Русская музыка

Ру́сская му́зыка— достижения музыкальнойкультуры русского народа; результат многовекового исторического процесса формирования и развитиясвоеобразных традиций. Это понятие объединяетрусский музыкальный фольклор,русскую академическую музыку,русскую духовную музыку,русский романс.
Временные рамки создания русских жанров: народная музыка — X—XX века, духовная музыка — X—XXI века, академическая музыка — XVIII—XX века.
Русская народная музыка берёт начало в фольклореславянскихплемён, живших на территорииКиевской Руси. Многие виды дошедших до нашего времени песен имеют языческие корни, иногда с влиянием христианской обрядности. Поскольку русская народная музыка неоднородна, она имеет корни и других племён, проживавших на территории Киевской Руси: финно-угорских, тюркских и других.
До сих пор в русском фольклоре ощущаются региональные, часто этнические традиции. Свои особенности имеет народно-песенное искусство северных, западных, южных, центральных областей, поселений в бассейнах крупных рек —Оки,Волги,Дона. Русская народная музыка является основой, на которой произросла вся русская профессиональная музыка.
Общий тип великорусских напевов, вероятно сложился к концу «татарской эпохи», ко времени «царей» (XIV век). Характерная особенность — ладовое строение, в отличие от мажор-минора, распространённого у западных славян, и своеобразный стиль многоголосья.
Существуют письменные документы, описывающие музыкальную культуру наРуси. Считалось, что наиболее популярными видами инструментов в средневековой России были струнные инструменты, такие какгуслиилигудок. Археологи обнаружили образцы этих инструментов вНовгородской области, датируемые началом XI века. Другими музыкальными инструментами являются флейтасвирельи ударные инструменты, такие кактрещоткаибубен. Тем не менее, пение на Руси было популярнее инструментальной музыки. Часто пелибылиныо народных героях, таких какСадко,Илья Муромеци других, иногда к инструментальному сопровождению.
Во временаВеликого княжества Московскогорусскую музыку, кроме народной, формировали два основных жанра: православная литургическая музыка и светская музыка, исполняемая для развлечения.
Светская музыка включала в себя использование музыкальных инструментов, таких каксвистульки, и струнные инструменты, и обычно игралась в праздничные дни изначальноскоморохамиименестрелями, которые развлекали дворянство. Во время реакционного периодаРаскола Русской церквив XVII веке скоморохи с их музыкой были запрещены, но, несмотря на эти ограничения, некоторые из их традиций сохранились до сих пор.
Среди основных жанров народной музыки можно выделить календарныеобрядовые песни,свадебные, эпические, танцевальные и лирические песни,частушки. Народные инструменты в фольклоре используются обычно в быту пастухов или для некоторых видов танцев и песен. Наиболее распространены: струнные инструменты (гудок,гусли), духовые инструменты (дудка,жалейка,рожок,кувиклы,флейта Пана). В летописях упоминаются: военные трубы, охотничьи рога, бубны.
В эпоху Средневековьяскоморохи— исполнители народной музыки — подвергались преследованиям, а музыкальные инструменты уничтожались, поэтому оригинальные русские музыкальные инструменты до современности почти не дошли. Такие инструменты, иногда ассоциирующиеся с русской музыкой, какмандолина,семиструнная гитара,баян(гармонь), являются инструментами западноевропейского происхождения, и распространились в России сравнительно поздно (XIX—XX века). С X века в качестве музыкального инструмента на Руси использовалсяколокол, который позже появился в репертуаре русских композиторов. Русский музыковедБорис Асафьев, давая характеристику русской музыке, ввёл термин «колокольность», считая колокольный звон музыкальным символом России. В некоторых видахрусского народного танцахлопки, удары по телу и потоптывания дополняют музыкальный ряд, служа в качествеперкуссии, например, врусской пляске.
Одним из первых фольклорных коллективов в России стала Славянская капеллаДмитрия Агренева-Славянского, основанная в 1868 году, которая продвигала русскую и славянскую народную песню в России и за рубежом, нередко в эстрадных обработках. В начале XX века возниклиОркестр русских народных инструментовВасилия АндрееваиРусский народный хор имени М. Е. Пятницкого: в первом коллективе был расширен и усовершенствован бытовавший в народе инструментарий, во втором исполняли народные песни в их аутентичном виде.
В 1960-е годы появились небольшие фольклорные группы, часто состоявшие из молодых музыкантов-профессионалов, ставившие своей целью точное воспроизведение народного репертуара и манеры — обычно определённого региона или села. Коллективы выступали в домах культуры разных провинций страны. Из этой среды выросли такие коллективы, какАнсамбль народной музыки Дмитрия Покровскогои хоровой ансамбль «Сирин»: оба коллектива исполняют как народную крестьянскую, так и духовную музыку устной и письменной традиций. Народные песни были частью репертуара певцов советской эстрады, в частности,Лидии Руслановой,Ольги Воронец. В 1974 году певицаНадежда Бабкинасоздала народный ансамбль «Русская песня». В 1977 году певицаЛюдмила Зыкинасоздала ансамбль «Россия». В 1982 году Борис Базуров основал ансамбль «Русичи». В 1999 году певицаЛюдмила Рюминаосновала «Московский культурный фольклорный центр под руководством Людмилы Рюминой» и при нём ансамбль «Русы».
В современной России среди исполнителей народных песен известнаПелагея, с 1996 года солирующая в созданной ею одноимённой группе. С 1998 года группа «Иван Купала» создаётфолк-музыкуна основе аутентичного фольклора, в основном записанного в ходе этнографических экспедиций советскими фольклористами в 1970—1980 годы. Альбом группы — «Кострома» — способствовал популяризации фолк-музыки на современной российской музыкальной сцене и положил начало к созданию многих последующих российских групп, создающих фолк-музыку. Песня «Кострома» из одноимённого альбома была использована наОлимпиаде 2014 в Сочи.
Среди основных жанровнародной музыкиможно выделить трудовые наигрыши, припевки ипесни,обрядовый фольклор(календарно-земледельческий и семейно-бытовой), эпические жанры (былины,исторические песни),духовные стихи,хороводыипляскис песнями, лирические песни крестьянской традиции,городские лирические песни, инструментальная музыка.
Народная музыка была больше песенной, чем инструментальной (возможно, под влиянием церковного запрета нарусские музыкальные инструменты). В середине XIX века возник новый жанр —частушка.
Русская народная песня — коллективное устное творчество, передаваемое из поколения в поколение. По мнению сторонников «марксистской фольклористики» 1930-х годов, в дореволюционный период песни исполнялись крестьянами и были в основном жалобными. А с ростом пролетарских настроений в 1905 году в народных песнях появляется «революционный тон»: в крестьянстве выражается классовый гнев («Дубинушка», «Смело мы в бой пойдём»). ПослеОктябрьской революциив устном народном творчестве преобладают сатира и юмор о народном быте, образующиечастушки, сопровождаемые музыкой подгармонь.
Предположительно в XVI—XVII веках образовалась русская лирическая песня и её высшая форма —протяжная. С этим видом связывают возникновение народного многоголосияполифоническогоилигетерофонноговидов голосового пения сподголосочной полифонией— голосовым пением со смещённой тональностью относительно средней тональности ведущего голоса вхоре. В разных регионах России традиция пения сподголоскомразличается. Народное пение почти всегда многоголосное, за исключениембылин,плачей,колыбельныхидетских потешек, исполняемых одноголосно. Развитыми в мелодическом отношении являются некоторые виды плачей, входящих в свадебный обряд, и погребальных плачей (причитаний): для них характерна экспрессивность, возникающая в результате сочетания обрядовых формул с личной импровизацией исполнителя (обычно женщины).
Ладовая системарусского народного пения уникальна: ей близкапентатоникакитайской или шотландскойгаммы,тетрахордоваяи полнаядиатоника. Одноголосное и многоголосное народное пение имеет свою систему модальных тонов, отличающуюся от тональной функциональности, построенной нааккордах; эта система позже изменится навводный тонгармонического минорас появлениемкрестьянского романса,городской песни,гармошечного наигрыша(«Среди долины ровныя»), и подчинится привязке к аккордам.
К известным песням, написанным в народных традициях, но не являющимся народными, относятся: «Калинка» — одна из самых известных в мире русских мелодий, «Катюша» — популярная в СССР и современной России патриотическая песня, «Коробушка» — мелодия, известная в мире по игре «Тетрис», «Полюшко-поле» — популярная у зарубежных композиторов XX века русская мелодия, «Ой, мороз, мороз» — популярная застольная песня, «Смуглянка». К русским народным песням, популяризованным русскими классическими музыкантами и советской эстрадой, относятся «Во поле берёза стояла», «Ой ты, степь широкая».
Русскойдуховной музыкойназываются вокальные или вокально-инструментальные произведения на тексты религиозного характера, а также колокольный звон в Русской православной церкви. Она имеет глубокие и сильные традиции как в народном, так и в композиторском искусстве. Народные жанры духовной музыки —духовные стихи, среди которых многоплачей; истоки их мелодики идут изязыческой славянскойтрадиции, тогда как очень лиричные, отличающиеся выраженной эмоциональной экспрессией тексты или по крайней мере яркая специфическая образность и метафоричность и особое покаянное настроение ведут происхождение из ветхозаветной и новозаветной, а также околохристианской религиозной поэзии.
Вместе с вероисповеданием из Византии был заимствован круг церковных песнопений. До конца XVII века церковное пение являлось практически единственной формой профессионального письменногоправославного музыкального искусствана Руси. Длямузыкальной нотациииспользовались специальные знаки —невмы, благодаря которым сохранились несколько примеров средневековой церковной музыки, в том числе двестихиры, сочинённые царёмИваном Грознымв XVI веке. XVII век привносит свежую струю в русскую духовную музыку. Музыканты изучают музыкальную культуру Европы, знакомятся с совершенно новым стилем. В XVII веке происходит спад в духовной музыке, вызванный множеством различныхреформ Петра I. Дворцовыйхорстали обучать итальянцы. В некоторых соборах продолжается развитие старообрядческого пения. XIX век приносит новый жанр духовной музыке — произведения для праздничных литургий. Представителями этого жанра стали директор капеллы при императорском двореДмитрий Бортнянский, создатель классического хорового концертаМаксим Березовский, композитор и дирижёрСтепан Дегтярев, композитор и регентАртемий Ведель, композиторСтепан Давыдов. Сильное влияние на русскую церковную музыку того времени оказала немецкая музыкальная культура. КомпозиторыАлексей Львови Павел Воротников придали церковным песнопениям форму протестантского хорала. В XX веке
духовная музыка наполняется народными стилями звучания благодаря произведениям русских композиторов, в частностиВасилия Орлова,Степана Смоленского,Николая Данилина,Сергея Рахманинова.
Православная служба, в отличие от католической или протестантской, всегда оставалась исключительно вокальной. Инструментальное сопровождение не допускалось. Важнейшими её жанрами, помимо общих для всех конфессийпсалмов, былистихира,тропарь,кондак,величание, позже сложилисьлитургияивсенощная. В полностью сформировавшемся православном богослужении пение сопровождало все его части — литургию (обедню),вечернюиутреню(в канун больших праздников — всенощное бдение);чиныкрещения,венчания,погребения, а такжетребы—молебны,панихидыи так далее. Ещё вВизантиидля разных жанров и различных частей богослужения сложились разные манеры пения — распевы.
Послереволюционных событий 1917 годаразвитие русской духовной музыки как современного искусства прервалось. Однако за рубежом продолжали сочинять церковные композицииА. Т. ГречаниновиН. Н. Черепнин. Cредируководителей церковных хоровнаиболее известны:Сергей Жаров,Николай Афонский, Пётр Спасский,Борис Ледковский; среди исследователей (и одновременно композиторов):Иван Гарднери Альберт Сван.
Сконца 1980-х годовв России церковно-певческое искусство начинает возрождаться: появляются новые коллективы, публикуются исследования, ряд композиторов обращается к духовным жанрам. Среди авторов, сочинения которых соответствуют требованиям православного богослужения, можно выделить диаконаСергея Трубачева, протоиерея Александра Ведерникова, а такжеВладимира Мартынова. Подавляющее большинство современных композиций предназначается для духовных концертов, которые чаще проводятся в светских залах, но иногда и в храмах.
Зна́менное пение или зна́менный распев — основной вид древнерусского богослужебного пения. Название происходит отневменных знаков— знамён, использовавшихся для его записи. Древнейшие нотированные крюками рукописи относят к XI веку. К XVII веку в крюковой записи появились дополнительные знаки — «призна́ки» и «пометы», ранние рукописи представляют беспометную нотацию. Рукописи XVII века фиксируют появление, наравне с традиционным одноголосным пением, раннего народного многоголосия (строчное пение), которое также было записано знамёнами. В ходе реформ XVII века знаменное пение постепенно вытеснялось формами европейского пения, основанном не на старинных модальных ладах, а на мажорно-минорной тональности западноевропейского образца. В конце XVII — начале XVIII веков знаменные мелодии в киевской традиции стали записывать вквадратной нотации, напоминающей римскую квадратную нотацию, принятую в певческих книгах католиков. В 1778 году в Москве был издан «Сокращённый Обиход нотного пения», получивший всеобщее распространение и принятый в качестве первоначального руководства при обучении церковному пению в духовных учебных заведениях.
До сих пор традиции знаменного пения соблюдаютстарообрядцы. Существуют специалисты, возрождающие знаменное пение и в новом обряде Русской православной церкви, например,Валаамский монастырь. Возрождением знаменного пения занимаются в ряде вузов, например, в кафедре древнерусского певческого искусстваСанкт-Петербургской государственной консерватории, вМузыкальном училище имени Гнесиных, вРусской христианской гуманитарной академии.
В настоящее время песнопения знаменного распева, как правило, нотируются как в традиционной крюковой, так и в круглой, итальянской нотации. Известны различные типы знаменного распева и соответствующие им типы знамён — кондакарный, столповой, демественный, путевой, ветвенный.
Кондакарный распев происходит от слова «кондак» — одного из богослужебных песнопений. Нотация происходит от палеовизантийской и заимствована на Руси в IX веке. Характеризуется наличием мелодически развитых элементов, особой мелизматикой. Расцвет кондакарного пения на Руси приходится на XI—XII века, к XIV веку исчезает из русской богослужебной традиции в связи со сменойбогослужебного УставасоСтудийскогонаИерусалимскийи соответствующей ей смене корпуса богослужебных книг. Встречается в кондакарях, основа которых — кондаки иикосыв честь праздников всего периода церковного года и в память святых.
Столповой распев является основным видом знаменного пения, которым распет практически весь корпус книг русской богослужебной литургической традиции. Название происходит от слова «столп» — восьминедельного цикла книгиОктоих. Столповой распев получил широкое распространение и является самым употребительным в русской одноголосной богослужебной традиции и в настоящее время. Распев состоит из попевок (кокиз), фит и лиц, которые, в свою очередь, состоят из более мелких единиц — крюков. Имеетосмогласную систему. Попевки столпового распева присутствуют не только в песнопениях богослужебного круга, но и в обиходных песнопениях. Наиболее употребительными попевками, вошедшими в обиход, считаются кокизы 6-го гласа. Кроме богослужебных книг, для изучения нотации создавались особыепевческие азбуки, кокизники и фитники.
Путевой распев распространён в древнерусской музыкальной культуре наряду со знаменным распевом и демественным распевом. Возник в последней четверти XV века. До середины XVI века применялся вСтихираре, затем в Обиходе. В конце XVI века путевой распев стал самостоятельной, развитой ветвью древнерусского певческого искусства, отличаясь большей торжественностью, распевностью и плавностью. Мелодику путевого распева образует совокупность канонических мелодических формул, подчинённых системе осмогласия. Вершина развития путевого распева — XVI—XVII века. Во второй половине XVII века путевой распев начал выходить из употребления.
Демественный распев(демественное пение, демество) — одно из стилевых направлений древнерусского певческого искусства. Раннее упоминание о нём относится к 1441 году в Московском летописном своде конца XV века. Получил распространение в XVI—XVII веках, в том числе в многоголосии. Репертуар демественного распева включает отдельные песнопения Обихода, Праздников иТрезвонов, Стихираря постного, Октоиха иИрмология. Первоначально демественный распев записывался знаменной нотацией. В XVI веке на её основе была создана демественная нотация, использующая элементы знаменной нотации, но в более усложнённом виде. В деместве были выработаны стилистические закономерности, сыгравшие значительную роль в эволюции русского певческого искусства: формировался торжественный стиль пения с широкими распевами отдельных слогов текста. Используется в настоящее время как особый торжественный распев, например, при архиерейских богослужениях.
Известные мастера знаменного пения в эпохуВасилия IIIиИвана Грозного:Савва Рогов,Фёдор Крестьянин,Иван Нос,Маркелл БезбородыйиСтефан Голыш. В эпохуСмутного времении правленияМихаила Фёдоровичабыли известнымитрополит ВарлаамиИсайя Лукошко. Крупным мастером был представитель усольской школыФаддей Субботин. Одним из лучших специалистов в области знаменного пения и создателем фундаментальной работы «Азбука знаменного пения» в 1688 году, которая является полным изложением теории знаменного пения, былАлександр Мезенец.
Партесное пение — тип церковного пения, в основе которого положено многоголосное хоровое исполнение композиции. Количество голосов может быть от 3 до 12, а может достигать 48. Партесное пение пришло из католическойИталиивПольшу, а оттуда — вРоссийскую империю.
В XIX веке партесное пение постепенно вытеснило знаменное. Это означало фактический отказ от основных принципов знаменноймонодии(одноголосия). Инициаторами введения партесного пения были западнорусскиеправославные братства. ВРусском царствев богослужебное употребление партесное пение введенопатриархом Никоном. Нововведение очень понравилось царюАлексею Михайловичу, который способствовал введению партеса в московских храмах. Партесное пение защищали русские теоретики музыкиИоанникий КореневиНиколай Дилецкий. Противниками введения партесного пения в практику русской церкви были ревнители православной традиции, в том числе, видные церковные иерархи, такие какпатриарх Гермогенипатриарх Иосиф, а также старообрядцы и греческое духовенство.
Некоторые композиторы предприняли усилия по встраиванию знаменных мелодий в партесный обиход, гармонизируя их в согласии с правилами западноевропейской гармонии. Богослужебную партесную музыку писали многие композиторы, например,Дмитрий Бортнянский. С XVIII века известны концертныеВсенощныеАртёмия Веделя,Степана Дегтярёва. Со второй половины XIX века известны хоровые ВсенощныеМихаила Ипполитова-Иванова,Владимира Ребикова,Александра Архангельского,Александра Гречанинова,Павла Чеснокова. Лучшими образцами этого жанра считаются «Всенощные бдения»Петра Чайковского,Сергея Рахманинова.
После Октябрьской революции 1917 года в связи с проводимой политикой новых властей по вытеснению религиозных течений развитие духовной музыки приостановилось вплоть до конца 1980-х годов, когда произошло возрождение православной музыки; появились новые современные композиторы: диаконСергей Трубачёв,Владимир Мартынов. Подавляющее большинство современных композиций духовной музыки предназначается для духовных концертов, которые проводятся, как правило, в светских залах, но иногда и в храмах.
Кант — вид светской многоголосной песни, распространённый вРоссийской империив XVII—XVIII веках. Камерная разновидностьпартесного пения. Был популярен наУкраинеи вБелоруссии. Первоначально канты создавались на религиозныепсальмыи бытовали в кругах духовенства и в монастырях. Поэтика канта исходит от литературной поэзии. В XVII веке канты создавались на слова представителейсиллабической поэзии.
Для музыкального стиля канта характерно трёхголосное изложениегомофонного складас параллельным движением верхних голосов ибаса, вгармонии—диатоника, ясная тональная функциональность, вритмике— квадратность группировки тактов. Способ распева текста — преимущественносиллабический.
Исполнялись канты ансамблем певцов или хором без инструментального сопровождения, а также с участием духовых инструментов, напримерроговых оркестров. Нередко канты сопровождались колокольным звоном, пушечной пальбой и фейерверком. Интонационный строй канта представляет собой сплав элементов знаменного распева, русской иукраинской народной песни, а также польской мелодики. Мелодическая стилистика близкапартесному концерту. В XVIII появляются канты патриотического, бытового, любовно-лирического содержания; для времёнПетра Iхарактерны «приветственные» и «панегирические» канты с фанфарными мелодическими оборотами, торжественным ритмомполонеза, ликующимируладамив верхних голосах на словах «виват», «осанна», «многая лета», имитационные переклички. Канты позже стали излюбленной формой музицирования городских слоёв населения: появились лирические, мореходные, пасторальные, шуточные канты. Лирические канты впитывают в себя элементы бытующих танцевальных форм, главным образомменуэта. В большинстве случаев авторы слов и музыки к кантам неизвестны. Авторами музыки множества кантов при Петре I былигосударевы певчие дьяки, среди них —Василий ТитовиМаксим Березовский. Канты оказали влияние нагородской романс.
Духовные стихи — русские народные стихотворения-песни на христианские темы и сюжеты. Духовный стих несёт в себе глубокое назидательное, поучительное начало. Наибольшее распространение получили с XVII века. По всей видимости, имеют смешанное происхождение — русское эпическо-былинное и европейское лирическо-песенное. Изначально исполнителями быликалики перехожие— паломники воСвятую землю, а позднее бродячие слепые певцы. Вплоть до XIX века бродячие певцы оставались основными творцами и исполнителями духовных стихов вБелоруссии, на Украине, вБолгариии большинстве регионов России.
Начиная с XVIII века псальмы получают широкое распространение в средестарообрядцеви сектантов —хлыстов,скопцов,молокан,духоборов(в хлыстовстве и скопчестве духовные стихи обычно назывались «роспевцами»). В этой, более религиозной, среде духовные стихи стали петь обычные люди.
Духовные стихи делятся на два типа: «старшие» и «младшие». «Старшие» — это эпические повествования на сюжеты ветхозаветных, новозаветных и житийных легенд (стихи оГолубиной книге, обАдаме, оИосифе Прекрасном,царевиче Иоасафе,Алексее Человеке Божием,Феодоре Тироне, об Егории Храбром, князе Ефимьяне,о Богатом и Лазареи т. д.), они близки кбылинам. «Младшие» отражают влияниесиллабического виршевого стиха, проникшего из Польши.
Как правило — это песни грустные и покаянные. В них поётся о смерти, расставании души с телом и мимолётности жизни. В XVII веке, когда в среде старообрядцев сложилось представление о воцарении антихриста, стали возникать стихиэсхатологическогохарактера. Один из главных исследователей духовных стиховГеоргий Федотовписал, что темаСтрашного судаобразует один из самых мощных центров притяжения в народной поэзии. В XX веке среди катакомбников снова возникло много эсхатологических стихов — только приход антихриста в них связывается уже среволюцией, разрушением церквей,коллективизацией,лагерямии т. д.)
На Севере России псальмы поют безаккомпанемента, на Украине и в Белоруссии — часто подколёсную лируили скрипку.
Колокольный звон в Русской православной церкви— одна из существенных принадлежностей христианского храмового богослужения. В православии колокольный звон является неотъемлемой частью церковных обрядов. Верующими колокольному звону приписывается магическая способность отгонятьнечистую силу, болезни, прекращать стихийные бедствия. Использование звона колоколов и колокольчиков в ритуальных, магических целях уходит корнями в далёкое прошлое. Искусство звона традиционно передавалось устным путём, при некоторых соборах и монастырях существовали звонарские артели.
Различают несколько видов колокольных звонов:
Трезвон стал основой художественного явления, известного как «колокольные звоны», — отдельного вида русского церковного искусства, сложившегося к XVII веку и образовавшего региональные традиции, а в конце XX века влившегося и в светскую концертную традицию.
Колокольный звон широко применялся в творчестве русских композиторов XIX века.М. Глинкаиспользовал колокола в заключительном хоре «Славься»оперы «Иван Сусанин», или «Жизнь за царя»,Мусоргский— в пьесе «Богатырские ворота…» цикла «Картинки с выставки» и вопере «Борис Годунов»,Бородин— в пьесе «В монастыре» из «Маленькой сюиты»,Н. А. Римский-Корсаков— в «Псковитянке», «Сказке о царе Салтане», «Сказании о невидимом граде Китеже»,П. Чайковский— в «Опричнике». Одна из кантатСергея Рахманиноваполучила название «Колокола». В XX веке эта традиция была продолженаГ. Свиридовым,Р. Щедриным,В. Гаврилиным,А. Петровыми другими.
В конце 1920-х годов по­сле­до­вал не­офи­ци­аль­ный за­прет на колокольный звон, со­про­во­ж­дав­ший­ся мас­со­вым раз­ру­ше­ни­ем ко­ло­ко­лов, тра­ди­ция зво­на со­хра­ня­лась лишь в не­ко­то­рых хра­мах и мо­на­сты­рях. В  1970–1980-х  годах возобновляется общественное внимание к искусству колокольного звона, и в 1989 году благодаря поддержкеФонда культурысоздана Ассоциация колокольного искусства России. Достаточно долго основной базой для возрождения колокольной музыки былАрхангельский музей деревянного зодчества. С 1984 года концерты колокольной музыки начинают проводить вСуздале, с 1987 года – вЛенинграде, а затем в других городах России. География городов, где проходят концертные звоны, растёт с каждым годом:Ростов Великий,Вологда,Луцк,Иркутск,Челябинск,Кострома,Ярославль,Ульяновск,Угличи другие.
Развитиеакадемической (светской профессиональной) музыкив России началось сравнительно поздно из-за запрета Православной церкви на светскую музыку. Начиная с царствования Ивана Грозного,царский дворпригласил западных композиторов и музыкантов восполнить возникший пробел. К моменту правленияПетра Iони находились при дворе на регулярной основе. Несмотря на то, что Пётр I не любил музыку, он воспринимал европейскую музыку как символ цивилизации и способвестернизациистраны; основаниеСанкт-Петербургапо западному образцу поспособствовало распространению европейской музыки среди высших слоёв общества. Увлечение итальянской оперой при дворе во время правления императрицЕлизаветы ПетровныиЕкатерины IIтакже помогло распространить интерес к западной музыке среди аристократии. Это увлечение стало настолько распространённым, что многие даже не знали, что существуют русские композиторы.
Фокус на европейскую музыку означал, что русским композиторам приходилось писать в западном стиле, если они хотели, чтобы их композиции исполнялись. Их успех в этом направлении был переменным из-за отсутствия знакомства с европейскими правилами композиции. Некоторые композиторы смогли выехать за границу для обучения (обычно в Италию), и научились сочинять вокальные и инструментальные произведения в традиции итальянской классики. К ним относятся композиторыДмитрий Бортнянский,Максим БерезовскийиАртемий Ведель.
Отечественное композиторское искусство в России существенно начало развиваться с 70-х годов XVIII столетия. Среди первых русских композиторов значимыми также были:В. А. Пашкевич,М. М. Соколовскийи особенно настоящий профессионалЕ. И. Фомин. В начале XIX века, на новом витке развития русской музыки творили такие композиторы как:С. И. Давыдов,С. А. Дегтерёв,К. А. Кавос,А. Н. Верстовский,А. А. Алябьев. Пожалуй, первым русским композитором, который использовал характерные традиционные русские элементы из светской музыки, был Е. И. Фомин с оперой «Ямщики на подставе» 1787 года. С. А. Дегтерёв использовал народные мотивы в хоровом пении патриотической оратории «Минин и Пожарский, или Освобождение Москвы» 1811 года. Национальную историю в своём творчестве широко использовал К. А. Кавос и народное хоровое пение в опере «Иван Сусанин» 1815 года, например, в песне «Не бушуйте, ветры буйные». Также на национальную историю опирался А. Н. Верстовский, особо выделяется его опера «Аскольдова могила» 1835 года с такими песнями с ярко народным окрасом как «Заходили чарочки по столику» и «В старину живали деды».
На новый уровень русские традиции в светской музыке поднялМихаил Глинка, который сочинил оперы «Жизнь за царя (Иван Сусанин)» 1836 года, «Руслан и Людмила» (1837—1842 гг.). Под влиянием Глинки сформировался композиторский почерк его младшего современникаА. С. Даргомыжского.
Русская народная музыка стала основным источником для композиторов молодого поколения. Группа композиторов, получившая название «Могучая кучка», во главе сМилием Балакиревым, куда также входилиНиколай Римский-Корсаков,Модест Мусоргский,Александр БородиниЦезарь Кюи, провозгласила целью популяризировать русские национальные традиции в классической музыке. Среди наиболее примечательных композиций «Могучей кучки» были оперы «Снегурочка», «Садко», «Борис Годунов», «Князь Игорь», «Хованщина» и симфоническая сюита «Шехеразада». Оркестровуюинтермедию«Полёт шмеля», написанную Николаем Римским-Корсаковым для его оперы «Сказка о царе Салтане», исполняют различные зарубежные музыканты на скорость и попадают вКнигу рекордов Гиннесса. Многие работы Глинки и «Могучей кучки» были основаны на русской истории, народных сказках и литературе и считаются шедеврамиромантического национализмав музыке.
В 1859 году также было основаноРусское музыкальное обществово главе с композиторами-пианистами — братьямиАнтономиНиколаем Рубинштейном. «Могучая кучка» часто противопоставлялась Русскому музыкальному обществу; «Могучая кучка» исповедовала русскую национальную идентичность, а Русское музыкальное общество ориентировалось на универсальную европейскую традицию. Тем не менее Русское музыкальное общество основало первые в России консерватории в Санкт-Петербурге и в Москве. В Санкт-Петербургской консерватории обучался русский композиторПётр Чайковский, известный своими балетами, такими как «Лебединое озеро», «Спящая красавица» и «Щелкунчик». Он остаётся самым известным русским композитором за рубежом. Самым известным преемником его стиля сталСергей Рахманинов, который учился вМосковской консерватории, где преподавал Чайковский.
В середине 1890-х — середине 1900-х гг. со­здал свои основные про­из­ве­де­нияАлександр Глазунов.
В конце XIX и начале XX века была третья волна русской классики:Игорь Стравинский,Александр Скрябин,Сергей ПрокофьевиДмитрий Шостакович. Они были экспериментаторами по стилю и музыкальному языку. Стравинский оказывал особое влияние на своих современников и последующих поколений композиторов в России и западных странах.
ПослеОктябрьской революциирусская музыка резко изменилась. Рахманинов, Стравинский, Глазунов, Гречанинов,Метнерэмигрировали. Хотя Прокофьев также покинул Россию в 1918 году, он в конце концов вернулся и внёс свой вклад всоветскую музыку. В начале 1920-х годов была эпоха авангардных экспериментов, вдохновлённых революционным духом эпохи. В 1930-е годы, во временаИосифа Сталина, разнообразие в музыке было ограничено. Классицизм одобрялся, а эксперименты не поощрялись. Например, опера Шостаковича «Леди Макбет Мценского уезда» была осуждена в газете «Правда» как «формализм» и вскоре была запрещена в театрах на многие годы.
Музыкальными патриархами эпохи были Сергей Прокофьев, Дмитрий Шостакович,Арам ХачатуряниАлександр Александров. Последний наиболее известен тем, что сочинилгимн СССРи песню «Священная война». Со временем волна молодых советских композиторов, таких какГеоргий Свиридов,Альфред ШниткеиСофия Губайдулина, вышли на первый план из-за строгой советской системы образования.Союз композиторов СССРбыл создан в 1932 году и стал основным регулирующим органом советской музыки.
История светскойхоровой музыкив России начинается в XIX веке, когда вправославную церковную музыкуприходитпартесное пение, заменившее одноголосноезнаменное пение. Тогда же появляется светскоекамерное хоровое пение, исполняемое вкантах.
Важную роль в развитии светской хоровой музыки сыграларусская опера; хоровое пение звучит в операхМихаила Глинки«Жизнь за царя» и «Руслан и Людмила». Значимую роль оперное хоровое пение заняло у классических композиторов XIX века. Пик популярности хорового пения пришёлся на вторую половину XIX и начало XX века. Вслед за эпохой патриотических ораторий, кантат и песен, вызванных национальным подъёмом, стали во множестве появляться хоровые переложения народных песен. В 1878 году было основаноРусское хоровое общество, которое объединяло любителей светского хорового пения. Хор Русского хорового общества принимал участие в концертахРусского музыкального общества, а также давал несколько собственных концертов ежегодно. В 1887 году в хор впервые были введены женские голоса.
ПослеОктябрьской революциизначительный вклад в развитие светской хоровой музыки внёсГеоргий Свиридов. Другим знаковым композитором являетсяТомас Корганов. Выдающимися хоровыми коллективами советского периода являютсяГосударственный академический русский хор имени А. В. Свешникова,Республиканская русская хоровая капелла имени А. А. Юрлова,Русский народный хор имени M. E. Пятницкого,Московский государственный академический камерный хор. Впопулярной музыкеизвестен «Хор Турецкого».
Отдельную популярность в послевоенные годы обрело детское хоровое пение. В 1957 году была основанаМосковская хоровая капелла мальчиков, исполняющая русскую духовную музыку и народные песни. В 1970 году основанБольшой детский хор Всесоюзного радио и Центрального телевидения, исполняющий кантаты, симфонии, оперы, патриотические песни. Массовую популярность в исполнении хора обрели детские песниЕвгения Крылатова,Аркадия Островского,Александры Пахмутовойи других композиторов, такие как «Прекрасное далёко», «Пусть всегда будет солнце», «Спят усталые игрушки», «Крылатые качели», «Взвейтесь кострами, синие ночи», «Антошка». В 1970-х годах хор был настолько популярен, что известность в народе получили его солисты:Серёжа Парамонов, Света Погасий,Рита Суханкина,Дима Галихин. С 1991 года существует камерный хор «Вера». В современной России с 2013 года действуетВсероссийское хоровое общество, в 2014 году основавшееДетский хор России.
Авангардная музыкав России начала формироваться в 1910—1920-х годах и достигла пика развития в 1960—1980-х. Русский авангард в музыке на начальном этапе характеризовался какфутуризм. Это движение поддерживали такие композиторы какНиколай Рославец,Иван Вышнеградский,Николай Обухов,Артур Лурье,Иосиф Шиллингер,Арсений Авраамов.
Ранний музыкальный авангард в России не имел единого сформировавшегося направления, и композиторы, обращавшиеся к авангарду, находились в творческих поисках «нового мирослышания» и «звукового миросозерцания», которые отражались как в музыке, так и в литературных манифестах. В русле «нового мирослышания» переосмысливались многие основные музыкальные категории —звук,звуковысотная система,тембр,гармонияи так далее. Почти все ранние авангардисты так или иначе занимались обновлением традиционнойсистемы темперированияи изобретали новые системы деления тонов. Футуристы стремились к изобретению новых инструментов или устройств, соответствующих такому подходу, например,Лев Термен, создавший электроакустический инструменттерменвокс, иНиколай Обухов, создавший Эфир, Кристалл, Волны и Звучащий крест. Эти инструменты давали принципиально новуюсонорику, но также часто предпринимались попытки усовершенствовать традиционные оркестровые инструменты классической музыки. За новой сонорикой следует поиск «пространственной музыки». Главной концепцией музыкального футуризма становилось раскрепощение звуковой массы. Ещё одним подходом являлась «ультрахроматическая гармония», которую русские композиторы выводили из стилистики позднего творчестваАлександра Скрябина.
Ранний русский музыкальный авангард не оказал влияния на советскую авангардную музыку 1960—1980-х годов. Первым авангардистом послевоенной эпохи являетсяАндрей Волконский. Характерной особенностью музыкального авангарда СССР становился фольклорный окрас, когда новые техники применялись к разработке народных напевов. Первой освоенной техникой былсериализм, затемсонористикаиалеаторика; одновременно началось развитиеэлектронной музыки. Позднее чистые системы уступили место разным смешанным техникам: появились понятия «коллажа» иполистилистики— терминаАльфреда Шнитке, чьи сочинения наиболее ярко представляют данное явление.
Знаковым исполнителем авангардной музыки былЭдисон Денисов, основавший в 1990 годуАссоциацию современной музыкипо типу одноимённого объединения, возникшего в 1924 году.
Русский романс сформировался на волне веяний романтизма в первой половине XIX века. Во многих романсах обыгрываются цыганские мотивы (т. н. «цыганщина»). В продолжение XIX века сформировалось несколько поджанров — салонный романс,жестокий романс,цыганский романси др.
«Золотой век» русского романса пришёлся на начало XX века, когда работали такие крупные и самобытные исполнители, какА. ВертинскийиА. Вяльцева. Позднее традиции романса продолжали в эмиграцииПётр ЛещенкоиАлла Баянова, в СССР —Изабелла Юрьева,Тамара ЦеретелииВадим Козин.
В советское время, особенно с конца 1930-х годов, романс подвергался гонениям как пережиток царской эпохи, вредный для строителей социалистического будущего. Ведущие исполнители замолчали, либо были репрессированы, либо вынуждены были эмигрировать.
Серьёзный вклад в классификацию русского романса внёс коллекционер и исследователь жанраАнатолий Титов. Помимо упомянутых видов, им выделены: дворянский романс, романс-ответ, иронический, актёрский, белогвардейский, тюремный и другие. Отдельным жанром близким с романсом обозначенамелодекламация.