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Endgame, ou le dévoilement de l'absence
Authors: Chevallier Geneviève 
Published: November 2019

Résumé Comment montrer le vide ? Comment montrer un manque, une absence. Je retiendrai ici trois éléments de la scénographie de Endgame pour réfléchir sur la notion de perte telle que cette pièce semble la mettre en œuvre — un drap, un va-et-vient, un cube vide. Je m’interrogerai tout d’abord sur les couches multiples de rideau que Clov doit retirer pour amorcer la représentation. J’évoquerai le sens possible du jeu d’apparitions et de disparitions que ces linges permettent, puis j’aborderai la question de la multiplication des déplacements qui en découlent. Suivra la question du tableau retourné sur le mur, qui renvoie au visible et au caché. Je conclurai sur le passage de l’image de la perte par défiguration à l’élaboration du figural.
“Empty spaces” and the poetics of silence in the poetry of John Keats
Authors: Fournier Jean-Marie 
Published: November 2019

Résumé Dans une biographie récente de John Keats, Christian La Cassagnère analyse le poète comme un sujet mélancolique, partagé entre périodes d’aphasie et périodes d’inspiration exceptionnelle. En partant de cette prémice, l’auteur de l’article voudrait suggérer d’autres lectures possibles de la relation du poète au silence, en montrant que Keats, particulièrement dans les odes du printemps 1819, en vint à considérer l’utilisation d’images, et partant de topoi, comme artificielle, rejetant avec force cette pratique à la fin de « Ode to a Nightingale » et « Ode on Indolence ». Keats s’ouvrait ainsi à la problématique du son poétique, pris comme antidote des « visions voluptueuses » pour lesquelles il éprouvait une certaine prédilection au début de sa carrière, tout en ayant conscience de la dimension de silence par laquelle le son est hanté, de la même façon que l’expérience s’ouvre à de mystérieux « points obscurs » qui échappent à toute représentation. Les derniers textes de Keats montrent que le poète essayait de trouver une manière poétique appropriée de rester fidèle à son intuition, préparant ainsi le chemin qui devait conduire à une conception moderne de la poésie.
The Roman Spring of Mrs Stone : entre théâtre et prose romanesque ?
Authors: Alladaye René 
Published: November 2019

Résumé Cette étude de The Roman Spring of Mrs Stone (1950), l’un des deux romans publiés par Tennessee Williams, a pour objectif de traquer, dans un texte narratif, des motifs dramatiques. Il s’agit de voir comment Williams romancier, loin de rompre avec sa pratique de dramaturge, prend constamment appui sur elle tout en l’aménageant. The Roman Spring of Mrs Stone renvoie sans cesse au monde du théâtre et ressemble étonnamment à une pièce, tant par sa construction que par certains aspects de son écriture. Une partie importante de l’analyse est consacrée aux échos intertextuels et s’efforce d’éclairer la lecture d’une œuvre qui se situe à la croisée des chemins : une voie dramatique, qui s’incarne de façon privilégiée dans la manière dont le texte fait écho à A Streetcar Named Desire , et un chemin romanesque qui voit Williams s’inscrire dans la mouvance d’Henry James, et livrer par endroits une réécriture de The Portrait of a Lady .
« Science of feelings » : de la complémentarité entre science et poésie chez Wordsworth
Authors: Thiria-Meulemans Aurélie 
Published: November 2019

Résumé La posture anti-scientifique des poètes romantiques de la première génération en est presque la marque de fabrique, et Wordsworth ne fait pas figure d’exception : son célèbre « we murder to dissect » revendique une appréhension directe de la nature, à l’encontre des méthodes scientifiques. Son portrait de l’enfant prodige, au livre IV du Prélude, se lit comme une satire de l’approche scientifique de la nature, alors que celui du Winander Boy, quelques dizaines de vers plus loin, présente un rapport exemplaire à celle-ci. Il convient cependant de nuancer un tel rejet : la communion avec la nature si souvent dépeinte n’est pas exclusive d’un questionnement de cette même nature. À y regarder de plus près, tout prête à croire que le poète est perçu comme le confrère, le complément du scientifique, lui qui « porte la sensation au cœur des objets de la Science elle-même ».
The Beating Art of Keats's Surgical Poetics
Authors: Bertonèche Caroline 
Published: November 2019

Résumé Cet article traite des perceptions du corps et de l’esprit dans l’art de Keats et analyse le rôle de la médecine — et de la chirurgie (1800-1820) — à l’époque romantique. Keats, l’apprenti chirurgien-apothicaire, crée donc une anatomie de la poésie en choisissant de disséquer de près le corps de ses personnages tout en préservant leur esprit. Il s’inspire d’une médecine de la « conservation » qu’il intègre dans un récit plus large sur la reconstruction esthétique où la passion se vit dans un univers de squelettes et de cadavres. Au fil de cette exploration du vivant, le poète-médecin nous fait découvrir une autre vision du « désintéressement » scientifique forçant les vers de l’anatomiste à s’ouvrir aux formes grotesques de l’humanité. Les blessures de l’âme n’intéressent le poète que pour la beauté de leur reconstruction et le monde de la science change de visage, après s’être laissé séduire par le pouvoir des sentiments. Enfin, la fascination de Keats pour les mécanismes internes de l’homme (pulsations artérielles, flux sanguins, veines, fluides) contribue à l’émergence d’un nouveau genre de poésie.
L'« Hermaphroditus » d'Algernon Charles Swinburne, entre mythe et science
Authors: Ribeyrol Charlotte 
Published: November 2019

Résumé De la Renaissance au Romantisme, l’androgyne est érigé en paradigme d’une transcendance asexuée. Mais aux origines du mythe ovidien de l’hermaphrodite, il y a une crainte, celle de l’amollissement, de l’affaiblissement du masculin (« mollescat ») au contact du féminin. Cette crainte resurgit, à l’époque victorienne, en filigrane d’un autre discours en apparence aux antipodes du mythe : celui d’une nouvelle médecine légaliste, soucieuse de classifier et de circonscrire les moindres « déviances » anatomiques perçues comme autant d’atteintes aux hiérarchies d’un ordre à la fois naturel et moral. Le poète victorien Algernon Charles Swinburne se joue de ces tentatives visant à normer l’indéfini, l’indéterminé, prônant au contraire l’ambiguïté sexuelle comme principe créateur à défaut d’être source d’une fertilité strictement biologique. Cet hermaphroditisme idéal, mais néanmoins incarné (« fleshly »), est au cœur de deux poèmes successifs au sein de Poems and Ballads, First Series (1866) : Tous deux mettent en jeu une poétique du détour (« turn ») plutôt que de la métamorphose (« turn into ») qui s’impose comme per-version d’un certain discours scientifique instituant un code normatif sexuel et générique, mais également comme sub-version de l’intertexte ovidien et de ses multiples relectures romantiques, de Shelley à Gautier.
« Quoi, c'est moi, ça ? ! »
Authors: Pétillon Pierre-Yves 
Published: November 2019

Résumé Une nouvelle du premier recueil publié par Philip Roth (en 1959) met en scène un étudiant d’école rabbinique qui se dispute avec son maître et finit par l’injurier violemment. Après coup, il est à la fois plutôt fier d’avoir trouvé en lui l’audace de défier l’autorité et de s’affirmer, et paniqué par la soudaine révélation d’un aspect de son « moi » dont il n’aurait pas soupçonné l’existence et dont il se demande si « ça », c’est bien lui. Philip Roth va ensuite exploiter plusieurs configurations de ce thème de base. À la première branche de l’alternative, l’évocation du moi « voyou », il devra le personnage qui lui vaudra sa réputation (1969). Dans American Pastoral , il explore jusqu’à la limite l’autre branche : un personnage qui, loin de se révolter, est sage comme une image et fait tout « comme il faut ». Seymour Levov a le sentiment que tout lui a réussi et en rend grâce au Seigneur, lorsqu’abruptement le « moi » sauvage ressurgit, en différé, à la génération suivante, sous la forme de son « monstre » de fille, qui sème le chaos et la tempête dans un monde « pastoral » qui s’avère alors n’avoir été qu’une illusion narcissique.
Un(decidable), Un(creative), Un(precedented), Un(readable), Un(nerving): Christian Bök, Craig Dworkin, Kenneth Goldsmith and Vanessa Place
Authors: Aji Hélène 
Published: November 2019

Résumé Afin de rendre compte de l’émergence récente de l’écriture conceptuelle américaine, cet article met en jeu cinq termes qui sous-tendent les préoccupations et les déclarations théoriques formulées dans les textes de Christian Bök, Craig Dworkin, Kenneth Goldsmith et Vanessa Place. « Indécidable » ouvre sur la discussion qui entoure la publication de l’anthologie Against Expression , pensée comme le manifeste susceptible de distinguer les poètes conceptuels de leurs prédécesseurs, les Language Poets. « Non-créatif » analyse les enjeux d’une autodéfinition du mouvement centrée sur les nouveaux media et la vogue de l’écriture électronique dans le but de conquérir un large public. « Sans précédent » aborde la filiation littéraire de ces poètes, filiation qui ne saurait se réduire au minimalisme plastique, car elle inclut les poètes modernistes, et la poésie à contrainte des Language Poets. « Illisible » fait la théorie des méthodes de l’écriture conceptuelle dans la perspective d’une critique culturelle, où le détournement se révèle n’être qu’une des stratégies mises en œuvre dans la sape des discours conventionnels. « Déstabilisant » conclut sur le retour de l’éthique et du pathétique, dans le contexte d’une poétique logocentrique, et propose quelques hypothèses sur les objectifs de l’écriture conceptuelle.
Etant Donné(e) Rachel Blau DuPlessis: Intertextuality and Intermediality in Drafts 1-38, Toll
Authors: Nesme Axel 
Published: November 2019

Résumé Dans Drafts 1-38 , Toll Rachel Blau DuPlessis se livre à un travail du deuil, celui du « je » lyrique post-romantique, au profit d’une esthétique du pli qui permet au poète d’échapper aux dichotomies genrées qui forment son héritage. L’œuvre se donne pour telos d’explorer les modalités selon lesquelles la perte de la voix unitaire se conte et se compte en mettant le lecteur face aux exigences d’un déchiffrement multilingue, aux nombreux plis. Tandis que les mots une fois libérés de toute téléologie, leurs virtualités paronomastiques se déploient, s’ouvre un espace textuel où leur « tourbillon » de potentialités peut « rugir ». Le projet de Blau DuPlessis passe par le quadrillage d’un certain nombre de lieux intertextuels et intermédiaux : par le dialogue ironique avec les autres poètes aussi bien qu’en examinant le destin du regard dans les Étant Donnés de Duchamp pour rétablir la tension litéral/figural d’abord réduite au silence par l’œuvre de Duchamp, la première personne retrouve en partie sa voix. Quant à la voix de Blau DuPlessis, celle-ci côtoie la limite entre critique et poésie. Aussi la réévaluation de signifiants apparemment neutres, tels le pronom « it » ou la préposition « of », y joue-t-elle un rôle charnière.
La matérialisation de la marge dans la poésie américaine contemporaine
Authors: Cohen-Cheminet Geneviève 
Published: November 2019

Résumé À partir du constat de Bob Perelman dans The Marginalization of Poetry (1996), cet article envisage la manière dont la marge matérielle, iconique, générique et politique, structure la poésie américaine contemporaine. La lecture de deux textes fondateurs de Charles Bernstein, Artifice of Absorption (1987) et The Difficult Poem (2003) me conduit à l’hypothèse d’un renversement des positions de la marge et du centre, du dissensus et du consensus : l’avant-garde poétique prend appui sur la marginalisation de ses œuvres pour œuvrer sur tout le champ discursif à partir de sa marge matérielle. La marge de l’œuvre devient alors l’œuvre de la marge. Cette visée militante prospective conduit à s’interroger sur une poésie conçue comme action ou agir politique: comment le poème travaille-t-il une marge adjacente, un lieu d’adjacence et de frottement entre espace social et espace public, comment le poème installe-t-il une marge, un degré d’écart entre le dit et le dire dans le dispositif du poème mode d’emploi??
Rythmer le chaos : l'usage du vers dans l'œuvre dramatique de Howard Barker
Authors: Khamphommala Vanasay 
Published: November 2019

« The art of theatre , in its impatience with the world, utters in its own languages » ( Death 7). Dans sa recherche d’un nouveau langage tragique, le poète et dramaturge Howard Barker, qui place le rythme au cœur de son travail d’écriture, a progressivement intégré le vers à ses textes dramatiques. Mais ce signe ambigu témoigne en réalité autant de son rapport tendu à une certaine tradition poétique que de son désir de se démarquer de la prose naturaliste qui domine aujourd’hui la scène anglophone. En examinant l’apparition du vers dans l’écriture dramatique de Barker et en dégageant les principes de sa versification, cet article s’efforce de montrer de quelle manière son usage du vers s’efforce paradoxalement de déstabiliser la prosodie traditionnelle pour parvenir à des effets d’arythmie propres à dire le chaos dans lequel évoluent ses personnages. Une attention particulière est prêtée à Gertrude — The Cry (2002), œuvre clef du dramaturge qui, en même temps qu’elle se ressaisit du Hamlet de Shakespeare, s’efforce de s’affranchir de son lourd héritage poétique.
“According to all the authorities”: the uncanny in John Banville's The Sea
Authors: Nguyen Van Romain 
Published: November 2019

Résumé Cet article est consacré à The Sea (2005), roman de l’écrivain irlandais John Banville, et à son système de références psychanalytiques. Empruntant à Harold Bloom le concept de « lecture erronée », je montre que le récit repose sur une poétique de mésinterprétation des écrits de Freud. Alors que le narrateur remet en cause leur autorité, sa relation à l’espace et notamment à l’espace intime, semble reprendre une lecture freudienne qu’il se refuse néanmoins à faire. En m’appuyant sur l’ambivalence que Freud assigne à das Heimliche — le familier — dans son essai de 1919, « L’Inquiétante étrangeté », je cherche à montrer que The Sea fait travailler la théorie freudienne de « l’inquiétante étrangeté » sur le mode de la réticence. Elle n’est alors plus simplement une impression laissée au lecteur ; elle sert de principe organisateur qui confère au récit sa structure en contrepoints. Je finis par interroger l’impact de cette stratégie sur les notions d’ authority et d’ authorship , et les « rites génétiques » (Maingueneau) qui les constituent pour mieux mettre en évidence certaines des caractéristiques de l’écriture et de l’identité énonciative de Banville, en comparant The Sea à son roman précédent, Shroud (2002) .
“This wyde world, which that men seye is round”: Movement and Meaning in The Franklin's Tale
Authors: Alamichel Marie-Françoise 
Published: November 2019

Le Franklin annonce que son conte est un lai, c’est-à-dire une ballade accompagnée de musique dont l’action se passe en Bretagne. Chaucer montre que la mutabilité et le déséquilibre régissent le monde. Le conte repose, en effet, sur des métaphores structurelles de mouvement. La première est celle du balancier, de déplacements contraires tels que l’aller et le retour, le haut et le bas, le plan large et le gros plan, le proche et le lointain. La seconde est celle du mouvement circulaire : rondes dansées, chaînes, roue de la Fortune, course des astres. Comment contrecarrer ces forces, aller de l’avant, progresser ? Les personnages du conte ne savent nullement suivre une ligne droite. Un lai implique une quête familiale et sociale. Par conséquent The Franklin’s Tale n’est pas un lai : il n’y a ni héros ni héroïne, les relations familiales n’y jouent aucun rôle, il n’y a pas de voyage initiatique puisque rien n’est à découvrir : tout s’oppose et tout tourne en rond. Si le Franklin affirme que son conte est un lai, le lecteur peut affirmer le contraire.
Variations on a Reflexive Theme: the Musical Adaptations of A Midsummer Night's Dream (1692-1763)
Authors: Degott Pierre 
Published: November 2019

Cet article se penche sur les multiples réécritures du Songe du nuit d’été au cours du long XVIII e siècle. Il s’intéresse notamment à la manière dont le discours réflexif sur le théâtre a été transformé, dans une série d’adaptations toutes hybrides génériquement, en un discours « méta-opératique » traitant à un degré ou un autre de la place de l’opéra sur la scène théâtrale britannique. Ainsi, si The Fairy Queen (1692) de Purcell semble thématiser la toute puissance de la musique, jusqu’à mettre en scène la disparition du poète, l’adaptation par Richard Leveridge de la célèbre pièce-dans-la-pièce (1716, 1745) signale, dans un contexte marqué par l’apparition de l’opéra italien à Londres, un profond bouleversement dans les catégories théâtrales. Plus tard, les réécritures de David Garrick attestent la difficulté à « restaurer » le texte shakespearien et à purger le texte des influences italiennes qui continuent à s’infiltrer dans les répertoires dits autochtones.
Narratorial authority in Sarah Grand’s Beth Book (1897)
Authors: Saudo-Welby Nathalie 
Published: November 2019

The Beth Book est un roman d’apprentissage féministe au contenu en partie autobiographique. Fondant son autorité sur une analyse historique et un discours religieux et scientifique, l’instance narrative finit par octroyer à Beth le titre de génie féminin. Pourtant, un vide entoure le contenu de « l’art pour l’homme » de Beth ; de son ouvrage, on ne sait ni le titre ni le contenu mais seulement qu’il ne s’agit pas de fiction ; les derniers mots du roman sont le nom de son « Chevalier », un écrivain qui croit que le génie des femmes consiste à susciter celui des hommes. Tout en évitant les formes de didactisme les plus directes, Sarah Grand a placé au centre de son roman engagé la tâche de la narratrice omnisciente qui va faire progresser Beth en position d’orateur de génie. Au cours de ce processus, la narratrice acquiert une conscience historique et un sexe.
Integrated relative clauses with indefinite antecedents: sub-categorization or joint categorization
Authors: Mignot Élise 
Published: November 2019

Nous nous penchons sur les propositions relatives restrictives (ou « intégrées ») à antécédent indéfini. Parmi celles-ci nous faisons une différence entre relatives serrées et lâches, et montrons qu’elles reflètent toutes deux un processus cognitif de catégorisation ad hoc. Les deux types diffèrent cependant, ce qui révèle finalement que la catégorisation n’est pas un processus unique mais peut au contraire se réaliser de plusieurs façons.
Edwardian Yeats: In the Seven Woods
Authors: Davis Alex 
Published: November 2019

Cet article étudie le recueil In the Seven Woods (1903) dans le contexte des écrits de Yeats sur William Morris et sur la pastorale au début du vingtième siècle. Les images de flèches dans la dernière romance en prose achevée de Morris, The Sundering Flood (1897), sont liées au même motif dans les poèmes lyriques de Yeats, tandis que le poème épique de Morris, The Earthly Paradise (1868-70), est considéré comme un modèle (parmi d’autres) pour les poèmes narratifs « héroïques » inclus dans le même volume. L’influence de Morris sur Yeats permet aussi de considérer l’importance des Bucoliques de Virgile pour comprendre la politique du pastoralisme que met en œuvre Yeats dans le poème-titre de son recueil In the Seven Woods . Cet article s’intéresse aussi à l’influence de « The Death of Tristram » de Lawrence Binyon sur Yeats qui, à ce stade de sa carrière, ambitionnait de créer des œuvres centrées sur la vie « héroïque ».
Structural Rhythm in Late Yeats
Authors: Mills Harper Margaret 
Published: November 2019

La prise en compte du rythme structurel, de la relation entre les parties et le tout et aussi du mouvement implicite entre les éléments qui composent l’ensemble, peut nous aider à comprendre le caractère problématique des œuvres poétiques et théâtrales du Yeats des années vingt et trente. Cet article se réfère à la version de 1937 de A Vision et au poème « A Dialogue of Self and Soul », et montre comment le mouvement perpétuel d’alternance entre deux principes antinomiques, constitutif du système élaboré dans A Vision , sous-tend les positions extrêmes qui s’expriment dans les œuvres du dernier Yeats, et contribue également à leur pouvoir.
Oscar Wilde’s Aesthetics in the Making: The Reviews of the Grosvenor Gallery exhibitions of 1877 and 1879
Authors: Gillard-Estrada Anne-Florence 
Published: November 2019

En 1877 et 1879, Wilde publie dans des périodiques irlandais des comptes rendus des première et troisième expositions de la Grosvenor Gallery. Ces textes constituent un premier commentaire de Wilde sur les développements qui touchaient les arts visuels depuis une quinzaine d’années environ. Wilde évoque dans ces comptes rendus les œuvres d’artistes alors associés à « l’école classique » ou à l’« Esthétisme » (mouvements qui se recoupaient souvent). En outre, Wilde dialogue avec les commentateurs ou les critiques d’art qui étaient favorables à cette peinture. C’est dans ce terreau fertile que l’esthétique de Wilde prend forme, et cet article se propose en particulier d’explorer l’esthétique de l’ambiguïté et de l’ambivalence qui caractérise ces tableaux et qui apparaît comme centrale dans les deux comptes rendus de Wilde.
Saving the “Live”? Re-performance and Intangible Cultural Heritage
Authors: Taylor Diana 
Published: November 2019

Dans cet article, Diana Taylor revient sur la distinction qu’elle opère entre archive et performance. Elle analyse les tentatives illusoires de conserver des performances qui risquent de devenir canoniques, s’opposant ainsi à un aspect fondamental du répertoire. Elle étudie les différents aspects rhétoriques qui entourent le concept mis en avant par l’UNESCO de patrimoine culturel immatériel pour montrer les ramifications politiques et économiques à l’œuvre derrière le cadre institutionnel. Elle souligne le rôle néfaste des forces économiques dans des contextes où les dimensions esthétiques et culturelles pourraient donner l’impression d’être dominantes, transformant la performance en produit. Elle révèle les stratégies de marketing dans les « re-performances » de Marina Abramović et l’installation « The Artist is Present », qui débouchent sur un résultat artistique totalement différent de ses aspirations à l’authenticité et à la présence.
Performing Black Queerness in the U.S. South: Ethnographic Performance and the Blurring of Presence in E.P. Johnson’s Sweet Tea
Authors: Lemoine Xavier 
Published: November 2019

L’artiste et universitaire E. Patrick Johnson questionne de façon radicale la représentation des homosexuels noirs du sud des États-Unis avec la mise en scène de son livre Sweet Tea: Black Gay Men of the South (2008). Cette anthologie d’entretiens suggère la naissance d’une nouvelle catégorie identitaire tout en développant une réflexion critique qui contrecarre les effets de réification de cette catégorie. En analysant le trope du « coming out » (révélation publique de son homosexualité) et les enjeux de la notion de présence à la fois sur scène et sur la page, cet article tente de montrer dans quelle mesure le spectacle ethnographique « seul en scène » aide à produire l’incarnation des noirs queer invisibilisés jusque-là. En outre, cet essai explore les défis relevés par la stratégie représentationnelle de Johnson qui s’appuie sur une co-création entre témoins, acteurs et spectateurs. Afin de déjouer les pièges normatifs de la visibilité, le travail de Johnson met en avant les instabilités queer qui entremêlent les fils de la race, de la classe, du genre et de la sexualité grâce à l’oscillation entre présence et absence. Ainsi, Sweet Tea permet une perception hybride politique et poétique qui permet de mieux saisir les processus fluides de subjectivation au cœur d’une société spéculaire.