ferjorosa/bne-hemeroteca-ocr-xix huggingface dataset:
Revista de España (1873-05-01 00:00:00), página 472

patria y en Italia, constantes en la guerra santa contra la tirania y frivolidad francesas, dice Cornelius recordando aquella temporada tan feliz, hemos pasado entonces por las sendas de siglos, en condición modesta, sin sed de oro, no conociendo ni la torpe envidia, ni la ambición, que con su fiebre mata.

El primer fruto de sus estudios romanos fueron los dibujos de nuestra gran epopeya nacional, los Nibelungen en los cuales manifiesta ya su singular talento para la pintura monumental, para los cuadros al fresco. En aquellos dibujos evoca las gloriosas tradiciones de la nación germánica, excitando la fantasía, animando los corazones y encendiendo las voluntades de los hombres patriotas, de modo que los grandiosos Nibelungen pudieran llamarse la campaña de 1813 á 15 que nuestro Cornelius emprendió contra los franceses. «¡Renació el arte!» exclamó Goethe del fondo de su alma, en la explosión de su entusiasmo; y lo mismo que el marqués de Auñon canta de Murillo diciendo:

¡Oh Patria! cuando el sol de tu grandeza
Lívido ya se hundía,
El génio se nublaba en tu cabeza
Y tu fulgido cetro se rompía:
De tu amargo infortunio en los enojos,
Murillo se levanta,
Dá nueva luz á tus cansados ojos
Y su pincel tu corazón encanta!

pudiera emplearse también á Cornelius y al arte aleman que es la conciliación del arte cristiano con el arte clásico. La humillación sin segundo, la memoria del decaimiento de la importancia nacional y la heroica exaltación fecundaron la semilla del arte aleman, que es en el día un árbol frondoso que nos dá sombra: los días que vieran el espectáculo sublime que todos, haciendo dejación de sus contiendas de partido, recordando sólo que eran hijos de Arminio, ofrecían su existencia como holocausto en aras de la patria, aquellos días deberían ver también la gloriosa resurrección del arte germánico: Karstens resultó en Cornelius alcanzando una grandeza titánica. En la cuna del arte aleman no hubo ningún Mecenas, ningún Médicis: ¡Honor á los hijos del pueblo, cuyo pecho no inundó otro júbilo igual que cuando desnudos de ambición enriquecían su patria con los tesoros de su génio!

Pero en Roma, donde los hombres bajo los rayos de un sol abrasador tienen corazones tan fríos, se devoró nuestro pintor por la nostalgia á su
Revista de España (1873-05-01 00:00:00), página 473

patria que le inspiró las palabras: «Amigos míos, cuando regreseis á la patria, saludad á todos los buenos que aun se acuerden de mi. Pensad en mí en las cumbres libres, en la selva umbria y santa, al murmullo de los ríos alemanes. Pero cuando llegueis al altivo Rhin, saludad al anciano, aclamad mi nombre con voz alta en las ondas profundas, habladle de mi anhelo de volver á la patria. ¡Pero cuando entreis en la catedral de Colonia, acordaos de mi ante el Señor, para que vuelva al país de mis padres!»

Cornelius ejecutó de mano maestra sus primeros frescos en casa del cónsul Bartholdy en Roma. Aquella casa es un verdadero santuario del arte y dió cuna á la moderna pintura alemana: Cornelius, Overbeck, Schadow y Veit, unidos entonces como nunca habían estado antes y nunca estuvieron después, trabajaron allí con su entusiasmo de artistas. Todos convienen en que el mejor de los frescos es el de Cornelius, en que pinta á Josef reconocido por sus hermanos. Aquel cuadro fué tan aplaudido que el marqués Massini encargó al artista varios frescos sobre los poemas del Dante, y en efecto ningún pintor desde Miguel Angel ha comprendido á aquel místico poeta tanto como Cornelius. El ilustrado Niebuhr, embajador del rey de Prusia en Roma, el maestro de Federico Guillermo IV y erudito-simo historiador, fué el amigo de los artistas alemanes en la ciudad eterna, y sobre todo admiró á Cornelius, cuya inteligencia según el testimonio de Niebuhr era tan extraordinaria como su talento y su genio. Gracias á la eficaz recomendación de Niebuhr, nuestro pintor fué en 1821 director de la academia de Düsseldorf, inaugurando allí el período más feliz de la pintura alemana. Pero ¡ay! tan breve fué aquella temporada que me ocurre recordar los versos que la vista de una hermosa rosa inspiró al divino Rioja.

Tan cerca, tan unida
Está el morir tu vida,
Que dudo si en sus lágrimas la aurora
Muestra tu nacimiento ó muerte llora.

El maestro, guiado por su buena estrella, trasladó en 1826 su domicilio á Munich y dió remate allí á los cuadros homéricos de la «gliptoteca», cumpliendo así el encargo de Luis de Baviera, que este le dió en 1818 cuando estuvo en Roma. Quien quiera estudiar á Cornelius debe venir á Munich: los frescos de la «gliptoteca», los cuadros de la sala de dioses y los de la sala troyana, valen por sí solos una expedición á la capital de Baviera, así como el Museo nacional vale un viaje á Madrid. Cornelius nos presenta allí á los antiguos, nos enseña á Homero, nos presenta una se-
Revista de España (1873-05-01 00:00:00), página 474

gunda Iliada de inestimable valor. Pintando aquellas figuras sintió la sangre de los antiguos dioses por sus inflamadas venas.

¡Qué levantados pensamientos! ¡Qué riqueza de símbolos! ¡Qué augusta composición! ¡Qué simetría arquitectónica, unida á la riqueza en los detalles! ¡Qué imaginacion creadora! ¡Qué génio histórico! ¡Qué perfeccion en las figuras y en los grupos! ¡Qué pasion tan verdadera y tan exenta de efectos teatrales!

El cuadro modelo que nos ofrece la pintura de la historia profana, es sin contradiccion alguna la perdicion de Troya, esta encarnacion artística de una tragedia de los antiguos. ¡Qué pasion trágica revela la profetisa Cassandra ornada de una corona de Apolo!

El 25 de Agosto de 1829 se colocó la primera piedra de la iglesia de Luis en Munich, y el eminente pintor del Fausto, de los Nibelungen, de Josef, del poema del Dante y de Homero, el pintor poeta que se sumergió en el mundo de los dioses olímpicos, en la grandeza austera de Esquiló y en el casto candor de Sófocles, pintó los frescos de aquella iglesia, entre los cuales ocupa el primer puesto la representacion del supremo juicio que puede ser comparada sólo con el lienzo de Miguel Angel en la capilla Sixtina, además de ser la pintura más colosal en el mundo, pues tiene 63 pies de altura y 39 de ancho. Aquel cuadro habla al alma y nos infunde el más profundo respeto: el perverso ve su imagen, el traidor mira el precio de su traicion, el hipócrita contempla su vergüenza, el tirano su maldicion, pero el bueno siente los goces inefables de la bienaventuranza. Cornelius dió término al carton en 1835 en Roma, y en 1840 se celebró una gran fiesta en Munich con motivo de la conclusion de los frescos. Cornelius fué en Munich el primero después del rey.

Pero ¿quién lo hubiera imaginado? El rey Luis manifestó al artista su disgusto respecto de los frescos de la iglesia de Luis, y este aceptando la invitacion del rey Federico Guillermo IV de Prusia partió para Berlin en 1841.

Memorable en la vida artistica de nuestro héroe tué un viaje por Inglaterra: viendo allí trozos de Phidias, fragmentos del escultor que representa la armonia absoluta entre la forma y la idea, y los cartones de Rafael en Hamptoncourt, abrió nuevos horizontes á arte y comenzó—¡cosa extraña! ¡cosa admirable!—¡á aprender el arte verdadero á la edad de sesenta años!

El rey de Prusia le encargó labrar para el principe de Gales un talisman del arte, un «escudo de la fé» en plata, oro y piedras preciosas. Jamás podrá admirarse bastante la riqueza de aquella composición.
Revista de España (1873-05-01 00:00:00), página 475

Concluyó también en Berlín una pintura al óleo, representando á Cristo en el limbo. ¡Cosa increíble! Aquella creación portentosa tuvo que luchar contra la crítica berlinesa, pero en la lucha con la liga poderosa de enconados enemigos llegó el genio á su apogeo, ganando una nueva juventud, es decir, rejuveneciéndose.

Lo más sublime del arte, la más galana flor del arte clásico, la encontramos en los cartones cornelianos para el campo santo, el panteón real en Berlín, que según el proyecto del rey Federico Guillermo debía unirse á una gran catedral protestante. El anciano, en quien los años no entibiaron ni el vigor de la fantasía ni el entusiasmo ardiente, nos representa allí las más sublimes ideas de la humanidad en la forma más cumplida. La idea que representa es la del apóstol Pablo: «La muerte es la pena de los pecadores, pero la gracia de Dios es la vida eterna en Jesucristo.» Miramos la causa de la muerte, y la victoria sobre la muerte. Miramos y sentimos lo que tantas veces decía el gran escritor y amante extático de la religión don Antonio Aparici y Guijarro y lo que nos recordaba en bellísimas palabras el ardiente Castelar: «No es la muerte hielo del invierno, ni la nada oscura y vacía; es el ahento primaveral que desata las nieves en parleros arroyos, que hincha de savia la yema del árbol, que rompe la tosca larva del insecto y le da pintadas alas, que trae en sus flores la promesa de más sabrosos frutos y en su amor la esperanza de más perfecta vida. Los sepulcros que desde la tierra nos parecen tan oscuros, mirados desde los cielos parecerán puntos luminosos como los astros en la oscura noche.» Miramos en la primera pared del campo santo la redención, en la segunda la resurrección, pues sólo bajo esta forma puede ser representada la creencia en la inmortalidad. En la tercera pared miramos los apóstoles enseñando á todos los pueblos, pues Dios quiso que todos participasen de la inmortalidad. En la cuarta pared se ve el cuadro de las diez vírgenes, entre las cuales cinco esperan con anhelo su dulce esposo conservando siempre el fuego sacro del amor, mientras las otras cinco van por el óleo: aquel cuadro nos amonesta que en cada momento tenemos que estar preparados para entrar en la eternidad, donde abrazaremos todas las cosas creadas en la visión eterna de Dios, mientras los átomos desprendidos de nuestro cuerpo inerte pertenecen al laboratorio de la vida cósmica. En los cartones cornelianos se admiran también figuras sublimes del Apocalipsis de San Juan, y sobre todo brillan cual maravilla del siglo los cuatro caballeros apocalípticos, aquellos demonios de la miseria humana que se llaman la guerra, el hambre, la peste y la muerte. ¡Qué bien corresponden los ca-
Revista de España (1873-05-01 00:00:00), página 476

ballos á los gestos de los terribles caballeros! Aquella obra hecha en el espíritu de los Phidias pone el sello á la gloria de Cornelius.

Todas aquellas composiciones y cartones son una fuente inagotable de profunda poesía, de sublime filosofía y de sacrosanta religión para todos los mortales sin diferencia de cultos.

¿Cuando, por fin, ha de realizarse la idea de que el panteón de los reyes, el patio ante la catedral ornado de tales frescos únicos en la historia del arte, se presente á la nacion entera como un santuario del ideal á que millares de peregrinos dirijan sus pasos, como un monumento aún más glorioso que el camposanto que la república de Pisa dedicó agradecida á sus más ilustres ciudadanos? Pero ¡triste suerte la de los titanes! Al genio gigantesco, que saliendo del camino trillado de las academias buscaba siempre lo grandioso y lo colosal, lo mismo en el estilo que en el espacio, al pintor monumental que empezó por cubrir con sus frescos la casa Bartholdy y que después pintó las salas de un templo del arte, la «griptoteca», y el coro y la nave transversal de una gran iglesia, faltó por fin el espacio: pues cuando había llegado á la cumbre de la perfeccion, debía pararse ante las ruinas del camposanto real, y los grandiosos frescos quedaron en proyecto, esperando en balde la ejecucion.

La academia de Münster tributó al gran artista la mayor distincion, aclamándole doctor honorario el 15 de Octubre de 1844, y en efecto, ningun doctor escribió tan gloriosa disertacion como Cornelius, pues la suya son los incomparables cartones del panteon real.

En 1856 dió cima en Roma al último carton que representa la espera del supremo juicio. ¡Carton sin igual! El supremo juicio se ha convertido en la redencion del mundo: aquí no se mira ni el infierno, ni el diablo; aquí no se mira la triste perspectiva de una miseria eterna que nos debia inspirar el deseo de no haber nacido jamás. Pues ¿cómo pudiera un hombre verdaderamente bueno disfrutar de la bienaventuranza, si supiese que uno de sus hermanos seria condenado á la eternidad de las penas? Aque carton de Cornelius es un progreso inmenso, la inspiracion más sublime de genio de la humanidad.

Despidiéndonos de los lienzos inmortales de nuestro Cornelius admiramos en ellos la composicion arquitectónica y simétrica, las lineas audaces y firmes, la verdad anatómica y plástica, la mayor verdad en la expresion y en el movimiento; y si hay algunas durezas, son hijas de la varonil personalidad, del carácter enérgico y verdaderamente aleman del artista que quiere, á todo trance, expresar su pensamiento aun á costa de la belleza
Revista de España (1873-05-01 00:00:00), página 477

Y LAS GLORIAS DE ALEMANIA.

Prefiere la severa beldad á la risueña gracia. Así nos representa á San Miguel en la majestad austera, mientras Rafael lo pinta con un rostro sonriente.

Para Cornelius el color, dejando de ser un elemento sensual, se acomoda al enérgico y severo estilo de sus dibujos y composiciones. Nuestro pintor está sin rival en el manejo del carbon, alcanzando efectos que parecen reservados sólo al color.

El génio de Cornelius quedó aislado en su cumbre como el de Durero, como el de Miguel Angel: no se agruparon en su derredor huestes de discípulos. Pero no será del todo perdida la semilla arrojada, porque más ó menos pronto, nunca tarde, dará sus sazonados frutos, si nuestros artistas permanecen á pie firme con la magnífica bandera corneliana siempre desplegada al viento.

El olvido nunca podrá borrar sus clarashuellas. ¡Mueren los siglos, más su nombre dura!

Cornelius que desde Düsseldorf llevó el fuego divino del arte por Alemania, murió en Berlin el 6 de Marzo de 1867. No falleció como Murillo, el místico pintor de la hermosura del alma, que enmedio de célicas visiones el espíritu arrobado en la boda ideal de Catalina y del Niño Jesus, empezó á morir ante el ara.

Pero el tránsito de Cornelius fué tambien un sueño apacible.

Eterna es su memoria; el gran pintor aleman entró precedido de Schinkel y de Thorwahsen en el sagrado recinto, donde Rafael está sentado en el trono al lado del inmortal Phidias.

JUAN FASTENRATH.

Colonia, 23 de Diciembre de 1872.

(La continuación en el próximo número.)
Revista de España (1873-05-01 00:00:00), página 478

ENSAYOS CRÍTICOS

LA PINTURA DE GÉNERO EN ESPAÑA

I.

La influencia prepotente de las corrientes del siglo, échase de ver en todo, y las artes no están sin duda exentas de este influjo. Atento el espíritu moderno más á lo útil que á lo bello, inclinado mejor á lo práctico que á lo imaginativo, refleja en todas sus manifestaciones el carácter ingenito que le es propio. Por ello han podido algunos calificarle en absoluto de materialista y prosáico, grabándole con sobrada prestezza y pesimismo tan degradante sello, y considerar otros muertas las artes ó debilitadas y postergadas por los procedimientos mecánicos ó los medios científicos. No vemos nosotros envuelto en tan sombrías tintas el cuadro, no creemos extinguido el sagrado fuego del arte por más que vacile y parezca próxima á apagarse á veces su llama agitada por enemigo soplo; pero confesamos en cambio, que se ha empequeñecido su esfera de accion, y que los vientecillos democráticos que desde últimos del pasado siglo nos orean, al hacerlo más accesible, más extendido, han menguado algo de su aristocrático atavío, atavío punto menos que indispensable para el arte.

En tales razones se funda, en gran parte, el predicamento y estimacion que alcanza la pintura llamada, y no con mucha propiedad, de género, y que más exactamente pudiera denominarse de costumbres. La pintura de género, fuerza es confesarlo, señala decadencia en el arte, denota, en tesis general, cierta falta de recursos intelectuales, cierta inopia, por decirlo así, en el génio, antes expléndido y lujoso en sus obras. Después de los es-
Revista de España (1873-05-01 00:00:00), página 479

tériles esfuerzos verificados en Francia y Alemania en los albores del siglo, para resucitar la pintura cristiana y la pintura pagana con los mismos caracteres y condiciones esenciales de sus épocas de vitalidad y apogeo, el arte se deslizó suavemente hacia el camino llano y más fácilmente accesible del género, y en España, el único pintor que en largo trascurso de tiempo empuñó dignamente el glorioso estandarte de la pintura patria, Goya, consagró casi exclusivamente su talento á este linaje de obras, y en ellas fué donde lució mas su genial inventiva, su energía de expresion y su riqueza de colorido.

Y no es que sea patrimonio de nuestra época la pintura de género, por más que se avenga mejor que otra alguna á la sociedad moderne; pero las circunstancias que concurrieron á su nacimiento, demuestran claramente cuál es su naturaleza intima y con cuánta razon la calificamos como indicadora de cierta decadencia.

Cuando descendió el arte del aristocrático pedestal en que se erguía altivo, cuando conturbadas las creencias religiosas por la reforma, vacilante la fé católica que había enzendentado las grandes concepciones idealistas, democratizada y vulgarizada la índole y asunto del arte en armonía con las nuevas ideas, perdió aquel carácter de privilegiado, casi de exclusivo de que antes gozaba, entónces apareció y se desarrolló la pintura de costumbres ó de género.

Pensándose más en la tierra, así como se pensaba antes más en el cielo, entregada la interpretacion de los libros sagrados del dogma al criterio comun y popular, destruidos los votos que hacían de la clase sacerdotal un elemento aislado, privilegiado y poderoso, aquella pintura mística, profundamente religiosa, creada y sustentada por una fé casi infantil y consagrada muy especialmente á la liturgia, no tenía apenas razon de ser. Vióse entónces, por lo tanto, representar á Rembrandt las escenas bíblicas y las leyendas cristianas, con personajes vulgares y casi ridiculos, cuya accion era material y pedestre; á Rubens buscar en las desnudeces paganas y en las fantasias mitológicas asuntos para su brillante pincel, y á los Breughel y los Teniers inaugurar esa dilatada serie de artistas, á quienes bastaban los sencillos grupos del hogar ó la taberna, y las triviales escenas de la vida comun de la clase media ó plebeya, para crear una composicion pictórica.

II.

En los Países-Bejos, nacion de mercaderes, burguesa y plebeya por excelencia, es donde en efecto apareció en todo su explendor la pintura de
Revista de España (1873-05-01 00:00:00), página 48

cederle con el dinero como á los consilieros con el dulce.—Excuso decirte que aquel armario que abríó estaba todo repleto de paquetitos como el que tuve en mi mano. ¡Cuando lo tomé y fijé en él mis ojos, no me acordé de otra cosa que de ti y de mis hijos!—Esta noche he estado en el teatro inglés á ver la tragedia Sardanápalo, y por segunda vez he salido admirado de la ejecucion. Las decoraciones son panoramas con unos efectos de luz asombrosos: los trajes sorprenden por la verdad y la riqueza. ¡Y qué manera de estar puesta en escena la obra! ¡Qué comparsas, sobre todo! De esto, niña mia, no tienes idea, ni aún habiendo visto los teatros de Paris. No concebirás cómo puede ser mejor que aquello; pero te digo que es infinitamente superior. Algo te dije ya cuando te hablé del Macbeth; pero esta tragedia, cuya accion pasa en Babilonia, admite mucha más riqueza y pompa.—¡Dios mio, qué atrasados estamos en nuestra España! La distancia es inmensurable.

Martes 12.—Esta mañana vino á verme Bistégui, aquel de quien te dije que había jugado conmigo en Madrid cuando éramos muchachos, y nos fuimos juntos á pasear por Londres. El me ha dirigido á comprar algunas cosillas que necesitaba, y que son mejores y más baratas en Lóndres que en Paris; no quiero decirte qué, ya lo verás; porque si lo cuento aquí, me privo del gusto de la sorpresa el dia que llegue á casa, y puestos todos alrededor mio, abra yo mis maletas y empiece á sacar cosas.—Bistéghi me dió una entrada para el teatro de Covent-Garden, y allí he ido esta noche. Han hecho el acto primero de Norma, por la Grisi, la Bellini, Tamberlik y Tormes, y el Rigoletto por la Bossio, Mario y Ronconi.—C. no ha podido lograr palco, y se ha marchado al jardin de Vauxhall.—Mi entrada era para el parterre ó sea el patio, pero aquí van á ese sitio personas de la buena sociedad las señoritas de toilette y los hombres de frac negro. No hay números; los que van temprano se sientan, los que van tarde se quedan en pié en el espacio que hay alrededor: yo he sido de éstos; pero como se puede circular libremente y salir y entrar, he estado bien. Ese puesto, que es el más barato de la planta baja, cuesta 7 chelines que son 35 rs. escasos.

No hay duda en que el hacer que todos vayan vestidos de sociedad le dá al teatro un aspecto de decoro y de elegancia brillantísimo. El verse uno en ese traje le hace además estar con más compostura, con mejor educacion. Cuando uno se encuentra sin vestir, envuelto en la capa y con el sombrero encasquetado, aunque sea persona fina, está más dispuesto á cualquiera grosería. He observado que la oposicion á vestirse es síntoma de encanallamiento En estos teatros, y especialmente en Covent-Garden, se
Revista de España (1873-05-01 00:00:00), página 480

género; allí tuvo su verdadero origen. El carácter comercial y doméstico á la vez de los neerlandeses, la sencillez que en sus instituciones y sus costumbres había introducido el protestantismo, dieron también un aire sencillo y familiar al arte. «La misma revolución religiosa que ha creado una Holanda política, dice Mr. Edgard Quinet, ha creado el arte holandés... Después de la Reforma, las escenas de la Biblia no aparecen ya á través de las tradiciones acumuladas de la Iglesia; nada de pompa, nada de fiestas, apenas un resto de culto...: el cristianismo se interpreta, no por los doctores ó los padres, sino por el pueblo; de aquí la sencillez de las Escrituras llevada hasta la trivialidad... Allí está la revolución del siglo décimosexto, allí está también la pintura holandesa.»

Del extraño maridaje de los elementos prosáicos y vulgares de este país y de la naturaleza, no obstante, marcadamente artística y lo que es más, notablemente desarrollada en cantidad y calidad en sus habitantes, salió á luz una nueva especie de pinturas buscadas y estimadas en el día poco menos que las de los grandes maestros italianos (1).

Recordando la extensa y brillante lista de los pintores holandeses, observa Mr. Luis Viardot, y son muy conducentes á nuestro propósito sus observaciones, que «todos estos gloriosos nombres de los petits maîtres, nos conducen al imperio del naturalismo, después de haber dejado el del espiritualismo en Italia; al arte burgués, popular, protestante, después de haber dejado el arte católico en los grandes templos y en los grandes palacios. Los artistas del Norte, como se les ha dicho sin ofensa, semejan á los amantes desdichados de Penélope; no pudiendo poseer la señora, se contentan con las criadas. ¿Pero hemos de decir por esto que se encuentra allí un realismo brutal, material y grosero que no toma más que la superficie y la envoltura de las cosas, que no se dirige más que á los ojos, y que no sabe penetrar nunca hasta el sentimiento interno, hasta el alma? Sería esto un completo error, una grave injusticia. De igual suerte que en Italia los más sutiles, los más místicos espiritualistas han sabido revestir sus ideas de un cuerpo aparente, es decir, expresarlas por formas claras, exactas y precisas y embellecidas con todos los encantos de lo pintoresco; en Holanda, los realistas decididos, los simples imitadores de la simple verdad, han sabido deslizar en los humildes asuntos de sus composiciones tanto gusto,

(1) El cuadro de Pablo Potter, el gran pintor de animales, conocido en el mundo artístico con el extravagante mote de La vaca que mea, se ha llegado á justificar en 250,000 francos.