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Anthony Braxton’s Ghost Trance Music: 9 Compositions (Iridium) 2006
Authors: Haring Christa 
Published: November 2024

Le multi-instrumentiste, improvisateur et compositeur américain Anthony Braxton est un personnage bien connu dans la musique contemporaine. En se trouvant entre le jazz et l’art musical contemporain, Braxton a développé sa propre stylistique musicale qui se fonde sur un système musical créé par lui-même dès le milieu des années 1960.Cet article traite de sa Ghost Trance Music (abrév. : « GTM ») qui est l’œuvre centrale de ses compositions entre 1995 et 2006. Après avoir donné un bref aperçu des développements musicaux les plus importants du système musical de Braxton d’une part et de sa philosophie tri-centric d’autre part, les origines et l’idée générale de la GTM seront analysées. Enfin, d’autres détails des compositions de la GTM concernant la structure (trois types principaux de matériau de base), les genres (développement des types de GTM au fil des années), les partitions (avec des exemples originaux) et la représentation (caractéristiques spécifiques) seront illustrés en se fondant sur les deux compositions numéros 350 et 358 des 9 Compositions qui font partie du dernier projet de la GTM en 2006.
D’effet lisière à flux
Authors: Hervé Jean-Luc 
Published: November 2024

« À l’occasion d’une résidence d’artiste, j’ai séjourné quatre mois à Kyoto. Parti pourtant avec beaucoup de méfiance vis-à-vis de l’orientalisme, la rencontre de la culture traditionnelle japonaise a été une expérience fondatrice qui annonça un tournant dans mon travail. Ce qui me frappa dans cette culture, celle des jardins en particulier, fut le rapport très étroit qu’entretient l’art avec la nature. Deux idées eurent une importance primordiale pour mes œuvres ultérieures.D’abord le fait que le jardin intègre dans sa construction la nature environnante. Un jardin japonais n’est en effet jamais pensé sans sa relation avec son environnement. Son agencement rigoureux, où chaque élément jusqu’au plus petit a sa place dans la composition visuelle, s’inscrit dans le contexte naturel. […]La seconde idée […] est celle de seuil, comme lieu de passage entre l’intérieur et l’extérieur. Cette idée est centrale dans toute la culture traditionnelle japonaise, aussi bien dans la conception de l’habitat où une marche marque la limite entre le dedans et le dehors, que dans les jardins qui font la transition vers la nature environnante ».
Chronique de la création mexicaine de pièces mixtes de 1980 à nos jours
Authors: Macías Gonzalo 
Published: November 2024

« À la fin des années 1970, certains compositeurs mexicains comme Manuel Enríquez, Mario Lavista, Federico Ibarra et Francisco Nuñez, qui avaient déjà une production musicale importante et une influence considérable sur les jeunes compositeurs, prennent une nouvelle direction dans la création musicale. Dans leur travail, un rejet des esthétiques d’avant-garde, de l’écriture sérielle et de la présence du hasard, ouvre un nouveau chemin de production musicale. Leurs élèves vont refléter, évidemment, ce caractère éclectique qui accepte en même temps, des éléments romantiques, expressionnistes ou minimalistes. Il s’agit d’un groupe qui, selon Moreno Rivas Yolanda, appartient au postmodernisme.Cette dévalorisation de l’avant-garde, coïncide avec une intensification des expériences multimédias, qui se réalisent avec ou sans le soutien de l’état. L’activité est telle que l’on pourrait penser, comme Manuel Rocha, que la « véritable émergence de la musique électroacoustique au Mexique, se produit pendant les années 1980, et elle a lieu, la plupart du temps, en dehors des institutions culturelles de l’état. Cette émergence se manifeste à travers la production d’Antonio Russek, Vicente Rojo, Arturo Márquez et Roberto Morales, et par l’organisation de concerts interdisciplinaires (tels qu’Atentamente a la dirección, Música de Cámara, El Alacrán del Cántaro, etc.) »
La formule de la ritournelle
Authors: Ferraz Silvio 
Published: November 2024

C’est dans leur livre Mille Plateaux que Deleuze et Guattari définissent la notion de ritournelle en décrivant chaque étape de sa constitution. Dans leur description, les auteurs partent de la définition de quelle seraient les composantes d’un territoire, pour, peu à peu, construire cette « machine de production de différences », dont le principal moteur est l’automatisation des composantes et de leurs intermodulations. Ils décrivent ainsi ce parcours qui va de « l’agencement de moyens », passe par la définition du territoire et finalement à l’ouverture de ce territoire dans un jeu qu’ils appellent « contrepoint territorial ». Un important aspect de cette machine est qu’elle n’est pas déterminée par les objets (matières et formes) mais par la régularité et le rythme qui composent leurs moyens et codes. À sa définition Deleuze et Guattari dépassent la compréhension musicale du terme ritournelle (par habitude circonscrit à la notion de répétition comme réitération d’objet), pour mettre en relief le mécanisme d’intermodulation entre matière encore non formée et fragments de matière formée. En croyant à l’importance de cette définition comme outil compositionnel et analytique, cet article propose une formalisation symbolique du concept de ritournelle, avec l’objectif de le rendre opérationnel pour la composition et l’analyse musicale. Et c’est dans le sens de l’idée de « répétition du différent », telle quel Deleuze la propose dans son livre Différence et Répétition, que cette formulation prend la notion de modulation comme élément premier pour la ritournelle.
Plateaux de Turquie
Authors: Sarmis Dilek , Elias Nicolas 
Published: November 2024

On voudrait, dans les lignes qui suivent, rendre compte de pratiques musicales qui ont cours dans quelques arrière-pays de la Turquie en s’aidant de la lecture de Gilles Deleuze, de ceux qu’il lit comme de ceux qui le lisent1. Ou comment la philosophie de ce dernier révèle – au sens photographique du terme – le sens de ces ritournelles instrumentales qui, convoquant un matériau musical minimal, provoquent irrémédiablement le chant et la danse. Pour cela, on évoquera deux « terrains » ethnomusicologiques, l’un emprunté, l’autre en cours2. Le premier est situé au cœur des montagnes du Taurus, au Sud-ouest de la Turquie, où d’anciens nomades se sont sédentarisés il y a quelques générations ; l’on y danse le zeybek, une danse individuelle évoquant d’anciennes histoires de bandits d’honneur, au son du üçtelli bağlama – un petit luth « à trois cordes » (üçtelli en turc) –. Le second, dans les montagnes pontiques du Nord-est, résonne lui au son du kemençe, la vièle locale – également à trois cordes – qui accompagne ces longues réunions de chanteurs nommées muhabbet. Ces lieux sont ce que l’on appelle en turc des yayla, des hauts-plateaux, anciens lieux d’estivage, enneigés une partie de l’année, où un relatif isolement a laissé subsister les vestiges d’une économie rurale.C’est là, dans ces autres plateaux, qu’on voudrait aller chercher des échos de la philosophie de Gilles Deleuze. Car peut-être en est-il des territoires musicaux comme des territoires philosophiques. Le jeu consisterait alors à faire passer en contrebande quelques concepts philosophiques vers ces lointaines musiques de la Turquie rurale, en déroulant le fil qu’y ont laissé d’autres ethnomusicologues.
Musique-pratique : du formalisme au partage du temps
Authors: Lucero Guadalupe 
Published: November 2024

L’esthétique envisagée dans les textes de Deleuze et Guattari tend vers une esthétique de la sensation et la perception au lieu de se débattre autour des récents sujets ontologiques de l’esthétique et la philosophie de l’art. Par contre, ce que l’on trouve chez Deleuze et Guattari est une ontologie des effets et non une ontologie des causes. C’est pour cela que nous voudrions revenir sur le problème de l’esthétique musicale des auteurs à la lumière de l’idée d’un partage du temps (prise de l’idée rancièrienne du partage du sensible ). Nous proposons de tracer ici un parallèle entre une interprétation relevant d’un discours très courant concernant la peinture, celui du délaissement de l’imitation depuis Manet, et le parcours d’une esthétique musicale qui, in fine rejoindra la pensée deleuzienne. Pour dissemblables que soient ces deux discours, il semble possible de relever des questions communes. Si avec Deleuze et Guattari on pose le problème de l’esthétique en termes de devenir et que devenir n’est pas un cas d’imitation, nous nous proposons de suivre les questions suivantes. D’une part on développera le rapport entre musique et peinture à propos de la question de l’imitation : de quoi la musique se libère-t-elle pendant cette même période au cours de laquelle la peinture se libère de l’imitation ? Et, d’autre part : peut-on poser, avec Deleuze et Guattari, une esthétique musicale en termes de partage du temps ?
Die Idee, die aus der Kälte kam – Community Art in Finnland
Authors: Bartsch Pia 
Published: November 2024

Cet article présente le témoignage d’une artiste engagée qui s’est consacrée à « l’art communautaire » (Community Art). Ce mouvement, qui a vu le jour dans les années 60 aux Etats-Unis, s’est rapidement propagé au Canada, en Grande Bretagne, en Irlande et en Scandinavie. Il vise à mettre l’art au service de populations la plupart du temps marginalisées socialement, économiquement, culturellement ou géographiquement, afin de les soutenir dans leurs questionnements et la recherche de leurs propres réponses. L’art devient ainsi le catalyseur de transformations et le facilitateur de liens au sein de la communauté, locale ou virtuelle.L’artiste allemande Pia Bartsch est, grâce à la Fondation Saari qui attribue des bourses à des chercheurs en sciences sociales, sciences de l’esprit et en art, en résidence en Finlande où elle travaille avec les habitants de Mynämäki au sud-ouest du pays. A travers un journal de bord, elle relate trois expériences artistiques menées avec différents groupes d’habitants de tous âges dans le but de renforcer leur compréhension et leur attention mutuelles.
« Qui danse le monde et le joue, à son image le change ! »
Authors: Zambrano Orozco Scheherazade 
Published: November 2024

Cet article présente la première étape d’un projet chorégraphique interculturel qui se développe sur deux territoires : l’Avesnois au Nord de la France et l’état de Morelos au Mexique. L’auteur invite, dans chaque lieu, deux générations - les enfants d’une école primaire et leurs grands-parents, à écouter leurs souvenirs, apprendre des proverbes et jouer avec différentes façons de mettre le corps en jeu, de se relier, d’explorer leur propre gestuelle. Ce projet intergénérationnel cherche, sur le mode ludique, d’autres possibilités de rencontres et de construction commune. Le pari est de créer un espace d’expérimentation chorégraphique, en utilisant les technologies de la communication qui amènent les deux groupes d’élèves à dépasser les frontières culturelles, linguistiques et territoriales pour créer du commun á travers la danse.
Ecriture musicale et interprétation : compte-rendu d’un engagement musicologique
Authors: Olive Jean-Paul , Oviedo Álvaro 
Published: November 2024

L’article rend compte d’un programme de recherche déposé par Jean-Paul Olive et Alvaro Oviedo dans le cadre de l’Université Paris VIII. Il présente la conviction des auteurs que la transmission musicale la plus exigeante participe à l’édification du Commun, évitant la réification des œuvres, trop souvent considérées comme « biens culturels », pour en révéler la puissance vitale. Le travail sur l’interprétation, rendu accessible par les moyens conjoints du film, du livre et de l’enseignement sous toutes ses formes, met en effet à jour le processus vivant qui anime la chaîne de transmission d’une œuvre d’art. Elle contribue ainsi à l’édification d’une communauté humaine, donnant en partage – compositeur, interprètes, auditeurs réunis - une expérience d’être-au-monde qui suppose la rencontre avec l’inconnu, l’inédit, l’inouï mais qui les subsume grâce au « geste musical, tout autant spirituel que physique, tout autant symbolique que corporel ».
Musical subjectivity from sayable structure to sounding ethics in the Princeton school
Authors: Gleason Scott 
Published: November 2024

Dans cet article, j’interroge la manière avec laquelle l’école de compositeurs-théoriciens de Princeton a transformé sa conception des limites et des objectifs du discours sur la musique, passant d’un souci intense de verbalisation de la structure musicale à un souci intense de sonder la situation morale et éthique de la musique. Je soutiens que pour intégrer le son de manière approfondie en tant qu’aspect explicite de leurs discours et de leurs pratiques musicales, l’école a dû abandonner sa conception scientifique antérieure du discours musical. En s'éloignant du scientisme et de la composition d'œuvres musicales, toutefois, l'école a radicalement réinventé la subjectivité musicale, abandonnant celle de membres appartenant à un cercle restreint de théoriciens hautement qualifiés et spécialiste de la structure musicale, pour adopter une subjectivité plus générale englobant le son tel qu’il est perçu et créé. Alors que la préoccupation première des compositeurs théoriciens de l’école de Princeton a toujours été la musique, j’affirme qu’un souci marqué de la moralité et de l’éthique oblige finalement à poser la question suivante : quel genre de vie musicale dois-je vivre ? La réponse : une vie en musique, dans le son, même dans la structure, et seulement secondairement dans le discours.
Musique et expériences : éthique du partage des expériences dans Chantal, ou le portrait d’une villageoise de Luc Ferrari
Authors: Reyna Alejandro 
Published: November 2024

À travers les questions de Luc et Brunhild Ferrari, lors d’une rencontre l’été 1976 dans les Corbières, Chantal nous raconte patiemment sa vie au village. Devant ses interviewers, elle modèle toute cette information sensible, qui provient du passé, sous forme de récit. Dans son effort pour ramener à l’actuel ce passé, avec le mouvement émotionnel entrainé en elle, Chantal attribue des mots aux sensations, ordonne à sa manière les évènements les uns derrière les autres, les articule dans la forme d’une histoire. Chantal s’engage alors humainement. Raconter ses expériences, ou celles qui nous ont été rapportées, constitue, d’après la pensée de Walter Benjamin (Charles Baudelaire: un poète lyrique à l’apogée du capitalisme, traduit par Jean Traduction Lacoste, Paris, France, Éditions Payot & Rivages, 2002, p. 155) : « La où domine l’expérience au sens strict, on assiste à la conjonction, au sein de la mémoire, entre des contenus du passé individuel et des contenus du passé collectif ». Cette idée implique, dans notre exemple, qu’il ne s’agit pas seulement de l’expérience individuelle de Chantal. Son récit met en jeu nos propres expériences qui résonnent à partir du vécu raconté de Chantal. Composer avec ces histoires, chercher une continuité entre ces vécus et une forme musicale supposent de la part de Luc Ferrari une démarche éthique : un effort pour construire un sens collectif à travers le partage des expériences subjectives.
21 avril 1967, 11 septembre 1973 : que peut la musique ?
Authors: Solomos Makis 
Published: November 2024

Cet article se propose d’étudier le rôle de la musique (et du son) dans des conditions de détention politique. Il prend pour cadre la dictature des Colonels grecs (1967-1974), qu’il étend historiquement vers la guerre civile qui a précédé et, géographiquement, vers la dictature de Pinochet au Chili. Il évoque d’abord les usages néfastes de la musique et du son, qui visent à une désubjectivation des détenus ; il analyse notamment la musique sur commande, qui utilise négativement l’énergie de la musique en tant que musique, ainsi que les pratiques de torture sonore, qui se servent de la musique (ou du son) comme énergie acoustique. Puis, il s’intéresse aux rôles positifs de la musique, lors de son développement « libre » par les détenus, rôles où la musique peut consoler, aider à créer une communauté et à résister, divertir… Pour finir, il présente les 16 Chansons d’exil, un document encore peu connu, contenant des chansons de style rebetiko composées et enregistrées (clandestinement) en détention sous la dictature des Colonels.
« Nous sommes façonnés par nos ouvertures autant que par nos passés » – Entretien avec Ahmed Essyad
Authors: Essyad Ahmed , Fariji Anis 
Published: November 2024

Ahmed Essyad est un compositeur marocain né à Salé en 1938. Après une jeunesse passée au Maroc et un début de formation musicale au Conservatoire de Rabat, il part en France en 1962 où il rencontre Max Deutsch1, dont il suivra l’enseignement et avec qui il collaborera durant une vingtaine d’années. Formé à l’héritage esthétique de la Seconde école de Vienne, Essyad n’aura de cesse cependant de sonder les potentialités des musiques de tradition orale, notamment celles de sa culture d’origine, afin de les recueillir dans sa musique tout en évitant le piège de l’exotisme vulgaire. Dans cet entretien, nous nous arrêtons avec lui sur un certain nombre de questions que soulève une telle démarche, questions que nous présentons suivant quatre axes : 1) l’intégration du matériau mélodico-rythmique ; 2) la question de la forme ; 3) l’apport du texte et de la langue, ainsi que les questions de l’expression et de l’interprétation ; et 4) la question de la modernité musicale au regard des traditions orales et de l’interculturalité.
Entretien avec des membres de la Fanfare Invisible
Authors: Hamey Jakubowicz Maël , Souchal Nicolas 
Published: November 2024

Avec plusieurs dizaines de musicien·nes actif·ves, la Fanfare Invisible accompagne de nombreuses manifestations politiques en Île-de-France et ailleurs. Fort·es d’un répertoire qui puise dans les luttes d’hier et d’aujourd’hui qu’iels s’attachent à transmettre toutes les semaines, iels participent à donner de la joie dans les luttes. Cet entretien, lui aussi inscrit dans un contexte de mobilisation, aborde différents aspects de la pratique de la Fanfare Invisible, avec trois de ses membres : leur histoire, la transmission du répertoire, leurs rapports à la scène et aux mouvements sociaux, comment iels incluent leurs idéaux politiques au sein même de leur pratique musicale et leurs liens avec d’autres fanfares ou ensembles musicaux à travers la France et en dehors. Près de quatre ans après cet entretien, la Fanfare Invisible continue de soutenir les luttes sur de nombreux fronts.
Dispositif immersif en contexte queer
Authors: Fraser Emery Jordan 
Published: November 2024

En partant d’un travail de recherche mené dans un cabaret burlesque et queer, nous proposons la mise en lumière d’une démarche méthodologique hybride. Celle-ci mobilise une observation participante couplée à un dispositif de captations audiovisuelles engageant une caméra classique et deux caméras 360°. Aussi bien par son intention que par sa forme, la méthodologie discutée nous intègre en tant que chercheur dans le cercle dans lequel évoluent les participants de notre terrain de recherche, avec le souci d’une réflexivité. Une participation active sous forme de collaboration permet d’évoluer avec la troupe dans les coulisses du cabaret ainsi que sur scène avec la participation, en corps à corps, à une part de la performance de l’artiste suivi. Cette hybridation de méthodes visuelles trouve son acmé dans la production d’une expérience en réalité virtuelle. Production immersive qui restitue et fait vivre à l’observateur, autant par le visuel que par le gameplay, l’intersubjectivité de la recherche – une manière d’être-à-la-recherche.
Baudelaire, la tour d’ivoire et le « secret de l’art »
Authors: Guyaux André 
Published: November 2024

Baudelaire utilise la métaphore de la « tour d’ivoire » à propos de Delacroix, en 1863. Il en fait alors la prison choisie, où l’artiste s’enferme pour s’éloigner de la foule et préserver « le secret » de son art. Il pense aussi à l’atelier du peintre, où il eut le privilège de le voir travailler, à ce bâtiment tout en hauteur, qui détache du sol l’exercice de l’art et le rapproche de la voûte céleste. L’œuvre de Baudelaire est parcourue, à l’image de la tour, d’un mouvement du bas vers le haut, et du haut vers le bas : on le retrouve dans des poèmes comme « Bénédiction » ou « L’Albatros », ou dans « Le Mauvais Vitrier ».
La Tour de Doan Bui. Une architex-Tour perecquienne ?
Authors: Pozzetti Francesca 
Published: November 2024

Après la parution du Silence de mon père en 2016, Doan Bui publie son premier roman La Tour ou un chien à Chinatown en 2022 qui raconte les vies des habitants de la Tour Melbourne au sein de la dalle des Olympiades dans le 13e arrondissement de Paris. Le roman fait écho à la Vie mode d’emploi de Georges Perec : le mouvement narratif, qui saute d’un chapitre-logement à l’autre, rappelle le procédé zigzaguant à l’intérieur de l’immeuble 11, rue Simon-Crubellier. Mais c’est surtout la manière de raconter la spatialité qui renvoie aux espaces perecquiens. Plus spécifiquement, l’importance donnée à la spatialité dans le roman de Doan Bui est le résultat de la cohabitation de trois piliers architextuels que l’auteure emprunte à Georges Perec : l’espace vide, l’espace clos et l’espace a-relationnel.
La tour d’ivoire d’un mondain dans sa chambre. Proust était-il un écrivain isolé ?
Authors: Vernet Matthieu 
Published: November 2024

Proust n’utilise que deux fois l’expression, révélée par Sainte-Beuve, « l’écrivain dans sa tour d’ivoire ». Ces deux occurrences surviennent au début et à la fin de sa vie littéraire et permettent d’avoir un aperçu de l’évolution de l’écrivain dans son rapport à l’écriture, dans la place qu’il doit occuper dans le monde et la société. Proust raille en effet dès le début des années 1890 l’image de la tour d’ivoire comme un mythe décadent, et le statut de l’artiste qui en dérive. À la fin de sa vie, dans un passage prévu pour Le Temps retrouvé, Proust souligne au contraire combien l’écrivain doit avoir affaire avec son temps et ne pas renoncer à se confronter avec l’Histoire, qu’il s’agisse de l’affaire Dreyfus ou de la Grande Guerre.
« L’attente silencieuse »
Authors: Supartono Alexander 
Published: November 2024

Cet article s’intéresse au rôle capital qu’ont joué les expéditions archéologiques dans les débuts de la photographie aux Indes orientales néerlandaises (l’Indonésie coloniale). À la suite de chasses au trésor archéologiques rivales organisées au xixe siècle, l’appareil photographique devient un outil apprécié de l’administrateur colonial hollandais pour sa capacité à offrir une description fidèle et une impression fiable des temples et antiquités hindous et bouddhistes de Java. Les premières expéditions photographiques effectuées sur l’île, initiées par l’État ou des entreprises privées et commerciales, sont marquées par des visées proto-archéologiques. L’examen attentif des images réalisées par Adolph Schaefer, le studio Woodbury & Page, Isidore van Kinsbergen et Kassian Cephas permet de montrer comment les photographes européens et javanais, qui ont appris à maîtriser leur pratique sous le soleil des tropiques, ont adopté et adapté le réalisme produit par l’appareil photographique pour exprimer leur manière de voir et d’imaginer les antiquités de Java dans le contexte d’un projet archéologique colonial.