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Drawing Comparisons: Cellini’s Perseus Liberating Andromeda and the Paragone Debate
Authors: Trottein Gwendolyn 
Published: September 2020

L’analyse porte sur Persée libérant Andromède, relief en bronze qui fait partie intégrante de l’ensemble sculpté entre 1545 et 1554 par Benvenuto Cellini pour la Loggia dei Lanzi de Florence. Ce relief, rajouté à la fin du projet, offre la clef de la signification théorique et polémique du colossal Persée monté sur son piédestal orné de figures. En bas du monument, encadrée de marbre comme un tableau, la Libération d’Andromède fait ainsi entrer le spectateur avisé dans la querelle de l’époque sur la valeur respective des arts, le fameux débat du paragone, mais elle ne se borne pas à une simple évocation de ce débat, et elle n’affïrme pas seulement l’infériorité de la peinture par rapport à la sculpture. Le nu mystérieux et sans profondeur du centre du relief fonctionne en tant qu’agent provocateur pour lancer une comparaison entre la sculpture en relief, qui ressemble à du dessin, et une autre sculpture plus en profondeur comme celle d’Andromède à ses côtés. Cette comparaison peu flatteuse pour les arts bidimensionnels concerne aussi l’architecture, comprise par Cellini comme un art de la surface apparenté au dessin et à la perspective. Pour l’orfèvre-sculpteur qu’est Cellini, la preuve à la fois de la bonne peinture et de la bonne sculpture réside dans leur capacité à libérer la beauté plastique et humaine des contraintes de la surface. Enchaînée au mur littéralement et figurativement, son Andromède en relief illustre certes le plus haut degré de la peinture, mais en même temps l’impuissance et les limites de cet art féminin. Si l’autobiographie et les écrits théoriques de Cellini donnent bien à la sculpture en ronde bosse la première place parmi les arts, encore fallait-il prouver sans recours aux mots, donc à un autre art, cette supériorité : c’est ce que fait voir, et de façon systématique, le monument du Persée, à condition d’en considérer l’ensemble.
L’Art Inconscient: Imaging the Unconscious in Symbolist Art for the Théâtre d’art
Authors: Keshavjee Serena 
Published: September 2020

Alors que l’institutionalisation de la psychologie suscitait la fascination pour l’inconscient dans la France fïn-de-siècle, les artistes symbolistes montraient leur vif désir de pictorialiser cet état. Les pièces de théâtre et les affiches produites pour le Théâtre d’art symboliste de Paul Fort tendaient à déstabiliser la pensée rationnelle en remettant en question la perception visuelle conventionnelle. Désigné par Jules Bois comme « l’art inconscient », le style des illustrations de théâtre des Nabis représentait la transcendance du moi et la pénétration de l’inconscient créatif à travers différentes métaphores visuelles de la dissolution.
Occult Chemistry and the Theosophical Aesthetics of the Subatomic World
Authors: Morrisson Mark S. 
Published: September 2020

Plutôt que d’étudier l’influence de la théosophie sur les débuts de l’art abstrait, cet article prend pour objet la culture visuelle de la théosophie elle-même, en particulier les efforts déployés par Annie Besant et C.W. Leadbeater pour utiliser les transcriptions visuelles de l’expérience clairvoyante comme données scientifiques. Ces données ayant rapidement revêtu une dimension esthétique, le monde invisible des particules subatomiques a suscité un croisement entre la physique atomique et de l’occultisme qui a influencé la culture visuelle de la théosophie. L’accent mis sur la recherche expérimentale a poussé cette dernière à se détacher de l’esthétique symboliste axée sur la rêverie pour s’intéresser à l’abstraction des transcriptions « scientifiques » en Thought-Forms et aux géométries abstraites de la Occult Chemistry.
Reconsidering the Dead in Andres Serrano’s The Morgue: Identity, Agency, Subjectivity
Authors: Fitzpatrick Andrea D. 
Published: September 2020

Cet article propose de reconsidérer l’oeuvre de l’artiste contemporain américain Andres Serrano, notamment de sa série d’épreuves chromogéniques datant de 1992 et intitulée The Morgue qui expose un groupe de cadavres photographiés dans une morgue réelle. Je parle de reconsidérer l’oeuvre de Serrano parce que la série en question a déjà fait l’objet de plusieurs études. Cependant, les discours critiques à propos de cette série ne se sont jamais penchés sur les conséquences de cette invasion de la vie privée pour les morts. Dans cet article, j’explore la manière dont Serrano manifeste sa prise de conscience face à la vulnérabilité des morts, non pas en abordant l’éthique de ses choix, mais en examinant comment cette réification des corps perpétue néanmoins une forme de subjectivité posthume, question rarement abordée dans les domaines de l’histoire de l’art et de la théorie culturelle. L’encadrement et la mise au point, les titres, les choix esthétiques, la fragmentation des corps (qui tantôt dissimule, tantôt privilégie le visage), ainsi que le caractère d’infraction d’une intervention faite à la dérobée en milieu mortuaire : tous ces éléments affectent les types d’identité qui émanent de la spécificité des sexes et de connotations diverses accordant à la pathologie et à la criminalité une part significative. La capacité d’agir de Serrano se révèle indirectement dans ses travaux, lorsque l’artiste transgresse l’ordre du pouvoir généralement accordé aux vivants et retiré aux morts (effet de présence des corps, capacité de contact, d’accès visuel). En étendant aux morts une notion de subjectivité qui emprunte à la pensée de Judith Butler, je démontrerai que les cadavres de Serrano restent intensément vulnérables à la violence qu’implique toute représentation.
Bodies of Knowledge: The Nineteenth-Century Anatomical Atlas in the Spaces of Art and Science
Authors: Stelmackowich Cindy 
Published: September 2020

Au début du dix-neuvième siècle, la médecine de l’Europe de l’ouest a subi une transformation institutionnelle et discursive suite à de nouvelles perceptions en études anatomiques. De nouvelles tendances culturelles, politiques et hygiéniques (par exemple, la découverte de la « saleté » et les maladies qui y sont associées) ont encouragé la communauté médicale à faire du cadavre le site d’une nouvelle méthode « scientifique » de la connaissance médicale. En conséquence, il y a eu une recrudescence de publications d’atlas composés d’illustrations minutieuses fondées sur des observations détaillées de phénomènes physiologiques. Cet article s’intéresse à la façon dont les illustrations médicales du dix-neuvième siècle encodaient une nouvelle manière de voir le corps et analyse le rôle qu’elles ont joué à donner à la médecine moderne le professionnalisme qu’on lui connaît. Les atlas anatomiques du dix-neuvième siècle étaient tout à fait différents de leurs prédécesseurs : ils possédaient des dépliants « grandeur nature », des lithographies raffinées mettant l’accent sur le type de tissus, ainsi que des mécanismes uniques pour le cadrage et le recadrage ; le tout leur prodiguait un langage précis et une grammaire visuelle. Cet article analyse la rhétorique visuelle à la fois complexe et contradictoire des atlas : leurs codes d’identification parfaits et réalistes et les écoles d’art néoclassiques que les atlas exploitaient ouvertement.
Exposed Wounds: The Photographic Autopathographies of Hannah Wilke and Jo Spence
Authors: Tembeck Tamar 
Published: September 2020

L’article s’intéresse aux autopathographies produites par Hannah Wilke et par Jo Spence inspirées par la lutte qu’elles ont toutes deux menée contre le cancer dans les années 80 et au début des années 90. Les deux artistes se sont tournées vers l’autopathographie pour réinventer leurs propres images corporelles, ainsi que l’image sociale de leur maladie. En examinant de près leurs productions, l’article décrit les stratégies esthétiques et politiques qu’elles emploient pour transmettre leur expérience. Wilke transforme activement son vécu souffrant en l’image d’un exosquelette blessé, où des marques réelles, ainsi que des signes construits autour de sa douleur sont exhibés sur son corps et par lui. Par cette transformation, l’artiste parvient à exprimer une position critique face aux préjugés culturels qui sont rattachés à (l’image de) sa maladie. Spence, pour sa part, crée une dialectique visuelle du sujet malade, où son image ne peut facilement être réduite aux statuts extrêmes de « victime » ou d’« héroïne ». L’image du sujet qui en émerge demeure dynamique et complexe, et échappe aux stéréotypes préjudiciaux. L’article se penche également sur la dimension performative impliquée dans toute autoreprésentation, et, plus précisément, dans les objets culturels liés à la maladie tels que les talismans et les ex-voto, qui sont décrits par Thierry Davila comme étant des « formes agissantes ». Les oeuvres de Wilke et Spence nous portent à réfléchir sur la lourde responsabilité qu’il nous faut assumer face aux oeuvres pathographiques et aux images de la souffrance.
Portrait of a Globalized Canadian: Ken Lum’s There Is No Place Like Home
Authors: Foo Cynthia 
Published: September 2020

À l’ère de la mondialisation, que signifie le fait d’être citoyen d’une nation lorsque la souveraineté de cette dernière est constamment remise en question ? Quel portrait représenterait un « Canadien » ? Dans la photographie-panneau d’affichage de Ken Lum, intitulée There Is No Place Like Home (2000, installation à Ottawa), des portraits individuels sont couplés avec des textes qui semblent exprimer l’anxiété des sujets à propos de l’appartenance et de la localisation d’un « chez-soi ». Au lieu d’identifier et de consolider la position des sujets, l’utilisation par Lum de textes en français et en anglais déstabilise davantage leur localisation potentielle. Comme l’a noté Rosalind Krauss, l’indéniable véracité de la photographie, son statut documentaire, est fondée sur la documentation mécanique du monde; toutefois, ses objets sont régis par un langage dont le déchiffrement se trouve dans le monde au sens global (October, n° 4, 1997). Les performances des acteurs et actrices figurant dans les portraits renvoient à la construction de l’identité raciale dans la société au sens large; leurs traits et leurs attitudes ainsi que les énoncés qui leur sont assignés opèrent à titre de repoussoirs dans le but de fragiliser l’approbation sociale des catégories raciales.
Double sens délibéré, There Is No Place Like Home suggère un espace urbain générique à l’intérieur duquel le Canada est représenté comme une nation à l’ère de la mondialisation, une nation elle-même soumise à des pressions constitutives externes, où la notion de l’appartenance d’un individu à un lieu est déterminée par l’identité de celui ou celle qui pose la question. Dans cet article, je mettrai le travail de Lum en contexte, en le comparant à l’oeuvre de Jin Me-Yoon intitulée A Group of Sixty-Seven (1996), et celle de Jeffrey Thomas ayant pour titre Indians on Tour (2001–2002), des oeuvres produites par deux artistes canadiens qui donnent à voir le paysage urbain contemporain comme un lieu inconfortable d’identité et d’appartenance.
Translating Music into Visual Form: The Influence of Music in the Work of Bertram Brooker
Authors: Williams Glenn 
Published: September 2020

Cet article se propose d’examiner l’influence de la musique sur la vie et l’oeuvre de Bertram Brooker. Dans ses expériences avec le son et la couleur, Brooker a été influencé par ses contemporains, Wassily Kandinsky, Georges Braque et Georgia O’Keeffe. La documentation suggère que Brooker était parmi les premiers artistes canadiens d’explorer la corrélation entre les arts et d’essayer des idées modernistes. Il a présenté ces idées à 250 000 lecteurs dans sa rubrique « Seven Arts », publiée dans les journaux Southam du 20 octobre 1928 au 15 novembre 1930. Ses écrits affirment que Brooker était un catalyseur pour des changements dans l’art canadien. Pour clarifier encore plus le rôle que la musique a joué dans l’oeuvre de Brooker, ses expériences musicales, sa poésie, et ses autres écrits sont discutés, en plus de sa connaissance de la littérature métaphysique et la théorie d’art contemporaine. Finalement, l’analyse est fait d’un certain nombre de ses peintures et dessins des années 1920 et 1930.
The Academy, the Market and the Art Museums in the Repositioning of Australian Aboriginal Art
Authors: Dolan David 
Published: September 2020

La deuxième moitié du vingtième siècle a vu un changement marqué dans la manière de présenter, de collectionner et de comprendre l’art des peuples indigènes d’Australie. Les approches antérieures spécialisées (ethnographique et anthropologique) des artefacts aborigènes ont été remplacées par la reconnaissance générale que l’art indigène (qui offre des formes nouvelles souvent proches de l’art contemporain) n’est pas seulement un élément important et unique de l’art de l’Australie moderne, mais en constitue évidement l’aspect le plus intéressant pour le reste du monde.
On sait que les attitudes et les pratiques institutionnelles se sont transformées au cours des années 1970 et 1980. Dans le contexte d’un lent abandon d’une histoire lourde de politiques culturelles racistes, ces décennies constituaient un intervalle entre les premières réformes des années 1960, au moment où les aborigènes australiens eurent accès – tardivement – à la pleine citoyenneté, et les années 1990 alors que la « Réconciliation » entre les peuples indigènes et les descendants des colons devint un enjeu politique de premier plan. Au début de XXIe siècle, les productions des artistes aborigènes obtiennent les plus hautes cotes du marché de l’art, bien supérieures à ce que pouvait obtenir les autres artistes vivants.
Cet article s’interroge sur le rôle de la recherche et de l’enseignement universitaires dans la réévaluation de l’art aborigène de la culture australienne contemporaine. Nous croyons que l’histoire de l’art et les cours théoriques universitaires, le milieu du marché de l’art ainsi que les principaux musées d’art publics ont tous eu un rôle à jouer dans la transformation du statut de l’art aborigène, mais que l’université s’est contentée de suivre le mouvement avec les autres instances, plutôt que d’en montrer la voie.
From Classical Liberalism to Neoliberalism: Explaining the Contradictions in the International Environmental Law Project
Authors: Mayrand Hélène 
Published: September 2020

This paper provides a critique of the development of international environmental law, showing the influence of ideologies of classical liberalism, welfarist liberalism and neoliberalism on key legal texts. Sharing the assumptions of critical approaches to law and applying a methodology in line with ideology critique, this paper is aimed at deconstructing the prevailing Western understanding of the positive evolution of international environmental law towards better environmental protection. First, it describes the classical liberal understanding of nature and concepts to address environmental problems before World War II through the example of fisheries agreements. Second, it moves to the influence of welfarist liberalism on international law following World War II, which gave rise to several environmental instruments, especially marine pollution agreements, and later the Stockholm Declaration. Third, it looks at the conceptual shift under the influence of neoliberalism that occurred in the 1990s in the Rio Declaration as well as in the biological diversity and climate change regimes. As the paper shows, instead of changing the problematic understandings of nature in international law, international environmental law relies on these liberal classical understandings and further exacerbates the instrumentalization of nature with the focus on economic rationality, and favouring cost-benefit analysis, deformalization of law, deregulation and self-regulation by private actors, management by experts, and market mechanisms to address environmental problems.
La prédominance, en droit international, des droits des touristes de loisir sur les droits des communautés hôtes
Authors: Tremblay-Huet Sabrina 
Published: September 2020

Alors que la crise environnementale mène à pointer du doigt, notamment, le secteur touristique pour sa contribution à celle-ci, l’article 10 de la récente Convention-cadre relative à l’éthique du tourisme de l’Organisation mondiale du tourisme reconnaît un « droit au tourisme ». Il s’agit du point culminant normatif d’un discours supranational promouvant l’activité touristique, laquelle ne devrait pas connaître de limites. Du côté national, il est pertinent de s’intéresser aux décisions de la Division des petites créances de la Cour du Québec, qui concernent des touristes réclamant des dommages relatifs à des voyages effectués dans divers États du Sud global. Le présent article analyse ce discours normatif transnational des droits du touriste, tant sur le plan supranational que sur le plan national québécois, dans l’optique de déconstruire les consolidations juridiques de ce discours, que l’on trouve dans la Convention-cadre ainsi que dans son reflet au sein des représentations véhiculées dans le contexte de décisions en droit québécois de la consommation. Ces exemples de consolidation démontrent une complicité avec le projet néolibéral favorisant la prédominance des intérêts des touristes de loisir et des élites qui en bénéficient au détriment de ceux des communautés hôtes.
Contributions et limites de la surdétermination pour l’étude empirique des pratiques administratives relatives à la détention des personnes non citoyennes au Canada
Authors: Jannard Louis-Philippe 
Published: September 2020

Au Canada, la détention d’une personne non citoyenne met en branle un vaste réseau d’acteurs et d’organismes. Parmi ceux-ci, les membres du personnel de l’Agence des services frontaliers du Canada (ASFC) jouent un rôle névralgique. Leur pratique demeure toutefois peu étudiée. Cet article vise à combler cette lacune en mettant en lumière l’une des facettes de cette pratique, soit l’interprétation et l’application qui sont faites du régime juridique dans le cadre des multiples décisions qui ponctuent ce processus de détention. Le présent texte se veut aussi un arrêt sur image de la réflexion théorique et méthodologique qui sous-tend cette démarche de recherche. Ainsi, si les concepts de surdétermination et d’attentes des auditoires s’avèrent féconds pour comprendre les ressorts de la pratique du personnel de l’ASFC, la recherche empirique auprès de celui-ci contribue en retour à une meilleure compréhension des modalités de la construction de ces attentes.
Unconscionable Crimes
Authors: Morrow Paul 
Published: September 2020

The first general theory of the influence of norms—moral, legal and social—on genocide and mass atrocity.
How can we explain—and prevent—such large-scale atrocities as the Holocaust? In Unconscionable Crimes, Paul Morrow presents the first general theory of the influence of norms on genocide and mass atrocity. After offering a clear overview of norms and norm transformation rooted in recent work in moral and political philosophy, Morrow examines numerous twentieth-century cases of mass atrocity, drawing on documentary and testimonial sources to illustrate the influence of norms before, during, and after such crimes.
Morrow considers such key explanatory pathways as the erosion of moral norms through brutalization and demoralization, the exploitation of legal norms to legitimize persecution and deny violence, and the enduring influence of gender-based social norms on targets and perpetrators of atrocities. Key constraints on atrocities would include the revision of moral norms that have traditionally guided the conduct of soldiers and humanitarian aid workers, the strengthening of legal prohibitions on large-scale crimes through statutory and institutional reform, and the elimination of social norms prescribing silence about personal experience of atrocities. Throughout, Morrow emphasizes the differences among moral, legal, and social norms, which stand in different relations to real or perceived social practices, and exhibit different patterns of creation, modification, and elimination. Ultimately, he argues, norms of each kind are integral to the explanation and the prevention of mass atrocities.
The Photoromance
Authors: Bonifazio Paola 
Published: September 2020

A fascinating feminist reading of an often scorned medium: the storytelling, cross-platform success, and female fandom of the photoromance.
Born in Italy and successfully exported to the rest of the world, photoromances had a readership of millions in the postwar years. By the early 1960s, more than ten million Italians read a photoromance each week. Despite its popularity, the photoromance—a form of graphic storytelling that uses photographs instead of drawings—was widely scorned as a medium, and its largely female audience derided as naive, pathetic, and uneducated. In this provocative book, Paola Bonifazio offers another perspective, making a case for the relevance of the photoromance for both feminism and media culture. She argues that the photoromance pioneered storytelling across platforms, elevated characters and artists into brands, and nurtured a devoted fan base. Moreover, Bonifazio shows that female readers—condescended to by intellectuals, journalists, and politicians of both the left and the right—powered the Italian photoromance industry's success.
Bonifazio examines the “convergence culture” of Italian media as photoromance magazines dispersed their content across multiple formats, narrative conventions, editorial and business strategies, and platforms. The plots of photoromances often resembled the storylines of romantic films, and film stars themselves often appeared in photoromances. Bonifazio discusses the media habits of photoromance readers; the use of photoromances to promote political, religious, and social agendas, including a campaign for “birth control in comics”; and long-term fandom. While publishers built lifelong relationships with their readers, the readers built a common identity and culture.
Evaluation of “Spin” in the Abstracts of Randomized Controlled Trial Reports in Cardiology
Authors: Roberts William B. , Cooper Craig M. , Khattab Mahmood , Neff Patrick , Wildes Dan , Wayant Cole , Vassar Matt 
Published: September 2020

Abstract

Context
The misrepresentation and distortion of research findings, known as “spin,” has been shown to affect clinical decision making. Spin has been found in randomized controlled trials (RCTs) published in various fields of medicine.

Objective
To evaluate the abstracts of RCTs found in the cardiology literature for spin.

Methods
The authors searched PubMed using a specific string of keywords to identify previously published articles documenting RCTs of cardiovascular treatments in humans. To be included, a cardiology trial had to randomize humans to an intervention, statistically compare 2 or more groups, and have a nonsignificant primary endpoint. Records were excluded if they did not meet these criteria. Data extraction was double-blinded and done using a pilot-tested Google Form. Items extracted from each trial included the title, journal, funding source, comparator arm, primary endpoint, statistical analysis of the primary endpoint, secondary endpoints, statistical analysis of secondary endpoints, and trial registration number (if reported). The 2 authors who screened records for inclusion were then asked whether spin was present in the abstract of the randomized trial. Spin in the title, abstract results, abstract conclusions, and selection of reported endpoints were considered.

Results
Of the 651 PubMed citations retrieved by our search string, 194 RCTs with a clearly defined primary endpoint were identified. Of these 194 RCTs, 66 trials contained nonsignificant primary endpoints and were evaluated for spin. Of these trials, spin was identified in 18 of the 66 abstracts (27.3%).

Conclusions
Spin was present in our sample of cardiology RCTs. Spin may influence clinical decision making by creating false impressions of the true validity of a drug or intervention.