bluuebunny/crossref_metadata_2025_split huggingface dataset:
Progressive Changes in Walking Kinematics and Kinetics After Anterior Cruciate Ligament Injury and Reconstruction: A Review and Meta-Analysis
Authors: Slater Lindsay V. , Hart Joseph M. , Kelly Adam R. , Kuenze Christopher M. 
Published: October 2017

Context: Anterior cruciate ligament (ACL) injury and ACL reconstruction (ACLR) result in persistent alterations in lower extremity movement patterns. The progression of lower extremity biomechanics from the time of injury has not been described.Objective: To compare the 3-dimensional (3D) lower extremity kinematics and kinetics of walking among individuals with ACL deficiency (ACLD), individuals with ACLR, and healthy control participants from 3 to 64 months after ACLR.Data Sources: We searched PubMed and Web of Science from 1970 through 2013.Study Selection and Data Extraction: We selected only articles that provided peak kinematic and kinetic values during walking in individuals with ACLD or ACLR and comparison with a healthy control group or the contralateral uninjured limb.Data Synthesis: A total of 27 of 511 identified studies were included. Weighted means, pooled standard deviations, and 95% confidence intervals were calculated for the healthy control, ACLD, and ACLR groups at each reported time since surgery. The magnitude of between-groups (ACLR versus ACLD, control, or contralateral limb) differences at each time point was evaluated using Cohen d effect sizes and associated 95% confidence intervals. Peak knee-flexion angle (Cohen d = −0.41) and external knee-extensor moment (Cohen d = −0.68) were smaller in the ACLD than in the healthy control group. Peak knee-flexion angle (Cohen d range = −0.78 to −1.23) and external knee-extensor moment (Cohen d range = −1.39 to −2.16) were smaller in the ACLR group from 10 to 40 months after ACLR. Reductions in external knee-adduction moment (Cohen d range = −0.50 to −1.23) were present from 9 to 42 months after ACLR.Conclusions: Reductions in peak knee-flexion angle, external knee-flexion moment, and external knee-adduction moment were present in the ACLD and ACLR groups. This movement profile during the loading phase of gait has been linked to knee-cartilage degeneration and may contribute to the development of osteoarthritis after ACLR.
Measuring the vulnerability of sub-national regions: Integrating relative location
Authors: Rossouw Stephanie 
Published: October 2017

Background: The authors of this article ‘Measuring the vulnerability of sub-national regions in South Africa’ (Naudé, McGillivray and Rossouw 2009b) present an exploration into economic vulnerability from a sub-national perspective. It is an important contribution because it recognises the heterogeneous nature of vulnerability across areas within a country, but its analysis is aspatial because it does not explicitly account for the relative location of or the potential for spillovers between areas.Aim: This article aims to provide a purely methodological contribution towards the debate surrounding the measurement of multidimensional vulnerability by: (1) augmenting Naudé et al. (2009b)’s model to take account of spatial contiguity, (2) comparing spatial and aspatial local vulnerability indices estimates to illustrate the presence and importance of spatial spillovers between contiguous areas and (3) extending their methodology on the Vulnerability Intervention Index to present results which highlight areas that are performing better and worse than expected.Methods: Principal components analysis, queen-contiguity weight matrix and local indication of spatial association (LISA) maps were utilised.Results: Application of the methodological extensions to South African Magisterial District data illustrates the presence and importance of spatial spillovers in shaping local vulnerability.Conclusions: Our results illustrate a clear urban–rural vulnerability divide and the need for appropriate policy. It is argued that account of spatial spillovers is an important issue if full and accurate vulnerability indices are to be identified.
“Si te engancha, compártela en redes sociales”. Efectos conjuntos de la similitud con el protagonista y el contacto imaginado en la intención de compartir una narración corta a favor de la inmigración
Authors: Igartua Juan-José , Wojcieszak Magdalena , Cachón-Ramón Diego , Guerrero-Martín Iñigo 
Published: October 2017

Se analiza el efecto del contacto imaginado y de la similitud con el protagonista de una narración corta escrita en primera persona cuya meta era la mejora de las actitudes hacia inmigrantes estigmatizados. Método: Los participantes del experimento (N = 400) recibieron instrucciones de contacto intergrupal imaginado (versus instrucciones de control) inmediatamente antes de leer una narración en primera persona protagonizada por un inmigrante de origen marroquí con alta o baja similitud con la audiencia. Después de leer la narración cumplimentaron un cuestionario con las variables dependientes. Resultados: Se observó que la condición óptima de recepción, inducía una mayor identificación y transporte narrativo que la condición de control, lo que provocaba a su vez un mayor deseo de compartir el mensaje través de las redes sociales. Conclusiones: Se discuten los resultados en el contexto de la investigación sobre persuasión narrativa y reducción del prejuicio.
La sobrevida de la imagen: esbozos para una energética de la existencia
Authors: Mozzini Camila 
Published: October 2017

Frente a las agruras del llamado “antropoceno”, o sea, de un período en que la intervención humana es tan intensa que actúa como una fuerza biológica de impacto global sobre el funcionamiento de los ecosistemas terrestres, el presente resumen propone pensar el estatuto de la acción humana a partir de otra perspectiva. Eso porque, si pensáramos en una escala de tiempo que abarca solo el contemporáneo, ciertamente la antropología simétrica de Bruno Latour (2001) hará sentido al posicionar humanos y no-humanos en un mismo estatuto ontológico organizado en redes sociotécnicas. Entre tanto, en términos de escala geológica, nosotros humanos, como hijos menores de un largo proceso de creación, ni siquiera precisamos existir en cuanto especie – y probablemente estamos destinados a la extinción – para que nuestro tan estimado planeta Tierra exista como un planeta vivo. Delante de la radicalidad del vivir, nos vemos dispensables. ¿No sería la hora de operar epistemológicamente en términos que puedan dar cuenta de aquello que vive en sentido lato, no más centrado en la vida humana? ¿No llegaría el momento de inventariar desantropologías? Frente a estos interrogantes, aquí tomaremos el pensamiento-materia de Walter Benjamin a partir de dos marcos: los conceptos de historia (BENJAMIN, 1984; HANSEN, 1998) y de aura (BENJAMIN, 1989; 2012; HANSEN, 2008). Esperase en ellos encontrar elementos que posibiliten una epistemología desantropológica capaz de rayar el binomio humano/no-humano en pro de otras relaciones entre seres, entes y criaturas: una energética de la existencia que tome los artefactos sociales como resquicios de producción de memoria que, a través de la sobrevida de la imagen, hablan de la materialidad histórica de las fuerzas atemporales.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4795
Ingeniería y arte en una relación escultórico-ambiental desde lo local hacia lo internacional.
Authors: Marentes Cruz Juan Manuel , Pano Sanjuan Manuel Alejandro 
Published: October 2017

El trabajo presenta las relaciones que establece la tecnología deaplicación robótica, particularmente en el ambiente que compete a laspropuestas plásticas en un país en vías de desarrollo como México. Seexponen las características propias de los procesos creativos que implicanel manejo de tecnologías emergentes de producción de en comparación conlos productos producidos por símiles internacionales. Se muestran algunosde los resultados obtenidos en el concurso ROBOCUP en el cual se haparticipado, contando con la colaboración de la Facultad de Ingeniería dela UNAM y la Facultad de Artes y Diseño de la misma casa de estudios. Esposible resaltar que ante los recursos limitados con los que contamos, soloentendido como característica local y no limitación, nos enfrentamos acaracterísticas internacionales donde el concepto tecnológico toma otrosderroteros. Toma la forma de análisis comparativo en algún momento, con laintención de mostrar una estrategia de trabajo local tomando en cuenta losestándares internacionales. La técnica como nutriente esencial por el proceso empírico que le caracteríza, más allá de lo que podría interpretarse como un frio proceso práctico, está la carga simbólica que le acompaña y que en ese estado sirve de plataforma para la propuesta artística. Acción e intención forman un todo indisoluble y es ahí donde se encuentran el arte y la ingeniería “Si la técnica es fundamentalmente (ontológicamente) un conjunto de decisiones que se manifiestan necesaria y empíricamente en una práctica, entonces la filosofía de la técnica es en su base una filosofía de la acción, y más específicamente una filosofía de acción intencional.”[1] Con ésta idea la Facultad de Artes y Diseño y la Facultad de Ingeniería de la UNAM nos hemos dado a la tarea de explorar las posibilidades plásticas de la robótica en un proyecto llamado “Desarrollo de técnicas de la robótica aplicadas a las artes escénicas y visuales” con apoyo económico para la investigación de la misma institución y del cual se mostrarán avances materiales y el proceso conceptual que ha acompañado al proyecto. [1] Fisher, Jaime. El hombre y la técnica. Hacia una filosofía política de la ciencia y la tecnología. Ed UNAM. 2010. México. pp 45
Arte contemporáneo y señales visuales de la cotidianidad como paradigma de modelos globales de vida y de pensamiento.
Authors: Cova Massimo 
Published: October 2017

Nuestra propuesta consiste en presentar un proyecto artístico personal y su vinculación con obras de reconocidos artistas contemporáneos que adoptan, como referentes formales y conceptuales, unas señales visuales espontáneas presentes en los entornos cotidianos. Rastros efímeros y transitorios generados por los comportamientos y por las interacciones de las personas, que pueden ser representativos de modelos de vida y de pensamiento en la era de la globalidad. Las obras propuestas (tanto las personales como las de referencia) formalizan y reconfiguran, en el lenguaje propio del arte, unas huellas y unos indicios visuales que no pertenecen al territorio artístico. Marcas, restos o vestigios relacionados con aspectos de las complejas consecuencias de la internacionalización económica y cultural así como del desarrollo y de la expansión de las nuevas tecnologías o de modelos de comportamiento como fundamento de identidades individuales y colectivas. Esta propuesta deriva de la investigación teórico-práctica realizada para nuestra tesis doctoral, titulada Señales visuales y creación artística: cotidianidad y referentes. 1990-2015. Series personales: Space junk, la conquista del espacio… y sus residuos; Earth attack, humos y otros contaminantes de destrucción planetaria; Don’t touch!, imperativo moral y ético muy omitido; Cosmogonías ácidas, algunos segundos de lluvia (ácida); Scrapes &amp; scratches, recuerdos de acciones y de gestos que dejan huella; (Re)Pulsiones, instintos, rechazos e incompatibilidades; Desplazamientos transitorios, presencias a través de las ausencias; El futuro ya ha pasado, vestigios de un futuro post-tecnológico como espejo de nuestro presente; Alter ludus, paradigmas de comportamientos adolescentes y metáforas de dinámicas adultas; En directo, rastros de contenidos vacíos y de imperfecciones tecnológicas; The martian man / Tribu, inquietantes mutaciones futuras de controvertidos modelos actuales. Artistas de referencia: Ignasi Aballí, Kader Attia, John Beech, Walead Beshty, Dan Colen, Reuben Cox, Igor Eskinja, Patrícia Gómez y María Jesús González, Wade Guyton, Mariko Mori, Laurel Nakadate, Matt O'Dell, Roman Ondák, Jorge Otero-Pailos, Steven Parrino, Thomas Ruff, Taryn Simon, Rudolf Stingel, Stefan Sandner, Penélope Umbrico. http://massimocova.com/nova-obra/ http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4834
¿DÓNDE ESTÁ EL ‘ARTE’ EN LA INVESTIGACIÓN ARTÍSTICA?
Authors: Vilar Roca Gerard 
Published: October 2017

Ocurre muy a menudo que el tema de los proyectos de investigación artística es el mismo que el de proyectos de investigación en ciencias sociales y humanas. Este es el caso de proyectos relacionados con la memoria y la historia, por ejemplo, en los que los resultados de la investigación se muestran en una exposición. Pero también el de muchos proyectos relacionados con la economía, el género, la comunicación o la política. En muchas ocasiones, visitando exposiciones de investigación artística, o viendo ‘exposiciones’ en el Journal of Artistic Research, uno acaba preguntándose dónde está el arte en esos proyectos, puesto que tal vez los podrían haber realizado historiadores, antropólogos o comunicólogos y haber exhibido sus resultados en un museo de historia, un museo de etnología o un centro cultural, en lugar de un centro artístico. Sin duda, normalmente son auténticas investigaciones, pero ¿dónde está el arte? Una respuesta satisfactoria al problema de dónde se encuentra el arte en la investigación artística hay que buscarla en la diferencia entre una presentación o display informativo y un auténtico dispositivo para la reflexión. Los científicos sociales producen teoría, información y conocimiento fáctico. Los artistas no producen principalmente conocimiento fáctico, sino que crean dispositivos para la generación de conocimientos. Los primeros producen teoría; éstos últimos producen artefactos estéticos. Si se borra completamente esta distinción, el riesgo es tener mala ciencia y/o mal arte, o incluso no tener ni una ni otro. Para construir una argumentación filosófica adecuada a la intuición que acabamos de formular, puede recurrirse a las tesis de Deleuze acerca de los perceptos como el tipo de ideas que los artistas crean, a diferencia de los científicos que crean funciones y de los filósofos que crean conceptos. En la investigación artística, el arte estaría en la presencia de perceptos. http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4847
Aperturas narrativas desde la interacción espacial entre cómic y pintura.
Authors: Miranda Mas Carlos 
Published: October 2017

La presente comunicación viene a mostrar un proyecto artístico basado en reconfigurar, cruzándolos, dos tipos de códigos, uno propio del consumo de masas como es el cómic, y otro de la recepción especializada y presencial como es el de la pintura. Asimismo, la temática que, como veremos, es objeto de narrativización mediante la citada confluencia disciplinar, retrotrae el resultado de difusión pública del trabajo intelectual al contexto de sus condiciones procesuales puramente domésticas. Por tanto, a través de la conjugación interesada de las citadas disciplinas produzco una suerte de narraciones espaciales que vienen a modificar los modos de recepción de los objetos culturales a que se refieren (novelas, exposiciones, artículos, ensayos, etc.). Para ello, se ha desarrollado todo un programa de trabajo que profundiza en las posibilidades de la representación pictórica para generar metarrelatos, produciendo una serie de instalaciones que, sobre la base de transformar el espacio expositivo en una infinita sucesión de grandes viñetas, integran cuadros que atienden a la caracterización gráfica y argumental del desorden propio de las prácticas íntimas de habitación durante el trabajo, que viene a ser reveladora de unos asentamientos en el territorio doméstico dados por su condición de espacios para crear historias, pues todos ellos son lugares de vida y labor de distintos narradores profesionales. Cada cuadro-viñeta, pues, es titulado con el de la ficha descriptiva de obra que estaba realizando cada uno de tales autores al recibir la visita –cámara en mano- de quien suscribe, a partir de cuyas fotografías se han compuesto las pinturas, narraciones de segundo grado que vienen a ofrecer aperturas a los modos de relato que nos dan cuenta tanto de nuestra cotidiana intimidad creativa como de los códigos actuales que la hacen pública, haciendo historias (stories) del íntimo modo de proceso previo de cada historia publicada.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4945
El proyecto artístico Mujeres Maestras en Perú, Colombia y Ecuador
Authors: Huerta Ramón Ricard 
Published: October 2017

El proyecto “Mujeres Maestras” es un homenaje a las docentes, acercando la educación en artes hacia la investigación artística. Ricard Huerta, director del Grupo CREARI de Investigación en Pedagogías Culturales de la Universitat de València, propone esta indagación a partir de la creación artística, implicando a profesorado y alumnado de centros educativos, al tiempo que gestiona la ubicación de las muestras en museos y salas de arte de todo el mundo. En 2017 la visitará Lima (Perú) y Medelín (Colombia). Para 2018 está previsto exponerla en Cuenca (Ecuador). La exposición Mujeres Maestras está compuesta por 21 obras que son realizadas en exclusiva para el país en el que se organiza la muestra. El grafismo y la poética de los gestos acompañan al homenaje que el autor rinde a estas mujeres que representan a un colectivo tan importante y al que se siente vinculado, debido a su trayectoria durante más de tres décadas como profesor de educación artística. Además del trabajo del artista también se expone un mural con los dibujos del alumnado de los colegios que colaboran. La voz de estos niños y niñas se completa con la mirada de las propias maestras a través del video en el que pueden oírse sus reflexiones personales, sus ideas acerca de su trabajo, la realidad educativa que viven, y las situaciones a las que deben hacer frente cada día. Mujeres Maestras es un homenaje a un colectivo poco valorado. El proyecto intenta acercar al terreno artístico una realidad social, cultural y especialmente educativa: entre los profesionales de la docencia la mayoría son mujeres. Estamos tratando una cuestión de identidad. Este tipo de iniciativas también están animando a las maestras a generar nuevos parámetros y usos de la educación artística en la escuela.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5085
Así nos movemos en el aula, así nos vemos representados, así lo visibilizamos artísticamente.
Authors: Alonso Sanz María Amparo 
Published: October 2017

La propuesta forma parte del proyecto de investigación "Estudio de la calidad estética de tres centros educativos" http://tresescuelas.blogs.uv.es/ en el que observamos la forma en que la arquitectura, la cultura visual y la estética cotidiana configuran un entramado que da cobertura a las condiciones de calidad en las que se desarrollan los procesos de enseñanza aprendizaje. La experiencia estética se contempla como forma de experimentar la cotidianeidad de la escuela desde la relación entre el cuerpo y el entorno. Sabemos poco respecto a los intereses y necesidades infantiles y la forma en que los educandos perciben el ambiente inmediato y esto motiva la necesidad de recoger la voz infantil. Las entrevistas y otros métodos tradicionales de investigación no son de utilidad a temprana edad, por lo que proponemos técnicas artísticas como forma de aproximación a niñas y niños de entre 6 y 12 años.El estudio se desarrolla durante 2016 en tres escuelas de la ciudad de Alicante escogidas por representar realidades diversas como un centro urbano multicultural, un centro urbano de etnia gitana, y un centro rural con feriantes. Con la participación de un total de 309 estudiantes.El objetivo de esta investigación consiste en conocer la forma de relacionarse de los escolares con el espacio educativo y con los elementos que lo constituyen. Y pretende visibilizar la relación entre cuerpo y espacio escolar a través de Metodologías de Investigación Educativa Basadas en Artes Visuales. La fotografía es el instrumento de recogida de datos que permite obtener las opiniones de los escolares. Los resultados muestran representaciones de la corporalidad de los aprendices en las aulas, pasillos, patios... a través del uso de planos en planta y muñecos con los que se identifican. Se visualiza dónde y cómo se realizan las distintas tareas que suceden en la escuela, de qué manera el cuerpo se relaciona con el espacio y los elementos que lo constituyen para: relajarse, almorzar, jugar solo, jugar en equipos, caminar, escuchar, aprender, trabajar en grupo, exponer.Las conclusiones nos permiten relacionar factores estéticos de la escuela con el comportamiento y movimiento corporal de los discentes.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5145
Echigo Tsumari Art Field. Renacimiento de una comunidad a través de arte contemporáneo.
Authors: Yokoigawa Miki 
Published: October 2017

La palabra Glocalización fue inventada dentro del ámbito de la mercadotecnia en Japón en los años ochenta y en el ámbito académico fue retomada por el sociólogo ingles Roland Robertoson en los años noventa. Es un tema que requiere una reflexión indispensable hoy en día. En esta ocasión estudiaremos un festival de arte contemporáneo: Echigo Tsumari Art Triennale en la zona llamada Echigo Tsumari Art Field en Prefectura Nigata, Japón desde el año 2000, el que muestra de una visión glocal. De acuerdo con la idea principal del evento “Humano es parte de naturaleza”, los artistas nacional e internacional que participan a la exposición trienal, en total 1,190, muestran diversas expresiones artística que responden al planteamiento de que el arte es un remedio que vincula lo humano con la naturaleza, cuyo escenario es esta zona que tiene una extensión de 760㎢. Además de la comunicación y el trabajo colectivo entre artistas y los habitantes del pueblo, han participado 4,037 voluntarios en total, para mantener la organización del evento, el cual ha recibido 1,205,745 visitantes hasta su 5ª edición. Como resultado del trabajo colectivo, se generó una red de actividades que se extiende desde la realización de evento turístico temporal y/o permanente hasta la actividad agrícola que organizan los jóvenes citadinos para apoyar al poblano, al mismo tiempo, propicia la inmigración de nuevos pobladores al lugar. Tras el éxito que ha tenido el evento, cambió su imagen de evento de arte contemporáneo en Japón y comienza a difundirse la forma de organización como el estilo Tsumari a nivel nacional e internacional. Por otra parte, con este claro objetivo de revitalización del pueblo a través del arte contemporáneo, se ha logrado repoblar una comunidad que estaba a punto de desaparecer.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5178
Estética indígena y glocalización: agentividades recursivas
Authors: Garrido Izaguirre Eva María 
Published: October 2017

En esta ponencia se abordará el caso de la producción estética de Ocumicho, una comunidad indígena perteneciente a la etnia purépecha, en México. A partir de la antropología del arte se sondeará la agencia de una arte local que ha influido en la obra de artistas como Eduardo Galeano, que se encuentra en galerías y museos nacionales e internacionales, una producción que es catalogada como arte, arte popular o artesanía, categorizaciones que la ubican en un estado liminal que corresponde a la realidad histórica y social de sus creadoras: mujeres, en condiciones de pobreza e indígenas, que modelan la historia local de su comunidad y sus rituales al tiempo que acontecimientos globales y nacionales bajo la articulación de un personaje; el diablo, que les ha dado fama internacional. Estas esculturas en barro policromado, creadas fundamentalmente por mujeres, son el resultado de procesos creativos y de circulación que permiten analizar las recursividades que se activan a partir de la agencia de distintos actores, sean estos las creadoras, las políticas públicas nacionales, los coleccionistas, museos, artistas de otras disciplinas, académicos o las propias obras de arte y sus particularidades estéticas.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5632