东京奥运会开幕式表演是什么艺术风格？为什么很多人无法理解？文化差异究竟有多大？

更新：建议先看完我下面这个最新的回答。下面这个链接是我想写在本回答前面的话，而本回答是对下面这个链接的更为详细的解释。


谈艺术类的产品要讲三个方面：
1、形式
2、内容
3、水准

形式，指的是它属于歌剧还是电影，是绘画还是小说，这当然是指体裁。除此之外，还有艺术的语言、手法、结构等要素。
就这场开幕式特别表演来看，比较让人诟病的部分，我认为其形式上，应当属于使用立体主义的语言来实现表现主义目的的一出舞台剧。

所谓立体主义，最初诞生于二维平面画作。立体主义画家拒绝写实，而是将生活中客观存在的事物分解成一个一个的“结构”，再将这些零件以艺术家所认为的艺术逻辑重新拼接起来。
立体主义认为，他们所描绘的并非视觉上的现实，而是观念上的现实。
先不需要理解这段话，大约记住这个概念即可。

所谓表现主义，诞生于20世纪之初。表现主义的重点在于，要求将艺术家内心独特的情感与感受，以高度个性化的形式呈现出来。
表现主义并非传统意义上的通过描绘客观事物，试图以“共情”的方式，将艺术家的情感以广泛认同的客观事物载体来传达出来，而是直接以高度个性化的方式来描绘情感。
举个例子。比如艺术家想传达温暖的人情味，那么艺术家描绘一位和蔼的老妇人，手里拿着牛奶罐，并将牛奶递给口渴的路人，并辅以温暖的阳光和美好的场景。这就是以“广泛认同的客观事物为载体”，艺术家觉得这一画面是温暖而富有人情味的，大部分观众也会这样觉得，于是，通过这种载体，艺术家将他内心的情感，传递给了观众。这是传统的艺术表现形式。
而表现主义的表现方式，则是艺术家直接绘画他所认为的能表达温暖和人情味的颜色甚至是色块，线条甚至是符号，形象甚至是轮廓。艺术家并不追求“传统和大众意义上的表现载体”，而是追求“我所认为的，充满我的个性”的载体。这种载体可以是形象的，也可以是抽象的。

大致讲解了这两种艺术形式之后，大约就可以解构了。你比如大家诟病得最多的：

复习前面的内容就可得知：这是艺术家表现的某种生命体。而这种生命，并非是“现实中”的生命，而是“艺术家所个性化表现的生命”。我们再看该生命体，“它”有人类的躯干、水生生物的触手、大部分陆生生物的尾巴，以及很多人能明白代表生命躯壳的肋骨。
（注：评论区有朋友指出这角色的原型可能是猛犸象化石。那也没关系，触手换成象牙，其它不变，一样是拆解、解析、重要特征零件的重组装，重点没有变。）

我们回到前面说的“不要求理解，只需要大致记住”的那段话：
所谓立体主义，最初诞生于二维平面画作。立体主义画家拒绝写实，而是将生活中客观存在的事物分解成一个一个的“结构”，再将这些零件以艺术家所认为的艺术逻辑重新拼接起来。
立体主义认为，他们所描绘的并非视觉上的现实，而是观念上的现实。

所以这虽然已经不再是“二维平面画作”，但它的理念，应当是从立体主义发展出来的艺术形式。使用演员进行特定的化妆，并辅以服饰和装置，使用“生物的结构”进行拼贴，按照艺术家所认为的逻辑，重新拼接出了一个“艺术家所创作的生命，这生命是初生的、幼稚的、笨拙的、不完整的”。这显然是立体主义的概念。
在这个概念基础上，艺术家试图表达“原初，诞生了生命，这生命虽然幼稚、笨拙、不完整，但它们也在成长和试图彼此沟通，最终wassai了，靠着wassai理念团结在一起，找到了生命的乐趣”这一过程。这种表达方式是高度个性化的，它在目标上属于表现主义。

所以我说，形式上，它属于“使用立体主义的语言来实现表现主义的目的的一出舞台剧”。

内容：
前文已述，应当为“生命的诞生、成长、交流与团结”。
艺术的形式和内容是密不可分的。形式必须表达内容，而内容必须借由形式来表达。没有不表达内容的形式，也没有不带形式的内容。说起来有点绕口，举个例子方便理解：
比如大家都知道的宋冬野的那首歌《斑马，斑马》。
它的形式为“民谣歌曲”，它的内容为“我爱着你，想安慰受伤的你，却没有能力给你想要的生活”。不用详加解构就能明白，创作者以民谣的形式，传达出了这种“有距离的爱情”的哀伤感，而这种哀伤感，又附着在民谣的形式之上。这首民谣歌曲传达了它要讲述的内容，而这样的内容，又被民谣的形式传达得很好。

回到原题。艺术家想要表达的“生命的诞生与成长、交流”，这一内容，建筑在立体主义和表现主义舞台剧的艺术形式上，而这一艺术形式，也被用来表达了艺术家想要表达的内容。

水准：
终于聊到这里了。
各位，前面讲这么多，全是铺垫，到这里才是重点。

你以为我要说：
它是结构主义和表现主义的艺术，是艺术啊！
你们看不懂艺术，所以是你们的问题啊！
你们这些俗人啊！
你们以为我要这么说吗？
恰恰相反（噗）。

我前面铺垫了这么这么久，就是想说：
我能解构你的艺术形式，我也能解构你的艺术内容。
这又如何？
艺术内容需要形式来表达，艺术形式需要表达内容，这是无可否认的定式，也是艺术家必须完成的最终目标。
而艺术家要用形式来表达内容，又必须考虑一个非常重要的概念：受众。
脱离受众来谈表达，那是空中楼阁。
这句话是我说的，但各位只要想想，就会发现它没毛病。在艺术史上，任何一个时代的艺术家，都必须要为他的受众服务。

遥远的史前时代，艺术家的受众是部落里的猎人和采集者们，所以他们需要创作猎物和超自然力量具现化的远古神灵，以此来祈求猎获，祈求雨水调顺和丰收。
封建时代，艺术家的受众是帝王将相和当地的乡绅。所以他们需要创作君权神授的宗教艺术，以及符合乡绅意趣的艺术品，从上帝到天帝，从祭天用的天坛到拜上帝用的教堂，从稳定乡绅权力的祠堂到“教化”民众的牌坊。我国封建时代的艺术家有着艺术创作者和乡绅士族的双重身份，所以我们的传统艺术又有着我国传统士族志趣的独有风格。
到了现代，生产力发达了，社会财富比较丰富了。艺术家的受众群体变得更加复杂，上到企业主，金融家，下到你我这样的打工者，都有一点闲钱可以消费艺术品，丰富一下精神生活。所以现代艺术产品产生了极大的分歧，有了各种形式，各种内容，各种意趣，不一而足。在这基础上，艺术家自己也有了闲钱，这是艺术史上非常重要的一个时间节点。艺术家自己有了闲钱，意味着艺术创作者不需要考虑别的受众问题，他可以关起门来搞点自己喜欢的东西，这就诞生了现代艺术以及纯艺术之类的彻底脱离普通受众的艺术产品。

所以话说到这，就可以总结前文了：
我这里不否认和贬低艺术家们自己关起门来玩的脱离受众的纯艺术。事实上，我们甚至可以把纯艺术看成“受众为艺术家自己”的艺术品，说到底，仍然是在说，“所有艺术创作，都要考虑它的受众”，因为艺术形式和内容密不可分，艺术家必须要确定他的受众能够从作品的形式上理解他要表达的内容。
能不能理解得到，这个另说，但他的作品，应当是他的受众所能理解得了的，这才是重点。否则，请你关起门来玩你自己的纯艺术，将受众限定为“仅我自己”。

我说明白了吗？
日本东京奥运会开幕式的特别节目，它的受众应当是日本乃至全世界关注着奥运会的广大人民群众。
那么它的问题也就非常明显：
它明确的受众，不能从它的艺术作品上，理解到它的内容。因此，你艺术形式再怎样，都是白搭。

注意：这不是受众的问题，而是你艺术家的问题。艺术家在明确已知受众是谁的前提下，创作了受众不能理解的产品。

所以我为什么要把这一结论放在第三点“水准”来说？
因为，这就是水准问题。
这并不是曲高和寡。这是这份艺术品，没有达到在这样的艺术形式条件下，完成“将此形式所传达的内容准确地传达给目标受众”这一终极目的。它的表现力，不足以唤醒目标受众（甚至降低标准为多数受众）的情感，不足以将艺术家想传达的内容传达出来。

简单总结就是：在目标受众明确的前提下，那么就不该谈受众的接受度问题，而应当谈，是它表现力不足。
所以这是失败作。

我说完了吗？没有！
对一件艺术品来说，它可以不写实，它也可以不漂亮，它甚至可以是“传统意义上的丑”。但它一定要“漂亮地将内容绑在形式上，再漂亮地传递给它的受众，并让它的受众觉得，哇，你干得漂亮”。
这是两层递进关系。
第一层，要将内容以艺术形式漂亮地传递给受众。这里的“漂亮”并非传统意义上的“哇美少女真好看，哇这朵花真好看，哇这风景真好看”的漂亮，而是抽象意义上的“干得漂亮，干得爽快利落按质按量”的漂亮。
第二层，才是受众觉得“哇你不仅传递得漂亮，艺术形式也干得漂亮”。这也不是传统意义上的“美少女真好看”的漂亮，而是“你这艺术作品做得有感染力，我感受到了强烈的共鸣”，因此“干得漂亮”。
第一层是基础，第二层是提高要求。所以大家明白了：
东京奥运会开幕式特别节目的阴间表演，连第一层都未做到。

题目问“文化差异”的问题，而这并不是文化差异造成的。事实上，奥运开幕式其性质，本身就决定了它“不该有文化差异问题”，是它不该有，而不是观众不该有。做不到，就是这部作品水准不够格。事实上这也根本不是文化差异的问题。
是表现力的问题。

后续更新：
有朋友希望我提一下舞踏，这样就扣题了。
我回复他的内容，整理如下：
我不懂舞踏，不敢多评。
但是舞蹈本身也属于某种特定背景下的艺术形式，我个人感觉…不太适合放在奥运舞台上。
其实还是形式、内容和水准——舞踏这种形式本身不是问题，决定把舞踏这种特殊形式放到奥运舞台上亮相，却没能成功地传达出它的旨趣，这才是问题。
对特定受众来说，形式不合适（舞踏的特殊性质决定了它对世界人民来说并不容易理解），这已经是高难度了。
但如果有足够强烈的表现力，也就是艺术水准足够高，即使形式上难以理解，受众仍然可能GET到你的内容。
目前效果看起来，观众并没能GET到多少，所以，我个人认为，是形式上选裁加大了表现难度，而水准层面的表现力又不足以撑起这个难度所导致的。

在这方面可以拿毕加索举例。
比如说：
毕加索绘制的《拉小提琴的女子》：
这属于艺术圈里的自嗨，所以他的受众是艺术家或者艺术欣赏者、艺术批评家，那么这受众圈以外的人看不明白，感受不到感染力，并不能说是表现力不足的问题，只能说“表现力没有强到那个地步”，没有“强出圈”。这不是艺术水准的问题，而是受众方向，圈子不同，很正常。
举比较接近我们生活的例子，那就是龚琳娜的《忐忑》。忐忑是歌曲领域的一种尝试性的艺术创作，它的受众应当是那些歌曲领域的作曲家、编曲家、演唱家和批评家。因此，这首歌本身，没有什么问题。
但，如果拿这首歌到流行舞台上给观众唱，就是受众发生了变化。观众听不明白，不是观众的问题，而是受众改变了——而这首歌的艺术表现力又不足以“强出圈”，所以就导致了问题。
回到毕加索的《拉小提琴的女人》，这幅画的受众是有一定现代艺术鉴赏经验的人，它很好地感染了相关人士，那么它的水准就是足够的。而又，基于它在这个圈子里的实验开拓的性质，它的地位也是极高的。这是关在艺术圈子里说的话，本身也没出圈，大致属于“圈地自萌”，没毛病。

但，毕加索用类似艺术形式绘制的《格尔尼卡》：
受众是纳粹以及被纳粹折磨的普通人民。而神奇的是，在艺术家明确受众不是艺术圈内人士的时候，他居然能够在使用他惯用之艺术形式的同时，精准地让目标受众感受到他要传达的情绪。这，就是水平。
这个例子，可以作为舞踏，以及"wassai"的对比。同样是普通人不太能够理解的艺术形式，而毕加索就做到了让普通人即使看不懂形式，也能“看懂内容”。艺术家通过对肢体、表情和氛围的描绘，使得这幅画拥有了强烈的表现力，“其能力强出了圈”。
（对了突然想起来，这幅画，也是属于立体主义绘画的形式，也是将“现实事物进行拆解，将各种特征性的零件进行重新组合”。同样是立体主义，毕加索想给艺术圈外人展现什么，他就展现出来了；东京奥运开幕特别节目，想给艺术圈外人展现“初生的生命”，却展现成了“病态的生命”。这就是表现力的区别，是艺术水准的区别。不是艺术形式的问题，是创作层面的问题。）

再举个更恐怖的例子。还是他，这次换成绘给情人的《弗郎索瓦》：
受众变成了情人。而他就可以根据受众的变化，微妙地调整了他的艺术形式，使得其能和他一贯的其它作品保持风格上的统一。我们仔细观察还是可以发现，这幅画仍然进行了“立体主义的拆解与重组”，五官、脖子、都是重组过的，头发也是特性化的零件堆砌。但，他很明显地调整了他的形式，在风格统一与艺术追求的基础上，又恰到好处地使他的受众可以理解这种形式，从而感受到他炽热的情感，感受到在他眼中，情人的美丽、大方与热情等各种特质。这幅画不仅仅是“表现力强出了圈”，更使“艺术形式也经过了针对情人和大众的特化改良，形式上也强出了圈”。

如果我们将“这种绘画形式”称为“工具”，那么以上三个例子，证明了毕加索不仅仅将“工具用得很熟”，他甚至可以“视要求改造他的工具”。艺术形式不再是他的标签或者手法，艺术形式本身也成了他的创作品，为他的表达目的服务。真正的得心应手，游刃有余。

这就叫“水准”。
所以我举毕加索的三个例子，就是想说明：光是使用艺术形式，并不是“水准”。
而是在明确受众为谁的前提下，可以让你的艺术形式为受众所理解，甚至于，你还可以随心所欲地调整你的形式，在保持你作品风格和艺术追求的前提下，让你的受众看懂你的内容，并且，被你的内容所感动。
这才叫水准。

后记：
其实各位有没有发现，最后要求大家一起举手喊wassai有点像蓝蓝路？
蓝蓝路是什么意思？是一系列美好喻意的集合体，具体是什么你别管，你只要和我一起举手大喊蓝蓝路就行了。
还真是一个路数。（这段后记是开玩笑的）