davanstrien/biglamdemo huggingface dataset:
Arazzo.|L'arazzo completa la serie dei 'Quattro Elementi' iniziata gi‡ nel 1739 dalla Reale Arazzeria di S.Carlo alle Mortelle;sotto la direzione del Del Rosso.Firmato e datato dall'arazziere;fu realizzato su cartone di Gerolamo Starace Franchis.Reca in basso la scritta:'Aer;Aqua et tellus rudis indigestaque moles Esset adhuc milem ni levis ignis agat'.L'episodio centrale raffigura Plutone;dio degli Inferi;che rapisce Proserpina invocante soccorso;mentre i cavalli si impennano per le fiamme ardenti.Nella ricca cornice si nota;in basso al centro;la salamandra;simbolo oltre che del Fuoco;della Giustizia.Notevole l'opera per la scelta degli elementi figurativi e per la qualit‡ della tessitura.La collocazione dell''Allegoria del Fuoco' nella sala IV;a distanza del resto della serie;fu attuata nel dopoguerra;e seppure con una debolezza nella lettura iconografica complessiva;tuttavia;per un riguardo conservativo all'arazzo dell'Innocenza;che occupa la parete del 'Fuoco' nella sala delle Guardie;Ë stata mantenuta;anche dopo il restauro ultimato nel 1990;la collocazione pi˘ recente.
La mostra inquadra il secondo altare a sinistra.Essa si compone di elementi verticali con colonne tortili e paraste di ordine composito dipinte a finto marmo di un colore giallognolo e venature verdi;che poggiano su due plinti sovrapposti anch'essi di un colore variegato grigio giallo.Le due paraste reggono una normale trabeazione che ne ripropone il colore;mentre sulle colonne tortili la trabeazione ruota verso il centro della chiesa spezzandosi assieme al frontone.Quest'ultimo sorregge due putti seduti.Nello spazio che si apre tra le parti del frontone dipinto ancora in finto marmo grigio-verde su di un supporto decorato in stucco lo Spirito Santo sotto forma di colomba campeggia sul disco radiato d'oro.Al di sotto scende a proteggere la tela sottostante una cortina di stucco grigia e d'oro decorata da testine di putto.Altri stucchi più in basso circondano la tela e riempiono gli spazi liberi fingendo ancora marmi rosati e venati attorno alla tela;neri e screziati al di sotto.
I disegni del periodo di guerra;1942-45;costituiscono le prime prove autonome e non accademiche di Congdon.Mentre è ambulanziere con l¿American Field Service;organizzazione volta al soccorso dei feriti sul campo di battaglia;nasce in Congdon una nuova vena artistica prima inespressa.Segue in questo periodo gli spostamenti del VIII armata Britannica;il che lo porta da El Alamein al campo di concentramento di Bergen Belsen;fino all¿Italia del Sud nel primo dopo guerra.Si tratta di schizzi realizzati a matita;carboncino;sanguigna...su fogli di taccuino che Congdon realizza "in presa diretta".Soggetto ugualmente ricorrente sono i luoghi in cui la guerra si è svolta:un cimitero tedesco nel mezzo del deserto;una sala di teatro trasformata in ospedale femminile;la nave ospedale o le rovine di un hotel di lusso in seguito ai bombardamenti.
Monumento a cippo sormontato da un gruppo scultoreo in bronzo raffigurante sulla sommità la Vittoria alata;in piedi e con le mani sollevate e congiunte tra loro.La figura della Vittoria poggia su un basamento su cui sono raffigurate;in rilievo;cinque figure di soldati in combattimento;uno dei quali;al centro;ferito.Sul retro del basamento della scultura;un altro rilievo bronzeo rappresenta la figura di una madre;seduta;con il figlio in braccio.La parte frontale del basamento;in pietra;reca tre lapidi in bronzo con gli elenchi dei caduti:la lapide centrale;sormontata da una decorazione composta da un elmo tra due fucili;riporta i caduti della Grande Guerra;le due lapidi laterali quelli della seconda guerra mondiale.Il monumento è collocato all'interno di una piccola cancellata in ferro..Allegorie-simboli:Vittoria.Attributi:(Vittoria) ali.Abbigliamento:veste femminile all'antica.;Figure:soldati.Abbigliamento:divise militari.Armi:fucili.;Figure:donna;bambino.Abbigliamento:veste femminile
La scultura aderisce ancora una volta allo stile fortemente astratto che Friscia usa in questi ultimi anni della sua vita per numerosissime opere;utilizzando;nella loro composizione;elementi di verticalità e orizzontalità;dall'incrocio dei quali nasce la sua strutturazione per piani.Per quest'immagine;fortemente inquietante e al tempo stesso totemica;egli predilige l'elemento verticale pur adottando;in alcuni punti;la linea curva che contribuisce a conferire eleganza e autorevolezza.Pur partendo da una resa formale tipo;come quella utilizzata in 'Ambiguous Figure' (v.NCTN 1700168551);Friscia;in quest'opera si supera e complica le forme;le interseca;le contrappone creando anfratti;rendendola più aggressiva attraverso elementi acuminati e guglie che innervano la struttura.Nell'accumulo di materia possiamo quindi;registrare i 'gesti' frenetici dello scultore che presuppone la premeditazione;un progetto o una 'finzione' simbolica;che la sottende....[continua in OSS]|La scultura riproduce in forme astratte una figura;forse maschile.La parte superiore è caratterizzata da un semicerchio;simile a un elemetto che ricade sulla fronte ridotta a un rombo stilizzato e fortemente allungata.Il corpo è piriforme mentre la parte inferiore è simile a un cubo che presenta aperture interne e una filettatura con terminazione triangolare;fusa al piedistallo.La parte inferiore ha quattro protuberanze acuminate che si proiettano verso l'esterno.La figura;in posizione stante è fusa a un supporto cubico in marmo.
Il monumento è posto al centro di un'area di rispetto;posta sopra il livello stradale;con finitura a prato.Anteriormente una monumentale scala doppia;curvilinea e simmetrica;con al centro una targa che ricorda l'anno di costruzione;supera il dislivello.A pianta quadrangolare;il manufatto è costituito da una base composta da due gradini ed una ampia svasatura con 4 piccole piattaforme (una per lato);in pietra piasentina.Sopra è posto un possente podio bugnato;in pietra calcarea;articolato su altre quattro piattaforme più alte;sotto le quali sono poste le lapidi della prima guerra mondiale;fissate con borchie quadrate bronzee in rilievo (rappresentato un elmetto) ed agli angoli da quattro volti veglianti di madri e mogli dei caduti;scolpiti a tuttotondo.Sopra si staglia;snello e rastremato;il pilastro centrale che termina con una doppia cornice modanata.Sotto a questa sono applicate sui lati opposti due corone floreali;d'alloro e di quercia;intrecciate e decorate da nastri con boccoli (in bronzo).Sulla sommità un'elaborata lampada votiva in ferro battuto inneggia alla Patria (iscrizioni) e reca alcuni fregi e stemmi..Soggetto assente
Il Cristo crocifisso è raffigurato ormai privo di vita.Nei tabelloni vi sono;a sinistra;la Vergine dolente e a destra il San Giovanni dolente;nella cimasa è raffigurato Dio Padre benedicente.Il Crocifisso in esame risulta di particolare importanza non soltanto perchè opera certa del pittore lucchese Deodato Orlandi ma anche perchè sua prima opera datata giunta sino a noi.Esso da un lato riprende la tipologia del Crocifisso su fondo damascato (nello spazio un tempo riservato alle scene evangeliche) con le figure dei dolenti trasportate alle estremità del braccio orizzontale e la cimasa semplificata;con la sola figura del Pantocrator;dall' altro intensifica il patetismo del Cristo;in linea con le tendenze dell' arte contemporanea;in primis Cimabue (Bacci 1993).Il Crocifisso di Deodato;con la sua data 1288;costituisce inoltre un solido antequem per la cronologia del dipinto di Cimabue in Santa Croce a Firenze;guardato dal lucchese con interesse palese (Thode 1890;Bellosi 1998).Il profilo artistico di Deodato Orlandi merita di essere ripreso in considerazione dagli studi.Pur non essendo un innovatore si tratta di un pittore sensibile ai fatti piu aggiornati dell' arte centroitaliana del periodo a cavallo fra XIII e XIV secolo.Una prima fase della sua produzione;testimoniata dall' affresco della lunetta sopra la tomba del mercante lucchese Bonagiunta Tignosini nel cimitero di Santa Caterina;dalla Madonna col Bambino e quattro angeli del Museo di San Matteo a Pisa ed infine dal grande ciclo di affreschi della chiesa di San Piero a Grado (nei pressi di Pisa);si rivela molto attenta;cosÃ¬ come il Crocifisso oggetto di questa scheda;alla produzione di Cimabue.In altri dipinti;il pittore rivela invece un' apertura alla poetica del primo Giotto;elaborata con lo stesso entusiasmo con cui prima si era interessato a Cimabue.Restano da precisare anche i suoi addentellati con la cultura figurativa lucchese (in città gli è stato ascritto da Marco Paoli;anche un affresco staccato nella chiesa di San Pietro Somaldi) ad esempio con la produzione di maestri ancor anonimi come l' autore dell' affresco staccato a massello dell' oratorio di Santa Maria della Rosa o il cosiddetto maestro di Camporgiano.
Monumento a cippo costituito da un gruppo scultoreo in bronzo raffigurante una figura maschile nuda sorretta da una donna vestita con una tunica.Entrambe le figure sono avvolte da fiamme.Il gruppo scultoreo è firmato sulla base a sinistra dallo scultore Carlo Conti ("C Conti 923").Il cippo è completato da un blocco di granito sulla cui fronte è presente un'iscrizione a caratteri applicati in bronzo in commemorazione dei caduti in guerra del 1915 - 1918.Sulla sinistra del basamento del gruppo scultoreo è applicata una lapide in granito in cui sono riportati i nomi dei caduti militari partigiani civili del 1940 - 1945.Sulla fronte;in basso a destra del basamento;è appplicata una targa che documenta il restauro del monumento avvenuto nel 2001..FIGURE:donna;soldato.ABBIGLIAMENTO:tunica.FENOMENI NATURALI:fiamme
La scultura è costituita da tre saltatrici di cui una fusa al supporto con la gamba destra che è ancora a terra;la sinistra flessa e le braccia in alto;rappresentata mentre sta per effettuare il salto verticale.Le altre due sono simmetriche rispetto a quest'ultima e fuse per le braccia;hanno già effettuato il salto e sono sollevate da terra;con le gambe piegate e le braccia sollevate.La figura di centro e quella di destra hanno una capigliatura raccolta in un chignon.Elemento presente in tutte è la forte sottolineatura del ventre;resa attraverso l'incisione;e dei grossi seni.|La scultura 'Salto Verticale' è una delle più belle realizzate dall'artista negli ultimi anni della sua attività.E' possibile cogliere una notevole vicinanza stilistica con le 'Saltatrici' (v.NCTN 1700168544);realizzate un anno prima.In quest'opera;l'attenzione per il movimento si amplia;ponendolo in stretta connessione;con la dimensione temporale:le tre saltatrici sono;infatti;riprese in due tempi (una sta per effettuare il salto mentre le altre due lo hanno già effettuato).Il metallo;è modellato con estrema perizia.In essa Friscia rinnova profondamente;la superfice;dilatandola nello spazio e aprendola a soluzioni sempre nuove;proprio attraverso il movimento.Le sculture;trepide come ali di uccello;si rifanno a immagini naturali da un lato;dall'altro a simpatie dell'artista per i lavori di Arp;di Fausto Melotti (quest'ultimo per l'idea della scultura come aerea e volante) e probabilmente a riflessioni sulla scultura...[continua in OSS]
Ritratto di principessa in et‡ infantile in una finta cornice ovale a sguincio poggiante su una finta mensola lignea;all'esterno Ë una cornice rettangolare.Maria Antonia Fernanda Ë ritratta a mezzo busto;con le mani protese in avanti e poggiate su un deschetto imbottito di velluto rosso;sul quale vi sono anche una scatola ed un pappagallo legato ad un nastro.Sulla destra;alle spalle della piccola principessa;Ë visibile un drappo anch'esso di colore rosso.|Il dipinto;sia per analisi stilistica che per una certa affinit‡ iconografica;puÚ essere accostato ad altri due ritratti conservati alla Reggia di Caserta (Luigi I re di Spagna;scheda OA:00068710;e Maria Anna Vittoria di Spagna;scheda OA:00068712).Essi appartengono alla serie iconografica dei ritratti degli infanti di Filippo V.E' ipotizzabile che siano lavori di un unico maestro;il quale molto probabilmente operÚ alla corte dei re di Spagna;oppure che appartengano ad un medesimo ambito culturale.E' interessante inoltre notare che l'invenzione del ritratto inserito in u na finta cornice ovale e mensola dipinte Ë di Jean Ranc;come si evince da alcuni analoghi esemplari conservati al Museo del Prado.Maria Antonia F ernanda (1729 - 1785);figlia di Filippo V di Spagna e di Elisabetta Farne se;nel 1750 sposÚ Vittorio Amedeo III di Savoia;re di Sardegna.
La provenienza del dipinto è ignota prima della comparsa nella Galleria dell'Arciduca Leopoldo Guglielmo a Bruxelles verso il 1653.Waterhouse avanza l'ipotesi che possa essere identificato con il n.56 dell'inventario del 1637 di Bartolomeo della Nave;ma viene contraddetto da Baldass che individua che quel titolo si riferiva ad una "Sacra famiglia con Maria Maddalena" attualmente conservata a Vienna (Kunsthistorisches Museum;n.2161);inoltre il dipinto degli Uffizi ha dimensioni troppo grandi per essere il n.56 della collezione Della Nave.Tantomeno si può identificare negli inventari del duca di Hamilton pubblicati dal Garas:certamente il dipinto fu un lascito del 1622 all'Imperatore Leopoldo d'Austria;ceduto alla Galleria degli Uffizi nel 1793 per un normale scambio di quadri.Se si confronta con la copia del Kunsthistorisches Museum di Vienna;datata 1653;si nota che originariamente aveva più spazio in primo piano;tanto che ci compariva un grande coniglio.E' ignoto se sia stato tagliato anche sui lati;dato che l'incisione contenuta nel "Theratrum Pictorum" è tutt'altro che precisa;omettendo il grande coniglio la cui lunghe orecchie che si vedono ancora sull'orlo inferiore del dipinto.Sicuramente dovette essere tagliato prima del 1735 dato che in Stampart e Prenner compare già con le dimensioni attuali.Il paesaggio è molto malridotto;non è chiaro se per incompitezza o consunzione;e non doveva essere meglio nel 1650 dato che il Taniers trovo' difficolta' a decifrarlo.Il Rylands sostiene che si tratti di un "Riposo in Egitto" per la presenza dell'otre sulla sinistra.Il San Giuseppe è derivato da una figura nell'angelo inferiore destro del cartone michelangiolesco della "Battaglia di Cascina":il Palma è uno dei primi artisti veneti che si sia ispirato a questo cartone.Cfr.le tre Età nell'uomo di Tiziano ad Edimburgo e la sua xilografia del Trionfo della Fede.Del dipinto esistono numerose incisioni di Daniel Teniers il Giovane :a Vienna;Kunsthistorishen Museum;n.739 e a Monaco;Schleissheim Galerie;n.1841.
Il piviale è confezionato con taffetas aragosta decorato con un ricamo che forma sinuosi nastri;intrecciati con tralci fronzuti e sovrapposti a foglie a goccia;che si snodano sul manto;lungo il bordo del manto;dello stolone e sul clipeo.Lo stolone è ulteriormente decorato da tralci di vite e medagliani polilobati;adgiati su foglie incurvate.Quest'ultimo decoro è posto anche al centro del cappuccio.Il centro del bordo del manto è sottolineato da una palmetta a ventaglio.Gli orli del manto;dello clipeo e dello stolone sono rifiniti con un gallone;realizzato a ricamo e decorato da motivi circolari.Il piviale è foderato in taffetas aragosta ed è chiuso da ganci in metallo argentato:le femmine;a forma circolare;sono poste direttamente sul bordo dello stolone;mentre i maschi sono applicati su un pannello cucito lungo il bordo dello stolone;all'altezza del petto.La fodera è in taffetas aragosta.
L'opera è firmata e datata.La presenza dei peperoncini;dei frutti esotici e della maschera alla parete sottolineano il carattere "messicano" del dipinto.L'anno precedente Friscia dipinge un'altra natura morta messicana;dove gli oggetti assumono un carattere meno figurativo e più astratto.Qui invece;gli oggetti sono immediatamente riconoscibili;separati l'uno dall'altro e disposti su un piano bidimensionale.La prospettiva non esiste e gli oggetti sono resi con forme geometriche ben definite;accentuate dai toni brillanti dei colori.La maschera sul lato sinistro e il bordo di una cornice in legno informano l'osservatore che quella di fondo è una parete;sulla quale si alternano i colori blu e verde;stesi a macchie come in gran parte dei dipinti di Friscia.|Sulla tela è raffigurata una composizione astratta.Si tratta di una natura morta in cui gli oggetti sono disposti su un piano d'appoggio bidimensionale ed occupano tutto lo spazio.A sinistra;in successione;sono dipinti un coltello;due peperoncini ed un frutto;sul lato destro invece;un vaso con fiore ed altri frutti.Sul fondo si vede il bordo di una cornice appesa alla parete ed una maschera sulla sinistra.
Su di un basamento a gradini si erge un cippo quadrangolare realizzato in pietra e marmo travertino sulle cui facce son presenti lastre marmoree con l’indicazione dei caduti nel corso della Grande guerra e della Seconda guerra mondiale;insieme ad una iscrizione commemorativa dedicata agli stessi caduti.Al di sopra del basamento vi è il gruppo scultoreo in marmo bianco di Pietrasanta che rappresenta una figura femminile alata;personificazione della Vittoria;che abbraccia e bacia un soldato morente in battaglia;ai loro piedi rami con foglie di quercia e di alloro;insieme ad un fucile e ad un bastone.Sulla facciata principale del basamento vi è un fregio con bacche e fogliame interrotto da un tondo;con l’indicazione degli anni relativi alla guerra 1915-1918;alla cui sommità è visibile parte di un pugnale in bronzo.Sulla facciata posteriore del basamento il fregio con bacche e fogliame è interrotto da un tondo recante l’indicazione dell’anno di realizzazione del’opera.L'opera è circondata da un'aiuola a base quadrangolare e recintata da una cancellata in ferro battuto..Figure:soldato;angelo.Allegoria:Vittoria.Abbigliamento:(soldato) giubba;pantaloni;scarponi;cintura;elmo;(Vittoria) tunica.Decorazioni:ramo con foglie di quercia;ramo con foglie di alloro.Oggetti:bandiera.Armi:fucile
serie di tre capitelli decorati con doppio giro di foglie nervate;terminanti a crochet con sferule arricciate;due di essi sono sorretti da colonnine a fusto liscio;il terzo è inserito nella muratura delle pareti del chiostro.|Colonnine e capitelli delle bifore del chiostro dell'Abbazia di Casamari meritano una particolare attenzione per il ricco repertorio iconografico che presentano;caratterizzato da diversi motivi decorativi che in molti casi si avvicinano;anche stilisticamente;a quelli di matrice borgognona;mediata talvolta dalla cultura locale dei lapicidi e dalla lontananza anche temporale dalle prime forme bernardine (per le notizie relative al chiostro vedi scheda con NCT 1200707285).Uno dei tre capitelli;in precedenza murato;è stato ritrovato recentemente a conferma del fatto che in origine il chiostro si presentava come un continuum di colonnine e archetti.L'attuale assetto;infatti;si deve ai restauri del Settecento che inserirono nella spessa muratura del "claustrum" due coppie di bifore a lato delle aperture centrali ad arco che invitano verso il pozzo del giardino.
La Madonna;seduta su uno scranno lavorato a traforo;sorregge il Bambino benedicente seduto sulle sue ginocchia;i piedi sono poggiati su un suppedaneo semicircolare con motivi a girali vegetali.Gesù regge con la mano sinistra un rotulo e con la destra benedice i riguardanti;ha una lunga veste decorata e un mantello chiuso sul petto.La Vergine;con il capo velato;è seduta in posizione frontale;indossa un vestito ampiamente panneggiato e un manto con motivi geometrici e vegetali.|Sull'opera esiste una cospicua bibliografia.Se ne occuparono il Celidonio;che la datò al X secolo;il Balzano;il Piccirilli;che l'assegnò al secolo XI;il Bertaux che la ritenne imitazione di una scultura del secolo XIII facente parte di un trittico d'altare;una volta nella Collegiata di Alba Fucens e oggi a Roma;a Palazzo Venezia.Giustamente il Gavini;seguito dal Toesca;attribuiva l'opera ad un artista casauriese;attivo nella seconda metà del secolo XII;al tempo dell'abate Leonate;cui si deve la ristrutturazione e la decorazione di S.Clemente a Casauria.Un parallelo stilistico immediato è infatti riscontrabile col rilievo della Madonna col Bambino nella lunetta del portale destro di S.Clemente oltre che con la scultura oggi collocata in una nicchia della Cattedrale di S.Pelino a Corfinio.I tre rilievi sono esempi notevoli di scultura romanica;ancora legata a moduli stilistici bizantini;per la positura rigorosamente frontale;il panneggio stilizzato;la rigidità espressiva dei volti;la minuzia delle decorazioni e le tracce di una policromia brillante;quasi smaltata.La denominazione "delle Fornaci" data dalla tradizione popolare alla scultura di S.Panfilo deriverebbe dalla sua provenienza dal borgo Pinciaro dove anticamente esistevano fornaci per la fabbricazione di tegole (cosiddetti "pinci") e un tempio dedicato alla Vergine.
Opera fondamentale di Jan de Beer;che la portò a termine nel 1515 con la collaborazione della sua florida bottega;che aveva sede ad Amiens.Ewing (1978;p.244) ipotizza che i due scomparti laterali fossero stati affidati da Jan de Beer al così detto "Maestro di Amiens";uno dei suoi migliori allievi.Sulle facce esterne dei laterali era raffigurata l'Annunciazione in grisaille;prologo delle scene raffigurate all'interno.E' stato ipotizzato che l'opera potesse provenire dal convento di Santa Maria Maddalena delle Covertite alla Giudecca in quanto Francesco Sansovino (1581;p.157) menziona in quel convento un'opera di Durer;lo stesso Francesco Sansovino (1581;p.160) ricorda nella chiesa di Santa Maria dei Servi a Venezia una "palla col presepio e co i Re Magi di Giovanni di Bruggia";e cioè di Van Eyck.Per Sandra Sicoli;che ha redatto la scheda nel catalogo della Pinacoteca di Brera (vol.VII;p.21 n.2;cui si rimanda per la biografia precedente);l'ipotesi più accreditata è quella del Weiss;secondo il quale l'opera sarebbe stata eseguita per il convento di Santa Maria Maddalena.Campell (1981;p.468) ipotizza che il trittico;giunto a Brera nel 1808;sia invece da identificare con quello nella chiesa di chiesa di Santa Maria dei Servi.Il trittico;già attribuito in precedenza a Durer;a Luca d'Olanda (nella Guida alla Pinacoteca del 1822) e al Civetta (nell'elenco dei dipinti della Pinacoteca del 1903) è stato restituito a Jan de Beer dal Fridlander.Nel catalogo della mostra 'Rinascimento a Venezia' (p.472) è stata evidenziata l'influenza che il trittico di Jan de Beer ebbe sulla pittura veneta delgli anni Venti del XVI secolo;e in modo particolare su Lotto e Savoldo;soprattutto per gli effetti di luce sovranaturale che illumina la notte della Natività (cfr.con 'Natività' di Lotto ora alla Pinacoteca Nazionale di Siena;e 'Adorazione del Bambino' di Savoldo;ora in collezione privata milanese).Il trittico;eseguito secondo i dettami della "devotio moderna";avrebbe indotto i fedeli;attraverso la contemplazione degli episodi principali della Sacra Famiglia;ad uniformarsi a quello stile di vita.Le tre scene interne sono collegate fra loro solo dal punto di vista tematico:paesaggio;effeti di luce e proporzioni delle figure sono diverse.E' proprio su tale diversità che si base l'ipotesi di un'ampia collaborazione del Maestro di Amiens con Jan de Beer;che avrebbe affidato al miglior allievo della sua bottega;l'esecuzione dei due pannelli laterali.
Il reliquiario a ostensorio si può datare ai primi anni del Seicento (Nardinocchi 1995).Insieme ad altri tre nello stesso materiale e della stessa tipologia;ma con caratteristiche formali e decorative diverse;tutti improntati ad un gusto sobrio e lineare;costituisce un gruppo situabile cronologicamente negli anni tra la fine del Cinquecento e gli inizi del Seicento.La lavorazione del cristallo di rocca;vanto delle officine milanesi;venne poi molto praticata anche a Firenze con la fioritura delle botteghe granducali specializzate nella lavorazione delle pietre dure;cui diede impulso soprattutto il granduca Ferdinando I.|Reliquiario a ostensorio in cristallo di rocca con piede a sezione ottagonale e fusto a balaustro contraddistinto da tre nodi sfaccettati alternati a strozzature.La teca ha forma ovale ed è inserita entro una raggiera con terminazioni a giglioi.