Arte de Japón

Elarte de Japónes una expresión de lacultura japonesa, desarrollado a lo largo del tiempo en diversos períodos y estilos que se han ido sucediendo de formacronológica, en paralelo al devenir histórico, social y cultural del pueblo japonés. La evolución del arte nipón ha estado marcada por el desarrollo de sutecnología, siendo una de sus señas distintivas el uso de materiales autóctonos. Como en elarte occidental, las principales manifestaciones artísticas han tenido su origen en lareligióny el poderpolítico.​
Una de las principales características del arte japonés es sueclecticismo, proveniente de los diversos pueblos y culturas que han arribado a sus costas a lo largo del tiempo: los primeros pobladores instalados enJapón–conocidos como losAinu– pertenecían a una ramacaucásicaprocedente del norte y este deAsia, llegados posiblemente cuando Japón aún estaba unido al continente. El origen de estos pobladores es incierto, barajando loshistoriadoresdiversas hipótesis, desde una razauralo-altaicahasta un posible origenindonesioomongol. En todo caso, su cultura parecía corresponder alpaleolítico superioromesolítico. Posteriormente arribaron a las costas japonesas —al tiempo que aCoreay diversas zonas deChina— varios grupos de razamalayaprocedentes del sudeste asiático o islas delPacífico, que se fueron introduciendo paulatinamente desde el sur, desplazando a los Ainu hacia el norte de Japón, mientras que en una posterior oleada llegaron a Japón varios grupos de la misma etnia procedentes de China y Corea.​ A esta mezcolanza racial se debe añadir la influencia de otras culturas: debido a suinsularidad, Japón ha estado aislado buena parte de suhistoria, pero a intervalos ha ido recibiendo la influencia de lascivilizacionescontinentales, sobre todo de China y Corea, especialmente desde el sigloV.​ Así, a la cultura ancestral nipona derivada de las sucesivas oleadasinmigratoriasse añadió la influencia foránea, forjando un arteeclécticoy abierto a la innovación y el progreso estilístico. También cabe destacar que gran parte delarteproducido en Japón ha sido de tiporeligioso: a la religiónsintoísta, la más típicamente japonesa, formada alrededor del sigloI, se añadió elbudismoen torno al sigloV, forjando unsincretismoreligioso que aún hoy perdura, y que también ha dejado su reflejo en el arte.​
El arte japonés es pues reflejo de estas distintas culturas y tradiciones, interpretando a su manera los estilos artísticos importados de otros países, que asumen según su concepto de la vida y el arte, reinterpretando y simplificando sus características peculiares, como los elaborados templos budistas chinos, que en Japón sufrieron un proceso de reducción de sus elementos superfluos y decorativos. Ello da muestra del carácter sincrético del arte japonés, por lo que siempre ha asumido con naturalidad cualquier innovación procedente de otros países.​
El arte tiene en lacultura japonesaun gran sentido introspectivo y de interrelación entre elhombrey lanaturaleza, representada igualmente en los objetos que le envuelven, desde el más ornado y enfático hasta el más simple y cotidiano. Esto se pone de manifiesto en el valor otorgado a la imperfección, al carácter efímero de las cosas, al sentido emocional que el japonés establece con su entorno. Así, por ejemplo, en laceremonia del télos japoneses valoran la calma y la tranquilidad de ese estado de contemplación que consiguen con un sencillo ritual, basado en elementos simples y en una armonía proveniente de un espacio asimétrico e inacabado. Para los japoneses, la paz y la armonía están asociadas a la calidez y la comodidad, cualidades a su vez que son fiel reflejo de su concepto de labelleza. Incluso a la hora de comer, no importa la cantidad de alimentos o su presentación, sino la percepción sensorial de la comida y el sentidoestéticoque otorgan a cualquier acto. De igual manera, losartistasyartesanosjaponeses tienen un elevado grado de vinculación con su obra, sintiendo los materiales como parte esencial de su vida y de su comunicación con el ambiente que les rodea.​
El arte japonés, como el resto de sufilosofía–o, simplemente, su forma de ver la vida– es propenso a laintuición, la falta deracionalidad, la expresiónemocionaly la sencillez de actos y pensamientos, expresados a menudo de formasimbólica. Dos de sus características distintivas son la simplicidad y la naturalidad: las manifestaciones artísticas son reflejo de la naturaleza, por lo que no requieren una elaborada producción, sino que se basan en una economía de medios que otorga al arte una gran trascendencia, como reflejo de algo más elevado que queda tan solo esbozado, sugerido, siendo posteriormente interpretado por el espectador. Esta simplicidad provocó enpinturauna tendencia hacia eldibujolineal, sinperspectiva, con abundancia de espacios vacíos, que sin embargo se integran armoniosamente en el conjunto. Enarquitectura, queda plasmada en diseños lineales, con planos asimétricos, en una conjunción de elementos dinámicos y estáticos. A su vez, esta simplicidad está relacionada con una innata naturalidad en la relación entre el arte y la naturaleza, que para los japoneses es reflejo de su vida interior, y la sienten con un delicado sentimiento de melancolía, casi de tristeza. En especial, el transcurrir de las estaciones les provoca una sensación de transitoriedad, viendo en la evolución de la naturaleza lo efímero de la vida. Esta naturalidad se refleja especialmente en la arquitectura, que se integra de forma armoniosa en su entorno, como se denota en la utilización de materiales naturales, sin trabajar, mostrando su aspecto rugoso, áspero, inacabado. En Japón, naturaleza, vida y arte están indisolublemente unidos, y la realización artística es un símbolo de la totalidad del universo.​
En Japón, el arte pretende conseguir la armonía universal, yendo más allá de la materia para encontrar el principio generador de vida. Laestética japonesabusca encontrar el sentido de la vida por medio delarte:bellezaequivale a armonía, a creatividad; es un impulsopoético, un camino sensorial que lleva a la realización de la obra, que no tiene finalidad en sí, sino que va más allá. La belleza es una categoríaontológica, que remite a la existencia: consiste en alcanzar el sentido con el todo. Como dijoSuzuki Daisetsu: «la belleza no está en la forma exterior, sino en el significado que expresa». El arte no está basado en las cualidades sensibles, sino en las sugestivas; no ha de ser perfecto, sino expresar una cualidad que lleve a la totalidad. Se pretende captar lo esencial a través de la parte, que sugiere la totalidad: el vacío es un complemento de aquello que existe. En lafilosofía orientalhay una unidad entre materia y espíritu, predominando la contemplación y comunión con la naturaleza, por vía de adhesión interior, de intuición. En Japón, el arte (gei), tiene un sentido más trascendente, más inmaterial que el concepto de arte aplicado enOccidente: es cualquier manifestación delespíritu–entendido como energía vital, como esencia que insufla vida a nuestro cuerpo–, haciendo que éste se desarrolle y evolucione, consiguiendo una unidad entre cuerpo, mente y espíritu.​
El sentido del arte se ha ido desarrollando en la estética japonesa a lo largo del tiempo: las primeras reflexiones sobre el arte y la belleza provienen de la antigüedad, cuando se forjaron los principios creadores de la cultura japonesa y surgieron las principales obrasépicasde laliteratura japonesa: elKojiki(Relatos de cosas antiguas), elNihonshoki(Anales de Japón) y elMan'yōshū(Colección de diez mil hojas). En esta época predominó el concepto desayakeshi(«puro, claro, fresco»), que hacía referencia a un tipo de belleza caracterizada por la simplicidad, el frescor, una cierta ingenuidad, perceptible en el uso de materiales ligeros y naturales, como la tierra cocida de las estatuillashaniwao lamaderaen arquitectura. Buen ejemplo de ello es eltemplo sintoísta de Ise, construido en madera deciprés, y que se reconstruye cada veinte años desde el sigloVIIIpara preservar su pureza y frescura. De este concepto se desprende una de las constantes del arte japonés: el valor otorgado a la belleza efímera, transitoria, fugaz, que evoluciona con el tiempo. En elMan'yōshūelsayakeshiqueda reflejado en los sentimientos de fidelidad y honestidad, así como en la descripción de elementos naturales como elcieloy elmar, que inspiran una sensación de grandiosidad que sobrecoge al hombre. Elsayakeshiestá ligado al concepto denaru(«devenir»), donde se valora eltiempocomo una energía vital que confluye en el devenir, en la consumación de todos los actos y todas las vidas.​
Posteriormente, durante los periodosNarayHeian, la estética japonesa evolucionó rápidamente gracias a su contacto con lacultura china, así como a la llegada delbudismo. El principal concepto de esta época fue elaware, un sentimiento emotivo que sobrecoge al espectador y le lleva a una profunda sensación deempatíao piedad. Está ligado a otros términos como elokashi, aquello que atrae por su alegría y carácter agradable; elomoshiroshi, propiedad de las cosas radiantes, que llaman la atención por su brillo y claridad; elyūbi, concepto de gracia, elegancia; elyūga, calidad de refinamiento en la belleza; elen, la atracción del encanto; elrei, la belleza propia de la calma; elyasashi, la belleza de la discreción; y elushin, el sentido profundo de lo artístico. Un hito en la cultura japonesa de esta época fue laHistoria de GenjideMurasaki Shikibu, que plasmó un nuevo concepto estético denominadomono-no-aware–término introducido porMotōri Norinaga–, que transmite un sentimiento de melancolía, de tristeza contemplativa derivada de la transitoriedad de las cosas, de la belleza efímera, que dura un instante y perdura en el recuerdo. Es un estado de recreación derivado de la fugacidad de las cosas y de una agridulce tristeza a su paso, equivalente en cierta medida alpathosgriegoy al términovirgilianolacrimae rerum(«lágrimas de las cosas»). En palabras deKikayama Keita: «es el sentimiento profundo que nos embarga al contemplar una hermosa mañana de primavera, y también la tristeza que nos sobrecoge al mirar un atardecer otoñal. Pero, ante todo, es un sentimiento de delicada melancolía que puede derivar en una profunda tristeza al sentir hondamente la belleza caduca de todos los seres de la naturaleza».​ Esta idea de una búsqueda ideal de la belleza, de un estado de contemplación donde se unen el pensamiento y el mundo de los sentidos, es característica de la innata sensibilidad japonesa para la belleza, y queda patente en la fiesta delHanami, basada en la contemplación de loscerezosen flor.
Durante laEdad Mediajaponesa (periodosKamakura,MuromachiyMomoyama), en paralelo al militarismo de la sociedadfeudaljaponesa, se impuso el concepto dedō(«vía»), que ponía énfasis en el proceso creativo del arte, en la práctica ceremonial de los ritos sociales, como se pone de manifiesto en elshodō(caligrafía), elchadō(ceremonia del té), elkadōoikebana(el arte de los arreglos florales) y elkōdō(ceremonia delincienso).​ En estas prácticas no importa el resultado, sino el proceso evolutivo, el devenir en el tiempo –nuevamente elnaru–, así como el talento demostrado en la perfecta ejecución de los ritos, que denota destreza, así como un empeño espiritual de búsqueda de la perfección. En estos nuevos conceptos tuvo una influencia decisiva una variante del budismo llamadazen, que hacía hincapié en unas determinadas «reglas de vida» basadas en lameditación, donde la persona pierde la conciencia de sí mismo. Así, cualquier labor cotidiana trasciende su esencia material para significar una manifestación espiritual, la cual queda reflejada en el movimiento y el paso ritual del tiempo. Este concepto queda reflejado igualmente en lajardinería, que llega a un grado tal de trascendencia donde el jardín es una visión delcosmos, con un gran vacío (mar) que se llena con objetos (islas), plasmados en arena y rocas, y donde la vegetación es evocadora del paso del tiempo. La ambivalencia zen entre el carácter sencillo y la profundidad de una vida trascendente imbuyó de un espíritu de «elegancia sencilla» (wabi) no solo al arte, sino al comportamiento, las relaciones sociales y los aspectos más cotidianos de la vida. El maestroSesshūdecía que «el zen y el arte son uno».​
El zen se basa en siete principios estéticos:fukinsei(asimetría), forma de negar la perfección para conseguir el equilibrio presente en la naturaleza;kanso(austeridad), eliminar lo innecesario y superfluo para descubrir la simplicidad de la naturaleza;kokō(dignidad solitaria), cualidad que las personas y objetos adquieren con el paso del tiempo y les proporciona una mayor pureza de su esencia;shizen(naturalidad), que está ligada a la sinceridad, lo natural es auténtico e incorruptible;yūgen(profundidad), esencia verdadera de las cosas, que trasciende su mera materialidad, su aspecto superficial;datsuzoku(desapego), libertad en la práctica de las artes, cuya misión es liberar el espíritu, no controlarlo –así, el arte prescinde de todo tipo de normas y reglas–;seiyaku(serenidad interior), estado de quietud, de sosiego, necesario para que fluyan los seis principios anteriores.​
Especialmente significativa es laceremonia del té, donde se sintetiza de forma magistral el concepto japonés del arte y lo bello, creando una auténtica religión estética: el «teísmo».​ Esta ceremonia representa la adoración de lo bello en oposición a la vulgaridad de la existencia cotidiana. Su filosofía, tantoéticacomoestética, expresa la concepción integral del hombre con la naturaleza. Su simplicidad relaciona las cosas pequeñas con el orden cósmico: la vida es una expresión, y los actos reflejan siempre un pensamiento. Lo temporal es igual a lo espiritual, lo pequeño a lo grande. Este concepto queda igualmente reflejado en la sala del té (sukiya), construcción efímera debida a un impulso poético, despojada de ornamentación, donde se da culto a lo imperfecto, y siempre se deja algo inacabado, que completará la imaginación. Es característica la ausencia de simetría, por la concepción zen de que tiene más importancia la búsqueda de perfección que la propia perfección. La belleza solo puede descubrirla quien mentalmente completa lo incompleto.​
Por último, en época moderna –iniciada con elperíodo Edo–, aunque perduran los conceptos anteriores se introducen algunas nuevas categorías estéticas, relacionadas con las nuevas clases urbanas que surgen a medida que Japón se va modernizando: elsuies una determinada finura de corte espiritual, hallada principalmente en la literatura deOsaka;ikies una elegancia honesta y directa, presente sobre todo en el teatrokabuki; elkarumies un concepto que ensalza la ligereza como cualidad esencial bajo la cual se alcanza lo «profundo» de las cosas, reflejada especialmente en la poesíahaiku; elshiories una belleza nostálgica; elhosomies una delicadeza que llega hasta la esencia de las cosas; y elsabies la belleza simple, despojada, sin adornos ni artificios, ensalzando valores como la pobreza y la soledad. Esta última entroncó con el concepto anterior dewabi, creando una nueva noción llamadawabi-sabi, la trascendencia de la simplicidad, donde la belleza reside en la imperfección, en lo incompleto, basada en la fugacidad eimpermanencia. En todos estos conceptos subyace nuevamente la idea del arte como proceso creativo, y no como realización material.Okakura Kakuzōescribió que «sólo los artistas persuadidos de la imperfección congénita a su alma son capaces de engendrar la verdadera belleza».​
Para su estudio, el arte de Japón se divide en grandes períodos en términos de producción artística y desarrollos políticos importantes.​ La clasificación suele variar dependiendo del criterio del autor, además de que muchos de ellos pueden ser subdivididos. Por otro lado, también existen divergencias en cuanto al principio y final de algunos de estos periodos. La clasificación realizada por el arqueólogo Charles T. Keally es la siguiente:
Durante elmesolíticoy elneolíticoJapón se mantuvo aislado del continente, por lo que toda su producción fue autóctona, aunque de escasa relevancia. Eran sociedades semisedentarias, que habitaban en pequeñas aldeas con casas excavadas en la tierra, obteniendo sus recursos alimentarios principalmente delbosque(ciervos,jabalíes,frutos secos) y delmar(peces,crustáceos,mamíferos marinos). Estas sociedades tenían una elaborada organización del trabajo, y estaban preocupadas en la medición del tiempo, como lo demuestran diversos restos de disposiciones circulares de piedras en Oyu y Komakino, que actuaban comorelojes solares. Al parecer, teníanunidades de medidaestandarizadas, como dan fe diversos edificios construidos según determinados patrones.
En los diversos yacimientos Jōmon se han hallado instrumentos dehuesoy piedras pulimentadas,cerámicay figurasantropomorfas. Cabe señalar que la cerámica Jōmon es la más antigua producida por el ser humano:​ los primeros restos de una rudimentariaalfareríadatan del 11.000 a. C., en pequeños recipientes trabajados a mano, de lados pulidos e interiores amplios, con un sentido funcional y decoración austera. Estos vestigios corresponden a un período denominado «prejōmon» (11000-7500 a. C.), al que sucedió el «Jōmon arcaico» o «temprano» (7500-2500 a. C.), donde se elabora la más típica cerámica Jōmon, hecha a mano y decorada con incisiones o impresiones de cuerda, sobre una base de un tipo de vasos profundos en forma de jarra. La decoración básica consistía en impresiones hechas con cuerdas elaboradas con fibras de plantas, que se presionaban sobre la cerámica antes de cocerla. En diversas zonas estas incisiones llegaron a un elevado grado de elaboración, con bordes perfectamente cincelados, dibujando una serie de signos de corteabstractode gran complejidad. En pocas ocasiones se han hallado restos de escenas figurativas, generalmente dibujos antropomórficos y zoomórficos (ranas,serpientes), destacando una escena de caza presente en un vaso hallado en Nirakubo, al norte deHonshū. Por último, en el «Jōmon tardío» (2500-400 a. C.), los recipientes vuelven a ser de formas más naturales, menos elaboradas, conbolesy vasijas de fondo redondeado,ánforasde cuello estrecho y cuencos con asas, a menudo con pie o base elevada. Los principales yacimientos de cerámica Jōmon son: Taishakukyo, Torihama, Togari-ishi, Natsushima, Kamo y Okinohara en la isla deHonshū; Sobata en la isla deKyūshū; y Hamanasuno y Tokoro en la isla deHokkaidō.
Aparte de vasos, se construyeron en cerámica diversas figurillas en forma humana o animal, construidas por partes, por lo que se han hallado pocos restos de piezas enteras. Las de forma antropomórfica pueden tener atributos masculinos o femeninos, y también se han hallado algunas de signoandrógino. Algunas presentan un vientre abultado, por lo que posiblemente estaban ligadas al culto a lafertilidad. Es de remarcar la precisión en los detalles que muestran algunas figuras, como peinados elaborados,tatuajesy vestidos decorativos. Parece ser que en esas sociedades tenía gran relevancia el adorno corporal, principalmente en lasorejas, conpendientesde cerámica de diversa manufactura, decorados con pigmentos rojos. En Chiamigaito (isla de Honshū) se han encontrado más de 1000 de estos adornos, lo que hace suponer un taller local de elaboración de estos productos. También datan de esta época diversasmáscarasque denotan un trabajo individualizado de los rostros. Igualmente, se elaboraban diversos tipos deabaloriosdejadeítaverde, y conocían el trabajo de lalaca, como demuestran varias horquillas halladas en Torihama. También se han hallado restos de espadas demarfil, hueso o astas de animales.​
Esta época supuso la implantación definitiva de la sociedadagrícola, que comportó ladeforestaciónde amplias zonas del territorio. Esta transformación conllevó una evolución de la sociedad nipona en los terrenostecnológico,culturalysocial, con una mayor estratificación social y especialización del trabajo, y supuso el aumento de los conflictos bélicos. Elarchipiélagonipón estaba jalonado de pequeños estados formados en torno a clanes (uji), entre los que prevaleció el deYamato, que dio origen a lafamilia imperial. Apareció entonces elsintoísmo, religión de cortemitológicoque hacía descender alemperadordeAmaterasu, la diosa delsol. Esta religión propició el sentido original de pureza y frescura del arte japonés, con predilección por los materiales puros, sin decorar, con un sentido de integración con la naturaleza (kamiosupraconciencia). Desde el sigloIa. C. empezó a introducirse la civilización del continente, a causa de las relaciones conChinayCorea.​
La cultura Yayoi apareció en la isla deKyūshūen torno al 400-300 a. C., pasando aHonshū, donde fue desplazando progresivamente a la cultura Jōmon. Durante este período se difundió un tipo desepulturasde gran tamaño con cámara ytúmuloornamentado concilindrosdeterracotacon figuras humanas y de animales. Los poblados estaban cercados por zanjas, y aparecieron diversos utensilios relacionados con la agricultura (especialmente una herramienta de piedra en forma de medialunausada para lacosecha), así como diversas armas, comoarcosyflechascon punta de piedra pulida. La cerámica se producía contorno, principalmente tarros de cuello ancho, botes con tapa, platos anchos, tazas con asas y botellas de cuello estrecho. Eran de superficie pulimentada, con decoración simple, principalmente de incisiones, punteados y serpentinas en zig-zag. La principal modalidad fue un vaso con forma de jarra denominadotsubo.​
Destacó el trabajo conmetales, principalmente elbronce, como lascampanasdenominadasdotaku, que servían de objetos ceremoniales, decoradas con espirales (ryusui) en forma deaguaque fluye, o bien animales enrelieve(principalmenteciervos,pájaros,insectosyanfibios), así como escenas decaza,pescay trabajos agrícolas, especialmente los relacionados con elarroz. El ciervo parece ser que tenía una especial significación, quizá ligada con alguna divinidad: en muchos yacimientos se han encontrado multitud deomóplatosde ciervo con incisiones o marcas hechas confuego, por lo que estaría ligado a algún tipo de ritual. Otros objetos decorativos hallados en yacimientos Yayoi son:espejos,espadas, diversos abalorios ymagatama(piezas dejadeyágataen forma deanacardo, que servían de joyas de la fertilidad).​
Estaerasupuso la consolidación del estado central imperial, que controlaba los principales recursos, como elhierroy eloro. La arquitectura se desarrolló preferentemente en el terreno funerario, con unas características tumbas de cámara y de corredor llamadaskofun(«tumba antigua»), sobre las que se elevaban túmulos de tierra de grandes proporciones. Destacan las grandes sepulturas de losemperadoresŌjin(346-395) yNintoku(395-427), donde aparecieron diversas joyas, armas,sarcófagosde piedra o terracota, cerámica y unas figuras antropomórficas de terracota llamadashaniwa, formadas por un pedestalcilíndricoy un mediobusto. Estas estatuillas eran de unos 60 centímetros, sin apenas expresión, tan solo unas hendiduras en los ojos y la boca, aunque constituyen una muestra de gran relevancia del arte de esta época. Según su vestimenta y utensilios se distinguen diversos oficios en estas figuras, como granjeros, soldados, sacerdotisas, cortesanas, músicos y bailarines. A finales de este período también aparecieron figurillas de animales, especialmenteciervos,perros,caballos,jabalís,gatos,pollos,ovejasypeces.​ Se han hallado gran variedad de armas (equipos de arqueros, coronas con joyasmatagama, estribos de bronce), lo que denota la importancia del estamento militar en esta época, cuyos rasgos estilísticos están emparentados con lacultura Sillade Corea, al igual que un tipo de cerámica denominadaSueki, oscura y de gran finura, con accesorios tintineantes.
La diferenciación social comportó el aislamiento de las clases dirigentes en recintos exclusivos dentro de lasciudades, como en Yoshinogari, para acabar segregándose definitivamente en recintos aislados como el de Mitsudera o los complejos palaciegos de Kansai, Ikaruga y Asuka-Itabuki. En cuanto a arquitectura religiosa, los primeros templos sintoístas (jinja) fueron en madera, sobre una plataforma elevada y paredes desnudas o tabiques corredizos, con pilares que sostienen el techo, que es inclinado. Uno de sus elementos característicos es eltorii, arco de entrada que señala el acceso a un lugar sagrado. Cabe destacar elsantuario de Ise, que se reconstruye cada veinte años desde el sigloVIII. Comprende dos complejos, el occidental (Naikū), dedicado aAmaterasu(diosa delsol), y el oriental (Gekū), dedicado aToyouke no Ōmikami(diosa delvestido, elalimento, lavivienda, laagriculturay laindustria), con un total de unos 125 santuarios. El edificio principal (Shoden) es de planta alzada y tejado a dos aguas, sobre nuevecolumnas, al que se accede por una escalera exterior. Es de estiloshinmeizukuri, que refleja el estilo Shintō tardío, previo a la llegada del budismo a Japón. El santuario es centro de peregrinación (o-ise-mairi), ya que, según la tradición, los practicantes del Shintō deben acudir al santuario al menos una vez en su vida.​
Otro templo mítico de origen incierto es elIzumo Taisha, cerca deMatsue, fundado legendariamente por Amaterasu. Es de estilotaishazukuri, considerado el más antiguo entre los santuarios, caracterizado por la elevación del edificio sobre pilastras, con una escalinata como acceso principal, y acabados sencillos de madera sin pintura. Según las crónicas, el santuario original tenía una altura de 50 metros, pero debido a un incendio fue reconstruido con una altura de 25 metros. Sus edificios principales son elHonden(«santuario interior») y elHaiden(«santuario exterior»). A esta época pertenece igualmente elKinpusen-ji, el templo principal delshugendō, una religiónascéticaque combina el sintoísmo, el budismo y creenciasanimistas. En su estructura destaca el templo principal oZaōdō, que es la segunda construcción de madera más grande de Japón, solo superada por elDaibutsudendeTōdai-ji; junto a la Puerta deNiō, ha sido catalogado comoTesoro Nacional de Japón.
En este período encontramos las primeras muestras depintura, como en el enterramiento real de Ōtsuka y las tumbas en forma dedolmendeKyūshū(siglos V-VI), decoradas con escenas de caza, guerra, caballos, pájaros y barcos, o bien con espirales y círculos concéntricos. Eran pinturasmurales, elaboradas con rojohematites, negrocarbón, amarilloocre, blancocaolíny verdeclorito. Uno de los dibujos representativos de esta época es el llamadochokkomon, compuesto de líneas rectas y arcos trazados sobrediagonalesocruces, y presente en paredes de tumbas, sarcófagos, estatuashaniway espejos de bronce.​
El estado deYamatoforjó un reino centralizado siguiendo el modelo chino, plasmado en las leyes deShōtoku-Taishi(604) y laTaikade 646. La llegada delbudismoprodujo en Japón un gran impacto a nivel artístico y estético, con fuerte influencia del arte chino. Fue especialmente fructuoso para el arte el gobierno delpríncipe Shōtoku(573-621), que favoreció el budismo y la cultura en general. La arquitectura, en forma detemplosymonasterios, se ha perdido en su mayoría, suponiendo la sustitución de las líneas sencillas sintoístas por la magnificencia proveniente del continente. Como edificio más destacable de este período hay que mencionar el templo deHōryū-ji(607), representante del estilo Kudara (Paikcheen Corea). Se construyó en el recinto del templo Wakakusadera, erigido por Shōtoku e incendiado por sus enemigos en 670. Construido con una planimetría axial, está formado por un conjunto de edificios donde destacan lapagoda(Tō), elYumedomo(«salón de los sueños») y elKondō(«salón dorado»). Es de estilo chino, utilizándose por vez primera un tejado deazulejosde cerámica. Otro ejemplo característico es elSantuario Itsukushima(593), construido sobre el agua, en elMar Interior de Seto, destacando entre el conjunto de sus edificios elGojūnotō(«pagoda de los cinco niveles»), elTahōtō(«pagoda de los dos niveles») y varioshonden(edificios conaltares). Fue nombradoPatrimonio de la Humanidaden 1996.​
Laescultura, de tema budista, era en madera o bronce: las primeras imágenes deBudafueron importadas del continente, pero luego se instalaron en Japón gran número de artistas chinos y coreanos. Proliferó la imagen deKannon, nombre japonés delbodhisattvaAvalokiteśvara(llamadoGuanyinenchino), como elBodhisattva Kannon, obra del coreano Tori; elKannonsituado en elYumedomodel templo de Hōryū-ji; y elKannon de Kudara(sigloVI), realizado por un artista desconocido. Otra obra de relevancia es laTríada de Sâkyamuni(623), en bronce, obra deTori Busshiinstalada en el templo de Hōryū-ji. En general, eran obras de un estilo severo, anguloso y arcaizante, inspirado en el estilo coreanoKoguryŏ, como se aprecia en la obra deShiba Tori, que marcó el «estilo oficial» del período Asuka:Gran Buda Asuka(templo Hoko-ji, 606),Buda Yakushi(607),Kannon Guze(621),Tríada Shaka(623). Otro artista seguidor de este estilo fueAya no Yamakuchi no Okuchi Atahi, autor de losCuatro Guardianes Celestes(shitenno) del Salón Dorado de Hōryū-ji (645), que pese al aire arcaico presentan una evolución volumétrica en las formas más redondeadas, con rostros más expresivos.​
La pintura seguía los patrones chinos, entintao pigmentosmineralessobresedaopapel, en rollos depergaminoo colgando de la pared. Denota un gran sentido deldibujo, con obras de gran originalidad, como elrelicariodeTamamushi(Hōryū-ji), en madera dealcanfory ciprés, con bandas defiligranade bronce, presentando varias escenas enóleosobre madera lacada, en una técnica denominadamitsuda-iprocedente dePersiay relacionada con la pintura china de ladinastía Wei. En la base del relicario se muestra unjataka(relato sobre las vidas anteriores de Buda), que muestra al príncipe Mahasattva ofreciendo su propia carne a unatigresahambrienta. En esta época empezó a cobrar relevancia lacaligrafía, a la que se otorgó el mismo nivel de artisticidad que a las imágenes figurativas. También destacaron lostapicesenseda, como elMandala Tenjukokudedicado a Shōtoku (622). La cerámica, que podía seresmaltadao no, tuvo escasa producción local, valorándose más la de importación china.​
Durante este período se estableció la capital enNara(710), primera capital fija delmikado. En esta época tuvo su apogeo el arte budista, continuando con gran intensidad la influencia china –los japoneses veían en elarte chinouna armonía y perfección similares al gustoeuropeopor elarte clásico grecorromano–. Los escasos ejemplos de arquitectura de la época son construcciones de aire monumental, como la Pagoda del Este deYakushi-ji, los templos deTōshōdai-ji,Tōdai-jiyKōfuku-ji, y el almacén imperialShōso-inde Nara, que conserva multitud de objetos de arte de la época delemperador Shōmu(724-749), con obras procedentes de China, Persia y Asia central. La ciudad de Nara se construyó según una planimetría reticular, siguiendo el modelo deChang'an, la capital de ladinastía Tang. Se otorgó igual importancia alpalacio imperialque al monasterio principal, elTōdai-ji(745-752), construido según un plano simétrico en un gran recinto con dos pagodas gemelas, y donde destaca elDaibutsuden, el «gran salón de Buda», con una gran estatua de bronce del BudaVairocana(Dainichienjaponés), de 15 metros, donada por el emperador Shōmu en 743. Reconstruido en 1700, elDaibutsudenes el edificio de madera más grande del mundo. Otro importante recinto del templo es elHokkedō(«salón del loto», también llamadoSangatsudō, «salón del tercer mes»), que cuenta con otra magnífica estatua, elKannon Fukukenjaku, unbodhisattvade ocho brazos realizado en laca, de cuatro metros de altura e influencia Tang, perceptible en la serenidad y placidez de los rasgos faciales.​
En cambio, la Pagoda del Este deYakushi-jisupuso el intento de los arquitectos japoneses de buscar un estilo propio, alejándose de la influencia china. Destaca por su verticalidad, con una alternancia de tejados de distinto tamaño, dándole la apariencia de un signo caligráfico. En su estructura destacan los aleros y balcones, formados por barras de madera entrelazadas, en colores blanco y marrón. En su interior alberga la imagen delYakushi Nyorai(«Buda de la Medicina»). Está inscrito comoPatrimonio de la Humanidadbajo la denominación deMonumentos históricos de la antigua Nara. Igual grado de asimilación nacional tuvo elTōshōdai-ji(759), que muestra un claro contraste entre elKondō(«salón dorado»), de una solidez, simetría y verticalidad de influencia china, y elKodō(«salón de conferencias»), de una mayor simplicidad y horizontalidad que denotan la tradición autóctona. Otro exponente fue elKiyomizu-dera(778), cuyo edificio principal destaca por su enorme baranda, sostenida por cientos de pilares, que sobresale de la colina y ofrece impresionantes vistas de la ciudad deKioto. Este templo fue uno de los candidatos en la lista aNuevas Siete Maravillas del Mundo, aunque no salió elegido. Por su parte, elRinnō-jies famoso por elSanbutsudō(«Salón de los Tres Budas»), en donde se encuentran tres estatuas laminadas en oro deAmida,Senjūkannon(Kannon de los mil brazos) yBatōkannon(Kannon con cabeza de caballo). Como santuario sintoísta destacó elFushimi Inari-taisha(711), dedicado al espíritu deInari, especialmente conocido por los miles detoriisrojos que delimitan el camino por la colina en la cual se encuentra situado el santuario.​
Obtuvo gran desarrollo en escultura la representación de Buda, con estatuas de gran belleza:Sho Kannon,Buda de Tachibana,Bodhisattva Gakkode Tōdai-ji. En elperíodo Hakuhō(645-710), la destitución delclan Sogay el afianzamiento imperial comportó el fin de la influencia coreana y su sustitución por la china (dinastía Tang), produciéndose una serie de obras de mayor magnificencia y realismo, con formas más redondas y gráciles. Este cambio es perceptible en el grupo de estatuas de bronce dorado del Yakushi-ji, compuesto delBuda sedente(Yakushi) flanqueado de losbodhisattvasNikko(«Luz de Sol») yGakko(«Luz de Luna»), que muestran un mayor dinamismo en su postura decontrapposto, y una mayor expresividad facial. En cambio, en Hōryū-ji continuó el estilo Tori de origen coreano, como en elKannon Yumegataiy laTríada AmidadelRelicario de la señora Tachibana. En el templo de Tōshōdai-ji se encuentra una tríada de estatuas de tamaño colosal, hechas de laca seca hueca, destacando elBuda Rushanacentral (759), de 3,4 metros de altura. Se encuentran también representaciones de espíritus guardianes (Meikira Taisho), reyes (Kamokuten), etc. Son obras en madera, bronce, arcilla cruda o laca seca, de gran realismo.​
La pintura está representada por la decoración mural de Hōryū-ji (finales del sigloVII), como losfrescosdelKondō, que muestran similitudes con los deAjantāen laIndia. También surgieron diversas tipologías como elkakemono(‘pintura colgante’) y elemakimono(‘pintura en rollo’), historias pintadas en un rollo depapeloseda, con textos que explican las distintas escenas, llamadossutras. En el Shōso-in de Nara existe una serie de pinturas de tema profano, con diversos géneros y temáticas: plantas, animales, paisajes y objetos de metal. A mediados del período se puso de moda el estilo pictórico de la dinastía Tang, como se vislumbra en los murales de la tumba Takamatsuzuka, de alrededor del año 700. Por el decretoTaiho-ryode 701 el oficio depintorquedó regulado engremiosartesanales controlados por el Departamento de Pintores (edakumi-no-tuskasa), dependiente del Ministerio del Interior. Estos gremios eran los encargados de la decoración de palacios y templos, y su estructura perduró hasta laera Meiji. La cerámica evolucionó notablemente gracias a diversas técnicas importadas de China, como el empleo de colores brillantes aplicados sobre laarcilla.​
En este período se produjo el gobierno delclan Fujiwara, que implantó un estado centralizado inspirado en el gobierno chino, con capital enHeian(actualKioto). Surgieron los grandes señores feudales (daimyō), y apareció la figura delsamurái. En esta época surgió la escriturahiragana, que adaptó lacaligrafía chinaal lenguaje polisilábico japonés, utilizando los caracteres chinos para los valoresfonéticosde lassílabas. La ruptura de las relaciones con China produjo un arte más típicamente japonés, surgiendo junto al arte religioso un arte seglar que sería fiel reflejo del nacionalismo de la corte imperial. Laiconografíabudista tuvo un nuevo desarrollo con la importación de dos nuevassectasdel continente,TendaiyShingon, basadas en el budismotántricotibetano, que incorporaron elementos sintoístas y produjeron unsincretismoreligioso característico de esta época.​
ElShingonera un tipo de budismoesotéricocentrado en la relación entre materia y espíritu, que se reflejó en losmandalas, imágenes pictóricas o esculpidas que se centraban en elDiamante(mundo espiritual) y elSeno Materno(mundo material), así como representaciones delDainichi Nyorai(el «Gran Sol»). Por su parte, elTendaise centró en la salvación del hombre, con una cierta moralidad de origenconfucianoy un gran sincretismo con la religión sintoísta. Otorgó gran relevancia al arte, llegándose a afirmar que elTendaiconvertía «la religión en arte y el arte en religión». Uno de sus principales cultos fue alParaíso Occidental de la Tierra Pura deAmida, del que se realizaron numerosas imágenes. Una de las que más prosperaron fue la imagen delraigo-zu, Buda transportando almas al Paraíso, que proliferó en numerosas pinturas, como el panel central delTríptico de Amidaen Hokkeji (Nara).​
La arquitectura sufrió un cambio en la planta de los monasterios, que se erigían en lugares apartados, pensados para la meditación. Los templos más importantes son elEnryaku-ji(788), elKongōbu-ji(816) y elsantuario-pagodadeMurō-ji. El Enryaku-ji, situado en el entorno delmonte Hiei, forma parte del conjunto deMonumentos históricos de la antigua Kioto, declaradosPatrimonio de la Humanidaden 1994. Fue fundado en 788 porSaichō, que introdujo la secta budistaTendaien Japón. Enryaku-ji llegó a tener unos 3000 templos, y fue un enorme centro de poder en su época, siendo destruidos la mayoría de sus edificios porOda Nobunagaen 1571. De la parte que sobrevivió destacan hoy día elSaitō(«salón del oeste») y elTōdō(«salón del este»), donde se encuentra elKonpon chūdō, la construcción más representativa de Enryaku ji, donde se conserva una estatua de Buda esculpida por el propio Saichō, elYakushi Nyorai.​
En arquitectura civil destacó la construcción delPalacio Imperial, de puro estilo japonés. Durante elperíodo Fujiwara(897-1185), el templo volvió a situarse en la ciudad, siendo centro de reunión de las clases dirigentes. La arquitectura religiosa imitó a la de los grandespalacios, con una decoración muy desarrollada, como en el monasterio deByōdō-in–también llamado delFénix–, enUji(fundado en 1053). En este templo destaca elHōōdō(«Salón del Fénix»), situado al borde de un estanque que le proporciona una apariencia lírica y espiritual, con unas líneas dinámicas y elegantes donde destacan los tejados de esquinas curvilíneas, que otorgan un aire ascensional al conjunto. Este salón conserva una imagen del BudaAmida(«Señor de la Luz Infinita), de 2,5 metros, en madera lacada, obra del maestroJōchō.​
La escultura sufrió un ligero descenso en comparación con las épocas anteriores. De nuevo destacan las representaciones de Buda (Nyoirin-Kannon;Yakushi Nyoraidel templo deJingo-jien Kioto;Amida Nyoraien el monasterio de Byōdō-in), así como algunas diosas sintoístas (Kichijoten, diosa de la felicidad, equivalente de laLakshmīindia). La excesiva rigidez de la religión budista limitaba la espontaneidad del artista, que se veía circunscrito a rígidos cánones artísticos que mermaban su libertad creativa. Entre 859 y 877 se produjo el estiloJogan, caracterizado por figuras de una severidad casi intimidatoria, con cierto aire introspectivo y misterioso, como elShaka Nyoraide Murō-ji. Durante el período Fujiwara cobró preeminencia la escuela fundada por Jōchō en Byōdō-in, con un estilo más grácil y esbelto que la esculturaJogan, logrando unas perfectas proporcionesanatómicasy un gran sentido del movimiento. El taller de Jōchō introdujo las técnicasyosegiywarihagi, consistentes en dividir la figura en dos bloques que posteriormente se unían para tallarlas, evitando así su posterior resquebrajamiento, uno de los principales problemas de las figuras de gran tamaño. Estas técnicas permitían igualmente un montaje en serie, y se desarrollaron con gran éxito en laescuela Keidelperíodo Kamakura.​
La pintura al inicio de este período estaba poco desarrollada, con poca libertad creativa y ausencia del concepto de espacio. La aparición de la escuela deyamato-e(«pintura japonesa») supuso la independencia de la pintura japonesa de la influencia china. Se caracteriza por su armonía y su concepción diáfana y luminosa, con colores vivos y brillantes, líneas simples y decoracióngeométrica. Las obras principales se encuentran en los monasterios budistas (Byōdō-in, Kongōbu-ji). Son de remarcar los murales del Salón del Fénix del Byōdō-in, cuyospaisajessintetizan por primera vez el gusto estético más propiamente japonés, con su sentido de melancólica emotividad. Se sustituyen los elementos típicos chinos por otros de gusto nipón, como loscerezosen flor en vez de losciruelosnevados de moda en la pintura Tang, o losarrozalesen vez de las elevadas cumbres montañosas chinas. Junto a otros elementos comoglicinas,orquídeas,peonías,bambú, laluna, laniebla, elmar, lalluvia, etc, se creó en esta época la más típica imaginería paisajística japonesa. Igualmente, la composición asimétrica, el espacio vacío, el ambiente etéreo, el movimiento ondulado, los detalles anecdóticos, la aplicación del color más por manchas que en pinceladas, el carácter lírico y emotivo del conjunto serán típicos de la pintura japonesa, tanto mural como engrabadosybiombos. Pese a ello, la influencia china continuó en edificios públicos y oficiales, ya que estaba ligada al prestigio funcionarial. Denominadakara-e, la pintura china prosperó en el círculo imperial, como se percibe en obras como elBiombo de los sabiosy elBiombo del lago Kunming.​
La pinturayamato-ese desarrolló notablemente en los rollos manuscritos denominadosemaki, que conjugaban las escenas pictóricas con la elegante caligrafíakatakana. Estos rollos narraban pasajeshistóricosoliterarios, como laHistoria de Genji, novela de finales del sigloXdeMurasaki Shikibu. Mientras que el texto era obra de reputados calígrafos, las imágenes fueron ejecutadas generalmente por cortesanas de la corte, comoKi no TsuboneyNagato no Tsubone, suponiendo una muestra de estética femenina que tendría gran relevancia en el arte japonés. Surgió entonces una distinción entre pintura femenina (onna-e) y masculina (otoko-e), que marcaba una distinción perceptible entre el mundo público, considerado masculino –cuyo arte mantenía la influencia china– y el privado, de carácter femenino y estética más propiamente nipona. Enonna-e, además de laHistoria de Genji, destacó elHeike Nogyo(Sūtra del loto), encargado por elclan Tairapara elSantuario Itsukushima, con un total de 33 rollos sobre la salvación de las almas pregonada por el budismo. Elotoko-eera más narrativo y enérgico que elonna-e, más lleno de acción, con más realismo y movimiento, como en los rollosShigisan Engi, sobre los milagros del monje Myoren; elBan Danaigon E-kotoba, sobre una guerra de clanes rivales en el sigloIX; y elChōjugiga, escenas de animales de signocaricaturescoy tonosatírico, criticando a laaristocracia.​
En esta época, la cerámica no tuvo una especial relevancia, destacando en cambio las obras enlaca–generalmente cajas paracosméticos– y los objetos de metal, donde destacan los espejos. En laca surgió la técnicamaki-e, consistente en espolvorear polvo de colores,oroyplatasobre la laca húmeda, creando dibujos de gran finura y sutil tonalidad. A veces incluía incrustaciones denácar(raden). También adquirieron relevancia losabanicos, decorados con textos de lossutrasbudistas y conescenas de género.​
Tras diversas disputas entre los clanes feudales, se impuso el de losMinamoto, que instauraron elshogunato, un tipo de gobierno de corte militar. En esta época se introdujo en Japón la sectazen, que influiría poderosamente en el arte figurativo. La arquitectura era más sencilla, funcional, menos lujosa y recargada. La influencia zen provocó el llamado estiloKara-yo: los monasterios zen seguían la planimetría axial china, aunque el edificio principal no era el templo, sino la sala de lectura, y el lugar de honor no lo ocupaba una estatua de Buda, sino un pequeñotronodonde elabadenseñaba a sus discípulos. Destacan el conjunto de cinco grandes templos deSanjūsangen-dō, en Kioto (1266), así como los monasteriosKennin-ji(1202) yTōfuku-ji(1243) en Kioto, yKenchō-ji(1253) yEngaku-ji(1282) enKamakura. ElKōtoku-in(1252) es famoso por su estatua de bronce del Buda Amida, de 13 metros de alto y un peso de 93 toneladas, siendo el segundo Buda más grande en Japón después del de Tōdai-ji. En 1234 se construyó el templo deChion-in, sede del budismoJōdo shū(«Secta de la Tierra Pura»), que destaca por su colosal puerta principal (Sanmon), que es la estructura más grande de su tipo en Japón. Uno de los últimos exponentes de este período fue elHongan-ji(1321), formado por dos templos principales: el Nishi Hongan-ji, que incluye los salonesGoei-dō(«salón del fundador») yAmida-dō(«salón del Buda»), junto a un pabellón de té y dos escenarios de teatronō, uno de los cuales presume de ser el más viejo que se conserva; y el Higashi Hongan-ji, donde se encuentra el famoso el jardín deShosei-en.​
La escultura adquirió gran realismo, encontrando el artista mayor libertad creativa, como se denota en los retratos de nobles y militares, como el deUesugi Shigefusa(de artista anónimo), un militar del sigloXIV. Las obras zen se centraron en la representación de sus maestros, en un tipo de estatua llamadachinzo, como la del maestroMuji Ichien(1312, de autor anónimo), en maderapolicromada, que representa al maestro zen sentado en un trono, en actitud de relajada meditación. Cobró especial importancia por la calidad de sus obras laescuela KeideNara, heredera de la escuela Jōchō del período Heian, donde destacó el escultorUnkei, autor de las estatuas de los monjesMuchakuySeshin(Kōfuku-ji de Nara), así como imágenes de losKongo Rikishi(espíritus guardianes), como las dos colosales estatuas situadas en la entrada del templo Tōdai-ji (1199), de 8 metros de altura. El estilo de Unkei, influido por la escultura china de ladinastía Song,  era de gran realismo, captando a la vez el más detallado estudiofisonómicocon la expresión emotiva y la espiritualidad interior del individuo retratado. Se llegó incluso a incrustar cristales oscuros en los ojos, para dar mayor expresividad. La obra de Unkei supuso el inicio del retratismo japonés. Continuó su obra su hijoTankei, autor delKannon Senjupara el Sanjūsangen-dō.​
La pintura se caracterizó por un mayor realismo y por su introspecciónpsicológica. Se desarrolló principalmente elpaisajismo(La catarata de Nachi) y elretratismo(El monje Myoe en contemplación, deEnichi-bo Jonin; conjunto de retratos del templo Jingo-ji de Kioto, obra deFujiwara Takanobu; retrato delemperador Hanazono, de Fujiwara Gōshin). Continuó el estiloyamato-ey la pintura narrativa en rollos, algunos de hasta 9 metros de longitud. Estos rollos reflejaban aspectos de la vida cotidiana, escenas urbanas o rurales, o bien ilustraban acontecimientos históricos, como la guerra de 1159 en Kioto entre ramas rivales de la familia imperial. Se presentaban en escenas sucesivas, siguiendo un orden narrativo, con una panorámica elevada, como a vista de pájaro. Destacan losRollos ilustrados de los sucesos de la era Heiji(Heiji monogatari) y los rollosKegon Engi, de Enichi-bo Jonin.  La pintura relacionada con la secta zen era de influencia más directamente china, trazada en sencillas líneas detinta chinasiguiendo la máxima zen de que «demasiados colores ciegan la visión».​
En esta época se inició la producción de la que sería la cerámica más típicamente japonesa, destacando la figura deToshiro. Creció la artesanía destinada a la vida militar, especialmente armaduras y espadas (katana) confeccionadas con dos capas dehierroyacerosometidas a ignición e inmersión, con una característica marca templada al vapor denominadani-e.​
Durante este periodo el shōgunato fue ostentado por losAshikaga, cuyas luchas internas favorecieron el creciente poder de losdaimyō, que se repartieron el territorio. La arquitectura era más elegante y típicamente japonesa, destacando las mansiones señoriales, monasterios como el deZuiho-ji, y templos como los deShōkoku-ji(1382),Kinkaku-jio Pabellón de Oro (1397) yGinkaku-jio Pabellón de Plata (1489), en Kioto. El Kinkaku-ji fue construido como villa de descanso delshōgunAshikaga Yoshimitsu, como parte de su propiedad llamada Kitayama. Su hijo transformó el edificio en un templo de la sectaRinzai. Es un edificio de tres plantas, con las dos superiores recubiertas con hojas de oro puro. El pabellón funciona como unshariden, guardando las reliquias de Buda. También contiene varias estatuas de Buda y figuras debodhisattvas, y en el techo está ubicado unfenghuango «fénix chino» dorado. También posee un magnífico jardín adyacente, con un estanque llamadoKyōko-chi(«espejo de agua»), con numerosas islas y piedras que representan la historia de la creación budista. Por su parte, el Ginkaku-ji fue construido por elshōgunAshikaga Yoshimasa, quien buscaba emular el Kinkaku-ji construido por su abuelo Yoshimitsu, pero lamentablemente no pudo recubrir el edificio con plata tal y como lo había planeado. También es característica de la arquitectura de esta época la aparición deltokonoma, habitación reservada a la contemplación de una pintura o un arreglo floral, en consonancia con la estética zen. De igual forma, se introdujo eltatami, un tipo dealfombraconfeccionada con paja de arroz, que hizo más agradable el interior de la vivienda japonesa.​
En esta época se desarrolló notablemente el arte de lajardinería, sentando las bases artísticas y estéticas deljardín japonés. Surgieron dos principales modalidades:tsukiyama, alrededor de una colina y un lago; yhiraniwa, jardín plano de arena rastrillada, con piedras, árboles y pozos. La vegetación más habitual consiste enbambúy diversos géneros de flores y árboles, ya sean de hoja perenne, como elpino negro japonés, o de hoja caduca, como elarce japonés, siendo igualmente valorados elementos comohelechosymusgos. Otro elemento típico de la jardinería y el interiorismo es elbonsái. A menudo los jardines incluyen un lago o estanque, diversos tipos de pabellones (generalmente para la ceremonia del té) ylinternasde piedra. Uno de los rasgos típicos del jardín japonés –como en el resto de su arte– es el aspecto imperfecto, inacabado, asimétrico. Hay diversos tipos de jardines: de «paseo», que se contemplan caminando por un sendero o en torno a un estanque; de «aposento», que se disfrutan desde un lugar fijo, generalmente un pabellón o cabaña tipomachiya; de «té» (rōji), alrededor de un camino que conduce a la casa de té, con baldosas o piedras para marcar el camino; y de «contemplación» (karesansui, «paisaje de montaña y agua»), que es el más típico jardín zen, que se contempla desde una plataforma ubicada en los monasterios zen. Un buen ejemplo es el denominadoPaisaje sin aguadel jardín deRyōan-ji, en Kioto, obra del pintor y poetaSōami(1480), que representa un mar –hecho con arena rastrillada– plagado de islas –que son rocas–, elaborando un conjunto que aúna realidad e ilusión y que invita a la quietud y la reflexión.​
También floreció la pintura, enmarcada dentro de la estética zen, que recibió la influencia china de las dinastíasYuanyMing, reflejada principalmente en el decorativismo. Se introdujo la técnica de laaguada, perfecta trascripción de la doctrina zen, que pretende reflejar en los paisajes lo que significan, más que lo que representan. Surgió la figura delbunjinso, el «monje intelectual» creador de sus propias obras, estudiosos y seguidores de las técnicas chinas en tinta monocroma, en pinceladas breves y difusas, que reflejaron en sus obras elementos naturales como pinos, juncos, orquídeas, bambúes, rocas, árboles, pájaros y figuras humanas inmersas en la naturaleza, en actitud de meditación. Algunos de estos monjes-artistas fueron:Mokuan Reien,Gyokuen Bompo,Ue Gukei, etc.​
En Japón, esta técnica con tinta china recibió el nombre desumi-e. Basado en los siete principios estéticos del zen (véase el apartadoTeoría y estética), elsumi-e(«pintura a tinta») pretendía reflejar las más intensas emociones interiores por medio de la sencillez y la elegancia, en líneas simples y modestas que trascienden su aspecto externo para significar un estado de comunión con la naturaleza. Para los monjes zen, elsumi-eera una vía (dō) para buscar la paz interior, la realización espiritual. Las propiedades tonales de la tinta, sutiles y difusas, permitían al artista captar la esencia de las cosas, en una impresión sencilla y natural, pero a la vez profunda y trascendente. Es un arte espontáneo y de rápida ejecución, imposible de retocar, hecho que lo vincula con la vida, donde es imposible volver al pasado. Cada pincelada expresa la energía vital (ki), ya que es un acto de creación, donde se pone el espíritu en acción, y donde importa más el proceso que no el resultado.​
Los principales artistas delsumi-efueron:Muto Shui,Josetsu,Shūbun,Sesson Shukeiy, sobre todo,Sesshū Tōyō, autor de retratos y paisajes, primer artista que pintó del natural. Sesshū era ungaso, un monje-pintor, que viajó a China entre 1467 y 1469, donde estudió el arte y el paisaje natural. Sus paisajes están compuestos por estructuras lineales, iluminados por una luz súbita que refleja el concepto zen del instante trascendental. Son paisajes con presencia de elementos anecdóticos, como templos en la lejanía o pequeñas figuras humanas, enmarcados en parajes recónditos como acantilados.​
Surgió igualmente un nuevo género de pintura-poema, elshigajiku, donde un paisaje ilustra un poema de inspiración naturalista. Cabe mencionar también laescuela Kanō, fundada porKanō Masanobu, que aplicó la técnica de la aguada a temas tradicionales, ilustrando de esta manera temas sagrados, nacionales y paisajes. La aguada también se aplicó en biombos y en paneles pintados en las puertas correderasfusuma, características del interiorismo japonés. En cerámica destacó la escuela de Seto, siendo la tipología más popular el llamadotemmoku. También son muestras remarcables de esta época los objetos delacaymetal.​
En esta época Japón fue de nuevo unificado porOda Nobunaga,Toyotomi HideyoshiyTokugawa Ieyasu, que eliminaron a losdaimyōy se sucedieron en el poder. Su mandato coincidió con la llegada de comerciantesportuguesesy demisionerosjesuitas, que introdujeron elcristianismoen el país, aunque llegando solo a una minoría. La producción artística de esta época se alejó de la estética budista, remarcando los valores tradicionales japoneses, con un estilo grandilocuente. La invasión deCoreaen 1592 comportó el traslado forzoso de numerosos artistas coreanos a Japón, instalados en centros productores de cerámica aislados del resto. Asimismo, durante este período se recibieron las primeras influencias deOccidente, reflejadas en el estiloNanban(«bárbaros del sur», nombre dado a los europeos), desarrollado en la escultura miniaturista, de tema profano, objetos decorativos enporcelanay biombos decorados en estiloyamato-e, con colores brillantes ypan de oro, en escenas que narran la llegada de los europeos a las costas japonesas. La influencia occidental introdujo lapintura al óleoy el uso de laperspectiva, aunque en general no tuvieron mucho éxito en el arte tradicional japonés.​
En arquitectura destacó la construcción de grandescastillos(shiro), que fueron fortificados por la introducción en Japón de armas de fuego de origen occidental. Buenas muestras de ello son los castillos deHimeji,Azuchi,Matsumoto,NijōyFushimi-Momoyama. El castillo de Himeji, una de las principales construcciones de la época, combina unas macizas fortificaciones con la elegancia de una estructura de aspecto vertical, en cinco pisos construidos enmaderayyeso, con tejados de suaves formas curvilíneas similares a los de los tradicionales templos japoneses. También proliferaron las villas rústicas para la ceremonia del té, compuestas de pequeñas villas o palacios y amplios jardines,  y se construyeron en algunas ciudadesteatrosde madera para las representaciones dekabuki.​
En pintura, laescuela Kanōrecibió la mayoría de encargos oficiales, desarrollando la pintura mural de los principales castillos japoneses. Figuras destacadas son los nombres deKanō EitokuyKanō Sanraku. Para los castillos, con poca iluminación debido a sus estrechas aberturas defensivas, se creó un tipo de mamparas con fondo dorado que reflejaban la luz y la esparcían por toda la estancia, con grandes murales decorados con escenas heroicas, animales comotigresydragones, o bien paisajes con presencia de jardines, estanques y puentes, o sobre las cuatroestaciones, un tema bastante frecuente en la época. Continuó el estiloyamato-eprincipalmente entre la claseburguesa, representada por laescuela Tosa, que continuó la tradiciónépicajaponesa de escenas históricas y paisajes, destacando las figuras deTosa MitsuyoshiyTosa Mitsunori. También se desarrolló notablemente la pintura en biombos, generalmente en tintas aguadas, siguiendo el estilosumi-e, como se aprecia en la obra deHasegawa Tōhaku(Bosque de pinos) yKaihō Yūshō(Pino y ciruelo a la luz de la luna). Destacó igualmente la figura deTawaraya Sōtatsu, autor de obras de gran dinamismo, en rollos manuscritos, biombos y abanicos. Creó un estilo lírico y decorativo inspirado en la escriturawakade la época Heian, que fue llamadorinpa, produciendo obras de gran belleza visual e intensidad emocional, comoHistoria de Genji,La senda de la hiedra,Los dioses del trueno y del viento, etc.​
La alfarería alcanzó un momento de gran esplendor, desarrollándose la cerámica destinada a la ceremonia del té, inspirada en la cerámica coreana, cuya rusticidad y aspecto inacabado traducían perfectamente la estética zen que impregna el rito del té. Surgieron nuevos diseños como los platosnezumiy las jarras de aguakogan, generalmente de cuerpo blanco bañado en una capa defeldespatoy decorado con sencillos dibujos realizados con unabarbotinade hierro. Era una cerámica gruesa y de aspecto vidriado, con un tratamiento inacabado, dando una sensación de imperfección y vulnerabilidad. Seto continuó siendo uno de los principales centros de producción, mientras que en la localidad de Mino nacieron dos importantes escuelas:ShinoyOribe. También destacaron la escuela de Karatsu y dos originales tipos de cerámica:Iga, de burda textura y una espesa capa de vidriado, con profundas rajaduras; yBizen,lozade un marrón rojizo y sin vidriar, retirada aún tierna del torno para producir unas pequeñas grietas e incisiones naturales que le daban un aspecto quebradizo, nuevamente según la estética zen de imperfección.​
Uno de los mejores artistas de esta época fueHonami Kōetsu, que destacó tanto en pintura como en poesía, jardinería, laca, etc. Educado en la tradición artística procedente del período Heian y en la escuela Shorenin de caligrafía, fundó una colonia de artesanos en Takagamine, cerca de Kioto, gracias a unos terrenos cedidos porTokugawa Ieyasu. La colonia se nutrió de artesanos de la escuela budista Nichiren, y produjo una serie de obras de gran calidad. Se especializaron en objetos de laca, principalmente accesorios de escritorio, decorados con incrustaciones de oro y nácar, así como en diversos utensilios y vajillas para la ceremonia del té, destacando el cuencofujisan, con un cuerpo rojizo cubierto de una barbotina negra y, en la parte superior, un blanco vidriado opaco que da el efecto denieveque cae.​
Este período artístico se corresponde con el histórico deTokugawa, en el que Japón se cerró a todo contacto exterior. La capital se estableció enEdo, futuraTokio. Los cristianos fueron perseguidos y los comerciantes europeos expulsados. Pese al sistema de vasallaje, proliferó el comercio y la artesanía, apareciendo una clase burguesa que fue creciendo en poder e influencia, y que se dedicó al fomento de las artes, especialmente grabados, cerámica, lacas y productos textiles.​
Los edificios más importantes son el Palacio deKatsurade Kioto y elmausoleodeTōshō-gūenNikkō(1636), que forma parte de los «Santuarios y Templos de Nikkō»,Patrimonio de la Humanidadreconocido por laUNESCOen 1999. De formas híbridas sinto-budistas, es el mausoleo delshōgunTokugawa Ieyasu. El templo es una estructura rígidamente simétrica con relieves coloreados que cubren toda la superficie visible. Destacan sus edificios coloristas y adornos sobrecargados que se distancian de los estilos de los templos de aquella época. Los interiores están adornados con laqueados, minuciosas esculturas de vivo colorido y magistrales paneles pintados. El Palacio deKatsura(1615-1662) fue construido con un plano asimétrico de inspiración zen, donde las líneas rectas de la fachada exterior contrastan con la sinuosidad del jardín circundante. Villa de descanso de la familia imperial, incluye un edificio principal (Shoin), varios pabellones, casas de té y un parque de siete hectáreas. El palacio principal, que tiene una sola planta, se divide en cuatro pabellones unidos por las esquinas:Shōkintei,Shōkatei,ShōikenyGepparō. Todos están elevados sobre pilares y construidos en madera con paredes encaladas y puertas deslizantes que conducen al jardín, y contienen pinturas deKanō Tan'yū. También son características de esta época las casas deté(chashitsu), generalmente pequeñas construcciones de madera con tejado debálago, rodeadas de jardines en un estado de aparente abandono, con líquenes, musgo y hojas caídas, siguiendo el concepto zen de imperfección trascendente.​
Se desarrolló notablemente la pintura, que adquirió gran vitalidad. Se trabajaba en diferentes formatos, desde paneles murales y biombos hasta pergaminos, abanicos y pequeños álbumes. Cobró un gran auge elgrabadoen madera, surgiendo una importante industria en núcleos urbanos especializada en textos ilustrados y estampas. Inicialmente eran grabados en tinta negra sobre papel coloreado a mano, pero a mediados del sigloXVIIIsurgió la impresión en color (nishiki-e).​
Continuó el estilorinpainiciado por Sōtatsu en la obra deŌgata Kōrin, uno de los más grandes artistas de la época. Su producción, alegre y sardónica, se dirigió a las clases mercantiles, con obras de una elegancia urbana y un realismo un tanto irreverente, aunque con un gran virtuosismo y un profundo conocimiento de los maestros clásicos, como demuestra en los biombosCiruelos rojos y blancos,Olas,LiriosyLa historia de Ise. Laescuela Kanōrecibió los principales encargos oficiales del gobierno, con un estilo de estética zen de fuertes pinceladas. Su principal representante fueKanō Tan'yū, nieto deKanō Eitoku, que trabajó en el palacio imperial y en elcastillo Nagoya, al tiempo que realizó una notable labor erudita recogiendo notas sobre todo tipo de obras de arte, con comentarios y esbozos (shukuzu) de las obras, gran fuente de información para lahistoriografía del arte. Por su parte, laescuela Tosaestuvo representada porTosa Mitsuoki, que continuó la tradición épica delyamato-e.
En el sigloXVIIIapareció la escuelanangao «pintura idealista», de signoconfucianopatrocinado por elshogunato Tokugawa, muy influida por el arte chino, que consideraban la cuna de su civilización. Se adoptó el estilowenrende los eruditos-pintores aficionados chinos, reducido a pequeños círculos intelectuales formados por profesionales de diversa procedencia, desde samuráis hasta monjes, mercaderes y funcionarios. Su principal punto de referencia fue la escuela deLi Guode ladinastía Song, de pincelada ancha y curvilínea, que llegó a Japón a través de la escuela coreana deAn Kyon. El centro neurálgico delnangafue el monasterioMampuku-ji, fundado en 1661 a las afueras de Kioto, que se convirtió en el centro de la cultura china en Japón. El principal tema representado fue el paisaje, a menudo con elementos como flores y pájaros, y era usual la combinación de pintura y poesía (haiga). Esta escuela dio varios artistas de gran calidad:Ikeno Taiga,Yosa Buson,Uragami Gyokudō,Aoki Mokubei,Tani Bunchō,Gibon Sengai,Hakuin Ekaku, etc.​
En Kioto nació otra interesante escuela pictórica, fundada porMaruyama Ōkyo, que combinó diversas técnicas e influencias, desde la china hasta la occidental, que conoció a través de grabadosholandeses. Realizó rollos y biombos con paisajes y fondos dorados, siendo una característica de su estilo la plasmación del paisaje con apuntes tomados directamente de la naturaleza. Fueron discípulos suyosMatsumura Goshun, cofundador con Ōkyo de laescuela Maruyama-Shijō;Itō Jakuchū, artista de gran personalidad que se dedicó al género de lanaturaleza muerta, poco frecuente hasta entonces en Japón; yNagasawa Rosetsu, que llegó a dominar con maestría las técnicas occidentales de laperspectivay elclaroscuro.​
La escuela más conocida y notable fue la deukiyo-e(«estampas del mundo que fluye»), que destacó por la representación de tipos y escenas populares. Desarrollada alrededor de la técnica del grabado –principalmentexilografía–, fue un estilo de corte laico y plebeyo, eminentemente urbano, que inspirándose en temas anecdóticos y escenas de género les otorgaba un lirismo y una belleza extraordinarias, con una sutil sensibilidad y un gusto refinado de gran modernidad.​ El fundador fueHishikawa Moronobu, al que siguieron figuras comoOkumura Masanobu,Suzuki Harunobu,Isoda KoryūsaiyTorii Kiyonobu, fundador de laescuela Torii. Varios artistas se especializaron en la reproducción de los actores delteatropopular japonéskabuki(yakusha-e, «cuadros de actores»), con un cierto aire caricaturesco, entre ellosTorii Kiyomasu,Torii Kiyomitsuy, sobre todo,Tōshūsai Sharaku. Otro género bastante corriente fue elbijin-ga(«cuadros de mujeres hermosas»), que representaba ageishasy cortesanas en actitudes íntimas y escenas de tocador, con gran detallismo, principalmente en sus ropajes, como se denota en la obra deTorii Kiyonaga,Kitagawa UtamaroyKeisai Eisen. Otra variante fue elshunga(«estampas primaverales»), de contenido más explícitamenteerótico. El paisajismo fue introducido porUtagawa Toyoharu–fundador de laescuela Utagawa–, que aplicó la perspectiva occidental al paisaje japonés.​
A principios del sigloXIX, cuando el arteukiyo-eparecía declinar, apareció la gran figura deKatsushika Hokusai, autor de unos 30.000 dibujos que recopiló en 15 volúmenes, que titulóManga(1814). Reflejó especialmente la vida urbana de Edo, con un cierto toque humorístico, en un estilo enérgico de fuertes trazos. También fue un gran representante del paisajismo, siendo uno de sus motivos fundamentales elmonte Fuji, en escenas de gran colorido, con un sello fuertemente personal, ni realista ni idealizado, reflejando siempre la visión interna del artista. Uno de sus últimos exponentes y gran maestro de la escuela fueUtagawa Hiroshige, igualmente un gran paisajista, como denota en susCien famosas vistas de Edo. Tenía un estilo más realista que Hokusai, pero más lírico y evocador, utilizando a menudo una perspectiva de fondos encuadrados en un primer plano de ramas, hojas u otros objetos.
La cerámica tuvo uno de sus mayores centros de producción en Kioto, con influencia del arte chino y coreano; su principal artista fueNonomura Ninsei. EnHagisurgió una escuela de influencia coreana, caracterizada por el uso de formas sencillas y tonalidades claras, destacando la figura deŌgata Kenzan, hermano de Ōgata Kōrin. Continuó la cerámica destinada a la ceremonia del té, decorada con elementos aparentemente irregulares y asimétricos, como signos y líneas de corte casi abstracto, según el ideal de imperfección de la estética zen. En este período se produjeron las primerasporcelanas, con un primer centro productor en Arita, en laprefectura de Saga(llamadaporcelana de Imari), donde el alfarero coreano Yi Sam-pyeong halló en 1616 un tipo de arcilla blanca ideal para porcelana. Destacaron las escuelas de Kakiemon, Nabeshima y Ko-Kutami, que produjeron una serie de platos, cuencos y botellas desakede gran calidad y refinamiento, con vidriado de esmalte decorado en color azul, verde, amarillo, rojo, beige y berenjena pálido. También proliferaron los objetos de laca, metal, marfil y nácar, y alcanzaron gran calidad artística objetos como losinro(cajas de medicamentos), losnetsuke(dijes esculpidos) y lostsuba(guardias desable).​
De igual manera, cobró gran relevancia elarte textil, principalmente enseda, que llegó a cotas de altísima calidad, de tal manera que a menudo las túnicas (kimono) en seda con brillantes colores y refinados dibujos eran colgadas para separar habitaciones, como si fuesen biombos. Se usaban diversas técnicas, como el tinte, el bordado, el brocado, el repujado, los apliques y el pintado a mano. La seda estaba al alcance tan solo de las clases altas, mientras el pueblo vestía enalgodón, confeccionado según la técnicaindonesiaikat, hilado por secciones y teñido en color añil alternado con el blanco. Otra técnica de menor calidad era el entrecruzamiento de hilos de algodón de diversos colores, con tintes caseros aplicados al modo delbatikmediante una pasta de arroz y salvado de arroz hervido y apelmazado.​
Cabe destacar que, así como en el sigloXIXel arte japonés recibió la influencia del arte occidental, también éste se vio influido por el exotismo y la naturalidad del arte nipón. Surgió así en Occidente el llamadojaponismo, desarrollado principalmente en la segunda mitad del sigloXIXsobre todo enFranciayGran Bretaña. Se puso de manifiesto en las llamadasjaponaiseries, objetos inspirados en las estampas, porcelanas, lacas, abanicos y objetos de bambú japoneses, que se pusieron de moda tanto en la decoración interior como en numerosas prendas personales que recogían la fantasía y el decorativismo de la estética japonesa. En pintura, se recibió con entusiasmo el estilo de la escuelaukiyo-e, siendo muy apreciadas las obras de Utamaro, Hiroshige y Hokusai. Los artistas occidentales imitaron la simplificada construcción espacial, los contornos sencillos, el estilo caligráfico y la sensibilidad naturalista de la pintura japonesa. Algunos de los principales artistas que recibieron esta influencia fueron:Édouard Manet,James Abbott McNeill Whistler,James Tissot,Mary Cassatt,Pierre Bonnard,Georges Ferdinand Bigot,Claude Monet,Edgar Degas,Pierre-Auguste Renoir,Camille Pissarro,Paul Gauguin,Henri de Toulouse-Lautrec,Vincent van Gogh,Gustav Klimt, etc.​
En el períodoMeiji(1868-1912) se inició una profunda renovación cultural, social y tecnológica en Japón, que se abrió más al exterior y empezó a incorporar los nuevos adelantos conseguidos en Occidente. La Carta de 1868 abolió los privilegios feudales y las diferencias de clase, lo cual no propició una mejora de las clases proletarias, sumidas en la miseria. Se inició una época de fuerte expansionismo imperialista, que desembocó en laSegunda Guerra Mundial. Tras la contienda, Japón ha vivido un proceso dedemocratizacióny desarrolloeconómicoque la ha convertido en una de las principales potencias económicas mundiales y centro puntero en producción industrial e innovación tecnológica. A la era Meiji sucedieron las erasTaishō(1912-1926),Shōwa(1926-1989),Heisei(1989-2019) yReiwa(2019-).
Desde 1930, la progresiva militarización y la expansión por China y el sur de Asia, con el consiguiente incremento de recursos destinados al presupuesto militar, provocó una caída en el mecenazgo artístico. Sin embargo, con el despegue económico de la posguerra y la nueva prosperidad conseguida con la industrialización del país, las artes renacieron, inmersas ya plenamente en los movimientos artísticos internacionales debidos al proceso deglobalizacióncultural. Asimismo, la prosperidad económica favoreció el coleccionismo, creándose numerososmuseosy centros de exposiciones que han ayudado a la difusión y conservación del arte japonés e internacional.​
En el ámbito religioso, la instauración durante la era Meiji del sintoísmo como única religión oficial (Shinbutsu bunri) propició el abandono y la destrucción de los templos y obras de arte budista, que habría sido irreparable sin la intervención deErnest Fenollosa, catedrático de filosofía de laUniversidad Imperial de Tokio, que junto al magnate y mecenasWilliam Bigelowrescataron gran cantidad de obras que nutrieron la colección de arte budista delMuseum of Fine ArtsdeBostony laFreer Gallery of ArtdeWashington D. C., dos de las mejores colecciones de arte asiático del mundo.​
La arquitectura presenta una doble dirección: la tradicional (santuario Yasukuni, templos deHeian Jinguy deMeiji, enTokio) y la de influencia europea, que incorpora las nuevas tecnologías (Museo Yamato Bunkakan, deIsohachi Yoshida, enNara). La occidentalización conllevó la construcción de nuevos edificios comobancos,fábricas, estaciones detreny edificios públicos, construidos con materiales y técnicas occidentales, emulando en un principio (finales del sigloXIX) la arquitecturavictorianainglesa. También trabajaron en Japón algunos arquitectos extranjeros, comoFrank Lloyd Wright(Hotel Imperial, Tokio, 1919).
En los años 1920-1930 se recibió la influencia delracionalismo, introducido por el arquitecto checoamericanoAntonin Raymond. Surgió entonces un grupo de jóvenes arquitectos japoneses llamado Grupo de Secesión (Bunri-ha), compuesto principalmente porMamoru Yamada(Oficina General de Telefónica, 1926-1927; Laboratorio Eléctrico de Tokio, 1929),Tetsurō Yoshida(Oficina General de Correos de Tokio, 1931-1933) yKikuji Ishimoto(oficinas delaeropuerto de Haneda, Tokio, 1932). En esos años algunos arquitectos comoIwao Yamawakiestudiaron en laBauhaus, mientras que otros comoKunio MaekawayJunzō Sakakurase formaron en el taller deLe Corbusier. Maekawa fue autor de los apartamentos Harumi en Tokio (1956-1957), inspirados en laUnité d'Habitationlecorbusieriana.​
La arquitectura y el urbanismo recibieron un gran impulso tras la Segunda Guerra Mundial, debido a la necesidad de reconstruir el país. Surgió entonces una nueva generación de arquitectos encabezada porKenzō Tange, que adaptó el estilo racionalista a la especial sensibilidad artística nipona. En sus inicios trabajó en el estudio de Kunio Maekawa y, en 1946, abrió su estudio en Tokio. Su primera obra relevante fue elMuseo Memorial de la Paz de Hiroshima(1949-1956), un homenaje a la ciudad de la primerabomba atómica. La construcción delAyuntamiento de Tokio(1955-1956), edificado sobre los clásicospilotislecorbusierianos, generó cierta polémica en el ámbito cultural nipón, aunque Tange incluyó un jardín tradicional japonés bajo el edificio.​ Entre 1955 y 1959 construyó la Prefectura de Kagawa enTakamatsu, una fusión entre el racionalismo y la arquitectura tradicional budista y sintoísta.​ Posteriormente construyó laCatedral de Santa María de Tokio(1961-1964), el edificio de la agencia de prensa y televisión Yamanashi (1961-1967) y el complejo deportivo de losJuegos Olímpicos de Tokio de 1964(Estadio Olímpico,Gimnasio Nacional Yoyogi).​
Desde los años 1960, Tange formó parte delMovimiento Metabolista, una manera de concebir la arquitectura a través de megaestructuras ampliables teóricamente hasta el infinito, al igual que los metabolismos animales, considerando los edificios como formas orgánicas que deben adaptarse a las necesidades funcionales. Entre sus miembros contó conKishō Kurokawa,Akira Shibuya,Youji WatanabeyKiyonori Kikutake, así comoFumihiko Maki, interesado especialmente en las nuevas tecnologías y el diseño racional, elaboró diversos proyectos de tipo modular y con elementos prefabricados, entre los que destacan el Salón Conmemorativo de laUniversidad de Nagoya(1959) y los apartamentos aterrazados Hillside en Daikanyama, Tokio (1966-1979).​. El grupo se disolvió tras laExposición Internacional de Osaka de 1970.​
A partir de los años 1980 tuvo una fuerte implantación en Japón elarte posmoderno, ya que desde antaño ha sido característica la fusión entre el elemento popular y la sofisticación de las formas. Este estilo ha estado representado fundamentalmente porArata Isozaki, autor del Museo de Arte deKitakyūshū(1974), el Centro Cívico deTsukuba(1982), la Sala de conciertos de Kioto (1995) y el Palacio de Congresos deNara(1998). Isozaki estudió con Tange y, en su obra, sintetizó los conceptos occidentales con ideas espaciales, funcionales y decorativas típicas de Japón.​ Por su parte,Tadao Andōdesarrolló un estilominimalista, con gran preocupación por el aporte de luz y espacios abiertos al aire exterior (Capilla sobre el Agua, Tomanu,Hokkaidō, 1991; Iglesia de la Luz, Ibaraki,Osaka, 1988-1989).​Shigeru Banse ha caracterizado por el uso de materiales no convencionales, comopapeloplástico: tras el terremoto deKōbede 1995, que dejó a muchas personas sin casa, Ban contribuyó diseñandoLa casa de papelyLa iglesia de papel.Toyō Itōexploró la imagen física de la ciudad de la era digital (Torre de los Vientos,Yokohama, 1986; Museo Municipal deYatsushiro, 1991; Mediateca de Sendai,Sendai, 1995).​Kazuyo Sejimatrabajó para Toyō Itō hasta que fundó su propio estudio en 1987, abordando en su obra el uso de materiales alternativos como el vidrio, el plástico y el tejido sintético (Platform II,Yamanashi, 1989).​ Por último,Riken Yamamototambién ha experimentado con materiales industriales, al tiempo que reinterpretaba elementos de la arquitectura vernácula (viviendas colectivas Hotakubo,Kumamoto, 1991).​
La pintura también siguió dos corrientes: tradicional (nihonga) y occidentalista (yōga), aunque independiente de ambas destacó a principios del sigloXXla figura deTomioka Tessai. El estilonihongafue promovido a finales del sigloXIXpor el crítico de arteOkakura Kakuzōy por el educadorErnest Fenollosa, buscando en el arte tradicional la forma de expresión arquetípica de la sensibilidad nipona, aunque este estilo también recibió alguna influencia occidental, sobre todo delprerrafaelismoy elromanticismo. Estuvo representado principalmente porHishida Shunsō,Yokoyama Taikan,Shimomura Kanzan,Maeda SeisonyKobayashi Kokei. La pintura de corte europeísta se nutrió en principio de las técnicas y temáticas vigentes en Europa a finales del sigloXIX, vinculadas principalmente alacademicismo–como en el caso deKuroda Seiki, que estudió nueve años enParís–, pero más adelante siguió las distintas corrientes que se fueron produciendo en el arte occidental: el grupoHakubakairecogió la influenciaimpresionista; la pinturaabstractatuvo como figuras principales aTakeo YamaguchiyMasanari Munai; entre los artistas figurativos destacaronFukuda Heichachirō,Tokuoka ShinsenyHigashiyama Kaii. Algunos artistas se establecieron fuera de su país, comoGen'ichirō InokumaenEstados UnidosyTsuguharu FoujitaenFrancia.​
En el período Taishō predominó el estiloyōgasobre elnihonga, aunque el aumento en la utilización de la luz y la perspectiva occidentales disminuyó las diferencias entre ambas corrientes. Así como elnihongaadoptó en buena medida las innovaciones delpostimpresionismo, elyōgamanifestó una inclinación por eleclecticismo, surgiendo una gran diversidad de movimientos artísticos divergentes. Durante esta época se creó la Academia de Bellas Artes de Japón (Nihon Bijutsuin). La pintura de la era Shōwa estuvo marcada por la obra deYasurio SotaroyUmehara Ryūzaburō, quienes introdujeron los conceptos de arte puro y pintura abstracta a la tradiciónnihonga. En 1931 se creó la Asociación de Arte Independiente (Dokuritsu Bijutsu Kyōkai) para promover el arte devanguardia. Uno de sus miembros más destacados fueIchirō Fukuzawa, que estudió en París y recibió la influencia deMax ErnstyGiorgio De Chirico, desarrollando una obra cercana alsurrealismo. En 1939 fundó la Asociación Cultural de Arte (Bijutsu Bunka Kyōkai), que reunía a una serie de artistas de tendencia surrealista. Encarcelado durante laSegunda Guerra Mundial, con posterioridad siguió promoviendo el arte de vanguardia a través de la fundación del Club de Pintores Japoneses de Vanguardia (Nihon Avangarudo Bijutsuka Kurabu).​
Durante la Segunda Guerra Mundial, la censura y los controles gubernamentales permitieron únicamente la expresión de temas patrióticos. Surgió entonces el estilosenso-ga(«pintura de guerra»), cercano alrealismo socialista, un estilo de corte realista y propagandista que enfatizaba los valores patrióticos, el nacionalismo y el belicismo. Muchos artistas, tantonihongacomoyōga, fueron enrolados para efectuar este tipo de arte, entre ellos el mismo Tsuguharu Foujita.​ Tras la guerra, los artistas japoneses prosperaron en las grandes ciudades –particularmente en Tokio–, creando un arte urbano y cosmopolita, que fue siguiendo con devoción las innovaciones estilísticas producidas a nivel internacional, especialmente enParísyNueva York. En 1949, el críticoHanada Kiyoteruy el artistaTarō Okamotofundaron el Grupo de Estudio de las Vanguardias, de cara a fomentar el arte moderno en Japón. Promovieron un estilo de pintura a medio camino entre el surrealismo y la abstracción, con temas sociales que denunciaban los horrores de la guerra, en un formato que fue llamado de «reportaje», por lo que su estilo se conoce comoreportage painting. Otros artistas del grupo fueronIkeda TatsuoyMadokoro Saori.​ Otro grupo, activo entre 1951 y 1957, fue elTaller Experimental(Jikken Kōbō), en el que figuraban artistas, poetas y compositores, que intentaron aglutinar todas las artes en espectáculos visuales que combinaban imagen, música y poesía, que denominaban «poemas sintéticos». Entre sus miembros se encontrabanTōru Takemitsu,Hideko Fukushima,Shōzō KitadaiyKatsuhiro Yamaguchi.​
En los años 1950-1960 estuvo activo el grupoGutai(«encarnación»), que asimiló la experiencia de la Segunda Guerra Mundial a través deaccionescargadas de ironía, con un gran sentimiento de crispación y una agresividad latente. En contraposición a la abstracción, buscan lo «concreto» en el arte —de ahí el nombre del grupo—, por lo que se centran en la materia, a través dehappeningsque buscan un nuevo modo de expresión que refleje sus inquietudes políticas y sociales. Algunas de sus intervenciones se consideran pioneras delland-arty elbody-art. Entre sus miembros destacan:Jirō Yoshihara,Sadamasa Motonaga,Shozo ShimamotoyKatsuō Shiraga. El grupo se disolvió en 1972, tras la muerte de Yoshihara.​
En los primeros años 1960 se recibió la influencia delneodadaísmodeJasper JohnsyRobert Rauschemberg, lo que conllevó a la creación del grupoNeo-Dadaism Organizers, formado, entre otros, porShūsaku Arakawa,Tomio MikiyTesumi Kudo. Centrados en el acto de creación artística, rechazan el arte tradicional y utilizan objetos cotidianos para elaborar sus propuestas, muchas veces efímeras, por lo que muchas de sus obras no han perdurado.​ Entre 1967 y 1974 estuvo activa laEscuela de las Cosas(Mono-ha), un grupo de artistas que tenían como base la protesta política por la continuidad de Japón de su alianza con Estados Unidos, así como por laguerra de Vietnam. En paralelo alarte poveraitaliano —aunque sin conocerse—, sus obras eran instalaciones efímeras elaboradas con materiales humildes, sin afán mercantilista, por lo que solían destruirlas tras ser expuestas. Entre sus artistas destacaronNobuo Sekine,Susumu Koshimizu,Jirō Takamatsuy el coreanoLee Ufan.​ Igualmente, entre 1968 y 1974, surgió el grupoBikyōtō(deBijutsuka Kyōtō Kaigi, «lucha conjunta de artistas»), un movimiento vinculado a la izquierda política que protestaba contra la rápida modernización de Japón y que preconizaba el «no arte», que practicaban a través dehappeningsrealizados en la calle, que defendían como el sitio adecuado para el arte, en vez de los museos. Entre sus miembros se encontrabanNaoyoshi Hikosaka,Miyako Ishiuchi,Ryūji MiyamotoyKōsai Hori.​
Después de los estilos abstractos de los años 1960, en los 1970 se volvió al realismo favorecido por elpop-art, como se denota en la obra deShinohara Ushio. Aun así, a finales de los años 1970 hubo un retorno al arte tradicional japonés, en el que veían una mayor expresividad y fuerza emocional. La tradición del grabado continuó en el sigloXXen un estilo de «grabados creativos» (sosaku hanga) dibujados y tallados por artistas preferentemente de estilonihonga, comoKawase Hasui,Yoshida HiroshiyMunakata Shiko. En escultura existió igualmente la dualidad tradición-vanguardia, destacando los nombres deYoshi KinuchiyRomorini Toyofuku, además de los abstractosMasakazu HoriuchiyYasuo Mizui, este último instalado en Francia.Isamu NoguchiyNagare Masayukirecogieron la rica tradición escultórica de su país en obras que estudian el contraste entre la rugosidad y la pulidez de la materia. Vinculados alarte posmodernofiguran varios artistas, inmersos en el fenómeno reciente de la globalización, marcada por la multiculturalidad de las expresiones artísticas:Shigeo Toya,Yasumasa Morimura. Otros artistas destacados del Japón contemporáneo son:Chuta Kimura,Leiko Ikemura,Michiko Noda,Yayoi Kusama,Yoshitaka Amano,Shigeo Fukuda,Shigeko Kubota,Yoshitomo Nara,​Takashi Murakami,​Mariko Mori​ yHiroshi Sugimoto.​
Laliteratura japonesatiene una fuerte influencia china, debido sobre todo a la adopción de laescritura china. El testimonio más antiguo conservado es elKojiki(Relatos de cosas antiguas), especie de historia universal de corte mítico yteogónico. Otro testimonio de relevancia es elNihonshoki(Anales de Japón). La poesía está representada por elMan'yōshū(Colección de diez mil hojas),antologíade poemas de diverso signo, con gran variedad temática y estilística, redactado por varios autores entre los que destacanOtomo YakamochiyYamanoue Okura.​
Durante la Edad Media japonesa la literatura continuó bajo el influjo de la china, sobre todo en poesía, donde la mayor producción fue en lengua china, considerada más culta: tenemos así elKaifuso(Tiernos recuerdos de poesía, 751), antología de varios poetas. En época Heian hubo un renacer de las letras japonesas, destacando la narrativa:Genji Monogatari(Relato de Genji), deMurasaki Shikibu, es un clásico de la literatura nipona, describiendo el mundo de la nobleza en un lenguaje sencillo, de tono a veceserótico. La poesía de la época fue compilada en la antología imperialKokinshu, donde se exaltaba preferentemente la naturaleza, escrita enwaka(composición de 31 sílabas). En el período Kamakura la literatura se vio afectada por las constantes guerras feudales, reflejadas en una narrativa de tono pesimista y desolado:Hojoki(Narración de mi cabaña), deKamo no Chomei. Del período Muromachi cabe destacar elTsurezuregusa(Ensayos en ocio), deYoshida Kenkō, y elSannin Hoshi(Los tres sacerdotes), anónimo.​
Durante el período Edo la literatura evolucionó hacia un mayor realismo, generalmente de tonocostumbristay con una sutil venahumorística, como se aprecia en la obra deSaikaku Ihara,Jippensha IkkuyEjima Kiseki. En poesía, la principal modalidad es elhaiku, composición de 17 sílabas, generalmente de tono bucólico, centradas en la naturaleza y el paisaje, destacandoMatsuo Bashō,Yosa BusonyKobayashi Issa. Continuó el género de lawaka, generalmente en chino, representada principalmente porRai Sanyo. En el sigloXIXdestacó el novelistaTakizawa Bakin, autor deSatomi Kakkenden(Vidas de ocho perros).​
En época contemporánea la literatura ha recibido -como en el resto de las artes- la influencia occidental, perceptible desde finales del sigloXIXen el influjo ejercido por autores comoVictor HugoyLev Tolstói, principalmente en novelistas comoMazamune Hakucho,Kafū Nagai,Natsume Sōseki,Morita Sohei,Yasunari Kawabata(premio Nobel de literaturaen 1968), etc. Esta generación se vio truncada con la Segunda Guerra Mundial, donde se impuso una estricta censura. Con posterioridad, las letras japonesas se han visto inmersas en las corrientes vanguardistas, aunque algunos escritores han continuado con el estilo tradicional, comoShōhei Ōka,Hotta YoshieyFukuda Tsuneari. Entre los principales escritores contemporáneos se encuentran:Yukio Mishima,Kōbō Abe,Shintarō Ishihara,Ito Sei,Murō Saisei,Miki Rofu,Satō HaruoyKenzaburō Ōe(premio Nobel en 1994).
Lamúsica japonesatuvo sus primeras manifestaciones en lashonkyoku(«piezas originales»), que se remontan al sigloXIXa. C., así como elmin'yō, cancionesfolklóricasjaponesas. Los ritos sintoístas tenían coros que recitaban un trino lento acompañado de flauta de bambú (yamate-bue) y cítara de seis cuerdas (yamato-goto). La principal modalidad de música y danza sintoísta es lakagura, sobre el mito deAmaterasu, diosa delsol. Se ejecuta con los instrumentos mencionados, y otros como elhichiriki(oboe) y tambores como elo-kakkoy elo-daiko.​
La llegada del budismo comportó la influencia extranjera, surgiendo dos corrientes: lamúsica izquierda, de origen indio y chino; y lamúsica derecha, de origenmanchúycoreano. Estas modalidades empleaban instrumentos como elbiwa(laúd de cuello corto), eltaiko(tambor japonés), elkakko(tambor chino), elshôko(gong), elsô-no-koto(cítara), elkoma-bue(flauta), elhichiriki(oboe), elôteki(flauta travesera) y elshô(órgano soplado). Asimismo había una gran variedad de tipos de música tradicional: dos de los estilos más antiguos eranshōmyō(«hombre gordo que canta») ygagaku(«música graciosa»), ambos provenientes de los períodos Nara y Heian. Adicionalmente, elgagakuse divide ensōgaku(música instrumental) ybugaku(música y danza).​
Durante el período Edo la música fue principalmente de cámara, de tipo profano, desarrollada con diversos instrumentos entre los que destacan elshamisen(laúd de tres cuerdas), elshakuhachi(flauta de bambú) y elkoto(cítara de 13 cuerdas). Elkoto, principalmente, tuvo un gran auge a partir del sigloXVII, siendo popularizado por el músico ciego Yatsushashi. Se tocaba solo, con diversas variaciones (dan) de 52 compases (hyoshi),  o acompañado de voz (kumi).​
Enteatroapareció en el sigloXIVla modalidad denominadanō, drama lírico-musical en prosa o verso, de tema histórico o mitológico. Su origen se sitúa en el antiguo bailekakuray en la liturgia sintoísta, aunque posteriormente fue asimilado por el budismo. Está caracterizado por una trama esquemática, con tres personajes principales: el protagonista (waki), un monje itinerante y un intermediario. La narración es recitada por un coro, mientras los actores principales se desenvuelven de forma gestual, en movimientos rítmicos. Los decorados son austeros, frente a la magnificencia de vestidos y máscaras. Su principal exponente fueChikamatsu Monzaemon.​
Durante el período Edo surgió la modalidad delkabuki, que sintetizó las antiguas tradiciones tanto musicales e interpretativas como de mímica y danza, con temáticas desde las más mundanas hasta las más místicas. Así como elnōera de tono aristocrático, elkabukisería la expresión del pueblo y la burguesía. La puesta en escena era de gran riqueza, con decorados donde destacaba la composición cromática, vestidos de lujo y maquillaje de tono simbólico, representando según el color diversos personajes o estados anímicos. La dicción era de tipo ritual, mezcla de canto y recitativo, en ondulaciones que expresaban la posición o el carácter del personaje.​
Elcine japonésaúna la moderna tecnología con la temática tradicional, con un particular sentidoestéticoque otorga gran importancia a la lírica visual. Introducido en 1896, siempre ha gozado de gran popularidad. En 1908 se crearon los primeros estudios cinematográficos japoneses, destacando con posterioridad laNikkatsu(creada en 1912) y laShōchiku(aparecida en 1920). Desde el principio el cine tomó numerosos préstamos del teatro tradicional japonés, y se dividió en dos tendencias:gendai-geki, de tema contemporáneo, yjidai-geki, de tema histórico. Elcine mudoincorporó figuras como elonnagata, actor que representa un rol femenino, y elbenshi, recitador que comenta la película durante la proyección. Entre los primeros realizadores destacanYasujirō OzuyMikio Naruse. En 1931 se introdujo el cine sonoro, surgiendo la gran figura deKenji Mizoguchi(Las hermanas de Gion, 1936). Con el conflicto chino-japonés se pusieron de moda los filmes bélicos, y durante la contienda mundial el cine fue un instrumento de propaganda nacionalista. En la posguerra se recibió una mayor influencia occidental y vanguardista, con un estilo entre tradicional e innovador que, junto a elaborados guiones, destacaba por su idealización visual y el valor otorgado a lafotografía. El principal exponente de esta etapa fueAkira Kurosawa, autor de obras comoRashōmon(1950),Los siete samuráis(1954),Yojimbo(1961),Dersu Uzala(1975),Kagemusha(1980) yRan(1985). Posteriormente han destacado directores comoNagisa Ōshima,Hiroshi Inagaki,Kon Ichikawa,Masaki Kobayashi,Shohei Imamura,Kinji Fukasaku,Hayao Miyazaki,Takeshi Kitano,Takashi Miike,Mamoru Oshii,Hirokazu Koreeda, etc.​
Japón es el centro productor delmanga, un género dehistorietaque ha tenido gran éxito a nivel internacional desde los años 1980. Se caracteriza por largasepopeyasde gran dinamismo, con abundantes efectos sonoros, teniendo un punto de origen en la tradición gráfica delukiyo-e. Aunque su inicio se vincula a la revistaManga Shōnen(1947), deOsamu Tezuka, sería a finales de los 1980 cuando alcanzaría su mayor repercusión, conAkiradeKatsuhiro Otomo(1982-93) yDragon BalldeAkira Toriyama(1984-95). Desde unos inicios con una estética un tanto infantil, elmangaha evolucionado a un estilo más realista y de tono fotográfico, abriéndose a nuevos géneros y tipologías e incorporando elementossatíricos,humorísticos,terroríficos,violentosyeróticos(hentai). Entre los principales creadores de estos últimos años destacan:Fujio Akatsuka,Tetsuya Chiba,Riyoko Ikeda,Shigeru Mizuki,Gō Nagai,Keiji Nakazawa,Monkey Punch,Tsukasa Hōjō,Ryōichi Ikegami,Masakazu Katsura,Mitsuru Adachi,Jirō Taniguchi,Takehiko Inoue,Eiichirō Oda,Masashi Kishimoto,Masami Kurumada,Naoko Takeuchi,Chiho SaitoyHiro Mashima.​
Japón es uno de los principales países productores devideojuegos, género artístico reconocido enEuropapor los premiosBAFTAy recientemente enEstados Unidospor laNEA. Los videojuegos tuvieron unacrisisen 1983, pero gracias al diseñador de videojuegos japonésShigeru Miyamotolograron salir adelante y siguen formando parte de la cultura contemporánea de Japón. Uno de los primeros éxitos de la industria de videojuegos japonesa fueSpace Invaders, de laCorporación Taito(1978). Posteriormente, la principal productora de videojuegos en Japón ha sidoNintendo, dirigida porHiroshi Yamauchi, que convirtió una pequeña empresa familiar de cartashanafudaen una multimillonaria compañía de videojuegos reconocida mundialmente. Fue Yamauchi quien contrató a Shigeru Miyamoto, y juntos revolucionaron el mundo del videojuego. El primer éxito de Nintendo fue la serieGame & Watch, unas máquinas de tecnologíaLCDque hacían las veces de reloj, ideadas porGunpei Yokoi. En 1983 lanzaron al mercado su consolaFamicom, que obtuvo un gran éxito, y que contaba en su catálogo con juegos como el clásicoDonkey Kong. Posteriormente surgieron videojuegos de tanto éxito comoTennis,Dragon Quest,The Legend of ZeldaoFinal Fantasy. En los años 1980 también surgieron otras empresas -generalmente dedicadas alarcade- comoCapcom,Konami,Irem,Jaleco,SNKoSega. Tras lacrisis de 1983Nintendo reconvirtió la Famicom enNintendo Entertainment System, con la que se lanzó a la conquista del mercado americano y europeo, y que con la nueva creación de Miyamoto,Super Mario Bros., cosechó un gran éxito. Desde entonces, la constante innovación en el mundo de las consolas (Sega Mega Drive,Super Nintendo,Game Boy,PlayStationdeSony,Nintendo DS,PlayStation Portable,Nintendo Wii) han hecho de la industria japonesa una de las principales productoras de videojuegos a nivel mundial.​