bluuebunny/crossref_metadata_2025_split huggingface dataset:
Претворение народных традиций в творчестве китайского композитора Ван Лисана на примере Сонатины для фортепиано
Authors: Чжао Ц. , Брагина Н.Н. 
Published: December 2024

В статье рассматривается одно из известных фортепианных сочинений Ван Лисана — Сонатины, созданной им в ранний период творчества. Образная самобытность и техническая оригинальность произведения демонстрируют уникальный опыт работы Ван Лисана с фольклорным материалом и особенности претворения национальных традиций через звуковую палитру и технические возможности фортепиано. Авторами был осуществлен комплексный анализ Сонатины Ван Лисана, включающий изучение каждой части произведения с точки зрения интонационного, тонального и гармонического плана, образной выразительности и драматической составляющей. На основе проведенного анализа авторам удалось выявить системные связи фортепианной музыки Ван Лисана с национальными и европейскими музыкальными стилями. В результате авторы пришли к выводу, что своеобразие фортепианного творчества композитора заключается в глубоком и многогранном раскрытии национальных традиций, китайского фольклора. Композитор использует европейские жанры и современные (для Китая того времени) композиторские техники, привнося индивидуальные черты с помощью интонационно-тематического материала, китайских национальных ладогармонических особенностей и образной специфики.
The article deals with one of the famous piano compositions of Wang Lisan — Sonatina, created by him in the early period of creativity. The figurative originality and technical originality of the work demonstrate Wang Lisan's unique experience of working with folklore material and the peculiarities of the implementation of national traditions through the sound palette and the technical capabilities of the piano. The authors carried out a comprehensive analysis of Wang Lisan's Sonatina, including the study of each part of the work from the point of view of intonation, tonal and harmonic plan, figurative expressiveness and dramatic component. Based on the analysis, the authors were able to identify the systemic connections of Wang Lisan's piano music with national and European musical styles. As a result, the authors came to the conclusion that the originality of the composer's piano creativity lies in the deep and multifaceted disclosure of national traditions, Chinese folklore. The composer uses European genres and modern.
Сэмюэл Пипс — английский меломан
Authors: Петри Э.К. 
Published: December 2024

В предлагаемом исследовании рассматривается литературный памятник XVII века — «Дневник Сэмюэла Пипса» — в ракурсе музыкальных занятий автора дневника. Приверженность Пипса музицированию и разнообразие его музыкальных интересов позволяют считать этого английского вельможу меломаном. В статье делается попытка «озвучить» дневник, чтобы получить более полное представление об увлечениях меломана столь далеких времен. Приводятся нотные примеры пьес из репертуара Пипса, анализируются его отзывы о композиторах, исполнителях, музыкальных стилях; впечатление, которое производит на него театр; характеризуются теоретические труды о музыке, занимавшие ум Пипса; дается информация о музыкальном контексте его времени. Контекст оказался богатым и охватывающим все слои населения, традиция эта сложилась еще в елизаветинскую эпоху. Автор статьи приходит к выводу, что существует некоторое типологическое сходство в занятиях музыкой дилетантов разных времен, например, недостаточно критическое отношение к результатам своей деятельности и опора в занятиях на гедонистическую функцию музыки. Среди отличий по отношению к современности отмечается стремление любителей XVII столетия к практическим занятиям музыкой (а не пассивному слушанию).
The proposed study examines the literary monument of the 17th century — "The Diary of Samuel Peeps" — from the perspective of the attitude of the author of the diary to music. Commitment to music-making and a variety of musical interests allow us to consider this English nobleman a music lover. The article attempts to "voice" the diary in order to get a more complete picture of the music lover's hobbies of such distant times. Musical examples of pieces from Pips's repertoire are given, his reviews about composers, performers, musical styles are analyzed; the impression the theater makes on him; the theoretical works on music that occupied the mind of Pips are characterized; information about the musical context of his time is given. The context turned out to be rich and embracing all segments of the population, this tradition has developed back in the Elizabethan era. The author of the article comes to the conclusion that there is some typological similarity in the music lessons of amateurs of different times, for example, an insufficiently critical attitude towards the results of their activities and reliance in classes on the hedonistic function of music. Among the differences in relation to modernity, the desire of fans of the 17th century to engage in practical music (and not passive listening) is noted.
«Вечерний полет», или музыкальные лики соц-арта
Authors: Левая Т.Н. 
Published: December 2024

Статья посвящена вокальному циклу Бориса Гецелева «Вечерний полет», созданному в 2001 году. Произведение написано на стихи поэта Игоря Иртеньева, к поэзии которого композитор испытывал немалый интерес и к которому не раз обращался в своем творчестве. Как и стихи Иртеньева, цикл Гецелева вписывается в ситуацию соц-арта, характерную для постсоветского периода отечественной культуры. Возникший еще в 1970-е годы, а расцветший в годы «перестройки», соц-арт являл собой обыгрывание характерных образцов советской иконографии. Первичной моделью для него являлся соцреализм — официальный стиль советской эпохи. В статье раскрывается специфические отличия соц-арта от соцреализма: иронический взгляд взамен взгляда серьезного, установка на интерпретацию модели и принцип диалога взамен монологического высказывания. Затрагивается также вопрос хронологических рамок соц-арта: хотя его черты заметны уже у позднего Шостаковича («Антиформалистический раек», вокальный цикл из журнала «Крокодил»), кульминационными в его развитии стали 1990 годы. В статье приводятся примеры музыкального соц-арта, среди которых немалое место занимают вокальные циклы на стихи отечественных поэтов-постмодернистов. Среди них — и «Вечерний полет» Б. Гецелева. Автор касается таких примет данного опуса, как техника «реди-мейдов» и цитирование, игра с советскими культурными мифами, миф о Чайковском, жанровые прообразы песен.
The article is devoted to Boris Getselev's vocal cycle “Evening Flight”, created in 2001. The work was written to the verses of the poet Igor Irtenev, to whose poetry the composer had considerable interest and to whom he repeatedly turned in his work. Like Irteniev's poems, Getselev's cycle fits into the situation of Sots Art, characteristic of the post-Soviet period of Russian culture. Originating back in the 1970s and flourishing during the years of “perestroika”, Sots Art was a play on typical examples of Soviet iconography. The primary model for him was socialist realism, the official style of the Soviet era. The article reveals the specific differences between Sots Art and Socialist Realism: an ironic look instead of a serious look, an attitude towards the interpretation of the model and the principle of dialogue instead of a monologue statement. The issue of the chronological framework of Sots Art is also touched upon: although its features are already noticeable in the late Shostakovich (“Anti-Formalist Paradise”, a vocal cycle from the magazine “Crocodile”), the 1990s became the climax in its development. The article provides examples of musical Sots Art, among which a considerable place is occupied by vocal cycles based on poems by Russian postmodernist poets. Among them — and “Evening flight” B. Getselev. The author touches upon such signs of this opus as the technique of “ready-mades” and quoting, playing with Soviet cultural myths, the myth of Tchaikovsky, genre prototypes of songs.
Сергей Слонимский: нравственная доминанта творчества
Authors: Праздников Г.А. 
Published: December 2024

В статье рассматривается творчество отечественного композитора Сергея Михайловича Слонимского (1932–2020) сквозь призму его личностных нравственных ориентиров. О сущности своей музыки Сергей Михайлович говорил кратко: «Она преимущественно гуманитарна». Раскрывая смысл этого утверждения, автор статьи подчеркивает такие особенности творчества Слонимского, как отсутствие стилизации и всякого театрального перевоплощения, противостояние «индивидуального и банального», «личности и толпы», «идеала» и «пошлой реальности», сохраняющийся вопреки веяниям времени историзм. Последнее обусловило большое внимание автора к тому, как относится Слонимский к музыке прошлого — романтизму, григорианскому хоралу, художникам мировой величины — Листу, Чайковскому и др. Мир духа для Слонимского шире и важнее мира музыки, что подтверждают высказывания музыканта о тождестве художественной и человеческой совести, о свободе и ответственности. Обозревая отдельные эпизоды биографии Слонимского, автор прослеживает важнейшие черты его личности — дух свободолюбия, твердое достоинство художника, принципиальность, нередко жесткая прямота в выражении этической позиции, нравственная открытость, вера в справедливость и правду при сохранении высоких требований к себе. Автор проясняет позицию Слонимского по вопросу зависимости простоты или сложности музыки от силы творческого дарования.
The article deals with the creativity of Sergey Slonimsky (1932–2020), a Russian composer, through the prism of his personality moral guidelines. Sergei Mikhailovich said briefly about the essence of his music: “It is predominantly humanitarian”. In explaining the meaning of this assertion, the author highlights such features of Slonimsky's creativity as the absence of stylisation and any theatrical reincarnation; the opposition between "the individual and the banal”, “the individual and the crowd”, “the ideal” and “trivial reality”; the historicism that persists against the trends of the time. The latter was responsible for the author's great attention to the way Slonimsky treats the music of the past — romanticism, the Gregorian chorale and the world-famous artists Liszt and Tchaikovsky among others. The world of the spirit for Slonimsky is wider and more important than the world of music, which is borne out by his pronouncements on the identity of the artistic and human conscience, on freedom and responsibility. Reviewing some episodes of Slonimsky's biography the author traces the most important traits of his personality — the spirit of contradiction, strong artist dignity, sharpness, often brutal straightforwardness, moral certainty and belief in his truth while maintaining high demands to himself. The author clarifies Slonimsky's position on the question of the correlation of the simplicity or complexity of music with the strength of the creative talent.
Специфика вариационности в Третьем концерте для фортепиано с оркестром Сергея Прокофьева
Authors: Сяо Л. 
Published: December 2024

Статья посвящена выявлению главных особенностей воплощения вариационности в Третьем фортепианном концерте Сергея Прокофьева, ставшем для композитора этапным в процессе гармонизации традиционных и новаторских приемов. Вариационность в творчестве композитора является одним из широко применяемых методов, он многообразно и последовательно воплощен в сочинениях различных периодов его творчества. Характерные для принципа вариационности возможности представления исходной темы в разных обликах, выявление ее потенциала и обнаружение скрытых качеств обусловили его важное значение для композитора. Автор статьи на примере второй части Третьего фортепианного концерта показывает диапазон образных метаморфоз, многообразие жанровых решений в вариациях, функциональное значение вариаций в цикле, анализирует интонационные и ладогармонические особенности, формообразующие элементы вариаций. В статье делается вывод об открытости вариационного метода, позволяющего интегрированно воплощать характерные концепционные и композиционно-драматургические особенности всего цикла концерта.
The article is devoted to identifying the main features of the embodiment of variation in Sergei Prokofiev's Third Piano Concerto, which became a landmark for the composer in the process of harmonizing traditional and innovative techniques. Variation in the composer's work is one of the widely used methods; it is embodied in various and consistent ways in the compositions of various periods of his work. The possibility of presenting the original theme in different forms, revealing its potential and revealing hidden qualities, characteristic of the principle of variation, determined its importance for the composer. Using the example of the second part of the Third Piano Concerto, the author of the article shows the range of figurative metamorphoses, the variety of genre solutions in variations, the functional significance of variations in the cycle, analyzes the intonation and harmonic features that form the elements of the variations. The article concludes about the openness of the variational method, which allows to embody in an integrated way the characteristic conceptual and compositional-dramatic features of the entire concert cycle.
Роль зарубежных музыкальных традиций в развитии национальной скрипичной культуры Китая
Authors: Му Ц. 
Published: December 2024

Межкультурный обмен является важным фактором динамичного развития национальных музыкальных культур в современном глобализованном мире. В этом отношении китайская скрипичная культура не является исключением. Важной частью ее стало обучение китайских студентов-скрипачей за границей, ведь по возвращении на родину они являются носителями уникального исполнительского и методического опыта. Отправной точкой формирования скрипичной культуры Китая послужили Опиумные войны 1840–1860 гг. Затем приходит понимание того, что западная музыка положительно влияет на развитие китайского общества. Наряду с овладением игрой на скрипке возникла потребность в обучении, организации образовательных учреждений и концертной инфраструктуры, создании скрипичных произведений, изготовлении инструментов. Процесс осознания задач занял всю вторую половину XIX века и к началу нового века стал стратегией обучения скрипачей за рубежом. В период Культурной революции прервались международные музыкальные контакты, что негативно сказалось на всех областях китайского скрипичного искусства. С тех пор как руководство страны объявило курс на реформы и открытость, Китай стал мировым лидером по количеству студентов, обучающихся за рубежом. Существует и встречное движение: с конца 1970-х годов в Китай стали приезжать с мастер-классами и концертами лучшие скрипачи мира. Этот процесс отражает потребность в открытом межкультурном взаимодействии как условии продуктивного существования национальной традиции.
Intercultural exchange is an essential factor in the dynamic development of national musical cultures in the modern globalized world. In this respect, the Chinese violin culture is not an exception. An important part of it was the education of Chinese violinist students abroad, because upon their return home they are the bearers of unique performing and methodological experience. The starting point for the formation of China's violin culture was the Opium Wars of 1840–1860. Then comes the understanding that Western music has a positive effect on the development of Chinese society. Along with mastering violin playing, there was a need to teach, organize educational institutions and concert infrastructure, create violin works, and make instruments. The process of awareness of the tasks took the whole second half of the 19 century and by the beginning of the new century had become a strategy of training violinists abroad. During the Cultural Revolution, international musical contacts were interrupted, which negatively affected all areas of the Chinese violin art. Since the country's leadership announced the course of reform and openness, China has become the world leader in the number of students studying abroad. There is also a counter movement: since the late 1970s, the best violinists of the world began to come to China with master classes and concerts. This process reflects the need for open intercultural interaction as a condition for the productive existence of a national tradition.
Роль дивертисмента в формировании балетных сцен русской оперы первой трети XIX века
Authors: Чэнь Ц. 
Published: December 2024

Статья посвящена дивертисменту на народные темы, жанру музыкального театра первой трети XIX века, который сыграл существенную роль в адаптации балетных сцен в русской опере. Специфическим качеством дивертисмента была его тесная связь с народными песнями, плясками и обрядовой культурой, вследствие чего он стал называться «русским дивертисментом». Мобильность структуры и способность отражать злободневные общественные события обеспечили дивертисменту популярность, что выдвинуло его с периферии в центр творческих экспериментов. Дивертисменты писали авторитетные оперные композиторы своего времени — К. А. Кавос, Д. Н. Кашин, С. И. Давыдов, Ф. Е. Шольц и другие. Постановщиками дивертисментов были ведущие балетмейстеры, признанные знатоками народных традиций и русского плясового фольклора, — И. М. Аблец, А. П. Глушковский, И. И. Вальберх, И. П. Лобанов. Таким образом, дивертисмент становился для его создателей своеобразной творческой лабораторией, в которой разрабатывались интонационные основы музыкального языка и стилевые черты характерного танца, обладающие яркой национальной самобытностью. Новые выразительные возможности музыкально-театрального жанра естественно переносились в оперные спектакли. В статье дан обзор известных дивертисментов XIX века, отмечаются их композиционно-драматургические особенности. Ключевые слова: дивертисмент, музыкальный театр, опера, балет, фольклор, традиционные обряды, народные гулянья
The article is devoted to a unique genre of musical theater of the first third of the 19 century — divertimento on folk themes, which played a significant role in the adaptation of ballet scenes in Russian opera. The specific quality of the divertimento was its close connection with folk songs, dances and ritual culture, as a result of which it became known as the “Russian divertimento”. The mobility of the structure and the ability to easily respond to topical social events provided the divertissement with popularity, which pushed it from the periphery to the center of creative experiments. Divertissements were written by authoritative opera compositors of their time — K. A. Kavos, D. N. Kashin, S. I. Davydov, F. E. Scholz and others. The directors of the divertissements were leading ballet masters, recognized experts in folk traditions and Russian dance folklore, — I. M. Ablets, A. P. Glushkovsky, I. I. Valberkh, I. P. Lobanov. Thus, the divertimento became a kind of creative laboratory for its creators, in which intonation bases of the musical language and the style of the characteristic dance were developed, which have a bright national identity. The new expressive possibilities of the musical and theatrical genre were naturally transferred to opera performances. The article gives an overview of the famous divertissements of the 19 century, their compositional and dramatic features are noted.
Сольфеджио в контексте трудов российских музыковедов
Authors: Цзи Ш. 
Published: December 2024

Цель статьи — изучение содержания и структуры дисциплины «сольфеджио», которая является базовой на всех этапах развития музыканта. Автор обращается к наиболее значительным концепциям сольфеджио, созданным российскими музыкантами и учеными в разные периоды истории музыкального образования. В статье прослеживается путь становления дисциплины, основные этапы ее развития и показано, как изменялись задачи дисциплины в зависимости от понимания стратегий образования, а также от состояния музыкальной культуры в целом. Специальное внимание уделяется современным трудам, посвященным определению специфики и путей совершенствования музыкального слуха. Анализ работ М. С. Старчеус и М. В. Карасевой показал, что в российском музыкальном образовании преподавание сольфеджио отражает изменения, происходящие в культуре (появление цифровых инструментов, развитие средств коммуникации). Единство традиций и инноваций позволяет считать российскую систему сольфеджио одной из наиболее прогрессивных в мире.
The purpose of the article is to study the content and structure of “solfeggio” course, which is basic at all stages of musician's development. The author refers to the most significant concepts of solfeggio created by Russian musicians and scientists at different periods of music education history. The article traces the way of formation of the discipline, the main stages of its development and demonstrates how the tasks of the discipline changed depending on the understanding of educational strategies as well as the state of music culture in general. Special attention is paid to the contemporary works, devoted to the definition of the specifics and ways to improve the musical ear. The analysis of works by M. S. Starcheus and M. V. Karaseva has shown that solfeggio teaching in Russian music education reflects the changes taking place in culture (appearance of digital instruments, development of communication means). The unity of traditions and innovations allows to consider the Russian system of solfeggio as one of the most progressive in the world.
Джазовая додекафония Ричарда Беннетта: Концерт для Стэна Гетца
Authors: Кром А.Е. 
Published: December 2024

В статье рассматривается Концерт для Стэна Гетца (для тенор-саксофона, струнных и литавр, 1990) выдающегося английского композитора Ричарда Родни Беннетта (1936–2012). В этом сочинении автор органично соединяет традиции академической музыки, в том числе свободно трактованную двенадцатитоновую технику, с джазовой идиоматикой. Беннетт опирается на характерные черты концертного жанра: трехчастный цикл, построенный по принципу темпового и жанрового контраста между частями, атмосферу игры, свободного творческого состязания солиста и оркестра, эффектные каденции, классические формы. Звуковысотная организация опуса связана с додекафонным методом композиции. Анализ концерта позволил установить, что двенадцатитоновая серия, изложенная в своих основных формах в начале первой части, пронизывает все сочинение, придавая ему интонационное единство и целостность. Джазовая стилистика проявляет себя в выборе и интерпретации тембра тенор-саксофона, сольных хорусных импровизациях, красочных джазовых гармониях с многотерцовыми альтерированными аккордами во второй части, остром синкопированном ритме при регулярной метрической пульсации.
The article discusses a Concerto for Stan Getz (for tenor saxophone, strings and timpani, 1990) by the outstanding English composer Richard Rodney Bennett (1936–2012). In this composition, the author organically combined the traditions of academic music, including the freely interpreted twelve-tone technique, with jazz idiomatics. Bennett relies on the characteristic features of the concert genre: a three-part cycle built on the principle of tempo and genre contrast between parts, the atmosphere of the play, free creative competition between soloist and orchestra, spectacular cadences, classical traditional forms. The pitch organization of the opus is connected with the dodecaphone method of composition. The analysis of the concerto made it possible to establish that the twelve-tone series, set out in its main forms at the beginning of the first movement, permeates the entire composition, giving it intonational unity and integrity. Jazz stylistics manifests itself in the choice and interpretation of the timbre of the saxophone, solo chorus improvisations, colorful jazz harmonies with altered chords in the second part, syncopated rhythm.