Andy Warhol

Andy Warhol(Pittsburgh, 6 de agosto de 1928-Nueva York, 22 de febrero de 1987) fue unartista plásticoyactorestadounidenseque desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo delpop art. Tras una exitosa carrera comoilustradorprofesional, Warhol adquirió fama mundial por su trabajo enpintura,cinedevanguardiayliteratura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades deHollywood, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos.
Warhol utilizó medios diferentes para crear sus obras, como el dibujo a mano, la pintura, el grabado, la fotografía, la serigrafía, la escultura, el cine y la música. El Museo Andy Warhol en su ciudad natal, Pittsburgh, Pensilvania, contiene una amplia colección permanente de arte. Resulta ser el museo más grande de Estados Unidos dedicado a un solo artista.
Uno de los aportes más populares de Warhol fue su declaración: «En el futuro todo el mundo será famoso durante 15 minutos». Esta frase de cierta manera vaticinó el actual poder de los medios de comunicación y el apogeo de laprensa amarilla, losreality showsy lasredes sociales.
Fue un personaje polémico durante su vida —algunos críticos calificaban sus obras comopretenciosasobromas pesadas—y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, análisis, libros y documentales, además de ser recreado en obras de ficción como la películaI Shot Andy Warhol(Mary Harron, 1996). Al margen de la fama y de la polémica, está considerado como uno de los artistas más influyentes del sigloXXdebido a sus revolucionarias obras.
Fue el tercer hijo de un matrimonioeslovacoque emigró aEstados Unidos. Sus padres eran Andrej y Julia Warhola, originarios deMiková, una ciudad muy pequeña por aquel entonces perteneciente alImperio austrohúngaroy hoy al distrito deStropkov,República Eslovaca. En 1914 Andrej Warhola emigró a Estados Unidos para trabajar en minas de carbón, mientras que su mujer emigró siete años después con sus dos hijos mayores.
Mientras cursaba tercero de primaria, Andy empezó a sufrir el popularmente conocido comobaile de San Vito, es decir, lacorea de Sydenham. Esta enfermedad provoca una afección del sistema nervioso que causa movimientos incontrolados de las extremidades y desórdenes en la pigmentación de la piel. Desde entonces fuehipocondríacoy desarrolló pavor a médicos y hospitales. Pasó buena parte de su infancia postrado en una cama y se convirtió en un proscrito entre sus compañeros de clase, desarrollando una fuerte fijación hacia su madre.​ Mientras estaba en la cama dibujaba, oía la radio y coleccionaba imágenes de estrellas de cine que colocaba alrededor de su cama. Más tarde, definió esta etapa como muy importante en el desarrollo posterior de su personalidad, sus habilidades y sus gustos.
Decidió estudiar Arte comercial en la actualCarnegie Mellon University(Pittsburgh). En 1949 se trasladó a Nueva York para iniciar una carrera como ilustrador de revistas ypublicista. Durante los años 1950 ganó cierta reputación gracias a sus ilustraciones para un anuncio de zapatos. Dibujos a tinta, bastante sueltos y emborronados que fueron expuestos en la galería Bodley de Nueva York.
Con la difusión de las nuevas tecnologías delviniloy laalta fidelidad, las empresas discográficas se encontraron en un contexto comercial completamente nuevo que no tardarían en explotar.RCAcontrató a Warhol y a Sid Maurer, entre otros artistasfreelance, para el departamento de diseño de portadas de discos, cartelería y material promocional.​
Probablemente las experiencias que lo llevaron a acercarse a la generación de artistasPopneoyorquinos tuvieron lugar en la primavera de 1960, cuando Warhol compró en la galería de Leo Castelli un pequeño dibujo deJasper Johnsde una bombilla. Más adelante pudo ver un gran lienzo pintado porRoy Lichtensteinque reproducía un anuncio de un complejo turístico en Catskill. A Warhol le impresionó ver cómo los artistas estaban pintando publicidad estereotipada.​
Su primera exposición individual fue en la galería californiana Ferusel.​​ Era el 9 de julio de 1962 y marcó el debut del movimiento pop art en lacosta oeste.​ Cuatro meses más tarde, entre el 6 y el 24 de noviembre, inauguró su primera exposición en Nueva York. Exactamente en la galería Stable, propiedad de Eleanor Ward. Allí incluyó elDíptico de Marilyn,Latas de sopa Campbell,100 botellas de colay100 billetes de dólar, y fue allí donde conoció aJohn Giorno, con quién después coincidiría en la primera películawarholiana:Sueño(1963).
En esa época empezó a pintar sus famosos dibujos de la sopa Campbell y de las botellas deCoca-Cola, a los que consideraba tan iconos estadounidenses comoMarilyn Monroe,Troy DonahueoElizabeth Taylor. También fundó su estudioThe Factory, por donde pasaron artistas, escritores, modelos, músicos ycelebritiesundergrounddel momento. El taller, decorado con hojas de papel de aluminio color plata, estaba inicialmente en la calle 47. Después se mudaría aBroadway. Su obra empezó a ser muy conocida y desató ciertas polémicas sobre el papel del artista y la finalidad del arte.
Desarrolló unas imágenes personales a partir de objetos completamente impersonales, como billetes dedólaro nuevos productos de moda. Utilizaba imágenes propias de los periódicos, los carteles y latelevisiónpara definir unOlimpoparticular, compuesto de símbolos de lacultura estadounidense: lasilla eléctrica, las fotografías de cargas policiales contra manifestantes por losderechos civileso los retratos de celebridades del momento.​ La botella de Coca-Cola se convirtió, para él, en un tema pictórico. Sobre esto declaró:
ElMOMAorganizó un simposio sobre arte pop en diciembre de 1962 y algunos artistas, entre ellos Warhol, fueron atacados por «rendirse» al consumismo. Para las élites que dictaban la crítica de arte, el entusiasmo que Warhol sentía por lacultura del consumismoresultaba embarazoso e inadmisible. Este simposio definió el tono en que se iba a recibir la obra de Warhol, aunque a lo largo de los años 1960 iba a hacerse cada vez más evidente que se habían dado profundos cambios en la cultura y el mundo del arte. También que Warhol había jugado un papel esencial en ese cambio, con su imagen cuidadosamente construida, que se caracterizaba por un estilo andrógino, con su peluca platinada, sus gafas de sol oscuras y una actitud distante.​
Un evento crucial fue la exhibiciónThe American Supermarket, una muestra celebrada en 1964 en la galería Paul Bianchinni, en elUpper East SidedeManhattan. La exposición estaba organizada como el típico pequeñosupermercadoestadounidense, aunque los productos exhibidos (conservas, carne o pósteres) eran obra de prominentes artistas del pop:Mary Inman,Robert Wattso el controvertidoBilly Apple. La contribución de Andy Warhol fue una pintura de una lata de sopa Campbell, valorada en 1 500 dólares. Lo curioso es que la lata tan solo costaba 6 dólares. La exposición fue uno de los primeros actos públicos en los que se confrontó al público con el pop art y la cuestión planteada por las vanguardias clásicas acerca dequépodía ser arte.
Como ya había hecho en su etapa de ilustrador comercial en los años 1950, Warhol recurrió a asistentes para aumentar la productividad de sutallerartístico. Esta colaboración también planteó encarnizadas polémicas sobre sus métodos de trabajo y su valor como arte, especialmente durante los años 1960. Uno de los colaboradores más importantes con que contó en esta época fueGerard Malanga, quien le ayudó en la producción deserigrafías, películas,esculturasy otras obras producidas enThe Factory. Otros colaboradores esporádicos fueronFreddie Herko,Ondine,Ronal Travel,Mary Woronov,Billy NameyBrigid Berlin(que fue quien, al parecer, le dio la idea de grabar sus conversaciones telefónicas).
Durante los años 1960 también reunió a una variopinta comitiva de excéntricos y bohemios, a quien él designaba como lassuperstars, y que incluía aEdie Sedgwick,Vivay la célebreUltra Violet. Todos ellos solían actuar en las películas de Warhol y algunos, como Berlin, mantuvieron una estrecha amistad con el artista hasta su muerte. Su relación con artistas como Frangeline, una cantante de la escena guapachosa, y también con artistas como el escritorJohn Giornoo el cineastaJack Smith(que también figuró en algunos cortos de Warhol) revelaba su estrecha relación con distintas clases de producción artística. Hacia el final de esa década el mismo Warhol se había convertido en una celebridad y aparecía frecuentemente en laprensa, escoltado por alguno de sus compañeros en laFactory.
En 1965 conoció al grupo de músicaThe Velvet Underground, liderado porLou Reed. No tardó en convertirse en elmánagerdel grupo y añadiendo a su amiga, la cantante alemanaNico. En 1967 salió al mercado el disco de los Velvet llamadoThe Velvet Underground and Nico: Andy Warhol, producido por este último. Ese mismo año, por diferencias con el resto del grupo, Nico se retiró y los servicios de Warhol ya no fueron necesarios. En 1969 comenzó a publicar su revistaInterview.
El 3 de junio de 1968,Valerie Solanasdisparó a Warhol y al crítico de arte y comisarioMario Amayaen la entrada al estudio de Warhol.​
Antes del atentado, Solanas había sido una miembro discreta del colectivo de la Factory. Redactó el «Manifiesto SCUM» («capa de suciedad»; en inglés: scum) un alegatofeministaseparatista contra elpatriarcado(y que, con el paso de los años, adquirió cierta resonancia).​ Solanas también aparecía en la película de Warhol "I, A Man" (1968). En 1967, Valerie le había dado una obra de teatro a Warhol proponiéndole que sea su productor. Warhol aceptó y le pidió el borrador del texto. Este borrador de la obra nunca regresó a Solanas. Se cree que Warhol nunca tuvo la intención de producir la obra ni como obra teatral ni como película y el manuscrito se le perdió. Esto enfureció a Solanas, quien pasaba por un momento de desequilibrio mental e inestabilidad emocional.​ Amaya sufrió sólo heridas menores, y fue dado de alta ese mismo día. Warhol, sin embargo, recibió tres disparos (el primero ni lo rozó) pero los otros dos disparos lo dejaron muy grave. Las secuelas de este ataque le acompañarían el resto de su vida, y no es de extrañar que por tanto el recuerdo del atentado dejase una marca profunda en el resto de la vida y la obra de Warhol.​​ Esa misma tarde, Valerie se entregó a la policía. Argumentó que Warhol estaba planeando robar su trabajo y que controlaba demasiado su vida. El juez ordenó que la trasladaran al Hospital Psiquiátrico de Bellevue bajo observación. Se declaró culpable de intento de homicidio, asalto y tenencia ilícita de armas y recibió una sentencia de tres años. Warhol rechazó testificar en su contra. El juez la declaró inhabilitada legalmente y la envió al Hospital Ward Island.​
Tras el tiroteo, el acceso a la Factory quedó rígidamente controlado, y en opinión de muchos esto causó el fin de la época de «la Factory de los 60».​ El atentado, sin embargo, quedó bastante desdibujado en los medios debido alasesinatodeRobert F. Kennedy, dos días después.
A raíz del atentado sufrido, Warhol declaró que «antes de que me disparasen, siempre pensé que estaba un poco más para allá que para acá. Siempre sospeché que estaba viendo la tele en vez de vivir la vida».​
Comparados con la escandalosa (y exitosa) década de los 1960, los 1970 fueron años más tranquilos para Warhol, que se convirtió en un emprendedor. SegúnBob Colacello, Warhol pasaba la mayor parte de su tiempo rondando a nuevas estrellas y personajes famosos para proponerles un retrato. La lista incluía aMick Jagger,Liza Minnelli,John Lennon,Diana Ross,Brigitte BardotyMichael Jackson. El famoso retrato del lídercomunistachinoMao Zedonges de esta época (1973). También fundó (en 1969), con el apoyo deGerard Malangala revistaInterview, y publicó «La filosofía de Andy Warhol»(1975), en la que exponía su pensamiento con rotundidad y sentido del humor: «Hacer dinero es arte, y el trabajo es arte, y un buen negocio es el mejor arte».Warhol solía frecuentar diversos clubes nocturnos de Nueva York, como elMax's Kansas City, elSerendipity 3y, más adelante, el célebreStudio 54.​ Normalmente se comportaba como un tranquilo, tímido y meticuloso observador. El crítico de arte Robert Hughes le llamó «el lunar blanco de Union Square».​
Su estilo inicialmente rupturista fue progresivamente asimilado por el circuito de galerías y por los círculos adinerados, a los que satisfacía con retratos por encargo. Esta etapa es juzgada de manera dispar por la crítica actual.
En los años 1970 hace retratos de sus amigos, clientes habituales de la discotecaStudio 54, entre ellosCarolina Herrera,Liza MinnelliyElizabeth Taylor. Es también en esta época cuando es contratado por varios fabricantes de automóviles para pintar sus vehículos de competición de una manera que llamen la atención, entre ellos la firmaBMW. Así se creó elart car. Dichos vehículos participaban sobre todo en las famosas24 Horas de Le Mans.
Son famosas suscápsulas del tiempoen donde guardaba (desde el año 1974) cosas cotidianas en cajas de cartón, como expone enPhilosophy of Andy Warhol, su primer libro. En 1979 exhibe, de manera importante, en el Whitney Museum de Nueva York, su serie de retratosPortraits of the Seventies(Retratos de los Setenta).
Warhol tuvo una tercera juventud para la crítica —y los negocios— durante los años 1980, gracias en parte a su estrecha relación con algunas de las nuevas figuras del arte, que eran en realidad quienes conducían la tendencia del mercado en aquel momento: se trataba de personajes comoJean-Michel Basquiat,Julian Schnabel,David Salley otras figuras del así llamadoneoexpresionismo. Warhol también frecuentaba la compañía de artistas del movimiento detransvanguardia europea, comoFrancesco ClementeyEnzo Cucchi. Por entonces Warhol era acusado de haberse convertido en un «artista de los negocios».​ En 1979 recibió algunas críticas poco favorables sobre sus exposiciones de retratos de celebridades de los años 1970, críticas en las que su obra se tachaba de superficial, fácil y comercial, carente de profundidad de la significación del tema. Esta actitud crítica, debida en parte a las propiastendencias del mercado, hizo que su siguiente exposición sobre «Genios Judíos»​ (1980), expuesta en Nueva York, también fuese recibida con frialdad.​
Una mirada más atenta a la obra de Warhol ha hecho que algunoscríticoshayan creído ver en la "superficialidad" y "comercialidad" de Warhol «uno de los reflejos más brillantes de nuestra época», señalando que «Warhol ha capturado algo esencial sobre elzeitgeistde la cultura americana de los años setenta».​
Warhol siempre apreció elglamourde Hollywood. En una ocasión declaró:
En 1981 empieza a pintar detalles de cuadros de artistas renacentistas comoDa Vinci,BotticelliyUccello. En 1983 hace el retrato del cantante españolMiguel Bosépara la portada del discoMade In Spain, también utilizada para el discoMilano-Madridde este mismo artista. Existen rumores sobre el pago de una fortuna por la colaboración de Warhol para este disco; hasta entonces apenas conocía al cantante. Luego le mencionaría en algún libro como «hijo de un torero español». Warhol también apareció en su videoclipÁngeles Caídos. Ese año visitaMadrid, donde es recibido con entusiasmo porAlmodóvar,Fabio McNamaray otras personalidades de la cultura y la vida social madrileña. A pesar de todo, la exposición que presentó en la ciudad se saldó con poquísimas ventas.
En esa época, Warhol produce abundantes retratos de celebridades y magnates, no solo amistades o gente de su círculo, sino también diseñadores, empresarios y demás gente adinerada, que por grandes sumas posan para Warhol. Entre ellos, elmodistoValentino. Según él mismo contó, en una ocasión viajó aEuropapara tomarpolaroidsde empresarios alemanes, y basándose en tales fotografías elaboraba los retratos.
En 1985, el 12 de enero, Warhol participó junto aJoseph Beuysy el artista japonésKaii Higashiyamaen el proyecto „Global-Art-Fusion“. Iniciado por el artista conceptual Ueli Fuchser, este era un proyecto especial de „FAX-ART“, en el cual unfaxcon diferentes dibujos de los tres artistas participantes fue mandado por todo el mundo dentro de solamente 32 minutos – de Dusseldorf vía Nueva York hacia Tokio, finalmente recibido por Wiener Stadtpalais Liechtenstein. Este fax debería ser un signo de la paz durante laGuerra Fría.​
En 1986 pinta lo que serán sus últimas obras, autorretratos y retratos deLeninyMao Zedong.
Warhol murió en Nueva York a las 6:32 de la mañana del 22 de febrero de 1987.​ Según los noticiarios, se estaba recuperando sin dificultades de una operación devesículaen el New York Hospital cuando falleció dormido debido a una repentinaarritmiapost-operatoria. También se ha señalado cierto exceso de líquidos porintoxicación de agua.​ Antes de su diagnóstico y la operación consiguiente, Warhol había intentado retrasar los reconocimientos, debido sobre todo a su miedo a los hospitales y los médicos.
El cuerpo de Warhol fue devuelto por sus hermanos aPittsburghpara el funeral. El velatorio tuvo lugar en el Thomas P. Kunsak Funeral Home y fue una ceremoniacorpore insepulto. Elféretroera una pieza de bronce macizo, con adornos dorados y soportes blancos. Warhol llevaba puesto un traje negro decachemira, una corbata de estampado también de cachemira, una peluca plateada y sus características gafas de sol. Tenía en las manos un pequeñobreviarioy una rosa roja. El funeral se celebró en la iglesia católica bizantina del Espíritu Santo, en el North Side de Pittsburgh.MonseñorPeter Tray pronunció su encomio.Yōko Onotambién se presentó. El féretro quedó cubierto por rosas blancas y brotes deesparraguera. Tras la liturgia, el féretro fue llevado al cementerio católico bizantino de San Juan Bautista, en Bethel Park (un barrio apartado al sur de Pittsburgh). Allí el sacerdote pronunció una breve oración y asperjó con agua bendita el ataúd. Antes de proceder al descenso del mismo,Paige Powelldejó caer un ejemplar de"Interview", una camiseta de la misma revista y una botella delperfumeBeautiful, deEstée Lauder. Warhol fue enterrado junto a su madre y su padre, y unas semanas más tarde​ se repitió un oficio conmemorativo para Warhol en Manhattan.
El testamento de Warhol legaba toda su propiedad —con excepción de algunos modestos detalles— a miembros de su familia, con el fin de crear una fundación dedicada al «avance de las artes visuales».Warhol tenía tantas posesiones queSotheby'snecesitó nueve días para subastar sus bienes tras su muerte, y la suma total excedía los 20 millones de dólares. Su riqueza total era aún mayor, debido principalmente a astutas inversiones realizadas a lo largo de toda su vida.
En 1987, de acuerdo con la última voluntad de Warhol, se constituyó la Andy Warhol Foundation for the Visual Arts. La fundación no solo sirve como representante legal de Andy Warhol, sino que defiende su misión de «espolear la innovación en la expresión artística y el proceso creativo», y se declara «centrada, principalmente, en apoyar el trabajo de un valor experimental o rompedor».​
Se ha opinado mucho sobre laasexualidadde Warhol, pero algunas especulaciones se han visto más o menos rebatidas por susbiógrafos(como Victor Bockris), por socios de laFactorycomoBob Colacello,​ así como por algunos estudiosos del arte como Richard Meyer.​ La cuestión de la posible influencia de la sexualidad de Warhol sobre su obra, y cómo modeló su relación con otras personas se ha convertido en un tema esencial para los estudios de su obra, en tanto que es un tema al que el propio Warhol se refirió en entrevistas y conversaciones con sus contemporáneos, así como en varias de sus publicaciones (por ej."Popism: The Warhol Sixties).
A lo largo de su carrera Warhol realizó numerosas fotografías de desnudos masculinos. La mayoría de sus obras más conocidas —los retratos deLiza Minnelli,Judy GarlandyElizabeth Taylor—, y películas como"Blow job","My Hustler"y"Lonesome Cowboys"tenían su origen en lasubculturagayy elunderground, y se trataba de exploraciones más o menos sistemáticas de la complejidad de la sexualidad y el deseo. La mayoría de sus películas fueron estrenadas encines Xpara homosexuales. Por ello no es de extrañar que algunas de las dificultades iniciales de Warhol para lanzar su carrera tuvieran que ver con el carácter sexual de su obra —así, los dibujoshomoeróticosque presentó a una galería para su primera exposición—, generalmente considerado «demasiado abiertamente gay».​ 
En"Popism", el artista menciona una conversación con elcineastaEmile de Antoniosobre las dificultades que Warhol había tenido para ser admitido en sociedad por artistas como Jasper Johns oRobert Rauschenberg, que ocultaban al público su orientaciónhomosexual. De Antonio sostuvo que Warhol tenía «demasiada pluma, y eso les molestaba». Warhol se defendía diciendo que «no había nada que pudiese decir al respecto. Era totalmente cierto. Así que decidí que no me iba a preocupar, porque esas eran precisamente las cosas que no quería cambiar de ningún modo, y no pensaba quedebiesecambiarlas. Otras personas podían cambiar su actitud, pero yo no».​​ Revisando la biografía de Warhol, muchos se refieren al periodo comprendido entre los últimos años 1950 y los primeros 1960 como un momento clave en el desarrollo de su carácter. Algunos han sugerido que su habitual negativa a comentar su obra, a hablar sobre sí mismo —limitándose, en las entrevistas, a responder cosas del tipo «Um, no»y «Um, sí», o dejando que otros contestasen por él—, o incluso la evolución de su estilopoppueden haberse originado en los años en los que Warhol fue «rechazado» por los elitistas círculos del arte de Nueva York.​
Warhol era un creyente practicante del rito bizantino de laIglesia católica bizantina rutena. Fue voluntario en algunos albergues para vagabundos de Nueva York, particularmente durante las épocas más complicadas del año, y se describía a sí mismo como una personareligiosa.​ Varias de las obras tardías de Warhol representan temas religiosos, especialmente dos series tituladas «Detalles de pinturas renacentistas»(1984) y «La última cena»(1987). Tras su muerte, se localizaron dibujos de índole religiosa en su apartamento.​
A lo largo de su vida, Warhol asistió frecuentemente a lamisa, y el párroco de la iglesia a la que asistía Warhol —el templo de San Vicente Ferrer de Nueva York— afirmó que el artista iba casi diariamente.​ La madre de Warhol también era católica, ella y Warhol rezaban juntos en casa y en la iglesia. Tras la muerte de su madre, Andy continuó yendo a misa. Se ha comentado que su estilo está fuertemente influido por la tradición de laiconografíaoriental cristiana, que ocupa un lugar preeminente en los lugares de culto. Su hermano, por otra parte, dijo de él que era «profundamente religioso, pero no quería que la gente lo supiera porque(lo consideraba)privado».A pesar de la naturaleza privada de sus creencias, la elegía de John Richardson le retrata como una persona de gran devoción: «Tengo la certeza de que él fue responsable de al menos una conversión. Estuvo bastante orgulloso de financiar los estudios de teología de su sobrino».​
Warhol siempre se apoyó en sus asistentes para sus pinturas, y lo mismo puede decirse de sus producciones cinematográficas.
Fundó la revista de sociedadInterview, que se convirtió en una buena lanzadera para artistas a las que patrocinaba y en un buen negocio para sus amigos colaboradores. Del mismo modo, su obra literaria es resultado de su colaboración con Pat Haccket. Apadrinó al explosivoJean-Michel Basquiatcuando este apenas era conocido, y convirtió aThe Velvet Undergrounden una banda conocida internacionalmente. Fue en realidad un inquieto y activo «productor de personajes artísticos», como sus conocidas «superestrellas» —de dispar suerte— y un infalible detector de talento. Del mismo modo, Warhol alentaba el consumo de ciertos productos, aparecía en publicidad y era un invitado frecuente a programas televisivos que iban desdeLove BoatalSaturday Night Live, o la película de Richard Pryor"Dynamite Chicken".
En este sentido, Warhol era un firme defensor del «negocio del arte» y el «arte del negocio». De hecho, escribió largamente sobre este tema, tal como se puede comprobar en «La filosofía de Andy Warhol: De la A a la B y de la B a la A».
Se puede decir que hasta principios de la década de los 60, Warhol era un ilustrador comercial de éxito. Sus elegantes y detallados dibujos para la empresa zapateraI. Millareran particularmente populares. Estos dibujos a tinta, de línea bastante desenvuelta, se alternaban con impresionesmonoprint(similares a unamonotipia) que aplicó extensivamente en su primera etapa como artista. Aunque esta posición entre el mundo artístico y el comercial no era infrecuente, sí es cierto que por motivos de prestigio la mayoría de artistas llevaban con discreción su condición de profesionales de lapublicidad. De hecho, la fama de Warhol como ilustrador supuso en un primer momento un obstáculo para su consideración como artista.​ Por entonces trató de exponer alguno de los dibujos realizados con estas técnicas en galerías de arte, pero sus intentos no tuvieron éxito. De esta época parte su cuestionamiento sobre el estatus de arte y su relación con el mercado: A partir de entonces, criticaría su separación y trató de interpretar la cultura comercial y popular como un tema artístico.
El pop art ya era una corriente en estado germinal que algunos artistas exploraban de modo aislado; algunos de estos pioneros, como Roy Lichtenstein o el propio Warhol (que pasaría a ser conocido como «elPapadel Pop») se volverían con el tiempo en sinónimos del pop. Warhol comenzó a involucrarse en este movimiento artístico realizando imágenes tomadas dedibujos animadosy anunciostelevisivosque pintaba con cuidadosas salpicaduras de pintura. Estas salpicaduras emulaban el aspecto delexpresionismo abstractoestadounidense, entonces muy en boga. Eventualmente Warhol iría retirando referencias de sus imágenes hasta reducirlas a la representación icónica de una marca comercial, una celebridad, o el signo del dólar; suprimió también cualquier huella de la mano del artista en sus pinturas.​ Se trataba en cierto sentido de devolver al arte el valor decosa mentale, tal y comoLeonardola había definido ya en elRenacimiento.
Warhol extrapoló su profundo conocimiento del mundo comercial en su faceta artística. Así, intuía que definir unnichocomercial era al fin y al cabo definir un tema artístico. Los dibujos animados y los cómics ya habían sido utilizados porLichtenstein, la tipografía era parte del lenguaje de Jasper Johns; y Warhol también quería definir su propia estética distintiva. Sus amigos le aconsejaron pintar las cosas que más amase: En su peculiar manera de tomar las cosas literalmente, para su primera exposición de importancia pintó las famosaslatas de sopa Campbell, que según decía había sido el almuerzo más frecuente a lo largo de su vida. La obra fue vendida por $10 000 dólares en una subasta celebrada el 17 de noviembre de 1971 en la sede deSotheby'sen Nueva York, un precio irrisorio si lo comparamos con los 6 millones de dólares obtenidos más recientemente por la misma obra.​
Pero Warhol también amaba a las celebridades, y por ello decidió pintarlas. Estos primeros pasos en el mundo artístico fueron definiendo poco a poco su impronta personal, que consistía precisamente en evitar la huella personal del artista en beneficio de unos temas que aunque eran considerados «anti-artísticos» constituían la esencia de la cultura de la sociedad del bienestar estadounidense. Warhol utilizó frecuentemente laserigrafía, y cuando se veíaobligadolo hacía calcando de unadiapositiva. Según se afianzaba su carrera como pintor, Warhol contrató a varios asistentes que le ayudaban a procesar sus imágenes, siguiendo sus indicaciones para realizar variaciones y versiones sobre el mismo tema.
En 1979, Warhol recibió deBMWel encargo de pintar un coche de carreras de competiciónBMW M1para la cuarta exposición del proyecto «BMW Art Car». A diferencia de los tres artistas que le habían precedido, Warhol declinó utilizar inicialmente un modelo a escala, y se puso a pintar directamente sobre el vehículo. Se dice que Warhol tardó un total de 23 minutos en pintar el coche entero.​
La obra de Warhol adquirió un tono más serio tras el atentado sufrido en 1968. Una tendencia cómica coexistía con una más solemne, y por ello en su obra se pueden encontrar viñetas de cómic o sillas eléctricas, indistintamente. Por otra parte, Warhol utilizó las mismas técnicas —serigrafía,offset, pintura en tonos planos con colores brillantes— para representar a sus queridas celebridades, objetos cotidianos, accidentes de coche, imágenes de suicidios o desastres, como prueba la serie «Death and Disaster»realizada entre 1962 y 1963. Las pinturas de esta serie —como «Accidente de coche en rojo», «Hombre púrpura saltando» o «Desastre naranja»— transforman tragedias personales en espectáculos públicos, y anuncian el uso de imágenes de catástrofe que se volvería inherente a la cultura de losmedios de masas.
El elemento unificador de la obra de Warhol es su estilo deliberadamente inexpresivo y la construcción de un personaje aparentemente imperturbable, como unBuster Keatondel arte.​ Estos rasgos eran subrayados por la propia personalidad de Warhol, que prefería hacerse pasar por tonto ante los medios y rechazaba dar explicaciones sobre su trabajo. Warhol declaró en cierta ocasión que «todo lo que necesitas saber sobre el cuadro está ahí, en la superficie».
Algunos de sus dibujos a tinta, que podían recordar imágenes deltest de Rorschachpretendían ser comentarios desde el punto de vista del pop sobre lo que el arte podría ser. Otras pinturas, como el «papel de pared de vaca» (un papel de pared con estampado de vacas) o sus «pinturas de oxidación» (a partir de lienzos preparados concobreoxidadoconorina) también pueden entenderse en este sentido. Es igualmente remarcable la manera en que esta obra —y los medios con que se producía— encajaban en el ambiente de laFactoryde Nueva York. El biógrafo Bob Colacello aporta un testimonio sobre las «pinturas de orines» de Andy:
El ciclo inacabado de «La última cena», que habría aportado un carácter religioso completamente nuevo a su obra, es posiblemente la mayor de sus series, y en palabras de algunos críticos también, «la mejor».​ Es igualmente la mayor serie de tema religioso realizada por un artista estadounidense.​
Warhol recurrió a una gran variedad de medios de expresión artística: pintura, dibujo, fotografía, grabado, escultura y cine, y fue un cineasta experimental bastante prolífico, si consideramos que entre 1963 y 1968 produjo más de sesenta películas. En una de las más conocidas,"Sleep",John Giornodormía durante seis horas. El mediometraje"Blowjob"(35') muestra un plano deDeVeren Bookwalter(supuestamente felado por el cineastaWilliard Maas). En"Empire", una película de ocho horas de duración, la cámara muestra una vista delEmpire State Buildingal amanecer. Warhol ignoraba las convenciones usuales sobre la duración de una película, como podemos juzgar en"Eat", una película de 45 minutos de duración en la que aparece un hombre comiéndose unaseta. En 1962, Warhol asistió al estreno de una composición estática deLaMonte Young, titulada"Trio for Strings", a partir de la cual creó una serie depelículasestáticas como"Kiss","Eat"o la misma"Sleep"(para la que contrató a Young comocompositor). Uwe Hussein dice que el cineastaJonas Mekas—que acompañó a Warhol en el estreno del"Trio"—afirmó que el espectáculo fue una influencia esencial para esas películas de Warhol.​
En 1964 Warhol dirigió y produjo"Batman Dracula", una película que no contaba con la aprobación deDC Comics, propietaria legal del personaje. Esta película fue proyectada únicamente en exposiciones. Warhol se confesó un gran admirador de la serie y afirmó que pretendía realizar un homenaje personal al superhéroe. Actualmente se la considera la primera representación de Batman en laestéticacamp. La película se había considerado perdida hasta 2006, con la proyección del documental"Jack Smith and the Destruction of Atlantis"en el que aparecían fragmentos de la pieza original.
En 1965, Warhol produjo"Vinyl", una adaptación de la célebredistopíadeBurgess,"A Clockwork Orange".Otras grabaciones eran improvisadas, y registran encuentros entre los habituales de laFactory, comoViva,Edie Sedgwick,Candy Darling,Holly Woodlawn,Ondine,NicoyJackie Curtis. El legendario artista undergroundJack Smithaparece en la película"Camp".
Su producción cinematográfica de más éxito —tanto de público como de crítica— fue"Chelsea Girls"(1966), una película muy innovadora que se exhibía con dos proyectores de 16mm funcionando simultáneamente. Cada película tenía su propia historia, y ofrecían una lectura simultánea de acontecimientos aparentemente inconexos. Eventualmente, desde la cabina de proyección se regulaba el sonido para darle a una de las proyecciones cierta preponderancia sobre la otra. Esta multiplicación de imágenes evocaba los trabajos de serigrafía de Warhol de principios de esa década, en los que se superponían diversas «capas de información». La influencia de esta división de pantalla, con el valor multi-narrativo que implicaba, tuvo una gran resonancia posterior.​
Otras de sus películas más importantes son"Bike Boy","My Hustler", y"Lonesome Cowboys", un pseudo-westernde bajo presupuesto en el que Warhol se interpretaba a sí mismo. Estas películas han trascendido más como documentales de la subcultura gay del momento y aún hoy ocupan un lugar ilustre en los estudios de arte y sexualidad.​​ La última producción de Warhol como director fue"Blue Movie", en la queViva, una súper-estrella de laFactory, sale haciendo el amor y tonteando con un hombre durante 33 minutos. La polémica desatada alrededor de esta película —debida a ese franco planteamiento de un encuentro sexual— hizo que la propia intérprete se negase durante años a su proyección pública."Blue Movie"fue proyectada en Nueva York por primera vez en 2005, tras más de treinta años de espera.
Después del atentado sufrido en 1968, Warhol se volvió más reticente a la producción de películas. Su colaborador y ayudante de dirección,Paul Morrissey, llevó las producciones del colectivo de laFactorya un terreno más convencional y narrativo, con producciones deserie-By películas de tono contestatario como"Flesh","Trash", y"Heat"(1972). Todas estas películas, incluyendo las versiones deDráculayFrankenstein, iban dirigidas a un público convencional adulto, más que a los sofisticados espectadores que habían apreciado las obras de Warhol. En estas últimas películas actuóJoe Dallesandro, a quien algunos han querido catalogar como una «estrella de Morrisey», y no una auténtica «estrella de Warhol».
A mediados de los sesenta, Warhol «adoptó» a una banda llamadaThe Velvet Underground, y les convirtió en un elemento crucial de la exposición de arte multimedia que organizaba, laExploding Plastic Inevitable. Warhol convirtió aPaul Morrisseyen el agente de la banda, y les presentó aNico, quien se convertiría en miembro de la banda a petición de Warhol. En 1966 produjo su primer disco, titulado"The Velvet Underground and Nico", y realizó la decoración del disco. En realidad, la producción de Warhol se limitó a pagar por el estudio de grabación. Tras la publicación de este álbum, Warhol y el líder de la banda, Lou Reed, empezaron a disentir sobre la dirección que la banda debería tomar. Esta tensión pudo haber causado el final de su buena relación artística.
Warhol había diseñado numerosas portadas de discos desde su primera portada, una fotografía para el primer disco deJohn Wallowitch(titulado"This Is John Wallowitch", 1964). También diseñó las portadas del"Sticky Fingers"de losRolling Stonesen 1971, y del"Love You Live"(1977). En 1975 le encargaron hacer varios retratos de la cara visible de la banda, el músicoMick Jagger. ParaJohn Calediseñó la portada de"Honi Soit"(1981) y paraDiana Rosslas ilustraciones que aparecían en la cubierta de"Silk Electric". El póstumo"Menlove Ave."(1986) deLennontambién fue diseñado por Warhol.
Andy tenía buena relaciones en el mundo de la música, comoDeborah Harry,Grace Jones,Diana RossyJohn Lennon. Elvideoclip, formato que surgiría en los años 1970, también entraba en sus inquietudes creativas. La productora de vídeo de Warhol produjo, entre otros, el clip del sencillo"Misfit", para losCuriosity Killed The Cat, y el clip del sencillo"Hello Again"deThe Cars(en el que figuraba como barman).
La relación de Warhol con la música no fue de índole estrictamente profesional. Su influencia sobre la llamadaNew Wave—como la bandaDevo— y sobre la formación de artistas jóvenes, comoDavid Bowiees sobradamente conocida. Bowie incluía una canción llamadaAndy Warholen suHunky Dory(1971), y Lou Reed compuso una canción llamada"Andy Chest", que trataba sobre el atentado sufrido en 1968 a manos deValerie Solanas. Esta canción fue grabada entonces conThe Velvet Underground, pero la versión no fue publicada hasta que salió el álbumVUen 1985. En 1972 grabó una versión diferente para su discoTransformer, producida por Bowie yMick Ronson.
Desde comienzos de la década de 1950, Warhol realizó regularmente los portafolios que utilizaba para mostrar su trabajo.
El primero de estos libros publicados por el mismo autor fue «25 Cats Name Sam and One Blue Pussy», impreso en 1954 por Seymour Berlin en papel Arches conmarca de agua, y estaba ilustrado con litografías realizadas en el mismo estilo emborronado con el que se identificaba su trabajo de ilustrador. La edición original estaba limitada a 190 ejemplares, coloreadas a mano con tintaacualerableDr. Martin's. Warhol regaló la mayoría de estos libros a clientes y amigos. La copia número 4, con la palabra "Jerry" manuscrita en la cubierta, fue un regalo de Warhol paraGeraldine Stutz, y se utilizó en 1987 como modelo de una edición facsímil.​ El original fue subastado en mayo de 2006 por Doyle New York, y alcanzó un valor de 35.000 dólares.
Otros de los libros autoeditados por Warhol fueronA Gold Book,Wild RaspberriesyHoly Cats.
Tras convertirse él mismo en una celebridad, Warhol escribió varios libros que fueron publicados con fines comerciales.
Warhol fue además el creador deInterview, una revista de moda que aún se publica. El título garabateado en la portada puede ser obra de la propia mano de Warhol o de su madre, Julia Warhola, quien solía hacer ese tipo de colaboraciones escritas para sus primeras piezas comerciales. Fue enterrado con un ejemplar de su publicación.
Como se ha señalado, aunque Warhol es más conocido comopintoryrealizador, fue un autor prolífico que se expresaba en medios muy diversos.
El célebre estudio de Warhol cambió en numerosas ocasiones de dirección. La siguiente lista refiere sus sucesivas localizaciones, siempre dentro de la ciudad de Nueva York, así como la dirección de algunos de sus domicilios conocidos.
El último estudio en que Warhol trabajó estaba en el 158 de laMadison Avenuede Nueva York.
LaArtists Rights Society(el equivalente a laSGAEespañola) es la representante legal de los derechos de propiedad de las obras de laFundación, con la excepción de algunos fotogramas de películas de Warhol.​ El representante legal de dichos fotogramas es elMuseo Warhol de Pittsburgh.​ Por otra parte, la fundación tiene acuerdos en lo relativo a sus imágenes de archivo. Todas las imágenes digitalizadas de obra de Warhol son propiedad deCorbis, mientras que las imágenes en diapositiva son gestionadas porArt Resource.​
La fundación Andy Warhol publicó su informe anual especial del 20 aniversario en 2007, está dividido en tres tomos, a saber:Vol. I, 1987-2007;Vol. II, Asistencias y exposiciones; yVol. III, Programa de Legado.​ La fundación sigue siendo el mayor donante debecaspara las artes visuales en los Estados Unidos.​
Dos años tras la muerte de Warhol,"Songs for Drella", una obra conceptual encargada por la Academia de Música deBrooklyny The Arts at St. Ann's, de Nueva York, fue interpretada por Lou Reed yJohn Cale, un epígono deThe Velvet Underground. La actuación fue grabada por el director Ed Lachman el 6 de diciembre de 1989, y editada en formatoVHSylaserdisc. En 1990 fue publicada en forma de CD en un envoltorio negro de textura aterciopelada por Sire Records. «Drella» era un apodo acuñado por la estrellaOndinepara Warhol, un cruce entreDráculayCenicientamuy popular entre los allegados al artista.​"Songs for Drella"presenta una especie de descripción literaria de la vida de Warhol, y se centra en sus relaciones personales. Las canciones se agrupan en tres categorías: Una interpretación semi-fantástica desde la perspectiva de Warhol, crónicas en tercera persona de su vida y sus asuntos, y otra perspectiva más emocional guiada por comentarios sobre Warhol de Reed y Cale. En este disco, Reed se disculpa ante el difunto Warhol y pone las bases para una reconciliación a su conflicto personal.​ 
Reed y Cale habían estado interpretando las canciones en directo desde 1989 como un ciclo de canciones antes de entrar en un estudio. Hacia el final de la grabación, Cale prometió no volver a trabajar jamás con Reed, debido a diferencias personales, sin embargo el disco sería la causa de la revitalización del grupoThe Velvet Underground.​ Aunque el álbum fue ideado como una unidad indivisible, se lanzó un sencillo titulado"Nobody But You".
En el 20 aniversario de su muerte elhotelGershwin de Nueva York celebró un ciclo de actos homenajeando el arte de Warhol —y sus «superestrellas»—. Hubo una ceremonia de premios, un pase de moda yBlondieactuó en el acto de clausura. Al mismo tiempo, la galería Carrozzini von Buhler de Nueva York organizóAndy Warhol: In His Wake, una exposición que incluía obras de algunas de las «superestrellas» —Ultra Violet,Billy Name,Taylor Meade Ivy Nicholson—, así como una joven generación de epígonos de Warhol. Una escultura interactiva deCynthia von BuhlertituladaThe Great Warholapresentaba a Warhol como una máquina tragaperras que adivinaba el futuro. La galería se modificó para parecerse a la plateadaFactory. 
En 2007, elFinancial Timesdefinió a lapintorabritánica Stella Vine como «una descendiente de Warhol».​ Arifa Akbar, deThe Independentseñaló que la perspectiva de Vine sobre la cultura de la celebridad podía adscribirse a la tradición warholiana.​ Vine ha declarado sentir una fuerte relación hacia Warhol, indicando​ que es «el mismo tipo de persona que él»(sic).
Existen dos museos dedicados especialmente a Warhol. ElAndy Warhol Museum, uno de losMuseos Carnegie de Pittsburghestá localizado en el 117 de Sandusky Street, en Pittsburgh,Pensilvania. Con sus más de 12 000 piezas de Warhol, es el mayor museo dedicado a un solo artista en todos losEstados Unidos.
El segundo museo dedicado a la memoria de Warhol es elAndy Warhol Museum of Modern Art, fundado en 1991 por su hermano John Warhola, elMinisteriode cultura del gobiernoeslovacoy la Warhol Fundation de Nueva York. El museo se encuentra en la pequeña ciudad de Medzilaborce, a 15kilómetrosde Miková, el pueblo donde nacieron los padres de Warhol, enEslovaquia. El museo aloja numerosas obras originales cedidas por la Warhol Foundation y algunos objetos personales donados por los parientes de Warhol.
En 1979, Warhol actuó en la películaCocaine Cowboys(1979).​
Después de su muerte, Warhol fue interpretado porCrispin Gloveren la película deOliver StoneThe Doors(1991), porDavid BowieenBasquiat(1996), deJulian Schnabel, y porJared Harrisen la películaI Shot Andy Warhol(1996), de Mary Harron. Warhol también aparece como un personaje de laóperade Michael DaughertyJackie O(1997). El actor Mark Bringlesson hace una breve aparición como Andy enAustin Powers(1997). Por otra parte, muchas películas del cineasta de vanguardiaJonas Mekasmuestran imágenes de la vida de Warhol. Sean Gregory Sullivan también retrató la vida de Warhol en54(1998). La última producción relacionada con Warhol es el largometrajeFactory Girl(2007), cuyo papel es interpretado por el actor australianoGuy Pearce. Esta película trata sobre la vida de la modeloEdie Sedgwick.​Gus Van Santplaneó rodar una versión de la vida de Warhol, conRiver Phoenixen el papel protagonista, pero el proyecto quedó frustrado con la muerte del actor en 1993.​
Andy Warhol aparece como W, un agente de MIB encubierto en la películaMen in Black IIIdonde es interpretado porBill Hader. En una de las pocas escenas en las que se ve al personaje, Warhol le ruega al Agente K que finja su muerte para poder volver a su vida normal, diciendo «Pinto latas de sopa y bananas ridículas. Finge mi muerte, ya no puedo seguir escuchando ésa maldita música. ¡Ya no se quién es mujer y quién es hombre!».También aparece brevemente en la adaptación cinematográfica de la novela gráficaWatchmen(2009), discutiendo el fenómeno de los superhéroes conTruman Capote, frente a una pintura deBúho Nocturno.