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Языковой стиль времени (на материале современной прессы и авторских текстов В. Шендеровича и Земфиры)
Authors: Fedorova Liudmila L'vovna
Published: February 2024

Le style discursif de notre temps

étude des textes de la presse et d’auteurs populaires,

V. Chenderovitch et Zemphira

Le discours publiciste de la Russie contemporaine appelle à la compétence culturelle et linguistique du lecteur de masses, par laquelle se représente l’image linguistique du monde - image populaire mais tout de même pas «naïve». Elle puise dans les modèles qui sont propres aux diverses couches de la conscience linguistique et qui forment un assemblage multiple. Ce sont d’abord des éléments représentatifs de l’esprit national (proverbes, locutions figées, bons mots) et aussi des exemples tirés des œuvres classiques russes (citations ouvertes et latentes), ce sont aussi des images et des locutions figées de l’époque soviétique, auxquelles il faut ajouter la couche soviétique «à l’envers» - celle du milieu criminel, et puis ce sont les éléments spécifiques du jargon «nouveau russe». Le langage «nouveau russe» tel qu’on se le représente est constitué du mélange intentionnel de ces diverses couches.

Le choix de la stylistique du texte est déterminé au bout du compte par la situation communicative : les relations entre l’auteur ou journaliste, et le lecteur. Le caractère de ces relations s’est modifié ces dernières années. Si dans la presse officielle soviétique l’auteur occupait une position distante (voir schéma ci-dessous : A1), celle d’une instance supérieure, autorisée, qui instruit et dirige, en laissant aux masses des lecteurs un rôle passif, solidaire à l’unisson (L1), maintenant la presse préfère un autre modèle de relations. Par exemple, Moskovskiy komsomolets impose un contact solidaire : l’auteur et le lecteur ont des situations (A2, L2) à peu près équivalentes dans la société désintégrée, et de plus, le lecteur est inclus dans le cercle des proches de l’auteur, ceux qu’on appelle en russe «les siens» - c’est-à-dire ceux qui ont une vision du monde et une compétence communicative comparables à celles de l’auteur. Moskovskiy komsomolets, Sobesednik choisissent le style parlé, avec une intonation confidentielle, qui est adressée aux «siens», à ceux qui sont capable de comprendre les allusions et les sens latents. On y trouve toujours place pour la stylisation et le jeu. Cette analyse peut être étendue à des textes d’auteurs contemporains, populaires chacun dans son domaine : Victor Chenderovitch pour ses satires, Zemphira pour ses chansons.

Le style de notre temps se présente toujours comme le jeu des images et des formes propres aux diverses couches de la conscience nationale linguistique. Les enfants qui font leurs premiers pas en littérature choisissent de jouer avec les images contemporaines dans les formes traditionnelles, mais ils trouvent pour les sujets sérieux des paroles vraies.
“Песнь есть форма лингвистического неповиновения”
Authors: Rubins Maria
Published: February 2024

«The song is a form of linguistic revolt» : On some cases of substandard vocabulary in Joseph Brodsky’s poetry and prose.

Within a more general inquiry into the topic “Brodsky and language”, this article deals with specific contexts of Brodsky’s usage of the substandard variant of the possessive pronoun “ixnij”(their). A brief survey of the historic evolution of the form “ixnij” since the 17th century precedes the analysis and classification of examples drawn from Brodsky’s essays, theatre plays, and poetry, as well as from his translations from Euripides and Kavafis. Used independently or in deliberate proximity with the grammatically correct variant “ix”, this form fulfills multifarious functions : it signals the idiosyncratic speech of certain characters, indicative of their cultural and social level ; distinguishes the voice of the speaker from that of the author, even in presumably lyrical passages ; creates a stylistic contrast ; reinforces the expressionistic and ironic qualities of the text ; introduces familiar and intimate intonation ; suggests a retrospective, nostalgic gaze by alluding to the jargon of Russian intellectuals in the 1960s ; and, ultimately, highlights the linguistic code while deemphasizing the content, underscoring Brodsky’s meta-poetic intentions. Above all, challenging the authoritarian academic grammar, “ixnij” becomes a formula of linguistic revolt. The full range of the word’s meanings reveals the “performative”, postmodernist aspect of Brodsky’s poetics and contributes to our understanding of his linguistic strategies.
Poésie et éthique chez Marina Cvetaeva à partir de l’Art à la lumière de la conscience
Authors: Corrado-Kazanski Florence
Published: February 2024

Marina Cvetaeva : ethic and poetry. Marina Cvetaeva’s essay "Art under light of conscious" is a theoretic and poetic analysis about the nature of creation. Specially, it is about the link between ethic and poetry. First of all, the article presents the central notion of “verbal element” (stixija slova) ; then, it shows that creation is a question of the right nomination. Finally, the right name leeds to the poetic verity and also to the personal justification of the poet.
La construction de l’autorité philosophique dans la Rhétorique de M. Speranski
Authors: Gorbounova Raïssa
Published: February 2024

L'auteur de cet article essaie de montrer, sur l'exemple de la Rhétorique de M. Speranskij (1792), le changement de paradigme intellectuel en Russie, au XVIIIe siècle, à savoir la ruine du savoir rhétorique et l'avènement du savoir philosophique.
A propos de la genèse de la notion de modèle dans la sémiotique russe-soviétique
Authors: Tchougounnikov Sergueï , Burov Alexandr
Published: February 2024

The article is a study of relationships between Russian-Soviet semiotics and cybernetics it treats essentially the concept of “model” or “secondary modelising system”. The analysis of the notion of “artistic model” in the Moscow-Tartu semiotics allows to conclude : 1. that this concept of model introduces a particular type de metadiscription containing a subject, this is a structuralism with a subject ; 2. that this concept defined like an “organism” brings forth an organical dominant in the description of culture ; 3. that the Moscow-Tartu semiotic school has elaborated a theory which is a kind of ontology having ''life itself'' for its final object.
L’image en passant. Urbanités. Friches près de la gare
Authors: Malaurie Christian
Published: February 2024

L’acte de passer engage une corporéité et se déploie dans une spatialité urbaine inédite, productrice d’imaginaire urbain. Il s’agit alors d’essayer de comprendre à travers “ce qui fait image” comment l'intermédialité de l’apparaître informe mais aussi dramatise l’urbain. L’urbain constitue un milieu sensible où l’action de se déplacer instaure de la relation de co-présence, actualise une forme de reconnaissance de l’autre mais provoque tout en même temps de la relation distancée et hiérarchique, qui participe à la mise en abîme du regard. Les postures corporelles des passants captées par le cinéma et la photographie contemporaine nous introduisent dans un rapport sans fin à l’invention du territoire urbain, car au-delà de la mise en représentation de l'espace, l'image par elle-même permet de passer d''un lieu à un autre, de faire un “tout petit lien”. Ce lien s’établit entre un usage de l’espace (la marche piétonnière) et sa figuration en image (la figure invisible du passage). Une “image de désir” prend corps dans ce mouvement figuré incognito révélé par l’artiste. Si la normalité propose une corporéité piétonnière banalement sécuritaire, l’acte ordinaire de passer fait lien par le jeu vivant de l’image que l’artiste produit.
Les virtus de l’image ou les puissances du pixel
Authors: Maurial Sandrine
Published: February 2024

Nous vivons désormais dans l’ère du virtuel et dans une culture du visuel où les images abondent. Georges Didi-Huberman définit le visuel par la façon dont se révèlent dans l’image, les conditions de possibilité de toute visibilité. Tandis que le visible appartient à la normalité quotidienne dans la vision des choses qui nous entourent, le visuel désignerait plutôt les possibilités du visible, ses potentialités. Cette puissance du visuel se classe alors sous le terme latin de virtus. Cette évocation du virtuel au creux du visuel rejoint aussi cette conception de la puissance propre à Aristote. Toute matière est en puissance ou dunamis, c’est-à-dire virtualité. En son essence, toute materia prima se révèle porteuse de suprêmes richesses, elle a une vocation structurale, une vertu formelle. Dans la sphère des images virtuelles, le pixel perçu comme élément géniteur de l’image numérique prend ainsi la relève. Cette particule lumineuse ne contient-elle pas aussi, en puissance, les formes, les couleurs et les mouvements de la future image ? Il devient donc intéressant d’analyser les effets produits par les forces en puissance du pixel dans l’art numérique.
Boustrophédons d’Etna Corbal et robes de mues océanes d’Aline Ribière
Authors: Lafargue Bernard
Published: February 2024

Les Boustrophédons de sève d’Etna Corbal et les Robes d’algues d’Aline Ribière se présentent comme des sculptures hétérotopiques, belles et fragiles, à durée de vie limitée. Elles nous invitent à penser l’éphémère, non plus sur le mode mélancolique des Vanités du dix-septième siècle chrétien ni sur celui, désespérément impatient et insouciant, de notre culture kleenex, mais sur celui, positif voire euphorique, de la rencontre harmonieuse et merveilleuse de quelques flux, souffles ou énergies, hic et nunc. Un kairos, un haïku, un yi qi, un sourire de catleya pour le dire avec Swann, qui rend la vie si belle qu’on ne peut qu’en vouloir l’éternel retour.
Les musiques électroniques : instituer l’éphémère
Authors: Berthou Benoît
Published: February 2024

L’originalité des musiques électroniques réside dans le fait qu’elles tentent d’instituer l’éphémère en proposant de “faire de la musique avec de la musique”, c’est-à-dire de créer en utilisant comme matériau des compositions d’ores et déjà existantes. Le matériau de l’oeuvre n’est ainsi jamais pleinement determiné, mais est constamment renouvelé, et l’oeuvre relève d’un éphémère qu’elle entend mettre en évidence à travers une temporalité musicale fondée sur la variation et la répétition. La création se définit comme l’exploitation d’un ensemble de possibilités sonores, et le musicien adopte une position qui n’est pas sans rappeler celle du “sage” qu’évoque François Jullien : il conçoit des compositions en forme d’“échafaudages”, de constructions éphémères qui sont susceptibles d’être constamment révisées et repensées afin de faire une place à un matériau renouvelé. Forte de semblable dispositif, une musique se définit ainsi comme un objet s’inscrivant pleinement dans le temps, devenant l’instrument d’un devenir et non d’une pérennité.
Le Mouvement des Nuages. Nuages de l’art ou les leçons de l’éphémère
Authors: Saule-Sorbé Hélène
Published: February 2024

A l’instar de l’historien et philosophe de l’art Hubert Damisch, le plasticien peut se laisser porter par les nuages pour une itinérance à travers l’histoire des oeuvres. Privilégiant l’observation dans l’art du paysage, manifeste dans les études comme dans les écrits d’artistes, il réalise que dans leur course, au fil de cinq siècles, les nuages sont voués à des statuts instables liés aux préoccupations sociétales du moment. Leur permanence dans cet enchaînement d’emplois précaires en a fait tour à tour des opérateurs de profondeur, de délestage, de naturel, d’idéalité paysagère, de conscience, ou encore d’inconscient et de perception symbolique. Ils permettent de remonter l’aventure de l’art sous le signe de la liberté.
La désinvolture du portrait de Castiglione d’après ses résonnances chez le dandy et rrose sélavy
Authors: Métaux Sandra
Published: February 2024

Dans Il libro del Cortegiano, Baldassare Castiglione fonde l’éthique sur l’esthétique de la “ sprezzata desinvoltura”.

Remarquablement plastique, l’art de la désinvolture est la source et l’effet de la “ grazia”, qui, selon Daniel Arasse, génère, comme malgré elle, la “ venustà” affectée des maniéristes. Comment s’opère le passage de l’une à l’autre ? Daniel Arasse ne répond pas à la question.

En relisant le portrait de Castiglione à partir des lapsus de ses copies mais aussi de ses résonances chez le dandy et Rrose Sélavy, cet article met en évidence l’ambiguïté de la désinvolture.
L’âge de la désinvolture. Manière artistique et manières sociales
Authors: Vouilloux Bernard
Published: February 2024

La “ désinvolture” (la sprezzatura de Castiglione) est une valeur partagée par la manière artistique et par les manières sociales. Celles-ci ont été étroitement associées, au même titre que la grâce et le “ je ne sais quoi”, à cette “ civilisation des moeurs” (Norbert Elias) qui, de la Renaissance jusqu’à la fin des Lumières, et à travers toute l’Europe, définit aussi bien des “ formes de vie” (forme di vivere) que des formes d’expression nouant éthique, esthétique et théologie – civilisation qui a connu ses développements les plus féconds dans une littérature de la “ conversation”.
Le génie, un acharnement désinvolte à devenir soi-même
Authors: Shusterman Richard
Published: February 2024

Le style et le génie sont tous les deux des concepts qui se définissent par un jeu d’oppositions très prononcées : on les conçoit comme exigeant pour leur réalisation soit un grand effort soit une spontanéité libre, insouciante, ou désinvolte. Ils semblent être tantôt l’expression d’un talent individuel, tantôt d’un don très personnel ; la question est de savoir si le style et le génie s’acquièrent en restant fidèle à soi-même ou en se dépassant. Il s’agit dans cet article d’analyser ces tensions chez Emerson, Nietzsche et Wittgenstein, et de voir si elles peuvent se résoudre ou se combiner de manière féconde.
Le cinéma de Jean Cocteau? une esthétique et une éthique de la désinvolture
Authors: Chantoiseau Jean-Baptiste
Published: February 2024

Jean Cocteau, par sa vie et par son oeuvre, semble l’incarnation même de la désinvolture. Mais, chez cet artiste injustement minoré, elle est moins une facilité qu’une responsabilité ! Elle renvoie à une éthique qui prône un respect profond des forces vives de la création. L’étude de son esthétique cinématographique, faite d’accidents, de glissements et d’inachèvements, montre, dans cet essai, combien la désinvolture, quand elle est inscrite dans le corps même de l’oeuvre, constitue le plus beau des hommages qu’il est possible de rendre à la poésie et à l’imagination…
Alberto Sorbelli. De l’oeuvre dissipée à l’art du sabordage
Authors: Lahuerta Claire
Published: February 2024

L’oeuvre de l’artiste Alberto Sorbelli peut être envisagée, pour peu que l’on prenne une certaine hauteur vis-à-vis de l’ensemble de sa démarche, comme une manoeuvre systématique de sabordage institutionnel. Dans des affronts permanents à l’encontre du monde de l’art, dont les dénouements sont parfois physiquement violents (cf. la figure de l’Agressé), Sorbelli toise l’Institution avec une désinvolture qui va jusqu’à dissiper l’oeuvre elle-même, dissiper c’est-à-dire disperser, dépenser l’objet d’art, quel qu’il soit, jusqu’à son anéantissement. Dans ce sabordage en règle, le dispositif finit par épuiser l’oeuvre, qui, devenant énergie pure, s’altère au profit d’une métaphysique du corps outrageant. De l’oeuvre dissipée à l’art du sabordage – ou inversement – : l’oeuvre en dépense absolue s’invagine, jusqu’à ne conserver, au fil des actions, qu’une puissante et désinvolte intention créatrice dépourvue d’objet à consommer.
Par-delà cynisme et servilité. La désinvolture joyeuse et désabusée de Maurizio Cattelan
Authors: Toussaint Évelyne
Published: February 2024

Les créations de Maurizio Cattelan, à fort coefficient de scandale, oeuvres de Witz et de symptôme, agissent comme des transformateurs, opérant un déplacement tonique tant du désir que du discours. Théâtralisant de fulgurants mots d’esprit, il cultive le genre de la déflagration en théâtralisant les figures les plus radicales de l’irrespect. S’adonnant à une véritable apologie de la désinvolture dans un monde de l’art dont il connaît tous les rouages, Maurizio Cattelan teste avec dérision, tout en pirouettes, pieds de nez et bras d’honneur symboliques, les libertés d’un système artistique modelé par un contexte économique, mais aussi la position de l’artiste et celle du courtisan, ce dernier se voyant impartir des limites dont la désinvolture authentique ne saurait s’accommoder.
Du désordre sous les apparences: le loufoque exotique de Lucariello et de Mogarra
Authors: Sirven Hélène
Published: February 2024

Les oeuvres narcissiques de Saverio Lucariello semblent user de désinvolture pour se moquer des idées reçues et pour stigmatiser les postures savantes, les commentaires sur l’art. Elles réveillent la part d’étrangeté du monde d’images dans lequel nous vivons. Courtiser ces images c’est, mine de rien, en faire le procès et démonter les systèmes périssables du discours sur l’art. Courtisans loufoques et désinvoltes, Lucariello et Joachim Mogarra créent du désordre dans les références
Le Rouleau de Norvège
Authors: Caveribère Marjorie
Published: February 2024

L’oeuvre de Saverio Lucariello dialogue avec des figures indifféremment mondaines et altermondaines qu’elle se plaît à faire étrangement communiquer. Pris par son propre jeu, l’artiste s’y met lui-même ironiquement en scène, comme dans la présente fiction, dans un dialogue imaginaire avec un Wittgenstein non moins imaginaire
Quand la lumière se révèle (Charles Lapicque, Julio Le Parc, Garcia Rossi, James Turrell)
Authors: Truchot Pierre
Published: February 2024

La peinture de Charles Lapicque a ceci de particulier que chacun de ses tableaux est pensé comme une surface diffusante de lumière. Une toile, pour ce physicien des couleurs, c’est d’abord un objet lumineux qu’il faut organiser en fonction des ondes lumineuses qui diffusent, diffractent et réfractent les différentes couleurs, de sorte que la rétine du spectateur suive et anime ce balai lumineux. Si l’emploi des couleurs est si particulier dans cette peinture, c’est parce que leur répartition dans l’espace pictural est pensée en vertu de leurs longueurs d’ondes et de leurs contrastes. Par ses tableaux qui attirent et guident le regard, Lapicque instaure un lien nécessaire, physique entre la toile et son regardeur. Cette recherche de l’implication du regardeur induite par un jeu sur la lumière s’exprime, selon des procédés différents, chez les artistes du Groupe de Recherche d’Art Visuel. C’est dans cette filiation que les dispositifs imaginés par James Turrell s’inscrivent puisque ses œuvres invitent les spectateurs à une pure perception de la lumière.
La lumière, un agent particulier de l’histoire des arts
Authors: Auboiron Pierre
Published: February 2024

Parler de la lumière dans l’art contemporain peut paraître un lieu commun tant le terme revient tel un leitmotiv dans la plupart des traités sur l’art – qu’il soit contemporain ou non d’ailleurs. À y regarder de plus près, ces textes se contentent souvent d’aborder le thème de la lumière sous ses seules expressions techniques, que sont la lumière picturale, et plus récemment la lumière photographique. Ce faisant, la littérature a longtemps occulté, pour ne pas dire ignoré un pan majeur de la place qu’occupe la lumière dans la création artistique depuis la seconde moitié du XXe siècle : l’émergence d’une lumière devenue un matériau plastique à part entière. Questionner le rôle que tient aujourd’hui ce médium place l’historien d’art devant une série de dilemmes, parfois inconfortables, tant la nature même de la lumière demande de s’ouvrir à une multitude de choix, de définitions et de paradigmes, lui demandant ainsi de remettre en question certains fondements théoriques de sa discipline.
Fondements de la scénographie moderne : étymologie, histoire et esthétique
Authors: Guinebault-Szlamowicz Chantal
Published: February 2024

Parler de scénographie, induit de parler de scène et donc faire référence au modèle scénique de l’espace dont le caractère serait d’être profondément unitaire (cf. J. Aumont, in L’Image, Nathan Université). L’élaboration sur plusieurs siècles (XVe-XIXe), du modèle italien de la scène théâtrale, montre comment l’application de la perspective dans le domaine du spectacle, met en jeu une corrélation technique-esthétique qui donne à la scénographie ses premiers enjeux en tant que dispositif. Une scène n’est pas un espace ordinaire, c’est pourquoi le travail du scénographe consiste avant tout à définir “la scène”, c’est-à-dire à définir les limites de la représentation. Ces limites – autrement dit ce cadre – peuvent être poreuses ou souples, et l’au-delà (coulisses voire même espace spectatoriel) contaminés par la représentation, mais pour cela il doit exister et le parti pris doit être volontaire. Pour qu’il y ait jeu avec le hors-scène, encore faut-il qu’il y ait “scène” ! (cf. Louis Marin sur Pollock et le dripping, in De La Représentation : au départ, il faut bien qu’il y ait la toile !) Une scène est également un espace unitaire parce que c’est un espace qui montre et qui démontre, d’où le lien depuis l’Antiquité avec la dramaturgie retrouvée aujourd’hui sous d’autres appellations : scénario, parcours, direction, etc., à condition de rappeler son étymologie, “drama” : action.
La scénographie comme territoire de l’art ou “l’impossible” ontologie du plateau
Authors: Bréaud-Holland Ondine
Published: February 2024

Entre scénographie et théâtralité, des risques de confusion existent. Quelles sont les causes de cet amalgame, et ces notions peuvent-elles prétendre à une véritable équivalence ? L’analyse de faits récents, empruntés aussi bien au domaine de la critique théâtrale qu’à celui de l’exposition historique, montre en fait le contraire : une certaine fragilité de la scénographie face à la théâtralité, l’idée même qu’elle serait inessentielle à l’art. Pour sortir de cette impasse, on reviendra sur la démarche d’un plasticien-scénographe comme Romeo Castellucci. On se demandera jusqu’à quel point le plateau est constitutif de l’oeuvre, comment il peut intervenir comme principe ontologique d’une certaine forme de création. Or la démonstration serait aisée si la présence d’installations, de ce même artiste ou d’autres plasticiens familiers du théâtre, ne venait en perturber le déroulement. À leur tour, ces installations parleront de la scénographie comme d’un territoire de l’art, traversé de contradictions, désiré ou suspecté.
L’ensemble et l’ensemblier, une nouvelle scénographie des arts décoratifs
Authors: Bardin Christophe
Published: February 2024

En même temps qu’une réflexion sur l’esthétique de l’objet utilitaire, les acteurs des arts décoratifs du XIXe siècle commencent à imaginer des stratégies de présentation singulières. Octave Maus comme Samuel Bing par exemple, s’accordent sur l’idée d’exposer un ensemble cohérent de meubles et vaisselles en lieu et place d’une multitude d’objets hétéroclites. Avec l’ouverture des grands magasins puis l’apparition de l’ensemblier au début du XXe siècle cette question de la scénographie devient une problématique essentielle des arts décoratifs.
L’espace à l’œuvre
Authors: Debat Michelle
Published: February 2024

En convoquant les productions artistiques de Claude Levêque, Bernard Moninot, Richard Serra mais aussi de Jocelyne Alloucherie ou Dominique Petitgand, nous nous intéresserons à la démarche initiale de ces artistes et aux enjeux esthétiques qui conduisent à des mises en espace procédant de la véritable actualisation de l’œuvre. Ce que fait l’œuvre à l’espace qui l’accueille et inversement ce que l’espace doit à l’œuvre et lui “fait en retour” sera l’objet de notre réflexion qui nous permettra de réfléchir ici, à la dynamique d’un espace mise en oeuvre par le corps et les sens du spectateur. Ouverture du célèbre White Cube moderniste vers des œuvres-lieux comme champs d’expériences mettant en exergue l’implication active d’un regardeur devenu acteur dans l’articulation de la perception et du déplacement. Question artistique s’il en est qui n’oublie pas ses précédents du Black Mountain Collège des années 40 aux Etats-Unis pour aujourd’hui réinvestir un terme retrouvé mais chargé lui d’une dimension peut-être plus critique et politique : à savoir la performance.
Du plaisir des œuvres à la scénographie du plaisir
Authors: Lontrade Agnès
Published: February 2024

L’ouverture au siècle des Lumières des expositions et des Salons au public est en grande partie le fruit d’une réflexion sur le sujet esthétique et sur la légitimité du sentiment individuel. Le plaisir esthétique est une des causes théoriques majeures de la démocratisation des goûts et de l’invention de l’espace public du Musée. Qu’en est-il aujourd’hui de cette notion, cruciale pour la libération du spectateur ? Point de convergence entre création et réception, le plaisir demeure un enjeu certain pour l’exposition et sa scénographie. C’est au travers de trois exemples d’expositions plaçant au coeur de leurs dispositifs expérience esthétique, divertissement, plaisir et beauté, que l’auteure cherche à comprendre le devenir moderne et contemporain du plaisir. Le sentiment comme origine de l’exposition cède la place à l’exposition comme scénographie du plaisir, façon de mettre en abîme l’idée même d’exposition, mais aussi de revaloriser un certain type de relation à l’art, souvent considéré comme caduc et passéiste.
La scénographie, de l’espace au regard
Authors: Schmitt Céline
Published: February 2024

Depuis plusieurs décennies, la scénographie connaît un engouement tel qu’elle ne sait plus très bien où elle en est ni qui elle est. Elle a passé la rampe, elle est descendue de la scène et est sortie des théâtres pour s’exposer à un monde où tout espace peut devenir, le temps d’un regard, le lieu d’un événement spectaculaire. Au cours de son émancipation comme art spécifique, elle a dû s’adapter aux transformations des dispositifs techniques et à l’évolution du regard qu’ils engendrent. Il lui a aussi fallu apprendre à lutter contre un certain nombre d’atavismes coriaces qui n’ont pas manqué de laisser de profondes cicatrices. La scénographie s’est libérée de la structure matérielle de la scène en emportant avec elle le dynamisme scénique, c’est-à-dire, une mise en tension du regard, un rythme de l’oeil dans l’espace qui active la représentation. Cependant, quand la représentation tend à se confondre avec la consommation, la scénographie oscille entre l’activation du regard et des stratégies de manipulation. Et on voit que ce n’est pas tellement en tant que pratique que la scénographie connaît une période de crise, mais d’une part, en tant que discipline strictement définie et d’autre part, comme objet d’analyse pour les théories de l’art. La scénographie provoque une crise de la pensée, car ses formes actuelles d’exposition ne sont pas seulement le signe de la transformation de la culture muséale, elles nous renseignent sur le processus de représentation dans son ensemble dans la mesure où elles questionnent l’étrange articulation entre voir et faire-voir. Elles révèlent également l’influence du fonctionnement de l’espace sur le statut de l’image et sur l’identité du spectateur que nous sommes aujourd’hui. Or, ce fonctionnement échappe à toute rationalisation et à toute planification car on ne saurait prévoir ce qui attend le regard au détour de l’image.
Mettre en scène l’espace public : distancier ou habiter ?
Authors: Lelièvre Anaïs
Published: February 2024

Krzysztof Wodiczko projette sur un monument aux morts des images de sans-abris. Tony Oursler fait apparaître l’espace public comme un lieu hanté de personnages fantomatiques. L’un met en lumière le contexte social sur le mode du décalage ; l’autre ravive, par des procédés illusionnistes, l’univers magique de sa maison natale. La mise en scène artistique de l’espace public est-elle un acte de “distanciation” (Brecht) ou d’“habitation” (Heidegger) ? Est-elle une manifestation politique ou une expression de l’intime ? Cette étude fera apparaître que ces deux tendances, a priori contradictoires, ne sont pas exclusives mais traversent, entrelacées, les œuvres de ces deux artistes. Issus du théâtre ou du quotidien, ces deux concepts sont ainsi remis en jeu, voire redéfinis par leur déplacement dans le champ des arts plastiques.
Construire ou déconstruire
Authors: Poissant Louise
Published: February 2024

Venise est certes la capitale des biennales. La dernière édition : Construire des mondes

a été abondamment critiquée et pourtant, elle présentait plusieurs oeuvres dignes d’attention, notamment trois installations d’art médiatiques, Schattenspiel d’Hans Peter Feldmann, Wilhelm Noack oHG de Simon Starling et Guests de Krzysztof Wodiczko sommairement commentées ici et qui ont en commun de promouvoir une vision. Ces trois installations, à la fois baromètres et révélateurs des crises que l’on traverse dévoilent les diverses couches et dimensions des crises et des enjeux actuels.
L’enfer du paradis selon Nathalie Djurberg
Authors: Vacher dit Valhère Didier
Published: February 2024

En donnant à Nathalie Djurberg le prestigieux Lion d’Argent des jeunes espoirs pour son installation : «Experiment 2009 – Garden Of Eden » , le jury de la biennale de Venise 2009 ne récompense pas tant la création d’un monde nouveau, si fantastique soit-il, que l’acuité du diagnostic que le monde ouvert par cette oeuvre porte sur notre monde. Après avoir rappelé et mis en perspective le parcours de Nathalie Djurberg, cet article s’attache à montrer comment son fascinant jardin des délices et malices met en abyme la perversité avec laquelle les hommes, de pouvoir et d’église notamment, échafaudent des mondes paradisiaques au nom desquels ils s’autorisent et favorisent les pires ignominies.
Le Biotope, une nouvelle manière de faire des mondes, entre culture et nature
Authors: Zwingenberger Jeanette
Published: February 2024

Cet article se propose d’envisager trois expositions majeures des années 2009-2010 sous l’angle du biotope : la 53e Biennale de Venise, intitulée Fare Mundi sous la direction de Daniel Birnbaum, La Force de l’Art 02 au Grand Palais à Paris avec trois commissaires, Jean-Louis Froment, Jean-Yves Jouannais et Didier Ottinger, ainsi que

Sk-interfaces de Jens Hauser au Casino Luxembourg1. Compris dans sa relation avec son environnement naturel, l’homme devient une interface vivante, propre à suggérer une nouvelle alliance entre nature et culture. Celle-ci reconfigure notre statut de «maître et possesseur de la nature » pour mieux souligner ce qui nous constitue comme un «covivant » . «En quoi ces oeuvres révèlent-elle un symptôme du malaise de notre culture occidentale et un prodrome de changement ? »
Making worlds : misunderstanding words
Authors: Rondeau Corinne
Published: February 2024

Making Worlds, l’édition de la biennale 2009 de Venise a été très critiquée. Or le fondement de cette critique n’est pas celui d’un échec mais d’une incompréhension. Celle-ci repose sur l’écart entre l’obsession des commentateurs spécialisés dont la quête consiste à connaître l’art de demain et le directeur de la biennale, Daniel Birnbaum, qui a exposé une réflexion historique sur l’actualité de l’art. De ce point de vue, l’art contemporain n’a pas besoin de prouver quoique ce soit mais de livrer des indices concernant notre rapport à l’art : déconstruire les attitudes et les discours afin de participer à notre présent. Entre les propositions théoriques et les choix artistiques, cette biennale questionne plus qu’elle ne démontre : façon de prendre des risques sur nos propres certitudes.
De Thomas Mann à Visconti ou la Recherche sauvée des eaux : Mort à Venise, film proustien ?
Authors: Ton-That Thanh-Vân
Published: February 2024

Visconti a indirectement adapté Proust dans des films dont l’atmosphère, les personnages et la vision du monde rappellent l’univers de la Recherche. Le jeu de miroir entre la nouvelle et le film Mort à Venise est complexe et fait intervenir des affinités entre les artistes comme le montrent l’évocation de Venise, la transposition de la réalité et les métamorphoses des personnages.
Le geste de design et son effet : vers une philosophie du design
Authors: Vial Stéphane
Published: February 2024

La philosophie du design que nous appelons de nos voeux peut s’entendre comme une double recherche : poïétique et esthésique. Du point de vue poïétique, c’est-à-dire du point de vue du projet en train de se faire, le geste de design se présente chez le designer

comme un processus créatif singulier reposant sur une boucle de co-détermination infinie entre le savoir-penser et le savoir-modéliser, et constituant une forme propre de culture. Du point de vue esthésique, c’est-à-dire du point de vue du projet en train de se vivre, l’effet de design se présente pour l’usager comme un retentissement phénoménologique en trois dimensions : ontophanique, callimorphique, socioplastique.
La beauté des objets
Authors: Van de Casteele Eric
Published: February 2024

Le design prend en charge la part des objets qui nous est devenue totalement étrangère, il l’humanise. Ça n’est pas nouveau. Raymond Loewy dans les années 1930 aux États-Unis, recouvrant ses photocopieuses et ses locomotives d’une sorte de carapace de beauté et de simplicité, avait permis que fût réalisé le rêve du XIXe siècle : rendre désirable notre vie avec les objets industriels. À notre tour d’en jouir, emballés qu’ils sont, comme le dit Hal Foster, « dans l’intelligence et la culture » .
Deux tables de Bonetti : des différences et des valeurs
Authors: Beyaert-Geslin Anne
Published: February 2024

L’article observe deux tables en bois et matériau précieux de Mattia Bonetti : Onde, une grande table en chêne massif brossé avec applications de laiton poli, d’or ou de nickel noir et Samourai, une table basse en wengé massif sertie à sa base de clous nickelés polis. Il caractérise les différences perceptive et statutaire qui les distinguent de la table générique, ce qui lui permet saisir les valeurs mises en jeu par un objet de design.
Je t’aime moi non plus, depuis et pour toujours
Authors: Gil Julie , Polla Barbara
Published: February 2024

Au regard d’une histoire sociale, qui ne sépare pas l’art de l’artisanat, on peut tenter de comprendre celle des relations entre l’art et la mode. Dresser une archéologie de leurs rapports révèle à quel point les frontières dressées entre le grand Art et les arts mineurs ou appliqués par une modernité soucieuse de remplacer une élite de goût divin par une élite de goût méritocratique, sont aujourd’hui redevenues poreuses. À l’écoute des stylistes qui œuvrent comme des artistes et des artistes qui œuvrent comme des stylistes, cet article interroge la philosophie de l’art de la mode ; son design.
Un amour de design. De l’iPhone d’Apple au Pibal(e) de Starck en passant par les Brillo Boxes d’Harvey transfigurées en oeuvres d’art par Warhol, et retour
Authors: Lafargue Bernard
Published: February 2024

Cet article met en regard la révolution opérée par le design planétaire relationnel intégré de l’iPHONE de Steve Jobs immédiatement connoté «futuriste » avec la révolution opérée par le design planétaire relationnel ouvert du Pibal(e) immédiatement connoté «passéiste » , pour tenter de comprendre comment et pourquoi le design, en sortant au printemps 1964 des Boîtes Brillo d’Harvey transfigurées par Warhol en oeuvres d’art dans

la galerie Stable de Manhattan, a remplacé l’art, à moins que ce ne soit l’art qui ait pris conscience de lui même en tant que design ; et quelle est la philosophie qui se cache sous la tentation idéologique du «tout design » ou du « design total » .
Protocole d’usage des robots ; vers un comité d’éthique
Authors: Cardoso Stéphanie
Published: February 2024

Paramétrables et sur-mesure, l’humain et ses productions de robots humanoïdes concourent vers une amélioration physique et cognitive sans fin. Le souci esthétique de soi trouve écho dans le domaine de la bioéconomie et laisse apparaître de nouveaux champs empiriques pour le design. En nourrissant les idéaux fabriqués par la société occidentale, les opérations esthétiques et chirurgicales destinées à améliorer l’être humain, flattent notre insatiable désir du toujours «plus » , toujours «mieux » . Un homme augmenté par les technologies pervasives et des robots anthropomorphes investis d’humanité, le scénario d’un futur proche qui mène à un univers poreux où fiction et réalité se distinguent mal. Cette mise en abîme de l’humain, entre plaisir et désenchantement, soulève la question de l’homme sublimé, là où beauté et perfection se rencontrent.
Enflure fantasmatique et décrispation politique : esthétique du design des sex toys
Authors: Croce Cécile
Published: February 2024

Au croisement des problématiques artistiques actuelles : l’intérêt de l’Esthétique pour l’esthétique industrielle, l’impact fantasmatique des images communicationnelles, la construction performative du genre et l’élaboration soma-esthétique de soi, les sex toys, produits de la Société de consommation de masse, créés par les designers, tentent de trouver leur place. Les discours publicitaires qui les accompagnent laissent entendre une ouverture (bisexuelle psychique) à l’autre cassant les catégories genrées, une meilleure connaissance de soi-même et un accomplissement personnel corporel adapté aux exigences de notre temps. Or, leur design trahit d’autres repérages plus troubles, moins magiques et dépouillés de la portée critique de l’art.
Esthétique dentaire et Beau sourire
Authors: Gillet Dominique , Jeannel Alain
Published: February 2024

Les marges de « l’esthétique dentaire » que l’analyse en termes de design révèle, s’enracinent dans la réflexion sur la création comme soit une mimétique instituée, soit une institutionnalisation des différences. Elles définissent les rôles du praticien, de l’artisan, du designer. Elles soulignent l’importance d’une réflexion axiologique sur leur pratique. Elles questionnent les biens culturels dans leur dimension anthropologique, sociologique, éthique et les rapports entre la production industrielle et l’équité.
D-i/signe > < i+D/signe
Authors: Veyrat Marc
Published: February 2024

L’i+ D/ signe, qu’est-ce-que c’est ?.. Systématiquement utilisé dans les «coin locker babe-i » (Figures de l’Art n° XIV), quels sont ses rapports avec le D-i/ signe ? Nous partirons de deux cas concrets : les portraits sociaux U-rss réalisés pour le Musée Gassendi et l’École d’Art de Digne-les-Bains. Quelle méthodologie a été mise en place pour définir leur forme ? Comment se sont-ils construits progressivement et sur quels modèles de données ?
Designe-moi un parfum
Authors: Bonnard Emilie
Published: February 2024

Le design olfactif s’intéresse au sens des senteurs en utilisant le média parfum, alors qu’utilisé en art, le parfum désigne un matériau. Il permet de créer des projets jouant sur la communication. Des stratégies de conception de l’image aux projets, le designer agence des signes, pense et reconfigure son quotidien à la façon d’un philosophesémioticien, marqué par les cultures occidentales, mais aussi orientales.
La sexuation par les objets : vers un queer design ?
Authors: Bourlez Fabrice
Published: February 2024

À travers l’analyse et l’interprétation de différentes productions à la limite entre l’art et le design, l’article interroge les liens qu’entretiennent les objets avec la sexualité et la construction de nos identités de genre.
Pour un design éducationnel : la mise en oeuvre d’un master design à l’Université de Bordeaux 3
Authors: Jeannel Alain , Cardoso Stéphanie
Published: February 2024

Le Master Professionnel Design, Innovation, Technologies, Arts met en synergie l’acquisition des processus cognitifs de l’épistémologie, la description technique du projet de production et l’approche anthropologique. Son curriculum s’organise autour de trois thèmes réflexifs, la pensée complexe, l’altérité et le rapport éthique/ déontologie, il forme l’étudiant à une analyse axiologique de l’action dans laquelle il s’engage et il le prépare à une activité professionnelle en construction dans un domaine créatif qui questionne les approches scientifiques évolutives.
Du souffle interfacé au déLIRE : BrainStorm de Jean Dubois
Authors: Boisclair Louise
Published: February 2024

L’installation immersive et interactive BrainStorm de Jean Dubois suscite notre immersion dans un espace virtuel de mots volants et mobilise notre interaction corporelle avec une interface inusitée. En soufflant sur les coupelles d’un anémomètre, on accélère l’affichage jusqu’à l’explosion de mots dont résultent des néologismes en quête sens. En plus de la redéfinition de la lecture et de l’écriture, l’expérience de BrainStorm révèle l’augmentation de notre perception associée au geste interfacé. Cet article explore les modalités de l’expérience esthétique ainsi renouvelée.
La scène débordée. L’immersion trouée
Authors: Mons Alain
Published: February 2024

Il s’agit d’appréhender un paradoxe patent : certains espaces dits immersifs sont troués. On le ressent déjà dans des lieux habituels, comme le cinéma. Cela devient évident dans les scénographies contemporaines abordées ici, théâtrales, chorégraphiques, urbaines, exposantes. L’expérience d’un renversement et débordement scéniques a pour effet d’exaspérer les limites, en les dévergondant, ou en les dérobant. L’immersion est matérielle et imaginaire, elle est une conjugaison telle que je la repère dans ces créations d’artistes où des stratégies de vacillation ouvrent sur les impressions du corps. Les «visiteurs » sont plongés dans des atmosphères sensibles tout en cultivant une mise en énigme d’environnements qui échappent à tout enveloppement total. Ainsi l’emprise d’un système technico-immersif est déjouée par la vacance et l’étrangeté de son propre cheminement tâtonnant. Il s’agit de compositions ontologico-spatiales ouvertes à l’imprévu, aux affects non programmés, à une situation de soi s’évadant de soi. Le trouage des dispositifs est la condition d’un battement existentiel en devenir. Une anthropologie singulière est esquissée pour un tel espace-temps contextuel.
Immersions réelles et virtuelles : des expériences esthétiques modifiant perception et corps propre
Authors: Trentini Bruno
Published: February 2024

Comprendre les processus immersifs ne peut se faire sans avoir une idée précise de la manière dont l’individu perçoit le monde extérieur et se perçoit dans le monde extérieur. Les nouveaux dispositifs immersifs ont permis une meilleure compréhension de la représentation du corps propre. C’est à partir de ces données et de leur confrontation à l’expérience esthétique qu’il est possible de proposer une définition de l’immersion rendant compte de la pluralité des expériences : l’immersion passerait par une modification des associations perceptives fondant la relation de soi au monde.
L’expérience immersive des corps : détournements artistiques des technologies d’imagerie médicale
Authors: Cloutier Marianne
Published: February 2024

Cet article propose d’explorer des pratiques artistiques contemporaines utilisant l’endoscope comme outil d’exploration du corps. Chez Stelarc, Mona Atoum et Phillip Warnell, le détournement de l’imagerie médicale permet au spectateur de vivre une expérience immersive donnant accès à divers imaginaires corporels, tout en permettant la mise en place d’un échange symbolique entre son propre corps et celui de l’artiste.
Le réseau postpornographique espagnol : hybridation et nouvelles stratégies de subjectivation
Authors: Torres García Manuela
Published: February 2024

Depuis quelques années se développe en Espagne un réseau d’artistes qui travaillent autour du sexe, des genres et de la corporalité. Dans leur perspective postpornographique, qui mêle féminisme et pensée queer, ils pratiquent la performance, la photographie et la vidéo. Expérimentant de nouvelles formes de sociabilité, ils mettent à mal les dualités féminin/ masculin, vivant/artificiel, réalité/ simulation ou hétérosexuel/homosexuel, et déplacent les frontières entre les genres, la sexualité, les émotions et la chair.
Paso Doble (2006) : au coeur de la matière avec Nadj et Barceló
Authors: Gothuey Julie
Published: February 2024

Par l’analyse de Paso Doble, performance réalisée par le chorégraphe Josef Nadj et le plasticien Miquel Barceló en 2006, cet article a pour objectif de montrer comment à partir d’un dispositif frontal s’opère un phénomène de double immersion : les interprètes dans un premier temps, puis les spectateurs sont absorbés par l’oeuvre. Au-delà, les caractéristiques de ce spectacle nous amènent à réinterroger les enjeux de la notion de «performance » dans la rencontre entre les disciplines artistiques actuelles.
Les lieux de la mémoire et de l’émotion
Authors: Weber Pascale
Published: February 2024

Le projet immersif multimédia Immémorial* propose une taxonomie d’ambiances mémorielles relatives à des souvenirs personnels de son auteur ou de tiers interviewés pour cette occasion. Ces souvenirs sont choisis pour leur exemplarité : réminiscence d’un lieu, d’une personne, d’une sensation, d’une image, d’un événement… Curieusement, par un phénomène d’empathie, ces récits personnels qui ne sont pas ceux du spectateur semblent agir sur lui comme un catalyseur mémoriel : ils appellent, ils convoquent en lui ses propres souvenirs qui n’ont parfois aucun lien apparent, du moins évident, avec le sujet évoqué. L’objet de cet article est de souligner et d’analyser cette relation ambiguë sinon paradoxale qu’entretiennent les phénomènes d’immersion et de projection. Cela n’est pas sans rappeler le fonctionnement de l’image photographique que décrit Vilem Flusser, et plus généralement cette réalité de l’oeuvre d’art qui pour atteindre l’être dans ce qu’il a de plus intime et de secret en passe par une extériorisation, une sorte de retournement fulgurant de l’expérience intime de celui qui fait oeuvre. Nous rendrons compte dans cet article d’une part du fonctionnement de notre mémoire et du nécessaire double phénomène de projection-immersion dans notre construction identitaire, d’autre part du lien que tissent les activités de l’art et de la création avec notre aptitude à nous immerger en nous appropriant des expériences et des espaces étrangers et à nous projeter hors des limites de notre territoire mémoriel et identitaire, nous inventer pour conforter cette image que l’on pense sienne. Je m’appuierai notamment sur les échanges que j’ai eu à plusieurs reprises en tant qu’artiste multimédia avec les professeurs Pascale Piolino (psychologie cognitive), Alain Berthoz (sciences cognitives) et Bo Sanitioso (psychologie sociale) en 2010-2011-2012 et sur ce projet d’installation immersive permettant à des patients de reconstruire leur mémoire altérée.
Les recyclages sonores du monde : les immersions sono-plastiques selon Chelpa Ferro et Nuno Ramos
Authors: Jesus Samuel de
Published: February 2024

Si la pratique du son, appliquée à l’oeuvre d’art, n’a cessé de se développer de croître depuis les trente dernières années, il permit alors de considérer la propre pratique artistique sous un angle nouveau, tout comme son objet sonore. Nous tenterons de comprendre comment cette approche sono-plastique de l’oeuvre vient surgir depuis une combinaison d’artefacts, conviant alors le spectateur à une troublante expérience immersive, à partir d’installations alliant simultanément arts visuels et actions sonores performatives.