bluuebunny/crossref_metadata_2025 huggingface dataset:
ПРОБЛЕМАТИКА АРХЕТИПИЧЕСКОГО В МУЗЫКАЛЬНОМ ИСКУССТВЕ
Authors: Верба Н.И.
Published: December 2024

В статье рассматриваются существующие в музыкальной науке подходы к постижению понятия «архетип». Указывается, что проблема преемственно связана с предшествующими достижениями гуманитарной науки — изучением в течение длительного времени понятия «архетип» в философии, психологии, литературоведении, лингвистике. В настоящее время проблематика архетипичного в музыкальном искусстве рассматривается в нескольких аспектах. Определенная область исследований связана с прояснением онтологических, генетических сторон рассматриваемого вопроса и сопряжена с теорией интонации и ее развитием в трудах отечественных и зарубежных ученых. Актуальным является вопрос об обусловленности архетипа в музыке, либо имманентными музыкальному искусству генетическими свойствами, либо востребованностью и закрепленностью в музыкальной практике, то есть результатом функционирования культурно-исторического фактора. На обретение проблемой архетипичного в музыке необходимой теоретической базы, формулировку основополагающих идей, осмысление феномена архетипического образа в музыкальных произведениях оказывают воздействие такие области музыкальной науки, как музыкальная герменевтика, музыкальная семантика, теория музыкального содержания. Наряду с указанными ракурсами, проблематика архетипичного в музыке рассматривается и сквозь призму терапевтических и педагогических задач. Столь обширное исследовательское поле и выраженная междисциплинарность проблемы свидетельствуют о ее научном потенциале.

The article considers the existing approaches to understanding the concept of «archetype» in the music science. It is pointed out that the problem is connected with the previous achievements of the Humanities – the long-term investigation of the concept of «archetype» in philosophy, psychology, literature, linguistics. Currently, the problem of the archetypical in the musical art is considered in several aspects. A certain area of researches is associated with the clarification of ontological, genetic aspects of the issue and is associated with the theory of intonation and its development in the works of native and foreign scientists. Relevant is the question about the conditionality of the archetype in the music art either by inherent genetic qualities, or by demand and fixation in the musical practice as the result of the functioning of cultural-historical factor. Such areas of music science as musical hermeneutics, musical semantics, theory of musical content influence the problem of finding the necessary theoretical basis, the formulation of fundamental ideas, the understanding of the phenomenon of the archetypical image in musical works. Along with these perspectives, the problem of the archetypical in music is considered through the prism of therapeutic and pedagogical tasks. Such an extensive research field and serious interdisciplinary nature of the problem testify to its scientific potential.
О классификации китайской национальной вокальной музыки
Authors: Люй Ц. , Никитенко О.Б.
Published: December 2024

Вокальная культура Китая на современном этапе представлена разными пластами певческого искусства. Для музыкантов, соприкасающихся с ним, важно осмыслить это разнообразие как некую систему, в которой ясно просматриваются критерии различения и сопоставления разных стилей пения. Необходимо уточнить и характеристики каждого стиля. Так, например, «народное пение» в Китае понимается как любимое и востребованное народом, в отличие от этнического содержания этого термина в России. Также своеобразен и подход к понятиям «современная — традиционная» вокальная культура: главным критерием их различения является наличие/отсутствие западного воздействия. Для китайских музыковедов показателем традиционного/современного является язык музыки, «не тронутый Западом» в недрах родной культуры, — и новый звуковой универсум, в котором национальное и западное нераздельны. Национальное пение рассредоточено в песнях народов, населяющих Китай, в жанрах народного зрелищного искусства, в рамках китайской традиционной драмы. Внутри каждого пласта культуры пение имеет свою специфику, которая затронута в статье.

The Vocal culture of China at the present stage is represented by different layers of singing art. For musicians in contact with it, it is important to present this diversity as a system in which the criteria for distinguishing and comparing different styles of singing are clearly visible. It is necessary to clarify the characteristics of each style. For example, “folk singing” in China is understood as a favorite and demanded by the people, in contrast to the ethnic content of this term in Russia. Also peculiar is the approach to the concepts of “modern — traditional” vocal culture: the main criterion for their distinction is the presence/absence of Western influence. For Chinese musicologists, the indicator of traditional/modern music is the language of music “untouched by the West” in the layers of traditional culture — and a new sound universe in which national and Western are inseparable. Traditional national singing is dispersed in the songs of the peoples of China, in the genres of folk spectacular art, within the Chinese traditional drama. Within each layer of culture singing has its own specifics, which is touched upon in the article.
Рамплиссаж как музыкально-теоретическая проблема. Часть 1
Authors: Акопян Л.О.
Published: December 2024

Слово рамплиссаж (франц. remplissage заполнение) знакомо русскоязычному читателю прежде всего благодаря Чайковскому, который использовал его для обозначения рутинного, второстепенного по своей значимости материала, заполняющего пространство между темами. Рамплиссаж хотя и второстепенен, но отнюдь не малозаметен, хотя бы в чисто количественном смысле: никакая крупная форма классикоромантической эпохи не может обойтись без всякого рода переходов, связок, пред и постиктов. По наблюдению Чайковского (повидимому, справедливому), эволюция музыки после Бетховена шла в направлении гипертрофии подобного заполняющего материала. Поэтому рамплиссаж заслуживает того, чтобы отнестись к нему как к заслуживающей внимания теоретической проблеме. В первой части статьи категория рамплиссажа рассматривается сквозь призму оппозиции синтагматика парадигматика, которая со времен Ф. де Соссюра является ключевой для науки о структуре текста. Рамплиссаж формально определяется как парадигматически ослабленный участок между структурами, занимающими парадигматически сильные позиции.

The word remplissage (French for filling or padding) is known to Russian readers first of all due to Tchaikovsky, who used it to label a routine, secondary material filling the space between themes. Though secondary, the remplissage is by no means insignificant, at least in a purely quantitative sense: every largescale form of classical or romantic music contains transitional, connecting, leading passages of various kinds. According to Tchaikovskys observation (it seems to be justified), the postBeethoven music evolved in the direction of the hypertrophy of such padding material. Hence, remplissage deserves to be treated as a noteworthy theoretical issue. In the first part of the article, the category of remplissage is examined through the prism of the opposition paradigmatics syntagmatics, playing the key role in F. de Saussures theory of a text structure. Remplissage is formally defined as a paradigmatically weakened section between structures occupying strong paradigmatic positions.
Фернандо Сор и Михаил Высотский: встреча или миф? (К вопросу о контактах русских и зарубежных гитаристов XIX века )
Authors: Николаев А.А.
Published: December 2024

История контактов русских и зарубежных музыкантов, происходивших на протяжении нескольких веков, полна ярких интересных фактов, но также всевозможных мифов, которые встречаются даже в серьезных исследованиях. Одна из таких легенд воображаемая встреча испанофранцузского композитора и гитариста Фернандо Сора, приехавшего в Российскую империю в 1823 году, и музыкантасамородка московского импровизаторасемиструнника Михаила Тимофеевича Высотского. В статье исследуется, как на основе анекдота писателя и публициста Михаила Стаховича историком гитары Валерианом Русановым в созданном им очерке была придумана большая сцена, которая в действительности вряд ли могла иметь место. Однако эта идеологически удачная история была подхвачена в советские годы и переписывается до сих пор. В письменных источниках Сор нигде не упоминает о своей встрече с русским артистом, а написанная Высотским Фантазия для гитары на тему Сора стала, скорее всего, плодом знакомства российского гитариста с нотными изданиями пьес известного гастролера. Подтверждением невозможности реальной встречи и уж тем более дружбы Сора и Высотского может служить принципиальная разница социальных кругов, в которых существовали эти выдающиеся музыканты.

The contact history of the Russian and foreign musicians occurring during several centuries is full of the bright interesting facts, but also various myths which one can meet even in serious researches. One of such legends is the imagined meeting of the SpanishFrench composer and guitarist Fernando Sor who arrived in the Russian Empire in 1823 and the gifted musician, the Moscow improviser on seven strings Mikhail Timofeyevich Vysotsky. In the article it is investigated as on the basis of a joke of the writer and the publicist Mikhail Stakhovich the historian of a guitar Valerian Rusanov in a sketch created a big fiction scene which in fact could hardly have taken place. However, this ideologically successful story was picked up in the Soviet years and is being rewritten even nowadays. In written sources Sor does not mention the meeting with the Russian actor anywhere, and The fantasy for the guitar on the theme of Sor written by Vysotsky became, most likely, a fruit of acquaintance of the Russian guitarist with musical editions of pieces by the famous guest performer. The basic difference of social circles in which these outstanding musicians lived can serve as a confirmation of impossibility of the real meeting, let alone Sor and Vysotskys friendship.
Диалоги с Арво Пяртом на языке tintinnabuli: Альгирдас Мартинайтис, Владимир Мартынов
Authors: Катунян М.И.
Published: December 2024

Арво Пярт фигура знаковая в сегодняшней культуре. Он затрагивает глубинные проблемы художественного творчества, его цели и смысла, которые встают перед каждым композитором нашего времени и которые он сам решает для себя радикально. Для композиторов фигура Пярта наделена особым значением. В кругу близких ему по направлению собратьев по искусству он оказался востребованным для общения на пространстве музыкального произведения. Это происходит в форме диалога с ним, с его творчеством, и на его языке tintinnabuli. В статье рассматривается опыт обращения к творчеству Пярта композиторов Альгирдаса Мартинайтиса и Владимира Мартынова, для которых стиль tintinnabuli (колокольчики) своим ярким и узнаваемым авторским почерком послужил языком общения и понимания между композиторами. Само обращение своим творчеством к Пярту других композиторов служит неоспоримым доказательством актуальности его фигуры в современной культуре. В качестве примеров в статье привлекаются произведения Альгирдаса Мартинайтиса Гимн св. Франциска для солистов, хора, органа и магнитной пленки и Пярт. Зима из цикла Времена года Владимира Мартынова.

Arvo Pаrt is a symbolic figure in todays culture. He touches on the deepseated problems of artistic creativity, its goals and meanings that confront every composer of our time and which he himself solves radically. For composers Pаrts figure has a special meaning. In a circle of friends, who shared his direction of art, he was in demand for communication in the space of a musical work. This occurs in the form of a dialogue with him, with his work, and in his language tintinnabuli. The article deals with the experience of addressing the works of Pаrt by the composers Algirdas Martynaytis and Vladimir Martynov, for whom the tintinnabuli style (bells) was used as the language of communication and understanding between their composers. The reference of other composers to Pаrt in their own works serves as an indisputable proof of the relevance of his figure in modern culture. The works of Algirdas Martinaitis Hymn of Sts. Francis for soloists, choir, organ and magnetic film and Pаrt. Winter from the cycle Seasons by Vladimir Martynov are given as examples in the article.
ТОПОС «ШАНЬХЭ» В КИТАЙСКОЙ ХОРОВОЙ МУЗЫКЕ ПЕРИОДА СОПРОТИВЛЕНИЯ (19311945)
Authors: Сунь Ж.
Published: December 2024

Используя термин топос в значении набора устойчивых музыкальноязыковых клише для выражения в музыке области абстрактных идей и конкретных образов, автор статьи изучает китайскую хоровую музыку периода сопротивления. Задача работы сформулировав уникальность понятия топоса шаньхэ в китайской культуре, проанализировать с этих позиций ряд показательных сочинений эпохи: хоры Цзюй Сисянь Река Сунгари (1935), Чжан Шу Песня волн (1938), Хэ Шидэ Переправа через Янцзы (1940), В горах Тайханшань (1938) и кантату Хуанхэ (1939) Сянь Синхая. Отмечено, что в целом, образный строй хоровых произведений 1930х первой половины 1940х годов обусловлен типом героического содержания: воспоминания о счастливом мирном труде, острое переживание угнетения агрессором соседствует в них с патетикой призыва к освобождению и радостью единения в борьбе. Автор приходит к выводу о наличии в изученных сочинениях двух уровней реализации пространственного аспекта топоса шаньхэ сюжетного и музыкального. Исследованы элементы семантического ряда, а также жанровостилистический, музыкальноизобразительный и интонационносимволический аспекты музыкального воплощения топоса шаньхэ в китайской хоровой музыке изучаемого периода.

Using the term topos in the meaning of a set of typical musical and linguistic clichs to express the fild of abstract ideas and particular images, in music the author studies Chinese choral music of the resistance period. The objective of the work is identifying the uniqueness of the concept of topos shanhe in Chinese culture, analyzing from this perspective a number of representative works of this historical period: choirs of Ju Xixian The Songhua River (1935), Zhang Shu Song of waves (1938), He Shide Crossing Yangtze river (1940), The Taihang mountains (1938) and the cantata Yellow river (1939) of Xian Xinghai. The author notes that, in general, the system of images in the choral works of the 1930searly 1940s is derived from the heroic type of the content: memories of happy, peaceful work, the painful experience of oppression by the aggressor coexist in them with the pathos of the call for liberation and joy of unity in the struggle. The author comes to the conclusion about the presence of two levels of realization of the spatial aspect of the topos shanhe plot and music in the analysed works. The elements of the semantic range and genrestylistic, musicechoic and intonationalsymbolic aspects of the musical incarnation of the topos shanhe in the Chinese choral music of this period are examined.
ДЕТСКОЕ МУЗЫКАЛЬНОЕ ОБРАЗОВАНИЕ КИТАЯ В ПЕРИОД АНТИЯПОНСКОЙ ВОЙНЫ 19371945 ГОДОВ
Authors: Вэй У.
Published: December 2024

Статья посвящена истории детского музыкального образования в Китае в период антияпонской войны 1937 1945 годов в городе Чунцин. За это время программа обучения музыке в специальных и общеобразовательных школах была качественно изменена. На основе национальных традиций была создана система музыкального образования. Преподавание стало вестись по единым для всей страны учебным планам, учебникам и методическим разработкам. Музыка стала обязательным предметом общеобразовательных школ. Ученикам создавались условия для освоения какимлибо народным музыкальным инструментом, каждый школьник участвовал в обязательном ежедневном массовом пении. Потенциал начинающих музыкантов был использован в пропагандистских целях. Школьники участвовали в массовых творческих мероприятиях патриотических направленности: большом количестве сольных и камерных концертов вокальной и инструментальной музыки, концертах симфонического и народного оркестров, хоров, акциях массового пения. Все это способствовало росту интереса к музыке в целом, подъему музыкального образования, а также важному в годы войны моральному сплочению граждан. Основные творческие события проходили в этот период в городе Чунцин, ставшим в годы войны политическим центром государства.

The article is devoted to the history of childrens music education in China during the antiJapanese war of 1937 1945 in the city of Chongqing. During this time the musical education program in specialized and secondary schools has been qualitatively changed. The system of music education was created on the traditions of national music. Teaching was conducted according to unifid for the whole country curricula, textbooks and guidance papers. Music has become a compulsory subject of secondary schools. The students were provided with the conditions for studying any folk musical instrument each student participated in the obligatory daily mass singing. The potential of novice musicians was used for propaganda purposes. Schoolchildren participated in patriotic mass creative events: a large number of solo and chamber concerts of vocal and instrumental music, concerts of the symphony and folk orchestras, choirs, mass singing events. All this contributed to the growth of interest in music in general, the rise of music education, as well as the important moral cohesion of citizens during the war years. The main creative events took place during this period in the city of Chongqing, which became the political center of the state during the war.
«SECHS ORCHESTERLIEDER» op. 8 А. ШЕНБЕРГА В РАКУРСЕ ДВУХ МОДЕЛЕЙ ЖАНРА ORCHESTERGESANG
Authors: Денисова Г.А.
Published: December 2024

Вокально-симфонический жанр Orchestergesang эпохи fi de sicle уникален тем, что в нем нашли свое отражение такие полярные качества, как звуковая монументальность и камерность. Взятые за основу, эти качества положили начало двум концептуально отличным моделям жанра модели Штрауса и модели Малера. В статье автор описывает параметры, характеризующие данные модели (литературная основа, оркестр, вокальная партия, взаимодействие голоса и оркестра, разработка интонационного материала), и представляет их в виде таблицы. Упоминается и текстомузыкальная семантика, не вошедшая в таблицу, но являющаяся неотъемлемой составляющей композиционного метода и Штрауса, и Малера. Краткий путь от монументальности к камерности звучания наглядно демонстрируется в сочинении Sechs Orchesterlieder ор. 8 А. Шенберга. Рассматривая его в ракурсе двух моделей жанра Orchestergesang, пристальное внимание автор уделяет проблеме переориентации с одной модели на другую. Воздействие Штрауса и Малера на творческие приоритеты Шенберга проявляется не только в выборе поэтического текста, оркестровке, разработке интонационного материала, текстомузыкальной семантике, но и в разных вариантах взаимодействия голоса и оркестра.

The vocal-symphonic genre of Orchestergesang of the fi de sicle era is unique as it reflcts such polar qualities as sound monumentality and chamberness. Taken as a basis, these qualities lay the foundation for two conceptually distinct models of the genre the Strauss model and the Mahler model. In the article, the author describes the parameters characterizing these models (literary basis, orchestra, vocal part, voice and orchestra interaction, development of intonation material), and presents them in a table. Textual musical semantics is also mentioned, which are not included in the table, but are an integral part of the compositional method of both Strauss and Mahler. A short way from monumentality to chamber sound is clearly demonstrated in the composition Sechs Orchesterlieder op. 8 by A. Schoenberg. Considering it from the perspective of two models of the Orchestergesang genre, the author pays close attention to the problem of reorientation from one model to another. The inflence of Strauss and Mahler on Schnbergs creative priorities is manifested not only in the selection of a poetic text, orchestration, development of intonational material, textual and musical semantics, but also in different versions of interaction between the voice and the orchestra
СТАНОВЛЕНИЕ И РАЗВИТИЕ ЖАНРА КАНТАТЫ В МУЗЫКАЛЬНОЙ КУЛЬТУРЕ КИТАЯ
Authors: Ли Ю.
Published: December 2024

Появлению жанра кантаты в Китае в 1939 году предшествовал длительный период становления хоровой культуры с начала XX века. В статье рассматривается 4 этапа становления этого жанра в китайской профессиональной музыке. Первым этапом (ХVI-XIX века) стало появление и распространение в Китае европейской хоровой музыки. Знакомство китайцев с хоровым многоголосием начиналось с духовной музыки, звучавших в церковных приходах, основанных христианскими миссионерами. Второй этап (конец XIX в. - 1919) прошел под знаком движения Песни новых учебных заведений , направленного на популяризацию европейской музыки через пение в школах. В годы борьбы с японской агрессией и последующего мирного строительства (1919 - 1927) кантата стала ведущим крупным хоровым жанром. В годы Культурной революции развитие кантаты, как и всей хоровой музыки, резко затормозилось. Появление в этот период отдельных новаторских произведений явление позитивное, но все же исключительное. Вторая половина 1970-х и 1980-е годы стали временем восстановления кантатой утраченных художественных позиций. Начиная с 1990-х годов и по настоящее время, исследуемый жанр переживает второй в своей истории период интенсивного развития, активно взаимодействуя как с симфонической музыкой, так и с другими хоровыми жанрами.

The emergence of the cantata genre in China in 1939 was preceded by a long period of formation of choral culture from the beginning of the 20th century. The article discusses the 4 stages of formation of this genre in Chinese professional music. The fist stage (1619 century) was the emergence and distribution of European choral music in China. Acquaintance of the Chinese with choral polyphony began with sacred music, which sounded in church parishes founded by Christian missionaries. The second stage (end of the 19th century 1919) was marked by the movement Songs of New Educational Institutions , aimed at popularizing European music through singing in schools. During the years of the struggle against Japanese aggression and the subsequent peaceful construction (19191927), the cantata be came the leading major choral genre. During the years of the Cultural Revolution, the development of the cantata, like all choral music, was sharply inhibited. The appearance of individual innovative works during this period is a positive phenomenon, but still an excep tional one. The second half of the 1970s and 1980s was a time of restoration of the lost artistic positions of the cantata. From the 1990s to the present, the studied genre is experiencing the second period of intensive development in its history, ac tively interacting with both symphonic music and other choral genres.
КЛАССИЧЕСКАЯ ПАРАДИГМА ЭМПАТИИ В ТЕОРИИ И ПРАКТИКЕ ИСКУССТВА
Authors: Афасижев М.Н.
Published: December 2024

В статье раскрывается смысл и структура классической эмпатической способности искусства. Автор обращается к трудам ученых эстетиков, искусствоведов, психологов, изучавших термин эмпатия с целью обобщить накопленный теоретический багаж знаний. На хрестоматийных примерах художественных произведений разных эпох автор определяет появление различных модификаций эмпатии, тем не менее отражающих неизменность обращения художника к эмоциональному и интеллектуальному миру человека. Автор критически осмысляет труды отечественных ученых, посвященные проблеме эмпатии, и показывает жизнеспособность и востребованность классической эмпатической парадигмы. В результате исследования автор приходит к выводу, что сложившаяся в науке точка зрения на понятие эмпатия основана на важной составляющей искусства как умение воплощать типичные, общезначимые эмоций и переживания, несущие в себе элемент возвышенного, а также имеющие глубокую связь с религиозными, эстетическими, патриотическими, философскими идеями и представлениями.

The article reveals the meaning and structure of the classical empathic ability of art. The author refers to the works of scientists aestheticians, art historians, psychologists who studied the term empathy in order to summarize the accumulated theoretical knowledge. Using textbook examples of artistic works of different eras, the author defies the appearance of various modifiations of empathy, nevertheless reflcting the invariability of the artists appeal to the emotional and intellectual world of man. The author critically comprehends the works of Russian scientists devoted to the problem of empathy, and shows the viability and relevance of the classical empathic paradigm. As a result of the study, the author comes to the conclusion that the current scientifi point of view on the concept of empathy is based on an important component of art as the ability to embody typical, universally signifiant emotions and experiences that carry an element of the sublime, as well as having a deep connection with religious, aesthetic, Patriotic, philosophical ideas and visions.
ЖАНРОВОЕ МНОГООБРАЗИЕ ХОРОВОЙ МУЗЫКИ АЗЕРБАЙДЖАНСКИХ КОМПОЗИТОРОВКОНЦА ХХ — НАЧАЛА ХХI ВЕКА
Authors: Гулиева С.П.к.
Published: December 2024

Статья посвящена хоровой музыке азербайджанских композиторов конца XX — начала XXI века. Анализируются жанровое многообразие, ракурс идейно-художественной содержательности, индивидуальные композиционные решения и тенденции в этой сфере музыки. В творчестве азербайджанских композиторов представлены не только крупные вокально-инструментальные произведения (кантаты, оратории, пассионы, хоровые концерты и т. д.), но и хоровые миниатюры, поэмы, оды, гимны, хоровые циклы, песни. Возрастающее многообразие жанровой сферы хоровой музыки азербайджанских композиторов определяет степень актуальности данной темы. На современном этапе азербайджанские композиторы развивают хоровую музыку в трех направлениях: хоровые произведения малых форм симфонизированные хоровые сочинения, вокально-инструментальную музыку крупных форм, где хор несет в себе основную драматургическую нагрузку. В хоровой музыке, в особенности, в ораториях можно отметить тенденцию к обобщенной сюжетной линии или философской концепции. Музыкальная драматургия – это часть содержания музыкального произведения. Распространенными являются принципы динамизации и симфонизации кантатно-ораториальных жанров, драматургия, основанная на столкновения различных интонационных сфер, образов. Интересным представляется возникающий симбиоз кантатно-ораториального жанра с симфонией.

The article is devoted to the choral music of Azerbaijani composers of the late XX century and the beginning of XXI century. In particular, the works of small forms, their genre diversity, imaginative sphere, individual interpretation of structures are considered. Choral music of the XX and the beginning of the XXI centuries, especially cantata-oratorical genre, in content and internal structure, in most cases are free compositions. Many of them are compositions where theatrical and scenic elements are traced, a reader and a large choir (or ensemble) and an instrumental composition or an orchestra participate. At the same time, some choral works show attempts to escape from stereotypes and the process of individualization of structures. Only a common feature of these works can be such a factor as philosophical and conceptual validity, coming from the artistic idea . Modern choral music is a wide range of genre diversity and as a result, it is difficult to be seriously systematized. In choral music can be traced to the various recitation, intonation Azerbaijani composers in their works refer to both large (cantatas, oratorios, passion etc.) and choral works of small forms – choral plays, miniatures, sings, odes, hymns.
ФОРМИРОВАНИЕ КЛАССА ГИТАРЫ В НИЖЕГОРОДСКОЙ КОНСЕРВАТОРИИ: ИСТОРИЯ, ПРОБЛЕМЫ, ПЕРСПЕКТИВЫ
Authors: Петропавловский А.А.
Published: December 2024

В статье освещаются ключевые аспекты становления класса гитары в Нижегородской государственной консерватории им. М. И. Глинки как основополагающего фактора формирования профессиональной среды исполнительства на классической гитаре в регионе. Классическая гитара — один из самых популярных в широкой среде любителей музыки инструментов — имеет богатейшую историю. На протяжении последних столетий накоплен достаточно обширный и разнообразный репертуар для классической гитары. Однако в силу различных обстоятельств культурного и политического характера, отечественная профессиональная исполнительская школа стала активно формироваться лишь в 80-е годы ХХ века. Процесс включения классической гитары в музыкальное академическое образование предопределил развитие гитарного исполнительства в Нижнем Новгороде и, вместе с тем, поставил ряд системных задач по организации учебного процесса, созданию репертуарной и научно-методической базы, концертной и общественной жизни. Автор статьи описывает основные этапы истории класса гитары, созданного на кафедре народных инструментов Нижегородской консерватории, отмечает современное состояние исполнительской школы. В статье также обозначены наиболее острые проблемы, требующие принципиального решения, и перспективы развития профессионального гитарного искусства.

The article highlights the key aspects of the formation of the guitar class in the Nizhny Novgorod State Conservatory named after M. I. Glinka as a funda-mental factor in the formation of a professional performance environment on the classical guitar in the region. The classical guitar — one of the most popular instruments among the music lovers — has a rich history. Over the past centuries, a fairly extensive and diverse repertoire for classical guitar has been accumulated. However, due to various cul-tural and political circumstances, the national professional performing school be-gan to be actively formed only in the 80s of the twentieth century. The process of incorporating the classical guitar into the music academic education predetermined the development of guitar performance in Nizhny Nov-gorod and, at the same time, posed a number of systemic tasks for organizing the educational process, creating a repertoire and scientifi and methodological base, concert and social life. The author of the article describes the main stages of the history of the guitar class created at the Department of Folk Instruments of the Nizhny Novgorod Conservatory, points out the current state of the performing school. The article also outlines the most acute problems requiring a fundamental solution, and the prospects for the development of professional guitar art.
О НЕКОТОРЫХ СТИЛЕВЫХ ИСТОКАХ КАМЕРНО-ВОКАЛЬНОГО ТВОРЧЕСТВА ВАРЛАМОВА: К ПРОБЛЕМЕ ЕВРОПЕЙСКИХ ВЛИЯНИЙ
Authors: Долгушина М.Г.
Published: December 2024

В статье впервые в отечественном музыкознании исследуются европейские истоки камерно-вокального стиля А. Е. Варламова. Актуальность данного подхода обусловлена становлением Варламова как композитора в начале XIX века, когда на формирующийся русский романс оказывали существенное влияние жанры европейской вокальной лирики. Образование, полученное в Придворной певческой капелле, позволило Варламову практически освоить традицию итальянского хорового пения, а в годы службы в Гааге и Брюсселе он напрямую соприкасался с французской салонной культурой. Рассмотрены романсы Варламова на французские стихи: «Le page» и «Cesse, cesse tes chants plaintives, Philomèle»; выявлены произведения, сочиненные композитором по модели европейского салонного вокального ноктюрна. Проанализировано использование в различных по тематике и жанровым разновидностям романсах Варламова интонационного комплекса полонеза-болеро, ведущего начало от французских «романсов трубадуров». В процессе исследования удалось уточнить атрибуцию двух романсов: выявить автора слов дуэта «Пойми меня…», определить год и место издания романса «Cesse, cesse tes chants plaintives, Philomèle».

The article is devoted to the identifiation of the European sources of the chamber vocal style ofA. E. Varlamov. Varlamov's formation as a composer took place at the beginning of the 19th century. At this time, Russian romance was signifiantly inflenced by the genres of European vocal lyrics. Varlamov, who was educated at the Court Choir Chapel, practically mastered Italian choral singing. During the years of his service in The Hague and Brussels, he came into contact with French salon culture. The article discusses Varlamov's romances to French poetry: «Le page» and «Cesse, cesse tes chants plaintives, Philomèle». Musical pieces written by him on the basis of the European salon vocal nocturne have been identifid. Additionally, the article analyses the use of the polonaise-bolero intonation, which originates from the French «troubadour romances». It was possible to clarify the attribution of the two romances: fistly, to identify the author of the words of the duet «Understand me...», and secondly, to determine the year and place of publication of the romance «Cesse, cesse tes chants plaintives, Philomèle».
АНТОН РУБИНШТЕЙН — АВТОР ФОРТЕПИАННЫХ НОКТЮРНОВ (К ВЫХОДУ В СВЕТ АЛЬБОМА «РУССКИЙ ФОРТЕПИАННЫЙ НОКТЮРН» ТЕТРАДЬ 2)
Authors: Сюй Ц.
Published: December 2024

В центре внимания автора статьи — фортепианные ноктюрны А. Г. Рубинштейна в контексте творчества композитора и эволюции жанра. Несмотря на то, что имя А. Г. Рубинштейна прочно закрепилось в истории русской музыки, его творчество остается во многом неизвестным широкому слушателю. Между тем в 2019 году под редакцией Р. Глазуновой был впервые издан сборник, включающий 11 ноктюрнов А. Г. Рубинштейна, который приоткрыл дверь в художественный мир этого великого и талантливого пианиста, педагога и композитора. Основная цель настоящей работы — обзор композиционных и исполнительских особенностей ноктюрнов А. Г. Рубинштейна. Выявлены главные качества Рубинштейна-пианиста, кратко представлена эволюция его фортепианного стиля. 11 ноктюрнов демонстрируют основные черты его стиля. Произведения проанализированы с точки зрения исполнительских и методических особенностей. Выделяются области влияний творчества композиторов-романтиков (Дж. Фильда, Ф. Шопена, Ф. Мендельсона, П. И. Чайковского) на ноктюрны А. Г. Рубинштейна. Сделан вывод о том, что включение фортепианных ноктюрнов композитора в современный концертный и педагогический репертуар станет важным шагом к более глубокому осмыслению его творчества.

The author of the article focuses on A.G. Rubinstein's piano nocturnes in the context of the composer's work and the evolution of the genre. Despite the fact that the name of A.G. Rubinstein is firmly entrenched in the history of Russian music, his work remains largely unknown to a wide audience. Meanwhile, in 2019, under the editorship of R. Glazunova, a collection was first published, including 11 nocturnes by A. G. Rubinstein, which opened the door to the artistic world of this great and talented pianist, teacher and composer. The main goal of this work is to review the compositional and performing features of A. G. Rubinstein's nocturnes. The main qualities of Rubinstein as a pianist are revealed, the evolution of his piano style is briefly presented. 11 nocturnes showcase the main features of his style. The works are analyzed from the point of view of performing and methodological features. Areas of influence of the work of romantic composers (J. Field, F. Chopin, F. Mendelssohn, P. I. Tchaikovsky) on A. G. Rubinstein's nocturnes are highlighted. It is concluded that the inclusion of the composer's piano nocturnes in the modern concert and pedagogical repertoire will be an important step towards a deeper understanding of his work.
ПРОИЗВЕДЕНИЯ ДЛЯ ВИОЛОНЧЕЛИ И ФОРТЕПИАНО Ф. МЕНДЕЛЬСОНА КАК ОТРАЖЕНИЕ СТИЛЯ ЭПОХИ
Authors: Чан Ш.
Published: December 2024

В данной статье рассмотрены основные произведения для виолончели и фортепиано выдающегося представителя немецкого романтизма Ф. Мендельсона — Две сонаты для виолончели и фортепиано (B-dur, op. 45, 1838; D-dur, op. 58, 1843); Концертные вариации для виолончели и фортепиано (D-dur, op. 17, 1829); Песня без слов для виолончели и фортепиано (D-dur, op. 109, 1845). Написанная в форме кратких аналитических очерков, данная работа призвана восполнить существенные пробелы в исследовании камерного творчества композитора. Отдельно рассматриваются вопросы создания, особенности формы, содержания сочинений для виолончели и фортепиано. Проводятся параллели (жанровые, стилевые и образные) с иными, более известными произведениями композитора. В процессе анализа сочинений для виолончели и фортепиано автор статьи приходит к выводу, что в них во всей полноте запечатлены лучшие черты стиля композитора — сочетание классических и романтических традиций. Кроме того, Ф. Мендельсон смог привнести в камерную музыку много нового: обогатил ее новым лирико-романтическим содержанием, углубил его, по-своему преобразил традиционные циклические формы, и ввел оригинальный авторский жанр песни без слов. Все это позволяет говорить о важности дальнейшего исследования камерной музыки Ф. Мендельсона.

This article examines the main works for cello and piano by the outstanding representative of German romanticism F. Mendelssohn — Two Sonatas for Cello and Piano (B major, op. 45, 1838; D major, op. 58, 1843); Concert Variations for cello and piano (D major, op. 17, 1829); Song without words for cello and piano (D major, op. 109, 1845). Written in the form of brief analytical essays, this work is intended to fill essential gaps in the study of the composer's chamber work. Issues of creation, peculiarities of form, content of works for cello and piano are considered separately. Parallels (genre, stylistic and figurative) are drawn with other, more famous works of the composer. In the process of analyzing the compositions for cello and piano, the author of the article comes to the conclusion that they fully capture the best features of the composer's style — a combination of classical and romantic traditions. In addition, F. Mendelssohn was able to bring a lot of new things into chamber music: he enriched it with new lyric-romantic content, deepened it, in his own way transformed traditional cyclical forms, and introduced the original author's genre «song without words». All this allows us to speak about the importance of further research into chamber music by F. Mendelssohn
ПАМЯТНИКИ КОМПОЗИТОРАМ В МОНУМЕНТАЛЬНОЙ СКУЛЬПТУРЕ КОНЦА XIX – НАЧАЛА XXI ВЕКА
Authors: Булычева Е.И.
Published: December 2024

В статье рассматриваются некоторые стилистические особенности памятников композиторам, характерные для скульптуры конца XIX – начала XXI веков. Автор останавливает свое внимание на данном периоде, так как вэто время памятники композиторам стали возводиться особенно активно как в Западной Европе, так и в России. При этом монументальная скульптура, связанная с воплощением образов выдающихся музыкантов, в указанный период переживала определенные трансформации. В статье, на примере памятников русских и западноевропейских мастеров, прослеживается ряд принципиально разных подходов к пластическим решениям, обусловленных разными стилистическими интенциями. В русской традиции доминирует парадная однофигурная композиция, призванная раскрыть, прежде всего, социальную и историческую значимость изображенного. В Западной Европе развитие монументальной скульптуры, связанной с образами музыкантов, происходит несколько по-иному. В западноевропейских памятниках гораздо чаще можно встретить композиционные варианты, отмеченные все возрастающими попытками мастеров запечатлевать не только внешний облик композиторов и их значимую роль в истории культуры, но и передавать характер создаваемых ими творений. В связи с чем, в статье затрагивается также тема соотнесенности скульптуры и музыки.

The article discusses some stylistic features of monuments to composers that are characteristic of sculpture in the late XIX – early XXI centuries. The author focuses on this period, since at this time monuments to composers began to be erected especially actively both in Western Europe and in Russia. At the same time, the monumental sculpture associated with the embodiment of images of outstanding musicians experienced certain transformations during this period. The article uses the example of monuments of Russian and Western European masters to trace a number of fundamentally different approaches to plastic solutions due to different stylistic intentions. The Russian tradition is dominated by a ceremonial single-fiure composition, designed to reveal, first of all, the social and historical signifiance of the image. In Western Europe, the development of monumental sculpture associated with the images of musicians is somewhat different. In Western European monuments, it is much more common to fid compositional variants marked by the increasing attempts of masters to capture not only the appearance of composers and their significant role in history, but also to convey the nature of their creations. In this connection, the article also touches on the topic of correlation between sculpture and music.
СИМФОНИЧЕСКАЯ ТЕТРАЛОГИЯ ИОГАННЕСА БРАМСА КАК УТОПИЯ
Authors: Храмова И.М.
Published: December 2024

Симфонии И. Брамса, долгое время считавшегося «верным хранителем традиций» [9, с. 135], рассматриваются как первый образец симфонической тетралогии, раскрывающей романтическую утопию об идеальном сообществе немецких композиторов и «Храме искусств» — месте дружеских бесед мастеров пяти веков. Автор статьи находит художественно-исторические предпосылки создания столь масштабного инструментального цикла в полемике с Вагнером и, глубже, в диалоге с И. С. Бахом, Г. Ф. Генделем, Л. ван Бетховеном, Р. Шуманом. Цитатами, тональными перекличками, интонационными аллюзиями, буквенными авторскими символами Брамс создает музыкальный шифр, собственную тайнопись, в которой скрывает подлинный замысел своих сочинений. Темы, основанные на сопоставлении небесных и земных образов, «чудеса», скрытые в музыкальном тексте (например, музыкальный отрывок из открытки к Кларе Шуман), метафоричность и символизация отдельных элементов позволяют говорить о чертах утопии, заложенных в произведениях композитора. Автор статьи обнаруживает идейное единство четырех симфоний Брамса: в художественном мире композитор созидает светлый «Храм искусств», который, однако, в мире бытийном остается для него несбыточной мечтой. Данная статья помогает по-новому взглянуть на ставшие хрестоматийными симфонии Брамса, приоткрывает новую страницу в исследовании «брамсианы» в России

Symphonies by J. Brahms, who have long been considered a «Faithful guardian of traditions» [9, с. 135], are considered the fist example of a symphonic tetralogy, revealing a romantic utopia about an ideal community of German composers and the «Temple of Arts» — a place of friendly conversations between masters of fie centuries. The author of the article fids the artistic and historical prerequisites for the creation of such a large-scale instrumental cycle in polemics with Wagner and, deeper, in a dialogue with J. S. Bach, G. F. Handel, L. van Beethoven, R. Schumann. Brahms creates a musical cipher, his own secret writing, in which he conceals the true intent of his works with quotations, tonal rolls, intonational allusions, and letter symbols. Themes based on the comparison of heavenly and earthly images, «miracles» hidden in the musical text (for example, a musical excerpt from a postcard to Clara Schumann), metaphoricity and symbolization of individual elements allow us to talk about the features of utopia inherent in the composer's works. The author of the article reveals the ideological unity of Brahms' four symphonies: in the artistic world, the composer creates a bright «Temple of the Arts», which, however, in the world of existence remains an unrealizable dream for him. This article helps to take a fresh look at Brahms' symphonies that have become chrestomathical, and opens a new page in the study of Brahmsiana in Russia.
Ж.-Н. ЛЕММЕНС — БЕЛЬГИЙСКИЙ ПОСЛЕДОВАТЕЛЬ Ф. МЕНДЕЛЬСОНА
Authors: Бочкова Т.Р.
Published: December 2024

«Героями» статьи являются два замечательных органиста и композитора XIX века — немец Ф. Мендельсон и его младший современник — бельгиец Ж.-Н. Лемменс, воспитанник Брюссельской консерватории, чье музыкантское будущее во многом определил ее директор — Ф.-Ж. Фетис. Объектом внимания становится общность эстетических интересов двух музыкантов, проявляющаяся, прежде всего, в бахианских установках и истоках музыкантского образования обоих мастеров. Оно восходит непосредственно к традициям великого И. С. Баха через его музыкальных «внуков» — легендарных органистов своего времени — Ф. В. Бернера и И. Х. Г. Ринка, а также последователя баховской традиции А. Хессе. Устанавливаются точки пересечения в сфере композиционной и стилевой трактовки жанра органной сонаты между Мендельсоном и Лемменсом, как его последователем. Анализируются методы использования протестантского и григорианского хоралов в сонатных циклах композиторов как основного приема, маркирующего барочно-романтический синтез, характерный для органных сонат Мендельсона и Лемменса. Акцентируется идея романтической трактовки цикла, благодаря усилению лирической образности, проявляющейся через своеобразную органную интерпретацию мендельсоновских «песен без слов» и лемменсовских салонных «шансон».

The «heroes» of the article are two remarkable organists and composers of the XIX century — the german F. Mendelssohn and his younger contemporary — the belgian J.-N. Lemmens, a pupil of the brussels conservatory, whose future as a musician was largely determined by its director — F.-J. Fetis. The object of attention is the commonality of the aesthetic interests of the two musicians, which is manifested, fist of all, in the Bahian attitudes and the origins of the musical education of both masters. It goes back directly to the traditions of the great J. S. Bach through his musical «grandchildren» — the legendary organists of his time — F. W. Berner and I. H. G. Rink, as well as a follower of the Bach tradition A. Hesse. The points of intersection in the sphere of compositional and stylistic interpretation of the organ sonata genre between Mendelssohn and Lemmens, as his follower, are established. The methods of using Protestant and Gregorian chorales in the composers' sonata cycles are analyzed as the main technique marking the baroque-romantic synthesis characteristic of the organ sonatas of Mendelssohn and Lemmens. The idea of a romantic interpretation of the cycle is emphasized, thanks to the strengthening of lyrical imagery, which is manifested through a kind of organ interpretation of Mendelssohn's «songs without words» and Lemmen's salon «chanson».