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Âpre modernité : la représentation de la galanterie des anciens dans les œuvres d'Anne de La Roche-Guilhen
Authors: Trivisani-Moreau Isabelle 
Published: January 2015

Auteur de nouvelles à forte teneur galante, Anne de La Roche-Guilhen accorde une place notable à l’Antiquité dans un tiers de ses ouvrages où elle privilégie un univers romain coloré de rudesse : elle y traite de cas amoureux extrêmes, s’attarde peu aux grands hommes dont elle creuse les failles, privilégie une période impériale marquée au sommet de l’Etat par des mœurs relâchées. La représentation de la romanité épouse l’ambiguïté d’un tel traitement galant : ne renvoyant plus nécessairement au courage, elle entre dans un jeu rhétorique, tandis que la galanterie entraîne tantôt rejet, tantôt adhésion. Pratiquée surtout par des poètes, la galanterie, art de la parole, passe par une dissimulation qui reflète la complexité d’une société où se mêlent intérêts privés et politique : la ressemblance avec la France de Louis XIV apparaît à travers la dissociation entre vertu et habitus social et touche particulièrement les femmes, victimes de cette galanterie qui aurait dû les servir.
Vauvenargues face à la galanterie des anciens
Authors: Ravonneaux Nathalie 
Published: January 2015

L’œuvre de Vauvenargues résonne tout entière des échos prolongés des querelles et débats qui opposèrent les Anciens et les Modernes jusqu’au début du XVIII e siècle. Le moraliste ne nie pas qu’une adaptation de l’exemplarité des hommes illustres au goût et aux mœurs de son temps ne soit nécessaire, mais il refuse qu’elle véhicule des valeurs contraires à celles des Anciens. À ce titre, il conteste la notion frivole de galanterie, lui préférant celle d’amour, qui présente des enjeux moraux, sociaux et politiques plus ambitieux à ses yeux. Et lorsqu’il opère une « transvalorisation » des Anciens, c’est pour leur attribuer des valeurs propres à une civilisation européenne moderne certes, mais qui n’ont rien à voir avec ce qui fait l’apanage du galant homme : ses Anciens incarnent des modèles d’hommes éclairés qui n’ont rien perdu de leur virtus ni ... de leurs défauts.
Mettre en scène le massacre du 24 août 1572 ? La Saint-Barthélemy ou l'actualité théâtrale impossible
Authors: Bouteille-Meister Charlotte 
Published: January 2015

Événement hors-norme, dont la violence extrême déborde les bourreaux mêmes, le massacre de la Saint-Barthélemy donne lieu à un grand nombre de publications qui cherchent à le justifier ou à le condamner. Sur la scène du théâtre d’actualité, quelque chose semble cependant résister à la mise en scène « directe » de ce massacre. Est-ce le traumatisme qui impose le silence aux dramaturges protestants ? Est-ce la honte qui conduit les dramaturges catholiques à pratiquer l’art du déni dramaturgique ? À travers l’étude de la seule pièce d’actualité en français traitant directement de la Saint-Barthélemy, La Tragédie de feu Gaspard de Coligny de F. de Chantelouve, et de la pièce de J.-B. Bellaud qui use d’un détour mythico-pastoral pour évoquer le massacre dans son Phaéton , nous cherchons à interroger la spécificité du théâtre catholique face à la représentation de cette actualité sanglante.
L'inédit et l'effroi : la chute de l'Ancien Régime sous la plume d'un écrivain italien, Alessandro Verri (1741-1816)
Authors: Musitelli Pierre 
Published: January 2015

Alessandro Verri (1741-1816) fut avec son frère Pietro Verri l’un des grands chroniqueurs de son époque. Leur correspondance, échangée entre Milan et Rome de 1766 à 1797, présente un minutieux tableau de trente années de bouleversements politiques et culturels en Europe. Cette longue amitié épistolaire achoppe cependant, en 1789, sur l’interprétation à donner de l’événement par excellence de cette fin de siècle : la Révolution française et la chute de l’Ancien Régime. Le dialogue rendu difficile par les désaccords, Alessandro Verri se tourne vers le récit historique pour livrer une lecture fiévreuse de la catastrophe révolutionnaire. Ses ouvrages, Vicende memorabili et Lotta dell’Impero col Sacerdozio , nourris de la lecture des libelles et périodiques français et italiens, illustrent le difficile processus par lequel l’inédit — au sens également d’inouï et d’impensable pour un aristocrate conservateur — et l’actualité se transforment en connaissance, sous la plume d’un témoin qui peine à s’arracher à sa condition partisane pour faire œuvre d’historiographe.
Une constance renouvelée : la scénographie des mazarinades entre répétition et stratégies de révélation (1648-1652)
Authors: Levesque Mathilde 
Published: January 2015

Les mazarinades, petits pamphlets publiés quotidiennement pendant la Fronde, servaient aussi de support pour relater chaque jour les « nouvelles du temps » et les derniers méfaits de Mazarin. Elles créaient donc un effet d’attente, et occupaient un rôle proche de celui de la gazette. Les outils de l’analyse du discours permettent ici de montrer que les mazarinades sont en effet des textes circonstanciés, ancrés dans leur contexte de production. Toutefois, compte tenu de leur fréquence de parution, elles souffrent souvent d’un apport informationnel indigent. En réalité, Mazarin et les instances politiques de l’époque constituent la cible invariante du discours, et les auteurs des libelles développent une rhétorique de la compensation, dans laquelle apparaît une logique de la surenchère et de la riposte d’un texte à l’autre. La mazarinade quitte alors son statut de texte d’actualité pour acquérir une place d’œuvre littéraire, dans un Panthéon miniaturisé et cantonné aux quelques années du conflit civil.
« Pensez que je parle à des esprits profanes » : Philippe d'Angoumois et la dévotion pour mondains
Authors: Oddo Nancy 
Published: January 2015

Au début du xvii e siècle, la production littéraire du capucin Philippe d’Angoumois, présidée par un fort souci d’édification religieuse suivant les exigences tridentines, met en tension deux objectifs divergents : séduire les mondains peu enclins à la lecture des traités de dévotion et proposer une spiritualité élevée. De cette difficile dialectique vont naître d’originales formes narratives de vulgarisation : les métissages entre allégories, récits, exempla , dialogues et conseils pratiques sont autant « d’allechements » pour souder la communauté catholique, mais sans doute plus encore pour asseoir un parti pris politico-religieux sensible dans les années 1615-1620 : celui de Marie de Médicis.
Roman et humanisme dévot : l'exemple de Desmarets de Saint-Sorlin
Authors: Lallemand Marie-Gabrielle 
Published: January 2015

Cet article a pour objet de montrer comment les particularités des romans de Desmarets de Saint-Sorlin par rapport aux autres longs romans contemporains s’expliquent, dans le contexte de l’humanisme dévot dont ils sont empreints, par le projet, constant durant toute sa carrière, d’instruction, et particulièrement d’instruction morale chrétienne du public privilégié du roman, les femmes. On y montre comment, même si la religion chrétienne est explicitement absente des romans de Desmarets, Ariane (1632), Rosane (1639), La Vérité des fables (1648), ils diffusent activement la morale catholique ; on y étudie le discours qui y est tenu sur le mariage et sur l’éducation. Avec ses deux derniers romans, Desmarets a tenté de renouveler en la mondanisant l’entreprise d’un Camus ( Agathonphile , 1620) ou celle d’un Gaffarel ( Cléolthée ,1623) mais, à partir des années trente, une telle entreprise était vouée à l’échec.
« Le fils d'Ulysse ne pouvait goûter que ce qui était vrai » : Fénelon entre Homère et Augustin
Authors: Reguig Delphine 
Published: January 2015

L’un des processus les plus audacieux de christianisation de la fable antique dans le Télémaque de Fénelon est sans doute l’inversion de la caractérisation et donc de la valeur héroïque du personnage d’Ulysse. Le récurrent menteur d’Homère devient le héros de l’intégrité et de la tempérance verbale léguées en héritage inaliénable à Télémaque. L’examen de la conversion d’Ulysse à la vertu de véracité permet alors de retrouver une filiation entre le modèle homérique et l’invention fénelonienne : il apparaît que le roman de Télémaque renouvelle les questionnements que la geste ulysséenne poursuit à l’égard de l’identité du sujet dans son rapport à la divinité. Poser la question du rapport de l’homme à la vérité, c’est en effet poser la question de sa part à l’Être. En modifiant le régime théologique dans lequel évoluaient les personnages d’Homère, Fénelon a bien mis dans leur bouche la parole pleine et fidèle à laquelle Augustin identifie l’Être.
L'anonymat à la Comédie-Italienne : un enjeu ou un outil ?
Authors: Goodman Jessica 
Published: January 2015

La Comédie-Italienne du dernier dix-huitième siècle suit toujours les pratiques de composition de son parent, l’ancienne tradition de la commedia dell’arte . L’improvisation, l’auctorialité collective, la réécriture et le recyclage de trames, personnages et situations sont les conditions d’une sorte d’anonymat normatif, selon lequel l’auteur précis d’une pièce à tel ou tel moment est obscurci parmi une foule de collaborateurs dont les contributions individuelles sont rarement reconnues. Ceci n’est pas un anonymat choisi pour des raisons idéologiques, stylistiques, ou commerciales : l’écrivain de canevas se trouve plutôt obligé de subsumer son identité dans celle de la troupe. Pour un auteur qui voudrait affirmer son statut d’auteur célèbre, tel que Carlo Goldoni (arrivé en 1762), une telle situation paraîtrait désastreuse. Comment se créer en tant qu’auteur et génie individuel quand il n’a même pas la possibilité d’afficher son nom sur ses œuvres ?
L'anonymat dans Les Fleurs de Poesie Françoyse (1534) : jeux de rôles, jeux de pistes, jeux de masques
Authors: Martin Daniel 
Published: January 2015

À la différence de la majorité des recueils de poésie collectifs du XVI e siècle, les Fleurs de Poesie Françoyse ne sont pas une simple compilation de poèmes due à l’initiative d’un imprimeur, mais un recueil savamment agencé par un poète qui est lui-même un des auteurs ayant contribué au volume. Le recueil, issu des milieux de cour, est visiblement le fruit d’un travail collectif, sans doute coordonné par le poète qui, dans l’épître liminaire, se présente sous le masque du « disciple de l’archipoete françoys ». L’ensemble vise à présenter une réflexion morale sur l’amour, dans toutes ses dimensions, conçu comme un jeu de rôles sur la scène du théâtre de la société. L’anonymat sert admirablement les desseins du maître d’œuvre du volume et de ses complices.
L'anonymat chez Maurice Scève et le devenir auteur
Authors: Clément Michèle 
Published: January 2015

La singularité de Maurice Scève, dont la carrière littéraire est longue puisqu’il publie entre 1535 et 1562, est le refus de s’inscrire comme auteur, le refus d’afficher une persona d’auteur dans l’ère de la communication ouverte par les possibilités de l’imprimerie, particulièrement la page de titre et les liminaires. Il refuse d’imprimer son nom ; s’il laisse apparaître ses devises et, exceptionnellement, ses initiales, ni Délie , ni Saulsaye , ni Microcosme ne sont signés. Ce faisant, il refuse la pratique la plus nette de l’auctorialité au XVI e siècle. Peut-on le qualifier d’auteur anonyme pour autant ? Qu’engage cette pratique à rebours de l’histoire pour la réception de l’œuvre ?
« Ces Messieurs du Recueil des pièces choisies » . Publication collective et anonymat féminin
Authors: Dufour-Maître Myriam 
Published: January 2015

On se propose d’examiner la publication de l’anonymat féminin des autrices et des destinataires dans les recueils collectifs. Le propos de Madelon, « nous avons une amie particulière, qui nous a promis d’amener ici tous ces Messieurs du Recueil des pièces choisies » ( Les Précieuses ridicules , sc. 9) oblitère ainsi les contributions féminines au recueil imprimé, au profit de la médiation mondaine. La mise en évidence au contraire, dans le titre des Recueils dits « La Suze-Pellisson », de la contribution d’une « autre dame », constitue une publication de l’anonymat féminin qui, par contraste avec la publication du nom de la comtesse de La Suze, dessine des espaces différenciés pour la présence féminine dans ces recueils collectifs.
« Agréables différends ». L'esthétique galante de la querelle dans deux dialogues de Jean Chapelain et Jean-François Sarasin
Authors: Roussillon Marine 
Published: January 2015

Dans Les Sentiments de l’Académie sur le Cid , Jean Chapelain tente de définir les conditions de légitimité de la querelle littéraire. Il affirme que la bonne querelle doit être un « agréable différend » : une contestation agréable qui débouche sur un consensus. Il s’agit dans cet article d’examiner comment cette esthétique est mise en œuvre dans deux dialogues où Chapelain apparaît comme « disputeur » : La lecture des vieux romans de Chapelain lui-même et S’il faut qu’un jeune homme soit amoureux de Jean-François Sarasin. Ces deux textes mettent à distance le modèle de la dispute, et avec lui les valeurs de l’humanisme érudit et l’esthétique de l’éloquence judiciaire. Ils assimilent ces valeurs à une culture du conflit et se revendiquent comme porteur d’une esthétique de l’agrément, c’est-à-dire du consensus et du plaisir. La négation du conflit n’est cependant pas tant une utopie ou un idéal qu’un outil dans la construction polémique d’une hégémonie.
Jean-Jacques Rousseau et les différends des Lumières. Le conflit entre David Hume et Jean-Jacques Rousseau
Authors: Mostefai Ourida 
Published: January 2015

Au centre d’innombrables querelles, sujet et objet de multiples débats et controverses, Jean-Jacques Rousseau figure de manière exemplaire à l’intérieur des polémiques des Lumières, et se présente comme un cas particulier et singulier qui permet d’en éclairer les enjeux. Cet article se propose d’examiner les différends autour de la figure de Rousseau à partir de sa célèbre querelle avec David Hume : lieu des personnalités par excellence, cette affaire voit se jouer un conflit ayant pour enjeu la question de l’opinion publique, dans lequel la querelle personnelle prend le dessus sur les conflits idéologiques. Simultanément dispute philosophique, conflit public, et querelle privée, l’affaire Hume-Rousseau offre l’occasion de l’étude d’un cas singulier mais exemplaire qui brouille les tentatives de classification.
L'épistémologie de Haller : entre expériences et conjectures ?
Authors: Rey Anne-Lise 
Published: January 2015

Les querelles qui ont opposé Leibniz et Newton de leur vivant sur le calcul infinitésimal, l’attraction universelle ou le statut de l’espace et du temps ont fait surgir, grâce à une thématisation opérée par Newton, une opposition épistémologique qui a, historiographiquement, constitué deux lignes méthodologiques bien tranchées : le métaphysicien rationaliste qui se perdrait dans des conjectures face au savant moderne de l’ experimental philosophy . L’exemple de Haller, newtonien revendiqué, vient compliquer un peu ce tableau commode : les controverses suscitées par sa proposition d’une distinction entre sensibilité et irritabilité peuvent également se lire comme une contestation ou simplement des résistances devant un nouveau paradigme épistémologique qui conçoit de faire des expériences et d’imaginer des hypothèses.
Inventer Watteau
Authors: Viala Alain 
Published: January 2015

À partir de l’examen de trois tableaux de Watteau ( Pierrot, dit autrefois Gilles , Les deux cousines et Voulez-vous triompher des belles ? ), complété ensuite par un regard sur quelques autres œuvres, un constat s’impose : ces tableaux sans anecdotes (sans « action », selon un terme de l’époque) ont un caractère énigmatique. Et Watteau ne leur a pas attribué lui-même de titres. Ceux qui leur ont été donnés ensuite constituent donc autant d’interprétations. Le but de cette communication n’est pas de résoudre ces énigmes mais, au contraire, de les accepter en examinant le processus historique par lequel les critiques et les marchands ont attribué des titres, et comment cela s’est construit par concordance ou différence avec deux grandes lignées de « regard » de l’époque, celle qu’on peut appeler « classique » et qui se situerait plutôt dans la mouvance de Le Brun, et celle qu’on peut nommer galante. Il apparaît donc, à la lumière d’un tel cas, qu’à l’époque dite « classique », « l’œil » a été sans doute « polyscopique ».
L'œil épluche. Voir chez Béroalde de Verville ( ca 1600)
Authors: Conley Tom 
Published: January 2015

Partant de l’aspect à la fois hermétique et ouvert, ancien et moderne, du Palais du curieux de Béroalde de Verville, cet article examine comment la vision entendue en tant que science fait partie intégrante du dispositif de l’ouvrage et comment elle provoque l’événement d’une expérience optique fondée sur le mouvement labile et fugace entre ce que l’auteur appelle sujet et objet . Dans le tableau que constitue le livre, Béroalde conçoit un objet qui semble être perçu par extramission et qui, par intromission, projetant ses formes vers l’œil du spectateur, lui fait prendre en compte ce qui le regarde. Les titres (ou « suiets ») que l’auteur avoue avoir plaqués sur les « obiects » textuels que sont les chapitres successifs sautent aux yeux du lecteur pour l’inviter à voir les phénomènes divers rassemblés dans ce livre-cabinet suivant un mouvement dédoublé : d’une part, en les « épluchant », c’est-à-dire en les creusant minutieusement et, d’autre part, en les parcourant selon un itinéraire libre pour les interpréter de manière anamorphique. Ainsi explorons-nous comment, dans Le Palais , les choses sont vues, « objectivées », et comment, quand l’œil les cerne (ou quand elles cernent le sujet), elles sont du même coup « subjectivées ».
Classicisme hard. Vision et différence sexuelle au XVII e siècle
Authors: Greenberg Mitchell , Pucci J. R. 
Published: January 2015

Dans son essai controversé sur « La féminité » (1933), Freud affirme qu’« en rencontrant un être humain, vous voyez immédiatement s’il est homme ou femme, et vous êtes habitués à faire, avec une extrême assurance, cette distinction ». Pour l’œil moderne, nous dit Freud, l’assignation d’une personne à l’une des deux « sexualités » possibles est immédiate, évidente et irréfutable – il suffit d’un coup d’œil. Mais qu’en est-il de la période pré-moderne ? La différence des sexes « dans le champ de vision » était-elle appréhendable d’une manière aussi transparente, ou la ligne de partage était-elle plus fluide, plus mouvante ? Auquel cas, quand (ou comment, et pourquoi) cette fluidité s’est-elle figée ? Telles sont certaines des questions auxquelles cet article tente de répondre, en prenant comme points de repère L’Astrée (1605-1623) et La Princesse de Clèves (1678). Mon hypothèse est que, dans la période qui sépare la publication de ces deux jalons du « classicisme », un glissement épistémologique majeur a changé la façon de percevoir la sexualité – un glissement d’une vision ouverte, en évolution constante (soit, peut-être, une vision utopique d’un monde sans partage strict des rôles sexués), vers une conception hétérosexuelle plus rigide (« classique ») du désir humain, concomitante des changements éthiques et esthétiques qui allaient informer la perception moderne de la sexualité humaine, dont le propos de Freud est peut-être l’une des manifestations les plus archétypales.
Séance, performance, assemblée et représentation : les jeux de regards au théâtre (XVII e -XXI e siècle)
Authors: Biet Christian 
Published: January 2015

Lorsqu’il s’agit de vision, il convient de considérer le théâtre en tant que production, par les participants à une séance, d’une série d’hétérotopies, i.e. de figurations (imaginaires, réalistes, satiriques, encomiastiques, etc.) du monde tel qu’il apparaît hors de la séance. Dans le lieu théâtral se réalisent les deux fonctions traditionnelles de l’art : sa fonction unificatrice, comme lien social et esthétique donnant à la cité une cohésion, et sa fonction critique, comme lieu hétérogène posant à la cité des questions majeures. Dans l’art du spectacle vivant, la première produit une hétérotopie orthodoxe, qui vise à homogénéiser les participants autour d’une proposition esthétique se donnant souvent comme la représentation d’une remise en ordre de l’hétérogénéité problématique de la communauté. Mais cette tentative de mise en ordre se heurte à l’événement difficilement maîtrisable qu’est la mise en présence durant un temps éphémère d’individus hétérogènes ayant payé pour être ensemble, jouir et juger d’une hétérotopie multiple et hétérodoxe : c’est la stricte réalité des séances théâtrales, honnie par les partisans d’un ordre unifié qui y voient un « désordre » (là où il s’agit plutôt d’« ordres » différents). Cette tension produit un « jeu » constant, une oscillation des regards et des jugements qui se croisent et s’opposent, capable de maintenir l’attention des participants, de les émouvoir, de leur donner du plaisir, et de les entraîner à la réflexion contradictoire sur le monde et la séance elle-même.
Entre éblouissement et « véritables grâces ». Racine ou les tensions de l'œil classique
Authors: Guyot Sylvaine 
Published: January 2015

Depuis Voltaire, l’éblouissement semble définir l’identité visuelle du classicisme : rien ne serait plus « classique » que le regard ébloui, médusé par une évidence brillant dans le lointain, unifié dans l’admiration et figé à jamais dans l’émerveillement. S’il est vrai que la figure éblouissante constitue bien une référence visuelle dominante des représentations au XVII e siècle, cet article explore les « scénographies critiques » que le théâtre de Racine propose de ce régime absolutiste de la vision. Loin de présenter l’image d’une communion unanime suscitée par l’apparition du héros, Alexandre et Esther questionnent la légitimité et la prétention à l’universalité de l’héroïsme éclatant. Plutôt qu’une « démolition » des valeurs, cette mise en procès porte la revendication d’une possibilité de regard légitime et légitimant autre que la frappe éblouissante. Au partage ostentatoire d’yeux mouillés de larmes orchestré par Alexandre victorieux fait écho la grâce touchante par laquelle Esther impose son autorité devant Assuérus. Ces scénographies tragiques, fondées sur l’échange des regards et la proximité des corps, génératrices de plaisir et d’adhésion, croisent les nouveaux critères de l’esthétique galante et la promotion coloriste d’une séduction des beaux-arts. L’accueil reçu par les deux pièces raciniennes, quasi inverse de l’effet escompté par chacune, témoigne alors des hésitations qui jalonnent dans le dernier tiers du siècle cette évolution progressive des modèles de visibilité.
Le regard en déroute : la comète de 1680
Authors: Goldstein Claire 
Published: January 2015

Si la visibilité constitue à l’âge classique le biais par lequel le souverain se rend accessible à ses sujets, comme celui qui permet aux érudits et aux mondains de découvrir de conserve les confins d’un univers magnifié par les télescopes et les microscopes, le nouveau régime de la vision engendre des angoisses inédites concernant l’épistémologie du visible. Les écrits de la fin du XVII e siècle autour du phénomène des comètes sont révélateurs de l’inquiétude attachée au régime de l’observation. Échappant à l’emprise de l’univers héliocentrique sur lequel Louis XIV a modelé l’ordonnancement de l’État absolutiste, les comètes de 1664 et de 1680 apparaissent comme des points de cristallisation des angoisses contemporaines sur le visible et le quantifiable. Qu’ils soient d’un genre élevé ou mineur, les textes sur celle de 1680 montrent comment l’entremêlement du voir et du discours fictionnel, du témoignage oculaire et du jeu littéraire, constitue une des réponses au bouleversement épistémologique provoqué par un tel événement. Cet article examine les Pensées diverses sur la comète de Bayle, ainsi que les articles parus dans les numéros de janvier et février 1681 du Mercure galant . Dans les deux cas, l’énergie émanant du public fasciné par le spectacle de la comète est l’occasion de problématiser le lien entre vision et connaissance ; et dans les deux cas, l’observation est mise en scène, abandonnant l’épistémologie au champ de la production et de l’imagination littéraires.