bluuebunny/crossref_metadata_2025 huggingface dataset:
СПЕЦИФИКА ОРКЕСТРОВОЙ ВЫРАЗИТЕЛЬНОСТИ В ТРИПТИХЕ Б. И. ТИЩЕНКО ПО СКАЗКАМ К. И. ЧУКОВСКОГО
Authors: Батагова Т.Э. , Конарев М.А.
Published: December 2024

Статья посвящена изучению особенностей оркестрового стиля Бориса Ивановича Тищенко (19392010). Специфика оркестрового письма композитора рассматривается на примере триптиха по сказкам К. И. Чуковского. В триптихе, включающем оперу Краденое солнце , балет Муха-Цокотуха и оперетту Тараканище (1969), отражены настроения советского общества в краткосрочный период оттепели, характеризующийся отказом от жестких идеологических догм. В сочинениях Б. Тищенко по сказкам К. Чуковского для музыкального театра причудливо взаимодействуют сказочно-лирические, гротескно-сатирические и мифопоэтические образы. Творческая система композитора вполне традиционна, в ней нашли отражение ритмо-интонации и звуковой колорит русского фольклора. В то же время в музыке триптиха Б. Тищенко проявил себя как композитор, своеобразно расширивший стилистические, жанровые, драматургические рамки оперы, балета, оперетты. Выразительность оркестрового стиля Б. Тищенко основана на таких художественно-эстетических принципах, как сопричастность к фольклорному богатству, органичная переработка достижений современной оркестровой и музыкально-сценической культуры. Особенно ярко оригинальные идеи композитора были переданы оркестровыми средствами. Авторы статьи пришли к выводу о функциональной многоплановости оркестровой ткани, выявили характерные черты оркестрового стиля Б. Тищенко

The article is devoted to the study of the features of the orchestral style of the composer Boris Ivanovich Tishchenko (19302010). The specifis of the composers orchestral writing is examined on the example of a triptych based on fairy tales by K. I. Chukovsky. The triptych, including the opera The Stolen Sun , the ballet Mucha Tsokotuha and the operetta Tarakanishche (1969), reflcts the thawing mood of the Soviet society, the ideas of turning to simple human feelings in fition, rejecting rigid ideological dogmas. In the works of B. Tishchenko based on the tales of K. Chukovsky for musical theater, fairy-tale-lyrical, grotesque-satirical and mythopoetic images interact. The musical and linguistic style of the composer is based on the continuation of the traditions of domestic and foreign music, a reflction of the rhythm-intonations and sound color of Russian folklore. At the same time, in the music of the triptych B. Tishchenko proved himself as an innovative composer, expanding the stylistic, genre, dramatic framework of opera, ballet, operetta. The expressiveness of B. Tishchenkos orchestral style is based on such artistic and aesthetic postulates as involvement in folklore wealth, organic processing of the achievements of modern orchestra and musical stage culture. The composers especially innovative ideas were conveyed by orchestral means. The authors of the article come to the conclusion about the functional diversity of the orchestral fabric, and reveal characteristic features of the orchestral style of B. Tishchenko.
СЕМАНТИКА ЖАНРА ТАНГО В БАЛЕТАХ Д. Д. ШОСТАКОВИЧА
Authors: Рыбалова М.М.
Published: December 2024

Актуальность исследования и его научная новизна обусловлены тем, что в нем впервые дается сравнительная характеристика танго Д. Д. Шостаковича из балетов Золотой век (соч. 22, 19291930) и Болт (соч. 27, 19301931). Популярное в 1930-е годы танго в творчестве Шостаковича не только соответствовало духу современности, но и служило символом тлетворного буржуазного мира. Кроме того, танго давало возможность показать присущую этому жанру чувственность в гипертрофированном виде, что соответствовало новаторскому методу гротеска. Танго Шостаковича это карикатурная зарисовка холодных расчетливых Дивы и Фашиста в Золотом веке или пьяного распустившегося делопроизводителя Козелкова в балете Болт . В современных постановках сюжеты данных сочинений были переработаны, что нашло отражение и в музыке. В Золотом веке вместо прежнего танго звучит Фокстрот (блюз) из Сюиты для джаз-оркестра Шостаковича. В балете Болт танго сохраняется, но меняется его драматургическая роль. Оно звучит не во второстепенном эпизоде, когда пьяный Козелков пристает к комсомолке Ольге, а в одном из ключевых моментов развития сюжета: Леньке приходит в голову мысль подложить в станок болт, чтобы устроить аварию. Объектом данного исследования являются два танго из балетов Шостаковича Золотой век и Болт , предметом особенности трактовки данного жанра. Цель статьи определить семантику жанра танго в балетном творчестве композитора

The relevance of the study and its scientifi novelty are due to the fact that it for the fist time gives a comparative characteristic of D. D. Shostakovichs tango from the ballets The Age of Gold (op. 22, 19291930) and The Bolt (op. 27, 19301931). Popular in the 1930s tango in the works of Shostakovich not only corresponded to the spirit of modernity, but also served as a symbol of pestilent bourgeois world. In addition, tango gave the opportunity to show the inherent sensuality of this genre in an exaggerated form, which corresponded to the innovative method of grotesque. Shostakovichs tango is a caricature sketch of cold calculating Diva and Fascist in The Age of Gold or drunken dissolute clerk Kozelkov in the ballet The Bolt . In modern productions, the plots of these compositions have been reworked, which is reflcted in the music. In The Age of Gold instead of the former tango the Foxtrot (Blues) from Suite for jazz orchestra No. 1 by Shostakovich is used. In the ballet The Bolt the tango is preserved, but its dramatic role changes. It sounds not in a minor episode, when drunken Kozelkov hits on a Komsomol Olga, but in one of the key moments of the plot: Lyonka comes up with the idea to put a bolt in the machine to arrange an accident. The object of research are two tangos from Shostakovichs ballets The Age of Gold and The Bolt , the subject is the peculiarities of the interpretation of this genre. The purpose of the article is to determine the semantics of the tango genre in the composers ballet work. The research hypothesis is the following: tango in Shostakovichs ballets serves as an expression of negative images
ЦЕРКОВНОЕ ПЕНИЕ В БЛОКАДНОЕ ВРЕМЯ. ПЕРСОНАЛИИ
Authors: Стефанович Д.В.
Published: December 2024

Статья освещает положение церковно-певческого дела в годы ленинградской блокады. Впервые представлены имена певчих, регентов и церковных композиторов, до сих пор неизвестные даже кругу специалистов. В статье дана краткая справка о событиях предшествующих началу Великой Отечественной войны, обрисована политика государства в отношении церкви и раскрыты трудности отправления культа в Ленинграде. В работе использованы как известные, но разрозненные сведения, так и материал до сих пор не ставший предметом изучения, прежде всего воспоминания очевидцев и потомков участников блокады. Впервые перечислены и получили краткие характеристики оставшиеся в городе регенты и церковные композиторы, для некоторых из них указаны даты кончины. Для остальных, выживших, приведены сведения о их послевоенной деятельности. Выявлена тесная связь большинства композиторов и регентов с церковно-композиторской школой Н. А. Римского-Корсакова и признанной школой русских церковных музыкантов, дореволюционной Придворной Певческой капеллой. Впервые в круг изучения попали имена музыкантов до сих пор неизвестные. В заключительной части работы описан композитор М. М. Попов-Платонов, имя которого замалчивалось долгое время в связи с трагическими и не до конца выясненными обстоятельствами его гибели.

The article highlights the situation of church singing during the Leningrad Blockade. For the fist time the names of singers, regents and church composers are presented, still unknown even to a circle of specialists. The article provides a brief account of the events preceding the start of the Great Patriotic War, outlines the states policy regarding the church and reveals the diffiulties of worship in Leningrad. The work uses both well-known but scattered information, and the material that has not yet been studied, primarily the recollections of eyewitnesses and descendants of the blockade. The regents and church composers remaining in the city are listed for the fist time and receive brief characteristics. For some of them, the dates of death are indicated. For the rest, survivors, information is given about their post-war activities. There has also been revealed the close connection of the majority of composers and regents with the church-composer school of N. A. Rimsky-Korsakov and a recognized school of Russian church musicians, the pre-revolutionary Court Singer Chapel. For the fist time, the names of musicians still unknown are included in the study circle. The fial part of the work describes the composer M. M. Popov-Platonov, whose name was hushed up for a long time due to the tragic and incompletely clarifid circumstances of his death.
КИТАИЗАЦИЯ ЗАПАДНОЙ ФЛЕЙТЫ: ИЗ ИСТОРИИ ФЛЕЙТОВОГО ИСКУССТВА КИТАЯ
Authors: Мао Н.
Published: December 2024

В статье рассмотрены особенности освоения флейты западного образца в Китае. Продолжительное время западная флейта воспринималась китайцами как экзотический инструмент, ничего общего не имевший с национальными флейтами ди или сяо, кроме формальной принадлежности к одному семейству. Однако на волне вестернизации западная флейта осваивается как элемент западноориентированных учебных программ, затем к ней обращаются молодые композиторы Китая, которые открывают в ней возможности трансляции китайской специфики в пространство мировой культуры. Освоение западной флейты выглядит как ее национализация, в процессе которой заметны два пути: соединение ладовой специфики с элементами западноевропейского музыкального языка и совмещение арсенала западной техники с традиционными способами звукоизвлечения, таки - ми как тембровосонорное интонирование и мелодические фиоритуры восточного типа. В творчестве китайских композиторов, писавших для флейты, представлены подлинные шедевры флейтовой музыки, такие как Медитация и Пикколо пастушка Хэ Лутина, Солнце светит ярче над Тянь-Шанем Хуан Хувэя. В этих произведениях на инструменте, пришедшем с Запада, зазвучало богатство и очарование древних китайских флейт.

The article discusses the features of mastering a Western-type flte in China. For a long time, the Western flte was perceived by the Chinese as an exotic instrument that had nothing to do with the national fltes di or xiao except for formal belonging to one family. However, in the forefront of Westernization, the Western flte is being mastered as an element of Western-oriented training programs after that young Chinese composers turn to it, opening up in it the possibility of trans lating Chinese specifiity into the space of world culture. Mastering the Western flte looks like its nationalization, in the process of which two paths are noticeable: combining the frets specifis with elements of the Western European musical language and combining the arsenal of Western technology with traditional sound extraction methods, such as timbre-so nor intonation and oriental melodic grace. In the works of Chinese composers who wrote for flte, genuine masterpieces of flte music are presented, such as Meditation and Piccolo Shepherdess by He Lutin, The Sun Shines Brighter over the Tien Shan by Huang Huwei. In these works for the instrument, which came from the West, the richness and charm of the ancient Chinese fltes began to sound.
МИФОЛОГИЧЕСКИЕ ОСНОВАНИЯ ОБРАЗОВ МУЗЫКИ В ТВОРЧЕСТВЕ ПРЕРАФАЭЛИТОВ
Authors: Булычева Е.И.
Published: December 2024

Статья посвящена рассмотрению характера использования мифологических образов при создании произведений живописи, посвященных теме музыки, которая имела в творчестве прерафаэлитов особую значимость. Автор на примере конкретных работ художников этого круга раскрывает ряд специфических особенностей, присущих художественной интерпретации мифологического материала. Первое, на чем останавливает внимание автор, это активное обращение художников к античному мифу, в котором тема муз и музыки представлена достаточно полно. При этом выбор мифологического сюжета, а главное, характер его интерпретации диктовались характерным для XIX века романтическим пониманием и сущности музыки, и античного мира. Отмечается также, что наряду с традиционным для классического искусства использованием сюжетов античных мифов, прерафаэлиты актуализировали кельтские мифы и средневековые легенды. На этой основе формировались новые мифологические единицы , что позволило каждому из художников значительно обогатить свой образный арсенал. Кроме того, мифологическая природа образов музыки в творчестве прерафаэлитов раскрывается, в том числе и благодаря оригинальному мифопоэтическому пространству, которое существует по законам мифа, но истоком которого является собственная интуиция художника.

The article is devoted to the consideration of the nature of the use of mythological images in the creation of paintings devoted to the theme of music, which was of particular importance in the works of the Pre-Raphaelites. The author, using particular works by artists of this circle as an example, reveals a number of specifi features inherent in the artistic interpretation of mythological material. The fist thing the author pays attention to is the active appeal of artists to the ancient myth, in which the theme of muses and music is presented quite fully. At the same time, the choice of the mythological plot, and, most importantly, the nature of its interpretation, was dictated by the romantic understanding of the essence of music and the ancient world, characteristic of the 19th century. It is also noted that along with the use of plots of ancient myths traditional for classical art, the Pre-Raphaelites actualized Celtic myths and medieval legends. On this basis, new mythological units were formed, which allowed each of the artists to signifiantly enrich their imaginative arsenal. In addition, the mythological nature of the images of music in the works of the Pre-Raphaelites is revealed, inter alia, thanks to the original mythopoetic space, which exists according to the laws of myth, but the source of which is the artists own intuition.
НА ПУТИ К СОЗДАНИЮ КОМПЛЕКСНОЙ МЕТОДОЛОГИИ ИССЛЕДОВАНИЯ ИСКУССТВА
Authors: Афасижев М.Н.
Published: December 2024

Статья посвящена анализу ряда концепций отечественных ученых, предлагающих различные методы междисциплинарного изучения искусства, в частности различных сфер искусствознания, эстетики, культурологии, философии, социологии. Автор приходит к выводу о том, что перспективы создания комплексной методологии исследования современного искусства связаны, во-первых, с выявлением отношения актуальных художественных практик к историческим моделям искусства и во-вторых с созданием активного и открытого дискуссионного пространства по обсуждаемой проблематике.

The article is devoted to the analysis of a number of concepts of Russian scientists, offering various methods of interdisciplinary study of art, in particular, various filds of art history, aesthetics, cultural studies, philosophy, sociology. The author comes to the conclusion that the prospects for creating a comprehensive methodology for the study of contemporary art are associated, fistly, with the identifiation of the relationship of current art practices to historical models of art and secondly with the creation of an active and open discussion space on the issues being discussed.
КИТАЙСКИЕ ИНСТРУМЕНТЫ В БАЛЕТЕ «КРАСНЫЙ ЖЕНСКИЙ ОТРЯД»
Authors: Чень С.
Published: December 2024

В статье рассматриваются особенности традиционных китайских инструментов, включенных в партитуру балета «Красный женский отряд». Эти инструменты характерны для различных областей Китая, они возникли в разное время, в разных жанрах. Для людей, причастных к китайской культуре, это почти безгранично расширяет пространственный и временной «горизонт восприятия». Данная грань семантики балета недоступна европейскому слушателю, но оригинальное и изменчивое сочетание различных тембров ясно слышимо. Главную роль в балете играет европейский симфонический оркестр, а китайские инструменты, появляясь в ряде сцен, лишь дополняют их национальную окраску. При этом в партитуре балета нет одинаковых составов китайских инструментов, а представлены различные тембровые сочетания их друг с другом и с инструментами европейского оркестра. Такое оригинальное и постоянно обновляющееся сочетание тембров различных китайских и европейских инструментов является предвестником тембровых экспериментов китайских композиторов рубежа XX–XXI веков

The article discusses the features of traditional Chinese instruments included in the score of the ballet “The Red women's detachment”. These instruments are typical for different areas of China, they have appeared at different times, in different genres. For people involved in the Chinese culture, this expands the spatial and temporal “horizon of perception” almost limitlessly. This facet of ballet semantics is unperceivable for the European listener , but the original and changeable combination of different timbres is clearly audible. The main role in the ballet is played by the European Symphony orchestra, and Chinese instruments, appearing in a number of scenes, only complement their national colouring. At the same time, the ballet score does not contain the same sets of Chinese instruments , but presents different timbre combinations of them with each other and with the instruments of the European orchestra. This original and constantly updated combination of timbres of various Chinese and European instruments is a harbinger of the timbre experiments of Chinese composers at the turn of the XX–XXI centuries
НЕКОТОРЫЕ НАБЛЮДЕНИЯ НАД ОПЕРОЙ ХХI ВЕКА
Authors: Амрахова А.А. , Васильева Е.
Published: December 2024

В статье исследуются основные тенденции в развитии современной оперы. Рассматриваются важнейшие классификаторы, благодаря которым оперу подразделяют на литературную и анарративную, режиссерскую и ту, где во главе угла стоит личность композитора. Приводится сводный реестр, в котором в систематизированном виде представлены важнейшие европейские премьеры оперного искусства за последние двадцать лет. Этот список позволяет исследовать ситуацию по разным параметрам и поставить важнейшие вопросы, освещающие эволюцию оперы: как взаимодействуют музыка и литература в современном спектакле, зависит ли качество оперы от ее ориентированности (не ориентированности) на вербальность, как в современной ситуации диалог музыки и литературы в опере сменяется полилогом ориентированных на визуализацию искусств и медиа-технологий. Список классифицируется в хронологическом порядке, он включает в себя знаковые спектакли, которые определили ход развития оперного искусства за последние 20 лет (2000 – 2020 годы).В характеристике оперы указывается автор либретто, в отдельных случаях – литературный первоисточник, легший в основу оперного сюжета. Рядом с названием каждой оперы указываются даты и место первого исполнения, прослеживается последующая постановочная биография, что позволяет создать убедительную картину интенсивной жизни жанра, несмотря на неоднократно провозглашаемую «смерть оперы».

The article examines the main trends in the development of modern Opera. The most important classifiers are considered, thanks to which Opera is divided into literary and anarrative, Director's and one where the personality of the composer is at the forefront. A summary register is provided, which presents in a systematic form the most important European premieres of Opera over the past twenty years. This list allows you to explore the situation by various parameters and raise the most important questions that illuminate the evolution of Opera: how music and literature interact in a modern performance, whether the quality of the Opera depends on its orientation (not orientation) to verbality, how in the modern situation the dialogue of music and literature in the Opera is replaced by a polylogue of visualization-oriented arts and media technologies. The list is classified in chronological order, and includes landmark performances that have defined the development of Opera over the past 20 years (2000 – 2020). The description of the Opera indicates the author of the libretto, in some cases-the literary source that formed the basis of the Opera plot. Next to the name of each Opera, the dates and place of the first performance are indicated, and the subsequent staged biography is traced, which allows you to create a convincing picture of the intense life of the genre, despite the repeatedly proclaimed “death of the Opera”.
ВЫРАЗИТЕЛЬНЫЙ КОМПЛЕКС КИТАЙСКОЙ КАНТАТЫ «ХУАНХЭ» КИТАЙСКОГО КОМПОЗИТОРА СЯНЬ СИНХАЙ
Authors: Ли Ю.
Published: December 2024

В статье анализируется кантата «Хуанхе» китайского композитора Сянь Сихая, с которой началась история китайской кантаты. Премьера сочинения, на которой присутствовал Мао Цзэдун, состоялась в апреле 1939 года. Из-за нехватки классических музыкальных инструментов, оркестр состоял всего из трех скрипок и 24 этнических инструментов. Уже через несколько месяцев произведение стало популярно по всей стране. Литературной основой кантаты послужили стихи Гуан Вэйжаня. Кантата состоит из 8 частей, не считая оркестрового вступления. В своей поэме Гуан Вэйжань последовательно раскрывает многообразие смыслов, связывающих жителя Китая с Желтой рекой. К издревле живущим в народной памяти образам реки-кормилицы («Славословие Хуанхэ») и реки-разрушительницы («Хуанхэ в гневе») поэт добавил принципиально новые: реки-утешительницы («Баллада о Хуанхэ») и реки-освободительницы («Взреви, Хуанхэ!»). С литературной точки зрения либретто Гуан Вэйжаня представляет собой ряд законченных поэтических картин. Жанровой моделью для «Хуанхэ» послужила патриотическая кантата. Для патриотической кантаты характерны торжественные, гимнические хоры, масштабные по количеству участников. В «Хуанхэ» такова 7 часть «Защитим Хуанхэ», а также финальных хор восьмой части «Взреви, Хуанхэ!». Упругий маршевый ритм олицетворяет в них непреклонную волю народа, его решимость освободить Родину.

The article analyzes the cantata “Huanghe” by the Chinese composer Xian Sihai, which began the history of the Chinese cantata. The premiere of the work, which was attended by Mao Zedong, took place in April 1939. Due to the lack of classical musical instruments, the orchestra consisted of only three violins and 24 ethnic instruments. Within a few months, the work became popular throughout the country. The literary basis of the cantata was the poems of Guang Weizhan. The cantata consists of 8 movements, not counting the orchestral introduction. In his poem, Guang Weizhan consistently reveals the variety of meanings that connect a Chinese resident with the Yellow river. To the images of the river-nurse (“The Praise of Huanghe”) and the river-destroyer (“Huanghe in anger”) that have been living in people's memory since ancient times, the poet added fundamentally new ones: the river-comforter (“The Ballad of Huanghe”) and the river-liberator (“Roar, Huanghe!”). From a literary point of view, Guang Weizhan's libretto is a series of complete poetic paintings. The Patriotic cantata served as the genre model for “Huanghe”. The Patriotic cantata is characterized by solemn, hymnal choirs, largescale in the number of participants. In “Huanghe” , this is the 7th part of “Protect Huanghe”, as well as the final chorus of the eighth part “Roar, Huanghe!”. The elastic marching rhythm represents in them the unyielding will of the people, their determination to liberate their Homeland.
КОНЦЕРТ ДЛЯ САКСОФОНА-АЛЬТА С ОРКЕСТРОМ ЧУ ВАНХУА КАК СИНТЕЗ КИТАЙСКИХ НАЦИОНАЛЬНЫХ И ЕВРОПЕЙСКИХ ТРАДИЦИ
Authors: Чжоу И.
Published: December 2024

В центре внимания автора статьи — Концерт для саксофона-альта с оркестром (2013) китайского и австралийского композитора Чу Ванхуа. Приводится краткий обзор сведений о композиторе, его творчестве, истории создания Концерта. Произведение изучается в аспекте выявления в нем китайских национальных и европейских традиций. Среди национальных влияний отмечается: использование народных мелодий провинции Цзянсу «Мэн Цзян Нюй» и Шэньси «Ман Пхуа Ман Хань» в качестве интонационной основы трех частей Концерта; применение характерных для китайской музыки принципов формообразования (форма первой части близка рапсодии, третья часть имеет признаки цикличной формы) и выразительных приемов, истоки которых восходят к исполнительским традициям национальных драм (приемы неточно ритмизованного ускорения и замедления на одном звуке, разнообразные виды украшений тона и glissando). В Концерте композитор синтезирует восточную мелодику, основанную на пентатонических и гексатонических звукорядах, и отвечающую классическим принципам гармонию западного типа. Аккорды, окрашенные импрессионистическим звучанием, фактурные средства, отражающие типические черты академических жанров, а также способы взаимодействия солиста и оркестра подчеркивают крепкие связи музыки Чу Ванхуа с европейскими музыкальными традициями

The author of the article focuses on the Concerto for alto-saxophone and orchestra (2013) by a Chinese and Austrian composer Chu Wanghua. It provides a brief overview of information about the composer, his creative activity, the history of the Concerto creation. The work itself is studied from the point of revealing in it Chinese and European traditions. Among the national influences it marks the use of folk melodies of the Jiang su province “Meng Jiangnv” and of the Shaanxi province “Man po man han” as an intonational basis for the three movements of the Concerto; application of the principles of constructing Chinese musical forms (the form of the first movement is similar to a rhapsody, the third movement shows the signs of a cyclic form) and ways of expression, which have at the basis performing traditions of national dramas (ways of not precisely rhythmical acceleration and deceleration on the same sound, different ways of tone ornamentation and glissando). The composer synthetises in the Concerto Eastern melodies, having at the basis pentatonical and hexatonical scales. The chords with Impressionistic sounding, textural means, conveying typical features of academic genres as well as ways of cooperation between the soloist and the orchestra emphasize the strong ties of Chu Wanghua’s music with European musical traditions
ДЖАЗОВАЯ КУЛЬТУРА В СОВРЕМЕННОМ КИТАЕ
Authors: Чжао И.
Published: December 2024

В статье представлен обзор современной джазовой культуры Китая. Особое внимание уделено процессу возникновения джазовых клубов в Пекине, ставшем после смерти Мао Цзэдуна и смены политического курса страны главным центром китайского джаза. Выявлены концертные площадки Пекина, сыгравшие особую роль в истории современного китайского джаза. Это книжный магазин «San Wei», а также клубы «CD Cafe», «The Big Easy» и «JZ Club». Также в статье рассматривается более крупная — фестивальная — форма бытования современного китайского джаза, отличающая его от джаза довоенного периода. Установлено, что джазовое фестивальное движение Китая утвердилось с 1993 года, а уже в начале XXI века закрепилось и в Шанхае, имевшем довоенные джазовые традиции. К концу 2010-х годов в Китае сложилась целая сеть джазовых фестивалей, охватывающая, помимо Пекина и Шанхая, ряд приморских городов. Характерной чертой становления джазовой культуры современного Китая стало плодотворное взаимодействие китайских джазменов новой формации — Лю Юаня, Кун Хунвэя, Хуан Юна и других — с западными музыкантами, дипломатами и бизнесменами. В результате интенсивных международных контактов молодая китайская школа существенно сократила отставание от мирового джазового процесса и сегодня демонстрирует динамичное расширение джазового пространства в большинстве крупных городов страны.

The article presents an overview of modern jazz culture in China. Special attention is paid to the process of the emergence of jazz clubs in Beijing, which became the main center of Chinese jazz after the death of Mao Zedong and the change of the country's political course. Concert venues in Beijing that have played a special role in the history of modern Chinese jazz have been identified. This is a bookstore “San Wei”, as well as clubs “CD Café”, “The Big Easy” and “JZ Club”. The article also discusses a larger — festival — form of existence of modern Chinese jazz, which distinguishes it from pre-war jazz. It is established that the jazz festival movement in China has been established since 1993, and already at the beginning of the XXI century it was established in Shanghai, which had pre-war jazz traditions. By the end of the 2010s, a whole network of jazz festivals had developed in China, covering, in addition to Beijing and Shanghai, a number of seaside cities. A characteristic feature of the formation of the jazz culture of modern China was the fruitful interaction of Chinese jazzmen of the new formation — Liu Yuan, Kong Hongwei, Huang Yong and others — with Western musicians, diplomats and businessmen. As a result of intensive international contacts, the young Chinese school has significantly reduced the lag behind the world jazz process and today demonstrates a dynamic expansion of the jazz space in most major cities of the country.
КОНЦЕРТЫ ТАН ДУНА ДЛЯ СКРИПКИ С ОРКЕСТРОМ «ИЗ ПЕКИНСКОЙ ОПЕРЫ» И «ЛЮБОВЬ»:ОПЫТ СРАВНИТЕЛЬНОЙ ХАРАКТЕРИСТИКИ ТЕМАТИЗМА
Authors: Синь С.
Published: December 2024

В статье предпринят сравнительный анализ тематизма двух концертов для скрипки с оркестром американского композитора китайского происхождения Тан Дуна: «Из Пекинской оперы» (1987) и «Любовь» (2009), связанных общим интонационным материалом. Работа представляет собой шаг на пути к постижению самобытного стиля Тан Дуна и специфики его творческих поисков в жанре скрипичного концерта. Для прояснения замысла концертов исследуются истоки художественных представлений композитора, сформировавшихся под влиянием восточных религий и музыкально-эстетических взглядов Дж. Кейджа (в американский период жизни). Главной целью статьи является раскрытие идейного замысла программных концертов Тан Дуна. Сравнительная характеристика позволяет выявить драматургическое значение отдельных тем, которые встречаются в концертах: темы сипияобань (xipi yaoban), «речевого» мотива, темы в форме додекафонной серии, и особенности стиля произведений Тан Дуна в целом. Используя метод компаративного анализа, автор приходит к следующему выводу: в концерте «Из Пекинской оперы» противопоставление двух культур — китайской и американской — самоценно и непосредственно воплощает главную идею произведения, в концерте «Любовь» — тематические элементы разных национальных стилей служат средством для раскрытия более глубокой темы — любви в ее различных ипостасях.

The article makes a comparative analysis of the themes of two concertos for violin and orchestra by the ChineseAmerican composer Tan Dun: “Out of the Peking Opera” (1987) and “Love” (2009), connected by a common intonational material. The work is a step towards understanding Tan Dun’s original style and the specifics of his creative searches in the genre of violin Concerto. To clarify the idea of the concertos, the author explores the origins of the composer's artistic ideas, which were formed under the influence of Oriental religions and the musical and aesthetic views of J. Cage (in the American period of life). The main purpose of the article is to expose the conceptual design of Tan Dun's program concerts. The themes’ comparative characterization in concerts reveals the dramatic significance of separate intonational elements: the sipiyaoban theme (xipi yaoban), the “speech” motif, themes in the form of a dodecaphonic series, in particular, and the style of Tan Dun's works in general. Using the method of comparative analysis, the author comes to the following conclusion: in the concert “Out of the Peking Opera” the juxtaposition of two cultures — Chinese and American — is valuable in itself and directly embodies the main idea of the work, in the concert “Love” — thematic elements of different national styles serve as a means for revealing a deeper theme — love in its various forms.
СТРУННЫЕ СЕКСТЕТЫ И ОКТЕТ Р. М. ГЛИЭРА (ПО МАТЕРИАЛАМ АРХИВА КОМПОЗИТОРА)
Authors: Благодарская Е.А.
Published: December 2024

Статья посвящена четырем большим инструментальным ансамблям Глиэра, созданным в ранний период творчества. Впервые в отечественном музыковедении представлены рукописные материалы фонда композитораиз Российского государственного архива литературы и искусства. При анализе источников обращено внимание наоформление автографов партитур, особенность фиксации нотного текста, его корректировки, способы внесенияизменений и уточнений. Дополнительно описываются авторские ремарки и с их помощью расшифровываются намерения композитора. На примерах сохранившихся черновых эскизов и набросков дается представление о работес тематическим материалом, инструментальными голосами, композиционной структурой. В ходе рассмотренияархивных документов выявляются два переложения, сделанных непосредственно самим Глиэром. Изучая рукописные источники, автор статьи стремится проследить процесс реализации замысла на разных его этапах: отэскиза до полной фиксации нотного текста. Подобное исследование способствует обновлению представлений нетолько о творческом наследии, но и личности самого композитора.

The article is devoted to four great instrumental ensembles of Glire, created in the early period of creativity. For the fist time in the national musicology, handwritten materials of the composers foundation from the Russian State Archiveof Literature and Art are presented. When analyzing the sources, attention was paid to the design of the autographs of thescores, the peculiarity of fiing the musical text, its corrections, ways of making changes and clarifiations. In addition, theauthors remarks are described and with their help the composers intentions are deciphered. The examples of preserveddraft sketches and sketches give an idea of working with thematic material, instrumental voices and compositionalstructure. During the consideration of archival documents, two arrangements are made that were made directly by Glirehimself. Studying manuscript sources, the author of the article seeks to trace the process of implementing the idea at itsvarious stages: from sketch to full fiation of musical text. Such a study contributes to the renewal of ideas not only aboutthe creative heritage, but also the personality of the composer.
СОВРЕМЕННАЯ РОССИЯ ГЛАЗАМИ ЕВРОПЕЙЦА. ХУДОЖЕСТВЕННАЯ КОНЦЕПЦИЯ «BLACK ICONS» РОДЖЕРА РЕДГЕЙТА
Authors: Гундорина А.А.
Published: December 2024

В центре внимания автора статьи находится художественная концепция произведения Black Icons ( Черные иконы ) британского композитора Роджера Редгейта, одного из ведущих представителей современного музыкального академического авангарда. Проблема художественной концепции в творчестве Роджера Редгейта имеетпервостепенное значение и поэтому заслуживает отдельного рассмотрения. Black Icons создавалось для творческого проекта, который предъявлял особые требования к сочинению: композитор должен написать новое произведение, которое каким-либо образом связано с русской культурой, искусством или языком. В рамках выбранного ракурса анализа Black Icons автор погружается не только в исследование художе - ственной идеи опуса, но и рассматривает эстетические и философские взгляды Р. Редгейта, являющиеся важнейшими маркерами идентичности. Изученные материалы (в том числе письма, интервью, комментарии композитора) позволили пролить свет на понимание Р. Редгейтом смысла творчества, его отношение к эстетическим основаниям художественного произведения.

The author focuses on the artistic concept of the work Black Icons by the British composer Roger Redgate, one of the leading representatives of the modern academic musical avant-garde. The problem of artistic concept in the workof Roger Redgate is of paramount importance and therefore deserves separate consideration. Black Icons was createdfor a creative project that had special requirements for composition: the composer must write a new composition thatis somehow connected with Russian culture, art, or language. Within the framework of the chosen perspective of the analysis of works, the author not only delves into the study of the artistic ideas of the opus, but also considers the aesthetic and philosophical views of R. Redgate, which is an important marker of identity.The studied materials (including letters, interviews, and comments by the composer) allowed us to shed lighton R. Redgates attitude to the meaning of creativity, aesthetic approaches, and the genesis of the work.
ЭВОЛЮЦИЯ ХРОМАТИЧЕСКИХ КЛАВИАТУР ГАРМОНИК И ИХ МЕСТО В ТРАДИЦИОННОЙ МУЗЫКЕ СЛАВЯНСКИХ НАРОДОВ
Authors: Кравцов Н.А.
Published: December 2024

В статье рассматриваются линии эволюции диатонических и хроматических клавиатур гармоник в период c XIX по XX вв. Особое внимание уделяется вопросам происхождения инструментов, практически одновременному открытию принципа функционально-аккордовой системы исполнения К. Демиана и Ч. Уитстона. Обосновывается причина возникновения интереса к данным инструментам в бытовой народной сфере и любительской среде домашнего музицирования. Показаны направления усовершенствования диатонических и хроматических клавиатур. Используя метод сравнительного анализа и историзма, автор проводит параллель между усовершенствованием гармоник и интенсивным развитием клавишных инструментов в ту же эпоху, выявляя основные характерные черты развития на том или ином этапе становления клавиатур и доказывая близость указанных процессов. Обоснованы и определены различные пути интеграции гармоник в традиционную музыку славянских народов — болгарского, чешского, сербского, а также русского. Отдельное внимание уделяется специфике строения гармоник в различных областях России — саратовской, владимирской, тульской и пр., эти инструменты имеют особые акустические и визуальные отличия. Указанные в данной статье наблюдения позволяют лучше понять специфику строения аккордеонов, баянов и гармоник, истоки и пути национально-исторических трансформаций данных инструментов.

The article discusses the evolution lines of diatonic and chromatic harmonic keyboards from the 19th to the 20th centuries. Particular attention is paid to the origin of instruments, the almost simultaneous discovery of the principle of a functional-chord system of performance by C. Demian and C. Wheatstone. The reason for the interest in these instruments in the everyday folk sphere and in the amateur environment of home music making is grounded. The directions of improvement of diatonic and chromatic keyboards are shown. Using the method of comparative analysis and historicism, the author draws a parallel between the improvement of harmonics and the intensive development of keyboard instruments in the same era, identifying the main characteristic features of development at one or another stage of the formation of keyboards and proving the proximity of these processes. Various ways of integrating harmonics into the traditional music of the Slavic peoples — Bulgarian, Czech, Serbian, as well as Russian — are justifid and defied. Special attention is paid to the specifi structure of harmonics in various regions of Russia — Saratov, Vladimir, Tula, etc., these instruments have special acoustic and visual differences. The observations indicated in this article make it possible to better understand the specifis of the structure of accordions, button accordions and harmonics, the origins and ways of national-historical transformations of these instruments
РЕПЕРТУАР ДЛЯ КЛАССИЧЕСКОЙ ГИТАРЫ КАК АКАДЕМИЧЕСКОГО ИНСТРУМЕНТА
Authors: Ганеев В.Р.
Published: December 2024

В статье рассматривается специфика репертуара для классической гитары, которая позиционируется автором как академический инструмент. Предложен обзор истории создания обработок и оригинальных произведений для гитары с выявлением наиболее значимых этапов. В исследовании специальное внимание уделено роли отечественной музыкальной культуры в данном процессе. Автор выявляет такие специфические тенденции, как появление репертуарного пласта, связанного с ориентальными образами; устойчивый интерес композиторов к национальным традициям (прежде всего, таких стран как Испания и Бразилия); проникновение в музыку для гитары современных композиторских техник (пуантилизм, алеаторика, минимализм, сонористика, электронная музыка и др.). Обозначена роль композиторов и исполнителей, внесших свой вклад в создание репертуара для классической гитары. Автор статьи приходит к выводу о том, что современный репертуар для классической гитары по своему масштабу и художественной значимости не уступает репертуару для других академических инструментов, так как в нем присутствует широкий круг оригинальных произведений различных эпох и стилей, в том числе произведения, отличающиеся яркой новаторской направленностью

The article discusses the specifis of the repertoire for the classical guitar, which is positioned by the author as an academic instrument. It offers a review of the history of creation of arrangements and original works for the guitar with the identifiation of the most signifiant stages. The study focuses on the role of national musical culture in this process. The author reveals such specifi tendencies as the appearance of a repertoire layer associated with oriental images; the composers' sustained interest in national traditions (especially in the countries such as Spain and Brazil); penetration of modern composing techniques into the music for guitars (pointillism, aleatorics, minimalism, sonoristics, electronic music, etc.). The article outlines the role of composers and performers who have contributed to the creation of the repertoire for classical guitar. The author of the article concludes that the modern repertoire for classical guitar is not inferior to the repertoire for other academic instruments in its scale and artistic signifiance, since it contains a wide range of original works of various eras and styles, including the works that are remarkable for bright innovative focus.
НОВЫЕ ПРОСТРАНСТВА КИТАЙСКОЙ МУЗЫКИ: КАМЕРНО-ИНСТРУМЕНТАЛЬНЫЕ ЖАНРЫ В ТВОРЧЕСТВЕ ВЭНЬ ДЭЦИНА
Authors: Дун С.
Published: December 2024

В статье рассмотрены камерные сочинения швейцарского композитора китайского происхождения Вэнь Дэцина. Его стиль отличается оригинальным подходом к совмещению богатых традиций китайской культуры с арсеналом классического и авангардного наследия западноевропейской музыки. Концерты для солирующих китайских инструментов (для соны, 2004 г. и для эрху, 2005 г.) имеют варианты для большого симфонического и для традиционного китайского оркестров, в Концерт для кларнета и фортепиано Следы I (1996) включено искусство китайской каллиграфии, а в произведении «Кунг-фу» происходит соединение техники кунг-фу, которая сама является искусством, с виртуозной техникой ударных инструментов. Нередко композитор использует необычные средства: банки, бутылки, стаканы, духовые машины, водопроводную воду и бумагу. Включение в музыку различных нетрадиционных источников звука из предметов быта призвано лучше выразить природу, многообразие ее звукового мира. Независимо от способа сочинения, композитор постоянно стремится к созданию совершенных произведений, его опусы несут след тщательной работы. Концепция Вэнь Дэцина основана на ценности слияния различных культур, приносящего музыке обновление, эмоциональное обогащение, богатство новых звучаний и разнообразие приемов игры

The article deals with chamber compositions by Swiss composer of Chinese descent Wen Deqing. His style is distinguished by an original approach to combining the rich traditions Chinese culture with the arsenal of classical and avant-garde heritage of Western European music. Concerts for soloing Chinese instruments (for Sona, 2004 and for Erhu, 2005) have options for large symphony and for traditional Chinese orchestras, the Clarinet and Piano Concerto Traces I (1996) include art of Chinese calligraphy. Opus “Kung fu” is a combination of the kung fu technique, which itself is art, with the virtuoso technique of percussion instruments. Often, the composer uses unusual means: cans, bottles, glasses, wind machines, tap water and paper. The inclusion in music of various non-traditional sources of sound from household items is intended to better express the nature, diversity of its sound world. Regardless the method of composition, the composer constantly strives to create perfect works; his opuses bear a trace of careful work. Wen Deqin's concept is based on the value of merging different cultures, bringing renewal to music, emotional enrichment, a wealth of new sounds and a variety of game techniques
РУССКИЕ СТУДЕНЧЕСКИЕ ЗАСТОЛЬНЫЕ ПЕСНИ: К ПРОБЛЕМЕ КОНТАКТА КУЛЬТУР
Authors: Петри Э.К.
Published: December 2024

Русские застольные песни не имеют корней в народной культуре, это заимствованный из Европы жанр. В Россию он пришел из Германии, именно немецкие учебные заведения стали образцом при организации первых русских университетов. Культура представляет собой систему. Невозможно выделить из нее элемент и внести его в новую среду без изменений и самого этого элемента, и среды, куда он внедрился. Внеучебная деятельность обучающихся, как и в Германии, стала опираться на студенческие корпорации. Важным объединяющим фактором были совместные застолья. В статье анализируется песенный репертуар студентов, основу которого, составляли застольные песни. Отмечается отражение в нем реалий студенческой жизни и эклектичность музыки и текста, выявляются способы русификации заимствованного материала. В русскую поэтическую речь проникают немецкие и латинские слова и фразы, и, наоборот: в традиционную студенческую латынь вводится русский хороводный припев. Метаморфозы происходят и с мелодиями, и со структурой «чужого» материала, что особенно заметно в любимой студентами песне «Крамбамбули». Обозначается роль российских немцев (весьма значительной части студенчества — приводится статистика) как посредников в усвоении новых традиций.

Russian drinking songs have no roots in folk culture, it is a genre borrowed from Europe. In Russia, it came from Germany that German institutions became a model in the organization of the first Russian universities. Culture is a system. You can't select an element from it and add it to a new environment without changing both the element itself and the environment where it is embedded. Extracurricular activities of students, as in Germany, began to rely on student corporations. Joint feasts were an important unifying factor. The article analyzes the song repertoire of students, which was based on drinking songs. It reflects the realities of student life and the eclectic nature of music and text, and identifies ways to Russify borrowed material. Russian poetic speech is penetrated by German and Latin words and phrases, and Vice versa: Russian chorus is introduced into the traditional student Latin. Metamorphoses occur both with melodies and with the structure of «foreign» material, which is especially noticeable in the students favorite song «Krambambuli». The role of Russian Germans is indicated (a very signifiant part of the student body — statistics are provided) as intermediaries in the assimilation of new traditions. The article provides musical examples of student drinking songs of the 1820–1840s, including those related to the rite of initiation into students.