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L’oreille jazz : essai d’ethnomusicologie
Authors: Lortat-Jacob Bernard 
Published: June 2012

Au coeur de l’article : les propriétés assez particulières de l’oreille d’une population relativement bien définie, les jazzmen. Ces derniers ont en effet des jugements assez précis concernant la justesse d’intonation, qui sont en général à l’opposé de ceux qu’émettent (de façon généralement péremptoire) une autre catégorie de musiciens : ceux formés à l’art classique. L’expérience a été conduite de façon concrète à partir d’une chanson exécutée d’abord par Chet Baker (enregistrement historique), puis ré-exécutée, à notre demande, par un chanteur classique. L’analyse révèle de grandes différences du point de vue du système des hauteurs qui renvoient en fait, à deux conceptions catégorielles de la justesse, apparemment irréconciliables. Être jazzman suppose également d’avoir intégré une aptitude de mise en correspondance entre thème et variations, autant qu’entre harmonie et mélodie. Portant sur un standard bien connu de Charlie Parker de 1945, l’analyse met succinctement en évidence les aptitudes spécifiques de deux types de populations : jazzmen d’une part et musiciens classiques de l’autre, tous de haut niveau. Les résultats révèlent ici encore qu’il s’agit d’aptitudes clairement antagonistes et culturellement non partagées.
Le travail de la répétition
Authors: Donin Nicolas 
Published: June 2012

Quelle place pour le public dans la musique sérielle, à laquelle on associe toujours le paradigme de l’écoute totale? La comparaison entre deux sociétés de concerts intimement liées à l’invention de cette musique (le Verein für musikalische Privataufführungen de Schoenberg et le Domaine musical de Boulez) permet de dissocier le mythe d’un sérialisme indifférent à toute réception, et la réalité des organisations musicales forgées par ses principaux artisans.
Chez Schoenberg, le refus des médiations musicales et de la publicité des concerts permet aux auditeurs d’accéder à des répétitions privées des mêmes oeuvres, bien avant que le disque n’en popularise la pratique. Ces répétitions sont outillées par des écrits, par des dispositifs d’écoute. Chez Boulez, l’existence du disque est intégrée dans le dispositif d’écoute : la programmation juxtapose des oeuvres issues de périodes différentes, et d’effectifs variables; la politique de diffusion engendre une importante discographie qui fixe à la fois un style d’interprétation et un répertoire.
Chacun des deux dispositifs fait travailler trois niveaux distincts de répétition : répétition interne à l’oeuvre, répétition de l’oeuvre, répétition d’une exécution. Mais l’articulation entre ces niveaux diffère chez Schoenberg et Boulez car les deux institutions s’insèrent, malgré leur relative proximité chronologique, dans deux époques éloignées de la reproductibilité musicale (l’une encore dominée par la partition et le piano, l’autre déjà par l’enregistrement sonore).
À bon entendeur
Authors: Lauxerois Jean 
Published: June 2012

La notion d’« écoute structurelle », qui apparaît dans Introduction à la sociologie de la musique, a donné lieu à une masse de commentaires qui sont autant de malentendus. Loin de faire d’une telle écoute son credo définitif, la pensée d’Adorno en effet s’est considérablement enrichie voire infléchie sur ce point. Mais il se révèle surtout qu’elle est moins une pensée de l’« écoute » que de « l’ouïr » musical, et qu’elle démobilise elle-même le privilège que la traduction du verbe hören accorde indûment, en français, au terme « écoute ». Entre écouter, entendre et ouïr, il y a une radicale différence des sens, que ce privilège oblitère.
On récusera du même coup qu’il y ait une essence invariante de l’écoute, celle d’un « sujet » également invariant. La promotion moderne de l’écoute, liée à l’apparition technique de « l’écouteur », répond au devenir métaphysique du sujet occidental et de son « oto-nomie », symptôme d’un « malaise dans l’écoute » qui serait l’une des formes de celui que Freud explore de la culture. C’est au contraire au défaut du sujet et de sa finitude que peut se situer la vérité de l’ouïr. L’oreille relève ainsi d’une temporalité, dont La Recherche du temps perdu montre qu’elle est le coeur du fait que le sujet entend toujours « à l’envers » : pour se résorber et se construire temporellement, techniquement, « à l’oeuvre ».
Montréal/Nouvelles Musiques : perspectives
Authors: Duchesneau Michel 
Published: June 2012

Dans cet article, l’auteur avance quelques hypothèses sur les origines du festival Montréal/Nouvelles Musiques en explorant les antécédents de la Société de musique contemporaine du Québec dont il fut le directeur général de 1997 à 2002. Il s’interroge aussi sur la dynamique qui anime le festival, le rôle qu’il doit jouer dans le milieu musical québécois à la lumière d’autres expériences disciplinaires (danse, théâtre, cinéma, musique de jazz) et en quoi son existence est liée à une identité musicale originale ou plutôt un savoir-faire original. L’analyse révèle que MNM va certainement permettre à la musique québécoise de bénéficier d’une porte d’entrée dans le grand réseau des festivals internationaux de musique nouvelle, système de diffusion de la création musicale à l’échelle internationale désormais incontournable et dominant à tous les niveaux de la discipline. Mais MNM en soi, ne peut être la solution unique à une pleine reconnaissance de la « musique québécoise ».
Frank Zappa dans l’univers des musiques sérieuses : un parfait étranger?
Authors: Beaucage Réjean 
Published: June 2012

Dix ans après sa mort, Frank Zappa reste une énigme et une somme de contraires peu communes. Connu des adolescents pour sa musique rock dont les thèmes oscillent entre le grivois et l’obscène, il est aussi respecté pour sa critique sociale féroce et ses oeuvres de musique « sérieuse » auxquelles, par ailleurs, un parfum de scandale aura toujours fait de l’ombre. Sa célébrité de rock star a malheureusement pris le pas, à travers la lorgnette de médias à courte vue, sur toutes les autres facettes de son oeuvre multiforme. L’auteur retrace ici le parcours biographique de Zappa en s’attachant principalement à ses expériences dans le vaste domaine des musiques « sérieuses » et rappelle que, de la découverte de la musique de Varèse à sa rencontre avec l’Ensemble Modern, le chemin de Zappa ne croise pas par hasard ceux de Zubin Mehta, Pierre Boulez et Kent Nagano.
Frank Zappa, l’esthétique d’un nomade
Authors: Gatti Nathalie 
Published: June 2012

À travers l’exploration croisée de la réception polémique dont Zappa fait l’objet et des éléments pertinents de son oeuvre, l’auteur propose qu’on en déduise l’ébauche d’une nouvelle problématisation de son art. Le recours à la philosophie de Deleuze contribue à tracer les contours d’une esthétique « nomade », qui concourt à excéder toutes les catégories traditionnelles de pensée et instituer ainsi l’autorité du style singulier de Zappa.
La morale de l’histoire…
Authors: Morand Louise 
Published: June 2012

Frank Zappa est un des artistes les plus significatifs de notre époque. Pourtant, bien qu’il jouisse d’une grande estime à travers le monde, son oeuvre demeure encore largement méconnue tant des médias que des milieux artistique et intellectuel. Serait-ce dû à la position particulière du compositeur vis-à-vis de la culture contemporaine? En effet, son langage musical à la jonction de différents styles véhicule des connotations issues des sphères médiatique, visuelle, littéraire, industrielle et environnementale.
Zappa a su manier avec la plus grande liberté les référents culturels tout en développant une stylistique très personnelle qui s’est affirmée tout au long de son parcours compositionnel. Cet article retrace les traits essentiels du style musical de Zappa à travers l’analyse d’une de ses dernières oeuvres. Il s’agit de la pièce pour Synclavier intitulée Dio Fa, extraite de son opéra Civilization Phaze III.
Ruer dur et faire entendre
Authors: Côté Michel F. 
Published: June 2012

Frank Zappa fut un compositeur engagé. Inlassable commentateur de l’actualité sociale et politique, c’est avec audace qu’il a toujours créé ses charges musicales et verbales. Fils légitime de dada, Zappa a cultivé la liberté d’expression avec ferveur. Dès ses débuts en 1966, la prise de parole est directe et intense, sans ménagement.
Composé de dix courts chapitres (de F à A), ce texte propose un survol en polaroid de l’art politique de ce guitariste guérillero et rieur.
Entretien
Authors: Lesage Jean , Perrin Catherine 
Published: June 2012

Catherine Perrin parle d’abord des défis qui se posent pour l’interprète d’une oeuvre contemporaine. Le travail avec le compositeur est une source d’inspiration importante et peut surtout suppléer à l’absence d’une tradition d’interprétation. De plus, la fréquentation du répertoire contemporain est bénéfique pour développer l’imaginaire et les réflexes d’analyse de l’interprète, ce qui rejaillira sur ses interprétations d’oeuvres anciennes. Jean Lesage parle de l’importance de la notation, qui procure à l’interprète une certaine sécurité intellectuelle, une fondation solide à partir de laquelle l’imaginaire peut se déployer. Il considère que l’interprète doit toujours être conscient des enjeux liés à la forme, puisqu’il est responsable de la transmission du projet compositionnel à l’auditeur. Pour lui, il n’y a pas d’interprétation idéale. C’est d’ailleurs tout l’intérêt de travailler dans le domaine de la musique instrumentale : la possibilité qu’une oeuvre se renouvelle à chaque interprétation. À cet égard, il évoque l’exemple de Glenn Gould, interprète « extrême ». Ayant été lui-même interprète, Lesage ne peut concevoir la musique autrement que par l’interprétation et l’article conclut sur l’idée que l’évolution de sa pensée comme compositeur est étroitement liée au fait même que ses oeuvres sont interprétées.
Le circuit du désir musical
Authors: Stiegler Bernard , Donin Nicolas 
Published: June 2012

Partant d’une déconstruction de l’opposition entre production et reproduction qui sous-tend le couple compositeur / interprète, Bernard Stiegler propose dans cet entretien de penser la relation entre musiciens et auditeurs comme un circuit constitué par un tissu d’exclamations — relevant à ce titre d’une même logique d’interprétation, c’est-à-dire de reproduction des singularités.
L’entretien précise comment articuler dans ce cadre les principaux concepts philosophiques forgés par Stiegler à partir de Husserl et de Simondon : rétentions primaires, secondaires, secondaires collectives, tertiaires; relation transductive et processus d’individuation; épiphylogénèse et système technique.
Réciproquement, la musique donne à la philosophie la base pour fonder, en référence notamment au projet généalogique nietzschéen, une organologie générale qui permettrait de repenser l’esthétique humaine dans toute son historicité, en articulant étroitement organes des sens, prothèses et instruments, organismes et institutions.
Portrait de Mario Bertoncini
Authors: Rea John 
Published: June 2012

Un portrait de Mario Bertoncini, pianiste, compositeur, inventeur et intermédiaire de sons éoliens, vient compléter ce numéro consacré à l’interprétation. Les souvenirs de ses cours en design musical à l’Université McGill évoqués par deux de ses étudiants, Charles de Mestral et Andrew Culver, le dialogue (à la manière platonicienne) écrit par Bertoncini entre un maître et son disciple, et le portrait qu’en dessine John Rea nous permettent de mieux connaître, sinon de découvrir « un artiste extraordinairement imaginatif » qui aura assurément marqué toute une génération d’interprètes et de compositeurs.
Identité, création et mort contemporaines
Authors: Bourion Sylveline , Forget Georges 
Published: June 2012

L’identité de l’homme, lisible dans chacun des actes de son existence, sera ici abordée par l’observation du dernier d’entre eux : la mort. Quelle image de lui-même projette-t-il, floue et parlante à la fois, sur le mur de la mort d’aujourd’hui? Et cette image concorde-t-elle avec ce que dépeint l’art musical contemporain d’un individu nouveau, changeant, insaisissable, si ce n’est par la matière qu’il ordonne autour de lui? Mort et musique balisent les fins de l’homme — fin de son être, de son entendement — et leur statut de douanières du royaume rend sa parole plus vive, plus certaine peut-être, comme on parle mieux de son pays après l’avoir quitté.
Les cours d’été de Darmstadt, du mythe au chantier
Authors: Donin Nicolas 
Published: June 2012

L’auteur présente le chantier d’une histoire de Darmstadt qui s’appuierait sur le travail pionnier de Gianmario Borio et Hermann Danuser (1997) portant sur l’âge d’or héroïque (vers 1948-1963) des Ferienkurse, et l’enrichirait à la fois par de nouvelles approches complémentaires et par la prise en considération de l’ensemble de la période d’activité de l’institution.
Darmstadt est vu comme le lieu de constitution d’une mémoire collective et d’une culture singulières. Son histoire devrait inclure (sans se limiter à eux) aussi bien les récits légendaires que les anecdotes, aussi bien les succès fameux que les échecs oubliés de tous. Les cours d’été sont aussi la scène sur laquelle se seront révélés et exposés les principaux acteurs — les héros autant que les anti-héros — de ce qu’on appelle désormais « la musique contemporaine », de la trinité Boulez-Nono-Stockhausen à des personnalités telles que Hermann Heiss, Bernd Alois Zimmermann ou Karel Goeyvaerts.
L’auteur propose une histoire de Darmstadt dont l’intrigue est tissée de mythèmes puissants, actifs, souvent consciemment recherchés par les fondateurs des cours d’été : la dimension cosmopolite, la jeunesse des participants, la radicalité esthétique tendant à la tabula rasa, le risque de produire un espéranto, et le goût pour des théories compositionnelles hautement prescriptives et formalisées.
Table ronde de 1963, journées des 16, 18 et 23 juillet
Authors: Chenard Marc , Nattiez Jean-Jacques 
Published: June 2012

Transcription inédite de trois tables rondes ayant eu lieu à Darmstadt en juillet 1963, dont les intervenants étaient Luciano Berio, Pierre Boulez et Henri Pousseur.
Chaque compositeur annonce les thèmes qu’il va aborder dans le cadre de ses cours. En débattant entre eux et en répondant aux questions de la salle, ces trois compositeurs abordent des questions fondamentales telles celles du métier, de la technique, du geste, du langage et de la syntaxe, de la forme, et de l’esthétique.
Au-delà des réponses provisoires qu’ils avancent, cette transcription offre une vue sur le fonctionnement ordinaire du débat esthétique et technique à Darmstadt vers la fin de la période qu’on pourrait nommer « héroïque » — avec ses enjeux idéologiques, ses rivalités et avec sa façon toute particulière de déterminer les problèmes de la création musicale contemporaine.
Composer dans l’ombre de Darmstadt (1987)
Authors: Lachenmann Helmut 
Published: June 2012

Dans cet article rédigé en 1987 et publié en 1996 dans le recueil de texte intitulé Musik als existentielle Erfahrung, le compositeur Helmut Lachenmann porte un regard critique et autocritique sur l’expérience des cours d’été de Darmstadt, depuis le début des années 1950 jusqu’au début des années 1980.
Décennie par décennie, il dégage les divers courants et tendances qui ont marqué l’histoire de Darmstadt en explicitant les paradoxes parfois insolubles engendrés par l’attitude avant-gardiste dont les cours d’été avaient fourni le modèle autour de 1950. À chaque fois, il se réfère à des expériences vécues, faisant intervenir Luigi Nono (son professeur autour de 1960), Dieter Schnebel, John Cage ou Karlheinz Stockhausen.
Partisan d’un « structuralisme dialectique », l’auteur spécifie enfin sa position — en référence au festival de Donaueschingen de 1980 et à un texte de 1982, « Affect et aspect » — par rapport à celles de Wolfgang Rihm et de Walter Zimmermann, ainsi que d’autres compositeurs ayant (ou non) tenté de théoriser leur relation à la tradition et à la subjectivité.
L’analyse musicale comme processus d’appropriation historique : Webern à Darmstadt
Authors: Borio Gianmario 
Published: June 2012

La réception de la musique d’Anton Webern dans les cercles avant-gardistes de Darmstadt constitue l’une des questions centrales permettant de comprendre les relations entre les pensées compositionnelles de la première et de la deuxième moitié du XXe siècle.
L’auteur s’appuie sur un « kaléidoscope » d’analyses différentes (voire contradictoires entre elles) d’une même oeuvre, l’opus 27 de Webern, pour montrer de quelle façon les musiciens des années 1950 ont utilisé Webern à la fois comme modèle, source d’autorité, miroir, voire prétexte de leurs propres techniques de composition et convictions esthétiques. La façon dont Stadlen, Leibowitz, Schnebel, Pousseur analysent Webern en dit long sur l’enjeu que recouvrait alors l’appropriation savante des partitions du Viennois. En complément, des analyses de Nono, Ligeti, Pousseur et Stockhausen (sur un corpus wébernien plus large) sont sollicitées.
Au terme de ces comparaisons, l’analyse musicale s’avère l’instrument fondamental de transmission du savoir d’une génération à l’autre, et l’un des moyens pour déterminer l’horizon de nouvelles techniques compositionnelles.
La satire et l’épître
Authors: Kaltenecker Martin 
Published: June 2012

En partant de ce que Hayden White nommait les « tropologies » du discours sur l’histoire, c’est-à-dire des structures narratives sous-jacentes, nous examinons dans cet article la figure du refus d’une histoire normative et conceptuelle. Récusant une conception philosophique de l’histoire, celle de Hegel, Ranke, Burckhardt ou Dilthey vont élaborer au XIXe siècle différents modèles nouveaux, toujours utilisés de nos jours, axés sur l’idée de la communauté, de la Lebenswelt, du contexte, et qui visent une saisie du particulier et non pas de lois générales. On donnera quelques exemples de ce type de conceptualisation dans la musicologie allemande du XIXe siècle, puis dans certaines présentations de la musique contemporaine, en faisant ressortir le passage entre des histoires « axiologiques » (qui développent des critères d’élimination forts, avec une tendance à resserrer le corpus) et des visions contextualistes, vers lesquelles incline l’idéologie sceptique et anti-philosophique de notre temps; les unes tiennent à une définition de ce qu’est une oeuvre d’art, alors que les autres tentent de la contourner.
« L’évolution historique » et ses marges : éléments pour une lecture critique de Cinquante ans de modernité musicale de Deliège
Authors: Ramaut-Chevassus Béatrice 
Published: June 2012

Célestin Deliège, en témoin de son temps, livre un monument, une source première, une histoire des grammaires où se croisent aussi esthétique et politique. Le concept central d’évolution historique se rapporte à la « recherche musicale », à la « recherche sur le code », aux « efforts de recherche de langage ». Écrire l’histoire revient alors à établir un « recensement de théories intentionnelles, prescriptives, et de poétiques nouvelles ». Les marges quant à elles évoquent la glose musicologique mais surtout les nombreux compositeurs placés en marge de cette évolution historique, de ce trajet fléché, de Darmstadt à l’Ircam. Cette dichotomie reflète donc celle que C. Deliège pose lui-même. L’article essaie de montrer qu’il existe une diversité plus grande de forces en présence dans la modernité musicale de la seconde moitié du siècle dernier.
Éditorial
Authors: Duchesneau Michel 
Published: June 2012

Dans cet éditorial, nous ne réalisons pas une étude scientifique des conditions propres à la création musicale pour le jeune public; nous n’abordons pas non plus les fondements psychologiques liés à l’écoute chez l’enfant afin d’en dégager certains universaux qui permettraient, peut-être, de définir les fondements théoriques et esthétiques d’une musique pour le jeune public. Il s’agit plus simplement d’établir un « cadre » circonstanciel à la réflexion sur la musique de création pour le jeune public, cadre qui met en perspective les oeuvres ainsi que leur raison d’être. L’époque postmoderne a-t-elle une influence? Les contraintes économiques et techniques ont-elle contribué à la définition du genre qui semble appartenir à notre période contemporaine? Dans quelle mesure possède-t-on vraiment les structures de diffusion adéquates? Ce sont là des questions que nous posons et auxquelles nous souhaitons apporter quelques éléments de réponse.
L’imagination au pouvoir
Authors: Pascal Noémie 
Published: June 2012

Depuis le début des années 1990, de plus en plus de créations musicales dites « contemporaines » pour jeune public occupent la scène artistique québécoise. En effet, des organismes voués à la création jeunesse font appel à des compositeurs de la scène contemporaine alors que des organismes oeuvrant dans la création musicale contemporaine s’ouvrent au jeune public. À partir d’un inventaire quasi-exhaustif des oeuvres du genre présentées depuis 1990 au Québec, cet article vise à faire un portrait de ce répertoire bien particulier : d’abord, observer quelles sont ses caractéristiques, ensuite, soulever quelques hypothèses quant à leur raison d’être, et finalement, souligner leurs incidences sur l’acte créateur. Quelle est la part de responsabilité du contexte historico-culturel, des compositeurs, des producteurs ou des auditeurs dans l’orientation stylistique du répertoire étudié? Le portrait de la création musicale pour jeune public ne serait-il pas simplement témoin du rayonnement de l’univers de l’enfant, magique, ludique et imaginatif, sur celui du compositeur?
Tigouli : la création à inventer
Authors: Lizère Emmanuelle 
Published: June 2012

À partir de réflexions sur les perceptions et les capacités sensorielles et musicales du très jeune enfant, nous souhaitons souligner l’importance de la relation aux sons dans son développement et ce que cela implique dans la conception et la réalisation d’un projet artistique jeune public. Partant des perceptions auditives du nourrisson, du rôle d’enveloppe et d’espace transitionnel que joue le sonore dans la vie du tout-petit et de ses capacités musicales précoces, nous posons la question de la place du son et de la musique dans l’évolution de l’être humain.
Puis, à travers le projet de création « Tigouli », nous proposons une façon d’accompagner le tout-petit sur le chemin de la création artistique, en tenant compte de la sensibilité « primaire » qui lui est propre, et en utilisant le langage musical d’un compositeur d’aujourd’hui.
Une saison effervescente pour l’opéra contemporain à Montréal
Authors: Champagne Éric 
Published: June 2012

Pendant l’année écoulée de mai 2004 à mai 2005, Montréal a connu une activité créatrice d’une rare intensité dans le domaine de l’opéra contemporain : en plus de la création des opéras Elia (musique et livret de Silvio Palmieri) et L’archange (musique de Louis Dufort, livret d’Alexis Nouss), on a assisté à la reprise de Louis Riel d’Harry Somers, oeuvre majeure qui a marqué la musique canadienne de la seconde moitié du XXe siècle. Cet article présente un compte rendu de ces trois productions avec, en toile de fond, un plaidoyer pour la reprise et la réinterprétation des nouveaux opéras, au-delà de leur seule création.