bluuebunny/crossref_metadata_2025_split huggingface dataset:
И. Феделе. Hommagesquisse (2015) для виолончели соло: опыт анализа
Authors: Цареградская Т.В. 
Published: December 2024

Статья посвящена аналитическому разбору пьесы Hommagesquisse для виолончели соло итальянского современного композитора Ивана Феделе (р. 1953). В пьесе, написанной по особому случаю (к юбилею П. Булеза), по аналогии с аналитическим методом Ж. Ж. Натье выделяются элементы анализа (фигуры) и рассматриваются весь комплекс их звуковысотных, ритмических, формообразующих отношений (в соответствии с семиологическим методом Натье и особенно его первой фазой — нейтральным уровнем). Анализируются варианты изменения «контура» фигур, и мелкие, но существенные для этой пьесы вариантные преобразования, с которыми работает Феделе. В итоге складывается картина, при которой композиция, основанная на, казалось бы, незначительных вариантных преобразованиях, приобретает сходство с классическими формальными моделями.
The article is devoted to the analytical analysis of the piece Hommagesquisse for solo cello by the Italian contemporary composer Ivan Fedele (b. 1953). The piece, written for a special occasion (P. Boulez's jubilee), by analogy with J. J. Nattier's analytical method, highlights the elements of analysis (figures) and considers the whole complex of their pitch, rhythmic, form-form relations (in accordance with Nattier's semiotic method and especially its first phase — the neutral level). The variants of figure's "contour" changes are analyzed, as well as minor, but essential for this piece, variant transformations, with which Fedele works. The result is a picture in which the composition, based on seemingly insignificant variation transformations, takes on a similarity to classical formal models.
Китайская рок-музыка 1980-х годов и ее лидер Цуй Цзянь
Authors: Юй Т. 
Published: December 2024

Китайская рок-музыка 1980-х годов вошла в историю и культуру Китая как символ периода «реформ и открытости». Настроения бунтарства и свободы запечатлены в творчестве ярких фигур китайского рока. Автор данной статьи останавливается на творчестве Цуй Цзяня — «патриарха» китайского рока и значительного представителя рок-музыки 80-х годов прошлого столетия. Цуй Цзянь проходит трудный путь от полного заимствования западной стилистики через поиск баланса национальных и универсальных черт музыки до окончательного оформления в самобытное явление рока «с китайским характером». В статье представлен анализ наиболее популярных композиций Цуй Цзяня, в которых заметно прорастание национального начала. Сохраняя универсальные качества рок-музыки, музыкант последовательно включал в свои песни национальную мелодику, опору на китайские лады, дополняя общее звучание тембрами традиционных инструментов. Диалог национального и инокультурного, «своего» и «чужого» оказался существенным для рок-музыки в Китае. Цуй Цзянь создает стиль с узнаваемым национальным колоритом, который воспроизводится не при помощи комбинаторики народных элементов, но как некая целостная данность, не разлагаемая на мотивы, лады, ритмы.
Chinese rock music of the 1980s entered Chinese history and culture as a symbol of the period of "reform and opening up". The mood of rebellion and freedom is depicted in the works of bright figures of Chinese rock. The author of this article focuses on Cui Jian - the "patriarch" of Chinese rock and a significant representative of rock music in the 80s. Cui Jian goes through a difficult path, from full adoption of Western stylistics through the search for a balance of national and universal features of music to the final formation into a distinctive phenomenon of rock "with a Chinese character". The article provides an analysis of Cui Jian's most popular compositions, in which a germinating national character is evident. Retaining universal qualities of rock music, the musician consistently included into his songs national melodics and Chinese harmonies, supplementing the overall sound with the timbres of traditional instruments. The dialogue of national and foreign cultures, of "its own" and "foreign", was essential for rock music in China. Cui Jian creates a style with recognizable national colour, which is reproduced not through combinations of folk elements, but as an integral reality, not disintegrated into motifs, harmonies and rhythms.
«Китайская рапсодия» № 3 op. 46 Хуан Аньлуня как первое оригинальное сочинение для саксофона китайского композитора
Authors: Чжоу И. 
Published: December 2024

Целью статьи является введение в проблемное поле музыковедения ранее не изученного первого оригинального произведения для саксофона — «Китайской рапсодии» № 3 op. 46 китайского композитора Хуан Аньлуня (1988). Автором рассмотрены предпосылки формирования оригинального репертуара для этого инструмента, а также осуществлен подробный структурно-семантический анализ произведения. Выявлено, что композитору удалось органично синтезировать элементы традиционной китайской музыки на уровне формы и звуко-интонационных деталей (мелизматика, glissando, штрихи) с западноевропейскими академическими традициями жанра (прежде всего, романтической рапсодии). Особое внимание в процессе анализа уделено изучению трактовки партии саксофона, которое показало, что перед исполнителем ставятся серьезные профессиональные задачи: владение легкой виртуозной техникой, точное интонирование сложных скачкообразных мелодий, требующее особого внимания к ровности звучания регистров и высоких звуков саксофонного диапазона. Исследование показало, что появление произведения подобного уровня свидетельствует о новом уровне развития китайской саксофонной школы в ХХ веке.
The purpose of the article is to introduce into the problematic field of musicology the first original work for saxophone, which has not been studied before, "Chinese Rhapsody" No. 3 op. 46 by Chinese composer Huang Anlun (1988). The author considers the prerequisites for the formation of the original repertoire for this instrument, and also carried out a detailed structural and semantic analysis of the work. It is revealed that the composer managed to organically synthesize elements of traditional Chinese music at the level of form and sound-intonation details (melismatics, glissando, touches) with Western European academic traditions of the genre (primarily, romantic rhapsody). Particular attention in the process of analysis was paid to the study of the interpretation of the saxophone part, which showed that the performer is faced with serious professional tasks: mastery of light virtuoso technique, accurate intonation of complex jumpy melodies, requiring special attention to the evenness of the sound of registers and high sounds of the saxophone range. The study showed that the appearance of a work of this level indicates a new level of development of the Chinese saxophone school in the 20th century.
Жизнь и судьба музыканта (к столетию С. М. Хентовой)
Authors: Гуревич В.А. 
Published: December 2024

В центре внимания автора статьи — непростая судьба, творческое и научное наследие советской пианистки, музыковеда, педагога, журналистки — Софьи Михайловны Хентовой (1922–2002). В. А. Гуревич стремится показать читателям живой портрет незаурядной, одаренной личности, профессионального музыканта с несгибаемой волей и твердыми принципами, одновременно наполняя повествование теплыми личными воспоминаниями о Софье Хентовой — своей матери. Малоизвестные страницы биографии, правдиво и искренне изложенные в статье, включают сведения о детстве, обучении у Е. Р. Шуман (родственнице Роберта Шумана), годах эвакуации в Горьком, тяжелых условиях жизни в коммунальной квартире послевоенного Ленинграда, первых педагогических успехах в школе-десятилетке при Ленинградской консерватории, научных опытах. С. М. Хентовой принадлежит ряд монографий о ведущих пианистах — Эмиле Гилельсе, Ване Клиберне, Маргарите Лонг, Артуре Рубинштейне, Льве Оборине. Венцом исканий Хентовой-исследователя стала четырехтомная монография о Д. Д. Шостаковиче, высоко оцененная самим композитором. Автор статьи отмечает несправедливое отношение к фундаментальному труду о Шостаковиче С. М. Хентовой зарубежных музыковедов, усматривающих в ней лишь элементы советской идеологии. Между тем именно ее исследовательские находки — записи воспоминаний очевидцев, бесед с великим советским композитором — послужили фундаментом, без которого немыслимо современное шостаковичеведение.
he author focuses on the difficult destiny, creative and scientific heritage of the Soviet pianist, musicologist, teacher and journalist Sofia Mikhailovna Khentova (1922–2002). Gurevich V. A. wants to show the reader a portrait of an extraordinary and talented person, a professional musician with an inflexible will and firm principles. At the same time he fills the narration with warm personal memories about Sofia Khentova — his mother. The little known pages of her biography, faithfully and sincerely reflected in the article, include data on her childhood, her education by E. R. Schuman (a relative of Robert Schuman), the years of evacuation in Gorky, difficult living conditions in a communal flat in post-war Leningrad, first pedagogical successes in the ten-year school of the Leningrad Conservatory, and her scientific works. She wrote a number of monographs about leading pianists — Emil Gilels, Van Cliburn, Margarita Long, Arthur Rubinstein and Lev Oborin. The crowning achievement of Khentova's research was her four-volume monograph on D. D. Shostakovich, which was highly praised by the composer himself. The author of the article notes that Khentova's fundamental work about Shostakovich has been unfairly evaluated by foreign musicologists, who see only elements of Soviet ideology in it. Meanwhile, her research findings, i. e. notes of witnesses' recollections, interviews with the great Soviet composer, provide a basis, without which the contemporary Shostakovich studies are unthinkable.
Роль И. А. Рупина в становлении русской национальной вокальной школы
Authors: Сережина Д.А. 
Published: December 2024

В статье рассматривается роль Ивана Алексеевича Рупина в вокальном искусстве первой половины XIX века, когда русская музыка стала вбирать в себя принципы европейской традиции и сочетать их с народным материалом. Данное исследование мотивировано необходимостью раскрыть отдельные страницы истории русского вокального искусства и выявить импульсы перехода народной песни от музыки обиходной (прикладной) к преподносимой (автономной). Будучи исполнителем романсов и оперных арий, Иван Алексеевич Рупин уделял большое внимание русской народной песне. Он стал первым использовать ее в собственной обработке в дивертисментах, куда также входили отрывки из опер и балетов. В его обработках русский колорит, отраженный в интонационном строе мелодии, поэтическом тексте песен, сочетается с европейским виртуозным стилем — с пассажами и украшениями, характерными для итальянской оперы, а также с гармонизацией. Такой синтез получил название «русский колоратурный стиль» и зародился он в творчестве Ивана Алексеевича Рупина. Аккомпанемент в обработках Рупина напоминает гитарную фактуру, которая была характерна для домашнего музицирования в начале XIX века. Колоратурный стиль Рупина нашел продолжение и в операх М. И. Глинки.
The article deals with the role of Ivan A. Rupin in the vocal art of the first half of the 19th century, when Russian music began to absorb the principles of European tradition and to combine them with the folk material. This study is motivated by the necessity of revealing separate pages of the history of Russian vocal art and revealing impulses of the transition of folk song from its applied function to an autonomous one. As a chamber performer of romances and opera arias, Ivan Alexeyevich Rupin paid much attention to Russian folk songs. He was the first to use it in his own arrangements in divertissements which also included extracts from operas and ballets. His arrangements combine Russian colour, reflected in the breadth of the melody, intonations and lyrics, with European virtuoso style — with passages and embellishments typical for Italian opera as well as harmonisation. This synthesis is called the "Russian coloratura style" and it emerged in the music of Ivan Alexeyevich Rupin. The accompaniment in Rupin's arrangements recalls the guitar texture that was characteristic of music-making at home at the beginning of the 19th century. Rupin's coloratura style found a continuation in the operas of Mikhail Ivan Glinka. Keywords: I. A. Rupin, folk song, genre, adaptation of folk songs, romance, coloratura style
Полька, или «невеселая» жизнь веселого жанра
Authors: Сыров В.Н. 
Published: December 2024

Полька рассматривается в контексте эволюции от обиходного к преподносимому жанру. «Артизация» польки, таким образом, предстает как процесс становления художественной формы с выходом на уровень концептуального осмысления драматургического процесса. В качестве аналитического материала привлекаются пьесы русских авторов. Особый интерес представляют те из них, в которых жанр польки трансформируется в полечность и, объединяясь с элементами других жанров, образует подобие полижанрового синтеза, который А. Альшванг определил как «обобщение через жанр» [1, с. 97–105]. Рассматривается содержательный аспект подобных явлений, их выразительно-смысловое звучание, мигрирующее от «беззаботного веселья» к драматизму «плясок смерти».
Polka is considered in the context of the evolution from the everyday to the presentable. The «artization» of the Polka, thus, appears as a process of the formation of an artistic form with access to the level of conceptual understanding of the dramatic process. Plays by Russian authors are used as analytical material. Of particular interest are those in which the polka genre is transformed into a polka and, combining with elements of other genres, forms a kind of multi-genre synthesis, which A. Alshvang defined as «generalization through genre» [1, pp. 97–105]. The article considers the content aspect of such phenomena, their expressive and semantic sound, migrating from «carefree fun» to the drama of «death dances».
«Оттепель» и додекафония: ностальгические заметки (к публикации русского перевода книги Б. Шеффера «Классики додекафонии»)
Authors: Левая Т.Н. 
Published: December 2024

Статья написана в связи с идеей опубликовать русский перевод книги известного польского ученого Богуслава Шеффера «Классики додекафонии» (1961, 1964), выполненный в свое время Борисом Семеновичем Гецелевым. Переводчик обратился к первой («исторической») части труда Шеффера, наиболее интересной в концепционном отношении (вторая часть книги, практическая, представляет собой хрестоматию из большого числа нотных примеров с комментариями автора). Центральное место в исследовании Шеффера занимает обзор современной музыки с точки зрения зарождения и эволюции додекафонного метода композиции. В поле его внимания оказываются и сами классики додекафонии — Шенберг, Берг, Веберн, — и несколько поколений их последователей из разных стран и континентов. Между тем, увлечение додекафонией коснулось и советских композиторов эпохи «оттепели», хотя в силу политики железного занавеса их имена не попадали на страницы западных изданий. В предлагаемой статье комментируются дискуссии вокруг додекафонии, происходившие в годы «оттепели», в том числе полемика, возникшая на «додекафонном пленуме» 1966 года. Особое внимание уделяется Горьковской (Нижегородской) консерватории, которая являлась в те годы одним из центров изучения новой музыки и генератором контактов с польскими композиторами и музыковедами, свидетельством чего стала композиторская, научная и переводческая деятельность Бориса Семеновича Гецелева
The article was written in connection with the idea to publish a Russian translation of the book by the famous Polish scientist Bohuslav Scheffer «Classics of Dodecaphony» (1961, 1964), made at the time by Boris Getselev. The translator turned to the first («historical») part of Schaeffer's work, which is the most interesting conceptually (the second part of the book, practical, is a textbook of a large number of musical examples with the author's comments). The central place in Schaeffer's research is occupied by an overview of modern music from the point of view of the origin and evolution of the dodecaphone method of composition. In the field of his attention are the classics of dodecaphony themselves — Schoenberg, Berg, Webern — and several generations of their followers from different countries and continents. Meanwhile, the fascination with dodecafonia also affected Soviet composers of the «thaw» era, although due to the policy of the Iron Curtain, their names did not appear on the pages of Western publications. The proposed article comments on the discussions around dodecafonia that took place during the «thaw», including the controversy that arose at the «dodecafon plenum» of 1966. Particular attention is paid to the Gorky (Nizhny Novgorod) Conservatoire, which was in those years one of the centers for the study of new music and a generator of contacts with Polish composers and musicologists, as evidenced by the compositional, scientific and translation activities of Boris Semyonovich Getselev.
«Хаос» Й. Славенски: возрождение ричеркара
Authors: Евдокимова А.А. 
Published: December 2024

Выдающий композитор Йосип Славенски (1896–1955) является одним из основоположников сербской симфонической музыки. В статье рассматривается его произведение «Хаос», написанное в 1934 году для органа и симфонического оркестра. Выявлены предпосылки данного сочинения, проявившиеся ранее в творчестве композитора, в частности, в квинтете «На селе» и «Религиозной сонате», написанной для скрипки и органа. В данных произведениях южнославянский характер тематизма сочетается со сложными полифоническими приемами развития. В «Хаосе» полифоническая техника становится основой формы ричеркара — редкой для сочинений ХХ века. Реализуя замысел — создание музыкальной картины процесса возникновения вселенной — Славенски строит ричеркар, сочетая традиционные и новаторские особенности. В основе лежит универсальная идея (серия, охватывающая все 12 тонов). Движущееся от исходной точки (звука «с») через 12-тоновую горизонталь, усложняющиеся полифонические сочетания (включающие ритмическое варьирование, стреттные имитации, инверсии, ракоход), развитие идет к максимальному расширению вертикали, завершаемой 12-ступенном аккордом. Чередование разделов ричеркара складывается в единый организм с закономерно усложняющейся внутренней структурой. Это является отражением универсального процесса развития и вселенной, и других явлений объективной действительности.
Outstanding composer Josip Slavensky (1896–1955) is one of the founders of Serbian symphonic music. The article discusses his work «Chaos», written in 1934 for organ and symphony orchestra. The prerequisites of this composition are revealed, manifested in the quintet «In the countryside» and «Religious Sonata» written for violin and organ. In these works, the national South Slavic character of thematism is combined with complex polyphonic development techniques. In «Chaos», the polyphonic technique becomes the basis of the ricercar form — a rare composition for the twentieth century. Realizing the idea — the creation of a musical picture of the process of the emergence of the universe — Slavensky builds a ricercar, combining traditional and innovative features. It is based on a universal idea (a series covering all 12 tones). Moving from the starting point (sound «c») through a 12-tone horizontal, complicated polyphonic combinations (including rhythmic variation, stretch imitations, inversions, crustacean), the development goes to the maximum expansion of the vertical, completed by a 12-step chord. The alternation of the sections of the ricercar develops into a single organism with a naturally complicated internal structure. This is a reflection of the universal process of development of the universe and other phenomena of objective reality.
Антитеза язычества и христианства в балетах Валерия Кикты «Владимир-Креститель» и «Андрей Рублев»
Authors: Шемсетдинова Д.М. 
Published: December 2024

Балеты советского и российского композитора В. Г. Кикты «Владимир-Креститель» и «Андрей Рублев» являются знаковыми произведениями не только в контексте творческой биографии композитора, но и отечественной музыкальной культуры второй половины XX – начала XXI вв. в целом. В них образы Древней Руси нашли яркое и оригинальное претворение. В приведенной статье балеты Кикты рассматриваются сквозь призму противопоставления двух начал: языческого и христианского, которые проявляют себя как на идейно-смысловом уровне, так и на уровне музыкального языка. Автор предлагаемой работы ставит перед собой цель проанализировать балеты композитора «Владимир-Креститель» и «Андрей Рублев» в обозначенном аспекте. Нашими задачами стали рассмотрение жанрово-стилевых особенностей «языческой» и «христианской» сфер в данных сочинениях, а также выявление общих черт творческого почерка В. Г. Кикты и И. Ф. Стравинского. Кроме того, в статье выявляется сочетание в балетах Кикты архетипов языческой и христианской мистерий. Подспорьем для написания статьи послужили монографические работы о творчестве В. Г. Кикты, а также обзорные публикации, посвященные проблемам неофольклоризма и нового религиозного движения.
The ballets of the Soviet and Russian composer V. G. Kikta "Vladimir the Baptiser" and "Andrey Rublev" are significant works not only in the context of the composer's creative biography, but also in the domestic musical culture of the second half of the 20th – early 21st centuries in general. In these works, the images of Ancient Russia found a bright and original implementation. In this article, Kikta's ballets are considered through the prism of the opposition of two principles: pagan and Christian, which manifests itself both at the ideological and semantic level, and at the level of musical language. The author of the proposed work aims to analyze the composer's ballets "Vladimir the Baptiser" and "Andrey Rublev" in the indicated aspect. Our tasks were to consider the genre and style features of the "pagan" and "Christian" spheres in these works, as well as to identify the common features of the creative style of V. G. Kikta and I. F. Stravinsky. In addition, the article reveals the combination of archetypes of pagan and Christian mysteries in Kikta's ballets. The article is based on monographic works on the creativity of V. G. Kikta, as well as Review publications devoted to the problems of neo-folklorism and the new religious movement.