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“Reflexionslogische Semiotik” Semiotics in the Logic of Reflection: A Non- classical extended Semiotics based on Gotthard Günther and Charles S. Peirce and its Application to Literary Theory
Authors: Ort Nina 
Published: July 2012

The development of a Reflexionslogische Semiotik was developed through the search for a theory that allows us to describe “processuality” —a heuristic method that has not yet rendered conclusive results. The question was : would it be possible to design a logically consistent framework in which such phenomena can be examined ? A solution can be found in combining elements of Gotthard Günther’s “non-Aristotelian Logic” and Charles S. Peirce’s “pan-semiotic” theory. It can be demonstrated that Peircean Semiotics may be reconstructed as logically and epistemologically trivalent, i.e. as a non-classical, formally consistent, reflexion-logical system.
Miroir et mémoire. La deuxième personne et l’autobiographie : Trame d’enfance de Christa Wolf et Enfance de Nathalie Sarraute
Authors: Müller Hélène 
Published: July 2012

L´autobiographie est a priori le règne du « Je », mais dans Trame d´enfance, la romancière allemande Christa Wolf évoque son enfance et son adolescence sans recours à la première personne. L´instance narrative se scinde en un « elle » pour désigner l´enfant-personnage et un « tu » pour le sujet écrivant. Ce dispositif narratif invite à la comparaison avec Enfance de Nathalie Sarraute. Les deux textes font entrer la démarche autobiographique dans l´« ère du soupçon » et éclater l´unité fallacieuse du « Je ».
Je suis celui qui parle. L’interruption de la lecture dans Le Bavard de L.-R. Des Forêts
Authors: Servais Christine 
Published: July 2012

On s’interroge dans cet article sur le mode d’adresse mis en place dans Le Bavard. Un bavard, c’est-à-dire, à bien des égards, un écrivain, peut-il s’adresser à l’autre, et à quelles conditions ? Cette adresse est déterminée par un rapport au langage, que nous explorons. En nous intéressant d’abord au rapport à l’autre mis en place par le bavard lui-même, puis à la manière dont ce rapport à l’autre infléchit, obscurcit le texte et s’y figure, pour ensuite en venir à la position du lecteur empirique. En somme, Le Bavard ferait de nous des lecteurs parce qu’il interrompt la croyance à l’œuvre dans la lecture.
Passeurs de langues, de cultures et de frontières : la transidentité de Dai Sijie et Shan Sa, auteurs chinois d’expression française
Authors: Croiset Sophie 
Published: July 2012

Les auteurs en situation de contact avec des langues et des cultures différentes présentent une identité complexe, en mouvement, qui se crée et se ressent à travers leurs œuvres. Shan Sa et Dai Sijie, écrivains chinois d’expression française, exilés dans l’Hexagone, illustrent cette particularité à leur manière. Passant par une analyse du fond et de la forme de leurs productions romanesques, l’article met au jour les différentes caractéristiques de leur « transidentité » et appelle à une remise en question des catégorisations territoriales en littérature.
Trois Blue Bird dans le cinéma américain
Authors: Janssens Christian 
Published: July 2012

Dans le cadre de l’étude d’une adaptation cinématographique, nous proposons, non pas de comparer un seul texte littéraire avec un seul texte filmique, mais d’analyser le transfert du texte littéraire dans un « ensemble d’arrivée ». Par exemple, pour The Blue Bird (1918) de Maurice Tourneur, une des trois adaptations américaines de la féerie de Maeterlinck, l’« ensemble d’arrivée » est constitué par les films de Tourneur. Les conditions dans lesquels ces films sont fabriqués à Fort Lee peuvent apporter un éclairage utile sur les choix esthétiques du réalisateur au moment de l’adaptation.
De l’événement intramondain à l’événement discursif
Authors: Courtieu Marc 
Published: July 2012

Dans une première partie, je précise la façon dont on a fait de la grande fiction occidentale du XIXe siècle un archétype du récit, en insistant sur un point sur lequel on a peu insisté : la place qu’y occupe l’événement d’une manière très générale, au niveau de l’histoire racontée. Il est alors dit intramondain (R. Audet). Je montre la persistance de ce paradigme « essentialiste » (Popper) chez plusieurs narrativistes récents (I. Lotman, J. Bres, F. Revaz). Puis j’évoque rapidement la remise en cause de ce paradigme, qui s’est faite aux alentours des années 1860, tant en littérature (Flaubert), qu’avec le darwinisme, qui introduit dans la pensée biologique une dimension de continuité en rupture avec le catastrophisme cuviériste. Cette remise en cause modifie radicalement la situation de l’événement dans l’économie narrative, et l’extension de son champ temporel. Les auteurs évoqués ici sont Gracq, Proust, Faulkner, Simon, Benet. La partie centrale de l’article se propose alors de préciser, dans un tel cadre, ce que serait un événement discursif (Audet), à partir de romans d’Eric Chevillard, d’Enrique Vila-Matas et de Jean-Benoît Puech. Ces romans seront dits déceptifs, si l’on vient y chercher un simple récit : l’événement y est déplacé dans tous les écarts discursifs, les gloses du narrateur, ses digressions, les « anges » digressifs (Chevillard) qui font que la lecture est sans cesse différée, retardée, toujours surprise. La conclusion enfin évoque le troisième type d’événements distingué par Audet : l’événement opéral, qui est celui de ces textes où l’écrivain est en première ligne, s’inventant dans et par son œuvre (Artaud, Gatti, Franketienne, Majrouh).
Lecteur, acteur : la culture populaire revisitée par les fanfictions et les jeux de rôle
Authors: Cristofari Cécile 
Published: July 2012

A travers les fanfictions et les jeux de rôle se dessine un nouveau rapport entre la culture populaire et son public : en plus d’être spectateur, celui-ci participe à des activités recréatrices dans le prolongement des oeuvres qu’il apprécie. Ces activités se pratiquent dans une communauté où les questions de légitimité, de qualité et de reconnaissance ne se posent pas de la même manière que dans le cadre culturel traditionnel, et ont leurs règles et leur fonctionnement propres, que nous allons examiner.
L’anagogie poétique. Un dialogue entre Virgile et Platon
Authors: Pilipović Jelena 
Published: July 2012

Établir des relations constructives entre la poésie de Virgile et certains aspects de la pensée platonicienne constitue le but de notre recherche, dont le texte présenté ici propose une esquisse. Cette recherche n’est fondée ni sur la notion d’influence ni sur celle d’analogie – la première exigeant une approche historique et biographique, la deuxième présupposant un parallélisme entre les deux œuvres antiques –, mais sur la notion de participation constructive. La notion pivot qui permet de défendre cette idée est le concept d’anagogie. L’anagogie ou l’ascension, décrite dans les textes originaux de Platon d’une manière plutôt poétique que théorétique (Phèdre, Symposion), sera incorporée dans le système philosophique de l’époque médioplatonicienne (Didaskalos d’Alkinoos) : étant établi le télos suprême de l’existence humaine, elle représente la pénétration de l’âme dans le domaine éïdétique surpassant le monde sensible. Reflétée dans la structure autant que dans le corpus thématique de l’œuvre virgilienne, l’anagogie peut être proclamée comme l’un de ses principes créatifs. Sur le plan structural, la poétique de polysémie et l’idéal des significations cachées forment une hiérarchie sémantique, grâce à laquelle l’acte de lire devient une sorte d’ascension à travers le texte. La forme polysémique graduelle du texte virgilien est le fruit et l’objet central de cet article.
Valère Novarina, « l’acte inconnu ou l’événement à venir »
Authors: Née Laure 
Published: July 2012

En marge d’une certaine doxa, le théâtre novarinien procède comme si le réel était impossible à saisir. La scène n’éclaire pas l’événement. L’auteur ne croit pas au mythe de saisir l’événement sur le vif, mythe incarné par « Les Machines à dire voici ». Raconter l’événement suppose de découper arbitrairement un épisode, pour en dégager les causes et les conséquences. Novarina refuse cette pratique d’écriture aristotélicienne. L’univers novarinien est celui de tous les possibles ouverts. L’Acte inconnu, déjà là, mais toujours à venir, est le seul événement possible.
Ideology and the absurd in literature
Authors: Popović Tanja 
Published: July 2012

Le point de départ de cette étude est l’hypothèse d’un lien formel et sémantique entre le langage et le genre. L’absurde dans le discours est analysé dans les textes de N. Gogol et D. Kharms, tandis que les genres absurdes sont abordés à partir des récits de Dostoïevski, Camus et Sabato. La réalité des temps modernes et tous les aspects de ses représentations artistiques modifient la forme et l’idéologie du récit traditionnel. Le discours avant-gardiste du récit interprète la réalité ; il ne la dépeint pas ni ne la décrit. La distance auctoriale, auparavant réalisée au moyen de commentaires métatextuels, est à présent créée à l’aide de l’ironie et du cynisme, de l’absurde, de l’impossible et du fantastique.
Settling Scores and Unsettling Homecomings: A Reading of Jose Eduardo Agualusa’s “A Armadilha”
Authors: Kramer Micaela 
Published: July 2012

Cet article traite des différents niveaux de trahison évoqués dans le conte « A Armadilha », de l’écrivain angolais José Eduardo Agualusa. Si ce conte introduit le thème de la trahison dans un cadre explicitement politique et postcolonial, cet article suggère qu’il y a encore un autre niveau de trahison dans le texte, moins explicite : la question de la trahison littéraire. L’une des interrogations que nous formulerons ici est la suivante : est-il possible de produire une littérature angolaise, écrite dans la langue coloniale portugaise, qui ne trahisse pas l’esprit postcolonial et d’émancipation de l’Angola ?
Sur la trace européenne du chantre de Thrace
Authors: Dekens Julie 
Published: July 2012

Au vingtième siècle, malgré la progressive désaffection de la poésie pour la mythologie, Orphée laisse encore ses empreintes. Certes, son chant persiste, en français, allemand et suédois, mais sa puissance faiblit : certains auteurs perdent la trace d’Orphée, choisissent de suivre celle d’Eurydice ou bien simplement décident de poursuivre un autre chemin. Mythe des pouvoirs du verbe poétique, Orphée symbolise une conception de l’écriture en pleine évolution, car si le chant n’opère plus, que reste-t-il ?
Les conséquences pratiques de l’immédiat de la vraie vie : Une mise en relation de la vraie vie rimbaldienne et des Discours de Schleiermacher
Authors: Bauer Daniel 
Published: July 2012

La présente étude interroge l’expérience de l’immédiat à la fois décrite chez le théologien et philosophe protestant allemand Friedrich Ernst Daniel Schleiermacher dans les Discours sur la religion : À ceux de ses contempteurs qui sont des esprits cultivés (1799) et chez Arthur Rimbaud dans les Illuminations (1872-1875). Les parallélismes seront mis en lumière tout autant que les conceptions que les deux hommes ont du sacré et d’une « nouvelle langue » qui l’exprimerait. Tandis que Schleiermacher y voit le fondement de la religion et lie l’expérience au prêtre, Rimbaud associe une telle expérience à la « vraie vie » et à la « voyance ». L’article pose la question de la convergence entre l’expérience poétique rimbaldienne, notamment dans Aube, et l’expérience fondatrice religieuse selon Schleiermacher.
En marge des genres : l’écrit « au fil du pinceau » (zuihitsu) au Japon et sa lecture moraliste en France
Authors: Laidli André 
Published: July 2012

En marge des grands genres que sont le récit, le texte religieux et la poésie, le zuihitsu occupe une place particulière dans la littérature japonaise. Nous nous proposons d’interroger en détail la question de son genre. Pour cela, nous reviendrons notamment sur sa réception française. Ces textes japonais ont été, en effet, constamment rapprochés d’une lignée littéraire avec laquelle ils partagent en partie leur marginalité, leur écriture et leur enquête sur la vie humaine : celle des moralistes français.
Le donjuanisme comme déviance ? Enjeux de l’analyse médicale et psychanalytique d’un héros littéraire
Authors: Gournay Aurélia 
Published: July 2012

Le comportement amoureux de Don Juan fascine car il s’écarte de la norme : est-il doté d’une vigueur extraordinaire qui ferait de lui l’homme parfait ? Cache-t-il, au contraire, un mal profond, qu’il essaie de combler en accumulant les conquêtes ? Nombreux sont les critiques qui tentent de contenir le héros dans un discours normatif ou de l’éclairer par la psychanalyse. Ces analyses deviennent, à leur tour, source d’inspiration pour les auteurs contemporains, permettant au mythe de se renouveler.
Exhibition de la marginalité et déviance du discours : les récits de la prostituée des années 1880 en France et en Espagne
Authors: Rousseau Marjorie 
Published: July 2012

Les années 1880 voient se multiplier en France et en Espagne les récits sur la prostitution. Ils provoquent les habitudes du lectorat, ainsi que la tolérance de la censure en exhibant la marginalité : intérieur des maisons closes, quotidien d’une fille des rues, mise en scène de la sexualité… Ces romanciers ébranlent les normes littéraires. Mais qu’en est-il de leur positionnement sur ce phénomène social, politique et sexuel que constitue la prostitution ? Écrire la marginalité implique-t-il une déviance du discours ?
Quelles formes d’implication dans les lieux de Musiques Actuelles et Amplifiées ?
Authors: le Rendu-Lizée Carole 
Published: July 2012

Cet article a pour objectif de dresser l’état des lieux des pratiques de gestion des ressources humaines dans le secteur des musiques actuelles et amplifiées, ainsi que de repérer les formes d’implication des salariés. Cette problématique est posée dans un contexte de carence actuelle de données RH et dans une phase de professionnalisation et de croissance des activités. Nous nous appuyons sur le recueil d’informations liées à des enquêtes du réseau Fédurok. Dans un premier temps, nous mettons en évidence le manque de formalisation des structures, leur caractère adhocratique, et les particularismes de la gestion des ressources humaines, à savoir la cohabitation de statuts — salariés et bénévoles —, la faiblesse des rémunérations, l’absence de filière d’évolution, et la moindre reconnaissance de certains postes. Dans un second temps, nous proposons de déterminer l’implication au travers de quatre variables  : l’engagement militant, l’appartenance communautaire, l’engagement artistique et le projet esthétique. Au travers de l’analyse des discours de salariés, nous étudions l’évolution de ces facettes de l’implication, et dressons le constat de l’accroissement du caractère aliénant de l’implication organisationnelle et de l’engagement militant. En parallèle, nous observons le développement des souhaits de stratégie de carrière. Ces trois éléments interrogent l’évolution du secteur et de la gestion des équipes, en faisant apparaître trois formes de risque  : organisationnel, interactionnel et personnel. Des propositions, basées sur l’élucidation des rapports de pouvoir, le respect de l’identité artistique des lieux et une forme de professionnalisation «  auto-limitée  », visent à développer des outils ressources humaines spécifiques aux enjeux actuels des musiques actuelles et amplifiées.
Espaces de solidarités, de divergences et de conflits dans la musique montréalaise émergente
Authors: della Faille Dimitri 
Published: July 2012

Cet article présente l’étude de deux scènes musicales dites émergentes à Montréal au Canada. Ce sont la scène musicale électronique minimale et la scène musicale post-rock. Depuis 1998, la musique à Montréal a connu de nombreux changements, des nouveaux styles musicaux ont augmenté la visibilité internationale de la ville. C’est particulièrement vrai pour le groupe de post-rock Godspeed You ! Black Emperor et le projet musical de Marc Leclair intitulé Akufen. Puisqu’elles sont relativement nouvelles et qu’elles connaissent une renommée internationale croissante, ces deux scènes sont appelées émergentes. Les deux scènes sont étudiées à partir de quatre dimensions principales qui permettent de mettre en évidence les solidarités, divergences ou conflits. Les dimensions sont esthétiques, territoriales, de valeurs et de langue. L’article met en évidence quelques pistes de réflexion quant à l’origine de rapprochements entre scènes musicales ayant des univers esthétiques différents. L’article émet également quelques hypothèses quant à l’origine de dissensions existant au sein d’une scène partageant une même approche esthétique de la musique tout en évitant une approche micro-historique. L’étude se base sur la connaissance et l’expérience personnelle de l’auteur, une analyse de la littérature journalistique et scientifique, une recherche qualitative par entretiens biographiques ainsi qu’une lecture assistée par ordinateur de 340 chroniques hebdomadaires couvrant l’actualité musicale locale.
Le concept album : une vaste « escrockerie » ?
Authors: Zebboudj Idir 
Published: July 2012

Exercice de style largement galvaudé de nos jours, le « concept album » est un genre qui a vu le jour dans la deuxième partie des années 1960. À cet égard, il est l’un des stigmates des orientations artistiques qui animaient la scène Pop d’alors, frappée du sceau de la « révolution psychédélique ». Le Rock’n’roll des fifties y a connu de fortes mutations, sous l’influence principale des Beatles, puisant dans d’autres formes d’expression, notamment les musiques « savantes ». En 1969, les Who transposent l’Opéra dans le monde de la Pop : leur album « Tommy », notoirement connu pour être le premier Opéra rock de l’histoire, inaugure une longue série de concept albums. L’idée étant de concevoir le LP non plus comme une simple compilation de titres indépendants, mais comme un tout où les chansons servent de support à une histoire. Cette idée, qui fut abondamment reprise, n’a pas manqué de susciter des réserves, voire la moquerie de certains observateurs. Selon eux, l’album concept est l’une des illustrations des « dérives progressives » qui vont se confirmer dans les années 1970. En ce sens que le « vrai rock’n’roll » se serait perdu dans sa recherche de crédibilité artistique. Mais au-delà de ces considérations esthétiques, l’étude du concept album, en tant que véhicule d’une narration, soulève la question de la place des textes dans la musique Pop ou Rock.
La Chanson de Malbrouck, de l’archive au signe
Authors: Leterrier Sophie-Anne 
Published: July 2012

L’article s’intéresse à la célèbre chanson de Malbrouck, objet à la fois banal et ambigu, et aux métamorphoses historiques de ses significations. On montre dans un premier temps comment la chanson de Malbrouck est devenue populaire, sous quelles formes et dans quels contextes elle s’est diffusée au XVIIIe siècle, en particulier dans la littérature et sous la Révolution française, où elle a porté divers messages politiques. On s’intéresse ensuite à l’enquête historique dont la chanson a fait l’objet, surtout au milieu du XIXe siècle, d’abord dans le cadre d’une recherche des origines nationales à travers les « archives du peuple », puis sous les auspices du Comité des travaux historiques et scientifiques. On revient à cette occasion sur l’origine hypothétique et légendaire de la chanson de Malbrouck, et sur les doutes suscitées aujourd’hui par ces hypothèses. Enfin, on explique comment la chanson a perdu une partie de son sens, notamment de son sens politique, malgré la brillante tentative de « fusion des deux cultures » opérée par Victor Hugo dans les Châtiments. On montre cette inflexion dans l’illustration des recueils de chansons enfantines publiés entre 1880 et nos jours.
La représentation des chanteuses au café-concert : les genres de la romancière comique et de la diseuse
Authors: Gouspy Carol 
Published: July 2012

Actuellement, le café-concert, le music-hall et le cabaret sont des divertissements fréquemment confondus qui véhiculent une image obsolète et stéréotypée. Dans cette étude, nous nous intéresserons tout particulièrement à l’ancêtre du music-hall : le café-concert. Apparaissant aux alentours de 1850 à Paris, ce dernier associe la boisson à la chanson et au spectacle. Pourtant, à ses débuts, rien ne laisse présager le succès de ce loisir convivial et disparate qui connaît une vogue croissante jusqu’à la Première Guerre mondiale. Afin de contenter les spectateurs devenus exigeants face à un spectacle créé à leur intention, les directeurs des cafés-concerts recrutent des artistes charismatiques. Aussi aborderons nous la représentation des chanteuses au café-concert, ce qui nous amènera à prendre en considération, d’une part, la spécificité de leur genre et, d’autre part, l’impact de ces vedettes sur la clientèle. Afin de se démarquer de leurs concurrentes, elles étudient avec minutie leur gestuelle, leur costume et leurs effets vocaux. Parmi les nombreuses catégories du café-concert, nous avons choisi de présenter deux genres principaux : celui de la « romancière comique », dans lequel s’illustre Thérésa, et de la « diseuse », la plus notoire étant Yvette Guilbert.Même s’il n’est pas en adéquation avec les canons esthétiques de l’époque, leur physique joue un rôle non négligeable. Cependant, l’apparence quelconque de ces femmes déclenche des polémiques car elles instaurent un esprit de contestation qui scandalise les critiques et déclenche l’hilarité du public populaire. Afin de divertir ce dernier et d’obtenir la renommée tant convoitée, elles emploient tous les procédés comiques à leur disposition. Pour accroître leurs bénéfices, les cafés-concerts rivalisent d’ingénuité pour s’arracher ces chanteuses car les enjeux de ce spectacle se situent entre préoccupations commerciales et artistiques.
En bordure de voix, corps et imaginaire dans la chanson réaliste
Authors: Deniot Joëlle-Andrée 
Published: July 2012

Au siècle dernier, dans la période de l’entre-deux-guerres, dans les rues, sur les scènes de music-hall et de cabaret, à la TSF, les chansons du répertoire réaliste se font entendre ; elles deviennent populaires. Ce réalisme-là n’est pas celui de la critique sociale, il parle de souffrance, de fatalité, de deuil. Ce sont des voix de femmes qui vont porter ces chants du drame personnel ou commun et devenir figures héroïques de ce sombre réel. Comment cette connivence peut-elle s’établir ? Ce texte se proposant d’envisager la chanson à travers le style vocal, analyse les liens existant entre passion – cette forme paroxystique de l’amour – et voix ; entre passion de la voix et incarnation féminine de l’interprétation de ces complaintes intériorisées.Au-delà de la référence explicative aux cadres historiques et idéologiques permettant de comprendre ce registre émotif des chansons, il s’agit d’aborder les questions relatives à la conceptualisation de la voix, à l’humus intuitif et sensible dont son écriture naît et dont elle se nourrit.
« Chantez-vous en français ou en anglais ? »
Authors: Guibert Gérôme 
Published: July 2012

Faut-il chanter en français ou en anglais lorsqu’on est un groupe de l’Hexagone interprète de rock ou d’autres musiques amplifiées ? Chez les musiciens et les autres acteurs de la musique (critiques, militants, fans…) le débat existe et se fédère autour de deux idées antagonistes. Pour les uns, l’authenticité passe par un un respect strict des codes du courant musical revendiqué : « l’esprit » de ces musiques est anglo-saxon et s’exprimer en français c’est trahir l’essence des mouvements concernés. Pour les autres, l’adhésion au mouvement passe par une adaptation de ses codes à sa propre culture. Si l’on est français, l’originalité et la singularité créative ne peuvent venir que de l’utilisation de la langue maternelle, seul moyen de véhiculer les messages qui comptent pour soi. À l’occasion de cette contribution, on cherchera à mettre en évidence quelques variables importantes qui amènent aujourd’hui la plupart des groupes à privilégier la seconde position après avoir, historiquement, longtemps défendu la première.