bluuebunny/crossref_metadata_2025_split huggingface dataset:
«Партия в бридж» Дж.К. Менотти и С. Барбера, или Несчастье по-американски
Authors: Кривцова А.С. 
Published: December 2024

Статья посвящена одному из немногих совместных проектов американских композиторов Дж. К. Менотти и С. Барбера в области музыкального театра. Камерная опера Партия в бридж (1959) интерпретируется как яркий пример отражения в этом жанре реалий американской действительности XX столетия. Нравственный облик персонажей раскрывается в процессе карточной игры. Такой игрой служит бридж распространенный в то время вид проведения досуга, призванный объединять людей, способствовать их общению. В таком случае почему именно эту игру выбрал Дж. К. Менотти (либреттист этого творческого тандема), чтобы показать человеческое несчастье.
The article is devoted to one of the few common projects of the American composers G. C. Menotti and S. Barber in a musical theater. The opera in one act The Hand of Bridge (1959) is interpreted as a vivid example of the 20th century American reality reflected in this genre. The moral portraits of the characters are evulgated in the process of the card game. Bridge serves as such a game a popular leisure activity at that time, intended to integrate people together and to work toward their communication. In that case, why did G. C. Menotti (the librettist of this creative tandem) choose this game to show human unhappiness
Творческое credo вьетнамского пианиста Данг Тхай Шона
Authors: Чжэн Л. 
Published: December 2024

В статье представлены основные события творческой биографии Данг Тхай Шона известного вьетнамского пианиста, выпускника Московской государственной консерватории им. П. И. Чайковского, победителя X Международного конкурса им. Ф. Шопена (1980), ныне профессора Университета Монреаля (Канада), Консерватории Оберлина (Огайо, США), Центра инноваций Китайской национальной школы музыки (Пекин, КНР), почетного профессора Центральной консерватории музыки (Пекин). Архивные материалы личных дел Данг Тхай Шонастудента и ассистентастажера с характеристиками его педагогов В. А. Натансона, Д. А. Башкирова, а также интервью с пианистом дают новые сведения о годах его обучения в СССР. Особое внимание в статье уделено музыкальноэстетическим взглядам Данг Тхай Шона, касающимся вопросов взаимодействия современных исполнительских школ Европы и Азии, уровня современного азиатского пианизма и обсуждения его болевых точек перевес техницизма перед художественной стороной исполнения, нивелирование эмоций под влиянием высоких технологий и др. Отдельные рекомендации мастерклассов Данг Тхай Шона в КНР дополняют творческий портрет его музыкальнопедагогическими представлениями.
The article presents the main events of the creative biography of Dang Thai Son the famous Vietnamese pianist, a graduate of the Tchaikovsky Moscow State Conservatory, winner of the X International F. Chopin Piano Competition (1980), now a professor at the University of Montreal (Canada), Oberlin Conservatory (Ohio, United States), Beijing Advanced Innovation Center for Chinese National School of Music (Beijing, China), honorary professor at the Central Conservatory of Music (Beijing). The archival materials of the personal files of Dang Thai Son a student and a 2 year postgraduate student with the characteristics of his teachers V. A. Natanson, D. A. Bashkirov, as well as interviews with the pianist give new information about the years of his training in the USSR. Special attention is paid to the musical and aesthetic views of Dang Thai Son concerning the interaction of modern performing schools in Europe and Asia, the level of modern Asian pianism and discussion of its pain points technical advantage at the expense of the artistic side of performance, emotional leveling under the influence of high technologies, etc. The separate recommendations of the Dang Thai Sons master classes in the PRC complement the creative portrait with his musical and pedagogical ideas.
«Дневники» Чэнь Сяоюна: особенности сонорной трактовки фортепиано
Authors: Чэнь Ш. 
Published: December 2024

В предлагаемой статье рассматриваются особенности сонорной трактовки фортепиано в циклах DIARY I (Дневник I), DIARY II (Дневник II) и DIARY III (Дневник III) немецкого композитора китайского происхождения Чэнь Сяоюна, ученика Дьёрдя Лигети. Отдельное внимание уделено представлению его эстетической концепции, сосредоточенной вокруг изучения скрытых возможностей звука. Важным ее пунктом является осознание феномена тишины в музыке, отсюда берет начало особая приверженность композитора к тихим нюансам. На примерах показана одна из особенностей стиля Чэнь Сяоюна работа с лапидарным звуковым материалом. В этих условиях большое значение приобретает использование приемов, расширяющих тембровые возможности рояля, зависающих кластерных созвучий, беззвучное нажатие клавиатуры, использование потенциала рояля как щипкового инструмента и пр. Кроме того, в статье отмечены особенности трактовки Чэнь Сяоюном ритма, соединяющего в рамках одной композиции тактометрическую и хронометрическую системы, динамики (использование выразительных возможностей тихих нюансов, полидинамики, эффектов эхо), регистров (сосредоточенность в пределах одного ограниченного диапазона).
The proposed article discusses the features of the sonorous interpretation of the piano in the cycles DIARY I, DIARY II and DIARY III by German composer of Chinese origin Chen Xiaoyong, a student of Gyrgy Ligeti. Special attention is paid to the presentation of his aesthetic concept, centered around the study of the hidden possibilities of sound. An important point of the creative concept of the composer is the awareness of the phenomenon of silence in music, hence the composers special passion for the lower threshold of the dynamic range. A number of examples show one of the features of the composers style working with lapidary sound material. Under these conditions, the use of techniques that expand the timbre capabilities of the piano, the hanging cluster consonances, the silent pressing of the keyboard, the use of the potential of the piano as a plucking instrument, etc., becomes very important. The features of the interpretation of the rhythm connecting the tactometric and chronometric systems in one composition are noted. The features of Chen Xiaoyuns interpretation of the rhythm, combining the tactometric and chronometric systems, the dynamics (using the expressive possibilities of quiet nuances, polydynamics, echo effects) registers (the concentration of the entire composition within one limited range) are noted.
Символические элементы и структуры в стиле tintinnabuli
Authors: Brauneiss L. 
Published: December 2024

The tintinnabuli achieves a high degree of neutral supraindividuality by organizing the supraindividual preexistent simple tonal material of triad in a similar supraindividual manner: a specific prearranged set of rules ensures the individuality as well as the variety of a single compostion within the selfmposed very limited conditions. This means however that the symbolic meaning of the music has to be incorporated in the structure. The scale itself is in universal understanding a symbol of the interconnection of a lower level with an upper level (earth and something beyond earth, either heaven above or underworld). Different presentations, elaborations, alterations and combinations of scales add further symbolic layers. By choosing in this way an individual meaningful structure the tintinnabuli style once again overcomes the dichotomy of structure and expression in a unique way.
Tintinnabuli достигает высокой степени сверхиндивидуальности, организуя сверхиндивидуальный ранее существовавший простой звуковой материал триады. Подобным сверхиндивидуальным образом специфический заранее составленный набор правил обеспечивает индивидуальность, а также разнообразие единой композиции в очень ограниченных условиях. Это означает, однако, что символическое значение музыки должно быть заключено в структуре. Сама ладовая система во всеобщем понимании является символом взаимосвязи низкого уровня с уровнем верхним (земля, подземный мир и нечто за пределами земли, небеса). Различные презентации, разработки, изменения и комбинации ладов сообщают музыке дополни тельные смыслы. Определяя индивидуально значимую структуру, стиль tintinnabuli снова преодолевает дихотомию структуры и символического содержания, сохраняя надиндивидуальную нейтральность.
Ф. МЕНДЕЛЬСОН И А. Г. РИТТЕР — ПЕРЕСЕЧЕНИЕ ОРГАННЫХ СУДЕБ
Authors: Бочкова Т.Р. 
Published: December 2024

В статье рассматриваются пересечения творческих судеб двух немецких композиторовсовременников Ф. Мендельсона и А. Г. Риттера с точки зрения музыкального контекста Германии XIX века. Они оба были крупными органистамивиртуозами и могли стать родоначальниками нового жанра в органной сфере романтической сонаты, но история оказалась более благосклонной к автору песен без слов. Обозначая разницу в развитии творческого пути Ф. Мендельсона и А. Г. Риттера, автор акцентирует внимание на схожих моментах формирования музыкантского потенциала композиторов. Бахианство важнейшая категория, которая определила единство подходов столь несхожих по художественному результату мастеров органной музыки той эпохи. Намечены важнейшие вехи в культурной жизни столичного Берлина и Эрфурта старинного университетского и музыкального центра Тюрингии, связанные с претворением баховских традиций, представлены наиболее значимые факты биографии и имена, благодаря которым органное творчество двух мастеров привело их к созданию жанра органной сонаты. Обозначены берлинская и эрфуртская ветви баховской музыкальной наследственности . Героями статьи, помимо Ф. Мендельсона и А. Г. Риттера стали музыканты, не избалованные вниманием отечественного музыкознания М. Г. Фишер, А. В. Бах, К. Ф. Цельтер, Г. Пельхау.
The article discusses the intersection of the creative destinies of two German composers F. Mendelssohn and A. G. Ritter in terms of the musical context of Germany in the 19th century. They were both great virtuoso organists and could become the founders of a new genre in the organ sphere the romantic sonata, but the story turned out to be more favorable to the songwriter without words. Denoting the difference in the development of the creative path of F. Mendelssohn and A. G. Ritter, the article emphasizes moments of community in the formation of their musical potential. Bachianism is the most important category that determined the unity of approaches of the masters of organ music of that era so dissimilar in the artistic result. The most important milestones in the cultural life of the capital city of Berlin and Erfurt, the ancient university and music center of Thuringia, related to the implementation of Bach traditions, are identifid, the most signifiant biography facts and names are presented, thanks to which the organ creativity of the two masters led them to create the genre of organ sonata. The Berlin and Erfurt branches of the Bach musical heredity are designated. In addition to F. Mendelssohn and A. G. Ritter, the heroes of the article were musicians who were not spoiled by the attention of Russian musicology M. G. Fisher, A. V. Bach, K. F. Zelter, G. Pelhau.
МУЗЫКА КОНЦЕНТРАЦИОННЫХ ЛАГЕРЕЙ ТРЕТЬЕГО РЕЙХА
Authors: Федусова А.А. 
Published: December 2024

В статье предложена новая классификация музыки Австрии и Германии 1930 1940х годов по принципу отношения к политической доктрине: официальная музыка, дегенеративная музыка композиторов ушедшихво внутреннюю эмиграцию , музыка немецких композиторов в эмиграции, музыка концентрационных лагерей. Если первые три пласта достаточно хорошо исследованы, то музыка концентрационных лагерей пока остаетсямалоизученной темой истории музыки. Актуальность работы в данном русле обусловлена тем, что она расширяетвзгляд на музыку Третьего Рейха, дает новое представление о механизмах ее функционирования. Цель настоящейстатьи рассмотреть функции музыки концентрационных лагерей в Третьем Рейхе. В работе представлена характеристика основных процессов перестройки музыкального сообщества в данный период: указаны критериисоотношения арийской и дегенеративной музыки, в виде схемы дается иерархия в сфере музыкального искусства Третьего Рейха. Выявляются функции музыки в концентрационных лагерях сохранение национальнойидентичности, развлечение, психологическое давление и унижение, пропаганда. Их сочетание парадоксально исвидетельствует о совершенно чуждом официальному искусству явлении, которое следует рассматривать как особый феномен истории музыки XX века.
The article proposes a new classifiation of the music of Austria and Germany in the 1930s 1940s according to the principle of political doctrine: offiial music, degenerative music of composers who left for internal emigration,music of German composers in emigration, music of concentration camps. If the fist three layers are well studied enough,the music of the concentration camps remains a poorly researched topic of music history. The relevance of work in thisdirection is due to the fact that it expands the view of the music of the Third Reich, gives a new idea of the mechanisms ofits functioning. The purpose of this article is to research the functions of music of concentration camps in the Third Reich. The article presents a description of the main processes of restructuring the musical community in that period: indicatesthe criteria for the correlation of Aryan and degenerative music provides a hierarchy in the sphere of musical art ofthe Third Reich in the form of a scheme. It also reveals the functions of music in concentration camps the preservationof national identity, entertainment, psychological pressure and humiliation, propaganda. Their combination is paradoxicaland testifis to a phenomenon completely alien to the offiial art, which should be considered as a special fact in the historyof music of the XXth century
К ПРОБЛЕМЕ ВЕРТИКАЛЬНОГО ВРЕМЕНИ В ТВОРЧЕСТВЕ СОФИИ ГУБАЙДУЛИНОЙ
Authors: Москвина О.А. 
Published: December 2024

В статье вводится понятие вертикального времени, занимающего не последнее место в системе философскорелигиозных взглядов композитора. Феномен вертикального (пространственного) времяисчисления в творчестве Губайдулиной напрямую связан с проблемой цикличности. Циклообразование зачастую несетв себе вертикальный смысл, что связано с главенством всеобъемлющей религиозной идеи, одной из ключевых для композитора. Пересечение времен, временная инверсия следствие вертикального взгляда на мир. Вертикальное время подразумевает, что хронология написания сочинений и положение их в цикле могут несовпадать. Именно в вертикальном ракурсе кажется возможным и логичным, чтобы хронологически болееранний опус обрел статус финала ( DettoII , замыкающий и концертную триаду, и так называемую инструментальную пятичастную мессу). В исполнительской практике все сочинения макроцикла ( Introitus Ступени Аллилуйя Offertorium DettoII ) вряд ли могут прозвучать в реальном времени, в условиях одногоконцерта, поэтому вертикальное их измерение следует считать более точным. Учитывая неослабевающуютворческую активность композитора, возможно, следует ждать пополнения в рамках открытого макроцикла. Безошибочное губайдулинское чувство времени, существующее как бы вне логики, по ту сторону физического, плоскостного его измерения, уже продлило сакральный сверхцикл, вписав в него концерты Дветропы и И: Празднество в разгаре .
The article introduces the concept of vertical time, which occupies not the last place in the system of philosophicaland religious views of the composer. The phenomenon of vertical (spatial) time calculus in the works of Gubaidulina isdirectly related to the problem of cyclicity. Cycling often carries a vertical meaning, which is associated with the primacyof a comprehensive religious idea, one of the key ones for the composer. The intersection of time, temporary inversion isthe result of a vertical view of the world. Vertical time implies that the chronology of writing works and their positionin the cycle may not coincide. It is from a vertical perspective that makes it possible and logical that a chronologicallyearlier opus has acquired the status of a fiale (DettoII, closing the concert triad, and the socalled instrumentalfiepart mass). In performing practice, all the compositions of the macrocycle (IntroitusStepsHallelujahOffertoriumDettoII) are unlikely to sound in real time, in a single concert, therefore their vertical measurementshould be considered more accurately. Taking into account the relentless creative activity of the composer, perhaps weshould wait for replenishment within the framework of an open macrocycle. The unmistakable Gubaydulinas sense of time, which exists, so to say, outside of logic, on the other side of its physical, planar dimension, has already extendedthe sacred supercycle by including into it the concerts Two Paths and I: Celebration in full swing.
РУССКАЯ ПОЭЗИЯ XVIII ВЕКА В ВОКАЛЬНОЙ ЛИРИКЕ ТАТЬЯНЫ СЕРГЕЕВОЙ
Authors: Зароднюк О.М. 
Published: December 2024

В статье представлены вокальные сочинения московского композитора Татьяны Сергеевой на стихи поэтов XVIII века В. Тредиаковского, А. Сумарокова, И. Елагина. Вокальные опусы Т. Сергеевой представляют собой редкий пример обращения к поэтам ломоносовской плеяды, стихи которых практически исчезли из музыкальной практики. Для работы со столь своеобразными текстами композитор находит целый ряд нестандартных композиторских решений. В качестве жанрового обозначения выбрана ария, трактовка которой далеко уходит от оперных прототипов. Т. Сергеева смело изменяет текст первоисточника, желая выстроить собственную логику формы и, вместе с тем, избежать употребления устаревших слов. Она применяет повторы, перестановки, отказ от какойлибо части текста и, наоборот добавление слов, несуществующих в оригинале. В организации музыкальной ткани широко используется принцип многоплановой асимметрии , привносящий желаемую свободу в строгую силлабическую систему. Логика несовпадения вокальной и инструментальной формы становится определяющей в построении каждой миниатюры, выстраивая новый тип взаимосвязи между исполнителями. Неожиданные выразительные эффекты, присутствующие в вокальной и инструментальной партиях, придают сочинениям Т. Сергеевой яркость и оригинальность.
The article presents the vocal compositions of the Moscow composer Tatyana Sergeeva to the verses of poets of the XVIII century V. Trediakovsky, A. Sumarokov, I. Elagin. The vocal opuses of T. Sergeeva are a rare example of an appeal to the poets of the Lomonosov pleiad, whose verses have practically disappeared from musical practice. For working with such peculiar texts, the composer fids a number of nonstandard composing solutions. An aria was chosen as a genre designation, the interpretation of which goes far from opera prototypes. T. Sergeeva boldly changes the text of the original source, aiming to build her own logic of form and, at the same time, avoid using obsolete words. It applies repetitions, permutations, rejection of any part of the text and, conversely, addition of words that do not exist in the original. The principle of multifaceted asymmetry is widely used in the organization of musical fabric, which brings the desired freedom to a strict syllabic system. The logic of the discrepancy between the vocal and instrumental forms becomes decisive in the construction of each miniature, building a new type of relationship between performers. Unexpected expressive effects, which are present in the vocal and instrumental parts give T. Sergeevas compositions brilliance and originality.
ПРЕТВОРЕНИЕ ЭПИЧЕСКОГО НАЧАЛА В МУЗЫКЕ ДЛЯ ГУСЛЕЙ АЛЕКСЕЯ ЛАРИНА
Authors: Волков Д.В. 
Published: December 2024

Актуальность темы работы обусловлена возрождением интереса в современном российском обществе к древнему музыкальному инструменту гуслям. Об этом свидетельствуют и открытие в последние десятилетия классов гуслей звончатых в средних специальных и высших музыкальных учебных заведениях, и создание значительного количества произведений для данного инструмента. Среди них Легенда московского композитора Алексея Львовича Ларина, которая стала одним из репертуарных сочинений для гуслей звончатых, воплощающих характерный для данного инструмента эпический тип драматургии. Цель работы выявить особенности воплощения эпического начала в музыке для гуслей в творчестве А. Л. Ларина. Изучив описание игры на гуслях в былинах, сказках, эпических поэмах, автор выявил специфические особенности жанра легенды в целом. Рассмотрены драматургия и композиция, проанализированы мелодика, фактура, гусельные исполнительские приемы в произведении Легенда А. Л. Ларина. Изучив особенности стиля произведения, автор статьи пришел к выводу, что Легенда для гуслей звончатых, это не стилизация жанра как стремление раствориться в стиле чужой эпохи, а индивидуальное выражение представлений об этом жанре художника, имеющего иные эстетические ориентиры и иной арсенал средств музыкальной выразительности, в чем воплощается одна из ведущих тенденций современной академической музыки
The relevance of the theme of the article is due to the revival of interest in the modern Russian musical instrument the gusli. This is evidenced by the opening of the gusli classes in secondary specialized and higher musical educational institutions, as well as creation of a signifiant number of works for this instrument. Among them is The Legend of Moscow composer Aleksei Lvovich Larin, which has become one of the repertoire pieces of music for the voiced gusli, embodying the epic type of dramaturgy characteristic of this instrument. The purpose of the work is to identify the features of the epic principle in music of A. L. Larin. Having studied the description of playing the gusli in the genres of fairy tales, epic poems, the author revealed the specifi features of the genre of legend as a whole. Special attention is paid to considering the dramaturgy and composition and analysing the melodics, the texture, the performing techniques in the piece of music Legend by A. L. Larin. After analyzing the features of the style of the composition, the author of the article came to the conclusion that Legend for the voiced gusli is not a genre stylization as the desire to dissolve in the style of an unfamiliar epoch, but the individual expression of the artists notion about this genre, that embodies one of the leading trends in modern academic music.