración, y Lorenzo Bernini, que es la caricatura.

Los tres, sin embargo, poseían raras prendas y poderosas facultades; los tres obtuvieron calurosos aplausos de su época; y el audaz Mercurio de Bologna, parece todavía lanzarse por do quiera á publicar la triunfante osadía de su autor.

Un artista, platero de oficio, se desvió un tanto de la corriente y mereció nombre y lugar aparte en los anales artísticos de Italia y del mundo entero. Aludo á aquel Benvenuto Cellini, escultor de gran monta, cincelador consumado, artista turbulento y espadachin feroz. Él consignó que la plata y el oro fuéen más ricos como labor que como metal. Por él la Plaza de la Señoría, en Florencia, se honró con un Perseo en bronce que ostentaba todas la estatuas vecinas, con ser éstas el Hércules y Caco de Bandinelli, la Julia de Donatello, El rapto de las Sabinas de Bologna y el David de Miguel Angel.—Yo he pasado una noche de primavera, á la luz de la luna, en los bancos de la Loggia dei Lanzi de la plaza en cuestión, con los ojos clavados en aquella estatua, y anhelando que fuese mi retina cámara oscura, en la que para siempre quedase grabada la gallarda figura del Perseo.

A pesar de los nombres de Alejandro Algardi, Pietro Torrigiano, el citado Bernini (arquitecto también) y otros de notable valía, la escultura debilitó en Italia sus acentos; hasta enmudecer del todo en el pasado siglo.

Al comenzar el presente, el pintor Luis David inauguraba en
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Francia el neo-clasicismo (el pseudo-clasicismo, más bien) y Antonio Canova, en Italia, seguía rumbo igual en la escultura. Y sucedió á uno y otro con el paganismo, lo que con el cristianismo sucedió muy poco después en Alemania á Overbeck y su secta, y fué que sus obras resultaban incompletas y frías, porque le faltaba la fe. En vano los unos se afanaban por repetir las figuras candorosas y devotísimas del Perugino y el Beato Angelico; en vano los otros querían evocar los manes de Polygnoto y Praxíteles. Ni el Espíritu Santo ni la Pithonisa les inspiraba; se imaginaban católicos fervorosos ó idólatras ardientes, pero no lo eran; y se expresa muy bien lo que se siente, pero no lo que se quiere sentir.

De este defecto adolecen los trabajos escultóricos de Canova: es correcto, pero frío; delicado, pero blando; elegante, pero teatral. Si en Teseo y el Minotauro, del Volksgarten de Viena, pugna con bizarría por emular á los grandes maestros de la escuela dórica, en Psiquis y Cupido del Louvre degenera en la afeminación, haciendo lo bonito y no lo bello.

Es, empero, Canova el único artista que descuelga en más de cien años de trascurso, y antes y después de él (hasta nuestros días) la escultura italiana, excepción hecha de Tenerani, apellidado "el escultor de la gracia," carece de digno paladio que la defienda.

En tierra de Francia prende muy tarde el arte de modelar, pero, en cambio, desde que arraiga apenas deja de dar frutos ó ramos ó, por lo menos, brotes. No destaca en la tropa de sus artistas un Ghiberti, un Buonarroti ó un Cellini, mas tampoco queda por años, y aun por siglos, huérfano y expósito el arte.

Michel Colomb, autor de la tumba de los duques de Bretaña en la catedral de Nantes, es, según René Menard, el primero cuyo nombre ha sido transmitido á la posteridad. En el siglo xvi florece Jean Gonjon (á quien se debe la Diana en reposo y las Cariatides, selladas con la huella más primorosa del Renacimiento), Germain Pilon, Jean Cousin, Louis Guillain, Pierre Sarrazin, Miguel y Francisco Anguier. Después, en el llamado siglo de Luis XIV, Pierre Puget, pintor, escultor y arquitecto, principalmente ensalzado por su Milon de Crótona; Girardon, que se distinguió por el Sepulcro de Richelieu, en la iglesia de la Sor-
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bonne; Dupré y Varin, que grabaron medallas de relevante mérito.

En el siglo pasado y á principios de éste, mientras en el resto de Europa surgía, cuando mas, alguna entidad aislada, Guillaume Costou esculpia, á la entrada de los Campos Elíseos, los fogosos Caballos llamados de Marby; Sigisberte Adam, el grupo central de la Fuente de Neptuno en Versalles; Bouchardon, la Fuente monumental de la calle Grenelle; Falconet, la estatua de Pedro el Grande en San Petersburgo; Pigalle, un singular retrato de Voltaire desnudo, dechado de realismo; y Houdon, otro Voltaire de relevante mérito, hoy admirado en el salon de descanso del Teatro Francés. Más adelante suenan los nombres de Pajou, Julien, Clodion (afamado por sus barros-cocidos), Cartelier y Chaudet, adeptos del nuevo clasicismo. Por último, asoman David d'Angers, que hizo el magestuoso frontis del Panteón; Pradier, que produjo la linda figura de Atalanta, y Rude que vivificó uno de los lados del Arco de la Estrella, con el enérgico grupo que entona el Canto de partula.

Si Inglaterra no puede citar apenas más que á Flaxman, dibujante severo y correctísimo de los poemas de Homero y de Hesiodo, y cuyas estatuas no han perdido la glacial naturaleza del mármol, Alemania, por su parte, puede lisonjearse de contar una genealogía no escasa de escultores.

Díganlo, si no, Adam Krafft, que grabó bajo-relieves al modo pintoresco que el Renacimiento introdujo, y esculpió en ellos figuras vulgares (siquiera el asunto fuese elevado), como hacia el pintor Rembrandt; Peter Vischer, que, por el contrario, idealizó sus esculturas á la manera de los más ilustres florentinos: Danncker que (tras dos siglos enteros de sopor no interrumpido en el arte), labró el grupo de Ariadna y la pantera, en donde quiera copiado y conocido; Schwanthaler, más compositor que ejecutor, el cual, con los pintores Cornelius, Overbeck, Kaulbach y otros, y con los escultores Wagner, Halbig y alguno más, trocó, por voluntad del Rey Luis, á Munich en una nueva Atenas; por fin, Christian Rauch, de todos quizá el más brioso, autor del magnífico monumento á Federico el Grande.

Pretenden apropiarse los alemanes, como suyo, un dinamarqués, hijo de padre islandés y de madre escandinava, que estu-
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dió en Roma con Canova, entonces en gran crédito; que esculpio también figuras mitológicas con notable pureza de líneas; que trazó un friso á la manera griega (La entrada de Alejandro en Babilonia), considerado como su producción de más valía, y que tenía por nombre Thorwaldsen.

Con respecto á nuestra patria, reducida es su historia en este punto. Castilla se lisonjea de haber visto florecer á Berruguete, hábil sobremanera en la traza de retablos y en la talla de sus figuras; Sevilla ostenta, entre sus ilustres hijos al gran tallador de imágenes Díaz Montañés; Múrcia se envanece con Zarzillo, que alzó en los altares santos dignos de devoción artística, á la par que religiosa; Granada se precia de haber producido á Alonso Cano, pintor, escultor y arquitecto de no escaso renombre, que, como Miguel Angel, sobresalía en las tres artes del dibujo, y cuyo San Francisco, una de sus más geniales producciones, tiene la realidad de Velázquez, el ascetismo de Zurbarán y la idealidad de Murillo.

Terminado este mal hilado bosquejo histórico, conviene, antes de entrar en la vida contemporánea, y por consecuencia en el estado actual de la escultura, que abarquemos de una ojeada el camino que acabamos de recorrer. Que pasemos la narración por el crisol de la crítica.

IV

"El arte antiguo, —asegura Springer, docto profesor de Leipzig—presenta de un modo admirable en cada estatua, sea cualquiera la época á que corresponda, las reglas generales de la escultura."—"La escultura no se inspirará nunca mejor, —dice Carlos Blanc—que acercándose al arte antiguo, no para copiar á los griegos, sino para sazar de sus mármoles las invariables reglas cuya excelencia nos probaron." Hace notar Winckelmann, que la grandeza de alma de las figuras griegas llegaba á tanto, que ni el dolor descompone su semblante. Observa Lamennais que en la forma divina de aquellas estatuas, Dios se hace hombre de nuevo, y hombre de sin igual belleza; afirma Taine que si en la vida prosáica de hoy queremos buscar la forma perfecta, hemos de acudir á las estatuas de los griegos.

No apelaré á más citas; recordaré tan sólo que, viejo y ciego,
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ya Miguel Angel, hacíase conducir hasta un torso griego que conservaba y conserva el Vaticano, y no pudiendo con los ojos, lo acariciaba y admiraba con los dedos.

Y es que la escultura griega alcanzó, no hay que dudarlo, la suma perfección. Las acciones y reacciones de los tiempos; los azares de la opinión, de la moda ó del capricho, podrán hacer más ó menos estimable, más ó menos comprensible el arte helénico, pero no bien la corriente del buen gusto entre en el cauce de la ciencia estética, Fidias resplandece en el zénit de la escultura, como Homero en el zénit de la poesía. Los siglos y las generaciones se han afanado en balde por eclipsarlos ó velarlos; las nubes se han borrado presto, y aquellos astros del génio han brillado con más fuerza que nunca. El hombre moderno, que ha llevado su saber y su análisis hasta encontrar manchas en el sol, no ha podido hallarlas en los mármoles del Parthenon ni en las estrofas de la Iliada.

Y no es maravilla que á tanto llegaran los hijos del Atica y de Lacedemonia. Los elementos todos de vida conspiraban allí para hacer una religión del arte y un dios de la belleza. La armonía de formas corporales en una raza por excelencia hermosa y fuerte; la armonía también del cielo, del suelo y del mar, en los que crecía aquella raza; el traje, que no velaba el desnudo, sino para delatarlo mejor; la educación, que se repartían los juegos de la palestra para vigorizar y perfeccionar el cuerpo, y los ejercicios de la filosofía para embellecer y sublimar el espíritu; la hermosura de la mujer, que aunque adornase á una cortesana, era reverenciada en las Academias, obedecida en los tribunales y deificada en los templos.

Las largas teorías de garridas doncellas, marchando al compás del ritmo sacro; las danzas ligeras de efesbos al son de los crótalos y los cymbalos; las carreras de agilidad por desnudas jóvenes; los juegos del disco, por apuestos mancebos; el reposado continente del sacerdote—seguido de las canéforas con sus cestillos de flores á la cabeza, y de las panateneas con sus túnicas inmaculadas,—que subía las gradas, atravesaba el peristilo y penetraba en la misteriosa cella, donde la deidad recibía adoraciones. Y por marco de estos cuadros encantadores, una arquitectura simple, noble y pura como el primer amor de hermosa virgen.
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¿Cómo no ser artista, y artista del relieve, en aquel pueblo? ¿Qué otro ha existido que gozará de sus dones? De él salió aquel varón insigne, aquel Sócrates, el cual, antes de enseñar á Platón una doctrina que, atravesando sin menoscabo el cristianismo, ha llegado admirable y admirada hasta nosotros,—antes de enseñar con palabra divina y morir con muerte evangélica, había sido escultor y había producido el grupo de las Tres Gracias, emblema quizá de la trilogía inmortal y perdurable de la verdad, la bondad y la belleza.

El arte de todas las naciones antiguas se desvanece al lado del arte griego, como el de todas las naciones modernas palidece al lado del arte italiano. Para caminar solamente por las regiones supremas artísticas habremos de saltar de Atenas á Florencia; bogando por el Cefiso, llegaremos sin sentirlo al Arno.

Aquí notamos fenómenos distintos. Los escultores son, ó han sido, pintores, y modelan, por tanto, como pintan. Las estatuas pierden el reposo celeste y la ceguera sublime del Olimpo; necesitan moverse y mirar, en una época que en religión como en arte, en política como en ciencia, hay lucha y guerra y tempestad. El escultor, al abrir con su buril la pupila de la dura efígie, deja caer en ella una chispa del fuego que lo abrasa; al acusar con duro martillazo la atlética musculatura de la estatua, no sólo prueba que el cadáver, profanado ya, delata los secretos de la anatomía, sino que, además, so umenester miembros vigorosos y tendones de hierro para el rudo batallar del siglo.

Los griegos, más que dejaban ver, dejaban adivinar; sus dioses no se confundían con los mortales; jamás perdían la cadencia soberana, que era ley en toda obra de arte. Pero los florentinos, si apelaban al Olimpo, como si apelaban al Paraíso, era para que santos y dioses, Cristo y Júpiter, combatieran á favor de la república, y amenazasen y confundiesen á los enemigos de ella. Cuando esculpe Miguel Angel á la Virgen, no es para imaginarla candorosa, estática y bienaventurada, como la imaginó, v. g. el Beato Angélico; es para presentarla transida de dolor, demacrada por espantoso tormento y sosteniendo en sus brazos el cadáver ensangrentado de su Hijo. Diríase que simboliza á Italia dolorida y atormentada sosteniendo en los brazos su ventura muerta.