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Mixed Identities Conquest: Bodily and Textual Hybridations in Malika Mokeddem’s L’Interdite and N’Zid
Authors: Barthelmebs-Raguin Hélène 
Published: January 2021

Le présent article propose d’étudier le métissage culturel, social et linguistique qui compose les identités féminines dans les œuvres de Malika Mokeddem, auteure algérienne de langue française. Cette écrivaine, engagée dans la dénonciation des inégalités entre femmes et hommes, y interroge la notion d’identité à travers l’exploration de différentes images hybrides des corps — l’altérité y tenant une place prépondérante. Refuser le clivage identitaire apparaît dans ses productions romanesques comme un acte fécond, car cela permet d’échapper à l’enfermement dans les clichés et les stéréotypes, en amenant à la création d’identités nomades et plurielles. Dès lors, on ne saurait parler du corps féminin, au singulier, mais bien des corps féminins. Les nombreuses hybridations construisent la réflexion sur les corps des femmes : la singularité d’une identité essentialisante est réfutée au profit d’un corps-texte, se faisant le support des identités plurielles des femmes.
Installation: Looking Back over a History of the Term, Its Modes of Appearance and Its Meanings
Authors: Coëllier Sylvie 
Published: January 2021

Cet article est une étude sur l’apparition et la fortune critique du terme installation dans le vocabulaire de l’art contemporain. À travers la brève histoire de la diffusion de ce mot en art seront analysés les circonstances contextuelles, les modalités de fonctionnement et l’imaginaire de la forme « installation ». Devenue populaire grâce à trois artistes commissaires d’un lieu d’exposition à Londres, le « Museum of Installation » dans les années 1990, la forme « installation » renvoie à des dispositifs antérieurs, amorcés dès les avant-gardes. L’analyse historique permet d’en appréhender les différents paliers : les prémisses, puis les « environnements » issus de l’assemblage et popularisés par Allan Kaprow, et l’« in situ », ces deux dernières formes et leur terminologie dominant jusqu’à la fin des années 1970. Après la transition constituée par les années 1980, le texte se conclut par l’analyse d’un moment inaugural ouvrant l’histoire des installations en France, les « Ateliers du Paradise » de 1991. À travers cette œuvre sont questionnées les différentes valeurs critiques comme les ambiguïtés de ce mode aujourd’hui si répandu internationalement qu’il semble à beaucoup synonyme d’art contemporain.
Art in situ or the Site as Art: A Japanese Reception of Contemporary Art
Authors: Uemura Hiroshi 
Published: January 2021

L’exposition d’art dans des paysages est devenu populaire au Japon, avec la multiplication récente de festivals d’art locaux. Dans ces festivals, qui attirent chacun des centaines de milliers de visiteurs, coexistent des œuvres hétérogènes. Certaines sont des sculptures autonomes, d’autres des installations qui se fondent dans le paysage, et d’autres encore sont des œuvres de type « art relationnel ». Bien que ces œuvres in situ affirment leur lien essentiel avec le site naturel rural et avec le corps du spectateur — constituant un événement, une expérience, une rencontre éphémère —, les relations avec le site comme avec le visiteur sont complexes et ambigües. Il y a des œuvres in situ, mais parfois aussi in aliquo situ : des œuvres qui peuvent être installées n’importe où. Qu’est-ce qui attire les visiteurs dans ces expositions ? Quels sont donc la nature et le mérite de leur localisation ? Si les visiteurs apprécient de voir des œuvres dans ces paysages cela peut être en partie lié au principe japonais traditionnel d’expérience des lieux dit meisho-meguri, ou « pèlerinage vers des sites célèbres ». Cette pratique issue du Moyen Âge est associée historiquement au sacré. Aujourd’hui ce pèlerinage prend la forme du tourisme moderne mais conserve un sens traditionnel invisible car les visiteurs se déplacent à travers une série de lieux géographiques selon un jeu culturellement codé. Selon nous, dans le cas des visites d’œuvres d’art en zones rurales, l’appréciation des œuvres d’art participe à ce même jeu traditionnel de se déplacer physiquement dans une série de lieux. Cette dimension spirituelle implicite modifie à son tour la perception des œuvres. Ainsi on dira que la pratique japonaise de visiter ces expositions d’art in situ témoigne de la survivance d’une tradition, et constitue ainsi un système alternatif d’expérience esthétique.
Ann Hamilton: The Conditions of Attention
Authors: Saarbach Pascale 
Published: January 2021

Figure emblématique de l’art de l’installation, Ann Hamilton (née en 1956) crée depuis près de quarante ans des environnements immersifs complexes et poétiques, constitués d’objets et de matériaux divers convoquant tous les sens du spectateur et dont les surprenantes associations, ou leur importante accumulation, provoquent chez ce dernier de multiples réponses affectives et cognitives, bien souvent difficiles à décrire ou à restituer par le simple langage. Absorbé par la présence physique et sensible de ce qui l’entoure, le spectateur est invité à s’abandonner aussi longtemps que possible dans ce qu’il éprouve, à se mettre à l’écoute de la situation et du savoir intuitif que lui livre son corps en interaction avec le lieu. L’expérience de l’œuvre, pour Ann Hamilton, est en effet avant tout un « acte d’attention ». Cette notion d’attention est particulièrement importante, à une époque où la surenchère de stimuli, l’immédiateté et l’accélération qui caractérisent les rythmes de nos vies de plus en plus désincarnées ne nous permettent plus de percevoir et de donner sens à ce que nous ressentons, ni à ce qui nous entoure. Phénomène singulier d’ouverture à soi, aux autres et au monde, l’expérience des installations d’Ann Hamilton engage un certain mode d’être, une « qualité de présence » dont dépendent nos capacités de mémoire, de pensée, d’imagination et d’action. À partir de l’analyse de quelques grandes installations, de tropos (1993) à the event of the thread (2012), il s’agira d’établir plus précisément les processus phénoménologiques et cognitifs mis en œuvre chez le spectateur par le dispositif immersif, et d’en éclairer les enjeux.
Kandors: Restive Proximities
Authors: Serrus Charlotte 
Published: January 2021

L’une des dernières œuvres de Mike Kelley, qui comprend plusieurs séries réalisées entre 1999 et 2011, est consacrée à Kandor, la ville natale de Superman sur la planète Krypton : une architecture phallique miniaturisée, maintenue sous cloche dans une atmosphère séparée, et dont la forme, dans les vignettes des comics d’origine, ne cesse de subir des variations au fil des épisodes. Partant de ces dessins à la mémoire labile, Kelley produit un ensemble d’installations multimédias qui reprennent des codes visuels typiques de la science-fiction, mais dont l’expérience, pour le spectateur, s’avère excluante plutôt qu’immersive. D’un point de vue phénoménologique, il est question d’appréhender les Kandors comme des réticences, et d’interroger les différents enjeux de cette présence paradoxale. Porteuses de fonctions complexes à la portée psychique autant que collective, ces installations sont d’abord des paraboles du conditionnement social et de ses moules, ce qui inclut et met à l’épreuve leurs propres modalités de réception critique. Par ailleurs, les Kandors engagent tout un jeu de réminiscences formelles qui questionne les mécanismes de fabrication de la mémoire officielle, et la relation amnésique que celle-ci entretient avec certains types de formes principalement issues de la culture populaire.
The Cat in Kokon chomon-jû. Three Anecdotes Taken from the Work Compiled by Tachibana no Narisue and Translated from Japanese into French
Authors: Watanabe Kôji , Watanabe Kôji , Yoshino Tomomi , Lorrillard Olivier 
Published: January 2021

La figure du chat fait son apparition dans la littérature japonaise au ixe siècle, mais son image évoluera de manière inattendue à l’époque médiévale. Des témoignages littéraires du xie et du xiie siècle, tels que les Notes de chevet de Sei Shônagon et Le Dit du Genji de Murasaki Shikibu, montraient clairement l’intérêt porté aux chats par les dames de cour. Pourtant, à partir du xiiie siècle, le félidé fera au contraire l’objet d’une forme de « diabolisation », et c’est cette dimension plus inquiétante du chat que nous aimerions évoquer ici, à travers trois exemples tirés du Kokon chomon-jû, vaste recueil de contes et légendes. Cette œuvre méconnue en Europe est attribuée à Tachibana no Narisue et achevée en 1254.
Lexical Exploration of the In-Between: Linguistic Imaginary and Mind’s Topic
Authors: Costa Véronique 
Published: January 2021

Associé à l’instabilité et à l’insaisissable, mais aussi aux liens et contacts multiples (entre deux peuples, deux cultures, deux phénomènes), le concept d’entre-deux semble échapper à toute définition construite sur des oppositions binaires. Il figure parmi les notions à la mode. Nous semblons innover « entre ». L’« entre-deux » nous intéresse comme image heuristique. Parce que le lexique est source de questionnement, laboratoire ou observatoire de nos imaginaires, nous proposons ici une exploration lexicale de cet « entre-deux ».
Twenty-Two Questions for an Overhang
Authors: Stétié Salah , Fintz Claude 
Published: January 2021

À travers le présent entretien, Salah Stétié, écrivain au carrefour d’au moins deux traditions culturelles, envisage son rapport singulier à la question de l’entre-deux. Il évoque en particulier le lien très étroit qui l’unit aux civilisations de la Méditerranée (en tant que terre du milieu, terre entre plusieurs rives) ; la question de l’intervalle l’amène à parler du sens de son écriture poétique, de son rapport à la langue et à la traduction. Plus surprenant sans doute est le contexte premier qu’il donne à son exploration poétique, selon une inspiration très orientale : une physique spirituelle de l’énergie — de la danse de l’énergie, au centre de laquelle le poète se tient, à « la source des vertiges ». C’est une entité quasi impersonnelle et insituable qui écrit, à la croisée des dimensions mentales, spirituelles et verbales — et d’un inconscient qui serait beaucoup plus large que le personnel. Cependant, pour Salah Stétié, le poète, loin de ne résider nulle part, développe une « citoyenneté surplombante » qui lui permet de circuler dans toute l’étendue du réel, de l’embrasser dans son ensemble et d’en témoigner sans exclusive.
The Redoubled In-Between between the Cosmos and the Human or the Hidden Interity
Authors: Demorgon Jacques 
Published: January 2021

L’entre-deux nous le rencontrons, c’est l’autre. Pour nous, il fut présent dans les formations-recherches interculturelles des Offices des jeunesses : franco-allemand, germano-polonais, franco-québécois. L’autre, les ennemis ou les alliés ? Ceux d’hier ou les nouveaux, alors, l’Est et l’Ouest. Leur rivalité pour l’espace nous référait à l’entre-deux du cosmos et de l’humain ; le cosmos, repère d’entre-deux. En microphysique, à chaque particule, son antiparticule. Le proton en noyau, les électrons alentour mais aussi le neutron. En cosmologie : rayonnement centrifuge des étoiles ; gravitation centripète jusqu’au trou noir. Le monde du vivant n’est pas en reste. De la cellule à l’être pluricellulaire. De la scissiparité à la reproduction sexuée. Entre-deux du monde végétal et du monde animal ; de l’humain ouvert à l’infini et de l’univers plein. Mais s’ils se sentent vides, les humains tombent dans des absolus qui les opposent parfois jusqu’au meurtre de l’autre. L’antidote : vivre, penser, inventer les entre-deux de l’histoire et des civilisations.
Meaning and Imaginary: An « In-Between ». About Semiotic Aspects of the Work of Gilbert Durand
Authors: Kharbouch Ahmed 
Published: January 2021

Il s’agit d’essayer de penser un « entre-deux » entre les travaux novateurs de Gilbert Durand sur l’imaginaire et les conceptualisations sémiotiques de la signification. Bien que Durand semble rejeter toute forme d’« explication sémiologique » des images-symboles, sa conception de l’imaginaire est régie par une sémiosis et une rationalité spécifiques qui permettent d’entrevoir, même si l’intersection n’implique pas forcément la fusion, les contours d’un « entre-deux » entre son « archétypologie » et la sémiotique.
Image of the Doctor in Doctor Who: Scientist or Magician?
Authors: Fruoco Jonathan 
Published: January 2021

La série Doctor Who est parvenue, en cinquante ans d’existence, à mettre en place une mythologie dans laquelle technologie et mythes des origines ont donné vie à un univers que la majorité des personnages perçoit comme étant « magique ». Tout comme le magicien ou la figure du sage dans le monomythe campbellien, le Docteur apparaît toujours au bon moment et provoque l’appel de l’aventure qui guide ses compagnons humains dans un monde merveilleux. Offrant souvent des explications pseudo-scientifiques incompréhensibles pour le commun des mortels, le Docteur ressemble ainsi au magicien d’Oz dont les pouvoirs magiques viennent d’une maîtrise scientifique supérieure à celle de ses interlocuteurs. Mais la représentation de ce magicien spatio-temporel a pris une toute nouvelle tournure lorsqu’il est devenu évident que le Docteur et Merlin avaient une histoire et des origines communes.
Between Missed and Denied, a Word in Search of Voice
Authors: Alberdi Urquizu Carmen 
Published: January 2021

La transition, puisqu’il n’y eut point de coupure, du cinéma muet au parlant nous permet de retracer le parcours d’une parole filmique en quête de voix depuis ses origines. Cette voix, tantôt regrettée dans les films que Chion (1993) nomme « sourds » plutôt que « muets », tantôt rejetée sous le « 100 % parlant », erre encore à la surface de l’écran comme dans un entre-deux, à la recherche de la reconnaissance vis-à-vis de son double, l’image.
The Invasion of the Reader’s Imaginary in the World-Literature. Reflection from the Thought of François Jullien
Authors: Anacleria Valentina 
Published: January 2021

Cet article questionne la situation de la littérature au temps de la mondialisation. Le désir du sinologue François Jullien de découvrir s’il y a encore la possibilité d’établir un dialogue entre les cultures — pas en termes d’identité, mais d’écart et de fécondité culturelle — a suscité ma curiosité. Comment la littérature et l’imaginaire des lecteurs sont-ils en train de se modifier ? Notre terrain d’observation privilégié sera celui de ce que nous appellerons l’écriture migrante, lorsque les écrivains immigrés utilisent la langue du pays d’accueil pour écrire leurs histoires. Ce sujet, à son tour, conduit aux questions du canon littéraire, de l’intertextualité et de l’interprétation comme base lexicale pour la réécriture d’un nouveau réseau de mots-clés de la littérature, à l’époque de la postmodernité.
Utopias in the Classical Age
Authors: Braga Corin 
Published: January 2021

Avec l’essor et le succès croissant de la littérature de voyages, nourrie par les grandes explorations et découvertes, les utopistes de l’Âge classique ont commencé à s’intéresser plus au sujet épique qu’à l’encadrement rhétorique de la relation utopique. Avec comme résultat des utopies réalistes dans lesquelles les narrateurs, en imitant le schéma de la littérature de voyages et d’exploration, prétendent avoir découvert des civilisations exotiques idéales, crédibles et applicables, qu’ils offrent en modèle à leurs contemporains. Les principaux procédés de construction des « utopies réalistes » sont la sélection et l’extrapolation utopique. Travaillant sur l’image de son monde historique, l’utopiste fait un choix des traits négatifs et positifs et les regroupe dans deux espaces complémentaires. Les caractéristiques jugées mauvaises sont rassemblées et isolées dans la description de « notre » civilisation (d’habitude l’Europe), celles bénéfiques sont regroupées et extrapolées dans la configuration de la civilisation exotique. L’exclusion des éléments désagréables, nuisibles et funestes soumet la fiction utopique à une « réduction au positif », ce qui fait d’elle un univers fictionnel eudémonique, capable de susciter l’adhésion rationnelle, morale et affective des personnages, ainsi que des lecteurs.
“Pecunia non olet”: The She-Wolf and Ambivalent Motherhood
Authors: Madondo Sibusiso Hyacinth 
Published: January 2021

La louve (lupa) n’est pas seulement associée à la violence et à la terreur mais elle évoque également l’image de la mère nourricière et protectrice comme dans les légendes de Rémus et Romulus et de saint Ailbhe. Dans les deux légendes, des héros allaités par une louve grandissent pour devenir fondateurs : Rome pour Rémus et Romulus et le diocèse d’Emly pour saint Ailbhe. La louve est aussi liée à la débauche et à la luxure, et le bordel est nommé lupanar en latin.
Imagination in Technology. Innovative Freedom and Symbolic Constraints according to Gilbert Durand
Authors: Wunenburger Jean-Jacques 
Published: January 2021

Les modèles de l’imaginaire issus de l’école française bachelardienne et durandienne ont permis de mieux appréhender l’étude des mythes, des religions et des arts. Non seulement les imaginaires obéissent à une logique symbolique, mais celle-ci s’enracine dans des soubassements corporels, comportementaux et même neurobiologiques, qui sont au cœur des neurosciences. Dans quelle mesure peut‑on transférer ces résultats de manière plus systématique aux milieux des artefacts techniques, et même aux nouvelles innovations technologiques aujourd’hui ? L’article tente de dégager quelques orientations programmatiques qui devraient permettre de comprendre combien la liberté d’innovation se conjugue avec des contraintes neuromotrices et symboliques.
“A Piece of Cloth Woven with Myths and Faith …” A Repertoire of Polish Flag Symbolism
Authors: Salmon-Siama Monika 
Published: January 2021

Cet article a pour but de retracer, à partir de l’exemple des étendards polonais du xxe siècle, la genèse et le fonctionnement à travers le temps de cet important support identitaire. L’iconographie et la chromatique vexillologique ont un rôle précis à jouer dans la transmission intergénérationnelle de la mythologie nationale. À partir d’un échantillon thématique de bannières des immigrées polonaises en France, nous nous interrogerons sur l’évolution ou l’immuabilité de cet imaginaire spécifique conditionné non seulement par le temps et l’espace, mais surtout par le besoin collectif de représentation.
About Creation. On the Imperative of Literary Creation in Gilbert Durand’s Work
Authors: Araújo Alberto Filipe 
Published: January 2021

Dans la perspective de Gilbert Durand (1979-2015), cette étude traite de la conception de la création en général et, en particulier, de la création littéraire. Dans un premier temps, elle met l’accent sur le rôle de la création artistique en valorisant l’impératif de l’œuvre, puis, dans un second temps, sur celui de la création littéraire. Le but est de réfléchir sur la création et aussi sur son propre contenu, constitué de sens et de significations, du point de vue de l’imaginaire. La méthodologie est basée sur le couple compréhension-explication de l’œuvre de l’auteur. En conclusion, il est important de souligner que la conception de la création durandienne s’exprime à travers l’impératif de l’œuvre, du lointain et de la fonction fantastique de l’imaginaire.
The Imaginary or the Banality’s Profoundness. Love, Myth and Metaphor
Authors: Clamote Carreto Carlos F. 
Published: January 2021

Existe-t-il véritablement, du point de vue cognitif et épistémologique, une distance insurmontable entre grandes et petites mythologies, entre les récits fondateurs sur lesquels reposent nos références culturelles et littéraires et toutes ces métaphores qui façonnent et orientent en profondeur nos expressions langagières et les objets qui nous entourent et qui, elles aussi, racontent une histoire ? Si aucune société ne peut vivre sans mythes, nul ne saurait vivre ni signifier sans métaphore. Et si Œdipe ou Philoctète sont des signifiants lourds de sens capables de générer une pléiade de configurations poétiques sans cesse renouvelées, Levi’s, Coca-Cola ou Apple ne sont pas moins, bien qu’à une dimension et à un degré différent, des noms qui se sont progressivement érigés au statut de mythes contemporains grâce à une habile stratégie où image et récit fondateur se renforcent et se légitiment réciproquement. En tant que force qui harmonise (sans les exclure mutuellement) l’ordre et le désordre, le chaos et le cosmos, la symétrie et la dissymétrie, la Loi et la dimension de la fête et du jeu, Apollon et Dionysos, la vie intérieure et l’expérience du monde ; bref, en tant que principe médiateur et réunificateur de l’univers, de la forme et du sens, la métaphore est ainsi l’un des noms possibles de l’imaginaire. L’autre nom, c’est évidemment l’Amour. En effet, du Moyen Âge à l’époque contemporaine, l’amour, en tant que construction à partir d’une image-écran médiatrice, est toujours une quête du sens, un acte de signification, c’est-à-dire un processus dynamique mettant en relation les éléments disjoints du monde et de notre expérience.
Comparaison de deux types de vision : synesthésie et hypnagogie
Authors: Steen Carol 
Published: January 2021

When I was seven years old I discovered that I had been seeing the world differently from other people. My senses were joined. I was a synesthete. Over the years, I learned quite a bit about my synesthesia, but I was surprised in 2013 when I suddenly began to have another kind of vision, hypnagogic images. At first, I thought these new visions were part of my synesthesia, that I was seeing a new form, one I didn’t have a name for. But synesthesia needs a trigger, a trigger that causes us to see what we see. This form did not have a trigger, and that concerned me. In this paper I will explore the visual similarities and differences between my synesthetic photisms and my hypnagogic visions. I will compare the triggers or lack thereof, where I see the images, the ways in which the shapes I see appear, their colors, and their commonalities. I will discuss how the hypnagogic visions have changed, along with the fact that now both synesthetic and hypnagogic visions occur during the same experience, and that I have found other synesthetes who also have both synesthesia and hypnagogia.
Form Constants, Visual Synesthesia, Entoptic Vision
Authors: Lambert Hervé-Pierre 
Published: January 2021

En 1928 la théorie des form constants par Klüver catégorisait les hallucinations visuelles en quatre grandes catégories. Alors que la notion de form constants venait à s’appliquer virtuellement à toutes les figures entoptiques, comme l’avait prévu son auteur, dont les photismes synesthésiques, Cytowic a décrit et Carol Steen représenté ce que voient réellement des synesthètes visuels. L’une des caractéristiques d’œuvres de peintres synesthètes serait justement la présence de ces formes classées par Klüver. L’anthropologie avec la thèse de l’externalisation a montré que certaines cultures ont repris les form constants perçues dans le premier stade de l’intoxication pour en faire les patterns de leur art. Les modèles physiologico-mathématiques permettent de localiser en V1 l’origine de production des photismes et d’expliquer leur morphogénèse. Mais une explication des circuits neuraux empruntés pour passer des différents types de déclencheur sensoriel à l’apparition de photismes synesthésiques reste aujourd’hui au stade de l’hypothèse. La synesthésie est l’objet de recherches alliant les sciences les plus contemporaines dont la génomique. Il est possible que les études sur la synesthésie transforment son statut de phénomène marginal en un élément essentiel dans la compréhension du système physiologique sous-jacent à l’esprit humain.