从七月开始学习拍照，选出几张觉得拿的出手的照片，希望各位指出现阶段亟待提高的能力急需解决的通病？

新手基本就是这样，不要着急，感觉是一点点培养起来的。对自己有要求是好事，不要急。
“曝光把握不佳，多数照片跑焦，出照不能横平竖直。个人Lr以及Ps浅知粗用，后期无法做到通透有质感”
曝光把握不佳：虽然照片的好坏绝对不会以用什么档来拍照为标准，不管你将来是不是习惯用自动档来拍照，我也都建议你练习一下M档。曝光的重要性不言而喻，它可以为照片留下尽可能多的细节，为后期作足准备，也是表达光影和色彩的基础，绝对有必要多练习。
然而世界上几乎所有东西都是有光影层次的，有层次就有光比，然而按一下快门只能有一个曝光参数，如何用一个参数来表达有光比的景物的不同部位？
如果是练习，应当先从光影简单的对象开始，且建议从最原始最基本的M档点测开始。有意识的练习拍摄阳光下的平整的白纸或者平面，上面没有光影层次，最简单的曝光练习对象，拍出白纸本身的白色（而不是灰色）且不过曝，乃至按你所需要的，把白纸拍成不同的灰色，直至你想要拍出什么样的灰色和白色，都可以在较少的试错之后做到。
然后便是有颜色的平面。同样道理，一片没有色差，也没有光比的平整的纯色纸，拍出它本身的颜色。这和拍白纸完全不同，假如这一步和拍白纸是同一天，同一个光线条件下进行的，且你记下了不同时刻的拍摄参数，你就会发现一些很有趣的地方。使用M档时，拍出白纸的白，和拍出蓝纸的蓝，曝光条的落点是不一样的，但是只要纸的材质一样，那么曝光参数…这里不剧透，你自己发现，会记得更清楚。
如果你有兴趣，还可以练习同样的光线条件下去拍黑色的纸或者平面，如果要拍出黑色的黑，且保留细节不欠曝，你会发现，曝光条的落点又变化了，但只要被摄物的材质一样，曝光参数…仍然呈现出和之前一样有趣的地方。
这样你就能初步理解曝光和色彩的关系，以及曝光和光线及被摄物的关系，以及，最重要的一点，相机内置测光（体现在自动曝光参数和M档曝光的曝光条落点）的运作机理。相机内置测光会致力于将所有拍摄对象的测光点位置拍成灰色（想象被摄物去掉颜色只剩黑白灰），你要做的，就是还原它应有的白色或黑色。只有这一步做准确了，它的颜色才有了准确的前提。虽然说一张好照片的标准绝不应该只看色彩还原的准确程度，但要不要做是一回事，会不会做，是另一回事。既然喜欢练习拍照，那就应当要会做。
只有在前一步搞明白之后，你才需要进入下一步练习，就是拍摄立体的面。一件三维的立体物，呈现在二维的照片平面里，仍然表现出立体的样子，光影层次就非常重要。你在练习的是M档点测光，这是之后任何档位和任何测光方式的基础，其它方式都是由M档点测变化而来的。那么在点测光下，对于有光比的拍摄物，与其说是平均各个区域的曝光参数，不如说有所选择。数码相机有自身的宽容度，你选择对某一个区域的准确曝光，不代表其它区域就会欠曝或过曝，在相机允许的宽容度内，一切都有挽救的可能。至于你手中相机的宽容度是多少，请自行上网查阅。那么你所选择的曝光参数，反映了你拍摄时的侧重点。一般来说，需要被重点表现的元素，其所在区域应当是准确曝光或者稍稍提亮，当然也有反过来的，但极少，且难以把握。不论如何，这一阶段你练习拍摄的立体物，其光影可简可繁，但光比应当是不大的，便于掌握。你应当致力于拍出平滑的光影层次，又或者拍出真实的质感，这样便可体验在存在光比的被摄物上，你应当如何选择测光点，也就是选择曝光参数，从而得到你要的效果，又或者，同一样东西，在不同的光线条件下，会呈现出怎样的变化，你便可以选择以不同的光线（或一天中不同的时间段）去得到你要的效果。
再下一步，应当是练习同一件物体上，呈现出大光比时的处理方法。当光比大到接近相机宽容度的极限值，你应当明白，这时候你要做的，要么是明白应当如何找到让所有重要区域都进入相机宽容度的这个“点”，要么是明白应当如何取舍。不用多讲，前面练习了这么多，真练到这一步时你会有心得的。
之前都是同一件物体，然后你需要练习不同物体，也就是复杂的景物了。自然界的景物就是这样，水流有反光，树木是暗的，树叶却是亮的，石头有反光，灌木却是暗的。自然界的光影远远比之前练习的单一物体要复杂，从高光到阴影的变化四处都是。实际拍摄中有可能是利用这些变化来表达你的东西，又或者只是表达光影本身，这需要你在之前的练习中培养对光影的感觉，或许可以帮助你找到其中的韵律感。
最后，回到你的照片本身。
你也知道有曝光问题，之前建议练习的，也是为了解决这个问题。假如你做了那些练习，就很轻易可以明白这张照片曝光问题在哪。
角度、构图，不用多说了，反正是拍烂了的。
曝光，整体色彩不舒服，蓝、青和绿均不怎么对劲，黄和红明显有点脏，事实上整体都有点脏的感觉。
如果那天天气还算可以的话…欠曝是很明显的，这张照片你自己上LR里拉曝光条，拉0.3-0.6左右，很明显看出效果。
你实际拉一下，能发现脏的感觉会有很大的缓解，这也能很好的解释之前说要练习曝光的作用。
但随之而来新的问题，一拉亮，很明显的整体显得有点平，这是因为缺乏光影层次。
虽然之前写了很多拍摄有层次的光影的练习，但是…假如景物本身就没有光影呢？
你只记住要下午四五点钟去拍的原则，却忽视了这个原则的作用，那就是可以表达出丰富的光影层次。你要拍的面完全落入了阴影里，使整个画面灰朦朦的一片。
第三个问题，只套用构图，却忽视作用。和前一个拍摄时间的问题一样，你只记得要拍这样的构图，却不知道这种构图的作用和原因。角楼在这个镜头里并不是画面要强调的主体，主体成了天，楼，水的整体，然而…别人这样拍，是因为当时光线条件极佳，在漂亮的光线下，天，楼和水（有时候只是楼和水）浑然一体又相映成趣，你可以得到很好的照片。但这种光线一旦消失，盲目套用构图，只能得到这样一张灰朦朦的东西。
以上三个问题，第二和三还能说是光线条件不好，第一个曝光问题就纯粹是缺乏练习的原因。

多数照片跑焦：不是跑焦，是失焦。跑焦是指设备本身的原因，你这个叫失焦。
老实说，这个很不应该，不过有时候确实会困扰新手，我刚学的时候也困扰过很久，直到我明白了景深和光圈的关系。
光圈大，景深小，光圈小，景深大，焦距越长，景深越小，焦距越短，景深越大。谁都可以背出来，你也可以，但还是失焦了。我以前也这样，这个不用急，就是单纯一个熟练度的问题。对焦点放在哪，这一点很重要，你要考虑你的光圈大小，焦距大小。
当你对焦到某一个点上的时候，你要知道你的景深并不只是这个点，而是这个点往前和往后（相对于你）的一片区域。你想要的东西，要全部装在这个区域里，为了保障这一点，你需要合适的光圈。换言之，在光线条件允许的前提下，你的光圈应当适应你的景深需求，而不是反过来。
再有一点，对焦位置应当是你希望清晰表现出来的位置，而你需要清晰的位置，是观众目光着落点的前提。学习再多的构图法，也只是学习如何引导观众的目光，如何突出你的主体，但假如连目光落点都没有，构图法又有什么用呢？
目光没有落脚点，不是吗？看这张照片，眼睛不知道该看往哪里，非常累，得不到具体的观感，最终放弃。
出照不能横平竖直：注意你托相机的姿势，很多网站有讲解，照着练习就好了。拍照前多观察拍摄主体，这是对的，但是按快门前，养成看一眼边框，看一眼地平线之类的习惯，可以极大的减少你的废片率。
第一是要多练习端相机的姿势，要托稳端平，第二是养成按快门前再多看一眼边框和平线的习惯。

个人Lr以及Ps浅知粗用，后期无法做到通透有质感：
LR和PS，工具很多，曲线和色阶是一大类，色相饱和度可选颜色色彩平衡又是一大类。这些LR和PS里都有，可能名字不同。
你要学习的，不是某一个例子，不是“跟我PS”这类拿一张照片，跟着教程调参数，不是那样。就算是爱好者，粗略的去学习，也应当有点系统，而不是东一下西一下。建议你先学习各个工具的作用，再学它的用法。从基础上来学习它。新手学亮度方面的工具会很快，但学色彩方面的工具会有瓶颈。
问题在于对色彩不够了解。爱好者应当知道色彩三要素，色相明度饱和度，以及这三者的作用。需要看看色立体，至少明白它的原理。
上面两张图讲的是同一件事，色相明度饱和度对颜色的作用。这是学习颜色工具的第一个基础。
上图就是色环。绿对洋红，青对红，黄对蓝，加青就是减红，加绿就是减洋红，加蓝就是减黄，反之则同理。另外，拉动色相，颜色就会在色环上循环流动。这两个知识是学习颜色工具的第二个基础。
绝大多数的图片，都会有高光和阴影。能准确指出高光在哪，阴影在哪，过渡在哪，这是学习颜色工具的第三个基础。
其实这也是其它很多东西的基础。
剩下的就是练习，去尝试，试着把颜色调成你要的样子。练习本身会很枯燥，但是很多时候，就在把滑块调整了哪怕一点点之后，照片立即就豁然开朗，好像做菜放盐和糖一样，只要再多一小勺，马上味道就出来了，这一点点调整导致的明显的变化，可能会成这你枯燥练习过程中的一大乐趣来源。
“通透”
这个词经常被人说，但你又很难讲清楚到底什么是通透。
我认为，通透的概念就是色彩和明暗关系。但一张照片的色彩是舒服的（准确的色彩还原是舒服的重要因素但不是绝对因素），明暗关系是舒服的，我们说它通透。所以我们应当追求的是舒服，这是一种很自然的感觉。最开始，应当以准确的色彩还原为目标，这应该是基础。准确的色彩还原和曝光有极大的关系，在曝光那一块里，让你用单色纸来练习，就是明白这一点。放进后期里，通过对色相明度饱和度的把握，将色彩忠实的还原出它在拍摄当时的光线条件下的样子，好好练习这一点，会很重要。当然你也要明白，同一样东西，在不同的光线条件下，呈现出的色彩是不同的，因此，也需要多加观察。
明暗关系，因为相机的原因，你得到的照片，事实上并不能忠实的反映拍摄当时的光影情况。这和你的曝光参数有关，但也和相机本身的因素有关。曲线工具和蒙版工具可以很好的帮助到你…对了，蒙版。蒙版是非常，非常重要的东西，一定要学好它。但和色彩还原不同的是，光影并不是忠实的还原出来就可以通透了，比如说灰蒙蒙的天气，或者正午阳光直射，这种光影是怎么也透不起来的。
忠实的色彩还原，适当的光影表现，你的照片就容易变得通透，然而这只是最基础的一步。
做到这一点后，以此为基础，再向上发展，创作属于你的后期风格，基于现实又高于现实。这时候需要学习更多的配色知识：
配色 - 话题精华 - 知乎
这方面我也做得不好，就不强答了。

“有质感”
有质感，又是一句大家都在讲，你却讲不出它到底是什么的东西。就我目前积累的一点知识来总结，质感，指的是物体表面材质特有的反光。皮肤有皮肤的反光，树叶有树叶的反光，花瓣、石头、水、土、金属，它们的反光都是不同的。
理解这一点，你就能理解什么叫质感。
表达反光的重要前提，当然是适当的光线。侧光被认为很适合用来表达质感，因为它很容易造成有特点的反光。
还有一点，即使是同一样东西，在不同要求底下，也是完全不同的，应当以你的需要为前提，来表达质感。
王动拍出来的女性皮肤会有特别的光感，使女性质感更倾向于丝缎般的光滑，因为它的反光很像丝质品。相反的例子是一些人拍出的藏区人民的皮肤，完全是另一种反光，表达出粗糙的树皮般的质感。
希望能帮到你。
其实以上都是操作层面。拍照还有另一个层面，同一样东西，同一个光线条件，哪怕同一个机位，你去拍，和别人去拍，你们得到的照片很可能会有差别。
差别从哪来的？好好想想。这一点才是最难的地方，特别难…前面那些操作层面的，作为爱好者浅学一下，其实都不难，很快就能够用，但之后那些意识上的，脑子里的，涉及到美感、生活沉淀、提炼能力等等这些东西，才是拍照爱好中真正难以提升的。你的照片就是你生活眼光的表现，而之前说的那些曝光啊对焦啊构图啊色彩啊，都只是让你能表现出生活眼光的工具，真正学会用这些工具，只是相当于原始人拿起了石头而已。
以前我刚刚学了点调色的时候，非常兴奋，觉得自己终于可以调出所谓的“通透”和“漂亮”了。但之后不久就感觉到深深的恐惧…
因为在我不会这些的时候，我还用不来工具，表达不出我的所谓的“眼光”。但粗略的会用一点之后，可以表达出来了，这时候就没有什么，可以掩盖它的粗陋了。
“我有个梦中情人，但我画不出来。”
——“好好练习，绘画的笔法是这样，颜色要这样配，层次要这样表达…”

“我学会画画了，可以把想要画的东西画得很准确了！看我画个梦中情人给你看。”
——“哇，原来你的梦中情人就长这样啊…”
是不是更悲哀…
所以…好好看点艺术方面的基础书藉吧，共勉…