Música clásica

Lamúsica clásica occidentales un tipo demúsica académicaproducida o derivada de las tradiciones de lamúsica litúrgicayprofanaenOccidente, teniendo históricamente su foco mayoritario enEuropa Occidental. Posee un referente de transmisión fundamentalmentede tipo escritolo cual suele vincularse al carácter riguroso de su reproducción einterpretación.
Si bien, las principales características del género fueron codificadas principalmente entre 1550 y 1900, que es habitualmente considerado como el período característico de producción de la música clásica, su desarrollo se extiende a todo el sigloXXyXXI.​
En un sentido historiográfico, la música clásica antigua se ha dividido tradicionalmente en varios periodos, ante los cuales la musicología del último medio siglo ha mostrado crecientes reticencias:​música medieval, que abarca el periodo comprendido por laBaja Edad Mediaen Europa (1000-1400); lamúsica renacentista(1400-1600); lamúsica barroca, que coincide con desarrollo delarte barroco(1600-1750); elclasicismo(1750-1820), que en laHistoria de la músicay lamusicologíaes a veces llamado «música clásica»;​ elRomanticismo(1820-1900); y lamúsica contemporánea, que comprende las distintas corrientes de música clásica del sigloXX, que adopta lacomposición atonaly otras tendencias opuestas a corrientes anteriores.
Debido a sus características técnicas, a la creciente profesionalización de la ocupación de músico y compositor, y al contexto sociocultural en el que se desarrolla (bajo el patronazgo de aristocracia, iglesia y burguesía), la música clásica es habitualmente definida como la«música de tradición culta».​
La música clásica en general se caracteriza principalmente por el tipo de lenguaje utilizado, el cual tiene su fundamento en el desarrollo amplio y variado de ideas musicales a partir detemas,motivos,sujetos,contrasujetos,frases,estructuras contrapuntísticas,pasajes modulantes, secciones dereexposición, variaciones temáticas, etc., las cuales se organizan con el objetivo de crear una «narrativa» sonora particular. Con ello el compositor crea un entorno descriptivo de ideas abstractas o concretas convertidas enmelodía,armoníayritmo, encaminadas a dar forma a una estructura sonora con algún sentido específico.
En ese sentido, la música clásica se distingue de lamúsica populary de otrastradiciones clásicas no europeaspor su apego a lanotación musical simbólica, en uso desde aproximadamente el sigloXVI.​ Dicha notación permite a loscompositoresprescribir de forma detallada eltempo, lamétrica, elritmo, laalturay la ejecución precisa de cada pieza musical. Esto limita el espacio para laimprovisacióno la ornamentaciónad libitum, que son frecuentes en la música artística no europea y en la música popular.​​​ Otra característica es que mientras la mayoría de los estilos «populares» tienden a desarrollarse alrededor del género de lascanciones, la música clásica se ha caracterizado por el desarrollo de formas y géneros musicales altamente sofisticados y muy elaborados, basados en desarrollos complejos y en el empleo de una muy variada y perfeccionada instrumentación.​ Por ello, la música clásica suele requerir, tanto de los músicos como de los compositores, de un alto grado de profesionalización y especialización.
El términomúsica clásicaaparece por primera vez a principios del sigloXIX, en un intento para destacar el valor duradero de tradiciones anteriores, y muy especialmente la época de J. S.Bachy G. F.Händel, vista ya entonces como unaedad doradade la música.​​​ En la actualidad dicho término está asociado a la tradición descrita arriba, y es a veces sustituido precisamente por los términos música culta o música académica para resaltar su importancia y carácter frente a la músicas populares que han adquirido estatus "clásico" como exaltación de un valor particular (jazzclásico,rockclásico,salsaclásica,boleroclásico,tangoclásico, etc.). En tal sentido, para la música clásica o académica del sigloXXse ha reservado el término "música contemporánea". Sin embargo, de forma popular, el término música clásica suele reservarse casi en exclusiva para referirse al contenido de este artículo.
La música clásica está hecha exclusivamente para ser escuchada, a diferencia de otras músicas adjuntas a otras formas de entretenimiento (lamúsica de cinea veces se ejecuta ensalas de conciertos). Los conciertos de música clásica suelen tener una atmósfera solemne, se espera que el público esté en silencio para evitar distraer al músico y los oyentes. Los intérpretes de ordinario visten de manera formal, una práctica vista como un gesto de respeto para la música y el público; y tampoco interactúan directamente o bromean con el público.
Como en lasbellas artes, la música clásica aspira a comunicar una cualidad trascendental de la emoción, que expresa algo universal acerca de la condición humana. Si bien la expresión emocional no es una propiedad exclusiva de la música clásica, esta honda de exploración en la emoción permite que la mejor música clásica alcance lo que ha sido denominado lo «sublime» en el arte. Muchos ejemplos pueden citarse para demostrar esto. Por ejemplo, la musicalización del poema deFriedrich Schiller«Oda a la Alegría»en laNovena sinfoníadeLudwig van Beethoven, que suele interpretarse en actos de independencia nacional o de celebración, como aquella famosa ocasión en que la dirigióLeonard Bernsteinpara celebrar la caída del Muro de Berlín, y la tradición japonesa de tocarla para celebrar el Año Nuevo. Sin embargo, otros compositores, comoIannis Xenakis, argumentan que el efecto emocional de la música en los oyentes es arbitrario y que, por lo tanto, la complejidad objetiva o el contenido de información de la pieza es lo supremo.
A lo largo de la historia, los padres se aseguraron de que sus hijos fueseninstruidos en la música cultadesde muy temprana edad. Una experiencia musical temprana daba las bases para un estudio serio posterior. Para aquellos que deseaban ser ejecutantes, cualquier instrumento es prácticamente imposible de aprender a nivel profesional si, o al menos un instrumento similar, no eran aprendidos desde la infancia. Algunos padres buscaban la enseñanza musical por razones sociales o en un esfuerzo por impartirles un útil sentido de laautodisciplina; las lecciones parecen mostrar también un incremento en eldesempeño académico. Se considera además, que el conocimiento de las obras de la música clásica es parte de una buenacultura general.
Los compositores clásicos aspiran a su música de una relación muy profunda entre su contenido afectivo (emocional), y los medios con los que lo logra. Muchas de las obras clásicas más elogiadas hacen uso del desarrollo musical, el proceso por el que un germen, idea o motivo musical es repetido en distintos contextos, o alterados de tal manera que la mente del oyente, conscientemente o no, compara las diferentes versiones. Los géneros clásicos de laforma sonatay lafugaemplean rigurosamente formas de desarrollo musical.
Generalmente, las obras de música clásica muestran una gran complejidad musical gracias al uso que hace el compositor deldesarrollo,modulación(cambios detonalidad),variaciónantes que la exactarepetición, frases musicales que no siempre tienen la misma longitud,contrapunto,polifoníay unaarmoníasofisticada. Además, muchas obras clásicas bastante largas (de 30 minutos a 3 horas) son construidas a partir de jerarquías de unidades más pequeñas: lasfrases, losperíodos, lasseccionesy losmovimientos. Elanálisis schenkerianoes una rama de la música que intenta distinguir estos niveles estructurales.
Su transmisión escrita, junto con la veneración dada a ciertas obras clásicas, ha llevado a la expectativa de que el ejecutante tocará la obra de tal modo que realizará en detalle las intenciones originales delcompositor. Por lo tanto, las desviaciones de las instrucciones del compositor a veces son condenadas como fallas completas éticas. Durante el sigloXIX, los detalles que los compositores colocaban en sus partituras fueron incrementándose. Así vemos un opuesto rechazo-admiración por los ejecutantes que ofrecen nuevas «interpretaciones» de la obra de un compositor, y no es desconocido que un compositor le pida al intérprete una mejor realización de sus intenciones originales que la que él mismo pudo lograr. De este modo, los ejecutantes de música clásica alcanzan a menudo reputaciones muy altas por su musicalidad, aunque ellos mismos no compongan. Otra consecuencia de la primacía de la partitura escrita del compositor es que laimprovisaciónjuega una menor presencia, en marcado contraste con otras tradiciones como eljazz, en donde la improvisación es básica. La improvisación en la música clásica era mucho más frecuente en elBarrocoque en los siglosXIXyXX, y recientemente la interpretación de aquella música por músicos clásicos modernos ha sido enriquecida por el resurgimiento de antiguas prácticas improvisatorias. Durante el periodo clásico,MozartyBeethovenimprovisaban a veces lascadenciasde susconciertosparapiano(y animaban a otros a hacer lo mismo), pero también tendían a dar cadencias escritas para que otros solistas pudiesen usarlas.
La música académica siempre ha sido influida por lamúsica popular, o ha tomado material de ella. Los ejemplos incluyen música ocasional, como el uso porBrahmsde canciones estudiantiles para la bebida en suObertura para un festival académico, géneros ejemplificados por laÓpera de los tres centavosdeKurt Weilly la influencia deljazzen la música de compositores de inicios y mediados del sigloXX, comoMaurice Ravel. Ciertos compositores clásicosposmodernosypostminimalistasreconocen su deuda con la música popular. También hay muchos ejemplos de influencia en el otro sentido, incluyendo canciones populares basadas en música clásica, el uso que se hizo delCanondePachelbeldesde los años setenta, el fenómeno delmusical crossover, en el que los músicos clásicos adquieren gran éxito en el terreno de la música popular (un notable ejemplo es la serie de grabacionesHooked on Classicshechas por laOrquesta Filarmónica Reala inicios de los años ochenta). De hecho, puede argumentarse que el género completo de lamúsica de cinepuede ser considerada parte de esta influencia, dado que brinda la música orquestal a vastos públicos de cine meros que de otra manera no escucharían semejante música (no obstante, la mayoría la escuchan inconscientemente). Compositores de música clásica han hecho uso de lamúsica folclórica(música creada por músicos autodidactas, la mayoría de una pura tradición oral). Algunos lo han hecho con una ideologíanacionalistaexplícita, otros simplemente la han explotado como parte de su material temático. Algunos fragmentos de música clásica son frecuentemente usados comercialmente (es decir, en lapublicidado como parte de las bandas sonoras de películas de entretenimiento). En la publicidad televisiva, algunos pasajes orquestales poderosos o rítmicos se han convertido en clichés, pudiendo mencionar el inicio «O Fortuna» deCármina BuranadeCarl Orffpor la fuerte presencia de la percusión y el coro brindando un pasaje de carácter épico. Se puede mencionar también el «Dies Irae» delRéquiemdeMozarty seleccionesRodeodeAaron Copland. Similarmente, en las películas a menudo se recurre a pasajes clichés de música clásica para representar el refinamiento o la opulencia: probablemente la obra más escuchada en esta categoría esEine Kleine Nachtmusikde Mozart.
Desde laantigua Grecia(en lo que respecta a música occidental) existen formas denotación musical. Sin embargo, es a partir de lamúsica de la Edad Media(principalmentecanto gregoriano) que se comienza a emplear el sistema de notación musical que evolucionaría al actual. En elRenacimientocristalizó con los rasgos más o menos definitivos con que lo conocemos hoy, aunque ―como todo lenguaje― ha ido variando según las necesidades expresivas de los usuarios.
El sistema se basa en dos ejes: uno horizontal, que representa gráficamente el transcurrir del tiempo, y otro vertical que representa gráficamente laalturadelsonido. Las alturas se leen en relación con unpentagrama(un conjunto de cinco líneas horizontales) que al comienzo tiene una «clave» que tiene la función de atribuir a una de las líneas del pentagrama una determinadanota musical. En un pentagrama encabezado por laclave de solen segunda línea nosotros leeremos como sol el sonido que se escribe en la segunda línea (contando desde abajo), como la del sonido que se escribe en el espacio entre la segunda y la tercera líneas, como si el sonido en la tercera línea, etc. Para los sonidos que quedan fuera de la clave se escribenlíneas adicionales. Las claves más usadas son las de Do en tercera línea (clave que toma como referencia al Do de 261,63 Hz, eldo centraldelpiano), la de Sol en segunda (que se refiere al Sol que está una quinta por encima del do central), y la de fa en cuarta (referida alfaque está unaquintapor debajo del do central).
El discurso musical está dividido en unidades iguales de tiempo llamadascompases: cada línea vertical que atraviesa el pentagrama marca el final de un compás y el comienzo del siguiente. Al comienzo del pentagrama habrá una fracción con dos números; el número de arriba indica la cantidad de tiempos que tiene cada compás; el número de abajo nos indica cuál será la unidad de tiempo.
Para escribir las duraciones se utiliza un sistema defiguras musicales: laredonda(representada como un círculo blanco), lablanca(un círculo blanco con un palito vertical llamadoplica), lanegra(igual que la blanca pero con un círculo negro), lacorchea(igual que la negra pero con un palito horizontal que comienza en la punta de la plica), lasemicorchea(igual que la corchea pero con dos palitos horizontales), etc. Cada una vale la mitad de su antecesora: la blanca vale la mitad que una redonda y el doble que una negra, etc.
Las figuras son duraciones relativas; para saber qué figura es la unidad de tiempo en determinada partitura, debemos fijarnos en el número inferior de la indicación del compás: si es 1, cada redonda corresponderá a un tiempo; si es 2, cada blanca corresponderá a un tiempo; si es 4, cada tiempo será representado por una negra, etc. Así, una partitura encabezada por un 3/4 estará dividida en compases en los que entren tres negras (o seis corcheas, o una negra y cuatro corcheas, etc.); un compás de 4/8 tendrá cuatro tiempos, cada uno de ellos representados por una corchea, etc.
Para representar lossilencios, el sistema posee otros signos que representan un silencio de redonda, de blanca, etc.
Como se ve, las duraciones están establecidas según una relación binaria (doble o mitad), lo que no prevé la subdivisión por tres, que será indicada con «tresillos». Cuando se desea que a una nota o silencio se le agregue la mitad de su duración, se le coloca un punto a la derecha (puntillo). Cuando se desea que la nota dure, además de su valor, otro determinado valor, se escriben dos notas y se las une por medio de una línea arqueada llamadaligadura de prolongación.
En general, las incapacidades del sistema son subsanadas apelando a palabras escritas más o menos convencionales, generalmente enitaliano. Así, por ejemplo, lasintensidadesse indican mediante el uso de unaf(forte, fuerte) o unap(piano, suave), o varias efes y pes juntas. La velocidad de los pulsos otempose indica con palabras al comienzo de la partitura que son, en orden de velocidad:largo,lento,adagio,moderato,andante,allegro,presto.
La música clásica también se distingue por los instrumentos que utilizan. Los instrumentos usados en la práctica común de la música clásica fueron inventados antes de la mitad del sigloXIX(la mayoría mucho antes), y codificados en los sigloXVIIIy sigloXIX. Consisten en los instrumentos que encontramos en laorquesta sinfónica, junto a otros pocos instrumentos solistas (como elpiano, elclavicémbaloy elórgano). Losinstrumentos electrónicos, como laguitarra eléctricay elviolín eléctrico, juegan un papel predominante en la música popular, pero de hecho no tienen ninguno en la música clásica antes del sigloXX, y sólo aparecen ocasionalmente en la música clásica del sigloXXyXXI. Tanto los músicos populares como los clásicos han experimentado en las últimas décadas con instrumentos eléctricos, como elsintetizador, con técnicas electrónicas y digitales, como el uso de sonidossampleadoso generados por computador, y el sonido de instrumentos otras culturas, como elgamelan. Es importante notar que todos los instrumentos bajos no existían antes delRenacimiento. En lamúsica medieval, los instrumentos estaban divididos en dos categorías: instrumentos fuertes para usar en exteriores o en la Iglesia e instrumentos más suaves para uso en interiores. Muchos de los instrumentos que son asociados hoy con la música popular tuvieron un papel importante en la música clásica antigua, tales como lagaita, lavihuela, lazanfonay otros instrumentos de viento. Por otro lado, laguitarra acústica, asociada a la música popular, ha empezado a ganar preponderancia en la música clásica a lo largo de los sigloXIXyXX. La voz humana es también un instrumento musical privilegiado de la música clásica, aunque también es usado en la música popular. Diversos géneros utilizan las voces, solas o bien con acompañamiento instrumental: laópera, lamúsica coraly ellied.
Mientras que eltemperamento igualfue gradualmente aceptado como el sistema de afinación en el sigloXVIII, otros tipos de temperamento, de origen histórico, se emplean a menudo en la música de períodos anteriores al Barroco tardío;El clave bien temperadode Johann Sebastian Bach es utilizado como referencia temporal para indicar el comienzo de ese cambio de temperamento. Por ejemplo, la música del Renacimiento inglés se acostumbra a ejecutar con el temperamento medio.
Los siglosXVIIyXVIIIfueron el periodo formativo de la música clásica y vieron nacer la opera y el oratorio, la sonata, el concierto y la sinfonía. Los italianos fueron los primeros en desarrollar estos géneros, pero les siguieron pronto los franceses, alemanes e ingleses. La música clásica surgió tomando elementos de otras tradiciones musicales occidentales, tantolitúrgicascomoseculares, por caso lamúsica de la Antigua Greciao laMúsica de la Antigua Roma(sobre todo por sus contribuciones teóricas), o la música de laIglesia católica(principalmente elcanto gregoriano).
Los hitos que definieron su rumbo, fue el descubrimiento y posterior desarrollo de lapolifónica, así como el posterior desarrollo de laarmonía, la revolución musical conocida como elArs novay la evolución de lanotación musical, además del estudio de la estética musical. Con la era de los descubrimientos que comenzó en el sigloXVy posterior colonialismo, la música clásica llegó a otros continentes y sufrió una síntesis con las tradiciones musicales de los nuevos territorios. Encontramos expresiones de la música clásica enBrasil(por ejemplo,Heitor Villa-Lobos),Estados Unidos(por ejemplo,Charles Ives),Hispanoamericano(por ejemplo,Alberto Ginastera,José Ángel Montero),Asia(por ejemplo,Takemitsu,Tan Dun),ÁfricayOceanía, pero que están conectadas a la música clásica de tradición europea.
Existe un sistema de división de la historia de la composición de la música clásica en distintos períodos que es ampliamente aceptado. Las fechas son generalizaciones, ya que los períodos se sobreponen unos a otros. Algunas voces autorizadas subdividen los periodos, la fecha o el género. Sin embargo, debe notarse que estas categorías son arbitrarias; por ejemplo, el uso delcontrapuntoy lafuga, que es considerada una característica delBarroco, fue continuado porMozart, a quien se considera un compositor clásico, y porBeethoven, a quien normalmente se le describe como en medio del periodo clásico y romántico; y también porBrahms, quien es clasificado como romántico. De acuerdo a este sistema, las principales divisiones son:
El siguiente gráfico muestra una selección resumida de los más famosos compositores de música clásica: