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Kant et le renouveau de la pratique « analytique » dans la philosophie contemporaine
Authors: Anderson Pamela Sue
Published: July 2012

Cet essai incite les philosophes contemporains de la religion à repenser le rôle que la philosophie critique de Kant a joué à la fois dans l’inauguration de la nature analytique de la philosophie moderne et dans le développement de la poussée de la critique de la raison vers l’inconditionné. En particulier, il s’agit, dans cet essai, de démontrer que Kant et d’autres rationalistes modernes, comme Spinoza, peuvent contribuer à notre lutte rationnelle dans la vérité et pour elle. Cette démonstration vise un groupe récent de philosophes analytiques de la religion qui ont nommé leur propre travail « théologie analytique » et ont suscité de nouvelles discussions, y compris de nouveaux arguments sur Kant jetant un pont entre la philosophie et la théologie. La culture de l’ouverture réflexive et critique est ici encouragée pour contrôler les prétentions excessives concernant Dieu.
Pourquoi Hume et Kant ont eu tort de rejeter la théologie naturelle
Authors: Swinburne Richard
Published: July 2012

La théologie naturelle faisait partie de la tradition philosophique occidentale jusqu’à ce que Hume et Kant affirment qu’il y a des limites fondamentales à l’intelligibilité, ou au moins au savoir possible, de ce qui dépasse l’expérience ; et donc qu’il ne peut exister d’arguments solides partant du monde naturel et concluant à l’existence de Dieu. Je défends que, bien que nos concepts doivent en effet être dérivés de notre expérience, ils peuvent avoir une application bien au-delà de notre expérience ; et que la science moderne nous a montré comment des théories à propos de choses au-delà de notre expérience pouvaient être rendues probables par les données de l’expérience. Un point important dans les arguments de Hume et de Kant est que le concept de ‘cause’ n’a d’application que pour les successions régulières d’événements observables. J’argumente contre eux en montrant que, puisque nous dérivons originairement ce concept de notre propre expérience quand nous sommes cause d’événements, son application n’est en aucun cas limitée aux successions régulières d’événements observables. J’en conclus que les arguments de Hume et Kant n’ont pas du tout de force pour montrer l’impossibilité d’une théologie naturelle solide.
L’œuvre comme possibilité : pour une étude comparée de la littérature négative
Authors: Eymar Marcos
Published: July 2012

La littérature comparée s’est toujours interrogée sur les limites des études littéraires. Face à la méthode positiviste, qui conçoit la littérature comme un corpus fermé d’œuvres à étudier, le présent article, s’inspirant librement de certains aspects de la grammaire générative de Chomsky, propose d’envisager la littérature comme une faculté créative distincte de la faculté linguistique. Cette approche, qui fait de l’œuvre non pas un produit mais une possibilité, s’avère particulièrement adaptée à l’étude comparée d’une littérature - représentée par des auteurs comme Blanchot ou Vila-Matas - qui cherche de nouvelles voies expressives dans sa propre négation.
Mesures et démesure du présent chez William Faulkner et Ghassan Kanafani
Authors: Nader Nada
Published: July 2012

En comparant « Des hommes dans le soleil » et « L’horloge et le désert » de Ghassan Kanafani à Light in August et Intruder in the Dust de William Faulkner, nous parvenons à extraire une nouvelle dynamique du présent : lorsque l’urgence est à son summum, le temps ralentit sa marche, l’action se prête au regard du lecteur. Le présent se déclame alors en trois parties. Il est d’abord temps mesuré qui permet au lecteur une meilleure préhension, ensuite temps arrêté et finalement temps dilapidé, puisque le trop-plein de stagnation fait éclater le système temporel.
Pour l’instant, Pierre Chappuis
Authors: Margoux Blandine
Published: July 2012

Le recueil Pleines marges, dont Pierre Chappuis est l’auteur, est exemplaire d’une poésie qui surgit à l’instant. En cela, il répond aux notions développées par Gaston Bachelard quant à l’instantanéité et à la discontinuité, comprises dans une structure qui, paradoxalement, les exprime. Comme la vision d’un paysage qui se module à chaque pas, le parcours poétique procède de surprises soudaines. Aussi, espace géographique et espace littéraire se confondent-ils, au point que la métaphore se trouve bouleversée. Les repères - références et signifiances -, ainsi pleinement épuisés, fondent l’œuvre de Pierre Chappuis.
Ecfrasis y naturaleza muerta: los “Botines con lazos” de van Gogh y Olga Orozco
Authors: Artigas Albarelli Irene María
Published: July 2012

Depuis plusieurs décennies, les études comparatistes ont prêté une attention spéciale aux représentations verbales de représentations visuelles, c’est-à-dire, à l’ekphrase. Cet essai, s’appuyant sur l’analyse comparée du tableau de Van Gogh "Les souliers" et d’un poème d’Olga Orozco inspiré de celui-ci, prétend montrer comment la notion de ressemblance et la formation de métaphores, d’analogies et de modèles, sont importantes pour la création et le fonctionnement de la pensée critique. A travers une réflexion sur le langage verbal et le langage visuel, il est possible de mieux comprendre leur capacité à dévoiler des « vérités inattendues ».
Photo et mot : les possibilités narratives de l’image
Authors: Salinas Escobar Iván
Published: July 2012

Cet article propose un dialogue entre deux textes pseudo-biographiques, écrits dans la tradition des récits encyclopédiques borgésiens. Mario Bellatin et Alberto Manguel créent deux personnages qui ont une relation très proche avec la photographie et l’écriture. Leurs histoires mettent en évidence l’existence d’une narrativité inhérente aux images photographiques. A travers les lectures, opposées mais complémentaires, que les personnages font de la narrativité de l’image, Bellatin et Manguel formalisent deux manières de comprendre l’image et les relations que l’individu peut entretenir avec elle dans sa compréhension du monde.
Le cut-up : ut pictura poesis au pied de la lettre
Authors: Hougue Clémentine
Published: July 2012

Le cut-up, créé par Brion Gysin et William Burroughs au début des années 1960, pose le problème des relations entre écriture et image. Il s’agit d’un agencement aléatoire de fragments de textes, qui met ces deux arts sur un même plan : profondément lié aux arts picturaux (Burroughs a réalisé plusieurs collages dans des carnets et des peintures), le cut-up met en question les conditions de production du sens, en créant un art d’écrire mécanique et répétitif.
« Poétique de la Relation » Amina Saïd et Édouard Glissant
Authors: Moatamri Ines
Published: July 2012

Nous proposons dans cette lecture un regard croisé entre l’œuvre de l’écrivain antillais Edouard Glissant et celle de la poétesse tunisienne Amina Saïd, en posant comme centre d’interrogation central le concept glissantien de « poétique de la Relation ». Nous analysons pour ce faire les questions à la fois importantes et récurrentes dans leurs écrits que sont le paysage, l’identité-relation et la pensée de l’errance. En stimulant ce face-à-face, notre propos est ainsi de construire, de part et d’autre des frontières géographiques de la francophonie, un sol commun de la pensée. Ce socle peut constituer un fil conducteur qui sera, à sa façon, un lieu de naissance du relationnel entre des expressions et des expériences poétiques différentes mais convergentes -grâce aux orientations communes qui traversent les œuvres travaillées.
Comparative literature in Mexico
Authors: Pimentel Luz Aurora
Published: July 2012

A partir de quelques appréciations critiques, cet article propose un bref parcours de la littérature comparée au Mexique, allant des origines de la discipline à l’état actuel des études comparatistes. Il se concentre en particulier sur la façon dont la spécialité comparatiste a été intégrée aux études de troisième cycle de la Faculté de Philosophie et Lettres de l’UNAM, ainsi que sur la façon dont la discipline poursuit son évolution grâce à tout un groupe de collaborateurs.
“Que el inglés, entonces, hospede a mis muertos”: Joseph Brodsky, exiliado en Nantucket
Authors: Artigas Albarelli Irene
Published: July 2012

Ce texte analyse un poème de Joseph Brodsky, inspiré d’une photographie de Stephen White montrant des mouettes en train d’arracher les pages d’un livre dans un dépotoir. Il réfléchit aux raisons poétiques et biographiques qui amènent Brodsky, vers la fin de sa vie, à rénoncer au russe en faveur de l’anglais, langue apprise en exil. Un tel choix permet à l’auteur d’apporter un regard autre sur le langage, la mémoire et le sens même de la création littéraire.
Los primeros minutos de Monty Python y el santo Grial
Authors: Chimal Alberto
Published: July 2012

Cet article problématise quelques fragments de "Monty Python et le Saint Graal" ("Monty Python and the Holy Grail"), film réalisé en 1975 par Terry Gilliam et Terry Jones. En parodiant des textes et des films arthuriens - notamment La mort d’Arthur de Thomas Malory, souvent considéré comme le résumé “canonique” de la tradition arthurienne-, le film met ouvertement en question les réductions faites par le cinéma de la matière de Bretagne, en les ridiculisant et les opposant à d’autres éléments arthuriens pris dans les textes originels.
“Reflexionslogische Semiotik” Semiotics in the Logic of Reflection: A Non- classical extended Semiotics based on Gotthard Günther and Charles S. Peirce and its Application to Literary Theory
Authors: Ort Nina
Published: July 2012

The development of a Reflexionslogische Semiotik was developed through the search for a theory that allows us to describe “processuality” —a heuristic method that has not yet rendered conclusive results. The question was : would it be possible to design a logically consistent framework in which such phenomena can be examined ? A solution can be found in combining elements of Gotthard Günther’s “non-Aristotelian Logic” and Charles S. Peirce’s “pan-semiotic” theory. It can be demonstrated that Peircean Semiotics may be reconstructed as logically and epistemologically trivalent, i.e. as a non-classical, formally consistent, reflexion-logical system.
Wherefore Psychosemiotics?
Authors: Packard Stephan
Published: July 2012

Immediately subsuming any cognitive relation as a sign reference, the Peircean view is able to explain any act of semiosis in theory, and thus unable to explain preferences and omissions in practice. To include these phenomena, we may combine semiotics and psychoanalysis, introducing objective opacity into semiotics, and straightforward formalization into psychoanalysis. To showcase the explanatory power of the resultant psychosemiotics, an outline on comics’ central sign type, the cartoon, is presented.
Miroir et mémoire. La deuxième personne et l’autobiographie : Trame d’enfance de Christa Wolf et Enfance de Nathalie Sarraute
Authors: Müller Hélène
Published: July 2012

L´autobiographie est a priori le règne du « Je », mais dans Trame d´enfance, la romancière allemande Christa Wolf évoque son enfance et son adolescence sans recours à la première personne. L´instance narrative se scinde en un « elle » pour désigner l´enfant-personnage et un « tu » pour le sujet écrivant. Ce dispositif narratif invite à la comparaison avec Enfance de Nathalie Sarraute. Les deux textes font entrer la démarche autobiographique dans l´« ère du soupçon » et éclater l´unité fallacieuse du « Je ».
Je suis celui qui parle. L’interruption de la lecture dans Le Bavard de L.-R. Des Forêts
Authors: Servais Christine
Published: July 2012

On s’interroge dans cet article sur le mode d’adresse mis en place dans Le Bavard. Un bavard, c’est-à-dire, à bien des égards, un écrivain, peut-il s’adresser à l’autre, et à quelles conditions ? Cette adresse est déterminée par un rapport au langage, que nous explorons. En nous intéressant d’abord au rapport à l’autre mis en place par le bavard lui-même, puis à la manière dont ce rapport à l’autre infléchit, obscurcit le texte et s’y figure, pour ensuite en venir à la position du lecteur empirique. En somme, Le Bavard ferait de nous des lecteurs parce qu’il interrompt la croyance à l’œuvre dans la lecture.
“The Thing Itself” Ironic Hermeneutics of the Subject in King Lear
Authors: Macura Sergej
Published: July 2012

Cet article examine le processus de “connaissance de soi” conduit par le protagoniste principal de la pièce de Shakespeare, Le Roi Lear, à travers les dialogues du personnage éponyme avec les interlocuteurs divers de la pièce – les membres de sa famille, ses domestiques, ses camarades de souffrance sur la lande, mais aussi les forces de la nature. Son savoir le plus profond dérive de sa rencontre avec Edgar, déguisé en “pauvre Tom”, alors que Lear finalement devient fou, après avoir compris la misère qu’il s’est fait subir à lui-même.
Passeurs de langues, de cultures et de frontières : la transidentité de Dai Sijie et Shan Sa, auteurs chinois d’expression française
Authors: Croiset Sophie
Published: July 2012

Les auteurs en situation de contact avec des langues et des cultures différentes présentent une identité complexe, en mouvement, qui se crée et se ressent à travers leurs œuvres. Shan Sa et Dai Sijie, écrivains chinois d’expression française, exilés dans l’Hexagone, illustrent cette particularité à leur manière. Passant par une analyse du fond et de la forme de leurs productions romanesques, l’article met au jour les différentes caractéristiques de leur « transidentité » et appelle à une remise en question des catégorisations territoriales en littérature.
From Work to Frame in Intermedial References: Joseph Beuys in Three Contemporary German Poems
Authors: Reumkens Noël
Published: July 2012

Dans cet article, nous nous interrogeons sur ce qui se produit dans les textes littéraires se référant aux œuvres des arts visuels, qui en premier ressort ne sont pas visuels mais plutôt conceptuels et abstraits. L’œuvre conceptuelle de l’artiste allemand Joseph Beuys (1921-1986) s’appuie sur un cadre conceptuel résumé par le terme de “sculpture sociale”. Notre but est de rechercher comment trois poètes allemands contemporains, Thomas Kling, Durs Grünbein et Ulrike Draesner se rapprochent de cette “sculpture sociale” dans leurs poèmes.
Trois Blue Bird dans le cinéma américain
Authors: Janssens Christian
Published: July 2012

Dans le cadre de l’étude d’une adaptation cinématographique, nous proposons, non pas de comparer un seul texte littéraire avec un seul texte filmique, mais d’analyser le transfert du texte littéraire dans un « ensemble d’arrivée ». Par exemple, pour The Blue Bird (1918) de Maurice Tourneur, une des trois adaptations américaines de la féerie de Maeterlinck, l’« ensemble d’arrivée » est constitué par les films de Tourneur. Les conditions dans lesquels ces films sont fabriqués à Fort Lee peuvent apporter un éclairage utile sur les choix esthétiques du réalisateur au moment de l’adaptation.
I Promessi sposi de Manzoni comme « hypotexte » : réécritures pour l’opéra basées sur la Ventisettana
Authors: Peeters Ann
Published: July 2012

L’article a pour objectif de présenter une analyse comparative entre I Promessi sposi d’Alessandro Manzoni et les trois livrets d’opéra qui se sont basés sur la Ventisettana, tout en convoquant les textes en question dans la sphère d’influence plus vaste du célèbre roman. L’analyse proposée sera construite autour de la présence d’éléments comiques dans les opéras et de la reprise partielle du contenu des Promessi sposi, notamment les deux caractéristiques par lesquels les hypertextes examinés se distancient de l’hypotexte manzonien et des livrets basés sur la Quarantana.
De l’événement intramondain à l’événement discursif
Authors: Courtieu Marc
Published: July 2012

Dans une première partie, je précise la façon dont on a fait de la grande fiction occidentale du XIXe siècle un archétype du récit, en insistant sur un point sur lequel on a peu insisté : la place qu’y occupe l’événement d’une manière très générale, au niveau de l’histoire racontée. Il est alors dit intramondain (R. Audet). Je montre la persistance de ce paradigme « essentialiste » (Popper) chez plusieurs narrativistes récents (I. Lotman, J. Bres, F. Revaz). Puis j’évoque rapidement la remise en cause de ce paradigme, qui s’est faite aux alentours des années 1860, tant en littérature (Flaubert), qu’avec le darwinisme, qui introduit dans la pensée biologique une dimension de continuité en rupture avec le catastrophisme cuviériste. Cette remise en cause modifie radicalement la situation de l’événement dans l’économie narrative, et l’extension de son champ temporel. Les auteurs évoqués ici sont Gracq, Proust, Faulkner, Simon, Benet. La partie centrale de l’article se propose alors de préciser, dans un tel cadre, ce que serait un événement discursif (Audet), à partir de romans d’Eric Chevillard, d’Enrique Vila-Matas et de Jean-Benoît Puech. Ces romans seront dits déceptifs, si l’on vient y chercher un simple récit : l’événement y est déplacé dans tous les écarts discursifs, les gloses du narrateur, ses digressions, les « anges » digressifs (Chevillard) qui font que la lecture est sans cesse différée, retardée, toujours surprise. La conclusion enfin évoque le troisième type d’événements distingué par Audet : l’événement opéral, qui est celui de ces textes où l’écrivain est en première ligne, s’inventant dans et par son œuvre (Artaud, Gatti, Franketienne, Majrouh).
Lecteur, acteur : la culture populaire revisitée par les fanfictions et les jeux de rôle
Authors: Cristofari Cécile
Published: July 2012

A travers les fanfictions et les jeux de rôle se dessine un nouveau rapport entre la culture populaire et son public : en plus d’être spectateur, celui-ci participe à des activités recréatrices dans le prolongement des oeuvres qu’il apprécie. Ces activités se pratiquent dans une communauté où les questions de légitimité, de qualité et de reconnaissance ne se posent pas de la même manière que dans le cadre culturel traditionnel, et ont leurs règles et leur fonctionnement propres, que nous allons examiner.
« En face / d’événements / en face / des gens / et toujours la télévision / entre nous ». Le 11 septembre 2001 vu par deux poètes contemporains (Patrick Bouvet, Christophe Fiat)
Authors: Theval Gaëlle
Published: July 2012

Direct, de Patrick Bouvet, et New York 2001 de Christophe Fiat, deux livres de poésie consacrés au 11 septembre 2001, ont pour point commun de s’intéresser au traitement médiatique de l’événement. A travers un geste de reprise et de remise en branle des discours qui ont accompagné l’événement, ces deux poètes interrogent et critiquent le processus de fictionnalisation, d’éloignement du réel de l’événement dans le spectacle. Mais derrière la critique se profile également une tentative pour ressaisir l’événement dans sa singularité, en tant qu’il peut advenir dans et par la langue.
L’anagogie poétique. Un dialogue entre Virgile et Platon
Authors: Pilipović Jelena
Published: July 2012

Établir des relations constructives entre la poésie de Virgile et certains aspects de la pensée platonicienne constitue le but de notre recherche, dont le texte présenté ici propose une esquisse. Cette recherche n’est fondée ni sur la notion d’influence ni sur celle d’analogie – la première exigeant une approche historique et biographique, la deuxième présupposant un parallélisme entre les deux œuvres antiques –, mais sur la notion de participation constructive. La notion pivot qui permet de défendre cette idée est le concept d’anagogie. L’anagogie ou l’ascension, décrite dans les textes originaux de Platon d’une manière plutôt poétique que théorétique (Phèdre, Symposion), sera incorporée dans le système philosophique de l’époque médioplatonicienne (Didaskalos d’Alkinoos) : étant établi le télos suprême de l’existence humaine, elle représente la pénétration de l’âme dans le domaine éïdétique surpassant le monde sensible. Reflétée dans la structure autant que dans le corpus thématique de l’œuvre virgilienne, l’anagogie peut être proclamée comme l’un de ses principes créatifs. Sur le plan structural, la poétique de polysémie et l’idéal des significations cachées forment une hiérarchie sémantique, grâce à laquelle l’acte de lire devient une sorte d’ascension à travers le texte. La forme polysémique graduelle du texte virgilien est le fruit et l’objet central de cet article.
Valère Novarina, « l’acte inconnu ou l’événement à venir »
Authors: Née Laure
Published: July 2012

En marge d’une certaine doxa, le théâtre novarinien procède comme si le réel était impossible à saisir. La scène n’éclaire pas l’événement. L’auteur ne croit pas au mythe de saisir l’événement sur le vif, mythe incarné par « Les Machines à dire voici ». Raconter l’événement suppose de découper arbitrairement un épisode, pour en dégager les causes et les conséquences. Novarina refuse cette pratique d’écriture aristotélicienne. L’univers novarinien est celui de tous les possibles ouverts. L’Acte inconnu, déjà là, mais toujours à venir, est le seul événement possible.
Ideology and the absurd in literature
Authors: Popović Tanja
Published: July 2012

Le point de départ de cette étude est l’hypothèse d’un lien formel et sémantique entre le langage et le genre. L’absurde dans le discours est analysé dans les textes de N. Gogol et D. Kharms, tandis que les genres absurdes sont abordés à partir des récits de Dostoïevski, Camus et Sabato. La réalité des temps modernes et tous les aspects de ses représentations artistiques modifient la forme et l’idéologie du récit traditionnel. Le discours avant-gardiste du récit interprète la réalité ; il ne la dépeint pas ni ne la décrit. La distance auctoriale, auparavant réalisée au moyen de commentaires métatextuels, est à présent créée à l’aide de l’ironie et du cynisme, de l’absurde, de l’impossible et du fantastique.
Dialogues of Generations in Post-Holocaust Jewish American Fiction
Authors: Szlukovenyi Katalin
Published: July 2012

La question essentielle de la littérature juive américaine est de savoir comment intégrer les deux traditions. Les textes que nous étudions parlent des problèmes de l’identité et de la littérature sous la forme d’un dialogue entre les générations. L’article se focalise sur quatre ouvrages de la littérature juive américaine écrits après la Shoah et participant à ce dialogue, notamment Eli, the Fanatic de Philip Roth, Envy or Yiddish in America de Cynthia Ozick, Maus I et II de Art Spiegelman et The Book of Illusions de Paul Auster.
Huxley’s Eyeless in Gaza: The Role of Time and Narrative in the Depiction of Personality
Authors: Kajtár László
Published: July 2012

Cet article propose une analyse du roman d’Aldous Huxley publié en 1936, Eyeless in Gaza [La Paix des profondeurs]. L’objectif de l’étude est de montrer que le roman a été presque toujours analysé à travers des commentaires qui semblent désormais dépassés. En révélant les principaux éléments du caractère du protagoniste et leurs relations au temps et à la narration, nous chercherons à démontrer que Huxley était le maître de la tromperie et que La Paix des profondeurs est une oeuvre bien plus complexe que ce que la critique a pu en dire.
“Border Liners”. The Ship of Fools Tradition in Sixteenth-Century England
Authors: Turi Zita
Published: July 2012

This paper investigates the effect of Sebastian Brandt’s The Ship of Fools in sixteenth-century England. My starting point is Michel Foucault’s Madness and Civilization and I attempt to trace the philological background and the way Brandt’s text determined early-Renaissance satire and later ’fool literature’ in England. My goal is to articulate the fact that the transgression of the ship does not manifest itself merely in the act of translation but also in the liminal position of the fool and the transgression among generic boundaries as well.
Settling Scores and Unsettling Homecomings: A Reading of Jose Eduardo Agualusa’s “A Armadilha”
Authors: Kramer Micaela
Published: July 2012

Cet article traite des différents niveaux de trahison évoqués dans le conte « A Armadilha », de l’écrivain angolais José Eduardo Agualusa. Si ce conte introduit le thème de la trahison dans un cadre explicitement politique et postcolonial, cet article suggère qu’il y a encore un autre niveau de trahison dans le texte, moins explicite : la question de la trahison littéraire. L’une des interrogations que nous formulerons ici est la suivante : est-il possible de produire une littérature angolaise, écrite dans la langue coloniale portugaise, qui ne trahisse pas l’esprit postcolonial et d’émancipation de l’Angola ?
Palimpsestes et trahisons entre Irlande et Royaume-Uni : Joseph O’Connor, Charles Dickens et Emily Brontë
Authors: Perotto Anne-Lise
Published: July 2012

Star of the Sea est le roman de toutes les trahisons, à l’échelle du couple, de la famille, des nations. Cependant, O’Connor ne se contente pas de faire de la trahison une thématique, il structure son œuvre autour de la réécriture trompeuse d’un meurtre et expose la littérature comme la trahison perpétuelle de textes antérieurs. De récit d’un crime, Star of the Sea devient palimpseste criminel. Le crime ne s’arrête pas à l’assassinat d’un personnage. C’est la paternité littéraire qui est mise à mal, voire les auteurs eux-mêmes.
La passion de la trace : une genèse du logogramme et du logoneige de Christian Dotremont
Authors: Pelard Emmanuelle
Published: July 2012

Christian Dotremont invente, en 1962, le logogramme, un poème peint qui déforme l’écriture alphabétique, afin de faire advenir la poésie dans l’engobe même du signe graphique. La recherche d’une expressivité de la graphie implique une expérimentation de la trace écrite — le logogramme résultant d’un enchâssement de traces. En effet, les traces-indices constitutives du paysage lapon, qui inspire la logographie et le poète, engendrent une trace psychique, le souvenir de Dotremont intériorisé et esthétisé, c’est-à-dire la géographie imaginaire à l’origine de la trace écrite qu’est le logogramme. L’invention du logoneige — un logogramme tracé dans la neige — convoque un autre type de trace, photographique, afin de garder un vestige du logogramme de neige. La trace constitue donc le substrat de la création logogrammatique.
Sur la trace européenne du chantre de Thrace
Authors: Dekens Julie
Published: July 2012

Au vingtième siècle, malgré la progressive désaffection de la poésie pour la mythologie, Orphée laisse encore ses empreintes. Certes, son chant persiste, en français, allemand et suédois, mais sa puissance faiblit : certains auteurs perdent la trace d’Orphée, choisissent de suivre celle d’Eurydice ou bien simplement décident de poursuivre un autre chemin. Mythe des pouvoirs du verbe poétique, Orphée symbolise une conception de l’écriture en pleine évolution, car si le chant n’opère plus, que reste-t-il ?
Les conséquences pratiques de l’immédiat de la vraie vie : Une mise en relation de la vraie vie rimbaldienne et des Discours de Schleiermacher
Authors: Bauer Daniel
Published: July 2012

La présente étude interroge l’expérience de l’immédiat à la fois décrite chez le théologien et philosophe protestant allemand Friedrich Ernst Daniel Schleiermacher dans les Discours sur la religion : À ceux de ses contempteurs qui sont des esprits cultivés (1799) et chez Arthur Rimbaud dans les Illuminations (1872-1875). Les parallélismes seront mis en lumière tout autant que les conceptions que les deux hommes ont du sacré et d’une « nouvelle langue » qui l’exprimerait. Tandis que Schleiermacher y voit le fondement de la religion et lie l’expérience au prêtre, Rimbaud associe une telle expérience à la « vraie vie » et à la « voyance ». L’article pose la question de la convergence entre l’expérience poétique rimbaldienne, notamment dans Aube, et l’expérience fondatrice religieuse selon Schleiermacher.
Littérature populaire et urgence littéraire : le cas du rap français
Authors: Ghio Bettina
Published: July 2012

Le rap, phénomène musical en même temps que pratique esthétique de la langue, s’est développé et ancré en France à partir d’un besoin littéraire de la jeunesse des quartiers défavorisés, exprimé avant et au moment de son apparition. Pourtant, son classement au sein de la littérature soulève des contradictions. En analysant l’écriture propre aux textes de rap et les différentes conceptions de ce qu’on appelle "littérature populaire", nous nous demandons, dans cet article, si ces définitions suffisent à elles seules pour classer le rap dans l’univers de la littérature, ou s’il ne serait pas plutôt au croisement des cultures dites classiques et populaires.
En marge des genres : l’écrit « au fil du pinceau » (zuihitsu) au Japon et sa lecture moraliste en France
Authors: Laidli André
Published: July 2012

En marge des grands genres que sont le récit, le texte religieux et la poésie, le zuihitsu occupe une place particulière dans la littérature japonaise. Nous nous proposons d’interroger en détail la question de son genre. Pour cela, nous reviendrons notamment sur sa réception française. Ces textes japonais ont été, en effet, constamment rapprochés d’une lignée littéraire avec laquelle ils partagent en partie leur marginalité, leur écriture et leur enquête sur la vie humaine : celle des moralistes français.
Le donjuanisme comme déviance ? Enjeux de l’analyse médicale et psychanalytique d’un héros littéraire
Authors: Gournay Aurélia
Published: July 2012

Le comportement amoureux de Don Juan fascine car il s’écarte de la norme : est-il doté d’une vigueur extraordinaire qui ferait de lui l’homme parfait ? Cache-t-il, au contraire, un mal profond, qu’il essaie de combler en accumulant les conquêtes ? Nombreux sont les critiques qui tentent de contenir le héros dans un discours normatif ou de l’éclairer par la psychanalyse. Ces analyses deviennent, à leur tour, source d’inspiration pour les auteurs contemporains, permettant au mythe de se renouveler.
Exhibition de la marginalité et déviance du discours : les récits de la prostituée des années 1880 en France et en Espagne
Authors: Rousseau Marjorie
Published: July 2012

Les années 1880 voient se multiplier en France et en Espagne les récits sur la prostitution. Ils provoquent les habitudes du lectorat, ainsi que la tolérance de la censure en exhibant la marginalité : intérieur des maisons closes, quotidien d’une fille des rues, mise en scène de la sexualité… Ces romanciers ébranlent les normes littéraires. Mais qu’en est-il de leur positionnement sur ce phénomène social, politique et sexuel que constitue la prostitution ? Écrire la marginalité implique-t-il une déviance du discours ?
Marges du texte entre lecture et écriture
Authors: D’Ambrosio Mariano
Published: July 2012

Les études sur la réception des textes ont suggéré que tout texte configure son lecteur impliqué ou idéal. Le lecteur réel, pourtant, peut décider de répondre au texte plus librement, occupant les marges qui le bordent et activant un espace de renégociation du sens du texte et des hiérarchies des discours. La marge peut alors s’attaquer au texte de façon irrespectueuse et devenir un lieu de production de nouveaux sens, comme nombre de marginalia réelles ou fictionnelles nous l’indiquent.
Quelles formes d’implication dans les lieux de Musiques Actuelles et Amplifiées ?
Authors: le Rendu-Lizée Carole
Published: July 2012

Cet article a pour objectif de dresser l’état des lieux des pratiques de gestion des ressources humaines dans le secteur des musiques actuelles et amplifiées, ainsi que de repérer les formes d’implication des salariés. Cette problématique est posée dans un contexte de carence actuelle de données RH et dans une phase de professionnalisation et de croissance des activités. Nous nous appuyons sur le recueil d’informations liées à des enquêtes du réseau Fédurok. Dans un premier temps, nous mettons en évidence le manque de formalisation des structures, leur caractère adhocratique, et les particularismes de la gestion des ressources humaines, à savoir la cohabitation de statuts — salariés et bénévoles —, la faiblesse des rémunérations, l’absence de filière d’évolution, et la moindre reconnaissance de certains postes. Dans un second temps, nous proposons de déterminer l’implication au travers de quatre variables  : l’engagement militant, l’appartenance communautaire, l’engagement artistique et le projet esthétique. Au travers de l’analyse des discours de salariés, nous étudions l’évolution de ces facettes de l’implication, et dressons le constat de l’accroissement du caractère aliénant de l’implication organisationnelle et de l’engagement militant. En parallèle, nous observons le développement des souhaits de stratégie de carrière. Ces trois éléments interrogent l’évolution du secteur et de la gestion des équipes, en faisant apparaître trois formes de risque  : organisationnel, interactionnel et personnel. Des propositions, basées sur l’élucidation des rapports de pouvoir, le respect de l’identité artistique des lieux et une forme de professionnalisation «  auto-limitée  », visent à développer des outils ressources humaines spécifiques aux enjeux actuels des musiques actuelles et amplifiées.
Espaces de solidarités, de divergences et de conflits dans la musique montréalaise émergente
Authors: della Faille Dimitri
Published: July 2012

Cet article présente l’étude de deux scènes musicales dites émergentes à Montréal au Canada. Ce sont la scène musicale électronique minimale et la scène musicale post-rock. Depuis 1998, la musique à Montréal a connu de nombreux changements, des nouveaux styles musicaux ont augmenté la visibilité internationale de la ville. C’est particulièrement vrai pour le groupe de post-rock Godspeed You ! Black Emperor et le projet musical de Marc Leclair intitulé Akufen. Puisqu’elles sont relativement nouvelles et qu’elles connaissent une renommée internationale croissante, ces deux scènes sont appelées émergentes. Les deux scènes sont étudiées à partir de quatre dimensions principales qui permettent de mettre en évidence les solidarités, divergences ou conflits. Les dimensions sont esthétiques, territoriales, de valeurs et de langue. L’article met en évidence quelques pistes de réflexion quant à l’origine de rapprochements entre scènes musicales ayant des univers esthétiques différents. L’article émet également quelques hypothèses quant à l’origine de dissensions existant au sein d’une scène partageant une même approche esthétique de la musique tout en évitant une approche micro-historique. L’étude se base sur la connaissance et l’expérience personnelle de l’auteur, une analyse de la littérature journalistique et scientifique, une recherche qualitative par entretiens biographiques ainsi qu’une lecture assistée par ordinateur de 340 chroniques hebdomadaires couvrant l’actualité musicale locale.
Le concept album : une vaste « escrockerie » ?
Authors: Zebboudj Idir
Published: July 2012

Exercice de style largement galvaudé de nos jours, le « concept album » est un genre qui a vu le jour dans la deuxième partie des années 1960. À cet égard, il est l’un des stigmates des orientations artistiques qui animaient la scène Pop d’alors, frappée du sceau de la « révolution psychédélique ». Le Rock’n’roll des fifties y a connu de fortes mutations, sous l’influence principale des Beatles, puisant dans d’autres formes d’expression, notamment les musiques « savantes ». En 1969, les Who transposent l’Opéra dans le monde de la Pop : leur album « Tommy », notoirement connu pour être le premier Opéra rock de l’histoire, inaugure une longue série de concept albums. L’idée étant de concevoir le LP non plus comme une simple compilation de titres indépendants, mais comme un tout où les chansons servent de support à une histoire. Cette idée, qui fut abondamment reprise, n’a pas manqué de susciter des réserves, voire la moquerie de certains observateurs. Selon eux, l’album concept est l’une des illustrations des « dérives progressives » qui vont se confirmer dans les années 1970. En ce sens que le « vrai rock’n’roll » se serait perdu dans sa recherche de crédibilité artistique. Mais au-delà de ces considérations esthétiques, l’étude du concept album, en tant que véhicule d’une narration, soulève la question de la place des textes dans la musique Pop ou Rock.
La partition graphique et ses usages dans la scène improvisée
Authors: Saladin Matthieu
Published: July 2012

L’idée de cet article est née d’un simple constat, celui du regain d’intérêt que connaît aujourd’hui la partition graphique sur la scène de l’improvisation libre.Ce type de notation apparaît chez différents compositeurs dans les années cinquante et correspond, dans l’immédiat, d’une part, à un nouvel agencement des rôles d’interprète et de compositeur dans la création – qui n’est pas sans faire écho à tout un pan de l’histoire de la musique occidentale (légitime) comme aux rapports qu’entretiennent en son sein écriture et phonè – et d’autre part, à une nouvelle approche technique du phénomène sonore.La partition graphique a toujours entretenu des liens avec l’improvisation tant du point de vue de sa musicalité que des discours qu’elle sous-tend et, si elle suggère l’action, nous pouvons également supposer qu’elle suscite l’interprétation improvisée.à la suite d’un rappel des enjeux et du contexte liés à la nouveauté que constitue la partition graphique dans le champ musical des années cinquante-soixante, cet article tente d’analyser, au-delà du seul symptôme, les rapports que l’improvisation libre contemporaine entretient avec la notation graphique et plus précisément avec la partition Treatise du compositeur Cornelius Cardew. Nous verrons enfin ce que cette étude peut nous dire sur certains des aspects de la pratique de l’improvisation et des discours qui l’alimentent.
La Chanson de Malbrouck, de l’archive au signe
Authors: Leterrier Sophie-Anne
Published: July 2012

L’article s’intéresse à la célèbre chanson de Malbrouck, objet à la fois banal et ambigu, et aux métamorphoses historiques de ses significations. On montre dans un premier temps comment la chanson de Malbrouck est devenue populaire, sous quelles formes et dans quels contextes elle s’est diffusée au XVIIIe siècle, en particulier dans la littérature et sous la Révolution française, où elle a porté divers messages politiques. On s’intéresse ensuite à l’enquête historique dont la chanson a fait l’objet, surtout au milieu du XIXe siècle, d’abord dans le cadre d’une recherche des origines nationales à travers les « archives du peuple », puis sous les auspices du Comité des travaux historiques et scientifiques. On revient à cette occasion sur l’origine hypothétique et légendaire de la chanson de Malbrouck, et sur les doutes suscitées aujourd’hui par ces hypothèses. Enfin, on explique comment la chanson a perdu une partie de son sens, notamment de son sens politique, malgré la brillante tentative de « fusion des deux cultures » opérée par Victor Hugo dans les Châtiments. On montre cette inflexion dans l’illustration des recueils de chansons enfantines publiés entre 1880 et nos jours.
La représentation des chanteuses au café-concert : les genres de la romancière comique et de la diseuse
Authors: Gouspy Carol
Published: July 2012

Actuellement, le café-concert, le music-hall et le cabaret sont des divertissements fréquemment confondus qui véhiculent une image obsolète et stéréotypée. Dans cette étude, nous nous intéresserons tout particulièrement à l’ancêtre du music-hall : le café-concert. Apparaissant aux alentours de 1850 à Paris, ce dernier associe la boisson à la chanson et au spectacle. Pourtant, à ses débuts, rien ne laisse présager le succès de ce loisir convivial et disparate qui connaît une vogue croissante jusqu’à la Première Guerre mondiale. Afin de contenter les spectateurs devenus exigeants face à un spectacle créé à leur intention, les directeurs des cafés-concerts recrutent des artistes charismatiques. Aussi aborderons nous la représentation des chanteuses au café-concert, ce qui nous amènera à prendre en considération, d’une part, la spécificité de leur genre et, d’autre part, l’impact de ces vedettes sur la clientèle. Afin de se démarquer de leurs concurrentes, elles étudient avec minutie leur gestuelle, leur costume et leurs effets vocaux. Parmi les nombreuses catégories du café-concert, nous avons choisi de présenter deux genres principaux : celui de la « romancière comique », dans lequel s’illustre Thérésa, et de la « diseuse », la plus notoire étant Yvette Guilbert.Même s’il n’est pas en adéquation avec les canons esthétiques de l’époque, leur physique joue un rôle non négligeable. Cependant, l’apparence quelconque de ces femmes déclenche des polémiques car elles instaurent un esprit de contestation qui scandalise les critiques et déclenche l’hilarité du public populaire. Afin de divertir ce dernier et d’obtenir la renommée tant convoitée, elles emploient tous les procédés comiques à leur disposition. Pour accroître leurs bénéfices, les cafés-concerts rivalisent d’ingénuité pour s’arracher ces chanteuses car les enjeux de ce spectacle se situent entre préoccupations commerciales et artistiques.
En bordure de voix, corps et imaginaire dans la chanson réaliste
Authors: Deniot Joëlle-Andrée
Published: July 2012

Au siècle dernier, dans la période de l’entre-deux-guerres, dans les rues, sur les scènes de music-hall et de cabaret, à la TSF, les chansons du répertoire réaliste se font entendre ; elles deviennent populaires. Ce réalisme-là n’est pas celui de la critique sociale, il parle de souffrance, de fatalité, de deuil. Ce sont des voix de femmes qui vont porter ces chants du drame personnel ou commun et devenir figures héroïques de ce sombre réel. Comment cette connivence peut-elle s’établir ? Ce texte se proposant d’envisager la chanson à travers le style vocal, analyse les liens existant entre passion – cette forme paroxystique de l’amour – et voix ; entre passion de la voix et incarnation féminine de l’interprétation de ces complaintes intériorisées.Au-delà de la référence explicative aux cadres historiques et idéologiques permettant de comprendre ce registre émotif des chansons, il s’agit d’aborder les questions relatives à la conceptualisation de la voix, à l’humus intuitif et sensible dont son écriture naît et dont elle se nourrit.
« Chantez-vous en français ou en anglais ? »
Authors: Guibert Gérôme
Published: July 2012

Faut-il chanter en français ou en anglais lorsqu’on est un groupe de l’Hexagone interprète de rock ou d’autres musiques amplifiées ? Chez les musiciens et les autres acteurs de la musique (critiques, militants, fans…) le débat existe et se fédère autour de deux idées antagonistes. Pour les uns, l’authenticité passe par un un respect strict des codes du courant musical revendiqué : « l’esprit » de ces musiques est anglo-saxon et s’exprimer en français c’est trahir l’essence des mouvements concernés. Pour les autres, l’adhésion au mouvement passe par une adaptation de ses codes à sa propre culture. Si l’on est français, l’originalité et la singularité créative ne peuvent venir que de l’utilisation de la langue maternelle, seul moyen de véhiculer les messages qui comptent pour soi. À l’occasion de cette contribution, on cherchera à mettre en évidence quelques variables importantes qui amènent aujourd’hui la plupart des groupes à privilégier la seconde position après avoir, historiquement, longtemps défendu la première.
Strands of the future: France and the birth of electronica
Authors: Albiez Sean
Published: July 2012

The early history of 1970s electronic rock music, or electronica, often centres on the innovations of Brian Eno, Tangerine Dream and Kraftwerk, whose creative roots are identified as in avant-garde modernist and contemporary music (e.g. Luigi Russolo, Edgard Varese, John Cage, Karlheinz Stockhausen and Pierre Schaeffer). German, British and American artists have gained wide recognition for their roles in this history, but French artists who made important contributions to developments in early electronica have seemingly been overlooked. This oversight is arguably due to a general antipathy to French rock of the 1970s (both inside and outside France) (Looseley: 2003), the considerable antagonism of rock critics to the progressive rock genre (then and since) (Sheinbaum, 2002), and perhaps due to the prejudices and priorities of earlier academic studies of popular music (Hebdige, 1979).This study analyses the work of Pulsar, Richard Pinhas / Heldon, and Jean-Michel Jarre, and suggests these artists, though having diverse creative agendas, produced music that was more than a simple imitation of 1970s British progressive rock. Alongside their foreign counter-parts, they attempted to transform and challenge Anglo-American pop and rock music. They forged a creative path that looked outside the French context for inspiration, while creating music that connected to the twentieth century French tradition of electronic music - from Messiaen to Boulez to Jean-Jacques Perrey. Rather than viewing this music as being created in the shadow of Eno, Robert Fripp and Pink Floyd, it is suggested that it may well be a fruitful exercise to excavate and re-evaluate French electronic rock music of the 1970s. With the recent growing success of French Techno, it seems an appropriate time to reconsider earlier French electronica, as it has yet to be adequately explored either inside or outside the French context.
L’image de « l’Arabe » dans la chanson française contemporaine
Authors: Mathis-Moser Ursula
Published: July 2012

Prenant comme point de départ la constation d’Edward Said que la culture populaire américaine et occidentale a tendance à représenter l’Arabe, le musulman, de manière péjorative et stéréotypée, les pages qui suivent examineront l’image de « l’Arabe » telle qu’elle se présente dans la chanson française contemporaine, tout en jetant un regard sur la chanson coloniale et celle des années 1970. Le corpus de notre étude est constitué par la collection de disques et CDs hébergée dans les Archives de la chanson de l’Université, corpus de plus de 40.000 titres, mais néanmoins limité. Malgré la forte présence maghrébine dans la société française actuelle, le terme « Arabe » apparaît seulement dans trois titres, il se manifeste un peu plus fréquemment à l’intérieur des textes ou bien le personnage de « l’Arabe » se trouve mêlé – et représenté, sans être nommé – au groupe des immigrants. Parallèlement, on note la polyvalence du terme à l’intérieur du domaine de la chanson, de sorte que « Arabe » peut désigner l’habitant d’origine des anciennes colonies maghrébines, l’individu de culture arabe ou bien le Maghrébin indifférencié et nommé « Arabe » par ses interlocuteurs blancs. Basée sur ces observations et une première partie quantitative, l’analyse exemplaire d’une chanson de S. Reggiani et de Sapho définit les contours de la représentation de « l’Arabe » et nous amène à une caractérisation générale du corpus contemporain. Une différenciation entre auto- et hétéro-stéréotypes selon l’origine des producteurs ne semble pas possible et pourrait être approfondie dans une future étude.
Une rencontre entre musique savante et jazz, musique de tradition orale
Authors: Perret Carine
Published: July 2012

Dans les années 1920, l’Europe découvre le jazz. Un esprit de liberté souffle sur Paris ; le jazz intrigue le public et les artistes, devenant le phénomène musical majeur des années folles. Des compositeurs français comme É. Satie, D. Milhaud ou encore M. Ravel témoignent un vif intérêt à cet ailleurs musical. Cette ouverture sur un monde musical issu de l’oralité entraîne un métissage artistique, source de renouvellement esthétique. La rencontre entre jazz et musique savante sera analysée au travers des traces musicales présentes dans les œuvres telles que Parade, Le Bœuf sur le Toit, Ragtime pour onze instruments ou L’Enfant et les Sortilèges qui constituent notre corpus. Nous montrerons comment ces œuvres reflètent particulièrement l’influence du music-hall, forme de jazz spectaculaire très au goût du jour dans le Paris des années folles et lui empruntent des accents noirs-américains et notamment certains traits du langage néo-orléanais (formations instrumentales, modes de jeu, rythmes syncopés). Ce faisant, sera montré que l’attitude de métissage propre à É. Satie, D. Milhaud, I. Stravinsky et M. Ravel, a engendré un réel renouvellement esthétique de la musique savante.