bluuebunny/crossref_metadata_2025 huggingface dataset:
Детство в пьесе Пластилин Василия Сигарева как образ окружающего нас мира
Authors: Ryčlova Ivana
Published: February 2024

The childhood in V. Sigarev’s play The Plasticine, as an image of the world which surrounds us.

The article analyzes the elements of representation of a child’s world - the child being the main character of The Plasticine, a play by V. Sigarev. The interpretation of the author is based on a hermeneutic approach. Attempting to find the «internal shape» of the play, the author discovers a kind of parallel with the shape of the mandala, in the sense given to it by the theory of the psychoanalyst C.G Jung.
Théâtre et politique dans l’URSS post-stalinienne : la « Léniniana » de Mikhaïl Chatrov
Authors: Vaissié Cécile
Published: February 2024

Театр и политика в послесталинском Советском Союзе : «Лениниана» Михаила Шатрова.

Знаменитый драматург Михаил Шатров (род. в 1932 году) написал по меньшей мере 9 пьес о Ленине. Начиная с 1961г он якобы исходил из первоисточников (архивов, речей) в написании своих так называемых "документальных драм". Таким образом он подразумевал, что всё написанное им после 1961г являлось исторически обоснованными произведениями, а не идеологическими или вымышленными построениями. На самом деле Шатров принял активное участие в поддержании и преображении мифа о Ленине, в частности в 1960гг и во время перестройки. Он неустанно защищал изначальные революционные начинания, которые по его мнению были в последствии искажены Сталиным и его преемниками. Анализ его Ленинианы позволит лучше определить значение ленинского мифа, показать каким образом писатели использовали этот миф в своих целях, а так же изучить тот взгляд на советское прошлое, который до сих пор бытует в России.
La question de la « prose féminine » dans la critique littéraire russe des années 1980-90
Authors: Shubb Larisa
Published: February 2024

В настоящей статье рассматриваются вопросы восприятия в российской литературной критике 80х-90х годов XX века нового литературного течения «женской прозы». В статье выделяются различные этапы формирования и развития полемики литературных критиков, относительно творчества нового поколения женщин-писательниц в конце 80х -начале 90х и во второй половине 90х годов. Рассматривается также система различных подходов и критериев, лежавших в основе критического анализа «женской прозы».
Interjections en russe contemporain : problèmes de la distinction homonymique et de la traduction
Authors: Fomina Svetlana
Published: February 2024

Светлана Фомина, доцент кафедры французского языка факультета иностранных языков Липецкого государственного педагогического униерситета. В 2000 году после окончания аспирантуры при кафедре романских языков Московского педагогического университета работала один год в качестве ассистента русского языка во Франции. В 2001 году защитила диссертацию по истории французского языка и получила учёную степень кандидата филологических наук. Имеет опыт работы переводчика французского языка в различных сферах. На факультете иностранных языков преподает историю французского языка, методику преподавания иностранного языка, перевод, практику французского современного языка.

Статья посвящена проблеме разграничения междометий и других частей речи, а именно, междометий и звукоподражаний, междометий и частиц, а также проблеме перевода междометий русского языка на французский язык. В статье описаны случаи лексической и функциональной омонимии междометий и других частей речи, даны примеры случаев сложных для разграничения и перевода.
Images et altérités musulmanes
Authors: Leprun Sylviane
Published: February 2024

Le débat actuel sur les effets des préceptes coraniques, fortement médiatisé dans l’espace politique et culturel international, interroge la construction idéologique de l’image dans un système esthétique dorénavant plus ouvert sur les mondes contemporains transculturels. Notre hypothèse est que les images appartiennent à des territoires “ nomadisés” dont les identités sont de plus en plus mutationnelles. En corollaire c’est la question de l’intangibilité des images de l’islam qui se trouve posée. Cet article propose d’aborder les productions d’artistes issus de pays émergents, à partir d’une double perspective artistique et linguistique, qui met en lumière la place de l’art dans la construction du lien social urbain africano-musulman. Et ce faisant pose également la question du profane et du religieux dans la création extra-européenne d’aujourd’hui.
Le ralenti comme aisthesis : du geste à la Geste dans la culture-rugby
Authors: Cahuzac Hubert
Published: February 2024

À l'échelle du corps, faire sentir ce que je sens et comme je sens passe par une recréation narrative. Faire sentir ce que je sens du corps-autre peut mobiliser conjointement une narration et une mise en cénesthésie. C'est sur cette conjonction que se développerait un “parti” sensoriel, une proposition esthétique globale. En rugby, tout geste “fait partie”, est un répons dans un ballet collectif à 31 danseurs. Deux corpus à base d''images-rushes identiques : le ralenti-arbitrage dans la retransmission télévisée et des ralentis montés en films courts (clips). Du geste filmé en situation, le système vidéo d'expertise (arbitrage télévisé) recompose un faisceau de ralentis convergents vers un focus unique (le ballon et la ligne). Reprenant les mêmes éléments, recréant un “train” narratif de ralentis, l'artiste (cinéaste) donne chair à une structure formelle englobante, le Jeu-rugby, en jouant avec des focus multiples.
Le pouvoir des images : Le cinéma entre Sciences de l’éducation et Science du politique
Authors: Jeannel Alain
Published: February 2024

L’étude d’exemples précis montre :

Premièrement, l’émotion provoquée par le film est un mode d’explication du monde : elle est éducative au même titre que l’abstraction. Cette expérience émotionnelle ancre dans la mémoire des modèles éducatifs qui tendent à revenir de manière répétitive.

Deuxièmement, ces attitudes émotionnelles propres aux sociétés humaines sont l’expression de logiques inconscientes qui servent le fonctionnement de l’ordre public : elles sont un enjeu politique qui explique les statuts divers du film, objet de propagande, objet de censure, objet culturel, objet de démocratisation de l’enseignement (pour citer uniquement des statuts qui correspondent au champ de l’éducation). “Industrie et machinerie mentale”, les émotions vécues par le spectateur du film posent la question de la relation entre l’Education et le Politique qui débute avec l’affaire de Béthune (1909) et qui perdure tout au long du XXe siècle et au début de ce troisième millénaire.
Le pouvoir des images
Authors: Talon-Hugon Carole
Published: February 2024

Je m’interroge ici sur la question des pouvoirs de cette catégorie particulière d’images que sont les images artistiques. L’esthétique formaliste a fait peser un interdit théorique sur cette approche pragmatique des oeuvres picturales, la jugeant à la fois dépassée et déplacée. La dimension iconique constitue en effet une forme insidieuse d’hétéronomie puisque l’image, se constituant dans la visée d’un objet (donné comme absent) à partir de, mais aussi au-delà des traits et des couleurs, fait sortir de la pure phénoménalité du peint. Afin d’éviter cette hétéronomie, la modernité a déployé un certain nombre de stratégies picturales et a voulu éduquer le regard à l’intransitivité. Mais l’opacification du référent ne peut être qu’une semi opacité et l’intransitivité n’est jamais complète. Si bien que la question des pouvoirs de l’image même artistique demeure pertinente et qu’il convient de reprendre à nouveaux frais cette question un moment oubliée qui recoupe celle des pouvoirs de l’imaginaire.
Des motifs et des liens. L’éphémère dans l’oeuvre d’Andy Goldsworthy
Authors: Millet Yves
Published: February 2024

Comment montrer ce qui ne peut être représenté ? Quelles relations l’art et l’éphémère peuvent-ils dès lors entretenir ? L’oeuvre du sculpteur Andy Goldsworthy, nous paraît exemplaire en cela qu’elle ouvre à une compréhension de la matière fluide du temps non en la figurant mais en la rendant sensible. Rendre sensible ce qui ne demeure pas se fait chez lui par un usage répété de motifs privilégiés où l’art est engagé dans une dimension performative.
De la fugacité de l’action à l’éphémère de l’objet
Authors: Rekow-Fond Lydie
Published: February 2024

Cet article part d’un questionnement sur le paradoxe des actions artistiques, par essence éphémères, qui demeurent, par-delà la présence de l’artiste, à travers des objets à caractère commémoratif, dès lors qu’ils furent conçus comme instruments de rappel. Du temps vécu de l’action, prestation ou événement, ne resterait que cette trace indicielle, un objet répercutant dans un autre espace-temps une forme esthétique impalpable à l’éphémère de l’action artistique. La démarche de Paul-Armand Gette (1927), choisie pour son caractère exemplairement équivoque, oppose éternité à éphémère. De la destitution de tous les éléments constitutifs des oeuvres temporairement exposées, à la brièveté de l’instant que constituent ses interventions se matérialisant dans la transparence, P.-A. Gette décrit le processus d’altération ou de disparition par des dessins à base de sucs, par exemple, dont la fluidité confirme le passage vers l’image. Tel un reliquat, l’objet est oublié au profit de la visualisation d’un mouvement, de la modification même, non sans allusions au phénomène temps. L’éphémère est ainsi accepté et acquis comme épreuve du temps à l’action dans le processus mis en vue.
L’éphémère dans les musiques expérimentales : sur quelques rapports de durabilité dans ce qui ne dure pas
Authors: Saladin Matthieu
Published: February 2024

Si la musique, et plus généralement le son, sont par nature liés à l’éphémère, cette qualité se trouve être au centre même des préoccupations d’un certain nombre de musiciens à partir des années 50 et 60. Parmi ceux-là nous isolerons ici deux axes – l’Ecole de New York et la scène improvisée anglaise – qui, bien que proches par certains aspects, diffèrent dans leur manière d’en rendre compte. L’article se propose d’examiner la diversité de ces positions, pour tenter ensuite de considérer l’actualité de la notion d’éphémère au sein des musiques expérimentales contemporaines.
L’“art phénoménal” du Light and Space. Pour une phénoménologie de l’évanescence
Authors: Beaufort Charlotte
Published: February 2024

Comme l’éphémère, l’expérience perceptive visuelle apparaît puis disparaît. La lumière, insuffisante ou éblouissante, en détermine les conditions de possibilité ou d’impossibilité. Pour cette raison, l’éphémère est au coeur des préoccupations de l’art de la lumière, cette pratique artistique nouvelle qui apparut avec le mouvement Light and Space lancé par Robert Irwin dans la Californie des années 1960 (il comprenait aussi James Turrell, Larry Bell, Eric Orr, Maria Nordman) et qui se poursuit encore aujourd’hui chez des artistes plus jeunes, dont Anthony McCall, Ann Veronica Janssens ou Olafur Eliasson. Le mouvement Light and Space, négligé par l’historiographie, apporte pourtant une contribution majeure à un moment-clé de l’histoire de l’art. Prônant un “art du phénomène”, il insiste sur le caractère éphémère de l’expérience esthétique et en tire les conséquences sur le statut et la “localisation” de l’oeuvre d’art. L’éphémère, dans ce contexte, devient la notion-charnière de toute une esthétique, mais aussi d’une histoire de l’art, nées dans la Californie des années 1960. Scindé par le travail des oeuvres en ses deux versants – apparition/ disparition, devenir-présent/devenir-absent –, il peut ouvrir la voie à une phénoménologie de l’évanescence.
Installation en marche
Authors: Goldberg Itzhak
Published: February 2024

La temporalité est une composante constitutive d’une forme artistique “ inventée” par le XXe siècle, l’installation. Contrairement à ce que l’on pourrait penser, celle-ci ne se fixe pas de façon définitive, elle ne fait plutôt que passer. Partant du monument, l’oeuvre peut être réduite à un vestige, à une trace, ou s’effacer complètement, sauvée in extremis de l’oubli par la photographie. Les installations traitées ici sont celles qui se mettent réellement en marche ou évoquent la situation de différents “êtres nomades”, des SDF aux déportés, tous ceux qui se voient dans l’obligation de quitter leur lieu et entrer dans une spirale interminable. Dans ce parcours, centré autour de destins sociaux et politiques, les “sujets” se déplacent sur un échiquier géant et deviennent synonymes d’errance perpétuelle. L’invention d’une forme artistique qui se tient prête à plier bagage et se poser un peu partout s’explique peut-être par la violence d’un siècle marqué par d’exodes de masses.
Sculpter l’éphémère
Authors: Aubertin Céline
Published: February 2024

Est éphémère tout événement qui annonce sa disparition, imminente ou simultanée, mais dans son apparition même. Il ne désigne pas une durée plus ou moins grande mais la qualité d'un moment : un présent d'autant plus intense qu'il comporte en lui-même son propre futur. C'est pourquoi l'éphémère comme tel exprime moins le caractère passager de la vie que le mouvement même de l'apparaître, indissociable de ses variations d'intensité. Les oeuvres sur lesquelles nous nous penchons (celles de Bertrand Gadenne, Isa Barbier, Andy Goldworthy et Robert Morris) sculptent le temps, le rendent sensible dans son dynamisme et son mouvement même, en faisant varier formes et matières, rythmes et passages.
Paysages éphémères
Authors: Méaux Danièle
Published: February 2024

De la fin des années 50 à nos jours, se développe un véritable genre : celui du “Voyage de photographe”. Dans ce type d’ouvrages, le dispositif livresque structure la perception des vues et les articule en un tout qui renvoie à l’expérience d’un voyageur photographe. Bernard Plossu est sans doute celui qui, en France, a le plus contribué au développement de ce genre. Ses photographies évoquent bien souvent des moments éphémères, pris dans l’écoulement du temps ; elles renvoient à la présence aigue qui fut celle du voyageur, manifestant ainsi son adhésion à la perpétuelle mobilité des choses.
De Rikyu et Lafcadio Hearn à Roland Barthes et Sadaharu Horio: lectures de l’éphémère
Authors: Mèredieu Florence de
Published: February 2024

Comment peindre, dessiner, écrire et LIRE l’éphémère ? Cette question de l’approche de cet état si particulier divise profondément l’Orient et l’Occident. C’est dans l’entre deux de cette confrontation que nous tenterons, à notre tour, d’élaborer une saisie – ou presque saisie – de l’éphémère. Cette aventure nous mènera de Nietzsche à Lafcadio Hearn, de Roland Barthes à Rikyu (grand maître du thé), d’André Masson à Sadaharu Horio, membre du groupe Gutai.
La désinvolture de Costals: envoûtement et déprise chez Montherlant
Authors: Philippon Michel
Published: February 2024

Le Costals des Jeunes Filles, s’il n’est pas un autoportrait, est cependant la mise en relief d’une attitude existentielle déjà clairement explicitée dans Syncrétisme et alternance. Cette passion de fuir l’objet envoûtant pour se retrouver sujet libre renvoie, au-delà de Montherlant, à une thématique d’époque, mais aussi à une problématique philosophique qui fait de l’acte l’ennemi de la puissance, du réel l’ennemi du possible et donc de la liberté.
Autour de Marcel Duchamp filmé: le cinéma désinvolte
Authors: Chateau Dominique
Published: February 2024

La relation de Duchamp au cinéma est souvent réduite aux expérimentations optiques, tel Anemic Cinema. Mais son rapport au Septième art comporte d’autres aspects notables et non moins caractéristiques. Acteur (Entr’acte, Dreams that Money Can Buy, etc.), il fut aussi un inspirateur pour René Clair-Picabia, Hans Richter ou Maya Deren, dans une ambiance de désinvolture propre à l’esprit dada qu’il revendiquait.
Désinvolture et agrammaticalité: quelques “maisons témoins” en visite libre
Authors: Shusterman Ronald
Published: February 2024

Je prendrai comme point de départ l’art et l’architecture conceptuels d’Arakawa et Gins. Affichant une attitude parfaitement désinvolte vis-à-vis de la nature même d’une maison, “ coupables” d’une même désinvolture vis-à-vis de l’art qu’ils pratiquent, célèbres surtout pour leurs déclarations extravagantes concernant la fin de la mortalité humaine, Arakawa et Gins pourraient nous aider à saisir un aspect fondamental de l’art actuel. En effet, il me semble que cette désinvolture de l’art se rattache à une expérience parareligieuse de notre libre arbitre, tout au moins, tel qu’il est conçu (mais à peine discuté) par Wittgenstein dans ses Vermischte Bemerkungen. C’est peut-être par ce rattachement au non-déterminisme, à l’expérience de notre (paradoxale) liberté, que l’oeuvre devient “ divinement désinvolte” : le geste désinvolte concrétiserait et rendrait lisible notre liberté. Il se peut toutefois que cette notion de désinvolture comporte malgré elle une nuance moralisatrice quelque peu néfaste. En outre, il faudra admettre qu’une totale désinvolture ne peut exister en art, tant le geste artistique, fût-ce le choix du hasard le plus pur ou de l’absurdité la plus extravagante, relève toujours d’une intention, voire d’un calcul. Je proposerai donc de regrouper les notions de désinvolture, d’idiotie (Jouannais), et d’insolite au sein d’un cadre un peu plus abstrait, plus vaste et peutêtre plus neutre : celui de l’agrammaticalité.
Désinvolture et gestes iconoclastes
Authors: Berthet Dominique
Published: February 2024

Les notions de recouvrement, brûlure, grattage, effacement, idolâtrie, ajout, sont autant de pistes et d’aspects qui permettent d’envisager des relations possibles entre la désinvolture (ou son absence) et quelques gestes iconoclastes choisis. Ces actes insolites réalisés par des artistes comme Picasso, Jaccard, Rembrandt, Rauschenberg ou Duchamp, mêlent légèreté, insouciance, humour, voire provocation délibérée, dans l’accomplissement parfois de l’irrémédiable et d’une disparition intentionnelle.
À la lumière d’Alexandre Hollan et d’Yves Bonnefoy
Authors: Lafond Natacha
Published: February 2024

La lumière est au coeur des recherches du peintre contemporain Alexandre Hollan, né en 1933, tant par le travail des couleurs (“vies silencieuses”), que par l’alliance entre le noir et le blanc (arbres et signes), les matières employées (à l’encontre de la technique du dessin) et le geste pictural (traces, brouillages). Elle file une continuité développée dans les carnets du peintre et les écrits du poète Yves Bonnefoy : surtout, elle désigne la lumière temporelle, qui évolue au cours des heures, à retrouver dans la toile ancrée entre la figuration et l’abstraction, pour en rendre l’intensité et la profondeur. Il a créé ainsi un “espace lumineux”, un espace qui ouvre à la temporalité de la lumière. Mais celle-ci dit aussi la lumière intérieure de l’être, le foyer intime, en dialogue avec la lumière dans le monde, à retrouver par une quête, en ce sens symbolique, d’une lumière mystique, s’accordant à donner sens à l’homme.
Lumière et recherche artistique entre Europe et États-Unis 1950-1970
Authors: Gagliano-Candela Alessandra
Published: February 2024

L’attention à la lumière comme moyen artistique se manifeste avant tout dans le cadre des avant-gardes de la première moitié du XXe siècle et arrive en certains cas à mettre en œuvre de véritables installations, mais c’est seulement dans la deuxième moitié du siècle que l’idée de la lumière comme matière même de l’art a trouvé une réalisation. De Fontana à Munari, de l’art cinétique à Flavin et à Turrell, on suit ici le développement de cette idée entre 1950 et 1970, à partir des témoignages des artistes et de leurs contemporains, mais en partant des expériences italiennes.
Lux et lumina
Authors: Renoue Marie
Published: February 2024

Dotée de la fausse évidence que lui confèrent son statut et son omniprésence dans le monde des “voyants” que nous sommes, la lumière semble pourtant difficile à appréhender et à apercevoir. La richesse des valeurs qui lui sont culturellement attachées nous a incitée à limiter notre étude à celle d’un paradigme expressif et à un univers sémantique et symbolique particulier mais extraordinairement complexe : celui des lumières d’églises chrétiennes. Dispositifs de visibilité multipliant ou variant les sources, les formes et les effets lumineux, les églises, leurs parois et leurs vitraux modalisent ainsi l’expression de la lumière, la perception des visiteurs et invitent à s’interroger sur sa nature, sa définition et ses valeurs. Au sein d’une production verrière contemporaine extrêmement diverse, les vitraux de Sainte-Foy de Conques et le verre créé par Pierre Soulages présentent une indéniable originalité par le traitement fort diversifié de la lumière qui les colore.
Sacralisantes lumières dans l’architecture de Tadao Andō
Authors: Alzieu Isabelle
Published: February 2024

À Naoshima, le Chichu Art Museum a été conçu par Tadao Andō comme une véritable oeuvre plastique présentant de manière permanente neuf pièces de Claude Monet, Walter de Maria et James Turrell et vient compléter un dispositif de lieux de l’art amorcé il y a déjà une quinzaine d’années par la Fukutake Art Museum Foundation. Dès le départ, l’architecte, soucieux d’intégrer son architecture au site, a choisi d’enfouir dans le relief montagneux plus de la moitié du volume d’exposition, ainsi que le complexe hôtelier qui complète la galerie. Le Chichu Art Museum reprend donc cette idée, le nom de “chichu” signifiant justement “à l’intérieur de la terre, souterrain”. Voué à exposer des oeuvres faisant de la lumière le sujet essentiel, le musée s’enfonce alors paradoxalement dans le sol. Au fil d’un parcours lent, salles et couloirs articulent des espaces tantôt aveugles et totalement cryptiques, tantôt parcimonieusement ouverts sur la lumière naturelle par des puits de jour zénithaux pour capter un morceau de ciel. Cette alternance des extrêmes fait de ce lieu de l’art un espace de contemplation, d’humilité, tout un monde d’intériorité, un espace introverti, replié sur lui-même et en même temps distillant au compte-goutte les éléments naturels que sont l’air et la lumière. Bien plus que dans un lieu pour l’art, un lieu de “ monstration” de l’art, le visiteur qui s’attend à seulement voir des oeuvres, est immergé dans un véritable espace plastique entièrement dédié à la lumière.
Ann Veronica Janssens, à la lueur d’un frisson
Authors: Rekow-Fond Lydie
Published: February 2024

Au fil du temps, la démarche d’Ann Veronica Janssens (artiste d’origine belge née en 1956) l’a sensiblement conduite d’une “extension spatiale de l’architecture existante” vers une sollicitation de la perception à travers le mouvement, puis par la lumière vers la fluidité de l’appréhension de l’espace. La lumière intervient là pour révéler la matière diffuse du vide. Par l’infinité des grains dont il se compose, le brouillard vient montrer la lumière vibrer ; il enveloppe l’individu qui s’égare à l’aveuglette dans l’espace où toutes les limites s’effacent. D’une extrême simplicité, les dispositifs mis en scène par l’artiste renvoient à la réalité spatio-temporelle. Il s’agit de faire l’expérience de l’espace dilaté sous l’effet du brouillard coloré de lumière, ce qui échappe ordinairement à la perception.
Les mutations de l’écran lumineux et l’intervalle-lumière
Authors: Azéma Claire
Published: February 2024

La lumière est le médium de la vision à distance, avec l’évolution des technologies, elle reste sur l’écran lumineux le moyen de représenter le réel en temps réel, mais l’intervalle entre l’objet observé et l’observateur est remis en question par les moyens de télé-communication qui y prennent place. Nous abordons ici l’Intervalle-lumière conçu par Paul Virilio dont l’écran lumineux constitue un modèle possible et le confrontons à des productions contemporaines comme l’I-phone d’Apple et l’installation Touch du collectif Lab [ au]. Ces deux dispositifs ajoutent à l’immédiateté de l’intervalle-lumière, l’immédiateté de la commande grâce à l’écran tactile. Les installations interactives de Lab [ au] nous conduisent à montrer comment les interfaces lumineuses deviennent des outils de contrôle de plus en plus évolués qui remettent en question les représentations spacio-temporelles traditionnelles. La lumière, grâce à sa plasticité, devient l’interface d’un geste de télécommande de plus en plus élaboré.
Le Surréalisme en 1947 : scénographie
Authors: Pouzet-Duzer Virginie
Published: February 2024

Du surréalisme, nous nous proposons d’explorer la théâtralité tout autant littéraire que plastique. Prenant pour point de départ l’année 1947, le catalogue de l’exposition internationale surréaliste qui se tint cette année-là à la galerie Maeght constituera le coeur de notre analyse. Les témoignages des visiteurs révèlent, de fait, que les différentes pièces de cette exposition orchestrée par Frederick Kiesler étaient unies les unes aux autres à l’aide d’une corde les traversant, comme ce fil qui permit à Thésée de ne pas s’égarer dans le labyrinthe du Minotaure. Malaise du voir, fêlure de la continuité, ce fil jouant les liens empêchait également de s’approcher de certaines oeuvres, les occultant. Aussi, dépassant le schéma d’analyse habituel selon lequel le lecteur découvrirait progressivement un texte tandis que le spectateur, d’un simple coup d’oeil pourrait voir un tableau, les surréalistes jouent-ils sans cesse sur cette faculté que nous avons de pouvoir parcourir du regard l’espace dans lequel toute textualité s’inscrit.
L’exposition d’art et l’expérience théâtrale : scénographie et mise en jeu des spectateurs
Authors: Morsillo Sandrine
Published: February 2024

La scénographie dans l’exposition aménage des passages entre l’oeuvre et le spectateur. Pour fonctionner l’œuvre liée au dispositif scénographique impose parfois un renversement de rôle au spectateur, il devient acteur. Cependant, se prendra-t-il au jeu ? En représentation, s’impliquera-t-il comme personnage ? À travers différentes installations : un rideau-écran de David Claerbout au centre Pompidou, une oeuvre de Xavier Veilhan au centre d’art de Brétigny et l’intervention de Daniel Buren au musée Picasso, nous assistons à une montée de la théâtralité et à la constitution du spectateur en personnage. À l’inverse, une expérience théâtrale, Le Procès Brancusi mis en scène par Eric Vigner, nous projette dans les rôles de juré et d’auteur tout à la fois. Les oeuvres en fusionnant avec l’espace par la scénographie entremêlent les territoires, des arts visuels au théâtre, et pointent la question d’identités mouvantes entre le sujet-spectateur et le sujet-artiste.
Scénographie bio-mécatronique dans le travail performatif de Marcel.lí Antúnez Roca
Authors: Pluta Izabella
Published: February 2024

Les temps actuels dominés par les systèmes cybernétiques et baptisés la “cyberculture”, font émerger des interrogations cruciales concernant les frontières entre l’humain et le technologique. Nous témoignons de plusieurs transformations qui touchent à l’être humain, à son corps et à ses modes de fonctionnement, ainsi qu’à son expression artistique. Dans notre réflexion, nous allons nous intéresser au travail de Marcel.lí Antúnez Roca qui s’inscrit dans le “théâtre de cyborg”, donc de celui qui explore la cybernétique comme méthode et pratique artistique. Il construit une scénographie bio-mécatronique qui est basée sur l’hybridation de médias de nature différente avec le propre corps du performer. L’artiste vêtu d’un

exosquelette, crée une dramaturgie composée de textes, de paroles, d’images, et de mouvements théâtralisés, qui font interagir le performer et parfois même le spectateur avec le système de l’environnement virtuel. Nous étudions cette problématique en prenant en considération trois travaux de Marcel.lí Antúnez Roca, les performances Epizoo (1994) et

Protomembrana (2006), ainsi que l’installation Tantal (2004).
Biennale de Venise 2009 : (encore) une occasion d’aller voir ailleurs
Authors: Castets Sylvie
Published: February 2024

Pour la 53e Biennale de Venise, Daniel Birnbaum a choisi de confronter des manières de faire des mondes de l’art. Inspiré du livre de Nelson Goodman, «Fare mundi » prolonge une réflexion ouverte par de célèbres expositions comme «Et tous ils changent le monde » , «Les magiciens de la terre » , ou «Partage d’exotismes » . Toutefois, en mettant l’accent sur la diversité de ces «forgeries » , elle nous donne à comprendre que l’homme ne peut habiter le monde de l’art qu’en po(i) ète ; et que la poésie, à la différence de la Bible et autres grands livres, s’écrit au pluriel.
Syndromes du quotidien et du cosmologique
Authors: Shusterman Ronald
Published: February 2024

Il s’agira d’évoquer les Biennales de Lyon et de Venise en analysant leurs implications éthiques, métaphysiques, ontologiques et épistémologiques. «Le Spectacle du Quotidien » (Lyon) présentait un art explicitement social. Dans une optique goodmanienne, la Biennale de Venise (Fare Mondi) se voulait cosmologique. Peut-on réellement faire ou refaire des mondes tous les deux ans dans le cadre d’une biennale ? Doit-on observer et recenser le réel, toujours au même rythme ? En quoi la politique et/ ou la cosmologie seraient-elles la finalité de l’art ? Premièrement, on peut estimer que l’art purement social (l’art du recensement, de l’archivage, de l’accumulation, et du constat sociologique) a atteint ses limites, et que la véritable efficacité éthique de l’art viendrait surtout de son efficacité plastique. Ensuite (et contre Goodman), il faudra se demander si toute production est réellement et automatiquement la production d’un monde. Si, en dernière analyse, l’art produit (essentiellement et pragmatiquement) du

fictionnel, alors il faudra réduire toutes les prétentions ontologiques qui colorent le discours critique actuel.
« Construire des mondes »… sans notice, ni mode d’emploi (Essais sur les nouveaux rapports entre art et politique)
Authors: Nercam Nicolas
Published: February 2024

Avec le thème Construire des Mondes, la 53e biennale de Venise plaçait la présentation des productions artistiques dans la perspective d’un questionnement sur la mondialisation. Cette problématique sur les divers métissages et hybridations propres à un domaine artistique globalisé contribua à un retour au politique dans les considérations esthétiques et dans le discours sur l’art. Un glissement s’opère et l’on passe d’un projet artistique révolutionnaire à un projet relativiste. La fin proclamée des idéologies, par l’action conjuguée des théories postmodernes et postcoloniales, autorise la naissance d’un primitivisme original dans son articulation entre art et politique.
La fabrique des mondes : making ou storing ?
Authors: Cometti Jean-Pierre
Published: February 2024

La dernière biennale de Venise : «Making Worlds » est instructive à plus d’un titre : elle participe éminemment d’une opération qui vise à enrégimenter les oeuvres dans une forme d’événementialité et d’historicisation qui les prive de leur potentialité critique propre ; elle participe, d’autre part, du simple fait de son titre, d’un malentendu sur les orientations de l’art d’aujourd’hui, lequel s’apparente davantage, dans bien des cas, à une opération de «magasinage » , plus que de «construction » , au sens goodmanien du terme. Placées sous cet éclairage, les oeuvres semblent se doter d’un statut qui pose en des termes nouveaux le rapport de l’art au réel : art ou avatar(t) ?
Le cinéma de Marguerite Duras ou la toile de Pénélope
Authors: Sebbah Alain
Published: February 2024

Le cinéma de Marguerite Duras interroge l’action d’écrire. Si écrire suffisait, pourquoi s’offrir dans le miroir de l’entretien radiophonique ou télévisuel ? Pourquoi offrir son oeuvre au miroir du cinéma ? Une fois le texte tissé, que signifient ces reprises cinématographiques ? Son cinéma n’est-il lui même que reprise ? D’un album pour enfant (Ah ! Ernesto) publié en 1971 sont issus tour à tour En rachâchant (1982, Huillet et Straub), Les Enfants (1985, réalisé avec Jean Mascolo et Jean-Marc Turine) et enfin un récit, La Pluie d’été que Marguerite Duras publiera en 1990. Dans cette navette incessante du livre au film et du film au livre on pourrait lire la vanité de tout écrit, aussi bien qu’un travail d’enfant qui incessamment ressasse, mettant en question(s) le monde et le savoir, et finalement s’interroger comme Maurice Blanchot : qu’est-ce qu’un livre, qu’est-ce qu’un film ?
Le kafkaïen : étude de quelques tentatives de traduction cinématographique d’un sentiment littéraire
Authors: Maillart Olivier
Published: February 2024

Est-il possible de traduire à l’écran un univers qui semble ontologiquement lié à la forme romanesque qui l’a fait naître ? Non, répond abruptement Milan Kundera en s’appuyant sur l’exemple de Franz Kafka et l’adaptation du Procès par Orson Welles (1962). Réponse à nuancer, semble-t-il, en suivant l’interprétation du kafkaïen proposée par l’auteur de La Plaisanterie, et en l’appliquant à des cinéastes tels que Federico Fellini et Roman Polanski.
Rhétorique des formes documentaires. Témoignages du Printemps de Prague
Authors: Dreyer Sylvain
Published: February 2024

L’examen d’un corpus consacré au Printemps de Prague est l’occasion de comparer

la stratégie rhétorique des textes et des films de témoignage. Il permet d’opposer les écrits et les films reposant sur l’idée d’une transparence et d’une immédiateté

du témoignage, qui appellent une analyse rhétorique classique, et les oeuvres de montage (Les deux printemps de Raymond Jean, Pravda du Groupe Dziga Vertov piloté par Godard ou encore la séquence du Fond de l’air est rouge de Marker consacrée à l’événement) qui tentent d’élaborer une rhétorique critique plus retorse.
La forme comme relation ou l’attrait du design
Authors: Huyghe Pierre-Damien
Published: February 2024

La notion de forme est une notion récurrente dans l’histoire du design. Examinant quatre des grandes formules qui ont fait référence dans l’histoire de la discipline, le présent article la présente comme l’occasion d’une tension essentielle au sein du monde industriel. Ni déterminée catégoriquement ni fixée à quelque savoir ou savoir-faire, elle ne se constitue pas en solution. Elle est principalement réfléchie dans une logique qui admet l’option et la relation comme valeurs. Ce qui s’entretient ainsi, c’est la puissance d’émotion – ou l’attrait – des poussées techniques avec lesquelles s’affaire de toute façon l’industrie humaine.
Form Follows Force : du paradigme moderniste aux nouveaux objets
Authors: Fernandez-Moujan Carola
Published: February 2024

Avec la phrase form follows function, Sullivan formule explicitement en 1896 le lien intrinsèque entre la forme et la fonction. Or, derrière ce drapeau se sont abritées deux philosophies du design radicalement différentes. Cet article discute la notion de fonction

afin de restituer au concept de Sullivan son sens original et de montrer sa valeur opérationnelle dans le champ des nouveaux objets électroniques, un terrain où ni le paradigme moderniste de franchise envers la matière, ni la notion classique de fonction n’apportent de réponse.
La pensée graphique de George Maciunas : une pratique conceptuelle
Authors: Rouffineau Gilles
Published: February 2024

La philosophie de Gilles Deleuze, pourtant marquée par les productions artistiques de son temps, qu’elles soient celles d’auteurs littéraires, peintres ou cinéastes, aurait-elle manqué de s’intéresser au design ? C’est l’hypothèse qui sera envisagée ici à partir de l’examen graphique d’une édition de La Monte Young mise en oeuvre par George Maciunas en 1961 : An Anthology… et plus précisément des seuils graphiques de cet ouvrage.
Les métamorphoses au miroir de l’eau. De la projection à l’immersion
Authors: Carrié Jérôme
Published: February 2024

Au lieu de vastes installations interactives ou immersives, les séries Reflets, Miroir d’eau, Ombres et Peaux se composent d’images photographiques et sérigraphiques encadrées sous verre. De la surface à la profondeur, la projection de l’image du corps dans l’eau transpose une immersion du corps de l’artiste dans la matière aquatique. La forme du tableau, le principe de la sérialité, la planéité des images et la frontalité du dispositif d’exposition offrent de leur côté une expérience similaire au spectateur de l’oeuvre. Ma démarche profondément marquée par l’expérience mêlée du corps, de la photographie et de la peinture donne au spectateur la possibilité de s’immerger dans l’oeuvre par le biais de sa propre approche subjective du tableau. La présence de la figure humaine, le choix des formats et les jeux de reflets impliquent un effet de miroir et une proximité qui engagent le regard et le corps du spectateur dans une perception haptique. Ce processus de création et ses modalités de mise en espace incarnent à mon sens un dispositif d’immersion esthétique dans lequel l’artiste et le spectateur se trouvent pris en miroir.
L’Immersion comme allégorie dans la simulation ludo-pornographique
Authors: Chateau Canguilhem Johann
Published: February 2024

Héritier de la cyberculture dans sa promesse de libérer le corps des contraintes spatiotemporelles, le jeu vidéo pornographique n’est pas tant la « rencontre » par le joueur d’un «être » virtuel que la simulation d’un espace de liberté et de satisfaction sexuelle. Au-delà de l’indigence technologique, des poncifs culturels, et de l’échec annoncé d’une relation sexuelle désincarnée, il s’agit dans cet article d’extraire le discours vidéoludique spécifique aux jeux pornographiques afin de délimiter l’espace fictif dans lequel le joueur est invité à s’immerger.
©box : immersion corporelle dans un dispositif hybride
Authors: Ibanez Bueno Jacques
Published: February 2024

Dès le départ, le projet ©box est conçu comme un dispositif artistique et de recherche. Au niveau de la recherche en sciences humaines et sociales, une première étape a permis une analyse des publics face à une offre d’oeuvres numériques. Une première vague de résultats est présentée ici, après une description des objectifs artistiques du projet. Le public a exprimé l’importance de la dimension corporelle dans la réception du dispositif artistique, ce qui a conduit à poursuivre la recherche en la centrant sur cette dimension. À cette fin, l’approche phénoménologique est privilégiée en l’associant à une nouvelle étude des publics.
Les corps au cinéma à l’épreuve de la 3D : immersion, distanciation et empathie
Authors: Rieusset-Lemarié Isabelle
Published: February 2024

Soit trois films choisis pour leur traitement de la 3D et pour leur mise en jeu, à travers elle, d’une modalité du corps indissociable d’une posture particulière d’immersion : Pina (2011) de W. Wenders, Hugo Cabret (2011) de M. Scorsese et Avatar (2009) de J. Cameron. Au film Pina correspond un « corps en danse » dans une immersion intercorporelle où le spectacle se transforme en empathie. Au film Hugo Cabret correspond un «corps automate » dans un environnement mécanique mis en scène par une immersion, atypique, distanciée. Au film Avatar correspond un «corps en osmose » dans une immersion matricielle dupliquant le dispositif spectatoriel du cinéma, proche du rêve, efficace en raison de l’absence d’interactivité.
The Model of the Other in Shostakovich’s Work
Authors:   “George Enescu” National Universtity of Arts, Iași, VÎRTOSU Sebastian
Published: February 2024

The aim of this article is to conduct early research that is meant to provoke further (directions) studies based on the relationship between the art creator and his/her Self, as well as between the creator, performer and auditor or between the creator, the political power and other fellow creators. These relationships are subsumed and interpreted according to the theme of the International Conference of Doctoral Schools within “George Enescu” National University of Arts of Iasi, Intersections in Artistic Research: The Model of the Other and the Culture of Mobility, having Dmitri Shostakovici at the center of analysis and research. The article comprises three parts: Argument, Chapter I - The fugue of the inner perspective in Shostakovich’s works; Shostakovich’s interaction with his work; Shostakovich’s interaction with the public by means of his work. The interpreter’s interaction with the audience by means of Shostakovich’s work; Chapter II – Shostakovich’s intersections with the Soviet Power; The Model of the Other in Shostakovich’s work compared to other models of other modern composers of his time and Conclusions - where a practical example of the model of the Other in Shostakovich’s creation is presented in the form of a script created to the music of String Quartet No. 5, op. 92.
A Perspective on the Musical Criticism of Iasi from the Interwar Period
Authors:   “George Enescu” National Universtity of Arts, Iași, FĂRCĂȘEL Ligia
Published: February 2024

The advantage of learning history through the perspective of the criticism of a certain period lies in the fact that the journalist does not merely reproduce the information, but also describes the state emanating from the events commented upon, himself being contemporary with them. For us, readers of later decades, newspapers are, objectively speaking, a genuine history textbook. However, discovering interwar periodicals from Iasi has proven to be a fairly difficult task. In order to identify the titles from Iasi, I have consulted the catalogues of three major libraries in the city: “Mihai Eminescu” Central University Library, “Gheorghe Asachi” County Library and the library of “George Enescu” National University of Arts. In this endeavor, I discovered titles that appear either in the pre-war or in the post-war periods. Moreover, publications such as Curierul de Iași issued both before and after the wars but ceased their activity in the interwar period. Finally, the titles that circulated in the interwar period and could be accessed are Flacăra Iașului, Ziarul Opinia, Evenimentul, Însemnări ieșene and Ziarul Scânteia. Starting from their pages, I have attempted to reconstruct a side of the interwar artistic climate of Iași.
General Considerations on Performing Poetry in the Current Performing Arts Context
Authors:   “Lucian Blaga” University of Sibiu, TOMUȘ Ionuț
Published: February 2024

The contemporary theatre landscape seems to have strayed away from the feelings specific to poetry and to reciting it in front of an audience. The topics preferred by theatrical productions now, at the beginning of the XXIst Century, are strongly connected to the social realities one encounters on a daily basis. Certainly, it is reasonable for things to be this way, as theatre depends on firmly anchoring itself in reality, and the means of expression and of conveying emotion have, now, particularities that no one would have thought of fifty years ago. The present study intends to bring performance poetry back into discussion, as a type of artistic expression that has very well contoured specific elements, but that does not benefit from addressing broad audiences anymore, unfortunately
Five Days at the International Art Biennale in Venice
Authors:   “George Enescu” National University of the Arts, Iași, JIGHIRGIU Octavian
Published: February 2024

Seeing La Biennale di Venezia is a celebration in itself. This major contemporary art event has a long history that speaks on the importance of strategic thinking and the cultural dimension of a city's leaders. Because the “lagoon city” had such visionary people. At the end of the 19th century, in 1893, at the initiative of a group of Venetian intellectuals, led by the mayor of the time, Riccardo Selvatico, an administrative resolution was launched to “establish a national biennial art exhibition”. Two years later (1895), the first edition of this event dedicated to visual arts took place. Over time, the Venice Biennale branched out, accumulating new and new sections: music, theatre, cinematography, architecture and dance.
Reflexive Design and the Consumer’s Expectations
Authors:   “George Enescu” National University of Arts, Iași, POP Tiberiu
Published: February 2024

Design is a term that is paradoxically (or not) harder to define these days. Its often-theoretical ramifications make a clear and univocal definition even more difficult to state In 2005, Donald Norman mentioned three levels of design: visceral, behavioural and reflexive in his book Why We Love (or Hate) Everyday Things. Design hybrids is yet another term that has been introduced into the specialized vocabulary lately as a result of designers’ attempt to go above and beyond product design, graphic design, environmental design, furniture design, interaction design, etc. In 1896, Louis Sullivan formulated the principle “form comes after function”. After WWI, theorists such as Theo van Doesburg, Walter Gropius and Le Corbusier, suggested a more radical tendency: “form comes after utility and meaning”. The new context suggests a more complex approach, i.e. “form observes expectations”, as a follow-up of Raymond Loewy’s MAYA (Most Advanced Yet Acceptable) principle. The present study is based on the transdisciplinarity of design1 , on reflexive design as a means of approach as well as on their relationship.
Effect of Solution Concentration and Anodizing Coating Time on Hardness and Thickness Coating Of 7075-O Aluminum Alloy
Authors: Endramawan Tito , Sifa Agus , Suwandi Dedi , Permana Dudung Nana , Amat Mohammad Azwar , Sukroni Sukroni , Dionisius Felix , Sukardi Casiman
Published: February 2024

One of the materials used in ship propellers is aluminum alloy. The advantages of aluminum are that it is easy to cast and relatively resistant to corrosion. This research aims to determine the effect of heat treatment and the effect of variations in the concentration of H2SO4 and immersion time in optimal of the anodizing process on the hardness value of 7075-O aluminum alloy (as-cast aluminum alloy). The method used is solution heat treatment at a temperature of 490ºC with a holding time of 6 hours, quenching using water or oil, with artificial aging at a temperature of 120ºC with a holding time of 24 hours. In the anodizing process, a sulfuric acid solution with various concentrations of 10%, 15%, and 20% with variations in immersion time of 10, 15, and 20 minutes. The results of vickers hardness test on heat-treated specimens with water quenching accompanied by artificial aging is 137.54 HV, it is increased by 47.44%. While the results of the vickers hardness test after anodizing is 213.09 HV, it is increased by 128.42%. Where the optimum hardness value was achieved at a concentration of 15% H2SO4 and an immersion time of 20 minutes. The coating thickness is equal to 25.79 µm.
Characterization of Banana Peel Corrosion Inhibitor by Vacuum Microwave Assisted Extraction (VMAE) Method in 2% HCl Environment
Authors: Binti Jamaluddin Jamarosliza , Paramitha Tifa , Salsabila Iva Najwa , Luviana Angely , Ramadhan Muhammad Zikri , Putri Angelina , Nurbaits Alisya , Sihombing Rony Pasonang
Published: February 2024

Banana peel is a waste that is very abundant in Indonesia. The utilization of banana peel can be used for corrosion inhibitors. The type of environment applied in this study is an acidic environment, which is carried out in 2% HCl solution media. The purpose of this study is utilize banana waste extract obtained from the VMAE method. The extract was obtained by VMAE method at 150 watts, 300 watts and 450 watts for 10 minutes using ethanol solvent. The ratio of feed and solvent used was 1:10 (b/v). The results of the extract were subjected to phytochemical tests using Dragendroff, Wagner and Mayer reagents. After that, the extract was applied to the media for corrosion rate test and GC-MS. The results of the study showed that the lowest corrosion rate was obtained at a concentration of 1500 ppm non-aerated which was 0.7347 mmpy. While based on the GC-MS test results, terpenoid compounds and vitamin E can be detected from banana peel extract, where these two compounds are antioxidant substances that can be utilized as corrosion inhibitors.
IDENTIFIKASI NILAI KONSELING DALAM BUDAYA BAU NYALE DI PULAU LOMBOK
Authors: Husniati  , Mohamat Hadori  , Wawan Juandi
Published: February 2024

Indonesia is a country that has a diversity of tribes and cultures spread across the islands, one of which is the Sasak tribe on the island of Lombok. The aim of this research is to identify the value of counseling in the bau nyale culture on the island of Lombok. This research uses qualitative research methods with an ethnographic type of research. The research results show that the counseling values contained in the bau nyale culture are being a person who is patient, sacrificial, willing to sacrifice, fair, wise and has a high social spirit.