bluuebunny/crossref_metadata_2025_split huggingface dataset:
МУЗЫКА И ЕЕ КОММУНИКАТИВНЫЙ КОД В КУЛЬТУРЕ
Authors: Никитенко О.Б. 
Published: December 2024

Статья посвящена интерпретации музыки как автокоммуникативной системы. Рассматривая музыку и язык как части антропологического единства, две картины мира, дополнительные по отношению друг к другу, автор предлагает возвратиться к позициям формального описания музыки. В центр описания помещается аксиома автокоммуникативности музыки и ее носитель — Человек в его ипостаси Homo musicus. Персонаж и источник зазвучавшей музыки находится вне жестких границ языковой персонификации; поскольку нет оппозиции «Я — Другой» (Адресат — Адресант), нет и соответствующего самоопределения. Homo musicus уготован иной, чем в языке, способ самоосуществления: его речевая ипостась — ego— при переключении в музыку превращается в solo, покоящееся как вариант в недрах tutti, и коллективная координата музыки предоставляет soloколоссальные возможности самовыражения. Построение модели музыки как автокоммуникативной системы требует уточнения и определения компонентов, «необходимых и достаточных» для осуществления ее звучания, а также функций, возникающих в результате выделения определенного компонента. Компоненты акта музицирования позволят иначе взглянуть на привычные явления музыки: в статье представлен эскиз пяти производных функций музыки, в которых автор усматривает истоки ее жанрового оформления.
The article is devoted to the interpretation of music as autocommunication system. Considering music and language as parts of an anthropological unity, two pictures of the world that are complementary to each other, the author suggests returning to the positions of the formal description of music. In the center of the description is placed the axiom of au tocommunicativeness of music and its bearer — Man in his hypostasis Homo musicus. The character and source of the music being played is outside the rigid boundaries of linguistic personifiation; since there is no «I — Other» opposition (Addressee — Addressee), there is no corresponding self-determination. Homo musicus is prepared for a different way of self — realization than in language: its speech hypostasis — ego — when switched to music turns into solo, resting as a variant in the bowels of tutti, and the collective coordinate of music provides solo with enormous opportunities for self-expression. Building a model of music as an autocommunicative system requires clarifying and defiing the components that are «necessary and suffiient» for its sound, as well as the functions that arise as a result of selecting a certain component. The components of the act of making music will allow us to take a different look at the usual phenomena of music: the article presents a sketch of fie derivative functions of music, in which the author sees the origins of its genre design.
АЛЕАТОРИКА В ФОРТЕПИАННОЙ МУЗЫКЕ КИТАЙСКИХ КОМПОЗИТОРОВ РУБЕЖА XX–XXI ВЕКОВ
Authors: Чэнь Ш. 
Published: December 2024

С 1980-х годов многие китайские композиторы обращаются к авангардным техникам для воплощения актуальных идей своего времени. В фортепианном творчестве Ло Чжунжуна, Чэнь Минчжи, Яо Хэнлу, Чжао Сяошэна широко представлены композиции в серийной и сериальной техниках; неофольклорные тенденции наблюдаются в ранних произведениях для фортепиано Чэнь И, Чжоу Луна; ярко заявила о себе сонористика в творчестве Тан Дуна, Лян Лэя, Чэнь Сяоюна. В этом разнообразии направлений алеаторика нашла довольно скромное применение — в ряде фортепианных опусов Тан Дуна, Цао Гуанпина, Гао Пина, которые стали объектом рассмотрения в статье. Основной целью работы становится изучение особенностей использования алеаторных приемов в фортепианном творчестве китайских авторов. Одна из задач работы — выявить различные виды алеаторики и проанализировать часто используемые. Наибольшее распространение получила ограниченная алеаторика, которая рассматривается в статье на примере произведений Гао Пина, Тан Дуна. Детально изучается значение символов в графической партитуре произведения «Нюйва» Цао Гуанпина. На примере сравнения исполнений Р. ван Раата и А. Тониутти выявляется национальная специфика в интерпретации алеаторных произведений китайских композиторов.
Since the 1980s, many Chinese composers have turned to avant-garde techniques to bring contemporary ideas to life. In the piano works of Luo Zhongrong, Chen Mingzhi, Yao Henglu, Zhao Xiaosheng, compositions in series and serial techniques are widely represented; neo-folklore tendencies are observed in the early works for piano by Chen Yi, Zhou Long; sonoristics clearly manifested itself in the works of Tan Dun, Liang Lei, Chen Xiaoyong. In this variety of trends, aleatorics has found a rather modest application — in a number of piano opuses by Tan Dun, Cao Guangping, Gao Ping, which became the subject of this article. The main goal of а article is to study the peculiarities of using aleatory techniques in the piano creativity of Chinese authors. One of the tasks of the work is to identify various types of aleatorics and to analyze the frequently used ones. The most widespread is the limited aleatorics, which is considered in the article on the example of the works of Gao Ping, Tan Dun. The meaning of symbols in the graphic score of «Nvwa» by Cao Guangping is studied in detail. On the example of comparing the performances of R. van Raat and A. Toniutti, the national specificity in the interpretation of the aleatory works of Chinese composers is revealed.
ТЕМБРОВЫЕ ТРАДИЦИИ КИТАЙСКОГО АНСАМБЛЯ ГОНГОВ И БАРАБАНОВ В КОНЦЕРТЕ ДЛЯ УДАРНЫХ ИНСТРУМЕНТОВ ЧЭНЬ И
Authors: Лю С. 
Published: December 2024

Статья посвящена особенностям претворения национальных тембровых традиций китайского ансамбля гонгов и барабанов ши фань ло гу в Концерте для ударных инструментов современного китайско-американского композитора Чэнь И (1953). Авторский выбор инструментария, его тембровая интерпретация и манера звукоизвлечения позволяют провести параллели с древней ритуальной практикой буддийских церемоний и фольклорных обрядов. Китайский колорит древнего ансамбля ши фань ло гу наиболее ярко проявил себя в звучании национальных инструментов — гонгов, барабанов и тарелок. Кроме них, композитор опирается на группу деревянных ударных инструментов, которая изначально была неотъемлемой частью буддийских церемоний в Китае, сопровождала пение гимнов, мантр и чтение молитв в храме. Необычной чертой Концерта является использование человеческого голоса в качестве особой тембровой краски: исполнитель на ударных инструментах озвучивает текст стихотворения поэта династии Сун Су Ши «Мелодия для журчащей реки». Вокальная партия построена Чэнь И в соответствии с тоновой природой китайского языка, предполагающего мелодическое варьирование тонов при произнесении звуков. Таким образом, музыкант выполняет функцию актера, декламирующего стихотворные строки, что обогащает сочинение чертами инструментального театра. Таким образом, в Концерте для ударных инструментов Чэнь И многообразно и убедительно претворяет национальные традиции, опираясь на тембровые, поэтические и ритуальные пласты китайской культуры.
The article is devoted to the peculiarities of the implementation of national timbre traditions of the Chinese gongs and drums ensemble shi fan lo gu in the Percussion Concert of the modern Chinese-American composer Chen Yi (1953). The author’s choice of instrumentation, its timbre interpretation and manner of sound production make it possible to draw parallels with the ancient ritual practice of Buddhist ceremonies and folk rites. The Chinese flvor of the ancient ensemble shi fan lo gu most clearly manifested itself in the sound of national instruments — gongs, drums and cymbals. In addition to them, the composer relies on a group of wooden percussion instruments, which was originally an integral part of Buddhist ceremonies in China, accompanied by the singing of hymns, mantras and the recitation of prayers in the temple. An unusual feature of the Concert is the use of a human voice as a special color timbre: a percussion performer voices the text of the poem of the Song Dynasty poet Su Shi «Prelude to the Water Tune». The vocal part was constructed by Chen Yi in accordance with the tonal nature of the Chinese language, which implies a melodic variation in tones when pronouncing sounds. Thus, the musician performs the function of an actor reciting poetic lines, which enriches the composition with features of instrumental theater. Thus, in the Percussion Concert, Chen Yi variously and convincingly implements national traditions, relying on the timbre, poetic and ritual layers of Chinese culture.
МУЗЫКАЛЬНАЯ КУЛЬТУРА ГУАНЧЖОУ В ТРИО ЧЭНЬ И «МЕЛОДИИ МОЕГО ДОМА»
Authors: Лю С. 
Published: December 2024

Статья посвящена особенностям претворения национальных традиций Гуандуна (Кантона) в фортепианном трио «Мелодии моего дома» современного китайского композитора Чэнь И. Национальное начало воплощено в сочинении на разных уровнях: на уровне музыкального материала, заимствованного из сочинений композиторов Кантона и кантонской оперы юэцзюй, на уровне лада и на уровне тембра. В основу сочинения легли три произведения в жанре сяоцюй (маленькие пьесы), созданные выдающимися кантонскими композиторами в 1920-е годы: «Летний гром» Янь Лаоле, «Скачущие лошади» и «Гонки на лодке-драконе» Хэ Лутина. Все заимствованные Чэнь И мелодии связаны с традициями национальной ладовой организации. «Летний гром» опирается на звукоряд чжэнсянь, «Гонки на лодке-драконе» — на звукоряды чжэнсянь и ифань, в то время как тема «Скачущие лошади» строится в соответствии со звукорядом ифань. Важнейшим средством воплощения национального начала в музыке выступает работа с тембрами: европейские инструменты воспроизводят колорит кантонского ансамбля у цзяньтоу. Таким образом, композитор предлагает свое прочтение известных в Кантоне национальных мелодий, тонко стилизует их ладовые особенности, а также воссоздает неповторимый колорит гуандунского инструментария.
The article is devoted to the peculiarities of the implementation of national traditions of Guangdong (Canton) into the Piano Trio «Tunes from My Home» by the modern Chinese composer Chen Yi. The national principle is embodied in the composition at different levels: at the level of musical material borrowed from the compositions of the composers of Canton and the Cantonese opera yueju, mood level and timbre level. The composition is based on three xiaoqu (small pieces) works by prominent Cantonese composers in the 1920s: «Summer Thunder» by Yan Laolie, «Prancing Horses», «Racing the Dragon Boat» by He Liutang. All the melodies borrowed by Chen Yi are associated with the traditions of the national mood organization. «Summer Thunder» is based on the zhengxian scale, «Racing the Dragon Boat» on the zhengxian and yifan scales, while the «Prancing Horses» theme is based on the yifan scale. The most important means of embodying the national principle in music is working with timbres: European instruments reproduce the color of the Cantonese ensemble in wu jiantou. Thus, the composer offers his own reading of the national melodies known in Canton, subtly stylizes their mood features, and also recreates the unique flavor of the Guangdong instrumentation.
РУССКИЕ МУЗЫКАНТЫ В ШАНХАЙСКОМ ЦЕНТРЕ ВОСТОЧНОГО ИСКУССТВА
Authors: Сюй К. 
Published: December 2024

В статье исследуется роль русских музыкантов в «Концертах для жителей Шанхая», осуществляемых на базе Шанхайского центра восточного искусства. Цель работы — расширение представлений о роли российских музыкантов в культурной жизни современного Шанхая. В статье затрагивается история создания Шанхайского центра восточного искусства, приводятся факты, касающиеся организации «Концертов для жителей Шанхая». Главной миссией учредителей Центра было привлечение массового слушателя к посещению культурных мероприятий. Основное внимание в работе уделено опыту международного сотрудничества Шанхайского центра в концертном сезоне 2017–2019 годов с музыкантами-выпускниками Московской государственной консерватории им. П. И. Чайковского — Г. Чаидзе, Н. Писаревой, В. Грязновым, а также известным Квартетом им. А. П. Бородина. В статье анализируются программы выступлений русских артистов в Шанхае, отмечается их роль в культурно-просветительской деятельности Шанхайского центра восточного искусства, способствующая укреплению международного сотрудничества России и КНР.
The article traces the participation of Russian musicians in the programs « SHOAC citizens’concert», carried out on the basis of the Shanghai Oriental Art Center. The aim of the work is to expand the understanding of the role of Russian musicians in the cultural life of modern Chinese cities. The article touches upon the history of the creation of the Shanghai Oriental Art Center, provides interesting facts about the organization of the «SHOAC citizens’concert». The main mission of the founders of the Center was to attract a mass audience to attend cultural events. The main attention in the work is paid to the experience of international cooperation of the Shanghai Center in the 2017–2019 concert season with musicians graduated from the Moscow State Conservatory — G. Chaidze, N. Pisareva, V. Gryaznov, as well as the famous Quartet A. P. Borodin. The article analyzes the programs of performances of Russian artists in Shanghai, notes their role in the cultural and educational activities of the Shanghai Oriental Art Center, contributing to the strengthening of international cooperation between Russia and the PRC.
СЛУХ ПРОКОФЬЕВА КАК ФЕНОМЕН ЕГО БИОГРАФИИ
Authors: Сиднева Т.Б. 
Published: December 2024

Статья посвящена описанию одной из характерных особенностей мышления Сергея Прокофьева — специфике его композиторского слуха. Слух понимается в асафьевском смысле, как «опытная лаборатория» по выработке активного «вслушивающегося» и обобщающего сознания и «перевода» всего многообразия восприятияжизни «на язык интонаций» [2]. Целью статьи стало обсуждение скрытых связей жизненных и художественных впечатлений, которые зафиксированы в «Дневнике» композитора (1907–1933) и в дальнейшем нашли воплощение в сочинениях разных лет. На примере ряда дневниковых записей Прокофьева выявлен процесс прорастания интереса композитора к инфернальным образам и появления характерных эпизодов в опере «Огненный Ангел», «Любовь к трем апельсинам» и других сочинениях. Анализ «биографического» происхождения слуховых предпочтений композитора погружен в контекст размышлений о роли биографического метода (в современной его трактовке) в понимании творчества Сергея Прокофьева. Изучение биографического метода исследования дало автору статьи дополнительную аргументацию к возможности понимания слуха композитора как феномена его биографии.
The aim of the article is to describe one of the characteristic features of Sergei Prokofiv's thinking — the specifis of his composer's ear. Hearing is understood in the Asafiv sense as an «experimental laboratory» for the development of an active «listening» and generalizing consciousness and «translation» of the entire diversity of perception of life «to the language of intonation» [4]. The aim of the article was to discuss the hidden connections of life and artistic impressions, which are recorded in the composer's diary (1907–1933) and later were embodied in the works of diffrent years. On the example of a number of Prokofiv's diary entries, the process of the composer's growing interest in infernal images and the inclusion of characteristic episodes in the оpera «The Fiery angel», «Love for three oranges» and other works is revealed. The analysis of the composer's «biographical» origin of the auditory preferences is immersed in the context of reflctions on the role of the biographical method (in its modern interpretation) in understanding the work of Sergei Prokofiv. The study of the biographical method of research gave the author of the article an additional reasoning about the possibility of understanding the composer's hearing as a phenomenon of his biography.
О ТРЕХ ВЕНСКИХ ШКОЛАХ В ИСТОРИИ МУЗЫКИ
Authors: Векслер Ю.С. 
Published: December 2024

В статье рассматривается феномен венской школы в истории музыки начиная с XVIII и до конца XX века. Созданная в музыкальной историографии идеальная картина трех композиторских школ в Вене, включающая венскую классическую школу (Гайдн, Моцарт, Бетховен), новую венскою школу (Шёнберг, Берг, Веберн) и третью венскую школу (Лигети, Церха, Хаубеншток-Рамати), довольно противоречива, о чем свидетельствуют споры по поводу первой (классическая или доклассическая) и третьей школ (Хауэр или Церха). Вместе с тем такая концепция не лишена убедительности, что подтверждается также фактом преемственности и наследования традиции: три венские школы включают соответственно, трех классиков, трех модернистов и трех поставангардистов. Три названные школы решали разные задачи. У венских классиков это поиски в области формы, у нововенцев — структуры, у третьей венской школы — звучания и тембра. Шёнберг и его школа унаследовали традицию венских классиков: c созданием додекафонии Шёнберг вернулся к классическим формам и жанрам. Одно из его открытий, Klangfarbenmelodie, непосредственно предвосхищает поиски в сфере звучания третьей венской школы. В ее рамках со школой Шёнберга более всего связан Церха, который взял на себя задачу завершения оперы Берга «Лулу».
The article examines the phenomenon of the Viennese school in the history of music from the 18th to the end of the 20th century. Created in musical historiography, the ideal picture of the three schools of composition in Vienna, including the Viennese classical school (Haydn, Mozart, Beethoven), the new Viennese school (Schönberg, Berg, Webern) and the third Viennese school (Ligeti, Cercha, Haubenstock-Ramati), is rather controversial, as evidenced by the controversy over the first (classical or pre-classical) and third schools (Hauer, or Cerha). At the same time, this concept is not devoid of persuasiveness, which is also confirmed by the fact of continuity and inheritance of tradition: three Viennese schools include, respectively, three classics, three modernists and three post-avant-garde artists. The three named schools solved different problems. For the Viennese classics, this is a quest in the field of form, for the New Viennese — of structure, for the third Viennese school — of sound and timbre. Schönberg and his school inherited the tradition of the Viennese classics: with the creation of the dodecaphony, Schoenberg returned to classical forms and genres. One of his discoveries, Klangfarbenmelodie, directly anticipates the search for sound in the third Viennese school. Within its framework, Cerch is most closely associated with the Schönberg school, who undertook the task of completing Berg's opera «Lulu».
ТВОРЧЕСТВО БЕТХОВЕНА В РЕЦЕПЦИИ ГУСТАВА МАЛЕРА
Authors: Галкин А.А. 
Published: December 2024

Статья посвящена проблеме рецепции творчества Бетховена австрийским композитором и дирижером Густавом Малером. В ней освещаются различные аспекты данной проблемы: историческое значение Бетховена в представлении Густава Малера, оценка наследия композитора. Также рассматриваются роль и место различных сочинений Бетховена в биографии Малера-дирижера, очерчивается сфера его влияния на формирование творческих установок Малера-композитора. В статье приводится перечень сочинений Бетховена, составивших репертуар Малера-исполнителя, выступавшего не только в качестве дирижера, но и пианиста. Более пристальное внимание уделяется сценической судьбе оперы «Фиделио», в постановке которой Малер проявил себя как подлинный новатор. На материале воспоминаний современников в лице близких друзей, профессиональных критиков и соратников по цеху, в статье затрагивается проблема рецепции Малера-интерпретатора творчества Бетховена.
The article is devoted to the problem of reception of Beethoven's work by the Austrian composer and conductor Gustav Mahler. It highlights various aspects of this problem: the historical significance of Beethoven as imagined by Gustav Mahler, an assessment of the composer's heritage. The role and place of various works of Beethoven in the biography of Mahler-conductor are also considered, the sphere of his influence on the formation of the creative attitudes of Mahler-composer is outlined. The article contains a list of Beethoven's works that made up the repertoire of Mahler as a performer who acted not only as a conductor, but also as a pianist. More attention is paid to the stage fate of the opera Fidelio, in the production of which Mahler proved himself to be a true innovator. Based on the material of the memoirs of contemporaries represented by close friends, professional critics and colleagues in the workshop, the article touches on the problem of Mahler's reception as an interpreter of Beethoven's work.
ПРЕДПОСЫЛКИ ЗРЕЛОГО КОМПОЗИТОРСКОГО СТИЛЯ В «СЕМИ РАННИХ ПЕСНЯХ» БЕРГА
Authors: Скосырева А.В. 
Published: December 2024

Статья посвящена особенностям музыкального языка «Семи ранних песен» Берга, что является актуальным в условиях растущего интереса к произведениям композитора. Цель статьи — выявление процесса становления авторского стиля Берга, который позже проявится в его зрелых произведениях. Материалом исследования стали песни № 4 «Увенчанный снами» и № 7 «Летние дни». В статье рассматриваются причины обращения Берга к камерно-вокальному жанру, история создания цикла «Семь ранних песен», проведен анализ мотивной работы в песнях № 4 и № 7. Особенности музыкальной организации и образный мир «Песен» показывают разнонаправленные тенденции в творчестве композитора — отказ от «случайности» в выборе музыкального материала, экономию средств и рациональность с одной стороны, а с другой — романтическую эмоциональность и пластичность. В последующих своих работах Берг развил тенденции, которые проявились в цикле «Семь ранних песен». С одной стороны, в его произведениях отражены идеи нововенской школы. С другой стороны, сочинения Берга связаны с наследием европейской музыки. Синтез «традиционного» и «новаторского» в творчестве композитора послужил основой для развития некоторых музыкальных направлений в искусстве ХХ века.
This article is devoted to the peculiarities of the musical language of Berg's «Seven Early Songs», which is relevant in the context of the growing interest in the works of the composer. The purpose of the article is to identify the prerequisites of Berg's author's style, which would manifest itself in his mature works. As the material of the study, songs No. 4 «Crowned with Dreams» and No. 7 «Summer Days» are taken. The article discusses the reasons for Berg's appeal to the chamber vocal genre, the history of the creation of the cycle «Seven Early Songs», the analysis of the motive work in songs No. 4 and No. 7. The distinctive features of the musical organization and the imaginative world of «Songs» show multidirectional tendencies in the composer's work. On the one hand, it is a rejection of the «randomness» of the musical material, the parsimony and rationality, and on the other hand, it is a romantic emotionality and plasticity. In his subsequent works, Berg developed the tendencies manifested in the «Seven Early Songs» cycle. On the one hand, the music of his works reflects ideas that correspond to the «new music» of the Second Viennese school. On the other hand, Berg's works are associated with the heritage of European music. The synthesis of the «traditional» and «innovative» in the composer's work served as the basis for the development of some musical trends in the art of the 20th century.