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ヴィブラフォン

ヴィブラフォン (またはヴァイブラフォンとも。英: Vibraphone)は、金属製の音板をもつ鍵盤打楽器で、鉄琴の一種。楽譜上の略記はVib. Vibe.などが用いられる。
後述の通り電力が必要になる楽器ではあるが、発音する際に電力は使用しないため、電気楽器には分類されない。
日本語の場合は vi の発音表記の違いから、ヴィブラフォン、ヴァイブラフォン、ビブラフォン、ヴァイブ、バイブ、と表記が様々で、統一はされていない。一部吹奏楽関係等ではビブラと呼ばれることもあるが、正式な呼び名、印刷物には使われていない。ヤマハの製品情報サイトでは「ビブラフォン」表記のみである。
通常の鉄琴や木琴と同様、ピアノの鍵盤の順番に並べて置かれた音板をばち（マレット）で叩いて音を出す。ヴィブラフォンの音板は一般的にアルミニウム合金製であり、普通用いられる鉄琴よりも大きく低い音の出る音板が用いられる。マリンバ同様に音板の下に共鳴管が並んでいる。共鳴管の上端に丸い「はね」（ファンとも呼ぶが、本稿では「はね」とする。）を設置し、このはねを電気モーターによって回転させるとはねが管の上端を閉じたり開いたりして、振動の共鳴管への伝わり方が増減する。それによって共鳴管の共鳴量が変化し、音量が増減を繰り返し、音のふるえ（ヴィブラート）を起こす。楽器の名称はここから来ている。
電気モーターの回転数を制御する回路が組み込まれており、はねの回転の速度は変化させることができ、また、停止して演奏することもある。音の余韻をコントロールするダンパーペダルによってロングトーンを演奏する事が可能で、マリンバや木琴と大きく異なる機能である。ヴィブラフォンがVibraphoneと呼ばれるのは、このロングトーンによる残響・共振(ヴァイブレーション)に起因するとも言われている。ダンパーペダルを踏むと装置が離れ、離すと装置が音板に触れ、残響を止める。
音色の変化ははねの回転速度の他に、マレットの材質（特に堅さ）や大きさ、叩く位置などによって得られる。はねの回転速度を遅くし大きめでややソフトなヘッドを持つマレットと、ハーフダンプリングを多用したミルト・ジャクソンの奏法などが知られる。
音域はF2-f5までの3オクターブだが、4オクターブ以上のヴィブラフォンを製造しようという試みも古くからあり、2018年現在Bergerault (フランス), Studio 49 (ドイツ), 4.3オクターブまで拡張したVanderPlas (オランダ), DeMorrow (アメリカ合衆国), アメリカ・ヤマハ (アメリカ合衆国・日本では販売されていない)の五社だけ生産しているが、定着していない。
足元のペダルの部分にハープの飾りを施した物があったため、初期のムッサー社のカタログ等、Vibraharpというネーミングで呼ばれた時期がある。70年代にはビブラートを使わない奏者がアルバムクレジットに用いた事もある。
マレットは主として毛糸巻きのものが使われる。また、近年はダンパーペダルとマレットを使ったミュートを組み合わせたダンプリング(Dampening and/or Pedaling Techniques)が普及している。この奏法はゲイリー・バートンによって世界中に広められた。ヴィブラートを使う奏者は左右に1本ずつのマレットを使う2マレット・スタイルが多く、ノン・ヴィブラートの奏者は片手に2本ずつの4マレット・スタイルが多いのも特徴と言える。ヴィブラートを使った奏者の代表としては、ライオネル・ハンプトン、ミルト・ジャクソン、国内では大井貴司等が広く知られている。ノン・ヴィブラート奏者の代表としては、ゲイリー・バートン、デイビッド・フリードマン、国内では赤松敏弘等が広く知られている。
特殊奏法として、コントラバスの弓でこすって演奏する奏法がある。
小中学校ではヴィブラフォンを鉄琴の代用品として使う場合がある。この場合は、コンセントに接続せず、ダンパーペダルも使わない。ただし、羽根の位置を開いた状態で止めないと響きが悪くなる。
1921年頃にアメリカの楽器メーカー、ディーガン社が開発した楽器がヴィブラフォンの誕生とされ、その直後に後の世界のスタンダード機種となる同じアメリカの楽器メーカー、ムッサー社も製造を始めた。
クラシック音楽では、アルバン・ベルクのオペラ『ルル』（1935年未完）の中で効果的に使用されたのが最初期の例である。
この楽器が最初にポピュラリティーを得たのは1930年代に録音された元ドラマーのライオネル・ハンプトンによる「Memories of You」からで、1947年に録音されたライオネル・ハンプトン・オールスターズの「スターダスト」はスイング・ジャズの傑作とされる。
1948年にアルバムデビューしたミルト・ジャクソンは、ハンプトンが齎したヴァイブラフォンの知名度を、ゆったりしたビブラートを使った独特の音色と雰囲気によってジャズのメイン・インストルメンツとして確立させた。1952年に参加したMJQ(モダンジャズクァルテット)での演奏は、世界中に今も多くのファンを持つ。また彼の演奏スタイルは後のヴィブラフォン奏者に多大な影響を残す。大きなヘッドを持つ独特のマレットを使った音色はジャズヴァイブの代名詞とされている。
1961年にアルバムデビューしたゲイリー・バートンは4本のマレットを使ったジャズヴァイブ奏法の創始者とされる。1967年よりジャズ&ロックの演奏で人気を博し、1970年代からはチック・コリア(p)とのデュエットや当時新人だったパット・メセニー(g)の自己のバンドへの起用など、コンテンポラリーなジャズヴァイブの開拓で知られる。1972年にコリアと録音した『クリスタル・サイレンス』の演奏はジャズに限らず現在でも世界中のマレット奏者に影響を与えている。
1940年代からジャズミュージシャンが中心となってヴィブラフォンの奏法開拓と普及に貢献している。近年になってクラシックのマリンバ奏者もヴィブラフォンをメイン・インストルメンツとして演奏の中で使うようになった。
廃業したメーカーは除外してある。
地上波テレビがまだ24時間放送形態ではなかった時代、1988年のCBCテレビが放送を終了する際のナレーションに、ヴィブラフォンのソロをかぶせていた。1982年もハモンドオルガンの伴奏によるヴィブラフォンのソロを用いていた。
ワールドミュージック

ワールドミュージック (英: World music) とは、アフリカ、ラテンアメリカ、アジア、バルカン半島、ケルト、ロマほか世界の各地域と民族の、多様な音楽を包括する音楽用語である。
ワールド・ミュージックの定義としては、以下のような例を挙げることができる。
この用語は民族音楽学者のロバート・エドワード・ブラウン（英語版）が1960年代前半に造語したものである。当時彼はウェズリアン大学で学部生の教育・訓練を行っており、効果的に学習させるために、アフリカやアジアの演奏家たちを10人以上招いて一連のワールドミュージックコンサートを開催したのである。また、民族音楽学者のブルーノ・ネトルは、1985年の自著において、19世紀前後から始まった世界のグローバル化と音楽メディアの発達の影響から、ヨーロッパ音楽の要素を取り入れて非ヨーロッパ地域で作られた新しい音楽群を「ワールドミュージック」と呼んだ。
「ワールド・ミュージック」は最初、学術の世界で非・西洋の音楽を指すために用いられた側面がある。もうひとつは、ピーター・バラカンや北中正和が共通して紹介している、イギリスのレコード店から分類が困難なレコードがあると意見が寄せられ、1987年に同国で始まったという説である。また輸入盤通販店「タムボリン」の店主で、元・音楽雑誌「包（Pao）」の編集長の船津潔は「ワールドミュージックという音楽用語は1987年のイギリスの音楽雑誌『フォーク・ルーツ』（のちに『エフルーツ』と名称を変更）に見ることができる。『フォーク・ルーツ』は11社11枚のCDを ”World Music” の名の下に広告を打った。これを機にワールドミュージックというジャンルが世界規模で始動した」と指摘する。ワールド・ミュージックは80年代後半には音楽界やレコード業界での流行語になっていた。
フランスでは、毎年、夏至の6月21日、フランスのさまざまな地域で "Fête de la Musique"（音楽祭）が開かれており、ここでは特定の地域の音楽に限定することなく、世界中の音楽の演奏家たちが参加しフランス全土で演奏する音楽祭である。また、この Fête de la Musique の日以外でも、世界各地の演奏家を招いて、フランスの音楽家と世界の音楽家の共演が見られる。
第二次世界大戦後には、マンボやチャチャチャ、ルンバ、タンゴといったラテン音楽も流行した。1960年代、1970年代には、ミリアム・マケバの「パタパタ」、ヒュー・マセケラの「グレイジング・イン・ザ・グラス」がヒットした。マヌ・ディバンゴやオシビサも活躍した。また、ミリー・スモールの「マイ・ボーイ・ロリポップ」やデスモンド・デッカーの「イズラエライツ」（「イスラエルちゃん」1969年）がイギリス発信でヒットした。さらにラテンでは、ホセ・アルベルト、ピート・ロドリゲス、ジョー・バターン、ジョー・クーバ、レイ・セプルベダ、ファニア・オールスターズらが活躍した。アメリカ白人のサイモン・アンド・ガーファンクルの「コンドルは飛んでゆく」が70年にヒットしている。この曲でフォルクローレの存在を知らしめたポール・サイモンは、1972年に「母と子の絆」でレゲエのリズムを紹介し、ワールド・ミュージックと関わったミュージシャンの先駆けとなった。ポール・サイモンは、1980年代に入ってからもワールド・ミュージックに関心を持ち続け、1986年にアルバム「グレイスランド」をヒットさせた。1960年代のヒッピー・ムーブメントやヒンズー教、瞑想、禅、ブッディズムなどの影響を受けたビートルズやローリング・ストーンズなどのロック・ミュージシャンたちは、インド音楽に傾倒した。インドのシタール奏者、ラヴィ・シャンカルは、ウッドストック・フェスティバルにも出演したことは、こういった時代背景があった。1973年には、マヌ・ディバンゴ（カメルーン）の「ソウル・マコッサ」がアメリカでヒットしている。
2000年代以降には、マヌ・チャオやフェルミン・ムルグサ、バルカン半島のタラフ・ドゥ・ハイドゥークス、ファンファーレ・チョカルリア、ノー・スモーキング・オーケストラらも紹介された。
「ワールド・ミュージック」が含みうる要素としては、音階組成や旋律のパターン、伝統的なリズム、和声など作曲技法に関わるものと、楽器の種類や発声などシステムの要素の融合によって形成される。また、ギターから変形したチャランゴのように、楽器自体が変質した音楽も含められる。
日本では、1980年代以降に、キング・サニー・アデ、ユッスー・ンドゥール、サリフ・ケイタ、レディスミス・ブラック・マンバーゾ、オフラ・ハザなどが話題となった。ウォーマッドは、日本でも1991年から5年間開催された。細野晴臣が1989年にワールドミュージックをテーマにしたアルバム『オムニ・サイト・シーイング』を発表。また、日本の音楽グループで、ワールドミュージック風の楽曲を演奏する「上々颱風」などのグループも登場した。日本の三味線の演奏家や琴の演奏家や和太鼓の演奏家が外国から招かれて現地に飛び、当地の音楽家と、土着の音楽と日本の音楽を融合させた音楽を演奏する活動も行われている。2000年4月から2013年3月まで、NHK-FMで『ワールドミュージックタイム』が放送された（DJ：北中正和）。2012年4月2日から、NHK-FM『音楽遊覧飛行』の「エキゾチッククルーズ」で、ワールドミュージックが紹介されている（DJ：サラーム海上）。
* 英語圏によるもの
木琴

木琴（もっきん）とは、木製の音板をピアノの鍵盤と同じ順番に並べ、マレット（ばち）で叩いて音を出す打楽器の総称。同様の楽器に金属の音板を用いる鉄琴がある。また、これらの楽器を鍵盤打楽器と呼ぶことがある。いずれも体鳴楽器に分類される。
木琴という語は、もともと清楽の楽器名として用いられた。シロフォンは広義では木琴類すべてを含むが、オーケストラではシロフォンとマリンバは一般に別の楽器として扱われる。
鉄琴

鉄琴（てっきん）は、金属製の音板を鍵盤状に並べ、マレット（ばち）で叩いて音を出す打楽器の総称。いずれも体鳴楽器に分類される。同じような形をしているが木製の音板によるものを木琴と呼ぶ。鉄琴や木琴のように音板を並べる打楽器を総称して鍵盤打楽器と呼ぶことがある。
日本語では鉄琴と呼ぶものの、音板の材質は必ずしも鉄とは限らず、比較的新しいヴィブラフォンをはじめとして、立奏鉄琴、ボックスフォンなどはアルミニウム合金製が多い。
鉄琴には次のような種類がある。
春琴抄

『春琴抄』（しゅんきんしょう）は、谷崎潤一郎による中編小説。盲目の三味線奏者・春琴に丁稚の佐助が献身的に仕えていく物語の中で、マゾヒズムを超越した本質的な耽美主義を描く。句読点や改行を大胆に省略した独自の文体が特徴。谷崎の代表作の一つで、映像化が多くなされている作品でもある。英訳タイトルは"A Portrait of Shunkin"。
1933年（昭和8年）6月、『中央公論』に発表された。単行本は、「蘆刈」と「顏世」の2作品と共に収録し、同年12月に創元社より刊行された。単行本初版の表紙には黒漆塗りと朱漆塗りの二種類が存在しており、後者は発行部数が極めて少ない珍本である。
物語は「鵙屋春琴伝」という一冊の書物を手にした「私」が、春琴の墓と、その横に小さくある佐助の墓を参り、2人の奇縁を語るモノローグで始まる。
大阪道修町の薬種商鵙屋の次女、春琴（本名は琴）は9歳の頃に眼病により失明して音曲を学ぶようになった。春琴の身の回りの世話をしていた丁稚の佐助もまた三味線を学ぶようになり、春琴の弟子となる。わがままに育った春琴の相手をさせようという両親の思惑とは裏腹に、春琴は佐助が泣き出すような激しい稽古をつけるのだった。やがて、春琴が妊娠していることが発覚するが、春琴も佐助も関係を否定し、結婚も断る。結局、春琴は佐助そっくりの子供を出産した末に里子に出した。
やがて春琴は20歳になり、師匠の死を機に三味線奏者として独立した。佐助もまた弟子兼世話係として同行し、我が儘がつのる春琴の衣食住の世話をした。春琴の腕前は一流として広く知られるようになったが、種々の贅沢のために財政は苦しかった。
そんな中、春琴の美貌が目当てで弟子になっていた利太郎という名家の息子が春琴を梅見に誘って口説こうとするが、春琴は利太郎を袖にしたあげく、稽古の仕置きで額にケガをさせてしまう。その1ヵ月半後、何者かが春琴の屋敷に侵入して春琴の顔に熱湯を浴びせ、大きな火傷を負わせる。
春琴はただれた自分の顔を見せることを嫌がり、佐助を近づけようとしない。春琴を思う佐助は自ら両眼を針で突き、失明した上でその後も春琴に仕えた。佐助は自らも琴の師匠となり、温井（ぬくい）琴台を名乗ることを許されたが、相変わらず結婚はせずに春琴の身の回りの世話を続けた。
春琴は1886年（明治19年）に脚気で亡くなり、佐助もまた、その21年後の1907年（明治40年）に亡くなった。
春琴抄は、改行、句読点、鈎括弧などの記号文字を極力使わない特徴的かつ実験的な文体で書かれており、新潮文庫版で10行近く句点がないことも珍しくなく、文章の区切りとして数ページ毎に空行がある他は、作中で一度も改行を使っていない。一般的には句点を必要とする場所でも句点を使わずに書いてあることも多く、例えば「…した。すると…」とか「…であろう。最初は…」といった場所が「…したすると…」とか「…であろう最初は…」となっている。
初版では全編で変体仮名が多く用いられているが、後の版では通常の仮名に改められている。
正宗白鳥は『中央公論』において「聖人出づると雖も、一語を挿むこと能わざるべしと云った感に打たれた」と称賛した一方で「明日の日は、私もこういう文学を唾棄するかも知れない」と書いている。小林秀雄は「特に心を動かされたでもなし、深く考えさせられたのでもない」と、本作について消極的な見解を示した。川端康成は本作について「ただ嘆息するばかりの名作で、言葉がない」と評した。
英文学者でもある文芸評論家の西村孝次は、昭和八年は他の文豪が多くの作品を残した年であるとした上で、それらの中でも『春琴抄』が「時局のせいでも題材の珍しさのためでもなく、作者の精神と技工の次元と成熟のゆえ」ひときわ高く抜きんでていると評している。小説家の円地文子は、谷崎文学中で屈指の名作とした上で、谷崎の作品群にみられる女性憧憬という一貫した主題の中で、『春琴抄』は女を相手にして悪戦苦闘の末についに法悦の境にまで達する顛末を完全に描いたとしている。小説家の山崎ナオコーラは、『春琴抄』が視力を失う物語の中で逆説的に多様な視力を描いているとしており、「頭の中で好きな人を見る幸せを、こんなにも素晴らしく描き出した作品は他にない」と評している。
これ以前のものに関しては、『谷崎潤一郎「春琴抄」の劇化について』（赤井紀美）に詳しい。
琴浦パーキングエリア

琴浦パーキングエリア（ことうらパーキングエリア）は、鳥取県東伯郡琴浦町の山陰自動車道にあるパーキングエリアである。道の駅琴の浦（みちのえき ことのうら）として運営されている。琴の浦インターチェンジ（ことのうらインターチェンジ）を併設する。
雲居の雁

雲居の雁（くもいのかり、雲居雁、雲井の雁）は、紫式部の物語『源氏物語』に登場する架空の人物。
雲居の雁という名前は本文中には現れず、夕霧と引き離された心情を「雲居の雁もわがごとや（晴れない霧の中を飛ぶ雁は今の私と同じような気持ちなのだろうか）」と口ずさんだ「少女」巻のエピソードに因み、後世の人が名づけたもの。
頭中将（葵の上の兄）の娘。母は早くに離縁し按察大納言の北の方となっており、祖母に当たる大宮の三条殿で、同じく大宮を祖母に持つ光源氏の子、夕霧とともに養育され、やがて愛し合うようになる。娘時代はおっとりとして恥ずかしがり屋であった。
冷泉帝の御世、次女の弘徽殿女御が斎宮女御（後の秋好中宮）との立后争いに敗れたことから、内大臣（頭中将）は三女雲居の雁に希望を託して東宮妃にと望むが、夕霧との恋愛関係を知り激怒。雲居の雁を自邸に引き取って二人の仲を引き裂く（「少女」）。大宮からは琴の手ほどきを受けていたが、この別離がきっかけで十分な稽古ができなくなってしまう（「若菜 下」）。夕霧とはその後も文を交し合い続ける相思相愛（御もろ恋）の関係が続く。6年あまりを経て、内大臣は雲居の雁と夕霧の結婚を許し、晴れて夫婦となった二人は、三条殿で幸福な新婚生活を送る（「藤裏葉」）。
夕霧の北の方となり、多くの子（写本により異なり、阿部秋生は7人を、藤村潔は8人が原型であろうとしている。詳細は藤原惟光#家系の項を参照）をもうけた雲居の雁は、藤典侍の他は殆ど愛人も作らない真面目な夫に、安心しきった生活を送っていた。
しかしその世帯じみた風情も何もない生活から、夕霧は次第に柏木の未亡人：落葉の宮へ心を寄せるようになる。それを知った雲居の雁は、寝た振りをしたり（「横笛」）、手紙を奪い取って隠したりと、嫉妬した様子をみせる。なお、夕霧は怒った雲居の雁の様子に、より一層の愛らしさを感じている。しかし、夕霧がついに落葉の宮と夫婦関係に至ったと知ると、幼い子供達とともに、実父の内大臣邸に別居してしまう（「夕霧」）。また、この際、あまり好意を抱いていなかった藤典侍から同情の手紙を受け取り、返事を出している。
結局、夕霧は落葉の宮を正式に妻に迎え、その後は三条殿に住む雲居の雁と、六条院に移居した落葉の宮を一日おきに交互に通うようになった（「匂宮」）。また、雲居の雁の娘である長女は東宮妃に、次女は二の宮の妃となっている。
その後の消息はあまり伝わらず、「竹河」で夫の夕霧と共に息子の蔵人少将の恋を成就させようと世話を焼く様子が描かれているのが最後である。
和琴

和琴（わごん）は、雅楽の国風歌舞でもちいられる日本固有の絃楽器で、日本最古の楽器。大和琴（やまとごと）、東琴（あずまごと）とも。六絃で、琴軋（ことさぎ）や指で弾いて演奏される。
現在日本でよく知られる箏は大陸からの渡来楽器が基となっており、和琴とは起源や系統が異なる。 なお、和琴の起源は神代紀の「天沼琴」（あめのぬごと）である。「天石窟（あめのいわや）前で天香弓六張をならべ弦を叩いて音を調べた」とある。
宮中の祭祀にて奉仕される国風歌舞（「神楽歌」「久米歌」「東遊」「大和歌」など）の伴奏に用いられる。雅楽の楽器のなかではもっとも格が高く、古くは位の高い者のみ奏することができた。現在では、主に宮内庁楽部の楽長が奏する。
弥生時代から古墳時代にかけての遺跡から、和琴の祖形とみられる木製の琴や、琴を弾く埴輪が出土している。
『源氏物語』では、古代中国の士君子の倫理性を担った琴に対して、日本伝来の遊楽を楽しむ和琴が対比され、琴は礼楽中心の楽器、和琴は自由な発想を持った楽器として描かれた。第35帖「若菜下」内の女楽の場面では、光源氏の最愛の妻（身分上は準正妻格）の紫の上が和琴を演奏していた。
全長約193cm、幅は頭部約13cm、尾部約24cm、厚さ約5cmの桐製の胴に、六絃を張った構造である。本体は主に桐で作られ、中は空洞。柱（じ）は楓の枝の叉をそのまま用いる。絃は尾のところで葦津緒（あしづお）という絹の編み紐で留める。箏と違い、手前から一、二、三、四、五、六絃と数える。
演奏には、鼈甲または水牛の角で作られた琴軋（ことさぎ、ことさき）と呼ばれる長さ約7〜8cm、幅約1cm、厚さ約3mmほどの笏に似た形の撥を用いる。琴軋を右手に持って絃をかき鳴らしたり、素手の左手の指で弾いたりする。座って奏するが、「東遊」では琴持（こともち）を伴い、立奏する。神社では降昇神・開閉扉の際、和琴で菅掻（すががき）を奏する。
文化住宅

文化住宅（ぶんかじゅうたく）と呼ばれるものには以下の二つがある。
明治時代に西洋館が建てられるようになるが、もっぱら財閥や政治家の一部の住宅であり、一般には和風の住まいに暮らすのが当たり前であった。大正デモクラシーの自由な雰囲気の中に大衆文化が成立し、住宅においても洋風の生活に対する憧れが広まっていった。
1922年（大正11年）、上野で平和記念東京博覧会が開かれ、展示企画として「文化村」が造られた。14棟の「文化住宅」が建てられ、モダンで合理的な住まいのあり方を示す一種のモデルルームであった。文化住宅という語は1921年（大正10年）ごろから一部の雑誌で使われていたが、この博覧会をきっかけに一般に広くアピールしたと考えられる。
昭和時代に入って「文化住宅」という名称で一定のパターンができあがった。住宅本体はこれまで同様の和風住宅であるが、玄関脇に洋風デザインの応接間が造られる、といったものである。阪神間や東京近郊地帯（世田谷、杉並など）の宅地開発とともに数多くの文化住宅が造られた。
愛知万博で人気を得た「サツキとメイの家」（となりのトトロ）も文化住宅風である。
近畿地方における集合住宅の呼称。分家住宅とも書いたりする。
1950年 - 60年代の高度経済成長期に使われ始めた用語で、主として当時に建てられた瓦葺きの木造モルタル2階建てで、1 - 2階の繋がったメゾネット、あるいは各階に長屋状に住戸が並んだ風呂なしアパートを指す。実際には、各戸に独立した玄関があり、トイレも台所も風呂もついている 連棟式集合住宅（例えば1棟4戸など）が多い。
「文化」（「ん」にアクセント）と略称されることもある。この種の住宅が「文化住宅」と呼ばれたのは、それまでの長屋や下宿屋など集合住宅の多くが便所や台所を共用としていたのに対し、これらの設備を各住戸に独立して配置したことから、従来の集合住宅よりも「文化的」という理由である。こちらの「文化住宅」の起源ははっきりしない。
近畿にも戦前の「洋風住宅としての文化住宅」は阪神間など大正から昭和初期に開発された地域に多数存在する（阪神間モダニズムを参照）が、言葉としての｢文化住宅｣は一般に普及せず、もっぱらこちらの意味が広まった。
近年は老朽化が進み、1995年（平成7年）の阪神・淡路大震災では多くの「文化住宅」が倒壊し、住人の多くが犠牲になった。これらが密集した地区の再開発が老朽化に伴うリノベーションとも絡んで課題となっている。
和歌山県立自然博物館

和歌山県立自然博物館（わかやまけんりつしぜんはくぶつかん）は和歌山県海南市にある自然をテーマにした博物館。1979年に国際児童年の記念事業として計画立案され、植物・生物・地学等自然科学に関する資料の収集・保管・展示と調査研究を目的として1982年に開館した。
子供向けにカードの配布など様々な取り組みを行っている。
伯牙山

伯牙山（はくがやま）は祇園祭先祭の山の一つ。
別名「琴破山」「琴割り山」。中国古典で語られる琴の名手で、親友の死後は弦を断ったという伯牙にちなむ。また別の琴の名手戴逵の物語も重ねられているという。
グロッケンシュピール

グロッケンシュピール（独: Glockenspiel）は、金属製の音板をもつ鍵盤打楽器で、鉄琴の一種である。譜面上の略記はGlock. Glocken. Glo. Glsp. が用いられる。
日本でグロッケンシュピールと言った場合、コンサート用の鉄琴を指すことが通例である。
日本の場合、グロッケンと略して言うことが多い。
グロッケンシュピールの起源はドイツで、ドイツ語でGlockenspielは、Glockenが鐘（複数形）、spielが一式や演奏、という意味である。鉄琴のように音板を並べたものでなく、鐘を並べたもの（カリヨン）や、それを用いた仕掛け時計（自動人形の劇）を表すこともある。英語式にオーケストラベル（ズ）、ベル（ズ）と呼ぶことがある。
グロッケンシュピールには、ピアノのような鍵盤が取り付けられたものがあり、この楽器はピアノと同じ奏法で演奏することができる。鍵盤付きグロッケンシュピール、鍵盤型グロッケンシュピールなどと呼ばれる。jeu de timbresと書かれていても鍵盤付きグロッケンシュピールを想定した作曲家もいる。
マーチング等で用いられるベルリラは、グロッケンシュピールの一種とされる。Bellsと略記するとチューブラーベル（チャイム）と混同することがあるため注意が必要な場合がある。
音板は、共鳴箱を兼ねた箱に収められるか、箱を使わずに共鳴管の上に並べられる。通常スタンドにセットされ、通例 立奏のスタイルで演奏される。
音域はF57-C88(F5-C8)の2オクターブ半が基本であり、各メーカーが音域を（特に高音側に）拡張した製品を販売している。大型のものでは、C52-F93(C5-F8)の3オクターブ半の音域をもつ楽器もある。普通、楽譜には2オクターヴ低く書かれる（楽譜より2オクターヴ高い音が出る）ため、移高楽器に分類される。
大型の楽器の中には、ヴィブラフォンのようなペダル式のダンパー機構（音を止める装置）を備えているものがある。このような楽器は演奏の自由度の高さから少しずつ普及し始めている。楽器の価格帯や持ち運びの不便さ、ボックス型との音色の違いなどからボックス型にこだわる奏者もいる。また、ボックス型の楽器の中にも、手で操作するタイプのダンパー機構が備えられている楽器も存在する。こういったダンパー機構を備えていない楽器では、手でミュートする事で、音の長さをコントロールする。
一般的には、音板を2本のマレット（枹）で叩くことで演奏するが、3本以上のマレットを使う場合や、それ以外のもので演奏する場合もある。マレットのヘッド（頭部）の材質は、真鍮やアルミニウムなどの金属やプラスチックなどが一般的であり、曲想によって適切なマレットを選定する必要がある。マレット以外で演奏する奏法として、音板の縁を弦楽器の弓で弾く奏法が挙げられる。
月琴

月琴（げっきん、中国語名：yueh-ch'in, yueqin、英語名：moon guitar, moon-lute）は中国発祥の伝統楽器、日本・朝鮮・ベトナム・台湾などにも伝えられて、使用された。
リュート属の撥弦楽器で満月のような円形の共鳴胴に短い首（琴杵）を持つ。弦数は時代や国によって違うが大抵2〜4弦で、4弦なら複弦を2コースずつ張る。弦は、昔は絹糸であったのだが後に針金を張ったものも多く、現在はナイロン鋼糸弦が主流。調律についても時代や国によりまちまちである。
10品から24品の品に弦を親指以外の指先で押さえつけて弾片（ピック）で弦を弾いて音を出す。共鳴孔は無い。演奏時は椅子に座りながら月琴を腿の上に置き胴を自分の体から少し離して弾く。胴内に不安定な金具が仕込んであり、それを振ったり叩いて音を鳴らす、鳴り胴と呼ばれる機構を備えたものもある。
起源は阮咸琵琶や阮と呼ばれるものであるとされているが、よくわかっていない。少数民族の彝族が持つ胴が六角形の六角胴月琴や、首の長い長棹型月琴もある。
月琴は、日本の明清楽でも使われるが、明楽の「月琴」が棹の長い「阮咸」であるのに対して、清楽の「月琴」は胴の丸い円形胴月琴であり、両者は全く別の楽器である。明楽は清楽に押されて早くに衰退したこともあり、日本で単に「月琴」と言えば、清楽で使う月琴（写真参照）を指す（阮咸（明楽の月琴）と清楽の月琴の形状の差異については、清楽の頁の「明清楽器」の図を参照のこと）。
清楽の月琴は長崎経由で中国から輸入されたが、ほどなく日本国内でも模倣製作され、清楽以外の俗曲の演奏にも用いられるようになった。
江戸時代から幕末、明治、大正期にかけて大いに流行し、演歌師や法界屋、更には瞽女等にも演奏された。
司馬遼太郎の歴史小説『竜馬がゆく』の中で、坂本龍馬の妻・お龍がつま弾く描写がある（現在の知名度の高さはそれによるところが大きい）。しかし日清戦争時に「敵性楽器」とされてからは廃れた。このころの描写は、長谷川時雨の『旧聞日本橋 勝川花菊の一生』や、萩原朔太郎の『日清戦争異聞（原田重吉の夢）』等に詳しい。横溝正史の推理小説『女王蜂』にも登場している。
1976年にABCテレビ制作、テレビ朝日系列で放送された、「必殺仕業人」の登場人物、「歌（演:中尾ミエ）」が毎回弾いていた。
20世紀後半になって講談社『月刊アフタヌーン』に連載されていた芦奈野ひとしの『ヨコハマ買い出し紀行』で長棹型月琴が紹介され主人公の初瀬野アルファが弾いていたことで青年層に知られ始め、ひそかなブームを生んだが、明楽、清楽の正統的な担い手と音は失われつつある。
月琴の調律はいろいろある。ここでは清楽の月琴を例に取る。
基本は、西洋のマンドリンや、中国の二胡などと同様の「5度調弦」である。
4本弦のうち、低音の2本は同じDに、高音の2本は同じAにそろえる。これは、西洋音楽のニ調、中国民間音楽の「小工調」、日本雅楽の「壱越調」に相当する。
「D-A」以外にも、「C-G」や「E♭-B♭」その他の音高に調弦する場合もあるが、基本は5度調弦である。
D-A調弦の場合の月琴の音高は、以下のようになる(右に掲げる『洋峨楽譜』1884年刊の挿図を参照のこと)。
低音の2本は、開放弦は上(ド)でD、第1フレットは尺(レ)でE、第2フレットは工(ミ)でF♯、第3フレットは凡(ファ)でGとG♯の中間(西洋音階のファならGだが、東洋の伝統音楽の「凡」の音高は、近代以前は西洋音階のファとファ♯の中間くらいの高さであった。現代の月琴ではフレットの位置を修正して「凡」を西洋音階のファと同音とすることが多い)。
高音の2本は、開放弦は合/六(ソ)でA、第1フレットは四/五(ラ)でB、第2フレットは乙(シ)でCとC♯の中間くらいの高さであった(西洋音階のシならC♯だが、東洋の伝統音楽の「乙」の音高は、近代以前は西洋音階のシ♭とシの中間くらいの高さであった。現代の月琴ではフレットの位置を修正して「乙」を西洋音階のシと同音とすることが多い)。
現在の日本で流通している月琴には、骨董品である清楽の月琴と、新品として中華人民共和国から輸入した現行の月琴の2種類がある。両者は名称こそ同じでも、楽器の材質や形状、フレットの位置、弦のはりかた等が違っており、事実上別種の楽器である。両者の音色も、たとえて言えばマンドリンとウクレレほども違う。
現在の中国製の月琴は、中華人民共和国の音楽改革の「改良」を経ている。胴体は真円で、スチール線にナイロンを巻いたナイロンスチール弦の単弦を3コース張り、フレットは半音もカバーする。胴内に「響き線」を入れない。また音量を確保するため、弦の張力は強く、それに耐えるように棹や楽器も頑丈に作られている。
これに対して、清楽の月琴は、胴体は真円に近い楕円形で、絹弦（現在ではナイロンも使う）の複弦を2コース張り、胴内に金属製の「響き線」が入っているのが普通である（楽器を弾くたびに、振動で胴内の響き線がチャラチャラと鳴る）。音量は繊細で小さく、楽器の作りも華奢である。清楽の月琴に、現代中国の月琴用の弦をそのまま張ると楽器を破損することもあるので、注意を要する。
中国の音楽

当記事では中国の音楽について総合的に解説する。
中国考古学においては、新石器時代の骨笛（中国語版）や塤が発見されている。また、唐代の胡琴（中国語版）から近代の蕭友梅・賀緑汀らの西洋音楽まで、中国音楽は外来音楽の影響も受けて発展してきた。
儒家の礼楽制度（中国語版）において、秩序ある音楽は社会秩序をもたらすとされ、音楽と人の心・情緒との関係が重視された。儒家書の『詩経』大序、『礼記』楽記篇（中国語版）、『荀子』楽論篇、『史記』楽書などには、音楽に人間性を教化・啓発させる作用があるという思想が記述されている。儒家経典には『楽経』もあったが現存しない。
古代中国に詩と歌の区別はなく、文学と音楽は互いに密接に結び付いていた。中国現存最古の詩歌集『詩経』は、かつては全ての詩に歌の節が付けられ、口頭で歌い継がれており、その伝統はずっと継続していた。漢代の公式詩歌集である「漢楽府」、唐詩、宋詞も、当時は全て歌うことが出来た。現代でも、蘇軾が中秋節を描写した「水調歌頭（中国語版）」などの古詩に曲を付けて歌う音楽家がいる。
歴代の王朝政府には皆、祭祀や宴席などで用いられる音楽に専従する部門があった。貴族を愉しませた楽人（伶人（中国語版））の名は記載されないことが多く、唐代の著名な歌手である李亀年も唐詩の中にしか出て来ない。中国古代の士大夫がする琴棋書画の「琴」は、古琴を指す。古琴音楽はよく士大夫の間で嗜まれ、その研究は琴学（中国語版）を形成した。明清の両代には多くの琴譜（中国語版）と琴書（中国語版）が出版され、文献資料が非常に豊富となり、また多くの琴の流派が形成された。
音階（律呂）の研究も中国数学の影響のもと古くからあり、例えば『史記』律書、蔡元定（中国語版）『律呂新書』、朱載堉『楽律全書』などで扱われた。中国の伝統音楽は五音音階の体系に属し、五つの階名は「五声」、それぞれ宮、商、 角、 徴、 羽と呼ばれる。
中国は広く、地域ごとに個性豊かな音楽がある。
この差って何ですか?

『この差って何ですか?』（このさってなんですか?）は、TBS系列で放送されていた、世の中のさまざまな事象の中の“差”を徹底追跡するバラエティ番組である 。全193回。
2014年7月2日未明（1日深夜）と同年12月7日午後にパイロット版が放送され、2015年4月12日から毎週日曜日の19:00 - 19:57（初回は18:30開始の2時間半スペシャルを放送）（JST）にてレギュラー放送が始まった。加藤浩次がTBSのゴールデンタイムでのレギュラー番組のMCを務めるのは、『がっちりアカデミー!!』以来4年ぶりとなる。
TBSのゴールデンタイム新番組では2011年10月開始の『炎の体育会TV』以来の高視聴率でスタートした。
開始以後、20時台の『駆け込みドクター!運命を変える健康診断』との交互2時間SPが続いたが、6月14日放送分は初の1時間番組となった。その後、同年8月から12月は改編期を除き、1時間で放送されることが多かったが、2016年に入ってから再び『駆け込みドクター!』との交互2時間SPを放送することが増えていた。
2016年4月17日より放送時間を30分繰り上げ・29分拡大し、18:30 - 19:56の86分番組に変更された（枠拡大後初回は20:56までの2時間半スペシャルを放送）。
同年10月より、毎週火曜日19:00 - 19:56の放送枠へ枠移動・縮小となる。枠移動後、2016年度下期は全ての回で2時間スペシャルとして放送されていたが、2017年4月18日には枠移動後初の通常放送となった。また2017年8月は開始以来初めて一回も休止が無かった。
2017年11月より、同年10月改編での全曜日20時台・22時台番組の正時スタート移行に伴い、本番組は4分拡大し、19:00 - 20:00での放送となった。
2020年度の放送より、本記事の下記のコーナーよりも優先的に「昭和・平成の流行歌の差」を取り上げるようになり、歌番組としての要素も含んでいる。
2021年4月改編により、同年3月2日で終了。最終回は前半に売上No.1のチェーン店について、後半はファンである加藤がプレゼンターを務める形で尾崎豊の楽曲について取り上げた。終了間際に加藤がプレゼンに対し視聴した尾崎のファンから間違いなどの意見などがあろう事を踏まえて「文句、苦情受け付けません!なぜならこの番組今日で終わりだからです!さよなら!!」と唐突に最終回である事を告げて締めの挨拶をし、その後に川田が「6年半ありがとうございました｣、カビラもナレーションで「またお耳にかかります」とそれぞれ挨拶して7年間の放送を締めくくった。同年4月13日より、後番組として『オトラクション』がレギュラー化され放送を開始した。
2021年7月20日に、前述の「昭和・平成の流行歌の差」のコーナー企画から派生（単独番組化）した、“歌詞特化型”音楽番組『この歌詞が刺さった!グッとフレーズ』が放送。MCはレギュラー版に引き続き加藤浩次が、進行役は江藤愛（TBSアナウンサー）が担当。その後も、不定期特番としての放送が続いている。
世にも不思議なランキング なんで?なんで?なんで?

『世にも不思議なランキング なんで?なんで?なんで?』（よにもふしぎならんきんぐ なんで?なんで?なんで?）は、TBS系列で、2015年4月20日から12月7日まで、毎週月曜20:00 - 20:54（JST）に放送されていた情報バラエティ番組。全22回。
TBSテレビは前身のラジオ東京テレビ（KRT）時代の1956年4月から59年間にわたり、『ナショナル ゴールデン・アワー』（この時代の放送枠は月曜20:30 - 21:00）→『ナショナル劇場』→『パナソニック ドラマシアター』→『月曜ミステリーシアター』と、ドラマ枠を編成し続けた（詳細はこれらの項目を参照）。しかし、これを2014年度一杯（2015年1月 - 3月期の「警部補・杉山真太郎〜吉祥寺署事件ファイル」の終了）をもって廃止することにし、バラエティ番組に転換することになった。その第1弾が当番組である。
2014年10月12日に『スパニチ!!』枠で放送し、2015年1月2日放送された『世にも不思議なランキングSHOW なんでランクインしたんですか?』（よにもふしぎなランキングショー なんでランクインしたんですか?）、2013年12月8日に同じく『スパニチ!!』枠で放送された『あの町はなんで1位なの?』をレギュラー化したもので、番組はタカアンドトシがメインMCを務め、毎回あるテーマに沿ったランキングを基に、それがなぜランク入りしたのかを追求する情報番組である。TBSテレビ月曜20時枠で1時間バラエティ番組が放送されるのは、『ナショナル劇場』時代の1966年10月3日から10月17日まで放送された『トッポ・ジージョ・イン・ジャパン』以来、実に48年半ぶりであるが、過去に放送された同時間帯のバラエティ番組の実績は、いずれもつなぎ編成だったため、期間を定めないバラエティ番組としては、開局以来初めてとなる。さらに、腸捻転解消後では史上初めてとなる。
レギュラー版開始1か月前の2015年3月8日には、再び『スパニチ!!』枠でパイロット版が放送された。
それまで先述のドラマ枠時代は、19:00からの2時間スペシャルは「初回拡大スペシャル」のみだったが、番組が変更されてからは、5月18日放送分は非改編期では初の2時間SPとなり、6月1日にも2時間SPが放送された。この様な改編期以外に19:00から2時間SPを放送する場合、当日の19時台を自主編成とする局においては、20:00 - 20:54にTBSからの裏送りで54分短縮版を放送していた。ただしTBSオンデマンドで次回放送前まで無料配信を行っており、該当地域でも2時間版を見ることは可能だった。
2015年8月17日からランキングを扱わなくなり、『なんで?な事件簿シリーズ』を始めてリニューアル。番組内容が、フジテレビの『奇跡体験!アンビリバボー』に類似した内容になっていた。
2015年12月7日の2時間SPをもって、最終回となった。最終回では大半の新聞のテレビ欄に最終回マークはなく、番組終了のあいさつはおろか、終了告知のナレーションやテロップは一切ないまま終わった。後番組の『直撃!コロシアム!! ズバッと!TV』開始まで、年末年始特番を経て、そのままつなぎ編成（主に『私の何がイケないの?』の2時間スペシャルなど）に移行している。
世の中のランキングで、意外なものが上位または最下位などになっていることを取り上げ、その理由を取材する。最終的に当事者に報告書を提出し、承認のハンコをもらうまでをVTRにする（承認者が外国人の場合はサインで代用）。
毎回、取材に行き詰まって市町村の役場に行く場合、必ず「噂の!東京マガジンなら当然最初に行くべき場所」というナレーションが入る場面がある。
マジすか学園4

『マジすか学園4』（マジすかがくえんフォー）は、2015年1月20日から3月31日まで毎週火曜0時59分 - 1時29分（月曜深夜）に日本テレビで放送されたAKB48とその姉妹グループが出演する学園ドラマ。宮脇咲良と島崎遥香のダブル主演。マジすか学園シリーズの4作目であり、基本設定は『マジすか学園2』を継承し、共通キャラクターも登場するが以前の設定が厳密に継承されていない。島崎遥香や高橋みなみのように別のキャラクター設定になっていたり、指原莉乃や小嶋陽菜のように共通点はあるが名前が変わっていて同一キャラクターかどうか曖昧な設定もある。
なお、本項では日時を暦日表記で記す。そのため提示された出典や公式サイトでの日時表記とは異なる。
『マジすか学園』『マジすか学園2』と同様に、馬路須加女学園が主な舞台である。また、本シリーズで初めてNMB48のメンバーが出演している。
本シリーズは、『マジすか学園』から『マジすか学園3』までテレビ東京系列の「ドラマ24」枠で放送されてきたが、本作品は地上波の時代劇を除く連続ドラマとしては初めて系列局を変えて制作された。理由は「たまたま2015年1月期のクールに、テレビ東京系での放送枠がなかったため」としている。
ドラマのストーリー・主演・出演者については2015年1月3日0時23分 - 1時18分（1月2日深夜）に放送された『AKB48ドラマ「マジすか学園」出演メンバー大発表!直前SP』にて発表されたが、それに先駆けてティザーサイト（プレビューサイト）が2014年11月26日から公開された。
毎話、地上波での放送に先行してHuluで配信された。CS日テレプラス ドラマ・アニメ・スポーツでは、地上波での最終回放送前々日の3月29日に1話から9話までが一挙放送され、地上波放送当日の23時20分からは最終回も放送された。
また、3月31日からHuluでスピンオフドラマ『マジすか学園4 外伝』が6週連続で毎週火曜日に配信された。
役者名だけの記載やニックネームで呼ばれているキャラクターの本名は演者と同じ。これより適宜『マジすか学園』は『1』・『マジすか学園2』は『2』と表記する。
『2』の後で制服が変更されており、襟が黒から白に変わっている。今作で黒襟の制服を着ているのはおたべのみ。また、校旗中央のマークも『2』まではアルファベットの「M」と「J」を組み合わせた物だったのに対し今作以降は「M」一字になっている。
最強武闘派集団の四天王。3年生グループ。四天王すべてを倒さないと、ソルトに挑戦できないという暗黙のルールがある。四天王はそれぞれ色違いのスカジャンを着用している。さくらが四天王で強さを認めたのはソルト同様におたべのみだった。
ソルトがこびーの襲撃で事故に遭い入院した際は報復のため激尾古高校に乗り込み雑魚を素早く蹴散らすがアントニオの謝罪を受けた後のタイマン要求には応じず、同じく乗り込んできたさくらに全てを託した。おたべは先にさくらを認めており、アントニオ戦後にはおたべ以外の四天王もさくらをはっきりと認めている。
2年生最強グループにしてさくらのクラスメイト。教室や中庭で火鍋を食べている。『1』『2』のホルモン、フォンデュと同じような雑魚の集まり枠。『1』・『2』に登場したチームホルモンが緑ジャージ、チームフォンデュが黄色ジャージを着用しているのに対し、チーム火鍋は赤ジャージを着用し、髪の毛の一部を赤いメッシュにしている。さくらに敗れてからは学校内の勢力図や四天王の情報を教えるなど好意的になっている。一度は戦って敗れた一年生最強コンビとも「さくらの仲間」としていつの間にか和解している。
1年生を仕切る強者。他の1年生全員とチーム火鍋を倒すほどの実力を持つ。しかし、さくらや四天王には全く歯が立たず、次第に噛ませ犬的な立場となっている。設定上の能力も描写されたのは初登場の第2話のみ。
当初はテッペン争いに全く興味がなく、さくらの語る「マジ」も馬鹿にしていたが、彼女に敗れてからは一転してその「マジ」にほれ込み、舎弟にして欲しいと頼み込み続けている。
さくらに何度断られても彼女の味方として動き、彼女の代わりに敵に戦いを挑んで敗北することが多い。さくらの戦いを火鍋と共に見守り、勝手に火鍋を食べたりもしている。
話が進むにつれさくらの態度も軟化しており、マジック戦で助けに来たのを制止した他2人の「マジ」を嘲笑された時は激怒している。
また、2人がシロギクとクロバラに捕まった時は罠と知りつつ助けに向かい、「こいつらを傷つけたお前たちを許さない」と語っている。
マジ女潰しを企む敵対校。看護科なので制服はセーラー服ではなくナース服がモチーフ。
生徒の大半が関西弁で会話している。
読み方は「あそびな」。さくらが毎日昼食を食べている定食屋。店主のみなみ以外の店員は調理担当一人しか確認できない。店の面積に対して客数はあまり多くなく、彼女以外のマジ女生徒が来店することも少ない。一度さくらに誘われて来店したカミソリとゾンビは、勝手に「ここをチームさくらのアジトにしましょう」と発言した（チーム火鍋が初めて来店した時には文句を言っていた）。
平均視聴率 4.2%（視聴率はビデオリサーチ社調べ、関東地区・世帯）
放送局（地上波・CS）
インターネット配信
Huluで2015年3月31日より配信されたスピンオフドラマ。ワンシチュエーション短編ドラマで、6週連続で毎週火曜日に配信された。
玉部

玉部（ぎょくぶ）は、漢字を部首により分類したグループの一つ。
康熙字典214部首では96番目に置かれる（5画の2番目、午集の2番目）。
玉部に関する偏旁には「玉」と「王」、「玊」の3つがある。
「玉」の字はヒスイなどを含めた半透明で淡緑色・淡灰色の宝石を意味する。3つの玉を連ねた形に象る。
偏旁の意符としては玉石や玉器、玉の装飾品、玉に類似した宝石などに関することを示す。偏の位置に置かれると例えば「珍」のように点のない「王」が斜めにはねた形に変形する。
「王」の字は国土を支配する君主を意味する。『説文解字』では天地人三才を貫く形とするが、甲骨文字では斧の形に象るとも言われる。偏旁としてはもっぱら声符として使われる。
このため「王」を構成要素とする漢字はもっぱら偏や旁に従って他の部に収録されており、玉部における「王」を構成要素とする漢字は他の部に分類しきれなかったものが収録されている。
また「琴（珡）」や「琵琶」、「瑟」のように冠の位置で王を二つ並べたものがあるが、元々は指で弾く弦楽器の弦を張った柱の形に象ったもので、楷書で「王」2つの字形となったものである。これらの漢字は『説文解字』では「珡部」という独立した部首に所属していた。
玉部は上記のような偏旁や筆画を構成要素とする漢字を収める。
玉
王
玉・王・玊
17-string koto

The 17-string koto (Japanese: 十七絃 or 十七弦, Hepburn: jūshichi-gen, "seventeen strings") is a variant of the koto with 17 strings instead of the typical 13.
The instrument is also known as jūshichi-gensō (十七絃箏), "17 stringed koto", or "bass koto" (although koto with a greater number of strings also exist). The jūshichi-gen was invented in 1921 by Michio Miyagi, a musician who felt that the standard koto lacked the range he sought in a traditional instrument. His 17 string creation, sometimes described as a "bass koto", has a deeper sound and requires specialized plectra; traditional koto plectra are worn attached to the player's fingers, with which the strings are plucked. Though his original jūshichi-gen was considerably larger than a normal koto, 17 stringed koto of a similar size to the average koto are more common today, though they do not have as deep a sound as the larger version.
In 2000, the musician Naito Masako, a member of the Seiha faction of the Ikuta school, constructed a new version of the 17-string koto called poppukon (popcorn), finished in bright colours such as pink, yellow, or blue.
The bass koto is similarly made from Paulownia tomentosa, known as kiri wood; however, the thickness of the body is approximately twice that of a regular koto. The wood is dried and treated traditionally until it achieves the correct properties for construction.
The strings used are typically silk threads that are yellow in colour and give the instrument a deep sound. These strings are tied at both ends of the instrument, held up by an ivory platform, before the strings are tied over small cylindrical holders with holes and tied very tightly to the downside, so that they can be moved during use, but not so much as to fall off. The bridges (jī) used in the construction of the bass koto are also larger in size than the average koto; the plectra are made from a specialist ivory-like material to aid in plucking the instrument.
Musicians who play the bass koto have also invented new techniques for playing the instrument, utilising more of the left hand to produce a sound that more adequately displays the instrument's deeper sound, and allows for more pitches to be created on one string. The strings are also plucked over the cylindrical holder to create a sudden "shrill" sound.
Insen scale

Insen (or In Sen; kanji: 陰旋; hiragana: いんせん) is a tuning scale adapted from shamisen music by Yatsuhashi Kengyō for tuning of the koto. It only differs from the hirajoshi scale by one note.
In D mode it consists of: D-E♭-G-A-C so it has the same notes as the Phrygian chord (7sus♭9).
Other chords compatible with insen scale include M7♯11 when the scale is played half steps lower (for example B in sen scale for CM7♯11 chord) and Cm6 and Cm when the scale is played one full step above (for example D insen with Cm6 or Cm chord).
In India's Carnatic & Hindustani music systems, this scale corresponds to Revati & Bairagi Bhairav respectively.
Other scales related to koto instrument include the Hirajoshi, Iwato and Kumoi-choshi scales.
Kokyū

The kokyū (胡弓) is the only traditional Japanese string instrument played with a bow. A variant of the instrument also exists in Okinawa, called kūchō (胡弓) in Okinawan.
The kokyū, like the shamisen, has its origins in Okinawa. Although it is similar to Chinese huqin, it actually came to Okinawa via the rebab from Indonesia and Malaysia.
The kokyū is similar in construction to the shamisen, appearing as a smaller version of that instrument. It is 70 centimetres (28 in) tall, with a neck made of ebony and a hollow body made of coconut or Styrax japonicus wood, covered on both ends with cat skin (or snakeskin in Okinawa). In Okinawa, the body is round, while in mainland Japan, it is square like a shamisen. It has three (or, more rarely, four) strings and is played upright, with a horsehair-strung bow bowing the strings. It is often tuned the same as a shamisen but an octave higher. In central Japan, the kokyū was formerly used as an integral part of the sankyoku ensemble, along with the koto and shamisen, but beginning in the 20th century the shakuhachi began to play the role previously filled by the kokyū.
Since Shinei Matayoshi, a kokyū and sanshin musician and maker, invented and popularized a four-stringed version of the kokyū in order to expand the instrument's range, the kokyū has become much more popular. A kokyū society, dedicated to promoting the instrument, exists in Japan.
The kokyū has also been used in jazz and blues, with the American multi-instrumentalist Eric Golub pioneering the instrument's use in these non-traditional contexts. One of the few non-Japanese performers of the instrument, he has recorded as a soloist as well as with the cross-cultural jazz band of John Kaizan Neptune.
The kokyū is similar to two Chinese bowed lutes with fingerboards: the leiqin and the zhuihu. In Japanese, the term kokyū may refer broadly to any bowed string instrument of Asian origin, as does the Chinese term huqin. Thus, the Chinese erhu, which is also used by some performers in Japan, is sometimes described as a kokyū, along with the kūchō, leiqin, and zhuihu. The specific Japanese name for erhu is niko.
Kōtō

Kōtō (江東区, Kōtō-ku) is a special ward in the Tokyo Metropolis in Japan. The ward refers to itself as Kōtō City in English. As of May 1, 2015, the ward has an estimated population of 488,632, and a population density of 12,170 persons per km. The total area is approximately 40.16 km.
Kōtō is located east of the Tokyo metropolitan center, bounded by the Sumida River to the west and the Arakawa River to the east. Its major districts include Kameido, Kiba, Kiyosumi, Monzen-nakachō, Shirakawa, and Toyosu. The waterfront area of Ariake is in Kōtō, as is part of Odaiba.
"Kōtō" (江東) means "East [of the] River" in Japanese. The tō (東) in Kōtō means "East" and is the same character as the Tō in Tokyo (東京).
Kōtō occupies a position on the waterfront of Tokyo Bay sandwiched between the wards of Chūō and Edogawa. To the North, its inland boundary is with the Sumida special ward. Much of the land is reclaimed, The northern part is old reclaimed land, and the elevation is very low (below sea level). The southern part is relatively new, but there are few old temples or shrines.
Noteworthy places in Kōtō include:
The western part of the ward was formerly part of Fukagawa Ward of Tokyo City. It suffered severe damage in the 1923 Great Kantō earthquake, and was heavily bombed during World War II. The special ward was founded on March 15, 1947, by the merger of the wards of Fukagawa and Jōtō.
There are 45 districts in Koto:
Companies with headquarters in Koto include Daimaru Matsuzakaya Department Stores, Ibex Airlines, Fujikura, and Maruha Nichiro.
Sony operates the Ariake Business Center in Kōtō. The broadcasting center of WOWOW is in Koto.
Seta Corporation was headquartered in Kōtō.
The main city office for Kōtō City is located in Toyo. There are branch offices located in Shirakawa, Tomioka, Toyosu, Komatsubashi, Kameido, Ojima, Sunamachi and Minamisuna.
Public high schools are operated by the Tokyo Metropolitan Government Board of Education.
Public elementary and middle schools are operated by the Koto City Board of Education.
Combined junior and senior high schools:
Junior high schools:
Elementary schools:
Private schools:
International schools are independently owned and operated.
On April 20, 1989, Kōtō became a sister city of Surrey, British Columbia, Canada.
Nakazawa Koto

Nakazawa Koto (中沢琴, 1839–October 12, 1927) was a Japanese swordswoman and Onna-musha of the Bakumatsu period. She joined the Rōshigumi and later Shinchogumi forces, and worked as a pro-Tokugawa agent in the Boshin War.
Nakazawa Koto was born in Kōzuke Province. She was very skilled in martial arts from childhood, especially in Kenjutsu. In 1863, she went to Kyoto dressed as a man, following her brother Sadamasa, who was a member of the Roshigumi group in Kyoto. At 170 cm (5 ft 7 in), she was tall for a Japanese woman at that time, so that she was taken for a man when she reported to the Shogunate officers in Kyoto. She took part in the Kyoto defenders group led by Kyokawa Hachirō.
Although the Rōshigumi was funded by the Tokugawa Bakufu, the leader Kyokawa Hachirō and others had strong loyalties to the emperor and planned to gather other rōnin in Kyoto to combat insurgents in the city. On March 26, 1863, Kiyokawa led the Rōshigumi out of Edo as the vanguard of Shogun Iemochi's procession to Kyoto, where they arrived on April 10, 1863.
When Kyokawa's scheme was revealed in Kyoto, he immediately commanded the Rōshigumi to return to Edo. The group was disbanded and the members returned to Edo. Nakazawa Koto and other officers went to Edo (Tokyo) and later became the founding members of the Shinchōgumi.
Nakazawa Koto and her brother joined the shogunate forces of Edo, the Shinchogumi. During the crisis between the empire and the Tokugawa Shogunate, Koto allied with the Tokugawa in the Boshin War. One cause of the war was Emperor Meiji's declaration that he would decree the abolition of the 200-year-old shogunate and impose direct command by the imperial court. Military action by the imperial forces and acts of violence by Meiji supporters in Edo led the Shogun Tokugawa Yoshinobu to attack and attempt to gain control of the court in Kyoto.
Historical records indicate that, during the Boshin War, Nakazawa Koto defended the shogunate against the attack of the Satsuma and Ogi clans (the Satchō Alliance) in Edo in 1868. After those attacks, she and her brother participated in the Battle of Hokuetsu. During this battle, Nakazawa Koto, encircled by a dozen enemy samurai, broke the encirclement by defending herself with her katana and then pressing her attackers.
While Nakazawa Koto worked as a member of the Shinchogumi, she always dressed as a man, even after the officers knew her true identity. In addition to being a great swordswoman, it is said that she had an exceptional beauty that left an impression on many people. A tale written about her says: "When Koto dresses as a man, many women fall in love with her. When Koto dresses as a woman, many men fall in love with her."
Koto was proud as a swordswoman and decided she would only marry a man stronger than she. However, apparently no living man was able beat her in a duel, so she remained single all her life. She died on October 12, 1927. Her grave is located in Tone District, Gunma, where she was born. Many people visit her tomb to this day.
Dr. Koto's Clinic

Dr. Koto's Clinic (Japanese: Dr.コトー診療所, Hepburn: Dokutā Kotō Shinryōjo) is a Japanese manga series written and illustrated by Takatoshi Yamada. It was serialized in Shogakukan's Weekly Young Sunday from 2000 until the magazine's demise in 2008, at which point it moved to Big Comic Original. Shogakukan has compiled its chapters into 25 tankōbon volumes as of June 2010.
The series was adapted as a Japanese television drama series which aired between 2003 and 2006 on Fuji TV. A live-action film adaptation premiered in 2022.
By June 2022, Dr. Koto's Clinic had over 12 million copies in circulation. In 2004, the manga won the 49th Shogakukan Manga Award for the general category.
Kensuke Goto is an excellent doctor who used to work at a university hospital in Tokyo, but for some reason he is transferred to a clinic on the remote island of Koshikijima. The island has been without a doctor for three months, and he was not very welcomed. In addition, Ayaka Hoshino, a nurse who has been on the island for 4 months, tells him that there are few patients who come to the clinic, and even if they do, they will only receive first aid and then go to a hospital on the mainland, which takes 6 hours by boat. Since then, Goto has earned the trust of the islanders through the treatment of many patients and his personality.
Written and illustrated by Takatoshi Yamada, Dr. Koto's Clinic serialized in Shogakukan's Weekly Young Sunday from 2000 to 2008; when the magazine ceased its publication, it was to the publisher's Big Comic Original magazine. The manga went on indefinite hiatus in October 2010. In October 2017, Yamada posted on his Facebook that he planned to resume his work. Shogakukan has compiled its chapters into individual tankōbon volumes. The first volume was published on November 4, 2000. As of June 30, 2010, twenty-five volumes have been released.
The manga was adapted into a Japanese television drama which aired for eleven episodes on Fuji TV from July 3 to September 11, 2003. It was filmed on the Japanese Archipelago island Yonaguni. A 2-episode special was broadcast on November 12 and 13, 2004. A second season aired for eleven episodes from October 12 to December 21, 2006.
Crunchyroll began streaming the series in 2015. Netflix began streaming the series in 2025.
A live-action film adaptation, with Hidetaka Yoshioka reprising his role as Kensuke Goto, was distributed by Toho and premiered in Japan on December 16, 2022.
By June 2022, Dr. Koto's Clinic had over 12 million copies in circulation. In 2004, the manga won the 49th Shogakukan Manga Award in the general category.
Suzuki Musical Instrument Corporation

The Suzuki Musical Instrument Corporation (鈴木楽器製作所, Suzuki Gakki Seisakusho) is a Japanese musical instrument manufacturer. Founded in 1953 as a manufacturer of harmonicas, Suzuki later expanded to manufacturing Melodions, electronic musical instruments, and instruments for music education.
Company founder Manji Suzuki began building harmonicas and founded Suzuki Musical Instrument in 1953. In 1961 he developed the melodion which was officially adopted by the Japanese Ministry of Education for use in schools six years later.
In 1981 the company introduced the Tronichord and Omnichord electronic musical instruments.
In 1989 Suzuki bought the Hammond Organ Co.. The subsidiary, operating as Hammond Suzuki, markets electronic organs and melodions under the Hammond brand, and instrument amplifiers under the Leslie brand.
It has expanded to include a variety of instruments including digital pianos and band instruments. The company operates distribution companies in the United Kingdom (Suzuki Europe Ltd - owned by Suzuki Japan) and in the Western U.S. (in San Diego, California).
Japan Heritage

Japan Heritage (日本遺産, Nihon Isan) is a programme sponsored by the Japanese Agency for Cultural Affairs, aimed at valorization by local governments and other bodies, that sees individual Cultural Properties across different categories as well as other not-yet-designated assets grouped together into thematic "stories" that the agency then designates as "Japan Heritage". The first asset was designated in 2015, and as of June 2020, there were 104 of these narratives.
Petersen Automotive Museum

The Petersen Automotive Museum is an automobile museum located on Wilshire Boulevard along Museum Row in the Miracle Mile neighborhood of Los Angeles. One of the world's largest collections, the Petersen Automotive Museum is a nonprofit organization specializing in automobile history and related educational programs.
Founded on June 11, 1994, by magazine publisher Robert E. Petersen and his wife Margie, the $40-million Petersen Automotive Museum is owned and operated by the Petersen Automotive Museum Foundation. The museum was originally located within the Natural History Museum of Los Angeles County, and later moved to a historic department store designed by Welton Becket. Opened in 1962, the building first served as a short-lived U.S. branch of Seibu Department Stores, before operating as an Ohrbach's department store from 1965 to 1986. Six years after Ohrbach's closed, Robert Petersen selected the largely windowless site as an ideal space for a museum—allowing artifacts to be displayed without harmful exposure to direct sunlight.
On March 9, 1997, rapper the Notorious B.I.G. was murdered just outside the building in a drive-by shooting, after having attended a party at the museum.
In 2014 and 2015, the museum underwent an extensive $125 million renovation. The building's façade was redesigned by the architectural firm Kohn Pedersen Fox, and features a stainless-steel ribbon assembly made of 100 tons of 14-gauge type 304 steel in 308 sections, 25 supports and 140,000 custom stainless-steel screws. Designers at The Scenic Route worked with museum planner, Matt Kirchman of ObjectIDEA Planning and Design to configure interior spaces to accommodate new themes and changing exhibits. The remodeled museum opened to the public on December 7, 2015.
The museum has over 100 vehicles on display in its 25 galleries. The remaining half is kept in a vault on the building's basement level. Age restrictions and an admission premium are in effect to view the vault collection. The ground floor focuses on automotive artistry, showcasing an array of extravagant automobiles. The second floor is principally concerned with industrial engineering—including design, performance, and a collection of interactive teaching exhibits. Special displays on the industry floor cover racing, motorcycles, hot rods and customs. The third floor chronicles the history of the automobile, with an emphasis on the car culture of Southern California.
Some of the museums exhibits have included:
The museum's collection of vehicles includes:
The museum received a $100-million gift from Margie Petersen and the Margie & Robert E. Petersen Foundation in April 2011, which includes cash and the property the museum was leasing, as well as many of the vehicles belonging to the Petersens.
National Museum of Nature and Science

The National Museum of Nature and Science (国立科学博物館, Kokuritsu Kagaku Hakubutsukan) is in the northeast corner of Ueno Park in Tokyo. The museum has exhibitions on pre-Meiji science in Japan. It is the venue of the taxidermied bodies of the legendary dogs Hachikō and Taro and Jiro. A life-size blue whale model and a steam locomotive are also on display outside.
Opened in 1877, it has had several names, including Ministry of Education Museum, Tokyo Museum, Tokyo Science Museum, the National Science Museum of Japan, and the National Museum of Nature and Science as of 2007. It was renovated in the 1990s and 2000s, and offers a wide variety of natural history exhibitions and interactive scientific experiences.
It was completed as the main building of the Tokyo Science Museum in September 1931 as part of the reconstruction project after the Great Kanto Earthquake in Neo-Renaissance style. Designed by Kenzo Akitani, an engineer of the Ministry of Education, Culture, Sports, Science and Technology, Building Division. The building is the most visited museum in Japan, and looks like an airplane when viewed from above. In addition to the exhibition hall, it has facilities such as a dome for astronomical observation and an auditorium.
It is designed to withstand earthquakes of the Great Kanto Earthquake class, and it is said that there is no problem in light of the current Building Standards Act standards.
In 2021, the museum organized the Pokémon Fossil Museum, a travelling exhibition based on the Pokémon franchise, in collaboration with The Pokémon Company. The exhibition opened at the Mikasa City Museum in Mikasa, Hokkaido, Japan, on 4 July 2021, and remained there until 20 September. It has since been hosted by several other museums across Japan, including the National Museum of Nature and Science, which hosted it from 15 March to 19 June 2022. A virtual tour of the exhibit as it appeared in the museum was also made available online.
5,004,294 items (as of FY2022). Of these, approximately 14,000 are on permanent display. Others are stored and researched in the Tsukuba area.
About 100,000 items are newly collected each year.
The following items in the collection are designated as national Important Cultural Properties.
The theme of the Ueno Main Building is "Aiming for the coexistence of humankind and nature," and consists of two exhibition halls, the Japan Pavilion and the Earth Pavilion.
The theme is "History of Earth Life and Mankind". The exhibition area is 3 floors above ground and 3 floors below ground. The first phase of construction was completed in 1998. The permanent exhibition will be open to the public from 24 April, the following year. Grand opening on 2 November 2004 after the completion of the second phase of construction. The renovation work of the north exhibition hall started in September 2014, and the construction was completed the following year, and the grand opening was held on 14 July.
Museum research facility
Other National research facilities
Japanese–Meitei cultural relations

Japanese people and Meitei people (also known as Manipuri people) have a long history of sharing and interacting with each other's art and cultural heritages, including but not limited to cinema, music, mythology, language, literature and theatre.
Japanese culture and Meitei culture started their interaction, interconnection, interrelation, significantly during and after the occurrence of the Battle of Imphal as a part of the WWII, fought between British Empire and Empire of Japan, with the Imphal Valley (primary homeland of the Meiteis) in central Manipur as its main battleground.
Japan Landa Imphal (Meitei: ꯖꯄꯥꯟ ꯂꯥꯟꯗ ꯏꯝꯐꯥꯜ, lit. 'Imphal in the Japanese war') is a 2012 Indian Meitei language WWII historical romantic fiction film about a romance between a Meitei lady and a Japanese soldier, who met each other, during the outbreak of the WWII's Battle of Imphal, in Imphal Valley.
My Japanese Niece (Meitei: Eigi Japangi Imou, Japanese: マイ・ジャパニーズ・ニース, romanized: mai Japaniizu niisu) is a 2015 Japanese-Meitei bilingual film, directed by Mohen Naorem. It shows three major roles; the Japanese soldier (played by Junichi Kajioka), the Japanese niece named Asada (played by actress Yu Asada) and the adopted daughter.
In Meitei language (officially called Manipuri language), the Battle of Imphal, a historical WWII Japanese-British combat fought in Imphal, is popularly known as "Japan Lan" (Meitei: ꯖꯄꯥꯟ ꯂꯥꯟ, romanized: /Japaan Laan/) or "Japan Lal" (Meitei: ꯖꯄꯥꯟ ꯂꯥꯜ, romanized: /Japaan Laal/), where "Lan" or "Lal" means "battle", "combat", or "war".
On the World Book Day 2022, the Sahitya Thoupang Lup (STL) published a trilingual dictionary of English, Japanese and Meitei languages, written in Latin script, authored by Ph. Nandakumar Sharma, in a function organised in the DIPR Auditorium in Imphal West district. It was produced in the aim to help Meitei speaking students who are learning or want to learn Japanese language, as well as vice versa.
"Nungshibi Japan" is a Meitei language travelogue about Japan, authored by Saratchand Thiyam, formally released in the Jawaharlal Nehru Manipur Dance Academy, Imphal.
"The Land of The Rising Sun: Numitna Thorakpham Japan Urubada" is authored by Samarendra Chongtham, published in 2008, in English and Meitei languages.
Shakuhachi meets Pena is a maiden India-Japan musical collaboration, which is a fusion of the traditional musical instrument Shakuhachi of Japanese culture and the traditional Pena (musical instrument) of Meitei culture.
Yamata Amasung Keibu Keioiba (English: Yamata-no-Orochi and Keibu Keioiba) is a Meitei language theatrical production, showing a fusion of mythological stories of Keibu Keioiba of Meitei mythology and Yamata-no-Orochi of Japanese mythology, written and directed by Heisnam Tomba, and produced by the Kalakshetra Manipur.
Shintōgo Kunimitsu

Shintōgo Kunimitsu (新藤五国光) was a Japanese swordsmith and was especially famous for making Tantō. He is the founder of the Soshu-den tradition. Usually he used suguha Hamon. The oldest date of his work is 1293. He was active during the Einin, Shōwa and Enkyō periods, generally acknowledged to be the teacher of master swordsmiths Masamune, Yukiimitsu and Norishige. This is due to various similarities in style and workmanship that indicate that Masamune was almost certainly his student.
An example of his work is known as 'Aizu Shintogo'. It is a tanto of 25.4 centimeters in length.
He had several sons, who likely crafted a number of swords under his name.
Book: Japanese Swords by Nobuo Ogasawara (tenth edition, printed 1986)
I Got Married to the Girl I Hate Most in Class

I Got Married to the Girl I Hate Most in Class or KuraKon is a Japanese romantic comedy light novel series written by Seiju Amano and illustrated by Nanami Narumi. Originally launched as a YouTube manga on the Manga Angel Neko Oka channel in March 2020, Media Factory have published ten volumes from December 2020 to January 2025 under their MF Bunko J imprint. A manga adaptation with art by Mosskonbu has been serialized online via Kadokawa Shoten's Shōnen Ace Plus website since May 2021 and has been collected in seven tankōbon volumes. An anime television series adaptation produced by Studio Gokumi and AXsiZ aired from January to March 2025.
Written by Seiju Amano and illustrated by Nanami Narumi, I Got Married to the Girl I Hate Most in Class was published in ten volumes under Media Factory's MF Bunko J light novel imprint on December 25, 2020, to January 25, 2025. The series is licensed in North America by Seven Seas Entertainment.
A manga adaptation with art by Mosskonbu began serialization on Kadokawa Shoten's Shōnen Ace Plus manga website on May 14, 2021. The manga's chapters have been compiled into seven tankōbon volumes as of March 2025. The manga adaptation is also licensed in North America by Seven Seas Entertainment.
An anime television series adaptation was announced on June 24, 2024. It is produced by Aniplex, animated by Studio Gokumi and AXsiZ, and directed by Hiroyuki Oshima, with Tatsuya Takahashi writing series scripts, Nanako Tatsu designing the characters, and Arisa Okehazama composing the music. The series aired from January 3 to March 21, 2025, on Tokyo MX and other networks. The opening theme song is "Koibito Ijō, Suki Miman" (恋人以上、好き未満, lit. 'More Than Lovers, Less Than Love'), performed by =Love, while the ending theme song is "Suki Kirai mo Oikoshite" (スキキライも追い越して, lit. "Overtaking Love and Hate"), performed by Hinaki Yano, Sayumi Suzushiro and Nene Hieda as their respective characters. Crunchyroll streamed the series under the title I'm Getting Married to a Girl I Hate in My Class. Plus Media Networks Asia licensed the series in Southeast Asia and broadcasts it on Aniplus Asia.
Sejarah malaria

Sejarah malaria dimulai sejak 2700 SM, Malaria sendiri merupakan sebuah penyakit berbahaya yang disebabkan oleh nyamuk Anopheles betina. Hal ini dikarenakan nyamuk tersebut membawa parasit protozoa Plasmodium. Di Indonesia sendiri, kasus penyakit ini sering ditemukan di Bengkulu dan kawanan Indonesia Timur, seperti Papua, Papua Barat, NTT, Maluku, dan Maluku Utara.
Sejarah Malaria dimulai sejak 2700 SM dengan kata lain Malaria telah ditemukan sejak 4000 tahun lebih. Penyakit yang satu ini banyak dikenal di daerah Yunani pada abad ke-4 SM, dan penyakit ini juga yang diduga menjadi penyebab berkurangnya penduduk kota pada saat itu. Malaria dikenal dalam dunia medis sekitar tahun 1753, dan Alphonse Laveran baru menemukan plasmodium dalam darah pada tahun 1880. Ross dan BIgnami merupakan dua orang tokoh yang mempelajari bagaimana siklus hidup dari plasmodium pada tahun 1898, dan pada tahun 1990 barulah Patrick Manson menemukan penyebab utama parasit ini berasal dari nyamuk. Pemberian nama parasit ini diberikan oleh dua orang peneliti yang berasal dari Itali yang bernama Giovanni Battista Grassi dan Raimondo Filetti, yaitu dengan nama Plasmodium vivax dan Plasmodium malariae.