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As migrações de trabalho com destino à Guiana e às Antilhas Francesas
Authors: Flory Céline 
Published: April 2016

De 1854 a 1862, mais de 21.000 homens, mulheres e crianças foram recrutados pelo governo francês ao longo do litoral da África Ocidental para trabalharem como “contratados” na Guiana e nas Antilhas Francesas. Quase todos eles se estabeleceram definitivamente nas novas colônias. Esta migração consistiu em dois fluxos migratórios distintos. O primeiro, entre 1854 e 1856, no qual os recrutamentos se realizaram junto às populações livres da África; e o segundo, entre 1857 e 1862, em que os recrutamentos aconteceram em grupos de condição servil com o método conhecido por “compra antecipada”. Por este processo, os recrutadores franceses compravam pessoas cativas e em seguida as “alforriavam”, impondo um compromisso de trabalho por 10 anos a ser realizado do outro lado do Atlântico.Ao traçar e comparar três momentos-chave – aqueles do compromisso da travessia e do fim do contrato de compromisso – do percurso migratório de duas mulheres pertencentes a cada um desses grupos, mostraremos que, devido à sua condição no momento da contratação – livre para Yacine Biram e cativa para Baya –, as autoridades coloniais, bem como os membros da sociedade de chegada não as consideram e nem as tratam da mesma forma, embora gozem do mesmo status jurídico. Este estudo nos permitirá também destacar as implicações perenes da “mácula servil” nas sociedades pós-escravagistas francesas.
Les artistes plasticiens sur les marchés d’artisanat au Brésil (Fortaleza)
Authors: Dabul Lígia 
Published: April 2016

Ce chapitre a trait à un aspect peu abordé du le domaine de l’art : la vente des œuvres. Nous réfléchirons à la façon dont celle-ci renvoie à des attributs habituellement constitutifs de l’identité de l’artiste, tels que le caractère original, individuel et commercialement désintéressé de sa création, ou encore au fait qu’elle ne soit pas reconnue. Nous entamerons ce chapitre par la description du délicat processus d’organisation des marchés d’artisanat dans la ville de Fortaleza, la capitale de l’État du Ceará, dans le Nordeste, au Brésil. Dans cette ville, les artistes plasticiens travaillent généralement aux côtés des artisans – un phénomène courant sur les marchés d’artisanat situés dans des lieux très touristiques. À partir des rapprochements et des distinctions entre les catégories d’artiste ou d’art d’une part, et d’artisan ou d’artisanat de l’autre, nous réfléchirons aux différents sens attachés aux processus de vente des produits créés par les uns et les autres et aux conditions dans lesquelles la transaction a lieu. Nous chercherons ainsi à déterminer en quoi la vente contribue à différencier les artistes plasticiens des artisans, et à distinguer les artistes plasticiens entre eux. Les pratiques et l’élan créatif de ces producteurs sont en grande mesure tributaires du public et des espaces dans lesquels ils souhaitent exposer leurs œuvres, mais aussi des difficultés réelles qu’ils rencontrent habituellement pour y accéder. Nous décrirons les situations de vente et les relations que ces artistes établissent avec les acheteurs de leurs œuvres, pour la plupart des touristes, ainsi que la façon dont ils conduisent et évaluent cette vente. Nous montrerons qu’au-delà du besoin inévitable et inexorable de gagner leur vie pour continuer à produire, la vente peut contribuer à valoriser leur travail et à assurer la communication qu’ils souhaitent établir avec les acheteurs de leurs œuvres.
À la recherche de la lecture perdue ? Les adolescents et la lecture en France aujourd’hui
Authors: Détrez Christine 
Published: April 2016

Les pratiques de lecture, pour qui veut les étudier, peuvent être appréhendées selon plusieurs méthodologies, dont les résultats peuvent paraître parfois contradictoires. Afin de montrer les apports de chacune de ces méthodes, cet article se propose d’articuler deux enquêtes récentes : l’une quantitative et longitudinale, a été menée avec le ministère de la Culture auprès de plusieurs milliers d’adolescent-es français-es pendant une dizaine d’années et portait sur les pratiques de loisirs de l’enfance à l’adolescence ; l’autre, qualitative, a été menée par entretiens auprès d’une soixantaine d’adolescent-es lecteurs et lectrices de mangas. La première enquête permet ainsi de dresser le paysage des lectures en adolescence, et de les situer dans l’avancée en âge : du collège au lycée, les pratiques de lecture (notamment de livres) s’effritent, dans un contexte de r-évolution numérique et de « culture jeune » marquée par l’importance de la musique et de la sociabilité amicale. Si les déterminations sociales persistent, le climat d’érosion est général.Néanmoins, l’approche par entretiens permet de compléter ce constat pessimiste et de prendre la question à l’envers : pourquoi, alors que tant de loisirs et de possibilités leur sont offerts, des adolescent-es continuent-ils/elles à lire, et à aimer ça ? La lecture ne doit pas être ainsi seulement mesurée en heures de lecture, ou en nombre de livres lus, mais également par ce qu’elle « fait » aux adolescent-es qui s’y consacrent : la lecture est ainsi particulièrement investie symboliquement, et sur un corpus aussi peu légitime scolairement et littérairement que les mangas se décline alors la richesse, aujourd’hui encore, des réceptions, entre injonctions normatives et appropriations. L’offre des mangas présente en effet cette particularité d’être segmentée, selon le genre et selon l’âge. Cette production particulière met ainsi en exergue combien la lecture, en général, est un des lieux de socialisation de genre. Mais dans cette construction de soi comme garçon ou fille, se combinent des logiques de genre et d’appartenance sociale, et les rappels à l’ordre (à la norme) peuvent être violents, entraînant, pour qui veut contourner la règle, la mise en place de multiples tactiques. Par ailleurs, la lecture fournit également, pour ces adolescents, des ressources en terme d’élaboration, et de réparation de soi. En cela, elle est véritablement, encore aujourd’hui, une ressource contre l’adversité, qui permet, par les rires, les pleurs ou l’identification, de devenir adulte.
L’inégale répartition internationale du succès en art contemporain : analyse sociologique des palmarès artistiques dans le monde
Authors: Quemin Alain 
Published: April 2016

Bien que la globalisation ait commencé à attirer fortement l’attention des sciences sociales au cours des années 1990 (Bartelson, 2000 ; Therborn, 2000), ce thème n’a pendant longtemps été guère étudié dans le cadre de la sociologie de l’art et les études empiriques sont restées limitées pendant de nombreuses années, avant de connaître un développement très important (Bellavance, 2000 ; Quemin, 2001, 2002a, 2006, 2013b, 2013c ; Van Hest, 2012 et Velthuis, 2013). Dans ce texte, nous entendons étudier l’impact du facteur territorial – tant en ce qui concerne la nationalité des artistes que leur pays de résidence – sur l’accès au succès (Bowness, 1989) et sur le processus de consécration en utilisant des données empiriques. Ceci nous permettra de faire apparaître que, même à une époque à laquelle la globalisation est censée être de règle dans le monde de l’art, il existe toujours une forte hiérarchie entre pays. Nous nous concentrerons ici sur seulement deux classements principaux – le Kunstkompass et le Capital Kunstmarkt Kompass – afin d’illustrer la répartition extrêmement inégale du succès entre pays en art contemporain. Notre analyse contredira constamment la croyance fortement ancrée dans le monde de l’art qui affirme la disparition totale des frontières géographiques et qui clame l’effacement de flux d’échanges culturels fortement orientés.
L’évolution de la place des femmes dans le monde de l’art contemporain français
Authors: Mercier Cyril 
Published: April 2016

En ce début de xxie siècle, l’accès des femmes aux plus hautes fonctions, aussi bien dans le monde économique que dans le monde de l’art reste très difficile. Ainsi, en 2005, les femmes, qui représentaient 45 % de la population active occupée en France, ne comptaient plus que 21 % des chefs d’entreprise employant au moins un salarié. Dans le secteur culturel, en 2006, un rapport du ministère de la Culture et de la Communication sur l’égalité des chances pointait le caractère fortement inégalitaire de la répartition des postes de direction entre hommes et femmes dans les principales institutions culturelles. Ainsi, les hommes représentaient-ils 92 % des directeurs de théâtres consacrés à la création dramatique et 89 % des dirigeants des institutions musicales.Le monde des arts et de la culture français obéit lui aussi à ce modèle de discrimination des femmes dans leur progression professionnelle. À la suite de l’étude de Raymonde Moulin sur les artistes, de celle d’Alain Quemin sur les femmes commissaires-priseurs, l’étude sur les collectionneurs d’art contemporain réalisée dans le cadre d’un doctorat de sociologie (Mercier, 2011), permet de lever un voile sur la place des femmes collectionneuses d’art contemporain en France et de mieux comprendre les phénomènes de différenciation, si ce n’est de discrimination, que celles-ci subissent.Une longue enquête auprès des collectionneurs d’art contemporain français a mis en lumière la faible représentation et visibilité des femmes et leur difficulté à exister dans les plus hautes sphères des associations de collectionneurs d’art contemporain. En effet, le profil « type » du collectionneur d’art contemporain associe un cadre professionnel valorisant socialement et financièrement, un niveau d’études et un bagage intellectuel élevés, ainsi qu’un capital associatif constitué sous la forme d’un réseau relationnel développé. Cette alchimie entre un capital culturel et scolaire, un capital économique, ainsi qu’un capital social forts permet de concevoir cette pratique, la collection d’art contemporain, sous l’aspect particulier des classes sociales les plus aisées.Cette particularité de la composition sociale du groupe des collectionneurs d’art contemporain explique en partie la place des femmes au sein de ce petit monde de l’art. Si, dans la haute bourgeoisie et l’aristocratie, les femmes disposaient d’un statut particulier par rapport à l’art, comme l’expliquait Raymonde Moulin dans son étude pionnière de 1967, il peut être possible d’imaginer, qu’au début de ce nouveau millénaire, les femmes subissent encore le poids des traditions liées aux élites bourgeoises et aristocrates, les empêchant pour partie de prendre leur place dans le monde des collectionneurs d’art contemporain, par-delà les facteurs sociaux plus généraux qui les cantonnent dans des positions subalternes dans le plupart des espaces de la vie sociale.
O Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro
Authors: Parracho Sant’Anna Sabrina 
Published: April 2016

Em anos recentes, muito tem se falado sobre os processos de inflação de memória, de espetacularização dos museus e de proliferação de espaços exibitórios como cultura de massas. Além do crescente número de análises que têm sido produzidas na academia sobre o tema, o discurso em torno da musealização tem invadido o cenário das políticas públicas brasileiras.Para discutir a tese da musealização e entender os protagonistas deste processo e o modo como o levaram a efeito, procuro analisar o caso específico do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro. A hipótese discutida este capítulo questiona se o MAM poderia ser tomado como um dos precursores deste movimento no Brasil. Em outras palavras, o que procuro entender é até que ponto o Museu de Arte Moderna carioca, ao lado de instituições congêneres no Brasil e no exterior, poderia estar na antecâmara do processo de musealização na cidade. Para tanto pretendo entender o lugar de determinados atores sociais que se fizeram portadores de discursos e projetos neste processo. Notadamente, procuro analisar o papel de inovação do museu institucionalizado por Niomar Moniz Sodré, diretora do MAM, desde princípios dos anos 1950, e procuro entender a radicalização deste papel a partir da inclusão de Frederico Morais no quadro de funcionários do museu a partir de meados da década de 1960.Ao chegar ao MAM em agosto de 1966 para dar aulas e chefiar o departamento educativo do museu, Frederico Morais ia ao encontro de uma instituição que havia, na década anterior, se consolidado como espaço de reunião de movimentos culturais no Rio de Janeiro. Embora, em 1966, Niomar já houvesse se afastado da direção executiva do museu – ocupada à época por Maurício Roberto –, o MAM havia se constituído, desde o período de sua gestão, como espaço de formação de jovens artistas e de experimentação de novas formas e meios de expressão visual. Mesmo depois de sua saída, o museu havia institucionalizado uma agenda e práticas educativas que proporcionavam uma relação muito próxima com os artistas que faziam arte moderna na cidade. Dando continuidade ao MAM como espaço de experimentação, Morais contribuiria para a abertura do museu à vanguarda e para a democratização da instituição, borrando talvez as fronteiras entre arte e vida.
Da Subterrânea ao centro do mundo
Authors: Coelho Frederico Oliveira 
Published: April 2016

Em setembro de 2009, ocorreu um incêndio na sede do Projeto HO, espaço em que residia e ainda reside o acervo do artista plástico carioca Hélio Oiticica (1937-1980). Na estimativa inicial dos responsáveis e de especialistas em geral, a perda era de milhões de dólares (alguns chegaram a cogitar centenas de milhões). Com o tempo, os prejuízos materiais foram revistos de acordo com a descoberta de que se perdeu muito, porém não se perdeu tudo de mais precioso que o acervo guardava. Na época, o sítio eletrônico especializado em arte brasileira, Canal Contemporâneo, compilou mais de uma dezena de links nacionais e internacionais para a leitura do material crítico produzido a partir do incêndio e seus desdobramentos. Um dos aspectos consequentes desse trágico evento chamou a atenção do meio das artes e entre os estudiosos da obra de Oiticica. Mesmo que o interesse da imprensa pelo assunto tenha sido em boa parte dedicado à perda de um grande acervo da arte contemporânea brasileira (sublinhando a incompetência da manutenção desses por parte do poder público etc.), falou-se principalmente do valor de mercado desses trabalhos perdidos. O assunto foi, enfim, mais o prejuízo financeiro do Projeto HO do que o prejuízo artístico. Sem dúvida, a alta valorização da obra de Hélio Oiticica nos dias de hoje conduziu a leitura dos jornais para esse caminho monetário sobre o tema.Este artigo parte daí para pensarmos em que momento a obra de um artista radical e transgressor como Hélio Oiticica foi capturada pelo discurso conservador dos valores de mercado e do seu caráter de propriedade. A pergunta aqui procede, pois não foi imediatamente após sua morte que seus trabalhos passaram a girar ao redor de grandes cifras.
A condição de artista contemporâneo no Brasil
Authors: Bueno Maria Lucia 
Published: April 2016

Herdeira das rupturas vanguardistas, pautada pela tradição moderna – marcada pela heterogeneidade, pluralidade de passados, estranheza radical – a arte contemporânea evolui a partir de um território instável, que responde em grande parte pela crise de legitimidade que assinala sua trajetória recente. Em decorrência dessa condição, a consolidação e a expansão do mundo da arte dependem da disponibilização de investimentos e da existência de um sistema de mediação, que forneçam sustentação aos artistas para que possam superar muitos dos obstáculos que se colocam à realização e a circulação de seu trabalho. Entre os principais problemas mencionamos particularmente: a dificuldade de assimilação da produção artística pelo público, a dificuldade de apropriação das obras no mercado e o alto custo da maior parte da produção. O artista contemporâneo precisa de recursos não apenas para se manter pessoalmente, mas também para financiar a realização de sua obra. No Brasil, a partir de meados dos anos 1970, num panorama adverso para a evolução da cultura e das artes – marcado pela repressão política, fragilidade do mercado, enfraquecimento das instituições artísticas e escassez de recursos – a produção contemporânea, contrariando as expectativas, continuou se desenvolvendo e preservando a qualidade, mesmo nos momentos mais críticos. Como esse processo se materializou numa estrutura tão precária? Principalmente se levarmos em conta que o florescimento de uma visualidade contemporânea na maioria dos países emanou de um amparo material e institucional, que inexistia entre nós. A finalidade principal deste texto é apresentar alguns argumentos que apontem uma resposta para essa indagação.Esta reflexão reúne conclusões preliminares de uma pesquisa em andamento sobre a condição de artista contemporâneo no Brasil, que investiga a trajetória, formação, inserção profissional, organização do trabalho e matrizes estéticas da obra dos artistas. Neste capítulo tratamos das particularidades da relação dos artistas contemporâneos brasileiros com a universidade, vista não apenas enquanto espaço de formação e inserção profissional, mas também como veículo fundamental de articulação do campo artístico.
La sociologie des arts et de la culture en France
Authors: Péquignot Bruno 
Published: April 2016

La sociologie des arts et de la culture est une discipline qui a connu un fort développement en France depuis 1985. Cet article en présente les grands thèmes de recherche et l’histoire de son développement. Sont ainsi successivement abordés la question des institutions et des politiques culturelles – particulièrement importantes en France – l’organisation et le fonctionnement des marchés de l’art nationaux et internationaux, les problèmes spécifiques des professions artistiques, les problématiques de la réception, avec la question des publics, et celles de la légitimation, objets de débats importants. Sont ensuite présentées les recherches portant plus spécifiquement sur certaines pratiques artistiques : les plus étudiées, les arts plastiques et la littérature bien sûr, mais aussi le théâtre et les arts de la scène en général (cirque), la musique – ou plutôt les musiques dans leurs diversités –, classique, populaire, du monde etc., la photographie et l’ensemble des nouvelles images, avec notamment l’art informatique, le cinéma et la télévision (notamment les séries télévisées), l’architecture et les arts monumentaux, mais aussi les arts de la rue (graph, hip hop, par exemple). L’article insiste sur les débats qui ont permis la structuration des chercheurs dans ce domaine et notamment ce qui a été au cœur des échanges théoriques durant ces 25 années : la question des œuvres.Il n’omet pas de souligner les grandes étapes institutionnelles de cette émergence ; la création du Centre de Sociologie des Arts par Raymonde Moulin au CNRS et à l’EHESS, le colloque de Marseille de 1985, les Journées Internationales de Sociologie de l’art organisées par l’équipe grenobloise et le création au CNRS du Groupement de Recherche (GDR) Œuvres, Publics, Société, (OPuS) par Alain Pessin, en 1999, puis sa transformation en 2005 en GDR International. Enfin la création en 1990 de la seule revue du champ : Sociologie de l’Art. Une bibliographie importante permet au lecteur de se référer aux travaux essentiels.
Gonçalo Garcia: identidades e relações raciais na história de um santo pardo na América portuguesa
Authors: Viana Larissa 
Published: April 2016

O capítulo apresenta uma reflexão sobre a mestiçagem na América portuguesa a partir da história do primeiro santo pardo das Américas. Este primeiro santo pardo era o beato Gonçalo Garcia, cujo culto foi oficializado na cidade de Recife em meados do século XVIII, em meio a uma forte disputa simbólica em relação à sua origem O objetivo central do texto é refletir sobre esta disputa como modo de traduzir aspectos do universo colonial, então permeado por noções de desigualdade e diferença, que possuíam uma forte expressão na vida social e religiosa através dos estatutos de “limpeza de sangue”. Ao analisar o contexto da América portuguesa, explora-se aqui a crônica produzida pelo religioso franciscano frei Antônio de Santa Maria Jaboatão em defesa do reconhecimento de Gonçalo Garcia como um santo pardo. Tal discurso, elaborado em 1745, apresentava uma versão positiva das identidades mestiças, vinculando-as aos ideais de honra e distinção geralmente reservados aos homens livres brancos.
A New Flexible Pipe for Dynamic Gas Riser Applications Featuring FLIP Resistant Carcass
Authors: Lyckegaard A. , Golliard J , Hansen R. , Bendiksen E. , Cappeln C. D. , Hylland P , Lunde K , Sødahl N , McGeorge D , Skeie G. 
Published: April 2016

This paper presents the qualification of a new flexible riser concept based on a novel carcass technology called the K-carcass. The K-carcass is made from preformed profiles that are wound helically into shape. The geometry of the carcass profiles is defined such that the inner surface of the pipe is flush.
This geometry is a benefit to the flow properties of the fluid flow in the pipe and very importantly to the resistance to flow induced pulsations. Flow induced pulsations are known to occur in dry gas applications at a critical velocity. In this paper we present results that show that the critical velocity of a K-carcass pipe is significantly higher than an equivalent conventional flexible pipe.
Furthermore, we present the results of qualification testing of two K-carcass based flexible pipe designs, i.e. a 7.5 inch and an11.5 inch design.
Mental depression as a risk factor for periodontal disease: A case–control study
Authors: Fatima Zareen , Bey Afshan , Azmi S. A. , Gupta N. D. , Khan Amaan 
Published: April 2016

Abstract
Aim: Periodontal disease is an immune-inflammatory response of tooth supporting structures to microbial dental plaque. It is influenced by various factors such as poor oral hygiene, smoking, systemic diseases, and psychological factors such as stress. This case-control study was performed to consider mental depression as a risk factor for periodontal disease. Materials and Methods: A total of 170 subjects were selected. All the subjects were assessed for the presence of depression by Diagnostic and Statistical Manual of Mental Disorders, Fourth Edition, Text Revision criteria and severity of depression was measured by Hamilton depression rating scale. For assessment of periodontal disease, clinical periodontal parameters oral hygiene index, gingival index, probing pocket depth (PPD), and clinical attachment level (CAL) were recorded. Results: Univariate logistic regression analysis demonstrated that subjects with depression had significantly higher values of debris index, calculus index, gingival index, PPD, and CAL (P < 0.001). Periodontal status was poor in patients with severe and very severe grade depression patients (P = 0.049). For all the indices/parameters, mean values of patients with > 6 months of illness were higher (P < 0.05). Conclusion: Within the limits of this study, it is concluded that mental depression significantly affects the periodontium. It may be considered as risk factor for periodontal disease.