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Palani Andawer Temple

Palani Andawer Temple is an oldest and only Hindu temple in Aceh, Indonesia. This temple was built in 1934 by Tamil Immigrants. It is the only place of worship for hundreds of Hindus in the provincial capital. This building was destroyed during the 2004 tsunami, but was finally able to be renovated back to its current form. This temple is focal point for Thaipusam festival in Aceh.
Specifically, in this temple there are two important buildings, namely the Murugan altar and the Ganesha altar which we know as the elephant statue. The Murugan altar is purple, on this altar there is a lotus flower symbol and above it is the Om symbol flanked by two budding coconuts. The lotus symbol is the abode of the gods, and the coconut symbolizes the value of the benefits of a human being. In front of these two altars there is a special building that resembles a pillar. At the top of this pole pinned nine bells as a symbol of the nine holes in the human body. The value contained through this bell symbol is, those who will enter the temple must clean nine holes in their bodies, such as the ear and nose holes.
On the walls are three statues of Lord Murugan, specially designed by a Tamil artist from Medan. While on the left side there is a symbol of Dewata Nawa Sanga, which belongs to Balinese Hinduism. Dewata Nawa Sanga is a symbol of the nine cardinal directions. Where each cardinal direction has a special color that is guarded by different Gods with different types of weapons.
This temple is located not far from the entrance gate to Gampong Keudah, Kutaraja District, Banda Aceh.
Jacaranda mutabilis

El jacarandá (Jacaranda mutabilis) es una especie de bignoniácea arbustiva del género Jacaranda. Habita en áreas cálidas del centro de Sudamérica.
Es un taxón endémico del Cerrado del centro de América del Sur. Se distribuye en el centro del Brasil en los estados de: Mato Grosso, Mato Grosso del Sur y Minas Gerais,​ y en el nordeste del Paraguay, en los departamentos de: Alto Paraguay y Amambay.​​
Habita bajo un clima tropical o semitropical en altitudes de entre 150 y 550 m s. n. m.. Prefiere suelos arcillo-arenosos ennegrecidos, en ambientes de cerrado degradado.
Es un arbusto con una altura de entre 1 y 3 m, con tallos leñosos plateados, en forma de vara, sin formar copa. Hojas compuestas bipinnadas. Florece a fin del invierno a primavera; flores en racimo terminal, de color púrpura a púrpura oscuro, aromáticas. Fructifica desde el verano hasta el invierno; el fruto es una sámara redondeada y achatada, verde inmadura, que al madurar se seca y abre, liberando semillas aladas las que son dispersadas por el viento.
Este jacarandá fue descrito originalmente en el año 1910 por el naturalista, botánico y médico suizo Emil Hassler.​
El holotipo fue colectado en septiembre de 1907, y se conoce con el código Hassler 10535. La localidad donde fue colectado es: Paraguay, Alto Paraguay, Esperanza, Esperanza.
Jacaranda cuspidifolia

El jacarandá o caroba (Jacaranda cuspidifolia), es una especie de bignoniácea arbórea del género Jacaranda sección «Jacaranda». Habita en áreas cálidas del centro de Sudamérica.
Este árbol se distribuye en Bolivia en los departamentos de: Beni, Chuquisaca, La Paz y Santa Cruz; en el centro del Brasil en los estados de: Goiás, Mato Grosso, Minas Gerais, São Paulo, (por el sudeste hasta el estado de Paraná), Paraguay en los departamentos de: Alto Paraguay, Alto Paraná, Amambay, Central, Concepción, Cordillera, Guairá, Paraguarí y Presidente Hayes​​​ y en el noroeste de la Argentina, en las provincias de Salta y Tucumán.​​​ Habita en selvas subtropicales y tropicales en altitudes de entre 90 y 1300 m s. n. m..
Es una especie arbórea, con fuste recto y hojas compuestas. Florece en primavera; su copa se cubre de flores de color lila a morada. El fruto es una sámara redondeada y achatada, que al madurar se seca y abre, liberando multitud de semillas aladas las que son dispersadas por el viento.
Este jacarandá fue descrito originalmente en el año 1841 por el botánico suizo Alphonse Louis Pierre Pyramus de Candolle.​ El ejemplar tipo fue colectado en 1839 por el médico, naturalista, botánico y antropólogo alemán Carl Friedrich Philipp von Martius. El propio Martius lo reclasificó en el año 1845. El lectotipo tipo fue designado por Osterr Morawetz,​ el cual lleva la localidad de: Cuiabá Mato Grosso, Brasil.​
Primavera Izaguirre

Primavera Izaguirre de Artucio (Artigas, Uruguay, 18 de octubre de 1932) es una ingeniera agrónoma, botánica, profesora, escritora y destacada agrostóloga uruguaya.
Ingresó como profesora en 1959 a la Facultad de Agronomía, retirándose en 1994, pero continuando trabajos en la Facultad en taxonomía de la flora regional y de dirección de tesis de postgrado, sobre todo en temas relacionados con la conservación de especies nativas y la conservación del hábitat silvestre.
Ha viajado en expediciones botánicas, a lo largo de América del Sur: Argentina, Brasil, Chile, Paraguay, Uruguay, recogiendo y estudiando la flora neotropical.​
Flora apícola

Se denomina flora apícola, flora nectarífera o flora polinífera al conjunto de plantas, arbustos e hierbas que pueblan una determinada región y son de interés económico para la apicultura.
La importancia económica de la flora apícola radica en que no todas las especies vegetales son de interés para la apicultura. En virtud que una especie puede ser muy nectífera pero puede tener una baja ponderación en el número de individuos por hectárea, el aprovechamiento que una colmena tiene de la especie vegetal es de baja importancia económica. Otras especies vegetales hacen un gran aporte de polen, pero sus flores entregan poco néctar.
El escalonamiento de la floración también es un factor importante, hay especies vegetales que florecen muy temprano, e incentivan la colmena para que comience a reproducirse y hay especies vegetales que lo hacen sucesivamente a lo largo del año. Si bien la mayoría florece en la estación de primavera y verano.
Los apicultores en el transcurso de generaciones conocen la flora apícola de cada lugar, aprovechando la misma, aún a costa del traslado o transhumancia de sus colmenas, a fines de lograr un escalonamiento de los recursos nectíferos y poliníferos.
Dependiendo del país o continente donde se practique la apicultura, el apicultor sabe que debe realizar la transhumancia de colmenas del valle a los prados de montaña. O trasladar al norte o al sur (según el hemisferio) para aprovechar la flora de origen más tropical o subtropical. Conoce perfectamente el calendario o la fenología floral de cada especie vegetal, que desea explotar. Es muy diferente producir mieles en bosques, o mieles de praderas.
Resulta más simple producir mieles en cultivos difundidos en el mundo por el hombre, en virtud que es factible manejar los ciclos fenológicos de los mismos, y solo cambia la estación de siembra si estamos en un hemisferio o en el otro.
Existen innumerables especies, propias para cada región, pero como ejemplos se cita las más difundidas:
Guettarda uruguayensis

Guettarda uruguensis conocido como Jazmín del Uruguay, Jazmín del País, Palo cruz o Veludinho es un arbusto originario del sudeste de Brasil, Uruguay, Paraguay, Bolivia y nordeste argentino.​
Es un arbusto o árbol pequeño de 3 a 5 m de altura, ramas opuestas en cruz. Ramas fuertes, apoyantes, opuestas, perpendiculares a los tallos, en forma de cruz, de donde proviene uno de sus nombres comunes.​ Tiene follaje persistente a semipersistente (si crece protegido o en climas más cálidos) .​​ Las hojas simples, opuestas, ovadas a ovado-oblongas, pubescencia rala, oscura en el haz y más clara en el envés​ Las hojas son muy variables en tamaño y brillo, según crezcan a la luz o a la sombra. ​ Las flores son muy fragantes, de color blanco- rosáceo, dispuestas en cimas solitarias axilares. Florece en la primavera y en verano. El fruto es una drupa, elipsoide, pubescente, aterciopelada, oscura en la madurez. ​​Propagación por semillas ​
Crece en bosques ribereños, de serranías, palmerales y de quebradas, en todo el país, a pleno sol o a la sombra ​​
Guettarda uruguensis fue descrita por Cham. & Schltdl. y publicado en Linnaea 4: 183, en el año 1829.​
Guettarda: nombre genérico que fue nombrado en honor del naturalista francés del siglo XVIII Jean-Étienne Guettard.
Epíteto específico: uruguensis que alude a su localización en Uruguay.
Tropaeolum pentaphyllum

La flor de pitito (Tropaeolum pentaphyllum) es una especie de plantas con flores en la familia de las Tropaeolaceae.
Es una herbácea, perenne, enredadera, con tubérculos, tallos finos, purpúreos. Alcanza un tamaño de 2-3 m de altura, trepadora. Las hojas son compuestas pentafoliadas, de color verde oscuro y tienen un diámetro de 5 cm. Las flores hermafroditas, rojas y verdes, de 3-5 cm de largo, terminan atrás en un espolón largo y rojo, ensanchado en la extremidad, florece de primavera al otoño, muy apreciadas por colibríes; se multiplica por semilla y por tubérculos. Los frutos son de color negro azulado, con pintas más oscuras.
Endémica de Bolivia, Argentina, Brasil, Uruguay.​
Está amenazada por pérdida de hábitat​
Tropaeolum majus fue descrita por Jean-Baptiste Lamarck y publicado en Encyclopédie Méthodique, Botanique 1: 612. 1785.​
Tropaeolum: nombre genérico conocido como la capuchina de jardineros, aunque no de los botánicos, y nombrado por Linneo, que deriva del griego tropaion y del latín tropaeum de "trofeo", por la manera en que crece la planta, sobre un soporte. recordando un trofeo clásico con escudos y cascos de oro como las que colgaban como un signo de la victoria en un campo de batalla.​
pentaphyllum: epíteto latíno que significa "con cinco hojas".
Planta perenne

En botánica, una planta perenne (del latín per, «por», annus, «año») es una planta que vive durante más de dos años.​ Las plantas perennes se denominan también vivaces.​ No todas las plantas son vivaces, sino que una buena parte de las hierbas, las plantas que no desarrollan tallos leñosos (de madera), son anuales o bienales (viven solo uno o dos años).
El adjetivo perenne se usa también ─lo que puede dar lugar a alguna confusión─ para referirse al follaje de una planta vivaz si este no se renueva cada año de una vez, sino que se conserva verde en todas las estaciones. Se dice entonces que la planta es «de hoja persistente» o que la planta es perennifolia. Cuando de una hoja se dice que es perenne es también para indicar que dura más de dos años, no que la planta es perennifolia.
Este vocablo se aplica generalmente a las plantas herbáceas o a los arbustos pequeños más que a los arbustos o a los árboles grandes, pero utilizado con rigurosidad también se aplica a la especie más grande y de más larga duración que florece y produce semillas más de una vez en su vida.
Las plantas perennes herbáceas son aquellas que no forman tejido leñoso permanente. En climas cálidos pueden crecer continuamente. En climas estacionales, su patrón de desarrollo se adapta a la estación de crecimiento. En regiones de clima más fresco crecen y florecen generalmente durante la estación cálida del año y el follaje muere cada invierno. El nuevo crecimiento se produce a partir de su tejido fino o rizoma existente más que de su semilla, como sucede con las anuales y las bienales. En algunos casos, estas plantas perennes pueden conservar su follaje todo el año, incluso en climas estacionales.
Las plantas perennes dominan la mayoría de los ecosistemas naturales. Las perennes silvestres, como las hierbas vivaces, son normalmente mejores competidores que las anuales, especialmente en condiciones de cultivo pobres. Esto se debe a que poseen un mayor sistema radicular que puede acceder al agua y a los nutrientes del subsuelo con más facilidad.
Anacardium excelsum

Anacardium excelsum, el mijuguo de Venezuela,​ mijao, "carnanzuelo", caracolí, "espavé" o espavel (sin. Anacardium rhinocarpus) es una especie botánica de árboles americanos de la zona intertropical de la familia de las Anacardiaceae.
El árbol es común en los bosques secos de hoja ancha tropicales y subtropicales de las cuencas hidrográficas del Pacífico y el Atlántico de América Central y del Sur, y se extiende hacia el norte hasta Guatemala y hacia el sur hasta Ecuador.
Es común en áreas de suelos profundos de origen aluvial, bien sean de sabanas o de selva, específicamente en los bordes de la misma, ya que en su interior carecería del sol necesario para crecer. Árbol de 20 a 40 m de alto. Copa redondeada y con follaje denso. Tronco recto y cilíndrico. Distribuido desde Ecuador y las Guyanas, toda la parte norte de América del Sur hasta Honduras.​ Algunos de los árboles de edad muy avanzada ocasionalmente tienen el tronco hueco y raíces superficiales y extendidas en la base. Corteza exterior gris o negra, laminar, a veces con fisuras verticales profundas. Corteza interior roja o rosada y con líneas o bandas verticales blancas. El desprendimiento de ramas o heridas en el tronco producen un exudado resinoso y aromático, el cual se torna rojo o negro con el transcurrir del tiempo. Hojas simples y alternas, agrupadas en los extremos terminales de las ramitas, de 10 a 35 cm de largo y de 4 a 12 cm de ancho, obovadas, con ápice redondeado, emarginado o agudo, bordes enteros y base decurrente. Pecíolos de 0.5 a 2 cm de largo, aplanados en la parte superior y pulvinados en la base. Flores verdes o amarillentas. Frutos en nueces arriñonadas, de 2 a 3.5 cm de largo, colgando de un pedúnculo curvo y carnoso en forma de ‘S’.​ La especie crece a bajas y medianas elevaciones, en bosques secos, húmedos o muy húmedos de todo el país. Común en bosques ribereños a lo largo del curso de los ríos y los riachuelos, se adapta muy bien a suelos aluviales bien drenados. Deja caer parcialmente sus hojas durante la estación seca, pero las repone a inicios de la estación lluviosa. Antes de caer las hojas se tornan amarillas en la copa del árbol. Florece y fructifica de febrero a mayo. Algunas especies de murciélagos se alimentan de los pedúnculos maduros de los frutos y ayudan en la dispersión de las semillas.​
Es un árbol grande perennifolio de hasta 45 m de altura, con un tronco recto y de color claro, a veces rosado, de hasta 3 m de diámetro. Hojas simples, alternadas, ovales, de 15-30 cm de largo y 5-12 cm de ancho. Flores en panícula de 35 cm de largo, cada pequeña flor es verde pálido a blanco (​). Las flores viejas tornan a rosa y desarrollan una fragancia fuerte.
La fruta es una drupa que tiene 2-3 cm de largo, semejante en forma a un riñón. Madura en marzo, abril, mayo. Cruda, la fruta es tóxica, tostada o cocida, no.
Anacardium excelsum fue descrita por Carlos Linneo y publicado en The Illustrated Dictionary of Gardening, . . . 2: 107, en el año 1885.​ La especie tipo es:
Anacardium: nombre genérico que deriva de la palabra procedente del griego kardia = corazón, por la forma de su fruto.
excelsum: epíteto latino que significa "alta".​
Pyrus communis

Pyrus communis, el peral europeo o peral común, es una especie de árbol caducifolio de la familia de las rosáceas.
Crece de 2 hasta 20 m de altura y su fruto es la pera. Vive de promedio 65 años, aunque puede llegar hasta los 400. De raíz leñosa profunda, tronco erecto, de color gris con corteza agrietada. Hojas ovadas de hasta 10 cm de largo, con el haz verde oscuro brillante y pecíolos amarillos. Flores blancas o blanco rosadas con pétalos de hasta 1,5 cm en corimbos de 3 a 7. El fruto es un pomo comestible, de verde a marrón.
Prospera en climas templados y algo húmedos. Es una especie criófila, con buena tolerancia del frío, aunque susceptible a las heladas primaverales. El peral presenta requerimientos de frío para una adecuada ruptura de la dormición e inicio de la nueva estación de crecimiento. Estos requerimientos de frío son muy variables, según los cultivares: desde 620 a 1800 horas de frío.​
El clima más adecuado se caracteriza por inviernos con suficiente frío invernal, pocas heladas tardías y primaveras y veranos soleados con temperaturas no muy elevadas. Florece a 7 °C y resiste temperaturas de –18 °C a –20 °C y hasta –40 °C en pleno reposo invernal. Hay una gama de variedades adaptadas a climas diferentes dentro de la zona templada y también a climas fríos de valles de montaña tropical con una temperatura promedio de 13 °C y precipitación media anual de 800 a 1000 mm.
P. communis proviene de Europa oriental y Asia Menor. En excavaciones arqueológicas se han encontrado vestigios del árbol domesticado que datan de 3000 años a. C. Los romanos mejoraron y difundieron su cultivo.
El peral se injerta principalmente sobre pie franco, es decir, plantas obtenidas por siembra de semilla, y sobre membrillero. La injertación se efectúa principalmente a yema dormida en otoño, aunque también pueden emplearse todos los injertos de púa.​
Algunos cultivares, como 'Old Home' y 'Bartlett' pueden propagarse por estacas o estaquillas, mediante sistema de niebla o nebulización intermitente (del inglés, mist). Con todo, los porcentajes de enraizamiento son bajos, y este sistema de propagación es poco practicado.​
Actualmente los principales productores son, en orden, China, Italia, Estados Unidos, España, Argentina, Alemania, Corea, Japón, Turquía, Chile y Sudáfrica. La mayor productividad la registra Austria con 44 toneladas por hectárea aproximadamente.
Pyrus communis fue descrita por Carlos Linneo y publicado en Species Plantarum 1: 479; 2: 1200, en el año 1753.​​
Klasika Primavera

La Klasika Primavera (en español: Clásica de Primavera), también conocida como el Klasika Primavera de Amorebieta, o en sus primeros años Gran Premio Primavera de Amorebieta, es una carrera ciclista profesional de un día española que se disputa en Amorebieta (Vizcaya, España) y sus alrededores, en el mes de abril.
La prueba suele tener lugar el domingo inmediatamente posterior a la Vuelta al País Vasco (de categoría UCI ProTour). Desde la creación de los Circuitos Continentales UCI en 2005 pertenece al UCI Europe Tour en la categoría 1.1.
Su recorrido suele ser similar todos los años, recorriendo las comarcas del Duranguesado y Arratia-Nervión (Vizcaya): unos 100 primeros kilómetros llanos con varios pasos por la meta de Amorebieta y posteriormente un circuito al que se dan varias vueltas, en las últimas ediciones tres, con los altos de Montecalvo (en euskera llamado Muniketa o Muniketagane) y Autzagane y a menos de 5 km después de coronar este último la llegada a Amorebieta.
Su organización corre a cargo de la Sociedad Ciclista Amorebieta.
En negrilla corredores activos.
En negrilla corredores activos.
Solo ediciones oficiales
Sisyrinchium platense

Sisyrinchium platense is a species of flowering plant in the family Iridaceae. Native to the Pampas region of South America (Bolivia, Peru, northern Argentina, southern Brazil, Uruguay) they are found growing in fertile and moist soils.
Sisyrinchium platense is a herbaceous perennial with many thin leaves produced from fleshy roots. It normally grows about 20 cm high.
Plants are spring blooming and the flower display is showy. Like other species in this genus they have flowers with six petal-like tepals that are bluish violet in color with darker veins, the flowers arise from the top of the stems and have green flat bracts. Fruits are capsules with many small seeds.
Men's Indoor Pan American Cup

The Men's Indoor Pan American Cup is an international indoor hockey competition for men and women organised by the Pan American Hockey Federation (PAHF). The tournament started in the year 2002 for both men's and women's competition.
Apart from 2004 and 2008 edition, the winner (for 2002, 2005 and 2010, including runner-up) of each tournament was awarded an automatic berth to the Men's World Cup, as the continental champion.
Centrosema virginianum

Centrosema virginianum is known by the common names of spurred butterfly pea, wild blue vine, blue bell, and wild pea. C. virginianum is a member of the family Fabaceae, it is identified by its trailing and twining vine and showy flowers. C. virginianum habitats are in sunny areas within pine lands, and coastal uplands.
Centrosema virginianum is a perennial herbaceous vine growing procumbently or twining to a height approaching two meters. It has alternate pinnately divided leaves, 3 to 10 centimeters long. Leaflets are lanceolate or ovate, 1 to 4 cm long, Stipules are often deciduous, and mostly setaceous. There is a wide range of leaflet forms, from linear to ovate to oblong or lanceolate-oblong, acute or acuminate at the apex. Flowering occurs in the spring and summer.
Flowers of Centrosema virginianum, are highly specialized, with an inverted (resupinate) banner to accommodate pollinators (bees). The inflorescence consists of one to four bisexual flowers on an axillary peduncle; the calyx is deeply five-lobed, and the acute lobes are longer than the tube. The corolla is purplish or lavender-blue to nearly white; the fruit contains four to ten dark brown seeds. The diversity of leaflet shapes and corolla size and color can lead to confusion with C. pubescens. C. virginianum's roots are capable of nitrogen fixation.
Centrosema virginianum ranges more or less continuously from Uruguay and northern Argentina to the eastern United States and Bermuda in tropical and subtropical areas. It is widely distributed throughout the West Indies and has become naturalized in tropical West Africa.
Arte sacro

El arte sacro es una denominación utilizada para todas aquellas producciones artísticas que tienen como fin un culto a lo sagrado o divino. Durante el trayecto de los siglos el cual se reconoce la fe, encontramos que el arte sacro intenta determinar cada pasaje y aspectos divinos por medio de pinturas, esculturas y mosaicos. Las representaciones más frecuentes en la Iglesia católica por ejemplo nos muestran el bautismo, el juicio, la crucifixión, la muerte y la resurrección de Jesucristo, también nos muestran a la Virgen María o imágenes de la Biblia.​
A lo largo de la historia del mundo ha sido difícil la diferenciación entre el arte religioso y el arte sacro. El primero nos muestra obras artísticas donde se muestra el amor y la fe en Dios. Sin embargo en el arte sacro podemos contemplar lo mismo que en el religioso pero que además sirve como culto a lo divino.​
El arte sacro era común en la Edad Media europea, pero muchos de los mayores maestros fueron mandados por la Iglesia católica durante el renacimiento. Fue durante ese tiempo cuando Miguel Ángel pintó la Capilla Sixtina y talló la Pietà, Gian Lorenzo Bernini creó las columnas en la Basílica de San Pedro y Leonardo da Vinci pintó La Última Cena. Uno de los temas cristianos más comunes es el de una mujer (la Virgen María) cogiendo en los brazos a un niño (el hijo, Jesús). El otro tema principal es el de Jesús sobre la cruz.
El género del arte sacro perdió la mayor parte de su vigor desde el Renacimiento, pero los temas son todavía populares como muestra Salvador Dalí en el siglo XX con obras como su Crucifixión. Después de la Segunda Guerra Mundial fue presentado algún buen trabajo principalmente por artistas franceses. La corriente estilística que más se ha preocupado por la iconografía cristiana en la época contemporánea han sido los expresionistas. Cabe destacar al alemán Emil Nolde, pintor que con el color refleja una gran espiritualidad, al francés Rouault, un artista que nos enfrenta a la representación de lo invisible, y Jorge Rando, pintor español que nos introduce a una región que pertenece al dominio del interior del individuo.
A causa de las prescripciones estrictas contra las pinturas de gente o animales que podrían causar la idolatría, el arte islámico desarrolló un carácter único, utilizando un número de formas primarias: geométrico, arábigo, floral y caligráfico. El arte musulmán ha reflejado la visión del mundo equilibrada, armoniosa. Esto enfoca la esencia espiritual más que la forma física. No ofrecen cuadros de santos ni ilustraciones de las historias del Corán, pero expresa conceptos fundamentales como la naturaleza infinita de Dios.
La mayor parte del arte tibetano-budista está relacionado con la práctica de Vajrayāna. El arte tibetano incluye thangkas y mandalas, a menudo incluyendo las pinturas de Buda y Bodhisattvas. La creación del arte budista por lo general es hecha como una meditación. El trabajo está rara vez firmado por el artista. Otra arte del arte tibetano-budista incluye objetos metálicos rituales, como el vashra y el phurba.
Impresión bajo demanda

Impresión bajo demanda o publicación bajo demanda (POD) es una metodología de publicación en la que se produce un número determinado de ejemplares en el momento de recibir un pedido.​
Mientras que la impresión bajo demanda se puede usar en cualquier tecnología de impresión, como linocut o impresión de cartas Gutenberg, la impresión digital se usa con tanta frecuencia que los términos se usan indistintamente.
"Print on Demand" es también una marca registrada de Cygnus Business Media, lo cual puede llevar a confusión.
Linograbado

El linograbado es una variante del grabado en la que una hoja de linóleo (a veces montada en un bloque de madera) se utiliza como matriz. El diseño se graba espejado y en negativo sobre la superficie de linóleo con un cuchillo afilado, gubia, o cincel en forma de V. La hoja de linóleo se entinta con un rodillo (llamado Brayer), y, a continuación, se imprime sobre papel o tela. La impresión puede hacerse a mano o con una prensa.
El linóleo es un material compuesto de aceite de linaza oxidada, y también contiene corcho, yute y pigmentos en su composición; además, su uso como revestimiento de suelo se remonta a 1860. La técnica de impresión linograbado se utilizó por primera vez por los artistas de Die Brücke entre 1905-13 en Alemania, donde se usaba de forma similar para la impresión de papel mural. En un principio sus obras fueron descritas como xilografías (lo que sonaba más respetable).
El material se distingue porque al ser tallado no tiene dirección particular, no tiene grano ni fibra que pudiesen tender a dividirse; es más fácil obtener determinados efectos artísticos con linóleo que con la mayoría de las maderas, aunque las impresiones resultantes pueden carecer del carácter granulado -a menudo angular- de xilografías y grabados. El linóleo es mucho más fácil de cortar que la madera, especialmente cuando se calienta, pero la presión del proceso de impresión degrada la placa más pronto, además de que es difícil crear grandes obras debido a la fragilidad del material en grandes superficies.
También se pueden elaborar matrices mediante la aplicación cuidadosa de hidróxido de sodio en pasta sobre partes de la superficie de linóleo. De este modo se crea una superficie similar a la de un grabado de fondo blando, obteniendo planchas de linóleo cáustico, que pueden aplicarse en forma de relieve, grabado o como impresión simultánea en color.
El linóleo en color se puede hacer mediante el uso de un bloque distinto para cada color como en un grabado en madera. Pablo Picasso demostró de manera muy eficaz que tales impresiones también se pueden lograr con el mismo segmento de linóleo, en lo que se denomina el método "reduccionista" de impresión. En esencia, después de imprimir el primer color en varios papeles, el artista limpia la placa de linóleo y corta lo que no se estampará con el color aplicado posteriormente. Así cada color se imprime en forma sucesiva sobre el papel o la tela.
La técnica de grabado en linóleo es muy estimada y utilizada por los artistas plásticos en el presente y por sus características es una actividad muy apropiada para realizar en las aulas de artes plásticas.
Entre los artistas que han utilizado esta técnica cabe destacar al mencionado Pablo Picasso (1881-1973), Henri Matisse (1869-1954) y Jean Arp (1887-1966), entre otros.
Traje típico de Quetzaltenango

El Traje Típico de Quetzaltenango es el traje que se usa en la región de Quetzaltenango. Además, a diferencia de otros trajes del país, es grueso debido al frío que se vive en Quetzaltenango. Por ser un departamento del occidente.
Como otros trajes típicos, Quetzaltenango tiene ciertos símbolos sagrados, que tienen significado y una historia en el Güipil, que no podían ser alterados, ya sea la forma o el color en el pasado, pues eran regidos por el o los sacerdotes de la ciudad o el pueblo......
Es importante destacar que es uno de los más representativos del país, y que cada uno de los municipios de quetzaltenango tiene uno propio, pero el más representativo es el de "Xelajú".
Está conformado por tres colores tradicionales mayas, que significan:
El huipil está adornado con floreros, estrellas, y varios diseños de pájaros. El corte se une al huipil por una delgada faja de hilos naturales.​
En algunas ocasiones, especialmente como respeto a la familia del difunto, se usa un traje que es de color morado y negro, que significa luto, oscuridad, muerte; o bien, solo se es usado un perraje de estos colores y el blanco.
Lamentablemente, el traje de los hombres cayó en desuso, por lo que se usa una camisa blanca, con pantalón blanco, que es sujetado por una faja roja, y, a veces se usa un morral, o bien, un pañuelo en el cuello, o bajo el sombrero.
Escudo de Amazonas (Colombia)

El Escudo del Amazonas es el principal emblema y uno de los símbolos oficiales del departamento colombiano del Amazonas.​ Fue aprobado por medio de la Ordenanza 020 de 2 de marzo de 1995.
El escudo es creación de Rodrigo Gómez Claros, diseñador gráfico colombiano y ganador del Premio Nacional de Diseño Gráfico en 1994 por esta obra.​
La forma del escudo es un círculo rodeado por una corona de plumas. Fue diseñado de manera sencilla y moderna para su fácil identificación y uso.​
El principal elemento en el círculo es su forma, que se asemeja al de la Victoria regia, que es muy difícil de identificar a primer vistazo; arriba y abajo tiene dos aperturas, y su color verde simboliza también la selva amazónica.
En la parte media de esta figura se encuentran las corrientes del río Amazonas, que da su nombre al departamento y que es la parte más importante de la región. Representa la vida en todas sus formas y ambos representan la flora y la fauna de la región.
La corona exterior es de colores cálidos está basada en las coronas de plumas usadas por los indígenas de la región en sus ceremonias y rituales, la cual es además símbolo del conocimiento y la jerarquía. La corona de plumas rodea todo el escudo, ya que también representa el sol como la fuente de la vida y la energía, otro elemento importante de la cultura nativa.
Escudo de Suazilandia

El escudo de Suazilandia fue adoptado el 30 de abril de 1968, poco después de proclamarse la independencia, y concedido por el rey Sobhuza II. En un campo de azur, figura el escudo tradicional zulú puesto en palo, con las flechas y el bastón de lucha, todo al natural, procedentes de la bandera. Como soportes, un león a la diestra y un elefante a la siniestra, también al natural, a ambos lados del escudo, que descansan sobre una cinta con el lema nacional en suazi: “Siyinqaba” que significa "Somos la fortaleza”, escrito en letras mayúsculas. Como cimera, un burelete de azur y oro sumado de una corona de plumas al natural.
El escudo representa diversos elementos de la cultura suazi. El león representa el rey, y el elefante la reina madre. El ishilunga, o escudo de guerra zulú, es una señal de protección, y la corona de plumas, llamada lidlabe, la suele llevar el rey durante el Incwala, o fiesta de la cosecha.
Fanny Cerrito

Francesca " Fanny " Cerrito (Nápoles, 11 de mayo de 1817 -París, 6 de mayo de 1909) fue una bailarina y coreógrafa de ballet italiana, destacada por la brillantez, la fuerza y la vivacidad de su baile. También fue una de las pocas mujeres del siglo XIX en ser reconocida por su talento como coreógrafa.
Estudió con Carlo Blasis y los coreógrafos franceses Jules Perrot y Arthur Saint-Léon, el último de los cuales fue su esposo de 1845 a 1851. Fanny Cerrito se formó en la escuela de ballet de San Carlo Opera House y más tarde bajo la dirección de supervisión de Salvatore Taglioni. Su primera aparición en el escenario fue en 1832 cuando ganó reconocimiento casi de inmediato. En 1836-1837, su fama comenzó a extenderse más allá de Italia y apareció en Viena en donde bailó algunas de sus propias obras coreografiadas. De 1838 a 1840, continuó bailando con La Scala de Milán, donde ganó aún más atención. En 1843, Cerrito y Marie Taglioni bailaron en el mismo programa en Milán; este evento causó tanta conmoción que la ciudad se dividió entre las dos grandes bailarinas rivales. Mientras estaba en Milán, Fanny comenzó su colaboración con Jules Perrot, durante la cual coreografiaron Ondine, ou La naïade (1843), así como Alma (1842) y Lalla Rookh (1846). Más tarde, en 1845, su talento coreográfico fue reconocido después de presentar su propio ballet, Rosida. Durante nueve temporadas, de 1840 a 1848, Cerrito se convirtió en una bailarina muy respetado en el Her Majesty's Theatre de Londres, donde el chef Alexis Soyer creó un postre moldeado en su honor que estaba rematado con una figura en miniatura de la propia bailarina, ingrávidamente suspendida sobre una espiral en zig-zag de azúcar hilado.​
En 1845, Cerrito bailó en el Pas de Quatre con Marie Taglioni, Carlotta Grisi y Lucile Grahn. Como era la bailarina menos conocida, Grahn accedió a bailar primero, mientras que a Taglioni se le había ofrecido el privilegio de bailar en la codiciada última posición, por consentimiento unánime. Sin embargo, ni Grisi ni Cerrito aceptarían bailar antes que el otro. Se requirió una gran diplomacia por parte de Benjamin Lumley, el director de la ópera, para arreglar el orden de los dos solos del medio, y cuando proclamó que la de mayor edad de los dos debería ser la última, Cerrito se mostró renuente a reclamar su 'premio'.​
Alessandra Ascarelli (1980). «CERRITO, Fanny (Francesca)». Dizionario Biografico degli Italiani (en italiano). Volume 24. Istituto dell'Enciclopedia Italiana.
Municipio de Coatlán del Río

El municipio de Coatlán del Río es un municipio del estado de Morelos en México. Su cabecera es la localidad de Coatlán del Río. Colinda al norte con la localidad de Malinalco y el municipio de Miacatlán, al sur con los municipios de Tetecala y Amacuzac, al oriente con Tetecala y Miacatlán y al poniente con las localidades de Zumpahuacan y Pilcaya. Se compone de las siguientes localidades: Coatlán del Río (cabecera municipal), Cocoyotla, Chavarría, Tilancingo, Michapa, Colonia Morelos, Colonia Cuauhtémoc, Colonia el Cerrito, Apancingo, Colonia Benito Juárez, San Antonio, Buenavista de Aldama, Tezoquipa, el Axixintle, el Canelillo, Cuernavaquita, los Pósitos,el Amate y San José.​
Coatlán del Río es una combinación de vocablos nahuas y castellanos. La palabra Coatlán viene del náhuatl koatlan, la cual se compone de dos vocablos: koatl, que quiere decir "serpiente" y tlan, que significa "abundancia", por tanto Coatlán significa Lugar donde abundan las serpientes.
El primer asentamiento en la zona fue establecido por los Toltecas en 1509. Durante la colonia el territorio se convirtió en la Encomienda del conquistador Juan Zermeño. Coatlán del Río fue establecido como municipio el 22 de mayo de 1862, la extensión del municipio representa el 2.06% de la superficie total del estado.
Coatlán del Río cuenta con 21 localidades que son:
Las siguientes localidades han sido absorbidas por la cabecera municipal, pero en un pasado fueron pueblos por sí solos:
Las siguientes localidades se encuentran actualmente deshabitadas:
La más tradicional es la feria de los reyes magos el día 6 de enero, iniciando el día primero con una tradicional mojiganga. Al igual que la anterior fiesta que ya es tradicional en el municipio, también se encuentran las religiosas, con las cuales se da tributo a "Padre Jesús" conmemorando la devoción y fe de todos los habitantes del municipio, esta fiesta inicia en Semana Santa. Continuando con las fiestas patrias iniciando el 15 de septiembre con el ya tradicional "Grito de Independencia", dado por el presidente Municipal en función y coronación de la reina de las fiestas patrias, el 16 de septiembre se conmemora la independencia con un colorido desfile cívico en donde participa el cabildo municipal y administrativos del mismo ayuntamiento, preescolares, primarias y secundarias.
Pudding corn

El pudding corn (en inglés ‘budín de maíz’), corn pudding, corn mash (‘puré de maíz’) o country pudding (‘budín campero’) es una comida gelatinosa hecha con maíz estofado, agua, algún agente espesante y opcionalmente ingredientes adicionales para dar sabor o textura. Se emplea típicamente como receta básica en comunidades rurales del sureste de los Estados Unidos, especialmente los Apalaches.
Las recetas para este plato generalmente insípido abundan, sirviéndose habitualmente caliente como una sopa.
El pudding corn no debe confundirse con el hasty pudding, que se hace con maíz molido en lugar de con granos enteros.
Agricultura de México

El Agricultura de México fue un equipo que participó en la Liga Mexicana de Béisbol con sede en la Ciudad de México, México.
El Agricultura participó durante dos temporadas en la Liga Mexicana de Béisbol, debutó durante la temporada de 1926 cuando tomó el lugar del equipo Carmona de México, después de 3 juegos de la segunda vuelta donde terminaron con marca de 5 ganados y 3 perdidos a un juego y medio del líder. Su segunda aparición fue hasta la temporada de 1937 donde pasó a formar parte de la recién creada Zona Sur donde terminó en cuarto lugar con 12 ganados y 13 perdidos a 8 juegos y medio del primer lugar. El siguiente año el equipo desapareció al reducir el número de equipos de la liga de 12 a 8.​
El Agricultura de México tuvo como casa el Parque Delta con capacidad para 20,000 espectadores.
Por definir.
Ninguno.
Horror en el hipermercado

«Horror en el hipermercado» es una canción interpretada por el grupo español Alaska y los Pegamoides. La compañía Hispavox, la publicó en 1980 como su sencillo debut. Fue compuesta por Carlos Berlanga y Nacho Canut, mientras que Julián Ruiz la produjo. En el documental A quién le importa, Canut explicó que la inspiración para la canción surgió de una circunstancia común en sus vidas: para ambos, todo giraba en torno a un hipermercado, además de que les resultaba fascinante que existiera al menos uno en Madrid. El personaje de Mari Pili es mencionado recurrentemente a lo largo de la canción, ya que la trama se centra en torno a ella.
Alaska, en diversas ocasiones, ha señalado que la producción a cargo de Julián Ruiz no cumplió con sus expectativas, por lo que inicialmente consideraron a Tino Casal como productor para sus próximos proyectos.
«Horror en el hipermercado» es una de las canciones más conocidas del grupo, llegando al número 26 en la lista semanal de sencillos más vendidos de España en 1980.
La composición de la canción, originalmente conocida como «Terror en el hipermercado» corrió a cargo de Carlos Berlanga y Nacho Canut, quienes fueron los principales compositores de la mayoría de los temas de Pegamoides.
Lanzada por Hispavox, la canción fue incluida posteriormente en el álbum recopilatorio Alaska y los Pegamoides (1982). Sin embargo, finalmente decidieron asumir la producción de sus canciones por sí mismos. El sencillo alcanzó el puesto número 26 en la lista semanal de los sencillos más vendidos en España en 1980. La portada del sencillo fue diseñada por Costus.​
El vídeo musical fue grabado en el primer hipermercado de Madrid en 1980. La producción inicia con una imagen de Mari Pili, la protagonista del vídeo, representada por un maniquí, seguida por una escena en la que los miembros de Pegamoides se disponen a tomar dos carros de la compra. Alaska, acompañada de Carlos Berlanga, canta el estribillo en la sección de frutas, mientras Alaska sostiene un bote de laca para el cabello. Posteriormente, se les une Ana Curra y Eduardo Benavente, quienes aparecen en un carro, mientras Nacho recoge productos de los estantes.
En la sección de lácteos, Alaska y Carlos continúan su actuación, mientras el resto de los Pegamoides se muestran empujando un carro que contiene la cabeza de Mari Pili. El vídeo culmina con la imagen del maniquí, completamente descuartizado, en la sección de congelados del hipermercado.
Retrato de Giovanna Tornabuoni

El Retrato de Giovanna Tornabuoni es una pintura del pintor italiano renacentista Domenico Ghirlandaio realizada hacia 1489-1490 pero que muestra una inscripción fechada en 1488, año del fallecimiento de la dama. En la actualidad, permanece expuesta en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid (España).
La obra estuvo entre los bienes de la familia Tornabuoni en su palacio de Florencia. Durante el siglo XVII pasó a ser propiedad de la familia Pandolfini. Más tarde formó parte de la colección del barón Achille Seillière y de la princesa Sagan. En 1878 se registró en Brighton, en la colección de Henry Willet, de donde pasó a la de Rodolphe Kann. En 1897 fue reproducida en un grabado realizado al aguafuerte y buril por el artista francés Armand Mathey y publicado por Charles Sedelmeyer.
Adquirida por el banquero J. P. Morgan Jr. en 1907, se integró en The Morgan Library & Museum de Nueva York, pero fue vendida con destino a la colección Thyssen-Bornemisza en 1935. Permaneció en la mansión familiar de Lugano (Suiza) hasta la inauguración del Museo Thyssen-Bornemisza en 1992, y al año siguiente fue adquirida por el Estado español junto con el núcleo de la colección, lo que aseguró su permanencia en el museo madrileño.
La pintura retrata a Giovanna degli Albizzi, una mujer de la nobleza florentina que se casó con Lorenzo Tornabuoni. Murió dando a luz en 1488, año que consta en la pintura; que se supone realizada póstumamente uno o dos años después. Si bien no consta en la obra la identidad de la dama, no se duda de quién es pues en un mural del mismo Ghirlandaio en la Capilla Tornabuoni de la Basílica de Santa María Novella de Florencia ella aparece representada con el mismo peinado y atuendo, y existen medallas de la época (una de ellas, atribuida a Niccolò Fiorentino) que muestran a la misma mujer.
Representa a una mujer joven de lado, llevando preciosas ropas, incluyendo una gamurra. A la derecha, detrás de ella, está colgado un collar de coral (quizás un rosario), un libro parcialmente cerrado y una inscripción latina, tomada de un epigrama del poeta del siglo I d. C. Marco Valerio Marcial. El texto dice: « ARS VTINAM MORES/ANIMVMQVE EFFINGERE/POSSES PVLCHRIOR IN TER/RIS NVLLA TABELLA FORET/MCCCCLXXXVIII ». (Oh arte, si tan solo pudieras representar el alma y el carácter, no habría una imagen más hermosa en la tierra).​
Linocut

Linocut, also known as lino print, lino printing or linoleum art, is a printmaking technique, a variant of woodcut in which a sheet of linoleum (sometimes mounted on a wooden block) is used for a relief surface. A design is cut into the linoleum surface with a sharp knife, V-shaped chisel or gouge, with the raised (uncarved) areas representing a reversal (mirror image) of the parts to show printed. The linoleum sheet is inked with a roller (called a brayer), and then impressed onto paper or fabric. The actual printing can be done by hand or with a printing press.
Since the material being carved has no directional grain and does not tend to split, it is easier to obtain certain artistic effects with lino than with most woods, although the resultant prints lack the often angular grainy character of woodcuts and engravings. Lino is generally much easier to cut than wood, especially when heated, but the pressure of the printing process degrades the plate faster and it is difficult to create larger works due to the material's fragility.
Linocuts can also be achieved by the careful application of art on the surface of the lino. This creates a surface similar to a soft ground etching and these caustic-lino plates can be printed in either a relief, intaglio or a viscosity printing manner.
Colour linocuts can be made by using a different block for each colour as in a woodcut, as the artists of the Grosvenor School frequently did. As Pablo Picasso demonstrated, such prints can also be achieved using a single piece of linoleum in what is called the "reductive" print method. Essentially, after each successive colour is imprinted onto the paper, the artist then cleans the lino plate and cuts away what will not be imprinted for the subsequently applied colour.
Due to ease of use, linocut is widely used in schools to introduce children to the art of printmaking, using it to complete many tasks in the art lesson rather than going straight for the pencil and eraser. Similarly, non-professional artists often cut lino rather than wood for printing. Nevertheless, in the contemporary art world the linocut is an established professional print medium, because of its extensive use by the artists of the Grosvenor School, followed by Pablo Picasso and Henri Matisse.
"Linoleum art" was first displayed in New York City in 1911 by the Czech émigré Vojtěch Preissig. In his publications on linocuts (1926–29) the respected American printmaker, Pedro Joseph de Lemos, simplified the methods for art schools and introduced new techniques for color linocuts, including the printing of the key block first. The first large-scale colour linocuts made by an American artist were created c. 1943–45 by Walter Inglis Anderson, and exhibited at the Brooklyn Museum in 1949.
Angie Lewin

Angie Lewin (born 1963) is a British printmaker working in linocut, wood engraving, lithography and screen printing.
Lewin was born in Bollington, Cheshire in 1963. She studied Fine Art Printmaking at the Central School of Art and Design, London between 1983 and 1986. That was followed by a year's part-time postgraduate printmaking at Camberwell School of Arts and Crafts, and then garden design at Capel Manor College. After working in London as an illustrator, Lewin studied horticulture and moved to Norfolk to return to printmaking. She lives in Weybourne on the North Norfolk coast with her husband, Simon Lewin.
Lewin is inspired by the hilltops and saltmarshes of the North Norfolk coast, and the Scottish Highlands. She depicts these contrasting environments and their native flora in wood engraving, linocut, silkscreen, lithography and collage. Lewin states that she has been influenced by the artists Eric Ravilious and Edward Bawden.
As well as designing fabrics, wallpapers and stationery for the company she runs with her husband Simon, Lewin has completed commissions for Penguin, Conran Octopus and Picador. She has designed fabrics for Liberty's Autumn Winter 2010 collection, including the Winter Stem design used for Liberty's 2011 Comic Relief Shopper Bag.
Lewin has exhibited widely across Britain since 1986, including at the City Art Centre, Edinburgh, and at the Willis Museum and Sainsbury Gallery, Basingstoke.
Lewin was elected to the Royal Watercolour Society in 2016. She is a member of the Royal Society of Painter-Printmakers, The Society of Wood Engravers and The Art Workers' Guild.