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Échos de la quête de l’identité argentine au XXe siècle dans un récit fictionnel de la colonisation : Zama d’Antonio Di Benedetto
Authors: Orssaud Geneviève
Published: July 2012

En Argentine, l’Est et l’Ouest représentent respectivement l’Europe et l’Amérique, du fait des populations qui s’y sont établies, descendants d’Européens et d’Amérindiens. Le clivage s’affirme dans les années 1950, quand la possibilité d’une littérature nationale est questionnée, après l’émergence de l’idéal politique d’un être national. En 1956, Antonio Di Benedetto publie Zama, histoire fictionnelle d’un Américain, fonctionnaire de la vice-royauté du Río de la Plata, à la fin du XVIIIe siècle. L’auteur met en perspective dans ce roman la problématique de l’identité nationale, déchirée entre ses influences européennes (l’Est) et ses origines américaines (l’Ouest).
Reinventing Nationalism: Mexico in the Works of José Revueltas
Authors: Marroquín Jaime
Published: July 2012

José Revueltas fut l’un des premiers intellectuels mexicains à analyser la constitution idéologique du Mexique après la fin de la Revolucion de 1910. Dans son travail, il soutient que le Parti Communiste et plus généralement toutes les forces sociales organisées du pays furent utilisés de façon très habile par le parti au pouvoir afin de légitimer un nouveau régime « bourgeois » qui s’est toujours présenté comme « socialiste ». Les idées politiques de Revueltas ne sont aujourd’hui connues que par une poignée de lecteurs fidèles alors même qu’elles fournissent un cadre critique indispensable pour comprendre la re-définition idéologique du Mexique aujourd’hui.
The Lady in Blue: a Mexican American Cultural Studies Approach
Authors: Nogar Anna
Published: July 2012

La trajectoire déambulatoire de la narration transatlantique de la Dame Bleue exige une seule approche critique afin de contextualiser correctement toutes ses manifestations. Il est donc question, dans cet article, de la méthodologie employée dans l’étude de ce type de récit complexe, produit sous la colonisation au XVIIe siècle. En outre, il s’agit aussi de montrer comment la structure de cette méthodologie résulte du champ d’études culturelles mexicano-américaines, et plus particulièrement des travaux entrepris par Américo Paredes, José Limón, Richard Flores et Domino Perez, ainsi que de l’ouvrage critique Images at War de Serge Gruzinksi.
Black Sea Abyss: Chaos and Writing in Ancient Mesopotamia
Authors: Prescott-Steed David
Published: July 2012

This discussion explores the intersection of chaos and writing in the context of the Eridu Genesis, a Sumerian cuneiform text dating back to the 18th century BC and containing three narratives : the Creation of humankind, the building of cities, and a flood myth. Researchers analyze the extent to which conceptions of chaos, found in this text, recount the Black Sea deluge that scientists agree occurred around 5500 BC. Having authored the world’s oldest known historical texts, Sumerian writings simultaneously mark the beginning of written literature and the birth pangs of chaos ‘in’ writing. Thus the Eridu Genesis, as the archetype for these narratives, deserves critical attention when affording ‘writing and chaos’ a historical context. The question of whether or not the Black Sea flood continues to underpin late modern notions of chaos remains open. However, this geo-cultural reading shows that writing about chaos can provide insight into the human condition, by giving expression to what it means for a civilization to exist in an unpredictable world.
L’Histoire, ce chaos à écrire
Authors: Napoli Gabrielle
Published: July 2012

Le roman Tristano meurt (Tristano muore) d’A. Tabucchi a pour personnage principal Tristano, ancien héros de la résistance italienne, à l’agonie, qui décide de raconter sa vie à un écrivain. Son récit est éclaté, les principaux épisodes sont disséminés dans la narration, la voix de Tristano est hallucinatoire. L’Histoire l’a trahi parce qu’elle est cette « créature glaciale qui n’a pitié de rien ni de personne ». La conscience individuelle du personnage figure les répercussions du chaos moderne. La voix de Tristano se révèle l’élément unificateur du chaos de l’Histoire et de son histoire.
Dictature et chaos dans le roman du dictateur hispano-américain
Authors: Brochard Cécile
Published: July 2012

Le chaos est l’adversaire de la dictature : celle-ci recherche l’ordre et l’unité, incarnés par le dictateur. Pourtant, loin de reproduire l’idéologie autoritaire, le roman du dictateur hispano-américain choisit le désordre et inscrit la confusion au cœur de la dictature : l’identité du chef, soumise à la duplicité, se fractionne et la parole unique est concurrencée par la polyphonie. Ainsi le roman du dictateur se développe-t-il en contrepoint de la dictature.
Frankétienne, maître du Chaos
Authors: Lenoble Marie-Édith
Published: July 2012

Frankétienne, en tant que poète haïtien, est plongé depuis sa naissance au cœur du chaos politique et social. Il a créé, avec Jean-Claude Fignolé et René Philoctète, un mouvement littéraire capable de représenter la forme même du chaos : le spiralisme. S’inspirant de la théorie scientifique du chaos, les spirales de Frankétienne tendent vers une écriture fractale. Cette esthétique du chaos permet d’opposer aux régimes dictatoriaux qui se sont succédés à Haïti une puissance contestataire, la spirale, véritable « machine désirante » telle que l’ont conceptualisée Deleuze et Guattari dans l’Anti-Œdipe. Ainsi Frankétienne parvient-il à faire corps avec le chaos et d’une certaine façon à le maîtriser.
« Écriture et Chaos ». Petites impostures métaphoriques, prémisses en vue d’une théorie sur les métaphores de la complexité dans le cadre d’une poétique de l’ordre et du chaos
Authors: Gros Ivan
Published: July 2012

En s’intéressant à la nature des métaphores de la complexité, ces métaphores spécialisées dans la description cosmologique du monde (théâtre du monde, horloge, labyrinthe, échiquier, toile d’araignée, rhizome, et cetera), cette étude essaie de souligner une contrainte fondamentale du langage. Chaque fois que la littérature essaie de penser l’univers dans son ensemble, sur le mode de la vision, elle s’inscrit dans le cadre d’une poétique de l’ordre et du chaos. Cette poétique dessine une frontière assez distincte entre deux options d’écriture : d’un côté une littérature aleaphobe de l’autre des écrivains chaosophes. Au cœur de ses deux écritures se trouve une disposition contraire, souvent idéologique, à l’égard du hasard. Mais il n’est pas sûr que l’une ou l’autre de ses options favorise une meilleure convenance métaphorique.
Du chaos domestique à l’impossible domesticationdu chaos dans House of Leaves de Mark Z. Danielewski
Authors: Guilet Anaïs
Published: July 2012

Cet article étudie l’expérience particulière du chaos que propose Mark Z. Danielewski dans "House of Leaves". En effet, le roman fait d’un objet chaotique, la maison, son thème de prédilection et son modèle poétique et esthétique. Toutefois, le choix d’un tel sujet n’apparaît pas sans conséquence puisque à travers lui, c’est tout un pan du langage et toute une perception de la société qui sont mis à mal. Le chaos, de prime abord thématique, contamine la mise en page et la textualité au profit d’une réflexion plus large sur la place que ce paradigme contemporain peut prendre dans notre société et les conséquences que cela engendre.
Comparative Literature in Cooperation
Authors: Donat Sebastian , Packard Stephan
Published: July 2012

Beyond methodological or ideological principles, Comparative Literature depends upon, and flourishes in, cooperation between different systems, fields and disciplines. We introduce two projects developed by Munich’s Comparative Literature Department as examples of the specific challenges and opportunities afforded by this cooperation: in editing Roman Jakobson’s analyses of poetry, experts in 16 different languages and literatures worked together to present translations, interpretations and commentary on this corpus. In ongoing bilateral teaching and research projects with the German Department at Seoul National University, inter-lingual, inter-cultural and inter-disciplinary communication enables and informs studies focusing on Goethe’s concept of active and passive roles in Weltliteratur, as well as censorship and textual control in divided nations.
Allegory as imaginary past: transcendence and acting subject in Proust's Recherche
Authors: Schamel Alexandra
Published: July 2012

The article postulates allegory as a vehicle for « transcendental subjectivity » in Proust’s Recherche. Similar to Baudelaire’s genre spirituel this figure indicates an aesthetic threshold from which the lower outside sphere is transformed into a transcendental inner reality, an imaginary pattern of the individual past. The focus of the present study is to define the nature of this threshold contextualizing it within philosophical conceptions of the subject.
« Le Vol d’Icare » d’un genre à l’autre. Esquisse sur la fausseté générique
Authors: Tononi Daniela
Published: July 2012

Le Vol d’Icare, texte qui bouleverse l’idée pirandellienne des personnages en quête d’auteur, nous présente un personnage, Icare, qui s’enfuit des pages d’un roman pour se retrouver dans celles d’une pièce-essai. La construction particulière des romans de Queneau, qui déroute le lecteur par une forme « fausse » tout à fait différente de ses attentes, devient dans Le vol d’Icare une technique créative privant le lecteur des moyens de reconnaissance de la nature de l’œuvre
Defining Geopoetics
Authors: Italiano Federico
Published: July 2012

Comme la notion de "Paysage", portion du monde coïncidant avec l’« Anschauungsraum » du sujet (l’« espace de l’intuition » phénoménologique), ne peut plus être appliquée de manière adéquate aux textes littéraires dotés d’une structure topologique complexe et de références géographiques hétérogènes, nous proposons d’introduire le concept de « Géopoétique ». En tant que catégorie opérative, la « Géopoétique » nous permet de comprendre et d’analyser la dimension territoriale, géographique et géo-écologique d’un texte littéraire. Par « Géopoétique », nous désignons la conscience géographique particulière, la connaissance territoriale, qui est une individualisation du rapport Homme-Terre, telle qu’elle ressort des textes littéraires, et qui transcende tous les cadres limitatifs de la perception, surpassant les frontières phénoménologiques de l’« Anschauungsraum ».
The Écloga dos Faunos of Luís de Camões: Imitation or Intertextuality?
Authors: Praeder Susan M.
Published: July 2012

In a humorous scholarly piece penned in the form of a prose eclogue, the commentator Manuel de Faria e Sousa debates the comparatist Lusitânia Nau on the Écloga dos Faunos by Luís de Camões. He encounters numerous imitations of other texts in the Portuguese poet’s seventh eclogue ; she focuses on intertextual processes beyond his interpretative ken and that of his readers. All this with the participation of Mato Grosso, Tasmânio, Samosata and her dog Shep, goats, sheep, and a venerable cypress tree.
Un regard oblique sur la vérité historique : le monde virtuel du post-exotisme
Authors: André Sarah
Published: July 2012

Antoine Volodine construit un univers imaginaire baptisé « post-exotisme » fonctionnant avec ses règles propres. Parmi celles-ci, la falsification des identités des personnages et des instances auctoriales. Les brouillages des voix narratives confère à leurs récits un aspect fantastique, a priori éloigné du monde réel. Cependant, en recoupant les différents niveaux de récit par exemple, il n’est pas difficile d’apercevoir des correspondances entre les textes très fictionnels et la réalité contemporaine.
« Othello » dans « Les Mendiants » et dans « Orlando » : comparaison et imposture
Authors: Rigeade Anne-Laure
Published: July 2012

La présence peu visible d’Othello dans Orlando de Virginia Woolf et Les Mendiants de Louis-René des Forêts cache une imprégnation profonde : thématiquement, la pièce de l’imposture nourrit le roman de l’artifice et le roman du plagiaire, au point que l’intertexte envahit tout le texte second. Mais, très vite, une distance se fait jour, qui sépare la pièce baroque et les deux romans du XXe siècle, quant à la valeur du faux : l’imposture, de l’une aux autres, quitte la sphère éthique pour entrer dans la sphère esthétique. Se pose alors la question de la fonction de la pièce dans le roman ; il apparaît, contre nos attentes, qu’elle ne construit pas un dispositif spéculaire éclairant le sens de l’œuvre, mais contribue à produire une vision métamorphique de la littérature. Si on a été conduit à comparer deux incomparables (Woolf/ des Forêts), ce corpus révèle, pour finir, le choix de pratiquer un comparatisme décentré, s’appuyant sur le contresens productif comme dernière forme du faux.
Hybrid Identities of Characters in Muslim women fiction post 9-11
Authors: Ancellin Karine
Published: July 2012

L’article analyse des romans contemporains publiés en anglais par des femmes auteurs d’origine musulmane. Le corpus de quinze œuvres est centré sur une période de sept ans après le 11 septembre. L’hypothèse de recherche est d’étudier la réinvention des identités, "hybrides". Les personnages mosaïques de ces romans sont en pleine ré-invention de leur être et très fluctuants dans leurs affinités et valeurs humaines. Leurs personnalités ne sont pas affirmées et leurs contours sont flous, comme le voile qui revêt un symbolisme différent dans chaque roman.
Pop argentino
Authors: Orssaud Geneviève
Published: July 2012

On voit apparaître au cours des années 1990 en Argentine une nouvelle génération d’artistes qui font figurer dans leurs œuvres des icônes de la culture populaire : fast food et symboles patriotiques dans les photographies de Marcos López, marques de produits, telenovelas et Internet dans les romans d’Alejandro López, cumbia et langage populaire dans ceux de Cucurto. Ces artistes ont également en commun de ne pas faire référence aux dures années de la dernière dictature, mais au néolibéralisme, instauré pendant les présidences de Carlos Saúl Menem (1989-1999). En outre, tous trois questionnent l’identité des Argentins, qu’ils montrent plus proches de l’Amérique du Sud que de l’Europe.
La révolution allemande n’aura pas lieu. November 1918 de Döblin, ou la démystification de l’événement
Authors: Peyroles Aurore
Published: July 2012

Un non-événement : ainsi Döblin présente-t-il la révolution allemande de 1918 dans November 1918, l’immense fresque qu’il lui consacre entre 1937 et 1940. Privée de cause et de conséquence, dénuée d’importance réelle ou symbolique, cette révolution manquée souligne, pour le romancier, à quel point l’Allemagne, passée, présente et future, est incapable de rompre avec l’ordre établi. Marquant le deuil de l’action politique, la tétralogie signifie aussi la faille d’une certaine conception du roman : celle qui en faisait une arme.
La figure du « geek » comme stratégie de lecture Naviguer dans la « pop culture » à l’ère du surplus culturel
Authors: Faucher Benoît
Published: July 2012

La figure du geek est de plus en plus présente dans la culture contemporaine. Cet essai propose de questionner la différence entre les deux groupes de protagonistes trouvés dans les romans Microserfs et JPod de Coupland. Ainsi il sera possible de circonscrire une figure changeante. Pour clarifier le mot « geek », il sera comparé avec les stéréotypes de la tronche et du nolife. Les changements ensuite isolés serviront de symptômes pour penser la culture contemporaine comme culture de trop-plein.
The Threat of Otherness in Bram Stoker's Dracula
Authors: Muskovits Eszter
Published: July 2012

La deuxième moitié du XIXe siècle a constitué un tournant dans la conceptualisation des pratiques et comportements sexuels dans les sociétés occidentales. L’hétéro-normativité monogame a commencé à être contestée, et c’est probablement le roman gothique qui a offert le médium le plus adapté pour renverser le concept traditionnel de la sexualité. L’objectif de cet article est d’explorer le caractère ambigu du vampire dans le Dracula de Bram Stoker (1897), un agencement possible de ce que le système sexuel normatif patriarcal a marginalisé comme « autre ».
The Semiotic Perspectives of the Symbol
Authors: Radvánszky Anikó
Published: July 2012

Cet article analyse l’ouvrage de Tzvetan Todorov intitulé Théories du symbole, qui présente l’histoire des théories du symbole. Evaluant les conclusions en matière de sciences littéraires de l’entreprise de Todorov, l’étude relève les lacunes de cette histoire et les insuffisances de la méthode sémiotique choisie. L’auteur suspecte l’œuvre de Todorov de véhiculer en plusieurs endroits les marques de la néorhétorique du XXe siècle et cherche à mettre en évidence les conséquences de cette corrélation qui touche à la méthodologie de l’œuvre.
La inscripción de la identidad en la obra literaria: Análisis comparativo de “Lejana” de Julio Cortázar y La muerte salió cabalgado de Persia de Péter Hajnóczy
Authors: Szalai Zsuzsanna
Published: July 2012

Le nom de Julio Cortázar est incontestablement lié à l’idée de la rénovation du roman espagnol. L’auteur hongrois Péter Hajnóczy (1942-1981) est peut-être moins mondialement connu, mais sa technique narrative inspirée du style de Faulkner mérite l’attention. Dans la perspective de notre interprétation, un procédé technique très caractéristique des deux écrivains est envisagé : la multiplication, un instrument de réflexions et de projections. Nous analyserons parallèlement « Lejana » de Cortázar et A halál kilovagolt Perzsiából (1979) de Hajnóczy afin d’étudier la multiplication de l’identité, des espaces, du temps, des niveaux textuels, etc. Notre fil conducteur sera l’étude de la métalittérature : au cours de la lecture, nous étudierons la naissance du texte littéraire à travers l’analyse de la position des deux auteurs implicites, de leurs doutes et de leurs difficultés. Enfin, nous examinerons la relation interne entre le dénouement et la structure de chacune des œuvres. Comme il s’agit, en un certain sens, de deux histoires autobiographiques, leur dénouement promet d’être problématique.
Turn-of-the-Century Aestheticism in the Early Articles of Dezső Kosztolányi
Authors: Fuchs Anna
Published: July 2012

Les premiers écrits journalistiques de Dezső Kosztolányi (1885-1936), écrivain, poète, traducteur et journaliste hongrois, peuvent être lus en tant que textes littéraires. L’esthétisme du tournant du siècle s’y illustre de façon spectaculaire. Les objets de la culture matérielle jouent souvent le rôle d’éléments décoratifs, phénomène à mettre en relation avec le culte de l’artificiel qui émerge dans la littérature du tournant du siècle en réaction au naturalisme. Ce culte est aussi à relier à cette époque avec le caractère esthétique de la religion. Les thématiques, mais aussi les formes du langage (l’accumulation des adjectifs et la syntaxe complexe qui renvoient au style de l’art nouveau) montrent que ces articles font partie intégrante de la littérature de l’époque. Plus important encore, plusieurs de ces écrits suivent le courant perfectionniste qui prévalait dans la littérature du tournant du siècle.
La ornamentación en el capricho titulado Prinzessin Brambilla de E.T.A. Hoffmann
Authors: Végh Dániel
Published: July 2012

Le roman Prinzessin Brambilla de E.T.A. Hoffmann offre de multiples interprétations, mais ni la théorie de la littérature fantastique, ni la théorie du grotesque et de l’ironie romantique ne couvre toute la richesse sémantique du texte. Le concept de l’ornementation réunit l’ensemble des principes théoriques des interprétations antérieures tout en étant véhiculé par le texte lui-même. Après avoir analysé les caractéristiques ornementales de Prinzessin Brambilla, je tenterai de généraliser la poétique de la prose ornementale à des textes d’époques et de langues différentes.
Translation as Border-Crossing: Virginia Woolf’s Case
Authors: Dojčinović-Nešić Biljana
Published: July 2012

Ce texte se concentre sur le « cas de Virginia Woolf », c’est-à-dire sur la manière dont la traduction de son œuvre se rapporte à un border-crossing théorique, notamment dans le contexte de l’arrivée des théories féministes dans les pays de l’Europe de l’Est. La traduction est pensée principalement comme inspiration, concept proche de celui d’interprétation et apparemment sans limites. L’article comprend trois parties, les deux premières explorant les limites de la traduction comme inspiration à partir des lectures de Woolf en Serbie, tandis que la troisième partie porte sur les relations modernes entre l’Est et l’Ouest et la traduction comme border-crossing, dans la littérature mais aussi dans la vie.
Edgar Allan Poe: latinista
Authors: González-Rivas Fernández Ana
Published: July 2012

Rivers of ink have flowed concerning Edgar Allan Poe’s life; nevertheless, many facets of this author remain to be discovered. This article will deal with one of the aspects of Edgar Allan Poe that he manifests in some of his poems and tales which, however, have gone all but unnoticed hitherto: Poe as a Latinist, the concrete expression of the connections this author establishes with the classical (above all the Roman) world. This article analyzes the different quotations and allusions to Latin language and literature that accumulate in Poe’s texts, a kind of intertextuality to which he adds an interesting dose of creativity.
Évolution et manifestation de la nouvelle esthétique de l’image et de la poétique de la parole dans l’avant-garde russe, exprimée dans les livres d’artistes futuristes
Authors: Knorpp Elina
Published: July 2012

Bien que le futurisme russe, à ses débuts, fût influencé par les futuristes italiens, il évolua d’une manière autonome. Dans le domaine de la littérature, on trouve un grand nombre de groupements futuristes divers, tandis que dans les arts visuels, le soi disant Cubo-futurisme voyait le jour. Le Cubo-futurisme liait des tendances cubistes et futuristes afin de faire advenir une forme singulièrement russe. Les livres futuristes, publiés dans les années 1910, nous montrent la naissance d’une nouvelle esthétique du texte et de l’image ainsi que la rupture avec les anciennes normes littéraires et artistiques. Ceci s’exprime à travers des illustrations, la création d’une nouvelle langue et l’entrelacs de l’image et de la parole. Cet article analyse les commencements du futurisme en Russie à partir de plusieurs livres russes pris comme exemples de cette esthétique nouvelle.
“Into the dwelling of the hermit”: Imaginative Space in E.A. Poe’s The Fall of the House of Usher
Authors: Speth Jana
Published: July 2012

L’article analyse, à l’aide de notions tirées de la psychologie cognitive, tels que les “scripts”, les “concepts” et la “transformation mentale”, la tendance naturelle du lecteur à la construction de sens, c’est-à-dire son aptitude à inférer par l’imagination les informations manquantes d’une architecture imaginaire lacunaire donnée. La narration La chute de la maison d’Usher de E.A. Poe, grâce à une mise en abyme, évoque deux réalités imaginaires différentes qui finalement chutent pour faire place à un seul espace focalisé. Les méthodes de Poe qui stimulent la construction des espaces imaginaires aussi bien que leur déconstruction seront analysées avec les outils que nous fournit la neuropsychologie.
Corps du prisonnier et images du corps : une représentation de la déviance au xixe siècle
Authors: Croisy Marion Ardourel
Published: July 2012

Le prisonnier n’est pas une figure nouvelle en littérature mais il fait l’objet, au XIXe siècle, d’un nouveau type de représentation au sein de laquelle le corps occupe une place importante : représenté par les uns comme un corps dissimulateur en vertu de son statut « social » de hors-la-loi, il est dépeint par les autres comme un ensemble de signes qui, soumis à l’œil avisé de l’expert, donnerait à lire la déviance. Cette représentation peut être rattachée à l’intérêt que ce siècle porte pour les marges, intérêt révélateur d’une volonté de constituer un savoir sur cette marginalité.
Du désir « à l’œuvre ». Marges et déviances sublimatoires : Sade, Meste, Brisseau
Authors: Cazenove Pavel
Published: July 2012

Le chemin embrumé qui mène du désir à l’œuvre, la psychanalyse lui a donné le nom de « sublimation ». Il s’agit d’observer la manière dont certains artistes œuvrent aux marges de ce concept, déplaçant la pulsion des corps représentés sur le corps de la représentation. Notre choix s’est porté sur trois champs artistiques – littérature (Sade), peinture (Meste), cinéma (Brisseau) – afin d’observer selon quelles modalités s’opère ce déplacement, de quelle manière spécifique le médium « incarne » l’objet qu’il n’était censé que signifier ou représenter, se faisant ainsi support – voire victime – des pulsions à l’œuvre.
La littérature comme maladie de l’esprit : l’apport roumain à la théorie comparatiste
Authors: Beaume Diana
Published: July 2012

Les recherches de l’école roumaine de littérature sont marquées par une lucidité paradoxale. Prolongeant une quête identitaire qui rejoint, dans sa complexité, les enjeux de la quête de légitimité scientifique, leurs approches polyvalentes transgressent les frontières des disciplines et instituent la contradiction comme loi interne de leurs démarches. Telle est la notion de littérature comme maladie de l’esprit, qui est, en fait, une maladie de la normalité.
Penser à la limite : pour une lecture critique de Jacques Rancière
Authors: Seurat Alexandre
Published: July 2012

L’article se propose, à partir d’une lecture de l’esthétique de Jacques Rancière, d’étudier la façon dont on peut exploiter celle-ci dans le champ de l’histoire littéraire. L’originalité de Rancière vient notamment de ce que, prenant acte des contradictions actuelles qui pèsent sur la notion de postmoderne et, du même coup, sur celle de moderne, il insiste sur la césure de la Révolution esthétique et propose une lecture discontinuiste de l’histoire des arts. Mais poser une discontinuité très forte au seuil de l’âge esthétique peut conduire à réintroduire du continu à d’autres niveaux. Il est donc nécessaire de voir en quoi Rancière, en confrontant la littérature à son existence historique, oblige l’interprétation historique à faire face à ses conditions littéraires d’existence : la constitution même de l’objet historique se voit ainsi problématisée. La pensée rancièrienne nous invite à nous placer à la limite, à privilégier le dissensus, la disjonction, sur la réduction consensuelle des problèmes, et du même coup à interroger toute notre approche critique.
Musique et processus de créolisation
Authors: Gaulier Armelle
Published: July 2012

Chaque année au Cap (Afrique du Sud), le nouvel an ouvre une période de festivités. Elles sont ponctuées par une parade dans le centre ville et des compétitions de chants faites par les populations dites « coloured ». Deux types de chorales participent : les Malay Choirs et les Klopse aussi appelés troupe de Coons. Elles ont différents répertoires de chants et des compétitions bien distinctes. Elles partagent cependant un chant appelé : afrikaans moppie. Chantés sur des paroles inédites en afrikaans, les moppies ont la particularité d’être construits par une succession d’emprunts mélodiques. Ils doivent grâce à leurs paroles satiriques et leur construction en pot-pourri susciter le rire, du public comme du jury, lors des compétitions. Composés chaque année pour les fêtes du nouvel an, les moppies témoignent d’une grande diversité tant sonore que textuelle. Cet article cherchera en quoi les chants moppies des coloureds du Cap sont un exemple particulier des processus de créolisation.Dans un premier temps, nous étudierons de plus près les emprunts mélodiques des moppies et observerons leurs enjeux. Ensuite nous analyserons les phénomènes d’appropriation et de création spécifiques du répertoire.
Musicaliser le quotidien : analyse et enjeux de mises en scène particulières
Authors: Rouzé Vincent
Published: July 2012

Des supermarchés aux aéroports en passant par les rues piétonnes, les musiques sont diffusées dans un nombre croissant de lieux publics. Nous proposons ici de revenir sur ce constat et de questionner ces mises en scène sonores particulières en dégageant les enjeux qu’elles impliquent quant à la place de la musique dans notre société.
Deux exemples de presse musicale jeune en France, de 1966 à 1969 : Salut Les Copains et Rock & Folk
Authors: Savev Marc
Published: July 2012

à l’heure où la mode hippie explose en France, en 1966, s’affrontent dans la presse musicale dédiée aux jeunes deux points de vue opposés. D’un côté, la légitimité historique de Salut Les Copains, journal créé en 1962 par deux anciens de l’émission d’Europe 1 « Pour ceux qui aiment le jazz », Daniel Filipacchi et Frank Ténot. De l’autre, Rock & Folk créé en 1966 par des jeunes journalistes autant engagés politiquement que musicalement, vers les nouveautés anglo-saxonnes.Le premier s’évertue à encadrer les revendications, et les explosions artistiques d’une classe d’âge qui est maintenant totalement soumise à un marketing créé pour elle. Salut Les Copains ne cherche que le côté fédérateur d’une musique rock qui commence à devenir encombrante par son refus d’être un pur divertissement. Le second est un journal créé par des jeunes, un espace enfin ouvert de communication entre membres d’une même tranche d’âge, qui ont les mêmes références culturelles et les mêmes besoins de sortir des carcans imposés par les adultes.
Warm Bitch: The Practice of Bootlegging as a Clash of Club Sound Cultures
Authors: Richard Birgit
Published: July 2012

This text deals with a phenomenon called Bastard Pop, Mash-up or Bootlegging as a subversive political and collective practice. Although sampling techniques (e.g. in R’n’B or House Music) have enabled the mixing of different styles of music for the dancefloor this has never been done in such a radical way before. Copyright protected samples of Whitney Houston and Kraftwerk are entangled on a vinyl record (e.g. GIRLS ON TOP’s “I Wanna Dance with Numbers”), and this most famous bastard pop anthem is played in clubs to dance to. The source of this new sound is the internet, where it is digitally produced by anonymous projects. Some of the tracks are then mastered onto vinyl and often released as White Labels. Through their emphasis on projects rather than protagonists, the producers return to the paradigm of the electronic underground: “tracks without stars”. But at the same time there is also a difference from the original house music concept that referred to pop artists such as Warhol as “making music like a machine” (eg Juan Atkins’ Cybotron). The goal of the house music projects was to initiate “the meeting of people and wavelength” as DJ and producer Blake Baxter once put it.
“… computer music is cool!” Theoretical Implications of Ambivalences in Contemporary Trends in Music Reception
Authors: Neumann-Braun Klaus
Published: July 2012

Technical innovations in the last years have decisively changed the ways in which we consume music. The use of the internet has led to an heretofore unknown expansion in the access to different kinds of music. Napster is the slogan which popularized the idea of searching the computer files of millions of computer users through a central server and of downloading a host of music titles in fairly good quality. Other “peer-to-peer”– systems (i.g. imesh) followed. This practice has led to an economic battle in which it is not always clear which side the combatants are on. Net pirates see themselves as a kind of computer vanguard and create a myth of digital heroism for themselves. In the center of this new mythology they place the pioneer, a cultural archetype with deep roots in the mythic history of the American continent and pop culture. This computer pioneer is a fighter for freedom in the name of a just cause. But the once wide gap between pioneers and the mass of average computer users has narrowed over the years. The easy accessibility of music has become part of a popular life-style as people tend to spend more time with the computer in chatrooms and other virtual digital worlds. Playful forms of consumerism are becoming more interesting in this context. It may be argued that Jeremy Rifkin’s “age of access” has already begun, the age in which the access to the thing, but not the thing itself is it. In the context of music consumption new processes of a fetishization of technology are taking place. Computer music is cool because of computer streaming techniques – a stance which obviously raises the question whether music is listened to at all. These trends will be discussed in their implications for a further development of music reception theory.
Phantom of the Paradise de Brian De Palma, ou comment la captation sauve de la mort
Authors: Ribac François
Published: July 2012

J’ai récemment lu sur un site web consacré à Brian De Palma, qu’il avait eu l’idée du film après qu’il ait entendu une version instrumentale d’une chanson des Beatles dans un ascenseur, ce que l’on appelait dans les années soixante-dix la muzak, une musique d’ambiance réalisée pour les lieux publics à base de tubes réarrangés.Mais Brian de Palma n’a pas seulement réalisé un film sur les relations du rock et du show-bizz et une parodie féroce des producteurs. Le film est également une réflexion très aboutie sur la façon dont les supports d’enregistrements (qu’il s’agisse de la pellicule ou du disque) ont profondément modifié les rapports entre les auteurs (au sens large), les éditeurs, les interprètes et le public. De Palma nous livre sa version du mythe faustien, après les inventions des Frères Lumière et de Thomas Edison.Remake rock d’un film muet intitulé le Fantôme de l’Opéra, lui-même adaptation du roman éponyme de Gaston Leroux, Phantom of the Paradise se déroule dans l’univers du glam-rock et du milieu des années soixante-dix.
“Taste the whip”. À propos d’Exploding Plastic Inevitable (avec la musique du Velvet Underground)
Authors: Neyrat Cyril
Published: July 2012

À bien y réfléchir, l’objet de la sociologie de l’art et de celui de l’esthétique sont identiques. Dans les deux cas, il s’agit de comprendre quelle est la nature des expériences que nous vivons lorsque nous produisons ou recevons une œuvre. À partir de la captation par Nameth d’une performance d’Andy Warhol, incluant le Velvet Underground, Jean Marc Leveratto et Cyril Neyrat s’interrogent, chacuns à leur manière, sur ce que nous voyons et entendons lors de la projection d’un film et/ou d’un concert rock.
The career of Léo Ferré: a Bourdieusian analysis
Authors: Hawkins Peter
Published: July 2012

This article attempts a retrospective of the prolific, forty-seven year career of Léo Ferré, French anarchist singer-songwriter, poet and composer, some ten years after his death in 1993. The approach used, inspired by the cultural sociology of Pierre Bourdieu, applies the notions of the field of cultural production, symbolic capital and symbolic violence to analyse Ferré’s artistic production, identified as intervening in three main fields: popular chanson, classical music and poetry. Five principal stages in his career are identified as those of bohemian poverty, cult status as a cabaret singer, established stardom, post-1968 experimentation and the return to classical composition after 1973. This approach leaves out of account, however, Ferré’s widely-publicized political views, which are reviewed separately: his anarchism was a personal creed, not a programme of political action, and his views were in practice broadly left-wing and sympathetic to the French Communist Party. The article concludes that the Bourdieusian methodology shows some limitations as it leaves out of account the political dimension of his work and tends to obscure the posthumous influence of Ferré and the significance of his attempts to fuse the three separate fields identified earlier.
Putain d’camion: Commercialism and the Chanson Genre in the Work of Renaud
Authors: Harrison Kim
Published: July 2012

The singer-songwriter Renaud, whose work stretches from the mid-1970s to 2003, shows a constant awareness of the genre in which he is working and its place in popular cultural history. This article will concentrate on Renaud’s struggle to come to terms with his own place and status as a chanson artist, and with the place of the chanson artist generally in a commercialised and globalised music industry.Through an examination of his songs and interviews, it will briefly outline Renaud’s relationship with the music industry, exploring how his almost arrogant defiance of the industry, and the mass media generally, changes over his career as he has to come to terms with commercial success. It will explore Renaud’s reasons for the ongoing struggle with the industry and hypothesize that his distaste for commercialism is concomitant with his projection of himself as a chanson artist, which is equated as the binary other of the ‘pop’ or variétés singer. The second part of the article will focus on some of the ways in which Renaud distinguishes himself from more commercial pop singers and draws attention to himself as an auteur.It will argue that although Renaud’s own personal battles with the mass media have perhaps not been as victorious as he may have hoped, the fact that he has inspired a whole new generation of singer-songwriters working in the chanson tradition and looking to ways of mediating the genre’s roots and traditions with today’s more commercial industry, is a testament to Renaud’s own place and importance in chanson history, and reason to view his work as a valid area of academic investigation.
Aux armes et caetera! re-covering nation for cultural critique
Authors: Hill Jr. Edwin C.
Published: July 2012

Gainsbourg’s 1979 release Aux armes et cætera, an album entirely recorded in Kingston with legendary reggae musicians, takes French song where it had never geographically or musically gone before. In retrospect, we might be tempted to dismiss this cover of the French national anthem; after all, Gainsbourg had already borrowed other musical genres like jazz and disco. Yet, while Gainsbourg’s previous work had earned him recognition as a major innovator of French song somewhat because of his playful and provocative eccentricities, this song was met with a scathing, overtly anti-Semitic and nationalist backlash. Gainsbourg’s play with genres (national anthem, French song, and reggae) touched on sour spots of French identity. years later, Big Red recovers Gainsbourg’s cover of the national anthem on his release Big Redemption. While Gainsbourg only minimally alters the words of ‘La Marseillaise,’ letting the genre itself perform the critique, Big Red’s release remilitarizes and desexualizes the cover while inverting and re-inscribing the roles of revolutionary and oppressor in the contemporary dynamics of popular culture and postcoloniality. His recovery of the national anthem becomes a performance of the ‘empire singing back.’
Exposer des objets sonores : le cas des chansons de Brassens
Authors: Dalbavie Juliette
Published: July 2012

L’exposition, parce qu’elle vient des arts plastiques et visuels, n’est pas, a priori, le média le plus apte à commémorer les chansons qui ont marqué notre mémoire. En effet, la chanson n’est pas un objet à trois dimensions, mais un objet sonore s’inscrivant dans la durée. Or l’existence de plusieurs musées consacrés à la chanson (musée des Beatles à Liverpool, musées consacrés à Elvis aux Etats-Unis) remet en cause ce présupposé. L’analyse sémiotique de l’exposition proposée par l’Espace Georges Brassens, situé à Sète, et consacrée entièrement au chanteur (à sa vie et à son œuvre), nous permet d’une part, de comprendre comment les concepteurs d’une exposition consacrée à la chanson arrivent à résoudre cette contradiction de départ et d’autre part, nous amène à réfléchir sur le statut que confère l’exposition aux « chansons exposées ». La mise en place d’artefacts permet de donner à voir la chanson aux visiteurs. Le recours à l’oralité via l’utilisation d’un casque audio distribué aux visiteurs, préserve un peu la nature de l’objet exposé. La spécificité de cette exposition, par rapport aux musées de la musique notamment, tient à sa capacité à rappeler et à montrer l’importance des médiateurs humains, médiateurs sans lesquels la musique n’existerait pas. Cette muséographie singulière qui met en correspondance objets visuels et extraits sonores propose, de fait, une nouvelle écoute des chansons de Brassens. Par ailleurs, le geste de mise en exposition confère un nouveau statut aux « chansons exposées ». En entrant au musée, elles acquièrent un statut esthétique. Le musée parce qu’il est un dispositif légitimant, contribue à la mise en patrimoine de la chanson.
L’orchestre au XXIe siècle
Authors: APO
Published: July 2012

Un orchestre est, depuis la Renaissance, un ensemble d’instrumentistes réunis sous la direction d’un chef d’orchestre pour produire de la musique. L’ensemble orchestral fonctionne comme un instrument géant manipulé par le chef d’orchestre pour réaliser une pièce écrite par un compositeur. L’orchestre est donc un espace collectif qui hiérarchise les rapports entre individus, leur donnant une place et une fonction déterminée dans le processus de production collectif. Depuis le milieu du XXe siècle, une série de musiciens et de compositeurs expérimentateurs ont proposé de nouvelles formes orchestrales par l’introduction d’instrumentations et d’écritures reconfigurant les rapports entre les instrumentistes, le chef d’orchestre et le compositeur, allant parfois jusqu’à remettre en question la place et la fonction des éléments de cette chaîne de production.Que deviennent ces expérimentations en ce début de XXIe siècle ? Ces expérimentations interviennent en un temps historique de remise en question des formes d’organisation sociales et politiques qui structurent notre société. Dans quelles mesures est-ce que ces expérimentations orchestrales interrogent ces formes d’organisations collectives ? Est-ce que l’orchestre, si orchestre il y a encore, à travers les multiples formes qu’il prend en ce début de XXIe siècle, peut nous aider à repenser les notions de collectif et de collectivité ?
Processus de création dans l’improvisation
Authors: Saladin Matthieu
Published: July 2012

L’improvisation, telle qu’elle apparaît dans sa forme la plus libre, de par sa relation particulière au temps, induit une reconsidération du processus de création. Une autre analyse semble nécessaire, différente, dans sa conception, de celle retenue généralement en Art. L’autonomie inhérente à l’objet produit, est-elle, en effet, intelligible de la même manière que dans une création dite immuable ? C’est ce à quoi nous tenterons de répondre à travers l’analyse des quatre éléments suivants : la relation préparation/performance, le matériel témoin, la relation au public et l’improvisation collective. Il s’agit dans chaque cas de saisir ce que représente le support d’un improvisateur, afin de bien comprendre que le processus de création n’est pas à dissocier de son résultat. Une telle démarche amène alors l’improvisateur forcené à concevoir sa pratique comme celle qui résulterait d’un art éthique.
Histoires de musiques, catégorisations musicales et commerce biographique
Authors: Jaujou Nicolas
Published: July 2012

Cet article questionne les usages de catégories musicales et leur rôle problématique dans nos façons de vivre et de parler ensemble la musique. L’enquête servant ce questionnement est réalisée auprès d’interlocuteurs familiers, de générations différentes : les amis de l’auteur et leur famille. L’analyse repose sur des extraits de conversations enregistrés. En transcrivant et en analysant plusieurs séquences, l’auteur s’intéresse à la possibilité de « parler ensemble » nos relations à la musique. Ce collage impressionniste et analytique a pour trame un scepticisme relatif à notre cohabitation biographique, un scepticisme d’ailleurs inhérent à nos conversation : comment parvenons-nous à parler ensemble nos relations à la musique ? En s’intéressant aux usages des catégories musicales, en soulignant leur inscription historique et existentielle, l’auteur étudie leur implication dans la composition d’un monde musical partagé.
Le festival de rock : entre passion et désenchantement…
Authors: Valero Vanessa
Published: July 2012

L’organisation d’un festival de musiques rock est passé d’un mode de fonctionnement plutôt amateur à un système beaucoup plus professionnel. Cette évolution se remarque notamment par l’arrivée de l’économie dans la sphère culturelle. Ce passage à « l’économie du spectaculaire » soulève un certain nombre d’interrogations, voire d’inquiétudes quant à un possible désenchantement, loin de la passion originelle. C’est à cette question que nous nous intéressons, à travers un exemple particulier, celui du festival La Route du Rock, organisé par l’association Rock Tympans. Le passage à l’économie du spectaculaire pose tout d’abord la question des subventions publiques qui recèlent des ambiguïtés, comme une relativisation de l’indépendance des diverses associations et organismes culturels. Ces aides publiques devenant insuffisantes face aux nouveaux besoins, il a fallu se tourner vers le secteur privé et la confrontation au marché devient inévitable. L’enjeu est de trouver une sorte d’équilibre entre les deux pôles symboliques que représentent la passion et le désenchantement ; équilibre que le festival La Route du Rock approche, en restant intègre et fidèle au projet initial, tout en se professionnalisant et en fonctionnant selon les nouvelles données économiques.
From Annie Laurie to Lady Madonna: A Century of Cover Songs in Japan
Authors: McGoldrick Gerry
Published: July 2012

The foreign language cover record in Japan seems to have started (as a popular phenomenon) with Futamura Teiichi’s version of “My Blue Heaven” in 1928. Stretching the definition, Western songs with new lyrics were certainly being sung in the cutting edge theaters of Tokyo by the late teens, and Western folk and popular melodies were used as early as the 1880s in Japanese primary school textbooks. By the early 1970s, however, the cover record ceased to exist as a significant commercial form, having been replaced by indigenously created, western-style popular music. In this article I briefly survey the era of the cover version in Japan – a period of slightly less than a century, all told – but focus specifically on cover records of the pre-war and post-war eras. In current popular music research, lyrics somewhat justifiably receive limited attention, however in the case of cover versions, I believe we can profit from examining the ways in which approaches to lyric translation change over time. In the present study I focus on these approaches to lyric translation. From the field of translation studies I borrow the concepts of domesticating and foreignizing translations (the former renders the text in familiar terms for the target audience, the latter emphasizes fidelity to the original language) to contrast ways that Western culture is represented and received in pre-war and post-war Japan. I connect the dramatic post-war cultural shift in Japan with the differences in cover records of the two periods, and suggest some possible reasons for the genre’s ultimate demise as a widely popular form.
Gothic Covers: Music, Subculture and Ideology
Authors: Mueller Charles
Published: July 2012

In British popular music there is often an ideological component to the way that an artist covers a song that was originally recorded by someone else. Nowhere is this more apparent than in songs that were covered by bands associated with English subcultures. Musical groups popular with the goth movement were particularly adept at remaking songs to reflect their sensibilities and express their concerns.This study begins by presenting an overview of the British goth movement and its music explaining why the subculture embraced Gothicism during the 1980s and how they used it to articulate their fears and voice their discontent. The article then examines how songs covered by goth artists provide insight into this often misunderstood subculture and musical genre. An analysis of several musical examples illustrates how goth groups used the music of others to breathe new life into punk and glam rock, celebrate British national identity, and assault rock’s misogyny and musical conventions. Goth covers of songs by The Beatles, T-Rex, The Rolling Stones, and Brian Eno will be explored, as well as Through the Looking Glass, a collection of covers by Siouxsie and the Banshees.