bluuebunny/crossref_metadata_2025_split huggingface dataset:
The Films by Andrei Tarkovsky as the Objects of Audiovisual Quotations in Cinema
Authors: Михеева Ю.В. 
Published: April 2022

С развитием художественного языка кинематографа и появлением авторского кино музыкальное, визуальное и прочие виды цитирования в кинофильмах приобретают более «объемные» смыслы и функции, обусловленные авторской (режиссерской) эстетикой. Многолетнее развитие киноискусства позволило возникнуть еще одному, уникальному виду заимствования — аудиовизуальному цитиро- ванию, или цитированию «фильма в фильме». Технически оно может быть исполнено в трех основных вариантах: врезка, наложение и реминисценция. Этот процесс, вполне ясный в формальном отношении, усложняется в силу возникающего в авторском кино важнейшего обстоятельства — модальности, т. е. характера цитирования, отношения режиссера к заимствованному тексту. В  статье рассматриваются некоторые виды аудиовизуального цитирования и отсылок в кинопроизведении: «оммажное» цитирование, «рефлексивные», «аллюзийные», «полемические» отсылки, которые не только активизируют чувственное переживание «фильма в фильме», но и  становятся частью интертекстуального полилога, предполагающего творческое соучастие в нем зрителя.
With the development of the artistic language of cinema and the emergence of auteur cinema, musical, visual and other quotations in movies are becoming more substantial due to the author’s (Director’s) aesthetics. Long-term development of cinema led to the appearance of a unique kind of borrowing — audio-visual citation, or the citation of “film in film”. Technically, it can be performed in three main versions: inset, overlay and reminiscence. This process, which is quite clear in formal terms, becomes more complicated due to the most important circumstance of modality arising in the author’s cinema, i. e. the nature of the citation, the Director’s attitude to the borrowed text. The article deals with some types of audiovisual quotations and references in film production: “respectful” citation, “reflexive”, “allusive”, “polemic” references, which not only activate the sensual experience of the “film in film”, but also become part of the intertextual polylogue, involving the viewer in creative participation in it.
Wilhelm von Lenz. Die großen Pianoforte-Virtuosen unserer Zeit aus persönlicher Bekanntschaft. Carl Tausig
Authors: Грохотов С.В. 
Published: April 2022

Первая публикация на русском языке главы из книги Вильгельма фон Ленца Die großen Pianoforte-Virtuosen unserer Zeit aus persönlicher Bekanntschaft: Liszt, Chopin, Tausig, Henselt (Берлин, 1872). Она посвящена Карлу Таузигу (1841–1871), одному из самых выдающихся фортепианных виртуозов XIX века, любимому ученику Листа, чье историческое значение в современных трудах о фортепианном искусстве недооценивается. Вступительная  статья содержит биографические сведения об обоих —Таузиге и Ленце (1809–1883), русском музыкальном критике, авторе известных книг о Бетховене.
The first Russian publication of the chapter from: Die großen Pianoforte-Virtuosen unserer Zeit aus persönlicher Bekanntschaft: Liszt, Chopin, Tausig, Henselt (Berlin, 1872) by Wilhelm von Lenz. It is devoted to Carl Tausig (1841–71) — one of the most prominent 19th century piano virtuosos, Liszts favorite apprentice, whose historical significance is still neglected in modern publications on piano playing. The introducing article contains biographical information on both — Carl Tausig and Wilhelm von Lenz (1809–83), Russian music critic, author of the notorious Beethoven studies.
Ella von Schultz-Adaiewsky’s Operas (On the History of Russian Music Theatre in the 1870s)
Authors: Ломтев Д.Г. 
Published: April 2022

На основе сохранившихся нотных рукописей впервые рассматриваются оперы Эллы фон Шульц-Адаевской «Непригожая, или Дочь боярина» (1873) и «Заря свободы» (1877). Находясь в русле тенденций развития оперного театра в России 1870-х годов, они, вместе с тем, являются первыми крупными достижениями на пути самоутверждения Шульц-Адаевской как женщины-композитора и несут черты присущего ее творческому облику симбиоза русской и немецкой культур.
For the first time, Ella von Schultz-Adaiewsky’s operas Die Hässliche, oder Die Tochter des Boajren (The Ugly Girl, or The Boayr’s Daughter, 1873) and Morgenröte der Freiheit (The Dawn of Freedom, 1877) are analyzed on the basis of preserved musical manuscripts of her works. They correspond to the general historical development of the Russian opera in the 1870s, however, they also exhibit the characteristics of Russian-German cultural symbiosis in the composer’s oeuvre. In addition, both operas confirm Schultz-Adaiewsky’s self-assertion as a female composer.
Lyric Stanza’s by Sergei Prokofiev: Five Songs Without Words, Op. 35
Authors: Николаева Е.А. 
Published: April 2022

Пять песен без слов ор. 35 (1920) — один из редких образцов ранней прокофьевской лирики. Вокальный цикл посвящен певице незаурядного творческого дарования Нине Кошиц, чьи личность и исполнительский темперамент несомненно учитывались композитором при его создании. Статья является опытом исследования композиционной  структуры и музыкально-выразительных средств данного опуса в разнообразном историческом контексте.
Five Songs Without Words, Op. 35 (1920) are one of the rare examples of early lyrics by Prokofiev. The vocal cycle is dedicated to the singer of an outstanding creative talent Nina Koshetz, whose personality and performing temperament were undoubtedly taken into account by the composer during creation of this opus. The article contains results of the study of compositional structure and of expressive means of the work in a miscellaneous historical context.
Concept of Serial Music in Western and Russian Musicology: Issues of Terminology
Authors: Окунева Е.Г. 
Published: April 2022

В  статье прослеживается возникновение и развитие понятий серийной и сериальной музыки в различных национальных традициях музыкознания; обнаруживается ряд несоответствий, которые необходимо учитывать при использовании этих понятий в разной языковой среде. Понятие composition sérielle возникло во французском языке в конце сороковых годов как перевод немецкого Reihenkomposition, однако П. Булез в своих теоретических работах предпринял попытку отделить феномен серийности от имени А. Шёнберга. В немецком языке понятие serielle Musik появилось в начале пятидесятых как перевод французской musique sérielle. В 1955 году благодаря К. Штокхаузену и Г. Аймерту термин был переосмыслен и связан исключительно с композициями, развивающими принцип многомерной серийности. С течением времени понятие serielle Musik включило в себя также электронную музыку и постсериальные методы (техника групп,  статистическая полевая композиция). В английском языке термин serial music объединяет технику  письма Шёнберга и композиторов послевоенного авангарда, а иногда трактуется и как эстетическая категория. Отечественные ученые Ю. Н. Холопов и С. А. Курбатская рассматривают серийную музыку в узком (как технику, использующую высотные серии) и в широком смыслах (как технику, при которой вся ткань выводится из серии любого параметра); сериализмом именуется многомерная серийность (использование серий одновременно в нескольких параметрах).
The article traces the formation and the development of the concept of serial music in various national tra- ditions of musicology; the author reveals discrepancy that must be taken into account when using concepts in different languages. The concept of composition sérielle arose in French in the late 1940s as a translation of the German word Reihenkomposition; however, P. Boulez in his papers attempted to separate the serial phenomenon from A. Schoenberg’s work. In German, the concept of serielle Musik appeared in the early 1950s as a translation of the French musique sérielle. In 1955, thanks to K. Stockhausen and H. Eimert, the term was rethought and associated only with compositions that develop the principle of multidimensional seriality. Eventually, the concept of serielle Musik included electronic music and postserial methods (group composition, statis- tical composition). In English, the term serial music combines Schoenberg’s technique and post-war avant- garde composers’ one, and is sometimes interpreted as an aesthetic category. Russian musicologists Y. N. Kholopov and S. A. Kurbatskaya consider the term серийная музыка in the narrow sense (as a technique using series of pitches) and in a broad meaning (as a technique, in which the entire texture is derived from a series of any parameter); сериализм means multidimensional seriality (use of series in several parameters simultaneously).
Короткое путешествие в Дармштадт: влияние авангарда и использование сериализма в ранних сочинениях Харрисона Бёртуисла
Authors: Wilson T. 
Published: April 2022

This paper is devoted to Birtwistle’s early music written before 1965: dodecaphonic works that demonstrate, in part, a Darmstadt aesthetic, and which are marked by the influence of figures such as Pierre Boulez, Luigi Nono and Karlheinz Stockhausen. Using score examples, the composer’s own writings and interview material, it examines Birtwistle’s use of serialism, both in aesthetic and practice, discussing this within the context of his early experimentation and struggle to find a unique voice among the Avant-garde but without rejecting past musical traditions.
Статья посвящена ранним, написанным до 1965 года сочинениям Бёртуисла; отмеченные влиянием таких фигур, как Пьер Булез, Луиджи Ноно и Карлхайнц Штокхаузен, они в известной мере являются образцом эстетики Дармштадта. На материале музыкальных произведений, а также собственных высказываний композитора в статьях и в интервью исследуются эстетические и практические аспекты использования сериализма Бёртуислом— как часть его ранних творческих экспериментов и настойчивых попыток обрести собственный, неповторимый голос внутри авангарда, не порывая с традициями музыкального прошлого.
Father of a Genius: The Letters of Leopold Mozart from His First Trip to Italy
Authors: Бояркина А.В. 
Published: April 2022

В статье впервые подробно рассматривается корреспонденция Леопольда Моцарта, ее лингвостилистические и текстуальные особенности. Фрагменты писем отца Вольфганга Амадея публиковались практически во всех биографиях композитора, но даже небольшая подборка полных текстов писем из первого путешествия в Италию в переводе автора статьи (девять текстов, датированных периодом с 14 декабря 1769 года по 27 марта 1770 года) позволяет подвергнуть сомнению устойчивые представления об отце Вольфганга Амадея Моцарта. Круг тем, манера подачи материала и особенный авторский стиль писем рисуют неожиданно многогранную, динамичную, неординарную личность Леопольда, раскрывают его философские и эстетические воззрения. Эпистолярный стиль отца в целом демонстрирует практически полное сходство со стилем Вольфганга Амадея Моцарта, что позволяет сделать предположение, что сын в основном заимствовал его от отца, так и оставшегося незаметным в тени гения.
The article first examines in detail the correspondence of Leopold Mozart, its linguistic and textual features. Fragments of letters from the father of Wolfgang Amadeus Mozart were published practically in every biography of the composer, but even a small selection of complete texts from letters from the first trip to Italy, translated by the author of this article (nine texts from 14.12.1769 to 27.03.1770) allows to question the commonly upheld perception of Wolfgang Amadeus Mozart’s father. The range of topics, the manner in which the material is presented, and the particular writing style in his letters show Leopold’s unexpectedly multifaceted, dynamic, unordinary personality, reveal his philosophical and aesthetic views, and on the whole show almost a complete resemblance to the epistolary style of Wolfgang Amadeus Mozart, which suggests that the son basically borrowed it from his father, who remained unnoted in the shadow of the genius.
The Suite “Wailing” by Igor Vorobyov: Analysis and Interpretation
Authors: Петрусева Н.А. , Косырева В.И. 
Published: April 2022

В первой научной публикации, посвященной сюите «Плачи» (2014) Игоря Станиславовича Воробьева, раскрываются основные содержательные и композиционно-технические аспекты произведения. Использован комплексный подход в многоаспектном рассмотрении разного рода интерпретирующих оппозиций: опус-музыка / народная музыка, политика фестивалей современной музыки (как сочетание регионального и надрегионального аспектов) и пути претворения фольклора, неофольклоризм и минимализм, трактовка формы как целого и локальные структуры (тембровые, ладовые, мелодико-ритмические, гармонические, фактурные) и т. д. Сделаны выводы о развитии в сюите традиций неофольклоризма, о взаимодействии характерных аспектов русского народного мышления и новых композиторских техник, о значимости социального ракурса в исследовании жанра плача как метафоры русского быта и одновременно русской картины мира.
This article is the first publication devoted to the compositional and technical aspects of the suite “Wailing” (2014) by Igor Vorobyov. An integrated approach was used in a multi-aspect consideration of various interpretive oppositions: opus music / folk music, politics of contemporary music festivals (as a combination of regional and supra-regional aspects) and ways of implementing folklore, neofolklorizm and minimalism, interpretation of the form as a whole and local structures (timbre, modal, melodic-rhythmic, harmonic, texture), etc. Conclusions are drawn about the development in the suite of neo-folklorism traditions, about the interaction of characteristic aspects of Russian folk thinking and new composer techniques, about the significance of the social perspective in the study of the wailing genre as a metaphor for Russian life and at the same time a Russian picture of the world.
…Warum?— Compositional Surprises in Schumann’s Music
Authors: Кюрегян Т.С. 
Published: April 2022

В статье рассматриваются нестандартные композиционные решения в музыке Р. Шумана. Основное внимание уделено Финалу Второй симфонии, который до сих пор не имеет общепринятого толкования. Его оригинальная конструкция может быть понята лишь в контексте всей симфонии, особенно тесно она связана с предшествующим Adagio. Распадаясь на два огромных массива, финал в своем «первом акте» полемизирует с субъективной образностью Adagio, а во втором ищет выход в объективно-духовное. Тесное общение с искусством И. С. Баха в годы, предшествовавшие созданию Симфонии, сказывается не только в ее насыщенности полифонией, но и в самом «плетении» музыкальной ткани, напоминающем о барочном развертывании. Крайне необычен тональный план финала: крен в доминантовую сферу в его первой половине (начиная с самой главной темы) и, после полного, но не убедительного каданса в минорной тонике— новые поиски истинной опоры во второй половине. Тематическую параллель этому процессу составляет постепенное становление и обретение по-настоящему главной (для всей симфонии) темы, которая является как «благая песнь»— на грани с религиозным искусством.
The article deals with non-standard compositional decisions in R. Schumann’s music. Particular attention is paid to the Finale of the Second Symphony that hasn’t got any generally accepted interpretation so far. Its original construction can be understood only within the context of the whole symphony, it is connected with the preceding Adagio especially closely. Separating into two great massifs, the final in its “first act” controverts the subjective imagery of Adagio, and in the “second act” looks for exit into objective and spiritual sphere. Close communication with the art of J. S. Bach in the years preceding the creation of the Symphony tells not only upon the intenseness of polyphony but on the “weaving” of the musical texture itself, resembling the baroque Fortspinnung. The tonal plan of the Finale— with its tendency to the dominant sphere in its first half (beginning from the first theme), and, after the full but not convincing cadence in the minor tonic, the new search of true support in the second half— is very unusual. A thematic parallel to this process is gradual forming and acquiring of the theme that is truly the main one for the whole Symphony and that is perceived as “a good song”— on the boundary with religious art.
Alexander Chugaev: Composer, Researcher, Teacher
Authors: Иглицкий М.М. 
Published: April 2022

Статья посвящена обзору музыкальной деятельности Александра Георгиевича Чугаева (1924–1990). Несмотря на то, что он получил композиторское образование и в первую очередь считал себя композитором, по различным причинам он более известен как исследователь в области полифонии. Третья сфера его музыкальной деятельности— преподавание— не оставила практически никакого «материального» наследия, однако игнорировать ее означало бы упустить одно из важнейших качеств Чугаева-музыканта. Обзор биографии Чугаева вместе с рассмотрением разных сторон его творческой деятельности создает более полную картину, отчасти объясняющую судьбу его наследия, которую вряд ли можно назвать справедливой.
This paper reviews the musical career of Alexander Chugaev (1924–1990). He has graduated as a composer and primarily considered himself composer; nevertheless, he is known for now mainly for his polyphonic studies. He taught for much of his life, and despite the fact, that teaching has left very few “material patrimony” it must not be ignored for it was as important part as the other two. Overview of his biography and work as a composer, researcher, and teacher allows us to form a more nuanced picture of his life and somewhat explain the fate of his legacy, which hardy can be described as equitable.
The Opening Ceremony of Moscow Conservatory (September 1, 1866). An Attempt of Reconstruction
Authors: Моисеев Г.А. 
Published: April 2022

В статье подробно рассматривается и анализируется первое знаковое событие из истории Московской консерватории— церемония ее открытия. На основе журналистских репортажей российской и западноевропейской прессы, составленных корреспондентами, лично присутствовавшими на торжествах, реконструируется музыкальная картина праздника: уточнены программы, репертуар, имена исполнителей, в том числе, участие в церемонии Синодального хора. Впервые полностью и с комментариями воспроизводятся все речи ведущих деятелей Русского музыкального общества. Особое внимание уделено критическому анализу мемуарных свидетельств Н. Д. Кашкина, в частности, описанный им эпизод исполнения П. И. Чайковским Увертюры к «Руслану и Людмиле» Глинки. Историчность этого эпизода ставится под сомнение. Исследование показывает насущную необходимость критического отношения и ревизии ряда первоисточников.
In the article is surveyed and analyzed in detail the very first meaningful event of the Moscow Conservatory history— the opening ceremony. On the basis of journalistic reports of the Russian and Western European press, compiled by correspondents who were personally present at the celebrations, the musical picture of the holiday is reconstructed: the programs, repertoire, artist names, including participation in the ceremony of the Synodal choir are clarified. For the first time complete versions of speeches by leading persons of the Russian music society with comments are reproduced. Special attention is paid to the critical analysis of N. D. Kashkin’s recollections, in particular, the episode of P. I. Tchaikovsky’s playing on piano of the Overture to «Ruslan and Lyudmila» Glinka. The historicity of this episode is questioned. The results of the study show the urgent need for a critical attitude and revision of primary sources.
Богословие Страстей И. С. Баха сквозь призму песни И. Хермана Herzliebster Jesu: феосис по-лютерански?
Authors: Nasonov R.A. 
Published: April 2022

The essence of this article is an attempt to interpret of St. John Passion and St. Matthew Passion by J. S. Bach as a single theological concept, consisting of two parts. This concept can be considered as sui generis counterpart to the Eastern Christian idea of divinization (theosis); M. Luther laid its foundations, but it was finally developed in the Passions by Bach, who relied on the traditions of Lutheran piety presented primarily in church hymns. The hypothesis of the article is that Bach did not accidentally use the various stanzas of J. Heermann’s Passion hymn Herzliebster Jesu in both works; to set forth his own version of the theory of atonement, he combines, following Heermann, two theological motives ‒ Jesus as Messiah and as embodiment of Divine Love. The complex relationship of these motives is reflected in the musical symbolism of the two masterpieces and in the features of their libretti. At the same time, the point of view widespread in Western musicology is challenged, according to which St. John Passion and St. Matthew Passion express two opposite, mutually exclusive doctrines of atonement, which supposedly coexisted in Lutheranism from the very beginning of its history.
Статья представляет собой опыт интерпретации «Страстей по Иоанну» и «Страстей по Матфею» И. С. Баха как единой богословской концепции, состоящей из двух частей. Эту концепцию можно считать своеобразным аналогом восточнохристианской идеи обожения (феосиса); ее основы заложил М. Лютер, однако в завершенном виде она складывается в Страстях Баха, который опирался на традиции лютеранского благочестия, представленные прежде всего в церковных песнях. Согласно содержащейся в статье гипотезе Бах не случайно использовал в обоих Пассионах различные строфы Страстно́ й песни И. Хермана «Возлюбленный Иисусе»: чтобы изложить собственную версию учения об Искупительной Жертве, он объединяет, вслед за Херманом, богословские мотивы мессианства Иисуса и воплощения в Его фигуре Божественной Любви. Сложное соотношение этих мотивов получает отражение в музыкальной символике двух шедевров и в особенностях их либретто. При этом в статье оспаривается распространенная в западном музыковедении точка зрения, согласно которой «Страсти по Иоанну» и «Страсти по Матфею» выражают две противоположные, взаимоисключающие теории искупления, якобы сосуществовавшие в лютеранстве с самого начала его истории.
Ludwig Marschner’s Scientific and Compositional Heritage
Authors: Ломтев Д.Г. 
Published: April 2022

На основе печатных и архивно-рукописных источников впервые предлагается биографический очерк об австрийском композиторе, музыковеде и философе Ф. Л. Маршнере (1855–1932) на русском языке. Рассматриваются его значимые научные публикации в области музыкальной эстетики и гармонии (изложение функциональной теории). В характеристике композиторского творчества указывается на ведущее положение вокальной лирики (больше 150 песен) и инструментальных ансамблей, отмеченных симфонизацией камерного стиля.
For the first time, a biographical essay in Russian about the Austrian composer, philosopher and musicologist Franz Ludwig Marschner (1855–1932) has been compiled on the basis of printed sources and preserved manuscripts. His important scientific works in different fields of music aesthetics and harmony (functional theory) are highlighted. The scientific examination showed that among his musical compositions the leading role is shared by vocal music with lyrics (more than 150 songs) and instrumental chamber ensembles.