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Le langage chaotique
Authors: Zinguer Ilana 
Published: July 2012

Ce que Novarina dit du langage de Rabelais attire l’attention sur sapropre création littéraire dont la forme ne vise pas un idéal artistique biendéterminé mais cherche au contraire à rester dans l’inachevé. Legigantisme verbal de Rabelais, fait de balourdises et de loufoqueries, instaure ununivers mythique où l’expression linguistique —bonimenteuse, affabulations du langage et enivrement duverbe — tient la place de l’intrigue. Sansatteindre les mêmes outrances, le langage novarinien devient chaotique, car ils’élabore en adoptant des formulations propres à rendre la confusion dumonde contemporain. En cela, il situe adéquatement des interrogations chaotiquesvécues mais restées ouvertes.
De cette lecture première et rapide des œuvres de Novarina se dessine cependantun mouvement animé par ce qui peut le nourrir. L’auteur cherche enquelque sorte à saisir le désir ou le manque. Plus l’objet se refuse,plus le verbe s’acharne, à force de pensée et d’intelligence.Se fraie alors un chemin (grâce à l’impulsion et àl’inspiration) qui mène au saisissement ou à l’ébranlement del’âme, non par la rationalité mais par une inventivité quin’hésite pas à faire appel à tous les recours del’imagination, une alliance de l’illusionnisme du logos et de l’eidos (la « forme ») quiengendre des formes langagières et structurelles étonnantes.
N’est-ce pas le fameux érosdu philosophe qui possède par le logos,comme le montre, par exemple, la chair montante de l’acteur en scène(Lettre aux acteurs) ou sa manièreexubérante de rendre la vie? « Toute la mise en scène del’érotisme a pour fin d’atteindre l’être au plusintime, au point où le cœur manque », dit Georges Bataille dans L’Érotisme. La poésie mène au mêmepoint que chaque forme : à l’érotisme, àl’indiscrétion, à la confusion des objets distincts. Elle nous mène aussià l’éternité. C’est dans ce sens que le langage de Novarinaest chaotique. Un chaos ordonnant, « très nécessaire » pourretrouver le mystère de la langue. De la parole nous sommes nés, à la parole nousretournerons.
Du « je » au jeu de l’acteur au XVIIIe siècle ou L’art ducomédien par lui-même
Authors: Rizzoni Nathalie 
Published: July 2012

La présence récurrente de personnages de comédiens sur la scène, le portraitqu’ils brossent d’eux-mêmes aussi bien que les proposqu’ils tiennent sur leur art (au sujet de la déclamation, du geste, de lavoix) et sur leur profession (travailler pour la Foire plutôt que pour laComédie-Française, remplir un emploi, dévoiler les ficelles du métier), nouslaissent penser que se construit — tout au long de la premièremoitié du XVIIIe siècle — une véritableréflexion en action sur l’art du comédien. Nous étudierons comment cediscours esthétique se dessine de pièce en pièce chez Lesage, Fuzelier,d’Orneval, Pannard, Favart notamment, condamnant le jeu outré et figé du« Romain » (le Comédien Français), tissant par contrastel’éloge du naturel et de la spontanéité, qu’incarne idéalementle comédien de la Foire, capable d’associer tout à la fois dans son jeula pantomime, la danse et le chant.
Quand l’homme et l’image se disputent le plateau : la compagnie de théâtre Les Deux Mondes et ses machinations
Authors: Deslauriers Rosaline 
Published: July 2012

Depuis près d’une trentaine d’années, la scène contemporaine confronte son public à d’étranges spectacles : tantôt le dispositif scénique prend l’allure d’une installation, tantôt la représentation s’approche du happening ou de la performance, tantôt écrans et technologie de pointe montent sur les planches aux côtés de comédiens devenus chanteurs, danseurs ou acrobates. Semblable mutation, tour à tour considérée comme un effet de mode ou une idéologie représentative de la pensée de notre temps, incite bon nombre de théoriciens à se pencher sur le brouillage des frontières entre théâtre, danse, arts visuels et multimédias. À travers cette mouvance, où les tenants du « virtuel » applaudissent le renouveau des arts « vivants » alors que d’autres craignent un résultat plutôt « mortifère », on peut se demander si le théâtre d’aujourd’hui peut exister… sans acteurs. Le spectacle 2191 nuits, créé par la compagnie de théâtre Les Deux Mondes, servira ici de point d’appui au développement de cette problématique. Dans le cadre de cet article, je m’interrogerai sur le processus qui mène à la création d’un spectacle où la machine joue un rôle central et sur les transformations que celle-ci opère sur l’art de l’acteur.
La meilleure idée d’Edmond Rostand
Authors: Ruffo Sébastien 
Published: July 2012

Cyrano de Bergerac d’EdmondRostand n’est pas une pièce « engagée » et sonauteur n’est jamais proposé comme exempled’« artiste-citoyen ». Par une étude de laperformance dans son contexte d’origine (Paris, fin1897) — une étude attentive à l oeuvre, à sesartisans (Rostand, Coquelin), à son public, et qui conjugue au vol des éléments del’histoire culturelle (l’éthos fin de siècle), del’analyse de la réception (critiques, traductions), del’analyse thématique et psychanalytique (le panache devenu mythecollectif) — le présent article propose une vision du théâtreoù l’importance sociale d’une oeuvre reste avant tout unequestion d’art, d’artistes et de performance, plus que deprogramme ou d’idéologie.
Ubu et Cyrano
Authors: Apostolidès Jean-Marie 
Published: July 2012

Les années 1896-1897 marquent un tournant dans l’histoire du théâtre en France. Deux spectacles importants sont alors produits : d’une part, la présentation d’Ubu roi au Théâtre de l’Oeuvre; d’autre part, celle de Cyrano de Bergerac au Théâtre de la Porte Saint-Martin. La première représentation est porteuse d’avenir, autant dans l’esthétique de la mise en scène que dans l’écriture dramatique; la seconde marque le triomphe du théâtre romantique, presque un demi-siècle après la fin de ce mouvement littéraire. En analysant en détail ces deux productions contemporaines, on parvient non seulement à opposer le désordre de la première à l’ordre de la seconde; on met également au jour deux types de spectacle : le spectacle de rupture et le spectacle de réconciliation. C’est dans la tension entre rupture et réconciliation que se déroulera la vie théâtrale française pendant tout le XXe siècle.
Les diables dans les mystères : fauteurs de désordre ou facteurs d’ordre?
Authors: Dupras Élyse 
Published: July 2012

Les mystères hagiographiques en moyen français grouillent de diables qui incarnent le Mal, l’adversité, l’altérité. Cet article aborde certains éléments du discours diabolique dans ces mystères, en particulier le rôle de la séduction diabolique. Son but avoué est de faire tomber les humains dans le péché. Malgré tout, le discours séducteur participe de chaque mystère, dont l’une des fonctions est d’inciter les spectateurs à réaliser leur salut. Cette inversion — constitutive du discours des diables — le structure et en explique les défaites, beaucoup plus fréquentes que les succès. Le discours chrétien semble non seulement victorieux, mais totalitaire, puisqu’il représente sa propre subversion pour mieux la récupérer. Ainsi, les diables apparaissent-ils davantage comme facteurs de l’ordre que comme fauteurs du désordre.
Les dramaturgies antillaises contemporaines du « Chaos-Monde »
Authors: Bérard Stéphanie 
Published: July 2012

La création théâtrale caribéenne contemporaine s’oriente vers des voies esthétiques plurielles favorisant le mélange des genres, des langues et l’hybridation des formes artistiques (en intégrant en son sein des composantes culturelles populaires telles que tradition orale des contes, proverbes et chansons, musiques et danses, rituels profanes et religieux). Des oeuvres innovantes, parfois déroutantes, viennent perturber les habitudes des spectateurs contraints de donner un sens à des pièces en apparence hétérogènes, désordonnées, voire chaotiques. C’est ce « désordre théâtral » que nous examinons dans cet article, et plus précisément les manifestations et les effets qu’un apparent chaos peut opérer sur l’écriture dramatique et sur la scène. Avec le temps… Con el tiempo… et Andidan Lawonn-la, du metteur en scène et comédien guadeloupéen Gilbert Laumord, sont deux pièces fondées sur l’exploitation dramaturgique de la culture populaire créole. Une fulgurante énergie créatrice se déploie sur la scène où s’opère la rencontre des langues, des genres et des arts, tandis que la parole poétique et contée se conjugue à l’expression corporelle. Ce théâtre hybride, à l’architecture fragmentée, voire disloquée, défie les lois de la rationalité et de la logique en célébrant la naissance d’un ordre nouveau, celui, obscur et opaque, imprévisible et fluctuant, du « Tout-Monde ».
Le théâtre quantique : ordre et désordre dans l’Espagne postmoderne
Authors: Martinez Thomas Monique , Surbezy Agnès , Corrons Fabrice 
Published: July 2012

Cet article expose les premières pistes d’une réflexion sur la dramaturgie espagnole récente à partir de la notion de « quantique ». L’hypothèse de départ est la suivante : la physique quantique aurait joué un rôle fondamental dans le « désordre » de la postmodernité et aurait servi de terreau fertile à l’élaboration des grandes théories (philosophiques, historiques, sociologiques, esthétiques et dramaturgiques) du siècle dernier et du XXIe siècle. La physique quantique, en remettant en cause les principes de la physique classique, l’électromagnétisme de James Clerk Maxwell et la mécanique newtonienne principalement, oppose le discontinu au continu, le hasard à la causalité, l’interdépendance des atomes à la séparabilité et à l’objectivité. Dans le domaine des arts, l’association des oeuvres à l’esthétique quantique semble un phénomène surtout espagnol. Non seulement l’adjectif « quantique » réapparaît comme épithète pour désigner des formes artistiques diverses, mais le quantique, comme esthétique et comme éthique, devient le fer de lance d’une association internationale créée à Grenade en 1994 et connue sous le nom de Salon des Indépendants. Un des cofondateurs, Gregorio Morales, journaliste et écrivain, a publié en 1998 un essai intitulé Le cadavre de Balzac : une vision quantique de la littérature et de l’art, qui synthétise les débats qui ont eu lieu à Valence, au cours des différentes rencontres entre les membres fondateurs. Y sont réunis des articles théoriques qui étudient les différentes applications du quantique au cinéma, à la poésie, au roman, à partir d’exemples tirés des oeuvres d’Henry James, d’Antonio Enrique et de Rubén Darío. Les auteurs de cet article analysent les formes dramaturgiques contemporaines à partir de certains concepts propres à la physique quantique et particulièrement adaptés à l’étude de l’évolution du théâtre (sans pour autant, bien sûr, qu’ils soient exclusifs à l’étude du genre dramatique) : le vide quantique rempli d’énergie potentielle, la modification de l’objet observé par l’observateur, la mise en scène de l’espace-temps quantique. Le corpus de pièces quantiques sera principalement composé d’oeuvres tirées de la collection « Nouvelles scènes hispaniques », élément clef du chaînage toulousain autour du théâtre espagnol contemporain.
La pensée disciplinaire à la Socìetas Raffaello Sanzio : le choix de l’exclusion
Authors: Di Bella Sarah 
Published: July 2012

L’histoire du théâtre est une histoire d’exclusion. L’élément qui unit à jamais certains réformateurs du théâtre du XVIIIe siècle — appelés à limiter l’ingérence des désordres qui accompagnaient les séances des spectacles — et des artistes contemporains qui souhaitent s’opposer aux pratiques bourgeoises du théâtre, est ce que nous avons appelé la pensée disciplinaire. Cette figure de pensée se situe aux croisements entre les écritures de la pratique et les écritures de la théorie lors de la naissance d’une nouvelle esthétique. Or, que l’esthétique en question ait comme but la recherche d’une intégration sociale ou, au contraire, un travail de rupture avec les codes en vigueur, elle s’accompagne toujours d’un nouveau système de contraintes, d’un nouvel ordre, paradoxalement demandeur d’une nouvelle exclusion. L’aperçu historique que nous proposons autour de la notion de pensée disciplinaire touchera à des interrogations fondamentales : le vertige de l’aliénation et ses monstres, les tensions entre texte et matière, la relation entre art et culpabilité, la crainte de la punition liée à l’exposition publique qui sont autant de lieux de la pensée et de la pratique artistique qu’on retrouvera aussi bien au XVIIIe siècle que dans le travail de redéfinition de l’art théâtral de la Socìetas Raffaello Sanzio, au XXe siècle.
Le personnage théâtral contemporain : symptôme d’un nouvel « ordre » dramaturgique
Authors: Ryngaert Jean-Pierre 
Published: July 2012

Dans la dramaturgie classique, le personnage était caractérisé, par sa cohérence et par sa fonction de carrefour dramaturgique par lequel transitait l’essentiel : l’information et l’avancée de l’action. On assiste aujourd’hui à ce que j’appelle la « perte des liens » : des liens entre la créature et son auteur, entre la créature et une identité marquée, entre l’ancien pôle du caractère et les paroles prononcées, entre les paroles prononcées et la situation, l’action ou l’information. On rencontre moins d’intentions, d’explications. Chez un certain nombre de personnages contemporains, il ne s’agit pas d’incohérence, ou de désordre, mais d’appartenance à un autre type de système, ou d’ordre, si l’on veut. En renonçant aux attributs et aux qualifications du personnage traditionnel, ces auteurs introduisent un certain « désordre » dramaturgique. Ils investissent autrement ou plus du tout les valeurs qui ont porté le projet de la modernité. En revanche, ils proposent de nouveaux dispositifs narratifs, d’autres systèmes d’organisation et de répartition de la parole, qui sollicitent des manières différentes d’être ensemble. Ils inventent leurs propres façons de se (de nous) représenter collectivement.
Entre convoitise et abjection : la représentation suspendue
Authors: Cyr Catherine 
Published: July 2012

Soumise à l’impermanence des définitions, la notion de représentation a connu, en art, plusieurs bouleversements. Affranchie de l’impératif mimétique, désormais entendue plus largement comme « évocation », cette notion n’en continue pas moins, aujourd’hui, de se trouver bousculée, notamment lorsque certaines oeuvres performatives sont traversées par diverses trouées de réel, de présence, voire de surprésence. Émaillée de quelques exemples puisés dans la pratique immédiatement contemporaine (théâtre, performance), le présent article s’intéressera à une forme particulière d’ébranlement de la représentation, attribuable aux manipulations de la nourriture sur la scène. En effet, très fréquent dans la pratique actuelle, le jeu avec les aliments — répandus, piétines, triturés, apprêtés, mâchés, régurgités — n’est pas sans conséquence sur l’ordre représentationnel. De même, du côté du spectateur, la réception de l’oeuvre se trouve-t-elle souvent perturbée, « augmentée », par cette dimension du jeu. Ainsi, j’aborderai cette question de la réception du spectateur qui, confronté à ce qui semble excéder la représentation, se trouve soumis — souvent bien involontairement — au surgissement de la convoitise ou de l’abjection. Enfin, ce parcours se terminera par quelques réflexions sur ce qui advient de l’expérience esthétique au théâtre, ou devant une performance, lorsque l’oeuvre — ne serait-ce qu’un bref instant — ne paraît plus s’enraciner dans le système de la représentation, mais semble le déborder et l’engloutir tout à la fois.
L’excès autour de 1550 : crépuscule du mystère et aube de la tragédie
Authors: Junod Samuel 
Published: July 2012

Cet article utilise la notion d’excès pour saisir les transformations qui se produisent au milieu du XVIe siècle dans le domaine théâtral. Distinct de l’abondance, l’excès est souvent représenté par les métaphores de l’hydre et de l’hydropique. Il se manifeste en particulier par les différentes formes d’hybridité qui caractérisent les mystères : participation du spectateur, improvisation, contaminations possibles à l’infini, juxtaposition du profane et du religieux. Elles expliquent la multiplication des interdits, des censures et des législations dans le domaine théâtral des années 1540-1550. Nous analyserons trois pièces appartenant à cette période d’expérimentation générique et dramaturgique : le Chant natal de Barthélémy Aneau (1539), Trop, Prou, Peu, Moins de Marguerite de Navarre (1544) et l’Abraham sacrifiant de Théodore de Bèze (1550). Ce qui semble évident dans la transition du monde du mystère à celui de la tragédie, c’est que, dans le premier, l’excès touche avant tout au spectacle même, alors que dans le second, c’est le spectacle qui interroge l’excès. La représentation du Mal vaincu par le Bien, dans une scénographie débridée, cède sa place à l’invention d’une forme maîtrisée, vouée à interroger les racines maléfiques de l’outrecuidant. En passant des excès des mystères au mystère de l’excès, la société française révèle avant tout le grand degré d’incertitude qui affecte les interrogations sur son destin.
La mesure de l’excès : le cri dans la tragédie classique
Authors: Bovet Jeanne 
Published: July 2012

Héritée du code de l’action oratoire et étroitement liée aux règles dramaturgiques de la vraisemblance et de la bienséance, l’exigence de convenance est au fondement de l’art de la déclamation dans la tragédie française de la seconde moitié du XVIIe siècle. Elle incite à s’interroger sur l’usage et les caractéristiques d’un excès vocal apparemment constitutif de la déclamation tragique : le cri. Celui-ci pose en effet plusieurs problèmes esthétiques et éthiques : inarticulé et violent, il renvoie à une animalité et à un emportement incompatibles avec la poétique de la tragédie classique. Pour la rendre convenable, la véhémence du cri est dès lors mesurée par des règles de hauteur, d’intensité et de variété qui opèrent tant sur le plan scénique que sur le plan scriptural, notamment par la gestion dramaturgique des figures pathétiques. Ainsi ramené à cette juste mesure, le cri tragique participe pleinement de l’esthétique distanciée d’une déclamation qui vise à plaire à l’auditeur autant qu’à le toucher.
La fin de l’âge des pères? La réception du théâtre de Dumas fils, de Brieux et de Bernstein dans les salles « françaises » de Montréal de 1900 à 1918
Authors: Guay Hervé 
Published: July 2012

Au début du XXe siècle, le répertoire des salles « françaises » de Montréal est principalement composé de pièces qui glorifient l’image du bon père de famille. Oscar Wilde assimile d’ailleurs cette vision du monde à une sorte d’« âge des pères ». Ce paternalisme commence toutefois à être remis en question par un petit nombre d’auteurs. Ainsi, les drames d’Alexandre Dumas fils, d’Eugène Brieux et d’Henri Bernstein sont fréquemment représentés dans la métropole de 1900 à 1918. Ces « semeurs de désordre » en viennent à modifier l’horizon d’attente du public montréalais grâce à des oeuvres dramatiques controversées qui divisent la critique francophone naissante. Sont alors débattus dans les journaux des problèmes sociaux habituellement bannis de la discussion publique. L’analyse de la réception du théâtre de ces trois auteurs montre qu’avant la Première Guerre mondiale, la montée du mélodrame social fait reculer les limites du socialement représentable, contribue à lézarder le conservatisme d’une fraction de l’élite canadienne-française et ouvre la voie à un nouveau réalisme.
Profils de chercheurs primo-entrepreneurs et stratégies de croissance de la jeune entreprise innovante
Authors: Boissin Jean-Pierre , Chalus-Sauvannet Marie-Christine , Deschamps Bérangère , Geindre Sébastien 
Published: July 2012

À travers l’étude de quatre entreprises dans le secteur de la haute technologie, les auteurs s’intéressent au rôle joué par le dirigeant sur la stratégie de croissance. Une attention particulière est portée sur le profil du chercheur primo-entrepreneur.
Dans un premier temps, les critères de mesure de la croissance sont discutés et mis en relation avec le lien entre dirigeant et croissance ; dans un deuxième temps, la méthodologie et les quatre cas étudiés sont présentés. Enfin, les résultats sont exposés en soulignant les liens entre profil de dirigeant et croissance.
Travailler pour survivre : exploration du travail des jeunes de la rue
Authors: Karabanow Jeff , Hughes Jean , Kidd Sean 
Published: July 2012

Le présent article explore les diverses formes que prennent l’emploi et les « petits boulots » dans la vie des jeunes de la rue. L’étude a été faite à Halifax, au Canada, et porte sur un matériel tiré d’entretiens menés auprès de 34 jeunes. Les résultats de l’enquête suggèrent que l’économie du travail à laquelle doivent faire face les jeunes de la rue revêt un aspect autant formel qu’informel. Ils montrent aussi que ces jeunes sont motivés mais vivent aussi des enjeux tant personnels qu’environnementaux. La plupart des jeunes interrogés réalisent des activités informelles rémunératrices parmi lesquelles figurent entre autres la mendicité, la pratique du squeegee (du nom anglais de la raclette servant à nettoyer les pare-brise), et l’art ambulant, la vente de créations artistiques, la composition et la déclamation de poèmes, la diffusion de blagues et autres activités créatrices. La diversité de ces activités témoigne de l’esprit d’entreprise et de la capacité de résilience de cette jeunesse itinérante. Pour survivre, les jeunes sans-abri sont en effet prêts à entreprendre un grand nombre de tâches souvent peu valorisées dans notre société. À vrai dire, il leur est surtout difficile d’accéder à un travail socialement reconnu. Pourtant, la société, en s’inscrivant dans une logique de criminalisation de certains types de pauvreté, réprime le plus souvent les activités informelles qu’adoptent les jeunes comme stratégies de survie.
Les jeunes de la rue sont-ils militants ? Une réflexion
Authors: Greissler Élisabeth 
Published: July 2012

Dans le présent article, nous proposons de réfléchir à la question : « Les jeunes de la rue sont-ils militants ? » C’est un exercice compliqué. C’est d’abord un phénomène qui paraît improbable : le militantisme des jeunes de la rue est un thème qui, dans chacun de ses termes, semble aussi original et complexe que paradoxal et controversé. Cette réflexion est l’occasion de montrer que la rue n’est pas un espace de « désengagement social », mais un espace ayant une véritable « fonction créatrice » à l’origine de la possibilité d’un militantisme. Nous formulons ainsi des hypothèses quant aux contextes d’engagement. Enfin, nous esquissons l’ébauche d’une approche théorique en termes de « carrières », à partir des complexités du choix individuel d’engagement des jeunes de la rue.
Le jongo et la nouvelle performativité afrobrésilienne
Authors: Simonard Pedro 
Published: July 2012

Le jongo est une danse afrobrésilienne développée par les anciens esclaves dans les grandes exploitations agricoles du Brésil où se cultivait le café au XIXe siècle. Au cours du XXe siècle, l’urbanisation et la migration vers les grandes villes brésiliennes l’ont pratiquement fait disparaître. Il n’existait plus que dans de petites villes pauvres ayant connu une dégradation économique après l’abolition de l’esclavage et le déclin de la culture du café. Aujourd’hui, la population afrobrésilienne de ces localités utilise le jongo pour construire une identité et une mémoire dans le contexte des politiques d’affirmation culturelle. Cette pratique attire l’intérêt et l’appui des étudiants et des chercheurs en ce qu’elle légitime les identités (noire et brésilienne) de cette population et ses « lectures » de l’histoire et de l’esclavage, tout en facilitant son accès à des fonds privés et gouvernementaux. Le jongo constitue une illustration de la nouvelle performativité afrobrésilienne dans le contexte de la transnationalisation du mouvement noir et de ses revendications anciennes et nouvelles.