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Dos niños burlándose de un gato

Dos niños burlándose de un gato (denominado también Dos niños jugando con un gato) es una pintura de Annibale Carracci.​
La obra apareció en el mercado anticuario en 1994 y en esa ocasión fue adquirida por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.
Si bien hoy la atribución del lienzo a Annibale es ampliamente aceptada (ya reconocida por Roberto Longhi), en el pasado hubo atribuciones a Agostino Carracci.
La datación de la obra se basa solo en consideraciones estilísticas: faltan de hecho documentos que atestigüen las circunstancias del encargo y proporcionen así noticias más seguras sobre la fecha de ejecución. En fuerza a tales consideraciones la pintura se adscribe a la fase todavía sustancialmente juvenil de Annibale Carracci, en la que el pintor boloñés demostró mayor interés por la pintura de género. La perceptible matriz veneciana (tintorettesca) sugiere sin embargo una colocación hacia finales de la década de 1580, periodo en que se sabe que Annibale pasó un tiempo en Venecia.​
La pintura muestra a dos niños en plena travesura tramada contra un gato. El chiquillo, de hecho, tiene en la mano un cangrejo cuyas pinzas acerca a la oreja derecha del desafortunado felino, que ya ha asumido una posición defensiva.​
Tanto el niño como la niña están concentrados sobre el acontecimiento y anticipándose al estallido de risa al que se abandonarán (o piensan abandonarse) cuando el cangrejo atrape la oreja.
La composición de Annibale se relaciona con un cuadro de Sofonisba Anguissola, ahora perdido y solo conocido a través de un célebre dibujo preparatorio, llamado Niño mordido por una gamba.​
El mismo dibujo de Anguissola se considera la fuente de inspiración de Caravaggio para su Chico mordido por una lagartija.
Frente a estas otras obras, sin embargo, a pesar de la analogía del tema, Annibale ha elegido un momento diferente del episodio.
Mientras en el dibujo de Sofonisba y en el pintado por Merisi ya se produce la inevitable conclusión del incauto juego y los protagonistas pagan las consecuencias, en el lienzo de Annibale domina un efecto de expectación, de espera al clamor del momento en que el gato será “mordido”.​
Se ha planteado la hipótesis, a pesar de la clave humorística, de que la obra sea una suave advertencia moral (sobre el ejemplo de muchas pinturas de la escuela flamenca derivadas de refranes locales) advirtiendo de las posibles consecuencias – en este caso debido a la reacción imprevisible del gato – de acciones arriesgadas.​
La pintura debió ser particularmente apreciada en la región boloñesa como prueban algunas obras que se considera derivan de la composición de Annibale. Entre estas se incluye un lienzo de Giuseppe Maria Crespi, titulado Niña que juega con un gato y un ratón (1695-1700, Museo Fitzwilliam).​​
Recuentos de la vida

Recuentos de la vida (en inglés: Slice of life) es una frase que describe el uso del realismo mundano que representa las experiencias cotidianas en el arte y el entretenimiento.​
La expresión teatral se refiere a una representación naturalista de la vida real, a veces se usa como adjetivo, como en "un juego con 'la historia de vida' diálogo". El término se originó entre 1890 y 1895 como un calco de la frase francesa tranche de vie, acreditado al dramaturgo francés Jean Jullien (1854-1919).​
Jullien introdujo el término poco después de una puesta en escena de su obra, La Serena, como señaló Wayne S. Turney en su ensayo, "Notas sobre el naturalismo en el teatro":
Durante la década de 1950, la frase tenía uso crítico común en las revisiones de los dramas de televisión en vivo, sobre todo teleplays de James Pinckney Miller, Paddy Chayefsky​ y Reginald Rose.​ En ese momento, a veces se utiliza como sinónimo de la peyorativa "kitchen sink realism" adoptado de películas británicas y teatro.
La expresión literaria se refiere a una técnica narrativa que presenta una muestra aparentemente arbitraria de la vida de un personaje, que a menudo carece de una trama coherente, conflicto, o final.​ La historia puede tener poco progreso de la trama y poco desarrollo de los personajes, y con frecuencia no tiene exposición, conflicto o desenlace, con un final abierto.
En el anime y manga, "recuentos de la vida" es un género que a menudo se asemeja al melodrama adolescente, además de utilizar las técnicas narrativas recuento de la vida.​ Otro rasgo común en los mangas de recuentos de la vida es su énfasis en la estacionalidad o procedimientos.
En las series de animación se suelen utilizar varios enfoques hacia los recuentos de vida. El espacio que rodea a los personajes suele ser una ciudad en los suburbios con modalidades corrientes y acostumbradas al entorno que rodea al espectador, sin incluir tramas sobrenaturales y extraordinarias. Tales ejemplos como Doug, The Casagrandes, Los Vecinos Green, Pig Goat Banana Cricket, Sanjay y Craig, ¡Oye, Arnold!, Daria, King of the Hill, As Told by Ginger, Clarence, Ed, Edd y Eddy, Family Guy, Los Simpson, Bob's Burgers, BoJack Horseman, The Loud House y Mission Hill son animaciones basadas en lo cotidiano de la vida, muchas de ellas tienen un seguimiento lineal y un desarrollo de personajes a lo largo de la serie.
Bodegón del cardo (Sánchez Cotán)

El Bodegón del cardo o Bodegón con cardo y zanahorias es una obra de Juan Sánchez Cotán, actualmente en el Museo de Bellas Artes de Granada,
El grueso de la obra de Sánchez Cotán está formado por pinturas de asunto religioso. Cultivó también la pintura de retrato y el paisaje, pero la mayor parte de su reputación se debe a sus siete bodegones conocidos.​ Por su composición austera y la sobriedad de sus elementos, algunos de estos lienzos han sido interpretados en clave religiosa, aunque en los textos de aquella época nada se dice al respecto.​
La pintura de bodegón tiene sus antecedentes en los grutescos, y en detalles de composiciones mayores de diverso tipo, pero solo devino un género aparte a finales del siglo XVI, en la pintura de caballete. Los bodegones de Sánchez Cotán se sitúan en los orígenes mismos de este género en España.​
El presente bodegón es el más sobrio de los de Sánchez Cotán y —seguramente— de toda la pintura española. El pintor resalta la humildad y el aire ascético de los objetos, que están dispuestos en un solo plano y representados desde un punto de vista ligeramente elevado. Destaca el sutil ritmo de la composición y la plasmación de las texturas, con una sensación casi táctil. Las cinco hortalizas están colocadas en una ventana, intensamente iluminadas desde la izquierda, perfilándose con gran intensidad ante un fondo oscuro. En la sombras que proyectan, aparecen unas tenues tintas carminosas, y unos suaves toques grisáceos, acentuando su corporeidad y relieve. La ventana es de un gris plomizo, que contrasta con la coloración de las hortalizas, y acentúa su riqueza de matiz.​
En la parte derecha de la ventana —apoyado en la jamba— hay un gran cardo, representado con una pincelada fina y alargada, y con un cierto grosor de color, que remarca su duro relieve. El corte del cogollo está hecho con una pincelada más fluida y plana, y reforzando los tonos ocres y terrosos. En la parte central-izquierda se representan cuatro zanahorias cruzadas —dos hacia delante y dos atrás— completando la diagonal que forma el cardo. Están pintadas subrayando sus distintas calidades, con pinceladas finas en forma anillada, dejando una ligeras rebabas que ofrecen una sensación táctil. La de mayor tamaño se destaca en tono más claro, mientras que las que sobresalen del marco tienen delicadas tintas violáceas, y proyectan la sombra de sus extremos sobre el borde de la ventana.​
Bodegón con cacharros (Zurbarán)

Bodegón con cacharros es un óleo sobre lienzo del pintor barroco español Francisco de Zurbarán. Mide 46 centímetros de alto por 84 cm de ancho. Se suele datar hacia del año 1650, si bien no está fechada ni firmada, y se conserva en el Museo del Prado de Madrid (España).​ Otra versión del cuadro, casi idéntica y catalogada también como autógrafa, se exhibe en el MNAC de Barcelona.
Se trata de una sencilla pero ejemplar composición con cuatro objetos de la vajilla tradicional y la luz como únicos protagonistas.​ Tres vasijas muy alfareras y otras tres piezas de metal —una copa trabajada y dos bandejas.​ El pintor, seducido por "la pura técnica pictórica, las texturas y el goce estético",​ los ha colocado sobre una repisa, bien alineados y enmarcados por un fondo neutro. Se considera obra ejemplar entre los pocos bodegones conservados del pintor extremeño, apreciándose la conjunción magistral del crudo realismo y la ternura por las pequeñas cosas cotidianas, que dan como resultado un misticismo rústico y de hermosa solidez.
Bodegón de caza, hortalizas y frutas

El Bodegón de caza, hortalizas y frutas de Juan Sánchez Cotán, a veces conocido como Bodegón del cardo, es por su fecha (1602) una de las primeras naturalezas muertas europeas. Es una pintura ejecutada al óleo sobre lienzo y mide 68 centímetros de alto por 89 cm de ancho.
En este bodegón se representan varios pájaros cazados (serines, jilgueros y gorriones), unas frutas colgando (limones y manzanas) y, al lado derecho, la enorme figura de un cardo. Otras hortalizas se alinean en esta especie de alféizar, ventana o fresquera, marco geométrico del que parecen sobresalir como un trampantojo: tres zanahorias y dos rábanos. El bodegón era un género muy característico del siglo XVII.
Este cuadro se expone en el Museo del Prado de Madrid, a donde llegó por compra gracias a los fondos del Legado Villaescusa (1991) y a los beneficios de la exposición de Velázquez del año anterior.
Perteneció anteriormente al infante don Sebastián Gabriel. En 1835 le fue incautado, junto con el resto de su colección, por haberse adherido a la causa carlista. Tres años más tarde ingresó en el extinto Museo de la Trinidad. Aunque este museo fue absorbido en 1872 por el Prado, el cuadro no pasó a éste, puesto que once años atrás (1861) la colección le había sido devuelta al infante, permaneciendo en poder de sus herederos hasta su compra por el Prado ya a finales del siglo XX.
Destacan en este bodegón el abigarramiento, extraño al pintor ya que solía preferir las composiciones sencillas y de pocos elementos, y el realismo de los elementos representados. Como es usual en los bodegones de Sánchez Cotán, las viandas se sitúan en un marco iluminado contra un fondo absolutamente negro, lo que permite resaltar su volumen y sus texturas. Este bodegón repite elementos presentes en otros ejemplares, como el cardo o las aves, pero tanto su calidad como la perfecta ordenación de los elementos y la sugerencia del espacio lo convierten en una de las obras maestras de su autor, y obra clave del género de la naturaleza muerta del Barroco.
La vendimia

La vendimia o El otoño es un cuadro de Francisco de Goya conservado en el Museo del Prado. Forma parte de la serie de cartones para tapices que representaban las cuatro estaciones del año.
Pertenece a una serie de cartones que Goya pintó para los tapices que irían destinados a decorar las paredes del comedor del Príncipe del palacio de El Pardo en Madrid.​ Formó parte de un conjunto sobre las cuatro estaciones, tema típico del rococó,​ compuesto por Las floreras (primavera), La era (verano), La nevada (invierno), y este de La vendimia (otoño) en que se sirve de las uvas como símbolo de esta estación.
Los cuatro cartones se encuentran en el Museo del Prado. De ellos existen unos pequeños bocetos o modelos previos, igualmente al óleo sobre lienzo, que seguramente Goya presentó para su aprobación antes de pintar las versiones grandes; actualmente estos bocetos se hallan dispersos en varios lugares y el de La vendimia en concreto está en el Instituto de Arte Clark en Williamstown (Massachusetts).
El tapiz de esta escena se colocó en el centro de la pared y a sus lados se colgaron Pastor tocando la dulzaina y Cazador junto a una fuente.
Goya trabajó para la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara desde 1775 hasta 1792. Los tapices se hacían con seda, e hilos de plata y oro, lo que hacía de ellos un objeto caro, asequible sólo para la nobleza.​
Utiliza el recurso del esquema piramidal, muy común y apreciado en el Neoclasicismo.​ El paisaje parece sacado de los campos de La Rioja (España) en que se suceden escenas de recolección como esta, aunque probablemente el lugar donde lo pintó y del que se inspiró realmente fue de la localidad de Piedrahíta (Ávila). El acontecimiento principal se detiene en los personajes que están en primer plano, que, cosa rara en Goya, no son gente del pueblo. En primer término hay un pretil a modo de cercado y sobre él están sentados un caballero y una dama. El caballero ofrece a la mujer un racimo de uvas que ella acepta y el niño que está de espaldas y de pie alza sus brazos como si también quisiera cogerlas. En el vértice del triángulo hay una vendimiadora con un cesto lleno de racimos a la cabeza; está en actitud de espera, por si quieren coger más uvas. La cesta que lleva esta mujer está pintada como un auténtico bodegón, género tradicional en la pintura española.​ Más allá del pretil y en el paisaje de viña puede verse a dos vendimiadores en pleno trabajo y a lo lejos se levanta una abrupta montaña y un cielo con nubes. El colorido es luminoso y hay un predominio de tonos delicados. A pesar de la pincelada rápida de Goya se aprecian estupendamente los cuellos y puños de los trajes, las hebillas, las medias, las fajas, y toda clase de detalles.
Como es propio de los cartones para tapiz, se usan colores planos y vivos, dentro de campos bien delimitados.​
En contraste con el cuadro La nevada, este lienzo ofrece al espectador calma y sosiego. Aquí todo es bello y agradable y los personajes no están pasando calamidades.
La oración antes de la comida

La oración antes de la comida, (en inglés:The prayer before the meal) es una pintura del pintor neerlandés Jan Havicksz Steen. Esta pintura fue vendida en subasta por Sotheby's de Londres el 5 de diciembre de 2012 por £5.641.250 libras esterlinas.
Jan Steen retrató a una familia en oración antes de una modesta comida de pan, queso y jamón. El padre se ha quitado el sombrero, con la mirada baja, mientras la mujer sostiene a su hijo cómodamente en sus brazos. Steen describió la comida y el ambiente con notable cuidado, desde el jamón cortado en el barril hasta la tela suave y andrajosa debajo. La luz de la tarde que entra por la ventana abierta realza la tranquila espiritualidad de la escena. La pintura de Steen refleja el ideal de una familia holandesa piadosa y armoniosa. Incluye un texto bíblico en un cartel en la pared que habla del credo de la familia: amar a Dios Padre, rechazar la codicia de las riquezas y llevar una vida honesta.
Comida para gatos

La comida para gatos está formulada específicamente para cubrir las necesidades nutricionales de los gatos.​ Aunque los gatos son carnívoros obligados, la mayoría de la comida de gatos comercial contiene tanto parte animal como vegetal, con suplementos vitamínicos, minerales y otros nutrientes. Un nutriente importante es el aminoácido que deriva de la taurina, ya que los gatos no pueden sintetizar el compuesto.​​ Los alimentos balanceados son más recomendables, ya que garantizan todos los elementos nutricionales que los gatos necesitan para crecer adecuadamente, mientras que con las comidas hechas en casa es difícil saber si realmente le estas proporcionando todos los nutrientes que el gato necesita. otra ventaja de los alimentos balanceados es que su costo por día es significativamente menos que el de la comida casera. por último, los alimentos balanceados pueden elegirse para adaptarse a las características individuales de cada gato: edad, estilo de vida (gato de interior o de exterior), raza, y otros aspectos especiales.
Existen una gran variedad de marcas que comercializan comida para gatos, como NUTRE CAT, Purina Cat Chow, Eukanuba, Friskies, Whiskas, Royal Canin o Excellent, entre otras.
Tiene una durabilidad mayor al de la comida húmeda. Es un pienso compuesto adaptado a la necesidad del felino. En los diferentes distribuidores se encuentra una amplia gama de variedades, especializadas en gatos según su raza, en gatos esterilizados, en gatas preñadas, gatos obesos, etc.
Existen de diferentes sabores y diversas presentaciones: con textura mousse, copos, paté o bocaditos. Al ser un producto enlatado, su durabilidad es corta, ya que puede secarse con facilidad.
Esta comida es recomendada por un veterinario y es específica para problemas de salud de los gatos, como por ejemplo el fallo renal crónico que necesita de una comida especializada.
Muchos dueños de animales de compañía, como los gatos, optan por alimentar a sus mascotas con comida casera. Esta suele consistir en carne asada, huesos, verduras y suplementos vitamínicos. Muchas personas suelen dar a sus animales la misma comida que ellos se preparan, aunque deben tener en cuenta el riesgo para la salud de sus mascotas, ya que pueden tener falta de vitaminas o por el contrario, exceso de grasas. Es conveniente ir con cuidado a la hora de alimentar a los animales de compañía con comida casera. Siempre es de ayuda consultar con un veterinario.
And yet it moves

"And yet it moves" or "Although it does move" (Italian: E pur si muove or Eppur si muove [epˈpur si ˈmwɔːve]) is a phrase attributed to the Italian mathematician, physicist, and philosopher Galileo Galilei (1564–1642) in 1633 after being forced to recant his claims that the Earth moves around the Sun, rather than the converse. In this context, the implication of the phrase is: despite his recantation, the Inquisition's proclamations to the contrary, or any other conviction or doctrine of men, the Earth does, in fact, move (around the Sun, and not vice versa).
According to Stephen Hawking, some historians believe this episode might have happened upon Galileo's transfer from house arrest under the watch of Archbishop Ascanio Piccolomini to "another home, in the hills above Florence". This other home was also his own, the Villa Il Gioiello, in Arcetri.
The earliest biography of Galileo, written by his disciple Vincenzo Viviani in 1655–1656, does not mention this phrase, and records of his trial do not cite it. Some authors say it would have been imprudent for Galileo to have said such a thing before the Inquisition.
The event was first reported in English print in 1757 by Giuseppe Baretti in his book The Italian Library:
The book became widely published in Querelles Littéraires in 1761.
In 1911, the words E pur si muove were found on a painting which had just been acquired by an art collector, Jules van Belle, of Roeselare, Belgium. This painting is dated 1643 or 1645 (the last digit is partially obscured), within a year or two of Galileo's death. The signature is unclear but van Belle attributed it to the seventeenth century Spanish painter Bartolomé Esteban Murillo. The painting would seem to show that some variant of the Eppur si muove anecdote was in circulation immediately after his death, when many who had known him were still alive to attest to it, and that it had been circulating for over a century before it was published. However, this painting, whose whereabouts is currently unknown, was discovered to be nearly identical to one painted in 1837 by Eugene van Maldeghem, and, basing their opinions on the style, many art experts doubt that the van Belle painting was painted by Murillo, or even that it was painted before the nineteenth century.
United States Supreme Court Justice Antonin Scalia was said to give an "E pur si muove" award to district court judges whose opinions were overturned by appellate courts but later vindicated by the Supreme Court.
James John Hill

James John Hill RBA (1811 – 27 January 1882), known also by his alias J. J. Hill, was an English landscape and portrait painter, known for his many rustic paintings and portraits of Lady Burdett-Coutts.
James John Hill was born sometime in 1811 in Broad Street, Birmingham to Daniel Hill, plater, and Elizabeth Rowlinson, the daughter of a brass founder. He was educated at Hazelwood School, a school founded by the educational reformer Rowland Hill (no relation), and he attended Joseph Barber's art academy in Great Charles Street, at the time being taught by his son Vincent. His fellow pupils included Thomas Creswick, James Tibbits Willmore, Thomas Baker, and Peter Hollins.
Having moved to London in 1839, Hill was elected in 1842 a member of the Society of British Artists. There, he became known as a 'popular contributor' among his fellow artists, showing off his artwork in a number of their exhibitions across the next forty years. He operated primarily in London, painting many portraits of Lady Burdett-Coutts, a Victorian philanthropist, and her many pets. He was allegedly a good friend of hers. His paintings were known to depict mainly girls and boys and their families residing in the countryside, nature being present in almost all of his artwork, and in his later career he moved from painting mainly portraits and people to painting landscapes. Most of his landscape paintings were inspired by his visit to Ireland in 1854. He found less success in painting landscapes than he did scenes of wildlife and people.
In his later life, Hill devoted himself primarily to painting landscapes and had a number of his paintings featured in London newspapers.
He died on 27 January 1882, aged 71, at Sutton House, London, having contracted bronchitis and was buried in a family grave on the west side of Highgate Cemetery.
Hill had five children altogether. His first child – also James John Hill – was born to an unknown mother in 1838, and the other four – Daniel, Emily, Thomas and Alfred – to Harriet Parsons. His eldest son went on to become a marine engineer and had many children of his own. Hill's brother, Daniel Rowlinson Hill, was an architect based in Birmingham, and his cousin was Daniel Rowlinson Ratcliff, a lock and safe manufacturer and also an MP.
Old Trees, Level Distance

Old Trees, Level Distance (Traditional Chinese: 樹色平遠圖; Pinyin: Shù sè píng yuǎn tú) is a Song dynasty handscroll on silk painting by Guo Xi. Completed in 1080, it is also a considered a prominent example of the "Northern Song" style of Chinese landscapes to which this piece has often been studied alongside that of Early Spring, current housed in the National Palace Museum. It has since then been housed by the Metropolitan Museum of Art upon acquisition in 1981.
The handscroll itself measures 104.4 cm, but the overall length with annotations by subsequent collections, many of them Imperial, measured well over 853.8 cm.
Darkened with age, the painting depicts two fishing boats on a chilly autumn, two withered trees with hanging vines, in a wide river valley. Beyond the river in the mountains blurred to depict mist, depicts two woodcutters and a donkey on a trek towards home, fading into the distance.
At the end of the scroll (read from right to left) a rustic pavilion overlooks the river, with two old men walking their way, accompanied by five servant boys attending and setting up a picnic. With a range of lighting, shading and spacing of the scene, the depiction of the fishermen, the woodcutters, and the picnickers are self-contained but are also depicted as part of a whole scene bustling with life.
The old men on the left side of the painting with consultation of the colophons of the paintings has been interpreted to depict a scene from the later end of Guo's life, depicting a farewell from a friend, likely Wen Yanbo, as recorded by poet Su Shi, as described by a commentary by Yen Yaohuan from the 14th century.
Compared with the painting Early Spring, the emphasis of distance, shading and lighting, utilizes dimension and texture are scene in both paintings.
Guo Xi utilizes in his paintings three types of distances: High Distance, a perspective from looking from bottom-up to the mountain, Level Distance, the foreground of the mountain, and Deep Distance, the distance background beyond the mountains.
The painting has gone centuries of ownership and viewership amongst the Imperial dynasties along with prominent artists as indicated by seals and colophons that annotate the original work.
The earliest owner was Emperor Huizong, with his seal the Xuanhe zhongbi (宣和中秘), indicating ownership in the palace libraries, but was subsequently withdrawn. In the subsequent decades, Zhao Mengfu viewed the work during the 13th to 14th century in Yuan-era Beijing (or Dadu). It was also appraised by the court of Tugh Temur, who like Huizong, was a prominent sponsor and appraiser of the arts via the Kuizhangge (Star of the Literature Pavilion).
After a century and a half of private ownership after leaving the Song court, the painting remained in private collections up til acquisition by the Qing Dynasty imperial collections with the seals of Qianlong, Jiaqing, and Xuantong.
After leaving the Qing Court, it was subsequently owned by Zhang Daqian, then subsequently "Gu Luofu", or John M. Crawford Jr. (1913–1988), a trustee of the Metropolitan Museum of Art, who bequeathed the painting to the museum.
List of grape dishes

This is a list of notable grape dishes and foods that are prepared using grapes as a primary ingredient. Raisin dishes and foods are also included in this article.
A grape is a fruit, botanically a berry, of the deciduous woody vines of the flowering plant genus Vitis.
A raisin is a dried grape. Raisins are produced in many regions of the world and may be eaten raw or used in cooking, baking, and brewing.
Bread and butter pudding

Bread and butter pudding is a traditional bread pudding in British cuisine. Slices of buttered bread scattered with raisins are layered in an oven dish, covered with an egg custard mixture seasoned with nutmeg, vanilla, cinnamon or other spices, then baked.
In addition to being baked with custard, the pudding may be served with additional custard or cream. Sometimes raspberry, strawberry, blackberry or mixed fruit jam, marmalade, or other sweet preserves will be spread upon the bread, along with the butter. Other modern variations include scattering fresh grapes between the layers of bread, melting apples into the egg-milk mixture, and using unusual types of breads, such as brioche, to make it. Lemon or orange peel will add a characteristic flavour. It is traditional to use stale bread.
The earliest bread and butter puddings were called whitepot and used either bone marrow or butter. Whitepots could also be made using rice instead of bread, giving rise to rice pudding in British cuisine.
One of the earliest published recipes for a bread and butter pudding so named is found in Eliza Smith's The Compleat Housewife of 1728. She instructs "Take a two penny loaf, and a pound of fresh butter; spread it in very thin slices, as to eat; cut them off as you spread them, and stone half a pound of raisins, and wash a pound of currants; then put puff-paste at the bottom of a dish, and lay a row of your bread and butter, and strew a handful of currants, a few raisins, and some little bits of butter, and so do till your dish is full; then boil three pints of cream and thicken it when cold with the yolks of ten eggs, a grated nutmeg, a little salt, near half a pound of sugar, and some orange flower-water; pour this in just as the pudding is going into the oven".
Some recipes call for a simple meringue to be made from the leftover egg whites and sugar which is spread over a layer of jam or preserves on the top of the pudding after it has come from the oven. The meringue is cooked until it is slightly browned on top. This dessert changes name to "The Queen's Pudding".
In 1845, Eliza Acton suggests giving "a good flavour of lemon-rind and bitter almonds, or of cinnamon, if preferred, to a pint of new milk", then adding cream and sugar, thickened with beaten eggs. Her recipe also calls for a glass of brandy to be added to the mixture.
In American cuisine it may be called "Cold Bread Pudding".
A popular dish in Egypt, Om Ali, is made with either bread or pastry, and includes pistachio nuts but no eggs.
List of state leaders in the 17th century

This is a list of state leaders in the 17th century (1601–1700) AD, except for the leaders within the Holy Roman Empire, and the leaders within South Asia.
These polities are generally sovereign states, but excludes minor dependent territories, whose leaders can be found listed under territorial governors in the 17th century. For completeness, these lists can include colonies, protectorates, or other dependent territories that have since gained sovereignty.
Angola
Cameroon
Chad
Congo, Democratic Republic of the
Congo, Republic of the
Gabon
São Tomé and Príncipe
Great Lakes area
South Sudan
Horn of Africa area
Indian Ocean
Madagascar
Tunisia
Egypt
Sudan
Algeria
Morocco
Angola
Mozambique
South Africa
Zimbabwe
Benin
Burkina Faso
Cape Verde
Ghana
Guinea-Bissau
Mali
Niger
Nigeria
• Gobir Empire
• Ibrahim Babari. (16th century)
• Bawa Jangwarzo (17th century)
• Muhammadu Yumfa 18th century)
Senegal
Sierra Leone
Antigua
The Bahamas
Barbados
Cuba
Haiti
Netherlands
Guatemala
Nicaragua
Canada
Mexico
Brazil
Chile
Peru
Suriname
Kazakhstan
Mongolia
Tajikistan
Tibet
Uzbekistan
China
China: Taiwan
Japan
Korea
Mongolia
Brunei
Cambodia
Indonesia
Laos
Malaysia
Myanmar / Burma
Philippines
Thailand
Vietnam
Iran
Lebanon
Oman
Saudi Arabia
Turkey
Yemen
Croatia
Ireland
Austria
Hungary
Poland
List of rulers of Cossack Hetmanate (1648-1764)
Denmark–Norway
Sweden
Southern Italy
Malta
Andorra
Catalonia
Navarre
Portugal
Spain
France
Low Countries
Azerbaijan
Georgia
Russia: Dagestan
Chile: Easter Island
French Polynesia
Tonga
United States: Hawaii
The Practice of Everyday Life

The Practice of Everyday Life is a book by Michel de Certeau that examines the ways in which people individualise mass culture, altering things, from utilitarian objects to street plans to rituals, laws and language, in order to make them their own. It was originally published in French as L'invention du quotidien. Vol. 1, Arts de faire' (1974). The 1984 English translation is by Steven Rendall. The book is one of the key texts in the study of everyday life.
The Practice of Everyday Life re-examines related fragments and theories from Kant, Freud, and Wittgenstein to Bourdieu, Foucault and Détienne, in the light of a proposed theoretical model.
The Practice of Everyday Life begins by pointing out that while social science possesses the ability to study the traditions, language, symbols, art and articles of exchange that make up a culture, it lacks a formal means by which to examine the ways in which people reappropriate them in everyday situations.
This is a dangerous omission, de Certeau argues, because in the activity of re-use lies an abundance of opportunities for ordinary people to subvert the rituals and representations that institutions seek to impose upon them.
With no clear understanding of such activity, social science is bound to create nothing other than a picture of people who are non-artists (meaning non-creators and non-producers), passive and heavily subject to received culture. Indeed, such a misinterpretation is borne out in the term "consumer". In the book, the word "user" is offered instead; the concept of "consumption" is expanded in the phrase "procedures of consumption" which then further transforms to "tactics of consumption".
The most influential aspect of The Practice of Everyday Life has emerged from scholarly interest in de Certeau’s distinction between the concepts of strategy and tactics. De Certeau defines "strategies" as the hidden means in which institutions and structures of power, or "producers", circumscribe a place as proper and generate relations with targeted individuals, or "consumers", who consequently enact "tactics" in order to unsettle or diverge from the prescribed conventions of such environments. In the influential chapter "Walking in the City", de Certeau asserts that "the city" is generated by the strategies of governments, corporations, and other institutional bodies who produce things like maps that describe the city as a unified whole. De Certeau uses the vantage from the World Trade Center in New York to illustrate the idea of a panoptic, unified view. By contrast, the walker at street level moves in ways that are tactical and never fully determined by the plans of organizing bodies, taking shortcuts in spite of the strategic grid of the streets. This concretely illustrates de Certeau's argument that everyday life works by a process of poaching on the territory of others, using the rules and products that already exist in culture in a way that is influenced, but never wholly determined, by those rules and products.
According to Andrew Blauvelt, who relies on the work of de Certeau in his essay on design and everyday life:
Everyday Life (song)

"Everyday Life" is a song by British rock band Coldplay from their eighth studio album of the same name. It was released on 3 November 2019 and sent to United Kingdom and Italy's contemporary hit radio as a promotional single in the following weeks. The track appears on the Sunset side of the album, being written by the band members and produced by The Dream Team.
The music video premiered on South Africa's Soweto TV and then made available globally on YouTube on 9 December 2019. It was directed by Karena Evans and shot between South Africa, Morocco and Ukraine. The introduction is accompanied by a voiceover explaining the concept of "ubuntu" a Xhosa word which means "humanity" in direct translation: "basically, you’ll always need the next person. You know what I mean? So one hand washes the other, the one hand does need the other to clean. That is Ubuntu. To help others, your brothers, your sisters. Even when they are strangers and you don’t know them, you are supposed to help them".
The song's live premiere was held on the 2 November 2019 episode of NBC's Saturday Night Live, which was hosted by American actress Kristen Stewart. A second performance at the Annie Mac Show on BBC Radio 1 happened in on 27 November 2019.
Rob Arcand of Spin magazine called the song a return to form, stating that "[i]t's a heartfelt return to the kind of lush balladry that the band built their reputation on, with gorgeous production and performance elements lending weight to the kind of broad, arena-rock universalisms present in the lyrics."
Credits adapted from Tidal.
The Fallen Angel (painting)

The Fallen Angel (French: L'Ange déchu) is a painting by French artist Alexandre Cabanel. It was painted in 1847, when the artist was 24 years old, and depicts the Devil after his fall from Heaven. The painting is at the Musée Fabre in Montpellier.
In 1845, while he was at the National School of Fine Arts, Cabanel won the second Grand Prix de Rome, which allowed him to move to Italy for a few years. Like all the other residents, he had to send paintings back regularly to testify the progress he was making during his stay in Rome. It was in this context that he painted The Fallen Angel, in 1847. Cabanel opted for a subject not often represented in French painting: the fall from Heaven of the Fallen Angel, who went on to become the Devil.
Depicting an angel expelled from heaven by God, the painting shows a saddened Lucifer, with his hands crossed and tears running from his eyes. He lies on the ground, naked, while angels fly in the sky above to show the glory of God.
A romantic work, the figure of Lucifer is shown as a nude, handsome young man reclining, hands clasped, his face partially obscured by his arm. His wings are mostly white at the scapulars but dappled with blue and gold while the primary feathers are a rich dark navy that blend into the dark foreground. A thorny vine trails behind his legs and near his feet. In the sky numerous less detailed angels are in flight all towards the same direction Lucifer faces. Lucifer glares out angrily from behind his arm, tears visibly in his eyes.
In Rome, Cabanel meditated at length on the theme of the fallen angel. He would paint The Evening Angel (1848), a year later in gouache. In this depiction, the angel is dressed in a large drape and faces away from the viewer.
Симфония № 3 (Рахманинов)

Сергей Рахманинов написал свою Симфонию № 3 ля минор, op. 44 в период между 1935 и 1936 годами.
В конце апреля 1935 года Рахманинов приехал в его недавно построенную виллу Сенар на берегу озера Люцерн в Швейцарии, задумав написать симфонию. Он был доволен своим новым домом и пребывал в хорошем настроении. Первые две части были завершены за пару месяцев, однако работа над третьей частью затянулась. Завершить симфонию композитору удалось лишь в свой следующий приезд в Сенар в апреле 1936 года.
Симфония состоит из трёх частей:
Впервые исполнялась 6 ноября 1936 года Филадельфийским оркестром под управлением Леопольда Стоковского. Несмотря на неоднозначный приём критиков, Рахманинов был убеждён, что Третья симфония является одной из его лучших работ.
Рахманин, Сергей Иванович

Сергей Иванович Рахманин (укр. Сергій Іванович Рахманін; род. 17 апреля 1969 года, Харьков) — украинский политический деятель, журналист, публицист и телеведущий. Заместитель главного редактора газеты «Зеркало недели».
Народный депутат Украины IX созыва. Член Комитета Верховной Рады по вопросам национальной безопасности, обороны и разведки.
Окончил факультет журналистики Киевского национального университета имени Тараса Шевченко.
Рахманин работал корреспондентом журнала «Утро», был внештатным корреспондентом киевской газеты «Молодая гвардия».
С 1992 по 1998 год — репортер, корреспондент, спецкор, заместитель редактора редакции политики, редактор редакции политики, заместитель главного редактора газеты «Киевские ведомости».
С октября 1998 года — редактор отдела политики газеты «Зеркало недели».
С сентября 2001 года — член Всеукраинской комиссии по журналистской этике.
В 2001 году был соучредителем общественной организации «Хартия-4».
С 2014 по 2019 год — ведущий программы «Игра в классику» на телеканале ZIK, с 2018 — «Апокриф» на «Радио НВ».
Он является автором книги «Руки, качающие колыбель демократии» (2002).
Автор сценария документального фильма «Незалежність. Український варіант» (2003).
Кандидат в народные депутаты от партии «Голос» на парламентских выборах 2019 года, № 8 в списке. На время выборов: физическое лицо-предприниматель, член партии «Голос». Проживает в Киеве.
На местных выборах 2020 года курировал избирательную кампанию «Голоса» на Закарпатье.
Председатель депутатской фракции партии «Голос». Член Комитета Верховной Рады по вопросам национальной безопасности, обороны и разведки. Член Постоянной делегации в Парламентской ассамблее Организации по безопасности и сотрудничеству в Европе.
Жена Кира Юрьевна Ивашова, две дочери: Варвара (1996) и Юстина (2005).
Лауреат Всеукраинского фестиваля журналистики (1997).
Победитель общенациональной программы «Человек года — 99» в номинации «Журналист года».
Победитель Всеукраинского фестиваля журналистики (1999).
Лауреат программ «Человек года — 97», «Человек года — 2001».
Победитель конкурса «Журналистское мнение» (2001), лауреат конкурса «Журналистское мнение» (2002).
Лауреат первого всеукраинского конкурса политической сатиры «Золотое копыто» (2002).
Лауреат премии им. Александра Кривенко «За продвижение в журналистике» (2004).
Лауреат премии Телетриумф в номинации «Дебют» (2008).
Симфония № 2 (Рахманинов)

Сергей Рахманинов написал свою Симфонию № 2 ми минор, op. 27 в 1906–1907 гг. и посвятил её одному из своих учителей Сергею Ивановичу Танееву. Премьера симфонии состоялась в Мариинском театре 8 (21) февраля 1908 года под управлением автора. Продолжительность произведения составляет примерно 60 минут, но в сокращённом варианте может составлять до 35 минут.
К моменту создания Симфонии № 2 Рахманинов провёл два успешных сезона в качестве дирижера Императорской оперы на сцене Большого театра в Москве, после чего в 1906 году переехал с женой и дочерями в Дрезден, где мог посвятить себя сочинению музыки, а также избежать политической неразберихи, которая поставила Россию на путь революции. Семья оставалась в Дрездене в течение трех лет, проводя лето в доме Рахманинова в Ивановке. Именно в это время Рахманинов написал не только Вторую симфонию, но также симфоническую поэму «Остров мёртвых» и первую фортепианную сонату.
После провала своей первой симфонии Рахманинов потерял уверенность в своих способностях симфониста. Премьера симфонии № 1 под руководством Александр Глазунова вызвала такую жестокую критику, что молодой композитор впал в депрессию. Даже после успеха Второго фортепианного концерта, который выиграл премию имени М. И. Глинки и 500 рублей в 1904 г., Рахманинов ещё не был уверен в своих силах. Он был очень недоволен первым вариантом его Второй симфонии, но после нескольких месяцев пересмотра закончил работу и провёл премьеру в 1908 году с большим успехом. Триумф восстановил веру Рахманинова в собственные способности.
Симфония состоит из четырех частей:
Симфония написана для: 3 флейт, флейты-пикколо, 2 гобоев, английского рожка, 2 кларнетов, бас-кларнета, 2 фаготов, 4 валторн , 3 труб, 3 тромбонов, тубы, литавр, малого барабана, большого барабана, тарелок, колокольчиков и струнных.
Композитор

Компози́тор (от лат. compositor — составитель) — автор музыкальных произведений, лицо, занимающееся их сочинением. Профессия композитора предполагает наличие творческого дарования и требует специального обучения технике композиции, музыкально-теоретическим и музыкально-историческим дисциплинам.
Композитор пишет собственные музыкальные произведения, в отличие от аранжировщика, занимающегося их адаптацией.
Традиционно результат творческой деятельности композитора фиксируется при помощи нотной записи, что позволяет исполнять его другим музыкантам — исполнителям.
Для большинства композиторов сочинение музыкальных произведений не является основной деятельностью. Зачастую они также являются исполнителями, дирижёрами, музыкальными педагогами либо имеют другую профессию, обычно связанную с музыкой.
Композиторы работают в широком диапазоне музыкальных направлений: от академической до популярной музыки, в различных форматах и для различных инструментальных и/или вокальных ансамблей. Многие композиторы специализируются на определённых жанрах, написании музыки для фильмов или СМИ, конкретной аудитории.
В популярной музыке артисты-авторы песен зачастую пишут музыку на собственные тексты.
Глагол componere и его производные (в том числе compositor) встречаются во многих средневековых трактатах, начиная от Хукбальда Сент-Аманского и его школы (IX—X века). В XI веке Гвидо Аретинский в своём «Микрологе» (ок. 1025) под композицией (componenda) понимал, главным образом, искусное составление хорала. Иоанн де Грокейо («О музыке», ок. 1300) относил это понятие к многоголосной музыке («musica composita», то есть сложная, составная музыка) и употреблял слово «compositor».
В последней трети XV века Иоанн Тинкторис («Определитель музыкальных терминов», 1474) выделил в термине compositor творческий момент (композитор — «написавший какой-нибудь новый кантус»). В «Книге об искусстве контрапункта» (1477) Тинкторис чётко различил контрапункт нотированный — «res facta» (равнозначно «cantus compositus» в «Определителе») и импровизируемый («super librum cantare», букв. петь над книгой), таким образом, отделяя новую композицию от импровизации по стилевому шаблону. Окончательно понятие о профессии композитора установилось в XVI веке, хотя термин для обозначения этого понятия ещё не вполне стабилизировался. Например, Генрих Глареан в «Додекахорде» (1539) называет профессиональных сочинителей полифонической музыки «симфонетами» (лат. symphonetae).
Широкое распространение термин compositore получил в Италии в конце XVI в. В XVIII в. термин был заимствован в русский язык, предположительно, через польское compozytor. В пользу такой версии говорит употребляемая на начальной стадии заимствования форма «композытор», упортеблявшаяся до конца 1730-х гг.
Гордон, Мик (композитор)

Мик Го́рдон (англ. Mick Gordon; род. 9 июля 1985, Маккай) — австралийский композитор и саунд-дизайнер, пишущий музыку преимущественно для компьютерных игр.
Майкл Джон Гордон родился 9 июля 1985 года в городе Маккай (Квинсленд, Австралия). Начал работу на Pandemic Studios, затем работал на MachineGames, id Software, Arkane Studios, Slightly Mad Studios. В 2010 году номинировался на «Золотую катушку» от организации Motion Picture Sound Editors в номинации «Лучший звуковой монтаж в компьютерных играх» за работу над игрой Need for Speed: Shift, но не выиграл награды.
В 2016 году Гордон создал музыку к научно-фантастическому шутеру от первого лица Doom, являющемуся продолжением игры 1993 года от id Software. За музыку к этой игре он получил ряд наград, в том числе награду церемонии награждения D.I.C.E. Awards в категории «Выдающееся достижение в сочинении музыки», награду фестиваля SXSW Gaming Awards в категории «Превосходство в музыке», награду церемонии награждения The Game Awards, а также номинировался на Премию Британской Академии в области видеоигр в категории «Лучшая музыка».
В 2023 году Гордон пожертвовал всю свою выручку с работы над проектом Atomic Heart в пользу акции помощи Австралийского Красного Креста для украинских пострадавших и беженцев.
Чёрно-белое кино

Чёрно-белое кино — исторически первый и технологически самый простой вид кинематографа, в котором отсутствует передача реальных цветов, изображение создаётся только с помощью градаций яркости. До появления в первой половине XX века практически приемлемых технологий цветной киносъёмки кино было почти исключительно чёрно-белым. В дальнейшем техника чёрно-белого кино использовалась ради удешевления производства (например, в кинохронике), а также в качестве художественного приёма.
Некоторые фильмы специально сняты частью в цвете, а частью чёрно-белыми. Например, в фильме «Иван Васильевич меняет профессию» сон Шурика показан цветным, а реальность — чёрно-белой. В киноэпопее «Освобождение» события фильма, происходящие на советско-германском фронте, показаны в цветном, а события в Москве, за границей и так далее — в чёрно-белом изображении. Чёрно-белыми в художественной кинематографической практике часто делают эпизоды из прошлого по сюжету фильма. Иногда к этому добавляется тонировка в коричневых тонах (сепия) и характерные дефекты изношенной киноплёнки — вертикальные полосы, пылинки на изображении и т. п.
Такие начальные жанры кинематографа, как чёрно-белое и немое кино оказали большое влияние на массовую культуру.
1 апреля

1 апреля — 91-й день года (92-й в високосные годы) по григорианскому календарю. До конца года остаётся 274 дня.
До 15 октября 1582 года — 1 апреля по юлианскому календарю, с 15 октября 1582 года — 1 апреля по григорианскому календарю.
В XX и XXI веках соответствует 19 марта по юлианскому календарю.
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Хризант. Дарья Грязная.