cyanic-selkie/wikianc huggingface dataset:
İtalyan Rönesansı'nda resim
Flaman etkisi
1483'te Hugo van der Goes tarafından boyanmış Çobanların Hayranlığı'nın devasa sunağı Floransa'ya geldi. Portinari ailesinin emriyle 1475 gibi erken bir tarihte boyanmış, Bruges'den sevk edilmiş ve Santa Maria Nuova hastanesindeki Sant' Egidio Şapeli'ne yerleştirilmiştir. Sunak, Portinari bağışçılarının parlak siyah kadife cüppeleriyle tezat oluşturan yoğun kırmızı ve yeşillerle parlıyor. Ön planda, biri sırlı çanak çömlek, diğeri camdan yapılmış zıt kaplarda çiçeklerin bir natürmortu var. Cam vazo tek başına dikkatleri üzerine çekmeye yetiyordu. Ancak triptiğin en etkileyici yönü, kirli sakallı, yıpranmış elleri ve hayranlıktan meraka ve anlamazlığa kadar değişen ifadeleri olan üç çobanın son derece doğal ve gerçekçi kalitesiydi. Domenico Ghirlandaio, uzun yüzlü Flaman olanın yerine güzel bir İtalyan Madonna ve çobanlardan biri olarak teatral bir şekilde el kol hareketi yapan kendisi ile derhal kendi versiyonunu çizdi. Van Eyck'in görsel olgulara olan ilgisinin gösterildiği bir diğer çalışma ise arka duvarda asılı olan dışbükey aynadaki yansımasına yer verdiği Arnolfini Düğün Portresi (1434; Londra, Ulusal Galeri)'dir. Sanatçının, "bazıları tarafından bir otoportre olduğuna inanılan ünlü Kırmızı Sarıklı Adam (1433; Londra, Ulusal Galeri) ve karısı Margaret van Eyck'in (1439; Brugge, Groeningem Müzesi). Jan'ın her ayrıntıyı titizlikle işleme konusundaki ilgisi bu çalışmalarda açıkça görülmektedir. Her saç teli, deri kıvrımı ve damar açıkça belirtilmiştir. Her iki figür de, gözleri sıkıca izleyiciye sabitlenmiş, üç çeyrek pozisyondadır.
Van Eyck'in sanatı, görsel ile sembolik ve seküler ile dini olanı karıştırıyor. Figürlerinin ve gündelik nesnelerin doldurduğu alanlardaki oymalar, görüntülerini derin bir maneviyatla yüklüyor. Yağlı boya tekniğindeki ustaca manipülasyonu gerçekçi atmosfer ve ışık efektleriyle sonuçlanırken, her ayrıntıyı işlemesi dünyayı yakından gözlemlediğini ve onu resimsel yüzeyde kopyalama arzusunu ele veriyor. En sadık takipçisi, bazılarının van Eyck'in öğrencisi olduğuna inanılan ve Eyck'in gerçekçilik, yansıtıcı nesneleri tasvir etmeye olan ilgisi ve yüzey ve renk zenginliği üzerindeki vurgusunu sürdüren Petrus Christus'du.
Papalık komisyonu
1477'de [[IV. Sixtus|Papa IV. Sixtus]], birçok papalık hizmetinin yapıldığı Vatikan'daki terk edilmiş eski şapelin yerini aldı. Onun onuruna Sistina Şapeli olarak adlandırılan yeni şapelin içi, orta seviyedeki sütunların arasında bir dizi 16 büyük fresk ve üstlerinde bir dizi boyalı papa portreleri olacak şekilde baştan planlanmış gibi görünüyor. 1480'de, Floransa'dan bir grup sanatçı eserle görevlendirildi: Botticelli, Pietro Perugino, Domenico Ghirlandaio ve Cosimo Rosselli. Bu fresk döngüsü, temada birbirini tamamlayan fresklerle şapelin bir tarafında Musa'nın Yaşam Öyküleri, diğer tarafında İsa'nın Yaşam Öyküleri'ni tasvir etmekti. İsa'nın Doğuşu ve Musa'nın Bulgusu, sunağın arkasındaki duvara bitişikti ve aralarında Meryem'in Göğe Kabulü'nün bir sunağı vardı. Tamamı Perugino'ya ait olan bu resimler daha sonra Michelangelo'nun Son Yargısını yapmak için yok edildi. IV. Sixtus tarafından başlatılan Sistine Şapeli'nin 15. yüzyılın sonlarında yapılan dekoratif kampanyası sırasında, tavan maviye boyandı ve gökleri simgelemek için yıldızlarla noktalandı. 1504'te tavanda büyük bir çatlak belirdi ve onarımı korkunç bir iz bıraktı. Bu, Sixtus'un yeğeni Papa II. Julius'a, daha önceki duvar fresklerini tamamlayacak ve iki della Rovere papalık saltanatının görsel bir sürekliliğini sağlayacak şekilde resimli bir programla yeniden dekore ettirilmesi için itici güç verdi. Julius, komisyonu Michelangelo'ya verdi. İlk başta, sanatçıdan süs motifleriyle çevrili 12 Havari'den fazlasını yapmamasını istedi, ancak Michelangelo programın basitliğine itiraz edince şema kısa sürede değiştirildi. Papa'nın Michelangelo'ya istediğini yapması için tam bir özgürlük verdiği söylendi, ancak bu görev için bir teolojik danışman kullanmış olabilir - belki de Papa'nın kuzeni Fransisken kardinal Vigerio della Rovere.
alt=Rectangular fresco|küçükresim|300px| 380x380pik| Domenico Ghirlandaio ve atölye: [[Havarilerin Meslekleri, Sistine Şapeli
Kalan 12 resim, bu sanatçıların eriştiği ustalığı ve normalde çok farklı stil ve beceriler kullanan bireyler arasındaki bariz işbirliğini gösteriyor. Resimler, yol gösterici meleklerden öfkeli Firavunlara ve şeytanın kendisine kadar çok sayıda erkek, kadın ve çocuk figürü ve karakter içerdiğinden yeteneklerini tam olarak veriyordu. Her resim bir manzara gerektiriyordu. Sanatçıların üzerinde anlaştığı figürlerin ölçeği nedeniyle, her resimde manzara ve gökyüzü, sahnenin üst yarısının tamamını kaplıyor. Bazen, Botticelli'nin The Purification of the Cüzzamlı sahnesinde olduğu gibi, manzarada yer alan ek küçük anlatılar vardır, bu örnekte The Temptations of Christ. Nihai tasarımda Michelangelo, üç uyumlu grupta organize edilmiş birden fazla sahne seçti; dıştakiler, Mesih'in gelişini önceden bildiren sibiller ve peygamberler tarafından işgal edildi. Her birinin üstünde iki ignudi (çıplak adam), aralarında hayali bir bronz madalyon ve ellerinde meşe yaprakları ve meşe palamudu, della Rovere ailesine atıfta bulunur (rovere İngilizce'de "meşe" dir). Şapelin pencerelerinin üzerindeki ayçiçekleri ve görücüler arasındaki köşelikler, Mesih'in ataları tarafından işgal edilirken, köşe köşebentleri, özellikle David Slaying Goliath, Judith ve Holofernes, The Brazen Serpent ve The Death of Haman'ın Mesih'in kurban edilmesini önceden şekillendiren sahnelere sahiptir. Orta bantta Yaratılış Kitabı'ndan dokuz sahne var. Bunlardan üçü Baba Tanrı'nın dünyayı yarattığını, üçü Adem ve Havva'nın hikâyesinden sahneleri tasvir ediyor ve üçü de Nuh'un hikâyesinden. Tavanı oluştururken, Michelangelo'nun yaklaşık bir düzine yardımcı kullandığı biliniyor, ancak esas olarak hazırlık aşamaları için. Bundan sonra, freskleri neredeyse tamamen kendi başına boyadı, yaklaşık 13.000 fit karelik bir resim alanına yaklaşık 380 figür eklediğini göz önünde bulundurarak devasa bir görevdi.
Perugino'nun İsa'nın Aziz Petrus'a Anahtarları Vermesi sahnesi, kompozisyonunun netliği ve sadeliği, izleyiciler arasında bir otoportre içeren figüratif resmin güzelliği ve özellikle de ona atıfta bulunan perspektif şehir manzarası için dikkat çekicidir. Peter'ın iki zafer takı mevcudiyeti ile Roma'ya bakanlığı ve merkezi olarak bir Hristiyan vaftizhanesi veya bir RomaMozolesi olabilecek sekizgen bir bina yerleştirdi. Michelangelo'nun orta grupta yaptığı ilk sahneler biraz tereddüt gösteriyor. Tufan bütünlükten yoksundur, figürleri resimsel yüzeye dağılmıştır. Daha sonra Michelangelo, İncil'deki bu bölümler çok uzak bir mesafeden izlenebileceği için netlik ve sadeliğin önemini fark etti; bu nedenle sonraki sahnelerde figürlerin sayısını azalttı, anıtlaştırdı ve ön plana yaklaştırdı. Ayrıca, ana temadan çok az dikkat dağıtırken, hikâyeyi etkili bir şekilde iletmek için yalnızca arka plan ayrıntılarını dahil etti. Adem'in Yaratılışı bu ayarlamaları gösterir. Tüm odağı "hikayenin en önemli anına yerleştirir: Tanrı'nın işaret Parmağı, yaşam kıvılcımını iletmek için Adem'in Parmağına dokunmak üzeredir.
Yüksek Rönesans tablosu
Resmin Yüksek Rönesansı, çeşitli ifade araçlarının, hem fiziksel hem de psikolojik özelliklerin ve resim tekniğindeki çeşitli ilerlemelerin doruk noktasıydı. ton kontrastı, sfumato (renkler arasındaki geçişi yumuşatma) ve chiaroscuro (açık ve koyu arasındaki kontrast), dahil olmak üzere ışık ve karanlığın manipülasyonu, toplam kompozisyon düzenini, dengeyi ve uyumu ifade eden tek bir birleştirici tarzda Marcia Hall'a göre, cangiante ve onun unione dediği şey, Yüksek Rönesans'ta dört özel resim stili yapmak için chiaroscuro ve sfumato'ya eklenebilir; bunlar şimdi bazen dönemin "kanonik resim modları" olarak gruplandırılıyor. Genel olarak, Michelangelo'nun figürleri sağlam ve heykelsi, mermer, bronz ve diğer heykel malzemelerinin yüzeyini taklit eden cesur renk alanlarından yapılmıştır. İnsan formunun hareket halindeki keskin gözlemi, çalışmalarına yansır. Figürler dönerken, derileri kırışırken, karşı bacağın arkasına sıkışmış bir ayak baldır kasını ileri doğru iter ve hiçbir poz tekrarlanmaz. Michelangelo, erkeksi kadınları resmettiği için mevcut burslarda ağır bir şekilde eleştirildi. Ancak bu durumda, tavanda resmedilen kadınların büyük bir sorumluluğu olduğu için seçim uygun görünüyor. Böylece aşırı kaslı makyajları haklı çıkar. Örneğin Havva, insanlığın anasıdır ve sibiller, dünyaya Mesih'in gelişini bildiren kadınlardır.
Özellikle, resmin tek tek parçaları, dinamik bir bütünle karmaşık ama dengeli ve iyi örülmüş bir ilişkiye sahipti. Yüksek Rönesans resmi, batı resminin mutlak zirvesi olarak kabul edilir ve gerçek ile ideal, hareket ile dinlenme, özgürlük ile yasa gibi çelişkili ve görünüşte birbirini dışlayan sanatsal konumların uyum içinde dengelenmesini ve uzlaştırılmasını sağlamıştır., uzaya karşı düzlem ve çizgiye karşı renk. Tavan programında birçok yorum sunuldu. Bazıları için Michelangelo'nun eseri, din öncesi dönemden putperestliğe ve nihayet Hristiyanlık dönemine kadar insanlık tarihinden bahseder. Bu okumada, körlükten aydınlanmaya geçiş, ruhun Tanrı ile birliğe ulaşmak için tefekkür yoluyla dünyevi olandan ruhsal olana giden yörüngesinin Neoplatonik öğretisine karşılık gelir. Diğerleri tavanı Dominik, Fransisken ve Augustinian teolojisiyle ilişkilendirdi. Pentekostal ve Apokaliptik yorumlar da sunuldu.
Çoğu sanat tarihçisi, Yüksek Rönesans'ın 1495 veya 1500 civarında başladığını ve 1520'de [[Raffaello'in]] sona erdiğini belirtir, ancak bazıları Yüksek Rönesans'ın 1525'te veya 1527'de RomaYağmalaması ile sona erdiğini söyler. [[V. Karl, Kutsal Romaİmparatoru]], veya yaklaşık 1530. Birçok kişi, Leonardo da Vinci'nin 1495'te başlayıp 1498'de tamamlanan Son Akşam Yemeği'ni Yüksek Rönesans'ın ilk eseri olarak anar. Frederick Hartt, 1985 tarihli A History of Art: Painting, Sculpture and Architecture adlı kitabında, 1520 ile 1530 arasındaki dönemin Yüksek Rönesans ile Üslupçuluk arasında bir geçiş dönemi olduğunu belirtir. Yüksek Rönesans'a üç ressam hakimdi: Leonardo da Vinci, Michelangelo ve Raffaello; Giovanni Bellini, Giorgione ve Titian, Venedik Yüksek Rönesans resminin liderleriydi; Correggio ve Andrea del Sarto, Yüksek Rönesans tarzının diğer önemli ressamlarıydı. 1511'de, iskele geçici olarak kaldırıldığında Raffaello, Sistine tavanını görme fırsatı buldu. Gördüklerinin etkisi o kadar büyüktü ki, Stanza della Segnatura fresklerine (1510-1511) geri döndü ve Michelangelo'yu Atina Okulu'na ekledi. Önünde bir taş ustasının önlüğü ve yumuşak çizmeleri giymiş adamı, hemen fark edilebilmesi için diğerlerinden izole edilmiş olarak tasvir etti. Düşünceli tavrı, dehanın mizacı olan Melancholia'nınkidir. Michelangelo'yu antik çağın en büyük beyinleri arasına yerleştirip onu dehanın kişileştirilmiş hali olarak betimleyerek Raffaello, akıl almaz olanı henüz başarmış bir adama saygılarını sundu. Belki de Michelangelo'nun taş ustasının kıyafeti, bilinçli ya da başka bir şekilde Raffaello'in hayal kırıklığını ifade ediyor.
Leonardo da Vinci
Leonardo (1452-1519) [[Milano'ya taşınmadan önce, eğitim yıllarını Verrocchio'nun]] Floransa atölyesinde geçirdi; burada, 1500'den 1506'ya kadar Floransa'ya dönmeden önce 1482'den 1499'a kadar çalıştı. İlgi alanlarının kapsamı ve çok çeşitli alanlarda sergilediği olağanüstü yetenek derecesi nedeniyle, arketip " Rönesans adamı " olarak kabul edilir. Ancak kendi döneminde en çok bir ressam olarak hayranlık duymuş ve bir ressam olarak diğer ilgi alanlarından edindiği bilgilerden yararlanmıştır. Yüksek Rönesans'ı başlatan sanatçı. Leonardo da Vinci, sadece sanatta değil, birçok alanda da dönemin büyük aydınlatıcıları arasındaydı. Meraklı doğası onu optik, astronomi, havacılık, anatomi, botanik ve hidrolikte deneylere yönlendirdi. O bir ressam, heykeltıraş, mimar, mühendis, matematikçi ve bilim insanıydı, dahil olduğu alanlardan sadece birkaçıydı. Leonardo aynı zamanda sanatçının statüsünü zanaatkardan dehaya yükseltmede etkiliydi. Trattato della Pittura'da [Resim Üzerine İnceleme], sanatçının yaratıcı güçlerinin Tanrı'nınkiler gibi olduğu görüşünü ifade eder. Sanatçı sadece bir kol işçisi değil, aynı zamanda bir düşünür ve teorisyendir; bu nedenle resim, daha asil bir organ olan göze, bu ikisi kulağa bağlı olduğu için, müzik veya şiirden daha yüksek bir liberal sanat olarak kabul edilmelidir.
Leonardo bilimsel bir gözlemciydi. Şeylere bakarak öğrendi. Tarlaların çiçeklerini, nehrin girdaplarını, kayaların ve dağların şeklini, yeşilliklerden yansıyan ve bir mücevherde parıldayan ışığı inceledi ve çizdi. Özellikle, kasları ve sinirleri anlamak için bir hastaneden otuz veya daha fazla sahipsiz kadavrayı keserek insan formunu inceledi. Leonardo, Floransayakınlarındaki Vinci kasabasından bir Toskana noterinin gayri meşru oğluydu. Babası ve babasının eşi tarafından büyütülmek üzere küçük yaşta annesinden alındı. Bu olayın neden olduğu travma, yasal çocukların haklarını elinden alması ve solak olduğu için damgalanması gerçeği, insanlardan kopmasına ve sanata ve bilimsel deneylere tamamen dalmasına neden oldu. 30'dan fazla cesedi parçalara ayırdığı ve bulgularını defterlerine ve çizimlerine titizlikle kaydettiği bilinmektedir. Askeri silahlar icat etti; tanklar; uçan makineler; 1509'da bir teleskopun üretilmesiyle sonuçlanan içbükey aynalar oluşturmak için bir öğütücü; ve benzeri birçok nesne.
Leonardo, Giotto tarafından önceden şekillendirilen, ancak Masaccio'nun Adem ve Havva 'sından beri bilinmeyen insan duygularının ifadesinde bir dereceye kadar gerçekçilik elde etti. Santa Maria delle Grazie ([[Milano)]] Manastırı'nın yemekhanesinde 1495'ten 1498'e kadar boyanmış Leonardo'nun Son Akşam Yemeği, sonraki yarım bin yıl için dini anlatı resminin ölçütü haline geldi. Diğer birçok Rönesans sanatçısı, Son Akşam Yemeği'nin versiyonlarını boyadı, ancak yalnızca Leonardo'nun ahşap, kaymaktaşı, alçı, litografi, goblen, tığ işi ve masa halılarında sayısız kez yeniden üretilmesi kaderindeydi. Leonardo, sanatçı olarak eğitimini, anatomi ve fizyonomiye ilgi duyduğu Andrea del Verrocchio'nun stüdyosunda aldı. 1472–1475 yılları arasında, soldaki diz çökmüş meleğin ve arka plan manzarasının kendisine atfedildiği Mesih'in Vaftizinde (Floransa, Uffizi) ustasına yardım etti, çünkü bunlar imza çalışmalarının aynı yumuşaklığını ve yemyeşil fırça işçiliğini sergilediler. İlk solo çalışması, Floransadışındaki Monte Oliveto Manastırı için yaptığı eşsiz bir kompozisyon olan Müjde (1470'lerin sonu; Floransa, Uffizi) idi. Burada sahne, her zamanki iç mekan ev ortamı yerine, Bakire'nin evinin önünde açık havada gerçekleşir. Adanmışlık kitabı, belki de oğlunun gelecekteki ölümünü belirtmek için özenle oyulmuş bir Romacenaze vazosu üzerine kuruludur. Başmelek Cebrail'in inerken yarattığı rüzgar bahçedeki çiçeklerin eğilmesine neden olur. Bunlar, meleğin tuttuğu zambaklar gibi, Bakire'nin saflığının sembolleri gibi botanik olarak doğrudur.
"Atmosfer" araştırmasını ve resmini diğer tüm sanatçılardan daha fazla geliştirdi. Mona Lisa (c.1503-1517) ve Kayaların Bakiresi (1483-1486) (tamamen kendi eliyle yapılmış en eski eser) gibi resimlerinde ışığı ve gölgeyi o kadar incelikle kullanmıştır ki, daha iyi bir kelime, Leonardo'nun "sfumato" veya "duman" olarak tanındı. Figürler arasındaki geçişi gerçek çizgiler yerine renk modülasyonu ile tanımlayarak devrim niteliğinde bir renk kullanımı sergiledi. Çalışmaları izleyiciyi değişen gölgeler, kaotik dağlar ve dönen sellerden oluşan gizemli bir dünyaya davet etti. Leonardo'nun bir diğer önemli eseri ise The Virgin and Child with Saint Anne (c.1503-1519); grubun anıtsal üç boyutlu kalitesi ve kompozisyondaki dinamizm ve gerilimin hesaplanmış etkileri, onu Klasisistlere ve Maniyeristlere eşit ölçüde ilham veren bir model haline getirdi. Eserlerin doğrudan etkisinin yanı sıra, Leonardo'nun ışık, anatomi, manzara ve insan ifadesi konusundaki çalışmaları, kısmen onun cömertliği sayesinde bir öğrenci maiyetine yayıldı. Leonardo'nun toprak tonlarına, zeytinlere, mavilere ve koyu kırmızılara vurgu yapan paleti, animasyonlu düzenlemelerde birbirine yakın yerleştirilmiş çeşitli perdelik kıvrımlar gibi sanatında yaygındır. Leonardo'nun Benois Madonna'sı (St. Petersburg, Hermitage) da bu döneme denk gelir. Buradaki Bakire genç bir figürdür ve tombul çocuk bir bebeğin yapacağı gibi görünür ve davranır. Leonardo'nun insan formu ve fizyonomisini yakından incelemesi, figürlerin ve yüz ifadelerinin gerçekçi bir şekilde yorumlanmasına yol açtı. Bu çalışmada, figürlere dumanlı, gizemli bir nitelik kazandıran, tasarladığı bir gölgeleme tekniği olan sfumato ile deneyler yapmaya başladı.
1481'de Leonardo, Floransa'nın hemen dışındaki San Donato Manastırı için Magi'nin Hayranlığı'nı (Floransa, Uffizi) boyamakla görevlendirildi, Milano'ya taşındığında yarım bıraktığı bir çalışma. Sadece alt çizimi yaratmayı başardı ve bize boyama yöntemi hakkında biraz bilgi verdi. Kompozisyonun genelini çizmek için önce hardal tonlarını kullandı ve ardından diğer renklerini alt boyamanın üzerine katmanlar halinde ekledi. Bu, Leonardo için koyu tonların baskın olduğu anlamına gelir. Bitmemiş durumuna rağmen, çalışma Leonardo'nun Mesih Çocuğuna tapmaya gelenlerin çılgın heyecanını yakalama niyetini ifşa ediyor. Leonardo, 1481 veya 1482'de Sforza için sanatçı, askeri ve inşaat mühendisi olarak çalışmak üzere Milano'ya gitti. Milano'dayken, yemekhanedeki ünlü Son Akşam Yemeği (1495-1498) San Francesco Grande Kilisesi'ndeki Immaculate Conception Confraternity of the Immaculate Conception şapeli için Kayaların Madonna'sını (1483–1486; Paris, Louvre) boyadı. Santa Maria delle Grazie Manastırı ve Ermineli Bir Kadının Portresi (c. 1485; Krakow, Czartoryski Müzesi). 1499'da Milano, Fransızlar tarafından işgal edildi ve Leonardo'yu şehri terk etmeye zorladı. 1500'de Venedik'te ve ardından Floransa'da kaydedildi ve burada Madonna ve Çocuk'u Aziz Anne ile boyadı (c. 1508–1513; Paris, Louvre) Santissima Annunziata Kilisesi'nin yüksek sunağı ve Mona Lisa (1503), şimdi Paris'teki Louvre'da. 1503'te Floransa Cumhuriyeti, Leonardo'dan Anghiari Muharebesi (en) 'nı (1503-1506) Palazzo Vecchio'nun Konsey Odasında, Michelangelo'nun Cascina Savaşı'nı (1504-1506) yarattığı sırada yapmasını istedi. 1506'da Leonardo, Papa Leo X tarafından Roma'ya davet edildiği 1513'e kadar kaldığı Milano'ya döndü. Vatikan'da, I. François tarafından Fransız mahkemesine çağrıldığı 1517 yılına kadar bilimsel araştırmalarla uğraştı. Francis, Leonardo'nun evi olarak kullanması için kraliçenin malikanesini (Château de Cloux) sağladı ve onu yarışmaların sahnelenmesiyle meşgul ederek bilimsel araştırmalarına devam etmesine izin verdi. Leonardo, 1519'da Fransa'da öldü.
Michelangelo
1508'de Papa II. Julius, Floransalı heykeltıraş Michelangelo|Michelangelo'nun]] (1475-1564) Sistine Şapeli'nin dekoratif düzenini sürdürmeyi kabul etmesini sağlamayı başardı. Sistine Şapeli'nin tavanı, On İki Havari'yi boyamak için ideal yüzeyler oluşturan tonozları destekleyen on iki eğimli pandantif olacak şekilde inşa edilmiştir. Michelangelo kısa süre sonra tamamen farklı bir şema tasarladı, hem tasarım hem de ikonografi açısından çok daha karmaşık. El yardımı dışında tek başına yaptığı işin ölçeği devasaydı ve tamamlanması yaklaşık beş yıl sürdü. Babası Simone Buonarroti'nin vali olduğu Arezzo yakınlarındaki Caprese'de doğan sanatçı. Simone'un görev süresi sona erdiğinde, aile kendi Floransa'sına döndü. Hâlâ bir bebek olan Michelangelo, Desiderio da Settignano ve Rossellino kardeşlerin doğdukları taş ustaları köyü Settignano'da bir sütanneye gönderildi. Michelangelo, heykel tutkusunu açıklamak için hayatının bu detayını kullandı. Sütannesi tarafından emildiğinde, mesleğinin araçlarını yuttuğuna dair sık sık şaka yapardı. En sevdiği aktivite heykel yapmak olsa da, Michelangelo aynı zamanda başarılı bir ressam, mimar ve şairdi.
Papa'nın Havariler için planı, duvarlardaki Eski Ahit ve Yeni Ahit anlatıları ile portre galerisindeki papalar arasında tematik olarak resimsel bir bağlantı oluşturacaktı. Bu köprüyü yapan on iki havari ve Roma'nın ilk Piskoposu olan liderleri Petrus'tur. Ama Michelangelo'nun planı ters yöne gitti. Michelangelo'nun tavanının teması, Tanrı'nın insanlığın kurtuluşu için büyük planı değildir. Konu insanlığın rezaletiyle ilgili. İnsanlığın ve inancın neden İsa'ya ihtiyaç duyduğuyla ilgili. Küçük yaşta ressam olmaya karar vermişti. Babası buna karşıydı, çünkü o zamanlar el emeği olarak kabul edilen sanatın, soylu statüleriyle çelişen bir faaliyet olduğunu düşünüyordu. Ancak sonunda Simone pes etti ve 13 yaşındaki Michelangelo'yu Domenico del Ghirlandaio'nun atölyesine yerleştirdi. Bir yıl sonra, çocuğun yeteneğini fark eden Lorenzo "Muhteşem" de’ Medici onu bahçesinde kurduğu resmi olmayan heykel okuluna davet etti. Michelangelo orada Donatello'nun öğrencisi Bertoldo di Giovanni ile çalıştı. Giovanni, çocuğu "ustasının yanı sıra, Michelangelo'nun hayatta kalan eskizlerinin kanıtladığı gibi Giotto ve Masaccio'nun eserlerine maruz bırakan, besleyici bir öğretmen olduğunu kanıtladı. Michelangelo sadece sağlam bir sanatsal eğitim almakla kalmadı, aynı zamanda şair Angelo Poliziano ve filozof Marsilio Ficino da dahil olmak üzere Lorenzo'nun sarayının bir parçasını oluşturan entelektüel aydınlatmalarla çevriliydi.
Yüzeysel olarak, tavan Hümanist bir yapıdır. Figürler insanüstü boyuttadır ve Adem örneğinde o kadar güzeldir ki, biyografi yazarı Giorgio Vasari|Vasari'ye]] göre, figürü Michelangelo'dan ziyade Tanrı'nın kendisi tasarlamış gibi görünmektedir. Ancak bireysel figürlerin güzelliğine rağmen, Michelangelo insan durumunu yüceltmedi ve kesinlikle Hümanist platonik aşk idealini sunmadı. Aslında, duvarın üst kısmına resmettiği İsa'nın ataları, aile ilişkilerinin tüm en kötü yönlerini sergilerler ve ailelerin olduğu kadar çok farklı biçimde işlev bozukluğu sergilerler. Palazzo Vecchio, Cascina Muharebesi ve Leonardo Anghiari Muharebesi'ni resmettiği yer. Papa II. Julius tarafından mezarı üzerinde çalışmak üzere Roma'ya geri çağrıldığında eser yarım kaldı. 1516'nın sonunda Michelangelo, önceki yüzyılda Filippo Brunelleschi tarafından inşa edilen San Lorenzo Kilisesi'nin cephesi üzerinde çalışarak Floransa'ya geri döndü. Ahşap bir model sağladı, ancak 1520'de, büyük ölçüde öfkesine rağmen, bu komisyon için imzaladığı sözleşme iptal edildi ve bunun yerine San Lorenzo'daki Medici Şapeli (Yeni Sacristy) (1519-1534) üzerinde çalışması istendi. Aynı zamanda, bir Medici olan V. Clemens II tarafından Laurentian Kütüphanesi (1524-1534) üzerinde çalışmak üzere görevlendirildi.
Vasari, Michelangelo'nun figürler için duruşlar yaratırken görünüşte sonsuz icat güçlerini övdü. [[Michelangelo fırçasını bırakıp öfkeyle Bologna'ya gittikten sonra Bramante]] tarafından bir önizleme verilen Raffaello Sanzio, biri Sant' Agostino kilisesinde ve diğeri Vatikan'da Michelangelo'nun peygamberlerini taklit ederek en az iki figür çizdi. Atina Okulu'ndaki Michelangelo'nun portresi. Michelangelo'nun bu yıllarda yarattığı eserler arasında, 14 yaşında başladığı Merdivenli Madonna (1489-1492) ve şimdi her ikisi de şimdi Casa Buonarroti, Floransa'da olan Lapithler ve Centaurlar Savaşı (c. 1492) vardı. Bu eserler, onun insan anatomisi konusundaki derin anlayışını ve erkek figürünü, baskı ve harekete tepki veren kaslar, tendonlar ve kemiklerle karmaşık pozlarda tasvir etmeye olan ilgisini göstermektedir. Michelangelo, Lapithler ve Centaurlar Savaşı üzerinde çalışırken, Santo Spirito Hastanesi'nde zaten insan diseksiyonlarıyla uğraşmıştı. Aslında, Santo Spirito'nun rahibine, diseksiyonları gerçekleştirmesine izin verdiği için minnettarlıkla bir Çarmıha Germe verdi.
Raffaello
Raffaello bir ressamın oğlu olarak doğdu, bu nedenle kariyer yolu, küçük asillerin oğlu olan Michelangelo'nun aksine, tartışmasız olarak belirlendi. Babasının ölümünden birkaç yıl sonra, mükemmel bir ressam ve mükemmel bir teknisyen olan Perugino'nun Umbrian atölyesinde çalıştı. 21 yaşında yaptığı ilk imzalı ve tarihli resmi, kökenlerini hemen Perugino'nun İsa'nın Anahtarları Aziz Petrus'a vermesiyle ortaya çıkaran Bakire'nin Nişanı'dır. Bu eseri yarattıktan kısa bir süre sonra Raffaello, 1508 yılına kadar kaldığı Floransa'ya taşındı. Orada Michelangelo ve Leonardo'nun sanatına maruz kaldı. Madonna of the Meadows (1505; Viyana, Sanat Tarihi Müzesi) ve Goldfinch Madonna (1507; Floransa, Uffizi) aslında Leonardo'nun Bakire ve Çocuk kompozisyonlarının basitleştirilmiş versiyonlarıdır. Her ikisi de Leonardo'nun piramidal düzenlemelerini, figürlerin anıtsallığını ve perdenin yakından düzenlenmiş kıvrımlarını kullanır ve özellikle göz çevresinde bir miktar sfumato bile vardır. Angelo Doni ve Maddalena Strozzi'nin portreleri "Leonardo'nun Mona Lisa'sının (1503; Paris, Louvre) kompozisyonunu gevşek bir şekilde takip ediyor. Yine de anatomik ve botanik doğruluk için çabalayan Leonardo'nun aksine Raffaello zarafet, zarafet ve güzelliği vurguladı. 1510–1511'de Raffaello Roma'daydı ve Vatikan'daki Stanza della Segnatura'da freskler yapıyordu, 1509'da Papa II. Julius'tan aldığı bir komisyondu. 1511'de, henüz yapım aşamasındayken Michelangelo'nun Sistine tavanını (1508-1512) görme fırsatı buldu. Raffaello gördüklerinden çok etkilendi, öyle ki Michelangelo'yu Atina Okulu'na Stanza della Segnatura'ya saygı olarak dahil etti ve eski ustanınkine benzer daha anıtsal bir modda resim yapmaya başladı.
Ancak Raffaello'in popülaritesinin ana kaynağı, büyük eserleri değil, Madonna ve Christ Child'ın küçük Floransalı resimleriydi. Biraz farklı pozlarda, benzer tombul, sakin yüzlü sarışın bir kadını ve onun tombul bebeklerini defalarca boyadı, Louvre Müzesi|muhtemelen en ünlüsü şimdi Louvre'da]] bulunan La Belle Jardinière ("Güzel Bahçenin Madonnası"). Sayısız vitray pencere için bir tasarım olarak kullanılan daha büyük çalışması Sistine Madonna, 21. yüzyılda, kağıt peçetelerden şemsiyelere kadar her şeyde yeniden üretilen iki küçük melekin ikonik görüntüsünü sağlamak için geldi. Raffaello 1520'de 37 yaşında aniden öldü ve Başkalaşım Roma'daki Pantheon'daki mezarının üzerine taşındı. Cenaze töreni Vatikan'da yapıldı, normalde sanatçılara verilmeyen büyük bir onur.
Giovanni Bellini
Venedik resminin liderlerinden Giovanni Bellini (1430–1516), kardeşi Gentile, kayınbiraderi Mantegna ve Antonello da Messina|Antonello da Messina'nın]] bir yılı içinde doğdu, ancak ilk iki yıldan on yıl ve ondan neredeyse otuz yıl daha uzun yaşadı. ikincisi. Ölümüne kadar resim yapıyordu ve eserleri birkaç etkiyi gösteriyor. Messina'nın 1475-1476'da Venedik'te kalmasından sonra çalışmaları, Flaman benzeri bir gerçekçilik ve parlak renkler benimsemişken, ilk çalışmaları Mantegna'nın etkisini keskin çizgiler ve açıkça tanımlanmış renklerle gösterirken Messina'nın getirdiği yağlı boya tablo. İlk önce Giorgione ve Titian'ın öğretmeniydi, ancak daha sonra Giorgione'den, özellikle de boyanın üst üste bindirilmiş katmanlar halinde uygulandığı ve böylece figürler ve manzaraların atmosferde daha birleşik hale geldiği yumuşak bir dağınık etki yarattığı tonalizmi benimseme konusunda Giorgione'den etkilendi. Giovanni Bellini, Venedik'i Rönesans'ın en önemli sanat merkezlerinden birine dönüştürmekle tanınır. Jacopo Bellini'nin oğluydu; Gentile Bellini'nin kardeşi; ve onu erkenden derinden etkileyen Andrea Mantegna'nın kayınbiraderi. Giovanni'nin Bahçedeki Acı (c. 1460; Londra, Ulusal Galeri) aslında Mantegna'nın on yıl önce boyanmış aynı konudaki çalışmasına dayanmaktadır, ancak daha az belirgin bir şekilde kısaltılmış ve detaylandırılmıştır. Ayrıca Mantegna'nın eski Romadünyasına yaptığı olağan göndermeleri de ihmal etti. Giovanni'nin Pesaro Altarpiece (1470'ler; Pesaro, Museo Civico) da benzer şekilde Mantegna'nın San Zeno Altarpiece'inden (1456–1459; Verona, San Zeno) mimari unsurları ve figür düzenlemelerini ödünç alır. Milano Pinacoteca di Brera'daki Pietà'sı (1460) da bu döneme aittir; Venedik'teki S. Giovanni e Paolo Kilisesi'ndeki St. Vincent Ferrer Poliptiği (1464-1468); ve Bakire ve Çocuk (1460-1464) Accademia Carrara, Bergamo'da. Bu son eser, Madonnas Giovanni'nin yaptığı, popülerleştirdiği ve Venedik Okulu ile özdeşleşen birçok yarı figürlü resimden biridir.
Doge [[Leonardo Loredan'ın Portresi|Bellini, Doge Leonardo Loredan'ın Portresi]] (1501), gibi eserlerle Erken Rönesans'tan Yüksek Rönesans tarzına geçiş eşiğini geçen tek büyük 15. yüzyıl ressamı oldu, burada Doge, Bellini'nin Messina'dan öğrendiği muhtemelen bir sakinliği gösteriyor, ve Mesih'in Vaftizi (1500-1502). Bellini, Raffaello Sanzio gibi, zengin parlak renklerde, genellikle Floransalı muadilinden daha yoğun tonalitede çok sayıda küçük Madonna üretti. 1475 yılında, Giovanni'nin tarzı, Antonello da Messina'nın çalışmalarına maruz kalması sonucunda değişti. Antonello, aynı yıl Venedik'e geldi ve onunla birlikte Erken Hollandalı ustalardan öğrendiği katmanlardaki yeni yağlı sır uygulamasını getirdi. Giovanni bu tekniği benimseyerek daha zengin bir palet ve kadifemsi yüzeyler elde etti. Frari (1488; Venedik, Santa Maria Gloriosa dei Frari) ve San Giobbe (c. 1487; Venice Galleria dell'Accademia) sunakları, üslubundaki bu değişimi örneklemektedir. Her ikisinde de figürlerin ve nesnelerin dış hatlarını yumuşattı, renkleri ısıttı ve yüzeyleri altın bir parıltıyla yıkadı - daha sonra Titian ve Tintoretto gibi Venedikli ustaların sanatının gelişiminde çok önemli olacak değişiklikler. Bu iki sunakta Giovanni, Venedikli Madonna ve Çocuk için azizlerden yükselen ve sütunlar veya pilastrlarla çevrili figürlerle yeni bir tip oluşturdu. Bu kompozisyonlar yine Mantegna'nın San Zeno Altarpiece'ini hatırlatıyor, ancak belki de Fra Filippo Lippi'nin Barbadori Altarpiece (başlangıç 1437; Paris, Louvre), Bakire'nin eşlik eden azizler ve meleklerin üzerindeki bir aedicula'nın önünde bir platformda durduğu da Bellini'den ilham aldı.
Geleneksel olarak, Madonna ve Çocuk sunaklarının resminde, tahtta oturan Bakire figürüne, belirli alanlarda duran, fiziksel olarak bir politik şeklinde ayrılmış veya boyalı mimari sınırlarla tanımlanmış azizler eşlik eder. Piero della Francesca, Masaccio'nun Santa Maria Novella'daki Kutsal Üçlü için bir ortam olarak kullandığı gibi, Klasik nişi tahta oturttuğu Madonnas (tahtın etrafında toplanmış azizlerle) için bir ortam olarak kullandı. Antonello'nun etkisi, Giovanni'nin Doge Leonardo Loredan'ın portresinde de hissedilir (c. 1500, Londra, Ulusal Galeri). Ayrıntıların net bir şekilde sunulması; figürün idealleştirilmemesi; ve Giovanni'nin imzasını attığı bir korkuluğun önüne yerleştirilmesi Antonello'dan öğrendiği unsurlar. Bu eserler, Giovanni'nin 1500'lerdeki sanatında yaygın olan ve Venedik'teki San Zaccaria Kilisesi için San Zaccaria Altarpiece'inde (1505) görülen daha hafif bir palet sunuyor. Bu resim, daha önceki Frari ve San Giobbe sunaklarının biçimini takip ediyor. Yine de burada, figürler etkileşime girmediği, bunun yerine kendilerini okumaya veya meditasyona kaptırdıkları için bir sessizlik aurası sahneye nüfuz eder. Ayrıca, manzara artık hakimdir. Figürler bir apsis içine alınmış olsa da, yapının yanları, dışarıyı görebilmek için açıktır. Bellini dini konuları tercih ederken, zaman zaman mitoloji ve alegorileri de ele aldı. Alfonso I d'Este'nin Ferrara'daki Camerino d'Alabastro'su için yaptığı Tanrıların Ziyafeti (1514; Washington, D.C., Ulusal Galeri), Ovidius'in Fasti'sinden bir pasajı resmeder. Aynalı Genç Kadın (c. 1515; Viyana, Sanat Tarihi Müzesi), karanlık bir duvara yerleştirilmiş yumuşak, narin bir çıplak ve uzak, gevşek bir şekilde boyanmış bir manzaraya bir bakış sağlayan bir pencereye izin veren bir pencerenin bir Kibir alegorisini temsil ettiği düşünülmektedir. Bu son çalışmada, Giovanni, figürün yanındaki hayali buruşuk bir kağıda ismini imzaladı, yine Antonello'dan ödünç alınan bir unsur, o da onu Erken Hollandalı ustalardan ödünç aldı.
Bellini, Kutsal Konuşmalar olarak bilinen aynı formu, Venedik San Zaccaria kilisesi (1505) için olduğu gibi daha sonraki sunaklarının birçoğunda kullandı. Tonalizmi kullanan ve binanın gerçek mimarisini resmin illüzyonist mimarisine genişleten, nişi, Bakire ve Çocuk figürleri boyunca akan manzaraya ve gün ışığına açılan bir tür sundurma yapan ustaca bir kompozisyon. iki kadın aziz ve onları ön planda Aziz Petrus ve Aziz Jerome'dan daha parlak yapan viyola çalan küçük melek. 1483'te Giovanni, resmi ressam olarak atanarak sanatsal başarılarından dolayı Venedik Cumhuriyeti tarafından tanındı. Ünü Venedik ile sınırlı değildi. Albrecht Dürer, 1506-1507'de bölgeyi ziyaret etti ve Giovanni ile tanışmayı bir noktaya getirdi ve daha sonra adamın zaten ileri yaşta olduğunu ancak yine de şehirdeki en iyi ressam olduğunu yazdı. Bellini'nin sanatın gelişimindeki etkisi ölçülemez. Özellikle kompozisyon türleri, zengin tonaliteler, gevşek boya uygulaması ve aydınlatmanın mükemmel efektleri gibi yeni nesil Venedikli ustaların izleyeceği standartların çoğunu oluşturdu.
Giorgione
Kariyerinin kısalığına (1510'da yaklaşık 35 yaşında öldü) ve evrensel olarak tamamen kendi eliyle olduğu kabul edilen az sayıda esere (dört veya beş kadar düşük) rağmen Giorgione genellikle Venedik Yüksek Rönesans tarzının kurucusu, farklı bilim adamları bunu iddia etmek için farklı nedenler gösterse de. Venedik Okulu'nun önde gelen ressamı. Giorgione'nin kariyeri hakkında çok az şey biliniyor ve sadece bir avuç eseri ona sıkı sıkıya atfedildi. Giovanni Bellini ile çalıştığı ve solo kariyerine Madonna ve Çocuğun küçük adanmışlık temsillerinin ressamı olarak başladığı düşünülüyor. Bu bilgi, Giorgione'nin 1500 yılında Venedik'i ziyaret eden Leonardo da Vinci'den etkilendiğini ve onun başarılı bir şarkıcı ve lavtacı olduğu kadar büyük bir aşık ve sohbetçi olduğunu da anlatan Giorgio Vasari'den gelmektedir.
Bir de dahil olmak üzere, renk ve ışık (renk modülasyon) Tonların onun artan kullanımı, Sfumato genellikle Tonalizm ile elde, şekiller ve manzara şekillerini tanımlamak için ve resim tüm bileşenlerin birleşik olup, burada bir atmosfer oluşturmak için kullanılır. Bazıları bunu ona 1501'de Venedik'i ziyaret ettiği söylenen Leonardo da Vinci'nin öğrettiğine inanıyor. 1505 tarihli Castelfranco Madonna'sında çizgi ve renk modülasyonunun kullanımı eşit olarak dengelenmiştir, ancak The Tempest, c.1510'da renk modülasyonu neredeyse tamamen çizginin yerini alır ve insanoğlunun ve doğanın birleştirildiği sanatsal bir vizyon yaratır. Bazıları Tempest'i İtalya'da üretilen en önemli resimlerden biri olarak kabul ediyor, çünkü bileşenler renklerle bir arada tutuluyor ve rüya gibi bir mükemmel uyum atmosferi var. Giorgione doğaya öncü bir rol atayan ilk ressamdı ve resimlerinde bir manzara olduğu zaman, resmin ayrılmaz bir parçası haline gelir. Giorgione tarafından yürütüldüğü kesin olarak bilinen birkaç eser, figürleri şiirsel manzaralara yerleştirme ve yemyeşil fırçasıyla eterik bir kalite verme yeteneğini ortaya koyuyor. Allendale Nativity'sinde (c. 1505; Washington, D.C., National Gallery), figürlere manzara hakimdir. Andrea Mantegna'nın Ludovico Gonzaga'nın özel şapeli için yaptığı Adoration of the Magi'yi (c. 1464; Floransa, Uffizi) hatırlatan bir özellik olan Çocuk İsa'ya tapmaya gelen çobanların girdiği dolambaçlı yolu ışık cepleri aydınlatıyor. Mantegna örneğinde olduğu gibi, Kutsal Aile karanlık bir mağaranın ağzında, İsa'nın Çarmıha gerilmeden sonra gömüleceği Kutsal Kabir'e bir gönderme olarak gösterilir. Giorgione'nin Enthroned Madonna'sı Sts. Liberalis ve Francis, aynı zamanda Castelfranco Altarpiece (c. 1500-1505; Castelfranco, Castelfranco Katedrali) olarak da bilinir, onun hayatta kalan en büyük sunağıdır. Yine Mantegna'nın ve Bellini'nin etkisini, Bakire ve Çocuğun yüksek bir tahtta, onları öne iten ve onları arka plandaki manzaradan ayıran bir şeref örtüsüyle yükseltildiğini gösterir. Çalışma aynı zamanda Giorgione'nin Pietro Perugino'nun sanatına, özellikle sahnelerinin dingin kalitesine, piramidal kompozisyonlarına ve figürlerin abartılı salınımlarıyla zarif pozlarına ilişkin farkındalığını da gösteriyor.
Castelfranco Madonna, Giovanni Bellini'nin benzer San Zaccaria Altarpiece ile karşılaştırıldığında, Giorgione'nin başka bir yeniliğini göstermektedir - St. Liberale'nin solda tuttuğu mızrak ve Madonna'nın cübbesindeki kıvrımlar gibi figürlerin yönlerini ve konumlarını ayarlama paralel olarak, konuları daha fazla birleştirmek için. Son olarak, Giorgione'nin resimleri anlamlarında her zaman belirsizdir ve farklı yorumlara açıktır. Fırtına'da bir bebeği besleyen çıplak kadın ve giyinik adam ve bir şimşek çakması belki Adem ile Havva'yı Cennet sonrası günlerinde temsil eder, belki de etmez. Ona atfedilen bir başka resim, Üç Filozof, Magi'yi bebek Mesih'i aramak için yolculuklarını planlarken temsil edebilir veya etmeyebilir. Giorgione'nin resimlerinin hiçbirinin kesin bir yorumu olmamıştır. Giorgione'nin The Tempest (c. 1500–1505; Venedik, Galleria dell'Accademia) en tanınmış eserlerinden biridir ve aynı zamanda en esrarengiz olanıdır. Sanat tarihçileri, mitolojiden alegorik ve politik olana kadar değişen yorumlar sunmuşlardır. Oybirliğiyle kabul edilen şey, bunun bir manzaradaki duyusal çıplak bir figürün bilinen en eski örneği, sonraki Venedikli ustalar tarafından tercih edilecek bir konu olmasıdır. Giorgione'nin Fête Champêtre (c. 1510; Paris, Louvre) ve Uyuyan Venüs (c. 1510; Dresden, Gemäldegalerie) de manzaradaki çıplak örnekleri sunar. Bu iki eserin bazıları tarafından tamamlandığına veya tamamen Giorgione'nin öğrencisi Titian tarafından yapıldığına inanılıyor. Uyuyan Venüs, uzanmış kadın çıplaklarının ilkidir ve yalnızca Titian'ın değil, aynı zamanda Lucas Cranach the Elder, Diego Velázquez, Peter Paul Rubens, François Boucher, Francisco Goya, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Edouard'ın da benzer bestelerine ilham kaynağı olacaktır. Manet ve diğerleri.
Son yıllara kadar, Giorgione'nin Uyuyan Venüs, 1510 ile yalnız
Titian
Titian (c. 1490-1576), Giorgione ile birlikte Giovanni Bellini'nin atölyesinde eğitim aldı ve ardından Giorgione'ye yardım etti. Giorgione'nin ölümünün ardından 60 yılı aşkın bir süre Venedik Okulu'nun hükümdarıydı. İlk çalışmaları Bellini ve Giorgione'nin güçlü etkilerini gösterir, ancak kısa süre sonra bu ikisi tarafından ilan edilen biçim ve renk ilkelerini aldı ve resimde ana belirleyici olarak çizgiyi değil rengi belirledi, böylece Venedik Yüksek Rönesans tarzını tamamlıyor. Bunu, boya macununa benzer renkleri yamalar halinde gevşek ve süpürücü fırça darbeleriyle yan yana uygulayarak yaptı. Bu, ışığı ve rengi aynı anda eşit ölçüde ortaya çıkardı; kendi zamanında ışık ve renk ustası olarak ünlüydü. Venedik topraklarında Pieve di Cadore'de doğan İtalyan ressam. Titian ilk önce Giovanni Bellini ve daha sonra Giorgione ile eğitildi; Giorgione, Uyuyan Venüs (c. 1510; Dresden, Gemäldegalerie) ve Fête Champetre (c. 1510; Paris, Louvre) bazıları tarafından Titian ile işbirliği olduğuna ya da tamamen ikincisi tarafından yürütüldüğüne inanılıyor. C tarafından. 1510'da Titian bağımsız bir usta olmuştu ve sanatçıyı şövalye ilan eden İmparator V. Karl ve Charles'ın oğlu İspanya Kralı II.
Titian'ın bir diğer gücü de resimlerinin kompozisyonuydu. Pesaro Madonna, 1519-1526'da, Madonna'yı merkezden hareket ettirerek, Madonna'yı hala dikkati Madonna'ya odaklayan güçlü bir diyagonal çizginin (normal dikey veya yatay çizginin aksine) üst tepe noktasına yerleştirir. Bu, figürleri dairesel, yükselen bir yapıda gruplandıran ilk çalışmalardan biriydi. Titian'ın Noli me tangere (en) (c. 1510; Londra, Ulusal Galeri) ilk çalışmalarından biridir ve Giorgione'nin etkisini gösterir. Bu, özellikle gür boya uygulamasında geçerlidir; toprak tonları, zeytin yeşili ve koyu kırmızılara yapılan vurgu; Mesih'in duyusal yarı çıplak bedeni; ve pastoral manzara. Titian'ın Mavi Kollu Adamı (c. 1511–1515; Londra, Ulusal Galeri), bazılarının kendi portresi olduğuna ve bazılarının şair Ludovico Ariosto'yu veya Barbarigo ailesinin bir üyesini temsil ettiğine inandığı, aynı zamanda onun oluşum yıllarına aittir ve yine de portre alanında büyük bir yeniliği temsil ediyor, çünkü adamı hareketli bir pozda, vücudu profilde, başı dönük, gözleri dikkatle bakana bakıyor ve dirseği izleyicinin alanına çıkmış halde bir korkuluk üzerinde duran kısaltılmış bir kolla gösteriyor. - o zamana kadar portre tarihinde yer almayan unsurlar, en azından toplu olarak. Ayrıca, figürün tüm odağı kişiliğine havale etmek için karanlık, tanımsız bir arka plana yerleştirilmesi de yenilikçidir.
Meryem'in Varsayımı, 1516–1518, aynı zamanda, resmin muzaffer mesajını, sunağı üzerinde durduğu Venedik'teki Frari Kilisesi'nin üst seviyelerine taşıyan çapraz çizgilere (Bakire'nin etrafında bulunan melekler tarafından şekillendirilmiştir) sahiptir. Bu çalışma, hareketin görsel önerisine sahip olan ilk çalışmaydı; Titian'ın tüm eserleri, diğer Yüksek Rönesans ressamlarının statik unsurlarına kıyasla, insanların hareketlerinde yeni bir dinamizme sahiptir. Meryem'in Göğe Kabulü de, tüm resimlerinde olduğu gibi, Titian'ın bazen farklı renklerde, katman katman boya uygulaması nedeniyle parlak, derin, zengin renklere sahiptir. Portre, Titian'ın en güçlü takımlarından biri oldu. Onun Genç İngiliz (c. 1540–1545; Floransa, Palazzo Pitti) ve Ranuccio Farnese (1542; Washington, D.C., National Gallery), biri kimliği belirsiz, diğeri Papa III. Paul ailesinin bir üyesi olan iki aristokratı tasvir ediyor. Titian ayrıca 1543'te papanın kendisini tasvir etti (Toledo, Katedral Müzesi). Bu eserlerde usta, sadece bakıcılarının görünüşünü değil, aynı zamanda karakterlerini de ele geçirdi. İngiliz mesafeli, eldivenleri ve altın zinciri yüksek statüsünü vurguluyor; genç Ranuccio, 12 yaşında utangaç, masum bir çocuktur; ve papa sert, otoriter bir şahsiyettir; papalık yüzüğü, iktidar konumunu savunmak için belirgin bir şekilde sergilenmiştir.
Titian aynı zamanda zamanının en çok aranan portre ressamıydı ve portreyi anlatı resmiyle aynı saygınlık düzeyine getirdi. V. Karl 'nin Binicilik Portresi]], 1548, bir mor senfonisinde bir binicilik resmi ve Venedik hükümdarı Doge Andrea Gritti'nin portresi, belki de Titian'ın en güçlü portresi.
Titian yaşlı gibi rakam neredeyse, renk hareketi içinde çözünmüş tamamlanan edildiğinde, o onun son yıllara kadar genel olarak Yüksek Rönesans tarzını korumaktadır o giderek doğru neredeyse tamamen taşınmıştı İtalyan resminin ana akım, izole bir hale geldi bu yüzden Üslupçuluk'in 1530'a kadar. Birçok yönden Titian, modern resmin kurucusu olarak kabul edilebilir.
Titian'ın dini eserleri de portreleri kadar yenilikçi. Meryem'in Göğe Kabulü (1516–1518; Venedik, Santa Maria dei Frari) onun ilk kamu komisyonuydu ve o zamana kadar oldukça kalıplaşmış bir şekilde temsil edilen bir sahneyi betimliyor. Titian, Havarilerin Meryem Ana'nın göğe yükselişine şahitlik ettikleri heyecanı aktararak ona hayat enjekte etti. Bazıları yukarıyı işaret ediyor, diğerleri ellerini duada tutuyor ve diğerleri hala olay hakkında birbirlerine yorum yapıyor. Sahne, Meryem'in Cennetin kraliçesi olarak taç giyme töreninin girişini yaptığı için, uygun bir kutlama tonuyla doludur.
Titian'ın Pesaro Ailesinden Madonna'sı (c. 1519–1526; Venedik, Santa Maria dei Frari), Giovanni Bellini'nin Madonna ve Çocuğu sütunlarla çevrili ve bir manzaraya karşı yüksek bir taht üzerine yerleştirme biçimini izler; ancak sanatçı burada yeni bir bükülme getirdi. Mary'nin tahtı şimdi keskin bir köşegen oluşturacak ve işe bir dinamizm hissi verecek bir açıdadır ve Mesih Çocuk, peek-a-boo oynamak için annesinin peçesini başının üzerine kaldıran eğlenceli bir yürümeye başlayan çocuktur. Titian'ın Mary Magdalen'i (c. 1535; Floransa, Palazzo Pitti), Donatello'nun zayıflamış figüründen (1430'lar – 1450'ler; Floransa, Museo dell'Opera del Duomo) çok uzaktır. Çıplaklığını örtmek için çok az şey yapan uzun, dalgalı saçları olan duyusal bir çıplak. Titian, Pietà'sını c. 1576 (Venedik, Galleria dell'Accademia; Palma Giovanne tarafından tamamlandı) Santa Maria Gloriosa dei Frari Kilisesi'ndeki kendi mezarı için.
Michelangelo'nun Roman Pietà'sında (1488/1499-1500) oluşturduğu biçimi takip ederken, Mesih'in bedeni annesinin kucağına yayılmış haldeyken, burada Titian yine daha enerjik bir sahne oluşturdu. Bir otoportre olan sıkıntılı Aziz Jerome, cansız eline dokunmak için Mesih'e doğru sürünür ve Mary Magdalen, dünyaya Kurtarıcı'nın öldüğünü duyurmak için sağ kolunu kaldırarak koşar. Titian aynı zamanda mitolojik ve alegorik sahnelerin usta bir ressamıydı. Kutsal ve Saygısız Aşkı (1514; Roma, Galleria Borghese), Giorgione'nin tensel çıplak kadının pastoral bir manzaraya yerleştirildiği Fête Champetre'siyle ilgilidir. Ferrara Dükü Alfonso I d'Este'nin Camerino d'Alabastro'suna yerleştirilmesi için yarattığı üç mitoloji, tatlı manzaralarda geçen erotik bacchanals'ı (Bacchus ile ilgili sahneler) tasvir eder. Sahneler, 3. yüzyılın antik yazarı Philostratus'un Napoli'de bir villada gördüğü resimlerden yazdığı ek ifadelere dayanmaktadır. Titian'ın bu türdeki en ünlü eseri, Giorgione'nin Uyuyan Venüs tablosuna dayanan Urbino Venüsü (1538; Floransa, Uffizi)'dir. II. Philip için yaptığı Danaë (1554; Viyana, Sanat Tarihi Müzesi) de Giorgione tarafından kurulan uzanmış çıplak tipe aittir. Yine de, figürün dizleri bükülmüş pozu aynı zamanda Michelangelo'nun Rönesans üzerinde muazzam bir etkisi olan Leda ve Kuğu (yıkılmış) eserine de bağlıdır.
Titian, kendi zamanında bir dahi olarak kabul edildi. Tarzının ve yeniliklerinin etkisi ömrünün ötesinde de devam etti. Carracci Reformu onun sanatsal örneğine çok şey borçludur. Rubens ve Velázquez birlikte Titian'ın İspanyol kraliyet koleksiyonundaki birçok eserini incelediler ve onun animasyonlu fırça çalışmalarını, tatlı renklerini, altın ışığını ve dinamik figür düzenlemesini benimsediler. Pietro da Cortona, Nicolas Poussin ve Pier Francesco Mola, öncelikle Titian sanatına dayanan Neo-Venedik tarzını oluşturmak için Roma'daki sanatçılar arasındaydı. 16. yüzyılın ustaları arasında Titian en etkili ve yaratıcılardan biri olarak öne çıkıyor.