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Boots on the Ground

Boots on the Ground: A Month with the 82nd Airborne in the Battle for Iraq is a book written by journalist Karl Zinsmeister, who was embedded with the storied 82nd Airborne Division during the early days of Operation Iraqi Freedom.
The expression "boots on the ground" is an example of synecdoche which has an extended military-jargon history. It certainly dates back at least to British officer Robert Grainger Ker Thompson, strategist of the British counter-insurgency efforts against the Malayan National Liberation Army during the Malayan Emergency, 1948-1960 (see entry). The term is also associated with General William Westmoreland and the United States' intervention in Vietnam, particularly the large force increase from 1965–1968.
The term is used to convey the belief that military success can only be achieved through the direct physical presence of troops in a conflict area. As terminology, it was coined to concisely express a counter-view against the position that other means, such as aerial bombardment (as used both by Germany and the Allies in World War II, and massively by the United States in Vietnam), economic incentives, or satellite intelligence could achieve victory. As of the early 21st century the term was particularly applied to counter-insurgency operations.
Boots on the Ground is an account of the war in Iraq with the 2nd Brigade of the 82nd Airborne as it convoys north from Kuwait to Iraq's Tallil Air Base en route to night-and-day battles within the major city of Samawah and its bridges across the Euphrates. Zinsmeister, a frontline reporter embedded with the 82nd Airborne, seeks to convey the detailed planning and technical execution that make up today's warfare. The book brings to life local firefights and the constant air-ground interactions that are one of the key innovations of modern precision combat.
Karl Zinsmeister wrote Boots while working as editor of The American Enterprise. In May 2006, he was appointed the Assistant to the President for Domestic Policy. He is a J. B. Fuqua Fellow at the American Enterprise Institute, where his research has spanned demographic and social trends, economics, politics, and cultural topics. In addition to The American Enterprise, he has been published in journals ranging from The Atlantic Monthly to Reader's Digest.
Zinsmeister has written a number of books in addition to Boots on the Ground.
Fundación Gala-Salvador Dalí

La Fundación Gala-Salvador Dalí es una entidad cultural privada dedicada a la promoción de la obra artística, cultural e intelectual del pintor Salvador Dalí.
Fue creada el 23 de diciembre de 1983 en el Castillo de Púbol por voluntad expresa de Salvador Dalí i Doménech. Desde el comienzo, Salvador Dalí la presidió y dirigió directamente. Con su muerte, el 23 de enero de 1989, se inició un período de transición hasta que en el año 1991, el Patronato de la Fundación nombró a Ramon Boixadós i Malé presidente de la entidad. Antoni Pitxot fue el director de los Museos Dalí y vicepresidente de la fundación hasta su muerte en 2015, cuando le sucedió Montse Aguer como directora de museos.​ En 2017, tras la muerte de Boixadós, Jordi Mercader i Miró es nombrado presidente de la Fundación.​
La Fundación gestiona el patrimonio, los derechos de marca, propiedad intelecual e imagen del pintor, pero no es su propietario, puesto que Dalí legó en su testamento todo su patrimonio al Estado español.​
La Fundación Gala-Salvador Dalí gestiona los siguientes museos y sus exposiciones permanentes:
Desierto Salvador Dalí

El desierto Salvador Dalí, o simplemente desierto de Dalí, es un desierto del suroeste de Bolivia, ubicado al sur del departamento de Potosí dentro de la Reserva Nacional de Fauna Andina Eduardo Abaroa y al sur del salar de Chalviri. Se encuentra a una altitud promedio de 4750 m s. n. m.​ y tiene una superficie aproximada de 110 km².
Se denomina así porque es similar a algunos paisajes pintados por el pintor español Salvador Dalí, aunque él nunca supo de la existencia de este sitio.
A 7 km al norte del desierto se encuentran las Termas de Polques, al borde del Salar de Chalviri.
Liquid Ocelot

Liquid Ocelot es un personaje ficticio de la serie de videojuegos Metal Gear.
Liquid Ocelot es la fusión de dos personajes, por una parte el cuerpo de Revolver Ocelot y por otro lado el espíritu de Liquid Snake, mediante un trasplante del brazo del segundo (Liquid) sobre el primero (Ocelot) en Lyon, Francia.
Dos años después, durante el incidente de Big Shell en Metal Gear Solid 2: Sons of Liberty, Liquid empieza a dominar a Ocelot, haciendo que este cambie de personalidad esporádicamente.
En Metal Gear Solid 4: Guns of the Patriots parece que Liquid ha dominado completamente a Ocelot y pretende al igual que Big Boss, crear Outer Heaven como medio para luchar y destruir a los Patriots y conseguir liberar al mundo del control de estos. Mediante la fusión de las cinco mejores Compañías Militares Privadas, Liquid quiere desactivar los nanobots que estos poseen para liberarlos del control que Los Patriots ejercían sobre ellos, y una vez cumplido eso, los patriots perderían su última fuerza, después de la pérdida de poder económico y político. También secuestra a Naomi Hunter para que le ayude a crear la tercera generación del virus Foxdie, con el que pretende eliminar las nanomaquinas, sin matar a los soldados en el proceso.
Esta información da un cambio radical cuando Big Boss en el epílogo del Metal Gear Solid 4: Guns of the Patriots, le cuenta a Solid Snake la trama que Revolver Ocelot ha creado, para destruir a Los Patriots. El resumen que se ha obtenido es que Ocelot ha mentido sobre su identidad (haciéndose pasar por Liquid Ocelot) para desmantelar a GW (la CPU que controla la IA de los Patriots) y así destruir su Sistema SOP.
Surrealismo figurativo

El surrealismo figurativo es una tendencia pictórica y escultórica dentro del surrealismo, caracterizada el uso de formas reconocibles características del arte figurativo, incluso con detallismo fotográfico, pero para dar lugar a escenas oníricas (sueños y pesadillas), absurdas, monstruosas o vinculadas al subconsciente (obsesiones, fobias, neurosis, psicosis), totalmente alejadas de la pintura tradicional. Sus principales representantes son Salvador Dalí, René Magritte, Max Ernst, Paul Delvaux, Estéfano Viu, entre otros. Se trata de una rama del surrealismo que se distinguió sobre todo del surrealismo abstracto que lideró Joan Miró.
Como rama del surrealismo, el surrealismo figurativo aparece y tiene su centro de desarrollo en Francia, luego de la Primera Guerra Mundial, finalizada en 1918. La primera exposición de pintura surrealista se realizó en la Galería Pierre de París en 1925, aunque muchos de los expositores no adherían a la corriente. En 1926 se fundó la Gallería Surrealista, y pronto aparecieron dos corrientes: el surrealismo figurativo y el surrealismo abstracto, liderada por Joan Miró.
Los surrealistas figurativos utilizaron técnicas como la exageración de la perspectiva, el detallismo, el claroscuro, el color modelado, la deformación del cuerpo humano, etc.
Su máximo exponente es el pintor catalán Salvador Dalí (1904-1989). Dalí, siguiendo el camino abierto por el surrealismo, busca "la materialización figurativa del sueño como una forma de liberación de sus traumas", con expresiones figurativas delirantes de gran intensidad poética. Dalí no solo utilizó el surrealismo, sino también otras corrientes como el cubismo y el futurismo.
El belga René Magritte se caracterizó por representar situaciones insólitas, imposibles y misteriosas, que busca subvertir la manera de mirar.
Max Ernst recurrió al surrealismo figurativo para construir imágenes fantásticas, seres monstruosos e híbridos, como su conocido "Ubu emperador" o las figuras de "El traje de la novia".​
La mexicana Frida Kahlo expuso en 1939 sus pinturas en Francia acudiendo a una invitación de André Breton. Debido al uso que ésta daba a la figuración para expresar el dolor que había conocido en vida, Breton trató de convencerla de que sus obras eran «surrealistas». Frida le contestó que esta tendencia no se correspondía con su arte ya que ella no pintaba sueños sino su propia vida.
Surrealismo abstracto

El surrealismo abstracto es una tendencia pictórica dentro del surrealismo, caracterizada por aplicar el «automatismo» puro, de manera que se pierde toda representación figurativa y, en lugar de ello, los artistas inventan universos figurativos propios.
Se considera que esta tendencia nace en torno a 1920. Se expande por toda Europa, encontrado surrealistas abstractos en España (Joan Miró, a partir de 1924), Francia (André Masson y Max Ernst en parte de su producción), Holanda, Estados Unidos o Alemania. También está adscrito a esta tendencia el chileno Roberto Matta. Muchos de estos artistas tuvieron que refugiarse en los Estados Unidos debido al nazismo y la Segunda Guerra Mundial, lo que influyó en el surgimiento del expresionismo abstracto en Nueva York en la década de los cuarenta.
Spain Rodríguez

Manuel Rodríguez, más conocido como Spain o Spain Rodríguez (con o sin tilde) (22 de marzo de 1940​ - 28 de noviembre de 2012​), fue un historietista estadounidense de tendencia underground que creó el personaje Trashman. Sus experiencias en la carretera con la banda de moteros the Road Vultures y sus ideas izquierdistas inspiraron su obra.
Nacido en Buffalo, Nueva York, Rodríguez estudió en la Silvermine Guild Art School de New Caanan, Connecticut. En la ciudad de Nueva York, a finales de la década de 1960, llegó a colaborar con East Village Other, el cual publicaba su propio tabloide de cómic, Zodiac Mindwarp (1968). Hizo entonces buenas migas con el guitarrista de Grateful Dead Jerry Garcia.
Uno de los fundadores de la United Cartoon Workers of America, colaboró con numerosos cómics underground y también dibujó una historia gráfica de continuará para Salon titulada The Dark Hotel.
Su último trabajo fue una biografía ilustrada del revolucionario argentino Ernesto "Che" Guevara, Che: A Graphic Biography (2009). Traducida a diferentes idiomas, fue descrita por Art Spiegelman como "brillante y radical."​
Rodríguez murió en su casa de San Francisco el 28 de noviembre de 2012, después de 6 años luchando contra el cáncer.​
Fuertemente influenciado por el trabajo de Wally Wood para EC Comics, Spain interpretó las sombras afiladas y nítidas y los contornos duros de Wood de una manera más simplificada y estilizada. Su trabajo también fue más allá del erotismo de las féminas de Wood. En obras clásicas como Mean Bitch Thrills, las mujeres de Spain se mostraban obscenas e incorporaban en ocasiones temas de dominación sadomasoquista.​
Art punk

El art punk es un género musical que parte del movimiento punk, pero siendo más experimental que este y con conexiones a otros subgéneros como el art school y el art world. La gran mayoría de los artistas art punk toman influencias de bandas y músicos como Television, Public Image Ltd. (PiL), Sonic Youth, David Bowie, Lou Reed, Iggy Pop. Brian Eno, Talking Heads, Ramones, Virgin Prunes y Pink Floyd.
Nace a partir de la influencia de óperas rock derivadas por bandas como The Who (Tommy, Quadrophenia, etc.), Lou Reed (Berlín), David Bowie (The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars y Diamond Dogs), Pink Floyd (The Wall), e incluso Abbey Road de The Beatles, entre otras. También, la fusión va desde el art-rock y las obras conceptuales que buscan un desarrollo más trabajado tanto en lo musical como en lo lírico. Las primeras obras "art punk" se atribuyen a dos bandas: la primera de la banda Wire (quienes también son llamados la primera banda art punk) quienes en 1977 lanzaron su primer álbum Pink Flag, el cual generó un gran impacto en el público. Y luego en 1980, The Damned con su The Black Album, en donde experimentan con canciones más complejas y con otro tipo de arreglos instrumentales, aun manteniendo su sonido original. Luego, con el paso de los ochenta fueron un reducido grupos musicales que mantuvieron este estilo, dado que algunos han optado por otras corrientes musicales como el rock gótico, el rock alternativo, la música electrónica y el punk blues, como es el caso de grupos como New Order, Christian Death y Jon Spencer Blues Explosion.
La mayoría de las obras de este subgénero del punk, no abarcan un tema en particular, sino más bien recurren a varias tipos de temáticas, sin que las letras hablen de un solo hecho en común con las demás.
Mustache Pete

Mustache Pete fue un término de jerga que se utilizó entre la primera Mafia estadounidense para hacer referencia a los miembros de la mafia siciliana que emigraron ya adultos a los Estados Unidos (principalmente a Nueva York) a inicios del siglo XX.
A diferencia de los sicilianos-estadounidenses más jóvenes, conocidos como los "Jóvenes Turcos", los Mustache Petes de la vieja guardia tenían grandes mostachos y usualmente cometieron sus primeros asesinatos en Italia. Sus miembros más prominentes fueron Joe "the Boss" Masseria (1886–1931) y Salvatore Maranzano (1886–1931). Muchos de ellos también tenían conexiones con la mafia siciliana. Los Mustache Petes querían mantener las tradiciones criminales sicilianas en su nuevo país y estaban más interesados en trabajar explotando a sus compatriotas italianos que con el público en general. Para ello, se oponían al deseo de los miembros jóvenes de trabajar con las poderosas pandillas judías e irlandesas y con drogas.
Los miembros más jóvenes querían tomar el control desde que se dieron cuenta de las numerosas formas en que podían hacer fortuna, pero eran disminuidos por los Mustache Petes.
Esto molestaba a los jóvenes caporegimes, como Lucky Luciano (1897–1962) y Vito Genovese (1897–1969). Luciano y otros "Jóvenes Turcos" de la mafia neoyorquina concluyeron pronto que los Mustache Petes estaban demasiado establecidos en sus propias tradiciones como para ver los millones de dólares que podrían generarse trabajando con gánsters no italianos. Durante la guerra de los Castellammarenses (1930–31), Luciano construyó una red de mafiosos jóvenes tanto en los lados de Masseria como de Maranzano que secretamente querían asesinar a uno de los antiguos jefes. Ellos eventualmente decidieron matar a Masseria y fingieron lealtad a Maranzano hasta que tuvieron la oportunidad de matarlo también.​ Después de la muerte de Maranzano el 10 de septiembre de 1931, la nueva generación de mafiosos italianos reorganizaron el Sindicato nacional del crimen y fundaron La Comisión, convirtiendo la organización a algo más parecido a lo que es actualmente.​
Los periodistas marcaron ese día como una purga de antiguos mafiosos conocida como la "Noche de las Vísperas Sicilianas"."​ Varios días después, el 13 de septiembre, los cadáveres de otros dos aliados de Maranzano, Samuel Monaco y Louis Russo, fueron recuperados de Newark Bay, mostrando evidencia de tortura. Mientras tanto, Joseph Siragusa, líder de la familia criminal de Pittsburgh, fue asesinado en su casa. La desaparición el 15 de octubre de Joe Ardizonne, jefe de la familia de Los Ángeles, sería atribuida luego como parte de este supuesto plan de eliminar rápidamente a todos los jefes sicilianos del viejo cuño.​ Sin embargo, la idea de una purga en masa, dirigida por Luciano, fue tachada como un mito.​
Gardner Minshew

Gardner Flint Minshew II (Flowood, Misisipi, 16 de mayo de 1996), más conocido como Gardner Minshew, apodado Mustache o Jockstrap King, es un jugador profesional estadounidense de fútbol americano que se desempeña en la posición de quarterback en Las Vegas Raiders, equipo de la National Football League (NFL).​
Fue seleccionado en la sexta ronda en la Reunión Anual de Selección de Jugadores de la NFL de 2019.​ Hizo su debut profesional con el equipo Jacksonville Jaguars, en el cual jugó tres temporadas (2019-2021), después pasó a Philadelphia Eagles (2021-2023), luego a Indianapolis Colts, donde jugó una temporada. En 2024 pasó a Las Vegas Raiders.​
Diamond Eyes

Diamond Eyes (en español: Ojos de diamante) es el sexto álbum de estudio de la banda de metal alternativo estadounidense Deftones. El álbum fue publicado mediante Warner Bros. y Reprise el 4 de mayo de 2010. La banda tanteó la opción de lanzar el álbum Eros como el sexto álbum de estudio, pero finalmente no fue comercializado debido a que el bajista Chi Cheng entró en coma tras un grave accidente de tráfico en noviembre de 2008.​ El lanzamiento de Eros quedó en el aire y la banda comenzó a grabar material para el nuevo álbum en junio de 2009.​
El antiguo bajista de Quicksand, Sergio Vega, adoptó el rol de Cheng en el bajo, con las sesiones grabadas representando un cambio de energía positiva en las letras.​ Cabe destacar que en este álbum, Stephen Carpenter utilizó guitarras de 8 cuerdas.​ Como promoción del álbum, se embarcaron en la gira colaborativa BlackDiamondSkye junto a las bandas Alice in Chains y Mastodon.​
In Your Eyes (canción de Kylie Minogue)

«In Your Eyes» es una canción dance-pop interpretada por la cantante australiana Kylie Minogue y escrita por Richard Stannard, Julian Gallagher, Minogue, y Ash Howes. Producida por Stannard y Gallagher, fue lanzada como el segundo sencillo o single del octavo álbum de Minogue, Fever, en el primer trimestre de 2002.​
Apenas fue lanzado, el sencillo se convirtió en el más escuchado de Australia en el momento, siendo la segunda vez consecutiva que la artista conseguía este logro. En el Reino Unido, «In Your Eyes» debutó en el número 3, vendiendo 164.666 copias y recibiendo certificados de plata. También alcanzó el éxito en la música de baile del Reino Unido, posicionándose en el número siete en el Club Chart. El sencillo ganó el premio Best Dance Awards en los MTV Europe Music Awards de 2002.
El video de «In Your Eyes» fue dirigido por Dawn Shadforth. Presenta a Minogue en un estudio lleno de pantallas con proyecciones psicodélicas. Se compone de dos secuencias: la primera muestra a Minogue y un grupo de bailarines delante de un fondo colorido y la segunda Minogue baila sola. Durante el video, las dos escenas se alternan y lentamente se desvanecen.
«In Your Eyes» fue lanzado el 18 de febrero de 2002. Originalmente se había previsto para enero, pero se retrasó debido a la popularidad en Airplay de «Can't Get You Out Of My Head». Debutó en el número tres en UK Singles Chart. La canción se mantuvo en la lista durante diecisiete semanas, tres de ellas en los primeros veinte meses. También fue un exitoso airplay en el Reino Unido, donde alcanzó el número uno. Además, el sencillo se posicionó en el número siete del Club Chart.
El sencillo se convirtió en un éxito en otros países europeos, llegando al primer lugar en Georgia, Hungría, Macedonia, Rumanía, Rusia y Yugoslavia. Además, alcanzó el primer puesto de Latvia Airplay y Eslovaquia Airplay, el segundo en Croacia, Moldavia, República Checa y Eslovenia y se colocó en el top 5 de Luxemburgo, Estonia, Lituania, Eslovaquia y Polonia. «In Your Eyes» fue lanzado en Canadá (donde llegó al número once) y México, pero no en los Estados Unidos, donde «Can't Get You Out of My Head» acababa de salir.
En Australia, In Your Eyes fue lanzado el 21 de enero de 2002. La canción ganó el disco de oro durante su preventa. Debutó en el número uno en las listas de ARIA Singles y se convirtió en el cuarto sencillo de Minogue en alcanzar la primera posición desde 2000.
En Asia llegó al puesto 1 en Malasia y en el Líbano. Fue número 3 en Israel y 4 en Hong Kong. En el World Chart llegó a posicionarse en el puesto 4.
Este es la lista principal de todas las canciones y versiones publicadas de In Your Eyes.​
«In Your Eyes» ha sido interpretada en vivo en las siguientes giras de conciertos:
La canción también ha sido presentada en:
El grupo italiano de Nossa Alma Canta hizo un cover de la canción en el estilo bossa nova en el álbum de 2008 I Was Made For Bossa.
Theodoros Stamos

Theodoros Stamos (Nueva York, 1922 - Grecia, 1997) fue un pintor del expresionismo abstracto. Fue uno de los más jóvenes artistas trabajando en Nueva York en los años cuarenta y cincuenta del pasado siglo.
Estudió en 1936 en la Escuela de Artistas Estadounidenses con Simon Kennedy y Joseph Konzal. Desde 1958 hasta 1975 enseñó en el Black Mountain College, Cummington School de Bellas Artes y la Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York. Un año antes de su muerte donó 43 de sus obras a la Galería Nacional de Grecia. Está enterrado en Leucas, Grecia.​
Norman Bluhm

Norman Bluhm (28 de marzo de 1921-3 de febrero de 1999), fue un pintor estadounidense clasificado dentro del expresionismo abstracto.
Nació en Chicago, Illinois. Estudió con Mies van der Rohe en el Instituto de Tecnología entonces llamado Armour (actualmente Illinois). Después de prestar servicio durante la Segunda Guerra Mundial con la USAAF decidió no volver a sus estudios de arquitectura. En lugar de ello, estudió arte en la Academia de Bellas Artes de Florencia, Italia y en la École des Beaux-Arts de París. A lo largo de los años cuarenta y cincuenta vivió en París. Tenía numerosos amigos en el arte, la literatura, y otros campos creativos. Entre sus conocidos estaban Joan Mitchell, Sam Francis, Jean Paul Riopelle, Zao Wou-ki y otros. Estuvo casado con Claude Souvrain hasta 1956. Regresó a los Estados Unidos en 1956. Se casó con Carolyn Ogle en 1961. Vivieron en Nueva York hasta 1969 con sus dos hijos, David y Nina. Desde 1970 hasta 1980 vivieron en Millbrook. Desde 1980 hasta 1987 lo hicieron en East Hampton. Posteriormente, vivieron en East Wallingford, Vermont hasta la muerte de Bluhmel 3 de febrero de 1999.
Su obra fue cambiando a lo largo del tiempo, aunque conservó siempre ciertos elementos fácilmente reconocibles, como sus pinceladas, su uso del color y la línea. Entre su obra más destacada está una serie de pinturas poema que realizó con su amigo el poeta Frank O'Hara.
Nature

Nature es una de las más prestigiosas revistas científicas a nivel mundial,​ que fue fundada por el astrónomo británico Joseph Norman Lockyer. Su primer número fue publicado el 4 de noviembre de 1869.​​
Con una periodicidad semanal, la revista es publicada en el Reino Unido por la compañía Nature Publishing Group, subsidiaria de Macmillan Publishers, propiedad del Grupo Editorial Holtzbrinck (dueños del semanario Die Zeit). Nature tiene oficinas en Londres, Nueva York, San Francisco, Washington D. C., Tokio, París, Múnich y Basingstoke, y dispone de corresponsales propios en la mayoría de los países industrializados. La editorial publica también varias revistas especializadas bajo el nombre de Nature como Nature Neuroscience, Nature Methods y Nature Structural and Molecular Biology, entre otros títulos.
La revista es leída por científicos e investigadores de todo el mundo, siendo la mayor parte de los artículos exposiciones de trabajos de investigación muy técnicos. Sin embargo, también incluye editoriales y noticias científicas de carácter general, así como artículos sobre política científica en diferentes países, críticas de libros técnicos y de divulgación y artículos sobre la historia y el futuro de algunas disciplinas científicas. Según los Journal Citation Reports, la revista tiene un factor de impacto de 41,456.​
Según SCI Journal, la revista tiene un factor de impacto (2022) de 49.962.​
Para la mayoría de los científicos, publicar en Nature constituye una marca de prestigio. La revista rechaza en torno al 95% de los artículos que le son enviados para la revisión por pares.​ Los artículos publicados aparecen en ocasiones reseñados por la prensa general y se considera que se encuentran en el frente de la investigación científica. Algunos artículos famosos publicados por Nature fueron:
En 2007 fue galardonada con el Premio Príncipe de Asturias de Comunicación y Humanidades, junto con la revista Science, «por su labor durante más de un siglo impulsando y difundiendo las grandes conquistas científicas de la Humanidad, acercando de este modo la ciencia a la vida».​ Los artículos publicados en Nature se someten a un riguroso sistema de arbitraje por expertos internacionales en cada área del conocimiento.
Actualmente (septiembre 2022), ocupa el primer puesto en las revistas de habla inglesa en Google Scholar, con índice h de 444.​
Los artículos publicados han pasado el filtro de la revisión por pares. En casos dudosos, algunos de los experimentos son repetidos por otros científicos confidencialmente antes de su publicación. Los editores de la revista realizan también una importante criba determinando si el artículo es o no de interés general y si está o no entre los temas de interés científico superior. A pesar de todos estos filtros, algunos artículos publicados por la revista constituyeron famosos escándalos al demostrarse la falsedad de los resultados presentados. Tales fueron los casos de la memoria del agua o la fusión fría.
Nature Publishing Group

Nature Publishing Group es una división de la editorial científica internacional Springer Nature que publica revistas académicas, revistas, bases de datos en línea y servicios en ciencia y medicina. Nature Publishing Group es la publicación insignia de Nature, una revista multidisciplinaria semanal publicada por primera vez en 1869. También publica revistas Nature Research, revistas Nature Reviews (desde 2000) y revistas académicas de propiedad de la sociedad. Springer Nature también publica Scientific American en 16 idiomas, una revista destinada al público en general. En 2013, Nature Publishing Group adquirió una participación de control​ en Frontiers.​
Antes de que Springer Nature se formara en 2015, Nature Publishing Group era una parte de Macmillan Science and Education, una subsidiaria de propiedad total de Holtzbrinck Publishing Group.​
La Nature Publishing Group emplea por encima de 800 personas en sus oficinas en Londres, Ciudad de Nueva York, San Francisco, Seúl, Washington, Boston, Tokio, París, Múnich, Hong Kong, Melbourne, Gurgaon, Ciudad de México, y Basingstoke.​
Hasta septiembre de 2016, NPG publica 148 revistas académicas.​ La serie anterior de la clínica de la práctica de la naturaleza fue rebranded y doblada en la serie de las revisiones de la naturaleza en abril de 2009.​ También publican la serie njp (Nature Journal Partner).
En 2011, Nature lanzó su primera línea de libros de texto electrónicos para el mercado universitario, comenzando con los Principios de Biología, que fue adoptado por la Universidad Estatal de California.​​ La línea de libros de texto ha sido descrita por Vikram Savkar, Vicepresidente Senior y Director de Publicación de Nature Publishing Group, como potencialmente rompiendo el modelo tradicional de publicación de libros de texto .​
Otros servicios activos de Nature Publishing Group incluyen:
Experimentos anteriores en la oferta de servicios en línea incluyen:
Against Nature?

Against Nature? («¿Contra la naturaleza?» o «¿Contra natura?») fue una exhibición sobre la homosexualidad en animales realizada por el Museo de Historia Natural de la Universidad de Oslo, en Noruega. La exhibición es la primera en dedicarse exclusivamente a la homosexualidad en animales.
La exhibición incluía imágenes, animales y modelos de animales de los que se ha descrito comportamiento homosexual. Entre ellos se encontraban fotos de ballenas francas australes y jirafas realizando actos homosexuales. El museo afirmó que quería «ayudar a desmistificar la homosexualidad humana [...] esperamos que se rechacen los demasiado conocidos argumentos de que los actos homosexuales son crímenes contra natura.» La mayoría de la exhibición estaba basada en los trabajos de Bruce Bagemihl y Joan Roughgarden.
La exhibición fue iniciada por la Autoridad estatal noruega para museos, bibliotecas y archivos (ABM) como parte de su programa «Break», impulsando a museos, bibliotecas y archivos a realizar investigación y exhibiciones de carácter controvertido y tabú. Against Nature? fue una respuesta directa a ese desafío y ha recibido apoyo financiero de ABM.
Transcurrió de septiembre de 2006 a agosto de 2007. Fue bien recibida, incluyendo los grupos de visitantes habituales, principalmente familias.​ Posteriormente, la exhibición fue mostrada en diversas ciudades: Bergen, Trondheim, Maastricht, Génova y Estocolmo (donde se llama «Animales del arco iris»).
Julien Levy

Julien Levy (Nueva York, 22 de enero de 1906–New Haven, 10 de febrero de 1981) fue un comerciante de arte y propietario de la Galería Julien Levy en la ciudad de Nueva York, importante como lugar de reunión para surrealistas, artistas de vanguardia y fotógrafos estadounidenses en los años 1930 y 1940.
Levy nació en Nueva York. Después de estudiar administración de museos en Harvard bajo Paul J. Sachs, Levy abandonó el estudio, viajó en barco a París y se hizo amigo de Man Ray,​ Marcel Duchamp y Berenice Abbott, a través de los cuales tomó posesión de una parte del archivo personal de Eugène Atget. En París también conoció a su futura esposa, Joella Haweis, hija de la artista y escritora Mina Loy.
De vuelta en Nueva York, Levy trabajó brevemente en la Galería Weyhe antes de establecer su propia galería neoyorquina en 602 Madison Avenue en 1931. Al concentrarse en la fotografía, organizó el primer espectáculo importante de Man Ray, presentó a Henri Cartier-Bresson a los EE. UU., y promovió muchas otras figuras europeas y americanas. El 29 de enero de 1932, se realizó la histórica exposición surrealista multimedia del trabajo de Pablo Picasso, Max Ernst, Joseph Cornell, Marcel Duchamp y la presentación de La persistencia de la memoria de Salvador Dalí (propiedad de Levy). También defendió el trabajo surrealista de Leon Kelly. Esta exposición fue la primera en Nueva York en mostrar los trabajos de los miembros del grupo oficial surrealista.​
En 1937, la galería se trasladó a 15 East 57th Street, donde Levy montó la primera exposición individual de la obra de Frida Kahlo, del 1 al 15 de noviembre de 1938.​ Desde 1943 hasta 1949, la galería se ubicó en 42 East 57th Street. En 1945, Arshile Gorky tuvo su primera exposición individual allí.
Después de cerrar la galería, Levy enseñó en el Sarah Lawrence College y en la Universidad Estatal de Nueva York en Purchase. Los libros de Levy incluyen Memorias de una galería de arte y Surrealismo.
Janis, Sidney (1944). Abstract and Surrealist Art in America. New York: Reynal and Hitchcock. p. 86. ISBN 978-0405007293
Automatismo surrealista

El automatismo es un método de producir arte en el cual el artista suprime el control consciente sobre el proceso de producción, permitiendo que el inconsciente tenga gran influencia. Dadaistas de comienzos del siglo XX tales como Hans Arp, hicieron algún uso de este método a través de operaciones casuales. Artistas surrealistas, especialmente André Masson, adaptaron al arte el método escritura automática de André Breton y Philippe Soupault que compuso con él Les Champs Magnétiques (Los Campos Magnéticos) en 1919.​ The Automatic Message (1933) fue una de las obras significativas de Breton sobre automatismo.
Se parte del hecho de que se puede crear de y a partir de todo, la creatividad pura solo pertenece a la naturaleza y por tanto se aprende a copiar a través de la observación atenta, la intuición y la atención suspicaz a nuestro inconsciente. Por tanto todos los medios de expresión son válidos. Se nutre estéticamente de todas las corrientes y estilos artísticos, así como del inconsciente colectivo universal arquetipos que versa sobre nuestro pasado, presente y futuro, unidos en una misma línea de tiempo cuya duración es de un instante infinito.
El dibujo automático fue iniciado por el artista inglés Austin Osman Spare, quien escribió un capítulo, Dibujo automático como un medio para el arte, en su libro, "El libro del placer" (1913). Otros artistas que también practicaron el dibujo automático fueron Hilma af Klint, André Masson, Joan Miró, Salvador Dalí, Jean Arp, André Breton y Freddy Flores Knistoff.
La técnica del dibujo automático se transfirió a la pintura (como se ve en las pinturas de Miró, que a menudo comenzó como dibujos automáticos), y se ha adaptado a otros medios; incluso ha habido "dibujos" automáticos en gráficos de computadora. También se piensa que Pablo Picasso utilizó un tipo de dibujo automático en su trabajo posterior, y particularmente en sus grabados y suites litográficas de la década de 1960.
El dibujo automático (distinguido de la expresión dibujada de los medios) fue desarrollado por los surrealistas, como un medio para expresar el subconsciente. En el dibujo automático, la mano puede moverse "al azar" a través del papel. Al aplicar la casualidad y el accidente a la creación de marcas, el dibujo se libera en gran medida del control racional. Por lo tanto, el dibujo producido puede atribuirse en parte al subconsciente y puede revelar algo de la psique, que de otro modo sería reprimido. Ejemplos de dibujo automático fueron producidos por médiums y practicantes de las artes psíquicas. Algunos espiritistas pensaban que era un control espiritual que producía el dibujo mientras tomaba físicamente el control del cuerpo del médium.
2. Rodríguez Sanabria, Laura Valentina. https://es.calameo.com/books/Revista surrealismo
List of works by Salvador Dalí

Salvador Dalí produced over 1,500 paintings over the course of his career. He also produced illustrations for books, lithographs, designs for theater sets and costumes, a great number of drawings, dozens of sculptures, and various other projects, including an animated short film for Disney.
Below is a chronological, though incomplete, list of Salvador Dali's works: Images of his work are subject to copyright by Gala-Salvador Dali Foundation.
1910-1915
1916-1918
1919
1920
1921
1922
1923
1924
1925
1926
1927
1928
1929
1930
1931
1932
1933
1934
1935
1936
1937
1938
1939
1940
1941 (USA)
1942 (USA)
1943 (USA)
1944 (USA)
1945 (USA)
1946 (USA)
1947 (USA)
1948
1949
1950
1951
1952
1953
1954
1955
1956
1957
Under the encouragement of the poet Federico García Lorca, Dalí attempted an approach to a literary career through the means of the 'pure novel'. In his only literary production, Dalí describes, in vividly visual terms, the intrigues and love affairs of a group of dazzling, eccentric aristocrats who, with their luxurious and extravagant lifestyle, symbolize the decadence of the 1930s.
In 1939, Salvador Dalí designed the set and wrote the libretto for a ballet entitled Bacchanale, based on Wagner's Tannhäuser and the myth of Leda and the Swan.
Être Dieu: opéra-poème, audiovisuel et cathare en six parties, "opera-poem" based on a libretto by Manuel Vázquez Montalbán, music by Igor Wakhévitch; published in 1985.
Teotihuacan Ocelot

The Teotihuacan Ocelot or Teotihuacán Ocelot is the name of an alabaster sculpture of a feline found at the ancient Mesoamerican site of Teotihuacan, central Mexico. Discovered in the late nineteenth century, it was purchased by the British Museum in 1926.
This unique sculpture is an offering vessel in the form of a recumbent ocelot. Carved from a single piece of prestigious alabaster, the figure reflects the geometric style and pattern of contemporary funerary masks and architecture from Teotihuacan. The eyes would have once been inlaid with shells or precious stones and the depression on the feline's back would have held the temple offering - some have conjectured that this may have included human hearts removed for ritual sacrifices.
The feline figure was found by a labourer at the foot of the Pyramid of the Sun in Teotihuacan in 1889. It was initially offered to the Museo Nacional, but as they would not buy it, it was sold to an English traveller. The sculpture was eventually bought by the British Museum in 1926, with support from the Christy Fund. Only one other similar calcite statuette of a jaguar has been unearthed at the site, which is now in the Mexican national collection.
Stop (Eric Burdon Band album)

Stop is a hard rock / R&B album by the first incarnation of the Eric Burdon Band, whose line-up consisted of Burdon, John Sterling, Kim Kesterson and Terry Ryan.
The band was formed in 1971, after Burdon left his previous band War to cut an album with Jimmy Witherspoon. They recorded the 1971 album Guilty! and then, without Witherspoon, this album. Not released until July 1975, it featured no hit single, but did enjoy some American chart success, reaching both US and Canadian album charts.
The distinctive red and white gatefold sleeve, together with the plain white inner-sleeve, are die-cut octagonally in the shape of a traffic stop sign. Inside the gatefold one surface bears a large black and white portrait of Burdon, based on a photograph.
Dongyang wood carving

Dongyang wood carving (Chinese: 东阳木雕) is a traditional form of Chinese art originating from the city of Dongyang in Zhejiang Province, China. This art form is known for its intricate designs, delicate craftsmanship, and attention to detail. Dongyang wood carving dates back over 1,300 years, and in 2006, the Chinese government recognized it as a National Intangible Cultural Heritage.
Dongyang wood carving can be traced back to the Tang dynasty (618–907 AD), but it reached its peak during the Ming (1368–1644) and Qing (1644–1911) dynasties. The city of Dongyang emerged as a hub for wood carving due to its abundance of high-quality wood resources and a favorable climate that allowed for skilled craftsmanship. Over time, the art form evolved into various regional styles.
During the Ming Dynasty, the printing industry relied on engraving, and the carving skills of Dongyang wood carvers were widely used in the printing and dyeing industry, as well as the printing industry. This formed a skilled plate-making team that specialized in engraving and printing books.
In the late Qing Dynasty, wood carvers moved from door-to-door processing to workshop production. After the Revolution of 1911, Dongyang wood carving became a commodity. Crafts and furniture made by wood carving artists were bought and exported to Hong Kong, the United States, Nanyang, and other places by businessmen, forming the heyday of Dongyang wood carving products.
Dongyang wood carving artistic expression is notable for its carving techniques, materials, color, and paste technology. The carving techniques include plane relief, multi-level relief, scatter perspective composition, and plane decoration. Its carving techniques also include thin relief, shallow relief, deep relief, hollow carving, transparent carving (saw hollow carving), high relief, multi-layer carving, garden wood relief, round carving, semi-round carving, colored wood inlaid carving, patch carving, Yin carving, colored wood multi-layer carving, and more than ten other techniques.
Dongyang wood carvings use light-colored woods such as camphor, basswood, poplar, birch, white wood, nanmu, and beech for carving properties and low color. However, darker woods such as mahogany, ebony, sour branch wood, rosewood, iron pear wood, and shade wood may also be selected to enhance the visual impact and artistic expression of the work.
Dongyang wood carving is also called "white wood carving." However, some carvings use a variety of colors to create a sense of hierarchy and a three-dimensional effect. Scattered perspective composition and plane relief sometimes make it necessary to carve the pieces separately and then connect them using a paste technique. The carved pieces are combined after being carved separately and then pasted onto the bottom plate. This technique allows for greater detail and complexity.
Rubbing (art)

A rubbing (frottage) is a reproduction of the texture of a surface created by placing a piece of paper or similar material over the subject and then rubbing the paper with something to deposit marks, most commonly charcoal or pencil but also various forms of blotted and rolled ink, chalk, wax, and many other substances. For all its simplicity, the technique can be used to produce blur-free images of minuscule elevations and depressions on areas of any size in a way that can hardly be matched by even the most elaborate, state-of-the-art methods. In this way, surface elevations measuring only a few thousandths of a millimeter can be made visible.
Common uses for this technique include:
Chicago Surrealist Group

The Chicago Surrealist Group was founded in Chicago, Illinois, in July 1966 by Franklin Rosemont, Penelope Rosemont, Bernard Marszalek, Tor Faegre and Robert Green after a trip to Paris in 1965, during which they were in contact with André Breton. Its initial members came from far-left or anarchist backgrounds and had already participated in groups IWW (calling themselves the Rebel Worker Group and putting out a magazine called the Rebel Worker) and SDS; indeed, the Chicago group edited an issue of Radical America, the SDS journal, and the SDS printshop printed some of the group's first publications.
The group played a major role in organizing the World Surrealist Exhibition held at Gallery Black Swan in Chicago in 1976. As the name suggests, broader in scope than previous "international" exhibitions, it featured hundreds of works almost exclusively from contemporary participants in surrealism from thirty-one countries.
Marvelous Freedom/Vigilance of Desire was the title of the catalogue of the 1976 World Surrealist Exhibition. It contains a number of texts and reproductions, as well as a blueprint of the layout of the gallery, with the location of the different "domains" into which the exhibition was organised.
The group also produced four issues of a journal, Arsenal: Surrealist Subversion, between 1970 and 1989. Participants in the group's activities have included Clarence John Laughlin, Gerome Kamrowski, Philip Lamantia, Tristan Meinecke and Franklin Rosemont. As participants past and present have been based in cities other than Chicago, the group has never been strictly defined by geography, despite its name. The group has worked with others, such as The Surrealist Group in Stockholm, with which it met in Chicago and Stockholm in 1986, publishing the International Surrealist Bulletin No. 1.
The Disintegration of the Persistence of Memory

La Desintegración de la Persistencia de la Memoria or The Disintegration of the Persistence of Memory is an oil on canvas painting by the Spanish surrealist Salvador Dalí. It is a 1954 re-creation of the artist's famous 1931 work The Persistence of Memory, and measures a diminutive 25.4 × 33 cm. It was originally known as The Chromosome of a Highly coloured Fish's Eye Starting the Harmonious Disintegration of the Persistence of Memory, and first exhibited at the Carstairs Gallery in New York in 1954.
In this version, the landscape from the original work has been flooded with water. Disintegration depicts what is occurring both above and below the water's surface. The landscape of Cadaqués is now hovering above the water. The plane and block from the original is now divided into brick-like shapes that float in relation to each other, with nothing binding them. These represent the breakdown of matter into atoms, a revelation in the age of quantum mechanics. Behind the bricks, the horns receding into the distance symbolise atomic missiles, highlighting that despite cosmic order, humanity could bring about its own destruction. The dead olive tree from which the soft watch hangs has also begun to break apart. The hands of the watches float above their dials, with several conical objects floating in parallel formations encircling the watches. A fourth melting watch has been added. The distorted human visage from the original painting is beginning to morph into another of the strange fish floating above it. To Dalí, however, the fish was a symbol of life.
Dalí had been greatly interested in nuclear physics since the first atomic bomb explosions of July 1945, and described the atom as his "favourite food for thought". Recognising that matter was made up of atoms which did not touch each other, he sought to replicate this in his art at the time, with items suspended and not interacting with each other, such as in The Madonna of Port Lligat. To Dalí, this image was symbolic of the new physics—the quantum world which exists as both particles and waves. The imagery of the original Persistence of Memory can be read as a representation of Einstein's theory of relativity (although Dalí himself denied the connection to the theory), symbolizing the relativity of time and space. In this new work, quantum mechanics is symbolized by "digitizing" the old image.
Dalí symbolised and marked his loss of interest in surrealism with The Disintegration of the Persistence of Memory as his interest in nuclear physics and religion led him elsewhere.
The painting is currently owned by the Salvador Dalí Museum in St. Petersburg, Florida. It was transported to and exhibited at the National Gallery of Victoria in Melbourne in 2009, along with many other Dalí paintings in the Liquid Desire exhibition.
Dalíland

Dalíland is a 2022 American biographical film directed by Mary Harron. It is based on the true story of surrealist painter Salvador Dalí and his tempestuous marriage to muse and wife Gala during the 1970s. The film stars Ben Kingsley, Barbara Sukowa, Christopher Briney, Rupert Graves, Alexander Beyer, Andreja Pejić, Suki Waterhouse, and Ezra Miller.
Dalíland had its world premiere at the Toronto International Film Festival on September 17, 2022 and was released in the United States on June 9, 2023 by Magnolia Pictures.
Set in the 1970s in New York and Spain, Dalíland is told through the eyes of James (Briney), a young assistant at a New York gallery who's obliged to assist Salvador Dalí (Kingsley) for a gallery show and ends up immersed into the unconventional world of Dalí's bohemian lifestyle and his strange marriage to his wife Gala (Sukowa). After the exhibition, and with signs of increasing strain on the bond between Gala and Salvador, James follows the Dalís to Spain, where the painter later dies.
In May 2018, Ben Kingsley, Lesley Manville, Tim Roth, Frank Dillane and Ezra Miller joined the cast of the film, with Mary Harron directing from a screenplay by herself and John C. Walsh. Miller was initially cast as James by Harron, but was forced to drop out due to scheduling conflicts with Fantastic Beasts: The Secrets of Dumbledore, leading Harron to cast newcomer Christopher Briney. Miller was instead offered the role of a young Salvador Dalí (who's played by Ben Kingsley for most of the film in his later years), appearing only sparingly in some flashback sequences. In May 2021, Barbara Sukowa, Alexander Beyer, Avital Lvova, Christopher Briney, and Rupert Graves were added, while Andreja Pejić, Suki Waterhouse and Mark McKenna had replaced Manville, Roth and Dillane, and principal photography has been concluded.
The movie was largely filmed in Liverpool, which was used to double New York City.
Dalíland had its world premiere at the Toronto International Film Festival on September 17, 2022. In November 2022, Magnolia Pictures acquired distribution rights to the film. It received a theatrical and on-demand release on June 9, 2023.
On the review aggregator website Rotten Tomatoes, 44% of 70 critics' reviews are positive, with an average rating of 5.3/10. The website's consensus reads: "Ben Kingsley adds some rich color to Dalíland's palette, but given the dynamic subject matter, this is a frustratingly bland biopic portrait." Metacritic, which uses a weighted average, assigned the film a score of 59 out of 100, based on 20 critics, indicating "mixed or average" reviews.