assistant: Este es un resumen de los 12 principios de la animación según Adobe:

1. Aplastar y estirar:
Aplastar y estirar los objetos o incluso las personas da la sensación de que tienen peso y flexibilidad. Al animar un objeto sencillo, como una pelota que rebota, puedes aplastarla y ensancharla cuando golpea el suelo.

2. Anticipación.
Utiliza la anticipación para aportar realismo cuando deseas preparar al público para una acción. Estudia qué hacen las personas cuando se preparan para hacer algo. Un futbolista a punto de lanzar un penalti se estabilizan con los brazos o lanza la pierna hacia atrás antes de golpear la pelota. Si un golfista quiere golpear la pelota, primero debe lanzar los brazos hacia atrás.

3. Staging.
Al estudiar la puesta en escena, desempeñas la función del director de cine o de teatro. Debes pensar en dónde vas a situar la cámara, en qué la vas a enfocar, dónde van a estar los “actores” y qué van a hacer.
Se trata de conseguir es que la atención del público se concentre en los elementos importantes de la historia que quieres contar y evitar distraerlos con detalles innecesarios.

4. Animación directa y pose a pose.
En las escenas de animación directa, se anima cada fotograma de principio a fin. Esto se hace para crear una ilusión de movimiento fluido en las escenas de acción, pero no cuando lo que deseas es crear poses (o posturas) exactas en las que se mantienen las proporciones.

En la animación pose a pose, los animadores comienzan por dibujar los fotogramas clave y, después, completan los intervalos. Como la relación con el entorno y con la composición cobra más importancia, este enfoque es preferible para las escenas emocionales y dramáticas.

5. Acción complementaria y acción superpuesta.
La acción complementaria se refiere a las partes del cuerpo que continúan moviéndose cuando el personaje se detiene. A continuación, las partes se dirigen al centro de gravedad, igual que en una persona real.

Las partes del cuerpo no se mueven a la misma velocidad. La acción superpuesta representa esta realidad. Por ejemplo, el pelo de un personaje podría moverse debido al impulso de la acción pero, una vez finalizada, continúa moviéndose durante un poco más de tiempo que el resto del personaje.

6. Acelerar y desacelerar.
En el mundo real, los objetos tienen que acelerar cuando empiezan a moverse y desacelerar antes de detenerse.

7. Arcos.
En la vida real, la mayoría de las acciones presentan una trayectoria en arco. Para lograr mayor realismo, los animadores deben respetar este principio. Tanto al crear el efecto de las extremidades al moverse como al lanzar un objeto, los movimientos que siguen arcos naturales generarán fluidez y evitarán una animación antinatural e irregular.

8. Acción secundaria.
Este principio de la animación ayuda a enfatizar la acción principal en una escena aportando una dimensión adicional a los personajes y objetos. Los matices sutiles, como la forma en que una persona balancea los brazos al andar por la calle, confieren carácter a tus creaciones y hacen que parezcan más humanas.

9. Horario.
Al igual que en la vida real, la animación es cuestión de cadencia. Si consigues aplicar bien este principio, la animación resultará más realista, porque dará la sensación de que todo sigue las leyes de la física. Piensa en el tamaño y el peso de los personajes en relación con las personas y objetos que los rodean. Un objeto o una persona ligeros reaccionarán con más rapidez al empujarlos que si son pesados.

10. Exageración.
Una idea clásica y un ejemplo de la exageración en animación es la caída de la mandíbula. Cuando un personaje se sorprende o se enamora a primera vista, a menudo los animadores no se limitan a representarlo con una expresión un poco anonadada o con la boca abierta. Para transmitir la idea, hacen que la mandíbula del personaje caiga mucho más abajo de lo que sería realista, a menudo incluso hasta el mismísimo suelo.

11. Dibujo sólido.
El dibujo sólido en animación es uno de los principios más difíciles de aplicar correctamente, en especial en la animación tradicional. Esto se debe a que tienes que conseguir que las creaciones parezcan tridimensionales y conferirles peso y volumen.

12. Atractivo.
Los animadores deben asegurarse de que todas sus creaciones sean atractivas, tanto si se trata de una dulce oruga como si es un dragón infernal empeñado en destruirlo todo. No existe una fórmula, pero una buena idea para que una creación resulte adorable es hacer que su rostro sea redondeado e infantil. Con frecuencia, los héroes tienen rasgos marcados, angulares y simétricos.