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Bodegón con verduras y frutas (Sánchez Cotán)

El Bodegón con verduras y frutas es una obra de Juan Sánchez Cotán, actualmente en una colección privada.
Sánchez Cotán realizó pinturas religiosas, paisajes y algún retrato, pero es especialmente famoso por sus siete bodegones conocidos.​ Estas obras se caracterizan por su serenidad, equilibrio y una composición casi matemática, sin ninguna agitación barroca.​A veces han sido interpretados en clave religiosa, aunque en los textos de aquella época nada se dice al respecto.​
La pintura de bodegón tiene sus antecedentes en la pintura mural, y en detalles de composiciones de diverso tipo, pero solamente devino un género aparte —en la pintura de caballete— a finales del siglo XVI. Antes de ingresar —en 1603— en la Cartuja de Granada. Sánchez Cotan hizo un inventario de sus bienes en el que se cita varias pinturas de este género.​ Por lo tanto, sus bodegones seguramente son los primeros en España y de los primeros de Europa, ya que el Cesto con frutas de Caravaggio es de ca 1596.​
Los vegetales están encuadrados por una ventana, cortada por la parte de arriba. La iluminación proviene del ángulo superior izquierdo, realzando cada elemento sobre el fondo oscuro. Pendiendo de arriba por finos cordeles, están representados un manojo de cinco zanahorias —de dos colores—, una col (o repollo), un membrillo y dos limones, uno de ellos cortado casi por la mitad. El extremo de la zanahoria de la derecha sobresale algo de la ventana. Los objetos describen una diagonal ascendente de izquierda a derecha, y los espacios entre sus respectivos cordeles disminuyen progresivamente.​
Apoyados en el alféizar, aparecen una manzana, un repollo, una rodaja de limón y un gran cardo. Estos tres últimos elementos rebasan ligeramente el borde de la repisa. El cardo está colocado de forma distinta a las del Bodegón del cardo y del Bodegón de caza, hortalizas y frutas, ya que su forma curva es aquí más patente. Asimismo, los extremos de sus tallos no se recortan sobre el fondo, sino que reposan sobre el alféizar, remarcando las fibras terminales.​
Cada parte está colocada de forma que nada quede confuso, superpuesto, o falto de correspondencia. La curva del perfil superior del cardo enlaza con la de la parte inferior del repollo. Esta última hortaliza, junto con la rodaja de limón y la manzana, compensan el gran espacio ocupado por el cardo. La fuerte iluminación de la zanahoria de la izquierda, visibiliza la parte en sombra de la col de arriba. Asimismo, la gran masa iluminada del cardo acentúa los perfiles rizados de ambas coles, así como los perfiles del membrillo y de los limones. En el limón cortado, la luz escorzada hace que, en su piel, destaque hasta la mínima partícula.​
Bodegón con flores, hortalizas y un cesto de cerezas (Sánchez Cotán)

El Bodegón con flores, hortalizas y un cesto de cerezas es una obra recientemente atribuida a Juan Sánchez Cotán, actualmente en una colección privada.
Sánchez Cotán realizó pinturas religiosas, paisajes y retratos, pero es especialmente famoso por sus siete bodegones conocidos.​El 13 de agosto de 1603, antes de ingresar en la Cartuja de Granada, el pintor hizo un inventario de sus bienes, en el que figuran varias obras de este género, algunas firmadas y fechadas. Por lo tanto, sus bodegones se sitúan en los orígenes mismos de este género en España y son de los primeros de Europa, ya que el Cesto con frutas de Caravaggio es de ca.1596.​Asimismo, el presente cuadro es de los primeros bodegones españoles con flores que se conocen.​
Esta obra se dio a conocer en 1935, en la exposición Floreros y bodegones en la pintura española, siendo atribuida por Julio Cavestany —con dudas— a Zurbarán. En 1940, en el catálogo definitivo de la exposición, fue asignada a Van der Hamen. Enrique Lafuente inicialmente dudó de su autoría, pero finalmente la asignó a Cotán en la última edición de su Breve historia de la pintura española.​ En abril de 2010, se expuso en la Fundación Calouste Gulbenkian, como obra de Cotán.​El 4 de junio de 2013 fue declarada Bien cultural de interés nacional, razonando su atribución.​
Como en los otros bodegones conocidos del pintor, los elementos están Iluminados desde la izquierda y colocados dentro de una ventana. Pero en éste la composición presenta un punto de vista bajo, que permite ver el plano inferior del dintel, pero que oculta el plano del alféizar donde reposan los objetos. Los elementos se distribuyen con equilibrio, pero sin rigidez. En el centro —pendiente de un gancho— aparece una cesta de esparto —o de mimbre— con cerezas, dos peras y tres claveles. Bajo el canasto y sobre el alféizar, hay —a la izquierda— un plato con habas y unas florecillas y —a la derecha— dos manojos de espárragos trigueros. En el ángulo izquierdo de la ventana, un jarrón de cristal con rosas blancas y coloreadas, y un ramo de azucenas blancas. En el ángulo derecho aparece un búcaro rojo, conteniendo lirios azules. Tras el búcaro, surge un ramo de azucenas anaranjadas, que parte del alféizar y llega hasta el cesto, como la otra vara de azucenas.​
Este bodegón es el de mayores dimensiones del pintor, y presenta una forma diferente de colgar un objeto, mostrando claramente la base de la cesta. Los dos jarrones, el plato, los espárragos y algunas vainas de las habas sobresalen del borde del alféizar. Las flores parecen elevarse hacia adelante, como si buscaran la luz. El pintor representa cada elemento con un gran detalle, destacando el polen amarillo sobre los pétalos inferiores de las azucenas, el intrincado tejido de la cesta, y el estudiado desorden de los tallos de las cerezas.​
Bodegón con caza. verdura y fruta (Sánchez Cotán)

El Bodegón con caza. verdura y fruta es una obra de Juan Sánchez Cotán, actualmente en el Instituto de Arte de Chicago.
Sánchez Cotán realizó pinturas religiosas, paisajes y algún retrato, pero es especialmente famoso por sus siete bodegones conocidos.​ Estas obras se caracterizan por su serenidad, equilibrio y una composición casi matemática, sin ninguna agitación.barroca,​siendo algunos interpretados en clave religiosa, aunque en los textos de aquella época nada se dice al respecto.​
La pintura de bodegón tiene sus antecedentes en la pintura mural, ya en el antiguo Egipto y en la antigua Roma. A partir de Giotto, aparecen bodegones en partes de composiciones de diverso tipo, pero solo devino un género aparte —en la pintura de caballete— a finales del siglo XVI. Antes de ingresar —en 1603— en la Cartuja de Granada, el pintor hizo un inventario de sus bienes donde se cita un bodegón que muy probablemente sea la presente obra.​ Por lo tanto, sus bodegones deben ser los primeros en España y de los primeros de Europa, ya que el Cesto con frutas de Caravaggio es de ca 1596.​
Para realizar este lienzo, Cotán seguramente partió del Bodegón con membrillo, repollo, melón y pepino, añadiendo cuatro aves de caza muertas y una hortaliza. Como en aquella obra, los elementos están encuadrados por una ventana, cortada por la parte de arriba. Están fuertemente iluminados desde el ángulo superior izquierdo, destacando ante un fondo oscuro. De derecha a izquierda, aparecen colgados un ánade, un francolín, una codorniz y una perdiz, siguiendo una gradación no solo de mayor a menor -—excepto las dos últimas aves—- sino también de afuera hacia adentro. A la izquierda y debajo de las aves aparecen los vegetales. Formando una parábola, de izquierda a derecha, hay un membrillo y una col —pendiendo de cordeles— un melón, una tajada de esta fruta y un pepino. El pintor añade otro elemento​ en el borde inferior izquierdo, para compensar el recargamiento del lado derecho.​
El pintor muestra gran minuciosidad sugiriendo las superficies, en este caso el plumaje de las aves, que contrasta con la tersura de las frutas y la rugosidad de la col. Procura evitar superposiciones, salvo en las patas del ánade, que ocultan parte del pepino. Aunque cada objeto tiene su independencia e individualidad, en esta obra hay un amontonamiento que recuerda al del Bodegón de caza, hortalizas y frutas. Al llenar, con las cuatro aves colgadas, el hueco triangular del Bodegón con membrillo, repollo, melón y pepino, Cotán se atuvo más a la sensibilidad barroca, pero perdió parte del equilibrio y del ritmo de dicha obra, que quedaban realzados por el oscuro espacio vacío tras la ventana.​
Melitón Lozoya

Meliton Lozoya Aguirre (1856 - 22 de noviembre de 1952) fue un administrador de fincas mexicano, dueño de la hacienda de Pancho Villa y conspirador en su asesinato. Lozoya decidió participar en el asesinato de Villa después de que este exigiera que se le devolviera el dinero y los bienes del rancho que administraba después que Villa se hiciera de dicho rancho con bienes publicos.​​ Algunos historiadores alegan que Lozoya planeó los detalles del asesinato de Villa y encontró a los hombres que lo llevaron a cabo.​​​
Lozoya nació en 1856 en Ganaceví, Durango; contrajo matrimonio el 13 de noviembre de 1884 en Balleza, Chihuahua con Amada Saenz Pardo Barraza y tendría 6 hijos con ella. Falleció el 22 de noviembre de 1952 en la Ciudad de México de causas naturales.
Pancho Villa fue emboscado y asesinado la tarde del 20 de julio de 1923, cuando se dirigía a una fiesta familiar en Hidalgo del Parral, Chihuahua.
Villa salió ese día 20 de julio de 1923 a las 8 de la mañana de la hacienda del Canutillo, Durango con destino a Parral, Chihuahua a una fiesta familiar. Le dijo a su chófer que él iba a conducir, tomando el asiento del conductor y subiendo al automóvil Dodge, la guardia que lo protegía y acompañaba. Avanzando por la Calle Benito Juárez, una vialidad recta de una extensión de entre 400 y 500 metros llegando hasta la curva con la calle Gabino Barreda en donde Villa, que iba manejando, bajó la velocidad del auto debido a la curva y a un gran charco de agua y lodo, momento que fue aprovechado por los asesinos, armados con rifles M-40, M-50 además de pistolas calibres 44 y 45 así como calibre 50, saliendo de la casa que se encontraba enfrente de la curva, acribillando a los pasajeros del automóvil. El general Pancho Villa recibió 16 disparos.
Jesús Salas Barraza, legislador estatal de Durango, es la otra figura central asociada a la muerte de Villa. Barraza se atribuyó toda la responsabilidad por la muerte de Villa,​ aunque se cree que el asesinato ocurrió como resultado de una conspiración bien planeada que involucró a Barraza y Lozoya, pero muy probablemente iniciada por Plutarco Elías Calles y Joaquín Amaro Domínguez​​
Se ha dicho que Álvaro Obregón había iniciado el plan de asesinato o al menos lo había aprobado tácitamente;​​ sin embargo, se estima que Obregón y su gobierno si participaron en el asesinato y se ha alegado que miembros del Estado Mayor de la Secretaria de Guerra y Marina de México fueron parte de la cuadrilla de asesinos que abrió fuego.​​ Más aún, se ha descubierto correspondencia fechada a 7 meses antes del asesinato entre Obregón y uno de sus generales en el cual se solicita una audiencia entre Lozoya y Obregón, aunque no se sabe a ciencia cierta si dicha reunión si tuvo lugar.​
Después de reclamar la responsabilidad, Barraza reclamó que él y los conspiradores, incluidos Sáenz Pardo, Lozoya y Félix Lara,​ había visto los viajes diarios en automóvil de Villa y le pagó a un vendedor ambulante de semillas de calabaza para que esperara en la calle por donde pasaría Villa y gritar "¡Viva Villa!" una vez si Villa estaba sentado en la parte delantera del auto, o dos si estaba en la parte de atrás.​​
Sebastián Ducete

Sebastián Ducete (1568-entre 1619​​​ y 1621​) fue un escultor español, miembro junto con Esteban de Rueda de la conocida como Escuela de Toro.
Nació de la mano del escultor Pedro Ducete Díez en Toro, Zamora​​ en cuyo taller Sebastián recogió las primeras experiencias.​ A partir de 1591 se formó con el escultor palentino Juan Sanz de Torrecilla​ De 1595 a 1598 trabajó en un taller con su tío Juan Ducete el Joven.
Miembro de una familia de escultores su estilo inicial, muy influenciado por Juan de Juni representa una transición entre el manierismo y el barroco, superando el romanismo de su padre y abuelo. En una segunda fase y ya en estrecha colaboración con Esteban de Rueda, escultor que tras iniciarse como discípulo de Ducete terminó asociándose con su maestro, su estilo derivó hacia un mayor naturalismo.
En 1598 Esteban de Rueda introdujo en el taller de Ducete como aprendiz. Desde 1612 hasta la muerte de Ducete fue su socio. El taller de estos dos se conoce como taller de Toro.​ En 1611 Ducete estaba en Valladolid.​
Girolamo Lucenti de Correggio

Girolamo Lucenti, conocido también como Gerolamo o Jerónimo Lucenti de Correggio, también transcrito Lucente y Luzente,​​ (fl. 1602–1624) fue un pintor lombardo activo en Sevilla y Granada.
Natural de Correggio y formado, al parecer, en el manierismo de la Emilia, llegó a Sevilla hacia 1602 con el propósito, según declaró él mismo, de hacer fortuna y retornar a su patria.​
En 1604 contrató con Juan de la Sal, obispo de Bona, las pinturas del retablo mayor de la iglesia de la Anunciación de Sevilla, Casa Profesa de los jesuitas y posteriormente capilla universitaria. Según las cláusulas del contrato, acabada la primera pintura debía presentarla al obispo para su examen y, en caso de que no fuese aprobada, aunque se le pagaría la pintura acabada, no continuaría con las restantes y así debió de suceder pues, tras presentar la Adoración de los Magos, colocada en su altar donde permanece, continuaron trabajando en él Antonio Mohedano y Juan de Roelas.​ Ceán Bermúdez señala su presencia en Sevilla en 1608, año en que pintó dos cuadros apaisados para la predela del retablo mayor de la capilla de los flamencos en el colegio de Santo Tomás, con la llamada al apostolado de san Pedro y san Mateo, cuadros que suponía no debieron de gustar pues fueron reemplazados por otros del mismo asunto pintados por Juan de Roelas.​ Todavía en Sevilla, entre 1613 y 1615 se encargó del retablo de la iglesia de San Martín, conservado in situ, alguna vez atribuido a Francisco de Herrera el Viejo con quien tiene estrecha relación.​
En 1624 pintó, según Ceán Bermúdez, «siete cuadros pequeños de los descubrimientos de las reliquias del Sacromonte»,​ quizá los dibujos de la rebelión de los moriscos granadinos y el hallazgo de los libros plúmbeos grabados por Francisco Heylan para la obra de Justino Antolínez de Burgos, Historia eclesiástica de Granada, que quedó sin publicar, guardadas las planchas en la Abadía del Sacromonte.
Alexander A. Parker

Alexander Augustine Parker (Montevideo, 23 de febrero de 1908 - Escocia, 23 de noviembre de 1989) hispanista inglés. Nieto del político, militar, periodista y escritor José Cándido Bustamante.
Dirigió el departamento de español de la Universidad de Aberdeen (1939-1953), pasó después al King's College de la Universidad de Londres y luego a la de Edimburgo. Excelente conocedor del teatro español del Siglo de Oro, ideó para su análisis un procedimiento nuevo de teoría crítica, el análisis temático-estructural, y preparó ediciones críticas de El príncipe constante (1938, segunda edición revisada en 1957) y No hay más fortuna que Dios, de Pedro Calderón de la Barca. Sobre este autor publicó también The Allegorical Drama of Calderón, An introduction to the Autos Sacramentales (Oxford, 1943), uno de los mejores libros sobre este género teatral barroco, el auto sacramental. Consagrado también al estudio de la literatura comparada, dedicó trabajos importantes a la novela picaresca, el conceptismo y culteranismo y la obra de Cervantes y ya retirado publicó The Philosophy of Love (Edimburgo, 1985) y The Mind and Art of Calderón (Cambridge, 1988).
Daniel Eisenberg

Daniel Eisenberg (Nueva York, 1946) es un hispanista y cervantista​ estadounidense.
Nacido en Queens, Nueva York, hizo los estudios primarios y secundarios en Canisteo, Nueva York. Es bachiller en Artes en la Universidad Johns Hopkins en 1967, tras hacer en 1965-1966 el Curso para Extranjeros en la Universidad de Madrid, máster en Artes en la de Brown (1968) y luego doctor por la misma (1971) con una tesis sobre la edición del Espejo de príncipes y caballeros o Caballero del Febo de Diego Ortúñez de Calahorra, editada posteriormente en la colección de «Clásicos Castellanos» (Espasa-Calpe).
En 1976, Eisenberg fundó el Journal of Hispanic Philology.​
Profesores suyos fueron, en Johns Hopkins, Elias L. Rivers y Francisco Rico (profesor visitante), en Brown A. David Kossoff, Alan S. Trueblood, Juan López-Morillas, José Amor y Vásquez, Sergio Beser y Frank Pierce. Hasta cierto punto Martín de Riquer fue mecenas suyo, pues admitió su tesis, la edición del Espejo de príncipes y caballeros en «Clásicos Castellanos», prologó un libro suyo y lo hizo académico correspondiente de la Real Academia de Buenas Letras de Barcelona, después de su libro sobre el supuesto fragmento de Las semanas del jardín cervantino.
Fue profesor en las universidades de Carolina del Norte, la City College de la Universidad de la Ciudad de Nueva York, la Universidad Estatal de Florida, donde fue profesor investigador distinguido (Distinguished Research Professor), y la Northern Arizona University. Desde 2000 a 2008, Eisenberg fue director de Cervantes, la revista de la Cervantes Society of America. Se jubiló en el Excelsior College (Albany, Nueva York), del que fue vicedecano, en 2003. Ha hecho contribuciones al estudio de los libros de caballerías y al cervantismo y se ha interesado también en la obra de Federico García Lorca, especialmente Poeta en Nueva York.
Frank Pierce

Francis William Pierce (Belfast, 21 de septiembre de 1915-19 de julio de 1999) fue un hispanista [[Irlanda|irlandés}}.
Se formó con Ignacio González-Llubera en Belfast y con Federico de Onís en Nueva York. Fue profesor de español en Liverpool (1939-40), en el Trinity College de Dublín (1940-45) y en Sheffield (1953-80), donde fue el primer ocupante de la cátedra Hughes de español; se jubiló en 1979. Fue Deán de la Facultad de Artes en Sheffield desde 1964 a 1967 y primer presidente de la Anglo-Catalan Society (1955-1957). También fue miembro fundador y presidente de la Association of Hispanists of Great Britain and Ireland, y presidente del comité fundador de la Asociación Internacional de Hispanistas (1971-1973).
Especialista en la literatura de los siglos XV, XVI y XVII, se dedicó sobre todo a la epopeya culta española (Heroic Poems of the Spanish Golden Age, Oxford: Dolphin, 1947, traducido al español como La poesía épica del Siglo de Oro, Madrid: Gredos, 1961); hizo una edición crítica de Os Lusiadas de Camoens (1973), estudios críticos sobre el Amadís de Gaula (1976) y Tirant lo Blanc, y publicó gran número de estudios sobre Diego de Hojeda, Bernardo de Balbuena, Alonso de Ercilla y Miguel de Cervantes, así como reseñas de libros en las más importantes revistas del Hispanismo.
Harold Wethey

Harold Edwin Wethey (Port Byron, 1902 – Ann Arbor, 22 de septiembre de 1984) fue un destacado historiador del arte, especialista en la vida y obra del Greco.
Fue profesor en la Universidad de Washington y en la Universidad de Harvard, donde recibió su doctorado. En la Universidad de Míchigan fue nombrado consejero del departamento de bellas artes.
Entre sus más destacados trabajos académicos se encuentran Colonial Architecture and Sculpture in Peru, El Greco and His School (dos volúmenes), Alonso Cano: a study of the 17th century Spanish painter y tres volúmenes sobre Tiziano. También contribuyó con tres artículos a la Enciclopedia Británica: «El Greco», «Tiziano» e «Historia de la arquitectura occidental».
Como estudioso del Greco, publicó en el año 1962 El Greco and His School, obra que tuvo un gran impacto en los círculos académicos de todo el mundo. También contribuyó a crear un amplio catálogo razonado de obras del pintor, que años después ampliaría José Álvarez Lopera.
John Horace Parry

John Horace Parry, que firmaba siempre como J. H. Parry (Handsworth, 26 de abril de 1914 - Cambridge, Massachusetts 25 de agosto de 1982), fue un sobresaliente historiador británico del mar. Se interesó especialmente por la aventura marítima de Portugal y España.​
J. H. Parry estudió en el Clare College, de Cambridge, y se doctoró en historia en 1938. Su carrera académica se interrumpió con la Segunda Guerra. Finalizada ésta, Parry regresó al Clare College, de Cambridge, donde fue profesor de historia entre 1945 y 1949.
Enseñó en los Estados Unidos, varias veces en Harvard (y publicó muchos de sus libros en California), así como en otros lugares del mundo, como Jamaica y Nigeria. Pero especialmente estuvo trabajando en varias universidades de Gales.
Sus indagaciones como historiador del mar se mantuvieron hasta su muerte. Y todos sus libros se han reeditado hasta el siglo XXI. En Europa y la expansión del mundo (1949), analiza el crucial tránsito de la Edad Media al Renacimiento, así como la formación de las nacionalidades modernas y el desarrollo de los nuevos factores económicos (con las formas sociales consiguientes) a través de la expansión marina. Más centrado en la navegación, El descubrimiento del mar (1974), extenso, sobrio, claro, muy informado, es un clásico.​
El Maestro

Libro de música de vihuela de mano intitulado El Maestro, también conocido simplemente como El Maestro, es un libro de piezas para vihuela sola y vihuela y canto, publicado en 1536, en Valencia, por el compositor y vihuelista español Luis de Milán.
Según figura en la portada, el libro fue publicado en 1535; sin embargo, en el colofón, se afirma que la impresión fue terminada en diciembre de 1536.
Al comienzo del libro y antes de la música, encontramos los siguientes elementos:
Después de la música, encontramos un epígrafe titulado: Inteligencia y declaración de los tonos que en la música de canto figurado se usan, donde se explica de forma muy clara, la teoría modal.
A diferencia de otros libros para vihuela publicados en la misma época, El Maestro no contiene adaptaciones de obras vocales polifónicas. Todas las piezas son, por tanto, originales de Milán. Es una obra de carácter didáctico, como puede deducirse de su título, en la que la dificultad de las piezas va aumentando conforme avanzamos en el libro.
El maestro constituye la colección española más antigua de música instrumental y acompañada de canto que ha sobrevivido y es la primera obra impresa en España donde la música aparece en tablatura. La notación en tablatura empleada es diferente a la que después usarían el resto de los vihuelistas españoles ya que sigue el modelo de las tablaturas napolitanas, con la cuerda más aguda en la posición más alta. En las obras que incluyen canto, éste aparece anotado en la tablatura en color rojo.
El maestro fue también la primera obra que proporcionó indicaciones para indicar el tempo en la música. Generalmente, se indica un solo tempo a través de toda la pieza, con indicaciones tales como "con el compás batido", "algo apriessa" o "compás a espacio".
Diez de los doce villancicos aparecen en dos versiones, una donde la parte vocal es cantada con adornos como "quiebros" y "glosas", y otra donde no aparecen tales adornos pero a la parte de la vihuela se le han añadido rápidas disminuciones.
La obra está dividida en dos libros y contiene:
Cada una de las piezas está precedida por una breve "declaración o regla" con diversas explicaciones sobre el aire, el tono, o si es una composición vocal, sobre la ornamentación de la melodía.
A continuación se incluye la lista de las obras. Los códigos en la columna de "Grabaciones" se especifican más abajo, en la sección de "Discografía".
La siguiente discografía se ha ordenado por año de grabación, pero la referencia es la de la edición más reciente en CD. No se incluyen las recopilaciones, sólo los discos originales.
Tres libros de música en cifra para vihuela

Los Tres libros de música en cifra para vihuela reúnen obras para vihuela, vihuela y voz y guitarra; fueron publicados por el compositor y vihuelista español Alonso Mudarra el 7 de diciembre de 1546, en Sevilla, en los talleres del impresor Juan de León.
La colección consta de obras originales de Mudarra y transcripciones para vihuela y vihuela y voz, de obras de otros compositores renacentistas como Josquin Des Pres, Nicolas Gombert, Adrian Willaert, Antoine de Févin y Pedro Escobar. Consta de 44 piezas para vihuela sola, 26 para vihuela y voz, 6 piezas para guitarra renacentista solista y una pieza para guitarra u órgano. Las obras de guitarra son las primeras conocidas para guitarra renacentista. Entre éstas composiciones hay fantasías, variaciones, tientos, pavanas, gallardas y canciones. Las canciones están escritas en latín, español e italiano e incluyen romances, villancicos y sonetos. Los textos de sus obras pertenecen entre otros a Horacio, Virgilio y Ovidio, entre los poetas latinos; Juan Boscán, Garcilaso de la Vega y Jorge Manrique, entre los españoles y Petrarca y Jacopo Sannazaro entre los italianos. Entre las innovaciones que introdujo, destaca el uso de diferentes símbolos para indicar el tempo: lento, medio y rápido.
La descripción detallada de éstas piezas se da a continuación. Donde no se especifica el compositor, significa que Mudarra es el compositor original de las piezas.:
Las piezas del 1 al 17 son para vihuela sola. Del 18 al 23 son para guitarra sola.
Todas las piezas son para vihuela sola.
Todas las piezas son para vihuela y voz.
La siguiente discografía se ha ordenado por año de grabación, pero la referencia es la de la edición más reciente en CD. No se incluyen las recopilaciones, sólo los discos originales.
Henry Charles Lea

Henry Charles Lea (19 de septiembre de 1825 - 24 de octubre de 1909) fue un historiador estadounidense nacido en Filadelfia.
Su padre era un editor, a quien se unió en el negocio en 1843 y retuvo sus conexiones con la empresa hasta 1880. De salud pobre, se dedicó desde joven a la investigación, principalmente sobre la historia de la Iglesia en la Baja Edad Media. Su fama literaria se basa en los importantes libros que publicó sobre este tema:
También editó una Formulary of the Papal Penitentiary in the 17th century (Ritual de la penitenciaría papal del siglo XVII; Filadelfia, 1892) y en 1908 publicó Inquisition in the Spanish Dependencies (Inquisición el las dependencias españolas).
Como autoridad en la Inquisición española, fue uno de los historiadores modernos más reconocidos y recibió distinciones de las universidades de Harvard, Princeton, Pensilvania, Giessen y Moscú.
Anya von Bremzen

Anya von Bremzen (Moscú, 1963) es una escritora culinaria ganadora del premio James Beard en tres ocasiones.​​
Nació en 1963 en la Rusia soviética y vivía en un departamento en Moscú con otras dieciocho familias que compartían una sola cocina. En 1974, cuando Anya tenía diez años, ella y su madre huyeron a los Estados Unidos.​
Anya se convirtió en escritora gastronómica de alta cocina, ha sido editora colaboradora de la revista Travel+Leisure, contribuye con regularidad a Food & Wine y Saveur y ha escrito para The New Yorker, Departures y Los Angeles Times.​
Sus libros incluyen:
Jirbet et-Tannur

Jirbet et-Tannur (en árabe خربة التنور) es un antiguo templo de un santuario nabateo situado en lo alto de la colina de Yebel Tannur en el Uadi Hasa, a unos 70 km al norte de Petra, en la actual Jordania.
Sobre la base de la iconografía de las estatuas de culto halladas, el templo parece haber estado dedicado a la diosa de la fertilidad Atargatis y a Zeus-Hadad, o quizás a otros dioses propios con esa forma iconográfica, algo que todavía está en estudio.​
La única inscripción donde se menciona a una deidad referencia al dios edomita Qos, que era el equivalente del dios árabe Quzah, dios de las montañas, lluvias y tormentas, el dios del cielo.​
Khirbet et-Tannur fue excavada en 1937 por el arqueólogo norteamericano Nelson Glueck, entonces director de la American Schools of Oriental Research en Jerusalén y el Departamento de Antigüedades de Jordania.​ No sería hasta 1965 cuando Glueck publicaría el libro Deities and Dolphins como informe final.
Jirbet et Tannur comenzó siendo simplemente un santuario al aire libre nabateo, con un altar en la cima de una colina aislada. En el siglo II a. C. como importante centro de peregrinaje, donde los fieles rendían tributo a sus deidades y celebraban fiestas como el comienzo del año nuevo al comienzo de la primavera, o la cosecha, se expandió el lugar y se construyó un templo religioso similar a los de otras regiones nabateas, y continuó a través de tres fases.
La primera fase del templo se fecha generalmente alrededor de 8-7 a. C. gracias a una inscripción grabada en un pequeño bloque de piedra.​ La fase final fue fechada por Glueck observando las esculturas y las características arquitectónicas del templo y las salas asociadas, hacia alrededor del primer cuarto del siglo II. Un estudio sobre los hallazgos de cerámica, huesos de animales y restos de plantas carbonizadas ha puesto de relieve que hubo enlaces sociales creados mediante la práctica de la consumición de comida y bebida en banquetes rituales. En ellos se preparaba y consumía parte de los animales sacrificados junto con pan, tortas, pasteles y vino.​
Gonzalo Bulnes

Gonzalo Bulnes Pinto (Santiago, 19 de noviembre de 1851-Santiago de Chile, 17 de agosto de 1936) fue un agricultor, historiador, miembro del Partido Liberal y político chileno.
Hijo del presidente de la República Manuel Bulnes Prieto y de Enriqueta Pinto Garmendia, nieto por tanto del presidente Francisco Antonio Pinto y sobrino del presidente Aníbal Pinto. Realizó sus estudios en el Colegio de los Sagrados Corazones de Santiago; el Instituto Nacional y el Colegio Villarino.
En su niñez, relata Gonzalo Bulnes, su padre, consciente de la importancia de Andrés Bello en Chile, le hizo visitar su funeral:​
Tuvo desde siempre predilección por la investigación histórica, realizando un viaje a Europa para completar sus estudios de esta, donde se vio influido por los historiadores Ernest Renan, Phileste y Emile Chasles.
Contrajo matrimonio con Carmela Correa y Sanfuentes, hija de Juan de Dios Correa de Saa y Toro-Zambrano (hijo a su vez de Juan de Dios Correa de Saa y Martínez) y de Carmela Sanfuentes y del Sol, en la Parroquia del Sagrario, el Santiago 15 de julio de 1875. Sus hijos fueron Gonzalo, Francisco, Juan de Dios, Carlos y Luisa Bulnes Correa.
A su regreso a Chile, inició sus trabajos historiográficos, focalizándose en la historia militar de su país. Su obra cumbre es la Guerra del Pacífico, en tres tomos.
Militó en el Partido Liberal. Se desempeñó como primer intendente de Tarapacá (entre el 26 de febrero de 1884 y el 2 de octubre de 1885), fue subsecretario de Guerra en Iquique en 1891, fue embajador extraordinario en Argentina en 1918 y embajador extraordinario en Ecuador.
Llegó a ser diputado por Rancagua en el periodo 1882-1885; por Rancagua, Cachapoal y Maipo entre 1901 y 1903; y senador por Malleco en dos oportunidades (entre 1912 y 1918, y desde 1918 hasta 1924). Fue considerado uno de los parlamentarios más cultos y completos del país.
Según Juan Luis Ossa Santa Cruz:​
Gonzalo Bulnes se dedicó preferentemente a estudiar las guerras del siglo XIX chileno, especialmente desde sus perspectivas diplomáticas, militares y políticas.​ Algunas de las obras están disponibles en el Internet Archive.
Quince, Cabbage, Melon and Cucumber

Still Life with Quince, Cabbage, Melon, and Cucumber, commonly known as Quince, Cabbage, Melon and Cucumber, is a c. 1602 oil on canvas painting by Spanish painter Juan Sánchez Cotán. It is a still life painting of various fruits and vegetables. It is considered to be Cotán's masterpiece, and is on display at the San Diego Museum of Art.
Juan Sánchez Cotán was a wealthy Spanish still life painter, active in Toledo in the early 17th century. His best paintings are considered to be of fruits and vegetables. He later abandoned still lifes for religious figures after joining a Carthusian monastery.
Still Life with Quince, Cabbage, Melon, and Cucumber, commonly known as Quince, Cabbage, Melon and Cucumber, was painted c. 1602. It is an oil on canvas painting. In the painting, the titular food items are displayed on a window ledge, left to right. The quince and cabbage are suspended above the ledge by a thread, which was a common way of preserving food in the 17th century. The ledge is classified as a bodegón.
The painting is notable for its sculpture-like rendering of the food, as well as its illusory perspective; the cabbage and quince seem to be pushed backward from the melon, and the cucumber in front of it. Author Hanneke Grootenboer notes a strong contrast between the detail of the objects and the black background; even without any depth portrayed in the background, the depth can still be felt. Author Norman Bryson notes how the objects seem to be divorced from their purpose as a means of people's nourishment, which is derived from the objects' motionlessness and weightlessness, comparative to other still lifes. The order of the geometric shapes are used in the painting not as a tool to help illustrate the subject, but the geometrical order seems to be "explored for [its] own sake". The separation between the objects and their purpose as nourishment may be intentional, as fasting was practiced by the Carthusians in an attempt to distance the human body from the material world. The black background may add to this idea. As author Siri Hustvedt writes, "This space can't be seen as a reference to any actual space. It is intentionally unreal and abstract, and it [the background] represents not a solid wall but infinity. This is food as sacred gift shining inside a system of precise relations ordained by God". Cotán joined the Carthusians in 1603 or 1604, yet they are still seen as an influence.
In 1818, the exiled former king of Spain, Joseph Bonaparte, sold the painting to the Pennsylvania Academy of Fine Arts. The painting is currently on display at the San Diego Museum of Art. John Marciari, the museum's curator of European art, said the painting is "universally acclaimed" as Cotán's masterpiece. For many years, the painting's purpose and historical background have been debated.
American painter John Clem Clarke did a photorealistic version of the artwork in 1970. In 2006, Israeli photographer Ori Gersht recreated the painting, but replaced the quince with a pomegranate, which was then hit with a bullet to represent violence in Jerusalem.
Still Life with Cake

Still Life with Cake is an early 19th century still life painting by Raphaelle Peale. Done in oil on canvas, the painting is in the collection of the Metropolitan Museum of Art.
The work is on view in the Metropolitan Museum's Gallery 756.
The painting has some similarities with Spanish still life paintings, which Peale may have been inspired by when he visited Mexico. Still Life with Cake as "Still Life—Wine, Cakes, Grapes, &c."
Still Life with a Parrot

Still Life with a Parrot is a 1907 oil painting by the French artist Robert Delaunay (then in his early twenties), today in the collection of the Unterlinden Museum in Colmar, Alsace (inventory number 88.RP.71). A first version of the same motif, but in a more mosaic-like design, nowadays belongs to the Thyssen-Bornemisza Museum in Madrid, Spain. The Colmar painting is a manifestation of the young artist's interest in Michel-Eugène Chevreul's theories on colours, and one of his first experimental works. The painting had belonged to the art dealer Louis Carré (1897–1977) and was bought after his death by the Société Schongauer which administrates the museum since its foundation.
Scriptures (band)

Scriptures is an instrumental collective from Seattle, Washington. The outfit performs ambient, post-rock music with a focus on layered melodies and shifting tones. The band formerly performed under the name This Is a Process of a Still Life.
Formed in the Spring of 2003 as This Is a Process of a Still Life, the group included Jason Ward (bass), David Totten (guitar, keyboards), Scott Kennedy (guitar, keyboards), Baine Craft (percussion), and Jeff Forrest (guitar, keyboards). Other members include Ben Rouner (guitar, keyboards), Grier Phillips (rhodes, organ), Gary Jimmerson (percussion, melodica), Burke Jam (guitar, samples), and Bob Martin (percussion). During the fall of 2003, the unit began recording their first album in Portland, Oregon. Their follow-up record, Light, was recorded in 2005 in Missoula, Montana.
In 2006 the group relocated to Seattle Washington In 2009, the band has officially changed their name to Scriptures.
The band has toured the West Coast of the United States extensively and has shared stages with several notable acts including Xiu Xiu, Maserati, Tara Jane O'Neil (Papa M, The Sonora Pine, Retsin, Rodan), Cex, The Drift, Early Day Miners, Nice Nice, Earth, Cloud Cult, Pontiak, Pallbearer, and Bell Witch.
as This Is A Process Of A Still Life:
as Scriptures:
1602

1602 (MDCII) was a common year starting on Tuesday of the Gregorian calendar and a common year starting on Friday of the Julian calendar, the 1602nd year of the Common Era (CE) and Anno Domini (AD) designations, the 602nd year of the 2nd millennium, the 2nd year of the 17th century, and the 3rd year of the 1600s decade. As of the start of 1602, the Gregorian calendar was 10 days ahead of the Julian calendar, which remained in localized use until 1923.
ارشد خان

ارشد خان (پیدائش: 22 مارچ 1971ء پشاور، صوبہ سرحد، اب کے پی کے) ایک پاکستانی کرکٹ کوچ اور سابق کرکٹ کھلاڑی ہیں جو پاکستان خواتین کرکٹ ٹیم کے موجودہ کوچ بھی ہیں۔ وہ دائیں ہاتھ کے بلے باز اور دائیں ہاتھ سے آف بریک بولر تھے۔ انھوں نے پاکستان کی طرف سے 9 ٹیسٹ اور 58 ون ڈے میچوں میں اپنے جوہر دکھائے پاکستان کے علاوہ الائیڈ بینک، آئی سی ایل پاکستان الیون،اسلام آباد،لاہور بادشاہ، پاکستان ریلویز ، پشاور اور کوئٹہ کیخلاف بھی کرکٹ کھیلی۔ ارشد خان سب سے پہلے 1997-98ء کے سیزن کے دوران ویسٹ انڈیز کے خلاف کھیلنے کے لیے منتخب کیا گیا تھا اور اگلے سال، سری لنکا کے خلاف ڈھاکہ میں ایشین ٹیسٹ چیمپئن شپ جیتنے والی ٹیم کا حصہ تھا۔ انھوں نے 1998ء کے کامن ویلتھ گیمز کوالالمپور میں پاکستان کی کپتانی کی۔ وہ 2001ء تک پاکستانی ٹیم میں باقاعدہ شامل تھے
چار سال بعد، پاکستانی ڈومیسٹک چیمپئن شپ میں مضبوط کارکردگی کا مطلب یہ تھا کہ ارشد کو پاکستان کے 2005ء کے ہندوستان کے دورے کے لیے واپس بلا لیا گیا۔ اس نے قابل اعتماد کارکردگی کا مظاہرہ کیا، خاص طور پر بنگلور ٹیسٹ میں، جسے پاکستان نے سیریز ڈرا کرنے کے لیے آخری سیشن میں جیتا تھا۔ اس نے مئی 2005ء میں کیریبین کا دورہ کیا اور آئندہ انگلینڈ کی سیریز کے لیے اپنی جگہ برقرار رکھی
انگلینڈ کے خلاف 2005ء کی ایک روزہ بین الاقوامی سیریز کے دوران، ارشد کو دوسرے اور پانچویں میچوں میں استعمال کیا گیا اور انگلینڈ کے بلے بازوں کو دبانے میں کارگر ثابت ہوا، جس سے وہ بہت کم رنز بنا سکے اور وکٹیں بھی لیں۔ پانچویں میچ کے دوران، اس کی اکانومی صرف 3 رنز فی اوور سے زیادہ تھی – کسی بھی گیند باز، خاص طور پر ایک اسپنر کے لیے بہت اچھی شخصیت۔ 6'4 پر ایک لمبا آدمی"، ارشد کلاسیکی آف اسپنر کے سانچے میں بولنگ کرتے ہوئے، تنگ کرنے والی لائن کو ترجیح دیتے ہوئے کسی بھی بڑی تبدیلی کے لیے۔ 12 نومبر 2020ء کو، انھیں پاکستان خواتین کی قومی کرکٹ ٹیم کا باؤلنگ کوچ مقرر کیا گیا
قانون کی حکمرانی

قانون کی حکمرانی (انگریزی: rule of law) ایک قسم کا ریاستی تصور ہے جو ایک آئینی حکومت پر مبنی ہے ، جس کا قانونی نظام تیار شدہ اور مستقل الوجود ہوتا ہے اور عدلیہ موثر اور کارگر ہوتی ہے۔ قانون کی عملی حالت میں طاقت پر معاشرتی کنٹرول کا استعمال کیا جاتا ہے۔
دنیا کے بڑے بڑے شہروں جیسے کہ لندن، گلاسگو، نیو یارک، میکسیکو شہر، نیروبی، دوبئی اور قطر کی گلیوں اور شاہراوں پر حفاظتی دستوں کے اہلکاروں کی موجودگی بڑھانے کی بجائے ایک مربوط نگراں کار اور زیر گرفت نظام کے ذریعے سے جدید کیمروں کی آنکھوں اور کانوں کا استعمال زیادہ کیا جا رہا ہے، جس سے لوگوں اور خاص طور پر مشتبہ افراد کی نقل و حرکت پر کڑی نظر رکھی جا رہی ہے۔
بھارت کے سپریم کورٹ کے چیف جسٹس این وی رمنا نے اگست 2021ء میں کہا کہ اگر ہم قانون کی حکمرانی کے ذریعہ چلنے والے معاشرے کی شکل میں بنے رہنا چاہتے ہیں تو ہمارے لیے یہ ضروری ہے کہ انتہائی اعلیٰ درجے کے لوگوں اور سب سے کمزور طبقہ کے درمیان انصاف کی پہنچ کے فرق کو کم کیا جائے۔ یہی کوشش میں کے پس ماندہ طبقات اور دلتوں کے لیے کام کرنے والے سماجی کارکنوں نے ملک کی آزادی سے قبل ہی شروع کر دی تھی اور مساوات کی یہ لڑائی کئی دیگر ممالک میں بھی جاری ہے۔
سیدہ غلام فاطمہ

سیدہ غلام فاطمہ ایک پاکستانی انسانی اور مزدوروں کے حقوق کی کارکن ہیں، جو اینٹوں کے بھٹوں میں بندھوا مزدوری کے خاتمے کے لیے اپنے کام کے لیے جانی جاتی ہیں اور لاہور میں قائم بانڈڈ لیبر لبریشن فرنٹ پاکستان (بی ایل ایل ایف) کی جنرل سیکرٹری ہیں۔ فاطمہ نے پنجاب یونیورسٹی سے پولیٹیکل سائنس میں ماسٹرز کی ڈگری حاصل کی۔ اور وہ مزدوروں کے حقوق اور پاکستانی اینٹوں کے کارخانوں، بھٹوں میں بندھوا مزدوری کے خلاف مہم چلاتی رہی ہیں۔ ان کی ان سرگرمی کی وجہ سے انھیں نہ صرف سنگین نتائج کی دھمکیوں کا سامنا کرنا پڑا بلکہ ان پر حملہ بھی کیا گیا ہے جس میں وہ زخمی ہوئیں۔ اپنی تنظیم، بانڈڈ لیبر لبریشن فرنٹ کے ذریعے، فاطمہ نے آزادی کے مراکز قائم کیے جہاں کارکن تحفظ اور قانونی مشاورت کے لیے ان کی بلامعاوضہ مدد حاصل کر سکتے ہیں۔ وہ بانڈڈ لیبر لبریشن فرنٹ پاکستان کی منتخب جنرل سیکرٹری ہیں۔ اور اپنے شوہر کے ساتھ، فاطمہ لاہور کے ایک اسٹور فرنٹ سے اس تنظیم کو چلاتی ہیں۔ مارچ 2016ء میں فاطمہ ارورہ پرائز فار اویکننگ ہیومینٹی کے لیے نامزد کیے گئے چار افراد کی حتمی فہرست میں سے ایک تھیں یہ ایوارڈ آرمینیائی نسل کشی کی یاد میں انسان دوست لوگوں کو دیا جاتا ہے
اگست 2015ء میں، فاطمہ اور بانڈڈ لیبر لبریشن فرنٹ کو بین الاقوامی توجہ حاصل ہوئی جب وہ مقبول انٹرنیٹ فوٹو جرنلزم کے فیس بک پیج، ہیومنز آف نیویارک کے ذریعے 7 حصوں پر مشتمل سیریز میں نمایاں ہوئے۔ (نیویارک کا فوٹو بلاک) ان کی زندگی اور انسانی حقوق کے لیے خاص طور پر بندھوا مزدوروں کے لیے کام پر 7 تصاویر شائع کی گئیں۔ اس کے ساتھ ایچ بی او پر نشر ہونے والی 2014ء کی ایمی ایوارڈ یافتہ دستاویزی فلم کی آفیشل یوٹیوب ویڈیو بھی شیئر کی گئی تھی، جو ایوارڈ یافتہ صحافی فضیلت اسلم کی کاوشوں کا مظہر تھی۔ فیس بک پیج کی طرف سے اپیل کے نتیجے میں، بانڈڈ لیبر لبریشن فرنٹ کے لیے کئی دنوں میں $2,300,000 امریکن ڈالر جمع کیے گئے۔
اپنی زندگی کے 38 سالوں سے وہ بندھوا مزدوروں کی آزادی کے حقوق کے لیے خدمات انجام دے رہی ہے جس کا آغاز خواتین سے بندھوا مزدوروں کے ساتھ عمومی بات چیت سے ہوا۔ وہ اکثر اپنی سہیلیوں اور ٹیچر کے ساتھ جاتی تھی ان پر تشدد کیا گیا تھا یہاں تک کہ ان کی ایک ٹیچر کو پابند سلاسل کرکے بے دردی سے مارا گیا تھا جس کے بعد اس کی سہیلیاں خوفزدہ ہوگئیں اور انھوں نے سیدہ غلام فاطمہ کے ساتھ آنا بند کر دیں لیکن اسے روکنے کے لیے کوئی بھی حربہ کارگر نہیں ہوا کیونکہ وہ ایک پرعزم خاتون ہے۔ اس نے غلامی کے خلاف جدوجہد کا آغاز مزدوروں کی بیداری کے لیے تعلیم کے ذریعے کیا اور انھیں خواتین کے لیے 6 بیت الخلاء اور مردوں کے لیے 4 پانی کے نلکوں کی سہولت فراہم کی کیونکہ اس سے قبل مزدوروں کے لیے ایسی کوئی سہولت نہیں تھی وہ کئی پروگرام کرتی ہیں جن میں عالمی یوم مزدور پر ریلیاں اور خواتین مزدوروں کے لیے سیمینار بھی شامل ہیں جہاں تقریباً 300 افراد شریک ہوتے ہیں۔ خواتین کو متبادل ہنر فراہم کرنے کے ساتھ ساتھ سپریم کورٹ میں بھی اپیل کی گئی جس کے بعد 1992ء میں جبری مشقت کے خلاف قانون متعارف کرایا گیا اور اسی جدوجہد کے نتیجے میں جبری مشقت سے متعلق 1995ء میں قومی قوانین بنائے گئے۔
دھات

کیمیا میں، دھات یا فِلز (Metal) ایسے عناصر کو کہاجاتا ہے جو آسانی سے برقیوں کو کھو کر مثاین اور دوسرے دھاتی جوہروں کے ساتھ دھاتی بند بناتے ہیں۔
دھات کاری

دھات کاری مادی سائنس کا وہ اقلیم ہے، جس میں کسی بھی دھاتی عنصر، مرکب، ترکیب یا آمیزہ کا کیمیائی و طبیعیاتی تجزیہ کیا جاتا ہے۔ دھات کاری کو عرف عام میں دھات کی فنیات یا صنعتیات بھی کہا جاتا ہے، یعنی ان طریقوں کا جائزہ جن کے تحت دھاتوں کے خالص سائنسی علم سے عملی زندگی میں استفادہ کیا جا سکتا ہے۔ دھات کاری کا عام استعمال دھاتی صنعت اور دھات سے متعلق دستی کاموں میں دیکھا جا سکتا ہے جیسے کہ دھات کاری سے منسلک عملی افراد سنار، لوہار وغیرہ کہلاتے ہیں۔
دھات تراش مشین

دھات تراش مشین یا میٹل لیتھ ایک اوزار ہے جو سخت مواد کے حصوں کو درست موڑنے کے لیے استعمال کیا جاتا ہے۔ اگرچہ یہ مشین سب سے پہلے دھاتوں کو کاٹنے کے لیے بنائی گئی تھی، لیکن یہ پلاسٹک اور دیگر مواد کو کاٹنے کے لیے بھی استعمال ہوتی ہے۔ اس اوزار کی بنیاد یہ ہے کہ ٹکڑے کو گھومنے والے کلیمپ میں رکھا جاتا ہے اور کاٹنے کا آلہ لکیری طور پر حرکت کر سکتا ہے۔ یہ اوزار ایک ورک پیس کو اُس کے گردش کے محور کے گرد گھُماتا ہے تاکہ اُس پر کٹنگ، رگڑائی، نرلن، ڈرلنگ، ڈیفارمیشن، فیسنگ اور موڑنے جیسے عمل کیے جا سکیں۔
دھاتوں کا حصول

زمیں کے جس علاقے میں معدنیات پائی جاتی ہیں اسے کان (mines) کہتے ہیں جس سے کچ دھات (ores) حاصل کی جاتی ہے اور پھر اس سے خالص دھات بنائی جاتی ہے۔ یہ عمل extractive metallurgy یا smelting کہلاتا ہے سارے عناصر کو دو بڑے گروہوں میں تقسیم کیا جاتا ہے۔
زیادہ تر دھاتیں بہت عامل (reactive) ہوتی ہیں اور اسی وجہ سے زمین کی بیرونی پرت میں آزاد حالت میں نہیں ملتیں بلکہ کسی دوسرے عنصر (element) یا کئی عناصر کے ساتھ مرکب (کمپاونڈ) حالت میں ملتی ہیں۔ صرف سونا اور پلاٹینم آزاد حالت میں ملتے ہیں اور وہ بھی بہت ہی کم۔ شاذ و نادر چاندی، تانبا، پارہ اور بسمتھ بھی آزاد حالت میں مل جاتے ہیں کیونکہ یہ دھاتیں کیمیائی اعتبار سے بہت کم عامل ہوتی ہیں۔ سطح زمین کے نزدیک ایلومینیئم سب سے زیادہ پایا جاتا ہے (چکنی مٹی کی شکل میں)۔ ایک عرصہ تک کچ دھات سے اس کا حاصل کرنا بہت مشکل تھا اور اس وجہ سے یہ سونے سے بھی زیادہ مہنگا ہوا کرتا تھا۔ مگر جدید طریقے ایجاد ہونے کی وجہ سے اب یہ بہت سستا ہو چکا ہے۔ ایلومینیئم کے بعد جو دھات سب سے زیادہ ملتی ہے وہ ہے لوہا۔ اس کے بعد بالترتیب کیلشیئم، سوڈیئم، پوٹاشیئم، میگنیشیئم اور ٹائیٹینیئم پائے جاتے ہیں۔
مختلف طریقے جن کی مدد سے کچ دھاتوں (ores) سے دھاتیں نکالی جاتی ہیں اور انھیں خالص بنایا جاتا ہے دھات کاری کہلاتے ہیں۔
وہ قدرتی مٹی پتھر جن میں دھاتیں یا ان کے مرکبات موجود ہوں معدنیات کہلاتے ہیں۔
ایسی معدنیات جن میں سے دھات منافع بخش طریقے سے نکالی جا سکے کچ دھات کہلاتی ہیں۔ اگر کسی لوہے کی کان میں لوہے کی مقدار %20 سے کم ہے تو وہاں کان کنی بیکار سمجھی جاتی ہے کیونکہ اس میں منافع کا امکان نہیں ہے۔ لیکن اگر کسی کان میں سونے کی مقدار صرف %0.0001 بھی ہو تو کان کنی منافع بخش سمجھی جاتی ہے۔
بیکار دھول مٹی پتھر اور چٹانی اجزا جو کچ دھات میں ملے ہوتے ہیں الگ کر کے پھینک دیے جاتے ہیں۔ انھیں matrix بھی کہتے ہیں۔
عام طور پر دھاتیں آکسائیڈ، سلفائیڈ، کاربونیٹ اور ہیلائیڈ کے مرکبات کی شکل میں پائی جاتی ہیں۔
جو دھاتیں کاربونیٹ کی حالت میں پائی جاتی ہیں انھیں اس عمل سے گزار کر آکسائیڈ میں تبدیل کر دیا جاتا ہے۔ یہ عمل ہوا کی عدم موجودگی میں کیا جاتا ہے تا کہ ہوا کی آکسیجن دھات سے تعامل نہ کر سکے۔ اس لیے کچ دھات کو بند برتن میں یا بند جگہ پر گرم کیا جاتا ہے اور درجہ حرارت اتنا نہیں ہوتا کہ کچ دھات پگھل جائے۔
جو دھاتین سلفائیڈ مرکبات کی حالت میں ہوتی ہین انھیں اس عمل سے گزار کر آکسائید میں تبدیل کر دیا جاتا ہے۔ اس عمل میں گرم کچ دھات میں سے ہوا گزاری جاتی ہے تاکہ سلفائیڈ کی گندھک سلفر ڈائی آکسائیڈ میں تبدیل ہو کر اُڑ جائے۔ کچھ دوسری کثافتیں بھی اسی طرح بخارات بن کر اُڑ جاتی ہیں۔
پارے کی سلفائیڈ کچ دھات (HgS) سندور (cinnabar) کو جب ہوا کی موجودگی میں 300 ڈگری سنٹی گریڈ تک گرم کرتے ہیں تو پہلے تو وہ آکسائیڈ میں تبدیل ہو جاتی ہے اور پھر گرمی پا کر اس مرکری آکسائیڈ (HgO) سے آکسیجن (O2) خود بخود الگ ہو جاتی ہے اور پارہ زہریلے بخارات کی شکل میں نکلتا ہے جسے ٹھنڈا کرنے پر دھاتی پارہ مائع شکل میں حاصل ہو جاتا ہے۔
آکسائیڈ مرکبات میں سے آکسیجن نکال باہر کرنا تاکہ صرف دھات باقی رہے تخفیف (reduction) کہلاتا ہے۔ یہ عمل تین طرح ممکن ہے۔ یہ تینوں عمل ہوا کی غیر موجودگی میں کیے جاتے ہیں تا کہ ہوا کی آکسیجن دھات سے تعامل نہ کر سکے۔
تانبا

سانچہ:Infobox copper
تانبا ایک سرخی مائل نارنجی رنگ کی دھات (عنصر) ہے جس کا جوہری عدد 29 ہے اور جسے کیمیا میں Cu لکھا جاتا ہے۔ تانبا ایک نرم دھات ہے جس سے باآسانی تار اور ورق بنائے جا سکتے ہیں۔ اس دھات سے بجلی اور حرارت بڑی آسانی سے گذر سکتی ہے اس لیے اسے بجلی کے تار اور دیگ بنانے میں بڑی کثرت سے استعمال کیا جاتا ہے۔
بہت ہی کم مقدار میں تانبا آزاد حالت میں ملتا ہے۔ بیشتر تانبا مرکب حالت میں پایا جاتا ہے۔ اندازوں کے مطابق انسان دس ہزار سال پہلے قدرتی تانبے کو استعمال کرنے لگا تھا۔ تقریباً سات ہزار سال قبل انسان اس قابل ہو چکا تھا کہ مرکب حالت میں ملنے والی کچ دھات سے تانبا نکال کر استعمال میں لائے۔ لگ بھگ ساڑھے پانچ ہزار سال قبل انسان نے تابنے اور قلعی کو ملا کر کانسی بنانے کا فن سیکھ لیا جس سے کارآمد اوزار بنانا ممکن ہو گیا کیونکہ کانسی تانبے سے کافی زیادہ سخت ہوتی ہے۔
رومیوں کے زمانے میں تانبے کی کان کنی قبرص میں کی جاتی تھی جہاں ہرے رنگ کے پتھر (Malachite) کی بہت بڑی کان تھی۔ کئی ایسے پتھروں میں بھی تانبا پایا جاتا ہے جن کا رنگ ہرا نہیں ہوتا۔
تانبا ایک بہترین تار پزیر دھات ہے مگر بسمتھ (bismuth) بالکل تار پزیر نہیں ہے۔ اگر تانبے میں صرف 0.005 فیصد بسمُتھ موجود ہو تو تانبے کی تارپذیری بہت ہی کم ہو جاتی ہے۔