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Coloured Nude: Fetishization, Disguise, Dichotomy
Authors: Nelson Charmaine
Published: January 2021

Les représentations de femmes noires dans l’art occidental déflent toute classification facile. Les catégories traditionnelles du nu (« nude/naked ») en histoire de l’art, fondées sur un discours psychanalytique européocentrique et sur des normes colonialistes de beauté et de comportement sexuel sont inaptes à transiger avec la complexité de la représentation du corps de la femme noire. Cette représentation a connu historiquement une double fétichisation, fondée à la fois sur une perception d’un manque racial et sexuel. Le Nu de couleur, 1932, de Dorothy Stevens est symptomatique de cette fétichisation unique, état qui reste indicatif du positionnement de la « femme noire » comme l’autre de la féminité blanche idéalisée. Pendant que Nu de couleur situe la « femme noire » comme étant sexuellement agressive, exotique et hors norme, les nus féminins contemporains apparemment inoffensifs révèlent une tradition d’opposition délibérément fondée sur la race.
“God Save the Queen”: Narrating Nationalism and Imperialism in Quebec on the Occasion of Queen Victoria’s Diamond Jubilee
Authors: Stanworth Karen
Published: January 2021

Les fêtes du Jubilé de la reine Victoria, en 1897, doivent être considérées comme des stratégies désignées à renforcer l’identification de la Reine à la nation. Les nombreuses ovations dont elle fait l’objet à travers l’Empire britannique suggèrent une cohésion impériale aux célébrations du Jubilé qui réduit la complexité des structures narratives sous-jacentes. En nous penchant sur un seul exemple, cet article examine les récits visuels et textuels du fascicule, Souvenir du Jubilé de Québec (1897). L’analyse structurale du livret permet de retrouver les traces d’une archéologie visuelle des récits à travers les diverses couches de signification. Outre le texte racontant l’histoire du règne de Victoria, il existe trois ou quatre autres histoires qui peuvent retenir l’attention du lecteur. Elles sont construites par le positionnement répétitif de la publicité, des portraits, des vues urbaines et des autres images. Nous pensons que les mots et les images ont été consciemment organisés pour renforcer la légitimité de l’ordre impérial. Cependant, les variations mineures du schéma, les juxtapositions, les séquences et les élisions apparemment inconscientes mettent à jour des écarts quant à la pensée dominante qui sous-tend le discours du Jubilé. Les nuances dans ces récits divergents pourraient peut-être permettre d’y inscrire la voix « sub-alterne » des Canadiens français au moment même où ils semblent adhérer au discours de la Couronne.
“El Vostro Poeta:” The First Florentine Printing of Dante’s Commedia
Authors: Dunlop Anne
Published: January 2021

Le 30 août 1481, Cristoforo Landino présentait à la population de Florence une édition de la Divine Comédie, imprimée dans la ville natale du poète. Ce n’était pas le premier tirage de l’oeuvre; mais cette première édition florentine se distinguait nettement des exemplaires précédents. Pour la ville de Florence, l’ouvrage remplissait une triple fonction : il témoignait de la maîtrise, voire de la suprématie, des Florentins dans le domaine de l’impression, il marquait le rapatriement symbolique du poète et de son oeuvre et soulignait les mérites du vernaculaire toscan comme langue littéraire. Cependant cette “ré-inscription” de l’oeuvre se heurtait à la longue histoire visuelle, textuelle et orale du poème : le vernaculaire de la Comédie avait engendré un grand nombre de légendes et de mythes qui liaient l’oeuvre à un public de lecteurs et d’auditeurs ignorants et illettrés.

Pour faire de la Divine Comédie un poème savant et proprement florentin, les éditeurs avaient fait appel à toute une gamme de stratégies textuelles, visuelles et typographiques : les “Commenti” de Ficino et de Landino, un format in-folio propre aux livres savants, des caractères “humanistes” et dix-neuf illustrations dont la structure visuelle était connue de l’élite florentine. Raffinées structurellement et très détaillées, les images permettaient à chacun des lecteurs de reconstruire individuellement les épisodes du poème, d’une manière qui correspondait étroitement aux pratiques de lecture des humanistes et des élites toscans.
Roger Fry et Clive Bell : divergences fondamentales autour de la notion de « Significant Form »
Authors: Jutras Pierrette
Published: January 2021

The fundamental differences between the formalism of Roger Fry and that of Clive Bell far outweigh the few part of communalities that are often recalled to fuse, and confuse, one with the other. More specifically, the axioms which underwrite their respective views of “significance,” “form,” “significant and expressive form” or “Significant Form,” imply orientations and meanings which are so antithetic that they must be read as opposing rather than supporting each other. Such is the global conclusion resulting from a comparative analysis of texts from both authors written over a period of some twenty-five years (1909-1934). This analysis was conducted around such themes as the relationship of art and life, the means and methods of access to the aesthetic experience, and the manifestations and finalities of those experiences. The findings are fourfold. First, while Fry wants art to serve as a “double life,” unfaillingly rooted in and attentive to the human experience in this world, Bell feels art to be entirely devoted to “another world” and totally independent of—and oblivious to—the human experience. Second, while Fry presumes that anyone willing to work at learning and developing visual and perceptual skills can gain access to the aesthetic experience, Bell declares that only those born with the “aesthetic sensibility” will ever reach its peaks. Third, while Fry’s aesthetic experiences produce a variety of affects of different intensities (feelings or emotions, Bell’s “grand aesthetic thrill” is unique and always possessed of ecstatic intensity. Fourth, while Fry involves art in a process of cognition and communication, Bell glorifies art as a refuge and an escape from all communication and articulated cognition. Obviously, then, the significances and forms envisaged and supported within each of these contexts are irreconcilable.
Le philosophe chez Vélasquez : l’intrusion de Michel Foucault dans la fortune critique des Ménines
Authors: Dubreuil-Blondin Nicole
Published: January 2021

This article compares Michel Foucault's analysis of Velazquez' Las Meninas and the critical production inspired by the approach of the philosopher with the more conventional interpretation of the work by specialists of Spanish painting. Examining in detail the diverging strategies of the “theoreticians” and the “scholars,” it attempts to map out the conceptual horizon as well as the methodological procedures of both camps.

One important point of divergence between the two groups is the result of Foucault's interest in the “apparatus” of the painting, as opposed to a concern for its narrative and symbolic content. This implies a passage from the “what” to the “how” of representation, from reference to self-reference and a privileging of structural functions over or before considerations of social status.

The study also considers some repressed elements in the Foucauldian approach, from gender relations to the pictorial treatment of the work.
Shaping Reality through the Fictive: Images of Women Spinning in the Northern Renaissance
Authors: Grewe Cordula
Published: January 2021

Cet article voudrait montrer comment le motif récurrent des fileuses servait à véhiculer les idées des humanistes et des réformateurs du Nord de l’Europe.

Les artistes utilisaient le thème des fileuses à la fois pour sa valeur symbolique et pour sa grande ancienneté. Le motif leur permettait d’exprimer les nouvelles valeurs morales et les transformations du rôle de la femme. L’usage de la gravure sur bois et de la gravure en taille douce permettait une plus grande diffusion des idées nouvelles qui étaient liées à l’urbanisation des pays transalpins, à une vision plus favorable de la famille et au fait que les femmes étaient exclues du milieu du travail.

Les artistes visaient surtout la classe bourgeoise urbaine qui partageait avec les humanistes et les réformateurs l’idéal de la famille nucléaire. Le motif permettait aux artistes de séparer la « sphère officielle ou mondaine » de l’époux de la « sphère privée ou domestique » de l’épouse. Dans ce contexte, le motif était utilisé de deux façons différentes : dans un contexte domestique il mettait en scène une épouse vertueuse, chaste et obéissante, tandis que hors du domaine familial, il indiquait la prostitution et son comportement immoral. Le thème de la fileuse servait donc à propager un nouveau sens de la famille bourgeoise tout en distinguant très fortement les classes supérieures des classes inférieures où la femme devait travailler pour subvenir aux besoins de la famille.
“A Residence Fit for Any Gentleman in the Country:” Three Kingston Villas by George Browne
Authors: McKendry Jennifer
Published: January 2021

L’oeuvre de l’architecte George Browne (1811-1885) a été généralement reconnue dans les études architecturales et historiques canadiennes publiées dans Building Canada (1966) d’Alan Gowans, et A Guide to Canadian Architectural Styles (1992), de Leslie Maitland et al. Cependant les textes se référant à l’oeuvre de Browne ne sont basés que sur quelques spécimens de son travail. Le présent article se propose de démontrer et d’illustrer qu’en fait le nombre des résidences conçues par Browne est le double de ce qui lui est généralement concédé pour la période des années 1841 et 1844. Un grand nombre d’historiens lui ont attribué, sans raisons substantielles, Bellevue House, une villa bien connue de style toscan, qu’ils ont aussi datée approximativement. Roselawn, une belle villa de style paladin, attribuée précédemment à un autre architecte de Kingston, lui est ici concédée. Les résidences conçues par Browne durant ces années si importantes pour la ville de Kingston—celle-ci alors la capitale du Haut-Canada et du Bas-Canada—restent des exemples frappants d’une conception de la villa toscane comme demeure populaire où se manifestent un raffinement de son style et de son goût pour le pittoresque.
Le Arti and Intervention in the Arts
Authors: De Luise Alexandra
Published: January 2021

Le Arti, une revue d’art italienne peu connue, parut de 1938 à 1943. Elle avait une double mission : être une revue sérieuse d’histoire de l’art et d’archéologie ainsi qu’un véhicule d’endoctrinement fasciste de la communauté artistique durant la dernière période du régime fasciste. Vers la fin des années trente, le régime utilisait son vaste réseau d’expositions, les associations artistiques, divers programmes et publications comme Le Arti pour contrôler l’expression artistique. Le Arti demeure un exemple du contrôle qu’exerçait le gouvernment sur les arts et faisait partie d’un plan soigneusement élaboré visant à les centraliser sous la direction d’une agence gouvernementale. Elle était dominée par le ministre italien de l’Éducation nationale, Giuseppe Bottai, un haut dirigeant du régime.

La revue était celle qui, parmi les publications italiennes se rapprochait le plus de la revue allemande, Die Kunst im Dritten Reich et sut recruter quelques-uns des plus grands historiens de l’art italien de l’époque en les utilisant comme conseillers et comme rédacteurs. Le Arti fut en mesure d’exister pendant la période la plus difficile de l’histoire italienne et cessa de paraître avec la chute du fascisme en 1943.
Letters to Canada: Jack Chambers’ Correspondence with Charles Greenshields, 1955-1962
Authors: Smart Tom
Published: January 2021

Les lettres qu’écrivit l’artiste canadien, Jack Chambers, à Charles Greenshields de Montréal, lors de son séjour en Espagne et en Angleterre, entre 1955 et 1957, rendent compte de ses deux années consacrées à l’étude des Beaux-Arts. Elles témoignent des idées que développait Chambers quand à la relation entre l’intention de l’artiste et sa maîtrise technique. Pour décrire la création artistique, Chambers avait recours à la métaphore d’une graine qui, parvenue à maturité, devient une plante. À son retour au Canada, en 1961, sa façon de peindre, basées sur des leçons acquises au studio de Ramon Stolz, offre certaines ressemblances avec cette métaphore. Nous analyserons dans cet essai les lettres de Chambers en tentant de retracer le cheminement de l’artiste et en étudiant ses relations avec Charles Greenshields qui instituait une fondation pour venir en aide aux étudiants en art.
La théorie des ruines d’Albert Speer ou l’architecture « futuriste » selon Hitler
Authors: Lamoureux Johanne
Published: January 2021

This article reflects upon a few pages of Albert Speer’s memoirs on the Third Reich, in which the man who was Hitler’s first architect from 1934 to 1942, after a twenty-year term of imprisonment, offers his theory on the value of ruins. The architect himself considered this an active factor in establishing his privileged relation to the Führer, a theory that conceived the Reich’s official buildings in view of the beautiful ruins they would produce after centuries of neglect. This projective (instead of retrospective) treatment of the ruins, of which the modern period offers many an example, becomes a pressing issue with such a cumbersome and fundamentally anti-modern heritage as Third Reich constructions.

Speer’s anticipation of the Antique-cum-Romantic inspired ruins was to impose stylistic, economic and pragmatic constraints on his projects for which the functional necessities of the present became less important than the programmed revelation of Nazi imperial glory. The counterpart (both real and symbolic) of ruins was to be found in the architectural debris of modern European cities produced under the competent care of Hitler’s first architect made armaments minister in 1942: Albert Speer.
Figuring Marisol’s Femininities
Authors: Whiting Cécile
Published: January 2021

Cet article analyse la sculpture de Marisol, la seule femme artiste de renom du Pop américain. Les oeuvres qu’elle construit à partir de boîtes en bois dotées d’appendices sculptés, de vêtements et d’accessoires contemporains, représentent des élégantes de la classe moyenne et de la bourgeoisie aisée dans leurs activités domestiques ou dans leurs promenades familiales. De nombreux détails—consistant le plus souvent en des formes de fesses et de seins, moulées en plâtre et fixées à l’extérieur des vêtements—viennent cependant détruire l’impression d’assurance en société que produisent de prime abord ces figures sculptées.

Marisol ne traite toutefois pas ces femmes avec une simple distanciation amusée, puisque chaque sculpture correspond aussi à un autoportrait: des moulages de plâtre, des photographies ou des dessins représentant le visage de l’artiste ornent presque toutes ces figures de femmes à forte carrure. Cet article examine les moyens mis en oeuvre par les sculptures de Marisol pour parodier la représentation des femmes suivant la mode dans la presse à grand tirage; sur la même lancée, il analyse comment, par un retour ironique des choses, la presse adopte Marisol comme la femme artiste Pop par excellence et comme un modèle de chic Pop.
Power, Politics, and Demonstration in Thirteenth-Century Mainz: The Tomb Slab of Archbishop Siegfried III von Eppstein (†1249)
Authors: Brush Kathryn L.
Published: January 2021

L’iconographie du couronnement sur la pierre tombale de l’archevêque Siegfried iii von Eppstein (1249 apr. J.-C.) dans la cathédrale de Mainz ne possède aucun équivalent parmi les monuments funéraires du moyen âge qui subsistent encore. Curieusement, toutefois, la scène du couronnement illustrée sur la pierre de Siegfried ne correspond pas aux faits historiques. Si le prélat n’a pas couronné les deux rois, pourquoi était-il ainsi représenté dans ce rôle ? Alors qu’un nombre de chercheurs se préoccupèrent d’établir la primauté d’une interprétation de l’iconographie de la sépulture basée sur des faits historiques, cet article tente de « lire » le pouvoir démonstratif de l’image de Siegfried par rapport à cet auditoire potentiellement important du xiiie siècle à qui elle s’adressait. Dans cet article, nous avançons que la pierre fut conçue de façon à véhiculer simultanément de multiples significations, et que la relative lisibilité de ces messages était conditionnée par une conscience particulière du spectateur des circonstances précises entourant la conception de la pierre, ou à un niveau encore plus complexe, par la reconnaissance du spectateur de quelques-unes ou de toutes les références iconographiques de la pierre. De cette manière, la portée de la polémique idéologique qu’offrait la pierre tombale de Siegfried n’était pas fixe, mais variait selon le degré de sophistication politique et visuelle des spectateurs du xiiie siècle.
Picturing Canada’s Native Landscape: Colonial Expansion, National Identity, and the Image of a “Dying Race”
Authors: Ryan Maureen
Published: January 2021

Les études en histoire de l’art ont eu jusqu’à présent tendance à analyser la représentation des Premières Nations dans l’art canadien en se référant au large concept romantique du « bon sauvage ». Cette généralisation, cependant, risque d’obscurcir la façon, dans l’histoire canadienne, par laquelle on a imposé aux Premières Nations des stéréotypes concurrents et parfois même contradictoires. En se concentrant sur les premières expositions de la « Ontario Society of Artists », ainsi que sur une série spécifique de paysages exposés à cet endroit, dont l’oeuvre Lords of the Forest (1874) de Lucius O’Brien, nous examinerons dans cet article la représentation de l’autochtone comme un exemple d’une race « à l’agonie » ou « en voie de disparition ». Nous amenons ici l’argument que le stéréotype d’une race « à l’agonie », bien qu’aussi courante dans une vision européenne que nord-américaine en général, revêtait une signification particulière au sein de la colonie canadienne à la fois avant et après la Confédération. L’article présente comment tant le stéréotype que l’image visuelle qui l’évoquait constituaient des éléments importants dans le mythe de l’identité nationale au cours des années suivant la Confédération. Nous verrons que le concept d’une nation « à l’agonie » s’associait à des idéologies spécifiquement canadiennes quant à la colonisation, au développement et au progrès culturel. Celles-ci en retour pouvaient être invoqueés pour démontrer la supériorité du nouveau dominion par rapport à ses voisins républicains du sud, les États-Unis.
The Group of Seven and Northern Development
Authors: Walton Paul H.
Published: January 2021

La découverte, par les peintres du Groupe des Sept, d’un nouveau thème d’inspiration, celui des vastes étendues sauvages, coincide avec un sursaut d’industrialisation, appelé par les historiens « La Grande Transformation » du Canada. En Ontario, elle commença avec l’acquisition, auprès du gouvernement fédéral, de vastes étendues de territoires riches en ressources, situées sur le bouclier précambrien. En tant que centre manufacturier et financier, Toronto bénéficia d’une croissance industrielle que stimulait le développement du « Nouvel Ontario », et cette ville attira les artistes commerciaux, excités à l’idée de nouvelles frontières et attirés par des excursions de peinture sur le motif, devant ces paysages du nord. Les toiles qu’ils ont exposées employaient des techniques modernistes qu’on pourrait interpréter comme l’expression d’une nouvelle alliance entre l’art et l’industrie. Et quoique ces artistes n’aient été que des touristes du nord, ils se présentèrent commes de robustes aventuriers, émules des trappeurs, bûcherons, prospecteurs, figures mythiques associées à la conquête du nord. Ils ont aussi manifesté leur souci d’aider directement le commerce, en cherchant à améliorer la qualité du design industriel au Canada.

La confiance et l’optimisme que dégagent les oeuvres du Groupe des Sept s’harmonisent avec une attitude de propriétaire face à la nature, qui est propre aux Canadiens, et qui s’explique par les dispositions prévues par la constitution, réservant une partie des ressources des Terres de la Couronne à la jouissance publique. Ceci a contribué à encourager une sorte foi optimiste dans le caractère inépuisable de la nature que l’imagerie de ces peintres laisse transparaître. De plus, certaines tensions se sont développées entre les critiques qui envisageaient le progrès en Amérique du Nord en terme de poursuite de la tradition agraire et ces « modernistes radicaux » qu’il est possible d’associer avec un nouveau concept de grande accélération, de progrès scientifique inspiré par l’utilisation des derniers développements de la technologie pour arracher de force, et de manière destructive, les ressources naturelles à ces étendues sauvages.
Canadian Centre for Architecture, An Appreciation
Authors: Placzek Adolf K.
Published: January 2021

La fondation en 1979 du Centre Canadien d’Architecture fut un événement sans précédent dans l’histoire de l’architecture. C’est grâce à l’intelligence et à la prévoyance de son fondateur Phyllis Lambert, architecte, historien de l’architecture et défenseur de la sauvegarde des monuments historiques, que le cca fut créé et réalisé. L’organisation du Centre Canadien d’Architecture est unique. Tout en étant une institution autonome, il remplit plusieurs fonctions qui jusqu’à maintenant faisaient l’objet d’institutions disparates : centre de recherche sur l’architecture, bibliothèque, archives, musée. La richesse des collections du cca, livres, dessins et estampes, photographies et archives est étonnante. Elles s’étendent de la première édition imprimée à Florence en 1485 du De re aedificatoria de Léon Battista Alberti et des dessins originaux d’architectes tels que Nicholas Hawksmoor, Pietro Bracci et Mies Van der Rohe, jusqu’aux dessins et gravures des derniers édifices d’Arata Isozaki et Michael Graves.

Grâce à la richesse de ses collections et à ses activités multiples d’envergure nationale et internationale, le Centre Canadien d’Architecture pourra promouvoir la connaissance approfondie de l’architecture et de son histoire chez le grand public, les architectes et les chercheurs. En outre, avec toutes ses ressources, le cca sera en mesure d’influencer le développement de l’architecture à l’avenir.
Director’s Choice: Report on Selected Acquisitions, 1985-89
Authors: Lambert Phyllis
Published: January 2021

La manière dont se sont constituées les collections du cca a été exposée dans la publication Les débuts/The First Five Years, 1979-1984 (Montréal, 1988). Le document intitulé « Director’s Choice: Report on Selected Acquisitions, 1985-89 », énumère et décrit les volumes ajoutés à la bibliothèque après 1984, ainsi que les dessins, les estampes, les photographies et les collections d’archives. L’un et l’autre expliquent comment les acquisitions récentes stimulent la recherche concernant les fonds déjà acquis et comment elles ouvrent de nouveaux champs d’investigation. Dans le présent rapport, les oeuvres sont classées de la façon suivante : dessins et livres de la Renaissance, fortifications, collections spéciales, périodiques, bâtiments particuliers, archives—urbanisme et édifices résidentiels, fonds d’architectes—et photographies. Le rapport sur les acquisitions se termine par la liste des publications du cca et par une autre liste des ouvrages ayant trait aux collections du cca. Les images reproduites ici donnent un aperçu aussi large que possible des collections du cca, étant donné qu’ils s’ajoutent aux illustrations des autres articles de ce numéro de racar et aux publications du cca. Certaines de ces images ont été réalisées pour les fins les plus grandioses et d’autres pour des motifs très humbles. Elles ont été faites pour résoudre des problèmes propres au domaine bâti. Elles démontrent que les différents moyens d’expression vont du livre sans prétention sur un bâtiment simple jusqu’aux exemples les plus remarquables, tant du point de vue du sujet que de la facture. Il est à noter que l’authenticité, la qualité et le bon état des objets de collection sont les caractéristiques essentielles des oeuvres réunies par le cca. La mauvaise qualité d’une oeuvre nuit à sa compréhension. Celles des collections du cca sont conservées et exposées dans des conditions optimales; ainsi, les visiteurs et les chercheurs peuvent examiner simultanément et en profondeur les dessins, les livres et les photographies du quinzième siècle à nos jours—des documents du monde construit par l’homme.
Lloyd Wright and the Lehigh Airport Competition
Authors: Shubert Howard
Published: January 2021

En 1929, 321 architectes participaient au concours organisé pour la conception d’un aéroport parrainé par la Lehigh Portland Cement Company d’Allentown en Pennsylvanie. Le Centre Canadien d’Architecture possède aujourd’hui deux grands rendus et 24 dessins préparatoires que l’architecte Lloyd Wright (1890-1978) a présentés à ce concours. L’analyse des rendus et des dessins préparatoires nous aide à mieux comprendre la nature du programme du concours. On peut retracer ainsi les différentes étapes qui ont été poursuivies par Lloyd Wright pendant la formulation de son envoi. Il considérait l’aéroport comme un centre nerveux autour duquel s’articulait un système de transport intermodal. Ses croquis indiquent qu’il imaginait un réseau efficace et logique dont l’enchevêtrement complexe rendait possible la circulation sans heurt d’avions, de piétons, d’automobiles et de bateaux. Les travaux de Lloyd Wright et le programme du concours nous renseignent également sur les facteurs qui exerçaient une influence sur la conception d’ensembles architecturaux qui étaient nouveaux à l’époque.
Reproducing Poussin
Authors: McTavish Lianne
Published: January 2021

Pourquoi si peu d’historiennes d’art ont-elles analysé les oeuvres du Poussin ? Nous tenterons de répondre à cette question en considérant comment les articulations de la sexualisation ont informé et continuent d’informer la construction des discours sur Poussin. Après avoir analysé quelques récits en histoire de l’art sur le développement artistique du Poussin, nous examinerons un dessin de l’artiste, Scène domestique dans un intérieur, exécuté autour de 1643-45. En comparant ce dessin avec des illustrations et des descriptions prémodernes de l’accouchement, nous posons l’hypothèse que Poussin représente une scène d’accouchement. Nous essayerons de montrer que les débats entourant les pratiques prémodernes d’accouchement jettent un nouvel éclairage sur les tensions et les contradictions de ce dessin. Nous conclurons en soutenant que cette oeuvre n’a jamais été considérée auparavant comme une représentation d’accouchement parce que Poussin est communément compris comme un artiste productif et jamais comme un artiste paternel reproductif. Comme le « cadre structurant » du « Parergon » de Jacques Derrida, la sexualisation est, elle aussi, à la fois exclue et pourtant essentielle aux approches actuelles sur Poussin.
Flower-Girls and Fictions: Selling on the Streets
Authors: Huneault Kristina
Published: January 2021

Les ouvrières, les pauvres et les femmes en milieu urbain ont souvent été considérés comme le paradigme de l’Autre. Par contre, la marchande de fleurs des périodes victorienne tardive et édouardienne a servi de figure de contact et de liaison entre les deux classes. Oeuvrant dans un vaste champ discursif, les écrivains et les artistes ont librement façonné un type de représentation qui correspondait aux conceptions dominantes de la complémentarité et de la disponibilité sexuelle féminine. La première était obtenue en mettant en évidence les interactions charitables entre les classes, la seconde, par l’alliance commode des fleurs et de la sexualité féminine. Même si les rudes réalités de l’environnement urbain semblaient aller à l’encontre des sensibilités délicates et passives, la féminité s’affirmait de nouveau par des références à la maternité et au monde naturel. Adaptée aux idéologies dominantes des rôles sexuels, la marchande de fleurs était ainsi intégrée à une économie moderne de consommation. Une mini-capitaliste, ne comptant que sur elle-même pour faire un profit, elle devenait un témoin rassurant de la capacité de l’ordre économique bourgeois à saisir tout ce qui était à sa portée.
An Analysis and Documentation of the 1989 Exhibition Black Wimmin: When and Where We Enter
Authors: Jim Alice Ming Wai
Published: January 2021

Cet article analyse l’arrivée des femmes artistes noires sur la scène artistique canadienne dans les années 80 en examinant l’exposition-jalon, Black Wimmin: When and Where We Enter. Elle montrait les travaux de onze femmes artistes faisant partie de la diaspora africaine du Canada. Présentée d’abord à A Space Gallery de Toronto en janvier 1989 et se déplaçant, la même année, à travers le Canada, vers quatre autres galeries gérées par des artistes, cette exposition créait deux précédents : d’abord elle se donnait comme un exemple significatif de travail anti-raciste et, ensuite, elle écrivait un chapitre important du développement culturel de l’histoire canadienne de l’art. En effet, elle était la première exposition canadienne à être vouée entièrement au travail de femmes artistes noires et, aussi, la première à être entièrement organisée par des femmes conservateurs toutes d’origine africaine.

Cet essai considère l’exposition Black Wimmin: When and Where We Enter, comme un texte postcolonialiste engagé dans une pratique artistique activiste et examine comment les oeuvres individuelles deviennent aussi des textes disruptifs par leur exploration particulière de la construction identitaire du sujet qu’est la femme noire de la diaspora. Utilisant des stratégies postcolonialistes pour analyser ce projet comme un texte « créatif », essayant d’« affecter » la situation des femmes artistes noires du Canada, cette étude fonctionne ultimement comme une analyse critique et comme une documentation historique de l’exposition, Black Wimmin: When and Where We Enter, de ses artistes et de leur production.
Wall Paintings as Documents: An Example from the Atrium of S. Maria Antiqua, Rome
Authors: Osborne John
Published: January 2021

L’article prend comme sujet une fresque, représentant cinq saints nimbés, qui couvre la longueur d’un passage qui sort de l’atrium de l’église de S. Maria Antiqua à Rome. Des particularités de l’habit ecclésiastique, l’emploi de la forme vernaculaire « sancto », et la présence de saint Blaise (dont le culte n’est arrivé à Rome qu’au milieu du xe siècle), suggèrent une date d’environ l’an 1 000. Malgré l’exécution de qualité inférieure et le mauvais état de conservation, l’oeuvre constitue un document de haute importance pour l’histoire de l’église de S. Maria Antiqua ainsi que pour l’histoire de ce coin du Forum romain pendant une période pour laquelle les documents écrits nous manquent. L’auteur fait appel aux historiens de l’art de prendre soin de documenter toutes les oeuvres d’art et non seulement celles qu’on trouve les plus intéressantes.
Leonardo da Vinci’s Unorthodox Iconography: The Madonna with the Cat
Authors: Friesen Ilse E.
Published: January 2021

Dans le Codex Atlanticus, écrit entre 1483 et 1518, Léonard de Vinci déclare qu’il était emprisoné au moment où il représentait un Enfant Jésus. Cette étonnante affirmation fait vraisemblablement référence aux études préparatoires pour la Madone au chat, la plus importante série d’esquisses de ses années de jeunesse.

Même si d’autres artistes ont représenté un chat dans des scènes de Sainte Famille, Léonard de Vinci a été le seul à mettre le petit animal si près du « coeur » des personnages, prenant ainsi une liberté iconographique qui a pu être jugé sévèrement par les autorités ecclésiastiques. Dans l’univers de la sorcellerie du xve siècle le chat était associé au diable et dans des gravures italiennes et allemandes de la Renaissance il était le symbole de la sorcellerie même.

La datation des dessins pour la Madone au chat est fondée sur une note autographe, dans laquelle Léonard de Vinci affirme que vers la fin de 1478 il travaillait à deux représentations de la Vierge Marie. La figure de la Vierge avec une fleur de la Madone Benois (Leningrad), possiblement l’une de ces peintures, à été considérée comme une version simplifiée de la Madone au chat.

Les esquisses les plus élaborées de cette oeuvre controversée se trouvent au British Museum de Londres. Par leur exécution spontanée et fugueuse elles se détachent de la précision et de la netteté traditionnelles du travail des ateliers du xve siècle. Par là ces esquisses annoncent la transition entre la première renaissance et le xvie siècle. Ces dessins constituent en outre un bon exemple des distances que Léonard de Vinci prenait envers la tradition iconographique; enfin, ils témoignent de la lutte de l’artiste en faveur de la liberté de création.
A Case Study in the Attributions of Two Important Kingston Villas
Authors: McKendry Jennifer
Published: January 2021

L’auteur étudie les attributions de deux importantes villas de Kingston, The Folly (commencée en 1861 et terminée vers 1890) et Edgewater (commencée en 1858). On ne dispose pas de documentation sur les auteurs de ces maisons, attribuées toutes les deux à John Power (1816-1882). L’auteur présente des éléments de comparaison stylistique lui permettant d’affirmer que seulement The Folly fut conçue par Power, tandis qu’Edgewater serait l’oeuvre de William Coverdale (1801-1865). L’auteur voit en effet dans ces deux maisons un certain nombre de caractéristiques qui se retrouvent dans des oeuvres documentées de Power et Coverdale. Le choix de matériaux locaux et l’utilisation du style classique font de ces villas de véritables symboles du statut social de leurs propriétaires dans la ville loyaliste de Kingston, qui a failli rester en 1844 la capitale du Canada Uni.
The Utrecht Psalter and the Art of Memory
Authors: Gibson-Wood Carol
Published: January 2021

Les travaux de recherche en histoire de l’art sur les illustrations du Psautier d’Utrecht ont porté principalement sur les problèmes d’identification de sa date, de sa provenance et de ses origines stylistiques. Ces renseignements ont donné des résultats positifs, sans toutefois fournir une meilleure explication de l’emploi surprenant du mode « litéral » dans l’illustration du manuscrit. D’après moi, ceci peut s’expliquer par le rôle didactique important que jouèrent les psautiers au début du moyen âge, particulièrement dans le cadre de la réforme de l’enseignement qu’entreprit Charlemagne. Les psautiers étaient des textes de base pour apprendre le latin. Tout en apprenant à lire les psaumes, les élèves apprenaient les mots par coeur, talent très prisé dans les écoles monastiques. Je pense que les enluminures du Psautier D’Utrecht, surprenantes de par leur nombre (une illustration pour chaque psaume) et leur genre (ce sont les mots exacts du psaume qui sont illustrés et non pas leur symbolisme ou leur signification), doivent être considérées comme des aide-mémoire pour retenir les psaumes. Elles semblent représenter une adaptation des techniques de « l’Art de la mémoire » classique tel que le décrivent les textes anciens de rhétorique. Ces textes existaient au début du neuvième siècle, période où les sources classiques étaient fort recherchées et consultées avec un regain d’intérêt. Si l’on considère les illustrations du Psautier d’Utrecht comme des moyens mnémotechniques dans la tradition de « l’Art de la mémoire », alors certaines de leurs caractéristiques, dont l’explication s’avérait jusque là peu satisfaisante, deviennent intelligibles. C’est sous cet angle que se fait l’analyse des psaumes 92 et 102 qui servent d’exemples pour démontrer comment l’imagerie du Psautier d’Utrecht a été conçue et utilisée à des fins mnémotechniques.
A Source for the Interpretation of Murillo’s Parable of the Prodigal Son: The Golden Age Stage
Authors: Taggard Mindy Nancarrow
Published: January 2021

La série de six tableaux de Bartolomé Esteban Murillo intitulée La parabole de l’enfant prodigue (Collection Beit, Irlande) et réalisée à Séville entre 1660 et 1670, semble être la seule oeuvre picturale espagnole du dix-septième siècle qui porte sur ce thème biblique. Les estampes du graveur français de la même période, Jacques Callot, semblent avoir inspiré cette série unique, bien que la source d’inspiration des nombreuses adaptations apportées par Murillo, notamment au niveau des costumes, des personnages et des décors, n’ait pas encore été déterminée.

Cet article compare l’interprétation de Murillo de cette parabole à celle des dramaturges espagnols du Siècle d’or. Contrairement aux arts plastiques, la parabole a été un thème dramatique populaire qui a été repris tant dans le théâtre religieux que séculier par des dramaturges importants du dix-septième siècle comme Lope de Vega, Tirso de Molina et J. de Valdivielso.

Les détails relatifs aux costumes dans El hijo pródigo de Lope semblent supposer que, dans la série de Murillo, le fait que l’enfant prodigue soit vêtu de vert à son départ symbolise sa naïveté, alors que le dialogue dans la comédie de Tirso suggère que la couleur rouge de sa cape reflète son humeur, soit son irresponsabilité et son étourderie. Cette comédie explique également le rôle important que joue le frère aîné : introduit dans le premier tableau comme l’image inverse de l’enfant prodigue, il offre à l’observateur un contre-exemple positif en regard des excès honteux de son jeune frère. Par ailleurs, le dialogue dans El hijo pródigo de Lope présente la vieille dans le tableau de Murillo de l’enfant prodigue chassé comme un personnage-clé au niveau de la représentation symbolique de son « desengaño », soit son éveil à la vanité des plaisirs éphémères de la vie. Plus importante encore est l’interprétation offerte dans le scénario de Lope du tableau de l’enfant prodigue festoyant : en effet, il définit la courtisane comme l’incarnation des plaisirs de la chair, le vin une potion pour oublier et le péché de l’enfant prodigue sa perte de contrôle sur les cinq sens qui lui viennent de Dieu. L’étroite similarité entre la composition de Murillo et la scène de Lope laisse croire que le peintre, dans ce cas, s’est inspiré de l’oeuvre El hijo pródigo. La popularité du scénario, publié d’abord en 1604 et réimprimé à six autres reprises avant 1618, permet de conclure que Murillo avait pû facilement y avoir accès. Étant donné la censure artistique sévère qui existait alors en Espagne, la nature de la scène, qui représente l’indulgence des sens, explique que le peintre ait choisi une source espagnole plutôt qu’étrangère.
Daumier’s Expressive Heads
Authors: Laughton Bruce
Published: January 2021

D’une manière générale, l’essai traite de la vitalité expressive des têtes de Daumier et examine le dessin d’une tête d’expression du British Museum. D’une part, nous rattachons l’origine de l’esquisse à des théories que proposait Lebrun en 1656, et, d’autre part, nous attirons l’attention sur l’influence des trois-cent quatre-vingt-un mascarons, sous les consoles du Pont Neuf de Paris, sur un groupe de dessins de Daumier. Nous retraçons l’histoire des mascarons de leur création, aux alentours de 1606, jusqu’à leurs restaurations de 1816 à 1820 et de 1852 à 1855.
Le Mentorat féminin dans les contes de fées : de ruses en ruses
Authors: Legault Marianne
Published: January 2021

Cet article examine les différentes formes de mentorats féminins dans trois contes de fées du Grand Siècle: Riquet à la Houppe, L’Adroite princesse ou les aventures de Finette, et L’Enchanteur. On y trace le rôle du mentorat dans la relation conteuses-lectrices, ainsi que son influence sur le refus des contraintes domestiques et sociales imposées sur les femmes.  Le mentorat féminin, qui apparaît chez ces conteuses dans des maximes, dans un appel à l’écriture, ou dans la conclusion de l’intrigue, sert à dénoncer les hommes et à encourager les femmes tant à la production du genre merveilleux qu’à la liberté de conduite féminine.
Visages comiques de Mentor. Remarques sur les figures magistrales dans le roman comique
Authors: Gauthier Patricia
Published: January 2021

Les romans comiques actualisent la figure du mentor par la présence de personnages tantôt maitre, tantôt guide, passés au crible du soupçon. Francion renvoie l’image satirique du maitre comme bourreau, Hortensius, complétée par la figure du guide, Raymond, ami ouvrant  Francion au libertinage. Le guide lui-même offre une image complexe : Anselme incarne un guide paradoxal puisqu’il conforte le berger extravagant dans sa folie, quitte à écorner les valeurs de l’amitié. Chez Cyrano, le Démon de Socrate enseigne une « burlesque pédagogie » qui fera s’émanciper Dyrcona de Campanella. La mise à distance de l’autorité (y compris celle du pseudo-éditeur du Francion) inscrit ainsi la lecture critique comme principe légitimant consubstantiel au genre.
La figure quichottique et la réversibilité de la relation de mentorat dans Don Quichotte et Le Télémaque travesti
Authors: Tran-Gervat Yen-Mai
Published: January 2021

Cet article étudie le traitement du couple mentor-disciple dans deux « romans de la folie romanesque », Don Quichotte de Cervantès (1605-1615), le modèle de tous ces romans, et Le Télémaque travesti de Marivaux (1714), singulière parodie du Télémaque de Fénelon. Il s’efforce d’analyser les motifs comiques liés notamment à la transmission des savoirs livresques à un disciple ancré dans la culture populaire, mais aussi à l’éventuelle réversibilité de cette relation de mentorat.
Variantes sur la figure du mentor au XVIIe siècle
Authors: Maher Daniel
Published: January 2021

Cet article explorera la figure du mentor dans des textes du XVIIe siècle en utilisant trois ressources électroniques, le logiciel d’analyse de texte Voyant, la base de données Satorbase, et BiblioToucher, une bibliothèque virtuelle de textes intégraux d’Ancien Régime. À partir des configurations de mentorat dans quatre textes bien différents (Le Voyage dans la lune, la Princesse de Clèves, Amelonde et l’étonnante Histoire de la Marquise-Marquis de Banneville) les mots clés du mentorat seront identifiés et analysés (fréquence, distribution et collocations). Ceci permettra non seulement d’en tirer des topoï dans ces textes mais aussi de tenter de retrouver ces mêmes topoï dans d’autres textes de l’époque.
Statinė reklama: teorija ir praktika : mokslo monografija
Authors: Pilelienė Lina , Grigaliūnaitė Viktorija , Bakanauskas Arvydas Petras
Published: January 2021

Ši monografija – tai Vytauto Didžiojo universiteto Marketingo katedros mokslininkų trejų metų tyrimų rezultatas, skirtas statinei reklamai ir jos efektyvumo teorijoms apibendrinti ir skleisti. Mokslo monografiją sudaro penkios dalys, kuriose nuosekliai nagrinėjamos statinės reklamos efektyvumo prielaidos. Trys pirmosios monografijos dalys sudaro teorinį statinės reklamos analizės pagrindą. Pirmojoje dalyje statinė reklama pradedama nagrinėti nuo taško kaip bet kokio eskizo pagrindo, pereinant prie maketo kompozicijos, apibrėžiant ir dekomponuojant jos sudėtingumą ir elementus. Antrojoje monografijos dalyje nagrinėjami reklamos kūrybinės strategijos elementai: reklamos kreipinio parinkimo galimybės, reklaminės žinutės siužeto tipai, reklamos šaltinis ir jo sąsajos su reklamos efektyvumu. Trečiojoje monografijos dalyje nagrinėjami skirtingi statinės reklamos kontekstai – spaudos priemonės, prekybos vietos aplinka ir lauko reklamos aplinka; atskleidžiama skirtingų kontekstų daroma įtaka reklamos efektyvumui, taip pat veiksniai, darantys įtaką efektyvumui, esant skirtingiems reklamos kontekstams. Ketvirtoji ir penktoji monografijos dalys pristato autorių atliktų tyrimų rezultatus. Ketvirtojoje dalyje yra atskleidžiamos statinės reklamos efektyvumo vertinimo galimybės. Sudarant pagrindą empiriniam tyrimui, monografijoje pristatomi kiekybiniai, kokybiniai ir neuromarketingo tyrimo metodai, pagrindinį dėmesį skiriant elektroencefalografijos ir žvilgsnio sekimo sistemos taikymo galimybėms. Monografijoje laikomasi nuostatos, kad siekiant kompleksiškai įvertinti reklamos efektyvumą turi būti pasitelkiami ir tradiciniai, ir neuromarketingo tyrimo metodai. Penktojoje dalyje yra pateikiami ir interpretuojami statinės reklamos efektyvumo tyrimo rezultatai priklausomai nuo analizuojamų statinės reklamos sandaros ir strategijos aspektų bei konteksto. [...]
WHAT ADVANCEMENTS IN CLINICAL NEUROSCIENCES NEED TO OCCUR IN THE NEXT 10 YEARS?
Authors: Panteli Emily , Brennan Gary
Published: January 2021

Introduction: Temporal lobe epilepsy (TLE) is the commonest focal epilepsy. Acquired TLE is considered to occur as the result of a 3-phase process called epileptogenesis. Firstly, an ‘epileptogenic event’ occurs, for example traumatic brain injury. Next follows a latent period whereby hyperexcitable networks form and lower the seizure threshold. Finally, TLE emerges. The objective of this review is to investigate how gene dysregulation drives hyperexcitability during epileptogenesis. Methods: Searches were conducted using keywords and medical subject headings on bibliographic databases and complemented by Google searches and manual revision of reference lists of retrieved articles. Results: Multiple pathogenic processes occur during the latent phase of epileptogenesis, before acquired TLE is diagnosed. These are hippocampal sclerosis, synaptic reorganisation including mossy fibre sprouting, neuroinflammation, aberrant neurogenesis and astrogliosis. Furthermore, epigenetic signalling pathways including DNA methylation, histone modifications, transcriptional and post-transcriptional dysregulation drive these pathogenic brain changes. Discussion: The epigenetic pathways that drive pathogenic brain changes following epileptogenic events are potential therapeutic targets for novel antiepileptic drugs. Targeting molecular pathways could prevent many cases of acquired TLE by halting epileptogenesis in the latent phase, meaning new therapies for acquired TLE have the potential to be antiepileptogenic rather than simply anticonvulsant.
OPTOGENETICS AND ITS INFLUENCE ON THE CLINICAL NEUROSCIENCES
Authors: Gotowiec Mateusz
Published: January 2021

Optogenetics, the control of neural activity using light, is a recent development in the field of clinical neuroscience and has brought significant reform to the domain. The “optogenetic revolution” has fueled the expansion of three main areas: the cell-specific understanding of neurodegenerative disorders, development of new treatment methods and evolution of biotechnological approaches. The possibility created by optogenetics of single-cell manipulation and the identification of specific neuronal pathways allows for a radically clearer grasp of the brain’s functioning. However, despite its promising outlook, the future of optogenetics remains unclear. Especially the transition from animal-based models to human application requires a significant advancement of the field, with technological and physiological obstacles that have so far proven unsurpassable. Thus, the question is posed whether the rapid change which optogenetics brought to clinical neurosciences will continue gaining momentum in the coming years.