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Folklores dans tous les états
Authors: Pauset Eve-Norah
Published: November 2024

À l’heure où la Convention sur la protection et la promotion de la diversité des expressions culturelles adoptée à la 33e Conférence générale de l’UNESCO apparaît être l’aboutissement d’un long processus durant lequel les collectivités autochtones ont dû, par la force des choses, poser la question d’une reconsidération des droits sur la propriété intellectuelle, en particulier ceux relatifs aux savoirs traditionnels, il s’agit de reprendre l’amont des considérations sur le métissage, trop rapidement compris comme interactions entre différentes échelles géopolitiques, voire entre arts dominants et arts dominés, et promu par ce que l’on désigne par mondialisation, ainsi que l’écueil d’un droit et/à la protection du folklore, terrain de difficiles voire impossibles compromis entre régime coutumier, droits national et international. On ne veut que poser la question suivante : quand la mondialisation par la voie d’Internet aiguise ce dernier problème qu’est la piraterie, peut-on comprendre que l’espace web dilue, dessert ou aide ce que les collectivités autochtones revendiquaient devant la communauté internationale comme particularité, que ce même espace persiste dans la fabrication de stéréotypes, et que l’adoption des expressions « diversité culturelle » et « symbolisme économico-culturel » n’en sont qu’un avatar ?
La voix sourde
Authors: Poizat Michel
Published: November 2024

Que signifient des assertions telles que : la voix est un enjeu pulsionnel, la voix est l’objet d’une pulsion. Quelles en sont les implications ? En quoi le sourd est-il non seulement concerné mais surtout situé au cœur même de ce nouage ? Pour répondre à cela le concept d’objet-voix sera envisagé dans son rapport à la dynamique pulsionnelle, qui par ailleurs le constitue comme objet manquant, il sera situé dans son rapport au signifiant comme dans son rapport au corps. On y verra la voix -- se présenter à la fois comme support de la chaîne signifiante, disparaissant cependant derrière la signification, et comme part de corps sacrifiée par l’être parlant ; -- être pour le sujet le fondement même de son rapport à l’Autre. Le geste du sourd signant sera examiné dans le registre non pas du visuel mais du vocal, au titre du corps en prise avec le signifiant. En outre nous serons amenés à comprendre ainsi, les ressorts du malaise suscité par la surdité qui place l’entendant face à son manque.
György Ligeti, ou le travail du négatif dans l’écriture musicale
Authors: Delaplace Joseph
Published: November 2024

Traversée de références multiples qui se coagulent en des complexes sonores d’une profonde originalité, l’œuvre de György Ligeti résonne d’une présence mystérieuse, doublée d’une étonnante et permanente mise en question du sens. Des prismes musicaux répétitifs et déformants et qu’affectionne Ligeti jusqu’aux œuvres les plus récentes marquées par le sceau de multiples lamentations stylisées, en passant par le recours à l’absurde et l’ironie distanciée dans Aventures et Le Grand Macabre, se dessine les arcanes d’une pensée à l’œuvre qui déborde les œuvres, que nous avons souhaité nommer, dans le sillage de certains pans de la philosophie hégélienne ainsi que de la psychanalyse freudienne - lacanienne, le « travail du négatif ». Cet article s’attache à montrer en quoi une constellation de partitions épouse, de diverses manières, la force du négatif, en rapport avec le thème de la mort et avec l’histoire du XXe siècle qui hante l’imaginaire de Ligeti.
… ça écrit ça écrit ça écrit ça…
Authors: Maïda Clara
Published: November 2024

Quelle force initie et relance indéfiniment l’écriture musicale, vécue comme une entreprise d’interrogation et de bouleversement ?Qu’est-ce qui nous traverse et que nous renvoie l’œuvre, cette part du psychisme projetée au-dehors, et qui nous revient sous forme d’objet à continuellement réinventer ?Aller au-devant de l’inconscient, c’est tenter de faire affleurer la structure à tout moment, en développant un discours musical qui s’articule en un réseau complexe d’évènements sonores en devenir, traces du parcours de l’énergie pulsionnelle. Le corps de l’œuvre façonne un nouveau corps psychique, intensif et abstrait, imaginaire et polymorphe.De cette position mouvante du sujet qui accepte de vivre sa propre dissolution dans l’acte d’écriture, émerge, par instants, cette sensation extatique de parcelles de soi emportées dans le flux du matériau sonore en cours d’élaboration, dans un temps éclaté ou de pur processus.
Sublimation ou la mort séduite
Authors: Moll Olga
Published: November 2024

Les récits nouent autour d’Orphée un faisceau de thématiques dont l’amour, la mort, le rapport à la limite, la magie ne sont que quelques exemples. Ces thématiques s’organisent en une constellation où se dévoilent certains des enjeux fondamentaux de la constitution du sujet humain : Idéal du moi, ambivalence des affects, culpabilité... Notre perspective sera de présenter Orphée comme le héros, d’une part de la mélancolie (au sens freudien), du deuil impossible, de la perte irrémédiable ; d’autre part, comme un héros, voire le héros, de la sublimation. Ces deux versants étant par ailleurs indissociables : c’est parce que sa quête est vouée à l’échec qu’elle peut être considérée au titre de la sublimation. Dans le cours de cette démarche, le sort d’Eurydice nous permettra d’appréhender la nature particulière de l’objet du désir, impossible à atteindre : aspect fondamental du réel, tel qu’envisagé par Lacan.Le mythe d’Orphée désigne ainsi un espace, interstice entre vie et mort, entre symbolique et réel, dans lequel se joue la spécificité de la sublimation : satisfaction substitutive de la pulsion, marquée par un changement de but. La mort n’est ni le risque encouru, ni la fin recherchée. Plus largement nous montrerons qu’Orphée exemplifie le destin tragique de l’homme : ce qui constitue précisément son humanité (l’accès au symbolique) est ce qui le sépare de sa jouissance. Orphée en fait l’amère expérience et la musique s’y fait entendre comme la voix en-deçà, de la jouissance au-delà.
Anthropologie historique de la notion de bruit
Authors: Charles-Dominique Luc
Published: November 2024

La notion historique de bruit, totalement subjective au point d’en être contradictoire du point de vue de la réalité acoustique qu’elle est censée recouvrir, s’inscrit dans un partage religieux du sonore, et ceci dès le début de l’ère chrétienne, stigmatisant ainsi un pôle largement négatif, qui va du marquage temporel des pouvoirs politiques et des groupes sociaux, à un aspect plus fortement dévalorisé de ce pôle profane, avec une inscription systématique dans le champ du diabolique, du sorcellaire et de la Mort. Parallèlement, ce dualisme sonore de la puissance ou de la douceur, qui se polarise sur la dichotomie historique du « haut » et du « bas », va se retrouver au cœur du clivage savant/populaire qui s’instaure petit à petit pour s’affirmer très nettement à l’ère baroque, malgré encore, à cette époque, une forte perméabilité de ces deux champs. Alors, le bruit va devenir l’expression du rejet esthétique, marquant ainsi une évolution notable depuis le Moyen Âge, quand il était la marque sonore de l’emblématique politique de la féodalité, de la monarchie et des pouvoirs consulaires. C’est l’étude de ce renversement esthétique que se propose d’examiner cette contribution, grâce à une anthropologie sociale, politique et religieuse.
Bruits « entonnés » et sons « convenables » : Russolo et Schaeffer ou la domestication des bruits
Authors: Solomos Makis
Published: November 2024

Toute culture musicale contient une part de bruit, au sens acoustique du terme, et l’exploite à un degré plus ou moins élevé. Cependant, seule la musique moderne l’a revendiquée en tant que telle. Ce n’est donc pas un hasard que les deux traités les plus célèbres sur le bruit et la musique datent du XXème siècle, le premier – L’art des bruits (1913) de Luigi Russolo – étant conçu comme un bref manifeste réclamant le droit musical au bruit, le second – le Traité des objets musicaux (1966) de Pierre Schaeffer – se posant comme une théorisation très élaborée des bruits en relation avec la musique. Le présent article tentera de montrer que, vu sous un angle particulier, le traité de Schaeffer se situe dans la continuité du manifeste de Russolo. En effet, nous soutiendrons que, loin de « libérer » le bruit, comme on a tendance parfois à le penser, ces deux écrits s’efforcent de le domestiquer.
Applaudir
Authors: Kaltenecker Martin
Published: November 2024

De nombreux textes indiquent que dans la seconde moitié du 18e siècle les applaudissements ont été considérés comme un vote qui devait s’effectuer au fur et à mesure de l’exécution de l’œuvre. Les applaudissements entreront alors en contradiction avec la culture du silence et de la suppression du corps de l’auditeur, censé se tenir coi, qui s’installe progressivement, même si le concert reste longtemps un espace mouvant, où le bis peut reconfigurer la forme « publique » de la musique. À partir de Wagner, les applaudissements sont alors rejetés aux bords de l’œuvre. Dans les années 1920-30 ils sont parfois réinterprétés comme marquant le concert en tant que rituel interactif (Adorno, Sassoon), pour faire l’objet d’une politisation symbolique dans les années 60, jouant d’une perturbation du rituel bourgeois de l’écoute.
« Je, tu, nous, vous »
Authors: Ruget Nathalie
Published: November 2024

« Je, tu, nous, vous » est extrait du poème Keine Delikatessen d’Ingeborg Bachmann sur lequel sont construites en partie les « Résonances » de Luigi Nono (Risonanze erranti, 1985-87). Le compositeur, qui a rencontré l’écrivaine à plusieurs reprises, évoque ici les fragments interrogatifs de cette dernière poésie dans laquelle elle questionne l’acte d’écriture. « Devrai-je faire prisonnière une pensée, la conduire dans la cellule éclairée d’une phrase ? […] Faudra-t-il […] déchirer le papier […] détruisant ainsi : je, tu, il, elle, ça, nous, vous ? ». Le poème, mis en résonance avec l’écriture de Herman Melville (essentiellement Battlepieces and Aspects of the War) ainsi qu’avec les « échos » textuels et musicaux de Machaut, Desprez et Ockeghem, explore la nature de l’articulation entre pensée et écriture, entre individu et société ou soi et autrui, l’identité et le rôle complexe de l’artiste dans une société habitée par la violence, les rapports de domination et la guerre.
Edward Said, ou la musique comme élaboration
Authors: Dayan-Herzbrun Sonia
Published: November 2024

Intellectuel critique partageant avec Theodor Adorno la condition d’exilé permanent, l’écrivain palestinien Edward Said semble n’avoir trouvé de lieu stable que dans la musique, où peut se dérouler le fil de sa propre histoire, de la construction de son « Je ». La musique devient pour lui maîtrise du temps et conjuration de la mort. Mais l’auteur de l’Orientalisme a été peu à peu conduit à s’interroger sur les usages sociaux et politiques de la musique classique qu’il analyse à l’aide du concept d’élaboration qu’il emprunte à Gramsci, en s’attachant avant tout aux conditions d’interprétation et d’exécution des oeuvres. La musique possède ainsi des éléments transgressifs et nomadiques. La thèse selon laquelle toute interprétation est une réinterprétation permet à Said de développer une approche de l’œuvre de Wagner, qu’il partage avec Daniel Barenboim dont la rencontre a été pour lui très importante, lui donnant l’occasion d’établir un lien entre ses prises de position politiques sur la question palestinienne et son amour de la musique, avec surtout la création de l’orchestre du Divan Occidental-Oriental. La musique peut alors se réaliser comme quintessence de l’humanisme.
« Je, nous, on » : Quelques remarques sur les formes actuelles des collaborations entre artistes
Authors: Goudinoux Véronique
Published: November 2024

Au cours du XXe siècle, dans le cadre des arts plastiques et visuels, de nombreux artistes se réunirent pour former des groupes dont les intitulés et les formes se transformèrent au fil du temps. C’est ainsi que pour une part s’écrivit l’histoire des avant-gardes : comme celle de nombreux regroupements d’individus dans une prise de parole à la première personne du pluriel, dans un nous engagé (nous, futuristes ; nous, surréalistes) dont les présupposés et les objectifs varièrent considérablement d’un groupe à l’autre. Il existe actuellement de nouvelles formes de regroupements, dites « col laboratives », entre les artistes. Aujourd’hui, lorsque des artistes créent à plusieurs, lorsqu’ils invitent d’autres, lesquels ne sont pas des artistes, à travailler avec eux, quel je, quel nous, quel on engagent-ils ? Il est fréquent par exemple de rencontrer des artistes oeuvrant en « duo ». Que conclure de l’apparition de ce mode précis de collaboration ? C’est à partir de l’œuvre commune des artistes Peter Fischli et David Weiss, et, plus brièvement, de celle que Sylvie Blocher a engagée depuis une vingtaine d’années, que nous tenterons d’apporter quelques réponses à ces questions.
Un art sonore contextuel
Authors: Risse Michel
Published: November 2024

In contextual sound art, artists seek to recover a place, a function and an audience by leaving the auditorium and by composing specifically with a public place in mind. The idea of place is broadened to imply the notion of context. A context contains sources of inspiration, but also the materials, forms and conditions of relevance required for the work and by the artist.The study is placed in the broader context of prior (even primordial) musical practices in which art is invariably connected with a specific place and function. The importance of the notion of ‘accuracy’, commonly limited to the issue of pitch space, is extended to include other physical and metaphorical dimensions. Far from being reduced to a formal or abstract literary construction, the idea of musical ‘text’ is used in such a way as to revive its original meaning of ‘weaving’ within a specific context.
C’est le lieu qui fait lien
Authors: Gayou Évelyne
Published: November 2024

C’est le lieu qui fait lien.Dans un premier temps, nous constaterons, à partir d’exemples, que tous les lieux peuvent être investis par la musique électroacoustique, jusqu’à être eux-mêmes traités comme un instrument. Pour les musiciens, l’objectif est de s’adapter au mieux au lieu, et le faire résonner en utilisant tous les moyens techniques possibles : électrification, amplification des instruments, optimisation de la disposition des haut-parleurs dans l’espace, jeu avec les différentes réverbérations et mouvements spatiaux. On repère alors des types d’usage des lieux qui se polarisent aisément en deux grandes catégories : l’errance et l’enracinement, qui nous révèlent davantage d’aspects de notre rapport au monde, qu’un ordre inhérent à l’art musical. Enfin, on observe une tendance, plus récente, à la décentralisation des lieux de musique fonctionnant de plus en plus en réseau, par genres musicaux, affinités sociales, ou générationnelles.
Les concerts de cloches de llorenç barber et la conception postmoderne de l’espace urbain
Authors: Kaiero Claver Ainhoa
Published: November 2024

Les concerts de cloches de Llorenç Barber, l’un de compositeurs les plus représentatifs de la musique expérimentale en Espagne, constituent une proposition originale sur la relation entre musique, espace public et urbanisme contemporain. Sa proposition est apparentée avec les modalités, également examinées dans cet article, de l’installation et du paysage sonore, lesquelles se basent sur une intervention dans l’espace public. Ces concerts montrent, dans une perspective utopique, certains concepts sociaux et urbains liés à la postmodernité. Par conséquent, cet article examine la relation entre ces concerts et certains modèles (Augé, De Certeau, Lash et Urry) qui décrivent les nouveaux espaces urbains associés à une « société en réseau » (Castells) traversée par les technologies de l’information et de la communication (TIC).
Tobi-ishi : un jardin musical à Paris
Authors: Hervé Jean-Luc
Published: November 2024

Le jardin sonore du le 4ème arrondissement de Paris est réalisé par un compositeur travaillant en collaboration avec des paysagistes. Pensé comme une œuvre musicale, ce jardin est construit selon trois principes : continuité entre environnement sonore et musique, réalisation en temps réel par un ordinateur qui actualise toujours différemment des modèles du compositeur, interaction avec les variations atmosphériques et la présence des visiteurs.Ce projet a été source que de questions nouvelles, telles que la place de la musique dans l'espace public, le temps et l'espace dans un jardin ou la relation avec le pouvoir politique.
Xenakis et la musique indienne
Authors: Mâche François-Bernard
Published: November 2024

Le jeune Xenakis s’intéressa de près à la musique indienne. En septembre 1951, il note à propos de celle-ci : « Organisation la plus civilisée du rythme et la plus parfaite ». La partition inédite des Rythmes sur tabla (datée de janvier 1953) constitue un exercice où le jeune compositeur s’approprie des tâlas, tout en s’intéressant à ce qu’un auditeur pourrait ressentir pendant le déroulement de l’œuvre. Cette pièce n’a pas été créée à l’époque, et Xenakis a abandonné ces préoccupations rythmiques, mais elles resurgiront plus tard : affinées, elles mèneront aux chefs-d’œuvre pour percussion tels que Psappha.
Exergue
Authors: Xenakis Iannis
Published: November 2024

Une partition inédite du jeune Xenakis, datée de janvier 1953, et transcrite par François-Bernard Mâche.
Le rythme comme expérience du temps
Authors: Charles Daniel
Published: November 2024

Ce texte se situe dans le sillage de la réflexion engagée dans La fiction de la postmodernité selon l’esprit de la musique (publié en 2001), ouvrage dans lequel l’auteur postule une narrativité première, comme récit/récital/récitatif de timbres, où la musique, dans une temporalité immémoriale, « fait résonner, en un murmure ininterrompu, la rumeur du monde, le bruissement même de l’il y a »
Présence ou absence du rythme dans les musiques d’aujourd’hui
Authors: Sauvanet Pierre
Published: November 2024

Cet article choisit de s’interroger sans préjugés ni parti-pris sur certaines manifestations contemporaines du phénomène rythmique. Pourquoi la musique savante a-t-elle, sauf exception majeure, abandonné le sens du rythme (au sens de la pulsation régulière) ? Pourquoi, à l’autre extrême, le retrouve-t-on si omniprésent (mais sous une forme caricaturale) dans les musiques populaires ? Ces questions ne sont pas un point de détail esthétique, mais renvoient à l’évidence à des enjeux philosophiques et anthropologiques (ainsi, la place du corporel dans le musical), ou politiques et sociaux (valeur et fonction de la musique). On analysera ces enjeux à partir de quatre pièces musicales récentes dans quatre genres volontairement très différents (contemporain, traditionnel, variétés, jazz).
Métrique, rythme et dissolution de l’individu dans la Volksmusik et les Volkslieder de l’Allemagne nazie
Authors: Petit Élise
Published: November 2024

Tâche délicate de définir l’acception du rythme qui nous concerne et fera l’objet de notre étude. Tout d’abord celle que formule Kofi Agawu : « Des éléments récurrents et alternés, forts ou faibles, longs ou courts, qui structurent le flux de son et de silence du discours ». Ensuite l’ordonnancement du chaos selon Natorp, et celui du mouvement selon Platon : en bref, le rythme comme organisation, encadrement du temps. Mais aussi et surtout sa dimension potentiellement tyrannique : la prise en charge, l’occupation et même le quadrillage, la dictature du temps frappent l’attention lorsque l’on s’attache à l’étude du système national-socialiste qui a été effectif de 1933 à 1945 : régime totalitaire et exterminateur, il a eu pour ambition de diriger les arts — en particulier la musique — et, à travers eux, de façonner un peuple nouveau. Durant ces années, la Volksmusik ou « musique du peuple » plébiscitée par le régime — et les Volkslieder (« chants du peuple ») en particulier — a été pulsée, mesurée : encadrée, tyrannisée ; elle a participé à l’entreprise de destruction de la personnalité des individus, et à la fusion des artistes et du peuple tout entier dans une vaste masse aryenne ancrée dans le sol et la germanité, et dévouée à son « guide », le Führer.
Quelques aspects d’une conception africaine-américaine du rythme dans le jazz « moderne » d’après-guerre
Authors: Michel Philippe
Published: November 2024

Parvenu au milieu du XXe siècle à une étape historique majeure de son évolution, au cours de laquelle ses acteurs réaffirmaient certaines valeurs culturelles identitaires liées à ses origines africaines-américaines, le jazz se mit à exploiter radicalement la singularité métrique-rythmique identitaire sur laquelle il s’était initialement développé, fondant ainsi le jazz « moderne ». À travers ce prisme du jazz « moderne », s’offre au lecteur-auditeur (l’écoute est essentielle et sollicitée) une sorte d’histoire des spécificités métriques-rythmiques du jazz, une histoire qui relierait la mère Afrique au monde occidental moderne pour éclairer finalement l’ouverture du jazz à toute forme d’altérité convergente. Bien que traitant de principes étrangers à la culture musicale européenne « classique », cet article tente d’en rendre compte en des termes qui participent néanmoins de cette dernière, croisant pour ce faire l’étude extérieure des phénomènes (la distance critique du chercheur) et les ressources de leur perception interne, physiologique (le ressenti du praticien).
Préalables à une réflexion sur le temps musical et ses liens avec la physique contemporaine
Authors: Laliberté Martin
Published: November 2024

Le vieux truïsme de la musique comme « art du temps » nous impose une importante remise en cause de nos certitudes, après plus de cent ans de découvertes fondamentales en physique relativiste, quantique, supersymétrique, cordiste ou branaire. Les sensibilités contemporaines musicales ont profondément évolué, cela est une certitude, mais quels liens pouvons-nous établir avec les spectaculaires mutations des connaissances physiques, en particulier les plus récentes ? Cet article est le premier d’une courte série sur cette question, la matière abordée étant tellement abondante. Cette première étape passe d’abord en revue les connaissances classiques sur la question du temps, base de nos intuitions temporelles quotidiennes, puis effectue un premier résumé de l’évolution de la notion de temps en physique contemporaine. Un ou deux autres articles suivons pour sonder plus en détail les conséquences de cette mutation fondamentale des connaissances et en tirer des conclusions musicales.
En lisant, en jouant, en écrivant
Authors: Levaillant Denis
Published: November 2024

Chacune de ces situations est reliée aux deux autres par une boucle particulière d’espace-temps, en de multiples points, dans un cycle ininterrompu. L’alliance du jeu et de l’écriture est constitutive de notre culture musicale.
Geste et mémoire chez l’interprète le compositeur et l’improvisateur
Authors: Foltz Jean-Marc
Published: November 2024

Le clarinettiste Jean-Marc Foltz explique comment il en est arrivé en musique à choisir le camp de « l’expérience directe, celui du son vécu de l’intérieur ». Ses rencontres successives avec la musique contemporaine, le jazz, l’improvisation, la composition, puis avec deux musiciens marquants, Denis Levaillant et Stephan Oliva, sont autant d’étapes dans son parcours atypique. Il tente finalement de réfléchir sur le recoupement chez lui de ces « pratiques différentes ».
Jazz et musique occidentale écrite du XXe siècle
Authors: Michel Philippe
Published: November 2024

Au XXe siècle, avant d’être supplantés médiatiquement par les musiques populaires modernes, le jazz et la musique occidentale de tradition écrite partageaient le devant de la scène musicale occidentale. Ils partageaient également un même modèle morphologique lié pour l’essentiel à la présence (effective dans le cas du jazz, théâtralisée par l’intermédiaire d’un compositeur-dramaturge dans le cas de la musique écrite) d’individus / individualités s’exprimant sonorement. Cette proximité morphologique disparut lorsque la musique dite « contemporaine » (du moins pour ce qu’il est convenu d’appeler l’« avant-garde ») rompit avec le modèle. Bien que proche à certains égards de la musique contemporaine (du moins en apparence), le jazz moderne, de son côté, free en tête, ne rompit jamais vraiment avec ce modèle, indissolublement lié qu’il était aux origines participatives de la création musicale (des expressions individuelles alimentant une performance collective).
La théorie des musiques audiotactiles et ses rapports avec les pratiques d’improvisation contemporaines
Authors: Caporaletti Vincenzo
Published: November 2024

L’auteur envisage le concept fondamental de principe audiotactile comme mode constitutif essentiel tout autant qu’élément distinctif spécifique dans les procédés de production sémique des musiques qu’il appelle « audiotactiles », telles que le jazz ou le rock ou ce qu’il est convenu d’appeler popular music, musiques qui n’appartiennent pas à la tradition savante occidentale ni aux traditions orales. Il illustre d’abord les implications et les particularités de cette catégorie, en traçant, dans un deuxième temps, les connexions avec les procédures d’improvisation, notamment dans la musique contemporaine et dans les expériences de free music européenne.
Die Befristeten de Bernd Alois Zimmermann
Authors: Michel Pierre
Published: November 2024

L’article rend compte d’une expérience particulière de musiciens préparant un concert, avec des problèmes musicologiques liés à une partition manuscrite, difficile à saisir dans ses moindres détails. Le concert donné à Strasbourg en 2005 par Pierre Michel et ses amis musiciens était construit autour d’une œuvre de Bernd Alois Zimmermann, Die Befristeten, qui appelait effectivement tout un travail musicologique et musical de la part des interprètes, au carrefour entre musiques d’avant-garde et improvisations confiées à de véritables musiciens de jazz.
Dynamismes et expressivité
Authors: Criton Pascale
Published: November 2024

Vers quelles représentations du mouvement la musique peut-elle se tourner pour sensibiliser de nouvelles formes du temps ? Le mouvement, sous l’aspect qui nous intéresse ici, pose la question de rapports matériau-force qui président à l’individuation d’événements temporelsLes relations constitutives du mouvement concernent la composition musicale au niveau de l’écriture des données sonores, comme à celui du geste qui produit le son. Un point de vue dynamique et énergétique prendra en considération une distribution modulaire de variables et une expressivité transversale des champs esthésiques (abstraits, physiques, psychiques). Le mouvement se compose jusque dans l’écriture des relations à l’espace, de la projection-diffusion de l’événement sonore à sa propagation dans un espace de réception.
Tertulia: Echoes in Eternity
Authors: Varchausky Nicolás
Published: November 2024

“Tertulia was a sound-and-image intervention in the Recoleta cemetery in Buenos Aires that I created in 2005 in collaboration with the visual artist Eduardo Molinari. The V. Festival Internacional de Buenos Aires as part of its new interdisciplinary initiative, Proyecto Cruce, produced it. Tertulia’s original three-day program was suspended by court order when some notable neighbours of the cemetery filed a lawsuit that accused us of disturbing the rest of the dead and changing the historic Truth, and called for the project’s cancellation. After the legal confrontation, (in effect, censorship,) Tertulia was rescheduled for the last two days of the festival. On what would have been its opening night, the intervention was canceled due to a fierce storm that started early in the afternoon and lasted the entire night. Tertulia was finally performed on the night of 24 September 2005, after being assailed by the media and the neighbours of the cemetery. The intervention was sabotaged during its only performance: a series of cables were cut, silencing seven of the forty speakers that were spread throughout the cemetery. Five thousand people came to see Tertulia, but for security reasons only 1 500 were allowed into the cemetery.”
Chronique diurne d’un insecte nageur
Authors: Levy Fabien
Published: November 2024

Cet article évoque, avec la subjectivité et la difficulté liées à l'exercice, les conditions de production de quelques œuvres du compositeur, en tentant de les replacer dans leur contexte historique et épistémologique actuel, dix années après « ... », trente années après « ... », et cinquante années après « ... ».
(Une resonance)
Authors: D’Angiolini Giuliano
Published: November 2024

Quelque chose nous interpelle et résonne en nous dans le travail des autres et dans d’autres domaines de l’art. Et nourrit notre propre travail, nous inspire. Evoquer l’art de Richard Long ou la peinture zen éclaire le chemin.
Réflexions sur l’inconscient dans la musique
Authors: Dézsy Thomas
Published: November 2024

Tout d’abord, il s’agit d’une découverte pour moi : le fait qu’il existe une « fenêtre » (temporelle) vers une « musique informelle », c’est-à-dire, comme dans l’écriture automatique, un transfert quasiment direct de l’inconscient vers le conscient. Comprendre, d’abord, comment cela s’est situé historiquement dans la musique.Ensuite, la question qui ne perdra jamais de son intérêt est la recherche de la forme dans un contenu qui provient de l’inconscient.Je ne pense pas qu’on puisse arriver à une conclusion définitive sur le sujet, voilà un essai basé sur des faits historiques, qui démontre, en fait, l’impossibilité d’exprimer un inconscient individuel sans que celui-ci se soumette à des conditions formelles pré-existantes.
The conditions of creation and the haecceity of music material
Authors: Assis Paulo de
Published: November 2024

This article is an attempt to bring together, to produce an encounter between two thinkers who generated thoughts in an unnoticed neighbourhood – to realize an unconnected connection between Helmut Lachenmann and Gilles Deleuze. To do this, the origins and characteristics of Lachenmann's ‘aesthetic methodology’ are emphasized, entering then a dialogue between specific elements of such methodology and specific concepts of Gilles Deleuze – particularly those of ‘Haecceity’, ‘Erewhon’, ‘diagnostic function of art’, ‘capture of forces’, ‘body without organs’, ‘opinion’, ‘corporeity’, ‘fold’ and ‘latitude’. Through the discussion of philosophical and aesthetic convergences between a philosopher who wrote extensively on art, and a composer with strong philosophical interests, this article aims to contribute new understandings of art as philosophical practice. Moreover, it also claims that the radical ‘thingness’ of the philosophy of Gilles Deleuze and of the music of Helmut Lachenmann allow for new modes of perception, sensation and thought.
Image sonore, Ritournelle, Territoire : une lecture deleuzienne de la musique de cinéma est-elle possible ?
Authors: Gonin Philippe
Published: November 2024

C’est en philosophe que Deleuze a, dans Cinéma 1 et 2, abordé la question de l’image, définissant des concepts dans lesquels le son, la musique jouent un rôle non négligeable mais qu’il faut aller chercher, interroger. Le présent article vise à définir ce qui, dans la pensée deleuzienne, peut être appliqué à cet objet particulier qu’est la musique de cinéma. Il cherche à déterminer si oui ou non les concepts de territoire, de ritournelle, peuvent s’appliquer à la musique de film et si cette dernière peut en conséquence se définir au sein de la composante sonore, à l’intérieur de l’image sonore comme un phénomène à la fois inter dépendant et indépendant, créant son (ses) propre(s) territoires…Première pierre d’un édifice en devenir, l’article donne quelques exemples clefs et ouvre une porte sur de futurs développements.
Toward a Much Tensor Music Theory
Authors: Shelley Peter
Published: November 2024

The age-old question of whether music is a language—universal or otherwise—is surely tired enough that it can now be put to rest. Nevertheless, the structural similarities between language and music persist: both exist as an acoustical transmission from one party to another, and both can also exist in a written state. Through their radical re-theorizing of language, both in terms of its function and its component parts, Deleuze and Guattari open new possibilities for understanding how far this similarity between music and language reaches. At the core of language lies the order-word, the compulsion both to obey and to act in an orderly fashion. But like most Deleuzian concepts, the order-word has multiple functions. At its most sinister, it is the death threat; at its most positive, it sets one in flight. This paper will explore the implications of this conception of language for music, taking as examples the American composers John Cage and Steve Reich. Deleuze and Guattari’s theory of language is an analysis of the tensor, an analysis that does not rely on a centered systematicity, but instead expects and opens lines of flight. Examining the tensor in music will provide a Deleuzian mode of analysis that resists both representation and idealization, that attends not to what music is or means, but what it does.
Scelsi était-il fou ?
Authors: Moll Olga
Published: November 2024

En nous appuyant sur le travail effectué par Jacques Lacan à propos de James Joyce et de son œuvre Finnegans wake, nous soutenons ici l’hypothèse que la création musicale a préservé Scelsi d’une folie dont on peut pressentir le souffle dans certains de ses écrits, en particulier dans la seconde partie d’Il ritorno. Cette menace qui pèse sur Scelsi et qui parfois ne l’épargne pas, se signe d’un rapport singulier au corps et au langage, littéraire aussi bien que musical. Nous envisagerons les choix esthétiques et techniques scelsiens dans cette perspective ainsi qu’à l’aune de la mystique syncrétique qu’il a progressivement élaborée et dans laquelle le son est simultanément voie vers la transcendance et manifestation de celle-ci ; et le compositeur, prophète, élu et passeur.
Ambiguïtés similaires : une étude parallèle des œuvres Atmosphères de György Ligeti et Black Painting no. 1 de Mark Rothko
Authors: Siqueira De Freitas Alexandre
Published: November 2024

Cet article présente une étude des œuvres Atmosphères (1961) de György Ligeti et Black Painting no. 1 (1964) de Mark Rothko. À partir de la perception des résonances communes entre la musique et le tableau, nous portons la réflexion sur les ressemblances possibles entre les pensées artistiques de ces deux créateurs. De l’instance réceptive nous allons vers la poïétique et, à partir d’une analyse concomitante des œuvres, nous souhaitons enrichir leurs compréhensions et leurs appréciations.
Troisième quartier. Sons entendus ici
Authors: Beaudet Jean-Michel
Published: November 2024

Ceci est un strip sonore, une brève série de sons décrits. Je propose ici un tableau avant tout sonore, d'un village, posé sur le sable entre deux estuaires, à la frontière de la Guyane et du Suriname. Il s'agit de décrire un milieu, en partant du son lui-même, des sons entendus, même s'il est évident que cette approche par le sonore est inséparable d'une prise en compte des autres modes de perception. Au passage, ces annotations auditives offrent des éléments de compréhension des relations entre les habitants et leur milieu, ainsi que de certaines manières de faire de la musique. Enfin, il m'apparaît comme nécessaire qu'une telle présentation soit datée et localisée.
Le Son intra et extra-musical : l'importance de l'espace dans 4’33’’ de John Cage et Synaphaï de Iannis Xenakis
Authors: Pires Isabel , Pereira Jorge Rui
Published: November 2024

Dans cet article, nous traiterons la question du son dans l’espace comme matière pour la composition musicale, surtout dans le sens d’élucider ce qu’il y a de structurant, caractéristique et symbolique. Mais aussi en quoi l’espace devient musical. Nous traiterons spécifiquement quelques exemples dans lesquels les compositeurs ont pris en considération autant la construction de l’espace interne de l’œuvre que son interaction avec l’environnement de projection et ses intervenants. Ce faisant, le compositeur crée intentionnellement les conditions pour l’émergence de phénomènes sonores qui engendrent des perceptions nouvelles, inattendues, ou même inquiétantes et perturbatrices, soient ces phénomènes prévisibles ou imprévisibles.Nous approcherons des œuvres marquantes, comme 4’33’’ de John Cage ou Synaphaï de Iannis Xenakis, car elles sont démonstratives de situations spécifiques, dans lesquelles l’événement sonore produit dans l’espace-temps de l’écoute est le résultat, en même temps, de l’espace interne de l’œuvre et de son interaction avec l’espace de projection. Dans le dessein d’éclaircir la passibilité que des éléments d’extra–musicalité aient été pris en considération dès la conception de l’œuvre, nous considérerons l’intentionnalité des compositeurs dans le traitement de la non–linéarité existante entre les espaces interne et externe des œuvres.
Sound Art at Burning Man: Sonic Interventions in an Extreme Environment
Authors: Moore Stephan , Smallwood Scott
Published: November 2024

The Burning Man Festival occurs annually in the Black Rock Desert of Nevada in the US during the week leading up to Labor Day, which occurs on the first Monday of September. The festival began in 1986, and has evolved to become a city of interactive artworks created by participants who agree to build, live in, celebrate, and then remove all traces of the event. Recent years have witnessed a large array of works that employ sound as an important, and often primary, component. These works range from acoustic-object sound installations to works that use amplified sound and varying degrees of electronics. Many are installations that easily become sites for performance and expression by participants who encounter and interact with them, and some works play off this explicitly. Others take the form of sounding devices that respond to their environment as a whole. There are also a number of instrument designers and inventors who bring new creations to share with the community. Each exists within, and plays a part in, Burning Man's unique urban soundscape. Here, we will investigate the various critical environmental and social factors that must be taken into account when creating sound-based artworks for Burning Man, through the lens of several representative examples from recent festivals, including work created by the authors.
Action artistique et Buen Vivir : pour la construction de sociétés solidaires
Authors: Bruce Marcelle
Published: November 2024

Le modèle dominant, moderne/capitaliste/colonial/eurocentriste est en crise et avec lui la civilisation occidentale. Pour imaginer de nouveaux paradigmes et construire des sociétés solidaires, équitables et démocratiques, il est nécessaire de décoloniser le pouvoir et la pensée. Dans ce sens, le Buen Vivir, né en Amérique Latine, est une proposition alternative d’être-au-monde. La pratique artistique, comme activité relationnelle qui s’adresse tant aux sens, aux émotions, aux intuitions qu’à la pensée, est un terrain fertile pour la construction des sociétés du Buen Vivir. Elle ouvre en effet un espace des possibles à partir duquel une nouvelle subjectivité aussi bien individuelle que collective peut naître.
Les Sonates du Rosaire de Biber : une approche interprétative
Authors: Roussel Fabien
Published: November 2024

En quoi peut consister la partie "théorique" du travail de l’interprète ? En quoi se différencie-t-elle du travail du musicologue ? Comment peut-elle se connecter à la partie concrète, visible, audible, de l’exécution ? Cet article aborde ces questions à travers un exemple, celui d’une étude des Sonates du Rosaire de Biber réalisée en vue d’un enregistrement paru en 2012 chez Bayard Musique.
Une voix incarnée à l’épreuve des sources : Marie Fel ou l’héritage renouvelé du jeu lyrique à l’époque ramiste
Authors: Salem Lola
Published: November 2024

Comment entendre la voix d’une chanteuse morte il y a plus de trois siècles et en tirer des leçons pour l’analyse et l’interprétation d’aujourd’hui ? En interrogeant la diversité des sources d’époque, il semble être possible de dessiner la marque d’attributs vocaux individuels entre les lignes des témoignages et des partitions : faire (re)vivre une voix incarnée. Marie Fel (1713-1794), étoile ramiste, synthétise de manière singulière héritage français et technicité italienne, réussissant ainsi à influencer l’écriture et la réécriture même des rôles endossés.
Poétique du son dans le cinéma
Authors: Celedón Gustavo , Galarce Cristian
Published: November 2024

Pensé comme usage, le son comprend une multiplicité de champs ou d’activités. L’un d’entre eux, c’est le cinéma. Considéré normalement comme une valeur ajoutée, le son dans le cinéma tend à reproduire une constante culturelle : la domination de la vue sur l’écoute et sur les autres sens. Cette domination nous parle d’une hiérarchie et d’une inégalité sur lesquelles est fondée la vie sensible en général. Une intervention éthique et politique du son acquiert donc une fonction désarticulant aussi bien la hiérarchie que l’inégalité à la base de l’ordre sensible. Dans le cinéma, cela consisterait à faire vivre la dimension sonore et audible tout en expérimentant des façons différentes dans les relations image-son afin de projeter des associations elles aussi différentes entre les sens. En somme, il s’agit d’avoir un cinéma ouvert à une expérience sensible désorganisée par rapport à l’architecture d’une sensibilité « visualisée ».
Mare nostrum ou l’espace vénitien et méditerranéen comme modèle sonore, poétique et utopique chez Luigi Nono
Authors: San Martin Fabien
Published: November 2024

Façonné par son omniprésence au sein de sa cité natale, Luigi Nono écrit une musique dans laquelle les questions acoustiques tout autant que dramatiques qui la travaillent sont intrinsèquement liées à l’eau, que ce soit en termes d’ondes, de résonances ou de symbolique (via notamment le « complexe de Caron » dont certaines pièces semblent atteintes). Mais chez Nono, l’influence de Venise pèse également sur le plan formel comme sur la dimension politique de son œuvre, à travers son organisation en archipel dont le Prometeo saura s’emparer et qui marquera de son caractère multiple et fragmenté le modèle non seulement esthétique mais encore utopique du compositeur. Généalogiquement lié à la mer Egée, l’archipel plonge ainsi la cosmologie nonienne au cœur de la Méditerranée, qui va en outre fournir à deux compositions majeures de la dernière période les figures mythologiques qui les hantent.À travers l’analyse de quatre œuvres composées entre 1971 et 1985 (Como una ola de fuerza y luz ; …Sofferte onde serene… ; Prometeo ; Das atmende Klarsein), cet article s’attache à montrer les liens multiples de cette musique au monde méditerranéen, ainsi que l’utopie maritime que ce dernier a pu inspirer au compositeur vénitien.
Le maqām et la création musicale dans le sud de la Méditerranée : une dialectique du désenchantement
Authors: Fariji Anis
Published: November 2024

Le maqām a été largement investi comme matériau de prévalence par les différentes démarches compositionnelles liées au monde arabe. Cela tient certainement à son potentiel expressif, tout comme à sa forte connotation culturelle qui le distingue au sein de la diversité musicale mondialisée. Les trois compositeurs de la musique contemporaine, Ahmed Essyad, Zad Moultaka et Saed Haddad, ne dérogent pas à cette orientation. En parcourant les différentes techniques avec lesquelles ces trois compositeurs intègrent le maqām dans leurs œuvres, cet article montre que le rapport à ce matériau demeure néanmoins problématique. Car si le maqām injecte dans l’œuvre une matière d’expression stimulante, il peut tout aussi bien y apparaître comme élément de connotation usée. Il s’agit dès lors d’un rapport de forces entre le compositeur et le matériau traditionnel avec quoi il doit négocier dans le détail et la singularité de chaque œuvre.
Field recording et fictions soniques : vers une représentation des espaces urbains
Authors: Panourgia Eleni-Ira , Dupetit Guillaume
Published: November 2024

This article proposes an approach to field recording based on the notion of sonic fictions to examine the reality of the environment and to consider new ways to act on spaces and their representations through sound. Sonic fictions refer to our ability to shape imaginary and virtual worlds through the manipulation of sonic spaces loaded with references. This occurs when we listen, experience, perceive or anticipate a given sound event as well as when we use our senses to develop an understanding of the world around us. Our approach is based on a dialogue among concepts, theory and practice borrowing both from the artistic practice and the ecological potential of field recording and from recent narratives of climate fiction, in order to reveal or even rethink our relationship to the world.
(Re)Creating Avian Worlds
Authors: Jäggi Patricia
Published: November 2024

The article provides a transdisciplinary insight into the world of field recording of birds. It embraces examples of making and listening to field recordings, as well as the analysis, editing and creative transformation of field recordings in bioacoustics, popular culture and music/sound art. It starts off by comparing autoethnographical recording experiences of directional recording technologies such as parabola and shotgun with MS' and ambisonic's surround sound. Then follows a wider discussion of the history of avian field recordings, including their impact on the science of avian bioacoustics and on the perception of birds in society more broadly through recording albums of birds such as bird guides. The article also delves into composer Marie-Cécile Reber's work Pirol, which is concerned with respectfully intervening in a natural environment by transforming and playing back field recordings of orioles. In this way, the article explores field recordings of birds from different angles and aims to discuss them critically in the context of field recording as a means for enhanced listening and raising ecological awareness.
Le field recording nous aide-t-il à « habiter en oiseau » ?
Authors: Bernard Marie-Hélène
Published: November 2024

Since its birth, field recording has had close links with birds. This article explores the ‘bird-microphone-human’ triangulation, from the first recordings of songbirds in cages at the beginning of the last century and the appearance of the first sound guides, to the success of the audio naturalist movement. With the threat of the extinction of birds and a growing questioning of the relationship between humans and animals, the way in which this practice is viewed is changing. We will ask ourselves if field recording helps us – to use the words of the philosopher Vinciane Despret – to ‘inhabit as a bird’, that is to say to open our imagination to the ways in which birds occupy a territory, to allow ourselves to be truly ‘affected’ by their ways of existing.
The tinku dance as “choreopolitical” action in street protests in Santiago de Chile
Authors: Cortés-Rojas Ignacia
Published: November 2024

This article discusses the musical-choreographic phenomenon of the “tinku” within the context of recent social demonstrations in Santiago de Chile. My hypothesis is that the tinku, a folkloric dance of Bolivian origin, takes on new meaning as it becomes part of the protest repertoire in the Chilean capital. In the early 2000s, a collective of dancers identified that the body movements in this performative genre, characterized by the simulation of kicks and punches, empower those who practice it. From this perspective, I seek to demonstrate how this dance operates within the protest repertoire as “choreopolitical” action, as defined by André Lepecki. My reading is based on a review of videos, interviews with key actors, and my own ethnographic experience as a dancer and protester. Finally, this article concludes that the tinku mirrors the energies produced in spaces of protest where police repression is present.