bluuebunny/crossref_metadata_2025 huggingface dataset:
Features of the Formation of Visual Series of Music Videos
Authors: Mukhortikova Elena A.
Published: July 2021

This article explores the typology of visual means of modern music videos on the television screen and their impact on the audience. For the first time, there are studied the distinctive features of building visual series of music videos basing on three types of musical compositions. The structure of the visual series is based on their connection with the plot features of the work and their impact on the viewer based on the sense of belonging of the audience to what is happening on the screen, attracting their attention to the aesthetic opportunities of music video products.

The article examines the features of building visual series in combination with visual means of music videos. There are considered the origin, periods of development and features of the visual series of music videos. The basis for drawing the foundations of cinema to the visual and expressive means of music videos is its aesthetics, which contributes to constructive transformations in the development of new, modern means of computer technologies. The use of cinematic aesthetics contributes to the development of the narrative thought of music videos. In this study, the following typology of visual video series is highlighted: plot, illustrative, parallel; some examples of music videos are given. There is established that each of the considered visual series of videos is based on the features of the musical content of the work and its plot construction. This is based on a specific perception by the viewer, which causes penetration into the image, a sense of belonging to what is happening on the screen, and feelings for the characters. The article concludes that the viewer’s perception is influenced, to a certain, extent by the features of the visual series of videos, which have their own contrapuntal aesthetics, coupled with the general idea of the music video and the differences in the performer’s vision of the composition.
Musical Intonations in N.S. Leskov’s Tale “The Left-Hander” and their Embodiment in the Opera of the Same Name by R.K. Shchedrin
Authors: Siverskaya Tatiana M.
Published: July 2021

The article is devoted to the manifestations of musicality in N.S. Leskov’s works and its influence on other artworks created on the writer’s plots (specifically, in the genre of opera). The author focuses on the tale “The Left-Hander”, using as examples phrases of one of the characters, Ataman Platov.

The approach proposed by the author is based on a structural, genre and intonation-rhythmic analysis of the primary source text, with documentation of its features. The potential intonation and rhythmic variants of reading individual literary phrases, recorded using conventional musical notation, allow not only to visually compare the shades of their semantic content, but also to correlate them with the musical versions presented in R.K. Shchedrin’s opera “The Left-Hander” (2013). The correlation of the graphic schemes of intonation structures of textual and melodic phrases allows to substantively determine the correspondences and discrepancies in them. In addition, the article notes such musical expressive means that make it possible to convey the intonation of characters’ speech and to outline the characteristic features of their image, such as timbre, tempo, dynamics, etc.

Basing on the conducted research, the author makes a conclusion about the influence of text intonations on the formation of perception of characters’ image and the melody of their “musical” speech.

The method of intonation-rhythmic analysis of a prosaic literary text, proposed by the author, is a new development in the field of studying the problems of the mutual influence of literature and music; it can find wide application in research in this direction.
Anton Grigoryevich Rubinstein and his Russian Publishers
Authors: Shabshaevich Elena M.
Published: July 2021

The article presents a focused look at the professional relations of the composer and pianist Anton Grigoryevich Rubinstein (1829—1894) with his main Russian publishers — V.V. Bessel and P.I. Jurgenson. The article is based on musical and historical research concerning the history of the Bessel and Jurgenson publishing houses, works on copyright, A.G. Rubinstein’s epistolary, and archival documents from the Russian National Museum of Music. For the first time in music science, there are revealed some pages of the history of personal and business contacts of the three named persons, primarily the conflicts related to the rights to publish the composer’s works in Russia. The first documented contract for the publications of A.G. Rubinstein was received by P.I. Jurgenson (for op. 82, 1868). However, the contract of A.G. Rubinstein with the trading house “Bessel and Co.”, concluded in 1871 (though Rubinstein’s first work had been published by Bessel two years earlier), was much more extensive and significant. Under this contract, it was supposed to publish more than fifty A.G. Rubinstein’s works of various genres, so in the 1870s, V.V. Bessel became the main Russian publisher of the composer. However, in 1879, A.G. Rubinstein unexpectedly changed his main publisher in Russia. This position was taken by P.I. Jurgenson, whose trading house also published an extensive list of Rubinstein’s compositions, as well as his literary works. This is evidenced by several notarized contracts, stored in the Russian National Museum of Music, between Rubinstein and “P.I. Jurgenson” company. Thus, the two leading Russian publishers of A.G. Rubinstein legally formalized their relations with the composer, which allows us to follow, in a reasoned and substantive way, the process of maturation of the institution of copyright for music publications in Russia in the last third of the 19th century.

Using the example of A.G. Rubinstein, in comparison with the position of M.A. Balakirev, the article also raises the issue of granting copyright to a publisher not only in Russia, but also “forever and for all countries”. The comparative analysis of publications of the same composer by different publishing companies is also new to Russian musicology, this helps identify certain accents that publishers put in popularizing A.G. Rubinstein’s works. The publication of the composer’s works by various publishers also highlights new aspects in his creative process, in the history of the creation, receipt of the opus number, and the titles of some of his works.
Bulgarian Modernist Publications in the Database “Books in Russian Published Abroad, 1927—1991”
Authors: Nosov Nikolay N.
Published: July 2021

The article is devoted to the reflection of Bulgarian literary modernism of the 20th century in Bulgarian publications in Russian. The relevance of the article is supported by the fragmentary assimilation of Bulgarian modernism by Russian literary studies, which is insufficient to carry out the necessary completeness of the intercultural dialogue, given that the Bulgarian modernists largely focused in their work on the achievements of Russian symbolism and the Silver Age as a whole. The author traces the local features of the development of modernism in Bulgaria, which determine the validity of including in it the trends of symbolism and expressionism, often appearing in Bulgarian literature in syncretism. The article concretizes the stylistic and thematic uniformity of a number of Bulgarian literary phenomena of the 20th century, which proves the self-sufficiency of Bulgarian modernism as a full-fledged trend. Based on the material of Russian-language publications issued in Bulgaria and reflected in the database of the Bibliography Department of the Russian State Library “Books in Russian Published Abroad, 1927—1991”, the article identifies the main representatives of Bulgarian literary modernism: P. Todorov, P. Yavorov, A. Dalchev, A. Strashimirov, N. Furnadzhiev, A. Karalichev, D. Debelyanov, G. Milev, N. Rainov, T. Trayanov. The author attempts to determine a specific place for each of them within the framework of the considered trend. On the basis of individual and collective publications identified when accessing the specified database, the article outlines the main features of the creative method and style of each of the authors under consideration, which are supported by examples from the texts. The author draws conclusions about the degree of completeness of Bulgarian modernism adaptation for Russian-speaking readers, which remains insufficient due to the limited number of translations, the tendentious selection of works for translation in the light of the ideological restrictions of the Soviet era, the disregard of a number of leading authors, and the lack of modern reprints and popularization of the accumulated body of translations.
Are hemoglobin and volume oxygen maximum (vo2max) relevant each other?
Authors: Wati Isti Dwi Puspita
Published: July 2021

The support for recording achievements in sports achievements, two of which are the ability to enter oxygen (O2) into the lungs and further the ability to take up this oxygen so that it can be utilized in the process of providing energy. The second function of O2 is to transport carbon dioxide (CO2) through respiration. These two processes are carried out simultaneously at least between the respiratory cycle and its close relationship with hemoglobin. Hemoglobin is part of the blood which has a function to bind O2 and CO2 at the end in the process of respiration. The purpose of this study was to determine evidence of a relationship between HB and VO2max. This research is a descriptive correlational study. Samples are sports athletes who are preparing for Pre PAPUA. The number of samples was 83 athletes in the game group consisting of sand volleyball (6), badminton (17), Petanque (12), table tennis (13), and Futsal (35). Measurement of VO2max was done by using the Bleep test and HB with the Hb test. Based on Kendall's tau non-parametric analysis, it is found that HB and VO2max are sufficiently correlated, so it is not certain that the higher the HB the higher the VO2max, although in the process of supplying energy these two variables are mutually supportive and relate.
ANCIENT CIMMERIA IN THE CREATIVE WORK OF K. F. BOGAEVSKY
Authors: Филиппова Ольга Николаевна
Published: July 2021

Известный русский художник, заслуженный деятель искусств РСФСР К.Ф. Богаевский (1872-1943гг.) вошел в историю нашего искусства как выдающийся мастер пейзажной живописи. Неповторимая оригинальность произведений К.Ф. Богаевского отличала его от других пейзажистов, работавших в конце XIX– начале XX века. Он стал создателем героико-романтических картин, посвященных преимущественно восточному побережью Крыма – легендарной стране Киммерии. Источником вдохновения художника служили виды окрестностей древних крымских городов – Феодосии, Керчи, Судака, Бахчисарая.

Famous Russian painter, honored artist of the RSFSR K.F. Bogaevsky (1872-1943), was entered in the history of our art, as an outstanding master of landscape painting. Unique originality of the works of K.F. Bogaevsky distinguishes it from other landscape painters who worked in the late of the XIX – early of the XX century. He became the Creator of the heroic-romantic paintings, mainly devoted to the Eastern coast of the Crimea – the legendary country of Cimmeria. The source of inspiration of the artist served the neighborhoods of the ancient Crimean cities – Feodosia, Kerch, Sudak, Bakhchisarai.
THE IMAGE OF THE HOLY SAINT BLESSED XENIA OF ST. PETERSBURG. ARTIST-COLLECTOR-MUSEUM
Authors: Кутейникова Нина Сергеевна , Николаева Елена Николаевна
Published: July 2021

В статье рассмотрены материалы частной коллекции и Государственного музея истории религии, посвященные изображениям святой блаженной Ксении Петербургской, выполненные в разных материалах и техниках. Определены возможные формы взаимодействия между художником, коллекционером и музеем.

The article considers materials from the private collection and the State Museum of Religion History devoted to the images of the Holy Saint Blessed Xenia of St. Petersburg made in various materials and techniques. The possible forms of interaction between artists, the collector and the museum are defined.
Art installation as an object of creativity in design
Authors: Аронов Владимир Рувимович
Published: July 2021

Искусство инсталляции занимает важное место в творчестве дизайнеров XX – начала XXI вв. Не отрываясь от реальных предметных форм, они создавали многочисленные композиции, заставлявшие по-новому воспринимать их проектные идеи, которые опережали свое время и помогали бороться со стилевыми упрощениями и штампами в массовой культуре. В статье рассмотрены различные типы инсталляций и особенности уникального, авторского мировосприятия дизайнерами окружающей среды.

The art of installation occupies an important place in the creative work of designers of the 20th and early 21st centuries. Without detaching themselves from real subject forms, they created numerous compositions that made them perceive their project ideas in a new way, which were ahead of their time and helped to overcome style simplifications and stamps in mass culture. In the article various types of installations and features of the unique, author's worldview by environmental designers are considered.
Installation core in art jewelry the second half of XX – beginning of XXI centuries
Authors: Перфильева Ирина Юрьевна
Published: July 2021

Статья посвящена анализу художественных украшений, как принято определять это стилистическое направление на Западе, или произведений авторского ювелирного искусства – в отечественной искусствоведческой терминологии, в контексте современных художественных практик. В центре исследования находится влияние, которое инсталляция как форма современного искусства оказала на развитие искусства ювелирного. Под опосредованным воздействием инсталляционного начала произошло принципиальное переосмысление традиционных функций и предметных форм украшений. В пластическом и жанровом отношении ювелирное дело вышло за пределы своих видовых границ и представляет одну из ветвей современного актуального искусства.

The article is devoted to analysis of artwork, as they determine this stylistic direction in the West, or works of jewelry art, domestic art terminology, in the context of contemporary art practices. The focus of the study is the impact that the installation as a form of contemporary art has had on the development of jewelry art. Due to the indirect, mediated installation influence, there was a fundamental rethinking of traditional functions and subject forms of jewelry. In plastic and genre terms, jewelry has gone beyond its specific boundaries and represents one of the branches of contemporary art.
Robert Raushenberg: from «combine painting» to installation
Authors: Ярцева Ольга Александровна
Published: July 2021

На протяжении своей карьеры Раушенберг занимался живописью, скульптурой, сценографией, представлял собой тип художника не ХХ, но XXI века. Его интересовали новые технологии, стремительно менявшийся мир вокруг: политически, социально, ментально. В период становления своего стиля Раушенберг находился в поисках ответа на вопрос о природе искусства, ему был близок экспериментальный подход, вдохновленный опытами европейского искусства начала прошлого столетия. Раушенберг использовал его при создании большого проекта, который получил название «комбинированная живопись» или «комбайны» (1953–1964). Именно он открыл дорогу американскому художнику к мировой известности и признанию.

Throughout his career, Rauschenberg was engaged in painting, sculpture, scenography, he was a type of artist, not XX, but the XXI century. He was interested in new technologies, the rapidly changing world around: politically, socially, mentally. In the period when his style was formed Rauschenberg searched of an answer to the question about the nature of art, he was close to the experimental approach inspired by the experiences of European art of the beginning of the last century. Rauschenberg used it to create a large project, which was called "combined painting" or "combines" (1953 – 1964). It opened the way for an American artist to world fame and recognition.
Thought in the work of Rodin
Authors: Иванов Андрей Владимирович
Published: July 2021

В статье анализируется тема мысли в художественном наследии Родена. Отталкиваясь от анализа роденовского творчества в книге Р.М. Рильке «Огюст Роден», автор доказывает, ссылаясь на собственные высказывания Родена об искусстве, что он считал его важной основой всеобщие геометрические формы и мысли Вселенной, которые способен познавать и воплощать художник. Анализируются работы Родена, где тема мысли отражена явно («Мыслитель», «Мысль», «Созерцание») и где она неявно присутствует в качестве основной темы («Врата ада», «Бальзак», скульптурные портреты В. Гюго). Исследуется важная идея отсутствия прогресса в искусстве, которую  неоднократно высказывал и обосновывал Роден.

The article analyzes the theme of thought in the artistic heritage of Rodin. Based on the analysis of Rodin's creativity In R. M. Rilke's book «Auguste Rodin», the author proves, referring to Rodin's own statements about art, that he considered the universal geometric shapes and thoughts of the Universe an important basis for it, which the artist is able to learn and embody. Rodin's works are analyzed, where the theme of thought is clearly reflected («Thinker», «Thought, «Contemplation») and where it is implicitly present as the main theme («Gates of hell», «Balzac», sculptural portraits of V. Hugo). An important idea of the lack of progress in art, which Rodin has repeatedly expressed and justified, is investigated here.
The ties. The Paradigms of Paradise. Auguste Rodin and Anselm Kiefer
Authors: Ковалева-Милорадович Анна Эдуардовна
Published: July 2021

Статья представляет собой обзор и анализ выставки работ О. Родена и А. Кифера в 2017 году в музее Огюста Родена в Париже. Отправной точкой выставки послужил труд «Соборы Франции», а сама экспозиция стала диалогом двух художников, выразив сближение двух эпох в едином ансамбле. Архитектура соборов, архитектоника человеческого тела,  связь духовного и материального миров, постоянное обновление  – вот некоторые из точек соприкосновения мастеров, которые стали предметом исследования.

The article is a review and analysis of the exhibition of works by O. Rodin and A. Kiefer in 2017 in the Museum of Auguste Rodin in Paris. The starting point of the exhibition was the work "Cathedrals of France", and the exhibition itself became a dialogue between the two artists, expressing the convergence of the two eras in a single ensemble. The architecture of cathedrals, the architectonics of the human body, the connection of the spiritual and material worlds, the constant renewal - these are some of the points of contact of the masters, which became the subject of this research.
The image of Auguste Rodin in the painting and graphics of his contemporaries
Authors: Черник Лидия Андреевна
Published: July 2021

В статье рассматриваются произведения живописи и графики, посвященные Огюсту Родену – мастеру, признанному одним из создателей современной скульптуры. За все развитие блестящей карьеры Родена его друзьями и товарищами, иностранными коллегами, почитающими талант мастера, было создано большое число портретов, каждый из которых внес свою лепту в формирование образа одного из самых известных скульпторов конца XIX – XX века. В настоящее время неизвестно какой-либо обобщающей работы, рассказывающей о портретах, написанных с Огюста Родена, однако по случаю 100-летия со дня его смерти вышел ряд статей (по большей части электронных), в которых освещается история создания того или иного портрета.

Таким образом, интересно рассмотреть в совокупности живописные и графические произведения, посвященные Родену. Это даст возможность под другим ракурсом взглянуть на личность великого скульптора; составить более полное представление о его характере, о месте, занимаемом им в художественном процессе последних двух десятилетий XIX – начала XX века, о развитии его мировой карьеры. Такой анализ поможет проследить, как трактовался образ скульптора в живописи и графике его современников, составляющих многонациональную аудиторию и занимающих разные места в жизни Огюста Родена.

The article deals with works of painting and graphics dedicated to Auguste Rodin – a master recognized as one of the creators of modern sculpture. For the whole development of Rodin's career his friends and colleagues, who respected the talent of the master, have created a large number of his portraits, each of which contributed to the formation of the image of one of the most famous sculptors of the late XIX – XX century. At the present time, there is no generalizing work describing the portraits written by Auguste Rodin, however, on the occasion of the 100th anniversary of his death, a number of articles (mostly electronic) were published, which deal with the history of the creation of a portrait.

It is interesting to consider in aggregate the pictorial and graphic works devoted to Rodin. This will give an opportunity to look at the personality of the great sculptor from a different angle; to make a more complete picture of his character, about the place he occupied in the artistic process of the last two decades of the XIX beginning of the XX century, about the development of his world career. Such an analysis will help to trace how the image of the sculptor was interpreted in the painting and graphics of his contemporaries, who make up a multinational audience and occupy different places in the life of Auguste Rodin.
Auguste Rodin and his drawings of Khmer ballet artists
Authors: Ярцева Ольга Александровна
Published: July 2021

Огюст Роден, один из основоположников современной скульптуры, приобрел мировую известность благодаря своим знаменитым скульптурным и графическим работам. В фокусе внимания художника на протяжении многих лет было изображение человеческого тела в процессе движения. Его завораживала эта уникальная биомеханика, которая ярче всего проявлялась в искусстве танца. Находясь в зените славы, Роден познакомился с экзотическими танцами Кхмерского королевского балета. В результате появилось более ста пятидесяти рисунков, которые открывают малоизученную страницу творчества французского мастера.

Auguste Rodin, one of the founders of the modern plastics, gained world fame thanks to his famous sculptural and graphic works. The focus of the artist's attention over the years was the image of the human body in the process of movement. He was fascinated by this unique biomechanics, which was most clearly manifested in the art of dance. Being in the zenith of glory Rodin became acquainted with the exotic dances of the Khmer Royal Ballet. As a result, more than a hundred and fifty drawings appeared, which opened up the little-studied page of the French master's work.
The portrait in the creative work of A.Y. Golovin
Authors: Филиппова Ольга Николаевна
Published: July 2021

Александр Яковлевич Головин (1863–1930) принадлежит к числу крупнейших деятелей русской художественной культуры конца XIX – начала XX века. Его искусство получило широкую известность и признание. О А.Я. Головине написаны книги, очерки, немало статей. Но искусство А.Я. Головина-портретиста – это малоисследованная область творчества этого замечательного живописца. Обширное портретное наследие художника не только не изучено в значительной своей части, но до сих пор еще малоизвестно. Оно оказалось распыленным, разбросанным по частным коллекциям и многочисленным музеям. Ряд первоклассных работ находится в зарубежных музейных собраниях. Немало головинских портретов – в запасниках столичных музеев. Цель данной публикации – это анализ его портретного творчества, который даст возможность по-новому взглянуть на этого интересного живописца.

Alexander Yakovlevich Golovin (1863–1930) is one of the greatest figures of Russian art culture of the late XIX – of the early XX century. His art became widely known and recognized. Books, essays, a lot of articles are written about. But, the art of Golovin – a portrait painter – is a little studied area of creativity of this wonderful painter. Extensive portrait heritage of the artist is not only not studied in large part, but still little known. It was dispersed, scattered throughout private collections and numerous museums. A number of first-class works are in foreign Museum collections. Many portraits by A.Y. Golovin are in the vaults of the capital's museums. The purpose of this publication is to analyze his portrait work, which will give an opportunity to take a fresh look at this interesting painter.
Methodology of a glass latern conservation and restoration painted by cold technique
Authors: Шаркова Екатерина Никитична
Published: July 2021

Предметом исследования и реставрации является фонарь матового стекла из коллекции музея-усадьбы Останкино. Он был частью убранства Этрусской гостиной Фонтанного дома графа Д.Н. Шереметева. Состояние сохранности плафона было удручающим, он был разбит на десятки фрагментов, живопись на стекле осыпалась.

Для определения плана и материалов консервации и реставрации были проведены физико-химические исследования, устанавливающие технику росписи – необжиговыми красками на основе органической смолы. Далее была разработана методика укрепления, очистки и восполнения красочного слоя.

После укрепления и очистки красочного слоя была проведена склейка предварительно подобранных фрагментов. Затем были восполнены утраты: небольшие – доливались по месту клеевым составом, большие – восполнялись путем снятия силиконовых форм и отливки в них восполнений. После восстановления всей формы фонаря были тонированы восполнения и клеевые швы, а также проведен монтаж предварительно очищенной бронзовой оправы.

The subject of our research and restoration comes from a collection of the Ostankino Estate. This lantern is a part of decoration of the Etruscan living room of the Fountain House in St. Petersburg belonged to a count Sheremetev. The condition of safety of a lantern was disappointing, it was broken into several large and many medium and very small fragments. It consisted of 100 fragments. Many pieces were lost. On all surface of glass and a painting layer we could observe the strong pollution. The color layer was badly destroyed, the surface of the fragments was very dirty there was a widespread peeling of the paint scales, the painting was constantly crumbling at every touch.

From the point of view of conservation and restoration operations it is interesting to know the old manufacturing technology of the lantern, namely technique of painting.

Therefore at first we took samples of a paint layer and gave them on the analysis to our physical and chemical laboratory. The research was conducted by the following methods: microscopy in the reflected light, microchemistry, X-ray Fourier microspectroscopy. After that the technique of consolidation, cleaning and filling the gaps of a paint layer was developed.

The joining process was initiated with the selection of fragments belonging to each other. Gluing started with the tiny fragments, until you get several large pieces of the lantern, let's call them blocks. Small loss on the already glued small blocks was then filled in place with an adhesive composition. The next stage was making of silicone molds of lost fragments. Large missing fragments were made using Araldite 2020. After reconstruction the whole form of the lantern, was completed tinting all the small losses, chips and adhesive joints by the developed technique. And the last step was the installation of pre-treated bronze frame.
Spiritual braces. Graphic series by artist Larisa Pastushkova devoted to Greece
Authors: Школина Евгения Викторовна
Published: July 2021

В статье дается искусствоведческий анализ графического цикла алтайской художницы Ларисы Пастушковой, который возник после путешествия в Грецию. Алтайский художник постоянно находится в творческом поиске. Внутреннее ощущение своей судьбы как путешественника, а также потребность в публичном высказывании приводят к возникновению циклов произведений на основе пережитых образов и эмоций. Глубоко погружаясь в историю и культуру той или иной страны, она еще спустя годы создает символические композиции, наполненные элементами древней культуры, мироощущением тонко чувствующего автора, тайной образов и знаков. Художник черпает образы из реального мира, но став частью картины, они приобретают более сложное значение. Выявляя и раскрывая многослойную символику композиций, автор статьи интерпретирует созданные Л.Н. Пастушковой художественные образы с точки зрения православного мировоззрения, которое оказало влияние на ментальность и присуще мировосприятию современного русского человека.

The article gives an art analysis of the graphic series by the Altai artist Larisa Pastushkova, which appeared after a trip to Greece. The Altai artist is constantly in search of creativity. The inner feeling of her fate as a traveler, as well as the need for public expression lead to the emergence of cycles of works based on the experienced images and emotions. Plunging deeply into the history and culture of a country, years later she creates symbolic compositions filled with elements of ancient culture, the worldview of the author, the mystery of images and signs. The artist draws images from the real world, but becoming part of the picture, they become more complex. Identifying and revealing the multilayered symbolism of her compositions, the author interprets the artistic images created by Pastushkova from the point of view of the Orthodox worldview, which influenced the mentality and the worldview of modern Russian people.
Vishvamata
Authors: Чандра Локеш
Published: July 2021

По разрешению выдающегося ученого Локеша Чандры мы продолжаем публиковать статьи из его «Словаря буддийской иконографии» (Нью-Дели, 2005) в переводе С.М. Белокуровой. Предыдущие публикации – в выпусках 4-6 и 8-11 журнала «Искусство Евразии». В центре внимания настоящей статьи – Вишвамата, «Мать Вселенной», дана ее иконография в различных вариантах. Статья проиллюстрирована.

With the permission of the outstanding scientist Lokesh Chandra, we continue to publish articles from his “Dictionary of Buddhist Iconography” (New Delhi, 2005) translated by S.M. Belokurova. Previous publications are in issues 4-6 and 8-11 of "The Art of Eurasia" journal. The focus of this article is Vishvamata, “Mother of the Universe”, her iconography in various versions is given. The article is illustrated.
Mongolian traditional ornament: arga motifs
Authors: Гантулга Д
Published: July 2021

В статье рассматриваются философские основания монгольской орнаментики. Исследуются основные положения традиционной мировоззренческой доктрины арга билиг применительно к анализу различного типа орнаментов. Выявляются соотношения тенгрианских положений и орнаментов типа арга.

The article discusses the philosophical foundations of the Mongolian ornamentation. The main foundations of the traditional doctrine of arga bilig in relation to the analysis of various types of ornaments are investigated. The correlations of Tengri positions and arga type ornaments are revealed.
Hemanta-devi
Authors: Чандра Локеш
Published: July 2021

По разрешению выдающегося ученого Локеша Чандры мы продолжаем публиковать статьи из его Словаря буддийской иконографии (НьюДели, 2005) в переводе С.М. Белокуровой. Предыдущие публикации в выпусках 46 и 812 журнала Искусство Евразии. В центре внимания настоящей статьи Хемантадеви, одна из четырех богинь времен года, дана ее иконография в различных вариантах. Статья проиллюстрирована.

With the permission of the outstanding scientist Lokesh Chandra, we continue to publish articles from his Dictionary of Buddhist Iconography (New Delhi, 2005) translated by S.M. Belokurova. Previous publications are in issues 46 and 812 of The Art of Eurasia journal. The focus of this article is Hemantadevi, one of the four Goddesses of seasons,her iconography in various versions is given. The article is illustrated.
«Lenataur» in the museum
Authors: Абальмасова Оксана Александровна
Published: July 2021

В статье представлен обзор выставки современного декоративноприкладного искусства Ленатавр, проходившей в Красноярском художественном музее имени В.И.Сурикова. Описание совместного творческого проекта музея и художников керамиста Елены Красновой и живописца Елены Лихацкой наглядно иллюстрирует технические трудности и творческие процессы, возникающие в совместной работе авторов произведений и куратора выставки. Автором с позиции куратора рассматривается подготовка выставки как творческий процесс и экспозиция выставки как самостоятельный художественный объект, при создании которого необходимо учесть множество взаимодополняющих факторов, соблюсти определенные условия экспонирования на музейной площади, совместить творчество разных художников, избежав диссонанса. Главная задача куратора состоит в том, чтобы представить произведения художников с такой позиции, при которой у посетителей возникает необходимость изучения творчества представленных авторов, которая вызывает побуждение к размышлению, привлекает внимание к животрепещущим вопросам современного общества, рассматриваемым в работах Елены Красновой.

The article presents an overview of the Lenataur exhibition of contemporary arts and crafts, which took place in the Krasnoyarsk Art Museum named after V.I. Surikov. A description of the joint creative project of the museum and artists (ceramist Elena Krasnova and painter Elena Lihacka) vividly illustrates the technical difficulties and creative processes that arise in the joint work of the authors of the works and the curator of the exhibition. From the position of the curator, the author considers the preparation of the exhibition as a creative process and the exhibition as an independent artistic object, the creation of which requires taking into account many complementary factors, meeting certain conditions of display on the museum square, combining the work of various artists, avoiding dissonance. The main task of the curator is to present works of artists from such a position, in which the visitors need to study the works of the submitted authors, which causes an incentive to reflect, draws attention to the burning issues of modern society, considered in the works of Elena Krasnova.
The charm of a doll
Authors: Смышляева Алена Александровна
Published: July 2021

В статье представлен обзор выставки кукол конца XIX начала XX века, которая состоялась с 12 февраля по 21 апреля во Владивостоке в Доме семьи Сухановых (филиал Приморского государственного объединенного музея им В. К. Арсеньева). Вэкспозиции были представлены куклы производства Франции, Германии, России, Италии, Японии и Китая. Все экспонаты из частной коллекции антикварных кукол, очень редких для дальневосточной части России.

The exhibition of dolls of the late 19th and early 20th centuries was held from February, 12 to April, 21 in Vladivostok in the House of the Sukhanov Family (a branch of the Primorsky State United Museum of V. K. Arsenyev). The exhibition presented dolls made in France, Germany, Russia, Italy, Japan and China. All exhibits were provided from a private collection of antique dolls, very rare for the Far Eastern part of Russia.
Art bronze of the Hunnu period in Tuva
Authors: Леус Павел Михайлович
Published: July 2021

Во II I вв. до н. э. Тува оказывается в составе кочевой империи Хунну. Происходит постепенная смена населения, приходят новые культурные традиции и материальная культура, что выражается в смене археологических культур. В это время в Туве появляются яркие образцы искусства хунну ажурные бронзовые пряжки с зооморфным и геометрическим орнаментом. До недавнего времени их находки в Туве были практически неизвестны. В ходе последних работ ТАЭ ИИМК РАН по берегам и на дне СаяноШушенского водохранилища при раскопках непотревоженных грунтовых могильников АлаТей 1 и Терезин была получена большая коллекция ажурных пряжек в хуннском стиле, а также другие предметы этой эпохи ханьские зеркала и монеты, предметы вооружения и украшения, керамика. Помимо известных среди ордосских бронз вариантов пряжек, здесь встречаются и абсолютно уникальные, не имеющие прямых аналогий экземпляры. Это говорит о высоком уровне мастеров металлообработки и позволяет считать территорию Тувы одним из центров создания и распространения изделий этого типа.

In the II I centuries BC Tuva is part of the nomadic Hunnu empire. A gradual change of population takes place, new cultural traditions and material culture come, which is expressed in a change in archaeological cultures. At that time, bright examples of Hunnu art appeared in Tuva openwork bronze buckles with zoomorphic and geometric patterns. Until recently, their findings in Tuva were virtually unknown. The Tuvan archaeological expedition of the Institute of the History of Material Culture of the Russian Academy of Sciences carried out work on the banks and at the bottom of the SayanoShushensky reservoir. During archaeological excavations of undisturbed soil burial grounds AlaTey 1 and Terezin, a large collection of openwork buckles in the Hunnic style was obtained, as well as other objects of this era Han mirrors and coins, weapons and jewelry, ceramics. In addition to the buckle variants known among the Ordos bronzes, there are also absolutely unique specimens that have no direct analogies. This indicates a high level of metalworking masters and allows us to consider the territory of Tuva as one of the centers for the creation and distribution of products of this type.
The origins of creativity and the heritage of Nadia Rusheva
Authors: Нан-Хоо Яна Александровна , Шойдук Любовь Шулуевна
Published: July 2021

В статье рассматривается творческое наследие известной, рано ушедшей из жизни художницы Нади Рушевой через призму ее становления в творческой атмосфере семьи отца, тувинского художника Н.К. Рушева, и матери, балерины Н.Д. АжикмааРушевой. Показано, что вся семья оставила яркий след в изобразительном искусстве Тувы проанализирован ряд работ Нади Рушевой, в том числе посвященных национальной культуре Тувы.

The article focuses on the creative heritage of the famous, early deceased artist Nadia Rusheva through the prism of her formation in the creative atmosphere of her family father, Tuvan artist N.K. Rushev and mother, ballerina N.D. AzhikmaaRusheva. It is shown that the whole family left a bright mark in the fine arts of Tuva a number of artworks by Nadia Rusheva are analyzed including those devoted to the national culture of Tuva.
Special features of Tuvan Buddhist art and pictorial style in tangka
Authors: Елихина Юлия Игоревна
Published: July 2021

Статья посвящена буддийскому тувинскому искусству и живописному стилю. Автор кратко выделяет основные направления развития художественной традиции и описывает некоторые наиболее интересные произведения из собрания Национального музея Республики Тыва.

The article focuses on Buddhist Tuvan art and pictorial style. The author briefly identifies the main directions of development of the artistic tradition and describes some of the most interesting works from the collection of the National Museum of the Republic of Tuva.
After the 1917th. Private Collection Exhibition at the Harbin Contemporary Art Museum
Authors: Зотова Ольга Ивановна
Published: July 2021

Выставка, прошедшая в июне 2019 года в Музее современного искусства Харбина, была организована Галереей русского искусства Jialand и частным коллекционером Джи Кай (Ji Kai) из Пекина. Эта выставка имела необычный формат: впервые зрителю предлагалось обширное частное собрание, насчитывающее несколько сотен произведений советского и российского искусства. Название выставки После 1917го года Частная коллекция советского искусства XX века указывает на широту временного охвата материала: от 1920х годов, периода легендарного русского авангарда, до 1990х, времени, когда советское искусство стало явлением и феноменом истории.

The exhibition, held in June 2019 at the Harbin Contemporary Art Museum, was organized by the Gallery of Russian art Jialand and a private collector from Beijing. This exhibition had an unusual format: for the first time the viewer was offered an extensive private collection, reading several hundred works of Soviet and Russian art. The title of the exhibition After 1917th Private collection of Soviet art of the XX century indicates the breadth of the temporary coverage of the material: from the 1920s, the period of the legendary Russian avantgarde, to the 1990s, the time when Soviet art became a phenomenon of history.
Embroidery technique in the composition of the Khakass ornament: traditions and modernity
Authors: Киштеева Оксана Вячеславовна
Published: July 2021

В настоящей статье рассматривается хакасский традиционный праздничный костюм как культурный феномен и материальный носитель орнамента и прочих культурных кодов, знаковых для национальной идентичности. Проблема изучения и сохранения традиций в вышивке хакасских орнаментов заключается в старении мастеров и слабой преемственности поколений, а также в плохой сохранности текстильного материала в археологических находках. Цель автора заключается в систематизации видов хакасского криволинейного орнамента в народном костюме, а также в анализе орнамента как упорядоченной системы знаков, опирающейся на мифологические основания и константы этнической культуры. В результате автор отмечает в технологии хакасской вышивки несколько видов декоративных швов, общих для кочевых народов Средней Азии, Казахстана, Южной Сибири, Дальнего Востока и Китая. Определены цветовые решения контура и середины орнамента, техника выполнения и материал. В семантическом контексте орнамента отмечены растительные и зооморфные мотивы с устойчивыми художественными характеристиками. В статье описаны композиционные решения, цвет, ритм элементов орнамента в их символическом контексте. Результаты исследования могут быть использованы как в образовательных программах, так и в проектах по сохранению художественных ремесел и традиционной хакасской культуры в целом.

The article is devoted to the Khakass traditional costume as a cultural phenomenon and a material carrier of ornament and other cultural codes that are symbolic for national identity. The problem of studying and preserving the traditions in embroidery of Khakass ornaments lies in the aging of craftsmen and poor continuity of generations, as well as in the poor preservation of textile material in archaeological finds. The purpose of the article is to systematize the types of the Khakass curved ornament in a folk costume, as well as to analyze the ornament as an ordered system of signs based on mythological foundations and constants of ethnic culture. As a result, the author notes in the Khakass embroidery technology several types of decorative seams common to the nomadic peoples of Central Asia, Kazakhstan, South Siberia, the Far East and China. The article identifies the color scheme of the contour and the middle of the ornament, the execution technique and the material. In the semantic context of the ornament, the author notes floral and zoomorphic motifs with stable artistic characteristics. The article describes compositional decisions, color, rhythm of elements of an ornament in their symbolic context. The results of the study are important for educational programs and can be used in projects to preserve art crafts and traditional Khakass culture in general.
Buryat Buddhist sculpture in the works of Maxim Tsoktoevich Gomboev
Authors: Жамбаева Туяна Иннокентьевна
Published: July 2021

Бурятская буддийская деревянная скульптура является уникальным видом искусства, вобравшим в себя основы иконографического канона, владение резцом, росписью, своеобразным художественным видением образов божеств в силу синтеза буддийской и местной шаманистской культур. В ней ярко проявился сплав буддийского канона и народной интерпретации облика божеств. В современный период данный вид искусства испытывает трудности, связанные с практически полной утратой линии преемственности между поколениями старых мастеров из числа ламского духовенства, репрессированных в 1930-е годы, и мастеров рубежа XXXXI веков. В данном контексте буддийская деревянная скульптура М.Ц. Гомбоева является важным звеном в деле сохранения и развития этой традиции. Автор подробно описывает процесс работы художника, техники, инструментарий как в резьбе по дереву, так и в работе по металлу. В результате исследования выявлено соотношение буддийского канона и национальных бурятских традиций и черт, фольклорная интерпретация канонических сюжетов, образов, колорита. В творчестве М.Ц. Гомбоева отмечена преемственность со школой С.-Ц. Цыбикова и работами монгольского художника Дзанабадзара.

Buryat Buddhist wooden sculpture is a unique art form, which incorporates the basics of the iconographic Canon, the possession of a chisel, painting, a kind of artistic vision of the deities images because of the synthesis of Buddhist and local shamanistic cultures. A fusion of the Buddhist Сanon and a folk interpretation of the deities character is clearly manifested in it. In the modern period, this art form is experiencing difficulties associated with the almost complete loss of continuity between generations of old masters from among the Lama clergy, repressed in the 1930s, and masters of the turn of the 20th 21st centuries. In this context, the Buddhist wooden sculpture of M.Ts. Gomboev is an important link in the preservation and development of this tradition. The author describes in detail the process of the artist, technology, tools both in woodcarving and in metal work. An important result of the study is the correlation of the Buddhist Canon and national Buryat traditions, a folklore interpretation of canonical plots, images, and color. There is a continuity with the school of S.-TS. Tsybikov and the works of the Mongolian artist Dzanabadzar in the creative heritage of M.Ts. Gomboev.
Invisible spaces of Buddhist plastic
Authors: Иванов Андрей Владимирович
Published: July 2021

В статье доказывается безосновательность достаточно широко распространенного взгляда на буддийскую пластику как лишенную динамики, индивидуальных черт лица и человеческих эмоций. На примере творчества философа и художника Дзанабадзара показывается, что лики и позы будд и бодхисаттв отражают уровень сознания, который намного превосходит человеческий. Их мысль способна двигаться с бесконечной скоростью, а сознание одновременно фиксировать многие события в мире и влиять на них. Этого невозможно достичь без преодоления сугубо человеческих страстей и эгоистических желаний. Земным подтверждением реальности столь высокого уровня сознательного бытия является Хамбо-лама Итигэлов, вошедший в состояние глубокого самадхи в 1920-е годы и доселе сохранивший свое тело нетленным.

The article proves the baselessness of a fairly widespread view of Buddhist plastic as devoid of dynamics, individual facial features and human emotions. The study by the case of the creativity of the philosopher and artist Zanabazar shows that the faces and poses of Buddhas and Bodhisattvas reflect a level of consciousness that is much higher than human. Their thought is able to move with infinite speed, and consciousness at the same time to fix and influence many events in the world. This cannot be achieved without overcoming purely human passions and selfish desires. The earthly confirmation of the reality of such a high level of conscious existence is the Hambo Lama Itigelov, who entered into a state of deep Samadhi in the 1920s and still preserved his body incorruptible.