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Machinic minds and posthuman bodies: the complexities of intimacy in three electronic works by Shelley Jackson
Authors: Regnauld Arnaud
Published: November 2019

Résumé Au fil de ses trois œuvres électroniques, Shelley Jackson exacerbe les tensions entre l’écriture de soi et la diffraction de la subjectivité, alors même qu’elle s’attache à une forme plus autobiographique, passant de l’hyperfiction dans Patchwork Girl (1995) à un exercice fictionnel de remémoration à travers l’examen des parties de son corps dans My Body & A Wunderkammer (1997). Enfin, avec The Doll Games (2001), œuvre plus proche d’une sorte d’album de famille en ligne, elle explore une approche pseudo-historiographique et documentaire des jeux qu’elle pratiquait avec sa sœur. Le présent article se propose d’interroger la préservation de l’intime dans le contexte d’une exposition de soi via un medium électronique de nature archivique.
Is there a Story in Janet Frame's The Lagoon and Other Stories?
Authors: Guignery Vanessa
Published: November 2019

Résumé Cet article propose d’analyser la manière dont Janet Frame défamiliarise les modes conventionnels d’écriture fictionnelle et remet en question les fondements de l’art de raconter des histoires dans son recueil The Lagoon and Other Stories, plus particulièrement dans “Jan Godfrey” et “My Last Story”. L’art de Frame est un art du détour, du report et de l’effacement si bien que le lecteur finit par se demander si les nouvelles racontent véritablement une histoire ou bien si le propos des narrateurs n’est pas précisément de suggérer qu’il n’est plus possible d’écrire des histoires. Le processus auto-réflexif mis en place par l’auteur implique un vacillement des frontières ontologiques et soulève des questions relatives à l’identité et aux limites du soi, aux modes de perception des mondes intérieur et extérieur, ainsi qu’au rapport au langage. Frame ouvre la voie à de nouveaux modes narratifs qui supposent de se libérer d’habitudes solidement ancrées d’écriture et de lecture.
Places in Translation in Walter Scott's The Heart of Mid-Lothian
Authors: Sabiron Céline
Published: November 2019

Résumé The Heart of Mid-Lothian se présente comme le roman de la mobilité. La protagoniste Jeanie Deans quitte la « terre ferme » (IV, 4: 371), c’est-à-dire sa maison familiale dans le sud de l’Écosse pour se rendre à Londres, puis à l’île de Roseneath dans les Hautes Terres écossaises où elle finit par s’installer. Une grande partie de la Grande-Bretagne est ainsi dépeinte par l’auteur-apprenti géographe qui essaie de tracer une carte aussi objective que précise des lieux rencontrés. Cependant, la traduction de ces cartes littéraires en cartes géographiques ne débouche que sur une pseudo-traduction dans la mesure où les lieux se montrent incartographiables. La résidence de Jeanie semble se déplacer avec elle, comme si elle était « transplantée » (IV, 6: 380) ou, pour être plus précis, translatée. Impossibles à saisir ou à figer, les lieux sont transférés du réel à l’imaginaire où l’espace et le temps sont changeables et déformables à souhait grâce à la puissance de l’imagination du narrateur, des personnages et du lecteur.
“Scratches upon the caves of our solitude”: Weighing in on the Essays
Authors: Pecorari Marie
Published: November 2019

Résumé Cet article aborde les Essays de Tennessee Williams d’un point de vue générique comme un corpus cohérent. Malgré (ou à cause de) son manque de traits définitoires, l’essai est utilisé ici comme cadre afin de montrer comment Williams s’approprie les tactiques ludiques du genre tout en rejetant ses tendances autoportraitistes. Refusant le didactisme comme l’auto-justification, Williams met en place une série de stratégies poétiques visant à échapper à l’obligation d’expliquer la genèse et le sens de ses œuvres, dans ce qui ressemble à un jeu de cache-cache avec le lecteur. L’impératif qu’il s’impose, consistant à présenter ses objets comme traversés de tensions, renvoie à la définition de l’essai comme « champ de forces » (Adorno), ainsi qu’à la propension de Williams à étendre l’essence du drame à l’écriture en général.
“Oh! You do have a bathroom! First door to the right at the top of the stairs?” La salle de bains dans la mise en scène d'Un tramway nommé Désir
Authors: Maurin Frédéric
Published: November 2019

Résumé Dans Un tramway nommé Désir , la salle de bains se situe à l’extérieur de l’action et dans la coulisse du plateau. Elle est l’irreprésenté d’une pièce écrite par un auteur qui a longtemps été mis au ban par l’expérimentation théâtrale. Or, c’est justement sur ce point aveugle que se sont concentrés quatre metteurs en scène actuels, interrogeant le hors scène qu’il recouvre et le recentrant au besoin. Dans un entour japonisant, Lee Breuer fait de la salle de bains à la fois le lieu de l’intimité précieuse et l’antichambre du potentiel agressif (2011) ; en relayant sur un moniteur les agissements qui s’y déroulent, Frank Castorf incorpore le caché dans le montré et joue avec ironie sur l’interaction entre l’image et le réel (2000) ; Krzysztof Warlikowski brouille l’identité et la signification d’un long couloir abritant pourtant des équipements sanitaires très visibles (2010) ; enfin, une baignoire exhibée en scène déclenche chez Ivo van Hove un spectacle extrêmement physique, pulsionnel, sexuel (1995/1999). Dans ces quatre exemples, recentrer la salle de bains interdite de représentation contribue à réhabiliter Tennessee Williams en l’arrachant à la tradition du réalisme psychologique auquel son nom reste attaché.
« And nothing stands » : science et poésie dans In Memoriam et The Princess de Tennyson
Authors: Théoden-Palanque Haude
Published: November 2019

Résumé L’intérêt que Tennyson porta, sa vie durant, à la science se reflète dans deux de ses poèmes majeurs : In Memoriam et The Princess. L’intertexte scientifique, loin d’apporter un réconfort durable au locuteur endeuillé d’In Memoriam, se révèle au contraire suffisamment fluctuant pour traduire son humeur noire et participer ainsi à la relance mélancolique de son discours. Dans The Princess, la voix narrative tourne en dérision le discours évolutionniste de l’héroïne, s’ingéniant ainsi à en montrer les limites et les contradictions. Dans les deux cas, l’image d’une mère nature « dénaturée » fait jouer le texte et émerger la figure d’un enfant perdu qui hante l’écriture. Si l’« infant » est une métaphore de l’œuvre tout entière, ce motif s’avère doublement fécond, pointant tout à la fois vers les interstices du texte où cherche à monter une autre voix poétique.
An Essay on the History of Civil Society , d'Adam Ferguson : contextes et lignes de force
Authors: Waszek Norbert
Published: November 2019

Résumé La première partie de cet article vise à replacer l’essai de Ferguson dans le contexte des Lumières écossaises. Ce mouvement d’idées, dont relevèrent David Hume, Adam Smith et bien d’autres auteurs éminents dans les sciences et les lettres, s’insère dans une renaissance culturelle plus vaste, liée aux transformations sociales rapides du pays à la même époque. Une attention particulière est accordée à trois institutions qui réussirent à maintenir une relative autonomie, même après l’union avec l’Angleterre en 1707 : le droit, l’Église et l’éducation. Un exemple, celui de David Hume, permet d’expliquer certaines des idées qui furent communes au mouvement des Lumières écossaises. La seconde partie de l’article traite d’abord de l’origine du texte de Ferguson : il remonte à un « Treatise on refinement » qui circula en 1759 sous une forme manuscrite parmi les amis de l’auteur. Certaines des caractéristiques méthodologiques de l’ Essay sont rapportées à ses similarités avec l’ Histoire naturelle de Buffon. De la présentation finale de l’œuvre de Ferguson émergent quelques lignes de force centrales : la nature sociale de l’homme, thématique dans l’élaboration de laquelle la relation de Ferguson à Montesquieu joua un rôle important, la conception spécifique du « progrès », conçu comme résultant de « conséquences non intentionnelles », et enfin l’analyse des résultats ambigus de la division du travail.
Les Lyrical Ballads au risque de l'arithmétique
Authors: Porée Marc
Published: November 2019

Résumé Le présent article entend soumettre à l’épreuve des textes constitutifs du recueil d’origine des Lyrical Ballads l’hypothèse d’une lecture mettant en œuvre les grandes opérations qui relèvent de l’arithmétique. Bien qu’apparemment récusée par la fillette de « We Are Seven », l’arithmétique représentée, mais aussi représentante, fonctionne à de nombreux niveaux du texte : génétique, formel, thématique, symbolique. La première partie revient sur les modalités d’une écriture à deux mains, avant de se pencher sur le motif de l’étrangeté, revisité à la lumière d’une arithmétique « double », tantôt fantomale tantôt fantastique, mais toujours hantée par les puissances du nombre, sans s’interdire l’approche par la numérologie. La deuxième partie explore l’immense jouissance qu’il y a à élire domicile dans le grand nombre, alors même que le recueil est peuplé de figures de solitaires. La troisième partie s’attarde sur le cas particulier posé par la logique soustractive à l’œuvre dans le recueil, ainsi que sur les opérations mentales qui président à ce que les nombres croissants finissent toujours par l’emporter.
Persistent Marginality: Deviance as a Travelling Aesthetics
Authors: Folléa Clémence
Published: November 2019

Résumé Les romans de Dickens sont peuplés d’une foule de marginaux parmi lesquels certains ont intégré l’imaginaire collectif depuis des générations. Bien qu’ayant vu le jour sous la contrainte de la décence victorienne, les déviants dickensiens laissent néanmoins dans l’imagination une empreinte profonde. C’est cette force-là qui a permis à ces personnages de subsister si longtemps et de se réincarner en une multitude d’avatars. Les héritiers des marginaux dickensiens sont nombreux, car ces figures ne se laissent décidément pas soumettre à une interprétation fermée ni à une explication catégorique — leur marginalité ne peut être réduite à un motif stable. L’esthétique de leur déviance est déjà sujette à des reconfigurations au sein des romans de Dickens ; par la suite, elle a été récupérée et adaptée à de nombreuses reprises. En s’appuyant sur trois des marginaux dickensiens les plus mémorables — Sikes, Fagin et Miss Havisham — cet article explorera comment la déviance dickensienne persiste tout en évoluant, au gré des média et des siècles.
Dickens, and the Persistence of the Letter in the Unconscious: Reading
Authors: Tambling Jeremy
Published: November 2019

Résumé Cet article étudie l’insistance de Lacan sur la littérature, la lettre, la lettre individuelle qui constitue l’inconscient, et qui persiste à se faire entendre dans le discours et le langage. À l’aide d’exemples choisis empruntés aux Pickwick Papers, à David Copperfield et à Bleak House, on verra les effets déstabilisants et permanents de la lettre, qui remet en question, mais renforce en même temps la façon dont le langage construit le sens de textes particuliers.
Little Dorrit: Dickens's Woman at the Window
Authors: Hollington Michael
Published: November 2019

Résumé L’inspiration de ce texte remonte à une exposition qui s’est tenue à New York en 2011, Rooms with a View , et qui était consacrée à une image clef de la peinture du XIX e  siècle, où des personnes, surtout solitaires, surtout féminines, se trouvent debout près d’une fenêtre ouverte. J’essaie de montrer que ce motif est aussi très présent dans l’œuvre de Dickens, et que parmi les différents sens que l’on peut lui donner, il y a manifestement l’idée de la « persistance ». Je m’attache ici surtout à Little Dorrit , où cette image a une importance particulière, du fait que le roman se déroule principalement dans des prisons, réelles ou virtuelles. Dès l’enfance, l’héroïne se trouve constamment devant des fenêtres ouvertes, et la patience de cette Griselda est récompensée à la fin.
The Thames Persistently Revisited: Dickens on the edge of water
Authors: Bouvard Luc
Published: November 2019

Résumé Pour le grand public, Dickens est resté célèbre pour deux aspects fondamentaux de sa production littéraire : la comédie et le mélodrame. Pour la postérité en effet la transformation d’un vieil avare en un oncle généreux le dispute aux scènes dramatiques sur les quais du fleuve londonien. Là, une prostituée menace de se jeter à l’eau, certains détroussent des cadavres, un héros autoproclamé plonge pour renaître régénéré tandis qu’un autre en profite pour changer d’identité. Quelle que soit la persistance de la Tamise comme lieu et comme métaphore dans ses romans, il semble que Dickens ait peu à peu modifié son point de vue sur le fleuve londonien. Comment ce dernier a-t-il évolué depuis Oliver Twist (1837-39) jusqu’à Our Mutual Friend (1864-65) et comment les versions cinématographiques ont-elles adapté ces visions de la rivière enveloppée de ténèbres ? Quel impact cette évolution dans l’approche dickensienne a-t-elle eu sur la perception de la Tamise depuis la période victorienne ? Oliver Twist , David Copperfield , Great Expectations et Our Mutual Friend seront autant de balises sur notre parcours.
The Strange Persistence of David Copperfield's Inheritance
Authors: Jumeau Alain
Published: November 2019

Résumé Dans David Copperfield , les critiques se sont moins intéressés au thème de l’héritage de David qu’à celui de sa formation humaine (le Bildungsroman ) ou artistique (le Künstlerroman ). Cet article s’efforce de montrer que les deux sont étroitement liés et que la formation de David dépend en grande partie de la préservation et de la persistance de son héritage. Apparemment, après la mort de son père, il se retrouve avec un héritage douteux, qui va plutôt le handicaper dans le combat pour la vie. Après une autre crise, la mort de sa mère, qui le condamne à connaître la dure vie des ouvriers chez Murdstone et Grinby, il se tourne vers sa tante Betsey qui, en l’adoptant, va se révéler être son véritable héritage. Mais tandis qu’il en découvre la valeur, il comprend peu à peu que son père lui a légué un véritable trésor, une petite bibliothèque dont les ouvrages, maintenant disparus, continuent de vivre dans sa mémoire et forment le socle sur laquelle se bâtit sa carrière de romancier. Si nous prenons le mot héritage dans son sens biblique, nous pouvons lire le roman non plus tant comme un Bildungsroman , ou un Künstlerroman , que comme un roman de conversion. La notion d’héritage implique la permanence d’un idéal à travers la transmission juridique et familiale.
Madeline Gins's Ors Poetica Or Reading “Critical Beach” ( Helen Keller Or Arakawa , 1994)
Authors: Garnier Marie-Dominique
Published: November 2019

Résumé Mise à part la tentative isolée de traduire To Not To Die , un des premiers essais co-écrits par Arakawa et Gins, la poésie de Madeline Gins n’est pas, à ce jour, traduite en français — et cela malgré le fait que son premier recueil, Word Rain , ait été acclamé à sa publication. Le volume intitulé Helen Keller or Arakawa ne ressortit quant à lui à aucun genre répertorié. Mi-« roman », mi-traité de philosophie esthétique et manuel de survie, cet « essai » poétique relève d’un genre inconnu, celui de la biographie à n-corps — biographie dont les corps et ce qui les entoure relèvent du même projet de « bioaderrance ». Si des mots-clefs tels que « écosophie » ou « écopoésie » peuvent a priori sembler en adéquation avec la connectivité de type « atmosphérique » que cherchent à construire Arakawa et Gins, ces termes restent l’un et l’autre en deçà de leur biopoétique d’un genre radicalement nouveau. Une double critique opère chez Gins et Arakawa : celle du sujet, et celle de l’environnement, l’un et l’autre revus et corrigés en « aire-de-je » et en « parages » ou « atmosphère ». Le dernier chapitre (ou plateau) de Helen Keller Or Arakawa donne la parole à une plage devenue « critique », plage post-humaine possédant sa propre langue poétique mineure. Il s’agit dans le présent essai d’établir le profil « écopoétique » de cette plage parlante — et dépourvue du moindre horizon phénoménologique. À chacun des lancers de ses dés poétiques, répétitifs et différentiels, l’écriture de Madeline Gins en appelle à un devenir-exopoétique — à une mise au grand dehors du dedans du langage.
Les Memoirs of Sir Joshua Reynolds de James Northcote ou la constitution d'une figure exemplaire du peintre
Authors: Martichou Élisabeth
Published: November 2019

Résumé James Northcote est passé à la postérité moins comme peintre que comme l’un des premiers biographes de Reynolds. Cet article entend montrer que, dans ses Memoirs of Sir Joshua Reynolds , Northcote s’est inspiré de trois sous-catégories du genre biographique pour conférer à l’artiste une dimension héroïque en tant que fondateur de l’école de peinture anglaise. Pour cela il a repris certains topoï des « vies » d’artistes écrites à la Renaissance, insérant ainsi son sujet dans le courant de l’histoire de l’art. Il a également emprunté les stratégies de la « biographie intime » développées par ses contemporains afin de rendre plus proche la figure héroïque. Enfin, les Memoirs , comme d’autres ouvrages biographiques de la période, entreprennent d’affirmer les progrès de la peinture en Angleterre, un accent particulier étant mis sur le rôle d’un seul homme, Reynolds.
Sale temps sur Amherst : de l'abstraction du réel au primat du signifiant
Authors: Aquien Pascal
Published: November 2019

Cet article s’interroge, à partir du concept d’abstraction, sur un poème d’Emily Dickinson, « An awful tempest mashed the air » (1861), dont la thématique conventionnelle, l’évocation d’une tempête et l’apaisement qui s’ensuit, est contredite par son ambiguïté textuelle. D’un côté, l’espoir et la satisfaction du retour à la norme sont posés comme des évidences désirables et désirées, de l’autre les signifiants qui travaillent le texte minent la fausse simplicité du discours. En particulier, le mot paradise , qui conclut le poème, pose problème, et l’analyse détaillée de l’écriture va tenter d’en révéler le sens a priori inattendu.
Hearing Eliot now
Authors: Edwards Michaël
Published: November 2019

Résumé Entendre la voix, ou les voix, qui parlent dans la poésie d’Eliot devient de plus en plus difficile devant l’accumulation d’interprétations (surtout mélancoliques) de son œuvre. Écouter ce qui est dit, et comment, c’est découvrir la recherche d’une voix au-delà du malheur, la contestation des forces négatives par le moyen des ressources de la poésie en train de se faire. En purifiant la parole, Eliot tente une purification éthique et ontologique de la personne (l’être vient de la parole), une mise en question et en difficulté du moi, et la rencontre d’un nouveau moi menaçant et salutaire.
« Germ of all » : enfants minimalistes chez Samuel Beckett et Louise Bourgeois
Authors: Crimp Catherine
Published: November 2019

Cet article met en relation l’enfant de Worstward Ho de Beckett avec quelques tableaux tardifs de Louise Bourgeois, afin d’envisager la hantise de l’enfance chez ces deux artistes sous un jour nouveau. Écartant toute analyse biographique ou psychanalytique, il étudie le rôle structurel, dans les œuvres traitées, des figures d’enfant : figures incomplètes, réduites à un minimum. Ces figures tissent des liens inattendus entre Beckett et Bourgeois, entre texte et image, tout en nous laissant deviner le fondement caché de ces liens : l’émergence rudimentaire de la forme et du sens sur fond de chaos originel. Aussi, ces portraits minimalistes des débuts de la vie humaine nous confrontent aux paradoxes propres à l’origine des œuvres elles-mêmes.
Braying peasants and the poet as prophet: Gower and the people in the Vox clamantis
Authors: Novak Sarah
Published: November 2019

Résumé Gower, écrivain public, s’adresse au « peuple tout entier », qu’il espère réformer tout en lui empruntant sa voix. Dans Vox clamantis II-VII, Gower parle en réformiste acharné, qui retranscrit les lamentation de la vox populi dans son ensemble. Au livre I, vision allégorique des troubles de 1381, Gower adopte un mode prophétique modifié. Il prétend annoncer la rebellion ; les paysans sont métamorphosés en animaux sauvages ; Londres n’est plus qu’un champ de ruines, une nouvelle Troie. Les paysans émettent des grognements bestiaux : ces rebelles sans voix sont exclus du « peuple tout entier », pour qui Gower se donne mission d’écrire.
More “flies in amber”? or, of Topicalities, Dictionaries and Poetics in Love's Labour's Lost
Authors: Venet Gisèle
Published: November 2019

Il n’y aucune preuve matérielle qu’une « école de la nuit » comme « l’academia de los Nocturnos » à Valence, active de 1591 à 1594, ou que le dictionnaire Beehive de Baret (1580) dont un exemplaire, annoté peut-être de la main de Shakespeare, a été récemment acquis par deux antiquaires (2014), aient eu quelque incidence sur l’écriture de Peines d’amour perdues et soient autre chose que « des mouches prises dans l’ambre ». Pourtant la poétique qui sous-tend l’éloge de la « dame brune » ou la satire du pédantisme ou des lettrés grâce aux mots des dictionnaires montre que l’esthétique maniériste de la pièce appartient à la même sphère d’influence. Berowne pourrait dire : « Nous sommes tous des Nocturnos ».
Le village chaosmique d'Alice Munro
Authors: Ventura Héliane
Published: November 2019

Cet article se concentre sur trois nouvelles d’Alice Munro publiées en 2004, « The Juliet Trilogy », dans le volume intitulé Runaway pour explorer les modifications, tant formelles que conceptuelles, que subit le récit villageois britannique du XIX e  siècle lorsqu’il est reterritorialisé sur le sol canadien à l’époque contemporaine et simultanément déterritorialisé par sa comparaison au monde antique et romantique. Par l’élucidation des références picturales, littéraires et cinématographiques qui parcourent la trilogie et par l’analyse de la relation qu’elles entretiennent avec les nouvelles, il s’agira de mettre en lumière les passages transcodés d’un milieu à un autre, les communications de milieux et les coordinations d’espaces-temps hétérogènes qui caractérisent ce conte du XXI e siècle. L’élargissement du noyau de référence sera envisagé comme instaurant un rythme-chaos ou « chaosmos », néologisme emprunté à Joyce que Deleuze et Guattari dans Mille Plateaux associent à une dynamique de devenir, de rencontre et de brouillage de frontières. La démonstration portera sur la réversibilité ambivalente des pôles dysphoriques et euphoriques entre lesquels le village chaosmique se déploie.
Music and Gender in All's Well That Ends Well
Authors: Roulon Natalie
Published: November 2019

Bien que All’s Well That Ends Well ne soit pas la plus musicale des œuvres de Shakespeare, la musique qui y est interprétée où à laquelle il est fait référence est importante dans la mesure où elle contribue à la construction de la division des genres qui prévalait dans la société dont les tensions se trouvent reflétées dans cette problem comedy . La musique des hommes est martiale et narcissique et tend à mettre au jour l’angoisse qu’éprouvent les principaux personnages masculins à l’endroit du désir féminin. Bien que les figures féminines ne soient pas présentées sous les traits de musiciennes, leur présence est accompagnée d’une suave musique pour cordes dans bien des mises en scène. Helen est associée à la musique dans le discours masculin et son rôle, quoique paradoxal, est celui de la grande figure harmonisante de la pièce. Tandis que les médecins du roi de France ont échoué à le guérir, Helen met au point une thérapie musicale qui atteint son but, aussi se voit-elle accorder sa requête de faire de Bertram son époux. Cependant, en dépit des immenses prérogatives que Shakespeare lui a conférées, cette femme orphique se heurte à une structure patriarcale qui ne s’accommode vraiment ni du pouvoir féminin ni de l’inversion des rôles sexuels, d’où une incertitude persistante, une fois la pièce achevée, quant à sa capacité à accéder à une parfaite félicité conjugale.
Context as Text: Milton's Psalms in Handel's and Hamilton's Occasional Oratorio
Authors: Volk-Birke Sabine
Published: November 2019

Les liens entre musique et texte dans les oratorios de Haendel est complexe car religion et politique y interagissent de façon réciproque. C’est tout particulièrement le cas dans le Occasional Oratorio (Oratorio “de circonstance”), écrit alors que le duc de Cumberland combattait la rébellion jacobite de 1745-46 et que les Anglais craignaient que la succession de Hanovre, l’Église d’Angleterre et la constitution ne fussent sérieusement menacés. Une partie importante du livret de Newburgh Hamilton est fondée sur la traduction métrique par Milton de psaumes choisis. Le présent article étudie les aspects politiques et esthétiques des psaumes 1-8 de Milton en effectuant une comparaison entre la date de leur composition, 1653, et la situation politique de 1746. Il analyse la façon selon laquelle Hamilton s’attacha à traiter la poésie ou les prières de Milton en les choisissant, les réarrangeant et les combinant afin de constituer un nouveau genre (dramatique) qui servit de support à la musique de Haendel. Le contexte du livret et les circonstances de la composition constituent une partie intégrante de l’expérience complexe, émotive et esthétique, de la représentation de l’œuvre de sorte que tous ces éléments doivent être pris en compte si l’on veut essayer de comprendre ce que le public de l’époque pouvait entendre, lire, se rappeler et mettre en relation.
Music and the Feminine Sublime in Ann Radcliffe's Mysteries of Udolpho
Authors: Dubois Pierre
Published: November 2019

Dans The Mysteries of Udolpho (1794), d’Ann Radcliffe, la musique joue un rôle crucial dans l’évocation d’états psychologiques. Cet article essaie de montrer que Radcliffe n’oppose pas le sublime au beau de façon aussi radicale et systématique que l’avait fait Edmund Burke dans sa célèbre Enquiry . Le sublime ne peut se réduire au sentiment de terreur : on trouve aussi une forme de sublime positive qui provient de ce que l’esprit n’arrive pas à comprendre. Dans les romans de Radcliffe, la musique se manifeste souvent de façon concomitante à la perception par l’héroïne de la beauté intense de scène naturelles. Elle intervient aussi dans des scènes de plénitude et d’harmonie, ou dans des scènes de révélation où l’âme est submergée par un sentiment quasiment sacré. Ainsi la musique appartient à la catégorie (féminine) du beau en ce qu’elle révèle la sensibilité de l’héroïne qui joue et chante avec délicatesse, mais paradoxalement elle participe aussi du sublime en ce qu’elle est associée à la nature et à l’ineffable. L’article suggère donc que Radcliffe a recours à la musique afin de définir une forme féminine du sublime.
Musical Descriptions and Sensations: the Presence of Music in English Romantic Poetry
Authors: Téchéné Claire
Published: November 2019

Cet article se propose d’étudier les modalités de l’utilisation du champ lexical de la musique et des sensations auditives à travers quelques exemples de l’œuvre des principaux poètes romantiques anglais. Il s’agit de montrer que le traitement de la sensation musicale témoigne du rapport romantique au monde (nostalgie de l’harmonie, confiance accordée à la subjectivité) ainsi que d’une vision de la musique comme double à la fois envié et repoussé de l’expression poétique.
The Picture of Dorian Gray as a Postmodern Work
Authors: Gillespie Michael
Published: November 2019

Malgré les nombreuses interprétations dont a fait l’objet The Picture of Dorian Gray depuis sa publication , tous les critiques semblent penser qu’un ensemble de valeurs ou de croyances—qu’il s’agisse de la morale judéo-chrétienne, de positions culturelles, de dispositions nationalistes ou de l’homosexualité—fait partie intégrante du roman de Wilde. Cet essai remet en question la pertinence de toute lecture métaphysique en affirmant que le monde de The Picture of Dorian Gray est délimité en termes strictement physiques et que l’on ici affaire plutôt à une œuvre post-moderne. En se fondant sur une lecture détaillée, cet essai montre que des points-clés dans le récit mettent en évidence l’absence de toute valeur et soulignent l’idée que les personnages se comportent en fonction de considérations purement matérielles. En conclusion, cet article souligne que Wilde donne à voir un monde aussi sombre que celui de Samuel Beckett.
Writing Capital, or, John Lanchester’s Debt to Realism
Authors: Bernard Catherine
Published: November 2019

Le quatrième roman de John Lanchester, Capital (2012), offre un portrait satirique des excès du capitalisme, du fétichisme de la marchandise et de la globalisation. La structure chorale du roman transforme aussi le texte en roman-monde. Il embrasse les vies interdépendantes de protagonistes qui, chacun, incarnent une facette d’un présent densément ramifié. Retravaillant les principes de base du réalisme, le roman s’approprie le langage du matérialisme pour l’amener à œuvrer contre la réification des affects et de l’identité. Avec Capital , le roman « de la crise » (« credit crunch fiction ») revendique une forme de responsabilité qui s’incarne dans la matière même de la fiction.
Falling Man , ou les vertus de la lecture spiralée de l’événement historique
Authors: Chupin Yannicke
Published: November 2019

Les attentats du 11 septembre 2001 ont généré une crise de la représentation. Quelque six années après l’événement, DeLillo en propose une relecture littéraire, à travers un texte qui s’ouvre et se clôt sur la scène qui a immédiatement succédé à l’impact des avions sur les tours. En dépit de cette structure circulaire, le roman ne s’inscrit pas dans l’esthétique aporétique si souvent associée au postmodernisme. Sa structure et sa forme manifestent au contraire une tension asymptotique vers le déchiffrement de la complexité de l’événement. On proposera de lire ce cheminement progressif de l’écriture à travers la forme de la spirale, car il repose sur un mouvement de retour et de circularité ouverte permettant au roman de s’affranchir du cercle vicieux et de réduire progressivement le fossé entre les mots et la chose. Soumise à cette esthétique, la lecture de Falling Man , s’apparente à un lent travail de déchiffrement mis en acte par l’écriture, qui devient donc le lieu d’une performance heméneutique.
Phyllis Schlafly ou le conservatisme de terrain contre l’ establishment républicain
Authors: Mort Sébastien
Published: November 2019

Activiste conservatrice accomplie, opposante à l’avortement et pourfendeuse du féminisme, Phyllis Schlafly est une personnalité de premier plan du conservatisme américain dont elle a contribué au succès populaire et à la réémergence dans la sphère politique. Elle est également reconnue comme figure tutélaire du Parti républicain par une partie de ses élus. Cet article explore les relations complexes qu’elle a entretenues avec le GOP en examinant trois épisodes-clé de son parcours — la campagne de Goldwater en 1964, l’élection de la présidente de la National Federation of Republican Women en 1967 et la campagne d’opposition à la ratification de l’Equal Rights Amendment en 1972-1973 — qu’il retrace à l’aune des affrontements entre l’establishment républicain et les conservateurs orthodoxes. Il avance la thèse que l’échec de Schlafly à recentrer le GOP autour de paradigmes conservateurs, tout autant que sa victoire sur terrain, mettent en lumière la domination des modérés sur le parti et la résistance des logiques institutionnelles au radicalisme.
Portraiture in Oscar Wilde’s Fiction
Authors: Frankel Nicholas
Published: November 2019

Wilde se rendit compte dès le début de sa carrière que le genre du portrait reposait sur une dichotomie entre la représentation des aspects intimes de la vie d’un individu d’une part et celle du personnage public, d’autre part. Mais peu après la criminalisation des « outrages aux bonnes mœurs » en 1885 et le début de sa liaison avec Robert Ross en 1886, il prit conscience du fait que le portrait constituait également une structure imaginaire propice à la représentation de vies caractérisées par des désirs illicites, désirs que l’on ne pouvait satisfaire que secrètement, loin du regard de la société. Cet article explore la dynamique entre portrait, artiste, sujet (ou « modèle ») et spectateur dans quatre textes de fiction que Wilde a publiés à intervalles réguliers à la fin des années 1880. Il montre qu’au fil de ces quatre textes, Wilde développa une théorie nuancée de l’art du portrait comme incarnation visuelle du désir pour les hommes et entre hommes. Il suggère en conclusion que la nouvelle compréhension de l’art du portrait acquise par Wilde a pu à son tour influencer l’œuvre de son ami Toulouse-Lautrec, dont le célèbre portrait à l’aquarelle de l’écrivain, réalisé en 1895, constitue une rupture radicale par rapport aux normes de l’époque.
Setting Oscar Wilde to Music
Authors: Couderc Gilles
Published: November 2019

Depuis sa première en version concert à Los Angeles en 2011, l’opéra de Gerald Barry The Importance of Being Earnest d’après la comédie d’Oscar Wilde a obtenu un grand succès. À ce jour, ce n’est que la plus récente des très nombreuses œuvres musicales inspirées tant par les textes de Wilde que par sa vie. De son vivant, la capacité de Wilde à se mettre en scène, la création savamment orchestrée d’un personnage destiné au public, l’a maintenu sous le feu des projecteurs. Sa chute et le retentissement de ses procès ont suscité un intérêt toujours croissant pour l’homme et pour son œuvre : l’adaptation de Salomé à l’opéra par Richard Strauss en 1905 a lancé la vogue des adaptions musicales des textes de Wilde, alors que le personnage de l’artiste a continué à inspirer opéras ou comédies musicales. Ce qui semble frappant, c’est, après la mort de l’écrivain, la confusion, dans l’imaginaire européen, entre l’homme et l’œuvre. Cette étude se concentrera d’abord sur des œuvres inspirées par le personnage de Wilde, Patience de Gilbert et Sullivan, puis l’opéra Oscar du compositeur américain Theodore Morrison, œuvre dans laquelle Wilde est présenté comme héros et martyr d’un combat libertaire. Nous examinerons ensuite les œuvres que sa Salomé a inspirées, les opéras de Strauss (1905) et de Mariotte (1908) ainsi que la production d’Ida Rubinstein (1908), trois œuvres dans lesquelles, derrière les personnages mis en scène, se devine la figure de Wilde.
From Evelyn’s Practical Knowledge on Trees to Marianne’s “Passion for Dead Leaves” in Jane Austen’s Sense and Sensibility : The Evolution of the Perception and Appreciation of Trees in England in the Long Eighteenth Century
Authors: Peraldo Emmanuelle
Published: November 2019

La terrible tempête de 1703 a considérablement modifié le paysage anglais en 1703-1704, détruisant bon nombre d’arbres et d’édifices, et causant de nombreuses pertes humaines. Cette catastrophe a également eu un fort impact sur plusieurs auteurs qui ont réagi à l’événement et à ses conséquences, notamment en soulignant la nécessité de protéger et replanter les arbres. On constate au cours du siècle une évolution du regard porté sur les arbres : on passe ainsi de celui de l’observateur scientifique mandaté par la Royal Society (Evelyn) ou du journaliste qui observe les dégâts causés par la tempête (Defoe), à celui, précis, du naturaliste qui allie observation scientifique et point de vue esthétique (White), et enfin à celui de la romancière qui écrit comme on peint un paysage (Austen). Les arbres, décimés lors de la tempête, ont peu à peu envahi les écrits du XVIII e  siècle, au cours duquel on assiste à une évolution épistémologique et à une mutation des sensibilités par rapport à la Nature. Ainsi, une forme de sensibilité écologique apparaît sous la plume de certains auteurs, avant que l’arbre ne devienne le motif privilégié des Romantiques, des peintres pittoresques ou de la littérature de la sensibilité. Le but de cet article est de comprendre l’évolution du couvert forestier dans le long XVIII e siècle (1660-1820), mais aussi de voir comment la perception des arbres a évolué au cours de la période dans leurs représentations : doit-on nécessairement séparer l’intérêt scientifique pour les arbres et la sensibilité pré-romantique dans la représentation de l’arbre au XVIII e  siècle ?
« Ce n’est plus thym ny marjolaine » As You Like It , ou l’atelier de la réécriture
Authors: Venet Gisèle
Published: November 2019

Pour écrire As You Like It , Shakespeare pratique plus que jamais le plagiat, au même titre qu’un Montaigne qui écrit de « larcins » mais en fait un miel qui « n’est plus thym ni marjolaine ». L’intrigue et les personnages de la comédie proviennent jusque dans des détails infimes d’un roman de Thomas Lodge, Rosalynde or, Euphues’ Golden Legacy , célèbre à juste titre avec ses récits en méandres déterminés par le seul hasard et sa psychologie des profondeurs où l’on découvre le mal au bien mêlé. Lodge, lui-même, connu pour ses plagiats, dont nombre des poèmes qu’il incorpore à son roman, emprunte une longue ballade en vers du xiv e  siècle, The Tale of Gamelyn , dont il fait le corps de son récit. Shakespeare garde tout du récit et des personnages, avec parfois un art de la litote inattendu là où Lodge était prolixe. Surtout, il mêle à ces personnages de roman deux personnages de théâtre, le bouffon Touchstone et le mélancolique Jaques, qui, sur le mode parodique, pourraient être chargés d’écrire entre les lignes un « art poétique », montrant un Shakespeare peu enclin à suivre les préceptes d’Horace, absorbé qu’il est par la poétique d’Ovide.
« There was a case once— » : L’écriture du cas chez Kipling
Authors: Tadié Alexis
Published: November 2019

Cet article part du concept de « cas » pour montrer son intérêt pour une analyse du recueil de Rudyard Kipling, Plain Tales from the Hills . Il s’appuie sur une lecture précise de la nouvelle « The Bronckhorst Divorce-Case », en s’interrogeant sur le sens du mot « cas ». Après un détour historique visant à expliciter les acceptions du terme, et en s’appuyant en particulier sur l’ouvrage d’André Jolles, Formes simples , l’analyse montre que l’approche par le cas permet de construire la nouvelle, et pour finir, le recueil tout entier.
Thomas Roe and the Two Courts of Emperor Jahangir and King James
Authors: Banerjee Rita
Published: November 2019

En tant qu’ambassadeur de Jacques I er à la cour de l’empereur Jahangir, Thomas Roe devait, dans sa correspondance à destination de l’Angleterre, prendre en compte deux ensembles de lecteurs : les administrateurs de l’East India Company, et un public royal et aristocratique choisi. La forme de sa correspondance varie en conséquence ; ses descriptions détaillées de la cour moghole, de ses pratiques, de ses lois et de son administration, ciblent le second groupe de lecteurs. Roe cherche à définir l’Inde moghole par une série d’attributs diamétralement opposés à ceux de l’Angleterre jacobéenne, et par extension de l’Europe. En un sens, son journal impliquait aussi un portrait de l’Angleterre pour ses lecteurs anglais. Si la plupart des critiques voient dans les dichotomies de Roe l’indice d’une perception typiquement occidentale et inadéquate à une véritable compréhension de l’Orient, le présent article suggère au contraire que les efforts de Roe pour définir l’Inde par opposition à l’Occident impliquent une oblitération délibérée de leurs similitudes sur bien des points. De plus, l’image du théâtre qu’il emploie régulièrement afin de critiquer l’irréalité de la cour moghole tend à saper son entreprise de différentiation, dans la mesure où elle possédait une résonance singulière dans le contexte anglais.
« Like a Passenger » : circulation(s) dans Roxana: or, the Fortunate Mistress (1724) de Daniel Defoe
Authors: Alayrac-Fielding Vanessa
Published: November 2019

Cet article s’intéresse à la notion de circulation dans Roxana de Daniel Defoe, envisagée comme une métaphore centrale dans la construction de l’héroïne-narratrice et du récit lui-même. Les multiples références à la navigation, à l’exotisme et au commerce sont analysées pour montrer la mobilité sociale et géographique de Roxana, et révéler ses changements constants d’identité, ainsi que son évolution double, à la fois dans le monde de la prostitution et dans celui des affaires. L’étude explore ce double statut, et montre que le roman se construit à partir d’une opposition entre la circulation des personnes, des objets et des récits, et les situations de stase et de blocage.
The Lunchbox and Mumbai’s Dabbawallahs: Creating Spaces of Desire
Authors: Abraham Joshil K. , Misrahi-Barak Judith
Published: November 2019

L’Inde est souvent présentée comme la plus grande démocratie au monde. Pourtant, c’est une société où les contrastes entre la réussite des classes supérieures et la situation des classes inférieures sont les plus criants. Cet article s’appuie sur The Lunchbox (2013) de Ritesh Batra : ce film de fiction offre un point de vue original sur la société indienne, bien différent de celui qui est souvent adopté. Il s’agit ici du monde socio-économique des employés de bureau effectuant en train leurs trajets journaliers entre Mumbai et ses banlieues éloignées, ainsi que du monde domestique des épouses et des mères au foyer. C’est surtout le réseau de relations dans lesquelles les individus sont pris qui est au centre du film. Sur le mode de la comédie et en utilisant des procédés narratifs spécifiques comme le genre épistolaire ou une structure temporelle non-linéaire, le film pose la question du verrouillage des vies individuelles dans une société de consommation de plus en plus dévorante. Comment s’émanciper des conditions matérielles, des liens familiaux et des coutumes sociales ? Comment créer de nouveaux espaces de liberté ?
“On my word”: Trust and the Word in Romeo and Juliet
Authors: Sterrett Joseph
Published: November 2019

Romeo and Juliet semble marquer une fascination pour le statut des mots et leur valeur essentielle. La question de savoir si l’on peut accorder foi à la signification des mots et, plus important encore, à ceux qui les prononcent, y est reprise de manière obsessionnelle. Cette question — qui culmine dans la célèbre réplique de Juliette “What’s in a name?” — s’articule aux débats philosophiques plus larges qui constituent le sous-texte de bien des querelles de la Réforme. La manière dont Shakespeare aborde ce thème suggère que la pièce pourrait être une contribution oblique à ces débats, une contribution qui associe étroitement la foi et le mot aux mêmes conditions de représentation que celles qui lui étaient si familières dans sa pratique théâtrale.
“Munday I sweare shalbee a hollidaye”: The Politics of Anthony Munday, from Anti-Catholic Spy to Civic Pageanteer (1579-1630)
Authors: Bezio Kristin M. S.
Published: November 2019

Anthony Munday (1560-1633), auteur mal connu et assez négligé, fut pourtant l’un des dramaturges à la carrière la plus longue dans l’Angleterre de la première modernité. Cet article retrace la trajectoire des œuvres publiques de Munday vues dans le contexte changeant des politiques anti-catholiques des gouvernements élisabéthains et jacobéens successifs. Cet article part des comédies de jeunesse Fidele & Fortunio (1584) et John a Kent and John a Cumber (1587), pour s’intéresser d’abord à sa satire des pratiques et du clergé catholiques. The Downfall of Robert Earl of Huntingdon et The Death of Robert Earl of Huntingdon (1598) montrent que Munday abandonne la propagande pour une perspective plus critique sur la politique religieuse menée par le gouvernement élisabéthain. Dans ses pièces collaboratives — Sir Thomas More (c1597) et Sir John Oldcastle (1599) — Munday défend la question de la liberté de conscience, à condition, bien entendu, que le sujet reste loyal à la couronne. Pour finir, les spectacles civiques qu’il écrit pour le Lord Mayor, qui s’attachent à définir l’identité anglaise en référence à un Empire protestant, marquent néanmoins le refus de contribuer explicitement à la propagande anti-catholique.
“The Wished Aire”: Biblical Plagues and the Early Modern Playhouse
Authors: Preedy Chloe Kathleen
Published: November 2019

À une époque où les épidémies de peste sont fréquemment attribuées à la providence divine et associées à la mauvaise qualité de l’air, les théâtres élisabéthains sont identifiés par leurs détracteurs comme des lieux de contagion. Les dramaturges contemporains répondent à de telles accusations en les thématisant dans leur théâtre même. Ainsi, dans A Looking-Glass for London and England de Thomas Lodge et Robert Greene (c. 1589), pièce élisabéthaine tardive qui met en scène le récit des plaies bibliques s’abattant sur la cité antique de Ninive, Lodge (lui-même médecin et dramaturge) et son co-auteur Greene explorent la capacité de leur théâtre à évoquer la menace de la peste par l’intermédiaire d’effets sensoriels et d’images frappantes, avant de faire de cette atmosphère délétère « l’air désiré » de la rédemption.
Une confrontation entre deux modes de description d’un marché - en finance et en sociologie : le cas des exchange traded funds (ETF)
Authors: Deville Laurent , Oubenal Mohamed
Published: November 2019

Si l’économiste s’intéresse à la valeur et si le sociologue se focalise sur les valeurs, un économiste financier et un sociologue analysant un même marché doivent en produire des descriptions très différentes. C’est ce qu’ont pu vérifier les deux auteurs de cet article en prenant le cas des ETF ( Exchange Traded Funds ), un marché financier né récemment et en pleine expansion. Deux descriptions contrastées de ce marché ont été ainsi produites et ont donné lieu à une tentative de dialogue. Le financier voit le marché comme un ensemble de produits et de règlements qui ne sont que de simples réponses fonctionnelles aux besoins des investisseurs. Le sociologue voit, quant à lui, le marché comme une arène sociale. Dans le premier type de description, les acteurs sont réduits à leur rôle fonctionnel. La description sociologique semble plus riche, plus compréhensive, mais elle opère elle aussi des réductions et requiert au préalable une description financière.
Le « grand retour » des majors du pétrole à la faveur du troisième choc pétrolier
Authors: Greggio Rodolphe , Mafféi Benoît
Published: November 2019

Le secteur pétrolier se caractérise depuis un certain nombre de décennies par un profond paradoxe : tout en ayant été exclues des gisements les plus rentables par des vagues de nationalisations intervenues notamment depuis les années 1970, et bien que désormais largement minoritaires en termes de parts de la production mondiale, les multinationales occidentales du pétrole ont réussi à conserver un solide leadership financier, technologique et stratégique, tandis que l’autonomie des opérateurs issus notamment des pays émergents demeure, quant à elle, tout à fait relative. La stabilité des positions comparées des acteurs présents dans la filière pétrolière induit à proposer une interprétation en termes de « classes d’entreprises », de préférence à la catégorie communément admise de « groupes stratégiques » - autrement dit à privilégier une subdivision sectorielle en catégories d’entreprises relativement étanches (bien qu’en constante rivalité/collaboration entre elles), dont les stratégies sont surdéterminées par des contraintes géopolitiques et industrielles qu’il est difficile de subvertir.
La carte, le territoire et les outils de gestion
Authors: Martineau Régis
Published: November 2019

Nous proposons de décrire le fonctionnement des outils de gestion en utilisant la métaphore cartographique. En effet, une carte géographique et un outil de gestion ont ceci en commun qu’ils sont tous deux des artefacts physiques qui représentent des objets extérieurs (la première, un territoire, et le second, une organisation) en les simplifiant afin d’aider un sujet à s’y orienter (un voyageur, pour la carte, et un manager, pour l’outil de gestion). La connaissance des cartes étant bien plus avancée que celle des instruments de gestion, c’est d’elles que nous tirons quelques pistes de réflexion pour la conception d’outils de gestion mieux adaptés.