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Arte identitario en la no presencialidad: Curaduría online en Arch_INOP
Authors: Baigorri Ballarín Laura , Ortuño Mengual Pedro
Published: July 2024

Este estudio presenta la plataforma de investigación artística CUERPOS CONECTADOS, que contiene Arch_ID (Archivo de Identidad Digital) y Arch_INOP (Archivo audiovisual sobre Arte Identitario en la NO Presencialidad), -con un repositorio de recorridos curatoriales online que permite a los usuarios realizar los suyos propios-. Estos recursos han sido concebidos como herramientas libres de investigación para la comunidad artística que estudia las prácticas transmedia de autorrepresentación, autorreferencia y construcción de identidades en el ámbito iberoamericano contemporáneo. La plataforma, orientada a fomentar la reflexión y el debate, ha sido desarrollada utilizando el nuevo software Argonaut, concebido como una herramienta innovadora para la difusión de prácticas artísticas en entornos no presenciales. En nuestra intervención mostraremos Arch_INOP, con una selección de 40 entrevistas audiovisuales realizadas a artistas y curadores significativos que habitualmente trabajan de forma no presencial y, en especial, de aquéllos que realizaron o difundieron obra en los períodos más duros de la pandemia y posterior confinamiento (2019-2020). Arch_INOP tiene asimismo la capacidad de crear recorridos curatoriales mediante la imbricación de su contenido con Arch_ID (archivo de Identidad Digital) -creado con anterioridad a partir de más de 300 fichas de obras y autores iberoamericanos especializados en arte identitario-, y con enlaces web externos a la plataforma. Aquí mostraremos algunas de estas curadurías y las pautas para crear las propias. Estos son los resultados finales del trabajo colaborativo entre investigadores de diferentes universidades españolas pertenecientes al proyecto I+D+I “Cuerpos conectados II. Nuevos procesos de creación y difusión de las prácticas artísticas en la no presencialidad”, que han analizado las soluciones adoptadas por los nuevos modos de creación e intercambio online que han surgido durante la pandemia, con el fin de visualizar posibles opciones futuras en la difusión del arte y servir de referencia para investigaciones pioneras en la arqueología de los medios del futuro
Procesos escultóricos no objetuales. Escultura energética efímera
Authors: Meneses Gutiérrez Rodrigo De Jesús
Published: July 2024

En los últimos años mi investigación artísticas ha girado entorno de la exploración de objetos escultóricos a partir de la destrucción. Me interesa situarme desde lo expandido como un medio que me permite experimentar para encontrar procesos escultóricos no objetuales.Parte de la estrategia que utilizo en mi investigación es el performance a partir de la repetición (como sinónimo de indagación) que en algunos casos se convierte en una acción absurda, pero que al ser convertida en algo sin sentido, permite descontextualizar y entrar en una fase de replanteamiento. Esto se explica mejor si se dice que el acto de romper objetos de forma repetitiva suscita una energía física que se conecta con los sensorial y que la emoción que experimento vincula mi historia con la de otras personas, de ahí su carácter colectivo.Lo anterior identificó, como uno de los principales ejes de esta investigación, el objeto artístico es la energía generada al momento de romper los objetos. Él movimiento físico y emocional permite la interacción entre los contenidos interiores inconscientes, y su materialización física desde la acción del cuerpo. Después de realizar el performance encontré que la acción y los residuos que quedan son registros y el objeto artístico es una escultura energética efímera.Algunas de los performances que he realizado consisten en romper grandes cantidades de objetos, lanzándolos contra las paredes para abollarlas como registro de la transformación emocional. Al realizar la acción las experiencias emocionales fueron tan reales como lo tangible, la diferencia es que tienen maneras distintas de evidenciarse.Los fragmentos regados por el piso o insertados en los muros son elementos racionales que transmiten la deconstrucción y armado racional arqueológico que muestra nuevamente el objeto escultórico energético. Solo desde la construcción cognitiva y la deriva emocional se visualizaba la escultura energética.
La ciudad del revés. Un particular modo de ver las cosas Metodología de un Proyecto Final de CFGS de Cerámica Artística
Authors: Simarro Escobar Antonio
Published: July 2024

El presente artículo expone el marco conceptual, el proceso metodológico y los aspectos técnicos de la obra La ciudad del revés. Un particular modo de ver las cosas (2023), creada como Proyecto Final para el Ciclo Formativo de Grado Superior de Cerámica Artística de la EASD Sevilla. Dicho trabajo pretende dar visibilidad a aquello endótico y que pasa por desapercibido, frente a los requerimientos económicos o industriales bajo los que han sido creadas la mayoría de las ciudades. Con este singular modo de mirar la capital hispalense, a través del diseño de un mapa con las ubicaciones seleccionadas para la creación de un conjunto cerámico-escultórico e instalativo, y tomando como punto de partida lo invisible, surge una exposición efímera situada entre edificios de la expo iberoamericana del 29.
Hilos, membranas y viscelaridad: los ecos de la informidad en el arte textil contemporáneo
Authors: Maldonado Victoria
Published: July 2024

El “eco” —tal y como nos muestra la física y nos define la RAE― es una onda electromagnética reflejada de tal modo que se percibe como distinta de la originalmente emitida. Si esta onda se tratara de Bataille hablando de lo informe o el poeta Artaud sobre la visceralidad, resultaría sorprendente cómo ha llegado a empapar este eco en algunas artistas contemporáneas que focalizan sus producciones artísticas en la escultura textil. Desde Dominique White y sus obras pertenecientes a la serie “Una especie de estela inquietante” (2019) donde un cuerpo de hilos se suspende por unos ganchos de acero galvanizado hasta Mercedes Azpilicueta en su proyecto “El viejo sueño de la simetría” (2019) a través del cual la artista hace un ejercicio de apropiación de la obra “Judith matando a Holofernes” (1614-1620) de la pintora barroca Artemisia Gentileschi, en la cual Azpilicueta deconstruye la cabeza amputada de Holofermes en una escultura informe de seda. En la presente investigación teórico práctica “Hilos, membranas y visceralidad: los ecos de la informidad en el arte textil” nos disponemos a extraer un fragmento del periplo de la onda electromagnética del eco entendido como lo “informe” y “abyecto”, así como su recepción en las nuevas metodologías del arte textil contemporáneo.
Integración Creativa en la Industria: El Caso del Departamento de I+D de Sensibilidad Social
Authors: Li Mo
Published: July 2024

Esta comunicación examina el Departamento de Investigación y Desarrollo (I+D) de Sensibilidad Social en Bernard Control Equipment Co., Ltd., Beijing, desde su inicio en 2011 por Alessandro Rolandi. Este proyecto pionero apunta a fusionar el arte y la creatividad con la rutina fabril, promoviendo un espacio creativo compartido entre trabajadores y artistas. Con dos ejes principales, “Work-Live” para iniciativas de trabajadores y “Residencia Temporal de Artistas” para proyectos artísticos colaborativos, la iniciativa invita a la participación voluntaria de empleados de todos los rangos, ofreciendo un contrapunto creativo a sus labores habituales. Este enfoque no solo nutre la creatividad individual y colectiva sino que también pretende fomentar el diálogo y mejorar el bienestar general, apoyando un cambio social positivo dentro del ambiente laboral. Lejos de buscar un incremento en la productividad o la creación de obras de arte renombradas, su fin es cultivar una cultura organizacional más fuerte y equilibrada. El análisis se centra en “Work, Work”, una exposición en el Instituto Goethe de Beijing que resume trece años de práctica artística en la fábrica, resaltando la diversidad de obras creadas por los trabajadores. Estas obras, fruto de la interacción diaria y el intercambio de ideas, ilustran las narrativas personales y colectivas, evidenciando el impacto transformador del arte en el ambiente laboral. Este proyecto, al poner de relieve estas historias, se manifiesta como una iniciativa en continua evolución, capaz de demostrar cómo la integración del arte beneficia a todos los involucrados. Finalmente, la iniciativa recalca el papel del arte como catalizador de cambio social, con mejoras en el bienestar mental de los trabajadores y la promoción de oportunidades de experimentación artística que lideran hacia el enriquecimiento cultural de la sociedad, perfilándose como un testimonio del poder unificador y transformador del arte.
Amigas viejas de las que no sé nada. Enunciando pasados disidentes entre lo real y lo ficcionado
Authors: Mon Valdés Gonzalo
Published: July 2024

El proyecto “Amigas viejas de las que no sé nada” se trata de una investigación artística llevada a cabo en el Programa de Residencias Artísticas de LABoral Centro de Arte de Gijón.En esta producción interdisciplinar se reclama una memoria histórica cuir, que dignifique los relatos disidentes que se pierden en las narrativas históricas dominantes.La investigación, busca crear relatos que conecten violencias presentes y pasadas a partir de las huellas de información personal de gente cuyos objetos e intimidad quedan expuestos en mercadillos o portales de venta online. Estos, son utilizados como vehículo discursivo para mediar entre el olvido que supone la mercantilización de objetos de recuerdo e identidad, y las narrativas que se les superponen. Se crea una serie de conexiones en las que se dialoga con quienes dejan escrito su nombre y de las que sólo se conoce el mismo. Así, desde el ser nombrado, llamado, reconocido y recordado, se reclaman memorias disidentes como resistencia social.Desde las perspectivas decoloniales de utopía, en las que se reclama el poder imaginar futuros alternativos al relato hegemónico tradicional, se entiende que si los discursos disidentes quedan soterrados, existe un derecho a la apropiación y la invención de relatos que nos permitan imaginar mitos fundacionales propios y subversivos. En el artículo se analizan las violencias simbólicas como estrategias institucionales de control de los cuerpos. Se plantea su conexión con los ejes de desigualdad que mantienen la estructura dominante de enunciación y anticomunitarismo, mediante herramientas coercitivas como la violencia policial, la liberalización del suelo como quiebra de las redes de interdependencia sociocultural, o el propio olvido ideológico.Se exponen las vías artísticas que cristalizan este discurso desde la utilización de medios tradicionales como el ganchillo y el grabado como elementos enunciativos que devuelven la materialidad a los nombres olvidados.
Laboratorio de cera: Pieles
Authors: Salguero Rubio Laura
Published: July 2024

Esta propuesta se llevó a cabo durante dos meses (Septiembre y Octubre) en Berlín en la residencia en Künstlerhaus Bethanien, Berlín dentro del programa de residencias artísticas Cultura Resident que convoca el Consorcio de Museos de la Comunidad Valenciana. El proyecto “Laboratorio de cera: Pieles” continua la investigación sobre la cera como material que esta en curso desde 2021. La investigación tiene como objetivos no solo la formalización a través de la experimentación con técnicas, sino tambien abordar reflexiones sobre la naturaleza simbólica y física de un material de naturaleza orgánica y cambiante. Trabajando con la cera como una piel que a lo largo del tiempo se ve afectada por el entorno, la temperatura y los elementos modificando lentamente su superficie. Como si fueran unos moulages dermatológicos en los que la cera se vuelve cuerpo. Pero es un cuerpo compartido, desantropizado, un órgano expuesto.Con este proyecto se busca descentralizar la perspectiva antropocéntrica y explorar las cualidades agenciales del material, desafiando las dicotomías binarias y promoviendo una visión fluida y cálida del mundo. Además, se examina el papel histórico y contemporáneo de la cera, incluyendo su uso en la anatomía, la apicultura urbana en Berlín y su potencial como termómetro medioambiental. El proyecto aborda las cuestiones de sostenibilidad, nuestra relación con lo no humano y la importancia de proteger a los polinizadores. La investigación también incorporó una colaboración con el Museo de Medicina de la Charité para explorar el uso tradicional de la cera en contextos anatómicos. En conjunto, esta investigación destaca el potencial multifacético de la cera como material artístico y su capacidad para generar reflexiones profundas sobre la naturaleza, la sostenibilidad y la interconexión entre el ser humano y el medio ambiente.
El pañuelo de artista. Intersecciones entre el arte contemporáneo y la moda de lujo en el cambio de milenio
Authors: Barreiro Parguiña Sandra , Barreiro Parguiña Sandra
Published: July 2024

Son diversas las firmas de lujo que buscan involucrarse con el arte contemporáneo explorando formas de colaboración y mecenazgo. Uno de los medios más destacados para esta fusión es el pañuelo “carré” de seda, un formato versátil que ofrece al artista una libertad equiparable a la del lienzo.Este artículo examina la intersección entre la moda y el arte contemporáneo a través del prisma de la creación de pañuelos. Recopilando ediciones y exposiciones celebradas en torno a este accesorio en las últimas décadas, veremos las figuras creativas involucradas en el diseño; desde artistas legitimados, hasta diseñadores de moda y otros profesionales en disciplinas alternativas. Asimismo, recurriendo a estos ejemplos, examinaremos sus enfoques en la creación, ya sea desarrollando su universo artístico o, poniendo su inspiración al servicio de la marca.Por medio de estas asociaciones, subrayaremos la importancia de la creatividad y la innovación en estas intersecciones entre el arte, la moda y la cultura contemporánea.
Sesgos en la creación de imágenes por sistemas TTI de IA: hibridando arte, ciencia y tecnología
Authors: Bueno de Santiago Alejandra , Martinez Martin Laura , Perez Aiskoa
Published: July 2024

En un contexto de avances vertiginosos en inteligencia artificial (IA), surge la necesidad crítica desde las prácticas artísticas de comprender cómo esta tecnología puede verse afectada por sesgos inherentes a la sociedad tradicional. En este punto planteamos indagar bajo la pedagogía crítica y la premisa de las imágenes que actúan cómo se comportan las imágenes generadas por IA desde una mirada artística, feminista e interseccional. Partiendo de la hipótesis de que los algoritmos de IA reflejan y pueden amplificar los sesgos presentes en los conjuntos de datos de entrenamiento, el estudio se propuso identificar y cuantificar estos sesgos en las imágenes generadas. Mediante metodologías cuantitativas y cualitativas los resultados del análisis de imágenes son puestos en diálogo con el cuerpo teórico de la investigación que se centra en bases de datos, construcción de imágenes, y prácticas artísticas feministas. En este texto se presenta un resumen teórico y analítico del total de la investigación, siendo esta visible en la página web del proyecto. El objetivo principal fue destacar cómo la IA puede reproducir y perpetuar prejuicios y estereotipos presentes en la sociedad a través de la generación de imágenes. Los resultados obtenidos respaldaron la hipótesis inicial, mostrando una tendencia de los algoritmos de IA a reflejar y amplificar los sesgos presentes en los datos de entrenamiento, siendo los más evidentes género y raza. Este estudio subraya la importancia de comprender y abordar los sesgos en la generación de imágenes con IA para garantizar equidad y representatividad. Además, destaca la necesidad de investigar desde las artes los campos más tecnológicos como la IA, ya que la intersección de estas disciplinas puede proporcionar perspectivas únicas y soluciones innovadoras para abordar los desafíos éticos y sociales planteados por el avance de la IA. Este enfoque integral puede fomentar un diálogo interdisciplinario en el desarrollo de IA, promoviendo una mayor conciencia sobre los posibles sesgos y la importancia de mitigarlos para construir sistemas más equitativos y responsables.
Tapas y medias suelas: 500 pesetas: Un proyecto autobiográfico de arqueología de la memoria
Authors: Alcaide-Ramírez Aurora
Published: July 2024

La comunicación presentará los primeros resultados del proyecto de creación artística: Tapas y medias suelas: 500 pesetas; proyecto autobiográfico en el que buceo en mi infancia, para rememorar los momentos compartidos con mi padre en su taller de reparación de zapatos, situado en la casa familiar, en Montilla (Córdoba). El objetivo principal es homenajearlo y difundir su legado, así como establecer conexiones con la tradición de la artesanía del calzado en la provincia de Alicante, en donde resido desde hace más de veinte años.El cuero, el cáñamo, el caucho y otros materiales sirven de hilo conductor del proyecto, así como los procesos de cosido, pegado, agujereado o clavado, todos presentes en el día a día de mi progenitor. Para su desarrollo se utilizan algunas de sus herramientas, como leznas, cuchillas, alicates o martillos, que se combinan -en un proceso experimental de trabajo-, con utillaje y materiales convencionales de la práctica pictórico-fotográfica. También se acude a fotografías del archivo familiar y personal, al igual que a relatos orales de personas cercanas y antiguos clientes de la zapatería. Se aplica, por tanto, un método de trabajo que Foucault ha denominado como “arqueológico”, debido a que se dirige la mirada hacia el pasado y se confía en el poder evocador de los objetos y materiales antiguos para activar la creatividad, por ser repositorios de la memoria, lo que los dota de un gran valor emocional y simbólico.Tapas y medias suelas: 500 pesetas es, en definitiva, un proyecto de arqueología de la memoria, que desde lo personal e íntimo se proyecta hacia lo colectivo; adquiriendo una materialización que transita entre la figuración y la abstracción, lo poético y lo metafórico, lo geométrico y lo orgánico, lo pictórico, lo fotográfico y lo escultórico, lo artesanal y lo mecánico, y los formatos convencionales y los expandidos.
El álbum ilustrado y la animación: recursos narrativos de calidad para la infancia
Authors: Hidalgo Rodríguez Mª Carmen , Lapeña Gallego Gloria , Pertíñez López Jesús
Published: July 2024

Las narraciones gráficas y audiovisuales constituyen un recurso fundamental para la educación en valores desde la infancia y, por tanto, pueden contribuir a revertir las desigualdades sociales. El potencial comunicativo del álbum ilustrado radica en su naturaleza multimodal, puesto que la narración surge de la interacción entre texto-imagen. Las animaciones, por su parte, captan rápidamente la atención de los más pequeños, que quedan fascinados con el movimiento de la luz y el sonido. Conscientes de la importancia de la cultura audiovisual actual y comprometidos con una educación de calidad, el objetivo fundamental de esta investigación, soportada por un Proyecto I+D+i del Ministerio de Ciencia e Innovación, es poner en valor álbumes ilustrados y cortos de animación de calidad literaria y plástica que fomenten valores inclusivos en la infancia. Se plantea un proyecto interdisciplinar, demandando así distintos recursos metodológicos: la prospección y el análisis cuantitativo y cualitativo de los recursos gráficos y audiovisuales actuales que contengan valores inclusivos relacionados con la igualdad de género, la multiculturalidad, la discapacidad, y “lo diferente”; la creación artística tanto de álbumes ilustrados como de cortos de animación infantiles que transmitan estos valores inclusivos; y el diseño y la implementación de talleres plásticos a partir de los recursos anteriores dirigidos a niños y niñas de Educación Infantil y Primaria. Los resultados obtenidos hasta el momento reflejan una muestra de recursos muy amplia, donde predominan los álbumes denominados “lo diferente”; historias cuyos protagonistas presentan alguna característica física o psicológica que los sitúa en riesgo de exclusión social. A partir de la experiencia previa y el desarrollo de la actual investigación, destaca el momento álgido que viven ambos recursos narrativos donde no solo se presta atención a estos valores de compromiso social, sino que destacan por su gran calidad artística e innovadora.
El arte como reacción. Uso de biomateriales desde una perspectiva artística
Authors: Martín Díaz Rocío , Cortés-García Alba
Published: July 2024

Nuestra sociedad se encuentra en un momento de pesimismo debido a la multitud de crisis que se encadenan, cada vez más, en la época moderna. Problemáticas como la extinción de especies, la deforestación o el uso inadecuado de nuestros recursos que provoca consecuencias como el calentamiento global, nos llevan a repensar tiempos pasados con cierta nostalgia. El sentimiento de añoranza por la naturaleza que estamos perdiendo puede incitarnos a no valorar el presente o, por el contrario, a tratar de poner soluciones a las heridas que, con ciertas acciones, nuestra especie está causando de manera profunda e incontrolada. Esta voluntad de cambio se hace visible a través de propuestas como la creación de nuevos biomateriales, estrategias y sistemas para frenar la producción de residuos que se acumulan en vertederos y que contaminan nuestros mares. En los últimos tiempos, se han producido interesantes simbiosis entre artistas, diseñadores y científicos con la intención de perfeccionar nuevas formas de entender nuestro planeta y funcionar con él y no a su costa, de las que surgen proyectos como la creación de obras vivas que cambian, crecen e incluso mueren. El taller convencional del artista se hibrida con el laboratorio y su papel encuentra un camino transdisciplinar entre el arte, la investigación y la divulgación. Este artículo analizará aquellos proyectos donde la naturaleza pasa de ocupar un plano secundario a ser parte integrante de la propia creación, donde encontramos un nuevo e inmenso horizonte de posibilidades de cambio a través del estudio de la figura del artista, su entorno de trabajo y su uso consciente de materiales ecológicos como elemento clave. De este modo, pondremos de manifiesto aquellas obras cuya premisa es la reutilización y se realizan con diferentes tipos de biomateriales, donde destacan artistas que colaboran con diferentes campos de investigación.
Footprints y footpaths: la inexactitud del recorrido. Un enfoque artístico con voluntad de archivo sobre el andar y su rastro en el contexto verde de la ciudad de Valencia y su lectura en clave mística y espiritual
Authors: Teira Muñiz Ismael , Mañas García Alejandro
Published: July 2024

El presente trabajo trata de configurar una panorámica del fenómeno de la huella o el rastro del andar centrando el alcance de la investigación en la práctica artística contemporánea, vinculado con la espiritualidad y como constructor de paisaje. Footprints y footpaths evocan, respectivamente, las pisadas y caminos más primitivos en este sentido construyendo, paso a paso, un relato particular acerca del interés sobre la cuestión móvil y experiencial de estar en camino desde finales del siglo XX hasta la actualidad. En el desarrollo del artículo se establecen, por un lado, interrelaciones tanto formales como conceptuales entre diversas obras pioneras que abordaron el efecto de la acción del caminar, tales como Ashiato [Footprints], 1956, de Akira Kanayama o A Line Made by Walking, 1967, de Richard Long; hasta producciones más recientes como Persones, 2000-2015, de Ignasi Aballí o Mármoles Rambla, 2015, de Fernando Sánchez Castillo. Dicho análisis sirve de sustrato para exponer algunas lecturas en clave bipedal y nómada acerca de registros y muestras del fenómeno resultado de hollar la tierra. Se exponen los resultados del proceso experimental en la práctica artística personal en relación a diversos trabajos que muestran, desde un enfoque de archivo fotográfico, patrones de comportamiento sociales que se repiten y que pueden ser reseñables desde la latencia de dichas improntas localizadas en emplazamientos ajardinados de la ciudad de Valencia, dentro de la categoría que podríamos clasificar como desire paths. Se explorará el concepto de sendero dentro del jardín con simbología de tradición judeocristiana, proponiendo un estado de la cuestión sobre el camino como artefacto con voluntad espiritual, como elemento orgánico inexacto, dentro del contexto del Jardín del Turia en Valencia, aprovechando el 35ª aniversario del mismo y la oportunidad de la Capitalidad Verde Europea 2024.
La imagen como entidad feminizada
Authors: Corrales Devesa Andrea
Published: July 2024

A partir del trabajo con las teorías críticas de la imagen, la crítica cinematográfica y sus aproximaciones feministas materialistas, así como los encuentros críticos e interdisciplinares con la tradición semiótica del análisis de las producciones visuales, se ha profundizado en las condiciones de aparición de las representaciones femeninas o feminizadas en el medio, incorporando al análisis el propio medio, lo que permite establecer conexiones materiales e imaginales entre feminidad e imagen. Si bien existe una relación ambivalente en lo relativo al valor social y simbólico adherido a la feminidad, se sugiere que sucede de forma similar respecto a la imagen. De la misma manera que se considera «el cuerpo de la mujer desnuda como metáfora de la verdad» (Lardeau, 1978), la feminidad de quienes se desnudan frente a una cámara para obtener un beneficio económico resulta una feminidad bajo sospecha: una feminidad engañosa, falsa, frívola, artificial, pobre y contagiosa. Las imágenes, de la misma manera que pueden ser consideradas como documento o registro de lo real, incluso prueba de veracidad, están comúnmente relacionadas con aquello que es frívolo, superfluo, falso y carente de verdad. A partir de establecer estas relaciones tensionales se han complejizado ambos términos, el de feminidad y el de imagen, para generar un tejido analítico que se sitúa desde las feminidades disidentes y las imágenes pobres que, al igual que estas feminidades, son empobrecidas, marginalizadas, reguladas y contenidas en espacios de marginalidad social, económica y estética. Se considera la relación material y estética de la historia visual y de los medios con dichas feminidades, las cuales, además de compartir espacios de acusación y sospecha social, comparten una historia económica, pues han sido estas feminidades aquellas que han acompañado la historia tecnológica de dichos medios, a partir de su fuerza de trabajo.
Remake y demake: estéticas miméticas retro high-spec y low-spec en animación digital de apariencia 2D
Authors: Blanco Siendones Pedro Luis
Published: July 2024

Este texto aborda la relación de los conceptos remake y demake con las estéticas miméticas retro, dentro del contexto de la animación digital de apariencia 2D. El significado de la palabra mímesis ha ido variando a lo largo de la historia. Lo esencial de los conceptos platónico y aristotélico ha perdurado en el mundo del arte, eclipsando poco a poco a la idea original, relacionada con rituales en los que se expresaba una realidad interior. En esta comunicación se rescata parte de esa idea primigenia, en la que las personas que practicaban dichos rituales sentían que en ellas se encarnaban divinidades, animales, o héroes de otros tiempos. Partiendo de esa base, se busca un paralelismo en la actualidad con los protagonistas de películas o series, personajes de videojuegos, o artistas que sirven de inspiración a otros para la realización de un remake o un demake. Se analizan y contraponen estos dos términos, distinguiéndolos de otros conceptos relacionados, como las obras derivadas o las adaptaciones, y se pone el foco en las estéticas miméticas retro high-spec y low-spec en animación digital de apariencia 2D, explorando sus posibilidades en la creación artística.
Entre paradigmas: investigación-creación y atmosferas afectivas en contextos territoriales de alta complejidad, Usme-Sumapaz, Venecia
Authors: Fracasso Liliana , Cabanzo Villamizar Alvaro Francisco , Gamboa Jorge
Published: July 2024

En el marco de la investigación-creación, este trabajo explora los bordes urbanos de dos ciudades en Colombia e Italia, que buscan, respectivamente, sustraerse de la expansión urbana o descolocarse del mercado turístico tradicional. La realidad territorial de estos bordes urbanos se presenta extraordinariamente compleja, caracterizándose por visiones encontradas, patrimonios disputados, conflictos territoriales, socioambientales y culturales. Los escenarios y las escenas urbanas que se contienden los actores-agentes en los casos de estudio, representan la dimensión objetiva de la realidad, que estalla en la subjetividad y emotividad de los habitantes y también de los investigadores-creadores. Paradigmáticamente hablando, dichos casos se abordan desde la ciencia del territorio, la planificación del paisaje hasta los estudios etnográfico y culturales. En nuestro caso, escogimos estudiar los entornos materiales, emotivos, afectivos y estéticos ubicándonos ± entre las esferas cognitivas y afectivas, científicas y artísticas, subjetivas y objetivas, encarnadas y virtuales de los contextos investigados. Por una parte, nos colocamos en los presupuestos de la realidad, que impactan lo sensible propagando atmósferas involuntarias de signo positivo (afectivas), negativo (desafectivas) o neutral (anafectivas). Por otra, desarrollamos prácticas artísticas para la producción de obras colaborativas, creadas en presencia o en remoto para propagar atmósferas afectivas intencionales. En el proceso de investigación-creación, la circulación de los hechos cognitivos y emotivos transcendió, irradió atmósferas afectivas intencionales generando nuevas orientaciones, estéticas y expresiones lingüísticas ¿Cómo se llega, a partir de los escenarios y las escenas, al concept de las obras artísticas? ¿Hay atmosferas afectivas intencionales que pueden propagarse a partir de obras artísticas digitales, desarrolladas de forma remota? ¿Las obras producidas pueden “tocar” la situación emocional de los individuos e influenciar su emotividad y así favorecer la participación en los procesos de decisión? O, también, ¿la estética de las atmosferas afectivas intencionales debe satisfacer acríticamente una necesidad estética de goce y de entretenimiento de los usuarios o generar unos compromisos con los territorios? Estas preguntas orientan la argumentación de este trabajo.
Modelos transdisciplinarios de investigación en el desarrollo de experiencias de apreciación estética
Authors: Cepeda Muñoz Vanessa
Published: July 2024

En años recientes ramas de la neurociencia como la neuroestética enfatizan la relación de los procesos neuronales implicados en momentos de apreciación visual con valor estético y el procesamiento de información mediante diversos esquemas de comprensión. Gran parte de la investigación reciente que explora el impacto de la experiencia estética resulta de relevancia para la redefinición de la creación artística por un enfoque multidisciplinario conectando áreas desde las humanidades hasta las ciencias resaltando la importancia de la comprensión y el estudio del cómo las obras de arte afectan nuestro cerebro. Este texto realiza una revisión a partir de las bases que nos permiten correlacionar la experiencia estética y sus bases biológicas con tres vertientes generales del sistema neuronal: sensorial- motor, emoción – valuación, significado - conocimientos, y su aplicación en el proceso de creación artística. Encontramos además que la descomposición de estímulos a su forma más simple parte también de las correlaciones neuronales por naturaleza de nuestra percepción sensorial a estímulos exteriores para construir conocimiento. A partir de nuestra propia tendencia al reduccionismo al momento de analizar y adentrarnos en la búsqueda de significado, manifestamos emociones de empatía hacia aquel estímulo. Una revisión a los pintores del movimiento impresionista,  aquella verdad condicionada al observador con su propio punto de vista sensorial y la relación encontrada en las bases biológicas de la experiencia estética y categorización del color, la tonalidad y los principios bayesianos en la categorización de estímulos visuales.
Aproximaciones a la noción de precariedad a través de la práctica artística del colectivo Precarias a la deriva
Authors: Marhuenda Barberá Sara
Published: July 2024

Este artículo pretende analizar las aportaciones a la noción de precariedad realizadas por el colectivo Precarias a la deriva. Desde un posicionamiento activista con perspectiva de género y raza, este colectivo feminista surge con el objetivo de revisar las reivindicaciones de la huelga general del 20 de junio de 2002, en la que consideran que no se recoge la experiencia del trabajo feminizado y su condición precaria. Se enuncian como proyecto de “investigación-acción” que busca visibilizar al conjunto de trabajadoras de los cuidados, trabajadoras del sexo, de la hostelería, las trabajadoras autónomas, todas ellas categorías que, como apuntan, se podrían recoger bajo la etiqueta de trabajo inmaterial. En este sentido, señalaremos las contribuciones de la tradición de pensamiento de origen operaísta a la teorización del trabajo inmaterial surgido con la tecnologización en los años 90. Esta corriente de carácter posmarxista argumenta que los procesos cognitivos en el contexto de la globalización han devenido una nueva forma de acumulación, siendo uno de sus valores esenciales las habilidades afectivas y comunicativas (tradicionalmente atribuidas a la mujer). Desde sus inicios, estos autores se han encargado de seguir la transformación de la relación capital-trabajo hasta la actualidad. Considerando de gran valor la intensa labor de investigación del colectivo Precarias a la deriva pretendemos analizar el resultado de su trabajo en relación con el marco conceptual en el que se insertan sus reflexiones sobre la precariedad y el trabajo inmaterial.
Imágenes señuelos: estrategias narrativas en torno al fake y la exposición
Authors: Cajigal García Alberto
Published: July 2024

El hallazgo en una sala expositiva de señales de «zona videovigilada», pero la ausencia de toda cámara o dispositivo que vigile, sirve como punto de partida de esta investigación artística en curso, cuyo tema central: la exposición y las falsas representaciones, nos sirve para generar estrategias narrativas que suspendan, y cuestionen, la naturaleza hiper visible y escaparatista de las imágenes. Para ello, esta propuesta interdisciplinar, articulada principalmente a través de la video instalación, la escultura y la fotografía, despliega una serie de estrategias que abarcan: desde el fake o la asunción de distintos códigos de representación en muchas ocasiones extra artísticos como, por ejemplo, el monitoreo y las grabaciones de los CCTV, o la fotografía documental; hasta la metaficción, y la utilización de estructuras narrativas centradas en la negación o irresolución de acontecimientos, construidas temáticamente sobre lo banal, anodino y absurdo que acontece en los tiempos y espacios cotidianos. En este punto, aprovechamos para repensar cuestiones propias del medio audiovisual como el montaje y la teatralización, abordándolo desde la vinculación de los proyectos con los espacios en los que se exhibe o muestra. De esta manera, a través del juego y el humor, pretendemos reflexionar sobre la condición de hipervisibilidad y sobreexposición que caracteriza a la producción de imágenes actuales, dónde todo puede ser monitorizado, vigilado y exhibido. Y lo hacemos a partir de la tensión entre la imagen documental y la ficción, y de la irresolución de una expectativa o desenlace.
Pensarnos desde el cuerpo
Authors: Novoa Pérez Cora
Published: July 2024

Mediante la metodología del habitar performativo, inevitablemente vinculado a su contexto, entre la gestión y mediación de prácticas propias y colaborativas. Desde una posición abierta no excluyente, a través de la convivencia como parte fundamental del enfoque y la hibridación de lenguajes como espacios relacionales, produciendo otros cuerpos.La práctica artística concebida desde el pensar mediante el hacer, un hacer por contacto, teorizando desde la carne. Abriendo el sentido a lo inesperado, donde la práctica y teoría difieren, se entrecruzan y retroalimentan. Esquivando enunciados rígidos y definiciones estáticas, susceptible de tomar otro rumbo o alterar su estructura si fuera preciso.Desde la filosofía del ser cuerpo, un cuerpo individual inseparablemente relacionado con el cuerpo colectivo (común), donde aprehender a pensarnos y ver el mundo. Proponiendo la investigación como creación y viceversa, rizomática, deconstruir conocimiento basado en un saber no verbalizable, dando lugar a ser. Donde nada es a priori sino una persecución constante de un equilibrio inestable, situándonos así ante un discontinuo concebido desde la incertidumbre del proceso, sin una solución concreta o meta definida más que la acción. En su propia incógnita reside su relevancia. Donde se genera un espacio para que las cosas sucedan.
El enfrentamiento entre la sociología y la estética en el análisis de la autonomía del arte
Authors: Castilla Santos Sergio Castilla
Published: July 2024

La actualidad de nuestro campo artístico convive con la agitación social y la acción política. En este contexto parece conveniente revisar la categoría de autonomía como esencia o accidente del arte. Peter Bürger, en su célebre texto de 1974 Teoría de la Vanguardia, establecía una contradicción dialéctica sobre el proceso de autonomización del arte señalando por un lado el valor de la estética como desvinculación de la praxis vital, y por otro la hipóstasis de este hecho histórico como esencia misma del arte. No comprender esta dialéctica, advertía Bürger, supone el enfrentamiento irreconciliable entre un arte moralizante y otro autónomo, o entre un arte político y otro apolítico, podríamos decir. Partiendo de su conocida tabulación del fenómeno de la autonomía, se abordará la primera de las categorías: la finalidad artística. Se asumirá el valor simbólico del arte como una de sus principales finalidades y se analizará esta como una función social. Para ello se atenderá a la polisemia del término función, a saber: función como finalidad, o función como relación. Dentro de la última se establecerán los distintos valores dependientes e independientes propios de toda función en su sentido matemático. Aparecerán entonces dos finalidades en esta función: la interna y la externa, correspondientes a la disciplina estética y sociológica. Yendo más allá del análisis de Bürger determinaremos dos tipos de fenómenos autónomos que nombraremos provisionalmente como: autonomía productiva y autonomía producible. Concluiremos que el enfrentamiento de la sociología con la estética en su intención de abordar el fenómeno artístico es tan sólo aparente, es decir, ambas disciplinas son ciertas en sus respectivos campos y estos campos son lógicamente compatibles. Por último, se considerará brevemente la vinculación entre el valor económico del arte y su valor simbólico desde la idea de función social antes expuesta.
Creaciones artísticas contemporáneas: discusiones poéticas sobre los paisajes culturales del Recôncavo Baiano
Authors: Da Silva Garcia Roseli Amado
Published: July 2024

Esta comunicación presenta los resultados de una investigación en artes visuales titulada Creaciones artísticas tridimensionales: discusiones poéticas sobre las paisajes culturales del Recôncavo Baiano, desarrolladas en una prática postdoctoral. Los ejes de la investigación fueron la trayectoria artística de la autora y el encantamiento con los dibujos de las paisajes recorridos en sus viajes desde Salvador hasta Cachoeira, importante ciudad, ubicada a orillas del río Paraguaçu, en el estado de Bahía, Brasil. Discutir poéticamente las paisajes culturales del Recôncavo Baiano implicó lecturas de investigación sobre temas surgidos de negociaciones sociales, características de los ecosistemas existentes, tipos de conocimiento creados y elaborados por la presencia humana en estos territorios, realización de investigaciones de campo, con visitas a la región del Recôncavo Baiano, más específicamente la aldea de São Francisco do Paraguaçu, municipio de Cachoeira – BA, que se define como una comunidad quilombola. El uso del término paisaje cultural resalta la relevancia de estos territorios con actividades primarias realizadas por residentes de sus comunidades, como la pesca, la agricultura de subsistencia y el extractivismo. Esta investigación tuvo como objetivo: experimentar la creación artística en poéticas tridimensionales; investigar la memoria y las hibridaciones en los procesos creativos en las artes visuales; desarrollar investigaciones para recolectar materiales expresivos del Recôncavo Baiano; establecer diálogos entre los procedimientos artísticos contemporáneos y el campo de la historia y la memoria; Analizar y tejer asociaciones a lo largo del proceso de creación llevado a cabo y los principios de complejidad. Como material expresivo encontramos la fibra de piasava, tipo de palmera originaria de la región, y como elemento de memoria, el patrimonio material: la Iglesia y las ruinas del Convento de Santo Antônio do Paraguaçu. Los trabajos artísticos realizados dan lugar a nuevas investigaciones.
Fantastik Lab, espacio de creación y pensamiento in-exacto en Valencia, España
Authors: Ghetti Cristina Nora , Torrecilla Patiño Elia
Published: July 2024

En la presente comunicación se aborda el nacimiento y desarrollo de un espacio alternativo situado en Valencia.Desde 2020 FantastikLab ha ido encontrando su destino de manera fluida, abriéndose a propuestas que reflejan los tiempos que vivimos. Se trata de un espacio in-exacto dado que nuestra línea curatorial no posee una línea concreta sino que escruta el devenir captando necesidades y temas de actualidad.Además de las actividades mencionadas, creamos un repositorio de ideas, para conservarlas, reflexionar sobre ellas y compartirlas. Poseemos una web, donde vamos registrando con imágenes y textos nuestra corta historia, en miras de una publicación. Establecemos colaboraciones con espacios en otros países e instituciones académicas.Plantearemos un análisis temático con metodología cuantitativa de los contenidos ofrecidos hasta la fecha. Como avance podemos enumerar el tratamiento de temas tan diversos como: identidades digitales, lgtbiq, ecología, hacktivismo, lenguaje animal, sonido como instrumento curativo y como expresión artística, medicina alternativa, historia Valenciana y un largo etcétera que analizaremos en esta comunicación.
La larga sombra de Proyectante. El sentido de conservar y restaurar obras de arte digital desde la práctica artística
Authors: León-Mendoza Raúl
Published: July 2024

Con motivo de la exposición restrospectiva del grupo de investigación Laboratorio de Luz (Universitat Politècnica de València) en el Centre del Carmen Cultura Contemporánea (Valencia), hemos restaurado una de las primeras piezas artístcas de este colectivo investigador: “Proyectante de Sombras” (1993).“Proyectante” es una instalación lumínica reactiva a la presencia del espectador. El espectador encuentra en el espacio una pared perfectamente iluminada por un recorte de luz. Si se traspasa un umbral determinado del espacio, el foco que ilumina dicha pared se apaga y el espectador percibe la presencia de un texto escrito con tinta fosforescente legible durante un pequeño intervalo de tiempo. El funcionamiento de la instalación es sencillo conceptual y técnicamente, y sin embargo, ofrece al espectador un universo inmaterial del contenido, de cuestionamiento sobre la materia luz, el lenguaje, el papel del espectador en la propia pieza, etc.En este artículo, pretendemos materializar una relatoria del proceso de restauración de la obra original. Pero no simplemente una relatoria técnica y conceptual, nuestro objetivo es abrir aquí un proceso de reflexión sobre la potencia transformadora que tienen el ejercicio de la restauración de una pieza artística, producido desde la práctica artística. Indagamos sobre cómo la conceptualidad y materialidad de “Proyectante”, su lógica a nivel de dispositivo de mostración/ocultamiento, su cuestionamiento del lenguaje escrito como medio de transmisión, se han colado en nuestra práctica artística presente, como consecuencia de este proceso restaurador. Finalmente, nos preguntamos sobre el sentido profundo que tenía esta instalación en su contexto temporal (histórico-social) y cómo sería producir una obra homóloga en el presente, más allá de su propia reconstrucción material fiel a la obra original.
De LIFE Magazine al ensayo fotográfico contemporáneo: Evolución de la fotografía medioambiental sobre incendios forestales
Authors: Martínez-Gorostiza Ana María
Published: July 2024

La incidencia y la severidad de los incendios forestales a nivel global han experimentado un incremento notable en los últimos años debido, entre otras cuestiones, al cambio climático, la gestión del paisaje y diversas influencias antropogénicas sobre los ecosistemas. Con todo ello, la fotografía tipificada como medioambiental es uno de los medios más idóneos para educar y hacer comprender el papel del fuego en el sistema Tierra ya que puede jugar un papel crucial cuando la ciencia, la política o la sociología descubren que la complejidad en torno a los incendios forestales necesita una explicación visual. Además, tiene el potencial de instar al pensamiento crítico sobre las políticas ambientales relacionadas con el fuego, así como mediar entre todos aquellos agentes sociales que pueden impulsar un cambio de paradigma al respecto. Es por ello por lo que se considera necesario analizar los modelos de representación de las fotografías medioambientales que forman parte de la cultura visual colectiva sobre incendios y su impacto en la conciencia de la población. En este escenario, este artículo reflexiona, en particular, sobre dos modelos de representación fotográficos aparentemente similares, a caballo entre el periodismo y el campo de las artes: por una parte, el fotoensayo periodístico, por otra parte, el ensayo fotográfico medioambiental inscrito en el ámbito artístico. Para ello, se propone un análisis de los primeros reportajes fotográficos sobre incendios forestales publicados en la revista LIFE en los años 40 y su correlación e influencia en el paradigma fotográfico actual en el ámbito del fuego. Todo ello para señalar al ensayo fotográfico medioambiental como uno de los modelos visuales más adecuados para comunicar la complejidad inherente a la problemática de los incendios forestales.
El espíritu de la época - El arte como fabulación de futuros posibles
Authors: Leite Manuela De Souza de Almeida
Published: July 2024

En contra de las producciones artísticas y cinematográficas distópicas, que aparentemente no han demostrado ser efectivas en la concienciación sobre los efectos negativos del capitalismo global, el presente trabajo ofrece una reflexión sobre las narrativas utópicas y su poder para construir imaginarios capaces de fabular nuevas formas de vida. Creemos que en la posmodernidad y sus posibilidades de discursos múltiples, la producción de imágenes conlleva una gran responsabilidad, y que, frente al vaciamiento de nuestra capacidad de imaginar alternativas a la expansión del capital, el arte puede ser el vehículo conductor para la creación de nuevas formas de sentir, pensar, desear y actuar.