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Une esthétique de la rupture
Authors: Villas Bôas Glaucia 
Published: April 2016

Nous soutenons dans le présent chapitre que l’émergence de l’art concret dans les villes de Rio de Janeiro et de São Paulo, au milieu du xxe siècle, n’est pas due aux influences des mouvements avant-gardistes étrangers, mais à un enchaînement d’événements animés par des artistes et des critiques d’art. Ces derniers entretiennent alors des liens étroits avec des architectes, des entrepreneurs et des diplomates fondateurs de musées d’art moderne, de galeries et de la Biennale de São Paulo. Ce réseau de relations en faveur d’une esthétique constructiviste regroupe des Brésiliens et des étrangers de différentes nationalités. La perspective sociologique adoptée ici met l’accent sur les initiatives et sur les discours des acteurs sociaux. Il s’agit de contribuer à une nouvelle histoire du concrétisme qui remet en cause la notion d’influence utilisée par l’historiographie du mouvement. Nous défendons, en outre, l’idée que l’art concret reflète les changements provoqués dans la structure sociale et économique du pays par son processus d’industrialisation et d’urbanisation. Il ne s’agit pas, pour autant, de prendre en compte de façon isolée des textes programmatiques tels que le « Manifeste de la rupture », lancé en 1952 à São Paulo sous l’impulsion de l’artiste et critique d’art Waldemar Cordeiro, ou le « Manifeste néo-concret » de 1959 organisé par Ferreira Gullar. Ces textes sont ici appréhendés comme des « pièces » importantes témoignant des confrontations et des conflits qui ont définitivement marqué l’histoire du concrétisme dans les années 1950. Une des caractéristiques de ces joutes concrétistes était sans aucun doute la concurrence entre les Cariocas et les Paulistes, même si la plupart des artistes et critiques d’art étaient originaires d’autres villes brésiliennes ou même d’autres pays. Afin de souligner les différences et les similitudes du mouvement concrétiste dans les deux villes, nous présentons ici un ensemble de données historiques et d’événements qui, réunis, configurent un enchaînement de faits révélateurs des particularités de Rio de Janeiro et de São Paulo. Les contextes différents ont motivé la mise en œuvre – par les artistes et critiques – de stratégies distinctes pour contourner les résistances à leurs propositions esthétiques ou pour forger des alliances et obtenir ainsi la reconnaissance qu’ils convoitaient, modelant de ce fait des identités propres à chacune des deux villes.
Le guerrier du théâtre municipal
Authors: Siciliano Tatiana 
Published: April 2016

Arthur Azevedo (1855-1908) – théâtrologue, journaliste, auteur de nouvelles, chroniqueur et fonctionnaire – est aujourd’hui peu reconnu. Il a, pourtant, joué un rôle central dans le champ artistique et intellectuel de la fin du xixe et du début du xxe siècle au Brésil. Membre fondateur de l’Académie brésilienne des lettres (1897), il fut aussi l’un des principaux promoteurs de la construction du théâtre municipal à Rio de Janeiro. À travers la presse et le théâtre, il se lance dans une longue campagne en faveur du développement du théâtre national, notamment dans ses chroniques hebdomadaires « O Theatro » (Le Théâtre), publiées dans la revue A Notícia (La Nouvelle). Il se bat pour la construction d’un espace financé par l’État et destiné à l’épanouissement de la dramaturgie brésilienne, à l’image de la Comédie-Française. Il part du principe que le gain en qualité de la production théâtrale, tout comme l’accroissement du public et son élargissement aux différentes couches sociales, notamment pour des pièces plus littéraires, ne seraient possibles que grâce à des investissements publics. Tel est son projet pour le théâtre municipal de Rio de Janeiro. Bien qu’elle ait été approuvée par une loi de 1895, la construction du théâtre ne débute qu’en 1905 et son inauguration a lieu en 1909, sur un tout autre modèle : un bâtiment somptueux, inspiré du Théâtre de l’Opéra de Paris, destiné à des spectacles grandioses, principalement mis en scène par des compagnies étrangères, dont les prix d’entrée exorbitants ne sont accessibles qu’à une élite. À ses débuts, le théâtre de Rio de Janeiro ne rappelle donc en rien le projet initial conçu par le dramaturge. Ce n’est, d’ailleurs, que dans les années 1930 qu’il commence à bénéficier de fonds publics qui lui permettent de constituer un corps artistique propre : une chorale, un orchestre symphonique et une compagnie de ballet. L’art dramatique demeure néanmoins exclu. Dans ce chapitre, nous tenterons de décrire le combat mené par Arthur Azevedo en faveur de la création d’un théâtre national et de mettre en avant son rôle de médiateur culturel. Bien que la conception du dramaturge soit en parfaite adéquation avec l’idéal civilisateur de son temps, elle ne parviendra pourtant pas à s’imposer dans le cas du théâtre municipal de Rio de Janeiro. Nous partons de l’hypothèse selon laquelle Arthur Azevedo revendiquait la mise en œuvre d’une politique culturelle destinée au théâtre brésilien, alors que le concept de politique culturelle publique tel qu’il sera institutionnalisé à partir des années 1930 était encore loin de prévaloir sur le territoire national.
Authenticité, rôle des agencements sociaux et reconnaissance internationale d’une œuvre
Authors: Marques Kadma , Oliveira Gerciane 
Published: April 2016

Ce chapitre aborde les processus à l’œuvre dans la définition de la trajectoire professionnelle de Chico da Silva, un artiste naïf né dans l’État d’Acre, dans la région Nord du Brésil, et qui s’est installé à Fortaleza au milieu des années 1930. « Découvert » par le critique suisse Jean-Pierre Chabloz dans le Fortaleza des années 1940, alors qu’il griffonne des animaux imaginaires et des vaisseaux fantomatiques sur les murs des maisons de pêcheurs de la Praia Formosa, Silva voit, du jour au lendemain, ses tableaux intégrer les circuits internationaux, et capter l’attention des critiques et des universitaires. L’une des conséquences de cette reconnaissance est la création de l’école Pirambu – un centre qui accueille les enfants du quartier du même nom. Ils y pratiquent la peinture aux côtés de l’artiste naïf, dans son atelier-résidence. La dynamique de production artistique collective mise en œuvre par ce centre révèle une tension entre deux modèles inconciliables de structuration du domaine artistique moderne : d’un côté, l’importance accordée au statut de l’auteur individuel, fondé sur la représentation de l’artiste de génie en tant qu’acteur capable de stabiliser la signification authentique d’une œuvre ; et, de l’autre, la dilution de cette figure dominante en tant qu’élément constitutif du réseau d’interdépendances et d’échanges qui structurent l’œuvre d’art explicitement, par le biais du travail collaboratif qui met à contribution de nombreux acteurs issus de différents secteurs, ou implicitement, à travers une activité apparemment solitaire et autonome. Cette polarisation discursive se traduit par deux prises de position dans le milieu de la critique d’art, relatives à la question de l’identité d’auteur de Chico da Silva : l’une met en avant sa qualité d’auteur individuel, qui imprime à son travail un univers particulier et subjectif ; l’autre décentralise la création artistique et la définit comme un acte collectif, traversé par une série de facteurs sociaux. Cette opposition est catalysée par la production, par l’école du Pirambu, de tableaux « Chicos da Silva » (au pluriel). Centrées sur la thématique des figures fantastiques et peintes de façon non naturaliste, ces œuvres matérialisent plastiquement la décomposition de la notion d’auteur individuel, à travers le travail collaboratif mené par Silva et ses « disciples ».
Économies de l’art contemporain
Authors: Fialho Ana Leticia , Goldstein Ilana Seltzer , Proença Renata Bernardes 
Published: April 2016

Ce chapitre présente et analyse certains résultats de l’étude « Économie des expositions d’art contemporain », menée en 2010 par les auteures. Le terme « économie » employé dans le titre renvoie non seulement à l’aspect financier, mais surtout aux stratégies et aux ressources mobilisées par les différents acteurs impliqués. Nous chercherons ainsi à décrire le modus operandi des institutions dont la programmation est consacrée à l’art contemporain, dans différentes régions du Brésil, au cours des dix dernières années. Plutôt que de présenter de façon exhaustive les données recueillies et les lacunes (éloquentes) rencontrées au cours de la recherche, notre objectif consiste, ici, à approcher certaines questions centrales du point de vue de la sociologie de l’art et, plus spécifiquement, pour la compréhension du système des arts au Brésil. Dans cette optique, une cartographie initiale délimitera l’univers de la recherche, à partir d’informations concernant la répartition géographique des équipements culturels qui composent notre échantillon, leur nature (entre autres : institution publique ou rattachée à des entreprises privées, indépendante, etc.), et leur profil (musée, centre culturel, espace sans fonds artistique). Nous tenterons ensuite de comprendre les processus décisionnels et les mécanismes de gestion de ces espaces, à travers l’analyse des équipes professionnelles impliquées et des expositions produites, mais aussi par l’étude de l’acquisition des collections, du registre de la mémoire institutionnelle, de la coopération interinstitutionnelle ou encore des actions éducatives. Au-delà de la synthèse des résultats de cette recherche, nous formulerons, dans ce chapitre, des questions plus larges relatives aux défis que doivent aujourd’hui relever ces équipements, aussi bien pour le développement interne de leur circuit d’exposition que pour leur processus d’expansion internationale.
A sociologia das artes e da cultura na França
Authors: Péquignot Bruno 
Published: April 2016

A sociologia das artes e da cultura é uma disciplina que tem experimentado um forte crescimento na França desde 1985. Este capítulo apresenta os principais temas de pesquisa e a história de seu desenvolvimento. Serão, assim, abordados, sucessivamente, a questão das instituições e das políticas culturais – particularmente importante na França –, a organização e o funcionamento dos mercados da arte nacionais e internacionais, os problemas específicos das profissões artísticas, os problemas da recepção, com a questão dos públicos e as questões de legitimação, objetos de debates importantes. Serão, em seguida, apresentadas as pesquisas, remetendo, especificamente, a certas práticas artísticas: as mais estudadas, as artes plásticas e a literatura, obviamente, mas também o teatro e as artes performáticas em geral (o circo), a música, ou melhor, as músicas em sua diversidade – clássica, popular, músicas do mundo (world music), etc. –, a fotografia e o conjunto das novas imagens, incluindo arte computacional, o cinema e a televisão (inclusive as séries televisivas), a arquitetura e as artes monumentais, mas também a arte de rua (grafite, hip-hop, por exemplo). O capítulo centra-se nos debates que levaram à estruturação dos pesquisadores nesse campo, sobretudo o que estava no centro das discussões teóricas durante esses 25 anos: a questão das obras.Este trabalho aponta as principais etapas institucionais desse surgimento, tais como: a criação do Centro de Sociologia da Arte, por Raymonde Moulin, no CNRS e na EHESS; o colóquio de Marselha, em 1985; as jornadas internacionais da sociologia da arte, organizadas pela equipe de Grenoble e a criação, no CNRS, do Grupo de Pesquisa do (GDR), Œuvres, Publics, Société (OPuS), por Alain Pessin, em 1999, e sua transformação, em 2005, em um grupo de pesquisa internacional (GDR International). Finalmente, a criação, em 1990, da única revista do campo: Sociologia da Arte (Sociologie de l’Art). Uma extensa bibliografia permite que o leitor consulte os trabalhos essenciais.
Em busca da leitura perdida? Os adolescentes e a leitura na França atual
Authors: Détrez Christine 
Published: April 2016

As práticas de leitura, para quem deseja estudá-las, podem ser apreendidas por meio de diversas metodologias, nas quais os resultados podem, por vezes, parecer contraditórios. A fim de mostrar a contribuição de cada método, este capítulo se propõe a articular duas pesquisas recentes: uma quantitativa e longitudinal, realizada junto ao Ministério da Cultura, com milhares de adolescentes franceses(as) por cerca de uma década e que enfocava as práticas de lazer da infância à adolescência; e outra, qualitativa, realizada por meio de entrevistas com 60 adolescentes leitores(as) de mangá (bande dessinée). A primeira investigação permite, portanto, apresentar as escolhas de leitura na adolescência e localizá-las conforme o avançar da idade: do collège ao lycée, as práticas de leitura (sobretudo os livros) estão se desintegrando em um contexto de revolução digital e de "cultura juvenil" marcada pela importância da música e convivência amigável. Se as determinações sociais persistem, o clima de desgaste é generalizado.Porém, a abordagem por entrevistas permite complementar esta conclusão pessimista e questioná-la: por que, dentre tantas oportunidades de opções de lazer disponíveis, os(as) adolescentes continuam a ler e a gostar da leitura? Por esse motivo, a leitura não deve ser tão somente medida em horas de leitura, ou na quantidade de livros lidos, mas sim pelo que ela "faz" aos adolescentes que se dedicam a ela: assim, a leitura é particularmente investida simbolicamente e, em um corpus tão pouco legítimo acadêmica e literariamente como os mangás, traduz-se a riqueza, ainda hoje, das recepções, entre injunções normativas e apropriações. A oferta de mangás apresenta, na verdade, a particularidade de ser segmentada por sexo e por idade. Esta produção particular destaca como a leitura, em geral, é um modo de socialização dos gêneros. Mas nesta autoconstrução como garoto ou garota, há combinações de lógicas de gênero e de pertença social, e repressões (ao padrão) podem ser violentas, fazendo com que sejam estabelecidas diversas táticas para quem não deseja seguir a regra. Além disso, a leitura também oferece a estes adolescentes recursos em relação ao desenvolvimento e à autorreparação. Desse modo, ela é realmente, ainda hoje, um recurso contra a adversidade, que permite, por meio do riso, das lágrimas ou da identificação, torná-los adultos.
A arte segundo o ponto de vista do gênero
Authors: Buscatto Marie 
Published: April 2016

As pesquisas pioneiras da sociologia das artes têm pouco interesse nas dimensões de gênero da atividade artística. Quer se estudem os padrões de recepção das obras, as formas como se constroem a atividade artística ou os processos sociais de reconhecimento dos artistas e de suas obras, a análise das relações sociais de gênero está ausente das primeiras pesquisas empíricas na sociologia da arte. A natureza de gênero das interações sociais, recepções e práticas é certamente evocada, através dos grandes levantamentos estatísticos relativos à participação segundo o gênero dos públicos graças à investigação sobre os vários campos, amadores e profissionais, da produção artística e cultural. Mas o significado dado às diferenças de gênero, assim como as maneiras que por sua vez influenciam o funcionamento artístico, só recentemente foram objeto de análises sistemáticas.Desde o início dos anos de 1980, o gênero tornou-se uma categoria de análise plena da sociologia francesa das artes. Quer se trate de entender a inter-relação entre o sexo social e o sexo biológico ou os processos generificados de desempenho que organizam as práticas sociais e contribuem para a formação das identidades, as relações sociais ocorrem na interseção de gênero, da classe social ou da "etnicidade". Foram assim trazidas à luz as formas como se produzem e se perpetuam diferenças de gênero no domínio artístico, assim como as oportunidades de que os sujeitos dispõem para desestabilizar, transformar, transgredir os limites da ação sexuada.Este artigo objetiva dar conta dos mais recentes avanços da sociologia francesa das artes no que concerne o gênero. Em comparação com a literatura inglesa disponível sobre o assunto, os trabalhos franceses se distinguem não só pela alta produção de pesquisas sobre este tema nos diversos mundos da arte – circo, música, cinema, literatura, teatro, dança, artes visuais ou televisão –, mas especialmente por sua capacidade estimulante de enriquecer a análise sociológica no campo das artes. Num primeiro momento, serão, assim, tratados os modos pelos quais a abordagem de gênero para as artes revela a forte normatividade dos universos artísticos, a contrapelo de uma ideologia vanguardista fazendo da arte um espaço evidente de transgressão das normas sociais. Em segundo lugar, serão analisados estes momentos, certamente marginais, mas reais e muito visíveis, em que a arte se torna um lugar de transgressão da ordem social generificada. Serão descritas e analisadas, sobretudo, as razões sociais por trás dessas abordagens artísticas que vão além das resistências encontradas no caminho da criação artística ou das práticas culturais... Em conclusão, portanto, será abordada a forte originalidade da abordagem das artes por gênero na França, e sua grande capacidade de renovar a sociologia das artes em âmbito internacional.
« Les fils soumis de la Très Sainte Église »
Authors: de Castelnau-L’Estoile Charlotte 
Published: April 2016

Dans la société esclavagiste brésilienne, la liberté de se marier était l’un des rares droits consentis aux esclaves et, en principe, garanti par la justice ecclésiastique. Les causes de mariage du tribunal du diocèse de Rio de Janeiro au tournant du xviiie siècle permettent à l’historien de voir comment ce droit était concrètement appliqué par l’institution ecclésiastique, comment les maîtres s’en accommodaient et comment les esclaves en usaient. À travers ces archives judiciaires se font jour les trajectoires d’hommes et de femmes obscurs – au double sens de sans renommée et de basané : Indiens, Pardos (Métis) et Pretos (Noirs), des personnes vouées habituellement au silence des sources. L’article vise à restituer leur itinéraire dans leur fluidité et leur complexité, à faire entendre les voix de ces acteurs subalternes, tout en cherchant à comprendre la place et la signification du mariage dans ces vies d’esclaves.
Gonçalo Garcia : identités et relations raciales dans l’histoire d’un saint mulâtre de l’Amérique portugaise
Authors: Viana Larissa 
Published: April 2016

Ce chapitre s’appuie sur l’histoire du premier saint « brun » des Amériques pour présenter une réflexion sur le métissage dans l’Amérique portugaise. Il s’agit de saint Gonçalo Garcia, dont la ville de Recife a officialisé le culte au milieu du xviiie siècle, alors même qu’un débat virulent existait autour de son origine. L’objectif principal de ce texte est d’alimenter, à partir de cette controverse, la réflexion sur certains aspects de l’univers colonial. Ce dernier est à l’époque imprégné par les notions d’inégalité et de différence, qui s’expriment fortement dans la vie sociale et religieuse par le biais des statuts de « pureté du sang ». Nous analyserons ici le contexte de l’Amérique portugaise au travers des chroniques écrites par le religieux franciscain frère Antônio de Santa Maria Jaboatão, qui prônait la reconnaissance de Gonçalo Garcia en tant que saint « brun ». Un tel discours, élaboré en 1745, présentait une vision positive des identités métisses, associées aux idéaux d’honneur et de distinction généralement réservés aux hommes libres blancs.
Entre frères : les « courtoisies » du roi Adandozan du Dahomey au prince Jean du Portugal, 1810
Authors: Soares Mariza de Carvalho 
Published: April 2016

Ce chapitre associe l’étude des objets muséologiques à des sources historiques écrites et montre l’importance de l’interdisciplinarité entre l’histoire et la muséologie. Il s’appuie sur l’analyse de la correspondance entre les rois du Dahomey et du Portugal pour présenter une collection muséologique appartenant au Musée national de Rio de Janeiro, au Brésil. Composée d’objets de diverses origines, la collection africaine de ce musée inclut un ensemble de cadeaux envoyés en 1810 par le roi Adandozan du Dahomey au prince régent portugais Jean, alors installé au Brésil. Les lettres adressées entre 1795 et 1818 montrent que l’échange de présents était alors une pratique politique et diplomatique courante. La diplomatie de lettres et de cadeaux à laquelle se livrent Adanozan et le prince Jean présente des caractéristiques similaires aux pratiques établies de longue date et qui étaient très en vogue dans la deuxième moitié du xviiie siècle, avant la mise en place de la politique de suppression de la traite atlantique des esclaves.La lettre et les cadeaux de 1810 révèlent les liens d’« amitié » entre les deux monarques, alors même que s’amorcent l’« alliance et l’amitié » du Portugal avec l’Angleterre, qui vient d’abolir la traite atlantique des esclaves en 1807. Le texte dévoile ainsi une facette peu explorée de l’activité diplomatique portugaise et la poursuite de ces pratiques même après le rapprochement entre le Portugal et l’Angleterre, acté dans les traités signés à partir de 1808, puis principalement en 1810.Cette analyse nous mène à une présentation des cadeaux envoyés par Adandozan et dont la liste figure dans sa lettre, puis à leur identification dans le fonds du Musée national, grâce à un minutieux travail de recoupement entre la liste épistolaire et le registre d’inventaire des pièces du secteur d’Ethnologie et Ethnographie de cette institution. Nous avons enfin sélectionné deux cadeaux, pour discuter de leur pertinence historique et muséologique. Le premier est un trône que le Musée national a toujours considéré comme la pièce la plus importante reçue du Dahomey, et qui a fait l’objet de descriptions et d’évaluations par de nombreux chercheurs. Le second est un « drapeau » que nous identifions comme une allégorie guerrière. Bien qu’il soit connu des historiens et des muséologues, cet objet n’avait jusqu’ici jamais été étudié. Sur la base de la lettre envoyée par Adandozan en 1810 et d’informations historiques complémentaires, il nous a été possible d’identifier la bataille à laquelle ce drapeau se rapporte, de décrire sa composition et d’analyser le contexte dans lequel il a été envoyé au Brésil.
De père en fils : Afrique, identité raciale et subjectivité dans les archives privées de la famille Rebouças (1838-1898)
Authors: Mattos Hebe 
Published: April 2016

Ce chapitre analyse les lettres et les documents autobiographiques du juriste Antônio Rebouças [1798-1880] et de son fils, l’ingénieur abolitionniste André Rebouças [1838-1898], dans le Brésil du xixe siècle. Ces écrits représentent des expressions éloquentes de subjectivités racialisées par la présence de l’esclavage africain dans la société brésilienne de l’époque. Marqués par leur couleur comme des descendants d’esclaves – c’est en tant que « brun libre » [ndt : en portugais, le terme utilisé est pardo] que Rebouças père fut inscrit par le curé dans le livre de baptême de la paroisse São Bartolomeu de la Vila de Maragogipe, dans la province de Bahia – tous deux ont malgré tout eu une vie politique et intellectuelle accomplie et sont devenus des personnalités brésiliennes influentes de ce siècle. Nous nous interrogeons ici avant tout sur la place de l’Afrique et sur la notion de race dans les écrits personnels des Rebouças.