bluuebunny/crossref_metadata_2025_split huggingface dataset:
Исполнительство на эрху и виолончели в системе китайского музыкального образования
Authors: Петрова А.М. , Александрова Л.В. , Чжоу В. 
Published: December 2024

Статья посвящена выявлению общих компонентов исполнительской техники при игре на китайском традиционном инструменте эрху и западноевропейской виолончели. Доказывается, что общность рассматриваемых приемов является определяющей для освоения двух типологически различных инструментов. Подобная взаимосвязь обусловлена самой исполнительской практикой, сложившейся и многократно апробированной в Китае на протяжении ХХ–XXI веков. Ее сущность заключается в концепции последовательного освоения струнных смычковых инструментов: на первом этапе обучения — это эрху, и только после — виолончель. Благодаря конструктивному подобию и сходству исполнительских приемов, переход с эрху на виолончель происходит спокойно и без потерь в технике. На примере пьесы «Эрцюань Ин Юе» («Отражение луны в источнике Эрцюань») Хуа Яньцзюнь (Абин), авторы исследуют и сравнивают исполнительские приемы игры на эрху и виолончели. Актуальность темы концентрируется на пересечении уникальности самой практики взаимодействия европейского и традиционного инструментария в контексте общности и непрерывности музыкального обучения, что является нетипичным опытом для российского музыкального образования, но характерным для китайского. В заключение изложены выводы о поэтапном формировании техники исполнителя при переходе с исполнения на эрху на обучение игре на виолончели.
The article is devoted to identifying common components of performing technique when playing the Chinese traditional instrument erhu and the Western European cello. It is proved that the commonality of the techniques under consideration is decisive for the development of two typologically different tools. Such a relationship is due to the performing practice itself, which has developed and been tested many times in China throughout the 20th and 21st centuries. Its essence lies in the concept of sequential mastery of stringed bowed instruments: at the first stage of training, it is the erhu, and only after that, the cello. Thanks to the constructive similarity and similarity of performing techniques, the transition from erhu to cello occurs calmly and without loss in technique. Using the example of the play “Erquan Ying Yue” (“Reflection of the Moon in the Erquan Spring”) by Hua Yanjun (Abin), the authors explore and compare performance techniques of playing the erhu and cello. The relevance of the topic focuses on the intersection of the uniqueness of the very practice of interaction between European and traditional instruments in the context of community and continuity of musical education, which is an atypical experience for Russian music education, but characteristic of Chinese. In conclusion, the conclusions about the gradual formation of the performer's technique during the transition from performing to erhu to learning to play the cello are presented.
Фортепианная транскрипция в китайской музыке 2000–2010-х годов: поиски жанровых контактов
Authors: Цюй Ва. 
Published: December 2024

Предлагаемая статья впервые представляет сочинения современных композиторов КНР, созданные уже в текущем веке в жанре фортепианной транскрипции. Именно они позволяют судить о ведущих тенденциях (как общих, так и частных) в китайской музыке последних десятилетий. Сам жанр демонстрирует широкую картину не только композиторской, но и исполнительской практики. Кроме того, сложившись и достигнув своей кульминации в рамках европейского романтизма, именно транскрипция обеспечивает и стимулирует сегодня многогранный диалог пианистического искусства Китая с богатыми романтическими традициями других стран. В качестве ведущей тенденции, характеризующей эволюцию фортепианной транскрипции в современной китайской музыке, мы рассматриваем наиболее эффективные опыты ее взаимодействия с другими музыкальными жанрами, в частности, сюитой и концертом для солирующего инструмента с оркестром. В статье представлены произведения китайских композиторов разных поколении: Чу Ванхуа, Чжу Цзяньэр, Хуан Анлун, Ма Шухао. Цель предлагаемой статьи — определение и демонстрация ведущих тенденции в эволюции жанра фортепианной транскрипции в период 2000–2010-х годов
The proposed article presents for the first time the works of contemporary composers of the People's Republic of China, created already in the current century in the genre of piano transcription. It is they who allow us to judge the leading trends (both general and particular) in Chinese music of the last decade. The genre itself demonstrates a broad picture of not only composing, but also performing practice. In addition, having developed and reached its culmination within the framework of European Romanticism, it is transcription that provides and stimulates today a multifaceted dialogue of the pianistic art of China with the rich romantic traditions of other countries. As a leading trend characterizing the evolution of piano transcription in modern Chinese music, we consider the most effective experiences of its interaction with other musical genres, in particular, the suite and concerto for solo instrument with orchestra. The article presents works by Chinese composers of different generations: Chu Wanhua, Zhu Jianer, Huang Anlong, Ma Shuhao. The purpose of the proposed article is to identify and demonstrate the leading trends in the evolution of the genre of piano transcription in the period of the 2000–2010s.
Литературные и музыкальные лики постиронии
Authors: Кожевникова В.А. 
Published: December 2024

Постирония в контексте современности представляет собой многоликое эстетическое явление. Интерпретация сущности постиронии способна трансформироваться в зависимости от социокультурной принадлежности реципиента, его художественного опыта. Определяющим же свойством феномена является некое промежуточное состояние между искренностью и иронией, причем, в каждом отдельном случае степень выраженности того или иного компонента может быть различной. Постирония как особая грань комического, предполагающая включение лирического компонента в ироническое высказывание, претерпевает множество трансформаций в художественном и научном сознании. Лишь частично закрепившееся в исследовательском пространстве, это определение уходит корнями в XX век и имеет смысловые параллели с такими литературными феноменами, как «противоирония» и «лирическая сатира». Сложность и многоликость постиронии как эстетического явления подтверждается, в частности, сквозным характером его бытования в литературе и музыке XX века. Хронологически и стилистически далекие явления — поэзия сатириконцев и литературный соц-арт, музыка Дмитрия Шостаковича и Леонида Десятникова, Бориса Гецелева и Сергея Беринского — оказываются близкими в своем художественном воздействии, благодаря специфическому сочетанию иронической отстраненности и лирико-субъективного взгляда автора.
Post-irony in the context of modernity is a multifaceted aesthetic phenomenon. Interpretation of the essence of post-irony is capable of transformation transformed depending on the sociocultural affiliation of the recipient and his artistic experience. The defining property of the phenomenon is a certain intermediate state between sincerity and irony, and in each individual case the degree of expression of one or another component may be different. Post-irony, as a special facet of the comic, which involves the inclusion of a lyrical component in an ironic statement, undergoes many transformations in artistic and scientific consciousness. Only partially established in the research space, this definition is rooted in the 20th century and has semantic parallels with such literary phenomena as «counter-irony» and «lyrical satire». The complexity and diversity of post-irony as an aesthetic phenomenon is confirmed, in particular, by the cross-cutting nature of its existence in the literature and music of the 20th century. Chronologically and stylistically distant phenomena — the poetry of satiricalists and literary social art, the music of Dmitry Shostakovich and Leonid Desyatnikov, Boris Getselev and Sergei Berinsky — turn out to be close in their artistic impact, thanks to the specific combination of ironic detachment and the lyrical-subjective view of the author.
Фестивали Элисо Вирсаладзе в Телави
Authors: Каприн А.Д. 
Published: December 2024

Статья посвящена Международному фестивалю камерной музыки «Дар Лозе» в Телави (Грузия), организатором и художественным руководителем которого явилась народная артистка СССР Элисо Вирсаладзе. Осмысливается роль в истории данного творческого мероприятия Олега Кагана и Натальи Гутман, также бывших в числе исполнителей в первые годы работы фестиваля. Поэтапно прослеживается история «Дар Лозе» с 1984 по 2022 гг. Анализируются программы фестиваля, включающие не только концерты, но и большое количество культурно-познавательных и просветительских мероприятий: мастер-классов, семинаров по критике, «Беседы о музыке». Ежегодно участниками фестиваля становятся всемирно известные музыканты, исполняющие произведения разных жанров и эпох — от барокко до XXI века. Все мероприятия неизменно проходят на высоком профессиональном уровне. Масштаб фестиваля, уровень исполнительского мастерства его участников, разнообразие мероприятий, его составляющих, сделали «Дар Лозе» важным для мировой музыкальной культуры, заметным «воспитательно-педагогическим» (определение Натана Перельмана) событием, территорией продуктивного сотворчества и крепкого содружества музыкантов разных стран.
The article is devoted to the International Chamber Music Festival “Dar Loze” in Telavi (Georgia), the organizer and artistic director of which was People’s Artist of the USSR Eliso Virsaladze. The role in the history of this creative event of Oleg Kagan and Natalia Gutman, who were also among the performers in the first years of the festival, is being comprehended. Gradually traces the history of “Dar Loze” from 1984 to 2022. The program of the festival, which includes not only concerts, but also a large number of cultural and educational events for the general public: workshops, seminars on criticism, “Talks about music”, is analyzed. Every year the participants of the festival become world-famous musicians performing works of different genres and eras — from the Baroque to the 21st century. All events are always held at a high professional level. The scale of the festival, the level of performing skills of its participants, the variety of events, its components, made “Dar Loze” important for the world music culture, noticeable “educational-pedagogical” (the definition of Nathan Perelman) event, territory of productive collaboration and community of musicians of different countries.
Эстетические взгляды китайско-французского композитора Чэнь Цигана
Authors: Ли Я. 
Published: December 2024

Статья посвящена философско-эстетическим взглядам выдающегося современного композитора Чэнь Цигана. Его представления об искусстве произрастают на почве китайской и французской культур. На основе документальных материалов (интервью и высказываний композитора в печати) в статье обсуждаются ключевые эстетические вопросы, волнующие музыканта: установление параллелей между органическим миром природы (процесс зарождения, становления, роста, цветения и неизбежного увядания) и миром музыкального произведения; феномен звука и его природного происхождения, предопределившего эволюцию мирового музыкального искусства; проблема рационального и эмоционального в содержании музыкального произведения, разрешаемая Чэнь Циганом в пользу приоритета эмоционального начала, часто выраженного в образах ностальгии, меланхолии, грусти, воспоминаний о прошлом, прощания; творчество как процесс самопознания; музыка как социокультурный феномен. Философско-эстетические взгляды композитора нашли отражение в его музыкальном творчестве, сочетающем китайские традиции (песенно-танцевальный фольклор, Пекинская опера) и французские влияния (в числе любимых композиторов — К. Дебюсси и О. Мессиан). Абсолютизация звука, исследование его изначальной обертоновой природы позволяют провести параллели со спектральной музыкой. Органичный синтез «своего» и «чужого» рассматривается в статье на примере концертов «Экстаз II», «Эрхуан», оркестровой сюиты «У син», фортепианной пьесы «Мгновения Пекинской оперы».
The article is devoted to the philosophical and aesthetic views of the outstanding contemporary composer Chen Qigang. His ideas about art grow on the soil of Chinese and French cultures. Based on documentary materials (interviews and statements of the composer in print), the article discusses the key aesthetic issues of concern to the musician: the establishment of parallels between the organic world of nature (the process of origin, formation, growth, flowering and inevitable withering) and the world of musical composition; the phenomenon of sound and its natural origin, which predetermined the evolution of world musical art; the problem of rational and emotional in the content of a musical work, solved by Chen Qigang in favor of the priority of the emotional beginning, often expressed in images of nostalgia, melancholy, sadness, memories of the past, farewell; creativity as a process of self-knowledge; music as a socio-cultural phenomenon. The composer's philosophical and aesthetic views are reflected in his musical creativity, combining Chinese traditions (song and dance folklore, Peking opera) and French influences (among his favorite composers are C. Debussy and O. Messiaen). The absolutization of sound, the study of its original overtone nature, allow us to draw parallels with spectral music. The organic synthesis of “one's own” and “someone else's” is considered in the article on the example of the concerts “Ecstasy II”, “Erhuang”, the orchestral suite “Wu Xing”, the piano piece “Moments of the Beijing Opera”.
Японская школа маримбы второй половины XX века: вехи развития
Authors: Цюй К. 
Published: December 2024

В центре внимания данной статьи – история развития японской школы маримбы во второй половине XX века. Высокий уровень исполнительского мастерства перкуссионистов, вклад японских мастеров в совершенствование инструмента, богатство репертуара (при отсутствии весомых исторических предпосылок культурного расцвета в послевоенное время) предопределили интерес к данной теме и ее актуальность. В статье представлена периодизация развития искусства маримбы в Японии, дан обзор таких его аспектов как исполнительство, изготовление инструментов, репертуар, система обучения (в сравнении с США) на разных исторических этапах. Автор приходит к выводу, что наиболее важными факторами, положительно повлиявшими на развитие искусства маримбы, стали рациональная культурная политика Японии в середине XX века, направленная на совершенствование начального музыкального образования, сильное культурное влияние США, а также вклад отдельных японских перкуссионистов в становление молодой школы маримбы – Эйити Асабуки, Кейко Абэ, Йошихиса Мизуно, Дзюнко Огава, Муцуко Танея, Митико Такахаси и др. Созданные благоприятные условия позволили Японии стать крупнейшим центром искусства маримбы, а японским композиторам и исполнителям добиться заслуженного признания на мировом уровне
The focus of this article is the history of development of the Japanese marimba school in the second half of the 20th century. The high level of performing skills of percussionists, the contribution of Japanese masters to the improvement of the instrument, the richness of the repertoire (in the absence of significant historical prerequisites for cultural flourishing in the post-war period) predetermined the interest in this topic and its relevance. The article presents a periodisation of the development of marimba art in Japan, gives an overview of such aspects as performance, instrument making, repertoire, and teaching system (in comparison with the USA) at different historical stages. The author concludes that the most important factors that positively influenced the development of marimba art were Japan's rational cultural policy in the middle of the 20th century aimed at improving primary music education, the strong cultural influence of the USA, and the contribution of individual Japanese percussionists to the formation of the young marimba school - Eiichi Asabuki, Keiko Abe, Yoshihisa Mizuno, Junko Ogawa, Mutsuko Taneya, Michiko Takahashi, and others. The favourable conditions created allowed Japan to become a major centre of marimba art, and Japanese composers and performers to achieve well-deserved recognition at the world level
Борис Гецелев в кругу композиторов-современников: к вопросу о диалектике «правых» и «левых»
Authors: Сиднева Т.Б. 
Published: December 2024

В статье «правое» и «левое» понимается в широком культурологическом смысле. Опираясь на диалектику «полярностей» – консервативного и радикального, традиционалистского и инновационного, общепризнанного и индивидуально-неповторимого, единого и различного, – автор статьи приходит к выводу, что для творческой личности взаимодействие оппозиций «правое» и «левое» создает пространство поиска и может стать ключом к пониманию уникальности его опыта. Для творчества Бориса Гецелева характерное пространство полярностей было значимым на протяжении всего композиторского пути. На основе анализа архивных документов показано, что с парадоксами «полярностей» композитор встречается уже в детстве и юности, в ситуации трудного выбора между музыкой, литературой, языками. Изучение различных свидетельств, содержащихся в его авторском портфеле (очерков, интервью, научных статей), позволило прийти к выводу о характерной для облика композитора открытости и чувствительности к различным влияниям и в то же время внутренней стабильности взглядов. В статье отмечается широкий круг общения Бориса Гецелева, подтверждающий актуальность дихотомии «правого» и «левого» и ставший для него основой самоопределения композиторского стиля, научной позиции, педагогического кредо и понимания музыки в целом
In the article "right" and "left" are understood in a broad cultural sense. Based on the dialectics of "polarities" - conservative and radical, traditionalist and innovative, universally recognized and individual and unique, unified and different - the author of the article determines that for a creative person the interaction of oppositions "right" and "left" creates a space of search and can become a key to understanding the uniqueness of his experience. The characteristic space of polarities was significant for Boris Getselev's creative work throughout his entire career as a composer. On the basis of the analysis of archival documents it is shown that the composer encountered the paradoxes of "polarities" already in his childhood and youth, in the situation of a difficult choice between music, literature and languages. The study of various evidences contained in his author's portfolio (essays, interviews, scientific articles) allowed us to come to a conclusion about the composer's characteristic openness and sensitivity to various influences and, at the same time, the inner stability of his views. The article points out the wide circle of Boris Getselev's socialization, which confirms the relevance of the dichotomy of "right" and "left" and became for him the basis for self-determination of his compo- sitional style, scientific position, pedagogical credo and understanding of music in general.
Первые годы существования Горьковской консерватории сквозь призму официальных документов
Authors: Артемьева Е.В. 
Published: December 2024

История Горьковской (ныне Нижегородской) государственной консерватории им. М. И. Глинки началась в октябре 1946 года. За 77 лет своего существования вуз достиг больших высот, став одним из значимых образовательных, культурно-просветительских, научно-музыкальных центров Поволжья. Анализ документов—в первую очередь, ежегодных официальных отчетов, переписки с ведомствами разного уровня, инструктивных писем и распоряжений — помогает сформировать представление о трудностях и положительных результатах начальных лет существования Горьковской консерватории. В документах нашли отражение особенности формирования штата сотрудников, в том числе и профессорско-преподавательского состава, информация статистического характера о первых наборах студентов, уровне их базовых музыкальных знаний, сложностях и путях преодоления материальных трудностей, связанных в том числе с ремонтом здания, закупкой музыкальных инструментов, формирования библиотечного фонда. В отчетах фиксировались не только результаты работы вуза, но и содержались предложения о стратегии развития музыкального образования в регионе в целом. Основные предложения строились вокруг идеи «музыкального комбината», основанной на принципе преемственности образования на всех уровнях: от музыкальной школы к среднему профессиональному, а затем вузовскому уровню
The history of Glinka Gorky (now Nizhny Novgorod) State Conservatoire began in October 1946. For 77 years of its existence the university has reached great heights, becoming one of the significant educational, cultural and educational, scientific and musical centers of the Volga region. The analysis of the documents — first of all, annual official reports, correspondence with different departments, letters of instruction and orders – helps to form an idea of the difficulties and positive results of the first years of the Gorky Conservatoire. The documents reflect the features of the formation of the staff, including professors and teachers, statistical information on the first sets of students, the level of their basic musical knowledge, Difficulties and ways of overcoming the material difficulties associated, inter alia, with the renovation of the building, the purchase of musical instruments, the formation of a library fund. The reports recorded not only the results of the university, but also contained proposals for a strategy for the development of music education in the region as a whole. The main proposals were built around the idea of «musical combine», based on the idea of continuity of education at all levels: from music school to secondary professional and then university level.
СТРАТЕГИИ СЕВЕРНОГО ОЛЕНЕВОДСТВА ГЫДАНА И ЯМАЛА: ОТ СОХРАНЕНИЯ К УСТОЙЧИВОМУ ТЕХНОЛОГИЧЕСКОМУ РАЗВИТИЮ
Authors: Деттер Г.Ф. 
Published: December 2024

Северное оленеводство Ямало-Ненецкого автономного округа составляет экономическую основу жизнедеятельности коренных малочисленных народов Севера, ведущих кочевой образ жизни, является необходимым элементом питания сельского населения, ресурсной основой предприятий по переработке продукции оленеводства. Вызовы последних лет выявили ряд острых проблем северного оленеводства и угроз для связанного с отраслью коренного населения, что обусловило проведение исследований, направленных на научное обеспечение разработки концепции и стратегии сохранения оленеводства в Тазовском и Ямальском районах региона. Проведенные исследования позволили разработать основные элементы (научно обоснованные положения) концепции тундрового оленеводства в Тазовском и Ямальском районах Ямало-Ненецкого автономного округа.
Reindeer husbandry of the Yamal-Nenets Autonomous District is the economic basis for the vital activities of the indigenous peoples of the North leading a nomadic way of life. It is an essential element of the nutrition of the rural population and the resource basis of enterprises for the processing of reindeer products. The challenges of recent years have revealed a number of acute problems of reindeer husbandry and threats to the indigenous peoples connected with the industry, which led to research aimed at providing scientific support for the development of the concept of reindeer preservation in Tazovsky and Yamalsky regions of the district. The research allowed developing the basic elements (scientifically-based provisions) of the concept of tundra reindeer husbandry in Tazovsky and Yamalsky regions of the Yamal-Nenets Autonomous District.