El Heraldo de las artes, de las letras y de los espectáculos (1872-03-21 00:00:00), página 1

EL HERALDO
DE LAS ARTES, DE LAS LETRAS Y DE LOS ESPECTÁCULOS,
DIRIGIDO POR DON MARIANO SORIANO FUERTES.

PROGRESO GENERAL DE LA MÚSICA
DURANTE LOS 25 PRIMEROS AÑOS DEL SIGLO XIX.

(Continuación.)

Desde 1800 á 1815 la escuela francesa sobrepuso á la italiana y á la alemana tanto en el género bufo como en el género serio. A todos los compositores de óperas cómicas, pasados y presentes, la Francia podría oponer un solo hombre, si no hubiera tenido más que á él porque este hombre valía un ejército. Se llamaba Adriano Boieldieu, y era la nata del espíritu musical de su nación. Músico siempre agradable, verdadero, melódico y encantador, Boieldieu hizo las delicias de la Europa durante todo el período que terminó con su fallecimiento, y sus obras ensalzadas por decirlo así en los 25 primeros años de nuestro siglo, nos ofrecen una circunstancia casi sin ejemplo: un continuo progreso de talento, de chispa, de encanto melódico, de amplitud en la forma y de mérito en la composición; un progreso que acaba en la Dame blanche la obra maestra del autor y del género y obra que muestra tanto más meritoria cuanto que Boieldieu no debía nada á casi nada á Rossini, el cual en 1825 tenía en Francia tantos deudores que se habían olvidado sus acreedores.

En su admiración por la Dame blanche, los críticos alemanes mismos reconocen el final del segundo acto por una composición digna de Mozart. ¡Qué galería de entusiastas recordados para los dilettanti de mediados, la de estas óperas de Boieldieu que en su mayor parte han sido representadas en San Petersburgo, por lo más escogido de las artes parisienses, teniendo á su frente á madame Philis-Andrini, la admirable actriz, la cantante de increíbles vocalizaciones que en la Veuve du veuf ejecutaba ella sola un dos para soprano y tenor!

Después de Cherubini, Méhul, Spontini y Boieldieu, nombres ilustres que representan la época de la supremacía francesa en la música de teatro, debo mencionar para memoria, algunos hombres distinguidos de aquella época: Delavay, Catel, Levauger, Bertin y Nicolas Isouard, el autor de Acocle, una ópera deliciosa y aún no olvidada.

Debemos observar que la Francia, á quien tocaba necesariamente la iniciativa del progreso y de la renovación en música como en muchas otras cosas, debió los triunfos más brillantes y más merecidos de su escuela á la constante aplicación y al desarrollo progresivo del principio de la cordial dramatización que esta escuela había comprendido en sí, y que Gluck restituyó en la práctica. En Francia no hasta su partida para Italia, pero desde una vez á causa del libreto, y á pesar de incontenibles bellezas no pudieron salvar su música. Cuando el libreto es malo, las impresiones musicales se vuelven humo para audítores que descansan ante todo que el argumento les interese.

Esto hace comprender enseguida la diferencia radical que existe entre las partituras dramáticas de Mozart y las de los maestros franceses que acabó de nombrar.

La manera de Mozart fue la conciliación del drama con la totalidad de intereses musicales, comprendiendo en ellos las bellas mismas del canto y el valor de las formas científicas y son temáticas, lo que, añadiendo el principio de verdad lírico-dramática, es justamente la fusión de las tres escuelas y la alianza en segundo término del arte de voces y del estilo instrumental. Muy diferente la tarea de los semejantes de Gluck, los músicos de que cuestionan exigencias diversas, tentaban al contrarío de dar al principio único que los guía toda la fuerza de acción de que era susceptible.

¡Milé me parecen, después de lo dicho, el explicar á mis lectores lo que los jefes de la escuela francesa temían que tomar de Mozart y lo que tenían que dejarle, en qué sentido el compositor universal tuvo que ser considerablemente aumentado; y cuál muy limitado.

Junto á los obsequios que á Cherubini, Méhul, Spontini y Boieldieu la ópera italiana de aquel tiempo aparecía muy pálida y enferma. Hubiérase podido creer que iba á morir. Pero no, iba á renacer. La música italiana no puede morir, como tampoco el principio de donde emana la sensibilidad, este primer móvil de la organización humana y esta base primera de la música, que no existe sino cuando produce placer al oído. Cuando este placer es el que los auditores pueden y quieran obtener de las obras de música de nuestros días, la sensibilidad musical toma el nombre de sensualismo ó de erógenismo, y caracteriza principalmente las tendencias de la escuela italiana pasado el siglo XVII.

Hecha esta observación, fácil es comprender cómo la música italiana ha dado á luz la clase hoy tan numerosa de los dilettanti, y por qué ha contado siempre y en todas partes una inmensa mayoría de partidarios. Es cierto que en el mundo árabe y en las partes del número de hombres sensuales es mucho más considerable que el de los hombres inteligentes y poéticos.

La música italiana pareció apagarse por un momento, por la sencilla razón de que sus procederes eran débiles en demasia, es decir, demasiado usados para sostener la competencia de la escuela francesa; y en otras palabras, porque no había entrado con bastante resolución en las vías de la reforma monárquica. Ahora bien, allí fué donde se produjo el milagro de que la música italiana, que parecía enseguida toda la demisílvia, la música francesa en Francia misma, la música alemana en la misma Alemania. Esta restauración empezó en 1813 con la ópera Fas-croda.

Lo que Rossini, el gran renovador de la música italiana, tomó en la herencia de Mozart, fué á lo que precisamente no habían tocado los maestros de la escuela francesa, como habían comunicado á su objeto el resto por el mismo medio, y esto resultó en que los medios de efecto posee la música instrumental.

De mil aficionados á la ópera, hay 999 que no comprenden sino la melodía, que no les gusta sino la melodía y que no piden sino la melodía; y uno entre mil quiere pasar completamente sin ella. Rossini comprendió esto muy bien. Empezó, pues, á sobrepujar á todos los melodistas sus predecesores, sombría la melodía á las mismas en sus óperas, y supo encontrar motivos que no sólo daban la nota á la música, sino á la conquista del mundo, visto su carácter absolutamente nuevo y su irresistible seducción. Dotado de una fuerza de invención, de una fecundidad y de una facilidad de trabajo prodigiosas, Rossini creó una infinidad de formas vocales e instrumentales, que degeneraron luego en fórmulas, pero que en su novedad eran tan originales como heroicas y que todo cantante debe conocer.

Si Cherubini dio el primer impulso á la música del siglo XIX, Rossini fué quien la trasformó ó por lo me-