bluuebunny/crossref_metadata_2025_split huggingface dataset:
Résider, résonner, résister
Authors: Bernard Marie-Hélène 
Published: November 2024

Après la Révolution culturelle, toute une génération de compositeurs chinois a émergé sur la scène internationale. Ce mouvement est indissociable d’un phénomène de mondialisation artistique, puisque presque tous ces compositeurs se sont dispersés aux quatre coins du monde pour se construire hors de leur contexte culturel d’origine. C’est à Chen Zhen, un plasticien chinois de la même génération, que nous avons emprunté les trois concepts de « résidence, résonance et résistance », pour éclairer leurs trajectoires. : 1. Résidence. Comment relier par cette notion des compositeurs qui vivent aux Etats-Unis, en Europe du Nord, et même … en Chine ? Ce n’est pas dans la géographie qu’il faut chercher un ancrage commun, mais plutôt dans l’histoire. Dix années de Révolution culturelle, suivies de dix années d’ouverture (avant l’entrée dans l’économie de marché), ont façonné d’une manière très forte cette génération de compositeurs. 2. Résonance. Dans la délicate alchimie à opérer entre techniques occidentales et traditions musicales chinoises, on repère une sorte de circulation entre différentes couches de mémoire. L’étude des œuvres permet de voir combien les influences rebondissent, se chevauchent et se contredisent dans une circulation des idées toujours plus grande. 3. On note chez nombre de compositeurs chinois une volonté croissante de se démarquer de la musique contemporaine occidentale : univers incontournable pour être reconnu, elle semble avoir opéré à la manière d’une sorte de « surmoi », sans être intimement acceptée. Dans les revendications exprimées comme le retour à une certaine simplicité et à un univers plus mélodique (présentes aussi dans le discours postmoderne), c’est l’idéal du naturel (ziran : « être ainsi par soi-même »), un concept esthétique chinois très ancien qui resurgit.Résistance.
Des critères d’authenticité dans les musiques métissées et de leur validation
Authors: Beyhom Amine 
Published: November 2024

Les « rencontres musicales » sont considérées comme un des résultats « normaux » de la globalisation ; un des corollaires de cette assertion est une attitude (répandue de nos jours et trouvant son origine dans les musiques exotisantes occidentales) dans laquelle le créateur musical se sent le droit de puiser libéralement dans les différentes musiques du monde, comme au sein d’un catalogue d’offre culturelle, pour améliorer son offre personnelle, ou tout simplement améliorer ses chances d’être entendu sur la scène musicale mondiale ou locale. Les « métissages » qui en résultent sont divers, et diversement appréciés par le public, les musiciens et les musicologues.L’auteur tente dans cet article d’analyser la dynamique couplée modernité v/s tradition et globalisation v/s identité sur des exemples précis issus des musiques récentes ou contemporaines du Proche-Orient, avec le Liban, pays à la pointe des syncrétismes dans la région, comme exemple phare. Une étude particulière de la « seconde augmentée », correspondant dans les théories modernes du maqâm à l’intervalle du tétracorde hijâz (ou hijâz-kâr), permet de mieux situer la problématique globale abordée dans l’article. La conclusion qui ressort de ces analyses est que la première dynamique (modernité v/s tradition) est faussée par la deuxième (globalisation v/s identité), et que le produit de ces « échanges » culturels reflète la réalité de la situation politique au cours des deux derniers siècles : la globalisation résulte en une perte quasi totale de l’identité culturelle locale, et la modernisation (confondue avec « évolution » par la majorité des acteurs culturels) est devenue, pour les pays arabes (sinon pour tous les autres), synonyme d’« occidentalisation ».Plutôt que de rester sur un constat négatif, l’auteur tente, en dernière partie d’article, de définir, sur l’exemple des musiques arabes, une série de critères pouvant servir à « authentifier » un produit musical issu de telles « rencontres », en insistant sur la nécessité préalable d’un retour aux sources originelles de ces musiques pour les Arabes eux-mêmes, tout comme pour d’autres acteurs de la scène musicale « mondialisée ».
Compatibilité des systèmes et syncrétismes musicaux
Authors: Abou Mrad Nidaa 
Published: November 2024

Le métissage musical est un trait constant du paysage culturel méditerranéen depuis l’Antiquité, opérant tantôt sur un mode homogène quant aux systèmes musicaux, tantôt sur un mode hétérogène. Le propos de cet article est de mettre en exergue l’importance de la question de la compatibilité systématique dans la compréhension des enjeux esthétiques de la mondialisation musicale de la Méditerranée. La perspective historique choisie met en lumière la dimension idéologique de ces paramètres musicaux, envisagés selon la tripartition sémiologique. Au niveau neutre, ce sont des couples systématiques mélodiques et rythmiques de base : monodie/polyphonie, modalité/tonalisme, intonation zalzalienne (à secondes majeures et secondes neutres)/intonation diatonique (à tons et demi-tons) tempérée égale, prépondérance rythmique verbale/prépondérance rythmique cyclique. Au niveau poïétique (relatif à la production), il s’agit principalement de deux dialectiques : poïétique modélisatrice traditionnelle objective et transcendante/poïétique subjective, immanente et techniciste, improvisation/fixation compositionnelle. Au niveau esthésique (relatif à la réception), il s’agit de l’opposition esthésique musicale du sens transcendant/esthésique musicale immanente du goût individuel. Ces oppositions sont analysées à l’aune du paradigme traditionalité/modernité qui a fortement contribué au passage des syncrétismes musicaux méditerranéens du stade des syncrétismes homogènes à celui des syncrétismes hétérogènes. Cette investigation commence par la phase de relative homogénéité des syncrétismes que fut le premier millénaire. Elle se poursuit par la phase de mutation moderniste en Occident « chrétien », à la charnière des deux millénaires, établissant un profond hiatus culturel et musical avec un Orient « chrétien » et « musulman » demeurés traditionnels. La troisième phase est celle du choc entre ces deux territoires, l’un moderne et l’autre traditionnel, provoquant en un premier temps des évolutions endogènes en Orient, puis des syncrétismes hétérogènes entre systèmes moderne et traditionnel. L’étude s’arrête au point d’inflexion de 1932, date du fameux Congrès de musique arabe du Caire, lorsque le monde arabe s’engage dans une voie d’acculturation musicale généralisée, sous couvert de darwinisme culturel, au moment même où l’Occident musical élargit son champ auditif aux traditions d’ailleurs et d’autrefois.
L’internationalisation de la pratique du gamelan et la révolution conservatrice à la lumière du cas américain
Authors: Denave Laurent 
Published: November 2024

Comment expliquer l’intérêt soudain pour le gamelan hors d’Indonésie depuis les années 1970 ? Cette pratique musicale s’est tout d’abord diffusée aux États-Unis avant de séduire d’autres pays qui semblent avoir suivi l’exemple américain. La multiplication des ensembles de gamelan s’explique aux États-Unis par la naissance d’un intérêt nouveau pour la « diversité » des cultures du monde (celles de l’Amérique mais aussi celles des autres régions du monde). L’éducation musicale dite « multiculturelle » adoptée depuis une vingtaine d’années offre au public américain un vaste choix d’activités musicales du monde – le gamelan n’étant qu’une pratique parmi d’autres. Cette nouvelle pédagogie est une traduction dans le champ de l’éducation musicale de la révolution conservatrice qui est au principe de toutes les politiques des gouvernements de droite comme de gauche depuis 1973 et qui a pour principal effet l’accentuation profonde des inégalités sociales dans ce pays. Révolution conservatrice qui se propage un peu partout dans le monde depuis une vingtaine d’années.
Folklores dans tous les états
Authors: Pauset Eve-Norah 
Published: November 2024

À l’heure où la Convention sur la protection et la promotion de la diversité des expressions culturelles adoptée à la 33e Conférence générale de l’UNESCO apparaît être l’aboutissement d’un long processus durant lequel les collectivités autochtones ont dû, par la force des choses, poser la question d’une reconsidération des droits sur la propriété intellectuelle, en particulier ceux relatifs aux savoirs traditionnels, il s’agit de reprendre l’amont des considérations sur le métissage, trop rapidement compris comme interactions entre différentes échelles géopolitiques, voire entre arts dominants et arts dominés, et promu par ce que l’on désigne par mondialisation, ainsi que l’écueil d’un droit et/à la protection du folklore, terrain de difficiles voire impossibles compromis entre régime coutumier, droits national et international. On ne veut que poser la question suivante : quand la mondialisation par la voie d’Internet aiguise ce dernier problème qu’est la piraterie, peut-on comprendre que l’espace web dilue, dessert ou aide ce que les collectivités autochtones revendiquaient devant la communauté internationale comme particularité, que ce même espace persiste dans la fabrication de stéréotypes, et que l’adoption des expressions « diversité culturelle » et « symbolisme économico-culturel » n’en sont qu’un avatar ?
La voix sourde
Authors: Poizat Michel 
Published: November 2024

Que signifient des assertions telles que : la voix est un enjeu pulsionnel, la voix est l’objet d’une pulsion. Quelles en sont les implications ? En quoi le sourd est-il non seulement concerné mais surtout situé au cœur même de ce nouage ? Pour répondre à cela le concept d’objet-voix sera envisagé dans son rapport à la dynamique pulsionnelle, qui par ailleurs le constitue comme objet manquant, il sera situé dans son rapport au signifiant comme dans son rapport au corps. On y verra la voix -- se présenter à la fois comme support de la chaîne signifiante, disparaissant cependant derrière la signification, et comme part de corps sacrifiée par l’être parlant ; -- être pour le sujet le fondement même de son rapport à l’Autre. Le geste du sourd signant sera examiné dans le registre non pas du visuel mais du vocal, au titre du corps en prise avec le signifiant. En outre nous serons amenés à comprendre ainsi, les ressorts du malaise suscité par la surdité qui place l’entendant face à son manque.
György Ligeti, ou le travail du négatif dans l’écriture musicale
Authors: Delaplace Joseph 
Published: November 2024

Traversée de références multiples qui se coagulent en des complexes sonores d’une profonde originalité, l’œuvre de György Ligeti résonne d’une présence mystérieuse, doublée d’une étonnante et permanente mise en question du sens. Des prismes musicaux répétitifs et déformants et qu’affectionne Ligeti jusqu’aux œuvres les plus récentes marquées par le sceau de multiples lamentations stylisées, en passant par le recours à l’absurde et l’ironie distanciée dans Aventures et Le Grand Macabre, se dessine les arcanes d’une pensée à l’œuvre qui déborde les œuvres, que nous avons souhaité nommer, dans le sillage de certains pans de la philosophie hégélienne ainsi que de la psychanalyse freudienne - lacanienne, le « travail du négatif ». Cet article s’attache à montrer en quoi une constellation de partitions épouse, de diverses manières, la force du négatif, en rapport avec le thème de la mort et avec l’histoire du XXe siècle qui hante l’imaginaire de Ligeti.
… ça écrit ça écrit ça écrit ça…
Authors: Maïda Clara 
Published: November 2024

Quelle force initie et relance indéfiniment l’écriture musicale, vécue comme une entreprise d’interrogation et de bouleversement ?Qu’est-ce qui nous traverse et que nous renvoie l’œuvre, cette part du psychisme projetée au-dehors, et qui nous revient sous forme d’objet à continuellement réinventer ?Aller au-devant de l’inconscient, c’est tenter de faire affleurer la structure à tout moment, en développant un discours musical qui s’articule en un réseau complexe d’évènements sonores en devenir, traces du parcours de l’énergie pulsionnelle. Le corps de l’œuvre façonne un nouveau corps psychique, intensif et abstrait, imaginaire et polymorphe.De cette position mouvante du sujet qui accepte de vivre sa propre dissolution dans l’acte d’écriture, émerge, par instants, cette sensation extatique de parcelles de soi emportées dans le flux du matériau sonore en cours d’élaboration, dans un temps éclaté ou de pur processus.
Sublimation ou la mort séduite
Authors: Moll Olga 
Published: November 2024

Les récits nouent autour d’Orphée un faisceau de thématiques dont l’amour, la mort, le rapport à la limite, la magie ne sont que quelques exemples. Ces thématiques s’organisent en une constellation où se dévoilent certains des enjeux fondamentaux de la constitution du sujet humain : Idéal du moi, ambivalence des affects, culpabilité... Notre perspective sera de présenter Orphée comme le héros, d’une part de la mélancolie (au sens freudien), du deuil impossible, de la perte irrémédiable ; d’autre part, comme un héros, voire le héros, de la sublimation. Ces deux versants étant par ailleurs indissociables : c’est parce que sa quête est vouée à l’échec qu’elle peut être considérée au titre de la sublimation. Dans le cours de cette démarche, le sort d’Eurydice nous permettra d’appréhender la nature particulière de l’objet du désir, impossible à atteindre : aspect fondamental du réel, tel qu’envisagé par Lacan.Le mythe d’Orphée désigne ainsi un espace, interstice entre vie et mort, entre symbolique et réel, dans lequel se joue la spécificité de la sublimation : satisfaction substitutive de la pulsion, marquée par un changement de but. La mort n’est ni le risque encouru, ni la fin recherchée. Plus largement nous montrerons qu’Orphée exemplifie le destin tragique de l’homme : ce qui constitue précisément son humanité (l’accès au symbolique) est ce qui le sépare de sa jouissance. Orphée en fait l’amère expérience et la musique s’y fait entendre comme la voix en-deçà, de la jouissance au-delà.
Anthropologie historique de la notion de bruit
Authors: Charles-Dominique Luc 
Published: November 2024

La notion historique de bruit, totalement subjective au point d’en être contradictoire du point de vue de la réalité acoustique qu’elle est censée recouvrir, s’inscrit dans un partage religieux du sonore, et ceci dès le début de l’ère chrétienne, stigmatisant ainsi un pôle largement négatif, qui va du marquage temporel des pouvoirs politiques et des groupes sociaux, à un aspect plus fortement dévalorisé de ce pôle profane, avec une inscription systématique dans le champ du diabolique, du sorcellaire et de la Mort. Parallèlement, ce dualisme sonore de la puissance ou de la douceur, qui se polarise sur la dichotomie historique du « haut » et du « bas », va se retrouver au cœur du clivage savant/populaire qui s’instaure petit à petit pour s’affirmer très nettement à l’ère baroque, malgré encore, à cette époque, une forte perméabilité de ces deux champs. Alors, le bruit va devenir l’expression du rejet esthétique, marquant ainsi une évolution notable depuis le Moyen Âge, quand il était la marque sonore de l’emblématique politique de la féodalité, de la monarchie et des pouvoirs consulaires. C’est l’étude de ce renversement esthétique que se propose d’examiner cette contribution, grâce à une anthropologie sociale, politique et religieuse.
Bruits « entonnés » et sons « convenables » : Russolo et Schaeffer ou la domestication des bruits
Authors: Solomos Makis 
Published: November 2024

Toute culture musicale contient une part de bruit, au sens acoustique du terme, et l’exploite à un degré plus ou moins élevé. Cependant, seule la musique moderne l’a revendiquée en tant que telle. Ce n’est donc pas un hasard que les deux traités les plus célèbres sur le bruit et la musique datent du XXème siècle, le premier – L’art des bruits (1913) de Luigi Russolo – étant conçu comme un bref manifeste réclamant le droit musical au bruit, le second – le Traité des objets musicaux (1966) de Pierre Schaeffer – se posant comme une théorisation très élaborée des bruits en relation avec la musique. Le présent article tentera de montrer que, vu sous un angle particulier, le traité de Schaeffer se situe dans la continuité du manifeste de Russolo. En effet, nous soutiendrons que, loin de « libérer » le bruit, comme on a tendance parfois à le penser, ces deux écrits s’efforcent de le domestiquer.
Applaudir
Authors: Kaltenecker Martin 
Published: November 2024

De nombreux textes indiquent que dans la seconde moitié du 18e siècle les applaudissements ont été considérés comme un vote qui devait s’effectuer au fur et à mesure de l’exécution de l’œuvre. Les applaudissements entreront alors en contradiction avec la culture du silence et de la suppression du corps de l’auditeur, censé se tenir coi, qui s’installe progressivement, même si le concert reste longtemps un espace mouvant, où le bis peut reconfigurer la forme « publique » de la musique. À partir de Wagner, les applaudissements sont alors rejetés aux bords de l’œuvre. Dans les années 1920-30 ils sont parfois réinterprétés comme marquant le concert en tant que rituel interactif (Adorno, Sassoon), pour faire l’objet d’une politisation symbolique dans les années 60, jouant d’une perturbation du rituel bourgeois de l’écoute.
« Je, tu, nous, vous »
Authors: Ruget Nathalie 
Published: November 2024

« Je, tu, nous, vous » est extrait du poème Keine Delikatessen d’Ingeborg Bachmann sur lequel sont construites en partie les « Résonances » de Luigi Nono (Risonanze erranti, 1985-87). Le compositeur, qui a rencontré l’écrivaine à plusieurs reprises, évoque ici les fragments interrogatifs de cette dernière poésie dans laquelle elle questionne l’acte d’écriture. « Devrai-je faire prisonnière une pensée, la conduire dans la cellule éclairée d’une phrase ? […] Faudra-t-il […] déchirer le papier […] détruisant ainsi : je, tu, il, elle, ça, nous, vous ? ». Le poème, mis en résonance avec l’écriture de Herman Melville (essentiellement Battlepieces and Aspects of the War) ainsi qu’avec les « échos » textuels et musicaux de Machaut, Desprez et Ockeghem, explore la nature de l’articulation entre pensée et écriture, entre individu et société ou soi et autrui, l’identité et le rôle complexe de l’artiste dans une société habitée par la violence, les rapports de domination et la guerre.
Edward Said, ou la musique comme élaboration
Authors: Dayan-Herzbrun Sonia 
Published: November 2024

Intellectuel critique partageant avec Theodor Adorno la condition d’exilé permanent, l’écrivain palestinien Edward Said semble n’avoir trouvé de lieu stable que dans la musique, où peut se dérouler le fil de sa propre histoire, de la construction de son « Je ». La musique devient pour lui maîtrise du temps et conjuration de la mort. Mais l’auteur de l’Orientalisme a été peu à peu conduit à s’interroger sur les usages sociaux et politiques de la musique classique qu’il analyse à l’aide du concept d’élaboration qu’il emprunte à Gramsci, en s’attachant avant tout aux conditions d’interprétation et d’exécution des oeuvres. La musique possède ainsi des éléments transgressifs et nomadiques. La thèse selon laquelle toute interprétation est une réinterprétation permet à Said de développer une approche de l’œuvre de Wagner, qu’il partage avec Daniel Barenboim dont la rencontre a été pour lui très importante, lui donnant l’occasion d’établir un lien entre ses prises de position politiques sur la question palestinienne et son amour de la musique, avec surtout la création de l’orchestre du Divan Occidental-Oriental. La musique peut alors se réaliser comme quintessence de l’humanisme.
« Je, nous, on » : Quelques remarques sur les formes actuelles des collaborations entre artistes
Authors: Goudinoux Véronique 
Published: November 2024

Au cours du XXe siècle, dans le cadre des arts plastiques et visuels, de nombreux artistes se réunirent pour former des groupes dont les intitulés et les formes se transformèrent au fil du temps. C’est ainsi que pour une part s’écrivit l’histoire des avant-gardes : comme celle de nombreux regroupements d’individus dans une prise de parole à la première personne du pluriel, dans un nous engagé (nous, futuristes ; nous, surréalistes) dont les présupposés et les objectifs varièrent considérablement d’un groupe à l’autre. Il existe actuellement de nouvelles formes de regroupements, dites « col laboratives », entre les artistes. Aujourd’hui, lorsque des artistes créent à plusieurs, lorsqu’ils invitent d’autres, lesquels ne sont pas des artistes, à travailler avec eux, quel je, quel nous, quel on engagent-ils ? Il est fréquent par exemple de rencontrer des artistes oeuvrant en « duo ». Que conclure de l’apparition de ce mode précis de collaboration ? C’est à partir de l’œuvre commune des artistes Peter Fischli et David Weiss, et, plus brièvement, de celle que Sylvie Blocher a engagée depuis une vingtaine d’années, que nous tenterons d’apporter quelques réponses à ces questions.
C’est le lieu qui fait lien
Authors: Gayou Évelyne 
Published: November 2024

C’est le lieu qui fait lien.Dans un premier temps, nous constaterons, à partir d’exemples, que tous les lieux peuvent être investis par la musique électroacoustique, jusqu’à être eux-mêmes traités comme un instrument. Pour les musiciens, l’objectif est de s’adapter au mieux au lieu, et le faire résonner en utilisant tous les moyens techniques possibles : électrification, amplification des instruments, optimisation de la disposition des haut-parleurs dans l’espace, jeu avec les différentes réverbérations et mouvements spatiaux. On repère alors des types d’usage des lieux qui se polarisent aisément en deux grandes catégories : l’errance et l’enracinement, qui nous révèlent davantage d’aspects de notre rapport au monde, qu’un ordre inhérent à l’art musical. Enfin, on observe une tendance, plus récente, à la décentralisation des lieux de musique fonctionnant de plus en plus en réseau, par genres musicaux, affinités sociales, ou générationnelles.
Les concerts de cloches de llorenç barber et la conception postmoderne de l’espace urbain
Authors: Kaiero Claver Ainhoa 
Published: November 2024

Les concerts de cloches de Llorenç Barber, l’un de compositeurs les plus représentatifs de la musique expérimentale en Espagne, constituent une proposition originale sur la relation entre musique, espace public et urbanisme contemporain. Sa proposition est apparentée avec les modalités, également examinées dans cet article, de l’installation et du paysage sonore, lesquelles se basent sur une intervention dans l’espace public. Ces concerts montrent, dans une perspective utopique, certains concepts sociaux et urbains liés à la postmodernité. Par conséquent, cet article examine la relation entre ces concerts et certains modèles (Augé, De Certeau, Lash et Urry) qui décrivent les nouveaux espaces urbains associés à une « société en réseau » (Castells) traversée par les technologies de l’information et de la communication (TIC).
Tobi-ishi : un jardin musical à Paris
Authors: Hervé Jean-Luc 
Published: November 2024

Le jardin sonore du le 4ème arrondissement de Paris est réalisé par un compositeur travaillant en collaboration avec des paysagistes. Pensé comme une œuvre musicale, ce jardin est construit selon trois principes : continuité entre environnement sonore et musique, réalisation en temps réel par un ordinateur qui actualise toujours différemment des modèles du compositeur, interaction avec les variations atmosphériques et la présence des visiteurs.Ce projet a été source que de questions nouvelles, telles que la place de la musique dans l'espace public, le temps et l'espace dans un jardin ou la relation avec le pouvoir politique.