Musica del XX secolo

Lamusica del XX secolocomprende opere, compositori e gruppi che hanno creato e distribuito canzoni e pezzi musicali nel corso del novecento. A differenza dei periodi precedenti, vale la pena menzionare l'emergere dellamusica popolare, che diventa il genere dominante man mano che il secolo progredisce, coesistendo con lamusica classica del XX secolo. Le due correnti sono influenzate dalle trasformazioni tecnologiche e sociali del tempo: la musica non è solo consumata dal vivo, ai concerti, ma può essere ascoltata diversamente con dispositivi per uso personale e pubblico. Aumenta l'uso della musica come complemento di altre arti e la musica gioca un ruolo importante nel cinema o nella pubblicità.
Per quanto riguarda gli strumenti utilizzati, spiccano tre grandi gruppi: da un lato, glistrumenti a fiatometallici, come letrombee isassofonideljazze dei derivati. D'altra parte lachitarrae labatteria, tipiche delrocke dei suoi stili correlati e infine ilsintetizzatorecome esponente dellamusica elettronica. Lavoce umanae latastiera(o il pianoforte) appaiono nei tre gruppi come complemento.
Durante ilXX secoloci fu un enorme aumento della varietà di musica a cui le persone avevano accesso. Prima dell'invenzione dei dischi digrammofonoper il mercato di massa (sviluppati nel 1892) e dellaradiodiffusione(realizzata commercialmente per la prima volta intorno al 1919-20), la gente ascoltava principalmente musica o nei concerti di musica classica dal vivo o negli spettacoli teatrali musicali, che erano troppo costosi per molte persone con poche possibilità, o sui primifonografi(una tecnologia inventata nel 1877 che non fu commercializzata in serie fino alla metà del 1890), oppure dal vivo, a casa, grazie a persone che eseguivano musica o cantavano canzoni su base amatoriale, usandospartiti, cosa che ovviamente richiede la capacità di cantare, suonare e leggere musica. Si trattava di competenze che tendevano ad essere limitate alle persone delceto medioe delleclassi agiate. Con la disponibilità sul mercato di massa di dischi e trasmissioni radiofoniche, gli ascoltatori potevano acquistare registrazioni o ascoltare alla radio registrazioni o trasmissioni in diretta di un'enorme varietà di canzoni e brani musicali da tutto il mondo. Ciò permise a una gamma molto più ampia di persone di ascoltare le esecuzioni di sinfonie e opere di musica classica che non avrebbero potuto ascoltare dal vivo, sia perché non potevano permettersi i biglietti per i concerti dal vivo o perché tale musica non veniva eseguita nella loro regione.
Laregistrazione sonoraesercitò anche una grande influenza sullo sviluppo dei generimusicali popolari, perché permise di registrare canzoni e gruppi musicali a basso costo e largamente distribuiti a livello nazionale o addirittura, per alcuni artisti, in tutto il mondo. Lo sviluppo di una riproduzione di musica, relativamente economica, attraverso una successione di formati, tra cuilong playing,musicassette,compact disc(introdotti nel 1983) e, a metà degli anni '90, le registrazioniaudio digitalie la trasmissione di registrazioni audio di spettacoli musicali tramite la radio, o di videoregistrazioni o esibizioni dal vivo in televisione e, negli anni '90, di registrazioni audio e video viaInternet, utilizzando lacondivisione di filedi registrazioni audio digitali, ha consentito a persone appartenenti a una vasta gamma di classi socioeconomiche di accedere a una selezione diversificata di spettacoli musicali di qualità di artisti di tutto il mondo.L'introduzione dellaregistrazione multitraccianel 1955 e l'uso delmixaggiohanno avuto una grande influenza sulla musicapoperock, perché ha permesso aiproduttori musicalidi mixare e sovraincidere molti livelli di tracce strumentali e voci, creando nuovi suoni che non sarebbero possibili in una esecuzione dal vivo.Lo sviluppo delle tecnologie di registrazione del suono, dell'ingegneria del suonoe in più la possibilità di modificare queste registrazioni hanno dato origine a nuovi sottogeneri di musica classica, tra cui le scuole di composizione elettronicamusica concreta(1949) eacustiche(1955).Neglianni '70i musicistiafroamericanihip hopiniziarono ad usare i giradischi come uno strumento musicale, creando effetti "graffianti" ritmici e percussivi manipolando un disco in vinile sul giradischi.
Ai tempi di Beethoven e diFelix MendelssohnnelXIX secolo, l'orchestra era composta da un nucleo di strumenti abbastanza standard, che molto raramente veniva modificato. Col passare del tempo e con il periodo romantico che vide dei cambiamenti nelle modifiche accettate da compositori comeBerliozeMahler, ilXX secolovide che la strumentazione poteva essere praticamente scelta personalmente dal compositore. Isassofonifurono utilizzati in alcune partiture orchestrali del XX secolo come le Sinfonie n. 6 e 9 diVaughan Williamse laBelshazzar's FeastdiWilliam Walton, e molte altre opere come strumento del complesso orchestrale. Le orchestre del Novecento includono generalmente una sezione di archi,legni,ottoni,percussioni,piano,celesta,arpa,con altri strumenti inseriti occasionalmente, comechitarra elettricaebasso elettrico.
Il XX secolo ha visto innovazioni straordinarie nelle forme e negli stili musicali. Compositori e cantautori esplorarono nuove forme e suoni che sfidarono le regole della musica precedentemente accettate dei periodi precedenti, come l'uso di accordi alterati e accordi estesi nelBebop jazzdeglianni '40. Lo sviluppo di potenti amplificatori per chitarra e sistemi di amplificazione sonora negli anni '60 e '70 permise alle band di tenere grandi concerti dove anche quelli con i biglietti meno costosi potevano ascoltare lo spettacolo. I compositori e i cantautori sperimentarono nuovi stili musicali, come fusioni di genere (ad esempio, la fusione tra fine del 1960 dimusica jazzerockper creare lajazz fusion). Inoltre compositori e musicisti utilizzarono nuovi strumenti elettrici, elettronici e digitali e dispositivi musicali. Neglianni '80alcuni generi musicali, come i generi dimusica dance elettronicacome lahouse music, venivano creati in gran parte consintetizzatoriedrum machine. Modi di trasporto più veloci come il volo aereo hanno permesso a musicisti e fan di viaggiare di più per esibirsi o ascoltare gli spettacoli, aumentando la diffusione degli stili musicali.
Lamusica classica del XX secolodescrive lamusica coltascritta teoricamente dal 1901 al 2000. Questo secolo non aveva uno stile dominante e i compositori hanno creatogeneri musicalimolto diversi.Modernismo,impressionismoepost-romanticismopossono essere fatti risalire a decenni prima dell'inizio del secolo, ma possono essere inclusi perché si sono evoluti oltre i confini musicali degli stili ottocenteschi che facevano parte del precedente periodo di pratica comune. Ilneoclassicismoe l'espressionismoarrivarono per lo più dopo il 1900. Ilminimalismoiniziò molto più tardi nel secolo e può essere visto come un cambiamento dall'era moderna a quella postmoderna, anche se alcuni datano il postmodernismo a partire dal 1930 circa.Atonalità,serialismo,musica concretaemusica elettronicasono stati tutti sviluppati durante questo secolo. Iljazze lamusica folkhanno influenzato in modo importante molti compositori in questo periodo.
All'inizio del XX secolo molti compositori, tra cuiRachmaninov,Richard Strauss,Giacomo PucciniedEdward Elgar, continuarono a lavorare nelle forme e nel linguaggio musicale derivato dal XIX secolo. Tuttavia, il modernismo nella musica divenne sempre più prominente ed importante; tra i modernisti più importanti c'eranoAlexander Scriabin,Claude Debussye i compositori postwagnerianicomeGustav MahlereRichard Strauss, che sperimentarono forme, tonalità e orchestrazione.Busoni,Stravinsky,SchoenbergeSchrekererano già stati riconosciuti prima del 1914 come modernisti e ancheIvesfu retrospettivamente incluso in questa categoria per le sue sfide agli usi della tonalità.Compositori comeRavel,MilhaudeGershwincombinarono espressioni classiche e jazz.
Il nazionalismo tardo-romantico e modernista è stato trovato anche nella musica britannica, americana e latino-americana degli inizi del XX secolo. Compositori comeRalph Vaughan Williams,Aaron Copland,Alberto Ginastera,Carlos Chávez,Silvestre RevueltaseHeitor Villa-Loboshanno usato temi popolari raccolti da loro stessi o da altri in molte delle loro principali composizioni.
Nei primi decenni del XX secolo, compositori comeJulián Carrillo,Mildred Couper,Alois Hába,Charles Ives,Erwin Schulhoff,Ivan Wyschnegradskyrivolsero la loro attenzione ai quarti di tono (24 intervalli uguali per ottava) e altre divisioni più sottili. A metà del secolo compositori comeHarry PartcheBen Johnstonesplorarono solo l'intonazione. Nella seconda metà del secolo tra i compositori di spicco che utilizzavano la microtonalità figuravanoEasley Blackwood Jr.,Wendy Carlos,Adriaan Fokker,Terry Riley,Ezra Sims,Karlheinz Stockhausen,La Monte YoungeIannis Xenakis.
Una tendenza dominante nella musica composta dal 1923 al 1950 fu il neoclassicismo, una reazione contro i gesti esagerati e l'assenza di forma del tardo Romanticismo che rianimò le forme equilibrate e i processi tematici chiaramente percepibili degli stili precedenti. C'erano tre "scuole" distinte di neoclassicismo associabili aIgor' Stravinskij,Paul HindemitheArnold Schönberg. Simili simpatie nella seconda metà del secolo sono generalmente elencate sotto il titolopostmodernismo
A metà del XX secolo, in particolare nel Nord America, sorse una tradizione compositiva, chiamata "musica sperimentale". Il suo esponente più famoso e influente fuJohn Cage(1912-1992).Secondo Cage, "un'azione sperimentale è un'azione il cui esito non è previsto"ed era specificamente interessato a lavori completi che svolgevano un'azione imprevedibile.Alcuni dei compositori che influenzarono John Cage furonoErik Satie(1866-1925),Arnold Schönberg(1874-1951) eHenry Dixon Cowell(1897-1965).
La musica minimalista, che comporta una semplificazione dei materiali e un'intensa ripetizione di motivi, iniziò alla fine degli anni '50 con i compositoriTerry Riley,Steve ReichePhilip Glass. Successivamente il minimalismo fu adattato a un ambiente sinfonico più tradizionale da compositori come Reich, Glass eJohn Adams. Il minimalismo fu molto praticato durante la seconda metà del secolo e passò anche nelXXI secolo, così come compositori comeArvo Pärt,Henryk GóreckieJohn Tavenerche lavorano nelle varianti del sacro minimalismo.
La musica classica contemporanea può essere intesa come appartenente al periodo iniziato a metà degli anni '70 e all'inizio degli anni '90, che comprende la musicamodernista,postmoderna,neoromanticaepluralista.Tuttavia il termine può anche essere impiegato in un senso più ampio per riferirsi a tutte le forme musicali successive al 1945.
Molti compositori che lavoravano all'inizio del XXI secolo erano figure di spicco nel XX secolo. Alcuni compositori più giovani comeOliver Knussen,Wolfgang Rihm,Georg Friedrich Haas,Judith Weir,George Benson,Richard Barrett,Simon Bainbridge,John Luther Adams,Toshio Hosokawa,Bright Sheng,Kaija Saariaho,Tan Dun,Magnus Lindberg,Philippe Manoury,David Lang,Hanspeter Kyburz,James MacMillan,Mark-Anthony Turnage,Thomas Adès,Marc-André Dalbavie,Unsuk Chin,Claus-Steffen MahnkopfeMichael Daughertynon diventarono importanti che alla fine del XX secolo.
Per secoli la musica strumentale era stata creata cantando o usando tecnologie musicali meccaniche, come tendere un arco attraverso una corda collegata a uno strumento cavo o pizzicare un budello o corde metalliche (strumenti a corda), o come costringere l'aria a vibrare (legniedottoni) o colpire qualcosa per creare suoni ritmici (strumenti a percussione). All'inizio del XX secolo furono inventati dispositivi elettronici che erano in grado di generare suoni elettronicamente, senza una sorgente di vibrazione meccanica iniziale. Già neglianni '30, compositori comeOlivier Messiaeninserirono strumenti elettronici in esibizioni dal vivo. Mentre la tecnologia di registrazione del suono è spesso associata al ruolo chiave che ha svolto nel consentire la creazione e il marketing di massa dellamusica popolare, fu utilizzata anche la nuova tecnologia di registrazione del suono elettrica ed elettronica per produrre musica d'arte. Lamusique concrète(musica concreta), sviluppata intorno al 1948 daPierre Schaeffere dai suoi associati, era una tecnica sperimentale che utilizzava suoni registrati come materia prima.
Negli anni successivi allaseconda guerra mondiale, alcuni compositori furono rapidi nell'adottare la tecnologia elettronica in via di sviluppo. La musica elettronica fu abbracciata da compositori comeEdgard Varèse,Karlheinz Stockhausen,Milton Babbitt,Pierre Boulez,Bruno Maderna,Henri Pousseur,Karel Goeyvaerts,Ernst Křenek,Luigi Nono,Luciano Berio,Herbert BrüneIannis Xenakis. Neglianni '50l'industria cinematografica iniziò anche a fare largo uso dellecolonne sonoreelettroniche. Tra i principali gruppi rock che furono i primi ad adottare isintetizzatorifiguranoThe Moody Blues,The Beatles,The MonkeeseThe Doors.
La musica folk, nel senso originale del termine coniato nel XVIII secolo daJohann Gottfried Herder, è una musica prodotta dalla composizione comunitaria e in possesso di una sua dignità, anche se alla fine del XIX secolo il concetto di "folk" era diventato sinonimo di "nazione" ", di solito identificati come contadini e artigiani rurali, come nelmovimento Merrie Englande nei revival gaelici irlandesi e scozzesi degli anni ottanta.La musica folk era normalmente condivisa ed eseguita dall'intera comunità (non da una classe speciale di artisti esperti o professionisti, escludendo in alcun modo l'idea di dilettanti) ed era trasmessa dal passaparola (tradizione orale).
Inoltre la musica folk è stata anche presa in prestito da compositori di altri generi. Alcune delle opere diAaron Coplandsi ispirano chiaramente alla musica folk americana.
Un lavoro importante nella registrazione dei brani tradizionali della regione balcanica fu quello diBéla Bartók, poiché è probabilmente il primo compositore interessato a registrare gli audio e ad analizzarli da un punto di vistaetnologico.
Lamusica Bluegrassè una forma di musica americana delle radici e un genere correlato dimusica country. Influenzato dalla musica degliAppalachi,la bluegrass ha radici miste nella musica tradizionale irlandese, scozzese, gallese e inglesee fu anche influenzata in seguito dalla musica degli afroamericaniattraverso l'incorporazione di elementi jazz.
Icolonizzatoridel Regno Unito e dell'Irlanda arrivarono negliAppalachidurante ilXVIII secoloe portarono con sé le tradizioni musicali delle loro terre d'origine. Queste tradizioni consistevano principalmente in ballate inglesi e scozzesi, che erano essenzialmente narrazioni non accompagnate, e musica per ballare, come i mulinelli irlandesi, che erano accompagnati da unviolino folk.Molte vecchie canzoni bluegrass provengono direttamente dalle isole britanniche. Diverse ballate bluegrass appalachiane, comePretty Saro,Barbara Allen,Cuckoo BirdeHouse Carpenter, vengono dall'Inghilterra e conservano la tradizione della ballata inglese sia melodicamente che liricamente.Anche altri, comeThe Twa Sisters, vengono dall'Inghilterra; tuttavia, i testi parlano dell'Irlanda.Alcune canzoni bluegrass col violino popolari in Appalachia, comeLeather BritchesePretty Polly, hanno radici scozzesi.Il brano danceCumberland Gappuò essere derivato dal motivo che accompagna la ballata scozzeseBonnie George Campbell.Altre canzoni hanno nomi diversi in luoghi diversi; per esempio in Inghilterra c'è una vecchia ballata nota comeA Brisk Young Sailor Courted Me, ma esattamente la stessa canzone nel bluegrass nordamericano è conosciuta comeI Wish My Baby Was Born.
Nel bluegrass, come in alcune forme di jazz, uno o più strumenti prendono ciascuno il loro turno suonando la melodia e improvvisando intorno ad essa, mentre gli altri eseguono l'accompagnamento; questo è particolarmente tipico nei brani chiamatibreakdown. Ciò è in contrasto con la musica dei vecchi tempi, in cui tutti gli strumenti suonano la melodia insieme o uno strumento prende il comando in tutto mentre gli altri fanno l'accompagnamento. I brani breakdown sono spesso caratterizzati da tempi rapidi e insolita destrezza strumentale e talvolta da complessi cambi di accordi.
Ci sono tre sottogeneri principali di bluegrass e un sottogenere non ufficiale. Il bluegrass tradizionale ha musicisti che suonano canzoni folk, melodie con semplici progressioni di accordi tradizionali e utilizzano solo strumenti acustici, come ad esempioBill Monroe. I gruppi dibluegrass progressivopossono utilizzare strumenti elettrici e importare brani di altri generi, in particolare il rock & roll. Gli esempi sono i Cadillac Sky e Bearfoot. IlBluegrass gospelè emerso come terzo sottogenere, che utilizza testi cristiani, canto armonico a tre o quattro parti, ed a volte il suono di strumenti. Uno sviluppo più recente nel mondo del bluegrass è il bluegrass neo-tradizionale; esemplificate da band come The Grascals e Mountain Heart, le band di questo sottogenere tipicamente hanno più di un cantante solista. La musica Bluegrass ha attirato un seguito diversificato in tutto il mondo. Il pioniere dei Bluegrass, Bill Monroe, ha caratterizzato il genere come: "Cornamuse scozzesie violini dei vecchi tempi. Èmetodista, holiness ebattista, èbluese jazz ed ha un suono molto solitario".
Nei primi anni del secolo, l'armonia cromatica wagneriana fu estesa da compositori di opere comeRichard Strauss(Salome, 1905;Elettra, 1906–1908;Der Rosenkavalier, 1910;Ariadne auf Naxos, 1912;Die Frau ohne Schatten, 1917),Claude Debussy(Pelléas et Mélisande, 1902),Giacomo Puccini(Madama Butterfly, 1904;La fanciulla del West, 1910;Il trittico, 1918),Ferruccio Busoni(Doktor Faust, 1916, completato postumo dal suo studentePhilipp Jarnach),Béla Bartók(Il castello di Barbablù, 1911–17),Leoš Janáček(Jenůfa, 1904;Osud, 1907;Kát´a Kabanová, 1919-1921) eHans Pfitzner(Palestrina, 1917).
Un'ulteriore estensione del linguaggio cromatico finì per rompere con la tonalità e si spostò nello stile dellamusica atonalenelle prime opere diArnold Schönberg(Erwartung, 1909;Die glückliche Hand, 1912) e il suo allievoAlban Berg(Wozzeck, 1925), entrambi i quali adottarono latecnica dodecafonicaper le loro ultime opere:Moses und Arondi Schönberg eLuludi Berg. Nessuna di queste opere fu completata durante la vita dei compositori, tuttavia, cosicché la prima opera completa che utilizzò la tecnica dei dodici toni fuKarl V(1938) diErnst Křenek.
Alcune delle opere più importanti degli anni venti e trenta furono composte dal russoDmitri Shostakovich(The Nose, 1928 eLady Macbeth del Distretto di Mcensk, 1932).
Allo stesso tempo il neoclassicismo degli anni Venti è rappresentato da composizioni di Stravinskij che, dopo l'opera buffaMavra(1922), ancora legata al periodo russo, apertamente, con la sua opera-oratorioOedipus Rexdel 1927, si avvicina a canoni neoclassici. Più avanti nel secolo la sua ultima opera,The Rake's Progress(1951), segna anche la fine della fase neoclassica delle sue composizioni. Altre opere di questo periodo di compositori identificati come neoclassici comprendonoMathis der MalerdiPaul Hindemith(1938),Guerra e pacediSergej Prokof'ev(1941-1942),Julietta aneb snárdiBohuslav Martinů(1937) eLes mamelles de TirésiasdiFrancis Poulenc(1945).
Negli anni sessanta, dovrebbe essere notata l'opera diBernd Alois ZimmermannDie Soldaten(1965), che ebbe un grande impatto.
Una delle opere più particolari degli anni settanta è stataLe Grand Macabre, diGyörgy Ligeti. Tratta il tema della mortalità attraverso l'ironia e il collage.
Il compositore di opere più accettato a livello internazionale nel dopoguerra fu l'ingleseBenjamin Britten(Peter Grimes, 1945;The Rape of Lucretia, 1946;Albert Herring, 1947;Billy Budd, 1951;Gloriana, 1953;The Turn of the Screw, 1954;Sogno di una notte di mezza estate, 1960;Owen Wingrave, 1970;Death in Venice, 1973)
La relazione (in particolare, il valore relativo) della musica classica e della musica popolare è una questione controversa. Richard Middleton scrive:
I musicisti blues comeMuddy Watersportarono ilDelta Blues, suonato principalmente con strumenti acustici, daldelta del Mississippia nord fino a città come Chicago, dove usarono più strumenti elettrici creando ilChicago Blues.
La musica country, un tempo nota comeMusica Country e Western, è una forma musicale popolare sviluppata negli Stati Uniti meridionali, con radici nella musica tradizionale popolare,spiritualeblues.
Ladisco musicè uno stile di musica dance a ritmo veloce originatosi nei primi anni '70, principalmente dalfunk, dallasalsae dallamusica soul, popolare in origine tra gliomosessualie gliafroamericaninelle grandi città degli Stati Uniti e deriva il suo nome dalla parola francesediscothèque.
La musicahip hop, nota anche comerapo musica rap, è un genere musicale formatosi negli Stati Uniti neglianni '70e costituito da due componenti principali: rapping (MCing) eDJing(mixaggioaudio escratching).
Il jazz si è evoluto in molti sottogeneri a volte contrastanti tra cuismooth jazz,Bebop,Swing,Fusion,Dixielandefree jazz. Il jazz nacque all'inizio delXX secoloda una combinazione dimusica blues,ragtime,brass band, inni espiritual, musica per menestrelli ecanzoni di lavoro.
Per lo più pezzi strumentali che creano suoni di una natura rilassante, romantica, che migliora l'umore o in generale rilassanti.Spectrum Suite diSteven Halpern, pubblicato nel 1975, è generalmente accreditato come l'album che ha iniziato il movimento musicale new-age.
La polka, che apparve per la prima volta a Praga nel 1837, continuò a essere una forma popolare di musica da ballo nel XX secolo, specialmente in Cecoslovacchia, Polonia e nelle aree degli Stati Uniti con una grande popolazione di discendenza centro europea. Un esempio del ventesimo secolo particolarmente noto è la polkaModřanskádi Jaromír Vejvoda (1927), che divenne popolare durante la seconda guerra mondiale in Cecoslovacchia come "Škoda lásky" ("Uno spreco dell'amore"), in Germania comeRosamunde-Polkae tra gli eserciti alleati come ilBeer Barrel Polka(come canzone, conosciuta comeRoll out the Barrel). Negli Stati Uniti, la polka urbana polacca "in stile orientale" rimase popolare fino al 1965 circa. La musica polacca divenne popolare a Chicago verso la fine degli anni '40 dopo che Walter 'Li'l Wally' Wallace Jagiello creòHonky Polkacombinando la polka rurale polacco-americana con elementi di canzoni folk polacche ekrakowiak. Una forma successiva, influenzata dal rock, si chiamadyno polka.
Ilrock and rollfu sviluppato da precedenti forme musicali tra cui ilrhythm and blues, che era stato precedentemente chiamatorace musicecountry music.Vedi ancherock musicalerock opera.
Ilrock progressivo(dall'ingleseprogressive rock), anche noto comeprogoprog rock, è ungeneredellamusica rock, evoluto dalrock psichedelicobritannicodeglianni sessantae diffusosi inGermania,ItaliaeFrancianel corso del decennio e di quello successivo. Similarmente all'art rock, nacque rispondendo all'esigenza di dare alla musica rock maggiore spessore culturale e credibilità. Il nome del genere, considerato da alcuni inadeguato, indica la progressione del rock dalle sue radiciblues, di matricestatunitense, a un livello maggiore di complessità e varietàcompositiva,melodica,armonicae stilistica.
I fautori di questa tendenza si distaccarono dalla struttura musicalepopolaretipica dellaTin Pan Alleyin favore di strumentazioni e tecniche compositive frequentemente associate allamusica classicae aljazzo a volte allamusica coltain genere. I brani furono così rimpiazzati da lunghe suite musicali che spesso duravano 20 o 30 minuti, includendo influenze sinfoniche, temi musicali estesi, ambientazioni e testi fantasy e complesse orchestrazioni. Una parte della critica musicale che considera il concetto alla base del prog «pretenzioso» e le sue sonorità «pompose» e «sopra le righe» tende a sminuire questo genere oppure a ignorarlo del tutto.
Il rock progressivo conobbe il suo picco di popolarità nella prima metà deglianni settantacon l'affermazione, anche commerciale, di gruppi britannici qualiGenesis,Yes,King Crimson,Emerson, Lake & Palmer,Gentle Giant,Van Der Graaf Generator,Camel,Pink FloydeJethro Tull,, tra i più noti e influenti del genere, e furono organizzati gli eventi più popolari di questo ambito. Vi fu poi una vasta costellazione di gruppi che pur non raggiungendo quella popolarità, furono ugualmente molto influenti. La popolarità del genere andò sempre più scemando con il finire del decennio, pur con qualche eccezione (una su tutte la band canadese deiRush). È opinione comune che la causa principale della fine degli anni d'oro del rock progressivo fu l'affermarsi delpunk rock, anche se in realtà i fattori del declino furono molteplici.