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Le projet d’inventaire architectural et urbain de Paris : genèse et perspectives
Authors: Cohen Fannette , Guelton Mayalène 
Published: June 2021

The “Projet d’inventaire Architectural et Urbain de Paris” : Its Genesis and Prospects.
This article presents the Projet d’Inventaire Architectural et Urbain de Paris, a project for the inventory of the city’s architectural and urban heritage created in 2004 and financed by the City of Paris. The first stage in a long-term plan to identify and promote the city’s heritage, this project is limited to a specific timeframe. Its scope is circumscribed to a single geographic area and strictly defined by the institution which it serves. These conditions raise their own set of operational and scientific questions, which a team of specialists has set about to answer by establishing specific methodological rules. The approach selected is based on a global view of the territory, going from the general to the particular. Several issues have been raised by the project, contributing to the expansion of knowledge in the field of architecture and urbanism. These questions deal for instance with the notion of « ordinary architecture », the relation between « open spaces » and built spaces, attempts at defining an urban and architectural typology, etc. A data processing system, comprising a geographical information system (SIG), is being implemented, which will enable a sharper analysis of the spaces considered as well as information on an interactive mode.
Artefacts, œuvres d’art, objets : l’esthétique fait-elle la différence ?
Authors: Dufrêne Thierry 
Published: June 2021

Artefacts, œuvres d’art, objets : l’esthétique fait-elle la différence ?
Le monde occidental a conçu le musée comme le lieu de l’universalité, l’œuvre étant reconnue comme dotée d’une valeur universelle après une sélection valant rite de passage. L’échelle des valeurs se modifie au fil du temps, justifiant des « déclassements », l’objet sélectionné étant désormais préservé pour son caractère historique même. Le regard ethnographique qui s’incarne dans les musées d’ethnographie est également sélectif, et l’objet collecté vaut pour preuve d’un patrimoine culturel appréhendé comme un tout et pour témoin d’une organisation collective que l’on peut comparer à d’autres. On peut néanmoins remarquer que si la collection ethnographique et sa présentation correspondent à l’époque historique qui l’a vu se constituer, c’est bien souvent le critère esthétique qui lui confère aujourd’hui sa valeur universelle.
Le papier peint au temps de l’Art nouveau, des expositions à la commercialisation
Authors: Cerman Jérémie 
Published: June 2021

Wallpaper in the Time of Art Nouveau : Exhibitions and Commercialization
Wallpaper designs produced around 1900 are particularly significant for the manner in which they incorporated the aesthetic trends of the period. In this essay, however, I have chosen to leave this well-known aspect aside in order to focus on the different modes of presentation of these designs and question the manner in which the exhibition and commercialization of wallpaper related to the artistic ideals of Art Nouveau. In the various exhibitions and events dedicated to the major art currents of the period, wallpaper appeared as a key component of the stylistic units of interiors. At the same time, wallpaper was often decontextualized and separated from the domestic environment, as when it was showcased in specialized exhibitions that promoted it as an industrial product or when it was displayed in shops. While Art Nouveau wallpaper appeared in these circumstances as part of a historical context, the buyer encountered it as a fragment and no longer in a three-dimensional environment. The wallpaper as decorative element thus ensured the spread of a modern aesthetic within Belle Epoque interiors but in a manner which eschewed a true understanding of the artistic program of Art Nouveau and its emphasis on creating a global aesthetic environment.
Les tapisseries et tentures de Matisse, Océanie, Polynésie : enjeux esthétiques d’un projet « décoratif »
Authors: Coron Anne 
Published: June 2021

Matisse’s Tapestries and Wall Hangings, Oceania and Polynesia : The Import of a « Decorative » Project on an Artist ’s Work
Polynesia, Sky, Polynesia, Sea, and Oceania, Sky, Oceania, Sea, the tapestries and hangings produced by Matisse in 1946, are an illustration of the attempt to unite the arts that characterized creation in the twentieth century. From the particular point of view of Matisse’s work, their study reveals the aesthetic contribution of a decorative project to the evolution of the artist’s opus as a whole. The cut-outs Matisse used as preparatory sketches for the tapestries enabled him to perfect this particular technique and create an artistic body of work from it. They opened a new chapter in his œuvre, that of the gouache cut-outs that constitute the last period of his work. Matisse’s statements regarding the diffusion and reception of Polynesia and Oceania make it clear that he viewed them as part and parcel of his art, and that he put them on an equal footing with painting, thus paving the way for the recognition of his gouache cut-outs.
Les machines de Salons de Francis Picabia
Authors: Maingon Claire 
Published: June 2021

Francis Picabia’ s « Salon » Paintings
Following the First World War (in which he didn’t take part), subversive artist Francis Picabia made his comeback on the Parisian art scene with contributions to the Salon d’Automne. This major artistic venue had become a refuge of war veterans. It encapsulated the tensions of the period of demobilization, torn between the cult of heros and the impossible mourning of the dead. Picabia’s compositions openly criticized the systematic calls to tradition and the stifling moralistic climate of the times, and they were badly received. They also created a controversy at the Salon des Artistes Indépendants : Surprisingly, as this event was known for its embrace of freeedom in the arts. The rejection of Picabia’s work in the years 1919-1922 led to the publication of several pamphlets in the magazine 391, to calls to reintegrate German artists, and generally sparked a major debate, whose study is fundamental to the writing of a social history of contemporary art in the first years of the post-World War I period.
Un modèle pour collection idéale : la Galerie des peintres flamands, hollandais et allemands, de Jean-Baptiste-Pierre Lebrun
Authors: Prigot Aude 
Published: June 2021

Aude Prigot
Un modèle pour collection idéale : la Galerie des peintres flamands, hollandais et allemands, de Jean-Baptiste-Pierre Lebrun
Forte de ses cent quatre-vingt-dix-neuf notices et de mille trois cent peintres référencés, la Galerie des peintres flamands, hollandais et allemands, éditée de 1792 à 1796, constitue une des sommes les plus complètes sur les écoles du Nord jamais parue à cette époque. Cependant, loin de se limiter à une simple stratégie de vente selon le terme de Jo Lynn Edwards, l’ouvrage se conçoit avant tout comme un manuel pratique à l’usage de l’amateur, reflet de ce que devrait être, selon Lebrun, une collection idéale. Luttant contre ce que Francis Haskell nomme le «culte des noms », l’auteur n’a de cesse d’élargir le corpus des peintres du nord, se proposant par là-même de faire découvrir aux curieux des peintres peu connus jusqu’alors. Ce phénomène est particulièrement important pour les disciples de Rembrandt. En effet, si les peintres hollandais adeptes de la manière fine sont grandement appréciés, tel n’est pas le cas des émules de Rembrandt. Nombre de tableaux mis en vente par Jean-Baptiste-Pierre Lebrun et reproduits par le biais de la gravure dans la Galerie constituent par conséquent les premières œuvres de ces peintres à pénétrer sur le marché français. Sont ainsi étudiés dans cet article les cas de certains collectionneurs, comme Paul-Nicolas Destouches, qui tentèrent, peu ou prou, de suivre à la lettre le modèle de cabinet idéal ainsi proposé par Lebrun.
Du legs Wicar au musée éponyme : une muséographie novatrice, entre cohérence scientifique et pédagogie
Authors: Raymond Florence 
Published: June 2021

Florence Raymond
Du legs Wicar au musée éponyme : une muséographie novatrice, entre cohérence scientifique et pédagogie.
Année du legs de la célèbre collection de dessins de Jean-Baptiste Wicar à sa ville natale, 1834 inaugure une nouvelle ère dans l’histoire des musées de Lille. Jeune dépositaire d’un patrimoine graphique unique, la ville de Lille aura la charge difficile de rendre visibles et accessibles près de 1300 dessins. L’auteur fournit une étude -qui s’étend du legs fondateur de 1834 jusqu’aux premières années du Palais des Beaux-Arts, inauguré en 1892 -qui retrace l’évolution de la relation à la collection. De l’exposition permanente aux premières mesures de «conservation préventive », les transformations muséographiques se succèdent, témoins de l’ambition, de la sensibilité et des intentions pédagogiques des différents conservateurs dont Charles Benvignat (1805-1877) fut la figure de proue.
Les plasticiennes et le Mouvement de Libération des Femmes dans l’entre-deux-mai français
Authors: Dumont Fabienne 
Published: June 2021

The plasticians women and the feminist movement of liberation in french “entre-deux-moi”.
The 1970’s saw the resurgence of a strong political involvement of artists, men and women, and a strong feminist involvement. This article analyses the meeting between the artistic and socio-political movements across the place and the creation of plasticians women in Lrance. Some figures can first help to identify their place on the artistic scene, whose sexism then highlighted leads to the formation of feminist collectives. In a second time, the analysis focuses on a few works representative of the dominant themes : private lives and materials coming from female learning ; art and body or getting rid of the standards by performance ; finally, public space and language, deconstruction work of gaze assumptions. The works selected include a feminist involvement, questioning the gender identity constructions and the place of women in society, by using materials from a female inheritance or by appropriating in an innovative way those used in contemporary art.
Indiennes, toiles peintes et toiles de Jouy, de nouvelles étoffes d’ameublement au XVIIIe siècle
Authors: Gril-Mariotte Aziza 
Published: June 2021

Prints (indiennes ), painted linen and Jouy linen (Toiles de Jouy), new furnishing fabrics in the XVIIIe century houses.
In the XVIIIth century, the use of fabrics in houses is growing strongly together with the research of comfort and ornamentation which characterise this century. From 1759 on, the development of the printed linen industry, prints or painted linen, stimulates the consumption of fabrics in many houses. The great variety of new designs encourages the modification of the room decorations depending the season and the fashions. Among many new factories in France, the Jouy factory is the most interesting due to the quality and the beauty of its painted linen, producing several types of furnishing fabrics, in order to satisfy a large diversity of clients.
The sources, archives or textile documents, allow to trace the development of this textile production and its uses in the decoration of houses until the beginning of the XIXth century.
Une approche subversive : la dimension érotique dans la peinture du XVIIIe siècle
Authors: Sheriff Mary D. 
Published: June 2021

Consacré à l’art érotique du XVIIIe siècle, cet article met en œuvre une pratique stratégique de l’interprétation qui prend en compte l’histoire du regard et la sémiotique de la peinture. D’une part, les récits de l’époque prouvent que les regardeurs réagissaient diversement à la même œuvre et interprétaient de différentes façons la même image. D’autre part, la peinture en tant que pratique sémiotique est polyvalente et ouverte à l’interprétation : comme Nelson Goodman l’a montré, la peinture recèle en effet une complexité sémantique et synthétique remarquable. Me fondant sur ces considérations, je revendique une méthode d’interprétation qui fonctionne à la fois avec et contre deux notions communément admises : l’idée du XVIIIe siècle selon laquelle les peintures érotiques sont dangereuses et même potentiellement fatales pour les femmes ; et la critique actuelle qui les voit comme des normes culturelles répressives agissant sur les femmes spectatrices, les précipitant dans des rôles d’objets passifs plutôt que dans ceux de sujets actifs. De manières différentes, chacune de ces croyances perpétue l’idée que ces œuvres érotiques sont dangereuses pour les femmes qui les regardent.
Grâce à l’étude circonstanciée de La jeune fille lisant ‘Les Lettres d’Héloïse’, tableau sensuel et suggestif de Bernard d’Agesci dont la portée érotique a été jusqu’alors minimisée, j ’apporte la preuve qu’il est possible d’appréhender différemment la peinture érotique du XVIIIe siècle. En reconsidérant cette œuvre, je me concentre également sur les femmes en tant que spectatrices. Je défends une approche interprétative subversive qui rend à ces femmes les plaisirs liés à la contemplation de l’art érotique, et je réaffirme leur place en tant que sujets participant de la fabrique des savoirs et des significations. En travaillant à l’encontre des analyses réductrices, je me propose donc de mettre à l’épreuve les compréhensions passées et présentes de fart érotique et d’envisager comment de nouvelles significations peuvent émerger pour et à l’avenir.
La sexuation du Christ et la peinture française du XVIIe siècle
Authors: Le Gall Thierry 
Published: June 2021

La nudité du Christ questionne les artistes depuis qu’ils représentent la personne divine en tant qu’individu et non plus symboliquement. Dans les trois moments essentiels de sa vie terrestre (la Nativité, le Baptême et la Passion), le Christ se dévêt d’une condition pour, selon saint Paul, en vêtir une nouvelle. La nudité identifie donc les passages spirituels de la vie terrestre du Christ, et s’impose ainsi comme une nécessité symbolique qui élucide sa pérennité iconographique.
Dans La Sexualité du Christ dans l’art de la Renaissance et son refoulement moderne (1986), Léo Steinberg observait dans l’art des XVe et XVIe siècles divers procédés destinés tantôt à affirmer la sexuation de l'Enfant - l'ostentatio genitalium— tantôt à évoquer la présence du sexe du Christ adulte, éventuellement en érection. Selon lui, ces manifestations tombent dans l’oubli avec la censure tridentine. Pourtant, l'ostentatio genitalium ou le périzonium gonflé par le sexe en érection se retrouvent dans plusieurs œuvres françaises du XVIIe siècle (Pourbus, Bellange, Poussin, de la Fosse), comme le montre notre étude. Le Grand Siècle reprend les procédés rhétoriques de la Renaissance mais il ne livre ses indices qu’à la condition d’une méditation devant l’image. Ainsi la plaie ouverte d’où continuent à s’écouler l’eau lustrale et le sang rédempteur du Christ mort de Philippe de Champaigne. La question de la contextualité du regard paraît s’imposer avec d’autant plus d’acuité que l’objet - la sexuation du Christ - est problématique.
Art contemporain : l’impensé de la technique
Authors: Dazord Cécile 
Published: June 2021

Contemporary art : the shaping of thought on technique

Since the year 2000s, publications, symposia and international para-institutional networks have insisted on the necessity of creating specific conservation policies when it comes to the conservation-restoration of contemporary art. Among the key issues cited is that of technological obsolescence, in other words the repercussions, for the conservation of the works of art, of the evolution of techniques ; this no longer implies the physical alteration of materials but rather the removal of materials from circuits of production and distribution in order to replace them by others touted as having better performance. This necessarily results in a reevaluation of the fundamental principles of conservation-restoration and to the development of specific skills and an appropriate methodological environment. Even more fundamentally, the question of obsolescence inevitably raises that of technique and logically leads one to question the complex and paradoxical relationship of obsolescence to art in general and to contemporary works in particular.
The distinction between art and technique, a fundamental tenet of the fine arts, seems only to have been reinforced by artists’ emancipation from traditional canons and by their claim to autonomy (even to the point of eccentricity, as in the 19th and 20th centuries), as well as by claims regarding the dematerialization or even the immateriality of art in the second half of the 20th century. The ambivalent nature of discourse on technique in modern and contemporary history - seen as heralding either a utopian existence or catastrophe - is reflected in the interaction between art and technique during this time : the distinction between art and technique has on the one hand been reaffirmed as a fundamental and emancipating principle, while time industrially-produced objects are now being integrated into the works themselves.
Revues : outils et objets de l’histoire de l’art
Authors: Fravalo Fabienne , Froissart Pezone Rossella , Karp Lugo Laura , Lafont Anne , Passini Michela , Piccioni Lucia 
Published: June 2021

Objet à part entière de l’histoire de l’art, les revues en constituent également le support. Elles s’avèrent donc un outil particulièrement précieux à l’étude de l’art et de ses discours. Issu d’une réflexion collective sur les revues francophones d’histoire et de critique d’art de la première partie du XXe siècle menée à l’INHA, le présent article propose trois pistes pour repenser ce champ : l’histoire de la revue comme œuvre, à étudier dans ses dimensions esthétiques et matérielles ; l’histoire des contenus intellectuels de la discipline et leurs évolutions ; et l’histoire sociale du discours sur l’art, visant à cerner ses lieux d’implantation et d’énonciation, ses formes de sociabilité et ses publics.
En présentant ce domaine ouvert et prospectif de notre discipline, nous avons également souhaité proposer un bilan des outils méthodologiques et bibliographiques disponibles.
Concevoir des façades en couleurs pour les grands ensembles
Authors: Lanoue Morgane 
Published: June 2021

Morgane Lanoue
Conceiving Colored Façades for the High-rise Estates
During the «Trente Glorieuses », architects -subject to the constraints of the rationalization of housing production and the need to respond quickly to the housing crisis -found in the poly-chromy of high-rise estates’ frontages a singular space of creative freedom. Degraded by time and poorly maintained, these original colors are generally no longer \isible and little-known. But some of the buildings from this period can be studied through sketches, drawings and photographs, preserved at the Institut Français d’Architecture. These reveal a surprisingly va¬ ried polychromy, including plastic and poetic qualities that were highlv dependent on collabo¬ ration between architects, painters, and colorists.
Five Freedoms of animal wellfare applied to dogs: perception, knowledge and practice of the population from Sinop - MT
Authors: Pereira M. R. , Moreira A. B. , Junior D. F. 
Published: June 2021

The term animal welfare, althoughÂ is frequently used, does not have a precise definition. TheÂ scientific community is increasingly accepting that vertebrateÂ animals indeed have consciousness and feelings, with emphasis on the geneticÂ similaritiesÂ between animal species, including humans.Â In order to facilitate the identification of the factors that affect and assist, respectively, the animal well being and defense, the Five Freedoms that outline animal welfare was created. This study aimed to assess the level of awareness, knowledge and practice about the welfare factors of dogs in different strata of Sinop city of Mato Grosso State population. Thus, aÂ descriptive qualitative and quantitative study was performed in which 130 dogÂ owners, older than 18 years of age,Â answered a semi-structured survey with 20 objective and multiple-choice questions. The people that answer the study tried to meet the needs of their animals, even those people who have never heard of animal welfare. Therefore, information related to animal rights and animal welfare need to be provided to the population of Sinop-MT.
Plataforma de investigación para el confinamiento virtual de bovinos
Authors: Acosta Néstor , Barreto Nicolás , Caitano Pablo , Marichal Raúl , Pedemonte Martín , Oreggioni Julián 
Published: June 2021

Existen varios antecedentes de alambrados virtuales que utilizan diversas técnicas para mantener confinado al ganado bovino dentro de un perímetro configurado de forma remota. Estas técnicas comparten un patrón común que consiste en colocar un dispositivo electrónico en el animal capaz de aplicar estímulos cuando éste se acerca a los límites pre-establecidos. El uso de descargas eléctricas como método de estimulación es ampliamente utilizado. En este trabajo se propone una solución compatible con el bienestar animal, que evita las descargas eléctricas, basada solamente en estímulos sonoros y táctiles (mediante un motor vibrador). Para ello, se desarrolló un sistema que comprende un dispositivo electrónico que se coloca en el cuello del animal, y es capaz de determinar su posición, estimularlo y enviar información en forma inalámbrica; un servidor central que es capaz de recibir, procesar y almacenar esa información; y una interfaz gráfica, a través de la cual se puede visualizar la posición del animal y configurar distintos parámetros para evaluar diversas metodologías de confinamiento virtual. Las pruebas realizadas en animales, sugieren que los estímulos propuestos no son inocuos, por lo que se estima, podrían lograr su cometido luego de un periodo de aprendizaje de los animales. La investigación sobre la eficacia de las metodologías de confinamiento de la plataforma desarrollada será realizada en una próxima etapa por un equipo interdisciplinario