bluuebunny/crossref_metadata_2025 huggingface dataset:
Роль дивертисмента в формировании балетных сцен русской оперы первой трети XIX века
Authors: Чэнь Ц.
Published: December 2024

Статья посвящена дивертисменту на народные темы, жанру музыкального театра первой трети XIX века, который сыграл существенную роль в адаптации балетных сцен в русской опере. Специфическим качеством дивертисмента была его тесная связь с народными песнями, плясками и обрядовой культурой, вследствие чего он стал называться «русским дивертисментом». Мобильность структуры и способность отражать злободневные общественные события обеспечили дивертисменту популярность, что выдвинуло его с периферии в центр творческих экспериментов. Дивертисменты писали авторитетные оперные композиторы своего времени — К. А. Кавос, Д. Н. Кашин, С. И. Давыдов, Ф. Е. Шольц и другие. Постановщиками дивертисментов были ведущие балетмейстеры, признанные знатоками народных традиций и русского плясового фольклора, — И. М. Аблец, А. П. Глушковский, И. И. Вальберх, И. П. Лобанов. Таким образом, дивертисмент становился для его создателей своеобразной творческой лабораторией, в которой разрабатывались интонационные основы музыкального языка и стилевые черты характерного танца, обладающие яркой национальной самобытностью. Новые выразительные возможности музыкально-театрального жанра естественно переносились в оперные спектакли. В статье дан обзор известных дивертисментов XIX века, отмечаются их композиционно-драматургические особенности. Ключевые слова: дивертисмент, музыкальный театр, опера, балет, фольклор, традиционные обряды, народные гулянья

The article is devoted to a unique genre of musical theater of the first third of the 19 century — divertimento on folk themes, which played a significant role in the adaptation of ballet scenes in Russian opera. The specific quality of the divertimento was its close connection with folk songs, dances and ritual culture, as a result of which it became known as the “Russian divertimento”. The mobility of the structure and the ability to easily respond to topical social events provided the divertissement with popularity, which pushed it from the periphery to the center of creative experiments. Divertissements were written by authoritative opera compositors of their time — K. A. Kavos, D. N. Kashin, S. I. Davydov, F. E. Scholz and others. The directors of the divertissements were leading ballet masters, recognized experts in folk traditions and Russian dance folklore, — I. M. Ablets, A. P. Glushkovsky, I. I. Valberkh, I. P. Lobanov. Thus, the divertimento became a kind of creative laboratory for its creators, in which intonation bases of the musical language and the style of the characteristic dance were developed, which have a bright national identity. The new expressive possibilities of the musical and theatrical genre were naturally transferred to opera performances. The article gives an overview of the famous divertissements of the 19 century, their compositional and dramatic features are noted.
Сольфеджио в контексте трудов российских музыковедов
Authors: Цзи Ш.
Published: December 2024

Цель статьи — изучение содержания и структуры дисциплины «сольфеджио», которая является базовой на всех этапах развития музыканта. Автор обращается к наиболее значительным концепциям сольфеджио, созданным российскими музыкантами и учеными в разные периоды истории музыкального образования. В статье прослеживается путь становления дисциплины, основные этапы ее развития и показано, как изменялись задачи дисциплины в зависимости от понимания стратегий образования, а также от состояния музыкальной культуры в целом. Специальное внимание уделяется современным трудам, посвященным определению специфики и путей совершенствования музыкального слуха. Анализ работ М. С. Старчеус и М. В. Карасевой показал, что в российском музыкальном образовании преподавание сольфеджио отражает изменения, происходящие в культуре (появление цифровых инструментов, развитие средств коммуникации). Единство традиций и инноваций позволяет считать российскую систему сольфеджио одной из наиболее прогрессивных в мире.

The purpose of the article is to study the content and structure of “solfeggio” course, which is basic at all stages of musician's development. The author refers to the most significant concepts of solfeggio created by Russian musicians and scientists at different periods of music education history. The article traces the way of formation of the discipline, the main stages of its development and demonstrates how the tasks of the discipline changed depending on the understanding of educational strategies as well as the state of music culture in general. Special attention is paid to the contemporary works, devoted to the definition of the specifics and ways to improve the musical ear. The analysis of works by M. S. Starcheus and M. V. Karaseva has shown that solfeggio teaching in Russian music education reflects the changes taking place in culture (appearance of digital instruments, development of communication means). The unity of traditions and innovations allows to consider the Russian system of solfeggio as one of the most progressive in the world.
Джазовая додекафония Ричарда Беннетта: Концерт для Стэна Гетца
Authors: Кром А.Е.
Published: December 2024

В статье рассматривается Концерт для Стэна Гетца (для тенор-саксофона, струнных и литавр, 1990) выдающегося английского композитора Ричарда Родни Беннетта (1936–2012). В этом сочинении автор органично соединяет традиции академической музыки, в том числе свободно трактованную двенадцатитоновую технику, с джазовой идиоматикой. Беннетт опирается на характерные черты концертного жанра: трехчастный цикл, построенный по принципу темпового и жанрового контраста между частями, атмосферу игры, свободного творческого состязания солиста и оркестра, эффектные каденции, классические формы. Звуковысотная организация опуса связана с додекафонным методом композиции. Анализ концерта позволил установить, что двенадцатитоновая серия, изложенная в своих основных формах в начале первой части, пронизывает все сочинение, придавая ему интонационное единство и целостность. Джазовая стилистика проявляет себя в выборе и интерпретации тембра тенор-саксофона, сольных хорусных импровизациях, красочных джазовых гармониях с многотерцовыми альтерированными аккордами во второй части, остром синкопированном ритме при регулярной метрической пульсации.

The article discusses a Concerto for Stan Getz (for tenor saxophone, strings and timpani, 1990) by the outstanding English composer Richard Rodney Bennett (1936–2012). In this composition, the author organically combined the traditions of academic music, including the freely interpreted twelve-tone technique, with jazz idiomatics. Bennett relies on the characteristic features of the concert genre: a three-part cycle built on the principle of tempo and genre contrast between parts, the atmosphere of the play, free creative competition between soloist and orchestra, spectacular cadences, classical traditional forms. The pitch organization of the opus is connected with the dodecaphone method of composition. The analysis of the concerto made it possible to establish that the twelve-tone series, set out in its main forms at the beginning of the first movement, permeates the entire composition, giving it intonational unity and integrity. Jazz stylistics manifests itself in the choice and interpretation of the timbre of the saxophone, solo chorus improvisations, colorful jazz harmonies with altered chords in the second part, syncopated rhythm.
Традиции кантонской оперы юэцзюй в фортепианных пьесах Чэнь Пэйсюня
Authors: Лю Ц.
Published: December 2024

Статья посвящена претворению богатых традиций кантонской оперы юэцзюй в сборнике из пяти фортепианных пьес китайского композитора XX века Чэнь Пэйсюня (1921–2007): «Гром во время засухи», «Вариации на тему двух летящих бабочек», «Продажа продуктов», «Тоска по весне», «Осенняя луна в Пинху». В своих программных миниатюрах автор опирается на самые известные образцы кантонской музыки — типовой репертуар напевов цюйпай и пайцзы, инструментальные пьесы юэлэ, авторские сочинения кантонских композиторов для различных инструментов. Чэнь Пэйсюню удалось воплотить характерные черты кантонской оперы и ее отдельных локальных разновидностей (хуачао). Он опирается на наиболее известные типовые напевы цюйпай, а их регистровое воплощение в фортепианных миниатюрах созвучно женским и мужским голосам в опере; сохраняет аутентичные пентатонные и гептатонные лады (в частности, типичные для региона лады ифань и чжэнсянь, а также пятиступенные лады, обогащенные дополнительными тонами жунь, цин-цзюе, бянь-гун); воспроизводит приемы орнаментики маотоу; имитирует тембры кантонского инструментального ансамбля (гаоху, янцинь, пипа) и даже подражает отдельным приемам игры на инструментах — таким как луньцзо, дачао. В фортепианном наследии Чэнь Пэйсюня популярные кантонские мелодии оперы юэцзюй получили второе рождение.

The article is devoted to the implementation of the rich traditions of the Cantonese yueju opera in a collection of five piano pieces by the contemporary Chinese composer Chen Peixun (1921): “Dry thunder”, “Variations on the Theme of Two Flying Butterflies”, “Sale of Food”, “Longing for Spring”, “Autumn Moon in Pinghu”. In his program miniatures, the author relies on the most famous examples of Cantonese music — a typical repertoire of qupai and paizi tunes, instrumental pieces yule, author's compositions by Cantonese composers for various instruments. The composer managed to embody the characteristic features of Cantonese opera and its individual local varieties (huachao): Chen Peixun relies on the most famous typical quipai melodies, and their register embodiment in piano miniatures is consonant with female and male voices in the opera; retains authentic pentatonic and heptatone modes (in particular, the modes of yifan and zhengxian typical for the region, as well as pentatonic modes enriched with additional tones © Лю Цзе, 2023 56 Актуальные проблемы высшего музыкального образования. 2023. № 1 (68) of run, qing-jue, bian-gong); reproduces the techniques of maotou ornamentation; imitates the timbres of the Cantonese instrumental ensemble (gaohu, yangqin, pipa) and even imitates certain methods of playing instruments — such as lunzuo, dachao. In Chen Peixun's piano legacy, the popular Cantonese melodies of yueju opera received a rebirth.
История формирования кафедры концертмейстерского мастерства Нижегородской (Горьковской) консерватории
Authors: Юдин А.Н.
Published: December 2024

В предлагаемой статье автор обращается к истории кафедры концертмейстерского мастерства Нижегородской (Горьковской) консерватории. Исследовательский интерес к этой теме обусловлен ярким и неординарным процессом ее становления и развития. Прежде всего внимание автора концентрируется на творческой судьбе музыкантов, стоявших у истоков обучения искусству аккомпанемента в музыкальном вузе. Вклад в концертмейстерскую историю некоторых из них (в частности, профессора Г. Домбаева) настолько значителен, что выходит за рамки конкретного региона, будучи связан непосредственно со всем процессом развития данной исполнительской сферы, прежде всего, в ее педагогическом аспекте. Кроме того, статья содержит замечания общетеоретического характера, поводом для которых послужили некоторые из биографических подробностей творческой жизни музыкантов, связавших свою жизнь с мастерством аккомпанемента и заложивших методические и практические основы ее преподавания в Нижегородской консерватории. Автор приходит к выводу о том, что яркая, индивидуальная история развития кафедры является важной частью отечественной концертмейстерской традиции, являясь залогом ее дальнейшего развития, а в исследовательском отношении — дальнейшего изучения.

In this article, the author reviews the history of the Accompaniment Chair in the Nizhny Novgorod (Gorky) Conservatory. The researcher’s interest is instigated by the colorful and unconventional process of its energence and development. First of all, the author focuses on the artistic careers of the musicians who stood at the beginnings of teaching the art of accompaniment in the music school. The contribution into the history of accompaniment made by some of them (in particular, Professor G. Dombayev) is so significant that it exceeds the borders of the specific region relating directly to the entire process of this performing art’s development, first of all, its teaching. The article also contains comments of a general theoretical nature resulting from some biographical details of the musicians who devoted their lives to the art of accompaniment and laid the methodological and practical foundations of its teaching in the Nizhny Novgorod Conservatory. The author comes to the conclusion that the colorful and original history of the chair’s development is an important part of the Russian tradition of accompaniment prompting its further development and encouraging further research.
Романс Чэнь И «Яркий лунный свет» как феномен музыкального двуязычия
Authors: Ли С. , Никитенко О.Б.
Published: December 2024

Статья посвящена особенностям стиля известного китайского композитора Чэнь И. В ее сочинениях заметно стремление соединить разные культуры и преодолеть границы музыкальных языков. Эти черты рассмотрены на примере романса «Лунный свет», первое исполнение которого состоялось в 2001 году. Романс написан на стихи эпохи Тан, переведенные на английский язык композитором. В произведении отчетливо выражено своеобразное музыкальное двуязычие Чэнь И: ее стиль балансирует на грани узнаваемых черт западной – китайской музыки, не «обнажая», однако, ни одно из начал. В статье представлен анализ музыкальной поэтики романса и ее сочетания со смысловыми структурами стихотворения. Исполнителям будут интересны существенные стороны композиторского понимания голоса как проводника музыкально-поэтического смысла, источника произносимого слова и вокальной выразительности

The article is devoted to the peculiarities of the style of the famous Chinese composer Chen Yi. In her works, the composer's desire to unite different cultures and overcome the boundaries of musical languages is noticeable. These features are considered on the example of the romance "Bright Moonlight", the first performance of which took place in 2001. The romance is based on poetry from the Tang era, translated into English by the composer. The work clearly expresses the peculiar musical bilingualism of Chen Yi: her style balances on the verge of recognizable features of Western-Chinese music, without, however, "revealing" any of the principles. The article presents an analysis of the musical poetics of the romance and its combination with the semantic structures of the poem. The performers will be interested in the essential aspects of the composer's understanding of the voice as a conductor of musical and poetic meaning, the source of the spoken word and vocal expressiveness
Второй концерт для тромбона и фортепиано Владислава Блажевича: особенности композиции
Authors: Иванов А.И.
Published: December 2024

Владислав Михайлович Блажевич известен как замечательный тромбонист и педагог, который за годы преподавания в Московской консерватории сформировал отечественную школу исполнителей на духовых инструментах. В свою очередь, композиторская деятельность Блажевича на сегодняшний день малоизучена, хотя он является автором целого ряда сочинений в различных жанрах, в том числе, 13 концертов для тромбона и фортепиано, созданных в 1930–1940-е годы. Второй концерт для тромбона и фортепиано (1933) занимает особое место в музыкальном наследии мастера. Здесь проявились важные черты его стиля, индивидуальная трактовка концертной композиции как развернутой контрастно-составной формы с тематическими арками, новый подход к тромбону как виртуозному инструменту. Тембр солирующего тромбона демонстрирует целую палитру красок, связанных с воплощением жанровых, скерцозных, лирико-эпических образов. Эта партитура по праву вошла в «золотой» репертуарный фонд отечественной музыки для тромбона. От Второго концерта, как от яркого художественного истока, пролегает путь ко многим сочинениям этого жанра вплоть до настоящего времени. Именно этот опус Блажевича показал возможности создания современной композиции для тромбона не только в сопровождении фортепиано, но и с участием оркестра

Vladislav Mikhailovich Blazhevich is known as a wonderful trombonist and teacher, who, over the years of teaching at the Moscow Conservatory, formed the national school of wind instrument performers. Blazhevich's compositional activity still remains in the shadows, although he is the author of 13 concertos for trombone and piano, created in the 1930s and 1940s, works of other genres. The second Concerto for trombone and piano (1933) occupies a special place in the master's legacy. Here the important properties of the his style manifested themselves, his individual solution of a concert composition as an expanded contrast-composite form with thematic arches, a new approach to the trombone as a concert instrument with virtuoso properties. The timbre of the solo trombone demonstrates a whole palette of colors, associated with the embodiment of genre, scherzo, lyrical and epic images. This score was rightfully included in the “golden” repertoire fund of Russian music for trombone. From the Second Concert, as from a bright artistic source, leads the way to many compositions of this genre up to the present time. This Blazhevich's opus showed the possibilities of creating a modern composition not only for trombone and piano, but also with the participation of an orchestra
Китайские «сюжеты» в творческой биографии Ф. Крейслера
Authors: Гун М. , Бочкова Т.Р.
Published: December 2024

В статье осмысливается процесс формирования интереса знаменитого австрийского скрипача первой половины XX века Ф. Крейслера к китайской культуре, начиная от общеевропейских процессов, связанных, например, с экспозициями павильонов Японии и Китая, представленных на Всемирной выставке в Париже 1900 года, символизировавшей начало XX столетия, до конкретных событий в творческой жизни музыканта. В отечественное научное «поле» вводятся дополнительные архивные данные об истории появления концертной фантазии «Китайский тамбурин», которые связаны с впечатлениями скрипача, полученными в «Китайском театре» Сан-Франциско и во время празднования китайского Нового года в районе Чайнатаун. Автором проводится анализ элементов китайской музыкальной культуры в концертной фантазии Крейслера, в частности использование пентатоники, особых фактурных и артикуляционных приемов, связанных с практикой исполнения на традиционной китайской флейте чжуди. В статье изложено много деталей, касающихся фактологии гастролей Ф. Крейслера в Китае в 1923 году. Большое внимание уделено материалам периодических изданий того времени на китайском и английском языках. Акцент сделан на интервью скрипача пекинской газете The China press (大陆报), в котором он объяснил появление в его творчестве «китайского» произведения до личного знакомства с культурой Поднебесной

The article delves into the process of how the famous Austrian violinist of the early 20th century, F. Kreisler, developed an interest in Chinese culture. It begins by exploring the broader European processes related to exhibitions of the Japanese and Chinese pavilions at the 1900 World Exhibition in Paris, which symbolized the beginning of the 20th century. The article then delves into specific events in the musician's creative life. Additional archival data on the history of the creation of Kreisler's concert fantasy, “Chinese Tambourine”, is introduced into the domestic scientific “field”. These data are connected to the impressions the violinist obtained at the “Chinese Theater” in San Francisco and during the celebration of Chinese New Year in Chinatown. The author analyzes elements of Chinese musical culture present in Kreisler's concert fantasy, particularly the use of pentatonic scales and special textural and articulation techniques associated with the practice of playing the traditional Chinese flute known as the “zhudi” (竹笛). The article presents numerous details regarding Kreisler's concert tours in China in 1923. Significant attention is given to materials from periodicals of that time published in Chinese and English. The emphasis is placed on an interview the violinist gave to the Beijing newspaper, The China Press (大陆报), in which he explained the emergence of “Chinese” compositions in his work prior to his personal acquaintance with Chinese culture
Отзвуки «Тоски». Из истории интерпретации оперы Дж.Пуччини
Authors: Мастранджело Ф.
Published: December 2024

В статье дан анализ истории записей интерпретаций оперы Джакомо Пуччини «Тоска», осуществленных в период с 1918 по 2009 годы известными певцами, инструменталистами и дирижерами (всего за эти годы было осуществлено 250 полных записей оперы). Автор статьи обосновывает роль записи спектаклей, дающей возможность оценить «бессмертие» великих интерпретаций шедевра Пуччини высокопрофессиональными музыкантами. Для понимания искусства Пуччини это наследие имеет особое значение, поскольку композитор многократно перерабатывал свои сочинения, и как следствие они имеют различные версии существования. Сосуществование различных интерпретаций, при равной их убедительности и высоком художественном качестве, автор статьи полагает важным аргументом, оказывающим гениальность шедевра Пуччини

The article analyzes the history of recordings of interpretations of Giacomo Puccini's opera “Tosca”, carried out in the period from 1918 to 2009 by famous singers, instrumentalists and conductors (in total, 250 complete recordings of the opera were made during these years). The author of the article substantiates the role of recording performances, which makes it possible to appreciate the “immortality” of the great interpretations of Puccini's masterpiece by highly professional musicians. For understanding Puccini's art, this heritage is of particular importance, since the composer reworked his compositions many times, and as a result, they have different versions of existence. The coexistence of different interpretations, with their equal persuasiveness and high artistic quality, the author of the article considers important arguments proving the genius of Puccini's masterpiece
«Образцовые спектакли» и их роль в развитии музыкальной культуры Китая ХХ–XXI веков
Authors: Сюй Ц.
Published: December 2024

Так называемые «образцовые спектакли», возникшие по инициативе Мао Цзэдуна, за пределами Китая известны как продукт идеологизированного искусства периода китайской истории. Однако изначально главная задача не только государственных, но и творческих деятелей была связана с актуализацией уникального жанра традиционной культуры — пекинской оперы, которая задолго до «культурной революции» начала терять живую связь со стремительно меняющейся современностью. «Образцовые спектакли» стали центром коллективных усилий китайских музыкантов и литераторов, ищущих проекцию соединения европейского оперного жанра с эстетическим богатством собственной театральной традиции. Революционные сюжеты, на основе которых создавались спектакли, были далеко не самым главным «пунктом» ее обновления. На короткий момент (с начала 1980-х годов) эти произведения сошли со сцены, но с течением времени они вновь стали появляться в репертуаре национальных театров. «Образцовые спектакли» получают широкое распространение, становится заметной их роль в популяризации традиционного театра, оказавшегося к последней трети столетия на грани забвения. В статье рассмотрены некоторые особенности самой репертуарной «образцовой» оперы «Взятие хитростью горы Вэйхушань», в которой традиционные элементы пекинской оперы сочетаются с самыми смелыми новациями китайской современной музыки

The so-called “exemplary performances” that arose initiative Mao Zedong, outside of China are known as a product of ideologized art odious period of Chinese history. However, initially, the main task not only government officials, but also creative figures was connected with actualization of a unique genre traditional culture — Beijing opera, which long before “cultural revolution” began to lose living connection with a rapidly changing modernity. “Exemplary performances” became the center collective efforts Chinese musicians and writers looking for a projection of connection European opera genre with an aesthetic richness of own theatrical tradition, and revolutionary plots on basis which the performances were created were far from the most important “point” its renewal. For a brief moment (from early 1980s) these works seemed to have left stage, but over time they began to appear again in repertoire of national theaters. “Exemplary performances” are becoming widespread, their role in popularizing traditional theater, which was one verge of oblivion by the last third of century, becomes noticeable. An article discusses some features most repertory “exemplary” opera “The Capture of Weihushan Mountain by Cunning”, in which traditional elements Beijing opera are combined with the most daring innovations Chinese contemporary music
Сочинения для скрипки и органа Й. Славенски: связь времен и стилей
Authors: Евдокимова А.А.
Published: December 2024

Творчество выдающегося сербского композитора Йосипа Славенски, одного из основоположников симфонической музыки Сербии, в европейских странах широко известно. В России его произведения не звучат и не привлекают внимание исследователей. Данная статья вводит в научный обиход сочинения Славенски для скрипки и органа, имеющие названия «Sonata religiosa» и «Adagio religioso». Они отразили интерес композитора к мистически понимаемой идее возникновения Вселенной и человека. В статье параллельно с анализом данных произведений высказано предположение о связи их с образами первой главы книги Бытия. Результаты исследования стиля данных сочинений позволяют сделать выводы о широте представленных в них художественных ассоциаций. В их числе: средневековая хоральность заключительной партии Сонаты; барочное строение главной партии (ядро и развертывание), использование полифонических приемов в разработке; классичность строения музыкальных форм (сонатной и простой трехчастной); романтический колорит лирических, национально окрашенных тем побочной партии и Адажио; с ХХ веком связаны 12-тоновая вертикаль, использование кластеров и серийной техники. Столь широкий стилистический «горизонт» создает всеохватность основных явлений истории музыки. Это позволяет данным сочинениям Й. Славенски продолжать жизнь в XXI веке, свободно сочетающем признаки всех предыдущих эпох музыкальной культуры

The creative work of the outstanding Serbian composer Josip Slavensky, one of the founders of Serbian symphonic music, is widely known in European countries. In Russia, his pieces are not heard and do not attract the attention of researchers. This article introduces into scientific use Slavensky's works for violin and organ, which have the titles “Sonata religiosa” and “Adagio religioso”. They reflected the composer's interest in the mystically understood idea of the origin of the universe and man. In the article, in parallel with the analysis of these works, an assumption is made about their connection with the images of the first chapter of the book of Genesis. The results of the study of the style of these compositions allow us to draw conclusions about the breadth of the artistic associations presented in them. Among them: the medieval chorale of the final part of the Sonata; the baroque structure of the main party (core and deployment), the use of polyphonic techniques in development; classical structure of musical forms (sonata and simple three-part); the romantic flavor of the lyrical, nationally colored themes of the side part and the Adagio; the 12-tone vertical, the use of clusters and serial technology are associated with the 20th century. Such a wide cultural “horizon” creates an inclusiveness of the main phenomena of the history of music. This allows these compositions by J. Slavensky to continue their life in the 21st century, which just as freely combines the features of all previous eras of musical culture.
Глиняная традиционная музыка. Нижегородский взгляд
Authors: Харлов А.В.
Published: December 2024

В статье рассматриваются лабиальные (флейтовые) глиняные аэрофоны — игрушки-свистульки, обнаруженные в результате экспедиционных исследований педагогов и студентов кафедры теории музыки Нижегородской государственной консерватории им. М. И. Глинки. Актуальность работы состоит в недостаточной изученности «шумовых» инструментов с позиции компаративного анализа, сопоставляющего их с родственными по первичным типологическим признакам свистковыми глиняными флейтами. Автором предлагается гипотеза, позволяющая включить «звучащие» игрушки в категорию фоноинструментов, имеющих первоначально ритуальное значение. Рассматриваются причины неимения у свистулек статуса инструмента ввиду отсутствия ладовой организованности и крайне малых интонационных возможностей для мастеровой игры. Приводятся конструктивные и звуковые характеристики ближайшего родственного игрушкам аэрофона — фабричной окарины, обнаруженной в ходе экспедиции в Нижегородской области. Анализируются причины малой распространенности подобных образцов, изготовленных на европейских фабриках. Предлагаются методические рекомендации автора, касающиеся аппликатуры, позиции рук и дыхания, выработанные на основе собственного опыта по освоению лабиальных флейтовых традиционных инструментов в рамках деятельности фольклорно-этнографического ансамбля «Свети-Цвет». Статья является продолжением исследовательской работы по поиску и атрибутации традиционных аэрофонов, начатой в публикациях автора [1; 2]

The article discusses labial (flute) clay aerophones — whistle toys, discovered as a result of expeditionary research by teachers and students of the Department of Music Theory of the Glinka Nizhny Novgorod State Conservaoire. The relevance of the work lies in the insufficient number of scientific publications that analyze “noise” instruments from the standpoint of comparative analysis, comparing them with whistling clay flutes related by primary typological features. A hypothesis is proposed that makes it possible to include “sounding” toys in the category of phono instruments, which originally had a ritual significance. The reasons for the lack of the status of an instrument in whistles due to the lack of modal organization and extremely small intonation possibilities for masterful playing are considered. The design and sound characteristics of the closest aerophone related to toys, a factory ocarina found in the Nizhny Novgorod region, are given. The reasons for the low prevalence of such samples made in European factories are analyzed. Methodological recommendations of the author concerning fingering, hand positions and breathing, developed on the basis of their own experience in mastering labial flute traditional instruments within the framework of the activities of the folklore-ethnographic ensemble “Sveti-Tsvet”, are proposed. The article is a continuation of the research work on the search and attribution of traditional aerophones, begun in the author's publications [1; 2].
Исполнительство на эрху и виолончели в системе китайского музыкального образования
Authors: Петрова А.М. , Александрова Л.В. , Чжоу В.
Published: December 2024

Статья посвящена выявлению общих компонентов исполнительской техники при игре на китайском традиционном инструменте эрху и западноевропейской виолончели. Доказывается, что общность рассматриваемых приемов является определяющей для освоения двух типологически различных инструментов. Подобная взаимосвязь обусловлена самой исполнительской практикой, сложившейся и многократно апробированной в Китае на протяжении ХХ–XXI веков. Ее сущность заключается в концепции последовательного освоения струнных смычковых инструментов: на первом этапе обучения — это эрху, и только после — виолончель. Благодаря конструктивному подобию и сходству исполнительских приемов, переход с эрху на виолончель происходит спокойно и без потерь в технике. На примере пьесы «Эрцюань Ин Юе» («Отражение луны в источнике Эрцюань») Хуа Яньцзюнь (Абин), авторы исследуют и сравнивают исполнительские приемы игры на эрху и виолончели. Актуальность темы концентрируется на пересечении уникальности самой практики взаимодействия европейского и традиционного инструментария в контексте общности и непрерывности музыкального обучения, что является нетипичным опытом для российского музыкального образования, но характерным для китайского. В заключение изложены выводы о поэтапном формировании техники исполнителя при переходе с исполнения на эрху на обучение игре на виолончели.

The article is devoted to identifying common components of performing technique when playing the Chinese traditional instrument erhu and the Western European cello. It is proved that the commonality of the techniques under consideration is decisive for the development of two typologically different tools. Such a relationship is due to the performing practice itself, which has developed and been tested many times in China throughout the 20th and 21st centuries. Its essence lies in the concept of sequential mastery of stringed bowed instruments: at the first stage of training, it is the erhu, and only after that, the cello. Thanks to the constructive similarity and similarity of performing techniques, the transition from erhu to cello occurs calmly and without loss in technique. Using the example of the play “Erquan Ying Yue” (“Reflection of the Moon in the Erquan Spring”) by Hua Yanjun (Abin), the authors explore and compare performance techniques of playing the erhu and cello. The relevance of the topic focuses on the intersection of the uniqueness of the very practice of interaction between European and traditional instruments in the context of community and continuity of musical education, which is an atypical experience for Russian music education, but characteristic of Chinese. In conclusion, the conclusions about the gradual formation of the performer's technique during the transition from performing to erhu to learning to play the cello are presented.
Фортепианная транскрипция в китайской музыке 2000–2010-х годов: поиски жанровых контактов
Authors: Цюй Ва.
Published: December 2024

Предлагаемая статья впервые представляет сочинения современных композиторов КНР, созданные уже в текущем веке в жанре фортепианной транскрипции. Именно они позволяют судить о ведущих тенденциях (как общих, так и частных) в китайской музыке последних десятилетий. Сам жанр демонстрирует широкую картину не только композиторской, но и исполнительской практики. Кроме того, сложившись и достигнув своей кульминации в рамках европейского романтизма, именно транскрипция обеспечивает и стимулирует сегодня многогранный диалог пианистического искусства Китая с богатыми романтическими традициями других стран. В качестве ведущей тенденции, характеризующей эволюцию фортепианной транскрипции в современной китайской музыке, мы рассматриваем наиболее эффективные опыты ее взаимодействия с другими музыкальными жанрами, в частности, сюитой и концертом для солирующего инструмента с оркестром. В статье представлены произведения китайских композиторов разных поколении: Чу Ванхуа, Чжу Цзяньэр, Хуан Анлун, Ма Шухао. Цель предлагаемой статьи — определение и демонстрация ведущих тенденции в эволюции жанра фортепианной транскрипции в период 2000–2010-х годов

The proposed article presents for the first time the works of contemporary composers of the People's Republic of China, created already in the current century in the genre of piano transcription. It is they who allow us to judge the leading trends (both general and particular) in Chinese music of the last decade. The genre itself demonstrates a broad picture of not only composing, but also performing practice. In addition, having developed and reached its culmination within the framework of European Romanticism, it is transcription that provides and stimulates today a multifaceted dialogue of the pianistic art of China with the rich romantic traditions of other countries. As a leading trend characterizing the evolution of piano transcription in modern Chinese music, we consider the most effective experiences of its interaction with other musical genres, in particular, the suite and concerto for solo instrument with orchestra. The article presents works by Chinese composers of different generations: Chu Wanhua, Zhu Jianer, Huang Anlong, Ma Shuhao. The purpose of the proposed article is to identify and demonstrate the leading trends in the evolution of the genre of piano transcription in the period of the 2000–2010s.
Литературные и музыкальные лики постиронии
Authors: Кожевникова В.А.
Published: December 2024

Постирония в контексте современности представляет собой многоликое эстетическое явление. Интерпретация сущности постиронии способна трансформироваться в зависимости от социокультурной принадлежности реципиента, его художественного опыта. Определяющим же свойством феномена является некое промежуточное состояние между искренностью и иронией, причем, в каждом отдельном случае степень выраженности того или иного компонента может быть различной. Постирония как особая грань комического, предполагающая включение лирического компонента в ироническое высказывание, претерпевает множество трансформаций в художественном и научном сознании. Лишь частично закрепившееся в исследовательском пространстве, это определение уходит корнями в XX век и имеет смысловые параллели с такими литературными феноменами, как «противоирония» и «лирическая сатира». Сложность и многоликость постиронии как эстетического явления подтверждается, в частности, сквозным характером его бытования в литературе и музыке XX века. Хронологически и стилистически далекие явления — поэзия сатириконцев и литературный соц-арт, музыка Дмитрия Шостаковича и Леонида Десятникова, Бориса Гецелева и Сергея Беринского — оказываются близкими в своем художественном воздействии, благодаря специфическому сочетанию иронической отстраненности и лирико-субъективного взгляда автора.

Post-irony in the context of modernity is a multifaceted aesthetic phenomenon. Interpretation of the essence of post-irony is capable of transformation transformed depending on the sociocultural affiliation of the recipient and his artistic experience. The defining property of the phenomenon is a certain intermediate state between sincerity and irony, and in each individual case the degree of expression of one or another component may be different. Post-irony, as a special facet of the comic, which involves the inclusion of a lyrical component in an ironic statement, undergoes many transformations in artistic and scientific consciousness. Only partially established in the research space, this definition is rooted in the 20th century and has semantic parallels with such literary phenomena as «counter-irony» and «lyrical satire». The complexity and diversity of post-irony as an aesthetic phenomenon is confirmed, in particular, by the cross-cutting nature of its existence in the literature and music of the 20th century. Chronologically and stylistically distant phenomena — the poetry of satiricalists and literary social art, the music of Dmitry Shostakovich and Leonid Desyatnikov, Boris Getselev and Sergei Berinsky — turn out to be close in their artistic impact, thanks to the specific combination of ironic detachment and the lyrical-subjective view of the author.
Фестивали Элисо Вирсаладзе в Телави
Authors: Каприн А.Д.
Published: December 2024

Статья посвящена Международному фестивалю камерной музыки «Дар Лозе» в Телави (Грузия), организатором и художественным руководителем которого явилась народная артистка СССР Элисо Вирсаладзе. Осмысливается роль в истории данного творческого мероприятия Олега Кагана и Натальи Гутман, также бывших в числе исполнителей в первые годы работы фестиваля. Поэтапно прослеживается история «Дар Лозе» с 1984 по 2022 гг. Анализируются программы фестиваля, включающие не только концерты, но и большое количество культурно-познавательных и просветительских мероприятий: мастер-классов, семинаров по критике, «Беседы о музыке». Ежегодно участниками фестиваля становятся всемирно известные музыканты, исполняющие произведения разных жанров и эпох — от барокко до XXI века. Все мероприятия неизменно проходят на высоком профессиональном уровне. Масштаб фестиваля, уровень исполнительского мастерства его участников, разнообразие мероприятий, его составляющих, сделали «Дар Лозе» важным для мировой музыкальной культуры, заметным «воспитательно-педагогическим» (определение Натана Перельмана) событием, территорией продуктивного сотворчества и крепкого содружества музыкантов разных стран.

The article is devoted to the International Chamber Music Festival “Dar Loze” in Telavi (Georgia), the organizer and artistic director of which was People’s Artist of the USSR Eliso Virsaladze. The role in the history of this creative event of Oleg Kagan and Natalia Gutman, who were also among the performers in the first years of the festival, is being comprehended. Gradually traces the history of “Dar Loze” from 1984 to 2022. The program of the festival, which includes not only concerts, but also a large number of cultural and educational events for the general public: workshops, seminars on criticism, “Talks about music”, is analyzed. Every year the participants of the festival become world-famous musicians performing works of different genres and eras — from the Baroque to the 21st century. All events are always held at a high professional level. The scale of the festival, the level of performing skills of its participants, the variety of events, its components, made “Dar Loze” important for the world music culture, noticeable “educational-pedagogical” (the definition of Nathan Perelman) event, territory of productive collaboration and community of musicians of different countries.
Эстетические взгляды китайско-французского композитора Чэнь Цигана
Authors: Ли Я.
Published: December 2024

Статья посвящена философско-эстетическим взглядам выдающегося современного композитора Чэнь Цигана. Его представления об искусстве произрастают на почве китайской и французской культур. На основе документальных материалов (интервью и высказываний композитора в печати) в статье обсуждаются ключевые эстетические вопросы, волнующие музыканта: установление параллелей между органическим миром природы (процесс зарождения, становления, роста, цветения и неизбежного увядания) и миром музыкального произведения; феномен звука и его природного происхождения, предопределившего эволюцию мирового музыкального искусства; проблема рационального и эмоционального в содержании музыкального произведения, разрешаемая Чэнь Циганом в пользу приоритета эмоционального начала, часто выраженного в образах ностальгии, меланхолии, грусти, воспоминаний о прошлом, прощания; творчество как процесс самопознания; музыка как социокультурный феномен. Философско-эстетические взгляды композитора нашли отражение в его музыкальном творчестве, сочетающем китайские традиции (песенно-танцевальный фольклор, Пекинская опера) и французские влияния (в числе любимых композиторов — К. Дебюсси и О. Мессиан). Абсолютизация звука, исследование его изначальной обертоновой природы позволяют провести параллели со спектральной музыкой. Органичный синтез «своего» и «чужого» рассматривается в статье на примере концертов «Экстаз II», «Эрхуан», оркестровой сюиты «У син», фортепианной пьесы «Мгновения Пекинской оперы».

The article is devoted to the philosophical and aesthetic views of the outstanding contemporary composer Chen Qigang. His ideas about art grow on the soil of Chinese and French cultures. Based on documentary materials (interviews and statements of the composer in print), the article discusses the key aesthetic issues of concern to the musician: the establishment of parallels between the organic world of nature (the process of origin, formation, growth, flowering and inevitable withering) and the world of musical composition; the phenomenon of sound and its natural origin, which predetermined the evolution of world musical art; the problem of rational and emotional in the content of a musical work, solved by Chen Qigang in favor of the priority of the emotional beginning, often expressed in images of nostalgia, melancholy, sadness, memories of the past, farewell; creativity as a process of self-knowledge; music as a socio-cultural phenomenon. The composer's philosophical and aesthetic views are reflected in his musical creativity, combining Chinese traditions (song and dance folklore, Peking opera) and French influences (among his favorite composers are C. Debussy and O. Messiaen). The absolutization of sound, the study of its original overtone nature, allow us to draw parallels with spectral music. The organic synthesis of “one's own” and “someone else's” is considered in the article on the example of the concerts “Ecstasy II”, “Erhuang”, the orchestral suite “Wu Xing”, the piano piece “Moments of the Beijing Opera”.
Японская школа маримбы второй половины XX века: вехи развития
Authors: Цюй К.
Published: December 2024

В центре внимания данной статьи – история развития японской школы маримбы во второй половине XX века. Высокий уровень исполнительского мастерства перкуссионистов, вклад японских мастеров в совершенствование инструмента, богатство репертуара (при отсутствии весомых исторических предпосылок культурного расцвета в послевоенное время) предопределили интерес к данной теме и ее актуальность. В статье представлена периодизация развития искусства маримбы в Японии, дан обзор таких его аспектов как исполнительство, изготовление инструментов, репертуар, система обучения (в сравнении с США) на разных исторических этапах. Автор приходит к выводу, что наиболее важными факторами, положительно повлиявшими на развитие искусства маримбы, стали рациональная культурная политика Японии в середине XX века, направленная на совершенствование начального музыкального образования, сильное культурное влияние США, а также вклад отдельных японских перкуссионистов в становление молодой школы маримбы – Эйити Асабуки, Кейко Абэ, Йошихиса Мизуно, Дзюнко Огава, Муцуко Танея, Митико Такахаси и др. Созданные благоприятные условия позволили Японии стать крупнейшим центром искусства маримбы, а японским композиторам и исполнителям добиться заслуженного признания на мировом уровне

The focus of this article is the history of development of the Japanese marimba school in the second half of the 20th century. The high level of performing skills of percussionists, the contribution of Japanese masters to the improvement of the instrument, the richness of the repertoire (in the absence of significant historical prerequisites for cultural flourishing in the post-war period) predetermined the interest in this topic and its relevance. The article presents a periodisation of the development of marimba art in Japan, gives an overview of such aspects as performance, instrument making, repertoire, and teaching system (in comparison with the USA) at different historical stages. The author concludes that the most important factors that positively influenced the development of marimba art were Japan's rational cultural policy in the middle of the 20th century aimed at improving primary music education, the strong cultural influence of the USA, and the contribution of individual Japanese percussionists to the formation of the young marimba school - Eiichi Asabuki, Keiko Abe, Yoshihisa Mizuno, Junko Ogawa, Mutsuko Taneya, Michiko Takahashi, and others. The favourable conditions created allowed Japan to become a major centre of marimba art, and Japanese composers and performers to achieve well-deserved recognition at the world level