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“Oh! You do have a bathroom! First door to the right at the top of the stairs?” La salle de bains dans la mise en scène d'Un tramway nommé Désir
Authors: Maurin Frédéric 
Published: November 2019

Résumé Dans Un tramway nommé Désir , la salle de bains se situe à l’extérieur de l’action et dans la coulisse du plateau. Elle est l’irreprésenté d’une pièce écrite par un auteur qui a longtemps été mis au ban par l’expérimentation théâtrale. Or, c’est justement sur ce point aveugle que se sont concentrés quatre metteurs en scène actuels, interrogeant le hors scène qu’il recouvre et le recentrant au besoin. Dans un entour japonisant, Lee Breuer fait de la salle de bains à la fois le lieu de l’intimité précieuse et l’antichambre du potentiel agressif (2011) ; en relayant sur un moniteur les agissements qui s’y déroulent, Frank Castorf incorpore le caché dans le montré et joue avec ironie sur l’interaction entre l’image et le réel (2000) ; Krzysztof Warlikowski brouille l’identité et la signification d’un long couloir abritant pourtant des équipements sanitaires très visibles (2010) ; enfin, une baignoire exhibée en scène déclenche chez Ivo van Hove un spectacle extrêmement physique, pulsionnel, sexuel (1995/1999). Dans ces quatre exemples, recentrer la salle de bains interdite de représentation contribue à réhabiliter Tennessee Williams en l’arrachant à la tradition du réalisme psychologique auquel son nom reste attaché.
« And nothing stands » : science et poésie dans In Memoriam et The Princess de Tennyson
Authors: Théoden-Palanque Haude 
Published: November 2019

Résumé L’intérêt que Tennyson porta, sa vie durant, à la science se reflète dans deux de ses poèmes majeurs : In Memoriam et The Princess. L’intertexte scientifique, loin d’apporter un réconfort durable au locuteur endeuillé d’In Memoriam, se révèle au contraire suffisamment fluctuant pour traduire son humeur noire et participer ainsi à la relance mélancolique de son discours. Dans The Princess, la voix narrative tourne en dérision le discours évolutionniste de l’héroïne, s’ingéniant ainsi à en montrer les limites et les contradictions. Dans les deux cas, l’image d’une mère nature « dénaturée » fait jouer le texte et émerger la figure d’un enfant perdu qui hante l’écriture. Si l’« infant » est une métaphore de l’œuvre tout entière, ce motif s’avère doublement fécond, pointant tout à la fois vers les interstices du texte où cherche à monter une autre voix poétique.
An Essay on the History of Civil Society , d'Adam Ferguson : contextes et lignes de force
Authors: Waszek Norbert 
Published: November 2019

Résumé La première partie de cet article vise à replacer l’essai de Ferguson dans le contexte des Lumières écossaises. Ce mouvement d’idées, dont relevèrent David Hume, Adam Smith et bien d’autres auteurs éminents dans les sciences et les lettres, s’insère dans une renaissance culturelle plus vaste, liée aux transformations sociales rapides du pays à la même époque. Une attention particulière est accordée à trois institutions qui réussirent à maintenir une relative autonomie, même après l’union avec l’Angleterre en 1707 : le droit, l’Église et l’éducation. Un exemple, celui de David Hume, permet d’expliquer certaines des idées qui furent communes au mouvement des Lumières écossaises. La seconde partie de l’article traite d’abord de l’origine du texte de Ferguson : il remonte à un « Treatise on refinement » qui circula en 1759 sous une forme manuscrite parmi les amis de l’auteur. Certaines des caractéristiques méthodologiques de l’ Essay sont rapportées à ses similarités avec l’ Histoire naturelle de Buffon. De la présentation finale de l’œuvre de Ferguson émergent quelques lignes de force centrales : la nature sociale de l’homme, thématique dans l’élaboration de laquelle la relation de Ferguson à Montesquieu joua un rôle important, la conception spécifique du « progrès », conçu comme résultant de « conséquences non intentionnelles », et enfin l’analyse des résultats ambigus de la division du travail.
Les Lyrical Ballads au risque de l'arithmétique
Authors: Porée Marc 
Published: November 2019

Résumé Le présent article entend soumettre à l’épreuve des textes constitutifs du recueil d’origine des Lyrical Ballads l’hypothèse d’une lecture mettant en œuvre les grandes opérations qui relèvent de l’arithmétique. Bien qu’apparemment récusée par la fillette de « We Are Seven », l’arithmétique représentée, mais aussi représentante, fonctionne à de nombreux niveaux du texte : génétique, formel, thématique, symbolique. La première partie revient sur les modalités d’une écriture à deux mains, avant de se pencher sur le motif de l’étrangeté, revisité à la lumière d’une arithmétique « double », tantôt fantomale tantôt fantastique, mais toujours hantée par les puissances du nombre, sans s’interdire l’approche par la numérologie. La deuxième partie explore l’immense jouissance qu’il y a à élire domicile dans le grand nombre, alors même que le recueil est peuplé de figures de solitaires. La troisième partie s’attarde sur le cas particulier posé par la logique soustractive à l’œuvre dans le recueil, ainsi que sur les opérations mentales qui président à ce que les nombres croissants finissent toujours par l’emporter.
Persistent Marginality: Deviance as a Travelling Aesthetics
Authors: Folléa Clémence 
Published: November 2019

Résumé Les romans de Dickens sont peuplés d’une foule de marginaux parmi lesquels certains ont intégré l’imaginaire collectif depuis des générations. Bien qu’ayant vu le jour sous la contrainte de la décence victorienne, les déviants dickensiens laissent néanmoins dans l’imagination une empreinte profonde. C’est cette force-là qui a permis à ces personnages de subsister si longtemps et de se réincarner en une multitude d’avatars. Les héritiers des marginaux dickensiens sont nombreux, car ces figures ne se laissent décidément pas soumettre à une interprétation fermée ni à une explication catégorique — leur marginalité ne peut être réduite à un motif stable. L’esthétique de leur déviance est déjà sujette à des reconfigurations au sein des romans de Dickens ; par la suite, elle a été récupérée et adaptée à de nombreuses reprises. En s’appuyant sur trois des marginaux dickensiens les plus mémorables — Sikes, Fagin et Miss Havisham — cet article explorera comment la déviance dickensienne persiste tout en évoluant, au gré des média et des siècles.
Little Dorrit: Dickens's Woman at the Window
Authors: Hollington Michael 
Published: November 2019

Résumé L’inspiration de ce texte remonte à une exposition qui s’est tenue à New York en 2011, Rooms with a View , et qui était consacrée à une image clef de la peinture du XIX e siècle, où des personnes, surtout solitaires, surtout féminines, se trouvent debout près d’une fenêtre ouverte. J’essaie de montrer que ce motif est aussi très présent dans l’œuvre de Dickens, et que parmi les différents sens que l’on peut lui donner, il y a manifestement l’idée de la « persistance ». Je m’attache ici surtout à Little Dorrit , où cette image a une importance particulière, du fait que le roman se déroule principalement dans des prisons, réelles ou virtuelles. Dès l’enfance, l’héroïne se trouve constamment devant des fenêtres ouvertes, et la patience de cette Griselda est récompensée à la fin.
The Thames Persistently Revisited: Dickens on the edge of water
Authors: Bouvard Luc 
Published: November 2019

Résumé Pour le grand public, Dickens est resté célèbre pour deux aspects fondamentaux de sa production littéraire : la comédie et le mélodrame. Pour la postérité en effet la transformation d’un vieil avare en un oncle généreux le dispute aux scènes dramatiques sur les quais du fleuve londonien. Là, une prostituée menace de se jeter à l’eau, certains détroussent des cadavres, un héros autoproclamé plonge pour renaître régénéré tandis qu’un autre en profite pour changer d’identité. Quelle que soit la persistance de la Tamise comme lieu et comme métaphore dans ses romans, il semble que Dickens ait peu à peu modifié son point de vue sur le fleuve londonien. Comment ce dernier a-t-il évolué depuis Oliver Twist (1837-39) jusqu’à Our Mutual Friend (1864-65) et comment les versions cinématographiques ont-elles adapté ces visions de la rivière enveloppée de ténèbres ? Quel impact cette évolution dans l’approche dickensienne a-t-elle eu sur la perception de la Tamise depuis la période victorienne ? Oliver Twist , David Copperfield , Great Expectations et Our Mutual Friend seront autant de balises sur notre parcours.
Madeline Gins's Ors Poetica Or Reading “Critical Beach” ( Helen Keller Or Arakawa , 1994)
Authors: Garnier Marie-Dominique 
Published: November 2019

Résumé Mise à part la tentative isolée de traduire To Not To Die , un des premiers essais co-écrits par Arakawa et Gins, la poésie de Madeline Gins n’est pas, à ce jour, traduite en français — et cela malgré le fait que son premier recueil, Word Rain , ait été acclamé à sa publication. Le volume intitulé Helen Keller or Arakawa ne ressortit quant à lui à aucun genre répertorié. Mi-« roman », mi-traité de philosophie esthétique et manuel de survie, cet « essai » poétique relève d’un genre inconnu, celui de la biographie à n-corps — biographie dont les corps et ce qui les entoure relèvent du même projet de « bioaderrance ». Si des mots-clefs tels que « écosophie » ou « écopoésie » peuvent a priori sembler en adéquation avec la connectivité de type « atmosphérique » que cherchent à construire Arakawa et Gins, ces termes restent l’un et l’autre en deçà de leur biopoétique d’un genre radicalement nouveau. Une double critique opère chez Gins et Arakawa : celle du sujet, et celle de l’environnement, l’un et l’autre revus et corrigés en « aire-de-je » et en « parages » ou « atmosphère ». Le dernier chapitre (ou plateau) de Helen Keller Or Arakawa donne la parole à une plage devenue « critique », plage post-humaine possédant sa propre langue poétique mineure. Il s’agit dans le présent essai d’établir le profil « écopoétique » de cette plage parlante — et dépourvue du moindre horizon phénoménologique. À chacun des lancers de ses dés poétiques, répétitifs et différentiels, l’écriture de Madeline Gins en appelle à un devenir-exopoétique — à une mise au grand dehors du dedans du langage.
Les Memoirs of Sir Joshua Reynolds de James Northcote ou la constitution d'une figure exemplaire du peintre
Authors: Martichou Élisabeth 
Published: November 2019

Résumé James Northcote est passé à la postérité moins comme peintre que comme l’un des premiers biographes de Reynolds. Cet article entend montrer que, dans ses Memoirs of Sir Joshua Reynolds , Northcote s’est inspiré de trois sous-catégories du genre biographique pour conférer à l’artiste une dimension héroïque en tant que fondateur de l’école de peinture anglaise. Pour cela il a repris certains topoï des « vies » d’artistes écrites à la Renaissance, insérant ainsi son sujet dans le courant de l’histoire de l’art. Il a également emprunté les stratégies de la « biographie intime » développées par ses contemporains afin de rendre plus proche la figure héroïque. Enfin, les Memoirs , comme d’autres ouvrages biographiques de la période, entreprennent d’affirmer les progrès de la peinture en Angleterre, un accent particulier étant mis sur le rôle d’un seul homme, Reynolds.
Sale temps sur Amherst : de l'abstraction du réel au primat du signifiant
Authors: Aquien Pascal 
Published: November 2019

Cet article s’interroge, à partir du concept d’abstraction, sur un poème d’Emily Dickinson, « An awful tempest mashed the air » (1861), dont la thématique conventionnelle, l’évocation d’une tempête et l’apaisement qui s’ensuit, est contredite par son ambiguïté textuelle. D’un côté, l’espoir et la satisfaction du retour à la norme sont posés comme des évidences désirables et désirées, de l’autre les signifiants qui travaillent le texte minent la fausse simplicité du discours. En particulier, le mot paradise , qui conclut le poème, pose problème, et l’analyse détaillée de l’écriture va tenter d’en révéler le sens a priori inattendu.
« Germ of all » : enfants minimalistes chez Samuel Beckett et Louise Bourgeois
Authors: Crimp Catherine 
Published: November 2019

Cet article met en relation l’enfant de Worstward Ho de Beckett avec quelques tableaux tardifs de Louise Bourgeois, afin d’envisager la hantise de l’enfance chez ces deux artistes sous un jour nouveau. Écartant toute analyse biographique ou psychanalytique, il étudie le rôle structurel, dans les œuvres traitées, des figures d’enfant : figures incomplètes, réduites à un minimum. Ces figures tissent des liens inattendus entre Beckett et Bourgeois, entre texte et image, tout en nous laissant deviner le fondement caché de ces liens : l’émergence rudimentaire de la forme et du sens sur fond de chaos originel. Aussi, ces portraits minimalistes des débuts de la vie humaine nous confrontent aux paradoxes propres à l’origine des œuvres elles-mêmes.
Braying peasants and the poet as prophet: Gower and the people in the Vox clamantis
Authors: Novak Sarah 
Published: November 2019

Résumé Gower, écrivain public, s’adresse au « peuple tout entier », qu’il espère réformer tout en lui empruntant sa voix. Dans Vox clamantis II-VII, Gower parle en réformiste acharné, qui retranscrit les lamentation de la vox populi dans son ensemble. Au livre I, vision allégorique des troubles de 1381, Gower adopte un mode prophétique modifié. Il prétend annoncer la rebellion ; les paysans sont métamorphosés en animaux sauvages ; Londres n’est plus qu’un champ de ruines, une nouvelle Troie. Les paysans émettent des grognements bestiaux : ces rebelles sans voix sont exclus du « peuple tout entier », pour qui Gower se donne mission d’écrire.
More “flies in amber”? or, of Topicalities, Dictionaries and Poetics in Love's Labour's Lost
Authors: Venet Gisèle 
Published: November 2019

Il n’y aucune preuve matérielle qu’une « école de la nuit » comme « l’academia de los Nocturnos » à Valence, active de 1591 à 1594, ou que le dictionnaire Beehive de Baret (1580) dont un exemplaire, annoté peut-être de la main de Shakespeare, a été récemment acquis par deux antiquaires (2014), aient eu quelque incidence sur l’écriture de Peines d’amour perdues et soient autre chose que « des mouches prises dans l’ambre ». Pourtant la poétique qui sous-tend l’éloge de la « dame brune » ou la satire du pédantisme ou des lettrés grâce aux mots des dictionnaires montre que l’esthétique maniériste de la pièce appartient à la même sphère d’influence. Berowne pourrait dire : « Nous sommes tous des Nocturnos ».
Le village chaosmique d'Alice Munro
Authors: Ventura Héliane 
Published: November 2019

Cet article se concentre sur trois nouvelles d’Alice Munro publiées en 2004, « The Juliet Trilogy », dans le volume intitulé Runaway pour explorer les modifications, tant formelles que conceptuelles, que subit le récit villageois britannique du XIX e siècle lorsqu’il est reterritorialisé sur le sol canadien à l’époque contemporaine et simultanément déterritorialisé par sa comparaison au monde antique et romantique. Par l’élucidation des références picturales, littéraires et cinématographiques qui parcourent la trilogie et par l’analyse de la relation qu’elles entretiennent avec les nouvelles, il s’agira de mettre en lumière les passages transcodés d’un milieu à un autre, les communications de milieux et les coordinations d’espaces-temps hétérogènes qui caractérisent ce conte du XXI e siècle. L’élargissement du noyau de référence sera envisagé comme instaurant un rythme-chaos ou « chaosmos », néologisme emprunté à Joyce que Deleuze et Guattari dans Mille Plateaux associent à une dynamique de devenir, de rencontre et de brouillage de frontières. La démonstration portera sur la réversibilité ambivalente des pôles dysphoriques et euphoriques entre lesquels le village chaosmique se déploie.
Music and the Feminine Sublime in Ann Radcliffe's Mysteries of Udolpho
Authors: Dubois Pierre 
Published: November 2019

Dans The Mysteries of Udolpho (1794), d’Ann Radcliffe, la musique joue un rôle crucial dans l’évocation d’états psychologiques. Cet article essaie de montrer que Radcliffe n’oppose pas le sublime au beau de façon aussi radicale et systématique que l’avait fait Edmund Burke dans sa célèbre Enquiry . Le sublime ne peut se réduire au sentiment de terreur : on trouve aussi une forme de sublime positive qui provient de ce que l’esprit n’arrive pas à comprendre. Dans les romans de Radcliffe, la musique se manifeste souvent de façon concomitante à la perception par l’héroïne de la beauté intense de scène naturelles. Elle intervient aussi dans des scènes de plénitude et d’harmonie, ou dans des scènes de révélation où l’âme est submergée par un sentiment quasiment sacré. Ainsi la musique appartient à la catégorie (féminine) du beau en ce qu’elle révèle la sensibilité de l’héroïne qui joue et chante avec délicatesse, mais paradoxalement elle participe aussi du sublime en ce qu’elle est associée à la nature et à l’ineffable. L’article suggère donc que Radcliffe a recours à la musique afin de définir une forme féminine du sublime.
Writing Capital, or, John Lanchester’s Debt to Realism
Authors: Bernard Catherine 
Published: November 2019

Le quatrième roman de John Lanchester, Capital (2012), offre un portrait satirique des excès du capitalisme, du fétichisme de la marchandise et de la globalisation. La structure chorale du roman transforme aussi le texte en roman-monde. Il embrasse les vies interdépendantes de protagonistes qui, chacun, incarnent une facette d’un présent densément ramifié. Retravaillant les principes de base du réalisme, le roman s’approprie le langage du matérialisme pour l’amener à œuvrer contre la réification des affects et de l’identité. Avec Capital , le roman « de la crise » (« credit crunch fiction ») revendique une forme de responsabilité qui s’incarne dans la matière même de la fiction.
Falling Man , ou les vertus de la lecture spiralée de l’événement historique
Authors: Chupin Yannicke 
Published: November 2019

Les attentats du 11 septembre 2001 ont généré une crise de la représentation. Quelque six années après l’événement, DeLillo en propose une relecture littéraire, à travers un texte qui s’ouvre et se clôt sur la scène qui a immédiatement succédé à l’impact des avions sur les tours. En dépit de cette structure circulaire, le roman ne s’inscrit pas dans l’esthétique aporétique si souvent associée au postmodernisme. Sa structure et sa forme manifestent au contraire une tension asymptotique vers le déchiffrement de la complexité de l’événement. On proposera de lire ce cheminement progressif de l’écriture à travers la forme de la spirale, car il repose sur un mouvement de retour et de circularité ouverte permettant au roman de s’affranchir du cercle vicieux et de réduire progressivement le fossé entre les mots et la chose. Soumise à cette esthétique, la lecture de Falling Man , s’apparente à un lent travail de déchiffrement mis en acte par l’écriture, qui devient donc le lieu d’une performance heméneutique.
Portraiture in Oscar Wilde’s Fiction
Authors: Frankel Nicholas 
Published: November 2019

Wilde se rendit compte dès le début de sa carrière que le genre du portrait reposait sur une dichotomie entre la représentation des aspects intimes de la vie d’un individu d’une part et celle du personnage public, d’autre part. Mais peu après la criminalisation des « outrages aux bonnes mœurs » en 1885 et le début de sa liaison avec Robert Ross en 1886, il prit conscience du fait que le portrait constituait également une structure imaginaire propice à la représentation de vies caractérisées par des désirs illicites, désirs que l’on ne pouvait satisfaire que secrètement, loin du regard de la société. Cet article explore la dynamique entre portrait, artiste, sujet (ou « modèle ») et spectateur dans quatre textes de fiction que Wilde a publiés à intervalles réguliers à la fin des années 1880. Il montre qu’au fil de ces quatre textes, Wilde développa une théorie nuancée de l’art du portrait comme incarnation visuelle du désir pour les hommes et entre hommes. Il suggère en conclusion que la nouvelle compréhension de l’art du portrait acquise par Wilde a pu à son tour influencer l’œuvre de son ami Toulouse-Lautrec, dont le célèbre portrait à l’aquarelle de l’écrivain, réalisé en 1895, constitue une rupture radicale par rapport aux normes de l’époque.
Setting Oscar Wilde to Music
Authors: Couderc Gilles 
Published: November 2019

Depuis sa première en version concert à Los Angeles en 2011, l’opéra de Gerald Barry The Importance of Being Earnest d’après la comédie d’Oscar Wilde a obtenu un grand succès. À ce jour, ce n’est que la plus récente des très nombreuses œuvres musicales inspirées tant par les textes de Wilde que par sa vie. De son vivant, la capacité de Wilde à se mettre en scène, la création savamment orchestrée d’un personnage destiné au public, l’a maintenu sous le feu des projecteurs. Sa chute et le retentissement de ses procès ont suscité un intérêt toujours croissant pour l’homme et pour son œuvre : l’adaptation de Salomé à l’opéra par Richard Strauss en 1905 a lancé la vogue des adaptions musicales des textes de Wilde, alors que le personnage de l’artiste a continué à inspirer opéras ou comédies musicales. Ce qui semble frappant, c’est, après la mort de l’écrivain, la confusion, dans l’imaginaire européen, entre l’homme et l’œuvre. Cette étude se concentrera d’abord sur des œuvres inspirées par le personnage de Wilde, Patience de Gilbert et Sullivan, puis l’opéra Oscar du compositeur américain Theodore Morrison, œuvre dans laquelle Wilde est présenté comme héros et martyr d’un combat libertaire. Nous examinerons ensuite les œuvres que sa Salomé a inspirées, les opéras de Strauss (1905) et de Mariotte (1908) ainsi que la production d’Ida Rubinstein (1908), trois œuvres dans lesquelles, derrière les personnages mis en scène, se devine la figure de Wilde.
From Evelyn’s Practical Knowledge on Trees to Marianne’s “Passion for Dead Leaves” in Jane Austen’s Sense and Sensibility : The Evolution of the Perception and Appreciation of Trees in England in the Long Eighteenth Century
Authors: Peraldo Emmanuelle 
Published: November 2019

La terrible tempête de 1703 a considérablement modifié le paysage anglais en 1703-1704, détruisant bon nombre d’arbres et d’édifices, et causant de nombreuses pertes humaines. Cette catastrophe a également eu un fort impact sur plusieurs auteurs qui ont réagi à l’événement et à ses conséquences, notamment en soulignant la nécessité de protéger et replanter les arbres. On constate au cours du siècle une évolution du regard porté sur les arbres : on passe ainsi de celui de l’observateur scientifique mandaté par la Royal Society (Evelyn) ou du journaliste qui observe les dégâts causés par la tempête (Defoe), à celui, précis, du naturaliste qui allie observation scientifique et point de vue esthétique (White), et enfin à celui de la romancière qui écrit comme on peint un paysage (Austen). Les arbres, décimés lors de la tempête, ont peu à peu envahi les écrits du XVIII e siècle, au cours duquel on assiste à une évolution épistémologique et à une mutation des sensibilités par rapport à la Nature. Ainsi, une forme de sensibilité écologique apparaît sous la plume de certains auteurs, avant que l’arbre ne devienne le motif privilégié des Romantiques, des peintres pittoresques ou de la littérature de la sensibilité. Le but de cet article est de comprendre l’évolution du couvert forestier dans le long XVIII e siècle (1660-1820), mais aussi de voir comment la perception des arbres a évolué au cours de la période dans leurs représentations : doit-on nécessairement séparer l’intérêt scientifique pour les arbres et la sensibilité pré-romantique dans la représentation de l’arbre au XVIII e siècle ?