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Musées et collections : pour une histoire de la patrimonialité
Authors: Poulot Dominique 
Published: June 2021

Museums and Collections : A History of the Patrimoniality
This article examines the role the study of collections and museums is playing in the artistic literature. After recalling that the history of collections has been governed primarily by the search for origins of masterpieces and great pieces of art, the author shows that the history of collections is now rather a social and cultural history of taste. But, recently, the figure of the collector has fuelled ananthropological perspective attentive to the «social life of things », on the one hand, and to the staging of the collection and to the museography, on the other. The case studies of the collecting movements play the same role that the anecdote stories in the new history : they are no more illustrations of generalities, but they exposed a lot of more or less disconcerting singularities. The purpose of the history of patrimony was once the transition from private collections to museums, in the name of the progress of socialization in its various incarnations ; today an approach to “patrimoniality” considers its many singularities, especially its margins, without returning to the old antiquarian model of writing the lives of collectors.
Le « cabinet » Texier : émaux limousins et autres curiosités
Authors: Tixier Frédéric 
Published: June 2021

The “cabinet” Texier : Enamelwork from Limoges and Other Curiosities
Abbé Jacques-Rémi-Antoine Texier (1813-1859) is famous for his many works on Medieval art and, more specifically, on the art of goldsmiths and enameling. However there has never been an in-depth study of this ecclesiastical savant also well-known as a collector. In this paper, the author provides, on the one hand, a summary of the career of Abbé Texier as an “itinerant” man of the cloth along with an overview of his professional relations. Secondly, he reconstitutes a part of his collection of artworks. His collection, the cabinet of a knowledgeable amateur, can be divided into three main categories : champlevé enamels, painted enamels and archaeological pieces or pieces of a more anecdotal nature.
Léonce Bénédite, « apôtre de la beauté moderne » ?
Authors: Marcle Céline 
Published: June 2021

Léonce Bénédite, an “Apostle of Modem Beauty” ?
A key figure of the artistic milieu at the turn of the last century, Léonce Bénédite (1859-1925) was the Chief Curator of the Musée du Luxembourg for over thirty years. Curator as well of the Musée Rodin and the Musée du Jeu de Paume, specializing in foreign contemporary painting, he organized countless exhibitions and was the author of a great number of books, articles and forewords to publications. His many travels and contacts abroad played an essential part in his work. During the first part of his career, he was in close contact with contemporary artists and befriended several of them, such as Besnard, Cazin, Cottet, Dinet, Fantin-Latour, Lebourg, Puvis de Chavannes and Rodin. Starting with the first years of the twentieth century, however, he seems to have lost touch with the art of his time. Criticized in his later years by the avant-garde and traditionalists alike, he sank into oblivion.
Le modèle du Museion dans l’Empire des Habsbourg : le cas de Lviv
Authors: Murauskaya Hanna 
Published: June 2021

Hanna Murauskaya
Le modèle du Museion dans l’Empire des Habsbourg : le cas de Lviv
Le musée est traditionnellement pensé à partir de la notion d’objet. Il rassemble les choses et non pas les mots, peut-on dire. L’étude des archives concernant les musées d’Europe centrale et orientale au XIXe siècle permet à l’auteur de constater que la définition du musée comme collection de choses ne permet pas de rendre compte, au début du XIXe siècle, des multiples fonctions des musées nationaux dans cette aire géographique. Dans cette étude, l’analyse du cas de Lviv met en relief un autre modèle de musée, construit à partir du mythe du museion alexandrin, en opposition aux grands musées universels et centré non pas sur l’objet mais sur l’idée de nation.
Les femmes dans les ateliers d’artistes en Europe du Nord au Moyen Âge
Authors: Cassagnes-Brouquet Sophie 
Published: June 2021

Women in Northern Europe artistic workshops at the end of the Middle Ages.
The author proposes to explore the presence of women in the workshops and the gender relations in cultural production at the end of the Middle Ages. She also links with the question of public and private space devoted to women. The contribution is based on unpublished inquiries in French, Flanders and English archives. Even if mentions of women in workshops are very few, it doesn’t mean that the wife, the sister or the daughter of an artist don’t take any part in the process of creation. In northern Europe, in France, in Flanders, in Germany and in England, women are members of crafts, by their own, or as widows of a dead master. In Paris, women are numerous in the artistic crafts, they are six “orfévresses” in 1292 according to the “Taille” register. Widows, wives, sisters and daughters are considered as members of the family workshop. Here, the gender notion seems to come after the importance of lineage.
La déesse et les jeunes filles : figures féminines du sanctuaire de Francavilla Marittima (Calabre)
Authors: Pace Rossella 
Published: June 2021

Rossella Pace
La déesse et les jeunes filles : figures féminines du sanctuaire de Francavilla Marittima (Calabre).
Le grand sanctuaire extra-urbain de Francavilla Marittima près de Sybaris en Calabre a été en activité de la fin de l’Age du Fer jusqu’à la destruction de Sybaris en 510 av. J.-C. Il a livré une grande quantité de représentations féminines attribuables à toutes les phases de son existence. L’auteure signale plusieurs thématiques associées à la fois aux dernières productions indigènes et aux œuvres de la phase coloniale : divinités assises trônant, processions de fidèles, offrandes de tissus, hiérogamie, toute scène permettant de caractériser une déesse protectrice des jeunes filles jusqu’au mariage. C’est dans la seconde moitié du VIIe siècle qu’elle note l’existence de terres cuites votives les plus originales et de la plus grande qualité, mais elle constate une assez grande continuité dans les formes de représentation de la divinité et de ses fidèles depuis la phase indigène jusqu’à la seconde moitié du vie siècle, où il est possible d’observer l’élaboration de figures représentant explicitement la divinité désormais titulaire principale du sanctuaire, Athéna, qui conserve les prérogatives de la déesse anonyme à laquelle elle succède.
Femmes dans la violence de la guerre : quelques représentations de l'Ilioupersis dans la peinture de vases grecque
Authors: Albecker-Grappe Sylvie 
Published: June 2021

Sylvie Albecker-Grappe
Femmes dans la violence de la guerre : quelques représentations de l’Ilioupersis dans la peinture de vases grecque.
La violence figurée sur les vases grecs l’est tantôt par des schémas expressifs, tantôt par des détails discrets et significatifs. L’auteure a dirigé sa recherche autour des images de l'Ilioupersis, et de trois peintres : Onesimos, le peintre de Cléophradès et le peintre de Brygos. Ces derniers ont utilisé des constructions très subtiles que l’auteure a tenté de démonter, pour rendre visible l’essence même de la violence. Ces images n’en ont pas moins suffi à indiquer la pertinence du «problème artistique » qu’elles ont soulevé et essayé de résoudre. Les représentations étudiées marquent une progression. Derrière ces combats de guerriers se profilent le combat d’Athéna et des Erynies et peut-être celui de l'oïkos contre la polis.
L’action mémorielle des princesses capétiennes à Saint-Denis au XIVe siècle
Authors: Berné Damien 
Published: June 2021

Damien Berné
L’action mémorielle des princesses capétiennes à Saint-Denis au XIVe siècle.
Au milieu du XIVe siècle, la règle tacite qui réserve aux seuls souverains la faculté d’élire sépulture dans la nécropole royale de Saint-Denis n’empêche pas certaines veuves et princesses royales de marquer l’espace funéraire dionysien, en s’appropriant les chapelles situées dans les angles des bras du transept. Jeanne d’Evreux crée un précédent par l’aménagement dispendieux qu’elle fait réaliser au début des années 1340, imitée en cela par Blanche de Navarre et, dans une moindre mesure, par Marguerite de Flandre. Néanmoins, si ces deux dernières placent leur tombeau au cœur de leur programme, Jeanne d’Evreux privilégie une visée commémorative centrée sur la figure de son époux, Charles IV le Bel : il s’agit pour elle de restaurer l’entretien de la mémoire du défunt roi, éloignée du sanctuaire royal pour des raisons juridiques. Ce souci explique le faste décoratif de sa chapelle, ornée de statues debout représentant le couple et ses filles. Le principe est repris, partiellement détourné dans un sens funéraire, par Blanche de Navarre qui y ajoute des portraits peints à son effigie et à celle de feu son mari Philippe VI de Valois. Mais un motif suffit à estomper la disparité d’intentions des différentes fondatrices : toutes descendent de saint Louis, et c’est en tant que dépositaires de la mémoire lignagère qu’elles prétendent avoir leur place à Saint-Denis.
Les voyages surréalistes d’Alice Rahon
Authors: Jarbouai Leila 
Published: June 2021

The Surrealist travels of Alice Rahon
In 1939, Alice Paalen, surrealist poet, finally leaves France. After a long trip to North America to discover the American Indian cultures, she moved to Mexico where, taking the name Alice Rahon, she now devotes to painting. In this country which maintains relationships with surrealism, she develops a vision on the edge of abstraction, often closer to a Klee or a Miré than to other Surrealists in exile in Mexico, such as Remedios Varo and Leonora Carrington. Influenced by the Indian landscapes, animals, cultures, Alice Rahon recreates a world where the imagination of America joins the Celtic Brittany and which performs the alchemy between the elements, beings, lands. She found the perfect harmony of origin and reached a sort of “surréalité”. Alice Rahon ’s graphic work, close both to Abstract Expressionists and to the first prehistorical painters, materializes the psychological journey that allows flying away into infinity.
Autour des artistes femmes du groupe Cercle et Carré
Authors: Gossmann Marlène 
Published: June 2021

Around women artists in the group Cercle et Carré
In 1930 in Paris, Michel Seuphor and Joaquin Torres-Garcfa founded the association Cercle et Carré. Alongside their male colleagues, French and foreign women artists collaborated to this avant-garde group. Committed to the artistic life and fed by different experiences, Marcelle Cahn, Franciska Clausen, Florence Henri, Nadia Chodasiewicz, Sophie Taeuber and Alexandra Exter, take an active part in discussions and research on abstraction to which they each add her own interpretation. Through the analysis of this progressive environment, the text observes the relationship between these plasticians women and other members of the group, and studies the activity, the situation of these women artists in this artistic context.
L’art et l’éducation populaire : Madeleine Rousseau, une figure singulière des années 1940-1960
Authors: Maurice Danielle 
Published: June 2021

Danielle Maurice
L’art et l’éducation populaire : Madeleine Rousseau, une figure singulière des années 1940-1960.
En adhérant à l’Association populaire des amis des musées, l’APAM, née avec le Front populaire, Madeleine Rousseau, attachée des Musées nationaux, s’engage dans la voie de «l’art pour tous ». Progressivement, elle ne se cantonne pas au rôle d’animatrice de l’APAM, elle en devient la voix. Elle inscrit l’Association dans les débats sur l’art du temps présent dès la fin des années 1930 en s’opposant à l’idée de la décadence de l’art. Au lendemain de la Seconde Guerre mondiale, Le Musée Vivant, la revue de l’APAM, devient une tribune de l’art abstrait. Parallèlement à ces engagements, elle découvre les arts africains, rencontre le « Monde noir » et accompagne l’expansion du mouvement de la négritude. En amenant l’APAM sur le terrain de la création plastique contemporaine et des arts africains, Madeleine Rousseau façonne cette dernière pour en faire un instrument d’intervention dans le monde de l’art.
Art, graphisme et féminisme à Los Angeles autour de Sheila Levrant de Bretteville
Authors: Buquet Benoît 
Published: June 2021

Art, graphie design and feminism in Los Angeles around Sheila Levrant de Bretteville
In 1973, the opening of the Los Angeles Woman’s Building can be seen as one of the first examples of large-scale feminist cultural facilities. It is founded by the artist Judy Chicago, art historian Arlene Raven and graphic designer Sheila Levrant de Bretteville as an outcome of anti-authority militancy and feminist teaching experiments in California since the end of the 1960s. Interactions between different kinds of disciplines are part of the true creative excitement coming from it. The paper focuses on graphic design, an essential constituent to the writing of a wider art history. Sheila de Bretteville ’s awkward route makes the author wonder about the existence of a feminine graphic design. Researches and experiments made by the graphic designer bring different visual propositions in, such as the creation of a new identity symbol or the elaboration of a non-hierarchical communication system open to relational and participative experiments. When modernism doesn’t seem to offer room enough to the expression of a split-up reality, Sheila de Bretteville tries to redefine graphic design with that urge of being aware of those who have not been heard yet.
Repenser l’émulation : entre réenchantement et modernité, le projet nazaréen
Authors: Grewe Cordula 
Published: June 2021

Rethinking Emulation : the Nazarene Project Between Reenchantment and Modernity.
This article provides a new perspective on emulative practices in Romantic art. Dedicated to the revival of religion, the German Nazarenes sought to re-enchant art. By fundamentally redefining a key concept of neoclassical art, they made “ emulation ” the vehicle of this religious process. The article inquires into the theoretical parameters that made this redefinition possible and, in so doing, challenges a model of emulation that has dominated recent scholarship on the period around 1800 : the modernist paradigm of the “ anxiety of influence. ” Articulated powerfully in the writings of René Girard, Walter Jackson Bate, and above all Harold Bloom, this paradigm submits the notion of originality and its counterpart, emulation, to a thorough psychoanalysis, defining “ influence ” as a never-ending struggle of the artist-ego with an oppressive father figure. Yet, the emphatic secular outlook of this approach makes it an insufficient tool for understanding an artistic practice rooted in religious concepts. For adopting the principle of imitatio Christi, the Nazarenes sought to release the psychological burden of the past by conceiving of emulation as spiritual following. Imitatio Raphaelis was folded into imitatio Christi, and the Catholic view of the saint as an intercessor between sinner and God extended to the revered artists of the past. Consequently, the “ artist-saint ” functions as a mediator between the concrete (albeit, imperfect) artwork and its divine préfiguration. To conceptualize process, the article employs René Girard’s theory of triangulated desire and mediation that provides a matrix for the Nazarenes’ strategy to sever the binary relationship between the emulated and the emulator and insert the divine between them as the ultimate origin and only incarnation of true originality.
Les peintures murales de Félix Périn à Ansac : un témoignage tardif du mouvement nazaréen
Authors: Allard Thierry 
Published: June 2021

Félix Périn’s Wall Paintings in Ansae : A Late Testimony of the Nazarene Movement.
In the last decades of the nineteenth century, the Nazarene movement knew a late revival in the mural decorations of two churches in Ansac-sur-Vienne made by Félix Périn (1835-1891). Working in the spirit of Alphonse Périn, his father, and Victor Orsel, he developed a complex use of symbols and allegories in order to praise Church and to denounce rising dechristianization in his times. Marian and patriotic themes are emphasized with learned abstraction, according to a vow, hoping Prussian war and Commune riots end in 1870-181.
Une nouveauté du XXe siècle ? Maquettes de Rome et perception « paysagère » de l’Histoire
Authors: Royo Manuel 
Published: June 2021

A Novelty of the Tiuentieth Century ? Scale Models of Rome and Landscaped Perception of History.
The scale models of Rome have inherited from the earlier models of ruins, but indirectly. The urbanization process changes the vision of the ancient city which assumes new values in matter of urban and political contexts. It is contemporaneous with the modern idea of urban landscape. So, it is not by case if entire models of the ancient city appear at the end of the nineteenth century (Marcelliani’s and Bigot’s models) and in the time of Mussolini (Gismondi’s one), periods of trouble in the urban history of Rome. The role and the function of models are changing and their aim is rather to present a substitute of reality more than an historical image of the city. The urban landscape is seen as a new way to make an intelligible History. But the models are deceitful !
L’empreinte du pouvoir politique dans le paysage urbain : Sauveterre-de-Béarn au Moyen Âge
Authors: Dufau Cécile 
Published: June 2021

The Political Power Impress on the Urban Landscape : Sauveterre of Bearn in the Middle Ages.
Sauveterre is a city of the Pyrénées-Atlantiques, born at the XIth century on the Bearn viscouncy North-West border, in the Pyrénées West part. The conservation state of its medieval architecture provided a urban archeological study, on the city scale. The archeological survey and analysis bring out, on one side, a limited urban expansion and modest architectural dispositions, such as the group of constructions of the Pyrénées. On the other side, they bring out development modalities encouraged by the society and viscouncy implications in the urbanism, able to materialize béarnaise prosperity at the edge of this independancy, between the xnth and the XIVth century.
Sculpteurs et architectes dans le projet de la Voie triomphale à Paris (1931)
Authors: Garcia Claire 
Published: June 2021

L’intégration des monuments publics dans le tissu urbain témoigne des relations complexes qu’entretiennent sculpteurs et architectes.
Au début du XXe siècle, la porte Maillot voit son statut évoluer et devient le premier axe de réflexion vers une agglomération plus étendue. En 1930, Léon Rosenthal, riche collectionneur et amateur d’art, organise, sur ses fonds propres, un concours pour décorer la place. Mais Léon Rosenthal fait preuve d’une certaine prudence et ne révèle pas les projets au public. La ville de Paris, conjointement au département de la Seine, décide alors organiser un nouveau concours. Trente-cinq projets sont rendus, dont certains par les architectes du concours précédent.
Le regret suscité par le divorce entre sculpture et architecture, et le désir de retrouver une certaine monumentalité, soulèvent la question de la place de l’architecte et du sculpteur, et donc respectivement de l’architecture et de la sculpture, dans les nouveaux développements urbains. Quels échanges s’établissent entre sculpteurs et architectes ? Le monument doit-il s’adapter à l’environnement ou inversement, les constructions doivent-elles être en adéquation avec le monument ? D’une manière plus générale, quelles positions tiennent les architectes et les sculpteurs à cette époque ?
Le gratte-ciel à Paris au début des années 1930 : discours et représentations
Authors: Gimbal Julie 
Published: June 2021

The Skyscraper in Paris in the Early 1930s : Discourses and Representations.
After the First World War, the debate on devastated cities involves a new reflection on high-rise architecture. Activating multiple discourses held as well by municipal authorities, than by urban planners and architects, the debate on the height is the opportunity to ideological disputes, which degree of rationality fluctuates, in particular to the identity and modernity. In a competitive climate which opposes European metropolises between them and observes the Americanism’s expansion, how does the idea of a “French tower” is formulated ? The emergence of conflicting communities of thought, the testing of consensus on the urban question and the first imagined projects - in particular at the occasion of the Rosenthal competitions and the “Voie triomphale” - are then relayed by specialized publications, which are a useful way to identify nuances, even differences in the ideological and doctrinal speeches.
Conceptions de l’espace urbain dans les projets des années 1960-1970
Authors: Roy Eve 
Published: June 2021

Designing the Urban Space in the Projects of the 1960s-1970s.
Technological and socio-economical disruptions Europe has to face in the 1960s-1970s lead architects and theoreticians to review their conceptions of architecture. One of the major aspects of this evolution deals with the polysemical notion of urban space. This article offers to explore the architects’ representations from that period, using three acceptations of that notion, reflecting the fear for overpopulation, the willing to exploit unused geographical territories, or the imaginary linked to the space race, so as to enable a better knowledge of this “paper architecture”, whose importance and continuations are essential for the architecture history.
Étienne Moreau-Nélaton (1859-1927), historien de l’art
Authors: Passini Michela 
Published: June 2021

Si l’activité de peintre et de collectionneur d’Etienne Moreau-Nélaton (1859-1927) est aujourd’hui bien connue, son œuvre d’historien de l’art l’est beaucoup moins. Moreau-Nélaton a néanmoins donné une contribution substantielle à l’étude de l’art français du XVIe siècle et, par des publications telles que ses monumentales Eglises de chez nous, il a promu une meilleure connaissance du patrimoine bâti de sa région (l’arrondissement de Château-Thierry) à une époque où la survie même de ce patrimoine était menacée par les retombées de la Loi de Séparation et, plus tard et bien plus sérieusement, par les obus de la Première Guerre mondiale.
Nous avons suivi ces deux axes majeurs de sa réflexion pour essayer d’en reconstruire les phases saillantes et pour replacer l’œuvre de Moreau-Nélaton dans le contexte des recherches d’histoire de l’art du début du XXe siècle : ses rapports avec l’autre grand spécialiste du x\ie siècle français, Louis Dimier, ainsi que sa participation active au débat autour de la sauvegarde du patrimoine, ont été au cœur de notre travail.
Corps exposé, corps nié. L’obscénité dans le décor urbain à l’aube de la Renaissance
Authors: Bulté Cécile 
Published: June 2021

The Body Exposed, the Body Repressed. Obscenity in Urban Architecture of the Early Renaissance.
Obscene and scatological imagery is a particular case of the transformation in the relation to the body that took place in European art in the late 15th century. As such it has generated a wealth of interpretations. For the most part these have privileged allegorical or sociological readings — viewing the imagery either as an allegory of lust or as an emanation of popular culture — over the study of the way in which these images function. In this paper I compare the connotative modes of obscene and scatological imagery with those of short narrative forms such as proverbs, fabliaux, and exempla. In this way I relate the subject and the structure of the images, as well as the objects associated with the figures represented, to an extended network of references and meanings without singling one out in particular. Whether looking at the comic aspect of the images or at the moral teachings contained in this comic aspect, the obscene or scatological genre appears to be characterized by the very multiplicity of its meanings.