bluuebunny/crossref_metadata_2025_split huggingface dataset:
Фернандо Сор и Михаил Высотский: встреча или миф? (К вопросу о контактах русских и зарубежных гитаристов XIX века )
Authors: Николаев А.А. 
Published: December 2024

История контактов русских и зарубежных музыкантов, происходивших на протяжении нескольких веков, полна ярких интересных фактов, но также всевозможных мифов, которые встречаются даже в серьезных исследованиях. Одна из таких легенд воображаемая встреча испанофранцузского композитора и гитариста Фернандо Сора, приехавшего в Российскую империю в 1823 году, и музыкантасамородка московского импровизаторасемиструнника Михаила Тимофеевича Высотского. В статье исследуется, как на основе анекдота писателя и публициста Михаила Стаховича историком гитары Валерианом Русановым в созданном им очерке была придумана большая сцена, которая в действительности вряд ли могла иметь место. Однако эта идеологически удачная история была подхвачена в советские годы и переписывается до сих пор. В письменных источниках Сор нигде не упоминает о своей встрече с русским артистом, а написанная Высотским Фантазия для гитары на тему Сора стала, скорее всего, плодом знакомства российского гитариста с нотными изданиями пьес известного гастролера. Подтверждением невозможности реальной встречи и уж тем более дружбы Сора и Высотского может служить принципиальная разница социальных кругов, в которых существовали эти выдающиеся музыканты.
The contact history of the Russian and foreign musicians occurring during several centuries is full of the bright interesting facts, but also various myths which one can meet even in serious researches. One of such legends is the imagined meeting of the SpanishFrench composer and guitarist Fernando Sor who arrived in the Russian Empire in 1823 and the gifted musician, the Moscow improviser on seven strings Mikhail Timofeyevich Vysotsky. In the article it is investigated as on the basis of a joke of the writer and the publicist Mikhail Stakhovich the historian of a guitar Valerian Rusanov in a sketch created a big fiction scene which in fact could hardly have taken place. However, this ideologically successful story was picked up in the Soviet years and is being rewritten even nowadays. In written sources Sor does not mention the meeting with the Russian actor anywhere, and The fantasy for the guitar on the theme of Sor written by Vysotsky became, most likely, a fruit of acquaintance of the Russian guitarist with musical editions of pieces by the famous guest performer. The basic difference of social circles in which these outstanding musicians lived can serve as a confirmation of impossibility of the real meeting, let alone Sor and Vysotskys friendship.
Диалоги с Арво Пяртом на языке tintinnabuli: Альгирдас Мартинайтис, Владимир Мартынов
Authors: Катунян М.И. 
Published: December 2024

Арво Пярт фигура знаковая в сегодняшней культуре. Он затрагивает глубинные проблемы художественного творчества, его цели и смысла, которые встают перед каждым композитором нашего времени и которые он сам решает для себя радикально. Для композиторов фигура Пярта наделена особым значением. В кругу близких ему по направлению собратьев по искусству он оказался востребованным для общения на пространстве музыкального произведения. Это происходит в форме диалога с ним, с его творчеством, и на его языке tintinnabuli. В статье рассматривается опыт обращения к творчеству Пярта композиторов Альгирдаса Мартинайтиса и Владимира Мартынова, для которых стиль tintinnabuli (колокольчики) своим ярким и узнаваемым авторским почерком послужил языком общения и понимания между композиторами. Само обращение своим творчеством к Пярту других композиторов служит неоспоримым доказательством актуальности его фигуры в современной культуре. В качестве примеров в статье привлекаются произведения Альгирдаса Мартинайтиса Гимн св. Франциска для солистов, хора, органа и магнитной пленки и Пярт. Зима из цикла Времена года Владимира Мартынова.
Arvo Pаrt is a symbolic figure in todays culture. He touches on the deepseated problems of artistic creativity, its goals and meanings that confront every composer of our time and which he himself solves radically. For composers Pаrts figure has a special meaning. In a circle of friends, who shared his direction of art, he was in demand for communication in the space of a musical work. This occurs in the form of a dialogue with him, with his work, and in his language tintinnabuli. The article deals with the experience of addressing the works of Pаrt by the composers Algirdas Martynaytis and Vladimir Martynov, for whom the tintinnabuli style (bells) was used as the language of communication and understanding between their composers. The reference of other composers to Pаrt in their own works serves as an indisputable proof of the relevance of his figure in modern culture. The works of Algirdas Martinaitis Hymn of Sts. Francis for soloists, choir, organ and magnetic film and Pаrt. Winter from the cycle Seasons by Vladimir Martynov are given as examples in the article.
ТОПОС «ШАНЬХЭ» В КИТАЙСКОЙ ХОРОВОЙ МУЗЫКЕ ПЕРИОДА СОПРОТИВЛЕНИЯ (19311945)
Authors: Сунь Ж. 
Published: December 2024

Используя термин топос в значении набора устойчивых музыкальноязыковых клише для выражения в музыке области абстрактных идей и конкретных образов, автор статьи изучает китайскую хоровую музыку периода сопротивления. Задача работы сформулировав уникальность понятия топоса шаньхэ в китайской культуре, проанализировать с этих позиций ряд показательных сочинений эпохи: хоры Цзюй Сисянь Река Сунгари (1935), Чжан Шу Песня волн (1938), Хэ Шидэ Переправа через Янцзы (1940), В горах Тайханшань (1938) и кантату Хуанхэ (1939) Сянь Синхая. Отмечено, что в целом, образный строй хоровых произведений 1930х первой половины 1940х годов обусловлен типом героического содержания: воспоминания о счастливом мирном труде, острое переживание угнетения агрессором соседствует в них с патетикой призыва к освобождению и радостью единения в борьбе. Автор приходит к выводу о наличии в изученных сочинениях двух уровней реализации пространственного аспекта топоса шаньхэ сюжетного и музыкального. Исследованы элементы семантического ряда, а также жанровостилистический, музыкальноизобразительный и интонационносимволический аспекты музыкального воплощения топоса шаньхэ в китайской хоровой музыке изучаемого периода.
Using the term topos in the meaning of a set of typical musical and linguistic clichs to express the fild of abstract ideas and particular images, in music the author studies Chinese choral music of the resistance period. The objective of the work is identifying the uniqueness of the concept of topos shanhe in Chinese culture, analyzing from this perspective a number of representative works of this historical period: choirs of Ju Xixian The Songhua River (1935), Zhang Shu Song of waves (1938), He Shide Crossing Yangtze river (1940), The Taihang mountains (1938) and the cantata Yellow river (1939) of Xian Xinghai. The author notes that, in general, the system of images in the choral works of the 1930searly 1940s is derived from the heroic type of the content: memories of happy, peaceful work, the painful experience of oppression by the aggressor coexist in them with the pathos of the call for liberation and joy of unity in the struggle. The author comes to the conclusion about the presence of two levels of realization of the spatial aspect of the topos shanhe plot and music in the analysed works. The elements of the semantic range and genrestylistic, musicechoic and intonationalsymbolic aspects of the musical incarnation of the topos shanhe in the Chinese choral music of this period are examined.
ДЕТСКОЕ МУЗЫКАЛЬНОЕ ОБРАЗОВАНИЕ КИТАЯ В ПЕРИОД АНТИЯПОНСКОЙ ВОЙНЫ 19371945 ГОДОВ
Authors: Вэй У. 
Published: December 2024

Статья посвящена истории детского музыкального образования в Китае в период антияпонской войны 1937 1945 годов в городе Чунцин. За это время программа обучения музыке в специальных и общеобразовательных школах была качественно изменена. На основе национальных традиций была создана система музыкального образования. Преподавание стало вестись по единым для всей страны учебным планам, учебникам и методическим разработкам. Музыка стала обязательным предметом общеобразовательных школ. Ученикам создавались условия для освоения какимлибо народным музыкальным инструментом, каждый школьник участвовал в обязательном ежедневном массовом пении. Потенциал начинающих музыкантов был использован в пропагандистских целях. Школьники участвовали в массовых творческих мероприятиях патриотических направленности: большом количестве сольных и камерных концертов вокальной и инструментальной музыки, концертах симфонического и народного оркестров, хоров, акциях массового пения. Все это способствовало росту интереса к музыке в целом, подъему музыкального образования, а также важному в годы войны моральному сплочению граждан. Основные творческие события проходили в этот период в городе Чунцин, ставшим в годы войны политическим центром государства.
The article is devoted to the history of childrens music education in China during the antiJapanese war of 1937 1945 in the city of Chongqing. During this time the musical education program in specialized and secondary schools has been qualitatively changed. The system of music education was created on the traditions of national music. Teaching was conducted according to unifid for the whole country curricula, textbooks and guidance papers. Music has become a compulsory subject of secondary schools. The students were provided with the conditions for studying any folk musical instrument each student participated in the obligatory daily mass singing. The potential of novice musicians was used for propaganda purposes. Schoolchildren participated in patriotic mass creative events: a large number of solo and chamber concerts of vocal and instrumental music, concerts of the symphony and folk orchestras, choirs, mass singing events. All this contributed to the growth of interest in music in general, the rise of music education, as well as the important moral cohesion of citizens during the war years. The main creative events took place during this period in the city of Chongqing, which became the political center of the state during the war.
«SECHS ORCHESTERLIEDER» op. 8 А. ШЕНБЕРГА В РАКУРСЕ ДВУХ МОДЕЛЕЙ ЖАНРА ORCHESTERGESANG
Authors: Денисова Г.А. 
Published: December 2024

Вокально-симфонический жанр Orchestergesang эпохи fi de sicle уникален тем, что в нем нашли свое отражение такие полярные качества, как звуковая монументальность и камерность. Взятые за основу, эти качества положили начало двум концептуально отличным моделям жанра модели Штрауса и модели Малера. В статье автор описывает параметры, характеризующие данные модели (литературная основа, оркестр, вокальная партия, взаимодействие голоса и оркестра, разработка интонационного материала), и представляет их в виде таблицы. Упоминается и текстомузыкальная семантика, не вошедшая в таблицу, но являющаяся неотъемлемой составляющей композиционного метода и Штрауса, и Малера. Краткий путь от монументальности к камерности звучания наглядно демонстрируется в сочинении Sechs Orchesterlieder ор. 8 А. Шенберга. Рассматривая его в ракурсе двух моделей жанра Orchestergesang, пристальное внимание автор уделяет проблеме переориентации с одной модели на другую. Воздействие Штрауса и Малера на творческие приоритеты Шенберга проявляется не только в выборе поэтического текста, оркестровке, разработке интонационного материала, текстомузыкальной семантике, но и в разных вариантах взаимодействия голоса и оркестра.
The vocal-symphonic genre of Orchestergesang of the fi de sicle era is unique as it reflcts such polar qualities as sound monumentality and chamberness. Taken as a basis, these qualities lay the foundation for two conceptually distinct models of the genre the Strauss model and the Mahler model. In the article, the author describes the parameters characterizing these models (literary basis, orchestra, vocal part, voice and orchestra interaction, development of intonation material), and presents them in a table. Textual musical semantics is also mentioned, which are not included in the table, but are an integral part of the compositional method of both Strauss and Mahler. A short way from monumentality to chamber sound is clearly demonstrated in the composition Sechs Orchesterlieder op. 8 by A. Schoenberg. Considering it from the perspective of two models of the Orchestergesang genre, the author pays close attention to the problem of reorientation from one model to another. The inflence of Strauss and Mahler on Schnbergs creative priorities is manifested not only in the selection of a poetic text, orchestration, development of intonational material, textual and musical semantics, but also in different versions of interaction between the voice and the orchestra
СТАНОВЛЕНИЕ И РАЗВИТИЕ ЖАНРА КАНТАТЫ В МУЗЫКАЛЬНОЙ КУЛЬТУРЕ КИТАЯ
Authors: Ли Ю. 
Published: December 2024

Появлению жанра кантаты в Китае в 1939 году предшествовал длительный период становления хоровой культуры с начала XX века. В статье рассматривается 4 этапа становления этого жанра в китайской профессиональной музыке. Первым этапом (ХVI-XIX века) стало появление и распространение в Китае европейской хоровой музыки. Знакомство китайцев с хоровым многоголосием начиналось с духовной музыки, звучавших в церковных приходах, основанных христианскими миссионерами. Второй этап (конец XIX в. - 1919) прошел под знаком движения Песни новых учебных заведений , направленного на популяризацию европейской музыки через пение в школах. В годы борьбы с японской агрессией и последующего мирного строительства (1919 - 1927) кантата стала ведущим крупным хоровым жанром. В годы Культурной революции развитие кантаты, как и всей хоровой музыки, резко затормозилось. Появление в этот период отдельных новаторских произведений явление позитивное, но все же исключительное. Вторая половина 1970-х и 1980-е годы стали временем восстановления кантатой утраченных художественных позиций. Начиная с 1990-х годов и по настоящее время, исследуемый жанр переживает второй в своей истории период интенсивного развития, активно взаимодействуя как с симфонической музыкой, так и с другими хоровыми жанрами.
The emergence of the cantata genre in China in 1939 was preceded by a long period of formation of choral culture from the beginning of the 20th century. The article discusses the 4 stages of formation of this genre in Chinese professional music. The fist stage (1619 century) was the emergence and distribution of European choral music in China. Acquaintance of the Chinese with choral polyphony began with sacred music, which sounded in church parishes founded by Christian missionaries. The second stage (end of the 19th century 1919) was marked by the movement Songs of New Educational Institutions , aimed at popularizing European music through singing in schools. During the years of the struggle against Japanese aggression and the subsequent peaceful construction (19191927), the cantata be came the leading major choral genre. During the years of the Cultural Revolution, the development of the cantata, like all choral music, was sharply inhibited. The appearance of individual innovative works during this period is a positive phenomenon, but still an excep tional one. The second half of the 1970s and 1980s was a time of restoration of the lost artistic positions of the cantata. From the 1990s to the present, the studied genre is experiencing the second period of intensive development in its history, ac tively interacting with both symphonic music and other choral genres.
КЛАССИЧЕСКАЯ ПАРАДИГМА ЭМПАТИИ В ТЕОРИИ И ПРАКТИКЕ ИСКУССТВА
Authors: Афасижев М.Н. 
Published: December 2024

В статье раскрывается смысл и структура классической эмпатической способности искусства. Автор обращается к трудам ученых эстетиков, искусствоведов, психологов, изучавших термин эмпатия с целью обобщить накопленный теоретический багаж знаний. На хрестоматийных примерах художественных произведений разных эпох автор определяет появление различных модификаций эмпатии, тем не менее отражающих неизменность обращения художника к эмоциональному и интеллектуальному миру человека. Автор критически осмысляет труды отечественных ученых, посвященные проблеме эмпатии, и показывает жизнеспособность и востребованность классической эмпатической парадигмы. В результате исследования автор приходит к выводу, что сложившаяся в науке точка зрения на понятие эмпатия основана на важной составляющей искусства как умение воплощать типичные, общезначимые эмоций и переживания, несущие в себе элемент возвышенного, а также имеющие глубокую связь с религиозными, эстетическими, патриотическими, философскими идеями и представлениями.
The article reveals the meaning and structure of the classical empathic ability of art. The author refers to the works of scientists aestheticians, art historians, psychologists who studied the term empathy in order to summarize the accumulated theoretical knowledge. Using textbook examples of artistic works of different eras, the author defies the appearance of various modifiations of empathy, nevertheless reflcting the invariability of the artists appeal to the emotional and intellectual world of man. The author critically comprehends the works of Russian scientists devoted to the problem of empathy, and shows the viability and relevance of the classical empathic paradigm. As a result of the study, the author comes to the conclusion that the current scientifi point of view on the concept of empathy is based on an important component of art as the ability to embody typical, universally signifiant emotions and experiences that carry an element of the sublime, as well as having a deep connection with religious, aesthetic, Patriotic, philosophical ideas and visions.
ЖАНРОВОЕ МНОГООБРАЗИЕ ХОРОВОЙ МУЗЫКИ АЗЕРБАЙДЖАНСКИХ КОМПОЗИТОРОВКОНЦА ХХ — НАЧАЛА ХХI ВЕКА
Authors: Гулиева С.П.к. 
Published: December 2024

Статья посвящена хоровой музыке азербайджанских композиторов конца XX — начала XXI века. Анализируются жанровое многообразие, ракурс идейно-художественной содержательности, индивидуальные композиционные решения и тенденции в этой сфере музыки. В творчестве азербайджанских композиторов представлены не только крупные вокально-инструментальные произведения (кантаты, оратории, пассионы, хоровые концерты и т. д.), но и хоровые миниатюры, поэмы, оды, гимны, хоровые циклы, песни. Возрастающее многообразие жанровой сферы хоровой музыки азербайджанских композиторов определяет степень актуальности данной темы. На современном этапе азербайджанские композиторы развивают хоровую музыку в трех направлениях: хоровые произведения малых форм симфонизированные хоровые сочинения, вокально-инструментальную музыку крупных форм, где хор несет в себе основную драматургическую нагрузку. В хоровой музыке, в особенности, в ораториях можно отметить тенденцию к обобщенной сюжетной линии или философской концепции. Музыкальная драматургия – это часть содержания музыкального произведения. Распространенными являются принципы динамизации и симфонизации кантатно-ораториальных жанров, драматургия, основанная на столкновения различных интонационных сфер, образов. Интересным представляется возникающий симбиоз кантатно-ораториального жанра с симфонией.
The article is devoted to the choral music of Azerbaijani composers of the late XX century and the beginning of XXI century. In particular, the works of small forms, their genre diversity, imaginative sphere, individual interpretation of structures are considered. Choral music of the XX and the beginning of the XXI centuries, especially cantata-oratorical genre, in content and internal structure, in most cases are free compositions. Many of them are compositions where theatrical and scenic elements are traced, a reader and a large choir (or ensemble) and an instrumental composition or an orchestra participate. At the same time, some choral works show attempts to escape from stereotypes and the process of individualization of structures. Only a common feature of these works can be such a factor as philosophical and conceptual validity, coming from the artistic idea . Modern choral music is a wide range of genre diversity and as a result, it is difficult to be seriously systematized. In choral music can be traced to the various recitation, intonation Azerbaijani composers in their works refer to both large (cantatas, oratorios, passion etc.) and choral works of small forms – choral plays, miniatures, sings, odes, hymns.
ФОРМИРОВАНИЕ КЛАССА ГИТАРЫ В НИЖЕГОРОДСКОЙ КОНСЕРВАТОРИИ: ИСТОРИЯ, ПРОБЛЕМЫ, ПЕРСПЕКТИВЫ
Authors: Петропавловский А.А. 
Published: December 2024

В статье освещаются ключевые аспекты становления класса гитары в Нижегородской государственной консерватории им. М. И. Глинки как основополагающего фактора формирования профессиональной среды исполнительства на классической гитаре в регионе. Классическая гитара — один из самых популярных в широкой среде любителей музыки инструментов — имеет богатейшую историю. На протяжении последних столетий накоплен достаточно обширный и разнообразный репертуар для классической гитары. Однако в силу различных обстоятельств культурного и политического характера, отечественная профессиональная исполнительская школа стала активно формироваться лишь в 80-е годы ХХ века. Процесс включения классической гитары в музыкальное академическое образование предопределил развитие гитарного исполнительства в Нижнем Новгороде и, вместе с тем, поставил ряд системных задач по организации учебного процесса, созданию репертуарной и научно-методической базы, концертной и общественной жизни. Автор статьи описывает основные этапы истории класса гитары, созданного на кафедре народных инструментов Нижегородской консерватории, отмечает современное состояние исполнительской школы. В статье также обозначены наиболее острые проблемы, требующие принципиального решения, и перспективы развития профессионального гитарного искусства.
The article highlights the key aspects of the formation of the guitar class in the Nizhny Novgorod State Conservatory named after M. I. Glinka as a funda-mental factor in the formation of a professional performance environment on the classical guitar in the region. The classical guitar — one of the most popular instruments among the music lovers — has a rich history. Over the past centuries, a fairly extensive and diverse repertoire for classical guitar has been accumulated. However, due to various cul-tural and political circumstances, the national professional performing school be-gan to be actively formed only in the 80s of the twentieth century. The process of incorporating the classical guitar into the music academic education predetermined the development of guitar performance in Nizhny Nov-gorod and, at the same time, posed a number of systemic tasks for organizing the educational process, creating a repertoire and scientifi and methodological base, concert and social life. The author of the article describes the main stages of the history of the guitar class created at the Department of Folk Instruments of the Nizhny Novgorod Conservatory, points out the current state of the performing school. The article also outlines the most acute problems requiring a fundamental solution, and the prospects for the development of professional guitar art.