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La ville moderne en gestation : Bourges, Laval et Colmar durant le premier XIXe siècle
Authors: Bondon Anne
Published: June 2021

Genesis of the Modern Town : The Cases of Bourges, Laval and Colmar in the First Half of the Nineteenth Century.

French urban history has ignored the case of medium size towns, and in particular of such towns in the first half of the nineteenth century. The period spanning the years from the French Revolution to the advent of the railway was nevertheless crucial, with fundamental changes in ways of life and popular conceptions taking place. It is from these changes that the model of the « modern » town emerged. Bourges, Colmar and Laval offer three perfect cases for the study of this evolution. Exhaustive research was conducted on the archive of each town, enabling us to reconstruct in detail the transformation of attitudes over time, to cross-reference them with the changes in architecture and urbanization and to identify the context in which the modern town took shape. This essay reveals in particular the key role of the law of 16 September 1807, whose effects account for many aspects of the transformations.
Albert Sélonier, un architecte d’immeubles de rapport à Paris (1895-1926)
Authors: Markovics Alexis
Published: June 2021

Albert Sélonier, an Architect of Apartments Buildings in Paris Between 1895 and 1926.

Most of the career of the architect Albert Sélonier (1858-1926) was spent erecting apartments buildings in Paris. The history of his professional activity can be reconstructed through the study of municipal records, particularly the records of the Public Works and Tax Departments.

From 1895 to 1905 Albert Sélonier formed a partnership with a land owner and an estate agent to develop a plot of land in the fourteenth arrondissement of Paris. The buildings, designed for middle class families, were erected on plots that were rented with an agreement to purchase by building contractors with means sufficient to ensure that the work was carried out quickly. The picturesque design of the moldings on the façade corners demonstrated the architect’s talent for making the best of the Parisian zoning laws of 1902, which strictly defined the projection and height of buildings. The study of this plot, analyzed from a point of view of micro-history, reveals new aspects of building and urban planning policies in the post-Haussmann period. It also sheds new light on the complex relationship between prime contractor, contracting authority, financial backer, builder and client.
La formation d’une ville « moderne » : Bagdad à la période hachémite (1921-1958)
Authors: Pieri Caecilia
Published: June 2021

The Elaboration of a “ odern” City : Baghdad during the Hashimite Era (1921-58).

This essay is based on field research that was conducted in Iraq very recendy (2006) despite the current difficult situation. It describes the main features of the urban growth of Baghdad, comparing it with the evolution of the architectural typology. After 1921 and the beginning of the British mandate and of the Hashimite Monarchy, the first planed serial houses and European grid pattern appeared next to the traditional madina’s fabric, which was based on the traditional model of the house with a central courtyard. The 1930s, particularly after the independence in 1932, signaled the different phases of an exogenous modernity in which European models were combined with local adaptations. The 1940s witnessed the introduction of concrete, préfabrication, and villas with a compact plan. The 1950s were the era of the international “Modern Movement”. This study of Hashimite Baghdad concentrates on the question of the reception of modernity, and of stylistic or structural hybridization between the Western and Eastern models. It encompasses the period from the colonial era to the awakening of a national consciousness, identified by the Iraqi Revolution in 1958. Resulting from a successful interweaving of separate cultural traditions and exchange of professional know-how, Hashimite Baghdad presents a new case for the study of the making of a modern city, in which various figures of appropriation are considered as determining factors of the enrichment and renewal of urban forms.
Clichés d’architecture : la photographie d’Ed Ruscha et les sources de l’architecture postmoderne aux États-Unis
Authors: Dryansky Larisa
Published: June 2021

Architectural Snapshots : The Photography of Ed Ruscha and the Sources of American Postmodern Architecture.

Photography, the art of light, played a key role in the 1920s in the definition of the modernist utopia of a transparent architecture. In a similar way, the photodocuments produced by the artist Ed Ruscha in the early 1960s profoundly influenced definitions of postmodern architecture in America, directly inspiring the production of Robert Venturi and Denise Scott Brown’s manifesto, Learning from Las Vegas. Ruscha’s snapshots brought attention to postwar vernacular architecture - the architecture of strips and suburbs - whose forms until then had been either condemned or simply ignored. In addition to their subject matter, the flat-footed style of Ruscha’s photographs echoed postmodern theory, whose objective was to rehabilitate the façade as the determining factor in architectural design.
Des « arts méconnus » aux « arts premiers » : inclusions et exclusions en anthropologie et en histoire de l’art
Authors: Dias Nélia
Published: June 2021

From “arts méconnus” to “arts premiers” : Processes of Inclusion and Exclusion in Anthropology and Art History

In 1881, three years after the foundation of the musée d’Ethnographie du Trocadéro, Emile Soldi published one of the first major books on non-Western art under the title Les Arts méconnus (unrecognized art forms). Today, with the opening of the pavillon des Sessions at the Louvre and the inauguration of the musée du quai Branly, the term “arts premiers” - roughly translatable as “primordial arts or early art” - is widely spread in France. Over the course of a century non-Western objects have been successively labeled in France “ethnographic objects”, “arts méconnus”, “arts lointains” (artifacts from distant lands), “primitive art” and, finally, “arts premiers”. This constant process of renaming and redefining non-Western objects informs us about changes in anthropological approaches since the second half of the nineteenth century as it does about the extension of the Western notion of art to non-Western objects. At the same time, non-Western objects are submitted to the same canonical criteria that art historians apply to Western art, and the notion of art has increasingly been equated with the material dimension.
Histoire de l’art et sciences de l’architecture : une anthropologie de la création interdisciplinaire
Authors: Leprun Sylviane
Published: June 2021

Art History and Architectural sciences : An Interdisciplinary Anthropology of Creation

To study the contemporary relation of anthropology to art history within the field of architecture is to examine how intercultural approaches have become part of the academic curriculum of architecture students. Ethnoarchitecture, the anthropology of space, cultural interfaces, these are all concept that were defined in the 1970s in response to a questioning of otherness. New disciplinary borders were drawn at this time between humanities and the study of art, which are clearly revealed by the special set of problems posed by architectural creation. The study of architecture, indeed, discloses the anthropological construction of the work both in its formal material and technical aspect and in its symbolic aspect.
Les historiens de l’art au pays des anthropologues. Emprunts de catégories et impasses disciplinaires
Authors: Jarrassé Dominique
Published: June 2021

Art Historians in the Society of Anthropologists : Borrowing Categories and the Limits of the Disciplins

Around 1860 several French artists, architects and art historians started to join the two big Parisian societies : the Société d’Anthroplogie de Paris and the Société d’Ethnographie. What was their purpose in doing so ? At the time the field of art history was still in its infancy, and in the process of defining a methodology and creating its own institutions. Both physical anthropology and ethnography (understood in its more cultural aspects) seemed able to provide guidelines to this fledgling discipline, which aspired to the status of a science and set as its goal a comprehensive approach to art. The study of reviews, publications and exhibitions reveals the existence of informal intellectual circles reuniting the members of these scientific societies. The systems they devised together relied heavily on principles of causality and on racial or ethnic criteria. Their scientific model was no longer simply the scientism of Taine, but also, in a deeper sense, the construction of an evolutionist and hierarchical art history. This marriage of art history and anthropology paradoxically closed off for many decades the possibility of a new art history, which, breaking with traditional concepts, would have opened itself to other, non-Western cultures. It also encouraged in some respect an esoteric tendency in art history.
Éditorial : À propos des arts décoratifs
Authors: Alcouffe Daniel
Published: June 2021

Constatant l’absence d’un vocable pouvant nommer « l’art de l’objet », généralement désigné au moyen d’expressions inexactes ou réductrices - arts mineurs, arts industriels, arts précieux, arts décoratifs -, alors que ce vocable existe bien pour la « peinture », la « sculpture », ou « l’architecture », l’auteur s’interroge dans cet éditorial sur la façon dont cet art est considéré aujourd’hui. Il évoque les actions menées, pour les différentes périodes, par les collectionneurs, les institutions muséales et les bibliothèques, les universités et les centres de recherche scientifique, les directions régionales des affaires culturelles, les éditeurs. Le constat n’est cependant pas si alarmant car le défrichement est bien entamé de même que sont formés ceux qui prendront la relève.
« Musées » et collections dans la Rome antique
Authors: Audoly Marion
Published: June 2021

Marion Audoly

«Musées » et collections dans la Rome antique

Les sources archéologiques, mais plus encore les sources littéraires, attestent la présence de nombreuses œuvres d’art, venues pour la plupart de Grèce et de divers lieux (domus, temples, jardins, thermes...) de la Rome antique. L’auteur tente dans cet article de comprendre comment est né cet engouement du goût pour la collection chez les élites romaines. D’abord simple butin de guerre témoignant de la gloire des généraux, les œuvres sont «enfermées » dans des collections privées. Ces dernières s’ouvrent progressivement au peuple qui a appris lui aussi à apprécier les chefs-d’œuvre de l’art grec lors des cortèges triomphaux dans lesquels ces œuvres défilaient. Le véritable changement se produit sous le règne d’Auguste, lorsque l’Etat s’investit dans la gestion de ce «patrimoine artistique » et crée d’importantes collections publiques. Son rôle s’accroît ensuite avec le développement d’une administration dévolue à la gestion des collections et la mise en place d’un inventaire.
La redécouverte des collections de Frédéric Cailliaud : contribution à l’histoire de l’égyptologie
Authors: Mainterot Philippe
Published: June 2021

Philippe Mainterot

La redécouverte des collections de Frédéric Caïlliaud : contribution à l’histoire de l’égyptologie

Au cours des deux voyages qu’il effectua en Egypte et en Nubie de 1815 à 1818, puis de 1819 à 1822, le Nantais Frédéric Cailliaud (1787-1869) constitua une importante collection d’antiquités pharaoniques. Il vendit la majeure partie de ces objets archéologiques à la Bibliothèque royale (aujourd’hui Bibliothèque nationale de France) et se constitua une collection particulière avec le restant. Les aléas muséographiques, les erreurs d’inventaire, le jeu des legs et des dépôts contribuèrent à la dispersion de la collection Cailliaud dans les musées français depuis la première moitié du XIXe siècle jusqu’à nos jours. Grâce aux dessins du voyageur, extraits de ses ouvrages Voyage à l’Oasis de Thèbes et Voyage à Méroé et au Fleuve Blanc, ainsi qu’à la liste originelle des objets collectés par le Nantais, 330 objets ont pu être ré-attribués à la collection Cailliaud. Cette recherche apporte des informations précieuses sur la constitution des savoirs archéologiques et sur l’histoire de l’égyptologie.
Technique ou culture : histoire croisée des musées d’ethnologie et d’arts décoratifs de Vienne et Hambourg, 1860-1900
Authors: Rolland Anne-Solène
Published: June 2021

Anne-Solène Rolland

Technique ou culture : histoire croisée des musées d ’ethnologie et d’arts décoratifs de Vienne et Hambourg, 1860-1900

L’auteur aborde les liens entre musées d’arts décoratifs et musées d’ethnologie, à travers l’histoire des musées de Vienne et Hambourg. Malgré des différences évidentes, l’étude des points communs entre musées d’ethnologie et musées des arts décoratifs peut s’avérer pertinente. La place des collections extra-européennes dans les musées des arts décoratifs est le point de départ de cette comparaison : à la fin du XIXe siècle, nombreux sont ceux qui s’enrichissent de collections extra-européennes, notamment asiatiques. La simultanéité de leurs créations, leur appartenance à des champs théoriques nouveaux, leurs approches parfois très similaires des objets justihent également cette comparaison. L’histoire des musées de Vienne et Hambourg, parmi d’autres cas d’étude, offre ainsi des exemples concrets d’affinités inattendues entre ces deux domaines et leurs institutions qui semblent aujourd’hui très éloignées.
Le spectacle musical des métaformes
Authors: Lapelletrie Fabrice
Published: June 2021

The Musical Spectacle of “Metaforms ”

In 1957, Etienne-Bertrand Weill, following in the steps of Etienne-Jules Marey and of the experimental photographers of the 1920s, started making abstract photographs, which he named “metaforms.” The metaform is the outcome of a long process, which started with photographs of mimes and theater. A simple recording of an object in motion, it is a modern and demanding art form, stemming both from the synthesis of the arts and lumino-kinetics, as well as the tradition of the music of colors. For the artist, metaforms were to appear as contrapuntal elements within a live performance, when they could act directly on the perception of the spectator. Thanks to its plural nature, and its infinitely vast repertory, the art of the metaform always resonates with the arts it is associated with : contemporary music, dance, or poetry. Throughout his lifetime, Weill devoted all his energy to encouraging collaboration between artists so as to achieve the dream of a total spectacle.
Jeanne-Élisabeth Chaudet, ou la diversité stylistique de Greuze à Géricault
Authors: Foucher Charlotte
Published: June 2021

Jeanne-Elisabeth Chaudet, or the stylistic diversity from Greuze to Géricault.

The career of Jeanne-Élisabeth Chaudet (1767-1832) is characteristic of the women artists of the post-revolutionary period who, having enjoyed some success in their time, are now the major forgotten of the french art history. Trying mostly to satisfy critics by featuring portraits of young children in often unique situations, the artist realizes works in which the subjects don’t show big changes but where the style seems indicative of contemporary aesthetic upheavals. While in her early paintings, Jeanne-Élisabeth Chaudet appears in line with Jean-Baptiste Greuze, the last portrait drawn by her hand, dated 1818, closer to the melancholy of Théodore Géricault. Although her style was often described as “naive” or “charming”, the author wishes to return, in this article, on some stereotypes, taking into account the diversity of her influences and analyzing the singularity of her children portraits of which she became, at that time, one of the main representatives.
Autour de Léon Cogniet et Charles Chaplin : la formation des femmes peintres de genre sous le Second Empire
Authors: Vottero Michaël
Published: June 2021

Michaël Vottero

Autour de Léon Cogniet et de Charles Chaplin : la formation des femmes peintres de genre sous le Second Empire.

La majorité des femmes peintres de genre sous le Second Empire a été formée dans les ateliers de Léon Cogniet et de Charles Chaplin. Ce type d’ateliers privés est alors à Paris, avec les écoles gratuites de dessin, l’un des rares lieux d’enseignement artistique accessible aux femmes. Si Léon Cogniet offre un enseignement basé sur la copie, Charles Chaplin propose l’étude d’après le modèle nu. L’exemple de ces deux enseignants permet ainsi d’aborder la question de la place souvent marginale de la femme artiste au XIXe siècle et de comprendre l’engouement de certaines d’entre elles pour la scène de genre. L’opposition traditionnelle entre une peinture d’homme et une peinture de femme tend en effet à disparaître sous la plume de la critique. Loin de les abaisser, cette catégorie picturale leur permet bien souvent de rivaliser avec leurs confrères masculins à l’image d’Amélie Fayolle ou d’Henriette Browne.
Ergy Landau : le portrait photographique d’enfants, 1928-1937
Authors: Lavie Juliette
Published: June 2021

Juliette Lavie

Ergy Landau : le portrait photographique d’enfants, 1928-1937

Si Ergy Landau est considérée comme l’une des représentantes de la photographie humaniste, c’est pour son attachement à l’individu, à l’être. Son regard aiguisé sur l’enfant, premier de ses modèles à répondre aux codes de la photographie humaniste, n’a pas été étudié. L’auteure tente de rendre compte du parcours de cette femme photographe qui, au lendemain de la Première Guerre mondiale, se spécialise dans le portrait d’enfants. Ce thème intervient dans le corpus d’Ergy Landau à un moment où se forme, en photographie, un dualisme, entre propositions nationalistes et recherches modernes. Lejeune enfant devient alors, dans la carrière de cette photographe hongroise émigrée à Paris, le terrain d’explorations pour l’obtention d’une photographie vivante, vibrante, qui témoigne de la pluralité de son esthétique et de la diversité de ses intentions. Comprendre que le portrait d’enfants est un sujet a priori féminin ne suffit pas à montrer la particularité de ce genre qui, au contact du savoir-faire d’Ergy Landau, se transforme. Il ne faut plus y voir un portrait classique mais une recherche technique et stylistique. Le portrait devient une séquence narrative, une tête d’expression ; il peut également faire référence aux mythes «fondamentaux » : Jardin d’Eden, Nativité. . . Avec une thématique longtemps considérée comme secondaire, Ergy Landau se démarque de ses confrères et devient par la conjugaison d’une technique photographique d’avant-garde et d’un regard original, la détentrice d’un style pionnier.
Henrietta Delavrancea : la modernité roumaine de l’entre-deux-guerres
Authors: Popescu Carmen
Published: June 2021

Carmen Popescu

Henrietta Delavrancea : la modernité roumaine de l’entre-deux-guerres.

Dans le sillage de la rapide modernisation de la Roumanie entre les deux guerres, l’architecture y connaît un renouvellement radical. Attentifs aux dernières tendances d’Europe de l’Ouest, les architectes roumains ont élaboré une expression spécifique, mêlant la tradition locale aux principes modernistes. Henrietta Delavrancea (1894-1987), l’une des rares femmes-architectes de l’époque, compta parmi les plus brillants acteurs de cette quête de renouvellement. A travers ses nombreux projets, elle élabora une architecture en phase avec les réalisations les plus avancées du moment, sensible à «l’esprit des lieux » et à la question du site débattue lors du IVe Congrès international d’architecture moderne (CIAM) d’Athènes en 1933.
L’œuvre de Sturtevant : une lecture féministe
Authors: Roffidal Brigitte
Published: June 2021

The work of Sturtevant : A feminist reading.

Sturtevant’s approach, since the 1960’s, is to copy works of famous artists in a more or less accurate way. As a result, it has often brought his work to that of “appropriationnistes” appeared in the 1980’s. Looking at the differences between her work and those she copies, at the way she chooses them and at the use she makes of her own body in her work is enough to realize that her approach bears many similarities to feminist issues which emerged at the time she began her artistic production.
Questions d’identité sexuée : l’histoire refoulée de l’art
Authors: Creissels Anne , Zapperi Giovanna
Published: June 2021

Questions of sexual identity : repressed history of art

Until the grand narrative of modernism and without that it is never questioned or even explicitly formulated, the history of art was mainly written in the masculine, confining women in roles such as model and subject. Since the late 1960’s, in the predominantly Anglo-Saxon field of gender studies, the question of sexual difference has been reintroduced by studying the mechanisms of historic exclusion of women, by removing the dominant discourse, through figures embodying sexual ambiguity such as Marcel Duchamp, as well as by contact with feminist movements and theories. The authors present the news of such research and the lines of force of these various studies that work to produce the means of an alternative discourse beyond categories and oppositions.
Transferts et interactions dans l’Antiquité en Méditerranée orientale
Authors: Ballet Pascale
Published: June 2021

On présentera ici un état de la question sur les transferts et les interactions dans l’Antiquité en Méditerranée orientale à partir de plusieurs dossiers touchant aux transferts de technologies, dans le domaine de l’industrie lithique, de la métallurgie et des productions céramiques, aux interactions en matière d’iconographie - du décor pariétal à la plastique -, pour conclure sur la question des rapports culturels à la lumière de cette problématique.
Méthodes de production des bagues dans l’Égypte hellénistique et romaine
Authors: Thiaudière Cyril
Published: June 2021

Au cours de notre recherche consacrée à la bijouterie d’or ptolémaïque et romaine d’Egypte et aux techniques ayant servi à sa fabrication, nous avons été régulièrement confrontés au délicat problème des interactions et des transferts artistiques. Nous avons pu identifier et reconstituer des méthodes de fabrication, dont deux étaient destinées à la confection de modèles de bagues particuliers. Il s’agit de la découpe en arche et du système des deux rubans, selon la terminologie que nous avons adoptée. De cette approche technique se dégage des éléments qui viennent conforter ou compléter notre connaissance de la bijouterie de l’époque tardive. Ces observations, soutenues par une étude typologique, nous permettent d’entamer une double réflexion. La première porte sur l’origine de ces bijoux, autrement dit sur les possibles et même probables échanges et interactions qui ont pu conduire à leur création. La seconde sur la diffusion de ces bijoux à travers le bassin méditerranéen. La conclusion de cet article est l’occasion d’évoquer ce que l’identification de ces processus techniques peut apporter à notre compréhension de la production des bijoux dans l’Egypte tardive.
Interactions entre Orient et Occident dans la fortification à l’époque des croisades
Authors: Hayot Denis
Published: June 2021

Durant toute la durée des croisades, la fortification constitua un exceptionnel théâtre d’échanges, impliquant de multiples sphères d’influence, réparties dans l’espace comme dans le temps. Au XIIe siècle, la genèse de la fortification croisée résulta de la synthèse de plusieurs modèles, depuis la fortification antique jusqu’à la fortification européenne, en passant par la fortification orientale contemporaine, byzantine comme musulmane. Au XIIe siècle, si le phénomène essentiel fut l’importation en Terre sainte de la fortification capétienne développée en France, l’influence des fortifications byzantine et antique sur l’architecture croisée ne se démentit pas pour autant, des échanges importants avec la fortification musulmane étant également attestés. De plus, sur l’ensemble de la période considérée, les échanges furent loin d’être unilatéraux, et bien souvent la fortification croisée put se révéler à son tour émettrice de solutions et de modèles novateurs, voués à un grand succès en Europe comme en Orient. Enfin, il faut souligner le caractère global de ces échanges, puisque tous les domaines de la construction fortifiée furent concernés, depuis la dimension purement défensive jusqu’aux programmes fonctionnels, en passant par les dimensions formelle et symbolique.
Le vol de Mercure : résurgences du Mercure de Jean de Bologne sous la Révolution et l’Empire
Authors: Passignat Émilie
Published: June 2021

Bien que la fortune de Jean de Bologne ait déjà fait l’objet de plusieurs études, celle-ci réserve encore de nombreux aspects à approfondir, notamment en ce qui concerne une de ses sculptures les plus célèbres, le Mercure volant de Florence. Cette œuvre a attiré l’attention de plusieurs peintres français et réapparaît dans trois tableaux réalisés entre 1786 et 1810 : le Génie du Commerce par Gabriel Lemonnier, une esquisse pour Sapho à Leucate d’Antoine-Jean Gros et la Distribution des aigles de Jacques-Louis David. L’analyse des dessins préparatoires de ces œuvres à la lumière du contexte théorique de l’époque permet d’évaluer les raisons de la réappropriation de ce modèle maniériste par ces peintres. Il apparaît que les formes gracieuses du bronze et les potentialités symboliques de son mouvement soient dans les trois cas déterminants pour le choix du modèle. On peut constater en effet qu’aucun des peintres ne s’en est vraiment tenu à l’iconographie originale de la sculpture puisque tous ont greffé de nouveaux contenus sur leur figure, allant de la divinité du commerce à l’allégorie de la liberté, de la figure de l’espérance et de la délivrance à l’expression du patriotisme le plus exalté, sans compter les éventuelles références à l’art de la danse.
Le carnet de voyage de Johann Georg von Dillis (1806)
Authors: Josenhans Frauke
Published: June 2021

Au début du XIXe siècle, de nombreux artistes étrangers - notamment allemands - viennent à Paris, attirés par l’éclat de la scène artistique et par les musées nouvellement ouverts. Parmi eux figure Johann Georg von Dillis (1759-1841), peintre munichois chargé des arts pour la Bavière, qui effectue un voyage d’étude de quelques mois en 1806. Pendant son séjour il tient un carnet, conservé à la Staatliche Graphische Sammlung de Munich, sous forme de journal de voyage, dans lequel il note ses observations ainsi que ses rencontres.

Fa particularité du séjour de Dillis, dont le carnet est le témoignage précieux, réside dans le regard actif - à la fois d’artiste, de conservateur et de critique - qu’il pose sur la scène culturelle française. Ses notes reflètent ses multiples points d’intérêt : étudier le système muséal à la française à travers les principales collections publiques, rencontrer les peintres français tels que Jacques-Louis David, mais en particulier les peintres de paysage, Jean-Victor Bertin notamment, et voir les œuvres saisies dans les pays vaincus, alors rassemblées à Paris. Son intention consiste clairement à acquérir des connaissances au profit de la vie artistique de Munich et particulièrement en vue de la création de nouveaux musées. Connu de longue date pour avoir été cité par de nombreux historiens d’art dans leurs études sur Johann Georg von Dillis, son carnet parisien n’avait pourtant jamais fait l’objet d’une étude approfondie.
L'artiste - l’œuvre - le spectateur : interactions esthétiques dans l’œuvre et les écrits de Daniel Buren
Authors: Jaillet Florence
Published: June 2021

Alors que de nombreux artistes de sa génération ont pris leurs distances avec le visible, Daniel Buren en a toujours revendiqué la prééminence, ce dont témoigne le nom choisi pour son principal instrument plastique, l’« outil visuel ». Donnée incontournable de son travail artistique, la dimension visuelle tient une place d’autant plus importante que l’œuvre se propose de questionner les conditions mêmes de sa monstration.

Elle s’apparente ainsi à un véritable protocole, mis en place au sein des structures d’exposition et de réception de l’art, impliquant la participation active et « réalisante » du spectateur. Pour accompagner ce processus au sein du musée mais également dans la rue, où son travail s’est fait de plus en plus présent à partir de la fin des années 1980, Daniel Buren fournit aux destinataires de ses œuvres des indications et consignes diffusés sur des supports multiples.

Ce sont quelques-uns des moyens utilisés par l’artiste pour livrer au récepteur les éléments nécessaires à l’activation des œuvres et à la réalisation même des protocoles esthétiques proposés, que cet article se propose d’étudier.
Archéologie et études urbaines : un point de vue
Authors: Derieux Dorothée
Published: June 2021

Archaeology and Urban Studies : A point of View.

The notion of urban landscape is apprehended by many disciplines of social sciences, among which urban archaeology takes a large place. Born in France in the 1970s, inspired by the North European studies, it was fully affirmed in France in the 1980s with the various operations on site. Now included in the global field of «urban studies», the urban archaeology draws on concepts related to the close disciplines and to the methods which enable it to establish a fruitful dialectic with them. Spaces, societies and temporalities are the three angles of approach of the urban archaeologist, inspired -but sometimes, opposed -by the works of historians, geographers, urban planners, anthropologists and sociologists.

This necessary dialogue between the disciplines whom contours are sometimes blurred, founder of a real “transdisciplinarity”, is the only guarantee of a genuine constructed and constructive discourse on the city as object.
Regarder Abu Dhabi : l’histoire de l’art face à la ville contemporaine
Authors: Texier Simon
Published: June 2021

Prenant appui sur l’exemple d’une ville neuve et à très forte croissance urbaine (Abu Dhabi, capitale des Emirats arabes unis) , ce texte vise à ouvrir un débat méthodologique. Quel rôle l’histoire de l’art, et plus spécifiquement l’histoire de l’architecture, peut-elle jouer dans l’analyse de la ville contemporaine ? En quoi ses méthodes, associées à celles des géographes ou des architectes, peuvent-elles apporter une contribution spécifique à la compréhension des phénomènes urbains ?

L’accent est également mis sur l’importance du travail photographique et, plus globalement, du rapport à l’image dans l’étude des projets récents. La seconde partie du texte propose l’esquisse d’une histoire de l’urbanisme et de l’architecture à Abu Dhabi, depuis les premiers plans britanniques dans les années 1960 jusqu’aux grands projets lancés en 2004, et propose des pistes de recherche sur des thématiques telles que la dualité spécifique/générique, la question patrimoniale dans une ville nouvelle, la privatisation de l’espace, enfin le rapport au modèle américain.
Les Ports de France (1753-1763) de Joseph Vernet : un regard au service du roi
Authors: Cantin Alexandre
Published: June 2021

The Joseph Vernet’s Ports de France : Views for the King’s Pleasure.

When he was charged of the mission of depicting the Ports de France, Vernet had not only to submit king of France an accurate representation of the harbours by him visited, but morover had to realize a succession of pleasant pictures.

At first sight, the Ports de France would seem to be a faithful depiction, but looking closer, it appears Vernet had to, for aesthetic reasons or royal propaganda, take a few liberties with truth. By itself the purpose of this royal commission marks the difference between the Ports de France and the veduta as conceived by Canaletto : unlike this Venetian painter, Vernet aims at giving overall and global views of the french harbours.

It would be on the contrary convenient to draw a link between Vernet’s paintings the views of Naples by Van Wittel, two royal commissions abiding by the same criterions and restraints.

Vernet nevertheless appears to be the one who skilfully mingle accuracy and beauty.
Turner à Marseille en 1828 : géographie d’un regard
Authors: Courtot Roland
Published: June 2021

Le peintre anglais William Turner a passé plusieurs jours à Marseille à la fin de l’été 1828, à l’occasion d’un voyage de Paris à Rome, pour lequel il a délaissé l’itinéraire habituel par les Alpes, pour celui de la Vallée du Rhône, du littoral provençal et ligurien. A cette occasion, il a rempli des dizaines de pages de ses carnets de croquis et réalisé deux aquarelles-gouaches sur papier. L’analyse détaillée de ces œuvres montre que cette boulimie de croquis lui sert de mémoire graphique pour des paysages qu’il découvre. Son attention est focalisée sur le port et sur le littoral : le monde de la navigation méditerranéenne, ses acteurs, ses bateaux, le cadre urbain et les fortifications qui lui servent d’écrin. Les aquarelles mettent en scène un modèle portuaire caractéristique (un havre étroit ceinturé et dominé par des constructions urbaines et des remparts) et expriment la troisième dimension par la monumentalisation des perspectives et la circulation de l’air et de la couleur entre les différents plans : les recherches de Turner sur la lumière se trouvent à nouveau illustrées dans cette étape marseillaise.
Une lecture nouvelle du patrimoine parisien : le Casier archéologique et artistique (1916)
Authors: Guilmeau Stéphanie
Published: June 2021

A New Reading of the Parisian Heritage : the Casier archéologique et artistique.

By initiating a methodical inventory of interesting buildings of the capital -the Casier archéologique et artistique -the Commission du vieux Paris entered the history of the contemporary architectural heritage. Started in 1916 with members of the Commission du Vieux Paris, the Casier integrates all architectural aspects of the city, from scholarly architecture to popular and new buildings, including prestigious and picturesque urban housing, transcending the scope stated by the Commission des monuments historiques.

As an original work, this inventory includes an exceptional pictures collection, with several hundreds prints of contemporary architecture, which are testimonies of one man’s interest in his time. Indeed, we always speak about the Casier archéologique et artistique of the Commission du vieux Paris, but it’s more an individual work than a collective operation. Since 1916, Louis Bonnier led the project until his completion in 1928. The mechanism analysis of the Casier, as an object and as an administrative department reveals the main role of Louis Bonnier in the architectural history and patrimonialization process of contemporary architecture.
Le nu d’atelier dans l’œuvre photographique de Robert Demachy (1859-1936)
Authors: Faure-Conorton Julien
Published: June 2021

The Nude Photography workshop in the work of Robert Demachy (1859-1936 ).

Deeply influenced by painting and sculpture, Robert Demachy worked in a painter’s studio were he sometimes photographed nude models. One of these photographs — a direct quotation of Phryne Before the Aeropagus — is a posthumous tribute to the painter Jean-Léon Gérôme, who was the photographer’s neighbor for many years. This homage demonstrates an unusual treatment of the theme of nudity in Demachy’s work. Although intended to lessen the impact of the exposed nude body’s inherent eroticism, the photographer’s various aesthetic decisions (choice of pose, accessories, printing techniques), serve in fact to glorify the sensuality of the undressed figure. This approach of nudity owes much to the genre’s ambiguous status in the context of pictorialism. Nudity in photography was a sensitive issue as well as a great source of inspiration. Thus nude studies were not often exhibited nor published. This is especially true of the work of Demachy despite the fact that he was one of the most prominent pictorial photographers.
Klein versus Manzoni. Le mythe et l’histoire
Authors: Galimberti Jacopo
Published: June 2021

Klein versus Manzoni : Myth and Historical Fact.

It is a generally accepted idea that the relationship between Yves Klein and Piero Manzoni was conflicted, and that the Italian artist parodied the idealistic posture of Klein. This article develops an analysis showing that this preconception does not have a historical basis. The detailed study of two cases, that of the Achromes and the payment with gold, reveals that Manzoni did not intend to satirize Klein. However, since the myth of a difficult relationship exists, this study will attempt to understand its origin. Finally, focusing on the historical elements that are available, it will be possible to detail the encounters between Klein and Manzoni, covering the 1957-1962 period, before the untimely death of the French artist. Focus on the opposition between the two artists has until now prevented a full comprehension of the diversity and complexity of their work. This article sheds new light on two protagonists of 1960s art, providing a rigorous account of the historical facts still lacking in the literature on this subject.
Les artistes constructeurs de la « civilisation machiniste »
Authors: Puineuf Sonia de
Published: June 2021

Artists as Constructors of the « Machine Civilisation »

Artists of the international avant-garde, between the two World Wars, felt that it was necessary to take position regarding the « machinism » which seemed to be an important fact in the Western society. While the Futurists saw the machine as a new divinity and the Expressionists feared it, the Constructivists tried to control it and to exploit its creative potential. New works of art were realised within help of the machine : artists were interested in photography, film, typography, radio. Architects tried to exploit the conquests of science and new techniques in order to define the look of the new city. Therefore modern art and architecture were seen as perfect examples for the construction of a real machine civilisation.
Konrad Wachsmann (1901-1980) : arpenteur de la pensée-machine dans la conception architecturale
Authors: Sabatto Steeve
Published: June 2021

La construction préfabriquée et les recherches conduites dans la quête d’une scientisation de la conception architecturale témoigne, dans le contexte de l’après Seconde guerre mondiale, d’une mutation singulière qui va de pair avec une réorganisation de la production de la connaissance scientifique programmée par l’État-Nord américain et un complexe d’organisations gouvernementales (département d’Etat, armée) et non gouvernementales (fondations, universités) dont l’architecte américain d’origine allemande, Konrad Wachsmann est, un traceur tout à fait remarquable. Conçus de 1942 à 1960 pour des commanditaires militaires (ou sous supervision militaire), ces systèmes constructifs de haute technicité répondent au souci d’une opérationnalité portée par une idéalité de la production automatisée dans des programmes aussi divers que la préfabrication de la maison individuelle (General Panel System) ou des superstructures aéroportuaires militaires (Mobilar System, US Air Force Hangar). Nous nous appuierons sur une analyse synchronique de ces objets techniques pour exposer le transfert du souci d’opérationnalité vers un imaginaire technique tant utopique que dystopique qui, paradoxalement, a nourri plus efficacement les investigations programmatiques de l'Utopie technologique que celles des ateliers de production.
Art et biotechnologies : de l’observation à la création du monstre
Authors: Etter Valérie , Le Dref Gaëlle
Published: June 2021

Art and biotechnologies : From observation to the creation of the monster

Because of his appearance, the monster displays his exceptionality, etymologically, he is a sign or an omen. With the constitution of medical science in the sixteenth and seventeenth centuries, the monster loses the attractiveness of the marvelous. The study and examination of the monster have given little by little birth to teratology and have generated new forms of representation. Thus, various illustrators, artists as well as scientists, created nomenclatures of the different human types. As soon as the nineteenth century, the monster was perceived as the unadapted, the deviant, the degenerate, a conception amplified by evolutionism and hereditarism. An iconographic representation of the decadent and the abnormal was created while the monster as such disappeared from public space. Today, biomedical technologies are available which make it possible to modify one’s body to conform to existing norms, but also perhaps to transform it in a more radical way. Bio-art which draws its inspiration from the biotechnologies which currently modify our world, tend to lay stress on the potentialities provided by these new ways of using living forms. This form of art called biotech generates contemporary chimera, new monsters which incite us to elaborate a new ethical thought.
Naturalia et mirabilia contemporaines
Authors: Voison Catherine
Published: June 2021

Les productions « artistiques » qui intègrent des manipulations effectuées en laboratoire sur le vivant, mettent en question la dimension esthétique des pratiques biotechnologiques et la portée critique de leur présence hors du champ de la science. Tels des ready-made biologiques se jouant de toute expérience sensible liée à la puissance première de parution de la vie, les artefacts issus des laboratoires apparaissent comme une mise en tension de l’exploitation de leur mode d’existence technique. La différence entre l’objet d’« art » et l’objet de laboratoire s’inscrit au titre d’une nécessaire transcendance de la logique de reprogrammation des mécanismes biologiques et se traduit par une mythification des biofacts et un culte singulier des biotechnologies. Par sa conduite transgressive des nouvelles pratiques d’une science qui concurrence le potentiel génésique du vivant, l’art biotechnologique donne vie à des objets renaturés qui sont autant d’incarnations du pire et/ou du meilleur des mondes.
Restaurations et présentations des peintures murales d’Herculanum et de Pompéi au musée du Louvre
Authors: Burlot Delphine
Published: June 2021

La collection des peintures murales conservées au département des Antiquités grecques et romaines du musée du Louvre s’est constituée au cours du XIXe siècle par des dons et par l’entrée en 1863 des fragments provenant de la collection Campana. L’étude présentée ici se concentre sur les peintures provenant d’Herculanum et de Pompéi et sur les différentes interventions qu’elles ont subies au sein du musée, témoins de l’évolution des politiques de présentation et de conservation de cette institution. Les peintures murales déposées étaient assimilées à des peintures de chevalet, et comme elles, elles étaient vernies et présentées dans des cadres en bois doré. Le traitement des lacunes varie suivant les époques et l’état de conservation des œuvres. Aujourd’hui le restaurateur est confronté à différents problèmes, conséquences des choix d’intervention pris dans le passé et doit trouver un équilibre entre la dé-restauration, la conservation de la matière originale et celle des restaurations antérieures.
Polémique et politique. La réception des peintures restaurées à Paris après spoliation (1795-1815)
Authors: Étienne Noémie
Published: June 2021

Controversy and politics. The reception of paintings restored in Paris after confiscation (1795-1815)

This paper discusses the importance given to the conservation-restoration of paintings publicly displayed in Paris around 1800. After the Treaty of Tolentino (1797), numerous works of art were brought to France. Some of these paintings were treated in the workshops of the Musée central des arts. The objective of such conservations operations was more than just the preservation of the objects ; the museum administration hoped to reverse the charges of vandalism leveled against it by directing the accusations back at the original owners of the works. It developed a written and visual strategy in the public sphere aimed at depicting the former owners as barbarians incapable of safeguarding their own heritage. The operations of conservation undertaken in Paris are in this light presented as beneficial actions, and the French administration emerges as a caring owner ; the presence of the works in French is legitimized by the good treatment they receive there. The conservation-restoration of paintings thereby reveals itself to be an essential justification for French cultural policies from around 1800.
De l’usage des mathématiques comme instrument de subversion : The Situationist Times (1962-1967)
Authors: Pollet Juliette
Published: June 2021

The use of mathematics as an instrument of subversion : The Situationist Times (1962-1967)

This article examines the journal The Situationist Times (The S.T. ), published by the Dutch artist Jacqueline de Jong from 1962 to 1967. The publication, with its complicated beginnings, brought together dissidents of the Situationist International, former surrealists and ex-members of CoBrA. The influence of Asger Jorn played a decisive role. The S.T. dedicated two of its issues to mathematics and to topology in particular. What reasons and circumstances led these artists to take an interest in such a difficult and relatively unrecognized field ? The analysis of the journal has been enriched by the study of Asger Jorn’s writings and their comparison with other, similar undertakings, in which the use of mathematics translates a desire to invent new conceptual models. The S.T. humorously combines scientific demonstrations and heady arguments that inspire doubt and confusion in the mind of the reader. It thereby breeds confusion and subverts scientific discourse. But subversion can also be understood here in its more literal sense. As a science of continuities and transformations, topology allows for the study of spaces in which the usual spatial markers
Les parallèles entre les arts en Inde ou l’art de l’ambiguïté
Authors: Lefèvre Vincent
Published: June 2021

De nombreux textes indiens, notamment des traités normatifs, proclament que la connaissance d’un type d’expression artistique ne saurait se faire sans celle de tous les autres et que musique, poésie, danse, peinture, sculpture et architecture sont intimement liées. Les parallèles sont particulièrement frappants entre les arts visuels et les arts dramatiques, qu’il s’agisse du théâtre ou de la danse, qui partagent un vocabulaire iconographique et gestuel commun. Mais, au-delà de ces parallèles visibles, ce sont les principes de composition et de figures de style propres à la littérature sanskrite qui se retrouvent dans la sculpture et la peinture. Cet article s’attache à en montrer quelques exemples, en insistant plus particulièrement sur les images composites, que l’on peut mettre en parallèle avec les facultés de composition grammaticale du sanskrit, et sur les images à double sens, qui peuvent représenter deux personnages à la fois, voire plusieurs histoires en même temps.
Poussin, “Ut Pictura Poesis” and the Corporeal Poetics of Painting
Authors: Unglaub Jonathan
Published: June 2021

Poussin, “Ut Pictura Poesis ” and the Corporeal Poetics of Painting.

This essay reflects upon two of the fundamental texts on the relationship of the sister arts of painting and poetry, Gotthold Lessings’s Laocoön and Rensselaer Fee’s Ut pictura poesis. Though the latter is more historically nuanced in recognizing how the theory and practice of narrative painting draws upon the example of poetry and poetic theory, both authors insist on the proper competencies of each medium. Painting captures the immutable spatial presence of corporeal beauty that can be apprehended in a single glance. Poetry represents the temporal sequence of unfolding action and expounds mental concepts. Referencing recent studies on Fee’s own examples of paintings of Rinaldo and Armida by Nicolas Poussin, the essay considers how the artist’s works challenge the absolute distinction between corporeal art and temporal poetry that Fessing claimed invalidated the notion of “ut pictura poesis.” In Poussin, it is precisely the display of an exquisitely beautiful body that accommodates the poetic imagery through which Tasso and his imitators stage the amorous encounter and its temporal denouement. Through stoking the beholder’s desire for the painted body as a concrete object, Poussin unleashes the very passions that animate the sequential reversals and allegorical resonance of the literary text.