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L’odyssée musicale afrocubaine
Authors: Chang Leiling 
Published: June 2012

À Cuba, les premières décennies du xxe siècle montrent un contexte social et culturel des plus intéressants pour l’historien, ceci dû à plusieurs facteurs : la société cubaine affronte une nouvelle situation démographique après l’abolition de l’esclavage et le conséquent déplacement de la population africaine esclave vers les villes ; la naissance de la république de Cuba, à la fin de la colonisation espagnole, est marquée par une forte dépendance des États-Unis ; des mouvements d’avant-garde politique et culturelle mènent une lutte sans répit contre les esprits les plus traditionalistes ; le monde politique est des plus controversés, entre la corruption, l’assassinat des étudiants universitaires, la présence de militaires américains, entre autres aspects. Dans ce contexte a lieu l’un des plus beaux mouvements artistiques de l’histoire de Cuba : l’afrocubanisme. Ce mouvement, cherchant à revendiquer l’origine africaine de la nation cubaine, est en même temps une quête de modernité accrue et sera le point de départ de l’art cubain du xxe siècle. Parmi les figures qui marquent ce mouvement, Amadeo Roldán, compositeur, en est le pionnier et le divulgateur. Dans ses oeuvres, comme dans sa poétique musicale, nous trouvons l’origine de la musique cubaine du xxe siècle, jusqu’à nos jours, ainsi que l’évidence d’une lutte plus large, panaméricaine, qui cherche modernité et universalité à partir des recherches folkloriques.
La musique dans l’espace urbain: le cas des Symphonies portuaires de Montréal
Authors: Champagne Éric 
Published: June 2012

Après s’être penché sur les origines et la logistique qui sous-tend la réalisation d’une oeuvre musicale pour sirènes de navire, l’auteur explique l’évolution et le raffinement propre à l’écriture des symphonies portuaires réalisées à Montréal depuis 1995. Les particularités de l’espace utilisé (positionnement des navires dans le Vieux-Port, emplacement du public) et les variations notables des conditions d’écoute dues au climat ont façonné ces oeuvres inusitées qui se déploient dans un espace acoustique urbain très large. L’auteur explique en quoi la notion d’espace est une composante intrinsèque pour les compositeurs devant faire face à cet effectif inusité. Il relève, notamment, que les compositeurs instrumentaux appliquent leurs techniques d’écriture « traditionnelles » tandis que les compositeurs issus de la mouvance « musique actuelle » conservent une approche anecdotique du médium portuaire. L’auteur identifie chez les compositeurs d’électroacoustique une réelle réflexion sur les notions d’espace et d’acoustique dans l’élaboration de leur oeuvres, avant de conclure sur la réception de ces manifestations musicales et populaires.
Denys Bouliane, maître de jeu
Authors: LeBlanc Jimmie 
Published: June 2012

D’entrée de jeu, Qualia sui nous subjugue par son travail sur notre relation au temps. Une réflexion qui se déplace graduellement vers le phénomène de la perception dans tout ce qu’il a de plus subjectif et d’introspectif : Qualia sui, ou impression de soi, est une invitation au plaisir des jeux de l’illusion dont nous devenons les sujets. Le lecteur de la partition sera immédiatement frappé par l’usage systématique d’une colorimétrie très personnelle qui consiste à attribuer une couleur à chacun des segments de l’oeuvre ; ce rapport étroit à la couleur nous a conduit à considérer les matériaux constitutifs de Qualia sui en des termes relevant de la sémiologie du langage visuel. D’une approche de la gestuelle motivique qui se prête bien aux catégories de couleur, texture, dimensions, implantation dans le plan, vectorialité et frontières, Qualia sui nous permettra d’approfondir certains des aspects fondateurs de l’écriture de Denys Bouliane.
Ateliers en mouvement
Authors: Donin Nicolas , Theureau Jacques 
Published: June 2012

Cette introduction au numéro thématique de Circuit intitulé La fabrique des oeuvres présente différentes raisons de s’intéresser aux processus compositionnels et aux ateliers des compositeurs contemporains.
Une critique de la position de sens commun qui assigne la musicalité à une « boîte noire » (inspiration, superstructures sociales, etc.) débouche sur une série de conditions à remplir pour motiver l’étude de la « boîte à outils » d’une oeuvre ou d’un créateur. La notion d’« atelier » est proposée comme guide pour remplir les conditions précédentes.
L’« atelier » des oeuvres passées peut être connu grâce à la critique génétique, l’analyse musicale et la musicologie historique. Concernant les ateliers du présent, différents problèmes épistémologiques et méthodologiques surgissent ; ils sont discutés sur la base d’un texte de Pascal Dusapin, et en relation avec une étude de l’activité créatrice de Philippe Leroux réalisée par les auteurs. La volonté de réaliser des études de la composition musicale aujourd’hui est à la base de ce numéro, qui propose au lecteur divers points de vue sur la composition, susceptibles de comparaisons et peut-être de généralisations.
Vue sur l’atelier de Salvatore Sciarrino (à partir de Quaderno di Strada et Da Gelo a Gelo)*
Authors: Vinay Gianfranco 
Published: June 2012

Dans l’atelier musical de Salvatore Sciarrino il y a très peu d’outils : des carnets, des papiers quadrillés, des papiers à musique, une gomme et des crayons.
Les papiers quadrillés lui servent pour rédiger des diagrammes permettant de fixer et de contrôler le déroulement des figures sonores et des images musicales. Passage essentiel pour la création d’oeuvres instrumentales ou vocales, fondées sur des principes aptes à dramatiser l’agencement, la combinaison et la mise en résonance de ces figures dans l’espace sonore. Après ce travail préliminaire, le compositeur élabore la partition utilisant les signes traditionnels pour rendre ses partitions aussi claires et «universelles» que possible, expliquant dans une table des notes techniques la manière précise de réaliser les effets sonores et les procédés typiques de sa musique.
Étant donné que Sciarrino façonne lui-même les textes de ses oeuvres vocales et théâtrales, cousant ensemble des phrases et des mots extraits de textes de différents auteurs, les carnets ne contiennent pas seulement des esquisses, des réflexions ou des titres d’oeuvres futures, mais aussi des citations recueillies un peu partout et des textes en cours d’élaboration adaptés à ses besoins poétiques, musicales et dramaturgiques. La nécessité de rendre les textes ductiles à son traitement vocal est un des buts principaux de cette élaboration semblable à un trope en creux. La concision et l’abolition des complexités syntaxiques facilitent le travail de fragmentation du texte en syntagmes, lesquels peuvent ainsi s’habiller des petites écailles sonores de ses figures mélodiques.
The Sorcerer as Apprentice: his Notes (The computer in/and teaching the craft of composition)
Authors: Rea John 
Published: June 2012

In order to highlight some of the transformations in the practice of composition that occur due to the introduction of computing, the author provides two texts in a special typographical format which he calls ‘parallel processing’.
An allegorical story entitled Wolf-URL together with ensuing texts that deal with interpretations of the allegory, particularly in a section entitled Updaters, Update Now!, attempt to put forward a critical apparatus for dealing with documentation (and underlying ideologies) related to an enquiry, with its non-exhaustive findings, that the author conducted during the spring of 2007 into the transformation of the craft of musical composition since the 1970s. They include musings about the relationship between professor and student composer where the computer plays or does not play a role in the teaching process. The outlines of this enquiry are located in a section entitled Setup Wizard; an assessment model is found in the Assessment Wizard.
By means of this new print format, the reader will be able not only to speed up the reading experience and exchange valuable information between the multiple fragments, but will also be able to draw whatever implications seem fitting from the ongoing juxtaposition.
L’évolution d’un projet compositionnel en relation avec son environnement
Authors: Sprenger-Ohana Noémie 
Published: June 2012

Cet article rend compte du processus de composition d’une oeuvre (Concerto pour cor de basset et électronique) d’Elvio Cipollone, accueilli au Cursus de composition et d’informatique musicale de l’Ircam en 2005-2006. Disposant des studios de l’Ircam comme terrain d’observation, cette recherche a suscité des observations, entretiens et enregistrements, effectués afin de recueillir des traces de la genèse de l’oeuvre.
L’influence de l’environnement social est esquissée avec les cas de l’assistant musical (Mikhaïl Malt) et de l’interprète (Alain Billard), mais ce sont principalement des aspects relevant du domaine technique qui sont ici relatés. Le suivi de la production de cette pièce mixte nous a permis de montrer de quelle manière un compositeur peut se servir d’outils conçus pour une large communauté (de compositeurs, mais aussi de chercheurs, et de musicologues) afin de faire émerger et préciser ses idées personnelles, puis de réaliser son oeuvre. Malgré les obstacles rencontrés au long du processus, la préoccupation constante d’adapter les méthodes d’utilisation des outils aux positionnements esthétiques et stylistiques – ici propres à la rencontre de l’univers instrumental avec l’univers électronique – a rendu possible l’engendrement d’une pièce mixte aux sonorités électroniques très présentes, et toutefois fidèle à l’imaginaire musical d’un compositeur particulièrement attaché aux ressources du timbre instrumental.
L’interaction compositeur-ordinateur il y a 25 ans
Authors: Marmaras Nicolas V. 
Published: June 2012

L’article concerne une étude ergonomique sur la composition musicale assistée par ordinateur, effectuée en 1982-1983. Le but était d’étudier l’interaction entre compositeur et ordinateur et de saisir la façon dont cet outil nouveau (à l’époque) affectait le processus compositionnel. Cet article se concentre sur les projets de deux compositeurs, qui travaillaient à l’Ircam avec deux systèmes informatiques différents, et sur les contraintes pragmatiques subies par les compositeurs. L’analyse ergonomique effectuée a montré que le processus compositionnel de deux compositeurs se caractérisait par trois étapes: (i) création d’un espace compositionnel décrit sur le plan du système informatique par un certain nombre de paramètres ; (ii) exploration de l’espace compositionnel afin d’examiner ses possibilités ; (iii) attribution aux paramètres de l’espace sonore des valeurs qui vont produire une musique souhaitable. Dans le cas du premier projet, l’espace compositionnel était constitué des instruments musicaux, dont les paramètres psycho-acoustiques ne pouvaient pas être facilement décrits d’une manière compatible avec les formalismes de l’informatique. Cela avait obligé le compositeur, pendant l’étape de l’exploration de l’espace compositionnel, à entrer dans une situation d’apprentissage, comparable à celle de l’apprentissage d’un instrument de musique. Or, à cause d’une série de contraintes pragmatiques (par exemple, le temps d’écoute différé et la modification discrète des valeurs des paramètres), un tel apprentissage n’a pas pu se réaliser. Par conséquent, le compositeur n’a pas pu réaliser son projet en utilisant le système informatique. Dans le cas du second projet, l’espace compositionnel était défini par le compositeur, sur le plan conceptuel, d’une manière compatible avec les formalismes de l’informatique (règles mathématico-géométriques). Ainsi, et malgré les contraintes pragmatiques subies, le compositeur est arrivé plus facilement à explorer l’espace compositionnel et finalement à créer la musique qu’il souhaitait.
Outre son intérêt historique, cette étude peut aussi avoir un intérêt à l’heure actuelle. Les contraintes pragmatiques qui sont présentes dans l’utilisation de tout système informatique peuvent expliquer, au moins en partie, les difficultés éprouvées par les compositeurs qui essaient de réaliser une oeuvre à l’aide d’un système informatique, et leur identification peut indiquer les directions que doit prendre l’amélioration de ce dernier.
Le plunderphonique1 ou le piratage audio comme prérogative compositionnelle2
Authors: Oswald John 
Published: June 2012

Dans ce texte de 1985, l’auteur réfléchit sur la notion de droits d’auteur dans le contexte d’une culture populaire qui a dépassé les principes figés sur lesquels se sont établies les lois qui les régissent. L’artiste nous amène à comprendre la fin du paradigme producteur/consommateur : « Après avoir été pendant des décennies les récipients passifs de sélections de musiques préétablies, les auditeurs ont maintenant le loisir d’assembler leurs propres recueils, de séparer le bon grain de l’ivraie. Ils dupliquent une quantité de sons provenant d’un peu partout dans le monde ou, du moins, d’un peu partout dans leurs collections de disques, pour faire des compilations d’une variété infinie et surtout non disponibles parmi les produits offerts par l’industrie de la musique, avec ses écuries circonscrites d’artistes et une politique encore plus contraignante qui consiste à ne fournir que le plus grand dénominateur commun. »
L’une des idées-forces du texte d’Oswald tient dans le fait qu’en agissant comme un filtre ne retenant que les hits potentiellement lucratifs, la plupart des étiquettes de disques avaient déjà pénétré un espace de vulnérabilité dans lequel leur produit final cesse de leur appartenir exclusivement. Oswald démontre clairement pourquoi l’industrie de la musique, propulsée par la radio (entre autres véhicule de distribution), a perdu son droit archaïque à une propriété exclusive sur chaque atome sonore. [Camilo La Cruz]
Sur la trace des companion pieces : ébauche
Authors: Pascal Noémie 
Published: June 2012

L’auteure propose ici une première excursion dans le répertoire des companion pieces, oeuvres dont la particularité est d’avoir été conçues pour être interprétées aux côtés d’une oeuvre précise déjà existante. Pour arriver à retracer les titres pouvant appartenir à ce genre encore méconnu, près de 450 compositeurs, interprètes et ensembles ont été questionnés et plus de 200 ont répondu à l’appel. Résultat : 150 titres sont ici classés aux côtés des oeuvres qu’ils « accompagnent ». Ce bref article révèle avant tout l’ampleur et la complexité du concept des companion pieces et, par le fait même, l’urgence d’en préciser et d’en diffuser la définition.
Introduction à Kopernikus : Pistes de réflexion autour du sacré
Authors: Bail Louise 
Published: June 2012

L’auteure se propose d’examiner l’un des aspects les plus significatifs de l’univers de Claude Vivier, le sacré, en s’appuyant sur des éléments biographiques, ses écrits, son oeuvre en général, et plus spécifiquement l’opéra « rituel de mort » Kopernikus. Sont envisagés dans cet article deux aspects du sacré : le numineux et le merveilleux. Vie et oeuvre de Vivier, directement conditionnées l’une par l’autre dans l’imaginaire du compositeur, oscillent entre le numineux (moteur de la vie) et le merveilleux (moteur de l’oeuvre), entre deux représentations mentales, le sacrifice (du latin sacrare, « consacrer à une divinité ») et l’extase (du latin extasis, « être hors de soi ; égarement de l’esprit » : « ravissement »). Agni, le double du compositeur, personnage central et le seul nommément désigné dans l’opéra, évoque le numineux associé au concept de sacrifice. Alice, l’ombre d’Agni, symbole de l’imagination constamment sollicitée, représente le merveilleux associé au concept d’extase. Entre le numineux et le merveilleux, le sacrifice et l’extase, l’existence et l’oeuvre, s’installe un vide qu’il reviendra à la musique de combler.
Dossier enquête : Pulau Dewata : des arrangements raisonnables ?
Authors: Marandola Fabrice 
Published: June 2012

Pulau Dewata est la seule oeuvre de Claude Vivier dont l’orchestration reste totalement libre. Composée en 1977, au retour d’un voyage consacré pour une large part à l’étude de la musique balinaise, elle a fait depuis l’objet d’un nombre conséquent d’adaptations fort diverses qui vont de la stricte répartition instrumentale du matériau musical original à l’orchestration la plus élaborée. Afin de comprendre pourquoi les « arrangements » des uns apparaissent comme des « dérangements » pour les autres, l’article procède à une mise en perspective des orchestrations qui en ont été réalisées, avec des exemples provenant principalement des versions de John Rea et Walter Boudreau. Cette comparaison des approches est précédée d’une analyse de la forme et des principes qui ont guidé la composition de Pulau Dewata, analyse qui s’appuie notamment sur les esquisses et les notes de travail du compositeur conservées aux archives de l’Université de Montréal.
Évolution d’un style musical – comment Vivier passe-t-il d’une oeuvre à l’autre ?
Authors: Rhéaume Martine 
Published: June 2012

Alors que le style musical de Claude Vivier est souvent décrit par le biais des influences que l’on peut y retrouver, on tente de donner un éclairage différent du style émergeant du compositeur, en observant son évolution interne d’une oeuvre à l’autre, grâce à l’analyse. Après un bref survol des analyses paradigmatiques de Chants, Jesus erbarme dich, O ! Kosmos et Hymnen an die Nacht, on suit le parcours d’une formule musicale et de son évolution dans chacune des oeuvres et de l’une à l’autre.
« Qu’est-ce que vous faites dans la vie ? – Je suis compositrice. . . »
Authors: Reverdy Michèle 
Published: June 2012

Prolongeant une réponse à une des « 50 questions » abordées dans son livre Composer de la musique aujourd’hui, l’auteure décrit les nombreux obstacles auxquels une femme doit faire face en France pour exercer le métier de compositrice. Après une brève incursion autobiographique, Reverdy se penche sur la question d’une prétendue spécificité de la musique composée par des femmes, et s’insurge contre le mythe d’une musique composée « en toute innocence », pour ensuite conclure sur les dimensions politiques de la composition musicale.
Micheline Coulombe Saint-Marcoux et Marcelle Deschênes : pionnières dans le sentier de la création électroacoustique
Authors: Lefebvre Marie-Thérèse 
Published: June 2012

L’auteure tente de cerner les attitudes « masculines » et « féminines » de la création musicale des cinquante dernières années afin de faire ressortir la contribution de deux compositrices québécoises, Micheline Coulombe Saint-Marcoux et Marcelle Deschênes, au développement de la musique électroacoustique au Québec. Par une mise en contexte historique, l’auteure situe dans un premier temps le milieu dans lequel elles ont vécu leur enfance, leur adolescence, et leur formation musicale à Montréal et à Paris ; puis la manière dont elles ont traversé le discours dominant des années 1970, pour finalement aborder leur rôle de pionnières. Parce qu’elles voulaient sortir des sentiers battus, elles ont compris que les nouveaux outils technologiques pourraient leur servir à exprimer musicalement une nouvelle sensibilité artistique. En ce sens, elles furent les « sherpas » du milieu électroacoustique au Québec.
La composition musicale et la marque du genre : l’examen conscient de l’« écriture féminine »
Authors: Stévance Sophie 
Published: June 2012

Si les spéculations idéologiques concernant les différences biologiques entre les sexes persistent dans le domaine de la création, elles ont été mises en valeur dès 1970 par des écrivaines et plasticiennes pour oeuvrer en fonction de mythes spécifiques touchant à leur féminité, au corps de la femme chargé de stigmates, afin qu’émerge un « art féminin ». D’une certaine manière, des compositrices vont emprunter cette voie en affirmant entretenir un rapport différent de celui des hommes à l’écriture musicale. Selon elles, leur sensibilité spécifique et leur situation d’être au monde les poussent à travailler autrement, à partir de thématiques « existentielles » inspirées de leur condition sociale et culturelle. De telles circonstances ont provoqué cette quête identitaire par l’invention d’un style artistique particulier qui, paradoxalement, use de ce qui était considéré par un féminisme radical comme les pièges de la féminité. Cet article tente de montrer que ces spécificités, du moins ces constantes relevées par les créatrices expliquant leur démarche, sont le résultat de recherches esthétiques pour caractériser une création universelle au féminin, et non le produit de diktats biologiques.
S’orienter selon Hermann Hesse
Authors: von Blumröder Christoph 
Published: June 2012

L’identité artistique de Stockhausen s’est forgée juste après la Seconde Guerre mondiale, durant la période entre les années 1948 et 1950, dans laquelle elle s’enracine. Pendant ces années, il était très créatif, particulièrement sur le plan littéraire, et à ce titre il était à la recherche d’une orientation, qu’il a trouvée chez Hesse. En 1949, quelques jours après son 21e anniversaire, Stockhausen fit parvenir à Hesse une lettre de six pages pour se présenter et lui offrir un de ses poèmes. Cette lettre, ce poème et la réponse encourageante de Hesse sont ici analysés, comme le sont aussi d’autres échanges épistolaires entre les deux hommes, quelques lettres de Stockhausen à son ami Karel Goeyvaerts, dans lesquels est examiné le roman de Hesse Das Glasperlenspiel, et un second poème de Stockhausen. L’oeuvre de Stockhausen s’est développée à partir de concepts thématiques et d’objectifs établis durant cette période.
Claude Vivier and Karlheinz Stockhausen : moments from a double portrait
Authors: Gilmore Bob 
Published: June 2012

That Karlheinz Stockhausen played a crucial role in the musical development of the young Claude Vivier is beyond question. In an autobiographical note written in 1975, Vivier noted: “Born in Montreal in 1948. Born to music with Gilles Tremblay in 1968. Born to composition with Stockhausen in 1972. Indeed, the widespread view is that, during the years he studied formally with Stockhausen at the Hochschule für Musik in Cologne (1972-74), Vivier hero-worshipped the German composer. Widely regarded as one of the leading figures of the international musical avant-garde, Stockhausen had held for two decades a position that, by the time Vivier began formal studies with him, was under assault. The whole system of values for which he stood, musical and otherwise, was being questioned to its foundations, even, in some quarters, reviled and demonised. The relationship between the young Vivier and his distinguished teacher is therefore a complex one. While Vivier evidently fell powerfully under the sway of Stockhausen’s music and ideas and his charismatic and domineering personality, this article explores the effect on him of the changing attitudes toward Stockhausen as the 1970s wore on. This article attempts to paint the complex relationship between the two men, focusing on the years of their closest contact – 1971-1974 – a time when both they and the world around them were undergoing profound transformation.
Influence de Stockhausen chez les compositeurs électroacoustiques québécois
Authors: Normandeau Robert 
Published: June 2012

Quelle a été l’influence de la musique électroacoustique de Karlheinz Stockhausen sur la production québécoise de cette même discipline ? Un certain nombre de compositeurs québécois de différentes générations ont été sollicités afin de connaître leur avis sur la question : Kevin Austin (1948), Walter Boudreau (1947), Yves Daoust (1946), Jean-François Denis (1960), Marcelle Deschênes (1939), Francis Dhomont (1926), Gisèle Ricard (1944), Stéphane Roy (1959), Alain Thibault (1956). Aux réponses de ce groupe de compositeurs se sont ajoutés les commentaires et souvenirs de l’auteur.