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La imagen "aperreá". Un cuestionamiento de Internet como esfera pública a través de las prácticas artísticas de María Cañas y flo6x8
Authors: Campos Pérez Irene
Published: July 2024

La artista y ensayista Hito Steyerl describe la imagen pobre como una imagen de ínfima calidad capaz de navegar por la red a un ritmo vertiginoso. Se trata de una imagen bastarda, barata, fácilmente manipulable y continuamente resignificada. Su naturaleza paradójica refleja las contradicciones que atraviesan la sociedad contemporánea: lo mismo alumbra actos de resistencia anónimos y masivos, que acicatea los ritmos disfuncionales del capitalismo tardío y una alienante egolatría. La noción de imagen pobre permite entender la riqueza de la inquisitiva obra de María Cañas, que se reapropia del “detritus audiovisual” acumulado en Internet para pergeñar videocraciones como Sé villana. La Sevilla del diablo (2013), un retrato cáustico y estrafalario de las estrategias de supervivencia del lumpen hispalense. Aquí, Cañas incluye un fragmento de Rumba rave “banquero” (2010), una acción del colectivo de agitación flamenca flo6x8. Durante la crisis económica, este grupo de bailaoras y cantaores irrumpía en sucursales bancarias para disputar esos espacios al sistema a través de la ironía y la fiesta. La viralización en redes de los vídeos que sus integrantes grababan apresuradamente resulta fundamental para la activación de un pensamiento colectivo en rebeldía, principal objetivo del colectivo. Si bien tanto Cañas como flo6x8 hacen un uso táctico de la imagen pobre, sus problemas con la censura en YouTube ilustran los antedichos conflictos que recorren la red entendida como una dimensión más de la esfera pública. Actuar política y artísticamente en Internet supone renegociar eso que Jacques Rancière denominó el reparto de lo sensible; la desigual distribución de visibilidad y legitimidad que los grupos subalternos asumen como natural e inevitable. A través del enfrentamiento a la sobreabundancia audiovisual y a la imposición de un imaginario proletario gris y desactivador, estos/as artistas redefinen los límites de lo posible desde la beligerancia de su humor.
Crisis climática y nuevos biomateriales
Authors: Carbó del Moral Ignacio
Published: July 2024

Vivimos en tiempos inciertos, inmersos en un cambio de paradigma que nos llena de dudas y preguntas pero que resulta tremendamente estimulante. Tenemos que repensar nuestro lugar en el mundo y nuestra relación con el entorno de un modo ya inaplazable. El ser humano ya no puede entenderse más a sí mismo como parte ajena al resto de seres vivos que conforman y moldean su hábitat. En esta tarea, el arte, sin duda, ocupará una posición determinante para concebir y construir esa nueva relación con el medio. Para renovar nuestra mirada a la naturaleza, resulta hoy en día muy pertinente prestar una especial importancia al proceso en lugar de a la forma resultante. Pues, en efecto, los organismos vivos, llevan millones de años generando y construyendo sus propios hábitats a través de procesos matemáticos de carácter orgánico de los que ahora comenzamos a desentrañar su siempre esquiva complejidad y que están en el origen de la belleza y la sorpresa que estos organismos nos producen. En un mundo en plena crisis climática, el ser humano ha acelerado la investigación de las posibilidades que nos ofrece la utilización de nuevos materiales que nos permitan superar un modelo de crecimiento basado en combustibles fósiles. Un modelo que está poniendo en jaque nuestra propia supervivencia. En este proceso de cambio de paradigma en el que estamos envueltos, una mirada atenta a los materiales que la naturaleza nos ofrece resulta un campo fértil que abre múltiples posibilidades y la producción artística no puede ni debe ser ajena. Así, mi trabajo artístico es fruto la de investigación y la producción en el estudio de nuevos biomateriales con una doble intención:  por un lado, lograr la sostenibilidad de la obra en sí misma en cuanto a su propia generación y materialidad y por otro la apertura de nuevos caminos. Mis últimas esculturas están concebidas y ejecutadas con membranas compuestas de celulosa bacteriana, fibras de coco o esparto; son estructuras de médula de junco trabajadas con agua y calor y recubiertas de pieles generadas con bioplásticos de almidón de diferentes féculas; son obras que tienen incrustaciones de colofonia, resina de pino o que están “manchadas” por cera de abeja que calentada y trabajada resulta tremendamente sugerente; obras que han convertido el taller en un espacio de alquimia poblado de extrañas formas y geometrías. Nuevos biomateriales para una creación artística inserta en la actual crisis climática.
La imagen corpórea alterada, un problema de salud mental en las redes sociales inducida por estas plataformas
Authors: Leiva del Valle Alfia
Published: July 2024

En tiempos acelerados, las comunicaciones masivas y la tecnología se han unido con el fin de controlar a través de algoritmos diversos aspectos de nuestra vida. Se viene advirtiendo hace más de 20 años, por sociólogos, trabajadores  de redes sociales y filósofos ( Bauman, Chul Han, Lipovetzky,  Shoshana Zuboff etc) las consecuencias dañinas que tienen las redes sociales en la salud general de los jóvenes.   En estos dos últimos años las alarmas suenan más fuerte, titulares como “La ciudad de Nueva york demanda a varias redes sociales por “alimentar la crisis de Salud Mental Juvenil” New York Times, “Instagram, la peor red para la salud mental de los adolecentes” El País o “No podemos normalizar el tener a niños de 19 años trabajando como influencers, el fenómeno Sephora” El País,  por analizar algunos casos en los que se altera la estética corpórea, y la mente, hay cientos de denuncias la última “ Tienen sangre en sus manos” : los senadores de EE UU advierten”. Se refieren a Meta de Zuckerberg, denunciado en el libro “El poder de uno” de Frances Haugen. Involucrando a Facebook, Meta, Instagram etc.   La plataforma X ( Telegram) donde imágenes “deepfake” se ven millones de veces sin consecuencia legal, noticias  como “ Las imágenes en internet son aún más machistas que los textos. El sesgo de género en la red es notable en plataformas como Google, Wikipedia o IMDB, son más frecuentes.   Se analiza este problema y como programas de manipulación de imágenes están “inocentemente” involucradas en este problema enorme de salud mental, proponiendo  las anti imágenes y alertando a los jóvenes de no caer en las trampas de la tecnología, sin dejar de utilizar estar estas herramientas
Hacia una educación artística y estética de la vida cotidiana en la enseñanza secundaria
Authors: Reina García Francisco Matías
Published: July 2024

Partiendo de una pedagogía de lo bello que conecta con la esencia de la educación humana, se pretende estudiar las posibilidades de sensibilizar al educando para que sea consciente de la riqueza que conlleva las diversas acciones y experiencias que configuran su día a día. El foco de atención estaría entre lo personal y lo social, en esa interrelación que conecta lo cultural con las cualidades intrínsecas y auténticas del ser. El estudio no sólo se centra en un análisis sensible desde la observación y/o contemplación, sino que persigue examinar el enriquecimiento que se adquiere desde la creación artística como canalizadora del aprendizaje estético. De esta forma, el discente adquiere el rol de observador y creador a partir de un planteamiento de análisis y síntesis sobre el objeto de estudio. La investigación tiene como objetivo desarrollar diversos apartados en conexión con el ámbito de la estética desde un enfoque que combina la comprensión y asimilación de conceptos con la práctica procedimental sobre experiencias en la creación artística y en situaciones cotidianas. Estos apartados podrían ser: los cánones de belleza en la historia del arte, los valores estéticos, el atractivo de la moda, la decoración de la vivienda, el impacto de la naturaleza, la belleza como arma de seducción en publicidad, el consumo y lo bello, la vivencia en los espacios arquitectónicos, etc. Considerando el principio de que el gusto se puede educar y refinar, se persigue formar al estudiante de secundaria en el lenguaje visual, artístico y estético para propiciar una formación educativa más rica en valores fundamentales y en el desarrollo de la sensibilidad.
Reflexiones en torno a la menstruación: Ixiptla como encarnación de lo sagrado. La Tlahuelpuchi a través del video-performance.
Authors: Castillo Valderrama Almendra Sheira
Published: July 2024

El concepto nahua de ixiptla fue mal entendido durante muchos años. Los frailes colonizadores ajenos al contexto en el que se hallaban, y en su afán de adoctrinar e imponer sus creencias, intentaron encontrar semejanzas y equivalencias entre los conceptos de ambas culturas. Han sido diversas y diversos investigadores quienes han hurgado e intentando ahondar en este concepto, que por mucho tiempo se entendió como símil de imagen (como representación). Encontrando que más que una representación, fungía como la presentación, la encarnación misma de ciertas fuerzas que se creían presentes y que formaban parte del cosmos. De esta manera, el acto de esculpir, pintar, grabar, “performar”, iba más allá de la acción en sí misma, pues se creía las “imágenes” tenían una vitalidad propia, estando animadas de una fuerza inherente. La cual se acentuaba con la acción misma del “hacer”, la preparación previa y los materiales que se empleaban para su elaboración. En la actualidad, existen algunas artistas que han retomado el concepto desde su quehacer artístico, el cual abordaré brevemente en el presente texto. De igual forma comentaré a grandes rasgos la manera en que me acerco al concepto desde mi proceso creativo, y por qué la importancia de usar sangre menstrual como materia principal para generar, presentar y encarnar desde el video-performance al personaje de la Tlahuelpuchi.
La maestría técnica y poética de Aurelino dos Santos: análisis de obras entre los años 1960 y 1990
Authors: Gonçalves da Silva Sanjuán Bruna
Published: July 2024

El trabajo tiene como objetivo analizar las obras de Aurelino dos Santos, buscando identificar su poética y técnica más allá de los estigmas sociales. Aurelino es un artista nacido en 1942 en Salvador de Bahía, Brasil, en una familia humilde, y es conocido por sus obras y su condición mental atípica. A partir de la observación del interés histórico de las disciplinas por el inconsciente y sus posibilidades de exploración, el artículo destaca cómo la producción de Aurelino no está estrictamente vinculada a este campo, o sea, no es un trabajo apenas fruto de la locura. El interés de modernistas por obras de pacientes psiquiátricos a principios del siglo XX permitió que la sociedad aceptase sus trabajos como arte y de este modo sus creaciones fueran aceptadas en museos y colecciones, creando nuevas clasificaciones artísticas. Además, dichos trabajos, lograran un nuevo campo de exploración a psiquiatría. En contrapartida, por el nuevo interés por el inconsciente, muchos artistas fueran reducidos a su locura, sin el análisis completo de sus obras. Aurelino dos Santos es uno de estos artistas, cuyos trabajos se reconocen principalmente por su condición mental. El análisis de su historia y obra demuestra la maestría técnica y poética del creador, quién, a pesar de su atípica condición psíquica, logró posicionarse como artista visual en el mercado del arte brasileño. El artículo demostrará por imágenes, estudios e entrevistas, que hay aspectos sociales, laborales y personales que lo hacen un artista que no puede ser clasificado como “del inconsciente” o “loco”.
Identidades colectivas en la práctica artística contemporánea
Authors: Causadias Domingo Isabel
Published: July 2024

El arte contemporáneo es un paisaje dinámico en el que las identidades colectivas se entrecruzan, evolucionan y desafían los límites convencionales. Esta investigación explora las manifestaciones de las identidades colectivas en la práctica artística contemporánea, analizando diversas obras de arte y estrategias artísticas. Utilizando métodos cualitativos, incluidos estudios de casos y entrevistas con artistas, el estudio examina cómo los artistas contemporáneos navegan por cuestiones de identidad cultural, social y política dentro de su práctica artística. Al ahondar en los temas de la representación, la inclusión y la diversidad, esta investigación arroja luz sobre las complejidades de las identidades colectivas en el arte contemporáneo, ofreciendo perspectivas sobre el papel del arte en la configuración de las narrativas culturales y el fomento del diálogo. En última instancia, este estudio contribuye a una comprensión más profunda de la naturaleza polifacética de las identidades colectivas en el contexto de la práctica artística contemporánea, destacando la importancia de abrazar la diversidad y la complejidad en la expresión artística.
Reseguir el camino: la documentación como recurso para un aprendizaje reflexivo en la formación artística
Authors: Blasco Soplon Laia , Tesconi Susanna , Sánchez de Serdio Martín Aida
Published: July 2024

La documentación es fundamental en prácticas artísticas como las performativas, las efímeras o las relacionales, en las que puede llegar a ser la misma obra o terminar por sustituirla. También es un aspecto abordado ampliamente desde la pedagogía como forma de representación, reflexión y difusión de los procesos de aprendizaje. En el marco del Grado de Artes de la UOC, una titulación que se imparte online desde sus inicios en 2017, surge una inquietud por fomentar entre el alumnado el hábito de documentar sus procesos de trabajo a través de una variedad de formatos. Además de ser imprescindible para el desarrollo de prácticas artísticas procesuales, la documentación es indispensable en un entorno de enseñanza online para compartir el trabajo realizado por los estudiantes y hacer un mejor seguimiento y evaluación de sus procesos de aprendizaje. La experiencia que hemos adquirido a lo largo de estos años en este contexto de enseñanza tan particular, puede ser de utilidad para los procesos de enseñanza-aprendizaje artísticos, en contextos tanto híbridos como presenciales y de distintos niveles educativos. Documentar es una habilidad que puede contribuir a la difusión de proyectos artísticos de muy distintas naturalezas, ser un método de trabajo en sí mismo, o llegar a ser la propia formalización de la obra. Pero documentar es también una forma de construir un relato de los propios procesos, de tomar consciencia de la construcción de los relatos ajenos, de tomarse un tiempo para parar y pensar. Frente a las tendencias que defienden un mayor control ante una realidad repleta de incertidumbres y desafíos tecnológicos, desde las enseñanzas artísticas podemos explorar formas de habitarla acompañando y no reduciendo la complejidad de los procesos, mediante una reflexividad crítica que mira los caminos futuros resiguiendo los caminos andados.
Un viaje transmedia por el vertedero. Aproximaciones desde la práctica artística
Authors: Maldonado Nuria Luque
Published: July 2024

Esta ponencia pretende realizar un análisis retrospectivo de la narración transmedia interdisciplinar La desaparición de las Especies (2021 a 2023), abarcando un cómic de 108 páginas, una instalación artística, un catálogo y diferentes piezas escultóricas que amplían y matizan las lecturas posibles del proyecto.La desaparición de las especies narra el viaje de Espinete, protagonista de la versión española de Barrio Sésamo de los años 80, perdido tras la demolición de los almacenes de Estudio de Color de RTVE derribados por contaminación de amianto. La búsqueda del icono televisivo propiciará una deriva por Google Maps, recorriendo toda la ruina cultural y digital sedimentada en las esquinas de internet y las galerías de los móviles. Las diferentes concepciones de la narración se cohesionan a través de, precisamente, la interdisciplinariedad de las técnicas y materiales empleados, que reflexionan sobre el cómic como formato y género, así como el uso de estrategias narrativo-discursivas como la fragmentación y elipsis. Se emplea el concepto de enagrama cultura de Aby Warburg para recontextualizar las imágenes y así crear distintas capas de significación. Analizamos cómo esta multiplicidad de formatos atienden a diferentes aspectos de la narración para poder abarcarla en su complejidad. Al mismo tiempo, atendemos a cómo se construyen de manera conjunta discursos que exploran la memoria y la condición de la imagen perteneciente a los medios de comunicación de masas.
No se toca. La difícil formalización del (con)tacto en el arte
Authors: Eizaguirre Granados José Manuel
Published: July 2024

Entre los ya tradicionales carteles de «No tocar», las cintas en el suelo, o el guarda de sala, ojo avizor ante cualquier imprudente, casi toda visita a alguna exposición presenta una articulación en negativo del (con)tacto. Rara vez se le deja operar como un elemento artístico, sea como una posibilidad real ante la obra o parte de una elaboración discursiva y, a veces, incluso obras inicialmente pensadas para ser tocadas acaban tras vitrinas.Históricamente marcado por la dificultad para definirlo, una reducción conceptual al contacto, y una falaz contraposición con la vista, el concepto de tacto es, en realidad, mucho más rico tanto en amplitud como en indeterminación. Como sentido, incluye no solo la presión, sino también el calor, dolor, hambre, picor, e incluso, según a quien se pregunte, la propiocepción o el equilibrio. Como intercesor clave en nuestra interacción con nuestro entorno, el tacto posee una gran fuerza simbólica y metafórica, de todavía limitado despliegue en el arte.En esta presentación buscamos ofrecer algunas reflexiones sobre las dificultades que rodean, en el arte, tanto a la articulación discursiva de la riqueza conceptual del tacto como al empleo del contacto como medio de interacción, entre personas o con una obra física. En pocas palabras, por un lado, el tacto posee una extensa ambigüedad innata que dificulta su conceptualización y transmisión, tanto como concepto puro como en un contexto social o político. Por otro, el contacto inevitablemente abre unas contingencias incompatibles con la sacralidad que normalmente le concedemos a ciertos objetos o personas, sea por justificar la distinción entre arte y artesanía, proteger el estatus de la obra como mercancía o patrimonio, o la integridad y autonomía corporales. Estas cuestiones marcan los límites éticos, prácticos y legales del (con)tacto en el arte, pero en detrimento de su desarrollo conceptual.
Espacios recursivos en la imagen: del Mise en Abyme al Efecto Droste
Authors: Sánchez Dabaliña Jorge
Published: July 2024

La recursividad es un concepto de creciente importancia, que podría consolidarse como una pieza clave al momento de desarrollar ontologías que buscan reconciliar la dualidad tecnología-naturaleza. Yuk Hui (2022) propone crear un modelo basado en la recursividad para integrar este “pensamiento tecnológico” con la naturaleza y el organicismo. Las estructuras recursivas, o los “Bucles Extraños”, también son un elemento central en la obra de Hofstadter (2007), donde explora la complejidad emergente de estas estructuras formales. La expresión “Mise en Abyme”, que significa literalmente “Puesta en abismo”, toma prestado el término “abismo” de la heráldica, referente al área central del escudo. Este concepto se emplea para describir una técnica formal en la que una imagen encapsula una versión miniaturizada de sí misma dentro de la propia imagen, formando una secuencia recursiva donde este motivo podría repetirse indefinidamente. Además, se ha utilizado para referirse a ciertas estructuras narrativas en literatura y cine, donde la historia incrusta una versión reducida de sí misma como efecto autorreferencial. Por otro lado, el “Efecto Droste” se refiere a una tipología específica de mise en abyme, donde el elemento repetido se sitúa en un lugar que solo podría encontrarse de manera realista. El ejemplo principal es el diseño del paquete de Cacao Droste, donde se observa como una enfermera sostiene una versión reducida del propio paquete, que a su vez contiene la misma representación de la enfermera. En esta investigación, nos enfocamos en los aspectos más formales de estas estructuras recursivas en el ámbito de la imagen. Analizaremos dichas manifestaciones en ámbitos tan diversos como el arte medieval, el diseño gráfico y el cine, con el objetivo de determinar si perpetúan los principios sugeridos por estos autores en relación con la recursividad.
AF30. Una aproximación al archivo del festival Art Futura desde la arqueología de los medios y la realidad virtual
Authors: De la torre oliver Francisco
Published: July 2024

Nuestro trabajo se enmarca en la interpretación del archivo desde las prácticas artísticas. El objetivo que abordamos es una lectura del archivo del Festival Art Futura con motivo de la celebración de su 30 aniversario. A partir del análisis de las obras seleccionadas, concluimos en reflexionar sobre la evolución de los soportes de almacenamiento digital a lo largo de este periodo y, por otra parte, proponer  modelos expositivos basados en la especificidad del medio digital. De este modo, planteamos dos líneas de trabajo, la restauración y contextualización de obras del archivo que se han visto afectadas por la obsolescencia del medio recurriendo a metodologías procedentes de la arqueología de los medios. Y, en paralelo, una visión hacia el futuro mediante el desarrollo e implementación de una aplicación VR realidad virtual donde se visualizan las obras del archivo del festival.Como resultado de este proyecto, presentamos la recuperación de la pintura digital que el artista Moebius realizó en los años ochenta, reivindicando su papel como pionero del medio. Y, por otra lado, la producción de un museo virtual realizado por la Universitat Politècnica de València en colaboración con Art Futura.Nuestra aportación se suma a las lecturas que, desde la década de los años sesenta del siglo XX, desde las prácticas artísticas se desarrollan en torno al estudio y reflexión del archivo como concepto, memoria y patrimonio, contribuyendo al cambio de paradigma en este campo de investigación.
Piedras: Sobre una geología del territorio
Authors: Quesada Alonso Regina
Published: July 2024

Regina Quesada actualmente desarrolla un proyecto de creación e investigación artística en la Casa de Velázquez de Madrid. El proyecto que presento para ANIAV 2024 es parte del resultado de dicho proceso.En 1936, al estallar la batalla de Madrid, la Casa de Velázquez se encontró en primera línea de frente. Los impactos de metralla sobre la piedra del patio, como una herida permanente, aún se conservan en la actualidad. Capturando y analizando desde la abstracción los agujeros o buchi-siguiendo la definición de Lucio Fontana en sus creaciones espaciales- se genera una metáfora del tiempo a través de un registro fotográfico que, a su vez, dará paso al dibujo contemporáneo.Al poner en diálogo la piedra sobre enclaves declarados Patrimonio histórico y artístico, la artista se lanza en busca de este universo en suspensión que lo unifica todo y donde el tiempo no tiene fin.
Arte y Espiritualidad: Performance y Cuerpo Colectivo
Authors: Portela Antonio Carlos de A.
Published: July 2024

Aborda cuestiones relacionadas con la construcción del proceso creativo de propuestas artísticas, establecidas a través del acto reflexivo de la impresión. Es decir, a partir de experiencias desarrolladas en laboratorios y presentaciones públicas, las reflexiones giran en torno a la relación arte-espiritualidad y sus posibles conflictos y convergencias. En un momento en el que el mundo atraviesa cambios de paradigmas y asistimos a una crisis global creada por una práctica científica esencialmente materialista, este trabajo comparte ideas en proceso sobre propuestas artísticas personales, basadas en la relación arte-espiritualidad, abriendo posibilidades para una Discusión abierta y no excluyente, dada la complejidad y riqueza de la investigación artística en las artes visuales contemporáneas.Las proposiciones artísticas discutidas a lo largo del texto tienen como referente poético-operacional el concepto de impresiones asociado a los principios de vibración y resonancia de la palabra, a partir de las investigaciones de Masaru Emoto, reflexionando sobre cómo estos principios funcionan con la idea de un cuerpo colectivo. El palíndromo Roma-Amor y los Diez Mandamientos encabezan dos poéticas de las impresiones, que generan consideraciones sobre los malestares o afinidades con los diferentes ambientes en los que se presentaron y cómo el tema de la espiritualidad se refleja en las acciones.¿Cómo se exploró la idea de un cuerpo colectivo en estas performances? ¿Cómo pueden los conflictos en proceso y las convergencias en progreso apoyar la reflexión sobre la performance como lenguaje para sumar y aunar fuerzas, compartir placeres y crear significados? Estas son algunas preguntas que motivan la reflexión, que serán respondidas o simplemente planteadas a lo largo del texto.Así, objetos, sustancias, ambientes, estímulos sensoriales y percepciones internas de impresiones tejen un relato de la experiencia del arte como práctica espiritual.
Dinamitar lo dinámico
Authors: Regosini Jiménez Stefano , Marín-Clavijo Jesús , Lopez-Rodriguez Silvia
Published: July 2024

Esta investigación se enfoca en la creación de las diferentes tipologías de registro plástico que, a lo largo de la historia, se han generado permitiendo así la materialización de imágenes arquetípicas y simbólicas en esculturas, distintas obras artísticas y documentos arqueológicos o virtuales. Es decir, estas técnicas han entablado una relación manifiesta en la evolución de dichas imágenes. Nos centraremos en estos vínculos, entre la aplicación estática de dichos métodos y las posibilidades variables en la realización de las propias obras plásticas, que, a su vez, en ocasiones, han servido de registro de lo arquetípico. En este caso la indagación se centrará en la relación correlativa entre lo matérico y el valor de la imagen arquetípica y simbólica. Se quiere poner de manifiesto que el propio modo de registro ya sea a priori o a posteriori, además, tendrá un valor importante en la correcta lectura de la obra. Se genera así el difícil análisis para establecer concretamente dónde reside en sí la obra artística entre su soporte, manifestación o idea. El arte contemporáneo ligado a la posibilidades plásticas e imaginativas ha entablado dicho discurso en el propio seno de su tautología. Por tanto, la investigación no tratará de analizar en sí las distintas piezas artísticas sino en cómo su soporte o registro ha afectado en la creación, lectura o significancia de las correspondientes imágenes simbólicas y/o arquetípicas. Las propiedades y discusiones de las actuales teorías de las filosofías de la mente y la imaginación por parte de autores como Kendall Walton o Amy Kind también jugarán un papel importante en la elaboración de dicha argumentación para desvelar dichos procesos mentales dinámicos con respecto a lo artístico y su soporte.
Pintar con menos pintura: economía en Giorgio Griffa y Ferran Gisbert
Authors: Sánchez Juan
Published: July 2024

El objetivo de este artículo es explorar la que consideramos es una de las claves que conecta el trabajo de Giorgio Griffa con el de Ferran Gisbert, en el marco del uso reducido de recursos pictóricos y utilitarios, y en el recorrido progresivo de liberación que tiene lugar cuando se mira a sus prácticas desde la siguiente perspectiva: al tomar la decisión de eliminar el bastidor y de doblar el soporte, Griffa está un paso más cerca de la desmaterialización del cuadro. Es decir, sigue habiendo un cuadro (si lo entendemos como una superficie delimitada por cuatro lados —cuyos extremos se tocan para formar aproximadamente cuatro ángulos de noventa grados— sobre la que se llevan a cabo acciones en las que comúnmente interviene la pintura), pero, no obstante, el artista se sitúa en un ámbito más cercano a la reflexión sobre el espacio, que incide sobre la intervención, sobre la modificación del propio espacio del cuadro. El proceso de liberación surge aquí en la ligereza que supone el descarte de las dimensiones, peso y precio monetario del bastidor. Esto facilita al pintor centrarse en el trabajo de pintura, estar presente con ella, consciente de que el valor de este trabajo puede definirse también por no ocupar espacio al reducirse las dimensiones de los objetos que se producen. Gisbert consigue no necesitar estos espacios para el cuadro —aunque vuelva a ellos cuando considere—, y así solo transportar sus brochas, canaletas y pinturas con las que crear obras pictóricas para espacios específicos. Estos elementos son las claves de sus procesos que desarrollamos en este artículo, y son a la vez rituales, en el sentido en que la acción de pintar de Gisbert está liberada de costosos medios, además de estar sujeta a la preparación de dichos elementos en el lugar.
La edición como espacio de disturbio. Pedagogías y transferencias entre arte y diseño
Authors: Noguera Muntadas Montserrat
Published: July 2024

La edición es una forma de hacer y transmitir mundo. Vincular la edición a las prácticas de investigación artística genera una red de transferencias en continua construcción. En las enseñanzas de arte y diseño, la edición suele ocupar un lugar en el plan de estudios. Plantear el proyecto editorial como espacio de disturbio, pensamiento y reflexividad, presupone, para el docente, una indagación pedagógica en la transmisión de las formas de investigación. A través de la forma y disciplina editorial se emprenden prácticas de comprensión y diálogo con la existencia y experiencia humana. El proyecto editorial se sitúa así en un estadio de complejidad que habita entre el arte y el diseño en una relación sin fronteras y de complementariedad. Habita en el discurrir como espacio de pensamiento no proposicional, crítico, perturbador, de particularidad inexacta. Habita en el hacer como forma de estructuración gráfica y simbólica, como estudio a modo de laboratorio de medios, lenguajes y formas contemporáneas del soporte impreso. La práctica editorial es, de manera inherente, una investigación estética en tanto que la esteticidad estimula la cognición, cuestiona la sensibilidad y genera esferas de inteligibilidad, sentido y significado. Las experiencias editoriales de este artículo, que introducen al alumnado en la investigación entre el arte y el diseño, toman forma en el Grado en Diseño Gráfico de la escuela ESDAPC, pública de Cataluña, en la evolución de la asignatura de Diseño editorial como optativa de 4º curso. El valor de cada resultado editorial deriva de la conciencia imaginativa y reflexiva que le vincula a la vida como dispositivo que interpela y despliega pensamiento, y en qué medida comparte procesos, recorridos y trayectorias. El fin es ser accesible, transparente y transferible. Y la mente siempre apercibida de que, a menudo, el conocimiento sucede en el ocaso.
El rural andaluz: descentralización y periferia en el arte contemporáneo
Authors: García Pozuelo Salvador
Published: July 2024

Desde hace aproximadamente dos décadas, el mundo rural está despertando un gran interés: este se ha convertido en tendencia que, también a raíz de los problemas de la despoblación y de la pandemia del covid, tiene cada vez más presencia. En España son innumerables en los últimos años las manifestaciones de este interés por lo rural, también patente en todos los ámbitos culturales, algo especialmente evidente en la literatura y el cine. El arte contemporáneo no es ajeno a este hecho y, por ello, se viene haciendo presente de distintas maneras en el mundo rural: apertura de museos de arte contemporáneo, creación de residencias artísticas, elección como lugar de residencia de determinados artistas, organización de festivales y jornadas; etc. El rural andaluz sería un buen ejemplo de los diferentes modos en que se canaliza la creciente relación del arte contemporáneo con los pueblos, como queda patente en determinadas prácticas artísticas, muchas de ellas pioneras en el ámbito nacional, a las que ninguna de las ocho provincias andaluzas son ajenas. En todos estos casos, el arte contemporáneo está jugando un papel importante a la hora de afirmar, transformar, redefinir o crear la identidad de un mundo rural cada vez más complejo.
Simposio Internacional de escultura en la academia como estrategia de intercambio de conocimientos
Authors: Pozo Ruiz Carlos-Emilio
Published: July 2024

El Simposio de Producción Escultórica emerge como una iniciativa participativa acogida en el ámbito académico, ofreciendo una rica diversidad de productos, siendo su valor educativo el más resaltante. Este evento es un espacio abierto al espectador, propiciando la interacción entre escultores, entorno y academia en la confección de obras escultóricas en piedra. En este contexto, los participantes elaboran sus proyectos escultóricos para intervenir, contando con la colaboración activa de docentes y estudiantes como asistentes en la manufactura de las obras. Más allá de la gesta artística, se llevan a cabo coloquios en torno al arte urbano y la escultura, nutriendo el intercambio de ideas y saberes. Al culminar el evento, emergen obras escultóricas de imponente formato que integran el patrimonio artístico y cultural de la universidad anfitriona, consolidándose como testimonios palpables de esta experiencia forjada en la Escuela de Artes de la Universidad Central del Ecuador. El impacto del simposio en el universo de la escultura se manifiesta en la vivencia de intercambio con escultores profesionales provenientes de distintos países, enfatizando la transmisión de conocimientos técnicos y culturales. Esta aproximación desde la academia proporciona una ocasión singular para compartir días de producción escultórica y una dinámica social en un entorno al aire libre, captando la atención de toda la comunidad universitaria. Esta estrategia de convocar diversas voluntades en torno a un proyecto de producción se revela como una idea innovadora para la efectiva transmisión de conocimientos en el ámbito de la creación, abriendo nuevas puertas para el aprendizaje experiencial y la aproximación a nuevos procesos artísticos, dentro de una visión global en la formación académica.
Hay un caballito en el largo pasillo: Backrooms y juguetes mecánicos como dispositivos para la exploración del fenómeno del valle inquietante en el arte actual
Authors: De la Fuente de los Angeles Alicia
Published: July 2024

Esta comunicación se ocupará de analizar la manera en la que ciertas tendencias en la plástica contemporánea reflejan y exploran preocupaciones como el terror hacia la inteligencia artificial, la evolución del trabajo desarrollado por animales humanos y no humanos y la obsesión por los espacios liminales o backrooms como metonimias de una melancolía folk en la cultura visual contemporánea.Lo hará a través de El Desvío, una instalación artística de reciente producción que recuerda a un puesto infantil de vehículos motorizados, como los de los centros comerciales. Esta se acompaña de una pieza sonora activada con auriculares en la que una inteligencia artificial parece divagar sobre los conceptos de fantasía, mitología o relato. La artista toma como punto de partida esta obra propia para relacionarla con estrategias plásticas utilizadas por artistas como Laia Estruch, Jordan Wolfston o EJ Hill con la intención de reflexionar acerca del modo en el que algunas de sus piezas transportan a ese momento y lugar en el que operan las ficciones —entre el ocio y el culto—, ese tiempo no productivo en que es habitual guiarnos por la pulsión de descubrimiento y goce para adentrarnos sin darnos cuenta en terrenos extraños o desasosegantes donde pueda aparecer la crítica. De esta manera, la comunicación tratará de ofrecer un análisis comparativo de obras que, como El Desvío, son conscientes de su propia apariencia de juguete o fenómeno y funcionan como una trampa perceptiva, disfrazándose en ocasiones para atraer al espectador a entrar en su juego y dejarse llevar hacia lugares posiblemente engañosos. Una propuesta teorico-práctica que ahonda en la idea de que la ficción actúa a menudo en la plástica actual como remedio cicatrizante ante la dificultad para reconocer la verdad o la justicia en la cotidianidad.
Analivia Cordeiro: Nuestra Eva digital brasileña
Authors: Martinez Pimentel Ludmila
Published: July 2024

Lo que me interesa en este momento es registrar a las mujeres brasileñas innovadoras en el territorio del Arte Digital. No pretendemos construir una historiografía universal o total, sino escribir una reacción contra el discurso y el paradigma hegemónicos tradicionales y así ampliar la historiografía de las mujeres. A partir de reflexiones de Denise Riley quien establece que la categoría “las mujeres”, conjuntamente con su identidad y experiencia, son inestables, Joan Scott (1992) nos pregunta: “¿cómo escribir una historia coherente de las mujeres sin una idea determinada y compartida de qué son las mujeres?” Y yo misma me pregunto ¿Cuáles serían las nuevas bases epistemológicas que necesitamos para dar visibilidad a las cuestiones sociales contemporáneas de dominación y control sobre nuestros cuerpos y nuestras subjetividades plurales incluso las subjetividades digitales? Entendemos la necesidad de traer ejemplos de mujeres artistas brasileñas, que se destacan en el panorama de las tecnologías, para dar visibilidad a los aportes propuestos por ellas que constituyen la historia no tan reciente del Arte Digital. Así elijo a la gran pionera en el campo de la Danza Digital, la paulista Analívia Cordeiro, la primera creadora de videoarte en toda Sudamérica, con su trabajo “M3x3” (1973), y quien en los años 80 realizó estudios sobre la tridimensionalización del movimiento corporal. Cordeiro, hasta hoy, es una revolucionario para nosotras en Danza Digital, una Eva Digital Brasileña, que obtuvo recursos y se planteó en un terreno muy árido en Brasil, y así ella tuvo que ser una desbravadora con su machete digital.
Imagen del poder en la representación de la mujer cualquiera
Authors: Montalvo Gallego Blanca
Published: July 2024

Proponemos una investigación transversal en la que, a partir de una serie de propuestas artísticas, abordamos la representación actual de la retratística de las mujeres, de cualquier mujer, sin necesidad de ser reina, estrella del rock o política, y para ello exploramos las estrategias del poder, tanto desde la práctica artística como desde la reflexión teórica.Todos los ciclos culturales han desarrollado en mayor o menor medida una retratística propia, y pocos son los artistas que han escapado a su influjo. En Antropología de la imagen, Hans Belting propone, en el marco del análisis de los mecanismos simbólicos que rigen nuestro trato con las imágenes, una lectura del retrato como artefacto que sustituye a un cuerpo ausente. Su uso privado y social está determinado por un pensamiento mágico y da lugar a prácticas rituales, actos de “animación”. Vida y muerte marcan las funciones que cumplía el retrato como herramienta dinástica, matrimonial, religiosa o simplemente celebratoria del orgullo individual.Nos centramos en esta investigación en el retrato como práctica del poder. Por razones obvias, la mayoría de los retratos realizados hasta el siglo XIX son representaciones de las élites dirigentes, envueltas en un aparato retórico heredado de la roma clásica y apenas modificado hasta nuestros días como nos recuerda Mary Beard, “seguimos todavía rodeados de emperadores romanos”  (2021). Si uno de los objetivos de Homo sacer (Agamben, 1995) es restituir la política a su verdadera dimensión ontológica y práctica, mostrar el nexo metafísico que en la tradición política de Occidente une la “vida desnuda” con la existencia política, el bíos y la zoé, el espacio que abre la imagen parecería ser entonces el del espacio político mismo; desde aquí, podemos enunciar uno de los objetivos principales de este proyecto: la representación de la mujer cualquiera.
Lo que un cuerpo puede
Authors: Cid Berdeal María Florencia
Published: July 2024

Lo que un cuerpo puede. Trabaja en relación a la resiliencia y la recuperación luego de situaciones traumáticas relacionadas con la violencia. Sosteniendo el cuerpo como lugar de reparación. La producción visual denuncia distintos grados de violencia implícita instalada y naturalizada en la sociedad, impactando al observador, con el fin de explicitarlos y visibilizarlos, desnaturalizándolos. Se trata de comunicar ciertas formas de violencia patriarcal y oligárquica religiosa, ya sea verbal, psicológica o psíquica, condicionantes de “lo femenino", que rechaza, niega y desintegra lo diverso de la heteronorma occidentalizada. Donde aquello que es diferente es rechazado, donde lo normal es aquello que está impuesto por normas morales y éticas de un “supuesto” hombre civilizado acorde a pensamientos occidentales. El otro no existe sino es por medio de mi satisfacción y manipulación, la propiedad privada esta dada también en el otro, que es mío y lo controlo, lo manipulo, lo degrado, sin importar su integridad física y psíquica. El abuso deja expuestas las huellas de la violencia sexual en el cuerpo, que van más allá del recuerdo consciente. Se manifiesta en nuestro organismo que, ante la necesidad de sobrevivir, muchas veces sigue adelante y no llega a resignificar lo que no logró reparar. Ésta situación es frecuente en sociedades patriarcales en las que las personas que las padecen no son víctimas de tales hechos, sino que son inconscientes, sistemática y moralmente cargadas de culpa. Revelar lo escondido o de lo que es tabú discutir. Plantearse una nueva manera de pensar sobre lo que tenemos guardado, sobre lo importante que es expresarlo, atravesarlo en vez de aguantarlo y resistir. Aquello que es sagrado y no es negociable, nos da cuenta de cosas que toleramos y que ya no toleramos más, de la importancia de poner límites de respeto sanos y poder transmitirlos una vez consciente.
El paseante ciego. Una deriva desde los medios hasta los extremos de la ciudad de Valencia
Authors: Navarro Rodríguez Miguel Ángel
Published: July 2024

A partir de la producción de un texto generado desde el concepto de Escritura No-Creativa (Goldsmith, 2019), incorporando citas y artículos periodísticos, replicados y recontextualizados sin alteración alguna, junto con otros propios, reflexionando sobre las desigualdades sociales desde un punto de vista más personal y subjetivo, se propone un trabajo de investigación/creación, en el que se lleva a cabo un ejercicio de hibridación entre narrativa y artes visuales, donde la escritura, la imagen, la materialización gráfica y la puesta en escena expositiva conforman un todo holístico, con el objetivo de crear un espacio para la reflexión y el debate público sobre las desigualdades sociales. Haciendo un recorrido desde los postulados socioeconómicos que sostiene Thomas Piketty, poniendo en práctica derivas de investigación por la web y los medios de comunicación y, finalmente, realizando Observaciones Participantes por algunos distritos de la ciudad de Valencia como estudio de campo y lugar donde se visibilizan todos estos fenómenos de inequidad.Por otro lado, El paseante ciego, entabla una interrelación de medios desde los conceptos de escritura expandida e hipertexto en la era digital, con el propósito de desarrollar un discurso de carácter sociopolítico y, a nivel formal, para experimentar desde el concepto de site specific, proponiendo el montaje de una instalación artística en uno de los espacios comunes de circulación del IVAM, dentro del programa Articulacions. En la propuesta, la escritura se expandirá desde la gráfica contemporánea con impresiones en papel en A1, A2 y A3, desplegándose por los paramentos verticales, el pavimento y las balaustradas del edificio, proponiendo al receptor recorrer el espacio para poder completar la lectura del texto, o simplemente seleccionar las partes que más le interesen, pudiendo acceder también a la obra desde un código QR.
Relatos sobre a criação da primeira olimpíada com foco em investimentos no Brasil
Authors: Pantoja Carlos Eduardo , Fidelis Gomes Passos Gilberto Gil
Published: July 2024

As olimpíadas científicas desenvolvem o raciocínio científico e o estímulo pela pesquisa científica, elementos muitas vezes subaproveitados nos tradicionais sistemas de ensino médio e técnico no Brasil. Além disso, esses eventos são importantes veículos de divulgação científica nacional e internacional. A Olimpíada Brasileira de Investimentos (OBInvest) é um projeto educacional, que de forma gratuita, visa desenvolver vocações, incentivar alunos do ensino médio e técnico de todo território brasileiro, a desenvolver a Educação Financeira e aprofundar-se nos estudos de Finanças. As provas da OBInvest são elaboradas tendo como base as orientações da Base Nacional Curricular Comum e é composta de duas fases. As questões contam com textos, gráficos e vídeos que ensinam as ferramentas necessárias para aplicação e resolução de problemas em um contexto cotidiano do mundo das Finanças. Por meio do canal no Youtube e o site da OBInvest, os alunos podem se inscrever, participar de simulados e acessar os cursos, palestras e demais conteúdos produzidos pela equipe acadêmica da OBInvest. A primeira OBInvest atingiu todos os estados do Brasil e o Distrito Federal com mais de 4000 inscritos e 100 premiados. Através da metodologia de ensino de finanças na prática aplicada na realização de uma olimpíada do conhecimento, foi possível perceber o impacto da atividade tanto em participantes de escolas privadas quanto públicas.
Farmácia universitária: caracterização dos serviços ofertados à comunidade
Authors: De Assis Silva Marcos Vinicius , De Oliveira Silva Alencar Tatiane , Rodrigues Alencar Bruno , Braga Pires Gizelly
Published: July 2024

Objetivo: caracterizar os serviços realizados na Farmácia Universitária (FU) de uma instituição pública de ensino. Métodos: Estudo decorrente de atividade extensionista, com abordagem quantitativa, baseado numa pesquisa documental, no período de abril a dezembro de 2022. As fontes de evidências foram os registros referentes aos serviços (aferição de pressão arterial, de glicemia capilar e de temperatura corporal, aplicação de medicamentos injetáveis, consulta farmacêutica, dispensação e descarte de medicamentos) realizados na FU. Resultados e discussão: A FU atendeu 821 pacientes, sendo a maioria estudantes universitários (37,8%) e do sexo feminino (70,2%). A aferição de pressão foi o serviço mais utilizado pelos usuários dentre os serviços ofertados pela FU e, nas consultas farmacêuticas, alergias foram os transtornos menores mais prevalentes (19,4%). Conclusão:  A caracterização apresentada revela a importância dos serviços farmacêuticos à comunidade, com potenciais contribuições para a promoção da saúde, o uso racional de medicamentos e a qualificação da formação farmacêutica.
Revisão sistemática da literatura sobre empreendedorismo social (2000 a 2020)
Authors: Silva Carla Patricia de Sousa , Pereira Etnny Coelho de Sá , Guimarães Jairo de Carvalho
Published: July 2024

No Brasil do Século XXI, os desarranjos sociais, em geral, face às históricas e profundas desigualdades sociais, indicam melhorias tímidas, quando se discute a necessidade de avanços nas tratativas das demandas societárias mais latentes. Neste aspecto, emerge o empreendedorismo social como instrumento capaz de contribuir para a reversão do cenário. O estudo objetiva descrever a produção científica na área do empreendedorismo social no período 2000-2020, embasado em periódicos de base territorial nacional, certificados na Plataforma ISSN, analisando as revistas na Plataforma Sucupira (QUALIS/CAPES), estratos A1/A2/B1/B2. Com os filtros utilizados no mapeamento, foram colecionados 1.496 periódicos, contendo 462 revistas nacionais. Destas, 37 publicaram 68 estudos envolvendo o tema. Sob a realidade brasileira, o estudo concluiu que há necessidade de ampliação das pesquisas relacionadas ao empreendedorismo social buscando desvelar novas perspectivas e apontar caminhos visando à solução dos problemas sociais mais urgentes.