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The Santa Croce Drawings: A Re-examination
Authors: Mackie Gillian 
Published: January 2021

L’oratoire de Santa Croce dans le baptistère du Latran fut édifié et consacré par Hilaire (461–68) au Ve siècle pour être finalement démoli vers la fin du XVIe siècle par Sixtus V (1585–90). On connait ce monument grâce à des dessins exécutés pendant les XVe et XVIe siècles et ceux-ci font état d’inconsistances inexplicables qui ont rendu difficile la compréhension de l’édifice. À l’analyse, ces dessins se divisent en deux groupes : un ensemble principal avec inscriptions et un plus petit nombre de dessins sans inscription. Ceux-ci représentent un édifice qui, même s’il est construit sur le même emplacement que Santa Croce du Latran, s’avère différent sur plusieurs points : l’élévation et la décoration.
Nous croyons pouvoir identifier ce deuxième édifice comme un « double » de l’oratoire d’Hilaire, construit au Vatican par le pape Symmaque (498–514), sanctuaire qui était aussi dédié à la sainte Croix et qui a été démoli par Nicolas V (1448–55), au milieu du XVe siècle, pour faire place au nouveau choeur de Saint-Pierre. Ces dessins constitueraient alors nos seules informations sur l’apparence physique du sanctuaire de Sainte-Croix au Vatican. Enfin, ils montrent aussi une chapelle cruciforme plus petite, adjacente au bâtiment principal. Nous croyons qu’il s’agit de la chapelle dédiée à saint Jean-Baptiste par Symmaque et démolie en 1453.
Images of Authority, Identity, Power: Facade Mosaic Decoration in Rome during the Later Middle Ages
Authors: Harding Catherine 
Published: January 2021

Cet article se propose d’examiner de vastes programmes en mosaïque décorant les entrées principales d’un certain nombre d’édifices religieux de Rome, vers la fin du Moyen Âge. Ces mosaïques ont presque toutes disparu, mais on peut reconstituer l’aspect général de leur apparence initiale en utilisant d’anciens dessins et des sources textuelles variées. De plus, on pense que ces cycles narratifs en façade ou près de celle-ci permettaient aux particuliers et aux communautés de comprendre les multiples niveaux de signification de la vie ici-bas et dans l’au-delà, comme autant d’opérateurs de pratiques sociales, culturelles, religieuses et politiques, à l’intérieur d’un environnement physique particulier : celui du tissu urbain de Rome. En outre, dans ces divers milieux qui produisaient et consommaient ces types de décor en façade, des conceptions de l’autorité, de l’identité et du pouvoir voyaient le jour.
From Woodblock to Textile: Imagery of Elite Culture in the Blue-and-White Embroideries of Sichuan
Authors: Pagani Catherine 
Published: January 2021

Cette étude utilise les broderies distinctives en bleu et blanc sur coton de la province du Sichuan pour analyser les rapports entre la culture des élites et celle des classes rurales de la Chine. Produits par les femmes pour un usage familial, entre le milieu du dix-neuvième et le début du vingtième siècle, ces textiles révèlent une aussi riche tradition artistique que celle des classes éduquées et de nombreux motifs trouvés sur ces broderies populaires sont issus de la culture des élites. On étudiera la transposition des idées et des images d’une classe à l’autre en examinant les rapports entre les illustrations de livres pour l’élite et les broderies populaires par l’intermédiaire d’un bois gravé : « Image du Nouvel An » (nianhua) qui faisait partie de la tradition artistique des deux classes. Les images les plus intéressantes sont celles de bon augure, et plus particulièrement celles représentant des plantes dans un vase ancien figurant parmi les possessions d’un érudit. Ces dernières sont les plus suggestives de la culture des classes supérieures et apparaissent très fréquemment dans le répertoire des motifs des broderies populaires. Loin d’être de simples copies serviles d’illustrations de livre, elle mettent en évidence le talent artistique de leurs créatrices et demeurent des preuves tangibles des échanges entre les sphères cultivées et communes.
Bartolommeo Traballesi’s Rain of Gold and the Poetics of Power in Francesco I’s Scrittoio in the Palazzo della Signoria, Florence
Authors: Mandel Corinne 
Published: January 2021

La Pluie d’or de Bartolommeo Traballesi est plaçée de façon prééminente sur le mur principal du Scrittoio de Francesco Ier. Malgré sa grande visibilité, la peinture de Traballesi n’a pas fait l’objet d’étude savante. Cet article n’est qu’une première ébauche d’une étude plus approfondie sur le sujet et tente d’expliquer l’iconographie de la Pluie d’or pour la première fois. Le tableau contient un très grand nombre de motifs iconographiques significatifs qui, se combinant les uns aux autres, nous informent sur le règne exceptionnel des Médicis. Ce règne remonte à travers le XIVe siècle jusqu’à la fondation de Florence et revient par les ducs médicéens Alessandro et Cosimo Ier, au mécène du Scrittoio, le prince régent Francesco Ier. Enfin, cette étude montre, de façon non équivoque, que le Scrittoio est un manifeste politique, comme tous les autres programmes décoratifs commandés pour le Palais de la Seigneurie, le siège du gouvernement de Florence.
La légende de Raphaël. Les « grandes » et les « petites » vies d’une figure exemplaire de l’art, écrites en France au cours du XIXe siècle
Authors: Dubreuil-Blondin Nicole 
Published: January 2021

Considering the lives of Raphael written in nineteenth-century France, this article examines the epistemological status and the ideological function of an important genre of art historical writing: the artist monograph. During a period characterized by new scientific ambitions and by the development of the discipline within academic institutions, the Vasarian model of the vita undergoes a number of changes that do not, however, alter in a significant way its celebrational purpose. Especially throughout the biographical anecdotes that sustain the narrative of his famous career (like the episode of his love affair with la Fornarina), Raphael remains both the great man and the angelic figure concocted by tradition, combining pagan and Christian standards of excellence, a pattern that finds itself repeated in the more popular versions of Raphael's lives, whether written for educational or for recreational purposes. The success story proposed by the life of Raphael – one of the artists most written about in France between 1800 and 1900 – establishes a poignant contrast with the destiny of the modern artist elaborated in contemporary literature, under the aegis of bohemia. It suggests that art history likes winners and not losers and that the genre of the artist monograph always serves some ideological purpose, like compensating fantasmatically for the economic, social and political insecurities of the times.
Identifying with Nature: Graham Sutherland and Canadian Art, 1939-1955
Authors: Finlay Karen A. 
Published: January 2021

Les historiens d’art et les conservateurs ont souligné les affinités entre l’art du peintre britannique, Graham Sutherland, et les artistes canadiens, Jack Shadbolt, Oscar Cahén, Michael Forster, Bruno Bobak, Gordon Smith, William Ronald, Ray Mead, Harold Town et bien d’autres, mais sans plus. Cette étude se propose d’explorer le sujet en développant les questions suivantes : de quelle manière les artistes de ce pays ont-ils connu l’art de Sutherland pendant les années quarante et cinquante? Quel contexte politique et culturel permettait à la communauté artistique canadienne de se tourner vers l’art contemporain britannique? Et, enfin, quels aspects particuliers de la pratique de Sutherland ont trouvé de véritables échos dans le milieu de l’art canadien?
Il semble, en effet, que l’art moderne de la Grande-Bretagne et surtout la peinture de Sutherland jouissaient d’une grande renommée internationale peu après la fin de la Seconde Guerre mondiale. En outre, une résistance active s’organisait dans certains quartiers du milieu artistique canadien contre l’influence grandissante de l’avant-garde artistique et la culture de masse américaines. Enfin, une grande partie de la peinture de Sutherland se développe autour de fragments d’origine organique : arbres, ajoncs, bouquets d’épines considérés comme des métaphores de la forme humaine. Pendant que le motif organique connotait la disjonction et la désintégration autant dans l’oeuvre de Sutherland et que dans celle des artistes canadiens intéressés par son oeuvre, l’artiste anglais désignait un nouveau lieu d’appropriation par une identification renouvelée à la nature.
The “Salon de la Princesse”: “Rococo” Design, Ornamented Bodies and the Public Sphere
Authors: McKay Sherry 
Published: January 2021

On a souvent interprété l’art rococo de Paris à travers les paramètres d’un discours issu des Lumières que condamnait son ornementation indisciplinée et son manque de virilité, tout en mettant en relation cette décadence avec le corps privé et efféminé qu’un tel dessein semblait contenir et montrer publiquement, de manière inappropriée. Ainsi, du siècle des Lumières jusqu’à la période moderne, il y a eu confusion entre ornement, féminité et sphère publique menacée. Cependant, ce sont précisément ces catégories d’ornement, de corps privé/public, et de sphère privée/publique qui ont produit les tensions dans certains traités sur l’architecture du début du dix-huitième siècle. On peut retrouver les traces d’une configuration balbutiante et encore conflictuelle de la différence sexuelle avec l’ornement sur lequel les Lumières et les architectes modernes s’appuyeront, et cela, autant dans les espaces décorés de façon très élaborée comme le Salon oval de la Princesse à l’Hôtel de Soubise, exécuté par Germain Boffrand en 1732, que dans les traités du dix-huitième siècle qui amplifiaient la signification du salon. Le Salon de la Princesse est l’expression du « passage » entre la chambre de parade et les appartements privés, entre sa fonction publique de cérémonie et de réception et l’affirmation du lieu privé de la famille. Tiré du mythe de Cupidon et Psyché, les scènes décoratives s’attardent sur des images qui évoquent le corps révélé par la luxure et les sensations, tel qu’on peut imaginer la Princesse et ses invitées, toutes vêtues de soie, révélant leur beauté corporelle par un décolleté, un visage poudré, un geste. Ce Salon, de par son emplacement et sa décoration, affirme le rôle et le rang social de la Princesse et oppose le caractère masculin du Salon du Prince, ainsi que l’extérieur de la bâtisse. La théorie du caractère élaborée par Boffrand, puis Blondel, au milieu du siècle influençat l’architecture, mais réciproquement, le dessein rococo répondait aux changements sociaux basés sur la masculinité et la féminité.
If Art is the Answer, What is the Question?—Some Queries Raised by First Nations’ Visual Culture in Vancouver
Authors: Townsend-Gault Charlotte 
Published: January 2021

En ce moment, à Vancouver, on peut voir de l’art autochtone dans un certain nombre de galeries commerciales qui s’y consacrent exclusivement, dans quelques autres qui en montrent à l’occasion, et il existe aussi un très grand nombre de débouchés pour ce dernier, difficiles à distinguer des simples boutiques ou des magasins. On assiste, en outre, à une prolifération de livres luxueux, pleins de photographies brillantes montrant les trésors que musées et collections privées à travers le monde ont enlevés à la Côte Ouest, avant que la Colombie britannique ne change ses attitudes négatives envers les Premières Nations, attitudes qui considéraient les artefacts de ces dernières comme étant dépourvus d’intérêt artistique. Et même si c’est encore plus difficile à circonscrire, il y a encore plus à voir à l’extérieur des galeries et des livres : les grands mâts-totems dans les centres commerciaux, les « sweat-shirts » aux motifs imprimés par des artistes et les « logos » sur les emballages de saumon fumé. Autour de ces manifestations, de nombreux débats font rage quant à leur signification, leur destination et leur fonction. On considérera, dans cette étude, que ces artefacts doivent être regardés comme une réification de projets d’inscription de l’identité locale ou nationale, et comme tels, ils constituent des sites où peuvent s’exprimer les conflits entre les Premières Nations et la société dominante. On conclura en montrant que la situation permet une « offensive » de représentations culturelles que provoquent des affrontements et soulèvent de vives passions. C’est la nature des relations de la réception de l’art autochtone et c’est par elles que les arguments sur les implications de valeurs divergentes peuvent s’établir. C’est ici que les frontières se démarquent, s’élargissent ou se forcent au fur et à mesure que les politiques de l’identitaire sont retravaillées autant pour les Autochtones que pour les autres.
The “Popish Midwife”: Printed Representations of Elizabeth Cellier and Midwifery Practice in Late Seventeenth-Century London
Authors: Evenden Kirstin 
Published: January 2021

Cet article examine le rôle joué par les imprimés dans la redéfinition de la pratique de l’obstétrique dans l’Angleterre du XVIIe siècle et analyse plus précisément trois gravures dans lesquelles on retrouve une sage-femme catholique, Elizabeth Cellier. En tant qu’élément d’un plus important corpus d’images whigs publiées, à Londres, pendant la crise occasionnée par les Bills d’exclusion entre 1678-1681, ces représentations d’Elizabeth Cellier font constamment allusion à sa présumée collaboration à un “complot papiste”, ourdi par les Catholiques dans le but de tuer le roi Charles II. Non seulement elles définissent Cellier comme une “criminelle papiste”, mais cette manière de la représenter laisserait aussi supposer que sa profession était elle-même l’un des aspects de sa déviance, car les représentations de Cellier en “sage-femme papiste” apparaissent au moment où les pratiques traditionnelles de l’obstétrique furent remises en question. Autorisées par l’Église d’Angleterre depuis 1534, elles relevaient exclusivement de la compétence des femmes. Pendant le dix-septième siècle, les sages-femmes furent de plus en plus les victimes de critiques émanant de groupes non-conformistes réprouvant les rituels anglicans concernant la naissance et du corps médical souhaitant exercer un contrôle sur les accouchements.
Cet essai tentera de montrer comment ces trois gravures de Cellier firent partie de stratégies politiques et sociales complexes destinées à redéfinir l’obstétrique de telle sorte que les femmes en furent écartées au profit exclusif du corps médical masculin.
Klinger’s Christ on Olympus: The Confrontation between Christianity and Paganism
Authors: Tumasonis Elizabeth 
Published: January 2021

Entre 1890 et 1897, l’artiste allemand Max Klinger peignait le Christ sur le mont Olympe, son oeuvre la plus considérable et la plus ambitieuse. Elle représentait le Christ et les quatre vertus cardinales apparaissant devant Zeus et les dieux olympiens. La critique récente autant que la critique de l’époque ont interprété l’oeuvre de diverses façons et au moins un critique du temps l’avait vu comme la célébration du triomphe de la Chrétienté sur le paganisme, mais une relecture du contexte suggère autre chose. Une longue lignée d’écrivains allemands, comprenant Goethe, Schiller, Heine et plus particulièrement Nietzsche, ont vu le Christianisme comme une religion “mortifère” qui avait détruit la sensualité naturelle et l’amour de la vie, caractéristiques des Anciens. Comme de nombreux intellectuels de l’époque, Klinger admirait Nietzsche. Un examen approfondi du tableau et des oeuvres qui s’y rattachent laisse croire que Klinger voyait son tableau comme une allégorie nietzschéenne, rejetant la culpabilité chrétienne liée au corps et affirmant de nouveau la sensualité physique. Les oeuvres de Klinger reflètent cette idée d’une association entre l’antiquité classique et la liberté sexuelle, idée largement partagée par de nombreux artistes symbolistes allemands à la fin du siècle. À travers ce thème, ces artistes désiraient se libérer des conventions morales et esthétiques de leur temps.
AARON: Portrait of the Young Machine as a Male Artist
Authors: Morbey Mary Leigh 
Published: January 2021

AARON, 25 ans, est un programme informatique, doté d’une intelligence artificielle qui peut faire des dessins à main levée. Il a été développé par Harold Cohen, un peintre expressionniste abstrait anglais. En 1968, ce dernier s’intéressait à l’intelligence artificielle et faisait de l’ordinateur le véhicule principal de sa démarche artistique. Dans les années 70, les images d’AARON se limitaient à des dessins géométriques abstraits et, vers le milieu des années 80, son programme « cognitif » s’élargissait pour inclure la reconnaissance de la morphologie humaine et végétale, permettant ainsi de produire des dessins à main levée de gens évoluant dans des environnements de jardins.
Cet article retrace le développment conceptuel d’AARON par le biais de sa biographie, il explore les aspects spécifiquement masculins qui sous-tendent le programme et examine les implications de cette désignation sexuelle dans la construction des modèles théoriques de ce champ artistique en émergence.
A Villa Fit for a King: The Role of Palladian Architecture in the Ascendancy of the House of Hanover under George I
Authors: Arciszewska Barbara 
Published: January 2021

La découverte récente du plan d’une villa conçue pour Georges-Louis, électeur de Hanovre et futur Georges Ier d’Angleterre, montre bien l’importance de l’architecture palladienne pour la cour de Hanovre au début du XVIIIe siècle. En utilisant le vocabulaire palladien, les Hanovriens ont consciemment profité des associations liées à ce style d’architecture : il mettait en évidence leurs liens avec l’aristocratie vénitienne et avec les premiers Stuarts de qui ils avaient hérité du trône en 1714. L’adoption de l’architecture palladienne était un moyen pour les Hanovriens de renforçer leurs prétention à la légitimité de la dynastie. Par conséquent, on peut penser que le retour de ce style, en Angleterre, après l’accession au trône de Georges I n’émane pas seulement des doctrines politiques et esthétiques du gouvernement whig, mais doit beaucoup au goût personnel du roi pour ce style et à son mécénat. Cette affirmation est renforcée la présence d’arguments ignorés jusqu’ici : les liens des Hanovriens avec la Vénétie, les dédicaces des auteurs des plus importants traités du néo-palladianisme anglais à Georges I et la commande royale d’une villa palladienne à Richmond.
Jugendstil and Racism: An Unexpected Alliance
Authors: Pagel Angelika 
Published: January 2021

Associer dans un même souffle le Jugendstil au racisme semble un peu surprenant. A première vue, les lignes sinueuses et les motifs floraux géométrisants donnent une impression de grande liberté et de bonheur. Affirmer que cette période « digne » était traversée par les courants politiques racistes et anti-sémites « indignes » reste fort désagréable, mais pourtant juste. Le racisme et les germes de l’idéologie fasciste—définie largement comme un nationalisme exacerbé et un anti-libéralisme dévoué à la cause d’un dictateur—apparaissent clairement dans le mouvement Jugendstil allemand. Dans cet article, nous analyserons un texte populaire des années 1890 de même que l’art et la vie de Fidus en essayant de montrer les rapports qui existent entre cette « fin de siècle » germanique et le racisme du Troisième Reich. Pour affirmer la place cruciale de la « fin de siècle » dans la formation des courants artistiques qui la précèdent comme dans ceux qui lui succèdent, nous tenterons d’établir des liens visuels et idéologiques entre le Jugendstil et les Romantiques allemands, Runge et Friedrich, et nous conclurons en nous interrogeant sur des agencements d’images du Jugendstil et des débuts expressionnistes du Bauhaus.
Boudoir Scissorhands: Matisse, the Cut-outs and the Canon
Authors: Wood William 
Published: January 2021

Physiquement diminué par la maladie et ébranlé par la Guerre, Matisse entreprend une série d’oeuvres qui l’amènent thématiquement, formellement et techniquement hors des sentiers battus par sa propre pratique et par la tradition moderniste dont il constitue l’une des grandes balises. Il s’agit de travaux décoratifs effectués à partir de papiers découpés, composés avec l’aide d’assistants et destinés à des objets utilitaires : livres, écharpes, bannières, vitraux et murales en céramique. Celui que ses tracés déliés et sa virtuosité de coloriste ont consacré maître de la peinture, s’abandonne aux aléas de la reproduction mécanique et aux spécialistes des métiers d’art.
La relative position de faiblesse qui semble l’orienter dans cette voie ne mène cependant pas Matisse à une révision radicale du canon de l’art moderne (les critiques de Matisse sont ici complices de son conservatisme). Alors que ses expériences d’art appliqué connaissent un certain succès et le rappellent à l’attention du public, il s’inquiète des risques encourus dans l’entreprise. Celui pour qui facture rime avec signature se réclame toujours de la même originalité créatrice. C’est pourquoi il finira par abandonner l’univers du multiple pour le grand papier découpé autographe, lieu d’une projection fantasmatique où l’artiste invalide retrouve toute sa puissance de contrôle et d’infinie délectation.
Picturing the Picturesque: Lucius O’Brien’s Sunrise on the Saguenay
Authors: Ramsay Ellen L. 
Published: January 2021

L’oeuvre Sunrise on the Saguenay (1880) de Lucius R. O’Brien, premier président de l’Académie royale canadienne, fournit une excellente illustration de la relation entre le paysage géographique et la représentation picturale du paysage qui avait cours pendant le xixe siècle au Canada. Cette peinture célèbre constitue non seulement un exemple de la virtuosité que l’on peut atteindre en art pictural mais elle fut aussi reconnue comme l’une des meilleures oeuvres parmi celles de la collection des morceaux de réception de l’Académie. En effet, on l’a choisie comme l’un des éléments de base de la collection de l’Académie lors de la fondation de cette organisation et on lui attribua la place d’honneur au-dessus du podium de l’orateur pour l’ouverture officielle en 1882.
Quoique l’oeuvre s’inscrive dans la tradition pittoresque de la peinture canadienne, une étude des archives nous révèle que le pittoresque apparut dans discours populaire sur l’industrie, le tourisme et les loisirs vers la fin du xixe siècle. Outre un point d’excursion pour les voyageurs à la recherche du pittoresque, la rivière Saguenay faisait partie d’un nouveau secteur industriel québécois dans la région du bas Saint-Laurent. Le flottage du bois accompagné de la déforestation et de l’exode de la population agricole ont laissé leur marque alors que la relation ville-campagne modifiait la région. Les transformations romantiques de la scène picturale démontrent comment, chez le peintre-excursionniste, une cartographie mentale a conditionné l’approche au paysage de cette époque. Cette scène idyllique dévoile la grande variété d’influences artistiques chez O’Brien.