davidanugraha/M4-RAG huggingface dataset:
Ali Muhammad Khan Mosque

Ali Muhammad Khan Mosque, also referred to as Wali Muhammad Mosque, or Masjid Wali Muhammad, is a historic mosque in Multan, Punjab, Pakistan, that is currently under administration of the Auqaf Department.
Ali Muhammad Khan Mosque was erected in 1753 (1171 Hijri) in the midst of Chowk Bazaar by the then-Multan Governor, Nawab Ali Mohammad Khan Khakwani, during Mughal emperor Alamgir II's reign.
In the era of Sikh governance, the Sikh governor would hold court at the mosque's main entrance, with the Guru Granth Sahib housed in the primary prayer hall.
Following their ascension to power in the subcontinent, the British rulers returned the mosque to the Muslim community during the 19th century. The mosque had been under the management of the Awan family's hereditary custodians for an extended period before the Auqaf Department assumed control in 1960.
Ali Muhammad Khan Mosque's complex features a small three-bay mosque at one end of a large courtyard, with a significantly larger gatehouse facing it from the opposite side. Both structures are adorned in the late Mughal style with Shah-Jahani cusped arches and floral wall designs. The mosque entrances have shallow muqarnas vaulting. Multan's characteristic blue glazed tiles are sparingly used, primarily on the spandrels of the arches and columns dividing the bays.
The mosque has a Kashigari-style interior design, a large prayer hall, a pool for performing ablutions and bathing, and two resting rooms for worshippers.
Replacement banknote

A replacement banknote, commonly referred to as a star note, is a banknote that is printed to replace a faulty one and is used as a control mechanism for governments or monetary authorities to know the exact number of banknotes being printed. Also, since no two serial numbers can be the same, the bill is simply reprinted with a symbol in the serial number, identifying it as a replacement for an error note. Replacement bills have different symbols to mark the error around the world, although the most popular examples are "star notes".
As quality control finds defective notes in the printing process after the serial number has been overprinted, they are taken out with their serial number written down and replaced with another banknote printed specifically for this purpose, so that the number of banknotes being printed stays the same in each production batch. This saves time and money compared to re-printing exactly the same serial number that was used before. It is rare that the replacement banknote has the same serial number as the original faulty one. A replacement note will have its own serial-numbering system that separates it from the normal numbering system. The star also appears on notes that have a serial number higher than 99,999,999 because the number machines cannot print over eight digits.
In the US, the Bureau of Engraving and Printing inspects currency for printing errors prior to releasing notes into general circulation. When notes are discovered that have been printed incorrectly (such as having the serial numbers upside down, etc.) the misprinted "error notes" are replaced with star notes because no two bills within a certain series can be produced with the same serial number (occasionally errors occur from the BEP, famously the series 2013 B prefix notes). They are used to maintain a correct count of notes in a serial number run. By their nature, star notes are more scarce than notes with standard serial numbers and as such are widely collected by notaphilists. Star notes are highly sought after by collectors and are sold for a price exceeding their face value depending on how low the serial number is.
Different countries may also have their own numbering or marking schemes. There is no guaranteed way to know the rarity of replacement banknotes as they are only introduced to replace defective ones. Some banknote collectors go after these rather unusual banknotes as their specialty. Both paper and polymer replacement notes exist as this control mechanism.
List of circulating currencies

There are 180 currencies recognized as legal tender in United Nations (UN) member states, UN General Assembly non-member observer states, partially recognized or unrecognized states, and their dependencies. However, excluding the pegged (fixed exchange rate) currencies, there are only 130 currencies that are independent or pegged to a currency basket.
A currency is a kind of money and medium of exchange. Currency includes paper, cotton, or polymer banknotes and metal coins. States generally have a monopoly on the issuing of currency, although some states share currencies with other states. For the purposes of this list, only currencies that are legal tender, including those used in actual commerce or issued for commemorative purposes, are considered "circulating currencies". This includes fractional units that have no physical form but are recognized by the issuing state, such as the United States mill, the Egyptian millieme, and the Japanese rin. Currencies used by non-state entities, like the Sovereign Military Order of Malta, scrips used by private entities, and other private, virtual, and alternative currencies are not included on this list.
Dependencies and unrecognized states are listed here only if another currency is used on their territory that is different from the one of the state that administers them or has jurisdiction over them.
Central Bank of Egypt

The Central Bank of Egypt (CBE; Arabic: البنك المركزي المصري) is the central bank and monetary authority of the Arab Republic of Egypt.
Since the trading of gold and silver coins in Egypt and until 1834, there was no one unit of currency to unify the country. In 1834, a decree was realised stating the forging of an Egyptian currency based on the two metals (gold and silver). In accordance with said decree, the minting of a currency in the shape of gold and silver Riyals began. In 1836, the Egyptian pound was first introduced and it became open for public use.
The bank floated the Egyptian pound during the morning of the 13th of November 2016. Financial reserves of the Egyptian pound stood at 2.24 trillion in December 2024.
Its functions include
Following is a list of the Governors of the Central Bank of Egypt:
Egyptian piastre

The piastre (Egyptian: ersh, قرش) was the currency of Egypt until 1834. It was subdivided into 40 para, each of 3 akçe.
The piastre was based on the Turkish kuruş, introduced while Egypt was part of the Ottoman Empire. As in Turkey, debasement lead to the piastre falling significantly in value.
In 1834, the pound, or gineih (Arabic), was introduced as the chief unit of currency, worth 100 piastre. The piastre continues in use to the present day as a subdivision of the pound. The piastre continued to circulate, with the piastre subdivided into 40 para. In 1885, the para ceased to be issued, and the piastre was divided into tenths (عشر القرش 'oshr el-ersh). These tenths were renamed milliemes (malleem) in 1916.
In the early 19th century, billon coins in denominations of 1 akçe, 1, 5, 10 and 20 para, and 1 qirsh were in circulation, along with gold coins denominated as ¼, ½, 1, 2 and 3 mahbub.
Egyptian House, Penzance

The Egyptian House is a grade I listed building in the Cornish town of Penzance. It is built in the style of Egyptian Revival architecture and has been in the ownership of the Landmark Trust since the 1970s. The current building dates from 1835 to 1836.
The building is at 6–7 Chapel Street, Penzance. An older building on the site was owned by Richard Hitchens of Madron and later, John Fleming, (described as Perukemaker). The site or building was put up for auction on 3 April 1835 by James Tregarthen, a master mariner of St Mary's, Isles of Scilly and was purchased by John Lavin, a mineralogist of Penzance.
There is some dispute over the architect and the date of build. George Clement Boase (1890) writes that the Egyptian Hall was built by John Lavin, and a deed of 1850 states that he occupied 6–7 Chapel Street and ″... some time since erected and built by him.″ In Reminiscences of Penzance (1883) the house was built in about 1839, ″.... which was built in imitation of the Egyptian Hall, Piccadilly, London .... Laws (1974) writes that John Foulston of Plymouth may be the architect. Foulston designed the Classical and Mathematical School, Ker Street, Devonport in 1823 which the Penzance building closely resembles. There is an assertion that the Chapel Street building is an exact copy of Peter Robinson's 1811–12 museum in Piccadilly, London, which is not correct. Although an 1883 account (see above) states that it was an ″imitation″. Robinson rebuilt Trelissick the seat of Thomas Daniell in 1824–25.
In his Guide to Penzance, published in 1845, J S Courtney describes the building as ".... the astonishing gaudy and eccentric Egyptian House recently built by John Lavin, mineralogist and Egyptologist". Mineral collectors visited the building to see and purchase from Mr Lavin's collection. His son, Edwin Lavin, in about 1865, sold the collection for £3000 to Baroness Burdett Coutts who donated it to the University Museum, Oxford. In 1878 and 1879, the property is described as ″The Library″ in weekly advertisements in The Cornishman newspaper, and states that Mrs Daves stocks ″a large and complete stock of berlin and other wools, stationery, useful and ornamental articles″. Mrs Daves moved her business to nearby Queen Square in March 1882.
The building was later neglected and was repainted "brightly but inexpertly" by Norman Shipton in 1960. In 1973, it was acquired by the Landmark Trust and scaffolding, which had been erected for several years, was removed to reveal a refurbished building and a new exterior colour scheme of brown and creams. The architect Paul Pearn of Plymouth concluded that these were the original colours after stripping layers of paint from the elaborate mouldings which were mainly of coade stone. The building continues to be managed by the Landmark Trust, with two shops on the ground floor and holiday accommodation on the upper floors.
Media related to Egyptian House, Penzance at Wikimedia Commons
Cultural tourism in Egypt

Egypt has a thriving cultural tourism industry, built on the country's complex history, multicultural population and importance as a regional centre.
Egypt's cultural tourism trade has fluctuated since the 19th century, increasing in popularity alongside the rise of Egyptology as an academic and amateur pursuit. Successive Egyptian governments have placed great emphasis on the value of cultural tourism, "confident that no other countries could actually compete in this area".
Tourists from South Asia and East Asia, in particular, have been identified as responding well to marketing campaigns that focus on Egyptian cultural tourism. Tourism Bureau representatives have announced plans to increase marketing spending on those regions.
Signature Travel Network writer and Huffington Post columnist Jean Newman Glock notes that Egypt's cultural tourism trade is worth $10 to every $1 spent by tourists whose travel focuses on Egypt's Red Sea resorts. As a result, she says, "Egypt is hoping those interested in exploring their antiquities will return, in great numbers, soon."
According to the Huffington Post's Deborah Lehr;
According to industry representatives, the government, "recently [2014] announced a master plan to attract 25 million tourists by 2020". The plan includes dedicated online and traditional marketing strategies focused on assuring prospective tourists that cultural tourism centres are safe following the Arab Spring and Egyptian Revolution of 2011.
In 2015, a conglomeration which includes the Egyptian Government signed an agreement with French company Prism to create a sound and light show encompassing the Giza Necropolis pyramids and the nearby Great Sphinx of Giza. The pyramids served as the site of the first African son et lumière in 1961.
Ministry of Tourism (Egypt)

The Ministry of Tourism of Egypt was a part of the Cabinet of Egypt and was responsible for tourism in Egypt. On 14 January 2018, Rania Al-Mashat was appointed Minister of Tourism until December 2019. The Ministry of Tourism then merged with the Ministry of Antiquities with The Minister of Antiquities, Khaled al-Anani becoming the minister of the merged ministry: Ministry of Tourism and Antiquities.
The actual minister of Tourism and Antiquities is Sherif Fathy, from 05 July 2024.
Tourism is one of the most important sectors in Egypt's economy. More than 12.8 million tourists visited Egypt in 2008, providing revenues of nearly $11 billion. In 2009, the sector employed about 12 percent of Egypt's workforce.
In 2016, the minister of tourism expressed his concern and optimism about tourists returning to Egypt, despite the downing of a Russian flight in 2015. The minister has said "we are all in this together," referring to terrorism that hurts a country's tourism industry.
In 2018, the UAE Minister of Happiness met with the Egyptian Minister of Tourism to discuss the philosophy of making tourists happy.
In May 2018, the last chariot belonging to King Tut was escorted with a parade to the Grand Egyptian Museum (GEM). It is hoped that the investment in this new museum will stimulate more tourism to Egypt.
Before 2018, the promotion campaign was called This is Egypt. In September 2018, Egypt went with a local advertising company called Synergy Advertising for their tourism promotion.
Ministry of Tourism and Antiquities (Egypt)

The Ministry of Tourism and Antiquities (Arabic: وزارة السياحة والآثار, romanized: Wizārat al-Siyāḥah wa-al-Āthār) is the Egyptian government organization which serves to protect and preserve the heritage and ancient history of Egypt. In December 2019 it was merged into the Ministry of Tourism with Khaled al-Anani retaining his function. He was replaced by Ahmed Issa as Minister of Tourism and Antiquities in a cabinet reshuffle on 13 August 2022.
It was formed from the Supreme Council of Antiquities in 2011 during the presidency of Hosni Mubarak to deal with the security and theft of Egyptian antiquities.
Grave robbers have been looting ancient Egyptian tombs nearly continuously for well over 4 thousand years. The Ministry of Antiquities works to get the items restored back to Egypt, whenever possible. Over the years, thousands of stolen antiquities have made their way back to Egypt. For instance, in late 2016, the ministry recovered and repatriated two of four Islamic era lamps which had been stolen in 2015. In 2018, a carving in the shape of Osiris which had been hidden in furniture and shipped to Kuwait was repatriated to Egypt's Ministry of Antiquities.
In 2023, the ministry prohibited a group of archaeologists from the National Museum of Antiquities in Leiden, Netherlands from conducting excavations in Saqqara after the museum unveiled an exhibit about ancient Egyptian music that Egyptian authorities criticized for its Afrocentric depictions of certain figures, claiming it was historical negationism.
From 2009 to 2014, the ministry worked with the Getty Conservation Institute on the management and conservation of the tomb of Tutankhamun.
In 2016, the minister, Khaled El-Anany, stated his primary focus would be on solving the budget deficit of the ministry, given that many projects were stalled for lack of funding.
Niños comiendo de una tartera (Murillo)

Niños comiendo de una tartera es un cuadro de Bartolomé Esteban Murillo, pintado al óleo sobre lienzo con unas dimensiones de 123 x 102 cm. Datado entre los años 1670 al 1675, actualmente se conserva en el Alte Pinakothek de Munich.
Murillo fue uno de los primeros pintores europeos en comenzar a representar escenas con niños de protagonistas y a pesar de que hubo artistas como el danés Eberhard Keil, contemporáneo a Murillo y cuyo trabajo lo desarrolló principalmente en Italia, que ya habían pintado algunos lienzos con chiquillos como tema principal, ninguno de ellos sin embargo supo igualar la actitud espontánea y casual que Murillo conseguía imprimir a sus retratos.
La tela pertenece a un grupo de pinturas de género popular y tema infantil pintados por Murillo entre los años 1670 al 1675. Esta temática ya había sido utilizada por el pintor anteriormente con lienzos donde, como en este trabajo, nos mostraba a través de una inocente e intrascendental escena la triste y miserable condición que sufrían los jovencísimos mendigos que pululaban por las calles de Sevilla. Así se puede ver también por ejemplo en su obra Niños comiendo uvas y melón de cerca de 1650 y de parecida factura.
En este lienzo el tema de la infancia es afrontado de una manera más esperanzadora y serena, con optimismo y alegría y aunque de forma muy idealizada, los dos niños son representados con gran verosimilitud y sin intenciones moralizantes.
Lo más probable es que quienes encargaran estas representaciones a Murillo fueran marchantes de la Europa Septentrional donde las pinturas de esta temática eran muy apreciadas. Seguramente por esto, ninguna de estas pinturas infantiles se conservan en museos españoles cuyo gusto en aquella época se decantaba más por temas religiosos.
En el lienzo se ven a dos niños en primer plano que ocupan casi toda la escena. Están sentados, parecen comer de una tartera que hay entre ellos y uno de ellos levanta su brazo en cuya mano sostiene un trozo de comida que se dispone a devorar con glotonería. Su compañero, mientras tanto, lo mira divertido y expectante al igual que el perro, que con gesto atento espera ansioso que caiga alguna sobra. A sus pies se observa también un bodegón de gran realismo.
Murillo en este cuadro hace un uso increíblemente hábil de la iluminación. Una única fuente de luz ilumina toda la escena creando las formas y volúmenes y distribuyendo los espacios con el fin de conseguir un gran realismo en toda la composición.
El naturalismo se enfatiza aún más por la expresividad de sentimientos en los gestos de los niños y del perro, así como en el estudio minucioso y detallado a la hora de plasmar los alimentos, las ropas harapientas o las sucias plantas de los pies del niño en primer término.
Las pinceladas son fluidas y los colores, distribuidos en capas finas, tienden a los pardos terrosos, al grisáceo y al verde, armonizando delicadamente en fusión perfecta con el oscuro fondo constituido por un paisaje sfumato ´
Joven mendigo

Joven mendigo o Niño espulgándose es una obra de Bartolomé Esteban Murillo fechada entre 1645-1650. Se trata de un óleo sobre lienzo que mide 137 cm de alto por 115 de ancho. Se encuentra actualmente en el Museo del Louvre de París, Francia, donde se exhibe con el título de Le Jeune Mendiant. Fue adquirido en 1782 para las colecciones reales de Luis XVI.
El pintor sevillano Murillo es conocido ante todo por su pintura religiosa. Pero, como otros pintores barrocos españoles (José Ribera, Velázquez), también realizó obras realistas. Entre ellas, sobresalen sus escenas infantiles de mendigos y pilluelos​ Se ha apuntado la posibilidad de que esta obra fuera un encargo de mercaderes extranjeros en Sevilla, dado el gusto flamenco por las obras de género que reflejan la vida cotidiana. Igualmente, se ha indicado la posibilidad de que se pintara por influencia de los franciscanos, para quienes Murillo solía trabajar.
La primera de estas representaciones de golfillos urbanos es este Joven mendigo despiojándose. Puede ser un mendigo o un pícaro como el Lazarillo de Tormes (1554) o algunos personajes de las Ejemplares de Cervantes (1613).
Por todo acompañamiento, Murillo pinta un cántaro de barro y un cesto con manzanas. En el suelo, restos de camarones u otros crustáceos. Forman un bodegón por sí mismos. Gracias a ellos, demuestra su gran capacidad para pintar diferenciadamente materiales y texturas.
La escena está iluminada con un fuerte claroscuro propio de la época barroca, de influencia caravagiana. La luz proviene de la ventana que queda a la izquierda e incide plenamente en el cuerpo sentado del chico, dejando en penumbra el resto de la estancia.
La composición, típicamente barroca, está dominada por ejes diagonales.
En la gama cromática prevalecen los colores amarillentos y castaños, desde los más claros hasta los oscuros, casi negros.
Katia Loritz

Margrith Anna Loritz,​ conocida artísticamente como Katia Loritz (San Galo, 4 de noviembre de 1932-Madrid, 16 de agosto de 2015),​​ fue una actriz suiza-alemana afincada en España.
Tras cursar estudios primarios en su ciudad natal, se instala en Múnich, donde estudia Arte Dramático, residiendo después en Roma, donde realizó cursos de Bellas Artes. En 1955 debutaba en el cine italiano en un discreto filme titulado I bambini ci amano.
Se instala en España a mediados de los años 1950 y pronto debuta en el cine español con la película Las manos sucias (1955), de José Antonio de la Loma.
Con su siguiente filme, Las chicas de la Cruz Roja (1958), de Rafael J. Salvia, un aplastante éxito de taquilla alcanzaría una enorme popularidad, que le permite participar en algunos de los títulos más populares del momento, en ocasiones y debido a un físico espectacular y sofisticado, en papeles de femme fatale.
Rueda, entre otras, El día de los enamorados (1959), de Fernando Palacios; El Litri y su sombra (1960), de Rafael Gil; Amor bajo cero (1960), de Ricardo Blasco; Don José, Pepe y Pepito (1961), de Clemente Pamplona; Atraco a las tres (1962), de José María Forqué o Tú y yo somos tres, de Rafael Gil (1964).
En 1965 interrumpe su carrera cinematográfica para dedicarse a los espectáculos musicales y la revista, retirándose finalmente del mundo del espectáculo. Solamente regresaría a la gran pantalla para interpretar un pequeño papel en la película de Pedro Almodóvar ¿Qué he hecho yo para merecer esto? (1984).
Katia Loritz se casó en 1966 con el industrial y empresario malagueño Jorge Pedro Pérez del Pulgar, con quien tuvo una hija, Patricia, aunque el matrimonio acabó naufragando.​
En sus últimos años se dedicó a la pintura de género abstracto, habiendo cosechado importantes éxitos de crítica también en este campo.
Falleció en Madrid, en 2015, víctima de cáncer de pulmón.
Ariadna y Teseo

Ariadna y Teseo es un cuadro del pintor veneciano Niccolò Bambini. La pareja conforma uno de los episodios más representados en las Artes, con múltiples obras de estos personajes, como las obras homónimas de Pietro da Cortona, Jean Baptiste Regnault o Willoughby Vera.
Teseo era el hijo del rey ateniense Egeo y su esposa Etra. Es uno de los héroes principales de los mitos atenienses y, entre otras hazañas, acabó con el hermanastro de Ariadna, el minotauro que habitaba en el laberinto de Dédalo, en Creta. Ariadna era la hija del rey Minos de Creta y ayudó al héroe entregándole un ovillo de hilo con el que marcar la entrada al laberinto para salir posteriormente de él.​
La diosa Atenea, inspiradora del acuerdo, está flanqueada a su derecha por Ariadna, que entrega el ovillo de hilo al héroe ateniense Teseo, a la izquierda de la diosa.​
Escuela de Ferrara

Escuela de Ferrara es el nombre que la historiografía utiliza para designar a una de las escuelas italianas de pintura durante el Renacimiento, cuyo foco fueron los talleres pictóricos de la ciudad de Ferrara, estrechamente vinculados a la casa de Este, que con su mecenazgo concentró la mayor parte de los encargos artísticos desde el siglo XV.
Nicolás III de Este (1393-1441) y sus tres hijos, Leonello (1441-1450), Borso (1450-1471), y Ercole I (1471-1505), expandieron la importancia política y artística de la ciudad, dando trabajo a una creciente población de artesanos. El mecenazgo se acrecentó con Hércules I de Este, y continuó hasta la muerte sin herederos de Alfonso II de Este en 1597, momento en que el ducado de Ferrara fue anexionado por los Estados Pontificios, gracias al apoyo militar de los Habsburgo hispano-austríacos.
Desde finales del siglo XIV hasta 1440 se desarrolló en Ferrara un arte elegante y refinado, pero superficial y afectado, como el que triunfaba en toda Europa, conocido como gótico internacional. Sus últimos representantes en la Italia del norte, Pisanello y Jacopo Bellini, entraron al servicio de los Este en Ferrara en esa década de 1440.
El nuevo estilo renacentista aparece entre Padua y Venecia con la llegada de artistas toscanos, como Andrea del Castagno (1422), Paolo Uccello (1423-31 y 1445), Filippo Lippi (1434) y sobre todo Donatello (1443), cuya estancia por diez años en Padua tuvo repercusión en toda la región. Andrea Mantegna, al comienzo de su carrera en Padua, fue uno de los primeros artistas de la Italia septentrional en expresarse con las convenciones del estilo moderno. Al final de la década de 1450, Ferrara reforzó sus lazos artísticos con Padua acogiendo a Mantegna, así como al flamenco Roger van der Weyden, que realizó en la ciudad una escala de su viaje por Italia. Los pintores ferrareses de la segunda mitad del XV: Cosmè Tura, Francesco del Cossa y Ercole Ferrarese (llamdado también Ercole de' Roberti) encontraron un estilo propio, sin equivalente en los demás focos artísticos italianos. Son característicos sus cuerpos y rostros demacrados y las expresiones extáticas y dolorosas, que extreman los modelos de Bellini o de Mantegna.
Su estilo evolucionará con el tiempo, incorporando influencias de los focos vecinos: Mantua, Venecia, Lombardía, Florencia y sobre todo Bolonia. Los lazos con la escuela boloñesa fueron particularmente estrechos. Muchas de las colecciones locales, como las de la familia Gonzaga, gobernantes de Mantua, se dispersaron con el final de la casa de Este en 1598.
Especialmente a finales del siglo XV, Ferrara fue uno de los principales centros de grabado de toda Italia. Los grabados más famosos fueron las dos series conocidas tradicionalmente como Mantegna Tarocchi, aunque no se pueden atribuir a Mantegna, sino cada una de ellas a algún maestro no identificado.
Melón de Borgoña

La melón de Borgoña o melón, conocida en francés como melon de Bourgogne, es una cepa de uva blanca de origen francés. Es originaria de Borgoña, aunque tiene poca presencia en esta región. En cambio, se la cultiva extensamente en el departamento Loira Atlántico, donde se la conoce como muscadet, y es la base de los vinos de las AOC Muscadet, Muscadet-Sèvre-et-Maine, Muscadet-Côtes-de-Grandlieu y Muscadet-Coteaux-de-la-Loire. Es una cepa medianamente vigorosa, de rendimiento medio. Produce vinos blancos agradables y poco ácidos.
La melón es una cepa borgoñona, pero su cultivo allí ha sido insignificante durante mucho tiempo. Fue introducida en la región del Loira hacia 1635.​
Durante el auge comercial holandés del siglo XVII los holandeses buscaron nuevas fuentes de abastecimiento de vinos. La destrucción de los viñedos renanos y palatinos, tradicionales proveedores del vino consumido en las Provincias Unidas, durante la guerra de los Treinta Años y la guerra de la liga de Augsburgo, los impulsó a proveerse en la costa occidental francesa. Debido a las altas tarifas al comercio establecidas en Ingrandes, los holandeses establecieron río abajo de esta ciudad extensos viñedos destinados a la producción de vinos baratos. Allí dieron preferencia a la cepas melón y gros plant, resistentes al clima atlántico y moderadamente productivas.​
La cepa melón se impuso en el Pays Nantais después del terrible invierno de 1709, que destruyó los viñedos de otras variedades más frágiles.​
En 1999, investigadores de la Universidad de California en Davis descubrieron que la melón es resultado del cruce entre las cepas gouais blanc y la pinot blanc.
En Francia el cultivo de la melón ocupa más de 11000 ha, estando la mayoría ubicadas en el marco de las denominaciones Muscadet. Estos cultivos constituyen el más grande viñedo monovarietal de Europa.​
En Estados Unidos la melón es cultivada en pequeña escala en los estados de Oregón y Washington.​
La cepa melón se distingue por las siguientes características ampelograficas:
Cepa de porte recto, requiere de una poda moderadamente larga puesto que los brotes bajos son poco fértiles. Se adapta bien en terrenos arcillosos-silíceos, ligeramente húmedos y frescos. Es resistente a las heladas y madura tempranamente.​
La melon de Bourgogne también es conocida como auxerrois gros, biaune, blanc de Nantes, bourgogne blanche, bourgogne verde, bourgogne verte, bourguignon blanc, clozier, feher nagyburgundi, feuille ronde, gamay blanc, gamay blanc à feuilles rondes, gamay blanc feullies rondes, game kruglolistnyi, gros auxerrois, gros blanc, grosse saint marie, lyonnais, lyonnaise blanche, malin blanc, mele, melon, meurlon, mourlon, muscadet, perry, petit bourgogne, petit muscadet, petite biaune, petoin, petouin, picarneau, plant de Lons-le-Saulnie, Roussette Basse, Später Weisser Burgunder, and Weisser Burgunder.​
Cristóbal Ramírez

Cristóbal Ramírez (fl. 1616?-1644) fue un pintor barroco español activo en Toledo.
Pintor de un reducido número de obras firmadas en las que se aprecia una calidad no desdeñable, su personalidad es apenas conocida y problemática. Angulo Íñiguez y Pérez Sánchez supusieron que pudiera tratarse del mismo pintor que firmando «Xristofol ramires» se inscribió en 1616 en el Colegio de Pintores de Valencia, del que ninguna otra noticia se tiene y que pudiera ser familiar del célebre iluminador valenciano del mismo nombre, llamado por Felipe II para trabajar en los libros de coro de El Escorial, donde falleció en 1577.
Se trate o no de la misma persona, en abril de 1631 se documenta en Toledo a un pintor de nombre Cristóbal Ramírez, quien debía desde diciembre del año anterior el alquiler de la casa en que habitaba, propiedad del mercader de telas Agustín Tolentino. Diez años después, en septiembre de 1641, Cristóbal Ramírez tasaba como pintor y vecino de Toledo las pinturas dejadas a su muerte por el canónigo Gregorio Barreiro, propietario entre otras de «El Retrato de Toledo de mano de el griego», y en noviembre hará lo propio con las pinturas dejadas por doña Jerónima Tenorio.
Fuera de estas noticias documentales quedan cuatro obras firmadas en las que se acusa la procedencia toledana. En 1638 firmó el Salvador del Museo del Prado, procedente de la colección real, y el Ángel de la guarda, del Museo de Santa Cruz de Toledo, procedente de la iglesia del Salvador, para la que es posible que se pintasen los dos lienzos, firmados con igual grafía, aunque la pérdida de una cifra en el ejemplar del Museo del Prado hizo pensar que estuviese firmado en 1678. Ambas obras se inscriben en la tradición toledana, con recuerdos de Juan Sánchez Cotán, en la noble figura del Salvador, y de Luis Tristán, a cuya escuela estuvo atribuido el segundo, pero con un sentido del color nuevo, que recuerda lo que se hacía en Madrid en las mismas fechas, habiéndose apuntado en este sentido influencias de Alonso Cano, pero también de Bartolomé Román, con quien coincide en temas y en la utilización de estampas como fuente de inspiración.
Una influencia más directa de Sánchez Cotán, pese a lo tardío de la fecha, tienen los dos bodegones de Dumbarton Oaks, fechados en 1644 y firmados, según la información del museo, por Cristóbal Ramírez de Arellano: Naturaleza muerta con racimos de uvas, melón y albaricoques, y Bodegón con cardo, uvas y granadas. Con sus fondos oscuros, el tratamiento naturalista de sus reducidos objetos y los colores cálidos, el pintor busca, ante todo, la perfecta mímesis con los objetos representados por el diferente tratamiento pictórico de sus texturas.
Juegos de niños (Brueghel)

Juegos de niños es una pintura al óleo sobre tabla realizada por el artista del renacimiento flamenco Pieter Brueghel el Viejo, realizada en el año 1560.​ Actualmente, se exhibe en el Museo de Historia del Arte de Viena.
Esta pintura, mencionada por primera vez por Karel van Mander en 1604, fue adquirida en 1594 por el archiduque Ernesto de Austria. Se ha sugerido que esta sería la primera de una serie de pinturas que representan las Edades del Hombre, en la que Juegos de Niños figuraría como la juventud. Si esa era la intención de Brueghel, es poco probable que la serie progresara más allá de esta pintura, ya que no hay menciones contemporáneas o posteriores de pinturas relacionadas.​
Los niños, cuya edad varía entre un rango de bebés que gatean hasta adolescentes, juegan con el aro, caminan con zancos, montan a caballito, simulan torneos, saltan la pídola, atrapan a la gallina ciega, hacen el pino, inflan las vejigas de cerdos y juegan con muñecas y otros juguetes..También se han apoderado del gran edificio que domina la plaza: puede ser un ayuntamiento o algún otro edificio cívico importante, de esta manera enfatizando la moraleja de que los adultos que dirigen los asuntos cívicos son como niños a la vista de Dios. Esta escena atestada de gente se alivia en cierta medida por el paisaje de la esquina superior izquierda; pero incluso allí los niños se bañan en el río y juegan en sus orillas.
La intención del artista para este trabajo es más seria que simplemente compilar una enciclopedia ilustrada de juegos infantiles, aunque se han identificado unos ochenta juegos en concreto. Brueghel muestra a los niños absortos en sus juegos con la seriedad que muestran los adultos en sus actividades aparentemente más importantes. Su moraleja es que en la mente de los juegos de niños de Dios poseen tanta importancia como las actividades de sus padres. Esta idea era familiar en la literatura contemporánea: en un poema flamenco anónimo publicado en Amberes en 1530 por Jan van Doesborch, la humanidad se compara con los niños que están completamente absortos en sus tontos juegos y preocupaciones. Esta idea era un familiar uno en literatura contemporánea: en un poema flamenco anónimo publicado en Amberes en 1530 por Jan van Doesborch, la humanidad es comparada con niños que están completamente absortos en sus juegos tontos y sus preocupaciones se dice que hay más de 250 juegos retratados. ​
Empezando de izquierda inferior, los juegos pueden ser identificados como sigue:
¡A la caza del cuadro!

¡A la caza del cuadro! es una historieta del dibujante de cómics español Francisco Ibáñez perteneciente a la serie de Mortadelo y Filemón.
El profesor Bacterio ha vendido su colección de cuadros. En uno de esos cuadros el superintendente había ocultado un documento top secret, pero ahora no se acuerda en cuál ocultó dicho documento. Mortadelo y Filemón deberán ir a casa de los compradores y buscar en cada cuadro el documento sin que los dueños se enteren. Al final el documento resulta ser una fórmula para preparar pescadilla con sabor a merluza.
Uno de los dueños de cuadros que Mortadelo y Filemón deben investigar es Rompetechos, en su primera interactuación de este personaje con los agentes en un álbum (aunque en El sulfato atómico aparece un Rompetechen que debe ser familiar suyo).
A partir del cuarto episodio la entradilla consiste en Mortadelo causándole involuntariamente problemas a Filemón por culpa de sus disfraces.
Los cuadros que tienen que buscar los agentes tienen títulos absurdos como: “Día nublado con sol a la luz de la luna”, “Sequía en el polo norte”, “Bacilo bizco en un campo de coles” o, "Birria galopante", que se presenta como una coproducción Vázquez-Sanchis, lo cual puede ser una alusión a Sanchis, quien se encargaba en aquella época de coordinar la creación de historietas "apócrifas" de personajes de Vázquez.​
El mismo final en el que recuperan un documento importante pero resulta que es una receta de cocina aparecerá en el tercer largometraje Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo.
Mnemósine (cuadro de Dante Gabriel Rossetti)

Mnemósine (Mnemosyne), también conocida como Lámpara de la memoria (Lamp of Memory) y Ricordanza, es una pintura al óleo obra de Dante Gabriel Rossetti empezada en 1875 o a principios de 1876 y completada en 1881, exhibida actualmente en el Museo de Arte de Delaware.
El magnate naviero Frederick Richards Leyland adquirió la obra a Rossetti en 1881, exponiéndola en su sala de dibujo junto a otras cinco pinturas del artista, a las cuales Leyland denominaba "maravillas". El cuadro fue comprado por William Connal McLean en la venta del patrimonio de Leyland celebrada por la casa de subastas Christie's el 28 de mayo de 1892, cambiando posteriormente de propietario en dos ocasiones en 1908 en la ventas organizadas por dos galerías. La obra fue adquirida en 1916 por el patrimonio de Samuel Bancroft, dueño de una de las colecciones más grandes de arte prerrafaelita fuera del Reino Unido, la cual fue donada en 1935 al Museo de Arte de Delaware.
La pintura fue exhibida por primera vez en Londres en 1883, posteriormente en Glasgow en 1893, y nuevamente en Londres en 1906. Fue posteriormente expuesta en New Haven, Connecticut (1976), y en Richmond, Virginia (1982).
La obra fue concebida inicialmente como un estudio al óleo para Astarte Syriaca, pintura de gran formato completada en 1877, posando Jane Morris como modelo en el invierno de 1875-1876, si bien Rossetti decidió posteriormente convertirlo en Mnemósine, representación griega de la Memoria. El pintor escribió a su madre sobre las dos pinturas el 29 de abril de 1876:
Un mes después, Rossetti consideró la posibilidad de encargar un marco para la pintura y venderla posteriormente a Clarence Fry, quien finalmente declinó la adquisición de la obra, recibiendo el pintor de parte de Leyland 300 libras por el cuadro, si bien el magnate sabía que la pintura era demasiado grande para su sala de dibujo. Rossetti siguió trabajando en la obra en 1879, ajustando el marco en 1880 y entregando la pintura a Leyland en 1881, por lo que este cuadro constituye uno de los últimos lienzos en ser completados por Rossetti.
La pintura, al igual que Beata Beatrix, puede ser interpretada como un memorial dedicado al amor pasado, en este caso a Jane Morris, esposa de William Morris, con quien mantuvo una relación amorosa en la década de 1870. El título, Mnemósine, hace referencia a la diosa de la memoria y madre de las musas, símbolo de la importancia de la relación que Rossetti mantuvo con Morris. Originalmente, la obra iba a ser titulada Ricordanza, denominación arcaica de la palabra "recuerdo" en italiano. Este título resulta apenas visible en la parte superior izquierda de la pintura. Como era costumbre en Rossetti, la inscripción del marco ayuda a reforzar el tema de la obra:
Texto original en inglés:
Texto traducido al español:
Perché non torna più

"Perché non torna più" (English: Why does it not return any more) is an Italian ballad recorded by pop singer Laura Pausini. It is a single from the singers first album Laura Pausini. The song is translated into Spanish under the title ¿Por qué no volverán?, this version being present on Pausini's first Spanish language album, issued in late 1994.
The song is present on Pausini's first compilation album, issued in 1995.
The song was written by Pietro Cremonesi, Federico Cavalli and producer Angelo Valsiglio, and sung by Laura Pausini.
The videoclip of the song was recorded in Italy, possibly on the same beach as the La solitudine videoclip was recorded. Pausini is shown singing in the sand, sometimes the image on the screen are alternated to clips of three young girls playing and giggling (alluding to the fact that the song's lyrics are a tribute to Laura's friends Laura and Simona, who died in a car accident before the album was released.
Caja vallenata

The caja, a Colombian drum similar to a tambora, is one of the three main or traditional instruments of Vallenato music. Caja, the slang word adopted to nickname this drum, means "box" in Spanish. There is also a Caribbean drum called caja, used in the music of Cuba.
African slaves brought by the Spanish colonizers came along with tamboras to what is now northeastern Colombia probably derived from the Congolese makuta drum. Tamboras were first adopted by the Cumbia musical genre and later introduced to Vallenato music. With the advancement of technology new make and models developed the traditional drum into an instrument similar in make to a conga.
Traditional: Elliptic cylinder made out of wood and a cow skin (drumhead) stretched over the top wider opening and tighten with rustic ropes, approximately 30 cm (12 in) of height.
Modern Version: similar in made to a congas drum but shorter in height (approximately 30 cm or 12 in). Made out of the same wood base but no ropes are used to stretch and hold the skin, instead a metal frame bolted to the wooden base is used to hold the animal skin or X-ray photo (radiograph) made skin.
Vallenato has four different rhythms to which the caja adapts to mark the base key: Rubbing and striking with hand palms.
Blind Man's Bluff (Fragonard, 1750)

Blind Man's Bluff (French: Le collin maillard) is a painting by the French Rococo painter Jean-Honoré Fragonard, produced around 1750 in oil on canvas. It is held by the Toledo Museum of Art in Toledo, Ohio, United States, which purchased it with funds from the Libbey Endowment, a gift of the glass manufacturer Edward Libbey who founded the museum in 1901.
The artist also produced another work of the same title some time between 1775 and 1780, which is held in the Samuel H. Kress Collection. Eighteenth-century engravings were produced of both paintings, showing that they may have originally been as much as a foot higher at the top.
The painting is full of deceptions – the girl is looking out from under her blindfold and the game seems to be a pretext leading to seduction; the two figures are in pastoral costume, but may be noble or bourgeois figures playing at being pastoral figures; the background seems to be a wood but could be a stage set. In short, it seems to abolish the boundary between truth and lies, reality and fiction.
The Toledo Museum of Art, where the painting is located, describes the work: "Playfully erotic and sensuously painted, Jean-Honoré Fragonard's scene of youthful flirtation fulfils the eighteenth-century aristocratic French taste for romantic pastoral themes. The figures are beautifully dressed in rustic but improbably clean and fashionable clothes; the woman's shoes even have elegant bows on them."
The painting was a companion piece The See-Saw (1750), currently held by the Thyssen-Bornemisza Museum in Madrid. Both draw heavily on the style of François Boucher, Fragonard's teacher. Boucher's influence can be seen in the framework of luxuriant vegetation, but the careful composition of the scene is Fragonard's own. Blindman's bluff is a metaphor for courtship, while the back-and-forth movement of the see-saw in the companion piece is, perhaps, a metaphor for the sexual act.
Vanitas

Vanitas is a genre of memento mori symbolizing the transience of life, the futility of pleasure, and the certainty of death, and thus the vanity of ambition and all worldly desires. The paintings involved still life imagery of transitory items. The genre began in the 16th century and continued into the 17th century. Vanitas art is a type of allegorical art representing a higher ideal. It was a sub-genre of painting heavily employed by Dutch painters during the Baroque period (c.1585–1730). Spanish painters working at the end of the Spanish Golden Age also created vanitas paintings.
The word vanitas comes from Latin and means vanity. In this context, vanity means pointlessness, or futility, not to be confused with the other definition of vanity. Vanity is referenced in the Hebrew Bible in Ecclesiastes 12:8, "Vanity of Vanities, saith the preacher, all is vanity". In some versions vanity is translated as "meaningless" to avoid the confusion with the other definition of vanity, that being inflated pride in oneself or one's appearance. The message is that human action is temporary and faith is forever. Memento mori is a similar theme which when translated from Latin means, "remember that you will die."
A group of painters in Leiden began to produce vanitas paintings in the beginning of the 16th century and they continued into the 17th century. Vanitas art is an allegorical art representing a higher ideal or containing hidden meanings. Vanitas are very formulaic and they use literary and traditional symbols to convey mortality. Vanitas often have a message that is rooted in religion or the Christian Bible.
In the 17th century, the vanitas genre was popular among Dutch painters. The paintings often have symbolic imagery which attempts to convey the message that all people die, encouraging the viewer to think about the futility of our earthly pursuits. The well-known Spanish vanitas refer to Spain's rulers and the politics of Spain. It was popular to include skulls in vanitas paintings as a symbol of the ephemeral nature of life.
Children Eating Grapes and a Melon

Children Eating Grapes and a Melon is a 1645-1650 oil on canvas painting by Bartolomé Esteban Murillo, now in room XIII of the Alte Pinakothek in Munich. Along with religious works, realistic and naturalistic genre scenes like this form one of the most oft-repeated themes in the artist's oeuvre, often centred on children, as also seen in Children Playing Dice and The Young Beggar.
Almost all of these genre works by Murillo are now in collections outside Spain, perhaps indicating that they were commissioned for some of the many Flemish merchants based in Seville and destined for north European art dealers such as Nicolás de Omazur, an important collector and client of Murillo. This work and Children Playing Dice were both acquired by Maximilian II Emanuel, governor of the Spanish Netherlands in the late 17th and early 18th centuries, and they became the first two works by the artist to enter the Alte Pinakothek, which now also houses the artist's Sleeping Christ Child with Angels, The Young Fruitsellers, St Thomas of Villaneuva Healing a Lame Man, Laughing Shepherd Boy and Nit-Picking.
The painter shows beggars and poverty in Seville, one of the most important and commercial cities in Spain and Portugal, drawing a large number of homeless people, compounded by the ravages of plague and the deep economic and social crisis brought about by the absolute monarchy of the House of Austria. Its profane and everyday interpretation shows Murillo's knowledge of the Italian school and especially Caravaggio's Bacchus.
Children Eating a Tart

Children Eating a Tart is a c. 1670-1675 oil on canvas painting by Bartolomé Esteban Murillo, measuring 123 by 102 cm and now in the Alte Pinakothek in Munich.
Murillo and some of his near-contemporaries like Bernhard Keil (a Dane mainly active in Italy who painted some works centred on children) were the first European painters to produce works centred on children. The work belongs to a group of genre paintings of children produced by Murillo between 1670 and 1675, based - like his earlier works on that theme like Children Eating Grapes and a Melon - on street children in Seville.
Formación Dorotea

La Formación Dorotea es una formación geológica chilena ubicada en el valle del Río de Las Chinas de la Cuenca de Magallanes en la Patagonia, cuyos estratos se remontan desde el Campaniense al Maastrichtiense del Cretácico Superior.​
La formación Dorotea fue descrita por primera vez por Katz en 1963. La formación comprende areniscas con lentes frecuentes de conglomerado, niveles de concreción y arcillas. La formación Dorotea incluye areniscas calcáreas con abundantes invertebrados marinos y fósiles vertebrados fragmentarios. Hervé et al. (2004) obtuvieron una edad radiométrica máxima de 67.4 ± 1.5 Ma a partir de circones detríticos contenidos en areniscas de la formación Dorotea.​
Las lutitas y areniscas de la formación fueron depositadas en un ambiente fluvial. La formación se superpone conforme a la Formación Tres Pasos y de manera discordante con la formación Man Aike, que data entre el Luteciense y el Bartoniense.​ El grosor de la formación varía de 100 metros en la Sierra Baguales por el norte, a 350 metros en la homónima Sierra Dorotea por el sur.​
Los siguientes fósiles se han encontrado en la formación:​
Glaciar O'Higgins

El glaciar O'Higgins, también conocido como Ventisquero Grande, es uno de los cuatro mayores glaciares de la Patagonia. Tiene una superficie de hielo de 820 km²​ y un largo de 45 km,​ desde el volcán Lautaro hasta su frente terminal en el lago O'Higgins. Su ancho es de 3,5 kilómetros y cuenta con paredes que se elevan sobre los 80 metros del espejo del lago. Para visitarlo, desde Villa O'Higgins zarpan embarcaciones durante la época estival.