bluuebunny/crossref_metadata_2025_split huggingface dataset:
String Trio of Yefim Golyshev in the Context of the Ideas of Early Integral Serialism
Authors: Окунева Е.Г. 
Published: April 2022

В статье рассматривается метод 12-тоновой композиции Ефима Голышева, который в 1910-е годы стоял у истоков не только серийной, но и сериальной музыки. На примере Струнного трио (1914), единственного сохранившегося сочинения Голышева, выявляются особенности композиторской техники, раскрываются принципы высотной и ритмической организации. Конструктивной единицей в системе Голышева является двенадцатитоновое хроматическое поле (комплекс), содержащее звуки различной длительности. Строгая упорядоченность тонов внутри него отсутствует. Концепция «музыки 12 тонов и длительностей» Голышева сравнивается с ранними сериальными опытами, возникшими в послевоенной Европе. Проводя параллели между Струнным трио и композициями Оливье Мессиана и Карела Гуйвартса, автор статьи акцентирует значимость автономизации отдельных параметров как исходного посыла для дальнейшего развития сериальной идеи.
The article considers the method of the twelve-tone composition of Yefim Golyshev, who in the 1910s stood at the origins of not only serial but also integral serial music. On the example of the String Trio (1914), the only survived composition by Golyshev, the features of his compositional technique are shown, the principles of pitch and rhythmic organization are revealed. A constructive unit in Golyshev’s system is a twelve-tone chromatic field (complex), containing different duration values, in which there is no strict ordering of tones. The concept of Golyshev’s “Zwölftondauer-Musik” is compared with the early serial experiments that have arisen in post-war Europe. By drawing parallels between the String Trio and the compositions by Olivier Messiaen and Karel Goeyvaerts the author of the article accents the importance of autonomy of individual parameters as the starting point for the further development of the serial idea.
Guido d’Arezzo. Regulae rhytmicae
Authors: Лебедев С.Н. 
Published: April 2022

«Стихотворные правила» (Regulae rhythmicae, начало XI в.) Гвидо Аретинского — первый  стихотворный учебник в западноевропейской и стории музыки. Включает все главные темы «элементарной теории музыки», ориентированной на григорианскую монодию, — диатонический звукоряд, деление монохорда, классификацию и свой ства консонансов, церковные лады, а также начатки учения о мелодической композиции. Наиболее изве стен как трактат, где впервые (наряду с прозаическим «Прологом к антифонарию» того же автора) описана «наша» линейная нотация. В основу критического перевода (первого на русском языке) положены издания оригинального тек ста «Правил» Й. М. Смитса ван Васберге (1985), Д. Пеше (1999) и А. Рускони (2008), с привлечением материала восьми Гвидоновых рукописей, датируемых XI–XII вв. Перевод сопровождает ся подробными справочными и научными комментариями. На цветной вклейке размещены цветные аннотированные факсимиле из рукописей Гвидо, среди которых — образцы аутентичной «Гвидоновой» нотации.
Versified Rules (lat. Regulae rhythmicae, beginning of the 11th c.) by Guido of Arezzo is the first textbook on music in Western music history composed completely in verse. It contains all main subjects of the plainchant medieval theory, that is: diatonic scale, division of monochord, classification and properties of consonances, church modes, and some approaches to melodic composition intended for an advanced reader. It is mostly known as a treatise where «our» linear notation was for the first time (along with Prologue to Antiphonary by the same author) theoretically described. This critical Russian translation of the Regulae is based on editions of the original treatise by Joseph Smits van Waesberghe (1985), Dolores Pesce (1999) and Angelo Rusconi (2008), subject to eighth authentic Guidonian manuscripts of the 11th and 12th centuries. Extensive commentary should help better understanding of loci obscuri of the original. Additionally, four annotated color facsimile pages from the Guidonian manuscripts (incl. examples of the authentic «Guidonian» notation) are placed in the Appendix to this book.
Tchaikovsky as the Author of Piano Arrangements of His Own Compositions
Authors: Комаров А.В. 
Published: April 2022

С фортепианными переложениями как неотъемлемой частью музыкальной культуры XIX века Чайковский был связан на протяжении всей жизни. Обширную часть наследия композитора составляют переложения для фортепиано в 2 и 4 руки его собственных сочинений и произведений других авторов. Но если последние перекладывались Чайковским преимущественно в силу различных внешних обстоятельств, то переложениям собственных сочинений композитор уделял всегда особое внимание. Круг музыкантов, пользовавшихся доверием композитора в этом отношении, был весьма невелик и с течением времени неуклонно сужался. Чайковский  стремился перекладывать свои сочинения самостоятельно, несмотря на постоянные жалобы на несовершенство переложения как формы представления оркестрового произведения и различные трудности при его создании. Всего композитором переложены более сорока его собственных сочинений. Помимо определенного этапа в истории самих произведений, переложения  становились также частью фортепианного наследия Чайковского. Композитор неизменно настаивал на творческом характере создания переложений. В качестве примеров работы Чайковского в предлагаемой  статье подробно рассмотрены переложения трех оркестровых сюит для фортепиано в 4 руки.
With piano arrangements as an integral part of the musical culture of the XIX century, Tchaikovsky was associated for all his life. A large part of the composer’s legacy consists of arrangements for piano in 2 and 4 hands of his own compositions and works by other authors. But if Tchaikovsky made the latter ones mainly due to various external circumstances, he always paid special attention to the arrangements of his own compositions. The circle of musicians who enjoyed the composer’s confidence in this respect was very small and with time steadily narrowed. Tchaikovsky tried to make piano arrangements himself, despite the constant complaints about the imperfection of the transposition as a form of representation of the orchestral work and various difficulties in creating it. In total more than 40 of his own compositions have been arranged for piano by the composer. In addition to a certain stage in the history of the works themselves, the arrangements also became part of Tchaikovsky’s pianistic heritage. The composer invariably insisted on the creative nature of piano arrangements. In the proposed paper the four hands piano arrangements of three orchestral suites are considered in detail as examples of Tchaikovsky’s approach.
“The Conservatory Was Left Behind, Ahead — the Philharmonic”. From the Memories of Mikhail P. Mchedelov
Authors: Подгузова М.М. 
Published: April 2022

В статье освещается начало исполнительской деятельности одного из выдающихся русских арфистов XX столетия — М. П. Мчеделова (1903–1974). Впервые рассматриваются его воспоминания, относящиеся к 1934 году, которые помогают детализировать творческий портрет музыканта, а также дают возможность составить представление о состоянии отечественного арфового искусства первой половины прошлого века.
The article highlights the beginning of the performing activities of one of the prominent Russian harpists of the 20th century — Mikhail P. Mchedelov (1903–1974). The memories of the harper, presented for the first time ever and dating back to 1934, help to detail the musician’s creative portrait, and also give an opportunity to get an idea of the condition of the Russian harp art of the first half of the past century.
The Moscow Version of the Opera “Marriages Samnites” by A.-E.-M. Grétry
Authors: Сафонова А.А. 
Published: April 2022

О ярком феномене театральной жизни Москвы последней четверти XVIII века, французской опере с разговорными диалогами в переводе на русских язык, свидетельствует уникальный памятник — рукописные материалы первых двух действий русской версии оперы А.-Э.-М. Гретри «Браки самнитян» в фонде Письменных источников Московского музея-усадьбы Останкино. При всем  стремлении представить спектакль «как во Франции» почти каждое произведение в переводе на русский язык преображалось. Особенно показателен пример «Браков самнитян». В  статье проводится подробное сравнение московской («шереметевской») версии оперы с ее французскими редакциями.
French opera with spoken dialogues translated into Russian was a bright phenomenon of Moscow musical life of the last quarter of the 18th century. In this article a unique monument of it is examined: manuscript materials of the first two acts of the Russian version of the opera “Marriages Samnites” by A.-E.-M. Grétry, which has been preserved in the Foundation of Written Sources of the Moscow Museum-Estate Ostankino. In spite of the desire to present the play “as in France” almost every work translated into Russian has been transformed in some way. An example of “Marriages Samnites” is particularly illustrative in this regard. In the article a detailed comparison of the Moscow version of this opera with its French redactions is carried out.
The International Congress of Musicology in New York (1939). Documents From the Correspondence of Organizers and Scholars
Authors: Князева Ж.В. 
Published: April 2022

Статья продолжает тему исследования американских контактов российско-швейцарского музыковеда Жака Гандшина. Она представляет комментированную публикацию ряда документов 1939 года из его переписки с Густавом Ризом. Получив приглашение от американского коллеги, Гандшин тем не менее отказывается приехать на музыковедческий конгресс в Нью-Йорк. На основе анализа  письма Гандшина и нескольких иных эпистолярных документов в  статье рассмотрены неизученные прежде линии из истории международного музыковедения кануна Второй мировой войны.
This continuation of the research on American contacts to Russian-Swiss musicologist Jacques Handschin, publishes and discusses some documents from his correspondence with Gustav Reese, dated 1939. Reese invites Handschin to the musicological congress in New York; Handschin hesitates and finally declines to attend. The analysis of this correspondence as well as of others documents sheds light on the history of international musicology on the eve of World War II.
On Catalogues of Figures in Baroque Music Theory
Authors: Мальцева А.А. 
Published: April 2022

С отказом от представлений о существовании единого  стройного учения о музыкально-риторических фигурах барокко (Figurenlehre) музыковедам второй половины XX — начала XXI веков не оставалось ничего иного, как перейти к углубленному исследованию текстов отдельных теоретиков, обращавшихся к этой теме. В данной  статье, подготовленной по итогам работы с источниками XVII — первой половины XVIII  столетий, автор акцентирует внимание на существенных в методологическом отношении и одновременно дискуссионных вопросах, возникающих при попытке очертить круг трактатов, которые содержат перечни музыкальных фигур. В опоре на конкретные примеры в  статье обсуждаются различные подходы к понятию «перечень фигур»; отмечается, что авторы музыкальных трактатов не всегда придерживаются ими же заявленных принципов перечисления или типологизации фигур, смешивают или подменяют друг другом понятия «фигура», «манера», «украшение» и т. п. Таким образом, можно утверждать, что феномен перечней фигур неоднороден; каждый автор, следуя собственным представлениям, предлагает индивидуальную версию учения о фигурах, обусловленную частными контекстами, предназначением конкретного перечня и мотивами его создания.
After the music scholars of the second half of the 20th — the early 21st century ceased to believe in the existence of the only possible concept of Baroque musical and rhetorical figures (Figurenlehre), they naturally immersed themselves into the theories of figures formulated separately by certain experts. In this article based on the references dating back to the 17th — the first half of the 18th centuries the author is focused on the methodically critical but disputable issues arising in the attempt to make the list of essays containing catalogues of the musical figures. With specific reference the article dwells on various approaches to the concept of “the catalogue of figures”; it points out that the authors of the concepts do not always stick to the declared principles of listing or classification of figures, tend to mix up or play with the concepts of “figures”, “manners” or “decorations”, etc. Thus, the phenomenon of the catalogue of figures looks like something heterogeneous; every author follows his or her own ideas offering his or her own version of the theory of figures (Figurenlehre), due to particular contexts, purposes of the catalogue of figures and the motives for its creation.
The Tempi in Beethoven’s Instrumental Works: Historical Evidence and Modern Considerations
Authors: Чехович Д.О. 
Published: April 2022

Статья содержит систематическое изложение основных сведений о темпах Бетховена, в том числе тех произведений, для которых композитор указал скорости исполнения по метроному. В общую теорию ритма внесены некоторые коррективы (неоднозначность размеров, возможность однодольных тактов). Прослежен генезис итальянских темповых терминов, поставлена под сомнение зависимость большинства их от теории аффектов; обсуждаются «миграции темпов» (когда один и тот же темп обозначен разными терминами). На примере Третьей симфонии Бетховена продемонстрирована авторская методика расчета продолжительности звучания исходя из метрономизаций. В результате сопоставления хронометража симфоний с фактами истории публичных венских концертов вскрыта несостоятельность так называемой метрической теории темпа, согласно которой быстрая музыка должна исполняться вдвое медленнее. Предложенная методика может быть использована в практике нотоиздания. В приложении воспроизведены некоторые факсимиле авторских метрономизаций Бетховена.
This article gives a systematic account of the Beethoven’s tempi including works with metronome marks assigned by the composer himself. Some corrections are made to general theory of (musical) rhythm which e. g. apply to ambiguity of time signatures and potential 1-beat measures. Studies of origins of the wellknown Italian tempo terms detect independence of most of these terms from the doctrine of the affections; additionally tempo ‘migrations’ (different terms attached to one and the same tempo) are discussed. The new approach to calculate a (musical) work duration, with respect to metronome markings, is exemplified by the Eroica Symphony. Comparison of timing of symphonies with historical documents on Viennese public concerts reveals shortcomings of the so-called ‘half-speed’ theory of tempo, according to which fast music should had been performed twice as long slower. The new calculation approach is offered as a useful tool to contemporary music publishers. Appendix includes some facsimiles of the original Beethoven’s metronomic indications.
“Late Modernism” in the Music of the Late 20th and Early 21st Century: Some Observations
Authors: Цареградская Т.В. 
Published: April 2022

Основная задача статьи— анализ различных подходов к периодизации направлений в музыкальном искусстве конца XX— начала XXI века. Эволюция искусства может быть представлена как линейный процесс, зафиксированный в последовательности «модернизм— постмодернизм— метамодернизм», или как параллельный (полифонический) вариант «модернизм— постмодернизм— второй (или поздний) модернизм» (К.-С. Манкопф). Ключевым моментом становится интерпретация того, что происходит «после постмодернизма»: новый этап со своими признаками (Вермюлен, ван дер Аккен) или возвращение к модернизму (Дженкс, Перлофф). Позиции, разработанные в литературоведении и теории архитектуры, применимы к музыкознанию. В статье приводятся аргументы в пользу «позднего модернизма» и рассматриваются свойства произведений авторов рубежа XX‒XXI веков (Ребекка Сондерс, Харрисон Бёртуисл) в свете их связи с идеями модернизма (экспрессионизма).
The main issue of the article is the analysis of different attitudes towards the possibility of stylistic periodization of musical art in the 20th and 21st century. While some authors see the development of music as a linear process fixed in such designations as “modernism— postmodernism— metamodernism”, the others offer non-linear interpretation as “modernism— postmodernism— second (or late) modernism” (Mahnkopf). The key point of this polemic becomes the reflection of processes in the art “after postmodernism”. It is argued that many composers of the beginning of the 21st century (Rebecca Saunders, Harrison Birtwistle and others) turn to specific artistic ideas rooted in styles of earlier period of modernism (expressionism).
About “Masculine— Feminine” Dichotomy in Alexander Scriabin’s Sonata No. 5 (On the Example of Motivic Metrics)
Authors: Грохотов С.В. 
Published: April 2022

В статье рассматривается драматургия Пятой сонаты Скрябина в контексте символической дихотомии «мужского» и «женского»— одной из важных сквозных тем искусства начала XX века. Мужское и женское начала в музыке Скрябина символически отображаются в метрической конструкции мотивов: «мужские» направлены от неустоя к устою, «женские»— наоборот. В основе концепции произведения идея о развития мира от «гендерной неопределенности» (интродукция) к поляризации «мужского» и «женского» (экспозиция), их борьбе и роковому столкновению (разработка) и, наконец, к их новому слиянию в экстатической коде.
The article considers the dramatic concept of Alexander Scriabin’s Sonata No. 5 as a manifestation of “masculine— feminine” dichotomy, one of the important aesthetic ideas on the eve of the 20th century. The sense of “gender differences” is symbolically represented in Scriabin’s music by motivic structures: masculine— ending with an accented note, and feminine— beginning with it. The sonata is to symbolize the evolution of the Universe, beginning with gender ambivalence (introduction), then— gender polarization (exposition), battle and terrific clash of masculinity and femininity (development) and their final ecstatic integration (recapitulation and coda).
“St. Mark’s Passion” from the Repertoire of J. S. Bach: the Sources, the Versions, Attribution
Authors: Филиппова А.К. 
Published: April 2022

Статья посвящена сочинению из лейпцигского репертуара И. С. Баха— «Страстям по Марку», которые ранее ошибочно приписывали Р. Кайзеру. Прослеживается судьба всех сохранившихся источников «Страстей по Марку», описывается длительная история изучения этой группы рукописей и сопутствующая ему научная полемика. Освещаются существующие гипотезы об авторстве, а также времени и месте возникновения произведения, которое послужило основой для всех последующих редакций,— как баховских, так и принадлежащих другим авторам. Кроме того, прослеживается возможный вклад Баха как редактора и соавтора в те версии, которые были подготовлены и, по-видимому, исполнены им в разные годы службы. На материале номеров, предположительно созданных великим композитором, показывается художественный и духовный смысл его версий этого сочинения— в особенности лейпцигских редакций 1726 и 1740‑х годов, последняя из которых представляет собой пастиччо с добавленными ариями из «Брокес-Пассионов» Г. Ф. Генделя.
The article is concerned with the work from the Leipzig repertoire of J. S. Bach— “St. Mark Passion”, which was previously mistakenly attributed to R. Keiser. An essay traces the fate of all the surviving sources of the work, describing the long history of studying this entire group of manuscripts and the scientific controversy accompanying this study. Existing hypotheses about authorship, as well as the time and the place of origin of the work, which served as the basis for all subsequent revisions, both Bach’s and those of other composers, are highlighted. In addition, the possible contribution of Bach as an editor and coauthor to those versions that were prepared and, apparently, performed by him in different years of service, is traced. The material of the numbers, supposedly created by the great composer, shows the artistic and spiritual meaning of his versions of this work, especially the Leipzig editions of 1726 and 1747, the last of which is pasticcio with added arias from Brockes-Passions by G. Fr. Handel.
On the Paradigms of Musical Composition
Authors: Зенкин К.В. 
Published: April 2022

В статье рассматривается вопрос о возможных прообразах— моделях, парадигмах— чистой инструментальной музыки в европейской культуре Нового времени. Среди таких парадигм выделяются: речевое вербальное высказывание, жест— танец— ритуал, закономерности природных процессов (биологические, физико-математические и т. п.). Исследуется соотношение указанных парадигм в европейской музыке различных эпох и стилей, а сами парадигмы подвергаются анализу. Особое внимание уделено проблеме осознания парадигм новейшей музыки, что существенно облегчает ее восприятие.
The article discusses the question of possible prototypes — models, paradigms — of pure instrumental music in the European culture of the New Age. Among such paradigms stand out: verbal utterance, gesture — dance — ritual, laws of natural processes (biological, physical and mathematical, etc.). The relationship of these paradigms in European music of different eras and styles is investigated, and the paradigms themselves are analyzed. Particular attention is paid to the problem of understanding the paradigms of modern music, which greatly facilitates its perception.
Dialogue With the Past in the Work of Mary Jane Leach: on the Path to Hearing
Authors: Агаронян К.Р. 
Published: April 2022

Статья посвящена анализу и интерпретации сочинений американского композитора Мэри Джейн Лич (р. 1949), созданных на основе чужого материала: музыки К. Монтеверди, Дж. Дауленда, И. С. Баха, А. Брукнера и др. Отношение к прошлому в этих пьесах свободно от постмодернистской иронии: используя стратегию деконструкции, композитор дополняет заимствованный материал, создает на основе чужих произведений оригинальные композиции, в которых внимание слушателя акцентируется на не слышимых ранее или малозаметных музыкальных деталях. Этот же подход композитор применяет и для исследования исторических событий, в том числе тех, которые дошли до нас в виде мифологии: деконструируя миф, Лич создает феминистскую оперу об Ариадне; черпая вдохновение из рассказов об охоте на ведьм, перерабатывает текст Кастеллозы, средневековой окситанской тробайрицы (женщины-трубадура)— в результате возникает сильное, полное экспрессии художественное высказывание. Предоставляя в своих произведениях голос людям, чьи образы оказались несправедливо забыты или искажены с течением времени, Мэри Джейн Лич помогает своим слушателям приобрести опыт чуткости и восприимчивости к музыкальному и историческому наследию.
The article is devoted to the analysis and interpretation of the works by Mary Jane Leach (born 1949, contemporary composer from the USA), created on the basis of music by Monteverdi, Dowland, Bach, Bruckner, etc. The attitude to the past is free from the postmodern irony in these compositions; using the strategy of deconstruction, Mary Jane Leach adds to the borrowed material, creates original compositions based on other composer’s works, in which the listener's attention is focused on previously inaudible ephemeral musical details. The composer uses the same approach to artistic research of historical events, including those that have been transformed into mythology. Deconstructing a myth, Leach creates a feminist opera about Ariadne; drawing inspiration from stories about the witch-hunt, the composer rewrites the text by Castelloza, a medieval trobairitz. As a result, Leach produces a strong, expressive artistic statement. By giving voice in her work to people whose images have been unfairly forgotten or perverted over time Mary Jane Leach helps her listeners to gain experience of sensitivity and receptivity to the musical and historical heritage.