bluuebunny/crossref_metadata_2025 huggingface dataset:
Хэнаньская опера: опыт описания вокальной манеры местного вида китайской традиционной драмы
Authors: Сюй Ц.
Published: December 2024

Хэнаньская опера заметно выделяется среди региональных разновидностей китайской традиционной драмы. Ее музыкальный стиль отличается особой торжественностью и мощностью, а пение является выделенным достоинством Хэнаньской оперы, поскольку изображение человеческих характеров в ее репертуаре часто сопровождается большим количеством длинных сольных выступлений. Попеременное, почти мгновенное переключение разных свойств голоса — естественного звучания и фальцета, пения и говора, пения и декламирования – является уникальной особенностью вокала данной традиции. Пение органично перетекает в декламацию, легко возникает в кульминации самых подвижных акробатических действий певца. Отличительные особенности вокальной манеры рассматриваются в системе практических навыков певца-артиста, таких как артикуляция, декламация, дыхание, пластика, поскольку вокал в хэнаньской традиции не является неким отдельным мастерством, а составляет органичную часть театрального синкрезиса. Особое внимание уделено технике дыхания, которая пронизывает и объединяет актерские практики. Певческая культура Хэнаньской оперы обладает редким качеством: ее певцы сохраняют свежесть и силу голоса до глубоко преклонных лет. Благодаря уникальному стилю опера занесена в перечень нематериального культурного наследия Китая.

The Henan Opera stands out among the regional varieties of Chinese traditional drama. Its musical style is distinguished by a special solemnity and power, and singing is a special advantage of the Henan Opera, as the image of human characters in its repertoire is often accompanied by a large number of long solo performances. Alternating, almost instantaneous switching of different properties of the voice-natural sound and falsetto, singing and speaking, singing and reciting – is a unique feature of the vocals of this tradition. The singing flows seamlessly into a recitation, easily occurs at the culmination of the most moving acrobatic action of the singer. The article considers the distinctive features of the vocal manner in the system of practical skills of the singer-artist, such as articulation, recitation, breathing, plastic, because the vocal in the Henan tradition is not a separate skill, but an organic part of the theatrical syncresis. Special attention is paid to breathing technique, which permeates and unites the acting practice. The singing culture of Henan Opera has a rare quality: its singers retain the freshness and strength of their voices until their advanced years. Due to its unique style, the Opera is included in the list of intangible cultural heritage of China.
Современное обучение пианистов в Китае и технические установки фортепианных школ XIX века
Authors: Wu Yi.
Published: December 2024

В статье анализируются методы обучения пианистов в XIX веке в Европе и в современном Китае. XIX век в истории фортепианного искусства считался «веком виртуозов». Техника пианистов, в то время, отличалась блеском, совершенством, производила на слушателей ошеломляющее впечатление. Вместе с тем, наряду с блестящими виртуозными достижениями музыкально-художественное развитие пианистов, вследствие механистических методов обучения, заметно ущемлялось, что со временем привело педагогов-практиков к их радикальному пересмотру. В современном воспитании пианистов в Китае опыт «века виртуозов» широко используется. В статье акцентируется, насколько важно, наряду с опорой на позитивный опыт, накопленный в XIX веке, избежать повторения ошибок прошлого, признаки которых проявляются в фортепианной педагогике Китая сегодняшнего дня. Все это необходимо учитывать при создании новых национальных методик обучения пианистов.

This article analyzes methods of piano training in the 19th century in Europe and in contemporary China. The 19th century in the history of the piano art was considered to be the “age of virtuosos”. At that time piano technique distinguished by gloss and perfection, made a stunning impression on listeners. Alongside with brilliant virtuoso achievements, musical and artistic development of pianists because of mechanical methods of education was considerably limited and resulted in the course of time in their radical revision in teaching practice. The experience of “the century of virtuosos” is widely used in contemporary piano education in China. The article stresses the importance to use positive experience of the XIX century and to avoid mistakes of the past time the signs of which can be found in piano education in China nowadays. All this must be taken into account when creating new national methods of pianists’ training.
МУЗЫКА ДЛЯ КИТАЙСКИХ НАРОДНЫХ ИНСТРУМЕНТОВ В ПЕРИОД АНТИЯПОНСКОЙ ВОЙНЫ 1937–1945 ГОДОВ (НА ПРИМЕРЕ ГОРОДА ЧУНЦИН)
Authors: Вэй У.
Published: December 2024

Статья посвящена истории музыки для китайских народных инструментов в период антияпонской войны 1937–1945 годов в городе Чунцин. В это время традиционная культура Китая переживала подъем и расцвет. Возрождение и модернизация старинных народных инструментов привели к созданию больших оркестров. Большой вклад в китайскую музыку внесли музыканты и мастера Чэн Уцзя, Гань Тао, усовершенствовавшие акустические свойства традиционных народных инструментов. Благодаря деятельности композиторов и общественных деятелей Чжан Динхэ, Сюй Жухуэй были созданы концертные формы фольклорных произведений и написаны новые. Китайская народная музыка была включена в официальные политические церемонии. После оккупации Нанкина город Чунцин стал столицей. Во время антияпонской войны Чунцин стал одним из главных политических и культурных центров Китая, сосредоточив в себе значимый потенциал в виде образовательных учреждений, симфонических оркестров, оркестров народных инструментов профессионального и любительского характера, государственных и общественных организаций патриотического характера.

The article is devoted to the history of music for Chinese traditional folk instruments during the anti-Japanese war of 1937–1945 in the city of Chongqing. At this time, the traditional culture of China was booming and flourishing. The revival and modernization of old folk instruments led to the creation of large orchestras. A great contribution to Chinese music was made by musicians and masters Cheng Wu Jia, Gan Tao, who improved the acoustic properties of traditional folk instruments. Due to the activities of composers and public figures Zhang Dinghe, Xu Zhuhui, concert forms of folklore works were created and new ones were written. Chinese folk music was included in official political ceremonies. After the occupation of Nanjing, Chongqing became the capital. During the anti-Japanese war, Chongqing became one of the main political and cultural centers of China, concentrating significant potential in the form of educational institutions, symphony orchestras, professional and amateur orchestras of folk instruments, patriotic state and public organizations.
РАМПЛИССАЖ КАК МУЗЫКАЛЬНО-ТЕОРЕТИЧЕСКАЯ ПРОБЛЕМА. Часть 2
Authors: Акопян Л.О.
Published: December 2024

Ощущение опасности вытеснения тематизма рамплиссажем стимулировало музыкальные революции начала ХХ века в столь же значительной степени, что и кризис романтической гармонии. Специфические методы формообразования, ведущие к минимизации рамплиссажа, были разработаны в рамках эстетики импрессионизма и экспрессионизма. Вместе с тем перед любым композиторомрадикалом последнего столетия неизбежно возникала опасность того, что музыка, выполненная новым языком, будет воспринята аудиторией как слабо дифференцированный (парадигматически непримечательный) рамплиссаж. Приведен ряд примеров того, как эта опасность преодолевалась в творчестве представителей разных поколений и направлений. Использованные многими из них, независимо от друг от друга, сходные приемы высвечивают те особенности сложного современного музыкального языка, которые ответственны за его непреодолимую (или все еще не преодоленную) парадигматическую недостаточность.

The feeling that the valuable thematic stuff risks to be ousted by remplissage, stimulated the musical revolutions of the early 20th century, perhaps, to the same degree as the crisis of Romantic harmony. Specific compositional techniques, leading to the minimization of remplissage, were developed within the framework of Impressionist and Expressionist aesthetics. At the same time any radical composer of the last century faced the danger that the music done with the use of new language would be perceived by the audience as a poorly differentiated (paradigmatically undistinguished) remplissage. A number of examples illustrate how this danger was overcome in the works by composers representing different generations and currents. Some similar devices used by them independently of each other highlight those peculiarities of the complex contemporary music language that are responsible for its insurmountable (or still not surmounted) paradigmatic insufficiency.
«Пять старинных китайских и японских стихотворений»: восточная лирика Чарлза Гриффса
Authors: Кром А.Е.
Published: December 2024

В статье рассмотрен вокальный цикл Пять старинных китайских и японских стихотворений для голоса и фортепиано американского композитора Чарлза Гриффса (18841920). Общение с А. Кумарасвами, Э. Блохом, А. Больмом, М. Ито и особенно Е. Готье инспирировало исключительный интерес Гриффса к Востоку. Более всего музыканта увлек образ Азии, выступавший экзотическим антиподом запада, но при этом являвшийся неотъемлемой частью культурного ландшафта Америки. Изучение азиатской культуры (музыкального искусства, поэзии, японской гравюры, философии) привело к созданию произведения, в котором ориентальное начало воплотилось на разных уровнях. Композитор обращается к ангемитонным ладам (главным образом к китайскому гунладу), к имитации тембров этнических инструментов в партии фортепиано, поэтическим текстам (заимствованным из сборников англоязычных переводов классической китайской и японской поэзии), сюжетам, символам (цвета, времен года) и метафорам (гор, луны, дракона). Гриффс избирает метод стилизации древнего фольклора, сближающий его с основоположниками неофольклоризма (в частности, с И. Ф. Стравинским). Их объединяет ощущение архаической первозданности, прием акцентного варьирования, вариантнопопевочный тип тематизма и экономность в работе с материалом.

The article describes the vocal cycle Five Poems of Ancient China and Japan for voice and piano by the American composer Charles Griffes (18841920). Communication with A. Coomaraswamy, E. Bloch, A. Bolm, M. Ito and, especially, Eva Gauthier inspired Griffes exceptional interest in the East. Most of all, the musician was fascinated by the image of Asia, which was the exotic antipode of the West, but it was an integral part of the cultural landscape of America. The study of Asian culture (music, poetry, Japanese prints, philosophy) led to the creation of a work in which the oriental principle was embodied at different levels. The composer refers to the pentatonic modes, imitation of timbres of ethnic instruments in the piano part, poetic texts (borrowed from collections of Englishlanguage translations of classical Chinese and Japanese poetry), subjects, symbols (colors, seasons) and metaphors (mountains, moon, dragon). Griffes chooses a method of stylization of ancient folklore, bringing him closer to the founders of neofolklorism (in particular, to I. F. Stravinsky). They are united by a sense of archaic coloring, rhythmic accent s, syncopes, variation of melody and thrift in work with the material.
«Партия в бридж» Дж.К. Менотти и С. Барбера, или Несчастье по-американски
Authors: Кривцова А.С.
Published: December 2024

Статья посвящена одному из немногих совместных проектов американских композиторов Дж. К. Менотти и С. Барбера в области музыкального театра. Камерная опера Партия в бридж (1959) интерпретируется как яркий пример отражения в этом жанре реалий американской действительности XX столетия. Нравственный облик персонажей раскрывается в процессе карточной игры. Такой игрой служит бридж распространенный в то время вид проведения досуга, призванный объединять людей, способствовать их общению. В таком случае почему именно эту игру выбрал Дж. К. Менотти (либреттист этого творческого тандема), чтобы показать человеческое несчастье.

The article is devoted to one of the few common projects of the American composers G. C. Menotti and S. Barber in a musical theater. The opera in one act The Hand of Bridge (1959) is interpreted as a vivid example of the 20th century American reality reflected in this genre. The moral portraits of the characters are evulgated in the process of the card game. Bridge serves as such a game a popular leisure activity at that time, intended to integrate people together and to work toward their communication. In that case, why did G. C. Menotti (the librettist of this creative tandem) choose this game to show human unhappiness
Творческое credo вьетнамского пианиста Данг Тхай Шона
Authors: Чжэн Л.
Published: December 2024

В статье представлены основные события творческой биографии Данг Тхай Шона известного вьетнамского пианиста, выпускника Московской государственной консерватории им. П. И. Чайковского, победителя X Международного конкурса им. Ф. Шопена (1980), ныне профессора Университета Монреаля (Канада), Консерватории Оберлина (Огайо, США), Центра инноваций Китайской национальной школы музыки (Пекин, КНР), почетного профессора Центральной консерватории музыки (Пекин). Архивные материалы личных дел Данг Тхай Шонастудента и ассистентастажера с характеристиками его педагогов В. А. Натансона, Д. А. Башкирова, а также интервью с пианистом дают новые сведения о годах его обучения в СССР. Особое внимание в статье уделено музыкальноэстетическим взглядам Данг Тхай Шона, касающимся вопросов взаимодействия современных исполнительских школ Европы и Азии, уровня современного азиатского пианизма и обсуждения его болевых точек перевес техницизма перед художественной стороной исполнения, нивелирование эмоций под влиянием высоких технологий и др. Отдельные рекомендации мастерклассов Данг Тхай Шона в КНР дополняют творческий портрет его музыкальнопедагогическими представлениями.

The article presents the main events of the creative biography of Dang Thai Son the famous Vietnamese pianist, a graduate of the Tchaikovsky Moscow State Conservatory, winner of the X International F. Chopin Piano Competition (1980), now a professor at the University of Montreal (Canada), Oberlin Conservatory (Ohio, United States), Beijing Advanced Innovation Center for Chinese National School of Music (Beijing, China), honorary professor at the Central Conservatory of Music (Beijing). The archival materials of the personal files of Dang Thai Son a student and a 2 year postgraduate student with the characteristics of his teachers V. A. Natanson, D. A. Bashkirov, as well as interviews with the pianist give new information about the years of his training in the USSR. Special attention is paid to the musical and aesthetic views of Dang Thai Son concerning the interaction of modern performing schools in Europe and Asia, the level of modern Asian pianism and discussion of its pain points technical advantage at the expense of the artistic side of performance, emotional leveling under the influence of high technologies, etc. The separate recommendations of the Dang Thai Sons master classes in the PRC complement the creative portrait with his musical and pedagogical ideas.
«Дневники» Чэнь Сяоюна: особенности сонорной трактовки фортепиано
Authors: Чэнь Ш.
Published: December 2024

В предлагаемой статье рассматриваются особенности сонорной трактовки фортепиано в циклах DIARY I (Дневник I), DIARY II (Дневник II) и DIARY III (Дневник III) немецкого композитора китайского происхождения Чэнь Сяоюна, ученика Дьёрдя Лигети. Отдельное внимание уделено представлению его эстетической концепции, сосредоточенной вокруг изучения скрытых возможностей звука. Важным ее пунктом является осознание феномена тишины в музыке, отсюда берет начало особая приверженность композитора к тихим нюансам. На примерах показана одна из особенностей стиля Чэнь Сяоюна работа с лапидарным звуковым материалом. В этих условиях большое значение приобретает использование приемов, расширяющих тембровые возможности рояля, зависающих кластерных созвучий, беззвучное нажатие клавиатуры, использование потенциала рояля как щипкового инструмента и пр. Кроме того, в статье отмечены особенности трактовки Чэнь Сяоюном ритма, соединяющего в рамках одной композиции тактометрическую и хронометрическую системы, динамики (использование выразительных возможностей тихих нюансов, полидинамики, эффектов эхо), регистров (сосредоточенность в пределах одного ограниченного диапазона).

The proposed article discusses the features of the sonorous interpretation of the piano in the cycles DIARY I, DIARY II and DIARY III by German composer of Chinese origin Chen Xiaoyong, a student of Gyrgy Ligeti. Special attention is paid to the presentation of his aesthetic concept, centered around the study of the hidden possibilities of sound. An important point of the creative concept of the composer is the awareness of the phenomenon of silence in music, hence the composers special passion for the lower threshold of the dynamic range. A number of examples show one of the features of the composers style working with lapidary sound material. Under these conditions, the use of techniques that expand the timbre capabilities of the piano, the hanging cluster consonances, the silent pressing of the keyboard, the use of the potential of the piano as a plucking instrument, etc., becomes very important. The features of the interpretation of the rhythm connecting the tactometric and chronometric systems in one composition are noted. The features of Chen Xiaoyuns interpretation of the rhythm, combining the tactometric and chronometric systems, the dynamics (using the expressive possibilities of quiet nuances, polydynamics, echo effects) registers (the concentration of the entire composition within one limited range) are noted.
Символические элементы и структуры в стиле tintinnabuli
Authors: Brauneiss L.
Published: December 2024

The tintinnabuli achieves a high degree of neutral supraindividuality by organizing the supraindividual preexistent simple tonal material of triad in a similar supraindividual manner: a specific prearranged set of rules ensures the individuality as well as the variety of a single compostion within the selfmposed very limited conditions. This means however that the symbolic meaning of the music has to be incorporated in the structure. The scale itself is in universal understanding a symbol of the interconnection of a lower level with an upper level (earth and something beyond earth, either heaven above or underworld). Different presentations, elaborations, alterations and combinations of scales add further symbolic layers. By choosing in this way an individual meaningful structure the tintinnabuli style once again overcomes the dichotomy of structure and expression in a unique way.

Tintinnabuli достигает высокой степени сверхиндивидуальности, организуя сверхиндивидуальный ранее существовавший простой звуковой материал триады. Подобным сверхиндивидуальным образом специфический заранее составленный набор правил обеспечивает индивидуальность, а также разнообразие единой композиции в очень ограниченных условиях. Это означает, однако, что символическое значение музыки должно быть заключено в структуре. Сама ладовая система во всеобщем понимании является символом взаимосвязи низкого уровня с уровнем верхним (земля, подземный мир и нечто за пределами земли, небеса). Различные презентации, разработки, изменения и комбинации ладов сообщают музыке дополни тельные смыслы. Определяя индивидуально значимую структуру, стиль tintinnabuli снова преодолевает дихотомию структуры и символического содержания, сохраняя надиндивидуальную нейтральность.
Ф. МЕНДЕЛЬСОН И А. Г. РИТТЕР — ПЕРЕСЕЧЕНИЕ ОРГАННЫХ СУДЕБ
Authors: Бочкова Т.Р.
Published: December 2024

В статье рассматриваются пересечения творческих судеб двух немецких композиторовсовременников Ф. Мендельсона и А. Г. Риттера с точки зрения музыкального контекста Германии XIX века. Они оба были крупными органистамивиртуозами и могли стать родоначальниками нового жанра в органной сфере романтической сонаты, но история оказалась более благосклонной к автору песен без слов. Обозначая разницу в развитии творческого пути Ф. Мендельсона и А. Г. Риттера, автор акцентирует внимание на схожих моментах формирования музыкантского потенциала композиторов. Бахианство важнейшая категория, которая определила единство подходов столь несхожих по художественному результату мастеров органной музыки той эпохи. Намечены важнейшие вехи в культурной жизни столичного Берлина и Эрфурта старинного университетского и музыкального центра Тюрингии, связанные с претворением баховских традиций, представлены наиболее значимые факты биографии и имена, благодаря которым органное творчество двух мастеров привело их к созданию жанра органной сонаты. Обозначены берлинская и эрфуртская ветви баховской музыкальной наследственности . Героями статьи, помимо Ф. Мендельсона и А. Г. Риттера стали музыканты, не избалованные вниманием отечественного музыкознания М. Г. Фишер, А. В. Бах, К. Ф. Цельтер, Г. Пельхау.

The article discusses the intersection of the creative destinies of two German composers F. Mendelssohn and A. G. Ritter in terms of the musical context of Germany in the 19th century. They were both great virtuoso organists and could become the founders of a new genre in the organ sphere the romantic sonata, but the story turned out to be more favorable to the songwriter without words. Denoting the difference in the development of the creative path of F. Mendelssohn and A. G. Ritter, the article emphasizes moments of community in the formation of their musical potential. Bachianism is the most important category that determined the unity of approaches of the masters of organ music of that era so dissimilar in the artistic result. The most important milestones in the cultural life of the capital city of Berlin and Erfurt, the ancient university and music center of Thuringia, related to the implementation of Bach traditions, are identifid, the most signifiant biography facts and names are presented, thanks to which the organ creativity of the two masters led them to create the genre of organ sonata. The Berlin and Erfurt branches of the Bach musical heredity are designated. In addition to F. Mendelssohn and A. G. Ritter, the heroes of the article were musicians who were not spoiled by the attention of Russian musicology M. G. Fisher, A. V. Bach, K. F. Zelter, G. Pelhau.
МУЗЫКА КОНЦЕНТРАЦИОННЫХ ЛАГЕРЕЙ ТРЕТЬЕГО РЕЙХА
Authors: Федусова А.А.
Published: December 2024

В статье предложена новая классификация музыки Австрии и Германии 1930 1940х годов по принципу отношения к политической доктрине: официальная музыка, дегенеративная музыка композиторов ушедшихво внутреннюю эмиграцию , музыка немецких композиторов в эмиграции, музыка концентрационных лагерей. Если первые три пласта достаточно хорошо исследованы, то музыка концентрационных лагерей пока остаетсямалоизученной темой истории музыки. Актуальность работы в данном русле обусловлена тем, что она расширяетвзгляд на музыку Третьего Рейха, дает новое представление о механизмах ее функционирования. Цель настоящейстатьи рассмотреть функции музыки концентрационных лагерей в Третьем Рейхе. В работе представлена характеристика основных процессов перестройки музыкального сообщества в данный период: указаны критериисоотношения арийской и дегенеративной музыки, в виде схемы дается иерархия в сфере музыкального искусства Третьего Рейха. Выявляются функции музыки в концентрационных лагерях сохранение национальнойидентичности, развлечение, психологическое давление и унижение, пропаганда. Их сочетание парадоксально исвидетельствует о совершенно чуждом официальному искусству явлении, которое следует рассматривать как особый феномен истории музыки XX века.

The article proposes a new classifiation of the music of Austria and Germany in the 1930s 1940s according to the principle of political doctrine: offiial music, degenerative music of composers who left for internal emigration,music of German composers in emigration, music of concentration camps. If the fist three layers are well studied enough,the music of the concentration camps remains a poorly researched topic of music history. The relevance of work in thisdirection is due to the fact that it expands the view of the music of the Third Reich, gives a new idea of the mechanisms ofits functioning. The purpose of this article is to research the functions of music of concentration camps in the Third Reich. The article presents a description of the main processes of restructuring the musical community in that period: indicatesthe criteria for the correlation of Aryan and degenerative music provides a hierarchy in the sphere of musical art ofthe Third Reich in the form of a scheme. It also reveals the functions of music in concentration camps the preservationof national identity, entertainment, psychological pressure and humiliation, propaganda. Their combination is paradoxicaland testifis to a phenomenon completely alien to the offiial art, which should be considered as a special fact in the historyof music of the XXth century
К ПРОБЛЕМЕ ВЕРТИКАЛЬНОГО ВРЕМЕНИ В ТВОРЧЕСТВЕ СОФИИ ГУБАЙДУЛИНОЙ
Authors: Москвина О.А.
Published: December 2024

В статье вводится понятие вертикального времени, занимающего не последнее место в системе философскорелигиозных взглядов композитора. Феномен вертикального (пространственного) времяисчисления в творчестве Губайдулиной напрямую связан с проблемой цикличности. Циклообразование зачастую несетв себе вертикальный смысл, что связано с главенством всеобъемлющей религиозной идеи, одной из ключевых для композитора. Пересечение времен, временная инверсия следствие вертикального взгляда на мир. Вертикальное время подразумевает, что хронология написания сочинений и положение их в цикле могут несовпадать. Именно в вертикальном ракурсе кажется возможным и логичным, чтобы хронологически болееранний опус обрел статус финала ( DettoII , замыкающий и концертную триаду, и так называемую инструментальную пятичастную мессу). В исполнительской практике все сочинения макроцикла ( Introitus Ступени Аллилуйя Offertorium DettoII ) вряд ли могут прозвучать в реальном времени, в условиях одногоконцерта, поэтому вертикальное их измерение следует считать более точным. Учитывая неослабевающуютворческую активность композитора, возможно, следует ждать пополнения в рамках открытого макроцикла. Безошибочное губайдулинское чувство времени, существующее как бы вне логики, по ту сторону физического, плоскостного его измерения, уже продлило сакральный сверхцикл, вписав в него концерты Дветропы и И: Празднество в разгаре .

The article introduces the concept of vertical time, which occupies not the last place in the system of philosophicaland religious views of the composer. The phenomenon of vertical (spatial) time calculus in the works of Gubaidulina isdirectly related to the problem of cyclicity. Cycling often carries a vertical meaning, which is associated with the primacyof a comprehensive religious idea, one of the key ones for the composer. The intersection of time, temporary inversion isthe result of a vertical view of the world. Vertical time implies that the chronology of writing works and their positionin the cycle may not coincide. It is from a vertical perspective that makes it possible and logical that a chronologicallyearlier opus has acquired the status of a fiale (DettoII, closing the concert triad, and the socalled instrumentalfiepart mass). In performing practice, all the compositions of the macrocycle (IntroitusStepsHallelujahOffertoriumDettoII) are unlikely to sound in real time, in a single concert, therefore their vertical measurementshould be considered more accurately. Taking into account the relentless creative activity of the composer, perhaps weshould wait for replenishment within the framework of an open macrocycle. The unmistakable Gubaydulinas sense of time, which exists, so to say, outside of logic, on the other side of its physical, planar dimension, has already extendedthe sacred supercycle by including into it the concerts Two Paths and I: Celebration in full swing.
РУССКАЯ ПОЭЗИЯ XVIII ВЕКА В ВОКАЛЬНОЙ ЛИРИКЕ ТАТЬЯНЫ СЕРГЕЕВОЙ
Authors: Зароднюк О.М.
Published: December 2024

В статье представлены вокальные сочинения московского композитора Татьяны Сергеевой на стихи поэтов XVIII века В. Тредиаковского, А. Сумарокова, И. Елагина. Вокальные опусы Т. Сергеевой представляют собой редкий пример обращения к поэтам ломоносовской плеяды, стихи которых практически исчезли из музыкальной практики. Для работы со столь своеобразными текстами композитор находит целый ряд нестандартных композиторских решений. В качестве жанрового обозначения выбрана ария, трактовка которой далеко уходит от оперных прототипов. Т. Сергеева смело изменяет текст первоисточника, желая выстроить собственную логику формы и, вместе с тем, избежать употребления устаревших слов. Она применяет повторы, перестановки, отказ от какойлибо части текста и, наоборот добавление слов, несуществующих в оригинале. В организации музыкальной ткани широко используется принцип многоплановой асимметрии , привносящий желаемую свободу в строгую силлабическую систему. Логика несовпадения вокальной и инструментальной формы становится определяющей в построении каждой миниатюры, выстраивая новый тип взаимосвязи между исполнителями. Неожиданные выразительные эффекты, присутствующие в вокальной и инструментальной партиях, придают сочинениям Т. Сергеевой яркость и оригинальность.

The article presents the vocal compositions of the Moscow composer Tatyana Sergeeva to the verses of poets of the XVIII century V. Trediakovsky, A. Sumarokov, I. Elagin. The vocal opuses of T. Sergeeva are a rare example of an appeal to the poets of the Lomonosov pleiad, whose verses have practically disappeared from musical practice. For working with such peculiar texts, the composer fids a number of nonstandard composing solutions. An aria was chosen as a genre designation, the interpretation of which goes far from opera prototypes. T. Sergeeva boldly changes the text of the original source, aiming to build her own logic of form and, at the same time, avoid using obsolete words. It applies repetitions, permutations, rejection of any part of the text and, conversely, addition of words that do not exist in the original. The principle of multifaceted asymmetry is widely used in the organization of musical fabric, which brings the desired freedom to a strict syllabic system. The logic of the discrepancy between the vocal and instrumental forms becomes decisive in the construction of each miniature, building a new type of relationship between performers. Unexpected expressive effects, which are present in the vocal and instrumental parts give T. Sergeevas compositions brilliance and originality.
ПРЕТВОРЕНИЕ ЭПИЧЕСКОГО НАЧАЛА В МУЗЫКЕ ДЛЯ ГУСЛЕЙ АЛЕКСЕЯ ЛАРИНА
Authors: Волков Д.В.
Published: December 2024

Актуальность темы работы обусловлена возрождением интереса в современном российском обществе к древнему музыкальному инструменту гуслям. Об этом свидетельствуют и открытие в последние десятилетия классов гуслей звончатых в средних специальных и высших музыкальных учебных заведениях, и создание значительного количества произведений для данного инструмента. Среди них Легенда московского композитора Алексея Львовича Ларина, которая стала одним из репертуарных сочинений для гуслей звончатых, воплощающих характерный для данного инструмента эпический тип драматургии. Цель работы выявить особенности воплощения эпического начала в музыке для гуслей в творчестве А. Л. Ларина. Изучив описание игры на гуслях в былинах, сказках, эпических поэмах, автор выявил специфические особенности жанра легенды в целом. Рассмотрены драматургия и композиция, проанализированы мелодика, фактура, гусельные исполнительские приемы в произведении Легенда А. Л. Ларина. Изучив особенности стиля произведения, автор статьи пришел к выводу, что Легенда для гуслей звончатых, это не стилизация жанра как стремление раствориться в стиле чужой эпохи, а индивидуальное выражение представлений об этом жанре художника, имеющего иные эстетические ориентиры и иной арсенал средств музыкальной выразительности, в чем воплощается одна из ведущих тенденций современной академической музыки

The relevance of the theme of the article is due to the revival of interest in the modern Russian musical instrument the gusli. This is evidenced by the opening of the gusli classes in secondary specialized and higher musical educational institutions, as well as creation of a signifiant number of works for this instrument. Among them is The Legend of Moscow composer Aleksei Lvovich Larin, which has become one of the repertoire pieces of music for the voiced gusli, embodying the epic type of dramaturgy characteristic of this instrument. The purpose of the work is to identify the features of the epic principle in music of A. L. Larin. Having studied the description of playing the gusli in the genres of fairy tales, epic poems, the author revealed the specifi features of the genre of legend as a whole. Special attention is paid to considering the dramaturgy and composition and analysing the melodics, the texture, the performing techniques in the piece of music Legend by A. L. Larin. After analyzing the features of the style of the composition, the author of the article came to the conclusion that Legend for the voiced gusli is not a genre stylization as the desire to dissolve in the style of an unfamiliar epoch, but the individual expression of the artists notion about this genre, that embodies one of the leading trends in modern academic music.
ЖАНР МЮЗИКЛА НА ГРАНИЦЕ КУЛЬТУРНЫХ ПРОСТРАНСТВ
Authors: Цай Ч.
Published: December 2024

В статье представлен анализ особенностей подготовки и постановки двух мюзиклов, премьеры которых состоялись на исходе ХХ столетия. Каждый из спектаклей стал событием в своем культурном пространстве: китайский мюзикл Озеро Сюэлан в Гонконге (премьера в марте 1997 г.) произвел фурор в восточноазиатском культурном регионе, а знаменитый французскоканадский спектакль NotreDame de Paris (премьера в сентябре 1999 г.) стал сенсацией в западном мире. При всем различии культурного контекста мюзиклы обнаруживают совпадения, позволяющие увидеть новые показательные черты в выборе сценария, сюжет которого созвучен ценностям национальной культуры, в создании песенного материала и его тиражировании задолго до премьеры, в коммерческой рекламе на этапах пре и постпродакшн и в постановке спектаклей. Появление указанных особенностей обусловлено совмещением жанра с технологиями индустрии массовых зрелищных искусств. Ведущими характеристиками становятся синтез различных пластов музыкальной культуры, обобщение новейших вокальных технологий, опора на культурно смысловые архетипы. Анализ творческой работы авторов позволяет характеризовать новый мюзикл как масштабный дизайнпроект, в котором осуществление художественного замысла проходит ряд открытых стадий коммуникативной обработки или проката .

The article presents the analysis of the features of preparation and production of two musicals, the premieres of which took place at the end of the twentieth century with a distance of one and a half years. Each of the performances was an event in its cultural space: the Chinese musical Lake Xuelan in Hong Kong (premiere in March 1997) created a furor in the East Asian cultural region, and the famous FrenchCanadian performance NotreDame de Paris (premiere in September 1999) became a sensation in the western world. With all the differences in the cultural context, the performances reveal coincidences that make it possible to see new indicative features, the appearance of which is due to the combination of the genre with the technologies of the mass entertainment industry. The leading characteristics are the synthesis of various layers of musical culture, the generalization of the latest vocal technologies, reliance on cultural semantic archetypes. The analysis of the creative work of the authors allows to characterize the new musical as a largescale design project in which the realization of an artistic concept goes through a series of open stages of communicative treatment or distribution.
НОВЫЕ ТЕНДЕНЦИИ В ОСМЫСЛЕНИИ ФОРМООБРАЗОВАНИЯ В СОВРЕМЕННОЙ МУЗЫКЕ
Authors: Амрахова А.А.
Published: December 2024

В статье речь идет о новых тенденциях в осмыслении формообразования. Подчеркивается, что значение интертекстуальности в современной гуманитарной науке несколько переоценено. Существует немало случаев смыслообразования, основанных на контактах между разными элементами, но это не обязательно межтекстовые отношения. Рассматриваются те случаи, когда контакт между смысловыми элементами есть, но нет деления на свое и чужое . К такого рода смысловым связям относится огромный класс явлений, основанных на предзнании , то есть когниции. Во всех подобных случаях человек обращается к своему опыту, но не к текстам. Контакт здесь осуществляется по принципу общее свое . Утверждается, что такие связи осуществляются на ментальном уровне благодаря валентности, а также при помощи отсылки к прототипам. В статье рассматривается, как преобладающий тип валентности влияет на стиль композитора. В качестве примера приводятся стилевые особенности творчества композиторов Х. Лахенмана и Ф. Караева. Определяется, что структура ментальной схемы это в первую очередь смысловые связи, появляющиеся в сознании интерпретатора как результат сравнения его с прототипом.

The article deals with new trends in the understanding of musica forming. It is emphasized that the importance of intertextuality in modern humanitarian science is somewhat overestimated. There are many cases of sense formation based on contacts between different elements, but this is not necessarily intertextual relations. Cases are considered when there is a contact between semantic elements, but there is no division into ones own and another. A huge class of phenomena based on foreknowledge, that is, cognition, refers to such kind of semantic connections. In all such cases, a person refers to his experience, but not to the texts. Contact here is based on the principle of common ones own. It is argued that such connections are made at the mental level due to valency, as well as by meansof reference to prototypes. The article considers how the predominant type of valency inflences the composers style. As an example, the style features of the creation of composers H. Lachenman and F. Karaev are given. It is determined that the structure of the mental scheme is, fist of all, the semantic connections appearing in the mind of the interpreter as a result of understanding the relationship between the the present object and his prototype.
КЛЮЧЕВЫЕ ФИГУРЫ СОВРЕМЕННОГО ДЖАЗОВОГО ИСКУССТВА КИТАЯ
Authors: Чжао И.
Published: December 2024

В статье исследуется творчество ведущих представителей китайской джазовой школы в рамках целостного представления о музыке джаза раннего и современного периодов как современной, внутренне целостной национальной традиции. Обозначив степень изученности проблемы в отечественном и зарубежном музыкознании, автор отбирает наиболее яркие фигуры, повлиявшие на развитие джазового искусства в Китае (такие как саксофонист Ли Юань, джазовый пианист и композитор Кун Хунвэй, певица и композитор Чжан Ин, пианист Ся Цзя, тромбонист Ян Мин), а также выявляет некоторые характерные жанровостилевые черты, принципы аранжировки и методы импровизации китайских джазменов. В процессе исследования автор приходит к выводу, что на начальном этапе своего развития китайская джазовая музыка испытывала серьезное влияние европейской музыкальной традиции, что отразилось в большом интересе исполнителей и композиторов к лирическим балладам и танцевальным композициям. Позднее, что начало проявляться уже в последней четверти ХХ века, китайский джаз приобрел свои уникальные черты и особенности, которые и сейчас являются определяющими в развитии этого направления в Китае: в частности, это синтез ладовых элементов традиционной китайской музыки (пентатоники) и европейского джаза

The article examines the work of the leading representatives of the Chinese jazz school in the framework of a holistic view of the music of jazz of the early and modern periods as a modern, internally integral national tradition. Denoting the degree of knowledge of the problems in domestic and foreign musicology, the author selects the most colorful fiures that inflenced the development of jazz in China (saxophonist Li yuan, a jazz pianist and composer kun Hongwei, singer and composer Zhang Ying, pianist Xia Jia, trombonist Yang Ming), and also identifis some characteristic of the genrestylistic features, principles, arrangements, and methods of improvisation Chinese jazz musicians. In the course of the research, the author comes to the conclusion that at the initial stage of its development, Chinese jazz music was seriously inflenced by the American musical tradition, which was reflcted in the great interest of performers and composers in lyrical ballads and dance compositions. Later that began to emerge in the last quarter of the twentieth century, Chinese jazz have acquired their unique traits and characteristics, which now are crucial in the development of this fild in China, in particular, is a synthesis of modal elements of traditional Chinese music (the pentatonic scale) and foreign jazz.
К ПОНЯТИЮ «СОВРЕМЕННАЯ МУЗЫКА»: ДИСКУССИОННЫЕ ЗАМЕТКИ
Authors: Левая Т.Н.
Published: December 2024

Статья представляет собой попытку рассмотреть понятие современная музыка и прокомментировать его бытование в отечественном культурном пространстве. Автор обращает внимание на разноречивые толкования этого понятия, что связано с изначальной неопределенностью его границ. Хронологические критерии современного довольно подвижны. Специалисты по современному искусству выделяют по крайней мере четыре фазы в его развитии. Одна охватывает приблизительно 25 последних лет другая восходит к 60-70-м годам минувшего столетия еще одну фазу связывают с ХХ веком как таковым наконец, в самом широком плане в круг современного вовлекается едва ли все искусство Нового времени. Музыкальное творчество в целом укладывается в эти темпоральные рамки. Вместе с тем заслуживает внимания сама практика словоупотребления современная музыка , ставшая своего рода маркером и отразившая важнейшие вехи в отечественном искусстве ХХ века. В этом ракурсе в статье последовательно рассматриваются: деятельность Вечеров современной музыки , эстетика АСМ, доктрина соцреализма, реабилитация современного в эпоху оттепели и перестройки. Автор касается также концепта современности в эпоху постмодерна, когда сам этот концепт может показаться анахронизмом.

The article is an attempt to consider the concept of modern music and comment on its existence in the domes tic cultural space. The author draws attention to the contradictory interpretations of this concept, which is associated with the initial uncertainty of its boundaries. The chronological criteria of modern are quite mobile. Contemporary art experts identify at least four phases in its development. One covers approximately the last 25 years the other dates back to the 60s 70s of the last century another phase is associated with the twentieth century as such fially, in the broadest sense, the circle of modern involves hardly all the art of Modern times. Musical creativity as a whole fis into this temporal framework. At the same time, the very practice of the usage of the word modern music deserves attention, which became a kind of a marker and reflcted the most important milestones in the domestic art of the twen tieth century. In this perspective, the article consistently examines: the activities of the Evenings of modern music , the aes thetics of AFM, the doctrine of socialist realism, the rehabilitation of the modern in the era of thaw and perestroika. The author also touches on the concept of modernity in the postmodern era, when this concept may seem anachronistic.
О РАСШИРЕНИИ ПОНЯТИЯ ЛОГИЧЕСКИХ ОТНОШЕНИЙ В ЗВУКОВЫСОТНЫХ ОРГАНИЗАЦИЯХ МУЗЫКИ ХХ ВЕКА: ЭКВИВАЛЕНТНОСТЬ
Authors: Александрова Л.В.
Published: December 2024

В статье вводится понятие эквивалентных звуковысотных отношений тонов двенадцатизвуковой музыкальной системы музыки второй половины ХХ века. Данный вид отношений рассматривается на основе музыкально-теоретической системы (МТС), представляющей логическую модель эмпирической музыкальной системы (ЭМС) и ее результативно-конструктивную форму. Такой подход предполагает обращение к понятиям, разработанным в математической теории множеств. В этом смысле эквивалентное отношение трактуется в узком значении как локальное отношение музыкальных тонов в МТС при моделировании творческих процессов на микроуровне. Широкое понятие эквивалентности, характерное для макропроцессов развернутых персонифицированных композиций в контексте ЭМС, соответствует пониманию функциональности как работы системы и трактуется нами как конструктивная функциональность. Возможен так называемый обиходный смысл, не требующий доказательств и включающий психологическую интерпретацию понятия, обусловленный проявлением заметных, бросающихся в глаза наиболее общих признаков, на основании которых делается вывод об эквивалентности. Таким образом, данный вид отношений создает почву для создания неисчерпаемых, непредсказуемых творческих вариантов, что подтверждает композиторская практика особенно второй половины ХХ века. В соответствии с данными теоретическими положениями обсуждаются высказывания, произведения или их фрагменты композиторов Б. Бартока, О. Мессиана, А. Веберна, К. Штокхаузена, П. Булеза, Я. Ксенакиса.

The article introduces the concept of equivalent pitch relations of tones of the twelve-note musical system of the music of the second half of the XX century. This type of relationship is considered on the basis of the musical-theoretical system (MTS), which is a logical model of the empirical musical system (EMS) and its effective-constructive form. This approach involves an appeal to the concepts developed in mathematical set theory. In this sense, the equivalent ratio is interpreted in a narrow sense as the local ratio of the musical tones of the system in MTS when modeling creative processes at the micro level. The broad concept of equivalence, characteristic of macro-processes of expanded personalized compositions in the context of EMS, corresponds to understanding functionality as the system operation and is interpreted by us as constructive functionality. The so-called everyday meaning is possible, as it does not require proof and includes a psychological interpretation of the concept, due to the manifestation of noticeable, conspicuous most common features, on the basis of which the conclusion about equivalence is made. Thus, such type of relationship sets the stage for the creation of inexhaustible, unpredictable creative options, which is confimed by the composers practice especially in the second half of the XX century. In accordance with these theoretical provisions, statements, works or fragments of compositions by B. Bartok, O. Messiaen, A. Webern, K. Stockhausen, P. Boulez, J. Xenakis are discussed