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Elitekey; The Artistic Production of Mi’kmaq Women
Authors: Acland Joan
Published: January 2021

À la suite d’une discussion sur la production contemporaine de l’artiste mi’kmaq Teresa Marshall (née en 1962), cet article établit des rapports entre le travail de Marshall et les arts traditionnels de la fibre produits par les femmes mi’kmaq. Je soutiens que l’artiste continue la tradition de l’elitekey, laquelle, en langue mi’kmaq, renvoie à la fabrication d’objets associés au sacré et au bien-être de la communauté – un processus de production qui a été historiquement lié au monde des contes et à la dissémination d’informations culturelles spécifiques. L’article propose aussi que le travail de Marshall est politiquement engagé et s’efforce de récupérer une certaine histoire de la colonisation, histoire qui s’est retrouvée en grande partie occultée dans les pratiques artistiques dominantes. De la même manière l’auteur défend deux propositions théoriques : d’abord, qu’il faut élargir les paradigmes constitutifs de sens afin de s’assurer que l’artiste trouve sa place à l’intérieur du discours artistique. Ensuite, que dans le cas spécifique de la production artistique des Premières Nations, on doit considérer l’objet selon la possibilité pour les femmes autochtones d’occuper les positions de sujet, au moment précis de sa production.

Pour mieux saisir la manière dont les pratiques artistiques autochtones contemporaines ont dû fonctionner malgré les limites structurales imposées aux Premières Nations, cet article a puisé dans les Actes Indiens et l’histoire de la colonisation au Canada. Les arts de la fibre produits par les femmes mi’kmaq aux dix-huitième et dix-neuvième siècles (connus maintenant mondialement et se trouvant dans tous les grands musées du monde), sont présentés dans cet essai comme des preuves matérielles de l’histoire de la colonisation et comprises comme symbiotiquement liées aux pratiques artistiques contemporaines d’artistes telle que Teresa Marshall.
How Many Artists Are There in the Family?: The Career of Montreal Painter Regina Seiden (1897–1991)
Authors: Meadowcroft Barbara
Published: January 2021

Regina Seiden exposa professionnellement pendant quinze ans, soit de 1915 à 1930. Elle participa aux expositions annuelles de l’Art Association of Montreal et de la Royal Canadian Academy et à celles, plus internationales, de la British Empire Exhibition de Wembley en Angleterre (1924 et 1925). La production de Seiden a été reconnue par la critique, notamment par Albert Laberge du journal, La Presse. L’artiste cessa d’exposer peu après son mariage avec le peintre Eric Goldberg. Son retrait trop rapide de la scène artistique l’a condamnée à un oubli total par l’histoire de l’art canadienne.

Seiden est née en 1897 dans la petite ville de Rigaud au Québec. Ses parents étaient des Juifs originaires de l’Empire austro-hongrois. Comme jeune Juive éduquée dans les écoles catholiques et, plus tard, avec les étudiants anglo-protestants de l’Art Association of Montreal, elle occupe une place à part parmi ses contemporains. Elle reçut une excellente formation artistique sous la direction de William Brymner, le directeur de l’école de l’AAM, mais elle s’est peu liée avec les autres étudiants, possiblement à cause de leurs différences culturelles. Parmi ses consoeurs de l’AAM, nombreuses furent celles, comme Anne Savage, Lilias Torrance Newton et Prudence Heward, qui firent des carrières distinguées, soutenues par les amitiés développées à l’AAM.

Comme Prudence Heward et Lilias Torrance Newton, Regina Seiden s’intéressait surtout à la figure humaine et au portrait; cette étude examine six de ses oeuvres. J’analyse Dora (1923), Girl Washing Dishes on a Farm, Saint-Eustache, Québec (ca. 1923), entre autres, sous l’angle de la perception changeante de la place des femmes dans la société; je discute de Nudes (1925), une étude de deux femmes nues, dans le contexte des attitudes puritaines envers le corps qui prévalaient à l’époque et en rapport avec le Nude in a Studio de Lilias Torrance Newton et Sleeping Woman de Randolph Hewton.

En 1927, Seiden rencontre Eric Goldberg à Paris et si elle peint toujours au début de leurs fréquentations, elle cessera peu après son mariage. Pendant tout le reste de sa vie, Seiden se dévoua à la promotion de la carrière de son mari. Lorsque ce dernier mourut en 1969, elle fut inconsolable et ce n’est que plus tard qu’elle se remit à peindre mais elle n’avait alors plus l’énergie ni la motivation nécessaires pour poursuivre. La carrière avortée de Seiden reste exemplaire des difficultés auxquelles les femmes devaient faire face (et, d’une certaine manière, auxquelles elles doivent faire face encore aujourd’hui) pour réconcilier leur vie d’épouse et d’artiste.
The Viewer as Producer: British and Canadian Feminists reading Prudence Heward’s “Women”
Authors: Pearce Lynne
Published: January 2021

S’appuyant sur une recherche entreprise dans le cadre d’un projet plus large sur les processus et les pratiques de lectures féministes, cette étude examine les façons dont la lectrice/l’observatrice féministe devient une participante active dans la production du texte. Deux tableaux de l’artiste montréalaise Prudence Heward, Rollande (1929) et Jeune fille à la fenêtre (1941), se retrouvent au centre de cette étude. La production d’Heward comprend de nombreuses études de femmes, dont plus d’une sont « marquées » en termes d’identité nationale et ethnique et pour cette raison qu’elles deviennent d’excellents « textes » grâce auxquels l’observatrice féministe actuelle peut reconnaître les enjeux de l’identité sexuelle, de l’origine ethnique et coloniale dans ses propres réactions et dans sa lecture des textes.

Pour cette recherche, j’ai invité cinq groupes de féministes, originaires de Grande-Bretagne et du Canada, à réfléchir sur leur propres réactions face aux tableaux, à en faire part dans un questionnaire écrit et à en débattre dans des discussions de groupe. Cette enquête s’intéresse en particulier à la façon dont les observatrices ont exprimé leurs rapports complexes et souvent contradictoires avec le « texte », grâce à une série de ce que j’ai désigné sous les termes de « l’autre textuel ». Alors que cette altérité textuelle pouvait être considérée comme la figure de la femme représentée dans le tableau (vue soit comme « un vrai modèle vivant », ou soit comme un « modèle fictif » mais tout de même comme un sujet existentiel), cette dernière était très souvent configurée comme un ensemble complètement désincarné de sentiments, de souvenirs et de discours qui ont leurs origines dans la vie professionnelle et personnelle de l’observatrice.
The Hagiographic Programme of the Mosaics in the South Dome of San Marco at Venice
Authors: Osborne John
Published: January 2021

Les mosaïques du douzième siècle dans l’église de San Marco à Venise ont été le sujet de plusieurs études récentes, notamment celle d’Otto Demus (1984), qui ont essayé d’y trouver un programme intégral. Mais le sens de la décoration de la coupole sud – quatre saints masculins (Nicolas, Clément, Blaise et Léonard), figurés debout, contre un fond d’or – est resté mystérieux, sans rapport évident avec les autres mosaïques à l’intérieur de l’église. Demus les rejette comme une « anomalie », « la partie de la décoration la plus désappointante ». Cet article proposera, par contre, qu’il existe un élément unifiant, partagé par ces quatre saints, qui peut expliquer leur choix : leur importance au mouvement pour le renouvellement de l’Église, mouvement appelé la Réforme grégorienne (fin du 11e-début du 12e siècle). Tous les quatre sont en vue dans le décor contemporain des églises de Rome (p.e. S. Clemente, S. Maria Immacolata à Ceri), où ils exemplifiaient les qualités importantes au clergé réformateur, notamment l’opposition à l’habitude de simonie et le développement d’un plus grand intérêt porté aux soins pastoraux. Donc, la décoration de la coupole sud peut être interprétée comme une affirmation des intérêts et des activités du mouvement réformateur, et par extension, de l’église romaine. Ce n’est pas par hasard que les premières années du douzième siècle constituent un moment de rapprochement entre Rome et Venise, dont la culmination a eu lieu dans les années 1120 quand la flotte vénitienne a participé aux Croisades, opérant sous le vexille de Saint-Pierre.
Carolingian Crucifixion Iconography: An Elaboration of a Byzantine Theme
Authors: Leesti Elizabeth
Published: January 2021

On retrouve dans l’art carolingien du neuvième siècle un type de représentations de la crucifixion qui met en relief un grand nombre de motifs symboliques, parmi lesquels on peut relever le serpent lové au pied de la croix, les personnifications féminines de l’Église et de la Synagogue, ainsi que celles du soleil, de la lune, de la terre et de l’océan, et, enfin, des représentations de la résurrection des morts. L’origine de cette iconographie reste incontestablement byzantine, mais les enlumineurs et les sculpteurs d’ivoire carolingiens ont enrichi l’archétype pendant de nombreuses décennies. La plupart de ces transformations provenaient du désir de développer un symbolisme triomphal, inhérent à ce type de modèle. Le motif du serpent lové au pied de la croix semble l’une des additions les plus importantes et apparaît pour la première fois dans le Sacramentaire de Drogon. Le serpent, symbole de Satan, signifie doublement : il sert de référence typologique à la chute d’Adam et représente le Christ triomphant du Malin. Quoique l’on puisse déduire le sens du motif des écrits bibliques et patristiques, l’explication la plus plausible provient de la liturgie carolingienne de la période. La personnification de la Synagogue semble être l’un des éléments les plus variables de ces crucifixions. Elle est représentée par un grand nombre de poses, de gestes et d’attributs différents —et apparaît même, en ce qui concerne le Sacramentaire de Drogon, sous forme masculine—. Dans certains cas, on pourrait croire que la diversité formelle de ce motif laissent entrevoir une attitude plus bienveillante à l’égard du Judaïsme que ne le reflétait le modèle byzantin lui-même.
Portraiture, Revolutionary Identity and Subjugation:
Anne-Louis Girodet’s Citizen Belley
Authors: Musto Sylvia
Published: January 2021

En 1797, Girodet-Trioson peignait le portrait de Jean-Baptiste Belley, un Noir qui fut député de Saint-Domingue, de 1794 à 1797, à la Convention nationale. La critique de l’époque et la critique ultérieure ont interprété le tableau comme une célébration de l’abolition de l’esclavage en France (1794) et comme un symbole des idéaux de liberté et d’égalité de la Révolution française. Pourtant, ce portrait illustre un paradoxe fondamental de la Révolution : comment réconcilier la Déclaration des droits de l’homme et du citoyen avec l’engagement ferme du Gouvernement révolutionnaire de maintenir l’empire colonial? Le pouvoir considérable dont jouissaient les leaders noirs à Saint-Domingue après l’abolition de l’esclavage et l’incertitude croissante face à la domination française de la colonie inquiétaient Paris. Et Girodet, en créant l’image d’un nouveau citoyen noir et français, se devait de composer à la fois avec l’esprit conservateur et anti-jacobin du Directoire et avec la menace que représentaient les leaders noirs de Saint-Domingue. Dans le portrait, Belley se retrouve inclus dans l’élite révolutionnaire française comme député de la colonie, mais en même temps sa différence et sa marginalité s’incarnent dans la représentation elle-même. Le peintre, en manipulant subtilement le langage pictural, la rhétorique et les mythes utilisés à l’époque, représente et définit une hiérarchie raciale qui pouvait justifier le colonialisme, l’assujettissement et l’exploitation des Noirs.
Philanthropy and Propaganda: The Bust of George III in Montréal
Authors: Coutu Joan
Published: January 2021

En 1765, deux ans seulement après l’instauration du régime civil britannique, un incendie rasait presque entièrement le quartier des affaires ainsi qu’une grande partie de la ville de Montréal. Quand on apprit la nouvelle à Londres, un certain Jonas Hanway, commerçant et philanthrope, organisa une souscription pour venir en aide à la ville sinistrée. Il envoya à Montréal deux voitures de pompiers, la somme de 8,415 livres sterling et un buste de Georges III. Le buste sculpté par Joseph Wilton, « Sculptor to the King », fut érigé sur la Place d’Armes en souvenir de la générosité britannique.

Cet article explique pourquoi Hanway, un homme qui n’aurait jamais visité le Canada, ni aucune autre colonie britannique, ressentait le besoin de souligner la générosité britannique en érigeant un monument au roi. Cette étude examine, en outre, les relations entre Hanway et le groupe de marchands anglais établis à Montréal et ennemis jurés du lieutenant-général, James Murray. Reste à savoir si le buste fut envoyé à Montréal pour l’unique bénéfice des Canadiens comme Hanway le laissait entendre ou bien si la sculpture ne devait pas plutôt servir à rassurer les marchands de Montréal quant à leurs droits sous le lieutenant-gouverneur?
The Peasant’s Bonds to Gaul, God, Land and Nature: The Myth of the Rural and Jules Breton’s Le Chant de l’alouette
Authors: Ryan Maureen
Published: January 2021

Le Chant de l’alouette, représentant une jeune paysanne dans les champs, à l’aube, fait l’objet d’une histoire remarquable depuis sa première apparition au Salon de 1885. Peinte en 1884 par Jules Breton, peintre renommé de la vie rurale française, l’oeuvre fut achetée par un entrepreneur de Chicago, Henry Field, peu de temps après avoir été montrée au public français. Exposé par la suite à l’Exposition universelle de Columbia en 1893, le tableau fut acquis par l’Art Institute de Chicago en 1917. Dans le contexte américain, ce tableau de Breton fut l’objet d’un engouement populaire inhabituel et fournit à Willa Cather le titre de son roman bien connu de 1915, The Song of the Lark. Il fut aussi choisi comme l’oeuvre d’art la plus populaire aux États-Unis lors d’un sondage effectué par un journal de Chicago en 1934. De récentes analyses historiques à caractère révisionniste, vouées à la réévaluation d’artistes français marginalisés par le canon avant-gardiste du modernisme, ont eu tendance à célébrer le choix par Breton d’un sujet à caractère national et ont insisté sur les racines paysannes de l’artiste et sur le fait qu’il avait maintes fois déclaré sa « sympathie » pour la vie rurale. La présente étude propose cependant une lecture différente de l’oeuvre de Breton en évaluant les moyens par lesquels une telle représentation académique du paysan pouvait véhiculer des notions essentiellement conservatrices de la vie rurale. Les interprétations du Chant de l’alouette offertes par les critiques du Salon de 1885 sont utilisées comme porte d’entrée pour cette analyse. Ce que ce discours critique souligne, c’est que les spectateurs de 1885 étaient encouragés à lire l’image de Breton selon les termes d’un ensemble de stéréotypes qui définissait le paysan sous la forme d’un « autre » sur le plan intellectuel et « racial » par rapport au citadin moderne.

Représentée en termes de liens à la terre et aux saisons, à la tradition religieuse et au passé primitif de la Gaule, la représentation de la jeune moissonneuse à l’aube servait à affirmer une construction mythique particulière de la vie rurale persistant toujours dans le « présent moderne » des années 1880. Dans l’arène publique des Salon des débuts de la Troisième République, le Chant de l’alouette réaffirmait ainsi la tradition et le passé sur plusieurs plans. Alors que les associations narratives et le mode stylistique du tableau constituaient une réplique aux stratégies « dé-familiarisantes » de l’avant-garde impressionniste qui lui était contemporaine, la représentation de la paysanne et sa faucille offrait aussi une forme de défi visuel aux représentations du paysan qui étaient alors mises de l’avant, durant les années 1880, par le nouveau gouvernement républicain qui cherchait à apporter des réformes et à moderniser les campagnes.
Circus at the End of History: Wols in the Late Thirties and Early Forties
Authors: Monteyne Joseph
Published: January 2021

Pour les intellectuels et les artistes français de la fin des années trente, qui rejetaient simultanément la participation à l’establishment politique et la résignation démissionnaire, il ne restait souvent qu’une sorte de révolte de l’inespoir dont la conduite de Bataille et sa politique de l’impossible offraient le principal modèle de référence. Quant à Wols, cet Allemand devenu apatride qui gravitait autour de ce milieu parisien engagé, il expérimenta dans la montée généralisée de la droite et dans la déclaration de la guerre bien davantage qu’une forme d’aliénation morale : il fut incarcéré pendant plus d’un an dès le début du conflit.

C’est dans ce contexte qu’il faut replacer la production de dessins, la rédaction d’aphorismes et la préparation d’un vaste projet multi-média, itinérant et populaire, le Circus Wols, qui permirent à l’artiste d’exorciser une période apparaissant à plusieurs comme une véritable fin de l’histoire. Voués à l’informalité et à l’insignifiance radicale du gribouillis, les dessins où la figure humaine effectue un repli vers l’animalité et la vie cellulaire, se présentent comme une stratégie d’ultime résistance face à la désintégration. Il en va de même de l’élaboration du cirque, un lieu symbolique dont la visée principale serait de rendre l’homme heureux.
Fascism and Acephalic Man: Masson, Bataille, Lacan, and the Orgy of Blood
Authors: Steiner Shep
Published: January 2021

À la fin des années trente, au moment où il collaborait avec Georges Bataille à la production du journal Acéphale, André Masson a réalisé un certain nombre de dessins d’une apparente facture automatiste mettant en scène des images d’agression et de violence sexuelle. Destinées à un public d’initiés (Acéphale est aussi le nom d’une société secrète) parmi lesquels l’on compte des dissidents du surréalisme et des intellectuels gravitant dans l'orbite du Collège de Sociologie, ces représentations doivent beaucoup à la théorie psychanalytique, notamment aux premiers travaux de Jacques Lacan sur le stade du miroir.

L’examen du contexte d'émergence des oeuvres et de la théorie, démontre leur profonde affinité de même que leur alliance tactique à un moment où tout projet politique révolutionnaire semblait rendu impossible par la démobilisation des forces socialistes et l’inexorable montée du fascisme. Tranposée dans le registre symbolique où le sujet psychique trouve son identité sexuelle en même temps que sa force d’action, la situation de véritable impotence politique gagnait à la fois son principe d’explication et une forme d’exutoire. L’intérêt de Masson pour les thèmes d’agressivité, de mutilation sexuelle ou de dislocation corporelle traduit une volonté de résistance aux forces de régression incarnées par le fascisme.
Autobiographical Notes by Rodin in a Letter to Gaston Schefer, 1883
Authors: Hare Marion J.
Published: January 2021

Quoique beaucoup de matériel biographique a été publié sur la vie du sculpteur français Auguste Rodin (1840-1917), ce matériel est basé principalement sur des interviews avec Rodin après qu’il devint reconnu comme sculpteur important, et sur ses souvenirs de relations datant souvent de plusieurs années.

Dans cet article nous publions pour la première fois le facsimile d’une lettre écrite par Rodin en 1883, au début de sa carrière comme sculpteur établi. C’est un document important. Rodin lui-même, dans plusieurs pages manuscrites, s’efforce pour décrire les faits appropriés concernant sa vie et sa carrière; il écrivait à une connaissance, Gaston Schefer, qui s’était offert pour écrire un article sur le sculpteur. Des notes explicatives et des commentaires parsemés parmi le document sont inclus dans le texte traduit afin de mettre en contexte l’effort autobiographique de Rodin.
Les écrits de Wassily Kandinsky ou le discours des fondements de la peinture abstraite
Authors: Doyon Carol
Published: January 2021

Wassily Kandinsky is considered today one of the most prestigious abstract painters of the twentieth century. Despite his important role as the founder of vanguard movements such as Die Neue Künstlervereinigung, Der Blaue Reiter, etc. and as the theoretician of modern art through his numerous writings, his main achievement is more often than not centred on the “inventio” of abstraction. A certain art history likes to introduce him as the necessary link in the accomplishment — the “telos” — of modernism which would be highly visible within the stylistic transformations of his works, especially as one looks at them retrospectively. Within this System, it works as if artists never question the pertinence of their art and were oblivious to the status of their own production in art history: they are naturally considered as “prophets of their times” while not in the least concerned with the games of fame and the struggle for power.

It seems that the three main texts of Kandinsky — Concerning the Spiritual in Art, The Blue Rider Almanach, and Reminiscences — written between 1911 and 1914 are not only interesting in regard to the avant-garde movements of the period and the explanations they provide for Kandinsky’s novel painting, but mainly because they are the means of an extraordinary “mise en scène” by the artist himself. A rhetorical analysis of these texts brings into light the construction of Kandinsky’s artistic identity and historical necessity which is still in effect today and on which modernist painting finds its legitimacy.
Alexander Henderson’s Snow and Flood after Great Storms of 1869
Authors: Harris David
Published: January 2021

Il n’y a pas si longtemps encore, la photographie était considérée comme une forme d’expression essentiellement documentaire. Cette foi envers l’exactitude et la fidélité du médium emprisonnait l’image photographique dans un rôle marginal de témoin de la réalité à l’appui de l’étude de l’architecture et complément de l’histoire écrite.

Si, dans le passé, on accordait à la photographie une valeur objective, absente de toute analyse, ce jugement est aujourd’hui réévalué par les historiens. Au même titre que les autres formes de représentation, il appert que la photographie, produit culturel créé en réponse à des besoins sociaux et commerciaux, est matière à interprétation.

Pour illustrer cette théorie, nous verrons, après un survol de l’histoire et de l’utilisation des photographies documentaires, comment, à travers un album intitulé Snow and Flood after Great Storms of 1869, un photographe commercial montréalais, Alexander Henderson, a perçu, choisi et présenté les événements associés à ce désastre naturel. Le but de l’article veut ainsi démontrer que seule une connaissance du contexte entourant le moment de la création, permet une appréciation juste et une utilisation adéquate de la photographie comme manifestation d’évidence.
Graphisme et praxis chez Ernest Cormier, « architecte et ingénieur-constructeur » : le « pavillon principal » de l’Université de Montréal
Authors: Gournay Isabelle
Published: January 2021

This article examines drawings for the “main pavilion” of the Université de Montréal built on Mount Royal between 1928 and 1943. A collection of these drawings will be exhibited at the cca in the spring of 1990. Cormier’s cosmopolitan background as both an architect and an engineer is mentioned briefly, as is the evolution of the project from a traditional academic ensemble of separate pavilions to the present “megastructure.” This dramatic change is demonstrated by the modernization of drawing techniques taught at the Ecole des Beaux-Arts in Paris and the replacement of large renderings in watercolours by photographs of the preparatory model as a promotional medium. All of Cormier’s drawings reflect his French-inspired approach to design and stress the logical expression of both structure and ornamentation. The 1,300 working drawings for the final project form an exceptionally homogeneous ensemble that reveals the architect’s tight control over his small team of highly qualified draughtsmen and his personal involvement at every stage of the design process.
Le frontispice de la Pompe funèbre du duc Charles III : pensée figurée et imaginaire matériel à la cour de Lorraine au début du XVIIe siècle
Authors: Choné Paulette
Published: January 2021

The symbolic system of power in the Duchy of Lorraine, an independent state, consolidated itself during the long reign of Charles iii (1545-1608). The prince’s political actions and his virtues are celebrated in a set of 74 engravings describing the 40 days of mourning that brought together representatives from all the courts of Europe. The plates reflect the solemn attitudes of the court of France, but the main influence of the engravings can be linked to Germanic, Dutch, and Italian traditions. To find the symbolism of mourning, it is necessary to look beyond the traditional ceremonial pattern to the frontispiece of the souvenir collection and the funeral prayer of the duke. A link can be found between the rhetoric of the prayer and the means of expression in the frontispiece. Secretary Claude de La Ruelle is credited with having initiated this great collection of plates. He was probably assisted in the decorative program of the frontispiece by Father Léonard Périn, a Jesuit from the University of Pont-à-Mousson, who led the funeral prayer. La Ruelle commissioned the engravings of Frédéric Brentel, accompanied by Matthieu Merian who signed the frontispiece. Although the frontispiece has been carefully described by Pierre Marot, he did not include a detailed account of its symbolic function. Given the cultural passion for symbolism in the region to which the Duchy of Lorraine belonged and the intellectual pursuits of Jesuits combined with the “culture de la curiosité,” fashionable in the French court and artistic circles alike, a more detailed reading of the iconography of the frontispiece is needed.

The similarity between the structure of the frontispiece and a marquetry cabinet can only be hypothetical. The whole may be seen as a microcosm of Lorraine’s hierarchical setting, uniting the naturalistic cause and the allegorical teachings. The symbolic expression, although discreet, plays a role in accentuating the senses by bringing out a more pronounced meaning at a higher level of interpretation. The source of these figurative thoughts from the frontispiece should not be attributed to Ripa’s Iconologia, but rather to the equally famous works of Valeriano, known by the learned community of Nancy. Hieroglyphica are not the only source for this work, which is linked to a culture where elegantly conceived symbols dominate the teachings and documentation of events. The most captivating characteristic is without a doubt its successful synthesis of conceptual imagery and imaginative material taken from the rarest gifts of nature.
The World, the Work, and the Artist: Colville and the Communality of Vision
Authors: Cheetham Mark A.
Published: January 2021

Cet article livre au public d’importantes observations du peintre canadien Alex Colville sur l’art contemporain et l’histoire de l’art. Ces textes sont suivis par un commentaire critique autour des réflexions de Colville sur les artistes et les interprétations qu’ils donnent de leurs propres oeuvres. Ce commentaire soutient que l’herméneutique sous-jacente de Colville—selon laquelle la signification provient des interactions de l’artiste, de l’oeuvre et de la société en général—nous fournit une nouvelle clef pour comprendre le théâtre de ses récentes peintures ainsi qu’un rectificatif à la tendance de l’histoire de l’art à s’en remettre aveuglément à la biographie et l’intentionnalité.
Notes on the Ottawa Madonna with the Flowering Pea
Authors: Bergmann Rosemarie
Published: January 2021

Le buste de la Madone au pois en fleur d’Ottawa constitue l’un des exemples les plus charmants d’un genre commun d’images pieuses de Cologne remontant au début du quinzième siècle. Pour des raisons stylistiques, on attribue ici cette oeuvre au jeune Stefan Lochner; on a dernièrement découvert une copie du buste en Autriche.

D’après la façon dont elle berce tendrement son fils, la Madone entre dans la catégorie de Eleousa. Elle tient dans la main droite une gerbe de pois cultivés ou des champs qui ont évidemment une signification symbolique. En littérature, de par leur forme, les fleurs de pois sont associées à la fertilité, mais dans le contexte des images pieuses de la Vierge, cette signification semble marginale pour ne pas dire inappropriée.

Toutefois, dans l’Evangile, les légumineuses sont toujours des denrées de base dont on se sert pour faire le pain. Ainsi donc le pois, tout comme la violette et autres fleurettes comme par exemple dans le rétable de Strozzi de Gentile da Fabriano, peut exprimer l’humilité de Marie et de son fils. Qui plus est, les écrits des théologiens, de St-Jérôme à St-Thomas d’Aquin, associent Marie au pain pour avoir enfanté le Christ, panus vivus. Le thème est popularisé dans la poésie et les hymnes médiévaux. Il n’est pas rare de retrouver les pois associés à des scènes de la vie de Marie et du Christ dans les horae des Pays-Bas où ils figurent dans les bordures, non pas comme simples motifs décoratifs mais comme symboles.

Les cosses fermées du buste d’Ottawa peuvent symboliser l’Immaculée Conception, alors que celles qui sont ouvertes doivent faire allusion au « fruit de vos entrailles », verset souvent repris dans le rosaire. Par l’allusion au pain de vie, le pois symbolise aussi le sacrifice du Christ auquel sa mère est liée à tout jamais.
Le Père Couturier au Québec (1940-1941) : un vent de liberté
Authors: Brunet-Weinmann Monique
Published: January 2021

Since the Paris-Paris exhibition at the Centre Pompidou in Paris (1981), Father Marie-Alain Couturier has been recognized as an important artistic entrepreneur, who invited the most important modern artists to work for the Catholic Church, regardless of their belief or ideology. Father Couturier spent some time in the province of Quebec and deeply influenced its artistic milieu, particularly during his first two stays (28 March-30 May 1940 and 12 December 1940-June 1941). The author deals with the ideas expressed by Couturier in lectures and their consequences.

When Charles Maillard, the conformist director of Montreal’s Ecole des Beaux-Arts, introduced Father Couturier to the press on 29 March 1940, he specified that Couturier had come to direct studio courses in religious art as applied to church liturgy and not to give lectures. In Father Couturier’s view, however, religious art was not distinct from other forms of art. When he addressed the public in his lectures, this passionate modernist’s free speech seemed to shake the neo-classical columns of the Ecole des Beaux-Arts and the foundations of Montreal’s academic establishment. Father Couturier also sought to put the “revolutionary ideas” he articulated so well in his lectures into practice. With Jean-Marie Gauvreau, he planned the short-lived Religious Art Workshops at the Ecole du Meuble. He also organized the important Exposition d’artisanat religieux (June 1941), where modern Canadian works were shown to the public. In association with the Société d’art contemporain he mounted the celebrated Exposition des Indépendants in Quebec City to advance the cause of “living art” and “freedom in the arts.” He criticized “the sterility of academic solutions” and, implicitly, Charles Maillard.

The consequences of Father Couturier’s ideas and actions were felt well beyond his brief physical presence in Montreal. The “Maillard affair” and the “Borduas affair” were among these consequences.
Clément Marot élève de Jean : le modèle des récits de formation allégoriques
Authors: Delvallée Ellen
Published: January 2021

Lorsque Clément Marot raconte sa formation au métier d’écrivain auprès de son père, dans L’Enfer, l’épître « Au Roy » de La Suite et L’Eglogue au Roy, soubs les noms de Pan, & Robin, son récit se fait souvent fictif. Ces entorses à la vérité autobiographique correspondent en fait à la réécriture de topoï issus des récits de formation allégoriques. Marot mobilise ces topoï à des fins rhétoriques – lorsqu’il se défend ou réclame des biens – mais aussi esthétiques – car ils servent au poète à redéfinir son art et l’exercice même du métier d’écrivain courtisan.
DO WE NEED AN ELECTIVE FOR OUR MEDICAL EDUCATION?
Authors: Shahzad Orthi
Published: January 2021

Medical electives have been part of the medical school curriculum since the 1970s in the United Kingdom. They are typically 4-8 week medical placements organised by the student in a field they are interested in. Electives are an extended period to increase understanding of global health, improve our clinical skills and deepen understanding of a speciality. They are the only part of the course in which students have autonomy over their learning. Unfortunately, I am part of the cohort of medical students who will be losing this opportunity due to the devastating Covid-19 global pandemic.
EXTENSIVE CERVICAL NECROTISING FASCIITIS WITH MEDIASTINITIS IN A COVID-19 POSITIVE PATIENT: A CASE REPORT
Authors: Daniels Natasha Faye , Ridwan Raiiq
Published: January 2021

Necrotising fasciitis is a rapidly progressing soft tissue infection associated with significant morbidity and mortality. We present a case of cervical necrotising fasciitis with mediastinal extension in a diabetic young male who was COVID-19 positive. He presented with a five-day history of left-sided neck swelling which was fluctuant, red and painful. Subsequent debridement and management of the wound were complicated by the comorbid SARS-CoV2 infection due to potential need for proning. This case highlights the complex interplay between the management of two significant conditions; the surgical approach to necrotising fasciitis and the concern of deterioration due to COVID-19.
Thermal acclimation of tropical coral reef fishes to global heat waves
Authors: Johansen Jacob L , Nadler Lauren E , Habary Adam , Bowden Alyssa J , Rummer Jodie
Published: January 2021

As climate-driven heat waves become more frequent and intense, there is increasing urgency to understand how thermally sensitive species are responding. Acute heating events lasting days to months may elicit acclimation responses to improve performance and survival. However, the coordination of acclimation responses remains largely unknown for most stenothermal species. We documented the chronology of 18 metabolic and cardiorespiratory changes that occur in the gills, blood, spleen, and muscles when tropical coral reef fishes are thermally stressed (+3.0°C above ambient). Using representative coral reef fishes (Caesio cuning and Cheilodipterus quinquelineatus) separated by >100 million years of evolution and with stark differences in major life-history characteristics (i.e. lifespan, habitat use, mobility, etc.), we show that exposure duration illicited coordinated responses in 13 tissue and organ systems over 5 weeks. The onset and duration of biomarker responses differed between species, with C. cuning – an active, mobile species – initiating acclimation responses to unavoidable thermal stress within the first week of heat exposure; conversely, C. quinquelineatus – a sessile, territorial species – exhibited comparatively reduced acclimation responses that were delayed through time. Seven biomarkers, including red muscle citrate synthase and lactate dehydrogenase activities, blood glucose and hemoglobin concentrations, spleen somatic index, and gill lamellar perimeter and width, proved critical in evaluating acclimation progression and completion, as these provided consistent evaluation of thermal responses across species.
Italy’s Forgotten Partition
Authors: Shelef Nadav G.
Published: January 2021

This chapter analyzes the division of Venezia Giulia, a paradigmatic case in which the partition of homeland territory in the aftermath of war came to be accepted as appropriate by those on both sides of the border. At the end of World War II, American intelligence services identified the border between Italy and Yugoslavia as particularly problematic and as a likely location for violent confrontations between East and West. Alongside the raging international conflict of the Second World War, this border zone was the site of an ethnic civil war between Slavs and Italians that was as bloody and bitter as any other. Yet, by the 1970s, this region became a model for regional cooperation. While individual claims for compensation for lost property remain, mainstream Italian nationalists no longer claim the areas they once fought for so passionately as appropriately part of their homeland. The chapter argues that this acceptance was not automatic or inevitable. Rather, the efforts of the governing Christian Democracy Party (DC) to stem additional territorial losses after the war and to overcome the short-term political challenges it faced in the new republic shaped the timing and process of the withdrawal of homeland territoriality from once-sacred land.
The Withdrawal of Homeland Territoriality in a Cross-National Perspective
Authors: Shelef Nadav G.
Published: January 2021

This chapter presents a replicable, systematic, cross-national measure of the homeland status of lost territory which is consistent with the ideational character of homelands and captures the possibility that their scope can change. This indicator is based on the systematic tracing over time of the way in which domestic media on both sides of every new international border drawn between 1945 and 1996 spoke about the land newly located on the wrong side of the border. This measure enables the inclusion of the homeland status of lost territory in quantitative analysis of conflict in ways that bridge the gap between political science theory and existing proxies for the homeland status of territory. Using a survival analysis, the chapter then explores the general purchase of explanations of the withdrawal of homeland territoriality from parts of the homeland left on the wrong side of new international borders. This analysis shows that those conditions which produce evolutionary dynamics—namely, the sustained presence of meaningful institutionalized domestic political competition over time—are consistently associated with withdrawing homeland territoriality from lost parts of the homeland, even when controlling for the other factors that shape whether territory is included in the homeland.
Failed Initiatives
Authors: Rabe Stephen G.
Published: January 2021

This chapter assesses Henry Kissinger's two notable failures in his approach to Latin America. He failed to deliver on his promise of a new multilateral relationship with Latin America. Kissinger proved amenable to discussing reforms to the international economic order but abruptly concluded that such hemispheric discussions shifted the balance of power against the United States. He also worked on a plan to break out of the diplomatic stalemate with Fidel Castro's Cuba. He reasoned that if the United States could open a relationship with the People's Republic of China, it could also do so with communist Cuba. Kissinger believed, however, that Cuba had to accept a subordinate position in the global order. Fidel Castro declined to become subservient to the United States.
Introduction
Authors: Evans Nicholas H. A.
Published: January 2021

This introductory chapter provides an overview of the Ahmadiyya Muslim Community. This organization—which is spread across two hundred countries—claims to have “tens of millions” of followers and presents itself as a dynamic Islamic reform movement. For many other Muslims around the world, however, Ahmadis are by definition non-Muslim. This is because Ahmadis follow the teachings of Mirza Ghulam Ahmad, whom they revere as a messiah, a reformer, and, most crucially, a prophet after Muhammad. Within South Asia, where the Ahmadiyya community was founded, the Ahmadis' faith continues to be subject to verification in a public court of opinion, and in Pakistan the Ahmadis have suffered under state-led persecution for decades. The chapter then outlines the basic form of Ahmadis' troubled relationship to truth, before turning to the question of why this troubled relationship to truth might be obscured by one's understanding of religious doubt.
Hans Blumenberg: An Introduction
Authors: Bajohr Hannes , Fuchs Florian , Kroll Joe Paul
Published: January 2021

This introductory chapter provides a background of philosopher Hans Blumenberg. In the quarter-century since his death, Blumenberg has become a modern classic in his native Germany, making him one of the most important philosophers of the postwar period. His reception in the English-speaking world has been slower: even though his three major volumes have been available in translation since the 1980s, it was only during the previous decade that the life and work of Blumenberg began to move past the realms of academic rumor or a secret reserved for the initiated. This book presents an overview of Blumenberg's work, which spans almost twenty books published during his lifetime and a steady flow of further volumes from his extensive archive. The topics he covered include but are not limited to modernity and secularization; the philosophy of history; the history of science and technology; language philosophy and rhetoricity; aesthetics and literary theory; philosophical anthropology; theology; and mythical thought, to name just a few.
The Linguistic Reality of Philosophy
Authors: Blumenberg Hans
Published: January 2021

This chapter discusses Hans Blumenberg's very first philosophical publication, “The Linguistic Reality of Philosophy.” In this publication, he hints at the question of how history manifests itself in language and how these manifestations allow an inference to past realities. The philosophical reality of language shatters and transgresses the terminology not only of everyday life but also of that with which the scholar is intimately familiar. To this one has to add an aspect that causes frustration, and indeed fundamental concern, in anyone familiar with the complex terminology of the natural sciences: that philosophy as a science appears to possess nothing resembling a uniform terminology and by that fact alone largely stands out against the other spheres of the exact analysis of reality. Even where the consistent use of concepts seems to suggest such uniformity, a closer look soon reveals contradictions and differentiations of meaning. Language as articulation of thought appears to have two basic possibilities at its disposal: one monological and the other dialogical.
Light as a Metaphor for Truth
Authors: Blumenberg Hans
Published: January 2021

This chapter assesses Hans Blumenberg's essay, “Light as a Metaphor for Truth” (1957). With this essay, Blumenberg formulated the seed of the project for which he is, at least in Germany, best known: his “metaphorology.” While metaphorology initially seemed to be an extension of conceptual history — a research project aimed at investigating the semantic changes to central concepts of philosophy — it at the same time called into question the very centrality of concepts and terminologies as the only and authentic bearers of philosophical thought. Instead, it makes the case for studying the role pre- and nonconceptual speech plays in the language of philosophy. Where traditionally theories of truth would be interpreted in terms of their propositional content or logical validity, Blumenberg's article instead looks at the metaphors with which truth is described and which operate, as he puts it in the subtitle, “At the Preliminary Stage of Concept Formation.”
Introduction to Paradigms for a Metaphorology
Authors: Blumenberg Hans
Published: January 2021

This chapter addresses Hans Blumenberg's introduction to Paradigms for a Metaphorology (1960). The introduction outlines possible theoretical foundations for a metaphorology — most importantly Kant — while its remaining chapters consist of nine fairly distinct studies of specific metaphorological complexes, such as the “mighty” truth, the difference between organic and mechanical background metaphorics, or the metaphorics of geometric symbolism. Their semantic historical behavior permits or resists their transformation into concepts; hence, Blumenberg proposes them as “paradigms” that might help found a systematic metaphorology. By investigating the nonconceptual, yet-to-be-settled semantic layers of emerging terminologies, Blumenberg's metaphorology is concerned less with the truth of metaphysics than with analyzing philosophy's own unthought and shifting foundations. While he concedes that ornamental metaphors may indeed only provide rhetorical flourishes, Blumenberg draws attention to what he calls “absolute metaphors,” of which “truth as light” would be an example, which cannot simply be converted back into conceptuality.
Prospect for a Theory of Nonconceptuality
Authors: Blumenberg Hans
Published: January 2021

This chapter studies Hans Blumenberg's 1979 essay “Prospect for a Theory of Nonconceptuality.” He contends that nothing has changed in the function of metaphorology, but much about its reference — especially as metaphorics are now understood as merely a narrow special case of nonconceptuality. Metaphorics is no longer primarily regarded as the guiding sphere for tentative theoretical conceptions, as the preliminary stage of concept formation, or as a makeshift for situations in which technical languages are not yet consolidated. Instead, it is now conceived of as an authentic way of grasping connections, which cannot be limited to the narrow core of the “absolute metaphor.” The absolute metaphor was initially only defined through its indisposition toward being “replaced by literal predicates” on the same linguistic level. Another way of putting it would be to say that the line of sight has been reversed: it is no longer directed primarily toward the constitution of conceptuality but also looks back at the connections with the life-world as the constant motivational support of all theory — even if this support cannot be kept in consciousness at all times.
“Imitation of Nature”
Authors: Blumenberg Hans
Published: January 2021

This chapter reviews Hans Blumenberg's “'Imitation of Nature': Toward a Prehistory of the Idea of the Creative Being” (1957). In this work, Blumenberg traces the consequences of the changes in the concept of nature for technology and art through the historical reevaluation of the concept of mimesis. According to Aristotle, “human skill (technē) either completes what nature is incapable of completing or imitates nature.” This dual definition is closely tied to the double meaning of the concept of “nature” as a productive principle (natura naturans) and produced form (natura naturata). It is easy to see, however, that the overlapping component lies in the element of “imitation.” Nature and “art” are structurally identical: the immanent characteristics of one sphere can be transposed onto the other. This idea was then established as fact when tradition shortened the Aristotelian formulation to ars imitator naturam, as Aristotle himself had already expressed it.
Speech Situation and Immanent Poetics
Authors: Blumenberg Hans
Published: January 2021

This chapter looks at Hans Blumenberg's “Speech Situation and Immanent Poetics” (1966), which focuses on poetic language. The three basic ideas of the relationship between language and thought should help one gain a certain orientation to determine the function of poetic language. After all, an immanent poetics will by necessity depend on examining the function of a work's language. The explication of the immanent poetics of a work will therefore depend on asking the “right” questions with regard to this work's language. Of course, hints can be derived from the author's exogenous poetics, from his self-testimony and self-observation, if this is indeed what they are and not simply the “offshoot” of a normative theory of art. This methodical preliminary question deserves not to be passed over. Already the classification of a text by its author as “self-observation” during the process of aesthetic production expresses a certain aesthetic position. This position permits experience to provide relevant information about the process of a work's emergence.