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A evolução do lugar das mulheres no mundo da arte contemporânea francesa
Authors: Mercier Cyril 
Published: April 2016

Neste começo de século XXI, o acesso das mulheres aos mais altos cargos, tanto no mundo dos negócios como no mundo da arte, continua muito difícil. Em 2005, as mulheres, que representavam 45% da população ativa ocupada na França, só constituíam 21% dos empresários empregando pelo menos um funcionário. No setor cultural, em 2006, um relatório do Ministério da Cultura e da Comunicação, versando sobre a igualdade de oportunidades, apontava para a natureza altamente desigual da distribuição de cargos de chefia entre homens e mulheres nas grandes instituições culturais. Os homens representavam, portanto, 92% dos diretores de teatro dedicados à criação dramática e 89% dos dirigentes de instituições musicais.O mundo das artes e da cultura francesa também obedece a esse modelo de discriminação das mulheres durante sua carreira profissional. Na sequência do estudo de Raymonde Moulin sobre os artistas, daquele de Alain Quemin sobre as mulheres leiloeiras, o estudo sobre os colecionadores de arte contemporânea realizado como parte de um doutorado em Sociologia (Mercier, 2011) permite desvendar o papel das mulheres colecionadoras de arte contemporânea na França e de compreender melhor os fenômenos de diferenciação, senão de discriminação, que elas sofrem.Uma longa pesquisa junto aos colecionadores de arte contemporânea francesa salientou a fraca representação e visibilidade das mulheres e suas dificuldades para fazerem parte das mais altas esferas das associações de colecionadores de arte contemporânea. Na verdade, o perfil “tipo” do colecionador de arte contemporânea combina um profissional socialmente e financeiramente valorizado, um nível de educação e uma bagagem intelectual elevados e um capital social formado como uma rede desenvolvida de relações. Essa alquimia entre um capital cultural e educacional, um capital econômico, como também um forte capital social, permite conceber essa prática, a coleção de arte contemporânea, segundo o aspecto particular das classes sociais mais favorecidas.Esta característica da composição social do grupo dos colecionadores de arte contemporânea explica, em parte, a posição das mulheres neste pequeno mundo da arte. Se na alta burguesia e aristocracia as mulheres tinham um estatuto especial em relação à arte, como explicava Raymonde Moulin em seu estudo pioneiro de 1967, pode ser possível imaginar que no início deste novo milênio as mulheres ainda sofram o peso da tradição ligadas às elites burguesas e aristocratas, impedindo-as parcialmente de tomar o seu lugar no mundo dos colecionadores de arte contemporânea, para além dos fatores sociais mais amplos que os limites em posições subalternas na maioria dos espaços da vida social.
Violences et citoyenneté dans un quartier rural du Sud de la partie française de Saint-Domingue
Authors: Rogers Dominique 
Published: April 2016

Au travers d’un registre de déclarations de la sénéchaussée d’une modeste paroisse rurale du Petit-Goâve, l’auteur s’applique à participer au débat sur l’assimilation des libres de couleur de la partie française de Saint-Domingue à la fin du xviiie siècle. Elle s’intéresse à la question particulière, et négligée jusque-là, des violences subies par les libres de couleur ou infligées par eux, qu’elle appréhende, dans le cadre de la société d’Ancien Régime et des traités des injures du xviiie siècle, comme autant de révélateurs de l’honorabilité reconnue, revendiquée ou refusée aux différentes composantes de la société coloniale. Les déclarations, émanant tant des libres que des Blancs, permettent d’apprécier la diversité des points de vue individuels en tenant compte tant du phénotype que du statut, social et juridique, ou du genre des individus, mais aussi du contexte spécifique de cette paroisse du sud de Saint-Domingue, ainsi peut-être que de la faveur du sénéchal, Ferrand de Baudières, ancien officier de la guerre d’Indépendance américaine.
Élaborer une citoyenneté subjective
Authors: Cottias Myriam 
Published: April 2016

À partir de l’étude d’un journal de planteur de la Martinique, cet article a pour objectif de montrer comment une « citoyenneté subjective » s’est constituée à partir des expériences de confrontation avec les maîtres et sur l’impérieuse volonté d’intervenir sur les règles coercitives instaurées par eux. C’est à partir de ces expériences qu’a été élaboré par les esclaves un sentiment collectif de leurs droits (non juridiques) et de la possibilité pour eux d’intervenir dans les affaires communes aux différents échelons de la société esclavagiste : micro-locale, paroissiale, communale, coloniale. Il s’agit de montrer que le décret d’abolition de l’esclavage de 1848, qui provoque l’adhésion et entraîne à sa suite une revendication égalitaire, vient entériner une expérience dont l’élaboration fut d’abord domestique et qui s’inscrit dans le long temps historique.
Les migrations de travail à destination de la Guyane et des Antilles françaises
Authors: Flory Céline 
Published: April 2016

De 1854 à 1862, plus de 21 000 hommes, femmes et enfants furent recrutés par le gouvernement français le long du littoral ouest-africain pour aller travailler comme « engagés » à la Guyane et aux Antilles françaises. La quasi-totalité d’entre eux s’installèrent définitivement dans leur colonie d’adoption. Cette migration se composait de deux flux migratoires distincts. Un premier, entre 1854 et 1856, où les recrutements s’effectuaient au sein de populations libres d’Afrique ; et un second, entre 1857 et 1862, où les recrutements s’opéraient au sein de groupes de condition servile avec la méthode dite du « rachat préalable ». Par ce procédé, les recruteurs français achetaient des personnes captives, puis les « affranchissaient » en leur imposant un engagement de travail de dix années à effectuer outre-Atlantique.En retraçant et en comparant trois moments-clefs – ceux de l’engagement, de la traversée et de la fin du contrat d’engagement – du parcours migratoire de deux femmes appartenant chacune à l’un de ces groupes, nous montrerons qu’en fonction de leur condition au moment de l’engagement – libre pour Yacine Biram et captive pour Baya –, les autorités coloniales ainsi que les membres des sociétés d’arrivée ne les considèrent et ne les traitent pas de la même façon bien qu’elles jouissent du même statut juridique. Cette étude nous permettra ainsi de mettre en lumière les incidences pérennes de la « macule servile » dans les sociétés post-esclavagistes françaises.
Les connexions atlantiques de la musique noire dans la période post-abolitionniste – Brésil et États-Unis (1890 et 1920)
Authors: Abreu Martha 
Published: April 2016

À partir des trajectoires artistiques de deux musiciens noirs reconnus – Eduardo Das Neves (1874-1919) au Brésil et Bert Williams (1874-1922) aux États-Unis – nous examinons ici les connexions atlantiques de la musique noire après l’abolition de l’esclavage. Nous nous attachons à mettre en regard le succès de ces deux artistes, ainsi que les choix concernant leur répertoire, avec les représentations sur les Noirs dans les circuits culturels du monde atlantique. Ces deux trajectoires peuvent constituer une démonstration exemplaire de la manière dont le champ musical de l’Atlantique noir était intimement lié aux débats politiques et aux questions raciales de son temps. Au-delà du fait que ces deux artistes étaient contemporains, le choix de Bert Williams et Eduardo Das Neves peut se justifier par l’existence de sources similaires pour leur étude : les enregistrements de l’industrie phonographique.Accompagner les liens et le dialogue musical entre le Brésil et les États-Unis à travers les carrières d’Eduardo Das Neves et de Bert Williams nous permet par ailleurs d’ébaucher de nouvelles pistes pour appréhender l’ascension des Noirs dans le monde musical de la période post-abolitionniste, à travers le lundu, la samba, le ragtime ou le jazz, au-delà d’un phénomène naturellement déterminé. Il s’agit là encore d’une connexion culturelle majeure de l’Atlantique noir et du signe que le champ musical ouvre des possibilités de choix et d’expression pour les artistes qui dialoguent avec la réalité sociale et politique de leur époque.Même si les choix musicaux des musiciens noirs des Amériques ont été variés, les voies qu’ils ont pu emprunter et les problèmes rencontrés semblent avoir été assez similaires, comme l’indiquent les cas de Bert Williams et de « Dudu » Das Neves. Parce qu’ils ont vécu dans un contexte marqué par des continuités profondes avec le passé esclavagiste, au milieu des nouveautés de l’industrie moderne du divertissement, ils ont dû composer avec des images et des stéréotypes anciens et permanents sur la musique et les musiciens noirs. En cherchant à transformer le passé et leur mode d’insertion dans les sociétés post-abolitionnistes, ils ont assurément (re)donné un sens à cette musique et (ré)inventé les standards mêmes de la musique contemporaine.
René Maran contre Maurice Delafosse
Authors: Geneste Elsa 
Published: April 2016

Le lendemain de la Première Guerre mondiale est un moment particulier d’actualisation de la question noire dans le débat public entretenu entre la France coloniale et les États-Unis ségrégationnistes. De part et d’autre de l’Atlantique, les acteurs engagés dans ces échanges recourent pour défendre leur point de vue à une comparaison entre le sort qui est fait aux descendants d’esclaves africains sur le sol américain et aux indigènes d’Afrique occidentale et orientale française. Cet article vise à éclairer la signification historique de cette comparaison à partir de l’analyse des publications de deux acteurs français cruciaux de ces discussions au cours des années 1920 : l’écrivain René Maran et l’ethnographe Maurice Delafosse. Nous faisons en effet l’hypothèse que la confrontation de ces usages comparatifs autorise la mise à jour de deux idées républicaines contradictoires sans doute adossées à des conditions historiques que ne peut qu’effleurer l’historien.
“Os filhos obedientes da Santíssima Igreja”
Authors: Castelnau-L'Estoile Charlotte 
Published: April 2016

Na sociedade escravista brasileira, a liberdade de se casar era um dos poucos direitos concedidos aos escravos e, a princípio, garantida pela justiça eclesiástica. Os registros de casamento no tribunal da diocese do Rio de Janeiro, na virada do século XVIII, permitem que o historiador saiba como esse direito era realmente aplicado pela instituição eclesiástica, como os senhores o admitiam e como os escravos faziam uso desse direito. Por meio desses arquivos judiciais, vêm a lume trajetórias de homens e mulheres obscuros – em ambos os sentidos, sem reconhecimento e morenos: índios, pardos (mestiços) e “pretos” (negros), pessoas geralmente condenadas ao silêncio. Este capítulo objetiva restabelecer o itinerário delas em sua fluidez e complexidade, ouvir a voz desses atores subalternos, enquanto busca entender o lugar e o significado do casamento na vida dos escravos.
Le musée d’Art moderne de Rio de Janeiro
Authors: Parracho Sant’Anna Sabrina 
Published: April 2016

Au cours des récentes années, il a beaucoup été question d’inflation de la mémoire, du devenir spectaculaire des musées et de la prolifération des espaces d’exposition en tant qu’espaces de culture de masse. Au-delà du nombre croissant d’études universitaires sur ce thème, les discours portant sur la muséalisation tendent à s’imposer sur la scène des politiques publiques brésiliennes.Pour traiter de la thèse de la muséalisation et comprendre comment les principaux acteurs de ce processus l’ont mené à bien, nous nous penchons ici sur le cas spécifique du musée d’Art moderne (MAM) de Rio de Janeiro. L’hypothèse qui sous-tend ce chapitre est que le MAM peut être considéré comme l’un des précurseurs de ce mouvement au Brésil. En d’autres termes, nous essayons de comprendre dans quelle mesure le musée d’Art moderne de Rio de Janeiro, aux côtés d’institutions similaires au Brésil et à l’étranger, pourrait représenter l’antichambre du processus de muséalisation dans cette ville. Pour ce faire, nous cherchons à saisir la place de certains acteurs sociaux porteurs de discours et de projets dans ce processus. Nous tentons notamment d’appréhender le rôle innovant du musée institutionnalisé par Niomar Moniz Sodré, directrice du MAM, dès le début des années 1950, puis la radicalisation de ce rôle à partir du milieu des années 1960, avec l’arrivée de Frederico Morais dans l’équipe du musée.Lorsqu’il intègre le MAM en août 1966, pour enseigner et diriger le département d’éducation du musée, Frederico Morais rejoint une institution qui, au cours de la décennie précédente, s’est consolidée en tant qu’espace de rassemblement des mouvements culturels à Rio de Janeiro. En 1966, bien que Niomar ait déjà quitté la direction du musée, assurée à l’époque par Maurício Roberto, le MAM s’était progressivement imposé en tant qu’espace de formation de jeunes artistes et d’expérimentation de nouvelles formes et nouveaux moyens d’expression visuelle. En effet, même après le départ de Niomar, le musée avait institutionnalisé un agenda et des pratiques éducatives qui favorisaient une relation très étroite avec les artistes de l’art moderne carioca. Morais consolide alors le rôle du MAM en tant qu’espace d’expérimentation et contribue ainsi à l’ouverture du musée à l’avant-garde et à la démocratisation de l’institution, en brouillant d’une certaine manière les frontières entre l’art et la vie.
Les Français, l’art et la démocratisation de la culture
Authors: Coulangeon Philippe 
Published: April 2016

Les enquêtes sur les pratiques culturelles des français menées par le ministère de la Culture depuis le début des années 1970 alimentent un constat d’échec des politiques de démocratisation de la culture. Les écarts observés selon les niveaux de revenu et d’éducation ou selon les catégories sociales apparaissent la plupart du temps tout aussi prononcés aujourd’hui qu’ils ne l’étaient au début des années 1970 ou 1980, quand ils ne le sont pas même davantage, comme on le voit plus particulièrement dans le cas des pratiques les plus légitimes (fréquentation des musées, des monuments historiques, des théâtres, des concerts classiques ou de l’opéra).Ce constat contredit pourtant l’impression assez largement partagée, chez les professionnels du secteur, d’un engouement croissant des Français pour l’Art et la Culture, que manifeste notamment le succès de certains événements emblématiques, tels que les expositions parisiennes du Grand-Palais. Cette apparente contradiction procède, pour l’essentiel, de l’effet de structure associé à l’accroissement numérique des catégories traditionnellement les plus « consommatrices » de biens et services culturels (cadres, diplômés, habitants des grandes agglomérations), conséquence de l’élévation des niveaux d’éducation, des transformations de la structure des qualifications et de l’accroissement du degré d’urbanisation de la société française, notamment, sans que ne se modifient ni l’ampleur ni la nature des écarts entre catégories.Cette forte inertie n’est cependant pas exclusive du déclin de certaines des pratiques réputées les plus légitimes (lecture, écoute de musique classique, notamment), qui n’épargne pas même les classes supérieures, où ces pratiques étaient traditionnellement les plus répandues. Par ailleurs, les élites françaises se distinguent aujourd’hui davantage par l’éclectisme de leurs goûts et de leurs pratiques que la par le commerce exclusif avec la « haute » culture.La mesure statistique de ces évolutions se heurte toutefois à une double limite. Celle, d’une part, inhérente à la saisie sous forme exclusivement déclarative de pratiques soumises à des biais de désirabilité sociale et à des effets de légitimation, qui amènent à se demander si ce qui est mesuré ne relève pas principalement de l’emprise des normes de la légitimité culturelle. Celle, d’autre part, de mesures exclusivement centrées sur des nomenclatures de pratiques – et de goûts – assez largement aveugles au contenu des pratiques – et des œuvres –, à leurs modalités, ainsi qu’aux motivations et significations qui leur sont attachées.
L’art en régime de singularité
Authors: Heinich Nathalie 
Published: April 2016

L’art contemporain, tel qu’il apparaît dans la première moitié du xxe°siècle avec Duchamp et Malevitch, et s’impose à partir de la seconde moitié comme le paradigme dominant, obéit à des règles bien différentes de l’art moderne, en ce qu’il privilégie le jeu avec les frontières qui tracent, pour le sens commun, la différence entre art et non-art. Mais il partage avec l’art moderne une commune appartenance au régime de singularité, qui continue à gouverner notre appréciation de ce qu’est une œuvre de qualité et de ce que devrait être un artiste authentique. Cette singularité toutefois se déploie désormais selon des modalités spécifiques, qui paraissent souvent extrêmes aux yeux de tous ceux – et ils sont, très probablement, l’immense majorité de nos contemporains – dont les attentes envers l’art relèvent encore du paradigme moderne.Le paradigme de l’art contemporain implique notamment une situation paradoxale à plusieurs titres en matière d’exercice du pouvoir de consécration. Toutefois l’apparente complexité de ce régime ne relève pas d’une absence de règles, mais de l’imposition d’un nouveau système de règles superposé au précédent, selon une structuration intégrant des données différentes et, sur bien des points, opposées à celles qui ordonnent le monde familier des activités à finalité essentiellement économique. Ainsi les nouveaux modèles d’artistes n’ont plus rien à voir avec ceux qui ont structuré tant le paradigme classique que le paradigme moderne. Ceux-ci sont aujourd’hui largement périmés : de nouvelles règles du jeu se sont imposées, même si les non-spécialistes peinent encore à en prendre conscience et, plus encore, à l’accepter.
Le champ littéraire français
Authors: Sapiro Gisèle 
Published: April 2016

À partir de la théorie du champ de Pierre Bourdieu et des études empiriques menées sur les écrivains en France, l’article présente les principes de structuration du champ littéraire français de la fin du xixe siècle au début des années 1970. Le champ littéraire français se structure autour de deux oppositions principales : « dominants » vs. « dominés » et « autonomie » vs. « hétéronomie ». Le croisement de ces deux oppositions permet d’identifier quatre figures idéaltypiques d’écrivains : les « notables », les « esthètes », les « avant-gardes » et les « écrivains populaires », qui se distinguent tant par leurs conceptions de la littérature que par leurs lieux de sociabilité et les formes de leur engagement politique. Loin d’être figée, cette structure affecte les formes que revêtent les luttes entre les différentes fractions pour la conservation ou la transformation du rapport de force constitutif du champ, et qui sont étudiées dans la deuxième partie de l’article.
La pratique des arts plastiques en école d’art : une pratique définitivement genrée ?
Authors: Joly Frédérique 
Published: April 2016

Ce chapitre nous permet de nous interroger sur la question du genre, et notamment sur la place réservée aux filles dans les écoles d’art. À partir d’une enquête de terrain réalisée dans le cadre d’un doctorat en sociologie menée dans huit écoles d’art situées dans le Nord de la France (4 écoles communales et 4 écoles supérieures ont été choisies pour l’étude), nous présenterons une partie des résultats obtenus ainsi que les questions que ces dernières polarisent quant à la place des filles dans les écoles d’art ainsi que le rôle joué par les mères et par les autres membres de la famille.Nous y présenterons, notamment, les décalages d’effectifs et de niveau scolaire entre les garçons et les filles inscrits en école d’art puis nous nous attarderons, ensuite, sur les difficultés d’insertion professionnelle que rencontrent ces dernières.En effet, au regard des études réalisées sur l’insertion professionnelle des étudiants diplômés des écoles d’art supérieures (Galodé, Danner, 2006), il apparaît que les filles montrent davantage de difficultés à s’insérer professionnellement que les garçons avec des temps d’insertion plus longs et des contrats professionnels moins favorables. Paradoxalement, les chiffres actuels prouvent que les filles demeurent pourtant plus nombreuses en école d’art et présentent des parcours scolaires souvent moins chaotiques (Segré, 1993).Que se passe-t-il pour que les filles, plus nombreuses et avec un meilleur parcours scolaire que les garçons, se retrouvent autant défavorisées à la sortie du cursus ? Comment expliquer cette « aporie » entre les difficultés d’insertion professionnelle que rencontrent encore aujourd’hui les filles, alors que les études montrent qu’elles sont plus nombreuses et réussissent mieux leur scolarité que les garçons (Lornage, 2008) ?Enfin, nous nous sommes interrogée, à travers cette étude, sur la possibilité d’une différence de comportements entre filles et garçons et sur les incidences supposées qui en découlaient. Des entretiens avec des étudiants inscrits en écoles d’art supérieures viendront éclairer en partie ces questions, même s’ils n’épuisent pas l’ensemble des possibilités d’explication des comportements.
Lire, élire, se construire : les livres de chevet et leur dimension identitaire
Authors: Lévy Clara 
Published: April 2016

Ce chapitre présente une recherche portant sur un objet jusqu’ici inédit en sociologie de la lecture : les livres de chevet – c’est-à-dire les ouvrages préférés, ou de prédilection, des personnes interrogées. À partir d’une trentaine d’entretiens approfondis, nous montrerons que le livre de chevet participe, selon des modalités qui peuvent être très diversifiées, au processus de la construction identitaire des enquêtés. En effet, il apparaît que le livre de chevet fait écho (parfois consciemment pour l’enquêté, parfois sans qu’il en ait lui-même conscience) à une ou plusieurs des composantes identitaires des personnes interrogées.Pour l’établir, nous nous efforcerons d’abord, dans un premier temps, de montrer que le livre de chevet tient une place particulière parmi les lectures choisies (par opposition aux lectures imposées, en particulier dans le cadre scolaire), dont les enquêtés rendent compte en valorisant l’histoire et le style de leur ouvrage préféré. Cela amène plusieurs des lecteurs à un attachement très intense à l’objet-livre même, qui n’est pas rangé n’importe où, ni toujours prêté aisément. Nous nous intéresserons ensuite, dans un second temps, aux circonstances de la rencontre (et des éventuelles retrouvailles, parfois réitérées) entre le lecteur et son livre de chevet, en analysant à la fois le registre de la « rencontre par hasard » mobilisé par les enquêtés, mais aussi les facteurs (tels que la sociabilité familiale ou entre pairs) qui ont favorisé cette rencontre. Nous mettrons enfin en évidence, dans un troisième et dernier temps, quelques-unes des modalités possibles selon lesquelles ces livres de chevet participent de la construction de soi des lecteurs, en entrant en résonance avec des composantes identitaires qui peuvent se rattacher à des sphères extrêmement différentes (l’identité familiale ; l’identité professionnelle ; identité ethnico-religieuse, etc.).