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L’ethnomusicologie fonctionnelle face à la globalisation : défi ou utopie ?
Authors: Bouët Jacques 
Published: November 2024

Le problème de la sauvegarde des musiques locales fut dans un premier temps posé avec beaucoup de candeur selon une logique muséographique qui est vite devenue caduque. À la rigueur, les vestiges des civilisations éteintes pouvaient être transformés en objets d’exposition, mais il n’est guère censé de traiter les pratiques vivantes des civilisations contemporaines de la même manière, surtout lorsqu’elles sont prises dans le tsunami de la globalization galopante. Rien ne prouve non plus que le grand brassage de la world music — dissociant sans discernement les pratiques musicales locales de leur contexte et « bricolant » outrancièrement les langages musicaux qu’elles ont générés — puisse contribuer réellement à la sauvegarde des moyens de création propres à l’oralité musicale. Tout comme le musée, la scène où elles brillent de leur dernier feu de paille risque bien de devenir le cimetière des pratiques musicales locales « défonctionnalisées ». À tout prendre, le patient travail monographique des ethnomusicologues et sa transmission en retour dans les populations locales où il a été effectué sont un espoir de sauvegarde plus réaliste que l’emprunt ou la transplantation. Il est, en effet, de nature à déclencher un processus de renaissance durable si les populations concernées consentent à prendre le relais. Il y a également beaucoup à espérer de la floraison récente des musiques dites « néo-traditionnelles » que l’on devrait considérer comme prioritaires s’il était permis de définir des priorités en matière de sauvegarde et de soutien.
World music : un objet virtuel ?
Authors: Corre Christian 
Published: November 2024

On commence à mesurer aujourd’hui quels effets peuvent produire, dans le champ artistique, l’idée de « mondialisation » ; mais un seul art dispose déjà d’un vocable directement adapté à la situation : la musique, avec la catégorie de « world music ». Encore largement ignorée des musicologues –en raison de sa proximité ambiguë aussi bien avec la « variété » qu’avec les musiques dites encore « traditionnelles » - la « world-music est pourtant, en dépit de son extrême vulgarisation, un nouveau concept (au sens à la fois esthétique et commercial) qui demande à être pensé pour lui-même. Le présent article entend interroger, à travers lui, quelques formes inédites de collusion entre champ musical et (géo)politique, mythes post-modernes et réalités récentes (humanitaire, technologie). Il espère aussi y repérer la naissance d’un nouveau « symbole du monde » (au sens d’Eugène Fink), auquel seul le médium-musique peut donner consistance.
Qu’est-ce que la psychanalyse apporte à l’analyse musicale ?
Authors: Hascher Xavier 
Published: November 2024

Cet article a pour objet de légitimer l’application de la psychanalyse à l’analyse des œuvres musicales, à la fois d’un point de vue formel et comme herméneutique. Il tente de préciser la possible articulation de la psychanalyse avec l’analyse musicale en promouvant pour cette dernière une forme rigoureusement théorisée, appuyée sur des modèles clairement définis. Il récapitule le point de vue traditionnel de la psychanalyse sur l’art en vue de montrer que, contrairement sans doute à l’idée courante, l’apport de la psychanalyse se situe bien dans l’analyse et l’interprétation des œuvres et non dans une tentative d’approche psychologique de la vie de leurs auteurs à travers leur « pathobiographie ». Notamment, les outils développés pour l’analyse du rêve (mais aussi du mot d’esprit) peuvent s’avérer utiles dans la perspective de leur application aux œuvres musicales.
Destitution subjective et dissolution du moi dans l’œuvre de John Cage
Authors: Safatle Vladimir 
Published: November 2024

Il s´agit ici de discuter le nouage entre forme musicale et structure de rationalité dans l´œuvre de John Cage. Cette perspective doit nous amener à la compréhension du rôle du concept de nature dans l´orientation de la critique de la rationalité de la forme musicale occidentale chez Cage. Elle doit aussi nous ouvrir la voie vers la compréhension du caractère « thérapeutique » de la musique cageénne, pour autant qu´elle elle est animée par un programme de dissolution du moi et de destitution subjective. Prendre en compte ce programme nous permet d´ouvrir une discussion à propos des rapprochements possibles entre des modes de subjectivation présupposés par l´œuvre cageénne et ceux présupposés par la psychanalyse dans son versant lacanien.
Une brève histoire du bruit, de Rousseau à Grisey
Authors: Arbo Alessandro 
Published: November 2024

En Occident, la théorie et la philosophie de la musique des Anciens, parce qu’elle recherchait un idéal de son « ordonné » et « mesuré », excluait par principe le bruit de son champ de réflexion. L’esthétique musicale baroque s’est la première intéressée à ce dernier comme objet d’imitation : c’était pour elle la marque distinctive de la nature, dont le produit de l’imitation devait dans une certaine mesure se tenir éloigné. Au XVIIIème siècle, l’exclusion du bruit du vocabulaire musical ne se fonde plus sur des raisons métaphysiques, mais des critères de goût ou des arguments d’intérêt psychologico-cognitif : les sons harmoniques, en dépit de la complexité qui peut caractériser leur nature, se rendent plus facilement disponibles à la saisie et à la mémorisation. Par la suite, dans le répertoire musical du XIXème siècle, le bruit est traité comme une sorte de supplément expressif du son instrumental, avant de passer résolument au premier plan au XXème siècle. Les futuristes en font le pivot d’une sorte de vocabulaire de la provocation. Avec Edgar Varèse, qui a mieux su en exploiter la complexité disharmonique, puis avec l’avènement de l’électro-acoustique et l’approche acousmatique de Pierre Schaeffer, on assiste à une nouvelle « émancipation » de cet objet sensible dans le cadre d’une représentation plus globale du phénomène sonore. Afin de conférer un nouvel intérêt aux facteurs de la perception qu’une application trop systématique de la technique sérielle avait fini par faire passer au second plan, les compositeurs de l’Itinéraire transforment cette intuition en un devoir analytique : explorer de nouveaux horizons à la périphérie du son, projeter ses transitoires d’attaque et d’extinction et ses partiels pour générer de nouvelles structures. Dans une telle perspective, le bruit ne se présente plus comme un trouble opposé au son harmonique mais comme l’extension de ses composantes « naturelles », correspondant, sur le plan de la perception, à des zones de chute ou de saturation d’un événement sonore conçu en termes dynamiques, comme un champ de forces dont sont mises en évidence les potentialités symboliques et expressives.
Vespa, ombak, son des anges
Authors: Picard François 
Published: November 2024

Si souvent le bruit, c’est la musique de l’Autre, comment en vient-on à écouter et entendre comme Lui ? Cette expérience interculturelle à la base de l’ethnomusicologie peut trouver des fondements dans une écoute du son et dans des conditions proches de la démarche acousmatique. En retour, elle montre une histoire de l’oreille occidentale bien différente du sens commun, qui voudrait celle-ci exclusivement attachée au tempérament, à l’écriture, aux notes.
Le bruit de fond est-il un son ?
Authors: Meric Renaud 
Published: November 2024

Dans l’Étude de bruit de fond, 3a des Écosystèmes audibles du compositeur italien Agostino Di Scipio, le bruit de fond alimente un système interactif, écosystémique. Ce bruit de fond est ainsi à la fois l’unique matériau sonore du système musical établi pour cette pièce (il alimente et influence le système informatique qui s’adapte à cette « nourriture sonore » particulière) et le produit de ce système (il en constitue le résultat sonore, audible, musical). Dans ce cycle complexe, ce résultat redevient matériau. À l’intérieur de cet écosystème, quelle place occupe l’auditeur, comment réagit-il, comment est-il confronté à celui-ci ? Le bruit de fond du système est aussi, dans une perspective différente, le bruit de fond de l’auditeur et de la musique qu’il écoute et qu’il imagine. La question : « le bruit de fond est-il un son ? », posée par le titre et qui sert de trame à l’article, permet d’engager une confrontation entre une écoute active (l’auditeur) et un système actif (l’écosystème). Le bruit de fond, multiple et complexe, mis en valeur par la pièce d’Agostino Di Scipio, permet ainsi de questionner l’écoute et l’imagination sollicitées par la musique.
De Bollywood au chant des mahar. Analyse d’un cas d’emprunt musical au Maharashtra, Inde
Authors: Jugand Julien 
Published: November 2024

Les mahār, (ex)intouchables du Maharashtra convertis au bouddhisme, ont élaboré un genre musical dénommé bhīmgīt. Il est apparu à la suite d’un mouvement social centré sur la question de la caste et mené par le leader mahār Bhimrao Ambedkar durant la première moitié du XXème siècle. Inscrits de manière complexe dans la continuité des pratiques musicales et littéraires de la région, ces chants centrés sur le personnage d’Ambedkar ont un rôle fédérateur chez les mahār. Mais certaines bhīmgīt peuvent être le produit d’emprunts musicaux parfois réalisés à partir de musiques de film de Bollywood. Quelles caractéristiques musicales permettent alors de qualifier le chant en question de bhīmgīt ? Par une analyse musicologique, cet article souhaite montrer comment l’étude d’un cas d’emprunt permet de réfléchir aux processus d’appropriation (essentiels dans la réflexion sur le concept d’identité) ainsi que d’offrir des clés de compréhension des caractéristiques musicales des bhīmgīt.
De nous à nous
Authors: Bricout Romain , Tiffon Vincent 
Published: November 2024

Lorsque Gilbert Simondon décrit le processus d’individuation psychique et collective, il montre le caractère indissociable du je et du nous (ou des nous), avec, en son coeur, un et relevant de la technique. Cette dernière peut tour à tour être la pratique d’un langage, mais aussi l’écriture, l’imprimerie, les technologies de la photo-sono-vidéofixation, ou encore de nos jours, le réseau. Pour mieux saisir l’apport de la pensée de Simondon dans la compréhension du monde musical d’aujourd’hui, nous souhaitons confronter deux approches musicales. D’une part, l’exemple singulier de la musique acousmatique ou électroacoustique dans la filiation de la « musique savante » - entendue comme un savoir à transmettre - qui échoue précisément à atteindre un large public, autrement dit à élargir le nous des initiés. D’autre part, les musiques électroniques populaires qui, quelques décennies plus tard, semblent redécouvrir le « langage » de la musique électroacoustique par la manipulation artisanale des instruments, en renforçant, simultanément et de proche en proche, une véritable communauté de praticiens de la musique. En conséquence, et à l’aube des mutations technologiques du xxie siècle, on s’interrogera sur les caractères « associatifs » ou « dissociatifs » des techniques musicales et de leurs usages. Si une technique peut structurellement tendre soit à favoriser ou à détruire le processus d’individuation, allant dans certains cas jusqu’à la transformation des je et nous en on, comme négation de ces mêmes je et nous (Bernard Steigler), c’est toujours l’usage de cette même technique qui est déterminant. L’exemple de la télévision (emblématique de la vidéosphère) montre comment un dispositif en étoile (un émetteur vers plusieurs récepteurs sans possibilité de réponse) peut provoquer une perte de participation et de symbolisation, et ainsi générer une potentielle « misère symbolique ». A l’inverse, l’écriture graphique qui est initialement une technique de contrôle du pouvoir par les clercs sur le peuple, devient, avec l’invention de l’imprimerie, l’un des plus puissants vecteurs des idéaux démocratiques. Les relations qu’entretiennent musiques électroacoustiques « savantes » et musiques électroniques « populaires » sont riches d’enseignements sur l’importance et les diverses formes que peut recouvrir cette liaison technique, indispensable au passage du je au nous, mais aussi d’un nous à un autre nous.
La New Musicology
Authors: Goldman Jonathan 
Published: November 2024

Comment définir les New Musicologists ? C’est le terme qu’on employait jusqu’à récemment pour désigner l’avant-garde de la musicologie américaine des années 1980 et 1990. En termes purement chronologiques, il s’agit de la génération de musicologues nés autour de 1950 dont les travaux se manifestent dans les années 1980. Si la description de ce courant est facilitée par son caractère (déjà) historique, elle présente néanmoins un certain nombre de problèmes méthodologiques. Même ses représentants les plus illustres (Carolyn Abbate, Lawrence Kramer, Susan McClary, Rose Rosengard Subotnick, Gary Tomlinson, etc.) ne se définissaient pas à l’origine comme des NM. Néanmoins, il s’est assurément passé quelque chose de radical au sein de la musicologie américaine à l’aube des années 1990. Sur le seul plan du ton, il est évident que quelque chose a changé. Après un bref survol historique des approches ayant un rapport avec cette new musicology, cet article confronte différentes études de ce locus classicus qui est le Prélude en la mineur de Chopin, afin de cerner le défi que la New Musicology a présenté et continue de présenter pour la discipline. La dernière partie de cet article explorera les échos plus récents de ce débat, notamment dans les débats qui ont suivi la parution du Oxford History of Western Music de Richard Taruskin.
Déconstruire les mythes musicaux : le moment Richard Taruskin dans les études stravinskiennes
Authors: Trottier Danick 
Published: November 2024

Au moment où la New Musicology s’impose dans la musicologie anglophone des années 1990, Taruskin publie ses principaux ouvrages sur Stravinski, dont la biographie de 1996 en deux volumes. S’amorce alors un tournant dans les études stravinskiennes avec ce qu’on peut nommer aujourd’hui le moment Taruskin, dont les retombées se font ressentir dans l’ensemble de la musicologie, et plus particulièrement dans l’étude de la musique du XXe siècle. Car pour Taruskin, à travers l’exemple de Stravinski, il s’agit de rétablir les faits historiques et de déconstruire les idéologies musicales en marquant une coupure avec les idées et les concepts hérités du modernisme et du formalisme. Certains ont associé ce travail à celui que pratiquent les tenants d’une New Musicology, alors qu’en réalité les choses sont beaucoup plus complexes. En fait, le croisement entre Taruskin et la New Musicology ne résiste pas à l’épreuve des faits. Seuls quelques rapprochements avec la musicologie dite postmoderne, sur la base d’une distinction établie dans le texte entre New Musicology et postmodernisme, sont possibles, mais encore là incomplets. L’investigation musicologique de Taruskin se fonde sur une connaissance solide du langage musical et sur une exploitation rigoureuse des sources historiques. Dans cette optique, le texte retrace l’objet Stravinski chez Taruskin tout en mettant en lumière l’originalité des résultats et la charge polémique qu’on peut y observer. En définitive, Taruskin accomplit ce à quoi on est en droit de s’attendre dans le cadre d’un travail scientifique exemplaire : le rétablissement des faits et la mise en relief des enjeux heuristiques en ce qui concerne l’étude de Stravinski.
Topographie de la musique en réseau sur Internet
Authors: Baranski Sandrine 
Published: November 2024

Dans cet article, je tenterai d’examiner les différents lieux développés par les créateurs dans le domaine de la musique en réseau sur Internet. À cette fin, je propose d’observer plusieurs représentations spatiales — espaces distribués, espaces virtuels, espaces réticulaires et espaces mixtes — qui constituent le cadre imaginaire et éphémère des nouveaux lieux dans lesquels se réalise la musique. J’aborderai ensuite la question de l’espace public dans la musique en réseau sur Internet à travers la question suivante : que devient la notion de la salle de concert comme lieu idéal classique de représentation publique de l’œuvre dans une musique qui se déploie dans le nouveau continent électronique ?
Helmut Lachenmann en son lieu
Authors: Feneyrou Laurent 
Published: November 2024

Depuis La Petite Fille aux allumettes, Helmut Lachenmann a étudié certains des ouvrages majeurs de la philosophie moderne japonaise, notamment ceux de Nishida, Nishitani et Ueda, ainsi que des anthologies de l’école de Kyoto. Nun, pour flûte, trombone, orchestre et huit voix d’hommes, illustre admirablement les conséquences de cette ontologie religieuse sur l’écriture musicale et la pensée de Lachenmann. L’œuvre cite en effet un extrait du Lieu de Nishida (« Le moi n’est pas une chose, mais un lieu ») et en considère surtout trois notions essentielles : celui de lieu, précisément, que la langue japonaise dit basho, que d’aucuns associent à la khôra platonicienne et qui défie la logique de non-contradiction ; celui de néant absolu (kû), qui radicalise ce que Nishitani a nommé la nihilité nietzschéenne, retournée en vacuité, ouverture infinie des choses, du monde et de soi ; celui d’entre (aida) enfin, en tant que ce qui est à la source de Nun, mais aussi, sans doute, de toute musique, c’est la relation. Ce sont ces trois concepts dont l’article décline les résonances compositionnelles et idéelles.
Mobilité et hétérotopies
Authors: Criton Pascale 
Published: November 2024

Vers quelles représentations, mais aussi vers quelles expériences de l’espace, des distances, des volumes et des matériaux, la musique peut-elle se tourner pour sensibiliser de nouvelles formes de l’écoute et du concert ? Les développements réalisés dans le domaine de la captation et de la diffusion sonore ont transformé notre façon de penser l’événement musical. Plusieurs réalisations, depuis 2006, m’ont permis d’explorer une écriture musicale associant les dimensions du lieu dans lequel se produit l’œuvre. Déambulations, parcours, diffusions simultanées confrontent la spécificité du lieu et la mise en espace de l’événement musical. La représentation « mobile » interroge un espace multiple, déconstruit, tirant partie des potentialités acoustiques de l’espace in situ, mais aussi les possibilités d’une fiction spatiale propre au site (hétérotopies). J’évoquerai ces expériences, dont certaines se sont déroulées dans le cadre de constructions de Le Corbusier.
Installations musicales
Authors: Maestri Eric 
Published: November 2024

Qu’est-ce qui se passe quand un compositeur est devant la page, quand un interprète est face au public ? Probablement ils rentrent en jeu différentes contraintes implicites qui conduisent la main du compositeur et l’esprit de l’interprétation, ils se créent des relations liées au lieu de la représentation musicale qui conditionnent intimement le travail du musicien. En passant par les réflexions de Roman Ingarden le groupe strasbourgeois « l’Imaginaire » touche cette thématique liée depuis le début de son activité.
Une donnée immédiate
Authors: Feneyrou Laurent 
Published: November 2024

De 1948 à 1952, Jean Barraqué, compositeur et analyste, puise volontiers aux sources musicales, théoriques et philosophiques de son maître, Olivier Messiaen, et s’inscrit dans la même archéologie que l’auteur du Traité de rythme, de couleur, et d’ornithologie : l’isorythmie de Guillaume de Machaut ; l’accentuation classique, mozartienne ; et l’organisation moderne du rythme, ouverte par le Sacre du printemps. À travers l’étude de notes de cours, de manuscrits inédits et des premières pages d’un Guide de l’analyse musicale rédigé en 1952, cet article met en évidence les trois phases du rythmé barraquéen : la cellule (ou création du matériau), le développement rythmique (ou variation cellulaire en circuit ouvert) et l’organisation (ou déroulement discursif en circuit fermé), Barraqué opposant à la juxtaposition des rapports entre les cellules et une synthèse. Une autre dimension persiste par conséquent, plus encore que chez Messiaen, et jusque dans l’invention rythmique de Stravinsky : les modèles de l’accentuation d’indyste, suscitant une épaisseur de l’analyse.
Des propositions d’archipels. Rythme, son et écriture au Moyen Âge
Authors: Cullin Olivier 
Published: November 2024

Pour la culture médiévale, l’écriture ne constitue pas une condition nécessaire de la musique. Elle s’établit dans une contradiction de fondement et de temps avec l’objet musical lui-même condamné à lui échapper. L’article entend explorer la légitimation de cette contradiction entre un temps fixe fait de réitérations figuratives (la notation) et le mouvement comme la durée éphémères d’un son. La relation entre le signe et le son entretient une relation de mémoire qu’il convient en premier lieu d’aborder avant d’envisager comment l’image graphique du son a fait l’objet d’un consensus accepté pouvant exprimer le son lui-même. Cette image forcément partielle et subjective renvoie à une connaissance sensible préalable – la musique à proprement parler – vécue dans l’expérience de la parole chantée. Au demeurant, la subjectivité du signe noté souligne l’impossibilité d’une notation parfaite. « Image de l’image sensible d’une forme pure », la notation est à la fois l’espace d’une manifestation tangible de celle-ci et, dans le même temps, par son incapacité à la circonscrire totalement, le lieu de son retrait.
Émergence, enaction et propagation des dimensions temporelles dans les processus compositionnels
Authors: Dahan Kevin 
Published: November 2024

Les rapports que tissent l’improvisation et la composition sont ambigus. Dans quelle mesure est-il possible de considérer leur proximité ou leur distance ? Au travers d’une étude des différents modes d’expression de ces pratiques - plus particulièrement durant le XXe siècle et dans les domaines du jazz et de l’électroacoustique - nous tenterons de montrer que ces liens sont profonds et s’ancrent dans des modes de pensée du temps particuliers. Ces modes de pensée sous-jacents s’expriment souvent par une propagation diffuse des divisions temporelles - l’aspect rythmique - dans les œuvres, improvisées ou écrites. Nous définirons une typologie qui nous permettra de caractériser les différents processus cognitifs en jeu lors des processus compositionnels, puis nous exposerons les concepts de phase et de propagation des éléments temporels, pour finir par mettre en lumière l’existence d’une émergence et d’une enaction du fait compositionnel, dont l’improvisation et la composition ne sont que deux versants jumeaux.
Les logiques musicales du rythme
Authors: Nicolas François 
Published: November 2024

L’article esquisse une logique musicale du rythme à la lumière du tournant géométrique de la pensée qui s’affirme à la charnière des XX° et XXI° siècles.Il s’agit, ce faisant, de clarifier la contribution propre du rythme musical à trois composantes, hiérarchiquement stratifiées :la cohésion structurale du monde-Musique ;la cohérence discursive du morceau de musique ;la consistance stratégique de l’œuvre musicale.