bluuebunny/crossref_metadata_2025 huggingface dataset:
ЭВОЛЮЦИЯ КЛАВИШИ В АЛГОРИТМАХ АРТИКУЛЯЦИОННЫХ СРЕДСТВ АККОРДЕОНА
Authors: Кравцов Н.А.
Published: December 2024

В статье показана эволюция форм клавиш, формировавшихся на различных исторических этапах развития клавишных музыкальных инструментов. Выявлены эргономические корни появления модификаций клавиш в различных типовых хроматических клавиатурах и их разновидностях. Впервые изучены в поле эргономической системы человек-машина функциональные свойства клавиш, обоснованы и определены их оптимальные формы в различных типах хроматических клавиатур аккордеона. На основе исследования найдены новые формы клавиш, существенно расширяющие контуры звуковой парадигмы инструмента. Решение, обеспечивающее доступ к нереализованным акустическим свойствам, лежит в опыте применения в русле многолетней эксплуатации аккордеона с клавиатурой системы Кравцова, где успешно функционировали форма клавиш в виде выпуклых многогранников и размещение рядов в одной плоскости. Заимствование апробированных идей из конструкции системы Кравцова в трёхрядные клавиатуры аккордеона обеспечивает инструменту полный комплект артикуляционных средств, создающих ему среди современных клавишных инструментов передовые позиции в современной музыкальной культуре.

The article shows the evolution of the forms of keys, which were formed at various historical stages of the development of keyboard musical instruments. The ergonomic roots of the appearance of key modifications in various typical chromatic keyboards and their varieties are revealed. For the fist time the functional properties of the keys were studied in the field of the human-machine ergonomic system, their optimal forms in various types of chromatic accordion keyboards were substantiated and determined. On the basis of the research, new forms of keys have been found that significantly expand the contours of the sound paradigm of the instrument. The solution that provides access to unrealized acoustic properties lies in the experience of using the Kravtsov system in line with the long-term operation of the accordion with the keyboard, where the shape of the keys in the form of convex polyhedrons and the arrangement of rows in the same plane successfully functioned. Borrowing proven ideas from the design of the Kravtsov system into three-row accordion keyboards provides the instrument with a full set of articulatory means, creating for it the leading positions in modern musical culture among modern keyboard instruments
ЖИВОЙ ГОЛОС НЕМОГО КИНО
Authors: Юдин А.Н.
Published: December 2024

В предлагаемой статье рассматривается особая глава в истории концертмейстерского искусства. В 20-е годы прошлого столетия технический прогресс и социальные условия потребовали от пианистов овладения новой специализацией, напрямую несвязанной ни с одним из предшествующих периодов исполнительской истории. Появившийся и властно о себе заявивший новый вид искусства — кинематограф, будучи немым «от рождения», нуждался в живом звуковом оформлении. Такую задачу выполняли музыканты, для многих из которых подобная работа была лишь одним из этапов на пути становления и развития их дальнейшей творческой судьбы. Часто искусство «тапера» оказывалось единственным способом заработка. Тем не менее для некоторых только что появившаяся профессия стала делом жизни. Автор статьи рассказывает о некоторых из самых ярких музыкантов, творческая жизнь которых в самое разное время и на разный период становилась источником вдохновения, а также заработка в непростой период развития отечественной истории. Также анализу подвергаются сама суть и от- личительные особенности работы пианиста-концертмейстера в немом кино. Представляя собой как бы «боковую ветвь» в эволюции профессии, подобная специализация становится отдельной главой в истории исполнительства. Таким образом, представленный материал может быть использован в качестве основы для лекционного занятия в рамках учебного курса «История и теория концертмейстерского искусства».

The article discusses a special chapter in the history of the art of accompaniment. In the 1920s, progress of technology and social conditions required that piano performers master a new competence, which had no direct relation to any of the preceding periods in the history of performance. A new art, cinema, which had arisen and asserted itself, being dumb from birth, needed live sound support. This task was undertaken by musicians, for many of whom the job became a stage in their performing career. Sometimes the art of «tapeur» was only a way of earning money. Others made the brand new profession into a career. The article presents a number of the most outstanding musicians who found a source of inspiration or income in firm accompaniment during a complicated period of Russian history. Also, the essence and distinguishing characteristics of accompanist in silent cinema are analyzed. While an «offhoot» in the profession’s evolution, this competence forms a special chapter in the art of performance. The material in question may be used as a basis for a lecture in the teaching course «History and Theory of the Art of Accompaniment».
ПОП-АРТ КАК ИСТОРИЧЕСКИЙ ФЕНОМЕН
Authors: Афасижев М.Н.
Published: December 2024

Статья посвящена определению логики возникновения в 1960-е годы поп-арта, ознаменовавшего важный этап эволюции модернизма. Автор выявляет социально-культурные истоки феномена «поп-арт», определяет внедренные художниками поп-арта основные методы эстетического познания реального мира. Специальное внимание уделяется идее «американской мечты», определившей основные направления истории поп-арта как одного из ведущих и влиятельных явлений в западной художественной жизни второй половины ХХ века. Показана зависимость поп-арта от запросов общества массового потребления с его культом товаров. Выявлена непосредственная зависимость поп-арта от утверждения рекламы, превратившейся в могучий побудительный фактор развития общества. Автор приходит к выводу о закономерности появления поп-арта, заново поставившего вопрос о границах искусства и не-искусства

The article is devoted to defiing the logic of the emergence of pop art in the 1960s, which marked an important stage in the evolution of modernism. The author reveals the socio-cultural origins of the phenomenon of «pop art», defies the main methods of aesthetic knowledge of the real world introduced by pop art artists. Special attention is paid to the idea of the «American Dream», which determined the main directions of the history of pop art as one of the leading and inflential phenomena in Western artistic life in the second half of the twentieth century. Shows the dependence of pop art on the needs of the consumer society with its cult of goods. Revealed the direct dependence of pop art on the approval of advertising, which has turned into a powerful incentive factor in the development of society. The author comes to the conclusion about the regularity of the emergence of pop art, which raised the question of the boundaries of art and non-art anew.
КОМПОЗИТОР ШИ ГУАННАНЬ В КОНТЕКСТЕ СВОЕГО ВРЕМЕНИ
Authors: У М.
Published: December 2024

Статья посвящена актуальной проблеме изучения жизни и творчества китайского композитора Ши Гуаннаня в социально-политическом и культурном контексте времени его жизни. Личность композитора мало изучена в современных научных работах китайских музыковедов, несмотря на высокую общественную оценку творчества Ши Гуаннаня. В настоящее время биографические исследования с уточнением влияния контекста на судьбы китайских музыкантов приобретают все большую актуальность. Это связано не только с тем, что подобный исследовательский ракурс позволяет систематизировать факты, события, тенденции развития музыкального искусства в непростых условиях социокультурного развития Китая в прошлом веке, но и осознать суть популярности многих композиторов прошлого у современных слушателей. В центре внимания находятся вопросы, связанные с ролью семьи в музыкальном развитии одаренного ребенка Ши Гуаннаня, которые рассматриваются в сравнении с судьбами других китайских композиторов. Особый интерес исследователя вызывает период обучения композитора в Центральной консерватории в конце 50-х – начале 60-х годов. Это время небывалого подъема во всех сферах музыкальной культуры Китая, проходившего под влиянием СССР в годы от провозглашения Китайской народной республики (1949 год) до начала Культурной революции (1966 год). В статье затронуты параллельные тенденции в творчестве поколения молодых китайских и советских композиторов начала 1960-х годов.

The article is devoted to actual problem of studying the life and work of Chinese composer Shi Guannan in so cio-political and cultural context of his time. The personality composer is little studied in modern scientific works of Chinese musicologists, despite high public appreciation of Shi Guannan's work. Currently, biographical studies with the clarification of the influence of the context on the fate of Chinese musicians are becoming increasingly relevant. This is due not only to fact that such a research perspective allows us to systematize the facts, events, and trends in the development of musical art in the default conditions of the socio-cultural development of China in the last century, but also to understand the essence of the popularity of many composers of the past among modern listeners. The focus is on issues related to the role of the family in the musical development of the gifted child Shi Guannan, which are considered in comparison with the fate of other Chinese composers. Of particular interest to the researcher is the period of the composer's training at the Central Conservatory in the late 50s-early 60s. This is a time of unprecedented growth in all spheres of Chinese musical culture, which took place under the influence of the USSR in the years from the proclamation of the People's Republic of China (1949) to the beginning of the Cultural Revolution (1966). The article deals with parallel trends in the work of a generation of young Chinese and Soviet composers of the early 1960s.
ОТ БИОГРАФИИ К МИФУ: ОПЕРА А. ВИВАЛЬДИ «ТЕУДЗОН»
Authors: Медведева Ю.П.
Published: December 2024

Опера А. Вивальди «Теудзон» (Teuzzone) принадлежит к числу шедевров раннего творчества автора и в последние годы вызывает активный интерес постановщиков и публики. В то же время в музыкознании она до сих пор практически не изучалась. В статье доказывается, что в основе оперы лежат действительные факты биографии жившего в VII в. китайского императора Ли Шиминя, известного также под именем Тай-цзуна из династии Тан. Под пером авторов — А. Дзено и А. Вивальди — биография Ли Шиминя трансформируется и становится основой для драмы, созданной по всем законам европейского театра. При этом история Тай-цзуна утрачивает многие конкретные детали и становится воплощением европейских монархических идеалов XVIII века, на ее основе создается миф об идеальном правителе — справедливом, разумном и законно занимающем трон. Идеальный образ главного героя должен был ассоциироваться у публики покровителем Вивальди — принцем Филиппом Гессен-Дармштадтским. В музыке оперы история о китайском императоре трактуется как вненациональная: чувства героев теряют ситуационную конкретность и символически сравниваются с образами природы и внешнего мира. Исключительная роль инструментального начала и картинность музыки арий делает стиль «Теудзона» по-вивальдиевски узнаваемым.

Vivaldi's opera «Teuzzone» is one of the masterpieces belonging to the author's early work. In recent years it has attracted an active interest of directors and the public. At the same time, it has not been practically studied in musicology until now. The article proves that the opera is based on the actual facts of the biography of Chinese Emperor Li Shimin, also known as Taizong from the Tang Dynasty, who lived in the 7th century. Under the pen of the authors — A. Zeno and A. Vivaldi — Li Shimin's biography is transformed and becomes the basis for a drama, created according to all the laws of European theater. At the same time, the history of Taizong loses many specify details and becomes the embodiment of the European monarchist ideals of the 18th century, on its basis the myth about an ideal ruler — fair, reasonable and occupying the throne lawfully — is created. The ideal image of the protagonist was to be associated by the public by Vivaldi's patron, Prince Philip of Hesse-Darmstadt. In the music of the opera, the story of the Chinese emperor is interpreted as non-national: the feelings of the heroes lose their situational concreteness and are symbolically compared with images of nature and the outside world. The exceptional role of the instrumental principle and the picturesque nature of the music of the arias makes the style of «Teuzzone» recognizable in the Vivaldi way.
ЦИФРОВЫЕ ЦЕРКОВНО-ПЕВЧЕСКИЕ РУКОПИСИ В НИЖЕГОРОДСКОЙ ОБЛАСТИ
Authors: Бобкова У.А.
Published: December 2024

В статье впервые рассматриваются записанные цифровой нотацией церковно-певческие партитуры, найденные в Нижегородской области в 2019–2021 годах в ходе этнографических экспедиций Нижегородской консерватории. Одним из создателей данных рукописей являлся репрессированный в 1937 году священник Михаил Николаевич Сергеев, служивший с 1918 года в храме села Ломовка Кулебакского района. Написанная им хоровая партитура, содержащая 228 страниц, представляет богатейший репертуар клироса 1930-х годов. В статье дается общая характеристика данного сборника, рассматриваются особенности редакций церковных песнопений, сделанных о. Михаилом. Высказывается предположение о том, что о. Михаил Сергеев являлся основоположником традиции пения по цифровой нотации в Нижегородской области, которая продолжалась в Кулебакском районе до 2010 года. Основанием этого предположения служит ряд анонимных цифровых рукописей, обнаруженных в селе Ломовка и городе Кулебаки: данные партитуры содержат общие со сборником о. Михаила песнопения и частично совпадающие их редакции.

For the fist time, the article examines church-singing scores recorded in digital notation, found in the Nizhny Novgorod region in 2019–2021 during the ethnographic expeditions of the Nizhny Novgorod Conservatory. One of the creators of these manuscripts was the priest Mikhail Nikolaevich Sergeev, repressed in 1937, who served since 1918 in the church of the village of Lomovka, Kulebaksky district. The choral score, written by him, containing 228 pages, represents the richest repertoire of the choir of the 1930s. The article provides a general description of this collection, features of the editions of church hymns made by Fr. Michael. It is suggested that Fr. Mikhail Sergeev was the founder of the tradition of singing using digital notation in the Nizhny Novgorod region, which continued in the Kulebaksky district until 2010. This assumption is based on a number of anonymous digital manuscripts found in the village of Lomovka and the city of Kulebaki: these scores contain common with the collection of Fr. Michael's chants and their overlapping editions.
ЛОНДОНСКАЯ СИМФОНИЯ РАЛЬФА ВОАНА УИЛЬЯМСА
Authors: Семенова А.С.
Published: December 2024

Статья посвящена Лондонской симфонии (1914) английского композитора Ральфа Воана Уильямса: освещена история создания, рассмотрены ее композиционные и музыкально-тематические особенности. Особое внимание уделено отношению Лондонской симфонии к жанровой традиции, сложившейся в XIX веке, отмечена ее связь с идеями английского музыкального возрождения, влиятельного направления второй половины XIX – начала ХХ века. Главными целями этого направления было развитие национальной музыкальной школы, поддержка молодых композиторов, возобновление интереса к музыкальной культуре страны в целом. Научная новизна статьи обусловлена комплексным подходом к изучению музыкального материала. В результате исследования сделан вывод, что Лондонская симфония Воана Уильямса сочетает в себе ряд качеств, благодаря которым она может быть вписана в общие классико-романтические тенденции, присущие жанру симфонии, которые выделяют ее среди других симфоний (особенности тонального плана, драматургия частей). Лондонская симфония, будучи первым, крупным инструментальным сочинением Воана Уильямса, повлияла на дальнейшую судьбу симфонического жанра в творчестве композитора

The paper is dedicated to A London symphony of a British composer Ralph Vaughan Williams: some of historical perspective are concerned, its compositional and musical-thematic features are considered. Particular attention is paid to the attitude of the London Symphony to the genre tradition that developed in the XIX century, its connection with the ideas of the English Musical Renaissance, an influential trend in the second half of the XIX – early XX centuries, is noted. The main goals of this direction were in the development of the national music school, support for young composers, renewed interest in the musical culture of the country in general. The scientific innovation of the article is due to an integrated approach to the study of musical material. As a result of the study, it was concluded that the Vaughan Williams’s London Symphony combines a number of qualities, thanks to which it can be entered into the general classic-romantic tendencies inherent in the symphony genre of the XIX century (the four-movement structure of the cycle, the disposition of the thematic material). The work also has a number of distinctive qualities that set it apart from other symphonies (the tonal disposition, the development of the parts). A London Symphony, being the fist major purely instrumental composition by Vaughan Williams, influenced the further fate of the symphonic genre in the composer's work.
КАРТИНА МИРА В ДЕТСКИХ АЛЬБОМАХ П. ЧАЙКОВСКОГО И Т. ЛАКА
Authors: Петри Э.К.
Published: December 2024

С начала XIX века в общественном сознании европейцев важное место заняли дети. Пришло понимание, что детство — значимый период в жизни человека. С этого времени стал создаваться специальный репертуар для обучения детей музыке: он должен был отражать детскую картину мира. В статье сравниваются два фортепианных цикла — «Детский альбом» П. И. Чайковского и «Детские сцены» Т. М. Лака с целью определения сходства или различия картин мира. Выбор именно этих циклов обусловлен тем, что оба композитора — ровесники, «время действия» в циклах одинаково — день ребенка, а период детства приходится примерно на 60–70-е годы XIX века. При анализе особое внимание уделяется внемузыкальным элементам — историческому и культурному контексту и подтексту, связанному с содержанием музыки. Сравнение показывает, что две картины мира ребенка обладают типологическим сходством. События в прожитом ребенком дне похожи, но все же наполнены разным содержанием. Оно диктуется культурными традициями России и Франции. Ребенок (в силу возрастных особенностей) активно вовлечен в процесс инкультурации: приобщения к конкретной культуре (этнической, бытовой, в данном случае — и музыкальной). Транслируют ее в картину мира ребенка взрослые. В статье также анализируется сложность природы фортепианных циклов для детей как объекта внутри картины мира ребенка, одновременно — модели этой картины мира и артефакта культуры.

Since the beginning of the XIX century, children have occupied an important place in the public consciousness of Europeans. I came to understand that childhood is a significant period in a person's life. Since that time, a special repertoire was created for teaching children music: it was supposed to reflect the children's picture of the world. The article compares two piano cycles — «Children's Album» by P. I. Tchaikovsky and «Children's Scenes» by T. M. Luck in order to determine the similarity or difference of the pictures of the world. The choice of these cycles is due to the fact that both composers are of the same age, the» time of action « in the cycles is the same — the day of the child, and the period of childhood falls approximately in the 60–70s of the XIX century. In the analysis, special attention is paid to extra-musical elements — the historical and cultural context and the subtext associated with the content of the music. The comparison shows that the two pictures of the child's world have a typological similarity. The events in the child's day are similar, but still filed with different content. It is dictated by the cultural traditions of Russia and France. Child (due to age characteristics) actively involved in the process of enculturation: introduction to a particular culture (ethnic, domestic, in this case — and musical). Adults translate it into the picture of the child's world. The article also analyzes the complexity of the nature of piano cycles for children as an object within the child's worldview, at the same time as a model of this worldview and an artifact of culture.
Новая вокальная практика Китая в ХХ–ХХI столетиях и ее эстетические основания
Authors: Люй Ц.
Published: December 2024

В ХХI столетии опыт китайских певцов и преподавателей вокала представляется уникальным, поскольку в течение прошедшего столетия поколения вокалистов целенаправленно трудились над совмещением техники академического западного стиля пения с национальной манерой. Освоение манеры пения, резко отличающейся от национального стиля, прошло путь от слепого копирования к достижению долгожданного единения. Однако, научившись петь «по-европейски», к концу ХХ столетия прогрессивные музыканты Китая вновь обращаются к традиционной культуре, стремясь теперь к всестороннему ее вовлечению в мировое пространство музыки. Поиск ее места в современном мире естественно влечет за собой обращение к эстетическим основам национальной вокальной культуры, коренящимся в древней китайской философии. В статье рассмотрены категории древней китайской философии, их тесная связь с вокальной практикой, трансформация терминов в принципы описания вокальной техники. Уникальность современной вокальной культуры Китая запечатлена в творчестве певицы У Бися, свободно владеющей вокальными пластами западной культуры, современным и традиционным китайским пением. «Феномен У Бися» заключается в своеобразном музыкальном «билингвизме»: вокалистка демонстрирует не только синтезированный стиль «китайского бельканто», но свободно владеет западноевропейским репертуаром, может участвовать в исполнении пекинской оперы или народных песен в аутентичной манере.

In the 21st century, the experience of Chinese singers and vocal teachers seems to be unique, since over the past century, generations of vocalists have purposefully worked to combine the technique of the academic Western style of singing with the national style. The mastery of a singing manner that sharply differs from the national style has gone from blind copying to achieving the long-awaited unity. However, having learned to sing «in a European way», by the end of the twentieth century, progressive musicians in China are again turning to traditional culture, now striving for its all-round involvement in the world space of music. The search for its place in the modern world naturally entails an appeal to the aesthetic foundations of the national vocal culture, rooted in ancient Chinese philosophy. The article examines the categories of ancient Chinese philosophy, their close relationship with vocal practice, the transformation of terms into the principles of describing vocal technique. The uniqueness of the modern vocal culture of China is captured in the work of the singer Wu Bisia, who is fluent in the vocal layers of Western culture, modern and traditional Chinese singing. The «Wu Bisha Phenomenon» is a kind of musical «bilingualism»: the vocalist demonstrates not only the synthesized style of «Chinese bel canto», but is fluent in the Western European repertoire, can participate in the performance of Peking opera or folk songs in an authentic manner.
Пианистическая среда как источник фортепианной музыки Бориса Гецелева
Authors: Сиднева Т.Б.
Published: December 2024

Статья посвящена изучению истоков фортепианного творчества Бориса Гецелева и прежде всего определению роли пианистов — учителей и коллег — в формировании стиля композитора. На основе биографических фактов (почерпнутых из документальных публикаций, исследований, бесед с композитором и интерпретаторами его произведений) реконструированы особенности музыкальной среды, ставшей источником пристального интереса композитора к фортепиано в разные годы — от ученических опытов до зрелых композиций. В аспекте влияния пианистической среды в формировании индивидуального почерка композитора дана характеристика основных произведений Гецелева: фортепианных миниатюр («Воспоминание о сарабанде», Фантазии на староанглийскую тему и др.), циклов («Шесть миниатюр», «Триптих»), трех сонатин, концерта для фортепиано с оркестром. Анализируются эстетические и стилевые особенности фортепианных сочинений Б. Гецелева, круг жанров и образов. Делается вывод об определяющем значении взаимодействия биографического и монографического методов («внешнего» и «внутреннего» планов исследования, по терминологии М. Друскина) в выявлении оригинальных черт фортепианных сочинений Гецелева

The aim of this article is to study the origins of Boris Getselev's piano creativity and, above all, to determine the roles of pianists-teachers and colleagues-in shaping the composer's style. On the basis of biographical facts (taken from documentary publications, research, conversations with the composer and interpreters of his works), the peculiarities of the musical environment that became the source of the composer's intense interest in the piano in different years — from student experiences to mature compositions — have been reconstructed. In terms of the influence of the piano environment in the formation of the composer’s individual handwriting, the main works of Getselev are characterized: piano miniatures («Memory of Saraband», Fantasies on an Old English Theme, etc.), cycles («Six Miniatures», «Triptych»), three sonatas, a piano concerto. The aesthetic and stylistic features of B. Getselev's piano compositions, the range of genres and images are analyzed in the article. The conclusion is drawn about the determining meaning of interaction between biographical and monographic methods («internal» and «external» research plans, according to M. Druskin's terminology) in identifying the original features of Getselev's piano compositions.
«Очарованный странник» Н. Лескова – Р. Щедрина: опера и литературный первоисточник
Authors: Галкина Я.В.
Published: December 2024

В статье предпринята попытка рассмотреть оперу Р. Щедрина «Очарованный странник» сквозь призму литературного первоисточника (одноименная повесть Н. Лескова). В работе исследуются сходства и различия текстов оперного либретто и повести, содержатся размышления о композиционно-драматургических особенностях оперы, а также о ее жанровом своеобразии. Несмотря на уважительное и бережное отношение Щедрина к повести-первоисточнику, текст Лескова трактуется им достаточно вольно. Повесть, написанную в свободной неторопливой манере и в то же время весьма насыщенную событиями, переложить на музыку в неизменном виде, по-видимому, не представлялось возможным. Поэтому текст подвергся основательному сокращению и переработке. Некоторые изменения обусловлены законами оперного жанра (сокращение текста, выбор сценически эффектных эпизодов, укрупнение любовной линии). Другие же (религиозный аспект) привносятся благодаря собственному восприятию Шедриным текста Лескова, создавая иной взгляд на историю Ивана Северьяновича Флягина и наделяя оперу иными жанровыми акцентами. Щедрин глубоко проникает в драматургию лесковской повести, выстраивая логику действия на основе ее своеобразного строения, но существенно дополняет ее законами оперного жанра и традициями «страстей».

The article attempts to consider the opera by R. Shchedrin «The Enchanted Wanderer» through the prism of a literary source (the novel of the same name by N. Leskov). The work examines the similarities and differences between the texts of the opera libretto and the story, contains reflections on the compositional and dramatic features of the opera, as well as on its genre originality. Despite Shchedrin's respectful and careful attitude to the original story, Leskov's text is interpreted quite freely by him. The story, written in a free, unhurried manner and at the same time very eventful, was apparently not possible to set to music in an unchanged form. Therefore, the text has undergone a thorough reduction and revision. Some changes are due to the laws of the opera genre (reduction of the text, the choice of scenic spectacular episodes, enlargement of the love line). Others (the religious aspect) are introduced due to Shedrin's own perception of Leskov's text, creating a different view of the history of Ivan Severyanovich Flyagin and giving the opera other genre accents. Shchedrin penetrates deeply into the drama of the Leskov story, building the logic of action on the basis of its peculiar structure, but significantly complements it with the laws of the opera genre and the traditions of the «passions».
Фоника народно-песенных жанров как прием хоровой инструментовки в произведениях отечественных композиторов XX–XXI веков
Authors: Татаринова Т.Л.
Published: December 2024

Фольклорные приемы звукоизобразительного характера появились в традиционном пении давно, в частности их можно встретить в детском фольклоре. Но особенно выделяется период гонения на скоморохов, когда музыкальные инструменты оказались под запретом — XVII век. В данной работе рассматриваются вербальные, музыкальные, тембральные приемы, возникшие в связи с историческими изменениями и из художественно-эстетической потребности, характерные для фольклорных жанров. К таковым можно отнести применение специфических орнаментально-изобразительных фонем, архаических форм звучания речи, «тайного» языка, как декоративного элемента, имен древних языческих божеств, игру открытыми и закрытыми звуками, тембральных особенностей и приемов фонации народных голосов. Специфически звучащий «язык» мог исполняться во всех голосах или образовывать свою отдельную линию «сопровождения» другим голосам. В хоровых произведениях отечественных композиторов второй половины ХХ века нашли отражение приемы, имеющие место в русском песенном фольклоре и выполняющие роль текстовой и тембральной инструментовки. Они вносятся в хоровые партитуры, соединяясь с академическими и современными приемами письма, заметно выделяясь в фоническом отношении. Синтезируясь в единое художественное целое, академические принципы звучания хора и приемы фоники фольклорных жанров и народных голосов создают неожиданные акустические эффекты, необычную хоровую инструментовку, напоминающую введение видовых или традиционных инструментов в симфонический оркестр.

Folk methods of sound-imaging character first appeared in traditional singing long time ago, in particular, they may be found in children folklore. But the most notable is the period of prosecutions of skomorokhs, the 17th century, when musical instruments of any kind were strictly prohibited. The current research studies verbal, musical and timbre methods originated in connection with historical changes and because of artistic and aesthetic needs intrinsic to folk genres. We may refer to them a usage of ornamental imaging phonemes, archaic forms of speech, so-called «secret language» as a decorative element, and names of the ancient pagan deities, playing with front and back vowels, peculiarities of timbre and methods of phonation of folk singing voices. Specifically sounding «language» could be performed in all parts or could constitute its own separate accompaniment line. The features which take place in Russian song folklore and play role of textual and timbre instrumentation were reflected in choral works by domestic composers. They are involved into choral scores and in connection with academic and contemporary composition techniques stand out distinctly with regards to phonics. When synthesized into the one artistic whole, academic principles of choral sound and methods of folk genres phonics and folk voices create unexpected acoustic effects and unusual choral instrumentation which remind of introduction of specific or traditional instruments to the symphonic orchestra.
Рукописная тетрадь духовных песнопений как редкий вариант авторского нотированного текста (экспедиционные находки ННГК им. М. И. Глинки)
Authors: Харлов А.В.
Published: December 2024

В центре внимания автора статьи находится редкая экспедиционная находка, обнаруженная в 2006 году в селе Теплово Кулебакского района Нижегородской области, — рукописная тетрадь духовных песнопений с нотировкой двадцати пяти образцов. На основании архивных документов и опроса респондентов предлагается гипотеза, устанавливающая авторство данного исторического артефакта. Проводится анализ содержащихся в нем нелитургических песнопений с позиции близости каноническим первоисточникам. Все песнопения были систематизированы в соответствии с содержанием словесного текста и степенью удаленности от канонического первоисточника и объединены в следующие группы: песни близкие каноническим текстам; песни покаянные; песни благодарственные; песни назидательные; неканонические молитвословия; песни-сказания и народные песни о смерти. В работе также обозначены принципы взаимовлияния церковного пения и содержащихся в рукописи образцов. Выявлена связь мелодического строения духовных песнопений с попевками «нового осмогласия». Отдельное внимание уделено принципам церковной нотации, применяемым автором рукописи, разнообразию музыкального языка духовных песнопений, связанному с влиянием песенной традиции. Результаты проведенного исследования свидетельствуют о положительной динамике развития жанра духовных песнопений и создают почву для дальнейшего изучения этого пласта музыкального искусства.

The author of the article focuses on a rare expedition find discovered in 2006 in the village of Teplovo, Kulebaksky district of the Nizhny Novgorod region — a handwritten notebook of spiritual chants with a notation of twenty-five samples. On the basis of archival documents and a survey of respondents, a hypothesis is proposed that establishes the authorship of this hist orical artifact. The analysis of the non-liturgical chants contained in it is carried out from the position of closeness to the canonical primary sources. All chants were systematized in accordance with the content of the verbal text and the degree of remoteness from the canonical source and were combined into the following groups: songs close to canonical texts; songs of repentance; thanksgiving songs; edifying songs; non-canonical prayers; songs-legends and folk songs about death. The work also outlines the principles of mutual influence of church singing and the samples contained in the manuscript. The connection between the melodic structure of spiritual chants and the «new osmoglasia» chants is revealed. Special attention is paid to the principles of church notation used by the author of the manuscript, the diversity of the musical language of spiritual chants associated with the influence of the song tradition. The results of the study indicate the positive dynamics of the development of the genre of sacred chants and create the basis for further study of this layer of musical art.
Скрипач и королева: история дружбы Леонида Когана и королевы Елизаветы Бельгийской
Authors: Кривицкая Е.Д.
Published: December 2024

Статья посвящена истории взаимоотношений выдающегося советского скрипача, народного артиста СССР Л. Б. Когана с королевой Елизаветой Бельгийской. На основе их переписки, сохранившейся в архиве семьи музыканта, устанавливаются новые факты творческой биографии артиста, проясняются, в частности, обстоятельства его участия в Международном конкурсе королевы Елизаветы в Брюсселе в 1951 году. Публикация писем и их комментарии восстанавливают контекст, дают представление об интересе королевы Бельгийской к русской культуре, о контактах с советскими музыкантами, в том числе — приводятся подробности ее визита в СССР в 1958 году, как почетного гостя Международного конкурса имени П. И. Чайковского. На основе упомянутых архивных материалов складывается портрет незаурядной монаршей особы, искренне любящей и поддерживающей искусство. В свою очередь Л. Б. Коган трепетно относился к благосклонности королевы Елизаветы, ценя ее заинтересованность в развитии его артистической карьеры.

The article is focused on the relationship history between a renowned Soviet violinist, People’s Artist of USSR L. B. Kogan and Elizabeth, Queen of Belgium. Based on their correspondence which survived in the family archive of the musician, new facts appear in the biography of the artist; in particular, it shines the light on his participation in the Queen Elizabeth Competition in 1951 in Brussels. Publishing letters with the commentary restores the context and gives an understanding of Queen Elizabeth’s interest in Russian culture and her connections to Soviet musicians; furthermore, there are details about her visit to USSR in 1958 as an honorary guest of the International Tschaikovsky Competition. From aforementioned archive materials one can put together the image of an outstanding monarch, sincerely loving and supporting art. In his turn, L. B. Kogan treated Queen Elizabeth’s generosity with a good care and highly valued her interest in the development of his artistic career.
Органное английское бахианство XIX века
Authors: Бочкова Т.Р.
Published: December 2024

В статье рассматривается проявление в музыкальной традиции Англии характерного для европейского музыкального искусства девятнадцатого века черт эстетико-стилевого феномена, который определяется как бахианство. Внимание нацелено на изложение самых ранних фактов, связанных с упоминаниями имени И. С. Баха в справочно-энциклопедических и периодических британских изданиях, на представление информации о появлении нотных образцов музыки композитора на островной территории и о примерах первых исполнений его сочинений английскими музыкантами. Важный акцент сделан на распространении органной музыки И. С. Баха и ее интерпретации в условиях особой исполнительской ситуации, обусловленной спецификойанглийских инструментов, не имевших достаточного диапазона педальной клавиатуры для исполнения баховских опусов в оригинальных версиях, а также особенностями музыкального образования английских органистов. Определена роль британских и немецких музыкантов — А. Ф. К. Коллмана, К. Ф. Хорна, Ч. Берни, С. Уэсли, Б. Якобса и У. Кротча — в пропаганде органных и клавирных сочинений Томаскантора. Особо акцентируется концертно-исполнительская деятельность Ф. Мендельсона по пропаганде органной музыки И. С. Баха в Англии и его влияние на развитие в этом регионе органной исполнительской культуры.

The article examines the manifestation in the musical tradition of England, characteristic of the European musical art of the nineteenth century, the features of the aesthetic and stylistic phenomenon, which is defined as Bachianism. Attention is focused on the presentation of the earliest facts related to the mention of the name of J. S. Bach in referenceencyclopedic and periodical British publications, to provide information on the appearance of musical samples of the composer's music on the island territory and on examples of the first performances of his works by English musicians. An important emphasis is placed on the dissemination of organ music by J. S. Bach and its interpretation in a special performing situation due to the specifics of English instruments that did not have a sufficient range of pedal keyboard for performing Bach's opuses in the original versions, as well as the peculiarities of the musical education of English organists. The role of British and German musicians is determined — A. F. K. Kollman, K. F. Horn, Ch. Burney, S. Wesley, B. Jacobs and W. Crotch — for the promotion of Tomaskantor's organ and clavier compositions. The concert and performing activity of F. Mendelssohn in promoting the organ music of J. S. Bach in England and his influence on the development of organ performing culture in this region.
Элементы традиционной музыкальной культуры в сочинениях К. А. Герасимова для детей
Authors: Пыльнева Л.Л.
Published: December 2024

Статья посвящена анализу фортепианных циклов якутского композитора К. А. Герасимова, предназначенных для учащихся детских музыкальных школ. Существуют небольшие заметки о сочинениях, принадлежащие З. И. Кириллиной, А. П. Решетниковой, Н. Л. Габышевой. Цель настоящей работы — обозначить творческие подходы композитора, выработанные при создании репертуара для детей. Материалом для анализа послужили циклы «День из детства», «Якутская сюита», «На птичьем дворе», а также Концертино для фортепиано с оркестром, в которых композитор органично сочетает элементы национальной традиционной культуры с инструктивными техническими задачами. Важным достижением становится и неизменная опора на современный музыкальный язык, позволяющий подготовить юных исполнителей к пониманию актуальных произведений искусства. К. А. Герасимов практически не использует цитатный материал, но его мастерское проникновение в стиль традиционной якутской музыки вызывает стойкие ассоциации с узнаваемыми прообразами. В «Чабырҕах» («Скороговорки») и «Оhуохай» («Осуохай) это — одноименные жанры, во второй теме Концертино, а также в пьесах «Ѳтѳххѳ» («У старинной якутской усадьбы»), «Биhик ырыата» («Колыбельная»), «Пробуждение», «Грусть», «Утро» и других — стиль мышления дьиэрэтии ырыа. Танцевальные ритмоформулы прослеживаются в тематизме Концертино, в «Yнкүү» («Танец»), в «Марше цыплят». Фактически можно утверждать, что черты национального традиционного искусства Якутии становятся стилеобразующими в произведениях композитора

The article is devoted to the analysis of piano cycles of the Yakut composer K. A. Gerasimov, intended for students of children's music schools. There are small notes on works belonging to Z. I. Kirillina, A. P. Reshetnikova, N. L. Gabysheva. The purpose of this work is to consider the composer's creative approaches developed when creating a repertoire for children. The material for the analysis was the cycles «Day from the Childhood», «Yakut Suite», «In the Birdyard», as well as Concertino for piano and orchestra, in which the composer organically combines elements of national traditional culture with instructive technical tasks. An important achievement is the constant reliance on the modern musical language, which allows you to prepare young performers to understand relevant works of art. K. A. Gerasimov practically does not use quote material, but his masterful penetration to the style of traditional Yakut music causes persistent associations with recognizable prototypes. In «Chabyrgah» («Fleeters») and «Ohuohai» («Osuohai») these are the genres of the same name, in the second theme of the Concertino, as well as in the plays «Ѳtѳkhhѳ» («At the old Yakut estate»), «Bihik yryata» («Lullaby»), «Awakening», «Sadness», «Morning» and оthers. Dance rhythm formulas are traced in the main thema of Concertino, in «Unkuu» («Dance»), in «March of Chickens». In fact, it can be argued that the features of the national traditional art of Yakutia become styling in the composer's works
Образ адыга в русской литературе и музыке XIX века
Authors: Афасижев М.Н. , Федусова А.А.
Published: December 2024

Статья посвящена воплощению образа адыгского народа в русском искусстве XIX века. Авторы обращают внимание на то, что внешнеполитическое противостояние нередко становилось импульсом для расширения культурных связей между враждующими народами, это проявляется и в фольклоре, и профессиональном искусстве. Многолетние изнурительные кавказские войны XIX века нашли отражение в многочисленных произведениях русской литературы и музыки. В статье последовательно рассматриваются работы русских писателей и поэтов, в которых изображены быт и нравы адыгов. Их образ в русской литературе постепенно менялся: первые обобщенные и условные наброски В. А. Жуковского приобретали реалистичные черты в творчестве А. С. Пушкина; М. Ю. Лермонтовым впервые была воплощена тема трагической судьбы адыгов, воспитанных в русской культурной среде; Ф. М. Достоевский воссоздал их глубокие психологические портреты. В музыке этот путь освоения «другого» был противоположен — от первых попыток показать воинственный, решительный характер в романсах А. А. Алябьева 1820-х годов к детализированному отражению специфических черт кавказской музыки. В результате развиваются два способа работы с национальным материалом: цитирование, бережное включение народного первоисточника в контекст общей драматургии произведения («Исламей» М. А. Балакирева) и стилизация мелодий с использованием их основных характерных черт (позднее творчество А. А. Алябьева). Литература и музыка XIX века дополняли друг друга, создав цельный портрет адыга.

The article is devoted to the embodiment of the image of the Adyghe people in the Russian art of the 19th century. The authors draw attention to the fact that the foreign policy confrontation often became an impetus for the expansion of cultural ties between the warring peoples, which is manifested in folklore and professional art. The gruelling wars of the Caucasus in the 19th century found reflection in numerous works of Russian literature and music. The article consecutively examines works by Russian writers and poets that depict the life and mores of the Adyghe. Their image in Russian literature gradually changed: the first generalised and conventional sketches of V. A. Zhukovsky acquired realistic features in the works of A. S. Pushkin; M. Y. Lermontov embodied the tragic fate of the Adygs, brought up in a Russian cultural environment; F. M. Dostoevsky recreated their deep psychological portrait. In music, this path of mastering the «other» was reversed: from the first attempts to show a warlike, resolute character in A. A. Alyabiev's romances of the 1820s to a detailed reflection of the specific features of Caucasian music. As a result, two ways of working with national material were developed: quotation and careful inclusion of folk source material into the context of general dramaturgy of the work («Islamey» by M. A. Balakirev) and stylization of melodies using their main characteristic features (later works by A. A. Alyabiev). Literature and music of the 19th century complemented each other, creating a wholesome portrait of the Adyghe.