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Entre la esclavitud y el ensalzamiento: La presencia africana en la sociedad y en el teatro del Siglo de Oro español
Authors: Barrios Olga
Published: January 2014

En este artículo se ofrece una visión general de la situación y condiciones de la población negra africana en la sociedad española del Siglo de Oro, refiriéndose al racismo y a la condición de esclava a que era sometida, y definiendo el término de esclavitud tal y como se entendía en esa época. El estudio de la realidad existente en dicha época se complementa con un análisis de la representación que de la población negra se realizó en las comedias de la época, refiriéndose concretamente a Juan Latino de Diego de Enciso, El valiente negro en Flandes de Andrés Claramonte y El santo negro Rosambuco de Lope de Vega, con una somera referencia a la imagen de esta población plasmada en la pintura barroca y a la representación ambigua, simbólica y enigmática que caracterizaba el arte (pintura y teatro). En contraste con la realidad de la esclavitud, los personajes negros protagonistas de las obras teatrales parecen ser ensalzados por sus cualidades (sabiduría, valentía y santidad), lo cual, de acuerdo con la estructura de la comedia, contrasta con el personaje del gracioso quien utiliza un lenguaje rústico/habla de negro y muestra vicios y defectos no encontrados en los protagonistas. (OB)
Capital Accumulation and Canon Formation in Lope de Vega's De cosario a cosario
Authors: Wright Elizabeth R.
Published: January 2014

This article follows the threads of literary and topical allusions to interpret an underappreciated comedia madrileña, De cosario a cosario . Its action turns on two young nobles who set out to trick one another, each understating a large fortune and pretending to undergo bloodlettings to cure lovesickness. Their eventual marriage gives life to the play's title, a recycled refrán whose provenance infuses the love plot and concluding marriage with irony: Celestina declares that "de cosario a cosario no se pierden sino los barriles" when she cajoles Areúsa with a reminder of the "professional courtesy" that binds dishonest negotiators. In addition to this literary allusion, the comedia 's title signifier invites readings that take into account the other symbolic dimensions of the "corsario/cosario." Lope himself chronicled the life of one such antihero in his La Dragontea , a work that suffered censorship because its account of Francis Drake's death ran afoul of prohibitions against writing about recent, American history. Despite limitations due to censorship, Lope continued to write about the New World's impact on his own society. Though it does not narrate recent, American history in the manner of La Dragontea, De cosario a cosario skips ahead one step, portraying the social consequences of early-modern globalization. That is, the court city that lives on the frenetic extraction of American silver will find its systems of values irrevocably distorted in favor of the cosario/corsario , who lives and trades on the spoils of empire without working.
In the Beginning Was . . . the Word?: Calderón and Conventions of Golden Age Play Beginnings
Authors: Cull John T.
Published: January 2014

Relatively little critical attention has been paid to the conventions that govern the ways that Spanish Golden Age plays begin. This study defines a set of conventions for these play beginnings and offers some theoretical precepts that helped to shape the conventions. After reviewing the comments on play openings found in contemporary theoretical treatises of the period, this study offers some observations on play openings for Lope de Vega and Tirso de Molina. Factors considered include the number of characters onstage, the use of vertical space, sound effects, machinery and other special effects, and beginnings of (apparent) harmony vs. beginnings of crisis. The play openings of Calderón de la Barca are then studied at some length. Finally, this article seeks to show how Golden Age play beginnings were at least in part shaped by external considerations of representation and circumstance, such as the theatrical troupe for which a given play was composed. (JTC)
Lope de Vega, inventor de América: El Nuevo Mundo descubierto por Cristóbal Colón
Authors: Castillo Moisés R.
Published: January 2014

El Nuevo Mundo escenifica al indio y la conquista dentro del marco estructural de la comedia de honor que trae todas las convenciones del género, pero al mismo tiempo se nutre de los elementos del discurso teológico-jurídico Renacentista despertado por el salvaje; de tal modo, que en su intento de catalizar la realidad del indio numerosos elementos de ambos ámbitos no van a poder ser integrados en un todo uniforme, en una representación que no muestre desavenencias, produciendo extrañamiento. Buena parte de los estudiosos ha visto en estos desarrollos de Lope una marcada postura crítica con respecto a la legitimidad de la conquista. Por el contrario defiendo que esa extrañación, consecuencia de la puesta en escena de un indio honorable y bárbaro al mismo tiempo, genera un tipo de discurso que, lejos de producir contradicción, conflicto o subversión en cuanto a lo que signifique la legitimidad de la conquista, funciona como el mejor intento de asimilación en la ficción de esa entidad Otro, el indio. Dicha entidad se piensa como esencial para la perpetuación y el fortalecimiento del sistema de valores dominante legitimador del modelo de autoridad monárquico-señorial del Barroco. Además, toda una serie de elementos que la obra de Lope despliega pertenecientes o bien al código teológico propiamente, o bien a la comedia de santo—justificadores de la labor de evangelización de los españoles en Indias—entran a formar parte de un drama de capa y espada, donde el conflicto de honor genera la violencia indígena, no la sublevación religiosa de los amerindios que probaría las posturas de Ginés de Sepúlveda: indios bárbaros u homúnculos violentos. En este sentido, El Nuevo Mundo celebra el móvil de Colón: la victoria universal del cristianismo, representando fervorosamente sobre las tablas la 're-conquista' de América. (MRC)
A Question of Values: The Spiritual Education of Segismundo in Calderón's La vida es sueño
Authors: Aylward E. T.
Published: January 2014

Calderón's La vida es sueño has been subjected over the years to a variety of scholarly interpretations. These range from the Platonic to the mythological, the epistemological, the psychoanalytical, the political, and the feminist, to name but a few. The present study proposes that Calderón's masterpiece might also be profitably interpreted as a coming-of-age story. The drama, in short, is about civilizing values and how they are instilled in each new generation. In the case of young Segismundo, heir to the Polish throne, Calderón shows how a wide range of moral values—some theological, some political, and others more social in design—are successfully instilled in the brutish young man through some rather extraordinary life experiences.
Cuellos, valonas y golillas: leyes suntuarias y crítica política en No hay mal que por bien no venga , de Juan Ruiz de Alarcón
Authors: Jiménez Antonio Sánchez
Published: January 2014

Sin lugar a dudas, la guerra contra los costosos cuellos almidonados que se pusieron de moda en España a comienzos del reinado de Felipe III, las diversas pragmáticas suntuarias, prohibiéndolos o permitiéndolos, que se proclamaron hasta entrado el reinado de Felipe IV, provocaron una enorme agitación social, que se vio reflejada en la literatura de escritores como Quevedo, Tirso de Molina o Góngora. Y también en la del dramaturgo Juan Ruiz de Alarcón. Aunque ningún crítico lo haya puesto de manifiesto, las tramas política y amorosa de su comedia No hay mal que por bien no venga (c. 1624) comparten como característica común el análisis de las funestas consecuencias de una política de derroche. Dado que uno de los personajes de la comedia, don Domingo de Don Blas, es el centro de varias referencias a prendas de vestir, entre ellas la golilla, mi trabajo analiza estas insistentes referencias en el contexto de las pragmáticas suntuarias de 1623, y de su revocación con la visita del Príncipe de Gales a Madrid ese mismo año. El análisis de la obra demuestra que, aunque los parlamentos de don Domingo están en perfecta consonancia con las pragmáticas suntuarias de Olivares, su práctica dramática no lo está, puesto que don Domingo no acepta el único resultado duradero de esas pragmáticas: la golilla. En mi opinión, la práctica dramática de la obra llama así la atención del público sobre las pragmáticas, poniendo en evidencia su inutilidad esencial (no detuvieron el lujo en el vestir en general), y la superficialidad de sus resultados (el triunfo de la golilla). Este comportamiento, en un personaje positivo, y en una obra en la que tanta importancia tiene la economía, no sólo permite una lectura de No hay mal que por bien no venga como crítica del lujo, derroche, y emprestamiento en general, sino también como una crítica de la particular política económica del régimen de Olivares. Es decir, sostengo que No hay mal que por bien no venga critica el vano resultado de las medidas suntuarias de 1623. Esta lectura, que se aparta de las que la crítica ha propuesto anteriormente para esta comedia, fundamentalmente moralistas, dentro de la tónica general en torno a Alarcón, ofrece una nueva posibilidad de entender no sólo Don Domingo de don Blas , sino también la totalidad de la obra de su autor. (ASJ)
Calderón's Life Is a Dream: Mapping a Culture of Contingency for the Twenty-first Century
Authors: LaRubia-Prado Francisco
Published: January 2014

This essay sets out to produce a reading of Life Is a Dream that shows how Calderón's play is relevant to our individual lives as we begin the new millennium, thus serving as a response to Ortega y Gasset's question, "Can we live today based on the legacy of our classics?" It does so by showing that (1) Life Is a Dream presents the history of human ideas and developments as a nominalist succession of key metaphors, where one metaphor displaces a previous metaphor that has been dominant up to that point, and (2) that Calderón's text invites us to further humanize and expand our own culture of liberalism. The playwright makes the spectator/reader aware of the dangers inherent in the dominance of a language that attempts to be the only language spoken by all.
La primera dama, el público y Catalina de Erauso: colaboración teatral en La monja alférez de Pérez de Montalbán
Authors: Velasco Sherry
Published: January 2014

Este ensayo analiza la colaboración teatral entre la primera dama (Luisa de Robles), el papel que ella desempeña (basado en la vida del personaje histórico Catalina de Erauso) y el público en la representación de 1626 de la comedia La monja alférez , atribuida a Juan Pérez de Montalbán. Este estudio demuestra cómo el texto dramático produce el significado de la obra teatral para el público, y tiene en cuenta la actuación de Luisa de Robles, influenciada por los datos y el chisme "pre-representación" sobre la actriz y sobre la Monja Alférez de carne y hueso. Por consiguiente se trata de una verdadera co-producción en la que también participan los espectadores, quienes aportan todo un conocimiento histórico extra-escénico a su experiencia teatral. De esta manera, no se puede separar del evento dramático (texto, montaje, actuación y recepción) lo que había pasado en la vida de todos los participantes antes de la representación.
The Marriage of Art and Honor: Anamorphosis and Control in Calderón's La dama duende
Authors: Nelson Bradley J.
Published: January 2014

Anamorphosis, broadly speaking, refers to visual tricks and conceits that arise with the invention and development of Renaissance single point perspective. The plays of Calderón de la Barca not only make generous use of visually anamorphic strategies to simultaneously illuminate and hide the progress of their intriguing plots, the language of painting and baroque theories of representation are important structural and narrative elements in his dramatic practice. This study examines Calderón's use of anamorphosis in his drama of intrigue La dama duende , concluding that the playwright dramatizes the relationship between art and the human faculties of the imagination and judgment in order to circumscribe the production of marvelous artistic spectacles within the social and political arena of honor. (BJN)
"Con arte se vence todo": Images of the English in Lope de Vega
Authors: Stone Robert S.
Published: January 2014

At the close of the sixteenth century, Spain and England were bitter religious and political rivals. When Felipe II and Elizabeth I died in 1598 and 1603, respectively, diplomatic relations between the two powers took a turn for the better, but at the level of popular culture Spain remained permanently vilified in the eyes of most Englishmen. This phenomenon is one aspect of the leyenda negra , the English roots of which are found in events such as Henry VIII's break with Rome, the translation of Las Casas's Brevísima relación , the reign of "Bloody Mary," and the failed invasion of the Spanish Armada. This article continues work on the comedia started by Donald Cruickshank, partly in an effort to redress an imbalance of studies on the image of Spaniards in England and the neglected image of the English in Spain. Although Spanish encounters with peoples of the New World have been closely examined, considerably less attention has been given to the question of European others in Spain. With this in mind, I look at Lope de Vega's English characters and settings in ten comedias written between 1598 and 1612, searching for evidence of a Spanish response to the Black Legend. Did Lope vilify in kind and, if not, why not? (RSS)
A Woman Not Fit to Rule: The Gendering of Jealousy in Lope de Vega's Arminda Celosa
Authors: Wagschal Steven
Published: January 2014

The jealousy of the powerful female protagonist, Queen Arminda, is disparaged and greatly feared by other characters in this play by Lope de Vega. But these characters need not fear. Unlike their male counterparts in similar situations in Lope's plays, such jealous women never kill anyone. Rather, the women are made to look irrational for their jealousy, even when it is rationally justifiable (as in the case of Queen Arminda, whose husband is a philanderer). Such representations of women's jealousy propagate cultural stereotypes of women's weakness and especially their irrationality, and tend toward the conservative side of the early modern political debates on the suitability of queens as rulers. Furthermore, the contradictions in the text demonstrate the need for a philosophical re-appraisal of the emotions and of their representation in literature.
The Politics of Agriculture: Dramatizing Agrarian Plight in Lope's Fuenteovejuna
Authors: Gasta Chad M.
Published: January 2014

Among the numerous socio-historical subtexts that inform the plot of Lope's Fuenteovejuna is an often-overlooked economic subtext that is related to agrarian issues that were of great importance in Golden Age Spain. For the purpose of this study, Fuenteovejuna is resituated within the economic and political climate of early seventeenth-century Spain to show how many notorious agrarian dilemmas known to exist during Lope's time also appear in his play in references to farming, shepherding, crop production, grain storage, and famine. Such a recontextualization of the play likewise shows that the assorted allusions to agriculture are actually relevant to Lope's epoch and not to the time of the dramatic action, 1476. The study then explores how these agrarian problems are generally attributable to the Comendador in the play whose murder symbolically resolves the play's agrarian dilemmas and, similarly, acts as a symbolic resolution for early seventeenth-century agrarian problems that ground the play. (CMG)
"A Man with No Name": A Contrarian Reading of One Version of Don Juan in the Twenty-first Century
Authors: Sears Theresa A.
Published: January 2014

Gender theory generally holds that white men are the triumphant beneficiaries of a patriarchal system that oppresses and exploits the Other in all of its manifestations, but principally in the form of the feminine. Readings of the function of gender in Golden Age drama tend to support this tenet. A close analysis of the intersection of gender, character, and society in Tirso de Molina's El burlador de Sevilla , however, draws a more nuanced and less categorical picture. It presents Don Juan not as the result of the rebellion of women against the patriarchal order, nor as the rebel himself against it, but rather as the phantom created by patriarchy itself in order to justify its own existence. His unsettling lack of personal and social identity, as well as his challenge to the homosocial bonds that ideally structured early modern aristocratic society, represent the fears of masculinity that haunt a patriarchal system. (TAS)
El chivo expiatorio sustitutorio: El castigo sin venganza
Authors: Petro Antonia
Published: January 2014

Frente a los primeros estudios del ritual que lo asociaban exclusivamente con la religión, críticos como Hubert, Mauss y Durkheim, entre otros, empezaron a relacionarlo con otras disciplinas humanísticas como la sociología, psicología y etnografía. Girard y Burkert llegaron más lejos cuando establecieron que la religión es un fenómeno social y el ritual del sacrificio una construcción humana que ofrece la única solución posible a la violencia innata del ser humano. A través del ritual, el individuo puede justificar y racionalizar su violencia, transformando la muerte de una víctima en algo más noble y con un propósito más digno: un sacrificio a un ser superior. Ésa es la base teórica desde la que he estudiado El castigo sin venganza de Lope de Vega. Desde el momento en que el duque de Ferrara mezcla los elementos de justicia humana y ley divina para disfrazar su venganza, la pena de muerte por adulterio de las víctimas se convierte en un sacrificio donde el elemento social y el sagrado se combinan para poner en marcha el mecanismo ritualista. No obstante, la ambigüedad de los elementos del ritual y las irregularidades que se cometen en su desarrollo harán que pese a las apariencias de orden restaurado al final de la obra, el sacrificio en Ferrara requiera un nuevo chivo expiatorio: el propio duque, que pasará de verdugo a víctima moral y se verá enfrentado a una nueva crisis en su comunidad.
"Segunda Cava en España": moro, morisco y venganza en tres comedias de Lope de Vega
Authors: Jiménez Antonio Sánchez
Published: January 2014

En los años inmediatamente anteriores y posteriores a la expulsión de los moriscos, Lope de Vega trató el tema del moro y su relación con España en tres comedias históricas, Los Benavides, El último godo y El bastardo Mudarra . La figura del moro ocupa un tema central en las tres obras, funcionando como contrapeso de los protagonistas en El último godo y Los Benavides , e incluso formando parte del carácter del personaje principal en El bastardo Mudarra . Lope conectó las tres comedias mediante su temática histórica e islámica, pero también procuró establecer un vínculo explícito entre ellas: los personajes de El bastardo Mudarra describen a doña Lambra como una "Segunda Cava," y comparan la traición de Ruy Velázquez con la de don Julián; de modo semejante, el protagonista de Los Benavides alude a los pecados de don Rodrigo y la Cava, y reclama a su hija un nuevo "Mudarra" que le vengue. Lope ideó las tres obras históricas y sus respectivos moros siguiendo un pensamiento común, que puede revelarse al estudiarlas conjuntamente. El análisis de las comedias manifiesta que la figura del moro representa diferentes facetas del tema de la venganza, una violencia incontrolada que trae consecuencias terribles para las sociedades cristianas. Lope utiliza al moro para reflexionar sobre la guerra, la paz y el papel de la venganza en la sociedad. Además, las obras contienen numerosas referencias anacrónicas que sitúan al oyente en la primera década del siglo XVII, y no en el remoto pasado medieval de las crónicas en que se basan. (ASJ)
Scripted Oralities circa 1607-1610: Language and Intention in Góngora's Las firmezas de Isabela and Lope's Lo fingido verdadero
Authors: Bultman Dana
Published: January 2014

This essay compares the interplay between orality and writing in Góngora's Las firmezas de Isabela and Lope's Lo fingido verdadero and describes the divergent consciousness of scripted orality evident in these works. The popularity of the volume entitled Quatro comedias de diversos autores , first published in 1613, provides evidence that there was an appetite for reading Góngora's and Lope's comedias alongside each other during the period in which print culture, with its inward turn of the psyche towards analysis and abstraction, coexisted with the practice of reading aloud. Both works use the orality associated with the comedia to define the slippage of human control over language's allusiveness and representational powers. But whereas Góngora's characters build (and lose) their self-definitions in an inherited language which they navigate like a sea of fragmented allusions and citations, in Lo fingido verdadero , attention is focused upon characters' desire for power in and over language, and their sense of the sublime upon realizing that originality and meaning are located elsewhere. (DB)
Tirso and the Scene of Writing: El castigo del penséque and Quien calla, otorga
Authors: Mandrell James
Published: January 2014

El castigo del penséque and Quien calla, otorga offer a unique opportunity to reflect on Tirso de Molina's penchant for developing ideas over two and three distinct comedias and work together to illustrate their author's intense interest in language, speech, and writing. The comedia that announces a continuation, El castigo del penséque , addresses in conjunction with the second play, Quien calla, otorga , the very processes of writing and interpretation. With these two comedias , Tirso once again demonstrates the power of speech and the way in which the dramatic word, indeed, all language, works in concert with worldly action even as he subtly shows how two distinct and discrete works open to interpretation can form a single conceptual whole. (JM)
"Las naves de la conquista": Woman and the Fatherland in El burlador de Sevilla
Authors: Camino Mercedes Maroto
Published: January 2014

In the conversation between the fathers of Don Juan and Doña Ana that takes place in the first act of the play, Don Gonzalo expatiates at length on the virtues of Lisbon. Among its landmarks, he foregrounds "las naves de la conquista," at once signalling Portugal's openness to the Atlantic world and the wealth those ships brought back from their arduous travels. This passage links Don Juan's conquests to those of Iberian conquistadores , in a display of masculine rivalry that, like the double meaning of burlador de España , brings home the association of woman and land, more specifically, woman and the "fatherland." The present analysis of this Loa of Lisbon shows the feminisation of the notions of urbanism, civility, and exploration of the seas that underscores the play and that was part and parcel of early modern Spanish culture.
El impulso lúdico schilleriano y el teatro calderoniano de enredo
Authors: Hildner David J.
Published: January 2014

Friedrich Schiller, en sus Cartas sobre la educación estética , plantea dos polos de la actividad humana, tiránico cada uno sin la intervención del otro: el impulso material o vital ( Stofftrieb ) y el formal ( Formtrieb ). De la feliz integración de los dos nace el impulso lúdico ( Spieltrieb ), el cual supera tanto el apetito de la experiencia fáctica o directa como el de la abstracción. De manera análoga, Calderón crea en sus dramas de enredo una estructura argumental y un tono que son rigurosamente lúdicos, al no prestarse ni al desgarro afectivo directo ni a la codificación ética o filosófica. A través del análisis de la pieza cómico-melancólica No siempre lo peor es cierto , se muestra cómo el enredo calderoniano establece ciertos patrones, repetidos de drama en drama sin vínculo necesario con la tonalidad grave o ligera. (DJH)
The Toothsome Mouth in El médico de su honra
Authors: Lottman Maryrica Ortiz
Published: January 2014

The painful practical realities of seventeenth-century dentistry underpin the dramatic action of El médico de su honra . While a number of critics have used thematic evidence to argue whether King Pedro will have Coquín's teeth extracted, it should first be recognized that the king's threat to have all of Coquín's teeth extracted constitutes a death threat. The present study argues that the fates of Coquín and Mencía are intimately connected. In fact, they are so inextricably intertwined that after the apariencia of Mencía's bloody bed—a visual spectacle that resembles a bloody mouth—Coquín's death is no longer dramatically or thematically necessary. Mencía has bled to death in imitation of the same threat directed against Coquín. Reading the play from Gutierre's point of view, we recognize that Gutierre's fear of King Pedro's male teeth makes him turn against Mencía, a more vulnerable female target. In Gutierre's mind, Coquín and Mencía are allied, among other factors, by their less-than-masculine sexuality. King Pedro has threatened Coquín with death because of the clown's rampant expressiveness and its threat of disorder. Similarly, Gutierre arranges Mencía's murder in part out of a fear of her expressiveness and its inherent threat to male honor and male order.
Bridging the Performance Gap: The Body, Cognitive Theory, and Comedia Studies
Authors: Connor (Swietlicki) Catherine
Published: January 2014

The purpose of this study is to acquaint comedia scholars with the "cognitive revolution" in literary and cultural studies—an approach enabling us to understand age-old problems with new evidence and insight. A key benefit of this interdisciplinary process is an enriched understanding of how the unique yet valid contributions of distinct fields might complement each other more than previously realized. In effect, bridges are created among psychological, philosophical, biological, structuralist, poststructuralist, and cultural or other materialist-oriented studies used in comedia research. A second benefit of the cognitive approach is its bridging of the "gap" traditionally seen between a dramatic text and its performance. Similarly, embodied cognitive research reveals overlooked relationships among dramatists, actors, spectators, readers, etc. Because cognitive theory deals precisely with the mind as profoundly embodied in the most literal and physical sense, performance-oriented fields like comedia are a perfect illustration of how body/brain functions are always totally inseparable and interrelated. We learn, for example, that even the pre-linguistic brain activities always function "metaphorically," that is, by bridging distinct areas of the brain and creating momentary maps of meaning. Hence the literary, the lofty, the rational, and the artistic are also the biological, the emotional, and the ordinary. The implications of such new considerations for our re-examination of canonical comedia texts, criticism, and literary history are far-reaching. This study discusses such developments in Shakespearean studies and suggests several areas "ripe" for study in comedia research. (CC)
Lope de Vega in lengua mexicana (Nahuatl): Don Bartolomé de Alva Ixtlilxochitl's Translation of La madre de la mejor (1640)
Authors: Burkhart Louise M. , Sell Barry D. , Wright Elizabeth R.
Published: January 2014

In 1640, Don Bartolomé de Alva Ixtlilxochitl, a descendant of Nahua nobles and Spanish colonizers, translated four Spanish dramatic works from Castilian to Nahuatl ( lengua mexicana ). By identifying the titles and authors of the three longer Spanish texts and signing his name to the translation, this Mexican priest and scholar became a singular figure in the post-Conquest language encounter that shaped Mexico's hybrid society; specifically, he is the only translator of early-modern Spanish dramas into any Amerindian language whom we can identify by name. In these pages, we contemplate Alva's translation enterprise using La madre de la mejor , a comedia de santos built on the hagiographic accounts of the nativity of the Virgin Mary. We begin with a discussion of the complex, multicultural social context in which the translator and his interlocutors lived and worked. Then we compare the original Lopean drama and the Nahuatl translation. As we do so, we contemplate two key changes wrought in translation. First, the Mexican version of Lope's play erases the picturesque language of characters of humble origins, making all the characters speak like cultivated Nahuas. Second, the decidedly Castilian natural world celebrated in the Spanish drama gives way to a native, Mexican landscape strongly infused with sacred connotations. To close, we consider the implications of changes found in translation as they attest to emerging Mexican identities in the second century after the conquest. (LMB, BDS, ERW)
La razón de estado en Los cabellos de Absalón
Authors: Peláez Ivan Fernández
Published: January 2014

La crítica ha dado dos lecturas opuestas de la figura del rey David en Los cabellos de Absalón : por una parte, se le ha considerado culpable de la tragedia representada en la obra por su exceso de compasión y, por otra, el perfecto ejemplo de monarca cristiano. El presente estudio intenta colocar al David y otros personajes de esta obra en el contexto de la teoría política española de la época de Calderón, para encontrar un punto de vista diferente al de estas consideraciones tradicionales. Al hacerlo, se puede considerar la actuación de distintos personajes en relación con tendencias varias de la teoría política, bien sean maquiavélicos puros, "eticistas" (antimaquiavélicos) o pensadores que intentaban situarse entre las dos tendencias. En estas consideraciones, el alineamiento de la figura de David resulta problemático, reproduciendo los propios dilemas de la teoría política española de la época, con un David que actúa como un perfecto cristiano pero paradójicamente lleva a su reino al desastre por su moralidad, y otros personajes, como Joab y Ensay, que se sitúan en la zona indefinida de la teoría política contemporánea entre el utilitarismo puro y la fidelidad total a los principios de la moralidad cristiana. (IFP)
"Honesta Venus" o "Demonio Vestido de Mujer": La percepción y el violador en No hay cosa como callar
Authors: Costales Kathleen
Published: January 2014

El propósito de este artículo es discutir el problema de la percepción masculina de la mujer — visto en la comedia calderoniana No hay cosa como callar — en relación con la violación sexual, comparando el comportamiento de las dos protagonistas, así como las opiniones hacia ellas que los dos personajes masculinos expresan. Me interesa la percepción que tiene don Juan de la mujer como seductora provocando a los hombres, y por lo tanto merecedora de la agresión, cuando al mismo tiempo Calderón construye en Leonor una mujer que inspira la simpatía del espectador y que desaprueba esta noción con su honradez. Además, la conducta de don Luis al honrar a doña Leonor contrasta con la de don Juan y señala la lujuria que éste confunde con amor; en tanto que otra mujer, Marcela, sirve de contraparte a Leonor marcando el decoro de la protagonista con su falta del mismo. Através de un estudio de la mujer ideal creada en manuales de conducta como La formación de la mujer cristiana de Juan Luis Vives y La perfecta casada de Fray Luis de León, intentaré evaluar el grado en que las opiniones expuestas por los hombres reflejan concepciones comunes en la época. (KC)
El potencial dramático de Escarramán
Authors: García Santo-Tomás Enrique
Published: January 2014

La entrada final de Escarramán en el entremés El rufián viudo participa de una larga tradición proveniente de romances, pasos, jácaras y piezas festivas. Cervantes es, en este sóntido, tan sólo uno de los muchos ingenios de su época en rescatar dicho motivo. Una de las versiones más interesantes es la comedia semiburlesca El gallardo Escarramán de Salas Barbadillo, cuyo parecido con su homónimo cervantino no deja, sin embargo, de esconder una agenda personal y política: la exaltación de la Corte madrileña como un nuevo espacio de rivalidad con la Babilonia sevillana, ya en cierta decadencia durante la época en que se escribe la pieza. Con ello, y a partir de una punzante crítica a los males de la sociedad (pre)moderna, el diálogo que se establece entre uno y otro autor no impide que Salas se deje llevar por su tradicional estética, a medio camino entre la burla risueña y el más amargo desengaño. En última instantia, su ambientación también pasa por la recuperación de ambientes sórdidos y resonancias pretéritas tales como Rinconete— que reaparece aquí—Monipodio, la Escalanta y toda la progenie de truhanes que Salas disfrutó como censor de las Novelas ejemplares cervantinas, y que le sirven ahora para intervenir en lo actual desde la validez de lo universal.
Icons of Honor: Cervantes, Lope, and the Staging of Blind Faith
Authors: Nelson Bradley J.
Published: January 2014

The goal of this paper is to initiate an analysis of the commonalities between secular and sacred theatrical institutions and conventions by focusing on a few moments in Cervantes's El retablo de las maravillas in which the socio-economic embeddedness as well as the aesthetic conventions of both dramatic genres are foregrounded. Thus, rather than pursue a reading of the ways in which the religious themes and images described in the empty retablo satirically subvert the rhetoric and ideology of racial purity (Molho, Wardropper, Zimic, Moner, Reed), I am more interested in how Cervantes's staging of Chanfalla and Chirinos's engaño uncovers the commercial and political compromises of baroque theater, including religious theater. My thesis, in short, is that Cervantes's devastating critique of the debilitating enfermedades of honor and limpieza de sangre can and should be understood within the context of the entire array of institutionalized theatrical practices in Counter Reformation Spain, including—perhaps even especially—its most powerful expression of ethno-religious triumphalism, the auto sacramental .
Cervantes o la relocalización del sujeto teatral
Authors: Gutiérrez Carlos M.
Published: January 2014

Cervantes was trapped in a paradoxical stance as a playwright: he had to defend his theater outside the stage. That situation led to the "virginal" publication (that is, with no previous performance) of most of his known plays, which, in turn, stressed another paradox: Cervantes conceived his playwriting as a "pure," intellectually-thrilling production in a context in which plays had turned into "mercadería vendible" ( Quijote I). My aim in this article is to analyze the extra-theatrical strategies by which Cervantes sought to relocate his relationship with theater and with literature at large, once he realized that it was out of touch with the massive marketability imposed by Lope's theater. These strategies are to be found, then, in his non-dramatic works ( Don Quijote, Novelas ejemplares, Viaje del Parnaso ) and were comprised of textual, authorial, and self-fashioning position-takings. Among the textual ones that we can identify are his prologues, the dialectical nature of most of his works (including the Viaje ), and isolated episodes in non-dramatic works such as Don Quijote . Concerning his authorial strategies, two can be mentioned: first, the reflexivity that he uses to look both at literature itself and, at the same time, at the outsider, the somewhat secondary role that he played in the emerging literary field; and, secondly, the use of a veiled but distinctive symbolic violence against Lope and the theater that he represents. Finally, Cervantine works after 1605 left behind a trace of self-fashioning, as his self-portraits and ironic self-deprecations and confessions frequently remind us. It could be argued that what Cervantes tried to do with these strategies was to inscribe himself as a character into the dramatis personae of the Spanish literary stage. (CMG)
Rústico examen de ingenios en La elección de los alcaldes de Daganzo
Authors: de León Vicente Pérez
Published: January 2014

"La elección de los alcaldes de Daganzo" es uno de los tres entremeses cervantinos—junto a "El retablo de las maravillas" y "El estudiante de Salamanca"—que tienen lugar en una aldea. A partir de este espacio dramático, se propone una reflexión sobre los diferentes recursos utilizados en esta obra para crear un determinado ambiente de aldea, principalmente a través de las intervenciones de los diferentes candidatos a alcalde y del hecho de que la propia elección constituya una especie de examen del ingenio rústico. En este sentido, se hará énfasis especial en la estructura de la obra como una exploración de las destrezas físicas e intelectuales de los candidatos a alcalde y de sus personalidades que tiene su origen en ideas similares expuestas en la obra Examen de ingenios para las ciencias del humanista del siglo XVI Juan Huarte de San Juan. El hecho de que el debate de la obra gire en torno al hecho de encontrar a un "buen gobernante" ofrece además multiples posibilidades de analizarla a partir de las proyecciones de la aldea como locus amoenus promovidas en diversas obras y géneros literarios de principios del siglo XVII. En este sentido, en "La elección de los alcaldes de Daganzo" se aprecia la intención de ofrecer una visión desmitificada o "contrautópica," usando un término de J. A. Maravall aplicado al Quijote , de la sociedad pueblerina contemporánea a Cervantes. (VPL)
Empty Words: Promises and Deception in La entretenida
Authors: Kartchner Eric J.
Published: January 2014

El drama cervantino manifiesta muchas de las mismas preocupaciones literarias que se destacan en la obra narrativa de Cervantes. Puesto que el público de las comedias "nunca representadas" se aproxima al teatro a través de la lectura—no el espectáculo—el texto escrito llega a tener una importancia fundamental, no sólo en pintar las acciones de los personajes y eventos descritos en cada obra, sino, también, en comentar sobre sí misma, en descubrir el artificio de su propia construcción, en ser autoconsciente desde el título hasta la última frase. En La entretenida Cervantes juega con las convenciones dramáticas, en particular con la del papel de la fregona, y, a la vez, trastorna las sensibilidades y expectativas de los lectores, Hamando atención a las convenciones literarias y sociales para desbaratarlas (¿para desafiarlas?). Pero, de la misma forma que Don Quijote desconstruye el género caballeresco mientras construye el libro ejemplar de caballerías, La entretenida descubre las convenciones de la comedia sin dejar desnudos y desamparados ni a los personajes ni al género mismo. (EJK)
El juez, el dramaturgo y el relojero: justicia y lectura como ciencias inexactas en El juez de los divorcios de Cervantes
Authors: Atienza Belén
Published: January 2014

Se analiza el entremés cervantino en el contexto de las leyes y practicas legales de la España del Siglo de Oro. Conocedor de la ley y habiendo vivido personalmente una separación matrimonial, Cervantes trata muchos de los mismos temas que los jueces trataban en los tribunales—malos tratos, impotencia, adulterio—y lo hace con humor y compasión. Nuestro autor usa las convenciones dramáticas del entremés para cuestionar a su público y hace el tema del divorcio más comprensible sin ser moralizador. El reloj desconcertado y el continuo esfuerzo del relojero sirven como metáforas para el esfuerzo de los matrimonios infelices, los jueces, y, al fin, el esfuerzo que Cervantes espera de sus lectores
¿Ortodoxia cervantina?: Un análisis de La gran sultana, El trato de Argel y Los Baños de Argel
Authors: Castillo Moisés R.
Published: January 2014

En estas tres obras, donde Cervantes delinea su visión del Otro, el lector se siente confrontado con la contradicción existente entre la defensa y la crítica de la ortodoxia cristiana. Es decir, la contradicción que supone el despliegue de múltiples pasajes de una notable ortodoxia cristiana, en los cuales se insertan diálogos que no sólo no concuerdan, sino que subvierten dicha ortodoxia. A mi modo de ver, la razón de ser de estos momentos contradictorios, de estas oscilaciones, tiene que ver con el plan cervantino de sacar a la superficie y desmantelar, con ayuda de la ironía, los ideales fatuos: honor, pureza de sangre, exagerada ortodoxia religiosa, que vienen impuestos por la ideología dominante. Cervantes lleva a cabo su plan, contraponiendo el discurso del honor y la excesiva ortodoxia religiosa con la hipocresía del comportamiento humano. Se ve al moro desde los ojos del cristiano y al cristiano desde los ojos del moro, produciéndose así una especie de "vértigo" que viene a desestabilizar cualquier noción de centralidad cultural. Las nociones de esencialismo cultural estân basadas en rígidos mitos como el código del honor, o la pureza de sangre, que no se pueden mantener en la práctica. De hecho, la práctica de las relaciones cristiana-moro, mora-cristiano anula el valor y la viabilidad de esos mitos. En efecto, como desvelan las tres obras, es imposible actuar conforme al ceñidor del honor, o mantener la escrupulosidad religiosa, o de la sangre, sin caer a veces en la inconsecuencia o en el ridículo. En zonas de contacto cultural como Argel o Constantinopla no podemos preservar la fantasía social de que entre el Uno y el Otro haya una diferencia intrínsecamente radical.
The Play of Illusion in Cervantes's Interludes
Authors: Martin Vincent
Published: January 2014

Taking as a point of departure Julián Marías's inquiries into the particularly Spanish phenomenon of ilusión , Johan Huizinga's study of the play element of culture, and Cornelius Castoriadis's notion of the "social imaginary," this study explores the ways in which Cervantes made use of the multifaceted concept of ilusión through an analysis of the four interludes that center on a hoax. Although the element of play and the concept of "illusion" clearly serve as a theoretical support for all dramatic literature, what we find in Cervantes's interludes is a masterful blend of these ludic ingredients that come together to stage forms of reality that reflect the social imaginary of seventeenth-century Spain, as well as the human condition. The social imaginary in these pieces consists of an endless series of hopes and expectations, continually executed through the Cervantine play of "engaño a los ojos." Ultimately, these pieces represent the never-ending reading/writing of a never-ending action, an ilusión in the "negative" sense (i.e., deception) that ultimately imbues the reader/spectator with the "positive" sense (i.e., hope, expectations) of this "dramatic" phenomenon.
The Nahuatization of Paul in La conversión de san Pablo
Authors: Stern Charlotte
Published: January 2014

The Nahuatl text of the Conversion of Paul preserved in a sixteenth-century manuscript from colonial Mexico offers a privileged view of the evangelistic theater in its formative stages. This essay reviews the different treatments of Paul's conversion in extant Latin, Italian, English, Castilian, and Catalan plays of the twelfth through sixteenth centuries before examining the even more independent Nahuatl text. While the European plays elaborate the canonical account recorded in Acts 9, 22 and 26, the Nahuatl text relies on passages from Acts 13:9, II Corinthians 12, the apocryphal Apocalypse of Paul as well as medieval lore concerning St. Sebastian, all of which are manipulated to produce a highly original script. Paul, Sebastian, the ancient Jews, and early Christians are refashioned to fit comfortably into the Amerindian world, into the here and now of the writer and his intended audience of Nahua nobility. The Nahuas likely proved more receptive to Christian teachings when they believed that they were included in God's plan for humankind. Despite the early date of the Nahuatl text (1530?), we cannot infer from it the existence of a medieval Castilian play on this theme because the Nahuatl text has no features in common even with those late sixteenth-century Spanish conversion plays that have survived. (CS)
Numancia : "nuestra historia"
Authors: Darst David H.
Published: January 2014

La forma teatral de Numancia difiere de la de todas lasotras obras dramáticas del Siglo de Oro en varios aspectos: la distribución de jornadas (o actos); la extraña simetría de entradas y salidas de los personajes, de la versificación, de las figuras alegóricas y del simbolismo de subidas y caídas; la presentación de oraciones extensas y hortatorias; la introducción del conflicto político contemporáneo entre España y el Vaticano; y la comparación constante del pueblo pagano y supersticioso de los numantinos con el pueblo católico y ortodoxo de los españoles del siglo XVI. Este ensayo procura explicar que estas anomalias se deben principalmente a que Numancia , aunque escrita en forma "teatral," tiene fines netamente pertenecientes a la "historia," y más concretamente en la mente de Cervantes, a "nuestra historia." (DHD)
La herencia de la commedia dell'arte italiana en la conformación del personaje de Juan Rana
Authors: Raposo Francisco Sáez
Published: January 2014

Desde su nacimiento, la commedia dell'arte italiana influyó de manera decisiva en todo el panorama escénico europeo. Ese influjo queda patente en el teatro español de los Siglos de Oro donde se puede percibir en el tratamiento que en la comedia barroca se lleva a cabo de ciertos temas, el planteamiento de algunas situaciones y, en especial, en la idiosincrasia de la figura del gracioso . Pero sería en el teatro breve donde su huella quedó grabada de una manera especial y trascendental. El que llegó a ser el personaje más representativo e incluso el icono de todo el género, Juan Rana, no fue, ni mucho menos, ajeno a los esquemas y patrones que establecieron los cómicos italianos a la hora de dar vida a los personajes que protagonizaban sus obras, por lo que gran parte de su génesis y esencia se la debe directamente a ellos. Si algunos de los personajes Dell'arte derivaron directamente en la creación de un único personaje análogo dentro del género breve español, en el caso de Rana encontramos que en su configuración se adoptaron diversas características distintivas de un significativo número de ellos, por lo que quizás habría que buscar gran parte de su enorme fama y éxito en la riqueza y complejidad que esta coyuntura significó con respecto a los estereotipados personajes con los que compartió el escenario. (FSR)
'Un hombre sin nombre': The Mirroring of Language and Nature in Tirso's El burlador de Sevilla
Authors: Gala Candelas
Published: January 2014

This essay explores the role of language in Tirso's El burlador de Sevilla as the major system of social mediation. Placing its validity on the level of the divine, the play's social order centers on the non-arbitrary value of words. Don Juan's language of direct reference to life and nature contrasts with the societal discourse of those representing officialdom, as it shows total disregard for the social agreement about the binding power of words. Both sides, however, maintain an interchange, which defines them, not as opposite poles of the life-society spectrum, but as mirror images vis-à-vis societal rules and conventions. Don Juan and his society model each other's desires and, in the process, they each exhibit the lack in their core.