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Escuta clínica em um ambulatório de genética: uma experiência extensiva
Authors: Assunção Isadora Veiga , Gomes Emanuele Aparecida Paciência , Zanotti Susane Vasconcelos , Rezende Fernanda Ribas Moura , Monlleó Isabella Lopes 
Published: January 2021

O trabalho busca relatar uma prática extensionista em um Hospital Universitário que teve como objetivo ampliar as ações no cuidado a pessoas com defeitos congênitos (DC) no SUS. Para tanto, apresenta-se a experiência de estudantes de psicologia em ambulatório de genética, ao associar à prática médica ambulatorial a escuta clínica. Discute-se neste artigo a importância da prática extensiva na atenção a pacientes com DC e seus familiares, decorrente da necessidade da interlocução entre medicina e psicologia na clínica contemporânea. Os resultados delimitaram os desafios enfrentados pelas estudantes e os efeitos da prática extensionista em serviço de genética clínica: estabelecimento de um espaço de fala e escuta; complexidade das condições genéticas; problemática do acompanhamento psicológico em serviço ambulatorial; e implicações na formação em Psicologia. Ressalta-se, por fim, a pertinência das reflexões teórico-clínicas acerca de uma primeira experiência de escuta clínica em sua dupla vertente: como dispositivo tanto terapêutico quanto formativo.
Religiosidade/espiritualidade em saúde: uma disciplina de pós graduação
Authors: Cunha Vivian Fukumasu da , Rossato Lucas , Gaia Ronan da Silva Parreira , Scorsolini-Comin Fabio 
Published: January 2021

Evidências sugerem uma relação importante entre a religiosidade/espiritualidade (R/E) e a saúde. No entanto, poucos profissionais da área têm uma formação que contemple os conhecimentos pertinentes a essa relação. O objetivo deste estudo é apresentar um relato de experiência sobre uma disciplina desenvolvida em um programa de pós-graduação de uma universidade pública do Estado de São Paulo. A disciplina se propôs a compreender como a R/E tem sido abordada no cuidado em saúde e evidenciar técnicas, instrumentos e estratégias de intervenção que podem ser utilizadas nesses contextos. Os estudantes se envolveram ativamente ao serem convidados a falar de suas experiências pessoais, profissionais e acadêmicas com a R/E. A disciplina cumpriu a função de transmitir conhecimentos a partir das evidências científicas sobre a dimensão da R/E, além de formar profissionais capazes de olharem para si e para os outros de maneira empática, valorizando sentimentos e emoções e, consequentemente, ampliando recursos formativos.
Significados atribuídos ao comportamento suicida por adolescentes do sexo feminino
Authors: Alpe Adriane Oss-Emer Soares , Alf Alexandra Machado 
Published: January 2021

Este estudo teve como objetivo analisar o comportamento suicida de adolescentes acolhidas em Unidades Básicas de Saúde (UBSs) de um município no interior Estado do Rio Grande do Sul. Segundo a Organização Mundial da Saúde, o período da adolescência mostra-se cada vez mais vulnerável a esse fenômeno, observando um crescimento gradativo do número de mortes por suicídio neste período do desenvolvimento, o que ressalta a importância de investigar a temática. Esta pesquisa qualitativa contou com a participação de treze adolescentes do sexo feminino, os dados foram coletados através de uma entrevista semiestruturada e analisados pela Análise de Conteúdo. Os resultados estão apresentados em duas categorias: a categoria I verifica a percepção dos adolescentes sobre o comportamento suicida, métodos prevalentes utilizados nas tentativas de suicídio; já a categoria II, apresenta significados associados ao desejo de morrer e fatores de risco e proteção a este público-alvo.
The Quality of Online Resources Available to Patients Regarding Cannabidiol for Symptomatic Relief of Hip or Knee Arthritis is Poor
Authors: Premkumar Ajay , Almeida Bryan A. , Lopez Juan , Pean Christian A. , Nwachukwu Benedict U. , Sculco Peter K. 
Published: January 2021

Introduction:
This study aimed to assess the quality of online resources pertaining to cannabidiol (CBD) for the nonoperative management of hip and knee arthritis.

Methods:
Websites were identified on the three most popular global search engines using terms relevant to CBD, hip or knee pain, and arthritis. Websites were scored based on a 25-point scale regarding diagnosis, evaluation, and treatment of hip and knee pathologies.

Results:
The initial search yielded 287 results, and 94 websites were analyzed after meeting inclusion criteria. The average Flesch-Kincaid reading level was 48, corresponding to a college education level. Mean website score was poor at 7.46 (SD 3.51) of 25 (29.8%). Websites published by physicians had statistically higher scores (P = 0.03).

Conclusions:
Many online resources regarding CBD use for hip and knee arthritis are available; however, the readability is more advanced than recommended by the National Institutes of Health. Very few resources are sponsored by physicians or professional organizations, and many are overtly sales oriented. Patients should be counseled that the information available online on this topic is generally unreliable. Surgeons and professional health organizations should play a stronger role in providing balanced resources to patients regarding CBD use for hip and knee arthritis.
Detection of Remote Sensing Warp Tension during Weaving on Plain Twill and Satin Fabric
Authors: Kaplan Volkan 
Published: January 2021

Warp tensions were measured while a machine was operating on a woven cotton fabric with three different woven patterns. This study was carried out with image analysis methods using a high speed camera. Three weave pattern types: plain, twill and satin were woven on the same weaving machine, and thus it could be understood how weave pattern differences affect warp tension. Each of these three weaves was woven in three weft densities: 20, 28 and 45 wefts per cm. These fabrics were able to be made on a weaving machine with an automatic dobby. It was aimed to investigate warp tension differences for three basic weave patterns while keeping all machine settings constant. The weave settings of the dobby were changed for plain, twill and satin weaves. Warp tension calculation was based on the warp elasticity theory. Warp elasticises were measured by image processing methods in MATLAB using a high-speed camera. It was aimed to improve upon the new method of warp extension measurement of fabric when the loom is in operation. It was observed that the warp tension in plain fabric was higher than for twill and satin under the same conditions.
Artists and After-Lives
Authors: Dawkins Heather 
Published: January 2021

Dans sa notice nécrologique sur Delacroix, Baudelaire se réfère à celui-ci comme à l’incarnation même du génie romantique, passionné et original. Dans cet essai, Heather Dawkins examine comment Baudelaire, en 1863, définit la créativité de Delacroix et en compare les caractérisations à celles de Degas, artiste dont la vie et l’oeuvre se sont révélées incompatibles avec le paradigme du génie romantique. Le mythe de Degas nie certains aspects du génie romantique et se construit au contraire autour d’un paradigme scientifique moderne de recherche pure. Malgré leurs différences, les mythologies de ces deux artistes intensifient la complexité technique de la gestation de l’image et subsument une autre culture dans l’identité créatrice de l’artiste. Le mythe de Delacroix le situe dans un rapport particulier aux cultures exotiques ou archaïques; le mythe de Degas le situe dans un rapport particulier à la féminité. Heather Dawkins montre que cette compréhension de la féminité est « dé-historicisée » et que l’on peut la considérer comme une abstraction si l’on accorde suffisamment d’attention à l’article d’Alice Michel, « Degas et son modèle », écrit en 1919. Cet article est intéressant pour sa caractérisation de Degas et pour la façon dont il exprime le rapport de la pratique artistique de Degas à la féminité. L’artiste y est dépeint comme autoritaire et exigent. Son rapport à la féminité s’exprime avant tout dans le conflit et la colère. « Degas et son modèle » se démarque des mythes bourgeois de l’artiste – romantique ou scientifique – et présente au contraire Degas, sa pratique artistique et son atelier du point de vue d’une femme de la classe ouvrière.
“T’Other Emily:” Emily Carr, the Modern Woman Artist and Dilemmas of Gender
Authors: Moray Gerta 
Published: January 2021

La carrière d’Émily Carr, tout comme les thèmes artistiques qu’elle choisit de développer, étaient pour le moins inusuels chez une femme artiste du début du 20e siècle. Comme nous le savons, elle rejeta les principes de la trop convenable peinture féminine qui se faisait à Paris à l’époque et qu’endossaient ses contemporaines en Colombie-Britannique, pour se lancer dans les techniques novatrices du Fauvisme, ainsi que dans un ambitieux projet de catalogage des villages aborigènes isolés au fin fond de la Côte Ouest et de leurs totems. Cet article se penche sur l’évidence présente dans la peinture de Carr et dans ses écrits inspirés de sa vie marquée de confrontations et de tensions, conséquence de son refus de se plier à la condition féminine de son temps. En raison des rapports problématiques que Carr entretint très tôt avec les hommes, ses attitudes prirent modèle sur le « complexe de masculinité » tel que décrit par Karen Horney. En raison de son style avant-gardiste, sa peinture fut étiquetée de « virile », malgré le fait que, pour compenser son rejet du rôle féminin trop répressif, elle privilégia l’imagerie célébrant le côté maternel des amérindiennes, ainsi que les forces péremptoires de Dzonokwa, figure féminine légendaire du peuple Kwakwaka’wakw. Les expériences éprouvantes qu’elle vécut sont de plus reflétées dans ses lettres et ses récits sous la forme de personnages divergents.
Daughter in Exile: The Painting Space of Christiane Pflug
Authors: Conley Christine 
Published: January 2021

Christiane Pflug (1936–1972) d’origine allemande était une artiste canadienne reconnue pour ses tableaux naturalistes de scènes domestiques représentant ses fillettes, des poupées et des vues des fenêtres de sa demeure torontoise. Mélancoliques, ses tableaux sont empreints de nostalgie et de terreur, associées à une « inquiétante étrangeté ». Ils évoquent, de manière allégorique, son enfance disloquée et déracinée par la Seconde Guerre Mondiale. S’inspirant du livre de Juliana Schiesari, « The Gendering of Melancholia », j’analyserai la « poétique du deuil » de Pflug à l’intérieur des paramètres d’une analyse féministe de la mélancolie, considérée comme un discours culturel montrant les difficultés qu’éprouvent les femmes à rendre culturellement significatif leur sentiment de perte. En analysant la pratique artistique particulière de Pflug, nous positionnerons son travail comme un anti-récit qui s’oppose à la tradition du génie mélancolique qui a privilégié la création masculine au détriment de la subjectivité féminine. Cet article examine aussi la production de Pflug par rapport au « Post-Partum Document » de Mary Kelly, c’est-à-dire comme une représentation de la relation mère-enfant dont on retrouve des traces dans les permutations spatiales des tableaux de l’artiste torontoise, de l’intimité de ses intérieurs tunisiens à ses vues urbaines des séries de la « Cottingham School » et de « Flag ». La théorie de Mary Kelly sur le fétichisme féminin dans la même oeuvre a été utilisée comme un modèle pour tracer la trajectoire du désir et de la perte de la mère dans les peintures de Pflug. Je conclurai en montrant que l’énonciation de l’expérience de la perte de la fille/de la mère dans les tableaux, légitime l’expérience du deuil des femmes dans la culture patriarcale. Et c’est en cela que réside leur plaisir.
Place Really Does Matter: Marion Greenwood’s 1947 “China” Exhibition
Authors: MacKenzie Catherine 
Published: January 2021

En décembre 1947, l’Associated American Artists Gallery de New York exposait les tableaux et les oeuvres sur papier de Marion Greenwood, revenue d’un « séjour de presque deux ans en Chine du Sud ». La plupart des textes de l’exposition insistaient sur le séjour en Chine de l’artiste, séjour qui s’était en fait limité à une période d’un an dans la colonie britannique nouvellement reconquise de Hong Kong et à une visite de seulement quatre jours dans ce que l’artiste avait elle-même identifié comme la « vraie Chine ». Cet article tente de comprendre pourquoi Greenwood choisit de replacer sa production dans un plus large contexte chinois, et il analyse surtout les conséquences de ce glissement géo-politique; les notions bien établies d’une Chine nécessiteuse revenaient constamment dans les comptes-rendus, réduisant souvent la portée des images de Greenwood à des rapports sur les conditions « misérables » et « lamentables » des Chinois. Une telle orientation de son travail avec la vision d’une nation infirme composée de « petites » gens à moitié morts de faim, faisait de ses images des témoins crédibles dans une campagne bien orchestrée pour persuader le gouvernement américain de soutenir les forces assiégées de Tchang Kaï-Chek. Dans les décades qui suivirent leur réception initiale, les peintures et les gravures de Greenwood continuèrent de susciter des commentaires qui les rendaient sujettes à des interprétations changeantes, mais toujours hautement politisées.
Mamluks and Venetians: An Intercultural Perspective on Fourteenth-Century Material Culture in the Mediterranean
Authors: Harding Catherine , Micklewright Nancy 
Published: January 2021

Cet article examine deux regroupements d’objets et quelques sites architecturaux du quatorzième siècle, conçus et produits par deux groupes culturels distincts : les Vénitiens et les Mameluks, pour lesquels conquêtes, croisades et idéologies de la Guerre Sainte faisaient partie intégrante de la vie. Il attire l’attention non seulement sur les liens unissant les communautés du Bassin méditerranéen à la fin du Moyen Âge, mais aussi sur la nature dissemblable de ces communautés. Cette analyse se propose aussi de montrer la richesse des échanges interdisciplinaires. En comparant deux manuscrits, l’un vénitien sur les croisades et l’autre, un furusiyya, c’est-à-dire un traité d’équitation produit par les Mameluks, nous explorons la manière selon laquelle chacun d’eux rend compte implicitement ou explicitement des contacts entre les deux cultures. Dans un second temps, en juxtaposant deux épisodes concernant la façon dont le vainqueur (chrétien ou musulman) expose des « trophées de guerre » dans des lieux importants de Venise et du Caire, nous montrons comment ces sculptures rappellent des associations culturelles et géographiques, réelles et imaginaires, et comment ces dernières sont beaucoup plus complexes que ce qu’on avait admis jusqu’ici.
Thinking Nation and Hybrid Belongings: The Aesthetics of Negotiation in Recent Media Art
Authors: Ross Christine 
Published: January 2021

Dans La Communauté des Citoyens, la sociologue Dominique Schnapper définit la nation comme une communauté abstraite de citoyens dont l’unité est garantie par un corps politique qui arrache l’individu de ses appartenances religieuses, dynastiques et ethniques pour « unifier les hommes ». En tant que principal processus de collectivisation de l’ère moderne, la nation performe la transcendance du local en supprimant graduellement les différences à l’intérieur pour accentuer les différences par rapport à l’extérieur, favorisant ainsi un processus d’homogénéisation. Les principales questions qui sous-tendent le présent article sont les suivantes : l’art actuel est-il critique de la nation? Dans l’affirmative, quelles sont les stratégies esthétiques mises en oeuvre dans l’élaboration d’une telle critique? En quoi le processus national d’homogénéisation fait-il place à d’autres modes d’appartenances? L’essai se penche sur trois oeuvres vidéo canadiennes réalisées pendant les années 1990, Yes Sir, Madame... de Robert Morin, Conditional Love d’Ardele Lister et Vexation Island de Rodney Graham, dans le but d’examiner leur représentation de l’appartenance « canadienne » à travers le questionnement de la nation. Ces trois oeuvres médiatiques articulent une esthétique de négociation qui met en place un mode d’appartenance nationale intermédiaire qui remet en cause la conception d’un « Canada unifié ».
Dissent, Dissatisfaction and Papal Self-Fashioning: Pope Gregory IX’s Response to the Thirteenth-Century Reform Movement in the Facade Mosaic of San Pietro in Vaticano
Authors: Harding Catherine D. 
Published: January 2021

Dans cet article, nous nous proposons de démontrer que les changements apportés par le pape Grégoire IX à la mosaïque de la basilique vaticane, datant principalement du début de la chrétienté, devraient être attribués en partie à la façon dont le pape envisageait le renouvellement spirituel de l’Église du bas moyen-âge. En décidant d’inclure une forme modifiée de la Déisis parmi les Vingt-quatre viellards de l’Apocalypse, le pape effectuait un remaniement important du message d’origine qui affirmait l’autorité du pontife romain. Ce changement reflétait aussi la préoccupation de l’époque en ce qui concerne l’intercession de la Vierge et des saints au jour du jugement dernier. En même temps, Grégoire insérait son portrait près du groupe de la Déisis. Son geste, imbu d’une piété humble et effacée, donne une impression de désir ardent et de dévotion en présence de Dieu; de ce fait, le portrait de Grégoire représente une étape importante dans la formation de l’image d’un pape par lui-même au Xllle siècle. D’un côté, les aspects les plus publics des changements apportés à cette mosaïque par le pape Grégoire, suggèrent que les modifications étaient destinées à répondre aux crises spirituelles auxquelles l’Église dut faire face pendant son pontificat. D’un point du vue plus personnel, il est possible que le sens de cette mosaïque soit associé au désir du pape d’assurer son propre salut en achetant son entrée au Paradis.
Un portrait de David par Nicolas-Bernard Lépicié?
Authors: Bédard Sylvain 
Published: January 2021

In this article, the author proposes that the physiognomy of the painter Jacques-Louis David should be recognized in a Portrait d’homme belonging to the Musée Bonnat in Bayonne. This comparison is first of all based on the fairly close resemblance that exists between this head, painted by Nicolas-Bernard Lépicié (1735-84), and reliable, known effigies of David, such as his self-portrait of 1794 in the Louvre. It must be said that the quite particular characteristics of the painter have always facilitated his identification. David, in fact, had the left part of his face deformed by a swelling, the outcome of a wound received during his youth. This physical characteristic is present in Lépicié's sitter, along with other distinctive traits of the painter, such as his broad, straight brow, his circumflex-shaped eyebrows, and finally, the slightly bulging tip of his nose.
We know, moreover, that the two painters each occupied a studio in the Louvre between the years 1782 and 1784. It may be that this “neighbourhood” provided the occasion for them to cultivate a certain relationship and ties of which the Bayonne canvas now constitutes the only evidence.
Centre Stage: Radical Theatre in America, 1925-1934
Authors: Marquardt Virginia Hagelstein 
Published: January 2021

Du milieu des années vingt jusqu’au milieu des années trente, des auteurs dramatiques politiquement de gauche s’efforcèrent d’allier les techniques de mise en scène et de jeu avec un contenu politique de plus en plus explicite et touchant à la condition ouvrière. Dans les pièces montées par la Workers’ Drama League (1925) et le New Playwrights Theatre (1927-1929), des auteurs radicaux, souvent associés au périodique New Masses, montèrent des spectacles en utilisant des effets constructivistes, à la Meyerhold, de récitations collectives et de mises en scène abstraites. C’est à la fin des années 1920 que le problème essentiel des artistes et auteurs radicaux apparut—le dilemme entre l’innovation formelle, l’habileté technique et le contenu idéologique. A la fin de la décennie, des troupes de théâtre ouvrières se rendirent dans les usines et les villes minières pour présenter des sketches et des récitations « agitprop » et des « journaux vivants. » Vers 1932, le mouvement théâtral ouvrier était solidement établi et soutenu par des articles réguliers dans New Masses et Workers Theatre, une publication importante du Workers Laboratory Theatre, et aussi par les deux réunions nationales de 1932 et 1934. Pendant la seconde assemblée, on put voir poindre un courant favorable au Front populaire qui se manifesta à travers des spectacles plus traditionnels fixes ainsi que par des « formats agitationnels » itinérants. La Theatre Union, fondée en 1933, était la manifestation la plus évidente de la fusion du théâtre « agit » ouvrier et le théâtre bourgeois. Le Federal Theatre Project poursuivit dans cette direction en mettant en scène des « journaux vivants » sur des sujets approuvés par le gouvernement.
MoMA’s Public Relations, Alfred Barr’s Public, and Matisse’s American Canonization
Authors: O’Brian John 
Published: January 2021

Depuis 1931, l’année où le MoMA mettait sur pied sa première exposition de Matisse, jusqu’en 1951, l’époque qui vit Alfred Barr publier son imposante monographie (Matisse: His Art and His Public) et organiser une autre importante rétrospective de l’artiste, le musée new yorkais s’engageait dans un processus d’institutionnalisation qui allait modifier—d’aucuns diraient « momifier »—sa vocation initiale. D’une simple galerie vouée à la présentation d’expositions temporaires, il allait en effet devenir le dépositaire que l’on sait d’une célèbre collection d’art moderne.
Alfred Barr est le personnage-clé de cette transformation et l’instigateur du canon moderniste qui trouve encore des échos dans les pratiques actuelles du musée. Sa détermination à rassembler un large public pour le MoMA le porta à des initiatives en apparence contradictoires, où des opérations de battage médiatique et des stratégies renouvelées d’accrochage devaient se combiner à la rigueur du scholarship pour imposer une certaine idée du développement de l’art de ce siècle.
La figure emblématique de Matisse paraît avoir joué un rôle de premier plan dans ces stratégies, le Matisse d’avant 1920 qu’une certaine austérité formelle préservait encore d’un hédonisme trop affiché. La dernière rétrospective de l’artiste, organisée par le MoMA en 1992, s’inscrit dans le prolongement du canon matisséen et moderniste élaboré par Barr au lieu d’en produire l’analyse critique.
The Radicalization of Joan of Arc Before and After the French Revolution
Authors: Sexsmith Dennis 
Published: January 2021

Jeanne d’Arc ne symbolisa pas toujours la liberté, l’indépendance, et l’invincibilité. Elle fut et demeure encore un symbole privilégié de la pensée conservatrice française, un symbole de l’obédience, de la foi et de la monarchie. Il fallut attendre plus d’un siècle et demi avant de voir la création d’une nouvelle Jeanne d’Arc représentant la liberté et l’indépendance d’elle-même, de sa nation et de son sexe. La pucelle d’Orléans de Voltaire marqua le début de cette autre tradition. L’auteur rend en effet un hommage inhabituel à Jeanne d’Arc où l’on décèle toutefois l’emprunt de quelques caractéristiques critiques de Bradamante, l’héroïne de la Vierge chrétienne d’Ariosto.
La Restauration bourbonne et la défaite de 1870-1871 ont favorisé les deux grandes vagues d’images traditionnelles de Jeanne d’Arc contre lesquelles nous devons opposer le développement d’une autre tradition. Dès la fin du xixe siècle, dans une atmosphère de polarisation autour de l’affaire Dreyfus, elle devint en fait la mascotte de l’aile d’extrême droite.
Le développement d’un concept différent de Jeanne d’Arc s’effectua à travers des oeuvres littéraires de Southey, Schiller, Michelet, Dumas père, Twain, Anatole France et Shaw auxquelles s’associent des images. On ne parvint à une notion et une image de Jeanne d’Arc entièrement féministe qu’au moement où les femmes de la période edwardienne façonnèrent une Jeanne d’Arc à leur propre image.