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Il dipinto raffigura il dio del mare Nettuno nel mezzo di una stretta via;con alle spalle alcune abitazioni;dalla quale s'intravede appena la presenza dell'acqua.|Andrea De Chirico;in arte Alberto Savinio;nasce ad Atene nel 1891.Nel 1910 è a Parigi;dove frequenta illustri esponenti dell'avanguardia di quegli anni (Breton;Picasso;Apollinaire).Nel 1916;a Ferrara;entra in contatto con gli artisti metafisici di cui diviene il più acuto teorico.Musicista;scenografo;scrittore e critico d'arte;inizia a dipingere relativamente tardi;ma intorno al 1925 diviene un protagonista tanto da aggiudicarsi un contratto con la mercante parigina Jeanne Castel;di cui è celebre il ritratto (1929).La prima mostra personale ha luogo nel 1927 nella prestigiosa Galleria Bernheim ed è presentata da Jean Cocteau.Savinio dovrà attendere oltre un decennio per ottenere una grande mostra a Milano (1940).La sua attività pittorica riferibile al surrealismo fu in realtà intesa soprattutto a dar forma ai due principi fondamentali della poetica metafisica:la la &quot;spettralità&quot;e l'&quot;ironia&quot;.L'opera della Collezione Carime fu esposta per la prima volta alla personale romana di Savinio curata da De Libero presso la Galleria Sabatello di Roma nel 1934.Il dipinto risale;con ogni probabilità al 1932;all'indomani del soggiorno parigino dell'artista.Lo stesso tema mitologico era stato affrontato da Savinio in due dipinti precedenti databili rispettivamente al 1931 (Neptune;olio su tela;27 x 35 cm;collezione privata) e 1932 (Nettuno;tempera su tela;46 x 52;5 cm;collezione privata).Nel Racconto &quot;Walde Mare&quot;;pubblicato nel 1943 nella Raccolta &quot;Casa La Vita&quot;;in cui compaiono diversi disegni tra cui il Nettuno Pescatore;Savinio descrive così l'opera:&quot;(...) Nei pomeriggi d'estate;quando il sole calava all'orizzonte e sulla terra le ombre diventavano sempre più lunghe (...) Nettuno sbarcava sul molo e andava a sedersi al Caffè Lubiè per godersi un po' di fresco (...)&quot;.La figura di Nettuno dalla testa di pesce giganteggia;nel dipinto;con una tensione michelangiolesca e trascina con fierezza i suoi trofei marini nella piccola rete.&quot;(...) Il mare è tutt'altro che infecondo:è fecondissimo anche se di mostri.Del resto quanto più grande è la fecondità;tanto più essa è generatrice di mostri:i tipi più puri e perfetti sono l'ultimo conto della fecondità e frutti di una condizione molto più vicina alla sterilità.(...)&quot;;scriveva alla voce &quot;Mare&quot;pubblicata inj &quot;Nuova Enciclopedia&quot;.Il Dio diviene;così;personificazione del mare attraverso un gioco di affinità e relazione che caricano l'immagine di una profonda valenza surreale.L'ironia di Savinio è esplicita in quest'opera;dove il contrasto tra il corpo della divinità;modellato in maniera accademica;e la testa;dai colori brillanti a tempera;genera sorpresa e stupore.
La tavola ha una cornice dipinta costituita da un arco a tutto sesto sorre tto da due colonnine.|La tavola;insieme alle altre quattro (inv.nn.21;22;23);faceva parte di un paliotto;smembrato prima del 1793;proveniente dalla chiesa di san Francesco al Prato e non dalla basilica di Assisi.Oltre ai dipinti conservati in questa Galleria;facevano parte del complesso la tavola con san Simone e Bartolomeo nella collezione Lehman al Metropolitan Museum di New Yo rk;il san Giacomo minore e il san Giovanni evangelista della collezione Kress alla National Gallery di Washington e l'Isaia;conservato nel Museo del Tesoro della Basilica di san Francesco ad Assisi.Come è stato recentemente sottolineato da Romano (1994;p.58) la chiesa perugina di san Francesco al Prato assunse nel settimo decennio del XIII secolo una notevole importanza nel panorama artistico.Essa;infatti;dopo la traslazione;avvenuta nel 1262;delle spoglie del beato Egidio;terzo compagno di san Francesco;da san Francesco al Monte;fu arricchita di opere d'arte straordinarie.Primo fra tutti il sarcofago con le storie di Giona;che accolse il corpo del beato Egidio e che venne collocato nella cripta della chiesa.Successivamente (1272) venne collocata sopra l'altare maggiore;in corrispondenza del sarcofago;la grande croce dipinta dal Maestro di san Francesco;un po' quello che era accaduto ad Assisi con la croce di Giunta Pisano sopra la tomba del fondatore dell'Ordine.E';quindi;assai probabile che poco dopo la traslazione delle spoglie del compagno di san Francesco;venisse commissionato il dossale per ornare l'altare della cripta;costituto appunto dal sarcofago.La produzione pittorica convenzionalmente riunita sotto il nome di Maestro di san Francesco;non fu frutto di un'unica personalità;piuttosto di una bottega;che formatasi nello stimolante cantiere assisiate ;esportò successivamente la propria cifra stilistica in altre chiese umbre;tra cui quella dei conventuali perugini.Qui la evidente derivazione dagli affreschi di Assisi (sia nel paliotto;che nella Croce del 1272) sembra suggellare "artisticamente" il legame spirituale tra due importanti chiese francescane della regione.Essendo stato smembrato e disperso;oggi non è facile ricostruire la forma originaria del paliotto.Dalla ricostruzione proposta da Schultze (1963;pp.59-66) e ripresa da Romano (1994;pp.58- 60) questo doveva avere su di un lato:san Francesco;san Simone e san Bartolomeo;san Giacomo minore;san Giovanni evangelista;sant'Andrea e san P ietro (della collezione Stoclet) e gli altri Apostoli;organizzati intorno ad un elemento centrale;forse un Cristo in trono.Dall'altra parte dovevano trovarsi le due scene della Deposizione e del Compianto comprese tra l 'Isaia e il sant'Antonio da Padova.Quest'ultima tavoletta;tuttavia;dove va essere più larga;essendo stata eliminata la colonnina di destra;risultata non originale.
L''Assalto a Madonna della Scoperta' ha una lunga gestazione (che si mani festa anche nel bozzetto dal titolo 'Le Fanterie Italiane alla Madonna de l la Scoperta';esposto nel 1864 alla "Nuova Promotrice" fiorentina e con f us o talvolta con il nostro) e un complicato iter per l'acquisizione al le co llezioni civiche;riportati in dettaglio da Maria Cristina Bonagura ne lla scheda di catalogo.Niente resta da aggiungere poi alla lunga ed ac cur ata analisi di Dario Durbè (1982;pp.182-195).Si è ormai propensi a cred ere che l'episodio della battaglia di San Martino raffigurato si rife risca all o scontro fra i Granatieri sardi della prima divisione Durando e la b rigat a austriaca Gaal;il 24 giugno 1859.La fedele cronaca dei fa tti ri sorgim entali fu realizzata da Fattori con l'ausilio di appunti met icolosi sui lu oghi;le divise;i finimenti dei cavalli.L'internso lavoro ;prope deutico alla stesura finale;è testimonianto dai nemerosissimi dis egni;co nservati al Museo Civico Giovanni Fattori di Livorno e nuovamente riferiti nella s cheda di catalogo.Il dipinto;realizzato con una sotto scrizione cittadin a;fu comprato dal Comune di Livorno nel 1871.|dipinto a olio su tela raffigurante un episodio della battaglia svoltasi n ella giornata di San Martino del 1859.Sulla estrema sinistra una colonn a di artiglieria in movimento;procede verso il centro del quadro:numero s i soldati a cavallo si uovono verso il primo piano;dove;al centro;si ve d e un tamburino ucciso;caduto a terra.Alle sue spalle;in primissim o p ia no;un soldato su prepare a salire sul cavallo;in piedi;visto di tre qua rti da tergo.La parte destra del dipinto è occupata da un gruppo di u ffic iali a cavallo;molti dei quali;visti da tergo;guardano al cen tro d ella composizione dove;in lontanza;sembra svolgersi la vera e prop ria ba ttagl ia.Al centro del quadro;in secondo piano si nota un cavalle ggero s u un c avallo che si impenna.Sulla parte destra della composizion e sull'o rizzont e;si nota il campanile e la parte superiore di una chies a;la cui vertica litÃ  è sottilineata dalla presenza di pochi alberelli s ottili.
Il dipinto;attualmente custodito nel Museo civico di Rende;proviene dalla locale chiesa matrice dedicata a S.Maria Maggiore.Pochi i riferimenti bibliografici dell'opera;inserita ormai a pieno titolo nel catalogo del pittore rendese Cristoforo Santanna.Molte sono le affinità stilistiche e iconografiche con altri dipinti del Santanna presenti nella città di Rende;in particolare ritorna nel dipinto il tema iconografico del culto degli Arcangeli Michele e Gabriele.|Il dipinto raffigura la Madonna in trono che sorregge in braccio il Bambino benedicente con il globo e con l'altra mano il Libro della Sapienza.La Madonna;incoronata da due angeli in volo;è contornata da una gloria di nuvole e una schiera di angeli e arcangeli;Gabriele a sinistra sorregge un tralcio di gigli nelle mani;mentre un altro arcangelo a destra;probabilmente Michele;indica la scena.
La tavola armonica è in due pezzi simmetrici di abete rosso a taglio radiale con lievi indentature e venatura parallela alla commettitura;con spessore piuttosto incostante;ma generalmente stretta al centro e più larga ai bordi.Non sono presenti perni di posizionamento.Le "effe" sono piuttosto corte e lievemente oblique;con le aste larghe e le palette a lati divergenti;le inferiori più grandi delle superiori e dotate di sguscia.Il fondo è in un solo pezzo di acero a taglio sub - tangenziale con marezzatura media lievemente discendente da destra a sinistra.Non sono presenti perni di posizionamento.La nocetta ha forma di sezione di cerchio un po' schiacciata alla sommità;con base chiusa;ma senza unghiature.Nella vista laterale presenta uno spiccato risalto rispetto al piano del fondo.Le sei fasce sono di acero a taglio sub - radiale con marezzatura analoga a quella del fondo lievemente discendente verso la tavola a sinistra e in senso inverso a destra.Il manico è originale;di acero.La testa è solidale col manico.Il riccio è simmetrico e molto compatto;con i perni corti.La vernice;di colore rosso;è molto magra;specialmente sulla tavola.
Riduzione ordito 8 cm.;riduzione trame 13 cm.Frammento centrale.Crapantage contrastè;cotes alternées;battage.Bordura ad imitazione di cornice lignea;sagomata:in basso;agli angoli;due prigionieri;uno seminudo;l'altro vestito;con vessilli;lancia;tromba;faretra con frecce;in alto due putti che sorreggono con la destra un festone di fiori e frutti;con la sinistra un medaglione con l'effigie in monocromo di un guerriero.Nella scena centrale Alessandro in primo piano con armatura;cimiero e mantello rosso rivolto verso un'ara ornata con testa caprina su cui poggia un trofeo di armi;sulla destra;in un piano avanzato;un'urna e un soldato che indica Alessandro.Colori:marrone;beige;giallo in più tonalità;azzurro;rosso.Fodera originale intera;cucita a losanghe.Sospensione:lungo il lato superiore sono undici strisce di tela cucite a coulisse..Personaggi:Alessandro Magno.Figure:soldato.Oggetti:urna.Armi:sciabola;elmo;scudo;spada.Costruzioni:ara
Il vaso è documentato nella Tribuna degli Uffizi dal 1704.Tra il 1784 e il 1920 è stato collocato nella Sala delle Gemme.L'attuale montatura in metallo dorata è successiva al 1825.Fino a questa data infatti esso è descritto negli inventari con la sua originaria montatura in oro smaltato e con due anse a voluta;anch'esse d'oro.Sembra pertanto evidente che il vaso doveva essere stato concepito in coppia con un altro;in diaspro;del Museo degli Argenti (n.756).Infatti le due coppe presentano la stessa forma e dimensioni quasi uguali;mentre la montatura antica conservata nell'altra tazza corrisponde perfettamente a quella documentata per il presente vaso fino al 1825.|Tazza con labbro bordato da una fascia di metallo dorato.La base rotonda ed il basso piedistallo sono anch'essi di metallo dorato.
Cornice di forma e luce rettangolare;sagomata;a sviluppo verticale;in legno intagliato;scolpito e dorato.Battuta liscia.Fascia interna sagomata costituita da banda filettata ornata;a intervalli regolari;da fogliette stilizzate.In corrispondenza del punto mediano dei due lati minori;trionfo fogliaceo.Superiormente esso si sviluppa intorno a un medaglione centrale sagomato e rilevato a forma di grande baccellatura.Inferiormente;il medaglione è piatto e ovale al fine di contenere il numero di serie relativo alla cornice e al dipinto.Fascia esterna sagomata;a gola rovesciata;intagliata a baccellature con bordo liscio terminale.In corrispondenza degli angoli sono intagliati motivi fogliacei e a pelacette che descrivono;superiormente;un motivo a voluta;inferiormente una sorta di ricciolo.Una foglia stilizzata è intagliata anche in corrispondenza del punto mediano dei lati maggiori.Lungo il lato minore inferiore è applicato un ulteriore elemento intagliato al fine di simulare un nastro;dall’andamento movimentato e terminante alle due estremità a coda di rondine.Esso contiene il nome del personaggio rappresentato al suo interno in lettere capitali dipinte a pennello nero.La cornice contiene una tela rappresentante San Massimo vescovo..soggetto assente
Tavola rettangolare.|Il dipinto;attribuito a Cristoforo Gherardi e Lattanzio Pagani;fu acquistato da questa Soprintendenza con DM 6/7/1987;esercitando diritto di prelazione (1955;n.1211) ma l'inventario non riporta nè il nome della persona da cui fu acquistato nè il luogo dell'acquisto.Nella grande tavola risultano evidenti i rapporti con la cultura raffaellesca romana;con quella vasariana e con Raffaellino del Colle.Il costiparsi delle figure nella zona inferiore può essere messo in relazione con quell'affollamento presente anche nella Pala di Santa Maria del Popolo di Perugia (Santi;1985;pp.1 93-195;fig.195) già attribuita al Pagani e spingerebbe ad ascrivere allo stesso anche questa zona.Il raffronto stilistico con quella pala farebbe pensare che in quest'opera l'intervento del Pagani sia più esteso di quello del Gherardi.In relazione all'iconografia si può notare la tipica raffigurazione in forma di "Disputa" dell'Immacolata Concezione;ampiamente diffusa nel Cinquecento e il continuo riferimento in alcune delle iscrizioni al Cantico dei Cantici;testo di riferimento ampiamente utilizzato dagli artisti di quel periodo.
La tavola armonica è in due pezzi di Abete rosso a taglio radiale;con indentature e con venatura medio - larga convergente verso la commettitura.Le due parti provengono dallo stesso tronco.La venatura presenta un'anomalia della crescita in prossimità del bordo della C di sinistra;assente invece a destra.Non sono presenti perni di posizionamento.Le "effe" sono piuttosto corte e verticali;con occhi piccoli;palette a lati divergenti;tutte prive di sguscia.Il fondo è in due pezzi di Acero a taglio radiale.La tavola di destra presenta una lievessima marezzatura media discendente verso il bordo;mentre quella di sinistra ne è priva.Non sono presenti perni di posizionamento.La nocetta;piuttosto larga alla base;è originale e integra;di forma semicircolare e con solo un accenno di chiusura alla base.E' dotata di evidente risalto.Le sei fasce sono di Acero a taglio sub - radiale con marezzatura appena visibile su quelle inferiori e perpendicolare rispetto al piano del fondo.Il manico;di Acero privo di marezzatura;è originale.La testa è solidale col manico.Il riccio presenta una lieve torsione verso sinistra rispetto alla cassetta dei piroli.La vernice è di colore bruno dorato.
Orologio meccanico verticale da mensola:cassa sagomata su piedini a voluta;in tartaruga e metallo dorato.|Nelle memorie scritte nel 1924;il quinto Duca di Bronte ricorda di aver ricevuto in dono l'orologio da Lady Rolle di Bicton;in occasione di un compleanno.L'orologio era posto allora sulla mensola del camino della "drawing room";stanza in cui è ancora oggi collocato il pianoforte;altro regalo dell'amica.L'elenco degli arredi - compilato dall'Assessorato Regionale ai Beni Culturali per l'acquisto del castello da parte del Comune di Bronte - riporta il termine "ormolu";che fa riferimento alla tecnica di doratura del bronzo e altri metalli mediante un procedimento a base di mercurio.La doratura a mercurio fu diffusamente usata nel XVIII secolo per produrre oggetti e ornamentazioni soprattutto in Francia e in Inghilterra.L'orologio reca incisa sul retro la denominazione del fabbricante;Muller e figli;ed è verosimilmente di produzione viennese;nel corso del XIX secolo risultano infatti attivi a Vienna orologiai omonimi o con forme varianti dello stesso cognome.
Le iniziali decorate sono caratterizzate da una decorazione fogliata;hanno il campo azzurro con sottili decorazioni bianche;ma in alcuni casi è in foglia d'oro;il corpo è variamente campito in rosa;arancione o verde;spesso usando due colori diversi;il fondo presenta composizioni fogliacee arricchite da bottoncini in foglia d'oro su bolo che decorano anche le lunghe code formate da foglie lanceolate di vari colori e dalla forma particolarmente sottile che riprendono i colori azzurro;verde;rosa;arancione;giallo;biffo e marrone del corpo;per il fondo della lettera è usato anche il colore nero.Iniziali:A (c.8v);V (c.13r);V (c.15v);A (c.19r);E (c.22r);V (c.25r);E (c.41r);O (c.44r);E (c.53v);C (c.67v);A (c.69v);D (c.71v);R (c.73v);C (c.75v);E (c.154r);L (c.157v);V (c.160v).Le iniziali fogliate si trovano all'inizio degli Uffici delle giornate feriali..n.p
Il loggiato della Chiesa dei Santi Pietro e Paolo ospita due monumenti ai caduti di entrambe le guerre.Il monumento in onore delle vittime civili e militari della seconda guerra mondiale conta cinque riquadri marmorei (in marmo bianco delle Apuane) due dei quali scolpiti ad altorilievo.Il riquadro a sinistra del monumento rappresenta un giovane militare in partenza per il fronte nell'atto di salutare i familiari.Il secondo riquadro (posto a destra) rappresenta invece il ritorno del militare.Alle estremità dei due riquadri sono riportati i nomi dei caduti.Il monumento in onore ai caduti della prima guerra consiste in un altare marmoreo sul quale sono incisi i nomi.Ad avvalorarne la sacralità vi sono stati posti innanzi una lampada votiva e due urne marmoree..Il soldato prima dell'arruolamento;partenza per unirsi al reparto:Il soldato (+dopo la battaglia)
Portantina (norimono) per donna con struttura in legno.Laccato sull'esterno di nero omogeneo (roironuri);con motivi decorativi a oro in hiramaki-e ("pittura cosparsa piatta").L'ornato consiste in rametti fogliati collegati a stemmi (kamon) di forma all'incirca circolare con cornice formata da cinque "C";al cui interno otto penne (o parte di freccia?) disposte radialmente.Lo stesso stemma è inciso anche sulle due grandi borchie in metallo dorato che si trovano sui due lati più corti della cassetta.Le altre numerose applicazioni in metallo sono anch'esse ornate da incisioni con motivi fitomorfi.||All'interno;la parte della seduta è ricoperta da tessuto ornato con motivo a rombi.||Le pareti all'interno sono rivestite di carta dipinta con motivi di alberi;fiori e uccelli (acero;pino;pruno;bambù;margheritine;gru e altri) con corsi d'acqua e nuvole.In alto è simulato un soffitto a casssettoni;con grata in legno laccato;negli spazi di risulta;rivestiti di carta;sono dipinti motivi floreali di vario genere;inseriti in forma circolare.Ancora all'interno;in due angoli;sono sistemate altrettante mensole triangolari che servivano per l'appoggio dei gomiti..Araldica:stemma.Elementi decorativi:motivi floreali.Animali:gru.Piante
Le tre sante;sullo sfondo di complessi elementi architettonici scorciati;assistono dall'alto delle mura alla morte di un gentiluomo;giacente in un letto in primo piano e compianto da due donne (n.427) - le sante;in veste suntuose;come nel primo scomparto;attraversano in barca il Po accompagnate dal sacerdote Marcello e da un barcailo e guidate da un angelo (n.426) - le sante;sono iscritti i loro nomi:S.Liberata;S.Paula;S.Faustina;il sacerdote Marcello e il barcailo giungono;sempre con la guida dell'angolo;sotto le mura di Como.Sullo sfondo sono raffigurante;oltre le mura;una chiesa e un'alta torre (n.424) - le sante;sempre guidate dall'angelo;deposte le vesti suntuose e le corone;si presentano in abiti dimessi alle porte di un monastero benedettino e vengono accolte da un gruppo di monache (n.430) - veduta della chiesa triabsidata del monastero;con campanile e portale laterale (n.429).
L'uso di bruciare legni profumati e resine fu introdotto in Giappone dalla Corea nel VI secolo in ambito buddhista.Già nella prima metà del X secolo i profumi erano usati per gli ambienti e i vestiti:era già allora in voga il takimono awase;un passatempo aristocratico che consisteva nel creare nuovi e originali composti profumati;di cui vi è testimonianza nel "Romanzo del Principe Splendente" (Genji monogatari).Il gioco degli incensi (ko awase o kodo) raggiunse un suo sviluppo compiuto nel XV secolo:il maestro Shino Musenobu ne fissò le regole.I partecipanti gareggiavano per riconoscere le essenze bruciate;indovinando inoltre se vi fossero riferimenti letterari nel profumo scelto.Gli "utensili da taglio per incenso" (kowaridogu) e quelli per maneggiare i profumi (kodogutate) erano sovente sistemati su una rastrelliera (kowarigukake);a sua volta contenuta in una specifica scatola (kowarigu bako).Per la cerimonia erano altresì necessari gli "utensili da fuoco" (hi dogu).Tutto il necessario per giocare al ko awase fuori casa era conservato nello stiletto portatile kodansu.
Monumento complesso formato da una grossa base con pannello centrale in marmo grigio.Ai due lati su marmo bianco l'elenco dei caduti della seconda guerra mondiale.Sul basamento poggia un piedistallo quadrangolare;in marmo bianco;che presenta sul prospetto anteriore un'aquila in bronzo con le ali spiegate che stringe tra gli artigli un ramo di palma ed una corona di alloro e quercia.Sugli altri tre lati vi sono incisi i nomi dei caduti e dei dispersi della Grande Guerra.Sul piedistallo si posa una colonna spezzata in marmo con la base orlata;decorata da un bassorilievo raffigurante un motivo floreale.Sul lato anteriore della colonna vi è un ramo di palma in bronzo.Davanti al monumento;che è posto all'interno di un giardino;è collocata un'ogiva..Allegorie-simboli:aquila;alloro;quercia;palma.Armi:ogiva
Opera che rappresenta una Maternità.La Vergine è seduta con in braccio il Bambino.La particolarità è che entrambe le due figure sacre sono dipinte e rappresentate in modo esteticamente grottesco;quasi deformi:Maria ha un volto rude;come se fosse cosparso da graffi;mani e piedi enormi e un corpo grosso e pesante;il piccolo Gesù è caratterizzato dal volto anziano;rugoso.Il suo corpicino dorme tra le braccia della mamma ma è un corpo gonfio;tanto che gli arti inferiori e superiore possiedono un colore cianotico.La Madonna porta una veste marrone nella parte inferiore e una sorta di mantella a scacchi bianchi e neri;Gesù è avvolto in un panno bianco cangiante.Lo sfondo è un insieme di colori;senza la rappresentazione precisa di nulla.I colori sono forti;squillanti tanto da rendere questa Maternità ancora più strana;angosciante;sofferente.La pittura è materica e corposa..Personaggi religiosi:la Madonna;Gesù Bambino.Abbigliamento religioso:manto;veste lunga;panno bianco
Su un massiccio basamento sagomato si innesta il cippo parallelepipedo;sormontato da un ammasso di rocce provenienti dai luoghi di guerra.Su questo terreno impervio si colloca la statua in bronzo del fante;colto nello slancio della battaglia.Nella mano destra tiene una granata;il braccio è sollevato nell'atto del lancio;mentre con la sinistra imbraccia il fucile.Si muove tra i resti di un cannone e l'elmetto scivolato ai suoi piedi;i pantaloni laceri e il volto teso.Sul prospetto principale del cippo è collcato un rilievo in bronzo che raffigura una Vittoria alata che depone una corona alla memoria dei caduti.I prospetti laterali riportano i nomi dei soldati caduti e dispersi in entrambe le guerre.Il monumento è inserito in uno spazio erboso e circondato da una recinzione con catene sorrette agli angoli da pezzi di mortaio..figura di soldato:fante :allegoria della Vittoria :incoronazione