bluuebunny/crossref_metadata_2025_split huggingface dataset:
Г. КЛЯЙН И П. ХААС: ЖИЗНЬ И ТВОРЧЕСТВО ДО ТЕРЕЗИЕНШТАДТА И В ЕГО СТЕНАХ
Authors: Федусова А.А. 
Published: December 2024

Статья посвящена изучению воздействия резко меняющихся обстоятельств жизни на композиторское творчество. Используя биографический метод вкупе со сравнительным анализом, автор прослеживает влияние враждебной среды на интенсивность работы, идеи и образные сферы произведений. Предпринята попытка сравнить образ жизни двух чешских композиторов еврейского происхождения П. Хааса и Г. Кляйна незадолго до и во время их пребывания в концентрационном лагере Терезиенштадт в 1941–1944 гг. Два указанных случая демонстрируют совершенно разные реакции личности художника, которая может погрузиться в глубокий творческий кризис (П. Хаас), или, напротив, найти в себе внутренние силы для выживания в профессии, борьбы, и, наконец, изменения самой враждебной среды (Г. Кляйн). Между тем содержание произведений композиторов лишь частично соотносится с реальной жизнью. Так в работе было обнаружено, что, несмотря на пессимизм П. Хааса, в его музыке порой возникали жизнеутверждающие темы, а активная позиция Г. Кляйна не препятствовала появлению трагических мотивов в его творчестве. Внешняя жизнь — это лишь вершина айсберга, а там — необъятная глубина внутренней жизни художника
The article is devoted to the study of the impact of dramatically changing life circumstances on composing. Using the biographical method, coupled with comparative analysis, the author traces the influence of a hostile environment on the intensity of work, ideas and figurative spheres of works. An attempt has been made to compare the lifestyle of two Czech composers of Jewish origin P. Haas and G. Klein shortly before and during their stay in the Theresienstadt concentration camp in 1941–1944. These two cases demonstrate completely different reactions of the artist's personality, which can plunge into a deep creative crisis (P. Haas), or, on the contrary, find the inner strength for survival in the profession, struggle, and, finally, changing the hostile environment itself (G. Klein). Meanwhile, the content of the works of composers is only partially correlated with real life. Thus, it is discovered in the work that, despite the pessimism of P. Haas, life-affirming themes sometimes arose in his music, and the active position of G. Klein did not prevent the emergence of tragic motives in his work. The outer life is only the tip of the iceberg, and there is the immense depth of the artist's inner life.
«СКВОЗНЯК ИСТОРИИ»: МОЦАРТОВСКОЕ И УКРАИНСКОЕ В «РЕКВИЕМЕ ДЛЯ ЛАРИСЫ» СИЛЬВЕСТРОВА
Authors: Булошников М.Л. 
Published: December 2024

Статья посвящена стилевым проблемам двух центральных частей «Реквиема для Ларисы» (1997–1999) В. Сильвестрова. Моделирование композитором жанра реквиема обнаруживает как черты, находящиеся в русле оригинального обновления жанрового архетипа, так и свойства, свидетельствующие об альтернативности канону. Наиболее показательна в этом свете IV часть Реквиема, где композитор обращается к поэзии Т. Шевченко (Украинская песня). С «возвращением» латыни возникает своеобразный диалог с моцартовской традицией (V часть, Agnus Dei). Немаловажно отметить при этом, что обе части являются автоцитатами. Так Украинская песня представляет собой ранее написанную Сильвестровым песню «Прощай, світе, прощай, земле» из вокального цикла «Тихие песни». Следующая часть — Agnus Dei — восходит к фортепианной пьесе «Вестник», в нынешнем варианте получившей классическую «подтекстовку», и, таким образом, погружающей слушателя в традиционное русло заупокойной мессы. Вместе с тем подобный принцип возвращения к уже написанным в прошлом произведениям тесно связан с оригинальным сильвестровским композиционным феноменом «метамузыки». Эта идея, смыкающаяся также с «метафорическим» стилем Сильвестрова, по-своему отражает концепцию пересмотра, обновления и новой актуальности созданных ранее сочинений.
The article is devoted to the stylistic problems of the two central parts of «Requiem for Larisa» (1997–1999) by V. Silvestrov. The composer's modeling of the requiem genre reveals both features that are in line with the original renewal of the genre archetype, and properties that indicate an alternative to the canon. The most significant in this respect is the IV part of the Requiem, where the composer refers to the poetry of Taras Shevchenko (Ukrainian Song). With the «return» of Latin, there is a kind of dialogue with the Mozart tradition (Part V, Agnus Dei). It is important to note that both parts are autocitates. So the Ukrainian song is a song previously written by Silvestrov « Goodbye, world, goodbye, earth» from the vocal cycle «Quiet Songs». The next movement — Agnus Dei — goes back to the piano piece «The Messenger», which in its current version has received a classical «subtext», and thus immerses the listener in the traditional channel of the funeral mass. At the same time, this principle of returning to works already written in the past is closely related to the original Sylvester compositional phenomenon of «metamusic». This idea, which is also connected with the «metaphorical» style of Silvestrov, in its own way reflects the concept of revision, renewal and new relevance of previously created works.
РОЛЬ АВТОРСКОЙ РЕМАРКИ В ИНТЕРПРЕТАЦИИ ФОРТЕПИАННЫХ ПРОИЗВЕДЕНИЙ Н. К. МЕТНЕРА
Authors: Герасимова С.Н. 
Published: December 2024

В статье рассматривается роль авторской ремарки в исполнительской интерпретации на примере сказки для фортепиано c-moll op. 8 № 1 Н. К. Метнера. В качестве материала для анализа выбрано исполнение самого композитора и пианистов следующего поколения. Являясь современниками, Хэмиш Милн и Джеффри Тозер осуществили запись данной пьесы в разные периоды творчества, что нашло свое отражение в индивидуальных особенностях их трактовок. Помимо анализа выбранных интерпретаций в статье приводится краткая история создания сказки и возникновение этого жанра в творчестве композитора. Прослеживаются нюансы исполнения, влияющие на формирование художественного образа. Опираясь на важнейшие особенности обозначенных интерпретаций, такие как темпоритм, фразировка, артикуляция и агогика, автор выявляет черты, присущие исполнительскому облику каждого пианиста. В статье показано соответствие интерпретаций замыслу композитора, выраженному, в том числе, в авторских ремарках, вопреки явным различиям исполнительских стилей. Автор приходит к выводу, что, несмотря на обилие авторских ремарок, оставленных композитором, «коридор», существующий для трактовки сочинения, достаточно широк для выражения индивидуального исполнительского стиля любого пианиста.
The article considers the role of the author's remark in the performing interpretation on the example of a fairy tale for piano c-moll op. 8 No. 1 by N. K. Metner. Performances of pianists belonging to different generations are selected as the material for analysis. Being contemporaries, Hamish Milne and Jeffrey Tozer recorded the selected fairy tale in different periods of creativity, which was reflected in the individual characteristics of their interpretations. In addition to analyzing the interpretations, the article provides a brief history of the creation of a fairy tale and the emergence of this genre in the creativity of the composer. Based on the most important features of the chosen interpretations, such as temporhythm, phrasing, articulation and agogy, the author identifies the traits inherent in the performing image of each pianist. The nuances of the versions that affect the formation of the characters of the images are traced. The article shows the correspondence of interpretations to the composer's intention, expressed, in particular, in the author’s remarks, in spite of the obvious differences in performing styles. The author concludes that, despite the abundance of the author’s remakes left by the composer, the «corridor» that exists to interpret the composition is wide enough to express the individual performing style of any pianist.
СОВРЕМЕННЫЙ ПОДХОД К АНАЛИЗУ ТЕМПОВОЙ ДИНАМИКИ ПЕСЕННЫХ ОБРАЗЦОВ (НА ПРИМЕРЕ НИЖЕГОРОДСКОГО ФОЛЬКЛОРА)
Authors: Харлов А.В. 
Published: December 2024

В статье рассматривается современный подход к изучению темповой динамики фольклорных образцов, затронуты технические аспекты создания темповой карты как объекта графической визуализации ритмической системы песенных традиционных жанров. Затронуты причины востребованности подобного современного технического решения в процессе аутентичной репрезентации песенных вариантов, приведены конкретные примеры повествовательного и лирического жанров, зафиксированных автором статьи на рубеже XX–XXI веков на территории Нижегородской области. Проанализирована зависимость темповых корреляций внутри строф и степени сохранности традиционной певческой стилистики. Предложен вариант создания графика темповой карты в современном звуковом редакторе Cubase 10 Pro, как наиболее понятный для музыкантов, занимающихся аутентичной репрезентацией песенных фольклорных образцов. Выявлены алгоритмы воздействия темповых колебаний на организм человека на примере колыбельной песни. Рассмотрена возможность переноса оригинальной темповой карты фольклорного образца в проект с электронными музыкальными инструментами, что позволяет предположить одинаковую степень воздействия темповых колебаний на психику человека как голоса респондента, так и отдельных инструментов в сессии Cubase 10 Pro.
The article deals with the modern approach to the study of the tempo dynamics of folklore samples, touches on the technical aspects of creating a tempo map as an object of graphic visualization of the rhythmic system of traditional song genres. It tackles the reasons for the demand of such a modern technical solution in the process of authentic representation of the song choices, gives specific examples of narrative and lyric genres, recorded by the author at the turn of 20–21 centuries in the territory of the Nizhny Novgorod region. It analyzes the dependence of the tempo correlations within the stanzas and the degree of preservation of the traditional singing style. A variant of creating a tempo map graph in the modern sound editor Cubase 10 Pro is proposed, as the most understandable for musicians engaged in the authentic representation of folk song samples. The author reveals the algorithms of the impact of tempo fluctuations on the human body on the example of a lullaby. The article also considers the possibility of transferring the original tempo map of the folklore sample to a project with electronic musical instruments, which suggests the same degree of influence of tempo fluctuations on the human psyche as the respondent's voice and individual instruments in the Cubase 10 Pro session.
ЛЕЙТМОТИВНАЯ СИСТЕМА В БАЛЕТЕ «КРАСНЫЙ ЖЕНСКИЙ ОТРЯД»
Authors: Чень С. 
Published: December 2024

В статье рассматриваются функции и выразительные возможности лейтмотивов историко-революционного балета «Красный женский отряд», основанного на реальных событиях. В балет включена песня, звучавшая ранее в одноименном художественном фильме. Поскольку песня проводится в балете неоднократно, чередуясь с другими темами, она становится рефреном, внося в структуру балета черты рондальности. Лейттемой женского Отряда является первая часть данной песни. Она выполняет функцию интонационного источника, порождая тематизм причастных к Отряду людей и событий: их внутреннее духовное единство отражается в интонационном родстве их лейтмотивов. Принципиально иное строение имеет лейтмотив угнетателей. Его чужеродность проявляется в конфликтных столкновениях с тематизмом участников Отряда, порождая динамичные разделы балета, по строению подобные разработке сонатной формы. В период культурной революции, когда в Китае была запрещена европейская музыка, балет «Красный женский отряд» творчески воплотил европейские традиции, в числе которых — стройная лейтмотивная система, создавшая яркие образы главных героев и являющаяся основой сквозного симфонического развития. Пронизывая музыкальную ткань, лейтмотивы способствуют единству стиля балета, созданного большим коллективом талантливых композиторов
The article discusses the functions and expressive possibilities of the leitmotives of the historical-revolutionary ballet «The Red Women's Detachment», based on real events. The ballet includes a song that was previously heard in the feature film of the same name. Since the song is performed repeatedly in the ballet, alternating with other themes, it becomes a refrain, introducing features of rondality into the structure of the ballet. The main theme of the women's Detachment is the first part of this song. It serves as an intonation source, giving rise to the thematism of the people and events involved in the Detachment: their inner spiritual unity is reflected in the intonation kinship of their leitmotives. The leitmotif of the oppressors has a fundamentally different structure. Its alienness manifests itself in conflict clashes with the thematism of the members of the Detachment, giving rise to dynamic sections of the ballet, similar in structure to the development of the sonata form. During the Cultural Revolution, when European music was banned in China, the ballet «The Red Women's Detachment» creatively embodied European traditions, including a harmonious leitmotif system that created vivid images of the main characters and is the basis of a cross-cutting symphonic development. Penetrating the musical fabric, the leitmotives contribute to the unity of the ballet style created by a large team of talented composers.
ТРАДИЦИИ ПЕКИНСКОЙ ОПЕРЫ В ЦИКЛЕ НИ ХУНЦЗИНЬ «ЧЕТЫРЕ ФОРТЕПИАННЫХ ЭТЮДА ЦЮЙПАЙ»
Authors: Чжан Ц. , Кром А.Е. 
Published: December 2024

Статья посвящена особенностям преломления традиций Пекинской оперы в цикле «Четыре фортепианных этюда цюйпай» современной китайской пианистки, преподавателя и композитора Ни Хунцзинь (1935). Созданное на излете культурной революции (1975–1976), это сочинение инициировало взаимодействие национальной оперной и западной инструментальной традиций в китайской фортепианной музыке. На основе собственного исполнительского опыта Ни Хунцзинь удалось успешно решить инструктивные задачи, обусловленные избранным жанром этюда, и заметно обогатить юношеский репертуар. Кроме того, автор наполнил свои пьесы многочисленными аллюзиями на театральное искусство Китая. Черты Пекинской оперы проявили себя на разных уровнях: сюжетном (обращение к наиболее известным образцам жанра), драматургическом (ассоциации с типичными амплуа — масками шэн, дань, чоу), хореографическом (сценическая пластика актеров), вокальном (характер напевов цяндяо — сипи, эрхуан, сыпиндяо), ладовом (пятиступенные лады и система их взаимодействия друг с другом), мелодическом (популярные инструментальные пьесы цюйпай), метроритмическом (метро-темп яобань), тембровом (подражание характерным инструментам ансамбля Пекинской оперы — хуцинь, баньгу). Таким образом, цикл Ни Хунцзинь «Четыре фортепианных этюда цюйпай» не только способствует усовершенствованию технической подготовки учащихся, но также обладает несомненной художественной ценностью, основанной на творческом преломлении традиций Пекинской оперы.
The article is devoted to the peculiarities of the refraction of the traditions of the Peking Opera in the cycle «Four Qupai Piano Etudes» by the modern Chinese pianist, teacher and composer Ni Hongjin (1935). Composed at the end of the Cultural Revolution (1975–1976), this work initiated the further interaction of the national opera and Western instrumental traditions in Chinese piano music. On the basis of his own performing experience, Ni Hongjin managed to successfully solve the instructive tasks caused by the chosen genre of etude and enrich the youth repertoire. In addition, the author has filled his pieces with numerous allusions to the performing arts in China. The features of the Peking Opera manifested themselves at different levels: story (referring to the most famous examples of the genre), dramaturgy (associations with typical theatrical character of sheng, dan, chou), choreography (stage plastic), vocal (the character of qiangdiao tunes — xipi, erhuang, sipingdiao) , mood (pentatonic), melody (popular instrumental pieces qupai), metro-rhythm (metro-tempo yaoban), timbre (imitation of the characteristic instruments of the Peking Opera ensemble — huqin, bangu). Thus, the Ni Hongjin cycle «Four Qupai Piano Etudes» not only contributes to the improvement of technical training, but also has an undeniable artistic value based on the creative refraction of the traditions of Peking Opera.
ЭВОЛЮЦИЯ КЛАВИШИ В АЛГОРИТМАХ АРТИКУЛЯЦИОННЫХ СРЕДСТВ АККОРДЕОНА
Authors: Кравцов Н.А. 
Published: December 2024

В статье показана эволюция форм клавиш, формировавшихся на различных исторических этапах развития клавишных музыкальных инструментов. Выявлены эргономические корни появления модификаций клавиш в различных типовых хроматических клавиатурах и их разновидностях. Впервые изучены в поле эргономической системы человек-машина функциональные свойства клавиш, обоснованы и определены их оптимальные формы в различных типах хроматических клавиатур аккордеона. На основе исследования найдены новые формы клавиш, существенно расширяющие контуры звуковой парадигмы инструмента. Решение, обеспечивающее доступ к нереализованным акустическим свойствам, лежит в опыте применения в русле многолетней эксплуатации аккордеона с клавиатурой системы Кравцова, где успешно функционировали форма клавиш в виде выпуклых многогранников и размещение рядов в одной плоскости. Заимствование апробированных идей из конструкции системы Кравцова в трёхрядные клавиатуры аккордеона обеспечивает инструменту полный комплект артикуляционных средств, создающих ему среди современных клавишных инструментов передовые позиции в современной музыкальной культуре.
The article shows the evolution of the forms of keys, which were formed at various historical stages of the development of keyboard musical instruments. The ergonomic roots of the appearance of key modifications in various typical chromatic keyboards and their varieties are revealed. For the fist time the functional properties of the keys were studied in the field of the human-machine ergonomic system, their optimal forms in various types of chromatic accordion keyboards were substantiated and determined. On the basis of the research, new forms of keys have been found that significantly expand the contours of the sound paradigm of the instrument. The solution that provides access to unrealized acoustic properties lies in the experience of using the Kravtsov system in line with the long-term operation of the accordion with the keyboard, where the shape of the keys in the form of convex polyhedrons and the arrangement of rows in the same plane successfully functioned. Borrowing proven ideas from the design of the Kravtsov system into three-row accordion keyboards provides the instrument with a full set of articulatory means, creating for it the leading positions in modern musical culture among modern keyboard instruments
ЖИВОЙ ГОЛОС НЕМОГО КИНО
Authors: Юдин А.Н. 
Published: December 2024

В предлагаемой статье рассматривается особая глава в истории концертмейстерского искусства. В 20-е годы прошлого столетия технический прогресс и социальные условия потребовали от пианистов овладения новой специализацией, напрямую несвязанной ни с одним из предшествующих периодов исполнительской истории. Появившийся и властно о себе заявивший новый вид искусства — кинематограф, будучи немым «от рождения», нуждался в живом звуковом оформлении. Такую задачу выполняли музыканты, для многих из которых подобная работа была лишь одним из этапов на пути становления и развития их дальнейшей творческой судьбы. Часто искусство «тапера» оказывалось единственным способом заработка. Тем не менее для некоторых только что появившаяся профессия стала делом жизни. Автор статьи рассказывает о некоторых из самых ярких музыкантов, творческая жизнь которых в самое разное время и на разный период становилась источником вдохновения, а также заработка в непростой период развития отечественной истории. Также анализу подвергаются сама суть и от- личительные особенности работы пианиста-концертмейстера в немом кино. Представляя собой как бы «боковую ветвь» в эволюции профессии, подобная специализация становится отдельной главой в истории исполнительства. Таким образом, представленный материал может быть использован в качестве основы для лекционного занятия в рамках учебного курса «История и теория концертмейстерского искусства».
The article discusses a special chapter in the history of the art of accompaniment. In the 1920s, progress of technology and social conditions required that piano performers master a new competence, which had no direct relation to any of the preceding periods in the history of performance. A new art, cinema, which had arisen and asserted itself, being dumb from birth, needed live sound support. This task was undertaken by musicians, for many of whom the job became a stage in their performing career. Sometimes the art of «tapeur» was only a way of earning money. Others made the brand new profession into a career. The article presents a number of the most outstanding musicians who found a source of inspiration or income in firm accompaniment during a complicated period of Russian history. Also, the essence and distinguishing characteristics of accompanist in silent cinema are analyzed. While an «offhoot» in the profession’s evolution, this competence forms a special chapter in the art of performance. The material in question may be used as a basis for a lecture in the teaching course «History and Theory of the Art of Accompaniment».
ПОП-АРТ КАК ИСТОРИЧЕСКИЙ ФЕНОМЕН
Authors: Афасижев М.Н. 
Published: December 2024

Статья посвящена определению логики возникновения в 1960-е годы поп-арта, ознаменовавшего важный этап эволюции модернизма. Автор выявляет социально-культурные истоки феномена «поп-арт», определяет внедренные художниками поп-арта основные методы эстетического познания реального мира. Специальное внимание уделяется идее «американской мечты», определившей основные направления истории поп-арта как одного из ведущих и влиятельных явлений в западной художественной жизни второй половины ХХ века. Показана зависимость поп-арта от запросов общества массового потребления с его культом товаров. Выявлена непосредственная зависимость поп-арта от утверждения рекламы, превратившейся в могучий побудительный фактор развития общества. Автор приходит к выводу о закономерности появления поп-арта, заново поставившего вопрос о границах искусства и не-искусства
The article is devoted to defiing the logic of the emergence of pop art in the 1960s, which marked an important stage in the evolution of modernism. The author reveals the socio-cultural origins of the phenomenon of «pop art», defies the main methods of aesthetic knowledge of the real world introduced by pop art artists. Special attention is paid to the idea of the «American Dream», which determined the main directions of the history of pop art as one of the leading and inflential phenomena in Western artistic life in the second half of the twentieth century. Shows the dependence of pop art on the needs of the consumer society with its cult of goods. Revealed the direct dependence of pop art on the approval of advertising, which has turned into a powerful incentive factor in the development of society. The author comes to the conclusion about the regularity of the emergence of pop art, which raised the question of the boundaries of art and non-art anew.