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National Athletic Trainers' Association Position Statement: Fluid Replacement for the Physically Active
Authors: McDermott Brendon P. , Anderson Scott A. , Armstrong Lawrence E. , Casa Douglas J. , Cheuvront Samuel N. , Cooper Larry , Kenney W. Larry , O'Connor Francis G. , Roberts William O 
Published: October 2017

Objective: To present evidence-based recommendations that promote optimized fluid-maintenance practices for physically active individuals.Background: Both a lack of adequate fluid replacement (hypohydration) and excessive intake (hyperhydration) can compromise athletic performance and increase health risks. Athletes need access to water to prevent hypohydration during physical activity but must be aware of the risks of overdrinking and hyponatremia. Drinking behavior can be modified by education, accessibility, experience, and palatability. This statement updates practical recommendations regarding fluid-replacement strategies for physically active individuals.Recommendations: Educate physically active people regarding the benefits of fluid replacement to promote performance and safety and the potential risks of both hypohydration and hyperhydration on health and physical performance. Quantify sweat rates for physically active individuals during exercise in various environments. Work with individuals to develop fluid-replacement practices that promote sufficient but not excessive hydration before, during, and after physical activity.
Carnet de soltero/a: un proyecto artístico guanajuatense con referentes globales.
Authors: Bernal Rivas Gonzalo Enrique 
Published: October 2017

Carnet de soltero/a es una obra de arte de la experiencia del espacio humano que consiste en la emisión de carnets que avalan a sus poseedores/as como discapacitados/as, un resultado virtual del artículo de Henry Bodkin publicado en The telegraph el 20 de octubre de 2016, según el cual la OMS definiría como ?infértiles? a las personas solteras, y por lo tanto, de acuerdo al glosario de la misma organización, como ?discapacitadas?. Lo anterior para favorecer una reflexión entre los participantes sobre las vivencias de injusticia espacial vinculadas con el estado civil que un hecho como el descrito generaría. En esta comunicación no pretendemos demostrar que muchas de las actividades que realizamos en nuestros entornos locales se encuentran cada vez con mayor frecuencia bajo la influencia de los sucesos globales o viceversa, pero sí deseamos compartir el proceso creativo de Carnet de soltero/a, el cual partió de un supuesto acontecimiento local que podría tener efectos globales: la decisión tomada por un grupo reducido de personas reunidas en Ginebra sobre todo el mundo. Más allá de ese punto de partida, los referentes empleados también tienen orígenes diferentes al contexto guanajuatense, México, Estados Unidos y España. El primer referente es Minerva Cuevas (1998) con su pieza Mejor Vida Corp. en la cual se ofrecieron ayudas a los ciudadanos, como carnets de estudiante o cartas de recomendación, y que tenía como objetivo mostrar al gobierno los apoyos que los ciudadanos requerían prioritariamente. Por otra parte revisamos Wedding Project de Alix Lambert (1993) en la que se abordó la fugacidad con la que era posible de los años 90 cambiar de estado civil. Finalmente nos referimos a David Trullo (2010) con su obra Una historia verdadera en la que muestra las relaciones entre personas del mismo género que nunca fueron representadas.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4821
El globo fraccionado
Authors: Pérez Suárez Ventura Alejandro 
Published: October 2017

El presente documento trata de establecer una relación entre la globalidad y espacialidad, proponiendo un recorrido en las obras de Boullée, Buckminster Fuller, Frei Otto, Michael Webb y Prada Poole como puntos clave a la hora de entender el binomio goblal-local desde la creación del espacio y su dialéctica del límite (Sloterdijk, 2014).Por un lado, comprendemos globalidad bajo el prisma teórico de Peter Sloterdijk, en cuanto enuncia una teoría morfológica de la esfera. Esta última como aquella forma recurrente a lo largo de la historia de Occidente y su expansión. Por consiguiente, lo global será definido de su derivado y motivo "Globo" en paralelo a una la evolución arquitectónica o de Macroesferología(Vásquez, 2009).Por otro lado, lo local será encontrado en la misma teoría esferológica. Concretamente, desde la Microesferología como estudio de la unidad básica que son compuestas las sociedades: el individuo que coexiste. Ciencia proxémica, la Microesferología centrará su objeto de estudio en el espacio íntimo (Sloterdijk, 2004).Como conclusión, el baremo entre microesfera y macroesfera es posicionado según un cambio de escala y límite, ejemplificado en el recorrido de obra propuesta anteriormente. En paralelo, la consecuente transformación de lo global a lo local y viceversa se ve ayudada desde esta construcción del límite y escala.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4880
Investigación, formación y creación en la Red Investicreación Artística. México- España
Authors: Fuentes Mata Irma , Parga Parga Pablo 
Published: October 2017

El propósito del trabajo es dar a conocer como la investigación artística ha permitido generar conocimiento entre grupos de investigación multidisciplinarios que han formado redes nacionales e internacionales para establecer intercambios académicos en las líneas de investigación, creación e interpretación de arte y la cultura y en la de metodologías de investigación y formación artística. Eliiot Eisner sostiene que la creación artística es una práctica investigadora (1998).Por otro lado, Ricardo Marín Viadel de la Universidad de Granada, propone un panorama de los diferentes enfoques al respecto, se basa en las artes visuales y para el caso de la educación artística arte-investigación-educativa). Existen varias aproximaciones o tendencias al arte-investigación como documenta la investigación basada en las artes [Arts based-Research], la Investigación que usa habilidades artísticas [Artístically Crafted research], indagación artística [Artful inquiry] y Arte Investigación [Visual Arts Based research]. ( Viadel 2005:233-248). Por nuestra parte, en México hemos denominado el término Investicreación Artística (2012) como la integración necesaria entre investigación y creación artística. (Fuentes Mata Irma y Pablo Parga Parga, 2012 – 2014, 2015). A partir de esto se explicará cómo el enfoque del trabajo colaborativo entre profesores-investigadores y creadores de arte en México y España, articulados en una red de generación de conocimiento, aporta desde distintas visiones a la formación artística y cómo el uso de los sistemas, herramientas y tecnología digital permiten mantener los vínculos académicos. Se presentan algunos productos académico-artísticos que involucran artes visuales como videos, conferencias, publicaciones, espectáculos multidisciplinarios y páginas web, entre otros.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4909
La producción artística en el ámbito educativo. El proyecto escénico como herramienta de aprendizaje.
Authors: Vernia-Carrasco Ana Mercedes 
Published: October 2017

Podemos entender la producción artística dentro del terreno profesional y como parte del currículum en determinadas formaciones. Nuestra propuesta parte de un proyecto escénico como herramienta de aprendizaje en el grado de maestro de educación primaria y cómo la gestión de dicho proyecto puede repercutir en diferentes competencias transversales, que ayuden a mejorar el rendimiento del alumnado e incremente sus conocimientos relacionados con la materia de Didáctica de la Expresión Musical, llegando a conectarse con la realidad, para que la formación pueda ser útil no sólo desde las competencias específicas del Currículum. La visión respecto de la producción artística está muy vinculada a la gestión cultural, en cambio, podemos entender que la gestión no sólo debe pasar por temas económicos, sino que debe incidir en el terreno social, educativo, y de sostenibilidad. Los maestros de educación musical suelen hacer sus propias producciones artísticas, sin haber disfrutado a lo largo de su formación de meros conocimientos que implica la profesión, reduciéndose al final a un simple espectáculo de aula, que en el mejor de los casos ven los familiares y amigos del propio alumnado. Nuestro primer paso ha sido averiguar, a través del futuro maestro de primaria, si un proyecto escénico podría ayudar a un aprendizaje significativo, fuera y dentro del aula. Nuestro segundo paso sería, cómo este alumnado de tercero en grado de primaria puede ser productor de su propio proyecto y qué competencias puede desarrollar.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5330
ESTRUCTURAS DE LO AUSENTE EN LA PRÁCTICA PLÁSTICA ACTUAL
Authors: Gonález-Carpio Alcaraz David 
Published: October 2017

El concepto de liminalidad se caracteriza por la ambigüedad, la apertura y la indeterminación. Influye en el sentido de identidad del objeto que aborda, disolviéndolo en cierta medida, dando lugar en muchas ocasiones, a la desorientación. Para este congreso trato de presentar el análisis de ciertas estructuras de creación plástica y visual donde el concepto de liminalidad está presente y conduce a una dudosa materialización del producto artístico. En esta ponencia Trataré de analizar, con diferentes ejemplos y referencias, los resortes del proceso creativo-plástico que generan, a través de la práctica artística, un lugar infinitamente maleable y extraño, donde el mediador o signo representacional es emplazado por uno verdadero y propio, una subjetividad que indica la combinación de exclusiones, donde el no paisaje, la no arquitectura conforma la deixes, como denomina Rosalind Krauss, a esa serie de desplazamientos que conforman las estructuras axiomáticas de la propia reconstrucción parcial, de un emplazamiento señalado que es recreado mediante la propia experiencia, como si fuese un espejo.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5667
Marga Clark la última Roësset. Arte a través del tiempo y de las fronteras.
Authors: Siso Monter Montserrat 
Published: October 2017

La fotógrafa Marga Clark, última descendiente de la saga familiar Roësset, donde destacan las artistas femeninas, es una poeta y fotógrafa que combina ambas disciplinas en su obra, la misma, destaca por un lirismo único, que traspasa fronteras y unifica sentimientos en un mundo globalizado. Resultando ser un claro exponente de la plástica artística actual. En la comunicación que propongo, pretendo realizar un recorrido por sus cuarenta años de trayectoria profesional y sus tres etapas más destacadas, analizando la evolución de su realización artística.Marga Clark ha publicado varios libros de sus obras, el primero de ellos, Static Movement/Movimiento Estático, fue adquirido por el MOMA de Nueva York con el fin de ser vendido en su librería. En 1991 publica Impresiones Fotográficas, un libro ensayo sobre el lenguaje fotográfico. Esta artista colabora con diversos medios de comunicación desde la década de los 80 como reportera gráfica, entre ellos La Vanguardia o El País.A lo largo de su carrera ha expuesto su obra fotográfica en numerosas exposiciones, tanto individuales como colectivas en América y Europa. En estos momentos se puede apreciar su exposición retrospectiva Marga Clark, Cosmología (1976-2016) en la Fundación Antonio Pérez, y en el Museo de la Fotografía de Huete, Cuenca. Por otro lado, cabe destacar que su obra se puede encontrar de modo permanente en colecciones como la del Museo de Brooklyn de Nueva York, la Biblioteca Nacional de Paris, el Museo Español de Arte Contemporáneo de Madrid, la Col.lecció Testimoni de la Caixa de Barcelona, la Sociedad Estatal para Exposiciones Internacionales, la Fundación Telefónica o la Colección Helga de Alvear, entre otras.Se puede decir que esta fotógrafa-poeta destaca por su obra, que une países y los interrelaciona, a la vez que unifica de manera magistral fotografía y poesía.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5677
LA INVESTIGACIÓN ARTÍSTICA COMO HILO CONDUCTOR ENTRE DOS MUNDOS.
Authors: Martín martínez Laura 
Published: October 2017

La tesis doctoral en la que se basa este artículo se vuelca hacia la búsqueda real de un resultado específico: buscar una alternativa para abolir los bloqueos en el lenguaje que sufre un miembro que forma parte de mi vida y que a la vez es objeto de investigación. La investigación se orienta en múltiples direcciones que trascienden lo puramente académico y se entretejen con la experiencia del proceso experimental y los conocimientos adquiridos en el corpus teórico. El cuerpo, la imagen y la percepción son tres pilares fundamentales para formar el lenguaje. La experiencia artística es capaz de construir o reconstruir correctamente la imagen mental y concepto de sí mismo ya que el arte encierra un poder terapéutico al establecer una relación entre la vida personal y corporal. Por lo tanto, podemos afirmar que la expresión artística tiene un carácter universal que sobrepasa situaciones donde el lenguaje verbal no llega. Ser objeto e investigadora de la propia experiencia vital hizo que se especulara sobre la realidad tangible. Me convertí en espectadora de mi propia función. Para ser capaz de modificar y ampliar la realidad tuve que procesar un análisis exhaustivo que justifica como el cuerpo constituye un elemento esencial en la producción del lenguaje y como el Arte es capaz de activar de forma significativa áreas implicadas en el lenguaje a través del movimiento. Enlazar el mundo del arte y la neurociencia conduce a formular hipótesis que se plantean como vías que se trazan en la investigación para alcanzar distintos objetivos. http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5760
La creación gráfica como estrategia prospectiva de apertura a lo global transitando previamente lo local.
Authors: Ansio Martinez Tania , Tomás Miralles Ana 
Published: October 2017

En torno al libro y la gráfica, iniciamos el año 2012 un proyecto interdisciplinar de investigación de la estimulación temprana mediante la imagen ilustrativa con un programa de cooperación educativa bajo el Convenio Marco de Colaboración de la Escuela Príncipe Valiente con la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia. En un principio era una investigación de carácter local, la confluencia entre la escuela y los alumnos de asignaturas de Grabado y estampación con Ana Tomás como directora docente. Una práctica de asignatura con el fin de realizar estampas, exhibirlas y publicar un libro. Como tantas veces sucede con los proyectos de investigación, los códigos cambian, evolucionan, se expanden, abriéndose a lo global. Aunque los objetivos iniciales permanecen, los contextos evolucionan ensanchando las actuaciones alrededor del proyecto gráfico. La perspectiva local de interactuación de la infancia, el público adulto o profesional con los elementos gráficos, amplía el horizonte. Los actores divergen y los resultados confluyen en un enfoque holístico e integrador. Deriva en una herramienta metodológica y constructiva de capacidades, habilidades y conocimientos artísticos. Trabajamos el seguimiento de metodologías que permiten la elección de opciones estratégicas para motivar al alumnado y hacerle partícipe de proyectos reales, profesionales y darles máxima visibilidad fuera de las aulas. Así el alumno trasmuta desde la vivencia local en la Facultad, a una experiencia colectiva de gráfica con un desarrollo expositivo extraacadémico, con intervenciones “in situ”, participaciones en congresos, ferias,... En esta ponencia vamos a desarrollar nuestra vivencia constante de repensar y adaptar los códigos que dirigen los proyectos en la experiencia de su quehacer y en la evolución y desarrollo de una experimentación e investigación que, al igual que la gráfica, tiene tantas y tan variadas posibilidades de variación y expansión.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5781
El museo como escuela de espectadores. La ciudadanía en los museos de arte.
Authors: Sánchez Jareño María Rosa 
Published: October 2017

Con este trabajo se pretende reflexionar acerca de las prácticas de dinamización y mediación en el espacio museístico. Cada vez son más los museos que incorporan metodologías que implican la creación de experiencias con el público, ampliando el concepto de museo como mero contenedor cultural. El espacio museístico se convierte también en espacio de encuentro, aprendizaje, ocio y juego. Vemos como estas propuestas son recogidas y aplicadas en mayor o menor medida en las distintas instituciones museísticas, revelando así su grado de compromiso hacia la ciudadanía.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5825
El borrado como estrategia de producción artística
Authors: Rey Villaronga Gonzalo José 
Published: October 2017

Con el análisis de la performance “Viena says…” del artista alemán Nasan Tur pretendemos demostrar como el borrado no sólo es una práctica a la que se llega a través de la sustracción, sino también a través de la adicción. Y cómo esta práctica tiene mucho que ver con la sobreabundancia de las imágenes y la pérdida de la identidad. Este análisis forma parte de un trabajo más extenso que desarrollamos sobre las prácticas antivisuales en la contemporaneidad. Nasan Tur (Alemania,1974). Este artista para su trabajo parte del entorno urbano, la calle, la plaza, el bar, una mezquita, una escalera, un aeropuerto, es decir, donde la gente se cruza temporalmente, donde los caminos y las ideas heterogéneas se enfrentan. Sus intervenciones tienen como objetivo romper con normalidad e investigar las situaciones donde se infringen los acuerdos. En un primer apartado del artículo describimos como el artista explora la interacción del lenguaje y los símbolos en el espacio público. La obra de la imagen superior forma parte de la serie de un trabajo titulado The city says... En esta obra reúne más de cien frases pintadas en graffiti que toma de las paredes de las casas de la ciudad y las pinta con aerosol de nuevo en una pared interior de su estudio, superponiéndolas en un tiempo muy veloz hasta que todos se tornan una superficie roja ilegible. La ilegibilidad y el borrado de la palabra no es un tema nuevo en el arte por eso un segundo apartado del artículo recuerda aquellos ejemplos donde ha estado presente dentro de ciertas prácticas antivisuales. Frente a la imagen omnipresente el borrado continúa siendo un acto de rebeldía y de posicionamiento que sobrepasando el placer estético se convierte en una táctica de cuestionamiento. En este caso la palabra es borrada y con ella la acción performativa adquiere una nueva dimensión. A partir del borrado de frases cortas como un Te quiero, No hay respeto, Libertad para…, etc. y que en realidad adornan miles de fachadas de todo el mundo, lo que se está haciendo presente es el mutismo de una sociedad. En las conclusiones hablaremos de esta crisis del valor comunicativo y cómo la superficie cubierta de pintura en aerosol de este modo se puede leer como una metáfora de las dificultades que acosan a cualquier forma de comunicación. Entre otros trabajos hemos utilizado como referencias los textos de: Meana Martínez, Poéticas de la negación de lo visual; Barbara Heinrich: The Stories behind the Pictures; y Ralph Rugoff: Invisible: Art about the Unseen 1957-2012.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5842
El tapado de la imagen como estrategia de producción artística
Authors: Rey Villaronga Gonzalo José 
Published: October 2017

Proponemos el análisis de la obra “Mirror” de David Hammons, para demostrar como el tapado de la obra de arte continúa siendo una estrategia crítica de antivisualidad frente a la sobre abundancia de imágenes. Éste es un análisis y una interpretación que forma parte de un trabajo más extenso que desarrollamos sobre las prácticas antivisuales en la contemporaneidad. David Hammons (U.S.A., 1943). En su trabajo, negar la posibilidad de ver y provocar la curiosidad es una de las estrategias que utiliza el artista a través de su obra. Un artista que comenzó burlándose del mercado cuando al principio de su carrera vendía durante el invierno de Harlem bolas de nieve como obras de arte. Comprometido con los derechos civiles, su trabajo reflexiona sobre las experiencias de la vida afroamericana y el papel que juega en la sociedad americana. En el artículo describimos y analizamos el conjunto de la serie mirrors (espejos) y la ponemos en relación a una destacada trayectoria donde performance, pintura, escultura, y toda clase de prácticas artísticas son utilizadas para provocar la curiosidad en el espectador. Analizamos la serie que aparece en la fotografía superior para revelar como frente a la eficacia e inmediatez con la que el sistema del arte y el sistema en general categoriza, digiere y canibaliza los acontecimientos, la negación sostenida se convierte en un valor añadido para las obras de arte. Sólo hay que pensar en el contexto en el que nos movemos con las políticas de visibilidad, donde si las redes de vigilancia se multiplican y los individuos abiertamente nos exponemos al mundo, cualquier muestra de ocultación es tomada como un acto de rebeldía. Interpretar el concepto de tapado de la imagen heredado de sus pinturas ocultas o pinturas de lona (Kool Aids) nos ayuda a establecer relaciones con otras obras de la antivisualidad y la ocultación como estrategia de cuestionamiento. Terminamos con unas conclusiones que nos permiten afirmar que estas estrategias presentes en éste y en otros artistas logran mantener expectante la mirada del visitante de forma que más allá de su antivisualidad sus obras en realidad logran que nos detengamos y pensemos más allá de lo que se muestra. Entre otras referencias hemos utilizado los textos de: Meana Martínez, Poéticas de la negación de lo visual; Galder Reguera, La cara oculta de la luna; y Hernández-Navarro, La so(m)bra de lo real: El arte como vomitorio.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5843
Formas del tiempo y la memoria en el arte contemporáneo latinoamericano
Authors: Maddonni Alejandra Viviana 
Published: October 2017

A lo largo de la historia del arte, el espacio y el tiempo se han abordado como categorías separadas. En efecto, la concepción moderna definió al tiempo como el ámbito donde las cosas suceden y al espacio donde las cosas están. En este esquema, el tiempo es progresivo, posible de medir en términos de sucesos que se presentan con un patrón homogéneo. El proyecto de la modernidad, en su implacable búsqueda de certezas, ha necesitado de esta escisión y otras -como la separación forma – contenido- , a fin de borrar toda incertidumbre e inestabilidad. De este modo algunas categorías de análisis han quedado fuera de la mirada moderna, aún hasta nuestros días. El cuerpo, lo monstruoso, el misterio, el tiempo detenido, la intensidad, la experiencia, lo complejo, lo múltiple, lo suspendido, lo no lineal y lo sugerido son sólo algunas de las dimensiones con las que la contemporaneidad teje la trama de sus obras. El arte contemporáneo reconfigura la temporalidad. El tiempo y el espacio unidos se construyen con la obra, son la obra. Permite nuevos modos de percepción y nos ofrece otro modo de ver el mundo a través de operaciones cognitivas complejas. A través del análisis crítico de un conjunto de artistas latinoamericanos, este texto intenta generar un entramado de vínculos y tensiones entre sus producciones visuales, sus poéticas y los modos contemporáneos del tiempo, la materialidad y el contexto. Los artistas seleccionados Ana Mendieta (Cuba), Graciela Sacco (Argentina), Lucy Argueta (Honduras), Jorge Macchi (Argentina), Alfredo Jaar (Chile) y Regina Galindo (Guatemala) han trabajado en buena parte de su producción con el cuerpo. Presente o ausente. Único o múltiple. Como tema, soporte, forma y contenido. Como posicionamiento cultural, social y político. Como devenir temporal, memoria y territorio en disputa permanente.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5875