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List of house types

This is a list of house types. Houses can be built in a large variety of configurations. A basic division is between free-standing or single-family detached homes and various types of attached or multi-family residential dwellings. Both may vary greatly in scale and the amount of accommodation provided.
A hut is a dwelling of relatively simple construction, usually one room and one story in height. The design and materials of huts vary widely around the world.
Bungalow is a common term applied to a low one-story house with a shallow-pitched roof (in some locations, dormered varieties are referred to as 1.5-story, such as the chalet bungalow in the United Kingdom).
A cottage is a small house, usually one or two stories in height, although the term is sometimes applied to larger structures.
A ranch-style house or rambler is one-story, low to the ground, with a low-pitched roof, usually rectangular, L- or U-shaped with deep overhanging eaves. Ranch styles include:
An I-house is a two or three-story house that is one room deep with a double-pen, hall-parlor, central-hall or saddlebag layout.
A gablefront house or gablefront cottage has a gable roof that faces its street or avenue, as in the novel The House of Seven Gables.
Split-level house is a design of house that was commonly built during the 1950s and 1960s. It has two nearly equal sections that are located on two different levels, with a short stairway in the corridor connecting them.
A tower house is a compact two or more story house, often fortified.
A longhouse is historical house type typically for family groups.
A housebarn is a combined house and barn.
Valmont Industries

Valmont Industries, Inc. is a large, publicly held American manufacturer of Valley center pivot and linear irrigation equipment, windmill support structures, lighting and traffic poles and steel utility poles.
Their corporate office is in Omaha, Nebraska. Their plant and aviation department is in Valley, Nebraska. Valmont has many worldwide locations including Europe, China and India. The company name comes from a combination of the names of two nearby towns, Fremont and Valley.
Mogens Bay was appointed Head Chairman and C.E.O. following the retirement of founder Robert B. Daugherty in 2004.
Valmont produces products for the agricultural industry.
The company was founded by Robert B. Daugherty.
Bassas da India

Bassas da India (French pronunciation: [basa da ɛ̃dja]; Malagasy: Nosy Bedimaky) is an uninhabited, roughly circular atoll located in the southern Mozambique Channel, about halfway between Mozambique and Madagascar (about 385 km [239 mi] further east) and around 110 km (68 mi) northwest of Europa Island. It is administered by France as part of the French Southern and Antarctic Lands, though it is claimed by Madagascar. The rim of the atoll averages around 100 metres (330 ft) in width and encloses a shallow lagoon of depth no greater than 15 m (49 ft). Overall, the atoll is about 10 km (6.2 mi) in diameter, rising steeply from the seabed 3,000 metres (9,800 ft) below to encircle an area (including lagoon) of 80 km (31 sq mi). Its exclusive economic zone, 123,700 km (47,800 sq mi) in size, is contiguous with that of Europa Island.
The atoll consists of ten barren rocky islets, with no vegetation, totaling 20 hectares (49 acres) in area. Those on the north and east sides are 2.1 to 3.0 metres (7 to 10 ft) high, while those on the west and south sides are 1.2 metres (4 ft) high. The reef, whose coastline measures 35.2 km (21.9 mi), is entirely covered by the sea from three hours before high tide to three hours afterward. The region is also subject to cyclones, making the atoll a long-time maritime hazard and the site of numerous shipwrecks.
Jaguar Seamount and Hall Tablemount lie about 40 and 70 kilometres (25 and 43 mi) further southwest.
The Bassas da India was first recorded by Portuguese explorers in the early sixteenth century as the "Baixo da Judia" ("Jewess Shoals"). The Judia ("Jewess", for the ancestry of its owner Fernão de Loronha) was the Portuguese ship that discovered the feature by running aground on it in 1506. The name became "Bassas da India" due to transcription errors by cartographers. The Santiago broke up on the shoal in 1585.
It was rediscovered by the Europa in 1774, whence the name "Europa Rocks". The Malay was lost 27 July 1842 on the Europa Rocks.
In 1897, the shoal became a French possession, later being placed under the administration of a commissioner residing in Réunion in 1968. Madagascar became independent in 1960 and has claimed sovereignty over the shoal since 1972.
The presence of Galapagos sharks was reported in 2003, which is a first in the Mozambique Channel.
Mooring at Bassas da India requires a permit from the French Government. Fishing without such a permit may result in the boat being expelled or even confiscated. Several illegal tourism charters departing from Mozambique or South Africa have been seized since 2013 by the French Navy.
Harihar fort

Harihar fort / Harshagad is a fort located 40 km from Nashik City, 48 km from Igatpuri, 40 km from Ghoti in Nashik district, of Maharashtra, India. It is an important fort in Nashik district, and was constructed to look upon the trade route through Gonda Ghat. It receives many visitors because of its peculiar rock-cut steps.
Harihar fort was built during the Seuna (Yadava) dynasty period. It was surrendered to Khan Zamam in 1636 along with Trymbak and other Pune forts. The fort was captured by Captain Briggs in 1818 along with 17 other forts.
There are two base villages of the fort, Harshewadi and Nirgudpada. The Harshewadi is 13 km from Trymbakeshwar. The other base village of the fort is Nirgudpada/Kotamvadi which is 40 km from Ghoti which itself is 48 km from Nashik and 121 km from Mumbai. One can travel from Ghoti to Trimbakeshwar by bus or by private vehicle. One should take care when returning from the fort; the last bus from Trimbakeshwar is 5:30pm to Ghoti and trains are available from Nashik to Mumbai until late night. The climb from Harshewadi is easier than from the Nirgudpada. A wide, safe trekking path starts from the hil lock north of the Nirgudpada. It passes through scrub forest until it reaches an open ridge which is connected to the fort. It takes about an hour to reach the scarp of the hill on which the fort is situated. The ascent covers 60m of rock-cut steps like a stone ladder placed at 60 degrees along the scarp. The steps are worn out in many places but there are holes on either side of the steps conveniently placed for holding onto. After reaching the main entrance, the path takes a left traverse and again helical rock cut steps are to be climbed, which are more steep than the earlier ones. The steps finally end with a narrow entrance. At many places the steps are so narrow that only a single person can climb at a time. Accommodation is possible on the Harihar Fort, as well as in the local villages.
There are no good structures left on the fort except for a storage house with a small entrance. There is a series of 8 rock-cut water cisterns in the centre of the fort. It takes about an hour to visit all places on the fort. The fort gives a good view of Basgad, Brahmagiri , Kapdya, Brahma hill & Feni. Along with the famous vertical stairs there are another set of stairs leading to a secret entrance [1]
وسنت رائے جی

وسنت نیسدرائے جی (26 جنوری 1920 - 13 جون 2020) ایک بھارتی اول درجہ کرکٹ کھلاڑی اور کرکٹ کے تاریخ دان تھے۔ وہ 1939ء اور 1950ء کے درمیان نو اول درجہ کرکٹ میچوں میں نمایاں رہے۔
رائے جی بڑودہ میں پیدا ہوئے۔ 1939 میں ایک تہوار کے میچ میں اپنے فرسٹ کلاس ڈیبیو پر کرکٹ کلب آف انڈیا کی ٹیم کی نمائندگی کرتے ہوئے، اس نے پہلی اننگز میں صفر اور دوسری میں صرف ایک رن بنایا۔1941-42 میں اس نے رنجی ٹرافی میں بمبئی کے لیے بیٹنگ کا آغاز کیا اور 1941 کے بمبئی پینٹنگولر میں ہندو ٹیم کے لیے ریزرو تھا۔ اس کے بعد وہ بڑودہ کے لیے کھیلنے چلے گئے اور اس کے دو سب سے زیادہ اسکور بڑودہ کی مہاراشٹر کے خلاف جیت میں آئے۔ 1944-45 رنجی ٹرافی، جب اس نے 68 اور 53 بنائے۔ ان کے چھوٹے بھائی مدن نے بھی بمبئی کے لیے فرسٹ کلاس کرکٹ کھیلی۔
رائے جی کے کھیل کے کیریئر کے اختتام پر، وہ لکھنے کی طرف متوجہ ہوئے اور ابتدائی ہندوستانی کرکٹ پر کئی اہم کاموں کے مصنف ہیں۔ وہ پیشے کے اعتبار سے اکاؤنٹنٹ تھے اور اس موضوع پر دو کتابیں تصنیف کیں۔ 1930 کی دہائی میں وہ اپنے دوست آنند جی ڈوسا کے ساتھ بمبئی میں جولی کرکٹ کلب کے بانی اراکین میں سے ایک تھے، جو کرکٹ کے مشہور شماریات دان تھے۔
اپنی زندگی کے آخر تک وہ جنوبی ممبئی کے واکیشور علاقے میں مقیم رہے۔ فروری 2016 میں بی کے گروداچر کی موت پر وہ ہندوستان کے سب سے معمر فرسٹ کلاس کرکٹ کھلاڑی بن گئے۔ اس نے جنوری 2020 میں اپنی 100 ویں سالگرہ منائی، جس میں سٹیو وا، سنیل گواسکر اور سچن ٹنڈولکر نے شرکت کی۔ 7 مارچ 2020 کو، وہ جان مینرز کی موت کے بعد سب سے عمر رسیدہ فرسٹ کلاس کرکٹ کھلاڑی بن گئے۔ ان کا انتقال 13 جون 2020 کو 100 سال کی عمر میں ہوا۔ ان کے پسماندگان میں ان کی اہلیہ اور ان کی دو بیٹیاں ہیں۔
رانجی: دی لیجنڈ اینڈ دی مین (1963) دلیپ: دی مین اینڈ اس گیم (شریک ترمیم؛ 1963) وکٹر ٹرمپر: دی بیو آئیڈیل آف ایک کرکٹ کھلاڑی (ترمیم؛ 1964) رانجی: ایک صد سالہ البم (ترمیم؛ 1972) ایل پی جے: ایک عظیم بلے باز کی یادیں (ترمیم؛ 1976) رانجی ٹرافی کا رومانس (1984) انڈیاز ہیمبلڈن مین (1986) سی سی آئی اور بریبورن اسٹیڈیم، 1937-1987 (آنند جی ڈوسا کے ساتھ؛ 1987) سی کے نائیڈو: ہندوستانی کرکٹ کا شہنشاہ (1989) دلیپ: صد سالہ خراج تحسین (ترمیم؛ 2005) پریذیڈنسی سے پینٹنگولر تک (موہن داس مینن کے ساتھ؛ 2006) کرکٹ کی یادیں: مرد اور گذرے دنوں کے میچز (2010)[15]
بیسن

بیسن جسے چنے کا آٹا بھی کہا جاتا ہے عموما چنے کی دال کو پیس کر بنایا جاتا ہے یہ برصغیر پاک و ہند کے کھانوں میں اہم جز سمجھا جاتا ہے۔ ہندوستانی، بنگلہ دیشی، برمن، نیپالی، پاکستانی اور سری لنکن کئی طرح کے کھانوں میں اسے شامل کیا جاتا ہے۔بیسن زیادہ تر چنے کی دال کو پیس کر یا خام بھنے چنے سے بھی بنایا جاتا ہے مختلف اقسام کے بیسن بہت ذائقہ دار ہوتے ہیں جبکہ خام قسم میں تھوڑا سی کڑواہٹ ہوتی ہے
بیسن میں عموما دیگر آٹوں کے مقابلے میں کاربوہائیڈریٹ کا بہت زیادہ عمدہ تناسب پایا جاتا ہے جبکہ فائبر اور پروٹین بھی متوازن تناسب میں موجود ہوتا ہے
برصغیر پاک و ہند میں بیسن کو مختلف کھانوں میں اہم جز کے طور پر استعمال کیا جاتا ہے بیسن سے عموما جو کھانے بنائے جاتے ہیں وہ مندرجہ ذیل ہیں
اندھراپردیش میں چنے کے آٹے کے ساتھ ایک سالن جسے سنگا پینڈی کورا کہا جاتا بنایا جاتا ہے جیسے کہ زیادہ تر پوری یا چپاتی کے ساتھ کھایا جاتا ہے ۔ موسم سرما میں عموما ناشتے میں لوگ اسے بہت زیادہ رغبت سے کھاتے ہیں۔ہندوستان میں بیسن کے پین کیک بہت مشہور و معروف اسٹریٹ فوڈ ہے۔
جنوبی یورپ
لگورین بحرکے ساحل کے ساتھ گربنزو پھلیوں سے تیار کردہ آٹا جوکے چنے کے آٹے کی ہی مختلف قسم ہے اس سے تندور میں بنے ہوئے باریک پین کیک تیار کیے جاتے ہیں جو عوام الناس میں بہت زیادہ مشہور ہیں۔اس مشہور اسٹریٹ فوڈ کو اطالوی کھانوں میں فار یناٹا، جنیوا میں فیانا اور فرانسیسی کھانوں میں سوکا کہا جاتا ہے ہسپانوی کھانوں میں بھی چنے کا آٹا ایک اہم جز سمجھا جاتا ہے جبکہ قبرص اور یونان میں اسے خوشی اور غمی کے موقع پر بنائے جانے والے کھانوں میں استعمال کیا جاتا ہے
یسن کے دیگر استعمال
پانی یا دہی کہ ساتھ بیسن کی لئی بنا کر برصغیر پاک و ہند پر چہرے پر لگائی جاتی ہے اسے چہرے کی صفائی کے لیے بے حد فائدہ مند تصور کیا جاتا ہے اسے انڈے کے متبادل کے طور پر کباب کے تلنے کے لیے بھی استعمال کیا جاتا ہے ۔
Ezogelin soup

Ezogelin soup or Ezo gelin soup (Turkish: Ezogelin çorbası, "the soup of Ezo the bride") is a common soup in Turkish cuisine. The main ingredients are bulgur and red lentils. The origin of the soup is attributed to Ezo the bride from Gaziantep.
The ingredients are red lentils, rice, bulgur, olive oil, butter, onion, garlic, tomato, tomato paste, paprika, hot pepper, dried mint, black pepper, and salt; it is usually served with lemon wedges.
Dahi chutney

Dahi chutney is strained dahi that is mixed into a chutney of mint and onions, originating from the Indian subcontinent.
The traditional ingredients are dahi, onions, tomatoes, mint leaves, coriander, chilli peppers, and salt to taste.
There are multiple ways to prepare the side dish. Mint, coriander, and a chilli pepper is cut and mixed into yogurt which is then blended in a blender for a minute.
Perugu pachadi is a Southern Indian regional variant of curd chutney. It is also a yogurt-based dip that includes vegetables such as tomato, cucumbers, squash, mango, and bitter gourd, either raw or cooked.
This variety is popular in coastal Andhra Pradesh. In Northern India, it would be called raita.
Varieties include:
Cheese and pickle sandwich

A cheese and pickle sandwich (sometimes known as a cheese and chutney sandwich or a ploughman's sandwich from its resemblance to a ploughman's lunch) is a British sandwich. As its name suggests, it consists of sliced or grated cheese (typically cheddar) and pickled chutney (a sweet, vinegary chutney, the most popular brand being Branston), sandwiched between two slices of bread. The bread may be spread with butter or margarine, and the sandwich may include salad items like lettuce and rocket (U.S., arugula).
In an informal poll by the German supermarket chain ALDI the cheese and pickle sandwich was voted as Britain's favourite sandwich. Celebrity chefs including Jamie Oliver, Anthony Worrall Thompson, and the Hairy Bikers have produced their own recipes of the sandwich. Oliver attributes the sandwich's popularity to the way in which "the crunch of the pickle perfectly complements the smooth softness of the cheese, and the vinegariness of the pickle balances the richness of the cheese."
Major Grey's Chutney

Major Grey's Chutney is a type of chutney, reputedly created by a 19th-century British Army officer of the same name who, though likely apocryphal, presumably lived in British India. Its characteristic ingredients are mango, raisins, vinegar, lime juice, onion, tamarind extract (occasionally), sweetening, and spices.
It has been described as a mild chutney compared to others that have a spicier flavour profile. In 1982, Major Grey's Chutney was described as being the most popular type of chutney used in the United States.
The product was long associated with Sharwood’s Mango Chutney, Major Grey version, but this is no longer mass-produced for sale in the United Kingdom.
Commercial Major Grey's Chutney products typically contain similar ingredients, with some variations occurring in the formulations of the various products.
Major Grey's Mango Chutney is mass-produced by Sun Brand in India and by Desai Brothers Ltd. in Poona, India under the brand name Mother's Recipe, and has been exported to Singapore. Originally all Indian condiments were fiery hot. Hence they were too spicy for the European settlers' palates. It is reputed that a British army major named Grey had a sweet variety of mango chutney made especially to suit his taste. Thus Major Grey Chutney is thought to have been born, made by Merwanjee Poonjiajee, established in the year 1876. Mango chutney & curry powder made under the "SUN BRAND" were some of the first of their kind to be exported from India.
A number of manufacturers mass-produce a "Major Grey's Mango Chutney" for sale in the United States and Canada, for example, British brand Patak's (who mass-produce a similar Mango Chutney for the U.K. market) and Sharwood's. One of the oldest brands, reputedly the first manufacturer to popularise the chutney in the West, is Crosse & Blackwell, now partly owned by the J.M. Smucker Company. It has been suggested that Crosse & Blackwell purchased the formulation for Major Grey's Chutney, "probably in the early 1800s".
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San Francisco de Asís en éxtasis (Zurbarán, Museo Soumaya)

San Francisco de Asís en éxtasis es una obra pictórica del artista español Francisco de Zurbarán pintada hacia 1638 durante el Siglo de Oro Español en el que se representa a san Francisco de Asís durante el estado de arrobamiento místico. Actualmente se encuentra en el Museo Soumaya de la Ciudad de México.
Existe otra versión de este cuadro también del pincel de Zurbarán y de la misma época, que comparte muchas características con este, datado entre 1635 y 1690 y que se encuentra en la Galería Nacional de Londres.​ Asimismo, forma parte de una serie de "Franciscos" pintados por Zurbarán entre 1628 a 1640.
Este cuadro data de alrededor de 1638, época por la cual Zurbarán residió en Sevilla mientras pintaba la serie de cuadros dedicados a la virgen de Guadalupe de Cáceres. En 1639 muere su segunda esposa Beatriz de Morales, a lo cual se atribuye una mayor oscuridad en su obra patente a partir de 1640.​
De esta época datan también la mayor parte de los Franciscos pintados por Zurbarán: hincados, de pie y en éxtasis, repartidos por el mundo que comparten características similares. Parece factible que el cuadro haya sido pintado por encargo de una comunidad de frailes menores descalzos.​ El más similiar a él, el de la National Gallery de Londres, fue parte de la colección de Luis Felipe I de Francia, que fue vendida en subasta en 1853,​ lo que también parece ser el caso de la versión que actualmente se encuentra en el Soumaya.​
El cuadro muestra al fundador de la orden franciscana bajo la línea iconográfica postridendinta, esto es, en actitud ascética y en cotemplación mística.​ El cuadro repite elementos usados por Zurbarán en otros Franciscos: el santo en oración, la mirada dirigida al cielo, la cara cubierta y casi velada totalmente con la sombra del capuchón y gran porción del cuerpo en sombras.​
El santo sostiene una cráneo, símbolo tradicional del ascetismo, en las manos entrelazadas y cercano a su pecho. Su hábito se encuentra rasgado en uno de los codos y en la manga para mostrar la pobreza de san Francisco. Como fondo se puede ver una construcción y un paisaje en donde destaca la Giralda o torre de las campanas de la catedral de Sevilla.​
El cuadro es un ejemplo del tenebrismo de Zurbarán heredado de Caravaggio, por lo que hace uso del claroscuro para dar énfasis a la austeridad y misticismo de san Francisco. Dicho tenebrismo es característico de la escuela sevillana de pintura desarrollada durante la época del Barroco.​
Las lágrimas de san Pedro (El Greco, Soumaya)

Las lágrimas de san Pedro es un cuadro de estilo manierista del pintor Domênikos Theotokópoulos, más conocido como "El Greco", realizado alrededor de 1587 y 1596, resguardado actualmente en el museo Soumaya de la Ciudad de México. Es similar en estructura y composición a otros cuadros de la misma temática y con el mismo título, descritos en: Las lágrimas de San Pedro (Bowes Museum), Las lágrimas de San Pedro (obras originales) y en Las lágrimas de San Pedro (El Greco y su taller).
Este versión que se encuentra en el Soumaya, parece haber pertenecido al marqués de Legarda, en Vitoria, y adquirido en 1909 por Electra Havemeyer. En 1930 fue adquirido por la colección floridana de Óscar B. Cintas, quien la restauró, para, finalmente ser adquirida por el Museo Soumaya en 1998.​
El óleo reproduce la imagen del apóstol san Pedro en un estado de contrición, en la escena evangélica del arrepentimiento del discípulo de Jesús tras negarlo durante la pasión: “y saliendo fuera, lloró amargamente” (Mt 26, 69‐75).​ Simón Pedro une sus manos en un gesto devocional, en uno de sus brazos cuelgan las llaves, símbolo del papado y atributo del ministerio petrino, al tiempo que alza la mirada con ojos lacrimosos. En el fondo se entrevé la escena de la resurrección de Cristo con el sepulcro vacío y María Magdalena atestiguando el milagro.​
Los colores del personaje central son brillantes con un fondo oscuro que lo resalta. La iluminación viene desde varios puntos que parecen haber influenciado las pinturas sobre el mismo tema que existen en Toledo y Oslo.​
La pintura es de estilo manierista, y al igual que otras obras de "El Greco", se encuentra alargada, lo cual realizaba con intenciones estéticas con una significación espiritual.​
Se considera que fue el Greco quien definió este tipo iconográfico, recurrente en él y luego utilizado por otros.​
Lucrecia Romana (Lucas Cranach el Viejo)

Lucrecia romana, antes llamada Lucrecia, del pintor alemán Lucas Cranach el Viejo es una obra del siglo XVI, que representa el suicidio de la célebre romana Lucrecia. Esta pintura se exhibe en el Museo Soumaya en la Ciudad de México.​
De carácter manierista, este óleo representa el suicidio de la heroína romana Lucrecia después de ser violada por Sexto Tarquino, hijo del último rey de Roma. Puede notarse en ella una mezcla de dolor y erotismo; también se destacan elementos textiles, pieles, y joyas al cuello y muñeca. La maestría de la obra puede notarse por las transparencias y el cuidado del trabajo de los vestidos. El movimiento espiral de su cuerpo es una de las características de las mujeres que representó Cranach en sus obras, así como la bella cara redonda y mentón pronunciado.
Es posible que en su realización hayan colaborado los dos Lucas Cranach, tanto padre como hijo. Hay una obra próxima a esta versión, que es la Lucrecia de Lucas Cranach el Viejo, ubicada en el Künstmuseum de Basilea.​
La violación y suicidio de Lucrecia han sido objeto de numerosas representaciones en las artes plásticas, incluyendo entre ellas obras de Tiziano, Rembrandt, Durero, Rafael o Botticelli. La poetisa mexicana Sor Juana Inés de la Cruz dedicó algunos sonetos a Lucrecia. Este es un fragmento del soneto Engrandece el hecho de Lucrecia.​
Venus victoriosa (Renoir)

La Venus victoriosa (en francés, Venus victorieuse, c. 1914) es una escultura del artista francés Pierre-Auguste Renoir, basada en la imagen de la diosa romana Venus. El yeso forma parte de la colección del Museo Soumaya de la Ciudad de México.​
No debe confundirse con la Venus Victrix (en español, también Venus victoriosa) del italiano Antonio Canova.
La escultura representa la imagen de la diosa según la pintura El juicio de Paris de Renoir, basada en la historia homónima mitológica.​ En el relato, las diosas Hera, Atenea y Afrodita (en la versión romana, Venus) se disputan una manzana de oro durante las bodas de Peleo. Para dirimir el conflicto, Zeus nombra a Paris, príncipe de Troya, como juez. Paris se decanta por Afrodita al prometerle el amor de Helena. La escultura muestra a Venus sosteniendo la manzana tras haber ganado la disputa.
Debido a su avanzado estado de artritis, Renoir recibió ayuda del catalán Richard Guino, por recomendación de Aristide Maillol, para realizar esta obra.​
A la muerte de Renoir, la familia del artista francés y la de Guino se disputaron la autoría y propiedad de la escultura, reteniéndola los descendientes de Renoir. El yeso llegó a América cuando Paul Renoir se mudó a Canadá; a su muerte, su viuda lo subastó junto con el último cuadro pintado por Pierre-Auguste Renoir.
El 19 de septiembre de 2013, la escultura volvió a ser subastada; esta vez por el Instituto Ucraniano de América. Fue adquirido por la Fundación Carlos Slim para el Museo Soumaya en México.​
Edificio de Kotelnicheskaya Naberezhnaya

El Edificio de Kotélnicheskaya náberezhnaya (del ruso: Коте́льническая на́бережная) es uno de los siete rascacielos moscovitas construidos durante la época estalinista y conocidos como las «Siete Hermanas». Recibe su nombre de su ubicación en el muelle Kotélnicheskaya, que discurre a lo largo del río Moscova.
Su construcción se inició en septiembre de 1947 y finalizó en 1952, según el proyecto de Dmitri Chechulin (en la época arquitecto jefe de la ciudad de Moscú) y Andréi Rostkovski. La torre principal tiene 32 plantas (incluidas las destinadas exclusivamente a instalaciones mecánicas) y tiene 176 metros de altura.​
El complejo incluye también un edificio residencial de nueve plantas construido a lo largo del Moscova, diseñado por los mismos arquitectos en 1938 y completado en 1940. Originalmente construido según los dictados del primer estilo estalinista, con acabados de estuco, fue revestido con paneles de terracota alineados con la torre principal y decorado con elementos pseudo-góticas. A finales de la Segunda Guerra Mundial, el ala lateral se convirtió en apartamentos multi-familiares asignados por el Ayuntamiento (kommunalka), en contraste con el uso previsto de la torre principal como residencia de élite.
La torre principal, caracterizada estructuralmente por un armazón de acero, tiene una sección transversal hexagonal con tres alas laterales de 18 plantas cada una (incluidas las plantas destinadas a las instalaciones mecánicas). Su parte más alta, aunque no es particularmente alta ni gruesa, elevándose cinco plantas respecto al bloque inferior y terminando con un alto pináculo, consigue aumentar notablemente la verticalidad del conjunto arquitectónico.
Tras el nuevo edificio se esconde la llamada Vshívaya Gorka, una colina caracterizada por edificios históricos y un laberinto de calles con fuerte pendiente. Chechulin fue criticado inicialmente por no haber tenido en cuenta esta zona de interés histórico, pero su influencia y los apoyos que contaba en la burocracia eliminaron cualquier reticencia.
Entre los habitantes célebres del edificio se deben recordar a la bailarina Galina Ulánova (cuyo apartamento se conservó como museo), el director de teatro Yuri Liubímov (que vivía en los apartamentos municipales), la actriz Faína Ranévskaya y el poeta Andréi Voznesenski.
Edificio de la gobernación del estado Aragua

El edificio de la gobernación del estado Aragua es un edificio usado como sede gubernamental del estado Aragua, ubicado en la ciudad de Maracay, Venezuela. Se encuentra al norte del casco histórico o central de la ciudad, muy cercano del palacio municipal de Girardot y al palacio de Justicia de Maracay.
Ubicado en la antigua sede de Corpoindustria, fue diseñado por el arquitecto José Puig Abuli y culminado en 1976. Este edificio es una de las construcciones emblemáticas de la arquitectura contemporánea de Maracay.​
Consta de seis pisos, mezzanina, sótano y una planta baja de doble altura, a manera de altrío. Dos placas hexagonales constituyen sus fachadas este y oeste. Dichas placas están hechas en obra limpia y sus superficies presentan incisiones que, en conjunto, forman numerosos triángulos, los cuales al unirse multiplican la figura hexagonal. En los diferentes pisos presentan voladizos que equilibran la fachada y que brindan a la edificación un fuerte dinamismo. Las áreas de escaleras se encuentran discretamente iluminadas por vitrales integrados de manera casi imperceptible en las paredes. Cuenta con un auditorio anexo, donde funcionaba la sala de la Cinemateca Nacional de Maracay.​
Casa de los Señores García Germán

La Casa de los Señores García Germán es un edificio civil ubicado en la Calle Mayor de la ciudad española de Palencia.
Proyectado por el arquitecto Jerónimo Arroyo en el año 1912, se trata de un edificio de viviendas mandado edificar por la familia García-Germán y concluido en 1916.
El edificio destaca por ser uno de los principales ejemplos de modernismo en la capital palentina. Arroyo lo proyectó con influencias eclécticas y un llamativo contraste entre los paramentos de ladrillo rojo y los elementos decorativos, que se cubren con enlucido blanco. Destacan también los balcones de hierro forjado y los miradores acristalados, que presentan originales formas redondeadas. Quizá el elemento más representativo sea el chaflán del edificio, de forma hexagonal, con miradores superpuestos en todos los pisos y, rematando el conjunto, una pequeña cúpula de media naranja sostenida por finas columnas. Debido a la característica forma de esta cúpula, los palentinos conocen a este edificio como "Casa del Huevo".
Museo de Arte Contemporáneo de Niterói

El Museo de Arte Contemporáneo de Niterói (en portugués, Museu de Arte Contemporânea de Niterói), es un museo dedicado al arte contemporáneo brasileño situado en la ciudad de Niterói, en el estado de Río de Janeiro, Brasil. Diseñado por el arquitecto Oscar Niemeyer con la ayuda del ingeniero estructural Bruno Contarini, es una de las últimas obras realizadas por Niemeyer a sus 100 años. El Museo de Arte Contemporáneo de Niterói tiene 16 metros de alto y su cúpula un diámetro de 50 metros, con tres pisos. Proyecta sobre el mirador de Boa Viagem ("Buen Viaje") una superficie de 817 metros cuadrados que rodea la base cilíndrica "como una flor", en palabras de Niemeyer.
Una amplia rampa de acceso conduce a un Pasillo de Exposiciones, con capacidad para sesenta personas. Dos puertas llevan a la galería de observación, desde la cual se puede contemplar la bahía de Guanabara y el pico Pan de Azúcar.
Panorama urbano

El panorama urbano, perfil de la ciudad, perfil o skyline (del inglés, literalmente «línea de cielo») es la silueta o la visión total o parcial de las estructuras y edificios más altos (sobre todo rascacielos) de una ciudad. También puede ser descrito como el horizonte artificial creado por la estructura total de una ciudad. Los panoramas urbanos son una buena representación de las capacidades totales de una ciudad; cuanto más impresionante sea el panorama urbano, más dinero habrá tenido que invertir la ciudad. Los panoramas urbanos también pueden servir como una especie de huella dactilar de las ciudades, ya que no hay dos iguales.
Los panoramas urbanos que se extienden hacia una visión larga, porque son de ciudades largas o a veces de "ciudades gemelas" (dos ciudades cercanas la una a la otra y que parecen formar una unidad), son llamados "paisajes urbanos". En muchas, pero no todas las metrópolis, los rascacielos desempeñan un papel significativo a la hora de delimitar el horizonte. En las ciudades más intensamente diseñadas, el panorama urbano tiende a tomar la forma de una montaña artificial, con los edificios más altos hacia el centro de la ciudad.
La palabra skyline es un extranjerismo que proviene del inglés. Según la Fundéu, no existe un término equivalente; se emplea en ocasiones «horizonte» o «perfil urbano/de la ciudad».​ También, por influencia del francés, suele emplearse panorama urbano.
Escuela Preparatoria Skyline (Texas)

Escuela Preparatoria Skyline (Skyline High School) es una escuela preparatoria (high school) en Dallas, Texas. Como parte del Distrito Escolar Independiente de Dallas (DISD por sus siglas en inglés), la preparatoria tiene una programa para estudiantes de su zona de asistencia, y programas magnet para estudiantes en todo de Dallas. Desde 2008 tenía 2.500 estudiantes del barrio y 2.500 estudiantes magnet.​
Los estudiantes provienen de diversos orígenes étnicos. La escuela también tiene clases nocturnas para adultos.​
El estudio de arquitectura Goodwin & Cavitt diseñó la escuela, con una capacidad de 4.000 estudiantes y un costo estimado de $11.250.000. En 1967 la junta escolar de DISD aprobó los planos arquitectónicos.​
El primero principal (jefe) de la escuela, Bill Stamps, utilizó el nombre temporal Skyline High School debido al panorama urbano de Dallas visible desde el área de la preparatoria.​
En febrero de 1970, la junta votó para nombrar a la escuela Skyline High School.​
Skyline se abrió en 1970. Los estudiantes y maestros de Skyline consideran la preparatoria como la más antigua y más grande escuela magnet de los Estados Unidos.​ Los programas magnet se desarrollaron en torno a las carreras.​ En 1971, el superintendente de DISD, Nolan Estes, había acuñado el nombre "magnet school" y planeó para que sea una de las varias escuelas de este tipo.​
Skyline Tower

Skyline Tower, anteriormente conocida como Court Square City View Tower, es un rascacielos residencial en construcción en el barrio de Long Island City en Queens, Nueva York.​​ El edificio se coronó en octubre de 2019, superando a One Court Square para convertirse en el edificio más alto de Queens, con 237 m.​
Citigroup anteriormente controlaba el sitio desde la década de 1980, habiendo tomado posesión de él durante el desarrollo de One Court Square y Two Court Square más pequeño. Si bien se planeó como el sitio futuro de otra torre de oficinas para Citi, en 2015 la compañía decidió que no necesitaba el espacio potencial y que el valor del terreno era más alto como sitio de desarrollo.​ Como resultado, Citi contrató a JLL para comercializar el sitio y varios meses después vendió el paquete al desarrollador Chris Xu de Flushing, Queens, por 143 millones de dólares.​
En febrero de 2016, se presentaron inicialmente los permisos para una torre de 79 pisos que alcanzaría una altura de 294 m.​ Sin embargo, debido a la proximidad de Long Island City al aeropuerto LaGuardia, la Administración Federal de Aviación dictaminó que el edificio no podía elevarse más de 229 m sin representar una amenaza para el aterrizaje de aviones.​ Como resultado, el desarrollo se redujo a su altura actual de 237 m.​ En septiembre de 2016, el Banco de China otorgó un préstamo de 100 millones de dólares para refinanciar el sitio de desarrollo.​
El trabajo de cimentación en el sitio comenzó a fines de 2017. En julio de 2018, los desarrolladores obtuvieron 502 millones de dólares en financiamiento de un consorcio de bancos liderado por JPMorgan Chase, el financiamiento más grande jamás realizado para un desarrollo inmobiliario privado en Queens.​​ A fines de 2018, se completaron los trabajos de cimentación y el edificio se elevó al sexto piso.​ El proyecto lanzó ventas en mayo de 2019, con el objetivo de vender más de 1.000 millones de dólares, un récord para Queens.​ El edificio se completó en octubre de 2019.​
Una vez finalizada, la torre contendrá 802 condominios repartidos en los 68 pisos del edificio. En lugar de apuntar a los compradores tradicionales de condominios de lujo en Manhattan, el desarrollo espera atraer compradores que busquen más espacio a un precio más bajo y estén dispuestos a aceptar una ubicación en un distrito exterior. Como tal, las unidades varían en precio entre 500.000 y 4 millonesde dólares, significativamente más bajo que las unidades comparables en Manhattan.​ Las comodidades incluyen un gimnasio con piscina, sauna y spa, sala de yoga, lavandería, sala de juegos para niños y varios salones para residentes.​ Los desarrolladores también han comprometido 16 millones de dólares para construir una nueva entrada a la vecina estación Calle 23–Avenida Ely del Metro de la ciudad de Nueva York en la base del edificio.​
Fogg Art Museum

El Fogg Art Museum, abierto al público en 1896, es el más antiguo de los museos de arte de la Universidad de Harvard. El Fogg se une al Museo Busch-Reisinger y el Arthur M. Sackler Museum como parte de los Museos de Arte de Harvard.​
El museo se instaló inicialmente en un edificio de estilo renacentista italiano diseñado por Richard Morris Hunt. En 1925, el contenido se trasladó a otro edificio construido en Quincy Street según diseño de Coolidge, Shepley, Bulfinch y Abbott; con fachadas de ladrillo rojo, imita la arquitectura georgiana que predominó en Estados Unidos y Canadá en el siglo XVIII. La sede anterior permaneció en desuso muchos años y fue demolida en 1974.
En el 2008, el edificio de Quincy Street fue cerrado temporalmente debido a un gran proyecto de renovación: un nuevo conjunto diseñado por el arquitecto Renzo Piano, que conectaba los tres museos de Arte de Harvard (colindantes entre sí) mediante un recubrimiento de vidrio. Durante la renovación, una selección de obras de los tres museos se exhibió en el Museo Arthur M. Sackler.​ El museo renovado se reabrió en 2014.
La colección es singularmente rica en pintura italiana, desde los primitivos hasta el Renacimiento, y en maestros del siglo XIX tanto franceses como norteamericanos.
En la primera sección destacan Bernardo Daddi, Simone Martini, Luca di Tommè, Ambrogio Lorenzetti, Fra Angelico, Sandro Botticelli, Domenico Ghirlandaio, Cosme Tura y Lorenzo Lotto.
El barroco europeo cuenta con ejemplos de Nicolas Poussin, Philippe de Champaigne, Rembrandt, Jan Steen, Jacob van Ruysdael...
En el siglo XIX destacan Ingres, Jacques-Louis David, William Blake, Edward Burne-Jones, Paul Cézanne, Edgar Degas (con su célebre Cantante con guante negro), Auguste Rodin, Renoir, Toulouse-Lautrec, Vincent van Gogh, Winslow Homer y John Singer Sargent.
El arte moderno del siglo XX goza de singular presencia, con Pablo Picasso, Henri Matisse, Jackson Pollock, Clyfford Still...
Lowe-Art Museum

El Lowe Art Museum​ es un museo de artes visuales​ localizado en Coral Gables, Miami.​
Se inauguró en 1950 y pertenece a la Universidad de Miami.​
Establecido por los filántropos Joe y Emily Lowe, fue el primer museo de arte del sur de la Florida. Dispone de catorce salas de exhibición. Posee una extensa colección de arte con exhibiciones permanentes de antigüedades greco-romanas, del barroco y renacimiento, arte moderno y asiático. Asimismo colecciones de vidrios con importantes piezas de Jun Kaneko ("Dango"), Christine Federighi ("Globe"), Pablo Picasso, William Morris, Emily Brock, Harvey Littleton, Erwin Fisch y Ginny Ruffner.
La colección incluye obras de Lippo Vanni, Sano di Pietro, Lorenzo di Bicci, Lorenzo di Credi, Vincenzo Catena, Francesco Bacchiacca, Bernardino Fungai, Adrian Isenbrandt, Jacob Jordaens, Jusepe de Ribera, El Greco, Francisco Goya, Thomas Gainsborough, Gaugin, Claude Monet, Alfred Sisley, Frank Stella, Knox Martin, Duane Hanson, Roy Lichtenstein, Sandy Skogland, Purvis Young y Louise Nevelson.
El museo lleva a cabo un calendario activo con importantes exposiciones itinerantes y periódicas.​ En el año 2011 fue visitado por 41,000 personas.
Sacrificio de Isaac (Pittoni, Speed Art Museum)

El sacrificio de Isaac (en italiano: Sacrificio di Isacco), es un cuadro al óleo realizado por el pintor italiano Giambattista Pittoni que es parte de la colección permanente del Speed Art Museum.​
No es la única vez que Pittoni trato el tema del sacrificio de Isaac, del que se encuentra otra versión Abraham sacrificando a su hijo Isaac en el Museo de Bellas Artes de Bostón.
Paisaje cultural de Champasak

El paisaje cultural de Champasak, incluido en el complejo de templos de Wat Phou, es un área muy bien preservada, un jardín planificado hace más de 1000 años. Se encuentra en la provincia de Champasak, en Laos. Fue declarado como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en el año 2001 denominado como Vat Phou y los antiguos establecimientos asociados del paisaje cultural de Champasak.​ Abarcando un área de 39.000 ha.​
Fue creado para expresar la visión hinduista de la relación entre la naturaleza y la humanidad, disponiendo geométricamente los templos, santuarios y canales de agua, extendiéndose por unos 10 km. Las dos ciudades planificadas en las orillas del río Mekong, forman parte del sitio, así como la montaña Phu Kao. El conjunto representa el desarrollo del siglo V al XV, debido principalmente al Imperio Jemer.​
Paisaje Cultural (Japón)

Un paisaje cultural (文化的景観 bunkateki keikan) es un paisaje del Japón que ha evolucionado junto con el modo de vida y las características geoculturales de una región y que es indispensable para comprender el estilo de vida del pueblo japonés, y que está reconocido por el Gobierno en virtud del punto 5 del párrafo 1 del artículo 2 de la Ley de protección de los bienes culturales (1950). Los Paisajes Culturales de valor especialmente alto pueden ser designados como Paisajes Culturales Importantes (重要文化的景観 Jūyō bunkateki keikan); al 31 de mayo de 2017 existen cincuenta y un paisajes de este tipo.​​​​​ Los gobiernos locales que están a cargo de los Paisajes culturales designados pueden obtener asistencia financiera de la Agencia para Asuntos Culturales para realizar encuestas y otras investigaciones, la preparación de planes de conservación, mantenimiento, reparación, paisajismo, restauración, prevención de desastres y actividades promocionales y educativas.​​
La investigación sobre los paisajes culturales comenzó antes de la Segunda Guerra Mundial con una creciente preocupación por su desaparición. La investigación histórica sobre shōen y la ingeniería rural, la investigación científica de los accidentes geográficos y los estudios para la planificación urbana y rural han aumentado desde entonces. El movimiento de protección de los paisajes culturales también se ha visto influido por la Ley de Medidas Especiales para la Conservación de los Rasgos Naturales Históricos de las Ciudades Antiguas (1966), la tendencia internacional a reconocer los "paisajes culturales" en el marco de la Convención del Patrimonio Mundial, la designación en 1980 del monte Hakusan, el monte Ōdaigahara y el monte Ōmine, las Tierras Altas de Shiga y Yakushima como Reserva de la biosfera de la UNESCO, la designación de Monumentos de Japón e iniciativas tales como los 100 campos de arroz de cultivo aterrazados seleccionados en Japón.​​ Entre 2000 y 2003 se realizó un estudio para definir el concepto de "paisaje cultural" e identificar su distribución, con 2311 áreas identificadas en la primera fase y 502 seleccionadas para la segunda, siendo 180 de particular importancia.​
Los paisajes culturales importantes se designan según los siguientes tipos:​​
Una visión general de lo que se incluye en la tabla y la forma de ordenar es la siguiente:
Nakagoshi, Nobukazu (2011). «How to Conserve Japanese Cultural Landscapes: The Registration System for Cultural Landscapes». En Sun-kee Hong, ed. Landcape Ecology in Asian Cultures. Springer. pp. 249-276. ISBN 978-4-431-87798-1.
Paisaje cultural de Lednice-Valtice

El paisaje cultural de Lednice-Valtice (o región de Lednice-Valtice o Complejo Lednice-Valtice, en checo, Lednicko-valtický areál) es un complejo natural-cultural de 283,09 km² en la República Checa, Región de Moravia Meridional, cerca de Břeclav y Mikulov, junto a la reserva de la biosfera de Pálava. Fue declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1996.​
Durante los siglos XVIII y XIX, la región se vio transformada por los señores locales, la Casa de Liechtenstein, que creó un enorme parque paisajístico con dos centros:
Estas dos localidades están unidas por la llamada avenida de Bezruč, desde 1715. También hay un tercer pueblo, Hlohovec. Entre Lednice, Valtice y Hlohovec están los estanques de Lednice (en checo: Lednické rybníky / en alemnán: Eisgruber Teiche) que se llaman Mlýnský, Prostřední, Hlohovecký y Nesyt. Una parte sustancial del complejo está cubierta por un bosque de pinos (Boří les) y en parte con un bosque de ribera a lo largo del río Dyje.
Además, el complejo destaca por una serie de pequeños pabellones diseminados por la totalidad de su área, que a menudo sirvieron como pabellones de caza.​
En los jardines o proximidades de Lednice:
Entre Lednice y Valtice:
En los jardines o proximidades de Valtice:
En las proximidades de Breclav:
Paisaje cultural de Sintra

El paisaje cultural de Sintra es un sitio inscrito en 1995 como Patrimonio de la Humanidad de la Unesco localizado en el municipio de Sintra, en Portugal.​ El sitio abarca una parte de la Sierra de Sintra e incluye el centro histórico de la villa.
En el siglo XIX, Sintra se convirtió en el primer centro de la arquitectura romántica de Europa. El rey Fernando II transformó un monasterio en ruinas en un palacio, donde la nueva sensibilidad está a la vista, en el uso de elementos arquitectónicos de diversos estilos, gótico, egipcio, morisco y renacentista. Entre los monumentos históricos localizados en la Sierra de Sintra destacan: el Castelo dos Mouros, el Palacio da Pena, el Convento Capuchino, el Palacio Nacional de Sintra, el Palacio de Monserrate y la Quinta da Regaleira.
Otras localizaciones próximas a Sintra ofrecen combinaciones únicas de parques y jardines que tuvieron gran influencia en la arquitectura paisajista europea. El monte donde se sitúan todos los monumentos fue reforestado en el siglo XIX con especies de árboles tanto locales como exóticas de otros países, dando lugar a un entorno natural singular. La sierra, además, está integrada en el Parque natural de Sintra-Cascaes.
Bust of Victor Hugo

The Bust of Victor Hugo is an 1883 patinated plaster sculpture by the French artist Auguste Rodin of the Romantic writer Victor Hugo. It is now in the Museo Soumaya, in Mexico City.
In 1883 the journalist Edmond Bazire advised Rodin to cement his reputation by producing a portrait of a notable personality. Rodin thus approached Hugo - he agreed to sittings but refused to sit for longer than 30 minutes. However, he did invite Rodin to stand in the porch of Hugo's house on Avenue d'Eylau in Paris to make additional drawings from a distance whilst Hugo worked in his living room. He made these drawings from different angles between February and April 1883, capturing a range of different angles and expressions. He later made frontal and three-quarter-view engravings.
The work in Mexico is the first version of the work, cast in bronze in June 1884 and exhibited at the Paris Salon. Rodin continued to refine the image, producing a second version in 1884 and refining the 1883 work until 1885, around the time of Hugo's death. Rodin used a larger version of the 1883 work to produce his Monument to Victor Hugo in 1887.
New Mexico Museum of Art

The New Mexico Museum of Art is an art museum in Santa Fe governed by the state of New Mexico, United States. It is one of four state-run museums in Santa Fe that are part of the Museum of New Mexico. It is located one block off the historic Santa Fe Plaza. It was given its current name in 2007, having previously been referred to as The Museum of Fine Arts.
The building was designed by architect Isaac Rapp and completed in 1917. It is an example of Pueblo Revival Style architecture, and one of Santa Fe's best-known representations of the synthesis of Native American and Spanish Colonial design styles. The façade was based on the mission churches of Acoma, San Felipe, Cochiti, Laguna, Santa Ana and Pecos.
The museum’s art collection includes over 20,000 paintings, photographs, sculptures, prints, drawings and mixed-media works. Notable artists in the collection include Ansel Adams, Gustave Baumann, Brian O'Connor, Georgia O'Keeffe, Fritz Scholder, T. C. Cannon, Bruce Nauman, Luis Jimenez, Maria Martinez, members of the Ashcan School, Los Cinco Pintores, Transcendental Painting Group, and the Taos Society of Artists.
The St. Francis Auditorium, located in the New Mexico Museum of Art, is the venue for various cultural and musical organizations, including the Santa Fe Chamber Music Festival and the Santa Fe Community Orchestra. The auditorium has a seating capacity of 450. The auditorium displays several murals depicting St. Francis of Assisi which were originally designed by Donald Beauregard and completed by Carlos Vierra and Kenneth M. Chapman.
The museum library contains art books, periodicals, biographical files of artists whose work is collected by the museum and catalogs of the museum's exhibitions since 1917.
The Vladem Contemporary Annex of the New Mexico Museum of Art is scheduled to open in September 2023. The annex will house the New Mexico Museum of Art's contemporary collections and shows. The renovation project is an adaptive reuse of the 1936 Charles Ilfeld Warehouse (repurposed and renamed as the State of New Mexico's Joseph F Halpin Records Building). The annex is named for philanthropists Bob and Ellen Vladem.