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La morale de l’interdiction de la clitoridectomie en pays kikuyu
Authors: Droz Yvan
Published: July 2012

Ce texte applique la démarche éthique aux conséquences de l’interdiction de la clitoridectomie en pays kikuyu. Dans un premier temps, il présente cette démarche en distinguant les concepts d’éthique et d’éthos (ou de moralité locale) afin de saisir les enjeux moraux de l’interdiction de la clitoridectomie. Ce cadre conceptuel permet alors d’aborder la question de la clitoridectomie en pays kikuyu en décrivant l’idéal de soi « traditionnel » kikuyu pour en construire l’éthos. Il décrit le système de valeurs kikuyu pour souligner l’importance de ce rite de passage dans l’accomplissement de soi. Il évoque les tentatives des missionnaires pour interdire la clitoridectomie au nom des principes chrétiens et civilisateurs dans les années trente, avant de mentionner l’irruption de l’éthique des droits de l’homme dans ce débat après l’Indépendance. L’article montre comment cette moralité locale s’articule aux systèmes de valeurs « importées », qu’ils soient religieux ou laïques. Il souligne en conclusion la difficulté d’instaurer un dialogue des éthos kikuyu et chrétien avec l’éthique de droits de l’homme, d’une part, et les conséquences sociales de l’interdiction de la clitoridectomie sur le statut des femmes, d’autre part.
Une anthropologie de la bioéthique
Authors: Marin Ana
Published: July 2012

Les savoirs bioéthiciens, bien qu’ils se veuillent pour la plupart indépendants, objectifs et universels, subissent l’influence de la culture où ils émergent. C’est en cette qualité que l’étude anthropologique de la bioéthique se révèle possible et, à mes propres yeux, pertinente. Dans cet article, je traite de la bioéthique moldave à travers le dilemme moral de l’avortement. Je rapporte quelques informations sur la pratique de l’avortement, en décortiquant la culture soviétique de l’avortement et dévoilant l’impact qu’a la pensée religieuse après l’indépendance de la République moldave. Je rapporte aussi les jugements et justifications en matière d’avortement : il est question de maternité, de sexualité, de libre choix et de cumsecade. La mise en contexte permet de conclure que la bioéthique moldave est pour sa part décontextualisée et que, pour évoluer, elle aurait avantage à intégrer des savoirs anthropologiques.
Une anthropologie des moralités de l’obeah à Ste-Lucie (Note de recherche)
Authors: Meudec Marie
Published: July 2012

Cette note de recherche vise à démontrer, à partir des discours de et sur l’obeah à Ste-Lucie, que ce terme, outre le fait qu’il réfère de manière générale à des pratiques magiques et thérapeutiques dans la Caraïbe, doit également être considéré comme révélateur de jugements moraux. L’ethnographie des moralités locales de l’obeah, via la succession de rencontres avec une guérisseuse, permet de comprendre les ethnoéthiques reliées aux pratiques de guérison, les processus et idiomes de légitimation morale, les signes de l’engagement sorcellaire et la réputation des guérisseurs-sorciers. Ce texte amène à concevoir l’obeah comme une métaphore de l’ordre social et moral, et constitue le point de départ d’une réflexion sur la construction des frontières morales et de l’altérité. Il invite également à se questionner sur le rapport entre moralités locales et globales ainsi que sur les enjeux sociopolitiques et moraux de l’obeah.
Les études théâtrales et l’interdisciplinarité
Authors: Pavis Patrice
Published: July 2012

L’article examine le lien des études théâtrales aux différentes disciplines et méthodes qui sont apparues au cours des dernières années. Il tente de clarifier le rapport aux arts, aux médias et aux cultures. Il propose une périodisation des études théâtrales de 1958 à 2008, en imaginant la tendance actuelle à une nécessaire réhistoricisation de la recherche et de la pratique.
L’ethnoscénologie. Vers une scénologie générale
Authors: Pradier Jean-Marie
Published: July 2012

L’ethnoscénologie est une nouvelle ethnoscience (1995) fondée sur la nécessité de maîtriser toute forme d’ethnocentrisme dans l’étude des arts du spectacle vivant placés dans leur contexte historique, culturel et social. La spécificité de l’ethnoscénologie est définie par rapport à l’ethnomusicologie, les performance studies, la théorie de l’ethnodrame (Mars) et l’anthropologie théâtrale (Barba). La définition exploratoire est suivie de l’examen de la notion de pratique performative — dérivée du néologisme introduit par Jerzy Grotowski (1997). Cette notion constitue un outil épistémologique utile pour la constitution d’une scénologie générale. L’auteur soutient qu’il est nécessaire d’abandonner la monodisciplinarité propre aux études théâtrales, d’adopter une perspective transdisciplinaire, en incluant notamment les neurosciences et les sciences cognitives, tout en développant un dialogue entre expertises scientifiques et la connaissance des performers eux-mêmes.
Dramaturgie et analyse dramaturgique
Authors: Martin Bernard
Published: July 2012

L’article propose : 1) une étude de l’évolution sémantique (et historique) du concept de dramaturgie, du concepteur originel de l’oeuvre dramatique (le dramatourgos) à celui qui en entreprend désormais l’étude en vue de son passage à la scène (der Dramaturg); 2) un examen de la notion contemporaine de dramaturgie, née avec G. E. Lessing; une notion qui entre aujourd’hui à part entière, en tant qu’étude prospective préalable et/ou d’accompagnement, dans le champ pragmatique du travail théâtral, dans l’élaboration à la fois conceptuelle et concrète de la mise en scène; 3) une recension des diverses figures du dramaturge, proche collaborateur du metteur en scène et qui tisse avec lui le texte spectaculaire qui sera proposé à l’interprétation du spectateur.
La performance en direct dans une culture médiatisée
Authors: Auslander Philip
Published: July 2012

Dans notre culture médiatisée, toute distinction qui existait entre événement en direct et événement médiatisé s’estompe, puisque l’interprétation en direct ressemble de plus en plus aux spectacles médiatisés. On le voit dans l’intrusion des technologies des médias dans toute une gamme d’événements en direct, et notamment au théâtre. On le voit aussi dans les cas où les événements en direct récréent les événements médiatisés. Dans ces cas, l’interprétation « originale » en direct n’est plus privilégiée par rapport à l’adaptation médiatisée : celle-ci est devenue le référent de celle-là.
Le Black Theatre Workshop de Montréal : un nouveau bilan
Authors: Bayne Clarence
Published: July 2012

Même si la présence des Noirs au Québec remonte à l’époque de la Nouvelle-France, leur histoire demeure méconnue. Dans cet article, l’auteur tâche de remédier à cette lacune, en partie du moins, en dressant le portrait d’une importante institution culturelle noire, plus précisément le Black Theatre Workshop. Compagnie théâtrale montréalaise d’expression anglaise, le Black Theatre Workshop sert à la fois de phare communautaire et artistique et de miroir révélant les revendications sociales et politiques des Noirs au Québec et en Amérique du Nord. Mené sur l’arrière-plan d’une société elle-même en voie de transformation, le portrait ici tracé laisse émerger une compréhension plus large du théâtre québécois.
Un divertissement moral de l’entre-deux-guerres à Montréal
Authors: Cellard Karine
Published: July 2012

Pendant les années 1930, à Rosemont, une troupe de théâtre amateur présente aux paroissiens les grands succès parisiens en vogue au Québec depuis le début du siècle. Il s’agit de la troupe Bertrand, dont le fonds d’archives est conservé au Centre d’études québécoises (Cétuq) de l’Université de Montréal. Par la description du fonds Bertrand et l’analyse des documents de travail de cette troupe populaire (programmes, plans de mises en places, textes censurés), l’auteure tente d’éclairer la pratique du théâtre paroissial montréalais de l’entre-deux-guerres. En annexe, le lecteur trouvera une bibliographie complète des ouvrages contenus dans le fonds Bertrand.
Koltès : la fuite, l’exil et l’extase
Authors: Tordjman Pierre
Published: July 2012

Cet article trouve dans les mystères d’Éleusis la forme et le contenu essentiels à l’interprétation de la relation qu’entretiendrait le théâtre de Bernard-Marie Koltès avec les images qui motivent son écriture. Cette référence permet d’unir politique, mysticisme et théâtre dans une oeuvre qui n’a cessé de renvoyer ses personnages aux images d’un bourbier dans lequel ils se débattent ainsi qu’à celles d’une contemplation extatique. Ce serait dans l’écart qui sépare ces deux types d’images, qui constituent un film virtuel représentant comme le hors-champ de ce théâtre, que s’installerait la scène d’une méditation de ce que pourrait signifier aujourd’hui l’exigence de sauver son âme.
Relief de Kantor
Authors: Michaud Ginette
Published: July 2012

S’inspirant de la réflexion élaborée par le critique Guy Scarpetta dans Kantor au présent, un recueil d’essais tournant autour du travail de l’homme de théâtre, artiste et peintre disparu en 1990, l’auteur interroge la question de la mémoire et de la transmission d’un art théâtral lui-même entièrement voué au travail de deuil et au recyclage des matériaux historiques, autobiographiques et culturels, un art de la mise en scène si lié à son créateur qu’il était destiné dès sa conception à disparaître avec lui. Contre la fascination pour un passé réifié ou les emprunts ludiques de la postmodernité, l’oeuvre de Kantor appelle au contraire à une réinscription critique de la mémoire, héritage qui ne va pas sans questionner en retour fortement la responsabilité du témoin-spectateur, d’autant qu’il n’aura plus accès à la représentation de ces oeuvres théâtrales.
Présence et absence : Kantor en scène
Authors: Eruli Brunella
Published: July 2012

L’auteur lit l’ouvrage de Kantor à la lumière d’un projet autobiographique audacieux et « résolument moderne » qui mène l’artiste, au fil de ses spectacles, non pas à mettre en scène et à « représenter » sa vie, mais son contraire, son absence, sa mort. Quelle serait alors la véritable signification de la présence de Kantor scène toujours considérée comme sa marque de fabrique? La rupture d’un code théâtral, comme il disait lui-même, ou l’allusion a une réalité qu’on ne peut ni connaître ni représenter?
Structures rythmiques dans Le passage de l’Indiana : ressacs et dérives du sens
Authors: Jacques Hélène
Published: July 2012

Les théories du rythme en poésie contemporaine mettent en lumière la construction formelle du Passage de l’Indiana de Normand Chaurette. Structurée à la manière d’une partition musicale, la pièce fonctionne selon un système de répétitions qui instaure une temporalité favorisant les retours. En repérant et en comparant des unités signifiantes (répliques, thèmes et motifs) qui sont répétées dans la pièce, il appert que le sens de ces unités se transforme selon l’endroit où elles se situent. L’intrigue qui paraît, de premier abord, fragmentée et stagnante en raison des multiples répétitions progresse, au contraire, grâce aux déplacements de sens qu’implique la reproduction. Ces déplacements se vérifient également chez les personnages : chacun répète les répliques des autres personnages et leur attribue un sens nouveau en jouant un autre rôle. Grâce au jeu dans le jeu, l’identité des personnages est mouvante.
L’homme-chien ou la fraternité du désespoir
Authors: Rodriguez-Antoniotti Greta
Published: July 2012

Sony Labou Tansi et Bernard-Marie Koltès, le premier originaire d’un Sud appauvri et négligé, le second natif d’un Nord tout-puissant et altier, ont chacun à leur manière témoigné de leur siècle à travers, entre autres, l’écriture théâtrale. Si ces deux écrivains ne se sont jamais rencontrés, le regard, très critique, qu’ils ont porté sur leurs contemporains a montré que l’Histoire n’a jamais tourné au profit de l’être humain. L’Afrique est au coeur de leur oeuvre; elle en est le creuset poétique. Il sera question ici de tenter un rapprochement des pièces Je soussigné cardiaque, de Labou Tansi, et Roberto Zucco, de Koltès, à travers, entre autres, la figure du chien, de l’homme-chien, récurrente dans leurs oeuvres.
Le vrai et l’ivraie dans Le diseur de vérité d’Ahmadou Kourouma
Authors: Ouédraogo Jean
Published: July 2012

Le diseur de vérité de l’ivoirien Ahmadou Kourouma a toutes les qualités d’une oeuvre charnière, mais demeure largement méconnue des lecteurs. La présente étude analyse les rapports de filiation thématiques entre l’unique pièce de l’auteur et ses romans ainsi que les techniques d’occupation et d’organisation des espaces scénique et langagier, et la juxtaposition du conte traditionnel et du théâtre postcolonial. L’étude retrace le procès du mensonge, annoncé explicitement dans le titre, à travers l’analyse des procédés et processus dramaturgiques et discursifs employés.
Performance indigène et esthétique du théâtre « alternatif » en Afrique francophone
Authors: Conteh-Morgan John
Published: July 2012

Un trait important du théâtre africain contemporain de langue française est la tentative de différents dramaturges de rompre avec la pratique théâtrale inspirée du modèle français, et de créer une tradition qui prend son inspiration des performances indigènes. Cet article a pour objectif d’examiner deux pièces — Le bal de Ndinga de Tchicaya U’Tamsi et Les mains veulent dire de Werewere Liking — afin de mettre en lumière, et du point de vue de l’esthétique théâtrale et de celui de leur problématique, la figuration de cette pratique « alternative », comme je l’ai dénommée, du théâtre.
Notes sur les pratiques théâtrales en Afrique noire : dramaturgies contemporaines et logiques festivalières
Authors: Alem Kangni
Published: July 2012

Que ce soit en Afrique même ou hors du continent, les festivals de théâtre obéissent à des logiques de programmation spécifiques et les compagnies théâtrales qui choisissent d’y participer aussi. L’objet de cet article est d’analyser l’impact de ces logiques sur le travail des compagnies africaines, non seulement en termes esthétiques, artistiques mais aussi en termes stratégiques dans des environnements où l’absence ou la mise en place de « politiques culturelles » ressortissent à des enjeux de pouvoir.
Tafisula ou la Mami Wata
Authors: MacDougall Jill
Published: July 2012

Tafisula [ça ne suffit pas] ou la Mami Wata est une création collective du Mwondo Théâtre de Lubumbashi, Zaïre (République démocratique du Congo) tirée de trois sources : la sirène blanche qui apporte la richesse et la mort (une icône de la peinture populaire et des légendes urbaines); un conte moral bemba d’un orphelin qui acquiert et ensuite perd un empire à cause de son avarice; et les problèmes socio-écologiques qui sévissent dans la région minière du cuivre où le spectacle a lieu. Après avoir décrit le contexte zaïrois des années 1970 et le processus de travail de la companie, ce texte retrace le déroulement de la performance et pose la question toujours pertinente : à qui sert réellement le développement capitaliste?
Hamlet : un personnage moderne
Authors: Voyer Pierre
Published: July 2012

À la Renaissance, l’affrontement entre une conception littéraire du théâtre, basée sur le poème dramatique, telle que celle qu’on découvrait dans La Poétique d’Aristote, et une conception plus réaliste du théâtre comme spectacle populaire a suscité l’invention d’une nouvelle forme : le personnage. En utilisant les techniques du spectacle dans la fabrication même du poème dramatique, Shakespeare a donné la première place au comédien et a donc fait du personnage, qui jusque-là était déterminé par l’intrigue et la situation dramatique, la base du théâtre moderne, le fondement du déploiement mythique occasionné par l’événement théâtral.
Paratextes polémiques : la première défense d’Arlequin en Allemagne au XVIIIe siècle
Authors: Grimberg Michel
Published: July 2012

Face au projet normatif de réforme de la comédie littéraire allemande entrepris dès 1725 par J. C. Gottsched, J. C. Krüger propose dans les préfaces à ses traductions de comédies de Marivaux (1747-1749) une voie qui s’avérera fructueuse. En introduisant dans la discussion esthétique allemande le masque d’Arlequin, rénové par Marivaux, comme reflet de la condition humaine, il prône, d’une part, la prise en considération de la sensibilité dans la comédie littéraire et, d’autre part, un nouveau jeu du comédien. Par delà sa propre insertion comme auteur dramatique, acteur et traducteur dans l’espace littéraire allemand, Krüger livre au spectateur allemand des éléments fondamentaux pour former son jugement esthétique.
Une prise de position : la préface du Mariage de Figaro
Authors: Arpin Maurice
Published: July 2012

La préface du Mariage de Figaro constitue un texte-clé pour une appréciation générale des talents et de la sensibilité de Beaumarchais. À l’aide de concepts inspirés de la sociologie de Pierre Bourdieu et d’une sociopoétique de la réception d’Alain Viala, l’auteur étudie ce texte comme l’expression spécifique de la position du dramaturge dans le champ littéraire. L’analyse du dialogue, des lois du genre préfaciel, des structures du champ littéraire et de l’image sociale de l’écrivain lui-même expose les rapports du texte avec les conventions linguistiques. Dès lors, au-delà des thèmes et des sujets qui y sont abordés, la préface traduit un effort de consolidation de position dans le champ de la dramaturgie.
Stratégies de légitimation et dramaturgie au féminin au XIXe siècle
Authors: Sauvé Rachel
Published: July 2012

Dans le XIXesiècle français, les femmes ont peu accès à la sphère éminemment publique du théâtre et leurs écrits dramaturgiques sont disséminés dans des éditions de circonstance. Virginie Ancelot et George Sand transgressent cet interdit en rassemblant leur théâtre et en usant du paratexte pour amplifier la portée de cet acte qui assoit fermement leur identité auctoriale. Cet article illustre comment divers éléments paratextuels tels que les préfaces, les dédicaces et les illustrations renforcent la cohérence apparente de l’oeuvre d’Ancelot, tandis que le discours préfaciel sandien est le lieu d’un engagement, non pas d’auteur, mais d’écrivain.
Dans les coulisses de la fiction : le dramaturge préfacier dans le théâtre québécois contemporain
Authors: Huffman Shawn
Published: July 2012

L’image du maître du bunraku, ainsi que les fonctions d’art et d’écriture que Barthes y attribue, sont à l’origine de l’étude sur la préface théâtrale proposée dans cet article. Travaillant à partir d’un corpus de textes associés au théâtre québécois contemporain et rédigés par des dramaturges, à savoir Michel Marc Bouchard, Normand Chaurette et René-Daniel Dubois, l’auteur décrit les stratégies employées par chacun et constate l’émergence d’une nouvelle fonction préfacielle qu’il nomme « coopérative ».
La présence du théâtre français sur la scène portugaise : de la traduction à la représentation
Authors: Santos Ana Clara
Published: July 2012

Les mutations politiques du début du siècle romantique sont, au Portugal, synonyme de l’avènement d’une nouvelle sensibilité dramatique. Les modèles français empruntés par les nombreuses troupes théâtrales étrangères et les exilés politiques, assurent une effervescence toute nouvelle au sein des Lettres portugaises. De fait, le contact établi avec la culture littéraire et culturelle française par les estrangeirados et les artistes portugais, et la représentation de modèles français présentés dans les spectacles donnés sur le territoire national, ouvriront inexorablement un nouveau chapitre des relations franco-péninsulaires. Jusqu’à la fin du siècle, au théâtre, on parlera et on pensera en français, insensibles aux nouvelles tendances européennes sur le plan dramaturgique.
L’Histoire de l’autre : la guerre civile libanaise dans Littoral de Wajdi Mouawad et Le collier d’Hélène de Carole Fréchette
Authors: Picard Lucie
Published: July 2012

L’expérience de la guerre, dans Littoral de Wajdi Mouawad et Le collier d’Hélène de Carole Frechette, fonde une altérité radicale qui sépare un(e) protagoniste occidental(e) de personnages rencontrés au Liban. Ces derniers, rescapés du conflit qui a déchiré leur pays, mettent à nu cette altérité à travers le récit qu’ils font de leurs épreuves. Ils provoquent ainsi chez leur interlocuteur occidental une crise qui culminera avec un sentiment de néantisation de son être même comme de son existence. La rencontre, si elle apparaît destructrice dans un premier temps, permettra en définitive au personnage principal de mettre son propre parcours existentiel en perspective.
L’École de l’Arena Goldoni, ou la difficile invention d’un laboratoire
Authors: Warnet Jean-Manuel
Published: July 2012

De 1903 à 1914, Edward Gordon Craig multiplie les plans et les projets d’écoles : école des artisans du théâtre, école du metteur en scène, école expérimentale, école totalisatrice. Tous ces modèles tendent vers la forme du laboratoire, que l’on retrouve chez tous les grands réformateurs du théâtre au long du XXe siècle (Stanislavski, Meyerhold, Copeau, Grotowski, etc.). Ce que cherche Craig, c’est un espace de recherche fondamentale où il pourrait, entouré de collaborateurs plus que d’élèves, explorer les principes du théâtre. Au bout de ces esquisses, il y a l’ouverture éphémère de son école à l’Arena Goldoni de Florence, et surtout l’utopie d’un lieu total unifiant l’ensemble de ses intuitions depuis qu’il est parti en quête de l’artiste du Théâtre de l’avenir. Après avoir exposé l’historique de ces projets et leur réalisation partielle en 1913-1914, l’article examine quelques-unes des contradictions inhérentes à la démarche de Craig.
Des passions monumentales à l’âge de l’idéologie : Edward Gordon Craig et Norman Bel Geddes
Authors: Innes Christopher
Published: July 2012

Durant toute leur carrière, Craig and Bel Geddes ont été préoccupés par un immense projet. Celui de Craig était la Passion selon saint Matthieu de Bach, tandis que pour Bel Geddes, c’était La divine comédie de Dante. Pour réaliser ces projets, chacun a non seulement créé un espace théâtral spécifique, mais a également conçu un éclairage et des scénarios élaborés. Examiner ces deux projets éclaire non seulement le mouvement moderniste — dans lequel les deux ont joué un rôle majeur —, mais ouvre aussi de nouvelles perspectives sur la politique de la période de l’entre-deux-guerres, relativement au fascisme et au communisme.
Des screens au castelet éclaté : un langage marionnettique
Authors: Guinebault-Szlamowicz Chantal
Published: July 2012

Le dispositif des screens conçu par Craig repose sur une manipulation des lignes, des masses, du rapport corps-volume scénique, dans le but de dramatiser l’espace. Les qualités organiques de cette « living Scene » en font un instrument dont le fonctionnement structurel rejoint celui de la Surmarionnette. De fait, on retrouve dans les pratiques contemporaines du théâtre de marionnettes cette réflexion sur la forme et son expressivité, dans une recherche qui dépasse la simple manipulation de figures et d’objets. On l’observe très distinctement dans le principe de castelet éclaté, tandis que se précise l’idée d’une théâtralité spécifique : un langage marionnettique.
Du précieux au boueux : l’héritage craiguien de Kantor
Authors: Mattéoli Jean-Luc
Published: July 2012

Si l’influence de Craig sur Kantor est reconnue par ce dernier, il n’en reste pas moins que l’héritage ne se transmet que partiellement : le passage en effet des catégories du précieux au boueux, des matières riches aux objets pauvres pose la question de la réorientation de l’héritage théâtral à la faveur des événements historiques. La Première Guerre mondiale, ignorée par Craig, est tenue par Kantor comme une césure historique et esthétique définitive, qui dévalue les partis-pris craiguiens. Ainsi, si les poétiques de chacun s’articulent bien sur la mort et sur le Passé, les réalisations scéniques diffèrent radicalement : c'est que les régimes d’historicité ne sont plus les mêmes. Origine perdue, lieu d’éternité où rayonne la Surmarionnette pour Craig, le Passé constitue pour Kantor une catégorie plus instable, mal enfouie, toujours « revenante », à l’opposé de toute nostalgie. C’est cette expérience provoquée par l’accélération et les soubresauts d’une Histoire fossoyeuse qui fait de Kantor un homme de son temps : les objets pauvres, très loin de l’esthétisme craiguien, deviennent alors les réceptacles d’une mémoire fragile, les signes incertains d’un temps qui porte les marques du plus lointain passé alors qu’il date d’hier. Être de son temps, c’est ce que l’Histoire enseigne à Kantor : se situer sur une frontière instable entre art et réalité, constructivisme et émotion, passé proche et présent fuyant, dans l’impureté de la boue.
Projections de la mort. Sur deux mises en scène de Denis Marleau
Authors: Jacques Hélène
Published: July 2012

Afin de résoudre l’impasse rencontrée par le praticien de théâtre qui doit représenter l’invisible de manière crédible, c’est-à-dire sans procéder à la simple incarnation, Edward Gordon Craig propose d’avoir recours à la Surmarionnette, plus susceptible que l’acteur d’exprimer le monde spirituel. Dans Les trois derniers jours de Fernando Pessoa et Les aveugles, fantasmagorie technologique, Denis Marleau fait apparaître sur la scène l’intériorité démultipliée du poète portugais et la mort qui guette les aveugles grâce à des projections vidéographiques. Cet article propose d’envisager ces deux créations de Marleau dans la perspective des réflexions de Craig sur le jeu de l’acteur et la représentation théâtrale de la mort. Sur la scène où l’animé côtoie l’inanimé, la vidéo et les masques, avec la puissance suggestive de la Surmarionnette, donnent une forme à l’invisible par le détour de l’instrument.
La marionnette chez Pierre Albert-Birot : l’exemple de Matoum et Tévibar
Authors: Morin Geneviève
Published: July 2012

Artiste polyvalent, Pierre Albert-Birot s’inscrit dans le courant des avant-gardes littéraires du début du XXe siècle. Il développe une esthétique théâtrale — le nunisme — qui attribue à la marionnette un rôle clé dans la création d’un théâtre nouveau. Gardienne de l’art dramatique, celle-ci se voit dotée des pouvoirs d’évocation poétique et de subversion. Albert-Birot écrit plusieurs pièces pour marionnettes dont Matoum et Tévibar, qui fut jouée tour à tour par des marionnettes et des acteurs humains.
Cheminements et ouvertures sur des espaces intimes : regards sur le théâtre de Thomas Kilroy
Authors: Dubost Thierry
Published: July 2012

L’oeuvre de Thomas Kilroy est incontournable pour quiconque s’intéresse au théâtre irlandais contemporain. Par l’entremise de son oeuvre, cet auteur cherche à remettre en question les certitudes communautaires : l’homosexualité, la religion, les visions claniques mortifères sont des leitmotivs qui traversent ses pièces. Son association avec la compagnie théâtrale « Field Day » — reconnue pour ses prises de position politiques —, est également étudiée, et ce, pour souligner l’importance de sa contribution au théâtre irlandais en tant qu’artiste et en tant qu’animateur.
« Pauvres enfants d’Ève en exil » : Tom Murphy et la syntaxe de l’histoire
Authors: Murphy Paul
Published: July 2012

Dans les pièces Bailegangaire (1985) et A Thief of a Christmas (1985), Tom Murphy aborde des questions liées à la représentation des Irlandaises d’origine rurale, opprimées par un système social hiérarchique d’abord sous le gouvernement colonial britannique et, ensuite, sous le gouvernement postcolonial nationaliste, catholique et bourgeois. Paul Murphy soutient que Tom Murphy crée dans ses pièces des lieux où les discours réprimés peuvent s’exprimer et contredire l’histoire dite « officielle » qui émane d’un discours nationaliste catholique bourgeois. Ce chercheur dépasse la vision prédominante du théâtre irlandais centrée sur la question identitaire pour aborder plutôt des questions éthiques liées à la subordination des classes. Il participe ainsi au débat contemporain historiographique en Irlande autour du rapport antagoniste qui oppose le nationalisme et le révisionnisme.
L’acte inconnu ou Tombeau pour Yoryk : dramaturgie de la mémoire et dialogue des morts dans le théâtre de Valère Novarina
Authors: Chénetier-Alev Marion
Published: July 2012

La représentation de L’acte inconnu, la dernière pièce publiée de Valère Novarina, dans la cour du Palais des Papes d’Avignon en juillet 2007 a marqué un tournant dans l’écriture de l’auteur et a sans doute surpris tant les spectateurs qui découvraient son œuvre que ceux qui la suivent depuis plusieurs années. Portée par le souvenir d’un des interprètes de Novarina récemment disparu, cette pièce exacerbe la dimension mémorielle de son théâtre, en proposant un large éventail des formes expérimentées dans ses textes précédents. Elle entre ainsi en tension avec une dramaturgie du moment présent dont l’auteur a toujours fait un des enjeux de son œuvre. Le théâtre de Novarina continue de déjouer les attentes du lecteur-spectateur, vouant la parole et l’acteur à sonder l’inconnu.
L’incarnation progressive
Authors: Klein Jean-Pierre
Published: July 2012

Les oeuvres de Valère Novarina sont moins des énoncés que des énonciations vives. Elles traitent de l’acte de créer de l’humanité en procédant à une mise en corps toujours à recommencer. En gésine permanente, elles sont aussi profération de paroles oraculaires et se révèlent à la fois origines et commencements possibles mais improbables.
Le langage chaotique
Authors: Zinguer Ilana
Published: July 2012

Ce que Novarina dit du langage de Rabelais attire l’attention sur sapropre création littéraire dont la forme ne vise pas un idéal artistique biendéterminé mais cherche au contraire à rester dans l’inachevé. Legigantisme verbal de Rabelais, fait de balourdises et de loufoqueries, instaure ununivers mythique où l’expression linguistique —bonimenteuse, affabulations du langage et enivrement duverbe — tient la place de l’intrigue. Sansatteindre les mêmes outrances, le langage novarinien devient chaotique, car ils’élabore en adoptant des formulations propres à rendre la confusion dumonde contemporain. En cela, il situe adéquatement des interrogations chaotiquesvécues mais restées ouvertes.

De cette lecture première et rapide des œuvres de Novarina se dessine cependantun mouvement animé par ce qui peut le nourrir. L’auteur cherche enquelque sorte à saisir le désir ou le manque. Plus l’objet se refuse,plus le verbe s’acharne, à force de pensée et d’intelligence.Se fraie alors un chemin (grâce à l’impulsion et àl’inspiration) qui mène au saisissement ou à l’ébranlement del’âme, non par la rationalité mais par une inventivité quin’hésite pas à faire appel à tous les recours del’imagination, une alliance de l’illusionnisme du logos et de l’eidos (la « forme ») quiengendre des formes langagières et structurelles étonnantes.

N’est-ce pas le fameux érosdu philosophe qui possède par le logos,comme le montre, par exemple, la chair montante de l’acteur en scène(Lettre aux acteurs) ou sa manièreexubérante de rendre la vie? « Toute la mise en scène del’érotisme a pour fin d’atteindre l’être au plusintime, au point où le cœur manque », dit Georges Bataille dans L’Érotisme. La poésie mène au mêmepoint que chaque forme : à l’érotisme, àl’indiscrétion, à la confusion des objets distincts. Elle nous mène aussià l’éternité. C’est dans ce sens que le langage de Novarinaest chaotique. Un chaos ordonnant, « très nécessaire » pourretrouver le mystère de la langue. De la parole nous sommes nés, à la parole nousretournerons.
Du « je » au jeu de l’acteur au XVIIIe siècle ou L’art ducomédien par lui-même
Authors: Rizzoni Nathalie
Published: July 2012

La présence récurrente de personnages de comédiens sur la scène, le portraitqu’ils brossent d’eux-mêmes aussi bien que les proposqu’ils tiennent sur leur art (au sujet de la déclamation, du geste, de lavoix) et sur leur profession (travailler pour la Foire plutôt que pour laComédie-Française, remplir un emploi, dévoiler les ficelles du métier), nouslaissent penser que se construit — tout au long de la premièremoitié du XVIIIe siècle — une véritableréflexion en action sur l’art du comédien. Nous étudierons comment cediscours esthétique se dessine de pièce en pièce chez Lesage, Fuzelier,d’Orneval, Pannard, Favart notamment, condamnant le jeu outré et figé du« Romain » (le Comédien Français), tissant par contrastel’éloge du naturel et de la spontanéité, qu’incarne idéalementle comédien de la Foire, capable d’associer tout à la fois dans son jeula pantomime, la danse et le chant.
Quand l’homme et l’image se disputent le plateau : la compagnie de théâtre Les Deux Mondes et ses machinations
Authors: Deslauriers Rosaline
Published: July 2012

Depuis près d’une trentaine d’années, la scène contemporaine confronte son public à d’étranges spectacles : tantôt le dispositif scénique prend l’allure d’une installation, tantôt la représentation s’approche du happening ou de la performance, tantôt écrans et technologie de pointe montent sur les planches aux côtés de comédiens devenus chanteurs, danseurs ou acrobates. Semblable mutation, tour à tour considérée comme un effet de mode ou une idéologie représentative de la pensée de notre temps, incite bon nombre de théoriciens à se pencher sur le brouillage des frontières entre théâtre, danse, arts visuels et multimédias. À travers cette mouvance, où les tenants du « virtuel » applaudissent le renouveau des arts « vivants » alors que d’autres craignent un résultat plutôt « mortifère », on peut se demander si le théâtre d’aujourd’hui peut exister… sans acteurs. Le spectacle 2191 nuits, créé par la compagnie de théâtre Les Deux Mondes, servira ici de point d’appui au développement de cette problématique. Dans le cadre de cet article, je m’interrogerai sur le processus qui mène à la création d’un spectacle où la machine joue un rôle central et sur les transformations que celle-ci opère sur l’art de l’acteur.
La meilleure idée d’Edmond Rostand
Authors: Ruffo Sébastien
Published: July 2012

Cyrano de Bergerac d’EdmondRostand n’est pas une pièce « engagée » et sonauteur n’est jamais proposé comme exempled’« artiste-citoyen ». Par une étude de laperformance dans son contexte d’origine (Paris, fin1897) — une étude attentive à l oeuvre, à sesartisans (Rostand, Coquelin), à son public, et qui conjugue au vol des éléments del’histoire culturelle (l’éthos fin de siècle), del’analyse de la réception (critiques, traductions), del’analyse thématique et psychanalytique (le panache devenu mythecollectif) — le présent article propose une vision du théâtreoù l’importance sociale d’une oeuvre reste avant tout unequestion d’art, d’artistes et de performance, plus que deprogramme ou d’idéologie.
Ubu et Cyrano
Authors: Apostolidès Jean-Marie
Published: July 2012

Les années 1896-1897 marquent un tournant dans l’histoire du théâtre en France. Deux spectacles importants sont alors produits : d’une part, la présentation d’Ubu roi au Théâtre de l’Oeuvre; d’autre part, celle de Cyrano de Bergerac au Théâtre de la Porte Saint-Martin. La première représentation est porteuse d’avenir, autant dans l’esthétique de la mise en scène que dans l’écriture dramatique; la seconde marque le triomphe du théâtre romantique, presque un demi-siècle après la fin de ce mouvement littéraire. En analysant en détail ces deux productions contemporaines, on parvient non seulement à opposer le désordre de la première à l’ordre de la seconde; on met également au jour deux types de spectacle : le spectacle de rupture et le spectacle de réconciliation. C’est dans la tension entre rupture et réconciliation que se déroulera la vie théâtrale française pendant tout le XXe siècle.
Les diables dans les mystères : fauteurs de désordre ou facteurs d’ordre?
Authors: Dupras Élyse
Published: July 2012

Les mystères hagiographiques en moyen français grouillent de diables qui incarnent le Mal, l’adversité, l’altérité. Cet article aborde certains éléments du discours diabolique dans ces mystères, en particulier le rôle de la séduction diabolique. Son but avoué est de faire tomber les humains dans le péché. Malgré tout, le discours séducteur participe de chaque mystère, dont l’une des fonctions est d’inciter les spectateurs à réaliser leur salut. Cette inversion — constitutive du discours des diables — le structure et en explique les défaites, beaucoup plus fréquentes que les succès. Le discours chrétien semble non seulement victorieux, mais totalitaire, puisqu’il représente sa propre subversion pour mieux la récupérer. Ainsi, les diables apparaissent-ils davantage comme facteurs de l’ordre que comme fauteurs du désordre.
Les dramaturgies antillaises contemporaines du « Chaos-Monde »
Authors: Bérard Stéphanie
Published: July 2012

La création théâtrale caribéenne contemporaine s’oriente vers des voies esthétiques plurielles favorisant le mélange des genres, des langues et l’hybridation des formes artistiques (en intégrant en son sein des composantes culturelles populaires telles que tradition orale des contes, proverbes et chansons, musiques et danses, rituels profanes et religieux). Des oeuvres innovantes, parfois déroutantes, viennent perturber les habitudes des spectateurs contraints de donner un sens à des pièces en apparence hétérogènes, désordonnées, voire chaotiques. C’est ce « désordre théâtral » que nous examinons dans cet article, et plus précisément les manifestations et les effets qu’un apparent chaos peut opérer sur l’écriture dramatique et sur la scène. Avec le temps… Con el tiempo… et Andidan Lawonn-la, du metteur en scène et comédien guadeloupéen Gilbert Laumord, sont deux pièces fondées sur l’exploitation dramaturgique de la culture populaire créole. Une fulgurante énergie créatrice se déploie sur la scène où s’opère la rencontre des langues, des genres et des arts, tandis que la parole poétique et contée se conjugue à l’expression corporelle. Ce théâtre hybride, à l’architecture fragmentée, voire disloquée, défie les lois de la rationalité et de la logique en célébrant la naissance d’un ordre nouveau, celui, obscur et opaque, imprévisible et fluctuant, du « Tout-Monde ».
Le théâtre quantique : ordre et désordre dans l’Espagne postmoderne
Authors: Martinez Thomas Monique , Surbezy Agnès , Corrons Fabrice
Published: July 2012

Cet article expose les premières pistes d’une réflexion sur la dramaturgie espagnole récente à partir de la notion de « quantique ». L’hypothèse de départ est la suivante : la physique quantique aurait joué un rôle fondamental dans le « désordre » de la postmodernité et aurait servi de terreau fertile à l’élaboration des grandes théories (philosophiques, historiques, sociologiques, esthétiques et dramaturgiques) du siècle dernier et du XXIe siècle. La physique quantique, en remettant en cause les principes de la physique classique, l’électromagnétisme de James Clerk Maxwell et la mécanique newtonienne principalement, oppose le discontinu au continu, le hasard à la causalité, l’interdépendance des atomes à la séparabilité et à l’objectivité. Dans le domaine des arts, l’association des oeuvres à l’esthétique quantique semble un phénomène surtout espagnol. Non seulement l’adjectif « quantique » réapparaît comme épithète pour désigner des formes artistiques diverses, mais le quantique, comme esthétique et comme éthique, devient le fer de lance d’une association internationale créée à Grenade en 1994 et connue sous le nom de Salon des Indépendants. Un des cofondateurs, Gregorio Morales, journaliste et écrivain, a publié en 1998 un essai intitulé Le cadavre de Balzac : une vision quantique de la littérature et de l’art, qui synthétise les débats qui ont eu lieu à Valence, au cours des différentes rencontres entre les membres fondateurs. Y sont réunis des articles théoriques qui étudient les différentes applications du quantique au cinéma, à la poésie, au roman, à partir d’exemples tirés des oeuvres d’Henry James, d’Antonio Enrique et de Rubén Darío. Les auteurs de cet article analysent les formes dramaturgiques contemporaines à partir de certains concepts propres à la physique quantique et particulièrement adaptés à l’étude de l’évolution du théâtre (sans pour autant, bien sûr, qu’ils soient exclusifs à l’étude du genre dramatique) : le vide quantique rempli d’énergie potentielle, la modification de l’objet observé par l’observateur, la mise en scène de l’espace-temps quantique. Le corpus de pièces quantiques sera principalement composé d’oeuvres tirées de la collection « Nouvelles scènes hispaniques », élément clef du chaînage toulousain autour du théâtre espagnol contemporain.
La pensée disciplinaire à la Socìetas Raffaello Sanzio : le choix de l’exclusion
Authors: Di Bella Sarah
Published: July 2012

L’histoire du théâtre est une histoire d’exclusion. L’élément qui unit à jamais certains réformateurs du théâtre du XVIIIe siècle — appelés à limiter l’ingérence des désordres qui accompagnaient les séances des spectacles — et des artistes contemporains qui souhaitent s’opposer aux pratiques bourgeoises du théâtre, est ce que nous avons appelé la pensée disciplinaire. Cette figure de pensée se situe aux croisements entre les écritures de la pratique et les écritures de la théorie lors de la naissance d’une nouvelle esthétique. Or, que l’esthétique en question ait comme but la recherche d’une intégration sociale ou, au contraire, un travail de rupture avec les codes en vigueur, elle s’accompagne toujours d’un nouveau système de contraintes, d’un nouvel ordre, paradoxalement demandeur d’une nouvelle exclusion. L’aperçu historique que nous proposons autour de la notion de pensée disciplinaire touchera à des interrogations fondamentales : le vertige de l’aliénation et ses monstres, les tensions entre texte et matière, la relation entre art et culpabilité, la crainte de la punition liée à l’exposition publique qui sont autant de lieux de la pensée et de la pratique artistique qu’on retrouvera aussi bien au XVIIIe siècle que dans le travail de redéfinition de l’art théâtral de la Socìetas Raffaello Sanzio, au XXe siècle.
Le personnage théâtral contemporain : symptôme d’un nouvel « ordre » dramaturgique
Authors: Ryngaert Jean-Pierre
Published: July 2012

Dans la dramaturgie classique, le personnage était caractérisé, par sa cohérence et par sa fonction de carrefour dramaturgique par lequel transitait l’essentiel : l’information et l’avancée de l’action. On assiste aujourd’hui à ce que j’appelle la « perte des liens » : des liens entre la créature et son auteur, entre la créature et une identité marquée, entre l’ancien pôle du caractère et les paroles prononcées, entre les paroles prononcées et la situation, l’action ou l’information. On rencontre moins d’intentions, d’explications. Chez un certain nombre de personnages contemporains, il ne s’agit pas d’incohérence, ou de désordre, mais d’appartenance à un autre type de système, ou d’ordre, si l’on veut. En renonçant aux attributs et aux qualifications du personnage traditionnel, ces auteurs introduisent un certain « désordre » dramaturgique. Ils investissent autrement ou plus du tout les valeurs qui ont porté le projet de la modernité. En revanche, ils proposent de nouveaux dispositifs narratifs, d’autres systèmes d’organisation et de répartition de la parole, qui sollicitent des manières différentes d’être ensemble. Ils inventent leurs propres façons de se (de nous) représenter collectivement.
Entre convoitise et abjection : la représentation suspendue
Authors: Cyr Catherine
Published: July 2012

Soumise à l’impermanence des définitions, la notion de représentation a connu, en art, plusieurs bouleversements. Affranchie de l’impératif mimétique, désormais entendue plus largement comme « évocation », cette notion n’en continue pas moins, aujourd’hui, de se trouver bousculée, notamment lorsque certaines oeuvres performatives sont traversées par diverses trouées de réel, de présence, voire de surprésence. Émaillée de quelques exemples puisés dans la pratique immédiatement contemporaine (théâtre, performance), le présent article s’intéressera à une forme particulière d’ébranlement de la représentation, attribuable aux manipulations de la nourriture sur la scène. En effet, très fréquent dans la pratique actuelle, le jeu avec les aliments — répandus, piétines, triturés, apprêtés, mâchés, régurgités — n’est pas sans conséquence sur l’ordre représentationnel. De même, du côté du spectateur, la réception de l’oeuvre se trouve-t-elle souvent perturbée, « augmentée », par cette dimension du jeu. Ainsi, j’aborderai cette question de la réception du spectateur qui, confronté à ce qui semble excéder la représentation, se trouve soumis — souvent bien involontairement — au surgissement de la convoitise ou de l’abjection. Enfin, ce parcours se terminera par quelques réflexions sur ce qui advient de l’expérience esthétique au théâtre, ou devant une performance, lorsque l’oeuvre — ne serait-ce qu’un bref instant — ne paraît plus s’enraciner dans le système de la représentation, mais semble le déborder et l’engloutir tout à la fois.
L’excès autour de 1550 : crépuscule du mystère et aube de la tragédie
Authors: Junod Samuel
Published: July 2012

Cet article utilise la notion d’excès pour saisir les transformations qui se produisent au milieu du XVIe siècle dans le domaine théâtral. Distinct de l’abondance, l’excès est souvent représenté par les métaphores de l’hydre et de l’hydropique. Il se manifeste en particulier par les différentes formes d’hybridité qui caractérisent les mystères : participation du spectateur, improvisation, contaminations possibles à l’infini, juxtaposition du profane et du religieux. Elles expliquent la multiplication des interdits, des censures et des législations dans le domaine théâtral des années 1540-1550. Nous analyserons trois pièces appartenant à cette période d’expérimentation générique et dramaturgique : le Chant natal de Barthélémy Aneau (1539), Trop, Prou, Peu, Moins de Marguerite de Navarre (1544) et l’Abraham sacrifiant de Théodore de Bèze (1550). Ce qui semble évident dans la transition du monde du mystère à celui de la tragédie, c’est que, dans le premier, l’excès touche avant tout au spectacle même, alors que dans le second, c’est le spectacle qui interroge l’excès. La représentation du Mal vaincu par le Bien, dans une scénographie débridée, cède sa place à l’invention d’une forme maîtrisée, vouée à interroger les racines maléfiques de l’outrecuidant. En passant des excès des mystères au mystère de l’excès, la société française révèle avant tout le grand degré d’incertitude qui affecte les interrogations sur son destin.
La mesure de l’excès : le cri dans la tragédie classique
Authors: Bovet Jeanne
Published: July 2012

Héritée du code de l’action oratoire et étroitement liée aux règles dramaturgiques de la vraisemblance et de la bienséance, l’exigence de convenance est au fondement de l’art de la déclamation dans la tragédie française de la seconde moitié du XVIIe siècle. Elle incite à s’interroger sur l’usage et les caractéristiques d’un excès vocal apparemment constitutif de la déclamation tragique : le cri. Celui-ci pose en effet plusieurs problèmes esthétiques et éthiques : inarticulé et violent, il renvoie à une animalité et à un emportement incompatibles avec la poétique de la tragédie classique. Pour la rendre convenable, la véhémence du cri est dès lors mesurée par des règles de hauteur, d’intensité et de variété qui opèrent tant sur le plan scénique que sur le plan scriptural, notamment par la gestion dramaturgique des figures pathétiques. Ainsi ramené à cette juste mesure, le cri tragique participe pleinement de l’esthétique distanciée d’une déclamation qui vise à plaire à l’auditeur autant qu’à le toucher.