bluuebunny/crossref_metadata_2025 huggingface dataset:
“Move! You’re in the Way”: Disability and Age Meet on Screen
Authors: Ckivers Sally
Published: April 2018

Dans l’imaginaire populaire, l’invalidité et la vieillesse sont deux états distincts, et ce même si la seconde n’échappe pas aux stigmas et restrictions imposés à la première. Au cinéma, l’image de la normalité chez les aînés se développe en relation avec l’anormalité de cette partie de la population âgée qui est handicapée. Le handicape chez le vieillard amplifie le caractère ingérable de la vieillesse. Deux films. Iris et Pauline et Paulette, différencient la vieillesse avec handicape de la vieillesse décrépite normale. Ces œuvres présentent ainsi la meilleure et la pire des éventualités, qui sont toutes les deux plutôt navrantes. Bien que les deux films célèbrent le formidable entrain qui brille à travers l’esprit idiosyncratique des personnages handicapés, et dépeignent le sentiment d’accomplissement éprouvé par les thérapeutes, ils suggèrent aussi que lorsque l’invalidité rencontre l’âge (dans le cas de Pauline) et que l’âge rencontre l’invalidité (dans le cas de Iris), celle-ci devient une métaphore de la solitude inévitable de la vieillesse.
Modernity’s Rescue Mission: Postcolonial Transactions of Disability and Sexuality
Authors: Kim Eunjung , Jarman Michelle
Published: April 2018

Certains films internationaux portant sur l'infirmité entreprennent un « projet de modernisation » qui veut « secourir » le corps handicapé en le rescapant de son contexte original et en lui offrant un « remède » contre une condition médicale stratégiquement identifiée comme « pré-moderne. » Dans Princess Mononoke et The Good Woman of Bangkok le récit de l'infirmité devient crucial dans la formation de l'identité nationale et de la négociation de l'échange international de l'aide médicale. Dans les deux films, l'infirmité joue un rôle critique dans la constitution de hiérarchies entre les nations et à l'intérieur d’une même nation. S'érigeant sur des allégories de bienveillance, ces hiérarchies sont souvent déployées en tant qu'actes charitables sous forme de délivrance apparemment « désintéressée » et « généreuse » des personnes handicapées qui ont été exploitées, maltraitées, ou expulsées par ceux qui n'ont pas été « édifiés » par la promesse de la modernité. Ces deux films démontrent que les transactions interculturelles des récits de l'infirmité perpétuent souvent ce mythe de délivrance, un mythe méritant plus d'analyse et de critique aussi bien du point de vue des études postcoloniales et que des études sur l'infirmité.
The Wild Child
Authors: McCance Dawne
Published: April 2018

L'Enfant sauvage de François Truffaut expose le privilège que la modernité du dix-neuvième siècle accordait à ta connexion entre la parole et l'audition par rapport à la tenue droite. En traçant l'incapacité de l'enfant sauvage d'Aveyron à répondre « au traitement de la parole », le film offre également divers arguments théoriques sur la subjectivité et la représentation. Bien que le film de Truffaut soit habituellement décrit comme docudrame basé sur une « histoire vraie », il remet en question le mythe référentiel et la pensée binaire sur lesquels il se fonde. Le film est autant un compte-rendu de la vie du réalisateur et de la philosophie de la Nouvelle Vague, qu'un récit « réaliste » sur le Dr. Itard et le cas de l'enfant sauvage. Itard est coincé dans le différend entre la science des Lumières et la substance du mythe.
Ararat and the Event of the Mother
Authors: Río Elena Del
Published: April 2018

Cet article emploie le concept deleuzien de l’événement comme modèle pour élucider le regard que pose Egoyan sur le génocide arménien dans Ararat. Comme l’événement deleuzien, l’événement de l’holocauste arménien échappe aux conditions rigides de la représentation. Son auto-génération et ses modifications continuelles se prêtent plutôt à un paradigme performatif capable d’expliquer le statu de non-complétude de l’événement : ses effets de réverbération dans le passé, le présent et l’avenir. Dans Ararat, la force persistante de l’événement ne se retrouve pas dans l’une de ses nombreuses manifestations médiatiques (film, conférence, photographie, peinture, vidéo), mais dans l’effet de réverbération de ces différentes reconstitutions. La force de l’événement se situe dans sa transitivité et sa dispersion, sa capacité d’exister dans plusieurs espaces et plusieurs temps simultanément. Ainsi, plutôt que de viser une actualisation fixe et restrictive de l’événement par l’intermédiaire d’une interprétation documentaire ou d’une représentation fictive des faits, Ararat « contre-actualise » le génocide arménien en convertissant cet événement en son noyau affectif: l’événement de la mère.
Deepa Mehta’s Film Water: The Power of the Dialectical Image
Authors: Mukherjee Tutun
Published: April 2018

Le film de Deepa Mehta Water examine la marginalisation de veuves indoues oubliées qui tentent par tous les moyens de survivre dans des conditions de pauvreté et de misère atroces. Le film témoigne du courage de la réalisatrice face à l’intimidation des forces patriarcales qui ont essayé de lui mettre des bâtons dans les roues. Le fait que Mehta ait put produire son film dans de telles circonstances confirme sa nature intrépide et son amour tenace du métier. Cela témoigne également de la confiance que le producteur David Hamilton lui porte. Water présente des images inoubliables composées avec sensibilité et subtilité pour créer beauté et émotion. La douleur muette des veuves indoues, représentée par des images saisissantes, engage le spectateur dans un échange dialectique. Par une lecture attentive du film de Mehta, cet article vise à élucider la manière par laquelle la réalisatrice réussit à créer un film porteur de sens et un texte social extrêmement important. La méthodologie analytique de cette étude est inspirée par les exposés de Walter Benjamin sur l’image dialectique et les questions de « reproduction » et de « reproductibilité » de l’oeuvre d’art.
The Homelessness of Style and the Problems of Studying Miike Takashi
Authors: Gerow Aaron
Published: April 2018

Les études critiques consacrées au cinéaste Miike Takashi se concentrent généralement sur le caractère outrancier de l’œuvre de ce dernier, de même que sur sa profonde indignation envers la société japonaise. En s’attardant sur l’usage récurrent fait par Miike du plan-séquence, du montage rapide, ainsi que d’une facture visuelle inspirée de la bande dessinée, cet article vise plutôt à faire ressortir le caractère « itinérant » de l’oeuvre du cinéaste, dans laquelle abondent les personnages sans foyer et sans identité claire errant dans un environnement marqué par la mondialisation. L’itinérance s’inscrit également dans les multiples changements de ton et de style rendant les préoccupations nationalistes et les dimensions politiques de l’oeuvre de Miike difficiles à circonscrire. Le travail du cinéaste soulève ainsi des questions fondamentales dans l’étude du cinéma populaire, de même que dans celle des dimensions politiques du cinéma japonais.
Time Sickness in Andrey Tarkovsky’s The Sacrifice
Authors: Odde Thomas
Published: April 2018

Cet essai explore les relations qui se tissent entre la maladie physique et le désordre temporel dans le dernier film d’Andrey Tarkovsky, Le Sacrifice. Les afflictions, qui incluent les syncopes, les saignements de nez et les crises hystériques sont nombreuses dans Le Sacrifice et la plupart des recherches sur Tarkovsky traitent ces épisodes comme les symptômes d’une faiblesse physique, émotionnelle et spirituelle du personnage. L’examen attentif permet toutefois de montrer comment ces symptômes inhabituels peuvent être lus comme les épisodes d’une profonde et paradoxale « maladie du temps ». Il est suggéré que la maladie dans Le Sacrifice indique une disjonction radicale entre le temps séculier et spirituel que le film cherche à réparer. En s’inspirant des travaux théoriques de Tarkovsky et en étudiant attentivement les articulations cinématographiques, cet essai montre comment Le Sacrifice dépeint la maladie du temps tout en nous donnant le remède de sa restauration par le geste du don.
Reflexité et Socialité Dans Les États Nordiques
Authors: Froger Marion
Published: April 2018

In 1960s and 1970s Quebec, a cinema developed that was conscious of the relationship between collective experience and the camera. This experience presented itself to a particularly receptive public as a model of sociality. Since 1980, this model declined while a new way of relating to the camera questioned cinema’s claim to produce sociality. I intend to read this history through the evolution of forms of reflexivity, in particular as they appear in Les États nordiques (Denis Côté, 2005).
La Vie des Autres: Un Hommage à L’Art
Authors: Bastien Sophie
Published: April 2018

This article postulates that the German film The Lives of Others (Das Leben der Anderen), by Florian Henckel von Donnersmarck, 2006, of which a large part of the action takes place in communist Germany, constitutes a powerful homage to the theatre, literature, and music—in brief, to art in general. The article studies this aspect of the work primarily along two axes: the intellectual as well as emotional impact of art. It examines how, through the character of Wiesler, artistic emotion acts to catalyzes a profound and beneficial metamorphosis. Finally, it is also by means of its treatment of art that the film approaches other themes, such as politics, liberty, and (social) engagement.
Two Kinds of Darkness: Jean-Luc Nancy and the Community of Cinema
Authors: Stubblefield Thomas
Published: April 2018

En dépit de l’importance qu’elle a dans l’expérience du cinéma, l’étude de l’espace social que constitue la salle de projection a longtemps été, en études cinématographiques, subordonnée à la lecture des “textes” filmiques. Alors que depuis une dizaine d’années, les chercheurs ont essayé de mettre en lumière la compréhension de cet espace, pour la plupart, les recherches ont ignoré le discours potentiellement intéressant, émergeant au même moment en philosophie, ayant trait au problème de la communauté. Cet article utilisera la conception qu’a Jean-Luc Nancy de la « communauté inopérante » pour initier un dialogue entre les théories du spectateur cinématographique et les recherches philosophiques sur la conception de la communauté. Cette convergence servira à revisiter la compréhension habituelle de la fonction idéologique de l’expérience du cinéma en salle commerciale et aussi à jeter une lumière nouvelle sur les modes alternatifs d’exploitation qui remettent en question cette expérience. Cette dernière discussion mettra l’accent sur MobMov, un groupe international de projectionnistes amateurs qui utilisent la technologie mobile et l’Internet pour organiser des projections dans certains coins oubliés des villes.
Film Workshops as Polyvocal Public Spheres: Minor Cinemas in Sweden
Authors: Andersson Lars Gustaf , Sundholm John
Published: April 2018

La culture de l’atelier de cinéma est un phénomène négligé dans l’histoire et la recherche en cinéma. Cet article propose l’idée que les ateliers qui ont proliféré dans les années 1960, 1970 et 1980 ont souvent constitué des espaces publics au sens qu’Habermas, Negt ou Kluge donnent au terme. Portant attention à l’atelier de cinéma suédois Filmverkstan (1973-2001), cet article démontre que les films issus d’ateliers étaient en résonance avec les « modes de vie concrets » d’un public (Lebenszusammenhang) plutôt d’être des produits visant pour un marché spécifique. De plus, les ateliers offraient un accès à la réalisation à diverses personnes. Cette recherche sur les ateliers de cinéma en tant qu’espace public, comme culture de polyvocalité et comme pratique mineure du cinéma réagit de façon productive aux approches téléologiques et textuelles qui ont prévalu en études cinématographiques.
Je Me Souviens (Maintenant): Altérité, Indianité et Mémoire Collective
Authors: Cornellier Bruno
Published: April 2018

This article is about the will to remember as a political imperative in Quebec. Francis Leclerc’s Mémoires affectives (2004) explicitly anchors this will to remember in the multicultural and pluriethnic reality of modern Quebec. In the film, the quest for Self occurs principally through a dialogical relationship with “the Other,” the immigrant, who serves to participate in and reflect the stabilization of an identity and a memory from which he or she is nonetheless excluded, like an external witness. Beyond the immigrant, and more fundamentally, through the essentialist and archaistic posturing of the ahistorical, apolitical, and peripheral Indian body, the memory of the Self is woven, taking root in soil that is inhabited by and inhabits an identity of privilege. This critical analysis of the film serves to illustrate some of the discursive and representational strategies employed by recent Quebecois cinema in its attempt to respond to the increasingly complex and ambiguous colonial status of modern Quebec. It is also a response to the nation’s historical link to alterity — its own alterity and that of its “Others.”
Robert Morin : Papa à la Chasse aux Lagopèdes ou Filmer L’Absence
Authors: Binet Marie-Jo
Published: April 2018

Canadian director Robert Morin has puzzled his audiences for about thirty years with works that blur the borders between documentary and fiction, and that address social and individual issues via political, linguistic and artistic inquiries. Papa à la chasse aux lagopèdes (Daddy Goes Ptarmigan Hunting, 2008) is a multilayered and multidimensional explorative narrative, constructed with intricate techniques that represent the director’s major preoccupations: death, our perceptions of reality, and our incoherent struggles that may lead to the dissolution of the self in our dysfunctional world. The article includes references to the objectives, discoveries and techniques of Direct Cinema, from which Morin’s works emerge. A close analysis of the film’s construction provides an explanation for how and why spectators enter the screen. Morin, who films a character making his own video, finally films the process of dissolution into absence.
Making Sense of Early Video Arcades: The Case of Pittsburgh, 1980-1983
Authors: Pierson Ryan
Published: April 2018

Au début des années 1980, les bornes d’arcade payantes furent des sites locaux d’exposition au matériel audio-visuel non seulement dans les arcades mais aussi dans les restaurants, les laveries automatiques et d’autres espaces publics. Cet article veut contribuer à la jeune histoire des médias numériques en considérant les arcades de jeu vidéo comme un lieu de contact aux nouveaux médias. Les arcades de jeu sont cruciales pour la généalogie des nouveaux médias parce que leur interface graphique a constamment influencé celui des ordinateurs personnels et a eu une « existence publique » spécifique. Utilisant la ville de Pittsburg comme milieu d’étude, cet article documente les manifestation d’anxiété qui se sont produite à une échelle locale en rapport avec les arcades de jeux vidéos et les consoles de jeux, et aussi les règlements visant à contrôler leur usage. En dépit d’un discours de panique entourant ces technologies et de plusieurs tentatives de règlementation, les bornes d’arcade, parce qu’elles se sont avérées finalement peu dérangeantes, ont résolument conservées leur place dans l’espace public.
From Art House to Your House: The Distribution of Quality Cinema on Home Video
Authors: Herbert Daniel
Published: April 2018

Cet article défend l’idée que certains distributeurs de vidéo maison ont joué un rôle important pour donner forme au déplacement historique du « cinéma de qualité » des salles de cinéma au contexte domestique. Il examine plus particulièrement la compagnie Kino International, Facets Multimedia et Zeitgeist Film pour comprendre de façon plus complète comment se créent et circulent les notions de valeur et de qualité dans le domaine de la vidéo maison. Alors que Kino International offre une sélection éclectique de films étrangers et de classiques du cinéma muet et que Facets Multimedia se spécialise dans la production internationale, le documentaire et le film pour enfants, Zeitgeist se concentre plutôt sur le documentaire et les films d’une poignée d’auteurs choisis. En dépit des différences apparentes, chaque compagnie élargie, raffine et complexifie les critères constitutifs de la vidéo maison de qualité en se fondant et en redéployant les notions d’exclusivité, d’exotisme, d’intellectualisme et d’activisme social. En défendant cette idée et en faisant aussi allusion à de nouveaux services comme le site de distribution par transit de données Mubi, cet article fait valoir l’idée que la “distribution” est un moment déterminant où la valeur économique et culturelle du produit se façonnent.
Reach Out and Touch Something (That Touches You Back): The Iphone, Mobility and Magic
Authors: Diduck Ryan Alexander
Published: April 2018

Les écrans tactiles prolifèrent dans nos vies quotidiennes. De plus en plus, on les retrouve non seulement dans les banques ou encastrés dans le dossier des sièges d’avion mais ils prennent aussi place dans nos poches et nos sacs sous la forme de téléphone, de tablette numérique ou autre produit à écran mobile. Le discours critique habituel affirme que l’image représentée par ces appareils ou autre produits digitaux cesse de conserver une relation indexicale à l’objet référentiel. À l’opposé, dans cet article, je débattrai l’idée que non seulement l’indexicalité persiste mais que, de plus, l’écran mobile d’Apple représente une promesse d’un accès accru—et d’une interaction matérielle supplémentaire—aux images dans le temps et l’espace. De plus, ces technologies totémiques permettent à l’utilisateur une vision haptique, un mode qui privilégie, entre les utilisateurs et l’image digitale, la simultanéité matérielle et le dynamisme qu’offre l’espace télévisuel.
An Iconography of Exclusion: Film in France, 1995
Authors: Baxter Peter
Published: April 2018

Lors des élections présidentielles de 1995, la France apparue à plusieurs observateurs comme profondément divisée, sa société étant fragmentée selon plusieurs lignes de faille. Les discussions médiatiques à propos de cette fragmentation se sont intensifiées à mesure que les diverses campagnes politiques ont adopté les thèmes de la fracture sociale et de l’exclusion en promettant aux électeurs de remédier aux problèmes. De nombreux films diffusés en 1995 exhibent les traces d’un discours sur la fragmentation sociale qui a atteint un sommet cette année là. Ces films, qui se distinguent par leur caractéristiques, leur cadre narratif et leur récit respectifs, partagent néanmoins une iconographie qui suggère leur commun engagement au thème de l’exclusion sociale, largement acceptée comme un signe de crise nationale.
The Thing About Obomsawin’s Indianness: Indigenous Reality and the Burden of Education at the National Film Board of Canada
Authors: Cornellier Bruno
Published: April 2018

Cet article analyse la réception médiatique et la littérature institutionnelle associée à la sortie du film d’Alanis Obomsawin Kanehsatake : 270 ans de résistance (1993). En s’appuyant sur cette analyse, il apparait évident que les attentes pédagogiques dirigées à l’égard de ce documentaire financé par le secteur public et produit par des Autochtones proviennent d’une croyance voulant qu’en connaissant l’Indien — le vrai — « nous » puissions faire l’expérience d’une certaine forme d’intimité panhumaine et d’une relation interculturelle. Cette expérience est rendue possible du fait qu’une forme d’indianité sanctionnée positivement par les Autochtones puisse être réconciliée avec un type spécifique de souveraineté coloniale. Je démontre que même si la voix militante et l’agentivité des cinéastes autochtones ne peuvent être réduites au discours des institutions qu’ils représentent (dans ce cas, l’Office Nationale du film), l’acte même de produire, de financer et de documenter la réalité indienne continue d’offrir à l’état nation tout comme à la presse culturelle de masse la possibilité de rétablir leur propre voie de communication avec la « chose indienne », c’est-à-dire ce dispositif rhétorique équivoque permettant à l’état de peuplement colonial de perpétuer l’héritage colonial en s’appropriant, en différant et en disqualifiant simultanément de son récit souverain tout contenu indien.
La Campagne d’Éducation Civique de l’Office National du Film Pendant la Seconde Guerre Mondiale
Authors: Scheppler Gwenn
Published: April 2018

Founded in 1939, the National Film Board sought to sway the Canadian population into supporting the war effort. Its commissioner, John Grierson, was convinced that cinema could play a key role in the instruction and dissemination of democratic culture. These two contradictory aspects would make the film propaganda aimed at Canadians unique. It was within this framework that the first Campaign for Civic Education through film was initiated in 1942, the principle of which was to initiate a public dialogue. Pure propaganda films constituted only a minor proportion of programming, which also dealt with technological modernization, Canadian and international institutions, labour law, and cultural diversity. As a result of the success of this campaign, the distribution system lasted beyond 1945, thus perpetuating a culture where film is in constant interaction with the social context.
Hantise et Architecture Cryptique : Transmission du passé dans Le Confessionnal de Robert Lepage
Authors: Massicotte Claudie
Published: April 2018

Building on the theoretical framework developed by Maria Torok and Nicholas Abraham in L’Écorce et le noyau (1978), this article explores the concepts of ghost and crypt in Robert Lepage’s Le Confessionnal (1995). It seeks to decode the act of transmitting memories of violence and traumas from the past and to explore the ability of architecture to expose ancestral secrets. First, it demonstrates how concealed family histories can affect the identity formation of characters and their relationships with genealogy through haunting. Second, it examines how Lepage represents unspoken histories through architecture, creating cryptic spaces inhabited by the ghosts of familial and collective pasts. In all, the article aims to highlight Lepage’s reflection on Quebec’s collective memory through the characters’ movements in time and space.
Après Les Larmes, La Nécessité D'Une Analyse de la Tuerie de L'École Polytechnique : Une Entrevue Avec Francine Pelletier
Authors: Pidduck Julianne , Gauthier Maude
Published: April 2018

In this interview, Julianne Pidduck and Maude Gauthier discuss the changing public perceptions of the Polytechnique massacre and the politics of media representations of the trauma with feminist journalist and documentarist Francine Pelletier. A columnist for the Montreal daily La Presse in 1989 and former editor-in-chief of the Quebec feminist magazine La Vieen Rose (1982-1987), Pelletier was named in Lepine's notorious "hit list" of 19 feminists mentioned in the killer's suicide note. Pelletier was instrumental in the publication of this suicide letter that was initially suppressed by the police, and she directed a 1999 documentary for the CBC entitled "Legacy of Pain" about the after-effects of the massacre. Pelletier has contributed some of the most insightful public commentaries about the massacre in both French and English Canadian media over more than two decades.
Camera-Witness: Women's Documentary Responses to the Polytechnique Massacre
Authors: Pidduck Julianne
Published: April 2018

Cet article fait un retour sur cinq documentaires réalisés en réponse au massacre de la Polytechnique et réalisés par des femmes: After the Montreal Massacre de Gerry Roger (1990), Riposte de Suzanne Vertue (1990), Au-delà du 6 décembre de Catherine Fol (1991), Marker of Change de Moira Simpson (1998), et Legacy of Pain de Francine Pelletier (1999). S'il est vrai que les traumatismes historiques provoquent des crises de la vérité et du sens, les témoignages médiatisés par ces films ont contribué de façon centrale aux débats publics à propos de la signification culturelle du massacre de Polytechnique. J'analyse ces comptes rendus situés, qui s'opposent souvent l'un à l'autre et qui sont chargés d'affects, faits par des documentaristes provenant des contextes aussi différents que sont le Québec et le Canada anglais. J'explore la façon dont la rhétorique de ces documentaires fonctionne en forgeant des liens entre les vivants et les morts, évoquant des collectivités ancrées dans des milieux linguistiques, politiques et géographiques différents.
Versioning History: Polytechnique as Vector
Authors: Marchessault Janine
Published: April 2018

Cet article examine le film Polytechnique (2009) de Denis Villeneuve en termes de sa création de versions. Cela signifie deux choses : D'abord la mise en version anglaise du film et ensuite sa création de trois points de vue séparés (masculin, féminin et celui du tueur) par lesquels l'expérience traumatique est rendue. L'article considère ensuite la façon avec laquelle l'articulation de la cohérence des trois points de vue dans une narration englobante dénie la spécificité de l'évènement de la même façon que la création de la version anglaise disloque son contexte matériel. L'article développe l'argument selon lequel la mise en version au cinéma est un aspect de la production qui demande à être pris au sérieux et situe cette argumentation aux côtés des nouvelles notions de reconstitution, de versions multiples simultanées et de narration ouverte qui sont rendues possibles par les médias émergeants.
The Practice of Memory and the Politics of Memorialization: Denis Villeneuve's Polytechnique
Authors: Longfellow Brenda
Published: April 2018

Cet article explore la façon avec laquelle Polytechnique (2009), le film de Denis Villeneuve, met de l'avant un processus par lequel la mémoire publique est refaçonnée à partir de positions discursives fondamentalement inégales. L'analyse démontre que la dynamique sociale cruciale qui informe la production de la mémoire collective ne peut être réduite à une simple dynamique binaire du souvenir ou de l'oubli. Comprendre Polytechnique comme une pratique particulière de commémoration nous permet de le situer à l'intérieur d'un spectre de pratiques et de se demander comment il fonctionne en tant que forme publique de mise en souvenir. Ma lecture du film concerne l'usage puissant et stratégique des affects que l'on retrouve dans le film et qui fonctionnent comme mode d'immersion du spectateur dans une expérience viscérale qui le positionne comme témoin du traumatisme du massacre de Montréal. La première section de mon analyse cherche à situer le film en relation au mode discursif particulier de la commémoration féministe et la seconde section explore la spécificité matérielle du film en tant qu'oeuvre cinématographique, c'est-à-dire en tant que mode sensoriel de représentation qui implique une réponse affective à des stratégies textuelles. La troisième section fait un retour sur les implications discursives de l'impulsion narrative du film.
Killing in the Name of...Nothing: The Serial Search for Meaning and the Absence of Desire in the Minus Man and Dahmer
Authors: Gibson Brian
Published: April 2018

Cet article examine deux films peu connus du sous-genre constitué par les films sur les tueurs en série dans lesquels l’homme est assimilé à un monstre. Il s’agit d’un sous-genre généralement explicite qui a connu un gain de popularité important à partir des années 1990. Les deux films, The Minus Man (1999) réalisé par Hampton Fancher et Dahmer (2002) réalisé par David Jacobson, entraînent le genre dans une spirale interne, en explorant l’absence de désir et de sensibilité du tueur. Ils procèdent à une démystification radicale du sous-genre et évitent le sensationnalisme qui lui est associé, en faisant en sorte que notre attitude envers le tueur reste neutre et indifférente, avec pour effet troublant de diminuer la distance qui nous sépare a priori de lui. Dans le film de Fancher, qui est l’adaptation à l’écran d’un livre, le personnage principal, Vann (Owen Wilson), est l’incarnation même du signe « moins » dans son néant d’indifférence et de destruction gratuite; il tue par absence de désir, en fait pour ne pas mourir. Dans le docudrame de Jacobson, Dahmer (Jeremy Renner) tue pour contrôler par le vide, en essayant d’éliminer l’humain en tant que complétude de sens et de désir. En assassinant dans cette quête futile pour donner un sens à leurs vies, ces tueurs en série rejettent, sous la forme d’une accusation, la propre quête du spectateur pour les comprendre et expliquer, par des théories populaires ou savantes, la finalité de leurs actes.
“You Can’t Film Here”: Queer Political Fantasy and Thin Critique of Israeli Occupation in the Bubble
Authors: Jankovic Colleen
Published: April 2018

Cet article défend l’idée que The Bubble, film qu’Eytan Fox a réalisé en 2006, fait une critique diluée et décevante de la société israélienne. La fascination, perceptible dans la production, pour la médiation cinématique, pour la politique de la représen - tation, et pour la politique-fiction apparaît glisser subrepticement dans des invocations racistes habituelles à une culture palestinienne arriérée, dans une forme néolibérale de discours sur la politique identitaire gay appuyée par des tropes sur la représentation et la visibilité et dans une approche du conflit Israélo-palestinien qui perpétue un cycle de violence. Cette analyse fait naître un questionnement à propos de certains enjeux contemporains relatifs aux films politiques et à la critique médiatique, particulièrement en ce qui concerne la façon de réagir à un cinéma qui anticipe la critique d’un discours politique qu’il prétend lui même critiquer mais dont il reste malgré tout complice.
The Artisanry of Film: Pieces from Pere Portabella’s Workshop (1960-1973)
Authors: Cox Anna K.
Published: April 2018

Cet article rend compte du travail interdisciplinaire du réalisateur Pere Portabella, qui a travaillé avec la poéte Joan Brossa, le musicien Carles Santos et le peintre Joan Miró à l’intérieur d’un cadre de production fonctionnant par atelier. L’analyse de cette méthode de production mise en parallèle avec des séquences particulières de leurs films d’atelier faits en Espagne de 1960 à 1970, montre comment ces ateliers furent critiques vis-à-vis le franquisme tardif, face à l’avant-garde et son esthétique. En particulier, les pratiques cinématographiques de ce groupe ont contesté la récupération intéressée de l’avant-garde catalan par le régime franquiste. Ces pratiques, propres aux artisans, remettent en question l’idée d’autonomie artistique par l’utilisation de méthodes et de matériaux non conventionnels. À la façon de Peter Bürger, la méthode avant-gardiste de Portabella renvoie l’art aux pratiques de la vie quotidienne. L’article conclu que l’artesania filmique, telle que Portabella l’a défendue, nous aide à concevoir à nouveau la théorie de l’auteur.
In Our Own Eyes The Canonizing of Canadian Film
Authors: Morris Peter
Published: April 2018

Ce texte propose une évaluation préliminaire de la normativité à travers laquelle la critique canadienne a évaluée les filns canadiens. Il tente d'analyser le processus par lequel les films produits entre les années 60 jusqu'au milieu des annés 70 ont été triés et évalués par la critique canadienne anglaise tel qu'un nombre réduit ont bénéficié de l'attention et du respect qui leur ont mérité un statut canonique. Le texte propose certains éléments de reflexion qui permettent au moins la possibilité d'une réévaluation de certains de ces films à la lumière d'autres perspectives.
Luis Buñuel’s Postmodern Explicador: Film, Story and Narrative Space
Authors: Irwin Gayle
Published: April 2018

Les débats concernant le postmodernisme font rage depuis presque un quart de siècle. Certains disent que ce terme surdéterminé ne possède plus la moindre valeur. Mais, lorsqu'on tente de décrire la vaste oeuvre cinématographique de Luis Buñuel, le descripteur de “postmodernisme” garde une indéniable pertinence. Ce texte examine ce que Buñuel peut nous apprendre sur le postmodernisme, mais autant ce que le postmodernisme peut nous apprendre sur le paysage surréaliste. En passant à travers ses oeuvres depuis Un chien andalou et L 'âge d'or au Le phantôme de la liberté et Cet obscur objet du désir, cette étude de l’explicador de Luis Buñuel s'engage moins dans le grand débat postmoderne qu’elle ne propose une résistance tranquille à la tendance néo-moderniste de performer de grands récits, même là où il est question de terminologie critique. De tous les travaux sur l'oeuvre de Buñuel, il y a peu de textes qui ont si consciemment tenté de contextualiser ses films par rapport à l'obsession du 20ième siècle pour un langage du sens.
La Phénoménologie du cyborg: cinéma, cyberspace et entropie
Authors: Dyens Ollivier
Published: April 2018

New cinematic technologies, by coupling the digital and the analogical, suggest a new phenomenology, that of the cyborg. The digitized body is no longer subject to time or entropy. It has become both plastic and data. It is thus no longer a representation of human being, but rather that of a being that is part human and part data; namely the cyborg. We have entered the rich and fecund era of post-humanity.
Alain Cavalier: visage de style
Authors: Perron Bernard
Published: April 2018

Through an analysis of the film Libera Me (1993), this essay presents and examines French director Alain Cavalier's conception of cinema. The author of the article uses a rhetorical form similar to that displayed in the film, in order to give a sense of its nature. As a result, the combination of different fragments and quotations, and the writing in «close ups» offers the reader a unique reading space.
What Was Cinema?: The Martin Walsh Memorial Lecture (1996)
Authors: Feldman Seth
Published: April 2018

“Le mythe du cinéma total” d’André Bazin propose à la théorie cinématographique de l’après-guerre le concept de l’idéalisme cinématographique: y-a-t-il une idée du cinéma qui pré-existe les films mêmes? La question pèse sur la discussion du média tout à long de l’histoire de la théorie du cinéma depuis la deuxième guerre mondiale. Nous en avons un récent example dans l’affirmation de Susan Sontag selon laquelle puisque l’idéalisme de la cinéphilie est mort, le cinéma lui-même a perdu une certaine présence. Dans les milieux universitaires, la question de l’idéalisme cinématique se retrouve dans les querelles de bon nombre de théoriciens et surtout dans la problématique posée par un groupe de penseurs qui gravitent autour de Noel Carroll et David Bordwell. Le texte traite de la question de l’idéalisme cinématique dans le contexte du cinéma d’après-guerre, des études cinématographiques et l’évolution, notamment technologique, de l’image mouvante.
Alterity and Nation: Screening Race, Sex, Gender and Ethnicity in Back to God’s Country
Authors: Gittings Christopher
Published: April 2018

Un des plus vieux long-métrages canadiens toujours en circulation, Back to God's Country présente un imaginaire culturel dérourant mais fascinant de la nation canadienne en tant qu'une entité homosociale de race blanche qui violente l'altérité raciale et sexuelle. La critique établie à privilégiée l'histoire de la production du film ainsi que ses contributions innovatrices et importantes dans le cadre du genre des films sur les animaux. Ce texte examine comment le film “produit” la notion de nation dans le context de l'opposition de la scénariste Nell Shipman à la vision américanisante du Canada du réalisateur et écrivain James Oliver Curwood, et offre une lecture du film par le biais de perspectives sur la sexualité, le racisme et l'ethnicité.
Cinema, Theatre and Red Gushing Blood in Jean Beaudin’s Being at Home with Claude
Authors: Loiselle André
Published: April 2018

L'adaptation cinématographique de la pièce de théâtre Being at Home with Claude, de René-Daniel Dubois, débute avec un prologue en noir et blanc qui nous montre les antécédents du drame original. Ce prologue, créé de toutes pièces par le cinéaste Jean Beaudin, a plusieurs fonctions, dont celle de fournir certaines données sur le meurtre qui précède l'interrogatoire constituant l’ensemble du texte de dubois. Mais au delà de son rôle informationnel, cette préface illustre aussi de façon subtile, surtout par son utilisation très brève de la couleur pour représenter le sang qui gicle, le processus d'adaptation auquel la pièce a été soumise. En analysant les rapports qui existent entre le texte original, le film dans son ensemble et le prologue, en particulier au niveau des signifiants chromatiques et des modes de visualisation empruntés par beaudin pour cinématiser le propos de la pièce, cet article tente d'offrir une lecture de Being at Home with Claude qui situe l'oeuvre dans le contexte de certaines théories comparatives du cinéma et du théâtre.
Exile on Hastings & Main Street: The Vancouver Films of Larry Kent
Authors: Douglas Dave
Published: April 2018

Éntre 1963 et 1965 Larry Kent a indépendement produit trois longs métrages á Vancouver et il s'est établit rapidement, malgré son manque d'expérience en réalisation, comme un directeur important des années soixante. Cet article examine les trois premiers films de ce réalisateur pour démontrer, ce que plers Handling a qualifié comme un départ de la tradition réaliste du cinéma canadien. En contraste avec cette tradition, les films de Kent offrent un portrait subiectif des individus en conflict avec les expectations sociales. En tant qu'innovateur, Kent a été loué ou décrie pour ses drames sociaux, et il est devenu, par son succès à travers le pays, une personnalité importante dans le développement d’une production cinématographique appuyée par le milieu universitaire.
La réception de François Truffaut aux Etats-Unis: Les conditions de sa popularité
Authors: Alfonsi Laurence
Published: April 2018

The films of François Truffaut enjoy exceptional popularity outside of France especially in the United States. Such popularity bears witness to the originality and complexity of his work. But to understand the full impact of Truffaut’s cinema it is necessary to go beyond the simple acknowledgement of this popularity and analyze its nature and evolution. This article examines the significance of Truffaut in the United States through a three part argument. The first part studies the usage of Truffaut’s films in the United States. The second shows how American critics construct Truffaut’s own style as a point of reference. The third part builds on the second by contrasting Truffaut’s films and American cinema.
Toward a Non-Euclidean Cinema: Kieslowski and Literature
Authors: Kilbourn R. J. A.
Published: April 2018

Cet article examine l’intertextualité entre La double vie de véronique de Krzysztof Kieslowski et ses deux sources littéraires principales, c’est-à-dire, un bref passage de la deuxième cantate du Paradis de Dante et l’essai “Über das Marionettentheater” de Heinrich von Kleist. Kieslowski admet que le cinéma ne peut conjurer ce que la “grande litterature,” comme il l’appelle, évoque en n’ayant recours qu’aux simples mots. La prose occidentale peut être bavarde, mais elle transmet souvent son sense véritable par ce qui n’est pas dit, ou ce qui est dit ou montré négativement. Dans le cas du cinéma, on a généralement tendance à chercher le “sens” dans la “texture” superficielle, à ne juger que ce qui est visible. Kieslowski joint cet aspect du cinéma à une réticence hautement “littéraire,” une dimension négative, non-représentée mais déterminable. Le spectateur doit donc lire littéralement le film de Kieslowski. Cet article propose d’interpréter la double caractérisation de Véronique en tant qu’analogie du pèlerin de Dante dont l’âme approche le périmètre de l’expérience conçue rationnellement, une structure semblable à la géométrie quasi métaphysique et non euclidienne de Kleist. De façon plus générale, l’article examine la relation particulière que le cinéma de Kieslowski entretient avec ces oeuvres littéraires variées dans le cadre d’une méditation sur les liens qui existent entre le sujet, la mort et l’infini.
The Romances of the Blonde Venus: Movie Censors Versus Movie Fans
Authors: Staiger Janet
Published: April 2018

Cet article poursuit un travail récent de révision des études portant sur la censure, en allant au-delà de l’argument textuel qui prétend que le spectateur peut interpréter une oeuvre ambiguë de plusieurs façons. Utilisant comme exemple le film controversé Blonde Venus, l’auteur montre que les spectateurs ayant accès a l’information contextuelle concernant les aventures amoureuses de Marlene Dietrich pouvaient lire le film de façon plus progressiste que ce que les censeurs auraient pu imaginer. Plutôt que de n’apprécier le film qu’en tant que “mélodrame maternelle” (dans lequel la femme est victime), les admirateurs de Dietrich au courant des potins sur ses amitiées extra-conjugales peuvent y voir une représentation de la “femme comme sujet désirant.” Cet interprétation implicite est rendue explicite par la lecture de la courte adaptation du récit disponible par l’intermédiaire du studio, récit faisant la promotion de l’ideé que les femmes peuvent aimer plus d’un homme à la fois. Les admirateurs et le studio pouvaient donc circonvenir la censure s’ils souhaitaient subvertir l’idéologie dominante.
The Missing Mythology: Bar thes in Québec
Authors: Mackenzie Scott
Published: April 2018

Cet article, qui introduit la traduction ci-dessous, examine le travail de collaboration de Roland Barthes et Hubert Aquin sur le film Le Sport et les hommes. En plus de combler une lacune dans l’histore du documentaire à l’ONF/NFB, l’auteur (qui a traduit le texte de Barthes) offre une nouvelle lecture de l’intérêt particulier que Barthes voue au sport-comme-spectacle-filmé.
“Where are You Going to, My Pretty Maid?”: Norma Shearer and the Cultural Uses of a “Canadian” Star
Authors: Nash Melanie
Published: April 2018

Faisant un tour d'horizon des journaux et magazines populaires canadiens des années 20 et 30, cet article trace le processus de construction et définit la fonction du discours portant sur le vedettariat "canadien" de Norma Shearer au cours de la période la plus glorieuse de sa carrière hollywoodienne. En embrassant un large contexte de réception, l'auteur essaie d'étendre le champ d'étude d'un cinéma national qui a traditionnellement été fondé sur la production cinématographique du pays. Alors que certains journalistes polémiquaient contre le déclin de l’identité britannique de Canada et déploraient l'influence des États-Unis sur "nos standards de vie et de pensée" d'autres proclamaient fièrement l'origine canadienne de cette vedette hollywoodienne et insistaient sur son authentique influence et sa contribution canadienne à une industrie américainisante. Mais pour plusiers. Shearer représentait à la fois le "rêve américan” et le cauchemar canadien du succès hollywoodien parcequ'on la percevait aussi comme pourvoyeuse de ces valeurs américaines.
Guest Editor’s Introduction
Authors: Stukator Angela
Published: April 2018

À partir des idées de Thomas Waugh, qui suggére de rendre «queer» les canons du cinéma canadien, cet article questionne la notion populaire et postmoderniste que le cinéma de David Cronenberg est radical et que ses héros sont transgressifs. En résponse à la proposition de Waugh de changer la perspective théorique actuelle de l’étude masculiniste du cinéma canadien, qui adopte le préjugé hétéronormatif des débuts du féminisme, en lui substituant un discours social plus inclusive basé sur les concepts «queer» du continuum homosocial, du désir homosocial et de l’homophobie, cet article esquisse les bases d’une lecture dialogique/féministe/«queer» des films de cet auteur apparemment progressiste, mais dont l’oeuvre est joncher d’homosexuels morts. Plutôt qu’un cinéma de libération et de transformation masculines, l’oeuvre de Cronenberg se révéle comme romantique, phallique et narcissique dans son traitemement hystérique du corps et de l’autre «queer» féminisé.
Pit(iful) Male Bodies: Colonial Masculinity, Class and Folk Innocence in Margaret’s Museum
Authors: Parpart Lee
Published: April 2018

Cet article analyse Margaret’s Museum de Mort Ransen à la lumière d’un développement conceptuel de la notion de «masculinité coloniale» proposée par Robert Fothergill au cours des années 70, qui permet de mieux comprendre comment la masculinité coloniale et ses histoires circulent à travers des films issus de régions marginales. Contrairement à la perception traditionnelle du cinéma canadien anglais peuplé de perdants et de victimes qui incarnent le «besoin de perdre» des canadiens, Margaret’s Museum questionne l’idée d’une masculinité pancanadienne en péril, en mettant l’emphase sur le local et le particulier pour souligner les différences et les contradictions entre les régions, les classes sociales et les genres. En se concentrant sur l’histoire coloniale complexe du Cap Breton, par rapport au reste du Canada, et sur sa position ambiguë face aux constructions régionales «d’innocence du peuple, » cet article propose une lecture du film qui exprime un aspect distinct de l’expérience du colonialisme et de la construction de la masculinité coloniale. De plus, Margaret’s Museum se démarque de la majorité des autres textes néo-colonialistes en adoptant une position féminine pour élabo - rer sa déconstruction de la vision patriarcale que la communauté a de sa propre situ ation marginale.
Hyperbolic Masculinity and the Ironic Gaze in Project Grizzly
Authors: Longfellow Brenda
Published: April 2018

Cet article analyse Project Grizzly de Peter Lynch, produit par l’ONF, en tant qu’example particulier d’un type de culture populaire dont le succès résulte de deux modes d’interprétations distincts qui dépendent de la classe sociale et de « l’habitus » régional du public. En se basant sur l’étude de Pierre Bourdieu, La distinction : critique sociale du jugement, pour articuler la problèmatique du spectateur, l’auteur suggére que l’interprétation de ce film en milieu métropolitain est avant tout ironique. Cette ironie est déclanchée par les citations excessives de la culture populaire américaine par l’intermédiare de la performance de Troy Hurtubise et des stratégies formelles du film. Le déploiement stratégique de l’ironie dans Project Grizzly situe le film dans une longue tradition de littérature et d’arts visuels canadiens, dans laquelle l’attitude ambiguë et divisée que les canadiens adoptent envers les États-Unis se présente sous un puissant regard bien conscient de lui-même.
Dwarfing Difference: Deformity at the Threshold of the Visible in Bemberg’s I Don’t Want to Talk About It
Authors: Williams Bruce
Published: April 2018

Dans le film I Don’t Want to Talk About It, de María Luisa Bemberg, la difformité et le carnavalesque convergent pour offrir un portrait de l’Autre qui est à la fois sensible et potentiellement habilitant au niveau politique. A l’intersection des dynamiques du regard et de l’inscription de la difformité, le film dénonce les insuffisances inhérentes aux taxonomies traditionnelles du grotesque. Le film invite le spectateur à relativiser la notion de différence et à chercher de nouveaux paradigmes reliés à la difformité qui ne se limitent pas aux idées d’homogénéité et d’idéal essentialiste.