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Abstrakt kunst

Abstrakt kunst er en kunstbetegnelse som benyttes om nonfigurativ kunst, det vil si malerkunst eller skulpturer som ikke forestiller eller etterligner gjenstander. Det er ikke en stilretning, men en beskrivelse av enhver kunst som unngår etterligning.
Den abstrakte kunsten bruker ikke formene og fargene til å representere noe bestemt ved å ligne dette, men snarere til å gi en opplevelse av noe som ikke helt hører hjemme i vår sansbare verden. Tilskueren står dermed fritt til selv å legge inn sin egen betydning og tolkning.
En ung, den gang ukjent, kunstner ved navn Maurice Denis proklamerte følgende i 1890: «Husk at et maleri – fremfor å være en kamphest, en naken kvinne eller en eller annen anekdote – i bunn og grunn er en plan overflate dekket med farger ordnet på en bestemt måte». Dette kjente sitatet regnes som en fremsynt omtale av et underliggende prinsipp i mye av 1900-tallets kunst, særlig den abstrakte.
I begynnelsen av 1900-tallet var begrepet abstrakt kunst mye brukt også om kunstretninger som bare forvrengte det som var sanset, og man snakket etter hvert om grader av abstraksjon. Kubismen er eksempel på dette, der tittelen på bildet ofte viser hva kunstneren arbeidet ut fra. Også hos, for eksempel, Piet Mondrian kan en se en utvikling fra figurative via kubistiske til helt abstrakte motiver. Fra om lag 1910 vokste den abstrakt kunsten fram, mye på grunn av Pablo Picassos og Georges Braques eksperimenter. Den russiske kunstneren Vasilij Kandinskij skapte figurløse og musikalske bildekomposisjoner. Dette regnes gjerne som den første rene abstrakte kunst. I boken Über das Geistige in der Kunst: Insbesondere in der Malerei (1912), fremmet han et teoretisk grunnlag for abstrakt kunst.
Abstraksjoner er ikke ukjente i tidligere tider. En kan si at linje- og bølgedekor på gjenstander er abstrakte. Både Bibelen og Koranen har bestemmelser om at man ikke skal etterligne levende vesener. I begge religioner ga dette støt til stor kreativitet når det gjelder akseptable utsmykninger, der Alhambrapalasset i Spania er et godt eksempel. Kunstretningene som oppsto omkring 1900-tallet skilte seg imidlertid ut ved at det var frihet til å uttrykke seg figurativt, men man valgte å gå andre veier.
Krist kirkegård

Krist kirkegård er en fredet kirkegård i Oslo og ligger i Grubbegata på Hammersborg.
Den ble anlagt i forbindelse med at byen ble flyttet etter storbrannen i 1624. På området ved kirkegården ble det i 1626 først satt opp et lite kapell av tre, kalt Christkirken i påvente av den permanente kirken. Christkirken fungerte som gravkapell fram til den ble revet i 1756. Etter et pestangrep i 1654 ble det behov for ytterligere gravplasser, og det ble anlagt slike ved Christkirken, hovedsakelig for døde soldater fra Akershus festning.
De døde er hedret med et eget monument, Peststøtten fra 1654. På grunn av at kirkegården i hovedsak ble brukt til militære, gikk den under navnet Krigskirkegården på folkemunne.
Etter et kolerautbrudd i 1835 ble kirkegården midlertidig utvidet helt ned til Møllergata. I 1946 ble Grubbegata anlagt og delte kirkegården i to. Den nedre delen mellom Grubbegata og Møllergata ble omgjort til dagens Kristparken i 1964. Dagens kirkegård gikk ut av bruk i 1924 og sto avlåst til den ble rehabilitert i 1999.
I syd grenser kirkegården til Deichmans gamle hovedbibliotek 1933–2019 og Svenska Margaretakyrkan.
Olaf Schou

Olaf Fredrik Schou (født 26. oktober 1861 i Østre Aker, død 18. juli 1925 i Neuilly-sur-Seine, Hauts-de-Seine, Frankrike) var en norsk industrileder, kunstsamler og mesén. Han var sønn av Halvor Schou.
Schou ville bli kunstner og studerte med Hans Gude 1883-84. Han var medeier i Hjula Væverier og Schous Bryggeri.
I 1888 donerte han for første gang bilder til Nasjonalgalleriet. Schou kjøpte i 1894 Jomfruland-serien fra Kittelsen og donerte den til galleriet. Senere (i 1909) ga han 116 bilder av Munch og andre kunstnere til Nasjonalgalleriet. I 1918 opprettet han et legat til fordel for forfattere, musikere og innkjøp til Nasjonalgalleriet «Skrik», «Madonna» , «Det syke barn», «Pikene på bryggen», «Døden i sykeværelset» og «Livets dans» var blant de 11 Munch-maleriene han sikret for Nasjonalgalleriet.
Fra 1901 hjalp han Nikolai Astrup økonomisk slik at Astrup blant annet kunne dra på studietur til London. Hans Jæger, Sigbjørn Obstfelder, Herman Wildenvey, Olaf Bull, Theodor Kittelsen, Edvard Munch, Harald Sohlberg, Gustav og Emanuel Vigeland var blant mottakerne av Schous «privatstipend». Schou berget Munch ut av flere økonomiske kniper.
På Sinsen i Oslo er to gater oppkalt etter ham, Olaf Schous vei og Schouterrassen. Schou ble ridder av 1. klasse av St. Olavs Orden i 1912.
Sick baby hoax

A sick baby hoax is a confidence trick where a person claims, often on a website, that they have an ill child (or sometimes a pet) and are struggling to pay for their medical expenses. Some versions of the hoax ask people to make a monetary donation directly, while others simply encourage people to share the story.
Professional beggars have been exploiting sick children since ancient times. The success of such scams relies on a particular compassion in people towards children. When a child is sick, this particularly touches people's hearts. An early example of this kind of hoax online is the "sick child chain letter", an email making the claim that "with every name that this [letter] is sent to, the American Cancer Society will donate 3 cents per name to her treatment".
Social media, such as Facebook, facilitate the following form of this scam. A photo of a sick child is posted online, commonly without knowledge of the relatives, accompanied by a heart-touching story and sometimes a request for donations, which are simply collected by the scammer. Often these photos become viral, so it becomes close to impossible to take them down. Since Facebook has been slow to address the problem efficiently (relying on user takedown requests and reports only), several scam- and hoax-combatting websites have worked together to raise the awareness of social media providers regarding this issue.
The Sick Child (Metsu)

The Sick Child (Dutch: Het zieke kind) or The Sick Girl is an oil on canvas genre painting by the Dutch artist Gabriël Metsu, created c. 1660. It has been held by the Rijksmuseum, in Amsterdam, since it was bought in 1928, with assistance from the Vereniging Rembrandt at a sale of works from the collection of Oscar Huldschinsky in Berlin.
Metsu painted in a variety of styles and genres through his artistic career. He painted The Sick Child towards the end of his life, when his style resembled Pieter de Hooch or Johannes Vermeer, with bright light, weak shadows, and fresh even colours, but with thicker paint and coarser brushstrokes so a less refined style than Vermeer. The painting was probably made after an outbreak of the bubonic plague in Amsterdam from 1663 to 1666: this last epidemic in Amsterdam [nl] killed a tenth of the population.
The painting measures 32.2 cm × 27.2 cm (12.7 in × 10.7 in). The composition resembles a Pietà: a mother is cradling her listless child, probably a girl, on her lap, recalling religious works depicting the Virgin Mary cradling the dead body of Jesus. The positions of the mother and the child create diagonals crossing near the mother's heart. The child gazes out vacantly past the viewer and into the distance, with her mother leaning over her attentively. The mother's bright red skirt and blue apron, and the child's yellow and white clothes, contrast with the otherwise muted tones of the room. A pot with a spoon lies unheeded on a table to the left, with the child too lethargic to eat. To the right, some clothes lie on a chair. Hanging on the wall is a map of Europe, which bears the artist's signature "G. Metsue", and a drawing of Christ on the cross, echoing the suffering in the room.
It is possible that Metsu's wife Isabella was the model for the mother in the painting: the woman wears the cap of a married woman and a wedding ring, and the earrings are seen in earlier portraits of Isabella (c.1658). The child may be theirs, although none is recorded, or possibly the child of Metsu's patron Jan Jacobszoon Hinlopen, whose family Metsu had painted in 1661 and 1663 (see Metsu's Portrait of the Family Hinlopen): Hinlopen's daughter Geertruit died of measles aged 19 months in August 1663.
Storge

Storge (/ˈstɔːrɡi/ STOR-gee; from Ancient Greek στοργή (storgḗ) 'love, affection'), or familial love, refers to natural or instinctual affection, such as the love of a parent towards offspring and vice versa.
In social psychology, another term for love between good friends is philia.
Storge is a wide-ranging force which can apply between family members, friends, pets and their owners, companions or colleagues. Love of a country, of a nation, or of a sports team may count as storge.
Storge can blend with and help underpin other types of ties such as passionate love or friendship. Thus "storge" may function as a general term to characterize the love between exceptional friends, and their desire to care compassionately for one another.
Sometimes the term is used to refer to the love between married partners who are committed and plan to have a long relationship together, particularly as a fundamental relational foundation after initial infatuation (limerence).
Another interpretation for storge is to be used to describe a sexual relationship between two people that gradually grew out of a friendship—storgic lovers sometimes cannot pinpoint the moment that friendship turned to love. Storgic lovers are friends first; the friendship and the storge can endure even beyond the breakup of the relationship. They want their significant others also to be their best friends. They will choose their mates based on similar goals and interests—homogamy. Storgic lovers place much importance on commitment and find that their motivation to avoid committing infidelity is to preserve the trust between the two partners. Children and marriage are seen as legitimate long-term aims for their bond, while passionate sexual intensity is of lesser importance than in other love styles.
The advantages of storgic love may be how much storgic lovers love their own families and understand each other. In addition, two people who are deeply devoted to one another can feel the intimacy that they share.
Love and Pain (Munch)

Love and Pain is an 1895 painting by Edvard Munch; it has also been called Vampire, though not by Munch. The painting depicts a man and woman embracing, with the woman kissing the man on his neck. Munch painted six different versions of the same subject between 1893 and 1895. Three versions are in the collection of the Munch Museum in Oslo, one is held by the Gothenburg Museum of Art, one is owned by a private collector, and the final work is unaccounted for. Munch painted several additional versions and derivatives of the work later in his career.
The painting shows a woman with long flame-red hair kissing a man on the neck, as the couple embrace. Although others have seen in it "a man locked in a vampire's tortured embrace – her molten-red hair running along his soft bare skin", Munch himself always claimed it showed nothing more than "just a woman kissing a man on the neck".
The painting was first called Vampire by Munch's friend, the critic Stanisław Przybyszewski. Przybyszewski saw the painting on exhibition and described it as "a man who has become submissive, and on his neck a biting vampire's face."
A version of the painting was stolen from the Munch Museum on 23 February 1988. It was recovered later the same year, when the thief contacted the police.
In 2008, at a Sotheby's auction, an 1894 version of the painting sold for 38.2 million dollars (24.3 million pounds) and set the world record for the auction of a Munch painting.
In 1895, Munch created a woodcut with a very similar theme and composition, known as Vampyr II.
In 1916–1918, Munch reused the composition in a different setting for two paintings called Vampire in the Forest and Vampire, currently in the collection of the Munch Museum.
Media related to Vampire by Edvard Munch at Wikimedia Commons
The Care Bears Family

The Care Bears Family is an animated series produced by Nelvana based on the American franchise of the same name, and is the successor series to the series produced by DIC Entertainment. It was originally broadcast from September 13, 1986 to November 25, 1988 on the Global Television Network in Canada. 49 episodes were produced.
The first two seasons were exported to the United States via ABC. ABC canceled the series after its second season, stating that "we got killed last year" by carrying the series and others that catered to a preschool audience, which it blamed on the people meter being too difficult for such young children to operate.
The Care Bears live in a faraway place up in the clouds called Care-a-Lot, which constitutes a part of the Kingdom of Caring. With the help of the Cousins and their Buddies, they go all around the world on Missions in Caring thwarting the evil plans of Lord No Heart.
Season 1
Additional voices
Season 2
Season 3
Select episodes of the Nelvana series were released on VHS in the late 1980s by Kideo Video (distributed by Lorimar Home Video) and Fries Home Video in the United States.
In 2002, the Care Bears toy line was reintroduced by Play Along Toys and featured plush toys that came with a VHS featuring either one or two episodes from the series.
In Region 1, Lionsgate Home Entertainment has released many episodes on DVD in various single-disc collections from 2004 to 2008. In total, 12 collections have been released, each featuring random episodes from the series.
On October 9, 2012, Lionsgate released Care Bears: The Original Series Collection on DVD in Region 1 for the very first time. The 6-disc set features the majority of episodes from the series (from the previously released discs excluding King of the Moon and Give Thanks) as well as the bonus feature Care Bears Nutcracker Suite.
In Region 4, Magna Entertainment released all 52 episodes (in chronological order) on DVD in Australia in 2004 in 12 separate volumes.
Ashes (Munch)

Ashes is an oil on canvas painting by the Norwegian symbolist painter Edvard Munch. Painted in 1894–95 it is now in the collection of the National Gallery of Norway in Oslo.
The work depicts a critical scene in a lovemaking tryst between a couple in the forest, which has left the man hunched over in shame or dejection and the dishevelled woman wide-eyed and motionless in frustration or despair. The picture's title suggests that, for whatever reason, the heat of their passion had burnt out at that moment.
It is probably not insignificant that the scene was painted at a time when Munch himself was having a brief clandestine affair with Millie Thaulow, the wife of a cousin, during which they too would meet in the woods. In fact the artist wrote afterwards on a lithograph of the work "I felt our love lying on the earth like a heap of ash".
In 1925, at the age of 62, Munch produced a second more impressionistic version of the painting which hangs in Oslo's Munch Museum. If the incident portrayed in the painting was of a personal nature, it had clearly left its mark.
Edvard Munch (film)

Edvard Munch (Norwegian pronunciation: [ˈɛ̀dvɑɖ ˈmʊŋk] ) is a 1974 biographical film about the Norwegian Expressionist painter Edvard Munch, written and directed by English filmmaker Peter Watkins. It was originally created as a three-part miniseries co-produced by the Norwegian and Swedish state television networks NRK and SVT, but subsequently gained an American theatrical release in a three-hour version in 1976. The film covers about thirty years of Munch's life, focusing on the influences that shaped his art, particularly the prevalence of disease and death in his family and his youthful affair with a married woman. The film was screened at the 1976 Cannes Film Festival, but wasn't entered into the main competition.
Like Watkins' other films, Edvard Munch uses a docudrama approach; scenes from Munch's life are re-enacted by a large cast (mostly Norwegian non-professional actors), but there is also a voiceover narration by Watkins, and there are moments when the characters speak directly to camera, as if being interviewed about their own lives or their opinions of Munch. Some of the dialogue was improvised by the cast, especially in the interview segments. To convey the hostile response Munch's work often received during his lifetime, Watkins recruited Norwegians who genuinely disliked the paintings.
After its initial broadcast, the film was briefly an international success but was not widely available for many years afterward. Watkins has said that network officials tried to suppress its distribution, and tried to bar it from competition in the Cannes Film Festival, because they disapproved of its use of non-professional actors and anachronistic dialogue. After NRK relinquished rights to the film in 2002, it gained a wider international release.
Ingmar Bergman called the film a "work of genius".
The Dance of Life (Munch)

The Dance of Life or Life's Dance is an 1899–1900 expressionist painting by Edvard Munch, now in the National Museum of Art in Norway. The stages of life are represented by a young virgin in white, a mature woman dressed in red and an old widow in black.
The painting was an important work in Munch's project The Frieze of Life. In creating the painting, Munch was allegedly inspired by the 1898 Helge Rode play Dansen gaar, of which Munch kept a copy in his personal library. This painting clearly reflects Munch's ambivalence towards the women in his life. [1]
Olaf Schou purchased the painting in Oslo in 1910, immediately presenting it to the National Gallery.
안주 (음식)

안주(按酒)란 술을 마실 때에 곁들여 먹는 음식이다. 한자를 보면 按(누를 안)과 酒(술 주)로 '술을 누른다' 즉, 술과 함께 먹음으로서 술기운을 누르는 역할을 한다. 서양의 많은 국가와 비교했을 때 술과 함께 안주를 꼭 먹는 안주문화가 동북아에는 만연하다.
이는 단순히 식사를 위한 음식이나 주요리와 먹는 반찬과는 달리 술과 먹는다는 점에서 차이가 있다.
술을 안주 없이 먹을 경우 접두사 "강-"이 주류명 앞에 쓰인다. 이를테면 소주를 안주 없이 먹으면 "강소주"(-燒酒)라고 한다.
한나라 매승(枚乘)의 《칠발(七發)》에 나오는 구절 '맛 좋은 주효(酒肴)는 위장을 썩히는 약물이다.' 중 "주효"는 술과 안주를 뜻하는데, 이를 보면 한나라 때도 안주 문화가 있었음을 알 수 있다.
한반도에서도 관련 기록을 찾을 수 있다. 《경도잡지》에서 전골에 관한 설명 중 '술안주나 반찬에 모두 좋다'라는 문장이 있다. 이를 통해 조선시대에도 술안주가 있었음을 알 수 있다.
술의 주성분인 알코올은 위에서 20%, 소장에서 80% 흡수되어 간으로 들어가 해독작용이 일어난다. 여기서 안주는 술의 흡수율과 흡수속도를 낮추어준다. 만약 빈 속에 음주를 하면 위에 심한 자극을 주어 위염이나 위궤양을 겪을 수 있다.
많은 사람들이 먹는 기름진 안주는 위에서 정체되는 시간이 늘어나며 술에 취하는 속도를 늦춰준다. 하지만 위를 보호해주는 것은 아니기에 오히려 소화기에 부담을 줄 수도 있다. 따라서 흰살생선이나 닭고기, 두부 등으로 해독작용에 필요한 단백질을 충분히 섭취하는게 좋다. 또한 물을 수시로 마셔주면 음주로 인한 탈수를 막고 알코올 농도가 희석되어 위에 부담도 줄고 간에서 알코올 분해도 용이하게 된다.
또한 의학적인 이유 뿐 아니라 술로 쓰고 텁텁해진 미각을 위해서도 먹는다.
하지만 대부분의 안주가 자극적이고 기름진 음식이기 때문에 대부분 고칼로리이므로 너무 많이 먹으면 다양한 성인병으로 이어질 수 있다.
안주의 정의를 생각하면 술과 함께 먹는 거의 모든 것들이 안주가 될 수 있어 조리방법과 재료에 따라 그 종류와 가짓수는 셀 수 없다고 할 수 있다. 하지만 대표적으로 국, 구이, 날 것, 볶음, 튀김 등으로 나눌 수 있다.
국 안주로는 대표적으로 홍합탕, 어묵탕, 각종찌개, 콩나물국, 매운탕 등이 있다. 맵고 짜서 자극적인 국이 있는가 하면 콩나물국처럼 자극적이지 않은 국도 있다. 보통 자극적인 국은 술을 먹을 때 먹고, 자극적이지 않은 국은 해장을 위해 먹는다.
구이 안주로는 대표적으로 소고기, 돼지고기, 계란말이, 전 등이 있다. 보통 소고기나 돼지고기는 소주와 전은 막걸리와 많이 먹는다. 특히 삼겹살은 소고기보다 서민의 음식이라는 이미지로 많은 사람들이 먹는다.
날로 먹는 안주로는 대표적으로 육회, 생선회, 생굴 같은 조개류 회, 간이나 천엽회 등이 있다. 조리를 하지 않고 먹는 음식이다보니 특유의 냄새나 비린 맛이 있어 호불호가 갈리는 경우가 많다. 또한 생선회는 깨끗한 조리환경에서 갓 잡은 활어를 먹지 않으면 비브리오균에 걸리거나 생굴로 노로바이러스에 걸리는 경우도 있어 주의가 필요하다.
볶음 안주로는 닭발, 낙지볶음과 같은 각종 해산물 볶음, 닭똥집, 떡볶이, 곱창, 제육볶음 등이 있다. 볶음 안주를 보면 알 수 있듯이 최근에는 안주와 반찬의 경계선이 많이 흐려졌다. 또한 대부분 고춧가루와 같은 향신료들로 한 요리이기 때문에 자극적이다.
튀김 안주로는 치킨, 감자튀김, 닭껍질튀김, 닭발튀김, 김부각, 닭근위튀김 등이 있다. 한국에선 특히 닭고기를 튀겨 먹는 닭튀김 요리가 많다. 또한 닭이 아니더라도 많은 식재료를 튀겨 먹는다. 그 이유는 흔히들 모든 식재료가 튀기면 맛있어진다고 말하듯 튀김요리의 가장 큰 장점은 요리에 튀김의 바삭한 식감과 고소한 맛을 더해주기 때문이다. 하지만 기름에 재료를 담궈 요리하기 때문에 칼로리가 높고 조리과정에서 발암물질이 생성되어 건강에 좋지 않다.
위 다양한 예시 외에도 육포, 말린 오징어, 라면, 국밥, 볶음밥, 순대, 짬뽕, 각종 과일 등등 심지어는 단순한 과자도 안주가 될 수 있다. 이처럼 서두에서 말했듯이 술과 함께 먹을 수 있는 거의 모든 것들이 안주가 될 수 있다.
자작하게 졸인 붕어찜은 무와 각종 채소로 우려낸 육수와 매콤한 양념이 있어 소주나 맥주 안주로 제격이다.
콩물에 소금 대신 바닷물을 간수로 하여 만든 '초당 두부'를 순두부로 만든 것이다. 소금이 아닌 바닷물이 들어간 덕분에 두부 자체의 풍미가 더욱 깊어 고소하고 담백한 맛이 특징이다.
붕어 등 각종 민물고기를 푹 고아 간 후 각종 양념을 넣어 생선의 감칠맛과 칼칼한 양념맛이 특징이다. 또한 민물고기 특유의 비린내도 잘 나지 않는다.
이러한 어죽은 도리뱅뱅과 같이 파는 곳이 많다. 작은 물고기들을 잡아 손질 후 통째로 튀긴 후 양념을 발라 가열한 도리뱅뱅은 뼈째 취식하는만큼 특유의 풍미가 있다. 하지만 이러한 특징 탓에 사람에 따라 호불호가 갈릴 수 있다.
가게마다 그 정도가 다르지만 돈육수를 사용하여 진한 감칠맛이 있고 양념장을 넣어 칼칼하게 먹을 수도 있다. 따뜻한 국물이 있다보니 해장하기 위해 먹기도 하지만 많은 따뜻한 국물요리가 그렇듯 안주용으로 먹기도 한다. 하지만 돼지육수 특유의 향 때문에 호불호가 갈린다.
홍어, 삶은 돼지고기, 김치 세 가지를 합하여 만든 음식이다. 홍어 특유의 냄새로 호불호가 극심하게 갈리지만 동시에 음식 궁합상 막걸리와 잘 어울린다.
몸은 모자반의 제주 방언으로 몸국이 이러한 모자반과 돼기고기 육수로 만든 몸국은 두 가지 향이 섞여 독특한 맛이 난다.
많은 주점이 브랜드화되며 안주의 맛이 상향평준화되었다. 또한 SNS를 통해 유명해진 안주는 곧바로 전파되어 가까운 주점에서 비슷한 맛을 경험할 수 있다. 이처럼 안주 사업은 SNS와 만나 더욱 빠르고 다양하게 상향평준화되었다. 이 때문에 2020년 초까지 주점 창업이 활발하였다.
하지만 코로나 이후 사람들의 단체모임이 줄어들고 영업시간도 제한되며 많은 자영업자들이 힘들어지고 창업자 수 또한 줄어 들었다. 동시에 '혼술'문화가 퍼지면서 가정에서 간편하게 만들어 먹을 수 있는 안주 브랜드가 새롭게 등장하며 안주 시장을 선도하고 있다.
현재는 코로나 이후에 생긴 제한이 모두 풀렸기 때문에 코로나 이전으로 돌아왔다.
죽 (한국 음식)

한국의 죽(粥)은 쌀 등의 곡식을 오래 끓여 알갱이가 흠씬 무르게 만든 음식이다.
되게 쑨 된죽, 묽게 쑨 희죽이 있으며, 물을 많이 넣고 쑨 멀건 죽은 물죽이라 부른다. 곡식이나 밤의 가루로 묽게 쑤어 어린아이에게 젖 대신 먹이는 것은 암죽이라 부른다.
그 외에 가축에게 먹이는 여물죽이 있다. 개죽, 돼지죽, 소죽/쇠죽, 말죽/마죽 등으로 부른다.
죽

죽(粥)은 곡식을 물에 묽게 풀어 오래 끓여 알갱이가 흠씬 무르게 만든 음식이다. 유럽의 포리지와 비슷하다. 수많은 아시아 국가의 사람들, 주로 밥을 소화시키기 어려운 환자들이 먹는다. 일부 국가의 문화에서 죽은 주로 아침 식사나 저녁 식사로 취급하는 반면 다른 문화에서는 밥을 대체하는 다른 요리로 취급한다.
중국에서는 죽을 저우(중국어: 粥, 병음: zhōu)라고 하고 쌀죽은 시판(중국어 간체자: 稀饭, 정체자: 稀飯, 병음: xī fàn)이라고 부른다. 영어를 사용하는 곳에서는 라이스 콘지(rice congee)라고 말하며 이는 드라비다어족의 낱말 kanji에서 비롯했다는 이야기가 있다.
일부 밥솥에는 죽을 요리할 수 있는 기능이 포함되어 있어 죽을 간편하게 만들 수 있다.
일반적으로 죽은 함께 첨가되는 재료에 따라 다양한 형태를 띤다. 주재료가 되는 쌀과 부재료로 첨가되는 재료의 이름을 합쳐 낸다.
능지

능지(凌遲)란 고대 중국에서 청대까지 걸쳐 시행되었던 중국의 사형 방법의 하나로, 한국 등에서도 행해졌다. 산 채로 살을 회뜨는 형벌로, 사형 중에서도 반역 등 일급의 중죄인에게 실시하는 가장 무거운 형벌이었다. 또한 사형 종류 중 가장 잔인한 방법이기도 하였다. 대명률에서는 능지처사(凌遲處死)라고 하였으며, 한국에서는 능지처참(凌遲處斬, 문화어: 릉지처참)이라고도 불리었다.
능지는 본래 경사가 완만하여 천천히 힘들이지 않고 갈 수 있는 구릉지를 의미하였는데, 말의 의미가 변하여 사람을 천천히 고통스럽게 죽이는 형벌의 이름이 되었다. 속칭으로 살천도(殺千刀)라고 하는데, 천 번 칼질하여 죽인다는 뜻에서 이런 이름이 붙었으며 실제로 죄인에게 6천 번까지 난도질을 가한 기록이 있다.
정확한 방법은 죄인이 발버둥쳐서 살을 포뜨기 힘든 상황이 발생하는 것을 막기 위해 죄인에게 일단 아편을 먹여서 정신이 멍한 상태로 만들어 놓은 후 작은 칼로 죄인의 살을 최대한 작게 계속해서 포를 떠서 잘라내는 형벌이다. 보통 과다출혈이나 쇼크사로 사망하는 경우가 많기 때문에 형을 끝까지 집행하기 위해서 혈관을 피해서 살점만 도려내는 기술이 발달했다.
사형 방법 중에서 가장 치욕스럽고 불명예스러우며 고통스러운 방법에 해당하는 사형 방법이다. 같은 사형수라 해도 어지간히 큰 죄를 짓지 않는 한 능지형에 처하는 일은 거의 없다. 주로 죄질도 아주 나쁜 데다가 괘씸죄까지 덧붙을 정도로 형을 선고하는 사람이 죄인에게 깊은 원한을 갖고 있어야 선고 및 집행이 가능한 유사이래 최고의 형벌이다. 여기서 더 발달한 능지형은 죄인의 몸에 양념을 뿌려가면서 살을 도려낸다.
사형 집행에 걸리는 시간이 길고 죄인에게 끔찍한 고통을 주기 때문에 이미 고대 중국에서 황제에게 형의 폐지를 건의하는 의견이 있었으며, 일부 시대에는 형이 집행되지 않았다.
중국 송나라 때에는 과형(剮刑, 죄인의 살점을 도려내는 형벌)으로 불렸으며, 천도만과(千刀萬剮, 천 번 살을 베어내고 만 번 뼈와 살을 발라낸다) 라는 사자성어로도 불리었다.
방법은 죄인을 십자가 모양의 형틀에 묶어 고정시킨 후, 팔이나 다리 등 사지를 손가락 발가락 끝부터 조금씩 시간을 두고 잘라낸다. 그리고 상처가 어느 정도 아문 후에 다시 조금씩 잘라낸다. 팔다리의 사지를 잘라낸 후에는 동체를 덜 치명적인 부분부터 잘라내기 시작하여 죄인이 죽음에 이르면 나머지 부분을 토막낸다. 이것은 관절 단위로 토막을 낸다는 의미가 아니라, 말 그대로 회를 뜨듯이 얇은 살점으로 잘라내어 수형자의 고통을 극대화하였다. 가슴을 도끼로 부숴 내장을 끄집어내고 목을 자르기 전에 이미 죄인이 죽어있는 경우가 대부분이었으나, 보는 군중들로 하여금 공포감과 준법심을 극대화하는 효과가 있었다.
능지형이 가장 활발히 진행되었던 시대는 단연 명왕조였다. 환관으로서 매관매직과 축재를 일삼으며 권력을 휘두르던 유근(劉瑾)이 황제의 자리를 찬탈하려다 체포되어 3일에 걸쳐 하루 평균 2,000회의 칼질을 해 도합 6,000번의 칼질이 가해져 당대 최고의 기록을 세웠다. 사실 이틀째 되던 날에 유근은 이미 죽어있었으며, 사흘째 되던 날 몸통과 머리만 남은 유근의 시체는 장대에서 끌어내려져 가슴께를 도끼로 부순 뒤에 내장을 끄집어 낸 후 목을 잘라 장대 위에 함께 걸어보임으로써 형은 모두 끝났다. 갈기갈기 찢어진 그의 몸통을 본 군중 중 그에게 핍박당했거나 그의 모함으로 처형을 당한 유족들이 너나할 것 없이 달려들어 시신을 물어뜯었는데, 어떤 남자의 입에는 유근의 성기가 물려있었다고 전한다. 당대의 다른 기록에서는 유근이 받은 칼질 횟수가 4,780여회였다고 기록해 놓기도 했다.
유근이 살아있던 당시 유근의 모함으로 어머니와 여동생을 범하고 패륜을 저질렀다는 명목으로 능지를 당했던 진사 정만(鄭曼)의 경우, 3,600번이나 되는 칼질을 당했으나 가슴을 도끼로 부수기 전까지 살아있었다고 한다.
청나라 후기로 와서는 회를 뜬다는 초기의 형식에서 변칙이 가해져서, 팔다리의 관절부위를 회뜨고 관절을 뜯어낸 다음, 손발가락을 잘라내고 손등과 발등을 회뜬 뒤에, 가슴과 뱃가죽을 수십번에 걸쳐서 회뜬 직후 사지를 발라내고 목을 치는 방식으로 바뀌었다.
서구의 중국 진출 이후 서양인들에 의해 그 형벌이 알려졌고, 유럽의 제국주의자들은 이를 중국의 야만성과 동일시하려고 하였다.
1905년, 청나라의 연호로는 광서(光緖) 4년에 공식적으로 폐지되었으나, 쑨원이 일으킨 신해혁명 이후의 중화민국 시대에 다시 능지형이 부활되어 청나라 관리 출신의 탐관오리나 부패부호들이 이 형에 처해졌다.
대개 능지형이 끝난 후 토막난 몸(뼈대만 남는 경우가 대부분)은 처형 직전에 입고 있었던 옷을 놓은 대바구니에 담겨 장대끝에 내장과 머리와 함께 걸리며, 처형 이튿날에는 각지로 보내져서 경계의 목적으로 쓰였다.
한국에서는 공민왕 때부터 이 형벌에 대한 기록이 있다.
중국의 형벌제도를 도입한 조선에서도 능지형이 집행되었으며 특히 태종, 세조, 연산군, 광해군 때에 이 형벌이 많이 행해졌다.
한국에서는 죄인의 사지를 말이나 소 등에 묶고 각 방향으로 달리게 하여 사지를 찢는 형벌인 거열(車裂), 오우분시(五牛分屍)가 능지처참으로 잘못 알려져 있다. 거열이나 능지나 사형수의 신체를 조각내어 죽인다는 공통점이 있기 때문에 종종 거열과 능지를 혼동할 수 있다. 하지만 방법은 차이가 있는데 거열은 사지를 소나 말에 묶고 달리는 방법으로 신체를 찢어죽이지만 능지는 사형수의 신체를 작은 조각으로 하나하나 잘라내는 방법으로 죽이는 차이가 있다. 이 형벌 역시 고대 중국에서부터 내려온 형벌이며, 중세 유럽과 한국에서 집행되었다.
이 형벌은 인조 때 엄격하게 금지되었으나, 실질적으로 폐지되지 않다가 1894년(고종 31년), 갑오개혁 후 완전히 폐지되었다.
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Side dish

A side dish, sometimes referred to as a side order, side item, or simply a side, is a food item that accompanies the entrée or main course at a meal.
Side dishes such as salad, potatoes and bread are commonly used with main courses throughout many countries of the western world. Rice and couscous have grown to be quite popular throughout Europe, especially at formal occasions (with couscous appearing more commonly at dinner parties with Middle Eastern dishes).
When used as an adjective qualifying the name of a dish, the term 'side' usually refers to a smaller portion served as a side dish, rather than a larger, main dish-sized serving. For example, a "side salad" is usually served in a small bowl or salad plate, in contrast to a large dinner-plate-sized entrée salad.
A typical American meal with a meat-based main dish might include one vegetable side dish, sometimes in the form of a salad, and one starch side dish, such as bread, potatoes, rice, pasta, and french fries.
Some restaurants offer a limited selection of side dishes which are included with the price of the entrée as a combination meal. In contrast, sometimes side dishes are ordered separately from an a la carte menu. The term may or may not imply that the dish can only be ordered with other food.
French fries are a common side dish served at fast-food restaurants and other American cuisine restaurants. In response to criticism about the high fat and calorie content of French fries, some fast-food chains offer other side dishes, such as salads, as substitutes for the standard French fries with their combination meals.
The related phrase on the side may be synonymous with "side dish" – as in "French fries on the side" – or may refer to a complimentary sauce or condiment served in a separate dish. For example, a diner may request a salad be served with its dressing "on the side".
Evett (restaurant)

Evett (Korean: 에빗) is a fine dining restaurant in Seoul, South Korea. It first opened in 2019, and received one Michelin star from 2020 through 2024. The restaurant incorporates elements of Korean and other cuisines.
Its owner-chef is Joseph Lidgerwood, an Australian from Tasmania. He has experience cooking in the United Kingdom, the United States, and in Scandinavia. In 2016, he first arrived in South Korea and opened a pop-up restaurant. Lidgerwood spent time learning to cook Korean cuisine, especially in creating jang (fermented bean foods). He studied under Kisoondo, a jang artisan.
The menu reportedly changes seasonally. A liquor brewed by Lidgerwood called "Oh My Gat" is served in the restaurant.
Nuestra Fiesta (canción)

«Nuestra Fiesta» es la canción oficial de la Copa Mundial de Fútbol Sub-20 de 2011 que se llevó a cabo en Colombia interpretada por los cantantes colombianos Jorge Celedón y Jimmy Zambrano.​
Nuestra Fiesta es el título de la canción interpretada y compuesta por Jorge Celedón y Jimmy Zambrano, que contó con la producción del reconocido "Chelito" de Castro, quien fue el encargado de poner el sabor de Nuestra Fiesta en la canción, según el propio Celedón.​ Fue presentada la canción como himno a la Copa Mundial de Fútbol Sub-20 de 2011, jugado en Colombia del 29 de julio al 20 de agosto de 2011.​
El cantautor de «Nuestra Fiesta» agrega que la canción se inspiró en los sonidos de Colombia, en los instrumentos que más nos llegan al corazón y en los temas que todos identificamos como nuestros.​
Los vientos junto con la percusión, forman parte fundamental de la canción, imponiéndole un toque de celebración, acorde con el eslogan del certamen deportivo: “Vive Nuestra Fiesta” y se convierte en una invitación cantada a conocer mejor nuestro país y a vivir intensamente la fiesta del fútbol.​
La canción fue presentada en vivo durante la apertura de la fiesta de inauguración del Mundial Sub-20 que se llevó a cabo en Barranquilla y que fue transimtido a más de 160 países, en donde también participaron los cantantes Checo Acosta, Totó la Momposina, Maía, entre otros. Durante la ceremonia se homenajeó al fallecido cantante colombiano Joe Arroyo.​
Fiesta (emisora de radio)

Fiesta es una emisora de radio colombiana, propiedad de la Organización Ardila Lülle y operada por RCN Radio. Su programación es de formato popular, de su mayoría en distintos géneros, principalmente el vallenato en Bogotá y ritmos variados como salsa, merengue, vallenato, música popular, balada, raspa, chachachá, entre otros ritmos selectivos en Buga (Valle del Cauca) y Cúcuta (Norte de Santander). La emisora cuenta con tres frecuencias actuales, anteriormente estuvo en varias ciudades del país pero en los últimos años se había reducido su cadena de emisoras, de las cuales pasaron con otras emisoras hermanas de RCN y otros fueron vendidos a empresarios locales.
La emisora fue creada como inspiración de la emisora venezolana del mismo nombre (propiedad de FM Center) en la ciudad de Bogotá. La frecuencia inicial era la 1340 AM, que antes ocupaba Radio Uno, antes que fuera relanzada en 2005 pero en FM, sustituyendo a La Superestación (88.9). Pronto se expandió al nivel nacional como Barrancabermeja, El Espinal, Neiva, Sogamoso, Medellín, Buga y Cúcuta, para reemplazar las frecuencias de La FM, Antena 2 y La Cariñosa, en las distintas ciudades del país.
Sin embargo, por el auge de la emisora La Cariñosa (que tiene este mismo formato) y así como el polémico cambio de la frecuencia principal de Bogotá por la emisora Radio Fantástica, Fiesta empezó a perder presencia en el país, por lo que la mayoría de sus estaciones originales fueron cedidas a otros sistemas radiales de RCN, quedándose únicamente con las frecuencias de Buga y Cúcuta, de las cuales han ganado presencia de audiencia, principalmente para audiencias en las que sobresalen oyentes de edades superiores a los 30 años.
No obstante, en Medellín, fue la única ciudad en la que 'Fiesta' se encontraba disponible en FM a través de la 94.4 FM, que antes era utilizada por la emisora Amor Estéreo, la cual estuvo vigente hasta septiembre del 2017, cuando la frecuencia pasó ser Radio Fantástica.
El 26 de mayo de 2023, dentro de una campaña de expectativa relámpago, la cadena radial RCN decide retomar la marca 'Fiesta' en la ciudad de Bogotá mediante la Frecuencia 104.4 FM en reemplazo de Radio Fantástica, cuya programación ahora es 100% especializada en el género Vallenato; el lanzamiento coincide con la fecha de natalicio del Cacique de la Junta Diomedes Díaz y como parte de la celebración de los 75 años de RCN Radio.
Debido a que esta emisora tiene 3 Frecuencias En Cucuta y Buga Con diferente Formato Crossover, Este tiene diferente logo basándose al de Bogotá que es Formato Vallenato.
Bogotá:
Buga y Cucuta
Festival Cultural Zacatecas

El Festival Cultural Zacatecas se realiza durante las vacaciones de Semana Santa en la ciudad de Zacatecas, México. A lo largo de dos semanas la ciudad es escenario de esta fiesta que celebra el arte y la cultura donde artistas nacionales e internacionales ofrecen espectáculos de música, danza, cine, pintura, literatura y teatro.​
En el año de 1987 se celebró por primera vez en la ciudad de Zacatecas el "Festival: Zacatecas en la Cultura", primer nombre de esta celebración que tiene como objetivo brindar una experiencia más amplia a los turistas de México y el mundo cuando visiten la ciudad.
En aquel tiempo, era necesario crear más alternativas de esparcimiento para los turistas que visitaran la ciudad en la semana mayor, aunque en un principio solo se usaban las instalaciones del Teatro "Fernando Calderon", los asistentes al festival comenzaron a exigir más eventos, artistas y escenarios. Posteriormente, en el año de 1993 se cambió el nombre del festival a: "Festival Cultural Zacatecas", desde entonces, el Gobierno del Estado se ha preocupado por ir ampliando cada vez el programa para esta celebración.​
Han participado personalidades tales como: Maluma, Armando Manzanero, Bob Dylan, Gloria Gaynor, Electric Light Orchestra, Il Balleto Di Bronzo, Alberto Cortés, Tania Libertad, David Bisbal, Lila Downs, Gipsy Kings, Capital Cities, Luz Casal, Willy Chirino, Raúl Di Blasio, Dionne Warwick, Emmanuel, Vikki Carr, KC & The Sunshine Band. entre otros. Algunos incluso han repetido sus presentaciones en más ediciones del festival, como la banda de rock mexicano Jaguares. También son ya tradicionales los conciertos de Jazz, los ciclos de Guitarra Clásica y Música de Cámara.
Además de la música, durante este festival también se pueden encontrar exposiciones de pintura, fotografía, fílmicas, esculturas, al igual que presentaciones de libros y revistas de escritores locales y nacionales, foros y talleres académicos entre muchas actividades más.
Los principales foros del festival son: Plaza de Armas, donde se presentan los artistas y grupos más fuertes que atraen a mucho público; Teatro Fernando Calderón, done se presentan algunos conciertos de cámara, danza y obras de teatro nacionales; Plaza Goitia, donde generalmente hay conciertos de trova; Teatro Ramón López Velarde donde generalmente hay espectáculos de danza y obras de teatro comerciales nacionales.​
En el teatro del IMSS se presentan obras de teatro de agrupaciones zacatecanas, en tanto que en los diversos museos de la ciudad se realizan exposiciones de pintura, escultura y fotografía. La música sacra también se hace notar y generalmente se realizan conciertos en templos como la Catedral de Zacatecas, Templo de Fátima, Templo de Santo Domingo, entre otros.
Festival cultural de Borneo

El Festival Cultural de Borneo o simplificado como FCB es el festival anual de comida y música que se lleva a cabo en Sibu, Sarawak, en julio y agosto de cada año desde 2003. El festival está organizado por el Consejo Municipal de Sibu.​ El objetivo principal de FCB es reunir a la comunidad de Sarawak principalmente en Sibu, que generalmente proviene de diferentes orígenes étnicos y sirve a la sociedad con un baile multicultural, música y comida tradicional. Es uno de los mayores eventos de festivales tradicionales y prestigiosos de Sibu, Sarawak.
Desde 2005, el Consejo Municipal de Sibu (SMC) celebra el Festival Cultural de Borneo (FCB) en julio de cada año en la Plaza de la Ciudad de Sibu, por un período de 10 días. Es una celebración de música tradicional, bailes, concursos, concurso de belleza,​ puestos de comida, ferias de diversión y exhibiciones de productos. Hay 3 etapas separadas para las actuaciones de Iban, China y Malaya.​​ Atrae a unas 20.000 personas cada año.​​ Se detuvo brevemente en 2011​ antes de reanudarse en 2012.​ Sibu ha sido sede del Festival Nacional de Cultura China (全國 華人 文化 節) dos veces: en 2001 (18º Festival) y 2009 (26º Festival) con 3 días de duración.​ Entre las actividades organizadas durante este festival se encontraban el pueblo cultural (un lugar designado para exhibir patrimonios culturales de diversas etnias), bailes culturales, canciones chinas, bailes de dragones y caligrafía china.​​
De las experiencias pasadas, la sede del evento principal se lleva a cabo en la plaza de la ciudad de Sibu, así como el recinto ferial y la exposición se lleva a cabo en la segunda fase de la plaza de la ciudad. Por lo general, la plaza principal de la ciudad que se encuentra al lado de Wisma Sanyan es utilizada por los escenarios y puestos de comida.
Festival Cultural (Japón)

Los Festivales Culturales (文化祭, bunkasai) en Japón son eventos anuales de "día abierto" celebrados por la mayoría de escuelas, desde preescolar hasta las universidades, en los que los estudiantes exponen sus logros artísticos.​ Las personas que quieren entrar en la escuela o que están interesados en la escuela pueden ir a ver como son el trabajo escolar y la atmósfera de la escuela. Asimismo, los padres también pueden ver qué tipo de trabajo han estado haciendo sus hijos. Los festivales suelen estar abiertos al público, especialmente en las escuelas secundarias y las universidades.
Según las directrices del plan de estudios (学習指導要領 Gakushu shido yōryō) del MEXT, los festivales culturales forman parte de actividades especiales y se definen como "eventos que pretenden utilizar los resultados del aprendizaje cotidiano para aumentar la motivación".​​​
Los festivales culturales son parte de las clases diarias en la educación primaria, la educación secundaria inferior y la educación secundaria superior, por lo que los estudiantes están obligados a asistir para poder graduarse. En las universidades, los festivales culturales son como una actividad extracurricular, por lo que la asistencia no es obligatoria.
Tradicionalmente, la mayoría de las escuelas celebran los festivales culturales en o alrededor del Día de la cultura (3 de noviembre), una fiesta nacional japonesa.​ Normalmente se lleva a cabo en un sábado o un domingo, a veces incluso durante los dos.
"Festival cultural" (bunkasai) y "festival universitario" (daigaku-sai) son nombres comunes en japonés, por lo que el nombre particular de cada festival cultural depende de cada escuela. Por ejemplo, el festival de la Universidad de Tokio, Komaba Campus, se llama Komaba-sai.
Los festivales escolares de las escuelas secundarias inferiores y superiores también pueden llamarse a veces gakuensai (学園祭), gakuinsai (学院祭), o gakkōsai (学校祭).
Los festivales culturales se llevan a cabo para mostrar el aprendizaje de los estudiantes, pero muchas personas visitan los festivales como una diversión recreativa. Los alumnos suelen aprovechar la oportunidad para visitar las escuelas a las que asistieron una vez. Por otro lado, se suele servir comida, y a menudo las aulas o los gimnasios se transforman en restaurantes temporales o cafés. Los bailes, conciertos y obras de teatro pueden ser realizados por voluntarios individuales o por varios clubes escolares, como el club de baile, el club de orquesta, el club de la banda o el club de teatro.
Los festivales culturales están destinados a ser un evento divertido, pero también son la única oportunidad que hay en cada año para que los estudiantes vean cómo es la vida en otras escuelas. También están destinados a enriquecer la vida de las personas aumentando la interacción social y fomentando los vínculos de la comunidad.
Los festivales culturales se suelen representar en los animes y los mangas.
Straubing

Straubing es una ciudad de 47 794 habitantes localizada en el estado de Baviera, dentro de la región de Baja Baviera. Es un distrito urbano y sede del distrito de Straubing-Bogen. La ciudad es reconocida por realizar la segunda celebración folclórica más importante en Baviera, conocida como Gäubodenvolksfest, la cual se lleva a cabo anualmente en agosto.
Bujlud

Bujlud (en bereber: Bilmaw; en árabe: بوجلود o بيلماون‎) es una celebración folclórica bereber que se celebra al día siguiente del Eid al-Adha en algunas regiones del Marruecos.​​
La expresión Bujlud deriva del árabe abu (en : أبو, propietario) y jlood (en árabe: جلود‎ :, plural de jild en árabe: أبو‎ árabe: جلد, piel).​​
El nombre bereber es Bilmawen.​
La celebración se celebra al día siguiente del Eid al-Adha. Los jóvenes para la ocasión realizan y se ponen máscaras y disfraces compuestos por pieles de las ovejas o de las cabras sacrificadas. Los jóvenes bailan con los disfraces, sosteniendo en sus manos miembros de los animales sacrificados, que utilizan para golpear a las personas con las que se encuentran.
Los etnólogos franceses Édmond Doutté y Émile Laoust relacionan el festejo con los ritos bereberes preislámicos que celebraban los cambios de las estaciones, la muerte y la resurrección.​ El antropólogo finlandés Edvard Westermarck,​ a su vez, relacionó el b. con la saturnalia romana. Abdellah Hammoudi, en su ensayo The Victim and his Masks: An Essay on Sacrifice and Masquerade in the Maghreb, rechaza las anteriores interpretaciones y ve en el b. una práctica cultural propia, inseparable del sacrificio del Eid al-Adha. Hassan Rachik también ha escrito acerca de los sacrificios tradicionales del Ait Mizan y el Ait Souka, en el Alto Atlas.​
Dafne Marahuntha

Dafne Marahuntha es una banda de ska colombiana, formada en Chaparral, Tolima en el año 2001. Se caracteriza por fusionar Ska, Reggae, Rock y ritmos colombianos.
Dafne nace como una inquietud artística y musical que propone en el escenario una descarga de ritmos del mundo fusionados con folklore colombiano, han recorrido la geografía colombiana llevando un mensaje de esperanza, trabajo, el cual es bien recibido por su público que lo acompaña.
Han sido galardonados en una diversidad de premios de la música en su país, gracias a su trayectoria y perseverancia musical.
Trabajan también en un grupo social llamado "Por un mundo mejor" preocupados por el mejoramiento del entorno de la comunidad menos favorecida.
Boraro

El Boraro es una criatura humanoide del folklore colombiano, cuyo desarrollo se da en la zona amazónica.
El Boraro ha sido descrito como un ser de aspecto humano pero sumamente alto, cubierto por una espesa pelambre negra, enormes orejas, colmillos. Como dato fantástico adicional, al igual que el Cipitío, el Boraro tiene sus pies vueltos hacia atrás, lo cual le sirve para burlar a sus perseguidores; haciendo creer a quien descubre sus huellas que la dirección que lleva es la contraria de la que realmente es. Según algunos, el Boraro puede ser también descrito como una criatura sin dedos en sus pies o sin ombligo. Además no tiene articulación en la rodilla, por lo que si cae al suelo le cuesta mucho esfuerzo volver a levantarse.
El Boraro aterroriza a los indígenas de la cuenca del río Vaupés con sus largos aullidos (aaaa oooo aaaa), que pueden escucharse desde lo más profundo de la selva.
Si consigue atrapar a un ser humano, lo rodea con sus brazos, estrujándolo, hasta conseguir que la carne de su víctima se transforme en una masa pulposa, pero sin romperle los huesos o desgarrarle la piel. Una vez realizada esta operación, le practica un agujero en la cabeza, succionándole por esa apertura la pulpa, hasta vaciarlo completamente. Después, infla a su víctima como si fuera un globo, permitiéndole volver a su casa. La presa del Boraro, atontada y como en un sueño, regresa a su hogar, muriendo allí.
Habría distintas estratagemas para escapar del Boraro. Una forma, sería poniendo un puño sobre sus huellas, con lo que se conseguiría que sus piernas quedaran rígidas, ralentizando su marcha. Otra forma, sería escapar corriendo hacia atrás, dándole la cara al monstruo.
A golpe de folklore

A golpe de folklore es el decimoséptimo álbum de estudio de la orquesta de salsa colombiana Niche, publicado en 1999.​ El álbum incluye 6 temás inéditos y 2 versiones nuevas de "Atrateño" y "Mi Mamá Me Ha Dicho".​
A inicios de 1999, el cantante Álvaro Granobles, quien terminaba de grabar un disco con la orquesta Yambao, es llamado por Jairo Varela para ser vocalista oficial del Grupo Niche.​
Todas las canciones escritas y compuestas por Jairo Varela.
Come On (Chuck Berry song)

"Come On" is a song written and first released by Chuck Berry in 1961. It has been recorded in many versions by many bands since its release, most notably the Rolling Stones. "Come On" failed to chart in the US top 100, but the B-side, "Go Go Go", reached number 38 on the UK Singles Chart.
According to the liner notes from the Berry compilation album The Great Twenty-Eight, the performers on the record were as follows:
"Come On" was chosen as the Rolling Stones' debut single. Released in June 1963, it reached number 21 on the UK singles chart. The B-side was the Stones' arrangement of Willie Dixon's "I Want to Be Loved". Both songs were recorded on May 10, 1963. Other songs recorded on that day were "Love Potion No. 9" (unverified) and "Pretty Thing". "Come On" has been released on several compilation albums: More Hot Rocks (Big Hits & Fazed Cookies) (1972), Singles Collection: The London Years (1989) (together with its B-side), Singles 1963-1965 (2004) (together with its B-side), Rolled Gold+: The Very Best of the Rolling Stones (2007), GRRR! (2012) and Stray Cats, a bonus disc available only on The Rolling Stones In Mono box set (together with its B-side).
During the June 6, 2013, concert in Toronto, Canada, as part of the 50 & Counting Tour, Mick Jagger sang a few bars (with Charlie Watts drumming the beat) after mentioning the single being released exactly 50 years ago, the day after that night. It was the first time the song was heard in any capacity during a Rolling Stones concert since 1965.
Банк

Банк нь мөнгөн хадгаламж, зээл, төлбөр тооцооны үйлчилгээ, гадаад валют арилжаа, үнэт металл арилжаа, үнэт цаасны арилжаа зэрэг үйл ажиллагаа эрхэлдэг санхүүгийн байгууллага юм.
Банк гэдэг нэр томъёо нь `banco`\итали-мөнгө солих ширээ\ гэдэг үгнээс гаралтай гэж үздэг бөгөөд энэ нь дундад зууны үед италичууд өөрийн мөнгийг солилцдог байсан газрыг хэлдэг байжээ. Банкны үйл ажиллагаа хэдэн мянган жилийн өмнөөс үүсэж хөгжсөн түүхтэй. Эртний Ассир, Вавилон, Герег, Ромын эзэнт улсын үед банкны үйл ажиллагаа анхны хэлбэр болох үнэт зүйлс хадгалах, гадаад орны зоосон мөнгө солих, арилжаа наймааны зориулалтаар зээл олгох зэрэг үйл ажиллагаа явуулж байжээ. Харин орчин цагийн банк анх дундад зууны үеийн Италийн Флоренц, Лукка, Сиена, Венец, Женова зэрэг хөрөнгөтэй хотуудад үүсч эхэлсэн байна. Флоренцийн Барди, Перуцци овгууд 14-р зуунд банкны зах зээлийг давамгайлж, Европын олон хотуудад салбараа нээж байв. Жованни ди Биччи 1397 онд алдарт Медичи Банкаа байгуулж байжээ.
Банк нь дараах үйлчилгээнүүдийг эрхэлнэ.
Ялтын уулзалт

Холбоотон гурван гүрний удирдагчдын Ялтын уулзалт буюу Ялтын Бага хурал -Дэлхийн хоёрдугаар дайны үед Германы буюу Тэнхлэгийн гүрнүүдийн эсрэг Холбоотны эвсэлийг бүрдүүлэгч нараас голлох гурван улсын тэргүүн ЗХУ-ын И.В. Иосиф Сталин, АНУ-ын Ерөнхийлөгч Франклин Рузвельт, Их Британийн Ерөнхий сайд Уинстон Черчилль нарын 1945 оны 2-р сарын 4-нөөс 11-ний өдрүүдэд ЗХУ-ын Хар тэнгисийн эрэгт орших Ялта хотоос 3 км зайд орших Ливадиа тосгон дахь Ливадийн ордонд болсон Бага хурлын уулзалтыг хэлдэг. Ялтын Бага хурлын уулзалтаар Германыг ялсны дараа Европ тив ба дэлхийн хэмжээнд нөлөөллийн хүрээгээ хэрхэн хуваах талаар тохиролцоонд хүрсэн юм. Холбоотон болох АНУ, Англи хоёр Германыг ялсны дараа ЗХУ-ыг Японы эсрэг дайнд оролцуулахыг хүссэн байна. И.Сталин Германыг ялснаас 3 сарын дараа Японы эсрэг дайныг эхлүүлэх боломжтой, гэхдээ дараах нөхцөлүүдийг биелүүлсэн тохиолдолд дайнд оролцоно гэсэн байна.
Сталины саналыг холбоотнууд зөвшөөрсөн ба Германыг ялсны дараа дахин уулзаж асуудлуудаа нарийвчлан тогтъё гэж тохирсон байна. И.Сталины санал нь:
Уг уулзалтаар Нууц Хэлэлцээр байгуулсан. Үүнд:
Энэхүү уулзалтын үр дүнд БНМАУ буюу Монгол Улсыг хүлээн зөвшөөрөх асуудал үндсэндээ дэлхийн их гүрнүүдийн хэмжээнд анх удаа хүлээн зөвшөөрөгдсөн юм.
Тав тухтай хоол

Тав тухтай хоол (заримдаа гуравдагч шатны боловсруулалттай хоол гэж нэрлэдэг) гэдэг нь ихэвчлэн боловсруулсан, хэрэглэхэд хялбар байдлаар бэлтгэсэн хоолыг хэлнэ. Энэ төрлийн хоолыг ихэнхдээ шууд идэхэд бэлэн, эсвэл нэмэлт орц шаардалгүйгээр хэрэглэхэд бэлэн байдлаар үйлдвэрлэдэг. Тухайлбал, телевизийн хачир хоол, удаан хадгалах боломжтой бүтээгдэхүүнүүд, хөлдөөсөн хоол, бэлэн холимог, бялууны зуурмаг, зууш гэх мэт. Хоол хүнс судлаачид эдгээр бүтээгдэхүүний ихэнхийг хэт боловсруулсан хоол гэж үздэг бөгөөд тэдгээрийг эрүүл мэндэд сөрөг үр дагавартай хэмээн дүгнэдэг.
Талх, бяслаг, давсалсан хоол зэрэг бэлэн хоолыг олон зууны турш худалдаалсаар ирсэн бөгөөд энэ нь хүнсний үйлдвэрлэлийн технологи, ангиллын систем Нова ангилал гэх мэтээр тусгагдсан Тухайн бүтээгдэхүүнүүд улс орон, газар зүйн бүс нутгаас хамааран янз бүр байж болно. Зарим төрлийн тав тухтай хоол нь тэжээллэг чанартай холбоотой асуудал, сав баглаа боодол нь хог хаягдлыг нэмэгдүүлэхтэй холбоотой шүүмжлэл хүлээдэг. Үүнийг даван туулахын тулд төрөл бүрийн аргуудыг ашиглаж, хэт боловсруулсан хоолноос үүдэлтэй сөрөг нөлөөг багасгах, хүүхдийн таргалалтын эсрэг тэмцэхэд анхаарч байна.