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World Trade Center Plaza Sculpture

The World Trade Center Plaza Sculpture, also called Cloud Fortress, was a sculpture created by Japanese artist Masayuki Nagare in 1975. It was located at the World Trade Center complex at the Church Street entrance to the Austin J. Tobin Plaza.
Having survived the September 11 attacks, the sculpture was demolished during subsequent emergency efforts to access and clear the site.
Measuring 14 feet (4.3 m) tall, 34 feet (10 m) wide, and 17 feet (5.2 m) deep, Cloud Fortress was completed in 1975 and depicted an abstraction of two pyramids attached at their bases and tilted upward. Although appearing solid, the work consisted of a veneer of black Swedish granite over a steel and concrete armature.
Nagare incorporated a technique he called 'ware hada', literally cracked skin or broken texture, to feature contrasting polished and rough faces.
The Port Authority allocated up to 1% of the World Trade Center construction cost to the purchase of art for the complex, and established an advisory group to recommend and commission artwork.
Completed in 1975, Cloud Fortress occupied a minor plaza between buildings 4 and 5 that gave access from Church Street to the large Austin J. Tobin Plaza central to the complex of World Trade Center buildings.
The sculpture survived the immediate attacks and collapse of the adjacent buildings, but was demolished several days later by emergency efforts to access and clear the site and provide a stable area for heavy machinery to further access Austin J. Tobin Plaza. Following the sculpture's demolition, its remains were removed from Ground Zero along with the rest of the rubble.
In 2004, Nagare created a one-half replica and named it "Cloud Fortress Jr."("雲の砦Jr."). It is on display at Hokkaido Museum of Modern Art.
Toledo railway station

The Toledo railway station is a railway station in Toledo, Spain, which was designed by architect Narciso Clavería y de Palacios in the Neo-Mudéjar style.
The railway reached Toledo in 1858. The original station was of functional design and was opened on 12 June 1858 by Isabella II of Spain, accompanied by Francisco de Asís, Duke of Cádiz.
The present station opened on 24 April 1919. It was designed to echo the historic architecture of the city. The central section is flanked by two side naves, one of which is adjacent to the clock tower, which imitates the style of Toledo church towers.
The railway company responsible for the construction of Toledo station, the Compañía de los Ferrocarriles de Madrid a Zaragoza y Alicante, also built other stations in Neo-Mudejar style such as that of Aranjuez.
The station has been declared a Property of Cultural Interest and classified as a monument. It was restored in the twenty-first century in connection with the inauguration of the Madrid–Toledo high-speed rail line in 2005. The old line along the Tagus valley in the direction of Aranjuez has been dismantled, and Toledo no longer has a conventional line.
手水

手水（ちょうず、てみず）とは、神社や寺院において参拝前に手や口を清める水、またはその行為のことである。それを行う施設を手水舎（ちょうずや、てみずや）という。
なお、「ちょうず」の名は「てみず」の転訛で、ウ音便化を含む規則的な変化（テミヅ → テウヅ → チョーズ ）によるものである。
一般的には次の通り。
手水の起源は、神道に由来し、聖域を訪れる際に周辺に流れる河川の水や湧き水で身を清めていたことにはじまる。その名残は、伊勢神宮の御手洗場などで見られる。時代が変化するにつれ、河川の水質が汚染され、清流や湧き水の確保が困難になったことから、それに代わる施設として手水舎が併設されるようになっていった。
新型コロナウイルスの感染拡大防止のため手水舎の使用を自粛する動きに伴い、使わなくなった手水舎を花々で飾る「花手水（はなちょうず）」という文化が広がってきた。
手水舎（ちょうずや・ちょうずしゃ・てみずや・てみずしゃ）は、参拝者が身を浄めるために手水を使う施設のことである。水盤舎（すいばんしゃ）、御水屋（おみずや）とも呼ばれる。神社、寺院の参道脇または社殿脇に置かれ、参詣者が手や口を漱ぎ清める。多くの手水舎は、四方転びの柱が用いられ、四方吹き放しとなっており、その中に水盤が据え付けられている。柄杓が置かれており、それを使用する。柄杓にすくった一杯分の手水を使い、一連の所作を行う。
2010年代末から、手水に花を浮かべる「花手水」が広まっている(花手水の原義とは異なる→#水を用いない手水)。境内の花や生花店で売れ残った花などを利用している。花はアジサイのほか、ヒマワリ・バラ・キクなど季節の花が用いられる。
手水に花を浮かべる取り組みは、奈良県の岡寺(2015年～)や愛知県の御裳神社が先んじて行っていたが、2018年、京都府の楊谷寺の住職の妻が「花手水」と名付けSNSに投稿。同年12月、楊谷寺の花手水の写真がTwitter上で話題になり広く認知されるようになったことから、同寺が花手水の始まりとされることもある。2020年以降、新型コロナウイルス感染症対策として使用を中止している手水舎や手水鉢を利用して、各地の寺社が花手水を実施するようになった。
花手水に着想を得て、寺社以外でも池や水路に花を浮かべるイベントが開催されている。
神道には水を用いない手水がある。これは野外や冬季などの神事で水がない場合などに行うもので、草木の葉や花や雪等で手をこすって清めをするものである。「花手水」「芝手水」「草手水」「雪手水」などと称する。また、力士は「塵手水」を行う。なお、神道には、「手水用具」がある。すなわち、桶、桶台、水受、柄杓、拭紙などである。
手水鉢

手水鉢（ちょうずばち）とは、手を洗う水を湛えるための器・鉢を指し、常時、清潔な水が注がれ縁から溢れる。元来は神前や仏前で口をすすぎ、身を清めるための水を確保するためのものである。
その後、茶の湯にも取り入れられ、露地の中に置かれるようになり、蹲踞（つくばい）と呼ばれる独特の様式を形成していった。
底に排水孔を持つ手洗い鉢・器とは異なる。
自然石のもつ野趣を重視して作られたものでわび・さびなどの茶道の精神を具現化しているとも言える。自然石の形状は千差万別なので、以下は一例である。
打ち捨てられた、燈籠や塔の部分を利用して作った手水鉢を見立て、古びた風合いが「わび・さび」を感じさせるものになっている。
江戸時代になると露地に手水鉢が不可欠のものと見なされるようになり、天然自然のものを利用したものから、露地の手水鉢の用途のためにデザインされて作られたものが登場するようになった。「手水鉢」といわれているものの多くがこの区分に入るものであり、「名園」「名庭」の「名品」の模倣が多く出回っている。
塵手水

塵手水（ちりちょうず）は、大相撲の力士の取組前の礼法にみられる基本動作の一つ。蹲踞の姿勢で揉み手をしてから拍手を打ち、両手を広げた後、掌をかえすもの。「塵浄水」と表記するものもある。「塵（ちり）を切る」とも言う。
相撲の取組において力士は土俵で向かい合い、蹲踞の姿勢で両手を擦り合わせてから、ちりを切る。
具体的には以下の手順をとる。
元々は相撲が野外で行われていた名残とされ、地面のちり草をちぎって（あるいは下草に付いた露で）手を清めたことに由来し、取組前に、互いに手に何も隠し持っていないこと（＝寸鉄帯びず）を確認しあったことが、その起源とされている。相撲に特有な礼法であるが、柔術で行われていた「指建礼」とよく類似しているとされる。
なお、塵手水の所作が横綱土俵入りにも混同して導入され、腕を伸ばす際に掌を返すしぐさを行う横綱が多いという指摘がある。
つくばい

つくばい（蹲踞、蹲）とは、日本庭園の添景物の一つで露地（茶庭）に設置される。茶室に入る前に、手を清めるために置かれた背の低い手水鉢に役石をおいて趣を加えたもの。
手水で手を洗うとき「つくばう（しゃがむ）」ことからその名がある。
元々は、茶道の習わしで、客人が這いつくばるように身を低くして、手を清めたのが始まりである。
茶事を行うための茶室という特別な空間に向かうための結界としても作用する。
一般に、使用するのにつくばう必要のある高さのものをつくばいと言うが、茶室に添えられる本格的なつくばいは、「手水鉢（水鉢）」を中心に、「前石」「手燭石」「湯桶石」（この3つの石を“役石”という）、「水門（海）」で構成されている。
建物の縁側で手水を使うために置かれた手水鉢を縁先手水鉢、または飾り鉢前といい、つくばいと違い縁側で立ったまま使用する。そのため手水鉢は背の高いもの、あるいは背の低いものは台石に乗せたものを選ぶ。
縁先手水鉢の役石には以下のものがある。
これらの役石の置き方は設置場所が縁側の左端か右端か、袖垣の近くかで左右が逆になる。 なお縁側から鉢までの距離は75 cm程度がよいとされる。
つくばいに付随する小道具には次のようなものがある。
神事

神事（しんじ、かみごと）とは、神に関する儀式。神前での祈りや神に伺いを立てることなどで、特定の宗教の神と結びついたものが多い。「じんじ」とも言った。
宗教に従事する専業者が行うものと、一般民衆の行事になっているものがある。一般民衆の行事となるものには、生活に結びついた行事であり、農業、商売などそれぞれの生業に基づく現世利益、生活の安定を求めるものが多い。またこの場合、様々な宗教や土着の信仰などが合わさった行事が並列的、複合的に行われることも多い。
神道における神事は「信仰そのもの」であり、行為のすべてが神事であるといっても過言ではない。古神道における自然物の神体や祠・塚や道祖神・地蔵などに手を合わせたり、感謝したり、お供え物を奉げれば、それら全てが「かんなぎ・神なぎ」であり、そのほかの古神道などが由来の庶民的な行事である祭や禊（みそぎ）・祓い（はらい）なども神事である。また、「詣で」の行い全てが神事であり、禊や祓いであるとされ、その身支度や往来や宿泊もそういった意味では神事になるともいえる。
神社神道の神職や巫女などによって行われるものは、日々の勤しみとしての祝詞奏上や神楽があり、これらは祈りとしての祀りであり巫（かんなぎ）でもある、個人の祈願祈念として祓いや地鎮祭などは、神社に依頼して神職によって行われる。神仏習合といった他宗教との習合や影響で、神道の神事には密教・仏教を初めとして時には儒教など、特に道教の陰陽五行思想などを由来とするものもある。
固有の生業（職業）に伝わる神事としては、一次産業とされる農林水産業に雨乞いや農耕（稲作信仰や米作りは神事）や漁り（いさり）や土地や海の豊饒（ほうじょう・肥える・栄養豊かな海）や収穫の豊穣（ほうじょう・実り豊か）や狩りとしてのマタギなどの神事として始まり、時代とともに「勤しみ（いそしみ）」や営み（いとなみ）が神聖視され、二次産業とされる加工業として鍛冶・たたらや酒造・醸造や建築・土木などの職業にも神事が行われるようになった。現在も作業の行程の節目で神棚などに、独自の儀式で神事を行う職業が多くある。
普段、意識しないが、大相撲は皇室神道として天皇に奉げられる神事であり、相撲は神社神道として、その地域の五穀豊穣・無病息災などを祈願祈念した神事である。
現在では祭りの準備をする日と認識されているが、祭りの前日を「宵宮」と呼び、本来は神の降臨を仰ぐ祭りの中心となる日である。一切のケガレを払った状態で氏子一同が神社に篭もり、夜通し神をもてなす。これを「いごもり（居籠り、忌籠り）」という。
神を供応する形式の祭では、依り代を立てて神を迎える行為や送る行為、神幸に関する行為、神饌を献ずる行為や直会などを神事とすることが多く、最も重要な神事は神職や巫女、稚児などが神意を伺う行為であることが多い。
神意を伺う行為には間接的なものもあり、神前での相撲などの結果如何で吉凶を占う神事もある。このような行為の宗教的な意味合いは強く意識されていないが、同じようなものが多くあり、流鏑馬、競馬（くらべうま）などの競技や、物や動物を使ったものがある。
演舞も神事であることが多く、神楽が神事舞の代表的なもので、巫女の舞、獅子舞などがある。このほか能楽などの伝統芸能にも神事の要素がある物が多い。
神事においては諏訪大社のように生きた動物を串刺しにするなどの動物利用が行われることがある。日本国内アンケートによると、「伝統行事や神事における生きた動物の利用」について、13.6％が許容できる、3.9％がある程度許容できる、36.1％がどちらともいえない、15.1％があまり許容できない、11.3％が許容できないと回答している。
文化的景観

地理学、生態学、遺産研究などにおける文化的景観（ぶんかてきけいかん、英語: Cultural landscape）とは、人間が自然とともに生み出した景観を指す。景観とは既に現存する自然や人工の要素の集合体ではなく、自然と人為が関係しあっている様子、すなわち文化をも表現するという見方で、歴史的景観と表裏一体となっている。共存とは、庭園等の様に人間が自然の中に作り出した景色、あるいは田園や牧場のように産業と深く結びついた景観、さらには自然それ自体にほとんど手を加えていなくとも、人間がそこに文化的な意義を付与したもの（宗教上の聖地とされた山など）が含まれる。
特に、世界遺産委員会の定義によれば、「自然と人間の組み合わせた作品を表す文化財」のことをいい、以下の三要素に分類される。
ユネスコの世界遺産委員会は、1992年に「世界遺産条約履行のための作業指針」に、文化的景観の概念を盛り込んだ。分類上は文化遺産だが、自然的要素に特筆すべき点がある場合には複合遺産となる。
文化的景観を理由に登録された世界遺産の第1号は、トンガリロ国立公園（ニュージーランド）である。この物件は1990年に自然遺産として登録されていたが、マオリの信仰の対象としての文化的側面が評価され、1993年に複合遺産となった。
以降、文化的景観を登録名に関した物件は、「石見銀山遺跡とその文化的景観」（日本）、「スクルの文化的景観」（ナイジェリア）、「バーミヤン渓谷の文化的景観と古代遺跡群」（アフガニスタン）、「シントラの文化的景観」（ポルトガル）など枚挙に暇がない。また、登録名に文化的景観と冠していなくとも、「アルト・ドウロ・ワイン生産地域」（ポルトガル）や「フィリピン・コルディリェーラの棚田群」などの農業景観、巡礼の道として登録された「紀伊山地の霊場と参詣道」（日本）、国立公園であるにもかかわらず文化遺産として登録されている「シンクヴェトリル国立公園」（アイスランド）や「ホルトバージ国立公園」（ハンガリー）などは、いずれも文化的景観の範疇に属する。
逆に、1992年以前には文化的景観を理由とする登録は存在しなかったが、「ヴェルサイユの宮殿と庭園」（フランス）、「メテオラ」（ギリシャ）など、もしもその概念が存在していたならば、適用されていた可能性がある物件は複数存在している。
以下では世界遺産センターが公表している文化的景観のリストを基準にしつつ、世界遺産関連書籍でそのように位置づけられているものも含めている。
日本では、2005年4月1日に施行された改正文化財保護法第2条第1項第5号によって、文化的景観に関する規定が新たに盛り込まれ、文化庁内に設置された文化的景観の保存・整備・活用に関する検討委員会は「風土に根差し営まれてきた生活や生業を表す景勝地」との観点から、一次調査で農林水産業に関する候補地2311ヶ所を選出し、二次調査で502、最終調査で180に絞り込んだ後、66件を重要地域とし、その中から重要文化的景観を選定している。現在は一次産業が主体であるが、将来的には例えば工業地帯やニュータウン・商店街のような分野への応用も視野に入れている。
水琴窟

水琴窟（すいきんくつ）は、日本庭園の装飾の一つで、手水鉢の近くの地中に作りだした空洞の中に水滴を落下させ、その際に発せられる音を反響させる仕掛けで、手水鉢の排水を処理する機能をもつ。水琴窟という名称の由来は不明である。同系統もしくは同義の言葉に洞水門（）がある。伏鉢水門（）、伏瓶水門（）、摺鉢水門（）ともいう。
『桜山一有筆記』には、小堀政一（別名小堀遠州）が18歳の時に以下のような水琴窟を造り、古田重然を驚かせたという逸話が登場する。
『桜山一有筆記』には、「洞水門、摺鉢水門は遠州より初まりし事也」と記されている。
江戸時代に庭園の設備として用いられるようになり、明治時代には盛んに用いられたが次第に廃れていった。1980年代に新聞やテレビ番組で取り上げられたことをきっかけにその存在が広く知られるようになった。
水琴窟は手水鉢の近くに設けられた地中の空洞の中に手水鉢の排水を落とし、その音が地上に聞こえるように設計される。この時、排水は滴水化して落とす。具体的な過程としては、縦穴を伝って流れ落ちた水が水滴となって空洞の底面に溜まった水に落ち、その際に発せられた音がヘルムホルツ共鳴によって増幅され、縦穴を通して外部に漏れる。
多くの場合、空洞は瓶を逆さにして地中に埋めることによって作りだされる。空洞の形状には吊鐘形（円柱形、上部は半球形）、銅壺形（角柱形、上部は水平もしくは若干反った形）、龕灯形（円柱形、上部はが大きく反った形）がある。東京農業大学教授の平山勝蔵によると、音響面の効果は吊鐘形が最も大きい。より大きな効果を得るための方法としては吊鐘形の空洞を二重に設ける、空洞の側壁の裏側に隙間を造り出すといった方法がある。空洞の幅と深さの関係のバランスによって音の質に違いが生じる。空洞の側面および上部は石・陶器・金属などによって造られ、側面には土留が設置される。底部は丸小石、割石、煉瓦、瓦などによって造られる。滴音の反響を大きくするには底部に水を溜める工夫をする必要がある。空洞の上部には水を落とし、さらに音を空洞の外部に漏らすための縦穴をあける。平山はこの縦穴の寸法について、「内法3cm、深さ3cm」が最適としている。水が空洞の壁を伝って流れ落ちないようにするため、縦穴の下端には水切りを用意する必要がある。縦穴の上部は方形または円形かつすり鉢状に整形される。この部分は流れ落ちる水の量および勢いが必要以上のものとなることを防ぐための堤防の機能をもち、滴音が一定に保たれる。
伝統的な水琴窟は茶室前の蹲踞（つくばい）に併設されることが多い。空洞の中に溜まる水の量を一定に保つ（溜まり過ぎた水を排出する）ため、底には排水管が設けられる。瓶を使用する場合、その底（空洞の頂上部）には穴が開けられ、地上から水を導くための管が取り付けられる。
以下、現代における瓶を用いた構築方法の一例について述べる。
まず、瓶の底に穴を開ける。次に逆さにして地中に埋めた際に水が溜まるよう、瓶の口を塞ぐ。方法は8分目まで砂を入れ、その上にモルタルを流し込み、それが固まった後で水を注いで砂を流しだす。その際に排水管も取り付ける。なおモルタルで口を塞がない場合については#穴の中に瓶を入れるの節で述べる。
次に瓶を埋めるための穴を掘る。一般に、穴の底には排水管を通して流れてきた水を自然排水するための層（排水層）を作る。具体的には一番下に栗石（川原などの石）などを敷き、その上に砂を入れる。砕石や瓦を入れてもよい。その上に瓶を置くため、砂の層は水平にする。別途排水設備を備え付ける場合には排水層を設けず、直接瓶を逆さにして入れてもよい。なお、掘った穴が崩れるのを防ぐため、井戸枠を入れる場合もある。井戸枠と穴の壁との間の隙間は土などを入れて突き固める。
次いで穴の中に瓶を逆さに入れる。この時、砂の中に瓶が埋まらないように、砂の上にコンクリートブロックなどを置き、その上に瓶を乗せるようにする。瓶を置いた後は、瓶と穴の壁（もしくは井戸枠）の隙間に砕石を入れる。砕石は瓶の底（空洞の天井部）と同じ高さまで入れる。その後はネットを引きその上に砂利を敷く。この際、瓶の底の穴管を通すなど、排水が水滴となって瓶の中へ落ちるための工夫を施す。工夫を施さない場合、水は瓶の側面を伝うだけで水滴とならない場合がある。また、砂利などが穴の中に落ちないようする。
ちなみに瓶の口をモルタルで塞いでいない場合の瓶の置き方には以下のようなものがある。
この後、手水鉢を設置する。水琴窟に流れ込む排水の量が多すぎると良い音が出ない場合があるので、水琴窟の口とは別の排水口も設置する。
水琴窟の音は、地中に作りだされた小さな空洞の中に水滴を落とした際に発生する音で、音を空洞内で反響させ、地上に漏らしたものである。音が小さい場合、聞くための竹筒などを設置してある場合もある。
平山勝蔵によると、水琴窟の音は底部に溜まった水の深さに影響される。平山は深さが深ければ「静的な深みのある音」が、浅ければ「騒的な軽い音」が出、水琴窟内部の空洞の高さの1/10ほど水が溜まった際に「清楚にして中和せる」、最良の音が出る。また、水滴が底部の中心部に落ちると「正確にして且豊か」で、中心から外れるほど「繁雑にしてかつ貧しきものとなる」。
瓶を用いる場合、天井入り口周辺の裏側にわざと規則的に凹凸を作ることによって、より大きな水滴ができる。大きな水滴が落ちる時に生じる、従水という「小さな水滴」が「大きな水滴」に追随して共に落ちていく事で、大きな水滴が水面に生んだ椀状ドームの中に小さな水滴が落ちて、ドームと瓶の中で音が反響し、より綺麗な音が鳴るとされている。
水滴の落ち方にはいくつかの種類がある。まず、間欠的な落ち方と連続的な落ち方があり、間欠的な落ち方には滴水の間隔が1秒ほどのもの（短間欠的点滴）と2秒以上のもの（長間欠的点滴）とがある。また、水滴が1箇所から落ちる場合（一条点滴）と2箇所または3箇所から落ちる場合（二条点滴、三条点滴）とがある。これらは水量で調整される。
水琴窟の音は「極めて静穏な庭園」において、縦穴の上部から半径2m以内の地点で明瞭に、半径4m以内の地点で比較的明瞭に聞き取ることができる。
現代では、伝統にこだわらず、様々なバリエーションの水琴窟の制作が試みられている。たとえば以下のような例がある。
上記のいくつかを兼ね備えた例として京都駅ビルにあった水琴モニュメント「火の鳥水時計」や名古屋駅ビル12階にある水琴モニュメント、洲本市民広場にあるモニュメント「くにうみの刻」が挙げられる。
参道

参道（さんどう）とは、日本において神社や寺院に参詣するための道のことである。
参道は、一般的に、影響力がある神社や寺の周辺で、自然発生した鳥居前町・門前町と合わせて認識されている場所も多く、どの範囲を「参道」と呼ぶかは、場所によって異なり、それぞれの場所の慣習による。
狭義には、鳥居や山門などの結界内の通路のみを示すが、広義には街道筋など人通りの多いところから社寺に至る道の全てを意味する。複数の参道が存在していた社寺も多数存在する。その場合、一番主要な参道は「表参道」などと呼ばれることが多い（たとえば東京明治神宮付近の「表参道」（東京都道413号赤坂杉並線）は、現在では国道246号となっている矢倉沢往還・大山街道と明治神宮をつなぐ、明治神宮にとっての主要参道のことであり、渋谷区神宮前地域の地域名となって定着してもいる）。
また、参詣のために街道筋が捻じ曲げられて社寺に近づいていたところなども、珍しくはなく、その捻じ曲げられた周辺の街道筋をも「参道」と呼ぶ場合がある（例→小金宿：水戸街道が本土寺への参詣の便のためにねじまげられていた事例）。
参道にある灯籠、常夜灯はもともとは仏教寺院のものであり、平安時代以降、神社にも浸透したものである。また参道に敷かれる玉砂利は、玉が「たましい（魂）」「みたま（御霊）」「美しい」という意を持ち、砂利は「さざれ（細石）」の意を持ち、その場を清浄する意味を持っている。敷くことによってその場所を祓い清める意味があり、なお参道を進み清浄な石を踏みしめて本殿に進むことによって、汚れた身を清め心を鎮めて、最高の状態で祈りが出来るようにしてある。
間々観音

間々観音（ままかんのん）は、愛知県小牧市間々本町にある浄土宗の寺院である。正式な寺号は「龍音寺」（りゅうおんじ）で、山号は「飛車山」である。「間々乳観音」（ままちちかんのん）とも。
尾張三十三観音の第二十四番札所であり、かつ尾張西国三十三観音の第五番札所でもある。本尊の千手観音像には授乳の願いに御利益があるとされていて、日本唯一の"お乳のお寺"として知られる。
創建は1492年（明応元年、永正年間の説もあり）。元々小牧山にあったが、織田信長の命令によって現在地に移されたといわれている。
尾張徳川家の菩提寺である建中寺から移築された山門があるほか、女性の巨大な乳房をかたどった手水舎・線香立てが設置されている。また、観音堂横には女性の乳房をかたどった絵馬がたくさん奉納されている。
甲山寺

甲山寺（こうやまじ）は、香川県善通寺市にある真言宗善通寺派の寺院。医王山、院号は多宝院と号す。本尊は薬師如来。四国八十八箇所第七十四番札所。甲山（かぶとやま）の麓に位置する。
伝説では、壮年期の空海が寺を建立しようと幼きとき遊んだこのあたりを探索していると老翁が現れ、この地にお寺を建立すべしとお告げをした。この地の岩窟に住む毘沙門天の化身と悟った空海はこの岩窟に毘沙門天を祀った。 その後、嵯峨天皇の勅命を受け別当として満濃池の修築を命じられた空海は、この地で薬師如来を刻み修法すると数万の人々が集まり、無事に築造を完成に導いた。弘仁12年（821年）その功績に対して朝廷から二万銭が与えられ、その一部によって堂を建立したのが当寺の始まりであるという。
天正年間の兵火により本尊とわずかの寺宝が残ったのみで、『四国徧礼霊場記』（1689年刊）には、「むかし大伽藍の所といえども荒涼せり盛衰は世の数ある・・」と記されている状況であったが、享保20年（1730）に本堂、寛保2年（1742）に大師堂が再建され、『四国遍礼名所図会』（1800年刊）の挿絵では現在の形に近い形に復興している。
甲山（標高87.2 m)には、室町時代に天霧城の出城があったと云われていて、山頂に石舞台跡があり、頂上には神武天皇孝明天皇震儀石がある。また、当寺から山頂に向かう山道には江戸時代末期に開かれたという西国三十三所の石仏が並んでいる。
山門をくぐり右に手水舎を越え、左に曲がり中門をくぐると右手に納経所、わずかな石段を上がると本堂その右の続に護摩堂、左に数段上がると大師堂があり、鐘楼がその先にあり、その向こうに毘沙門窟入口があり、中に毘沙門天の石像が祀られている。
一宮寺

一宮寺（いちのみやじ）は、香川県高松市一宮町にある真言宗御室派の寺院。神毫山（しんごうざん）、大宝院（だいほういん）と号す。本尊は聖観音菩薩。四国八十八箇所第八十三番札所。讃岐国一宮の田村神社に隣接する。
寺伝によれば、義淵により法相宗の寺院として大宝年間（701年 – 704年）に建立され、年号にちなみ大宝院と称したと伝えられる。そして、和銅年間、諸国に一の宮が制定された際、讃岐一宮・田村神社の第一別当として行基が堂宇を改修し一宮寺と改めたという。その後大同年間（806年 – 810年）に空海（弘法大師）が伽藍を整備し、106 cmの聖観世音菩薩像を刻んで安置し、真言宗に改宗した。
1574年（天正2年）の阿波三好軍と香西氏との兵火により焼失するも、宥勢大徳により中興される（『南海治乱記』）。当寺のホームページでは長曾我部元親の軍により焼失となっているが誤りである。寺の由緒を記した『讃岐一宮盛衰記』に於いても長曾我部の統治下にあるときは領地はそのままに安泰としてもらっていたところ、秀吉に領地を没収されたと記されているが現代の一宮は他の寺と同じく長曾我部に焼かれたと言う話に改竄している。四国の寺はこのように天正期に長曾我部に焼かれたとの伝聞を後の世になって創作している例が多いので注意が必要である。
延宝7年（1679年）に時の高松藩主である松平頼常によって田村神社が両部神道から唯一神道に改められたため当寺以外に12あったと云われる宮寺は廃止される。唯一存続を許された当寺は、それまで神社とは一体で同一場所にあったが、分離され現在地に移転、別当寺は解職され、本地仏であった聖観音像は当寺の本尊となり、一国一宮として選ばれていた神社の四国八十八箇所83番札所は当寺が引き継いだ。 明治初期の神仏分離より200年も早く神仏の分離が行われ現在に至る。
通常は仁王門とは反対の裏側にある西門の前に駐車場があるので、そこから入っていくと本堂左手に至り、大師堂は本堂の右側にあり、護摩堂は大師堂の左にある、納経所は本堂から仁王門に向かうと左手にあり、鐘楼は右手にある。一宮御陵は手水舎の背後にある。
龍安寺

龍安寺（りょうあんじ）は、京都市右京区龍安寺御陵ノ下町にある臨済宗妙心寺派の寺院。大本山妙心寺の境外塔頭。山号は大雲山。本尊は釈迦如来。開基（創建者）は細川勝元、開山（初代住職）は義天玄承である。有名な石庭で知られる。「古都京都の文化財」として世界遺産に登録されている。
もともと衣笠山山麓に位置する龍安寺一帯は、永観元年（984年）に建立された円融天皇の御願寺である円融寺の境内地であった。円融寺は徐々に衰退し、平安時代末には藤原北家の流れを汲む徳大寺実能が同地を山荘とした。
この山荘を細川勝元が譲り受け、宝徳2年（1450年）敷地内に龍安寺を建立した。初代住職として妙心寺8世（5祖）住持の義天玄承（玄詔）を迎えた。義天玄承は師の日峰宗舜を開山に勧請し、自らは創建開山となった。創建当初の境内地は現在よりはるかに広く、京福電鉄の線路の辺りまでが境内であったという。
細川勝元らと山名宗全らが争った応仁の乱の際、細川勝元は東軍の総大将だったため、龍安寺は西軍の攻撃を真っ先に受け、応仁2年（1468年）に焼失した。勝元は寺基を洛中の邸内に一時避難させた後、旧地（現在地）に戻すが、勝元は文明5年（1473年）に没す。
長享2年（1488年）勝元の子・細川政元が龍安寺の再建に着手、政元と四世住持・特芳禅傑によって再興された。寺では特芳を中興開山と称している。明応8年（1499年）には方丈が上棟された。その後、織田信長、豊臣秀吉らが寺領を寄進している。
『都名所図会』（安永9年（1780年）刊行）によると、当時は龍安寺の鏡容池はオシドリの名所として紹介されており、今日有名な石庭よりも、池を中心とした池泉回遊式庭園の方が有名だったようである。
寛政9年（1797年）に京都町奉行へ提出された図面には23か寺の塔頭があったが、同年に起こった火災で食堂、方丈、開山堂、仏殿など主要伽藍が焼失した。そのため、塔頭の西源院（せいげんいん、現在は妙心寺の塔頭）の方丈を移築して龍安寺の方丈とし、現在に至っている。
その後、明治時代初期の廃仏毀釈によって衰退し、1895年（明治28年）には狩野派の手による方丈の襖絵90面が他の寺院に売却されている。
1929年（昭和4年）に火災により一部を焼失した。
1951年（昭和26年）7月11日、京都府一帯を襲った集中豪雨により裏山が崩壊。濁水が石庭に流れ込み赤土に覆われる被害が出た。
1975年（昭和50年）にイギリスの女王エリザベス2世とエディンバラ公フィリップが日本を公式訪問した折、5月10日午後、方丈庭園（石庭）に立ち寄った。
1994年（平成6年）ユネスコの世界遺産「古都京都の文化財」に登録された。
上記にある狩野派による方丈の襖絵90面であるが、他寺に売却された後、再び売りに出され、九州の炭坑王・伊藤伝右衛門により買い取られている。その後、第二次世界大戦後に流出してしまい、その多くは所在が分からなくなっている。現在はアメリカのメトロポリタン美術館やシアトル美術館に襖絵の一部が所蔵されているのが分かっている。
そんな中、所在不明となっていた襖絵のうち2010年（平成22年）に「群仙図」4面と「琴棋書画図」2面がアメリカのニューヨークでオークションに出品され、龍安寺が買い戻している。また、2018年（平成30年）には「芭蕉図」9面が、静岡県のコレクターを経て、龍安寺が買い戻している。
なお、鏡容池の周囲には西源院以外にもいくつか塔頭寺院があるが、それらは現在は龍安寺の塔頭ではなく、妙心寺の境外塔頭となっている。
方丈庭園（国の史跡・特別名勝）、いわゆる「龍安寺の石庭」である。白砂の砂紋で波の重なりを表す枯山水庭園の特徴を有する。
幅25メートル、奥行10メートルほどの空間に白砂を敷き詰め、東から5個、2個、3個、2個、3個の合わせて15の大小の石を配置する。これらの石は3種類に大別できる。各所にある比較的大きな4石はチャートと呼ばれる龍安寺裏山から西山一帯に多い山石の地石。塀ぎわの細長い石他2石は京都府丹波あたりの山石。その他の9石は三波川変成帯で見られる緑色片岩である。
寺伝では、室町時代末期（1500年頃）特芳禅傑らの優れた禅僧によって作庭されたと伝えられるが、作庭者、作庭時期、意図ともに諸説あって定かではない。塀ぎわの細長い石には「小太郎・□二郎」と刻まれており、作庭に関わった人物と推測されるが、詳細は不明である。
この庭は石の配置から「虎の子渡しの庭」や「七五三の庭」の別称がある。「虎の子渡し」とは、虎は、3匹の子供がいると、そのうち1匹は必ずどう猛で、子虎だけで放っておくと、そのどう猛な子虎が他の子虎を食ってしまうという。そこで、母虎が3匹の虎を連れて大河を渡る時は次のようにする。母虎はまず、どう猛な子虎を先に向こう岸に渡してから、いったん引き返す。次に、残った2匹のうち1匹を連れて向こう岸に行くと、今度は、どう猛な子虎だけを連れて、ふたたび元の岸に戻る。その次に、3匹目の子虎を連れて向こう岸へ渡る。この時点で元の岸にはどう猛な子虎1匹だけが残っているので、母虎は最後にこれを連れて向こう岸へ渡る、という中国の説話（虎、彪を引いて水を渡る）に基づくものである。
また、「七五三の庭」とは、東から5、2、3、2、3の5群で構成される石組を、5と2で七石、3と2で五石、そして3で三石と、七・五・三の3群とも見られることによる。古来より奇数は陽数、すなわちおめでたい数とされ、その真ん中の数字をとったものである。
この石庭は、どの位置から眺めても必ずどこかの1つの石が見えないように配置されている。どこから鑑賞しても庭石が1個見えないようになっているのは、ある石に別の石が重なるよう設計されているためで、日本庭園における「重なり志向」を表したものともいわれている。
寺の南側には広大な鏡容池があり、周囲は池泉回遊式庭園になっており、年間を通じて四季それぞれの花を楽しめる。境内北側には庫裡、方丈、仏殿などが建ち、これらの西側には「西の庭」がある。有名な石庭は方丈南側にある。
土佐国分寺

土佐国分寺（とさ こくぶんじ）は高知県南国市にある真言宗智山派の寺院。摩尼山（まにざん）、宝蔵院（ほうぞういん）と号す。本尊は千手観世音菩薩。四国八十八箇所二十九番札所。札所寺院としては単に国分寺と称するのが通例である。国の史跡に指定されている。
聖武天皇が発した「国分寺建立の詔」により全国に建立された国分寺（金光明四天王護国之寺）の一つである。当寺は寺伝によれば天平13年（741年）に行基が千手観世音菩薩を刻み本尊として安置し開創したとされる。その後弘仁6年（815年）空海（弘法大師）が毘沙門天を刻んで奥の院に安置、また、星供の秘法を修めたことから、当寺は星供の根本道場となり、大師像は「星供大師」と呼ばれている。そして、その頃真言宗の寺院となったという。史実としては、『続日本紀』に天平勝宝8歳（756年）、土佐を含む26か国の国分寺に仏具等を下賜したことがみえるため、この年以前には創建されていたとみられる。
国分寺周辺は古代から中世まで土佐国の国府の所在地であり、「土佐日記」の作者紀貫之も国司として4年間当地に滞在した。国府の中心である国庁は国分寺から徒歩15分の位置にあり、かつてその近くにあった土佐国総社は現在当寺境内に移されている。
寺はたびたび兵火に遭ったが、永禄元年（1558年）には長宗我部国親、元親によって金堂が再建。明暦元年（1655年）に土佐藩2代藩主山内忠義が山門を寄進した。大正11年（1922年）に境内全域が国の史跡に指定されている。
山門をくぐって進んでいくと右側に手水場、鐘楼が、左手に開山堂がある。正面奥に本堂が建ち、その左に大師堂がある。この前に酒断地蔵がある。鐘楼の先を右に入ると中門があり、突き当りに光明殿、左に庫裏・納経所がある。
湯円

湯円（繁体字：湯圓、簡体字：汤圆、拼音: Tāngyuán タンユェン）は、中国の伝統的な小吃のひとつで、もち米を丸めて作り、冬至や春節の風物詩的な食品である。
現在中国に湯圓の発音は「タンユェン」に似ているが、日本には漢字音読みの「タンエン」と読んでいる人も多い。
湯円は中国の伝統的な小吃のひとつで、もち米を丸めて作り、冬至や春節の風物詩的な食品である。呉語では「湯糰」、莆仙語では「丸囝」、台湾語では「圓仔」（îⁿ-á）、客家語では「粄圓」と呼ぶ。通常は紅白の二色で、餡はゴマとアズキで作る甘いもの（甜湯圓）と肉で作る塩辛いもの（鹹湯圓、簡体字では咸汤圆）がある。
中国の華北地方・東北地方では、湯円と似た「元宵」（ユェンシャオ）が作られて、春節または元宵節に食される。これは湯円に似ているが、湯円は手でこねて作るのに対し、元宵は丸い餡を白玉粉の入ったざるに入れ、ざるごと揺らして作ったものである。また、日本でも湯円、元宵と似た「白玉」が作られていて、広く食される。
呉語では湯糰といい、寧波のものが特に知られている。白玉粉、ゴマ、ラード・砂糖・粉末黒ゴマを合わせた餡を合わせて作る。色は白く、粘らないものが有名である。現在、寧波の近隣ではこの製法が多く取り入れられている。缸鴨狗などの店が知られている。
四川地域では湯圓と称される。毎年、春節の時期に食べられている。特に旧暦の元日と15日の両日を象徴する食べ物である。湯円は甘いものと塩辛いものがある。甘いものは黒砂糖やブラウンシュガーを使い、落花生、クルミ、ゴマ、バラなどを加える。塩辛いものは外見を扇形にし、肉、葱、生姜などで餡を作る。
湯圓又は𥻵と称する。作り方は元宵と湯円の間にあたり、もち米で作った粉を湿らせてこねて作る。餡は無く、魚を煮たものを入れる。食べるときに小麦粉、黒ゴマ、砂糖、落花生粉などをまぶす。冬至の朝、湯円と福橘を祖先にお供えし、その後、一家全員で朝食として食べる。
比較すると小さく、餡も入っていない。通常、黒砂糖と水を加えて煮るか、野菜と肉類などの材料を煮て鹹湯円を作る。
中国北部では、湯円と似たものが「元宵」（ユェンシャオ）と呼ばれている。これは元宵節（旧暦正月の15日目）に食される習慣である。
日本では、似た製法で「白玉」が作られている。一説には鎌倉時代に中国の渡来僧が「湯円」をもたらしたと言われる。
タニマチ

タニマチ（谷町）は、相撲界の隠語で、ひいきにしてくれる客、または後援してくれる人、無償スポンサーのこと。プロレス界などといった他のスポーツ、また歌舞伎界や演歌界、宝塚歌劇団を中心に芸能界でも幅広く使われる。
主にひいきにしている力士やスポーツ選手、歌手などの芸能人に多額の援助という形で後援し、後見人的立場となっている人物のこと。援助の形態としては繁華街等での豪遊における金銭負担から、本業における多人数分のチケット費負担及び人数動員による客集め、私生活での金銭援助や副業への協力、異性問題等の不祥事処理など多岐にわたる。その見返りに一緒に食事をしたり結婚相手の推薦や評価をした上で結婚式の仲人を務めたりする等して、有名人と特に親しい仲であることを周囲にアピールできる。また、相撲界ではタニマチから提供されるものは相手を精査せずに何でも頂く「ごっつあん体質」が存在する。
特に近年では個人後援会やファンクラブなどの組織が多く普及している。昨今の経済情勢からか、個人後援会やファンクラブの多数台頭に伴い、慣例のタニマチ的行為は少なくなっている。
一方の野球界では、選手に夜の遊びを教えたり甘やかして練習を疎かにさせたり、トラブルに巻き込ませるパターンが問題になっており、阪神タイガースでは当時の関係者である野村克也や星野仙一が著書やインタビューにて何度か苦言をしている。
「タニマチ」の語源は諸説あるが、有名なのが、1889年（明治22年）に大阪市南区（現中央区）谷町6丁目で外科「薄病院」を開業した薄恕一（すすき・じょいち 1866 - 1956年）。幕下力士のために、病院内に土俵を設けるほどの好角家で、幕下力士を無料で治療したり、小遣いを与え、「貧乏人は無料、生活できる人は薬代一日四銭、金持ちは二倍でも三倍でも払ってくれ」と言う方針を貫いたと伝えられている。
ほかにも、明治初期に谷町7丁目の医師が同じく相撲好きで、力士から治療費を受け取らなかったことから来ている、という話があり、平成になって、この医師・萩谷義則（1847 - 1902年）の孫で国文学者の萩谷朴が著書で名乗り出たことにより、話題となった。谷町で1887年に所得税を納税し、選挙権・被選挙権を有していたのは、萩谷のみであったという。
この薄恕一と、萩谷義則の婿養子・萩谷理平治（1870年 - 1949年）とで、「大阪市醫師會の紛擾」収拾のため「南区谷町松屋町を中心として医師萩谷理平治氏、医学士薄恕一氏、医師長山泰春氏外百五十七名」とともに連判状を提出したといい、「報知新聞」（大阪版）（大正3年12月19日）に掲載されているという[1]。
ほかにも、谷町の大手呉服問屋の主が相撲好きで、何かと力士を支援したからという話もあるという。ただし、この語源説が出される以前、先に「タニマチ」という言葉があって後からこうした美談が創作されたと見る説もある。
実際、かつて春場所において相撲部屋が多く谷町の界隈に宿舎を構えたのは事実である。ただ、土俵が減ったこともあり、現在では多くの部屋が大阪府内の堺市、東大阪市、岸和田市に宿舎を置き、特に貴乃花部屋は京都府、田子ノ浦部屋は和歌山県に宿舎を置くなど、分散が進んでいる。
実在のはっきりしている「タニマチ」としては、愛知県一宮市の森家がある。江戸時代から力士によくつかわれた膏薬「浅井万金膏」の販売元であり、昭和の半ば頃まで大相撲の力士の怪我の治療には何かと便宜をはかった。相撲協会でも、一時期国技館の升席を森家とその縁者のために無料開放して、この恩に報いていた。
生國魂（いくたま）神社の周りのお寺はかつて、相撲部屋が林立。贔屓筋の事をタニマチと呼ぶのはこの周りの地名＝谷町から。昭和30年代、初代若乃花は、銀山寺に部屋を取って稽古場に。初代朝潮の稽古場は、現在生國魂神社向かいの公園の中に土俵を作っていたように記憶する。公園はその昔は池でありアメリカザリガニやミジンコなどをよく獲りに行った。大阪場所が始まると拙宅（旧南区高津町）周りのお風呂屋さん（黒門市場周りには歩いて5分以内に7軒のお風呂屋さんが在った）は力士で溢れていた。関取はフンドシかつぎ(弟子)と浴衣姿のママ歩いて大阪府立体育会館へ。すなわち、寺には土俵を作って稽古する広い場所があり、宿泊も可能であり、風呂屋も近く、会場にも近いと言ったすべての条件を満たしていた為この界隈＝谷町筋のお寺に角界の部屋が林立していたことに由来する。一名の医者説もうなづけるが、谷町界隈に在った多数の寺が贔屓筋であったと言う訳だ。ちなみに現在の谷町筋は、昭和45年(1970年)に拡張され寺の数も敷地も減って来た為、稽古場は次第に別の場所に移っていった。しかしタニマチの名前だけは現在も贔屓筋の事を指して言うように残っていった。
栄福寺 (今治市)

栄福寺（えいふくじ）は、愛媛県今治市玉川町にある高野山真言宗の寺院。府頭山（ふとうざん）、無量寿院（むりょうじゅいん）と号す。本尊は阿弥陀如来。四国八十八箇所第五十七番札所。
寺伝によれば、弘仁年間（810年 – 824年）巡錫に来た空海（弘法大師）が、嵯峨天皇の勅願により、瀬戸内海の風波海難の平易を祈って府頭山々頂で護摩供を修し、その満願の日に海はおさまり海上に阿弥陀如来が影向した。その尊像を山頂に引き上げ堂宇を建て本尊として開基したと云われている。その後、貞観元年（859年）大和・大安寺の行教上人が宇佐八幡から京都山城に分社の男山八幡（石清水八幡宮）を創建するため近海を航行中暴風雨に遭いこの地に漂着した。上人は府頭山の山容が山城の男山に似ており、しかも阿弥陀如来は八幡菩薩の本地仏であることから、この山頂の境内に八幡明神を勧請し神仏習合の「勝岡八幡宮」を創建した。
その後、荒廃していたが、源頼義が此の国の刺史となった時に、河野親経とともに国中に薬師堂49箇所、八幡宮を8箇所を建てたが、京都の男山八幡を参考に勝岡から現在地に移し造営した当社が随一であり山内に清泉があったことから「石清水八幡宮」と号し、麓に阿弥陀堂も構えたが、中世の戦乱の災にかかり一時に煙雲にのぼりぬとなる。
真念の情報により書かれた『四国遍礼霊場記（寂本1689年刊）』によると遍路人は東から当山に上がり西に下って現在の境内前を通って次の札所（仙遊寺）へ向かっていて、東側山麓にあった浄寂寺の修行僧がその阿弥陀堂跡に遍路人の寄宿所を建て、その寺が八幡宮の催事を執り行っていた。なお、浄寂寺が催事を執行する以前は当寺が行っていて、長福寺と称したが、後に乗泉寺と称するようになり、寛政4年（1792年）に栄福寺と改称した。『四国遍礼名所図会（1800年刊）』にあるように山頂にあった堂舎を中腹の栄福寺境内に移築し現在も使われている大師堂となった。納経をになっていた当寺は江戸時代後期の納経帳によると本尊名は書かれず「伊豫一國石清水八幡宮 別當栄福寺」と記していた。
明治初年の神仏分離令で、山頂の本社八幡大菩薩に隣接していた阿弥陀堂の海中より出現したという謂れのある阿弥陀如来像と本社の前にあった金毘羅社は栄福寺境内に移され、別当関係は解消され神社と寺はそれぞれ独立し、札所は真言寺院だったため当寺が引き継いだ。昭和8年（1933年）以降は、犬に引かせた箱車で足の悪い15歳の少年がこの寺で足が治り、その箱車を奉納したという話から足腰守りのお寺としても信仰を集めている。
八幡宮への西からの上り口付近から右に入って行く。山門はなく右手に鐘楼があって、折り返し参道奥に本堂がある。本堂右手前に大師堂、その右に薬師堂、金毘羅堂、庫裏・納経所がある。
2011年に設置されたトイレ設置が日本産業デザイン振興会主催の「2012年度グッドデザイン賞」を受賞した。国産材のヒノキなどの間伐材として組み立てることができる独自の工法として使用、男子用、女子用、身体障害者用の3棟で、参拝者から評価されている。
依頼されたのは現住職・白川密成の兄で建築家の白川在である。
10万円でできるかな

『10万円でできるかな』（じゅうまんえんでできるかな）は、テレビ朝日系列で2017年10月4日（3日深夜）から放送されているバラエティ番組である。通称は『10万円』。
キスマイ10周年特番の『キスマイ10周年でやれるかな? テレビ朝日人気番組の裏側に潜入しちゃった ほぼ3時間SP』と、パイロット版の『〇〇万円あったら××できるでしょ?』及び『1万円あったら××できるでしょ?』についても解説する。
Kis-My-Ft2が2017年9月まで出演していた同時間帯の前番組『キスマイレージ』を、番組内の「様々なテーマを10万円で達成する企画」を中心にリニューアルしたもの。Kis-My-Ft2メンバーの検証ロケVTRを、サンドウィッチマンが評価する形式の「実験バラエティー」番組。
2018年10月から2019年3月の間は放送時間が0:20 - 0:50（5分繰り下げ）に変更された。
2019年4月改編において、放送時間が月曜20:00 - 20:54に移行し、ゴールデンタイムに昇格することが同年1月19日に放送されたゴールデン・2時間スペシャル（18:56 - 20:54）のエンディングの中でサプライズ発表された。また、Kis-My-Ft2としては初のゴールデン・レギュラー番組となる。ただ、1月19日の番組では『今年春からゴールデンタイムの放送が大決定!』と発表されただけだったが、放送時間枠は公表はなく、翌日のネットニュースやキスマイの先輩・東山紀之が司会を務める「サンデーLIVE!!」（テレビ朝日・朝日放送テレビ・メ〜テレ共同制作）内で発表された。そして、同年3月18日にゴールデン昇格を記念し、ゴールデン進出SPとして2時間のフライング放送（20:00 - 21:48）が行われ、13.1%（ビデオリサーチ調べ、関東地区）の同時間帯トップの視聴率を獲得、同日の視聴熱ランキングもトップだった（ザテレビジョン調べ）。同年4月22日にゴールデンタイム放送が開始された。この関係で全編ローカルセールス枠での深夜番組としては3月13日をもって終了し、同時に2014年4月の『キス濱テレビ』から5年続いたテレビ朝日の火曜深夜枠におけるKis-My-Ft2のレギュラー番組シリーズも終了した。
なお、ゴールデンタイム昇格以降は、通常枠（月曜 20:00 - 20:54）での放送が一切されず、概ね前座番組『帰れマンデー見っけ隊!!』との合体SPが編成されることが多く、その場合、20:40 - 21:54に放送されている。しかし、レギュラー番組表においては通常枠（月曜 20:00 - 20:54）で編成されたままとなっている。
2023年からは月曜20:00 - 21:00に変更（6分拡大）。なお拡大SPは21:54までの放送となる。
番組最高視聴率は、2019年7月15日放送回の15.3%。
基本的にスタジオでVTRを鑑賞するが、キスマイは数人ロケに同行し、サンドウィッチマンも不定期にロケを行うこともある。また、ゲスト含む出演者は、｢10万円｣という名札を着用し、キスマイはスタジオ、ロケ問わず必ずタキシードを着用しているが、タキシードを着用せずにロケを行うケースもある。深夜時代は、優秀なロケをしたメンバーに「つけるとロケの仕事が増える」サンドウィッチ勲章が送られていた。2023年8月の放送をもって北山がキスマイから脱退・ジャニーズ事務所を退所に伴い、当番組からも卒業した。
オンエアでは一切語られていないが、サンドウィッチマンは何かの会社の役員でキスマイは同じ会社の社員。役員2人が気になったことをキスマイに特命社員として調査させに行く、と言う「裏設定」があるらしい。
『キスマイ10周年でやれるかな? テレビ朝日人気番組の裏側に潜入しちゃった ほぼ3時間SP』（きすまいじゅうしゅうねんでやれるかな? てれびあさひにんきばんぐみにせんにゅうしちゃった ほぼさんじかんすぺしゃる）は、テレビ朝日系列で2020年9月21日に放送されたバラエティ番組である。
キスマイデビュー10周年を記念した特番。メンバーがテレビ朝日の人気番組の裏側に潜入し、スタッフ、アナウンサーらへの密着取材を通して人気の秘密を探るという内容で、約3時間半にわたって生放送された。メンバーがドラマ「科捜研の女」「24 JAPAN」、音楽番組「ミュージックステーション」、アニメ「ドラえもん」、情報番組「グッド！モーニング」のそれぞれのスタッフに完全密着。さらに、アナウンサーをはじめ、さまざまな番組、部署で働く人々を取材し、メンバーたちも実際に仕事を体験しながら、“プロフェッショナル”のスゴさを紹介する。番組最後には、Kis-My-Ft2が『Everybody Go』、『光のシグナル』、『ENDLESS SUMMER』のメドレーソングを披露した。
2013年10月20日 - 2016年6月19日 までCSテレ朝チャンネル1で隔週日曜日21時 - 21時30分（JST）に放送された。ニコニコ生放送でも同時配信され、2013年12月29日に「テレ朝ch1 オリジナルバラエティ番組 丸見せ祭り」内で行われた年間ディレクター大賞決定戦2013では川跡友里ディレクター担当の#2「10万円あったらアラサー女性ディレクターの彼氏を見つけれるでしょ!?」が選ばれた。
地上波特別番組を『1万円あったら××できるでしょ?』のタイトルで2014年9月11日にテレビ朝日で23時15分 - 翌0時15分（JST）に放送した。 大鶴義丹と水沢アリーが「1万円で三大絶景、完全制覇！カンボジアでセレブの旅できるでしょ？」、アルコ&ピースが伊藤慎一郎教授と共に「1万円あったら170km/h出せるピッチングマシーン作れるでしょ」に挑戦した。
当初は回代わりで若手ディレクターが担当し、芸人が出演する番組だったが、2015年6月7日からは『○○万円あったら××できるでしょ?〜イケメン大図鑑 監修 鈴木拓〜』に改題し、番組内容を全面リニューアルをして、鈴木拓がMCとなり、ゲストに若手イケメン俳優を招く内容となった。
週刊新潮2020年2月20日号で、2019年7月15日放送の「スクラッチ宝くじ削り旅」回で番組スタッフがスクラッチくじを数十万円購入した上で事前に削り、当たりくじと思われる物を削る余地を残した上で撮影用にストックし、買ったばかりのくじの中に仕込んでいたというやらせ行為が報道された。
これに対しテレビ朝日は「当たりの傾向や法則を少しでも確認し、スクラッチの開け方をどう見せるかなどを検討するために、事前に10万円分以上の宝くじを購入したことがあったことは事実です。本番では新たにロケ中に購入したスクラッチ宝くじを使用しており、事前に傾向と法則の確認のために削ったスクラッチ宝くじを実際の撮影で使用することはありません」と、当該回についてのやらせについては否定した上で、2018年12月29日放送の「10万円ランド」についてはやらせ行為があったことを認め謝罪した。同回で行われた出演者が農作物を育てる企画では、野菜の一部が天候不良で育たなかっため、市販のヒラタケを接着剤で原木に付け、生えているように見せた他、川で天然ウナギを捕まえる企画では、業者から譲ってもらったものを仕掛けに入れたという。
Chōzubachi

A chōzubachi (手水鉢), or water bowl, is a vessel used to rinse the hands in Japanese temples, shrines and gardens. Usually made of stone, it plays an important role in the tea ceremony. Guests use it to wash their hands before entering the tearoom, a practice originally adapted from the custom of rinsing one’s mouth and cleansing one’s body in the chōzuya before entering the sacred precincts of a Shinto shrine or a Buddhist temple.
Prior to modern plumbing, Japanese homes contained a chōzu-bachi with a dipper, and provisions for drainage of wastewater, placed so that it could be used from the engawa (veranda or corridor). A towel was often hung nearby. One would be placed near the entrance of a latrine, though there might also be chōzu-bachi elsewhere.
There are many types of chōzu-bachi; for instance, a low chōzu-bachi, with attendant stones, is called a tsukubai and is often found in tea-gardens. Chōzu-bachi are usually stone, but may be made of other materials, such as ceramic or bronze.
Chōzuya

Chōzu-ya or temizu-ya (手水舎) is a Shinto water ablution pavilion for a ceremonial purification rite known as temizu or chōzu (手水, lit. 'hand-water'). The pavilion contains a large water-filled basin called a chōzubachi (手水鉢, lit. 'hand water basin').
At shrines, these chōzubachi are used by a worshipper to wash their left hand, right hand, mouth and finally the handle of the water ladle to purify themselves before approaching the main Shinto shrine or shaden (社殿). This symbolic purification is normal before worship and all manned shrines have this facility, as well as many Buddhist temples and some new religious houses of worship. The temizu-ya ("temizu-area") is usually an open area where clear water fills one or various stone basins. Dippers (hishaku (杓)) are usually available to worshippers. In the 1990s, water for temizu at shrines was sometimes from domestic wells, and sometimes from the municipal supply.
Originally, this purification was done at a spring, stream or seashore and this is still considered the ideal. Worshippers at the Inner Shrine at Ise still use this traditional way of ablution.
Hydrangea petiolaris

Hydrangea petiolaris, a climbing hydrangea (syn: Hydrangea anomala subsp. petiolaris), is a species of flowering plant in the family Hydrangeaceae native to the woodlands of Japan, the Korean peninsula, and on Sakhalin island of easternmost Siberia in the Russian Far East.
Hydrangea petiolaris is sometimes treated as a subspecies of the closely related Hydrangea anomala from China, Myanmar, and the Himalaya, as Hydrangea anomala subsp. petiolaris. The Hydrangea anomala species differs in being smaller (to 12 metres (39 ft) ) and having flower corymbs up to 15 cm diameter. The common name Climbing hydrangea is applied to both species, or to species and subspecies.
Hydrangea petiolaris is a vigorous woody climbing vine plant, growing to 30 to 50 ft (9 to 15 m) height and 5 to 6 ft (2 to 2 m) wide. It grows up trees and rock faces in its native Asian habitats, climbing by means of small aerial roots on the stems. The leaves are deciduous, ovate, 4–11 cm long and 3–8 cm broad, with a heart-shaped base, coarsely serrated margin and acute apex.
The flowers are produced in flat corymbs 15–25 cm diameter in mid-summer; each corymb includes a small number of peripheral sterile white flowers 2.5–4.5 cm across, and numerous small, off-white fertile flowers 1–2 mm diameter. The fruit is a dry urn-shaped capsule 3–5 mm diameter containing several small winged seeds.
Hydrangea petiolaris is cultivated as an ornamental plant in Europe and North America. Climbing hydrangea is grown either on masonry walls or on sturdy trellises or fences. It is at its best where it gets morning sun and afternoon shade, however it can tolerate dense shade, and is therefore often selected for shady, north-facing areas with little or no sun. Its clinging rootlets are not as strong as some other wall-climbing vines, and so is often anchored with supplemental gardening ties. Its outward-reaching side shoots can be pruned back to a pair of buds to espalier it flatter against its support. When pruned during flowering, the blooms are useful in bouquets.
It can also be grown as a ground cover, to eventually grow over an area of up to 200 square feet (19 m).
It is an USDA climatic Zone 4a plant, so it can resist temperatures down to between -34.4 °C (-30 °F) and -31.7 °C (-25 °F).
The young leaves of climbing hydrangea are edible when cooked. Tasting like cucumber, they're sometimes added to Miso in Japan.
‘Hydrangea’ is derived from Greek and means ‘water vessel’, which is in reference to the shape of its seed capsules.
Hydrangea anomala

Hydrangea anomala, the Japanese climbing-hydrangea, is a species of flowering plant in the family Hydrangeaceae native to the woodlands of the Himalaya, southern and central China and northern Myanmar.
It is a woody climbing plant, growing to 12 m height up trees or rock faces, climbing by means of small aerial roots on the stems. The leaves are deciduous, ovate, 7–13 cm long and 4–10 cm broad, with a heart-shaped base, coarsely serrated margin and acute apex. The flowers are produced in flat corymbs 5–15 cm diameter in mid-summer; each corymb includes a small number of peripheral sterile white flowers 2–3.5 cm across, and numerous small, creamy-white fertile flowers 1–2 mm diameter. The fruit is a dry urn-shaped capsule 3–5 mm diameter containing several small winged seeds.
The closely related Hydrangea petiolaris from eastern Siberia, Japan, and Korea, is sometimes treated as a subspecies of H. anomala; it differs in growing larger (to 20 m) and flower corymbs up to 25 cm diameter. The common name Climbing hydrangea is applied to both species.
Hydrangea anomala is grown as an ornamental plant. The subspecies H. anomala subsp. petiolaris has received the Royal Horticultural Society's Award of Garden Merit.
‘Hydrangea’ is derived from Greek and means ‘water vessel’, which is in reference to the shape of its seed capsules.
‘Anomala’ means ‘anomalous’ or ‘unlike its fellows’.
Tsukubai

In Japan, a tsukubai (蹲踞) is a washbasin provided at the entrance to a holy place for visitors to purify themselves by the ritual washing of hands and rinsing of the mouth. This type of ritual cleansing is the custom for guests attending a tea ceremony or visiting the grounds of a Buddhist temple. The name originates from the verb tsukubau, meaning "to crouch" or "to bow down", an act of humility. Guests attending a tea ceremony crouch and wash their hands in a tsukubai set in the tea garden (roji) before entering the tearoom.
Tsukubai are usually of stone, and are often provided with a small ladle, ready for use. A supply of water may be provided via a bamboo pipe called a kakei.
The famous tsukubai shown here stands in the grounds of the Ryōan-ji temple in Kyoto, and was donated by the feudal lord Tokugawa Mitsukuni. The kanji written on the surface of the stone are without significance when read alone. If each is read in combination with 口 (kuchi), the shape of the central bowl, then the characters become 吾, 唯, 足, 知 which translates literally as "I only know plenty" (吾 = ware = I, 唯 = tada = only, 足 = taru = plenty, 知 = shiru = know). The underlying meaning, variously translated as "what one has is all one needs", or "learn only to be content" reflects the basic anti-materialistic teachings of Buddhism.
Drumheller Fountain

Drumheller Fountain is an outdoor fountain on the University of Washington campus in Seattle, Washington, in the United States. The fountain was given its name in 1961 to honor the University Regent Joseph Drumheller, who gifted the central fountain machinery to the University for its centennial celebration.
Since the early 1900s, the fountain has been nicknamed "Frosh Pond" due to its association with pranks, particularly those targeting innocent freshmen. The tradition originated in 1909 when a group of sophomores dunked freshmen in the water of the fountain, leading to an initiation ritual each fall. Over the years, not only freshmen, but also ROTC recruits, sailors, divers, and people engaging in (unauthorized) winter swimming have found themselves in the pond. Additionally, non-human items ranging from rainbow trouts to a Domino's delivery truck have also made appearances in the fountain.
The fountain is utilized by mallards to raise ducklings, and every spring, the university would install a duck ramp to help ducklings enter and leave the raised edges of the fountain. Installed typically in April or May and maintained for approximately a month, the ramp allows sufficient time for the young ducklings to develop their flying skills and venture out of the pond. The duck ramp comes after the university's unsuccessful attempts to remove the ducklings and the repeated arrival of additional ducks.
On February 6, 2019, a University of Washington student suffered a head injury after falling near the fountain after a campus snowstorm and later died of a blood clot in her lung. Although the cause of the student's death was later determined to be unrelated to the fall, the incident sparked backlash on social media directed at the university's president, Ana Mari Cauce, regarding the condition of the campus sidewalks during inclement weather.
Drumheller Fountain is predated by a pond similar in design and location known as Geyser Basin, which was built for the 1909 Alaska-Yukon-Pacific Exposition. During the fair, the fountain was the centerpiece of a formal garden extending onto the Rainier Vista, adorned with a geometric layout, roses enclosed by Japanese barberry, and a carpet of 80,000 English daisies.
While the design and location are similar, Geyser Basin was a distinct structure from the current-day Drumheller Fountain. The modern Drumheller Fountain simply consists of a stone bowl, whereas Geyser Basin was a much larger structure that featured cascading water emptying into the pond.
47°39′14″N 122°18′28″W﻿ / ﻿47.653817°N 122.307814°W﻿ / 47.653817; -122.307814
Estación de Valencia-Joaquín Sorolla

Valencia-Joaquín Sorolla, también conocida como Estación provisional del AVE, es la estación terminal provisional de ferrocarril de alta velocidad de la ciudad de Valencia (España)
Situada en el centro de la capital valenciana, a 800 m al sur de la Estación del Norte fue construida entre 2008 y 2010 aprovechando las transformaciones urbanísticas de la ciudad de principios del siglo XXI para instalarse en un extenso solar cercano a la playa de vías.
El edificio es de planta rectangular con dos zonas claramente diferenciadas: el gran hangar, de planta igualmente rectangular, y el edificio de viajeros propiamente dicho, de planta en U y pilares independientes de la estructura del hangar.
Las fachadas están rítmicamente desarrolladas según módulos de policarbonato acristalado propio de una estructura provisional y desechable como es esta. El proyecto y la dirección de la obra han corrido a cargo de los arquitectos Luis Almeida Duarte y Elvira Puchades Gimeno y la gestión del proyecto a cargo de Jorge Bernabeu Larena y Elvira Puchades Gimeno de la empresa ACXT/IDOM
La entrada principal a la estación está situada en la calle San Vicente Mártir, si bien tiene otro acceso en la calle Maestro Sosa esquina Filipinas. El conjunto de vías y edificio está flanqueado por las calles San Vicente Mártir y Alicante al este y oeste respectivamente y César Giorgeta al sur/suroeste. Al sur discurre el haz común de líneas ferroviarias que parten de esta estación terminal y al norte está el haz que termina en Valencia-Norte.
Está bien comunicada con la red de Metrovalencia, con dos de sus estaciones (Jesús y Bailén) a escasos minutos a pie de la estación.
Está previsto que el tráfico ferroviario que ahora acoge se traslade a la futura estación de Valencia Parque Central una vez construida, desmantelándose entonces el edificio.
Esta estación es la segunda estación principal de ferrocarril de la ciudad de Valencia.
En esta estación es el punto de unión de dos líneas ferroviarias del Corredor Mediterráneo, la línea La Encina-Valencia (P.K. 112 de la misma), y la línea Valencia-Tarragona (P.K. 0). También es cabecera de la línea ferroviaria Valencia-Cuenca-Madrid de alta velocidad.
La estación dispone de un total de 9 vías (6 de ancho internacional y 3 de ancho ibérico). destinadas a la parada de trenes que presten servicio de viajeros. De estas vías, las numeradas del 1 al 6 llegan hasta el vestíbulo principal de la estación, siendo los andenes centrales (vías 2, 3, 4 y 5) el doble de largo que los extremos (vías 1 y 6) para poder albergar composiciones dobles tanto de trenes de alta velocidad como de larga distancia.
Existen dos estaciones de Metrovalencia ubicadas cerca de la estación: Jesús y Bailén, situadas a 300 metros.
Efectúan parada los autobuses urbanos de EMT Valencia de las siguientes líneas en las inmediaciones de la estación.
También efectúan parada los siguientes autobuses metropolitanos MetroBus.
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Elena Sorolla

Elena Sorolla García, aunque firmaba como Helena​ (Valencia, 12 de julio de 1895- Madrid, 1975) fue una escultora y pintora española de inicios del siglo xx. Dedicó su juventud a la escultura, teniendo una breve carrera que abandonó para dedicarse a su familia. La mayor parte de sus obras forman parte de colecciones particulares, a excepción de algunas que pertenecen al Museo Sorolla.
Fue la hija menor de Joaquín Sorolla y Bastida y Clotilde García del Castillo.​ Estudió en la Institución Libre de Enseñanza. Desde muy temprana edad empezó a interesarse por la escultura, frente a sus hermanos mayores María y Joaquín, que cultivaron la pintura. Entre sus maestros se encuentran José Capuz y Mariano Benlliure, escultores que pertenecían al círculo cercano de su padre.​ Del mismo modo, asistió al estudio donde trabajaban los alumnos de su padre. La mayor parte de su obra la produjo entre 1916 y 1926. Participó en varias exposiciones y certámenes en España, como la Exposición de Arte Joven Valenciano en 1917, una exposición en el Musée de l'Hotel de la Ville de Burdeos en 1919 y la Exposición de Arte de 1922 celebrada en el Palacio de Bellas Artes-Parque de la Ciudadela de Barcelona, organizada por la Junta Municipal de Exposiciones. En 1926 realizó junto a su hermana María Sorolla la única exposición personal conjunta en el Lyceum Club Femenino de Madrid, que entre 1926 y 1936 sirvió como centro asociativo de las mujeres cultas de la ciudad.​ En 1922 contrajo matrimonio con el ingeniero de caminos Victoriano Lorente,​ con el que tendría siete hijos (José María, Elena, Alberto, Victoriano, Manolo, Joaquín y Mercedes). Dejó a un lado su producción artística debido a su dedicación a la familia y a los cambios de residencia,​ aunque sí que realizó algunos retratos a sus hijos,​ y un busto de cada uno de ellos.​
Sus temáticas favoritas fueron el retrato y el cuerpo femenino, trabajando con mármol, bronce y madera.​​ Su obra destaca por su gran calidad técnica, con una gran fidelidad de los rasgos personales.​
Joaquín Sorolla la pintó en varias de sus obras, como Elena con túnica amarilla​ o Elena en la playa,​ ambos de 1909, o en 1904 junto a su hermana María en María y Elena en la playa.​ La primera vez que su padre la retrataba en un cuadro fue en la obra Madre, de 1900, en la que su cabeza sobresale de las sábanas junto a su madre Clotilde.​
También José Capuz realizó un retrato escultórico de Elena en 1921, poco antes de casarse, que se expone en el Museo Sorolla.​​
En su casa familiar quedaron expuestas muchas de sus obras. Su herederos donaron trece piezas a la Fundación Sorolla y han renovado su depósito en el Museo Sorolla.​ En 2014, el Consorcio de Museos, a través de la Institución Joaquín Sorolla de Investigación y Estudios, realizó la primera exposición monográfica sobre ella, titulada Helena Sorolla Escultora 1895-1975, en el Centre del Carme de Valencia.​​ En 2015 el Museo Sorolla organizó una exposición y talleres infantiles sobre ella con motivo del Día de la Mujer, en la que se mostraron 13 obras de la escultora y un retrato.​​
Autorretrato de Joaquín Sorolla (1904)

Autorretrato es una obra de Joaquín Sororolla y Bastida pintada al óleo sobre lienzo con unas dimensiones de 66 x 100,6 cm. Datado en el año 1904, actualmente se conserva en el Museo Sorolla de Madrid.
Sorolla pintó hasta quince autorretratos de los que ocho se conservan en el Museo Sorolla de Madrid. Este lo realizó cuando apenas había entrado en los cuarenta y en su segura pose, confiada y firme parece querer dejar claro el excelente momento de madurez y éxito profesional por el que atravesaba en aquellos momentos.​
El lugar donde Sorolla se autorretrata es en su propio estudio y desde allí contempla al espectador con una mirada fija y penetrante, casi desafiante.​
En este autorretrato quiso Sorolla rendir un homenaje a su digno oficio de pintor y para ello buscó la inspiración en el maestro Velázquez y más concretamente en su autorretrato de Las Meninas.​ Las referencias al genio sevillano se aprecian en múltiples detalles de la obra como en la profundidad del espacio marcado prácticamente tan solo por los lienzos de las paredes, también en el lienzo en blanco que se muestra a la derecha o en los característicos colores del Siglo de oro, sobrios y oscuros e iluminando solo las zonas a resaltar como el cuello de la camisa que enmarca un rostro resplandeciente.​
Maximiliano Ramírez Euceda

Maximiliano Euceda, conocido también como Max Euceda, artista hondureño en la rama de pintura impresionista.
Euceda nació en la localidad de Caridad, república de Honduras, (1891-1987) estudió en la Escuela Especial de Dibujo y Grabado de Madrid entre 1921 a 1927 (fue el primer becario de la Cooperación Cultural Española en Honduras), impartió clases en la Escuela de Artes y Oficios y seguidamente en la Escuela Nacional de Bellas Artes (Honduras), retocó el escudo de la Universidad Nacional Autónoma de Honduras, su tendencia era la pintura impresionista.
En 1951, el Instituto de Cultura Hispánica en Madrid convoca la Primera Bienal Iberoamericana de Arte, y en aquella ocasión histórica para el arte iberoamericano, participaron por invitación de la Embajada de España los pioneros de la internacionalización de la creatividad hondureña Carlos Zúñiga Figueroa, José Antonio Velásquez, Ricardo Aguilar, Arturo López Rodezno y el propio Max Euceda:​ un acontecimiento que fue recordado por décadas, sirviendo de aliciente a nuevas generaciones artísticas.
En 1996, se le dedicó la VIII Antología de las Artes Plásticas de Honduras.​
Ataúd blanco (pintura)

El ataúd blanco es unos de los primeros cuadros pintados por Oswaldo Guayasamín, ganó en 1956 el Gran Premio de Pintura de la III Bienal Hispano-Americana de Arte. Esta obra corresponde a su primera serie o etapa Huacayñan.​
En esta pintura el autor retrata en primer plano un ataúd mortuorio pequeño de color blanco decorado con filos plateados, signo tradicional del féretro de un niño, atrás del féretro están tres mujeres vestidas de blanco con semblantes entristecido.​ El cuadro esta elaborado en óleo Sobre lámina de plata con una dimensiones de 96 cm de alto por 138 centímetro de largo
En Ecuador es costumbre enterrar a los niños fallecidos en ataúdes de color blanco, y en épocas anteriores eran decorados con pan de oro, sin embargo, las familias indígenas de escasos recursos económicos, utilizaban en la decoración el papel brillante del interior de las cajetillas de cigarrillo.
Parasol Stars: The Story of Bubble Bobble III

Parasol Stars: The Story of Bubble Bobble III es un videojuego de plataformas desarrollado por Taito en 1991 para la videoconsola PC Engine. Es técnicamente el tercer juego de la saga Bubble Bobble, siendo la secuela del Rainbow Islands. Al igual que otros juegos de la saga, Parasol Stars no salió para arcade, saliendo en primer lugar para la PC Engine y luego lanzado para otras consolas.
Una vez, hace mucho tiempo, un valeroso guerrero se adentró en una cueva llena de monstruos, con la intención de sellarla para siempre. Consiguió esta tarea, sin embargo, sin saberlo él, un monstruo escapó de la cueva antes de que ésta fuera sellada. Pasaron los años y el monstruo finalmente creció lo suficientemente fuerte para romper el poder del sello mágico del guerrero. Ese monstruo, que llegó a ser conocido como Chaostikahn, ha desatado a los monstruos del interior de la cueva en el mundo de nuevo.
Durante el mismo tiempo, nuestros héroes, Bubby y Bobby, se habían ganado la admiración de los habitantes de Rainbow Islands al derrotar a los enemigos que aterrorizaban su planeta, permitiendo que volviera la paz. Para mostrarles su agradecimiento, los habitantes de las islas les confiaron un parasol mágico a cada uno, a Bubby y a Bobby. En los meses que siguieron, Bubby y Bobby estaban tan empeñados en aprender a aprovechar el poder de los parasoles mágicos que no se dieron cuenta de la presencia amenazadora que se estaba apoderando de los planetas vecinos. Aunque aún no dominaban perfectamente las técnicas para usar los parasoles mágicos, valientemente alzaron sus parasoles hacia el planeta en peligro y desaparecieron en los cielos sobre Rainbow Islands, sin darse cuenta del peligro y el tamaño de su nueva aventura.
Bubby y Bobby vuelven a ser los protagonistas del juego, pudiéndose jugar de uno o dos jugadores. El juego consta de 8 planetas temáticos, más dos secretos, los cuales constan de 6 rondas cada uno. Al final de cada planeta, hay un jefe que debe ser vencido para acceder al siguiente planeta. Bubby y Bobby usan sus parasoles como arma para paralizar, coger y arrojar enemigos; defenderse de ataques o acumular gotas mágicas. Las gotas mágicas se encuentran en casi todos los niveles del juego. Estas gotas, resbalan y caen por el nivel, pudiendo ser atrapadas por el parasol, ser acumuladas y lanzadas a los enemigos. Hay diferentes tipos de gotas: De agua, fuego, rayos y estrellas. Si se acumulan cinco gotas de un mismo tipo, se unen para formar una gota gigante del mismo tipo, que al ser lanzada y romperse, provoca un efecto especial dañino para los enemigos. Al igual que en los anteriores juegos de la saga, en el Parasol Stars hay numerosos ítems y power-ups que dan habilidades extra a los personajes.
Parasol (fotografía)

En una cámara fotográfica, el parasol es un accesorio en forma de tubo o embudo que se acopla en el objetivo para protegerlo de la luz lateral que podría crear refracciones en la fotografía.
La geometría del parasol depende de la distancia focal y será más corto y abierto cuanto menor sea la distancia focal y más grande y estrecho cuanto mayor sea la distancia focal. Una elección errónea del parasol puede producir viñetado en la fotografía. En el caso de usar zum, habrá que usar el parasol adecuado a la menor distancia focal de este.
En un objetivo en el que la lente exterior (frontal) no gire al enfocar es posible y recomendable el uso de un parasol en corola (ver imagen), que está diseñado para proteger uniformemente por toda la imagen rectangular.