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La différence dans et à travers la répétition dans la musique et la peinture
Authors: Zenck Martin 
Published: November 2024

Cette contribution ne porte pas essentiellement sur les différents écrits de Gilles Deleuze qui mettent en avant la musique et les beaux-arts, mais sur son principal ouvrage philosophique « Différence et répétition » (1968). En m’appuyant sur sa notion de « répétition », j’établis une distinction entre les formes suivantes : premièrement, l’écart temporel et ontologique entraîne une séparation nette entre la répétition et l’objet répété ; il existe, deuxièmement, une responsivité homogène entre la répétition et l’objet répété ; troisièmement, la répétition peut avoir un impact rétroactif tel qu’il se révèle dans l’interprétation que donne Derrida du mythe d’Echo et Narcisse ; nous avons, quatrièmement, une « force transformatrice de la répétition » (Waldenfels) et, enfin, un impact continu de celle-ci qui engendre en permanence de nouvelles différences. Cette cinquième forme de la répétition déduite de la lecture de Deleuze peut être une « répétition de l’objet » ou bien une « répétition en elle-même », où les répétitions stéréotypées et mécaniques se distinguent grâce au « Même ». Il est également possible d’appliquer cette forme de répétition à la différence entre répétition métrique et répétition rythmique (exemple choisi : Schönberg, opus 15, n° VIII). Cette forme, simultanée, se démarque alors de la répétition successive qui, à travers des inversions, entraîne une responsivité entre la répétition et l’objet répété (exemple choisi : Webern, opus 3, n° I). D’une manière générale, cette contribution quitte volontairement le discours de la philosophie identitaire qui définit la différence par rapport à une identité primordiale, pour se rapprocher du concept de l’ « hétérogenèse » avec une différence non primordiale, ouverte : y correspondent, en matière de processus compositoire, la « partition des variantes » de Franz Liszt et de Gustav Mahler, ainsi que le travail pour orchestre de Pierre Boulez « Figures – Doubles – Prismes » (1957-1968).
Deux visions de la « vie intérieure du son » : Scelsi et Xenakis
Authors: Solomos Makis 
Published: November 2024

Que peut-il y avoir de comparable entre Scelsi et Xenakis, entre le compositeur de l’intuition et le compositeur de la formalisation, entre le musicien de l’éther et le musicien des grandes secousses telluriques, entre le chantre de l’incantation sur la base d’une seule note et le sculpteur de gigantesques masses sonores ? Cet article tentera la comparaison en partant d’une question qui a vivement intéressé toute la musique depuis 1945 : la « vie intérieure du son ». « Nous creusons tous les deux un tunnel. Mais nous avons commencé loin de l’autre. Aucun ne sait précisément où il va, mais il se peut qu’un jour nous nous rencontrions au milieu », écrivait Scelsi en parlant de Xenakis…
Modélisation du simulacre cinétique, un moteur des arts du temps plastique
Authors: Minier Josselin 
Published: November 2024

En deçà d’une conceptualisation langagière particulière, les arts semblent présenter un rapport au monde qui passe par le mouvement. Si le mouvement « réel » sert lui-même à la création, il constitue aussi un moteur engagé dans toute la construction cognitive artistique. Dans cet article s’appuyant fortement sur la pensée de Deleuze, la simulation du mouvement se cristallise au travers de la notion de simulacre cinétique, et se modélise mathématiquement et informatiquement sous la forme de schèmes cinétiques ; est proposée une méthode systémique construisant des variations par boucle rétroactive. À partir des schèmes peuvent être élaborées des figures spatio-temporelles orientées par une symbolique de la force et du mouvement, symbolique qui se retrouve dans une conception deleuzienne de l’art. De la musique et des graphismes ont ainsi été produits grâce à la réflexion et aux méthodes présentées ; mais les séquences peuvent tout aussi bien servir l’analyse du « moteur » d’une œuvre : son rapport au temps et à l’espace contracté par une synthèse temporelle. Ce modelage cognitif du temps qui contracte l’espace du monde, et le redéveloppe dans celui de l’œuvre, permet de généraliser un principe créatif primordial, celui de simulacre cinétique, et de parler ici, peut-être de manière provocante, des arts du temps plastique.
« Theater der Totalität » ou le paradoxe des sens : l’abstraction au défi de la représentation
Authors: Ségol Julien 
Published: November 2024

Le projet d’un « Théâtre Total », qui fascine une partie des avant-gardes de l’entre-deux guerres, dans le sillage post-wagnérien, trouve au Bauhaus un lieu d’expérimentation privilégié. L’effervescence théorique et artistique encourage toutes les hardiesses : Walter Gropius, Lux Feininger, Oskar Schlemmer ou encore Laszlo Moholy-Nagy, tous connaissent la tentation du système qui synthétisera, dans l’ordre représentatif, les composantes de l’humain. L’« homme nouveau » prend ainsi place dans un espace analytique, où chacun des sens doit trouver la représentation qui lui correspond et l’espace du théâtre, pensé comme la forme privilégiée de la représentation, devient l’occasion de ressaisir la figure humaine en l’inscrivant dans une idéologie de la modernité fondée sur l’abstraction. Cet article interroge plus particulièrement la confrontation des visées avant-gardistes de Moholy-Nagy avec l’univers du répertoire traditionnel de l’opéra dans le cadre de ses réalisations scéniques pour les Contes d’Hoffmann et Madame Butterfly au Krolloper de Berlin en 1929-1931.
Histoire, Acoustique, Architecture. Ecoutes croisées à la Conciergerie
Authors: Alsina Tarrés Ariadna , Iseki Kumiko , Matos Rocha Namur 
Published: November 2024

Dans cet article nous parlerons de notre expérience dans le cadre de la manifestation Écoutes Croisées1 imaginée et coordonnée par Pascale Criton2, qui s’est déroulée les 21 et 22 mars 2014 à la Conciergerie (Paris). Dans un premier temps, nous verrons des questions concernant le projet global : les aspects théoriques, l’histoire, l’architecture, l’acoustique et le déroulement des événements du projet. Dans la deuxième partie, nous détaillerons notre participation en expliquant nos compositions dans le cadre de ce projet.
La nature perturbatrice (disruptive) de l’écoute
Authors: Westerkamp Hildegard 
Published: November 2024

Un véritable état d’écoute ne peut être acquis par la force. L’ordre d’écouter – ÉCOUTE ! –, que nous avons tous entendu et expérimenté, conduit à une fermeture, un éloignement, une non-écoute, peut-être même à une perturbation permanente de nos canaux d’écoute qui étaient auparavant ouverts et confiants. Il est perçu comme tout son qui agace, perturbe, fait mal ou blesse : on grince des dents, on essaye de l’ignorer, de le combattre ; on veut s’en débarrasser, cependant on ne commencera pas à écouter.Du fait de sa nature même, l’écoute est un processus incessant et doux d’ouverture. En général, nous sentons quand nous sommes dans cet état de réceptivité perceptive et nous savons quand nous l’avons perdue. L’écoute n’est jamais statique, elle ne peut pas être maintenue ; elle doit être continuellement redécouverte. En tant que telle, l’écoute est perturbatrice dans sa nature. Paradoxalement, alors qu’un état d’esprit posé et calme, un sentiment de sécurité, de paix et de détente sont essentiels pour inspirer l’éveil de la perception ainsi que la volonté et le désir d’ouvrir nos oreilles, les routines usuelles, les habitudes et les schémas seront perturbés et dévoilés dans un tel processus d’écoute ; les bruits et les états d’inconfort seront inévitablement remarqués, et toutes sortes d’expériences seront découvertes et testées. L’écoute implique en fait être préparé à répondre à l’imprévisible et au non-planifié, à accueillir l’importun. Comment atteignons-nous un tel état d’écoute, pourquoi le voudrions-nous ?
Paysages sonores de/en guerre : esth(é)thique
Authors: Pardo Salgado Carmen 
Published: November 2024

Le Concerto Grosso Balcanico d’Arsenije Jovanovic constitue l’œuvre qui permet, dans cet article, de questionner les rapports entre l’esthétique et l’éthique des paysages sonores de et en guerre. Cette interrogation prend comme cadre conceptuel de référence la proposition de Nietzsche selon laquelle « notre sensibilité artistique est également une sensibilité morale ». À partir de cette affirmation, analysée dans l’introduction, le texte examine les paysages sonores en guerre et les paysages sonores de la guerre. Pour les premiers, sera mentionnée l’orchestration des bruits de la Première Guerre Balkanique réalisés par les futuristes et par Gustave Cirilli. Pour les seconds, l’œuvre de Jovanovic composée pendant la Troisième Guerre Balkanique permettra de montrer le passage de la réalité sonore de la guerre à sa transposition poétique à l’intérieur de la composition musicale.
Voces de la Rebeldía and Los Diablos Rojos de Víctor Jara: Remembering Chile’s Violent Past through Music and Dance
Authors: Chornik Katia 
Published: November 2024

Cet article analyse deux initiatives fortes au Chili qui sont apparues séparément pour commémorer la dictature de Pinochet : le chœur d’anciens détenus politiques Voces de la Rebeldía (Voix de la rébellion), recréé après plusieurs décennies d’inactivité – il avait été fondé dans le centre de torture et d’interrogatoire Villa Grimaldi ; la troupe de performance de rue Los Diablos Rojos de Víctor Jara (les diables rouges de Víctor Jara ), formée de jeunes musiciens et danseurs pour honorer le musicien et directeur de théâtre assassiné. Tandis que le chœur s’est efforcé de garder vivante une activité qui fut cruciale à la survie spirituelle de ses membres en tant que prisonniers politiques et de transmettre à des publics contemporains les mémoires du contexte brutal où il est né, Los Diablos Rojos ont pris une direction de transformation esthétique, renouvelant l’héritage musical et politique de Víctor Jara, non seulement en gardant vivante la mémoire des victimes de l’époque de Pinochet, mais aussi en défiant les tentatives de criminaliser la contestation sociale.
Alvin Lucier, éthique et électricité
Authors: Gauthier‑Rahman Nicolas 
Published: November 2024

Le présent article décrit la problématique du compositeur américain Alvin Lucier, icône contemporaine, vis-à-vis du son dont il cherche à saisir la teneur, ou précisément la prise de son au travers le plus souvent de procédés d’enregistrement ou de feed-back. Œuvres faisant, Lucier interroge les technologies modernes et du rôle de l’électricité et, à ce titre, sa démarche s’avère éthique. La musique de Lucier opère ainsi comme un questionnement des médias utilisés tout comme une reconnaissance de leur importance dans une utilisation réfléchie. De plus, son art de la scène, plus communément appelé performance musicale, conduit à jeter le trouble sur des notions communes comme celle de lieu ou d’instrument et amène à reconsidérer les notions d’environnement ou de causalité. Or l’exposé tâchera d’en montrer l’intrication, Lucier appartient aussi à cette génération de baby-boomers qui accompagne de grands changements sociétaux aux États-Unis dans des années 1960 qui seront celles de fortes contestations tant politiques qu’artistiques, et qui verront une théorisation progressive de l’environnement comme l’influence de concepts « orientaux ». L’éthique sonore de Lucier peut interroger simultanément technologie ou media mis à l’épreuve, contestation du topos ou « lieu » habituel du son, science ré‑instillée par une approche poétique, ouverture à un usage plus personnel ou réapproprié du son. En postulant une continuité tout azimut par le médium électrique, Lucier se maintient dans une démarche très originale de composition où l’éthique du son constitue cette préoccupation prégnante de pouvoir l’aborder.
La tradition revisitée dans l’Office des Oracles de Maurice Ohana
Authors: Olive Jean-Paul 
Published: November 2024

L’Office des Oracles, écrit en 1974 par Maurice Ohana, témoigne des relations complexes et dialectiques entre son écriture et une forme de résurgence – critique et productive – d’une pensée liée aux rites et aux mythes. Commandée dans les années 1970 pour les Fêtes Musicales de la Sainte-Baume, près de Marseille, cette partition présente dès le départ une spécificité intéressante car elle a été pensée de manière expérimentale, à la fois pour un lieu précis et pour une occasion singulière. Foisonnant, baroque et surréaliste, l’Office des Oracles s’inspire de l’Auto sacramental de l’Espagne du XVIIe siècle et Ohana y multiplie les figures imaginaires héritées de l’Antiquité, mais aussi du monde de l’astrologie. Le tout est pensé dans une volonté de création dionysiaque, mais non sans la distance ironique qui donne à cette œuvre son climat particulier.
Alle Guerre d’Amore : dialogue, fusion et dialectique expressive
Authors: Cresta Gianvincenzo 
Published: November 2024

Dans Alle Guerre d’Amore, je suis parti, d’une part, de l’exigence d’écrire une œuvre qui ne fait qu’un avec la musique baroque et, d’autre part, du désir de trouver une manière de passer de ma musique à la musique ancienne sans interruption, réalisant ainsi un acte de fusion insaisissable. L’objectif consistait à mettre en œuvre à la fois un dialogue, une fusion et une dialectique expressive.Chercher un rapport avec l’histoire, réécrire gestes et textes à travers un processus d’extraction, construire une dramaturgie comme organisation des événements dans le temps, « projeter » dans le sens de planifier le devenir formel de l’œuvre, penser à la « directionnalité énergétique et expressive » de la musique, toutes ces préoccupations ont concouru à cette pièce. En outre, la vocalité reprend le rapport avec le mot afin de récupérer le naturel du chant, en ce sens que la signification de mes textes ne suit pas une logique discursive comme dans les madrigaux originaux – il s’agit d’une sorte de métatexte.Dans Alle Guerre d’Amore, je travaille sur la linéarité et donc sur la recherche d’une narration temporelle : la musique se raconte dans le temps ; l’organisation du temps lui-même devient ainsi une forme de narration.
Applauses and Banners, Horns and Fireworks: Tracing the Sonic Expression of French Social Movements During Lockdown
Authors: Greppi Alessandro , Schuh Diane 
Published: November 2024

La pandémie du coronavirus a transformé les paysages sonores des luttes sociales et politiques à travers le monde. Dans notre article, nous souhaitons proposer l'étude de leurs expressions sonores en France lors du premier confinement, de mars à juin 2020. L'année 2019 a été une année de grandes manifestations, qui ont culminé avec le mouvement des Gilets jaunes, les protestations des travailleurs de la santé et de l'université, et les grèves de masse pour protester contre la réforme des retraites. Comme le veut la tradition en France, ces manifestations ont été marquées par l'utilisation massive de chants, de musique et de rythmes. Le confinement a interrompu ces formes d'expression, mais de nouvelles manifestations sonores de la dissidence ont rapidement émergé pour échapper aux restrictions imposées par le COVID-19 : banderoles de protestation, applaudissements pour les soignants, klaxons de voitures contre la gestion de la crise par le gouvernement, concerts improvisés, percussions de casseroles et feux d'artifice pour protester contre les conditions de vie difficiles dans les banlieues. Quelles autres expressions sonores politiquement conscientes le confirment a-t-il induites en France ? Nous tentons d'y répondre par la documentation et l'étude du son, sous l'angle des espaces privés nouvellement occupés au profit d'expressions publiques, en vue de délimiter les futurs modes de participation et de dissidence politiques.
L’exception culturelle » dans le spectacle vivant à l’épreuve du confinement : symptômes et alternatives
Authors: Barthel Titiane 
Published: November 2024

Qu’est-ce que la mise à l’arrêt du secteur culturel au moment des confinements nous dit du statut particulier des travailleur·euses de l’art ? À partir de constats de chercheur·euses, d’artistes et d’entretiens avec des acteur·rices du secteur du spectacle vivant pendant le confinement, cet article se propose d’interroger ce que cette mise à l’arrêt forcée révèle d’une « exception culturelle » pensée tout autant que subie par les travailleur·euses culturel·les dans leur lien au service public. En retraçant les liens entre institution et artistes dans l’injonction à la productivité au-delà du cadre de l’emploi, cet article tend à montrer les grandes différences révélées par une période de crise dans les manières de se vivre à la fois idéologiquement comme créateur·ices mais aussi socialement comme travailleur·euses et comme intermittent·es. C’est enfin aussi un moment de réalisation des pistes de solutions qui puissent ramener ce secteur du spectacle vivant vers davantage de commun.
Quand l’ethnographie rencontre le cinéma : l’exemple du documentaire Chez Narcisse
Authors: Tuaillon Demésy Audrey , Michel-Béchet Hélène 
Published: November 2024

Chez Narcisse est un espace de culture alternative en milieu rural. Située dans les Vosges, cette salle de concert est connue en France pour être un lieu d’expression de la culture punk. S’inscrivant dans la continuité d’une enquête ethnographique, la collaboration entre une sociologue et une documentariste a donné lieu à un court-métrage éponyme. Cette expérience croisée de la mise en images d’un lieu de vie sera questionnée sous l’angle des temporalités qu’elle a fait émerger. En effet, si la temporalité de l’écriture commune est longue, celle du tournage est davantage restreinte et contrainte, notamment par la cyclicité des événements filmés. Enfin, le montage est une manière de déconstruire le temps pour modeler le réel. Il s’agit ainsi de montrer comment, au cours de l’avancement du projet, plusieurs temporalités (celle de la recherche, du documentaire, du quotidien, notamment) s’articulent entre elles, produisant, in fine, une création nouvelle, symbiose de deux points de vue.
La voie audio-visuelle en sciences sociales : donner voix par le film, donner corps à la recherche
Authors: Chouraqui Floriane , Asté Maylis 
Published: November 2024

À la croisée de nos démarches de recherche – en géographie et en cinéma – cet article questionne les enjeux de l’écriture cinématographique en sciences humaines avec, comme point d’achoppement, la question de la parole. Dans les films, sons et images ne cessent d’interagir : les voix, leur coloration, leur accentuation participent – en dialogue avec le visible – de définitions socio-spatiales. Ayant mobilisé les méthodes audiovisuelles pendant nos thèses respectives, nous proposons ici une analyse du maillage de sens qui se tisse entre l’audible et le visible à partir d’extraits de nos propres films de recherche. Les voix qui habitent ces films, tournés au Cap-Vert et en France, donnent à entendre et à sentir un vécu de l’espace.
La « chance » du réel. Considérations en marge de Bijay’s Treasure
Authors: Storto Luigi 
Published: November 2024

Cet article constitue l’essai d’une approche théorico-méthodologique de Bijay’s Treasure, un court métrage réalisé comme film conclusif du Master of Arts que j’ai suivi à l’université Royal Holloway de Londres. Bijay est un enfant de dix ans, obligé à vendre de l’encens dans les rues de Calcutta par une mère tyrannique. Fasciné par une fête foraine découverte par hasard, l’enfant commence à cacher des petites quantités de l’argent gagné, un « trésor » qui lui permettra de s’évader aux manèges. Un petit geste de rébellion qui, bien qu’il ne puisse pas changer ses conditions de vie, constitue en définitive son seul moyen de nous rappeler qu’il est simplement un enfant.
La relation d’enquête dans la recherche-création en sciences du social : deux exemples d’écriture visuelle
Authors: Balteau Émilie , Tilman Alexandra , Tilman Hélène 
Published: November 2024

Résumé : Cet article s’adosse aux recherches socio-anthropologiques de trois chercheuses, Émilie Balteau, Alexandra Tilman et Hélène Tilman qui ont en commun de recourir aux arts visuels dans le cadre de recherches sur le monde social, considérant les démarches scientifiques et artistiques comme des modes de connaissance complémentaires à même de déployer ensemble la complexité du réel étudié. Leur affinité tient également à leur volonté de réhabiliter des réalités sociales invisibilisées au travers de propositions formelles qui se démarquent des formes audio-visuelles qui cantonnent l’image à un statut d’illustration ou de cliché.
Les hiatus de diane dans la trilogie de Sophie Loizeau
Authors: Cavelier Lydie 
Published: November 2024

La Femme lit, Le Roman de diane et Caudal composent la trilogie de Diane (2009-2013), déesse tutélaire, mais pour une poétesse accouchant d’elle-même, se créant divinement dans l’instase. Les hiatus président au traitement de la matière mythologique (les motifs mythologiques et fantasmatiques de la fente sexuelle de Diane, du voyeur-Actéon) comme de l’écriture (l’arc et son revers poétique, la lyre). Par subversions, par commutations et par inversions, ils spécifient une relation organique et jouissive avec la forêt, la maternité, la sexualité, la lecture, l’écriture et l’oralisation. Ces troubles, ces heurts sont érotiques, vitalistes : ils affranchissent de la binarité des représentations normées et genrées sur les plans érotique, linguistique (le masculin et le féminin) et poétologique (le vers, la phrase et la prose).
Poésie de Pascal Quignard : l’Arcadie sauvage dans L’amour la mer et Les paradisiaques.
Authors: Collin Franck 
Published: November 2024

L’écriture de Pascal Quignard a commencé par des traductions, des citations, des vers repris aux poètes anciens, parmi lesquels Virgile a une aura particulière. En conjuguant le mythe virgilien de l’Arcadie et celui d’Orphée, Quignard entend refonder l’exigence de l’art poétique, en remontant à la force sauvage qui prévaut en lui et qui permet d’atteindre le « réel ». Cette démarche se lit donc autant dans son écriture de romancier (L’amour la mer, 2022) que dans celle de l’essayiste (Les Paradisiaques, 2004). Les voix du poème (vers libre, prose, fulgurance) s’y font entendre à chaque acmé d’une dissolution harmonieuse au sein des éléments. Un geste qui conjure la noyade de Celan.
Jean-Pierre Verheggen : autoportrait de l’artiste en Jules César-Chinchard
Authors: Gorrillot Bénédicte 
Published: November 2024

L’écriture idiote, comprise au double sens de spécifique et bêtifiante, de Jean-Pierre Verheggen (1942-2023) se caractérise, à la suite de Rimbaud, par un parti-pris zutique, avec la même intention politique et critique. Il s’agit d’empêcher sa poésie, comme toute poésie, de se prendre au sérieux et d’être récupérée malgré elle par l’académie. La convocation du fonds gréco-latin, déclaré obsolète par une certaine veine moderne ou moderniste, elle-même devenue un nouvel académisme, constitue, avec le recours à l’inversion carnavalesque et à son cortège d’obscénités, une arme de choix. Mais les textes ou figures antiques mobilisés par une telle poétique ne peuvent qu’en ressentir les effets délétères. Ainsi le grand Jules César, régulièrement cité par Verheggen entre 1983 et 2020, est-il le plus souvent burlesquement défiguré (comme en ce « Jules Chinchard » de 2001), au point qu’il faut parfois un lecteur assez érudit pour débusquer son souvenir ou mesurer son utilisation iconoclaste. Le présent article se propose d’éclairer ces divers modes de présence de l’imperator romain, tantôt en survivance anachronique ou en remodelages catachroniques burlesques et offre de dénouer les fils complexes de l’hétérochronie du poème verheggenien, qui pourrait constituer une illustration exemplaire des théorisations contemporaines de la façon dont les œuvres aujourd’hui et leurs auteurs se tiennent « Devant le temps » (Didi-Huberman) ou « inventent » leur passé (Deguy).