bluuebunny/crossref_metadata_2025 huggingface dataset:
ПРОИЗВОДСТВО СКРИПОК В КИТАЕ КАК ОТРАЖЕНИЕ ОСОБЕННОСТЕЙ НАЦИОНАЛЬНОЙ СКРИПИЧНОЙ КУЛЬТУРЫ
Authors: Му Ц.
Published: December 2024

Статья посвящена изучению формирования и развития производства скрипок в Китае, которое за последние десятилетия пережило стремительный рост, стало конкурентноспособным и позволило стране выйти в число мировых лидеров в данной сфере. Автор определяет основные периоды становления скрипичного производства, прослеживает путь от деятельности отдельных мастеров до создания первых предприятий и далее — учреждения ведущих компаний современного Китая. В статье дана характеристика первых китайских мастеров изготовления инструментов (Сыту Мэньян, Ван Мэй и других). Специальное внимание уделяется анализу деятельности сети компаний музыкальных инструментов в аспекте скрипичного производства («Тайсин Фэнлин», Хэбэйская, Шанхайская, Пекинская, Хэбэйская, Муданьцзянская компании), отражающих широкую географию изготовления скрипок в стране. Автор приводит таблицу, в которой зафиксирована история побед китайских скрипичных мастеров на международных конкурсах. Основным выводом исследования заявленной проблемы стало аргументированное обоснование активной включенности скрипичного производства в музыкальную культуру Китая и согласования его с педагогическими, исполнительскими задачами, а также с композиторским творчеством.

The article is devoted to the study of the formation and development of violin production in China, which has experienced rapid growth over the past decades, has become competitive and has allowed the country to become one of the world leaders in this field. The author defines the main periods of the formation of violin production, traces the path from the activities of individual craftsmen to the creation of the first enterprises and then to the establishment of leading companies in modern China. The article describes the characteristics of the first Chinese toolmakers (Situ Menyang, Wang Mei and others). Special attention is paid to the analysis of the activities of the network of musical instrument companies in the aspect of violin production (Taixin Fenglin, Hebei, Shanghai, Beijing, Hebei, Mudanjiang companies), which reflect the wide geography of violin production in the country. The author gives a table that records the history of the victories of Chinese violin makers in international competitions. The main conclusion of the study of the stated problem is a reasoned justification for the active involvement of violin production in the musical culture of China and its coordination with pedagogical, performing tasks as well as with composer's creativity.
ДИАЛЕКТИКА КЛАССИЧЕСКОГО И НЕКЛАССИЧЕСКОГО В КАМЕРНО-ИНСТРУМЕНТАЛЬНОЙ МУЗЫКЕ ВЭН ДЭЦИНА
Authors: Дун Ш.
Published: December 2024

Вэн Дэцин, известный швейцарско-китайский композитор, активно работает в самых разных жанрах. Его музыкальный стиль является своего рода микрокосмом современного китайского композиторского сообщества. В творчестве современных китайских композиторов заметно новое понимание программности, особенно ярко проступающее в произведениях камерно-инструментальных жанров. Характерной чертой новой программности становится символизация, которая является неотъемлемой частью китайского искусства, будь то живопись, поэзия или музыка. Она изначально заложена в китайской письменности, в языке. У Вэн Дэцина эта черта является источником индивидуальных неклассических композиционных решений и тембровых находок композитора. На примере его пьес из циклов «Следы» и «Брызги чернил» выявляются характерные особенности композиторского замысла, связи с китайским искусством каллиграфии. Отталкиваясь от своеобразия традиций каллиграфии, Вэн Дэцин строит собственную неклассическую музыкальную форму, избегая трафаретности и примитивного ориентализма. Классическое название жанра (например, квартета) выступает как определяющая характеристика темброво-фактурной логики всей композиции. Применяя сонорные эффекты, контролируемую алеаторику, микрохроматику, он исходит из особенностей китайской традиционной музыки, в которой широко представлена линеарность, смысловая интонационность и ритмическая свобода, приверженность определенным тембровым и динамическим эффектам.

Wan Deqing, a well-Known Swiss-Chinese composer, is active in a variety of genres. His musical style is a kind of microcosm of the modern Chinese composer community. In the works of modern Chinese composers, a new understanding of programming is noticeable, especially clearly appearing in the works of chamber and instrumental genres. A characteristic feature of the new programming is symbolization, which is an integral part of Chinese art, whether it is painting, poetry or music. It was originally laid down in the Chinese script, in the language. In Wan Deqing, this Trait is the source of the composer's individual non-classical compositional solutions and timbre finds. Using the example of his pieces from the cycles «Traces» and «ink splashes», the author reveals the characteristic features of the composer's idea and connections with the Chinese art of calligraphy. Based on the unique traditions of calligraphy, Wan Deqing builds his own non-classical musical form, avoiding stencilism and primitive Orientalism. The classical name of a genre (for example, a Quartet) acts as a defining characteristic of the timbre-texture logic of the entire composition. Using Sonor effects, controlled aleatorics, and microchromatics, he proceeds from the features of Chinese traditional music, which is widely represented by linearity, semantic intonation, and rhythmic freedom, and adherence to certain timbre and dynamic effects.
ЖАНР СИМФОНИИ В ТВОРЧЕСТВЕ ВАН СИЛИНЯ
Authors: Ли И.
Published: December 2024

В статье рассматривается симфоническое творчество одного из крупнейших китайских композиторов-симфонистов ХХ–XXI веков Ван Силиня. Автор девяти симфоний, Ван Силинь проложил путь к серьезной концептуальной трактовке этого жанра. Художественный стиль, технология музыкального языка Ван Силиня далеки от так называемой «модной» школы в лице композиторов Тан Дуна, Лэй Гуаньера, Чэнь Цигана и др. Обобщив опыт крупнейших симфонистов ХХ века, Ван Силинь создал новый для китайской музыки образец жанра симфонии-трагедии, что отражает масштабы развития творческих и эстетических устремлений композитора. При этом Ван Силинь сохранил целый ряд выразительных черт китайского искусства. Так, в музыке Четвертой симфонии композитор опосредованно использовал стилистику китайской оперы, а также характерные приемы интонирования народных песен. Эти элементы он воплощает с помощью универсального музыкального языка. Девять симфоний композитора лучше всего представляют его художественные достижения, воплощают его трагические переживания и инновационное использование элементов народной культуры. В статье анализируются нестандартные решения симфонического цикла в Четвертой симфонии композитора, драматургия и тематизм симфоний с позиций достижений мирового симфонизма.

The article examines the symphonic work of one of the largest Chinese composers-symphonists of the XX–XXI centuries. Wang Xilin. The author of nine symphonies, Wang Xilin paved the way for a serious conceptual interpretation of this genre. The artistic style and technology of Wang Xilin's musical language are far from the so-called «fashionable» school represented by the composers Tang Dong, lei Guan'er, Chen Qigang, and others. Summing up the experience of the greatest symphonists of the twentieth century, Wang Xilin created a new example for Chinese music of the Symphony-tragedy genre, which reflcts the scale of development of the composer's creative and aesthetic aspirations. At the same time, Wang Xilin preserved a number of expressive features of Chinese art. Thus, in the music of the Fourth Symphony, the composer indirectly used the style of Chinese Opera, as well as the characteristic intonation techniques of folk songs. He embodies these elements with the help of a universal musical language. The composer's nine symphonies best represent his artistic achievements, embody his tragic experiences and innovative use of elements of folk culture. The article analyzes non-standard solutions of the Symphony cycle in the composer's Fourth Symphony, as well as the dramaturgy and thematicism of symphonies from the perspective of world Symphony achievements.
МУЗЫКА И ЕЕ КОММУНИКАТИВНЫЙ КОД В КУЛЬТУРЕ
Authors: Никитенко О.Б.
Published: December 2024

Статья посвящена интерпретации музыки как автокоммуникативной системы. Рассматривая музыку и язык как части антропологического единства, две картины мира, дополнительные по отношению друг к другу, автор предлагает возвратиться к позициям формального описания музыки. В центр описания помещается аксиома автокоммуникативности музыки и ее носитель — Человек в его ипостаси Homo musicus. Персонаж и источник зазвучавшей музыки находится вне жестких границ языковой персонификации; поскольку нет оппозиции «Я — Другой» (Адресат — Адресант), нет и соответствующего самоопределения. Homo musicus уготован иной, чем в языке, способ самоосуществления: его речевая ипостась — ego— при переключении в музыку превращается в solo, покоящееся как вариант в недрах tutti, и коллективная координата музыки предоставляет soloколоссальные возможности самовыражения. Построение модели музыки как автокоммуникативной системы требует уточнения и определения компонентов, «необходимых и достаточных» для осуществления ее звучания, а также функций, возникающих в результате выделения определенного компонента. Компоненты акта музицирования позволят иначе взглянуть на привычные явления музыки: в статье представлен эскиз пяти производных функций музыки, в которых автор усматривает истоки ее жанрового оформления.

The article is devoted to the interpretation of music as autocommunication system. Considering music and language as parts of an anthropological unity, two pictures of the world that are complementary to each other, the author suggests returning to the positions of the formal description of music. In the center of the description is placed the axiom of au tocommunicativeness of music and its bearer — Man in his hypostasis Homo musicus. The character and source of the music being played is outside the rigid boundaries of linguistic personifiation; since there is no «I — Other» opposition (Addressee — Addressee), there is no corresponding self-determination. Homo musicus is prepared for a different way of self — realization than in language: its speech hypostasis — ego — when switched to music turns into solo, resting as a variant in the bowels of tutti, and the collective coordinate of music provides solo with enormous opportunities for self-expression. Building a model of music as an autocommunicative system requires clarifying and defiing the components that are «necessary and suffiient» for its sound, as well as the functions that arise as a result of selecting a certain component. The components of the act of making music will allow us to take a different look at the usual phenomena of music: the article presents a sketch of fie derivative functions of music, in which the author sees the origins of its genre design.
АЛЕАТОРИКА В ФОРТЕПИАННОЙ МУЗЫКЕ КИТАЙСКИХ КОМПОЗИТОРОВ РУБЕЖА XX–XXI ВЕКОВ
Authors: Чэнь Ш.
Published: December 2024

С 1980-х годов многие китайские композиторы обращаются к авангардным техникам для воплощения актуальных идей своего времени. В фортепианном творчестве Ло Чжунжуна, Чэнь Минчжи, Яо Хэнлу, Чжао Сяошэна широко представлены композиции в серийной и сериальной техниках; неофольклорные тенденции наблюдаются в ранних произведениях для фортепиано Чэнь И, Чжоу Луна; ярко заявила о себе сонористика в творчестве Тан Дуна, Лян Лэя, Чэнь Сяоюна. В этом разнообразии направлений алеаторика нашла довольно скромное применение — в ряде фортепианных опусов Тан Дуна, Цао Гуанпина, Гао Пина, которые стали объектом рассмотрения в статье. Основной целью работы становится изучение особенностей использования алеаторных приемов в фортепианном творчестве китайских авторов. Одна из задач работы — выявить различные виды алеаторики и проанализировать часто используемые. Наибольшее распространение получила ограниченная алеаторика, которая рассматривается в статье на примере произведений Гао Пина, Тан Дуна. Детально изучается значение символов в графической партитуре произведения «Нюйва» Цао Гуанпина. На примере сравнения исполнений Р. ван Раата и А. Тониутти выявляется национальная специфика в интерпретации алеаторных произведений китайских композиторов.

Since the 1980s, many Chinese composers have turned to avant-garde techniques to bring contemporary ideas to life. In the piano works of Luo Zhongrong, Chen Mingzhi, Yao Henglu, Zhao Xiaosheng, compositions in series and serial techniques are widely represented; neo-folklore tendencies are observed in the early works for piano by Chen Yi, Zhou Long; sonoristics clearly manifested itself in the works of Tan Dun, Liang Lei, Chen Xiaoyong. In this variety of trends, aleatorics has found a rather modest application — in a number of piano opuses by Tan Dun, Cao Guangping, Gao Ping, which became the subject of this article. The main goal of а article is to study the peculiarities of using aleatory techniques in the piano creativity of Chinese authors. One of the tasks of the work is to identify various types of aleatorics and to analyze the frequently used ones. The most widespread is the limited aleatorics, which is considered in the article on the example of the works of Gao Ping, Tan Dun. The meaning of symbols in the graphic score of «Nvwa» by Cao Guangping is studied in detail. On the example of comparing the performances of R. van Raat and A. Toniutti, the national specificity in the interpretation of the aleatory works of Chinese composers is revealed.
ТЕМБРОВЫЕ ТРАДИЦИИ КИТАЙСКОГО АНСАМБЛЯ ГОНГОВ И БАРАБАНОВ В КОНЦЕРТЕ ДЛЯ УДАРНЫХ ИНСТРУМЕНТОВ ЧЭНЬ И
Authors: Лю С.
Published: December 2024

Статья посвящена особенностям претворения национальных тембровых традиций китайского ансамбля гонгов и барабанов ши фань ло гу в Концерте для ударных инструментов современного китайско-американского композитора Чэнь И (1953). Авторский выбор инструментария, его тембровая интерпретация и манера звукоизвлечения позволяют провести параллели с древней ритуальной практикой буддийских церемоний и фольклорных обрядов. Китайский колорит древнего ансамбля ши фань ло гу наиболее ярко проявил себя в звучании национальных инструментов — гонгов, барабанов и тарелок. Кроме них, композитор опирается на группу деревянных ударных инструментов, которая изначально была неотъемлемой частью буддийских церемоний в Китае, сопровождала пение гимнов, мантр и чтение молитв в храме. Необычной чертой Концерта является использование человеческого голоса в качестве особой тембровой краски: исполнитель на ударных инструментах озвучивает текст стихотворения поэта династии Сун Су Ши «Мелодия для журчащей реки». Вокальная партия построена Чэнь И в соответствии с тоновой природой китайского языка, предполагающего мелодическое варьирование тонов при произнесении звуков. Таким образом, музыкант выполняет функцию актера, декламирующего стихотворные строки, что обогащает сочинение чертами инструментального театра. Таким образом, в Концерте для ударных инструментов Чэнь И многообразно и убедительно претворяет национальные традиции, опираясь на тембровые, поэтические и ритуальные пласты китайской культуры.

The article is devoted to the peculiarities of the implementation of national timbre traditions of the Chinese gongs and drums ensemble shi fan lo gu in the Percussion Concert of the modern Chinese-American composer Chen Yi (1953). The author’s choice of instrumentation, its timbre interpretation and manner of sound production make it possible to draw parallels with the ancient ritual practice of Buddhist ceremonies and folk rites. The Chinese flvor of the ancient ensemble shi fan lo gu most clearly manifested itself in the sound of national instruments — gongs, drums and cymbals. In addition to them, the composer relies on a group of wooden percussion instruments, which was originally an integral part of Buddhist ceremonies in China, accompanied by the singing of hymns, mantras and the recitation of prayers in the temple. An unusual feature of the Concert is the use of a human voice as a special color timbre: a percussion performer voices the text of the poem of the Song Dynasty poet Su Shi «Prelude to the Water Tune». The vocal part was constructed by Chen Yi in accordance with the tonal nature of the Chinese language, which implies a melodic variation in tones when pronouncing sounds. Thus, the musician performs the function of an actor reciting poetic lines, which enriches the composition with features of instrumental theater. Thus, in the Percussion Concert, Chen Yi variously and convincingly implements national traditions, relying on the timbre, poetic and ritual layers of Chinese culture.
МУЗЫКАЛЬНАЯ КУЛЬТУРА ГУАНЧЖОУ В ТРИО ЧЭНЬ И «МЕЛОДИИ МОЕГО ДОМА»
Authors: Лю С.
Published: December 2024

Статья посвящена особенностям претворения национальных традиций Гуандуна (Кантона) в фортепианном трио «Мелодии моего дома» современного китайского композитора Чэнь И. Национальное начало воплощено в сочинении на разных уровнях: на уровне музыкального материала, заимствованного из сочинений композиторов Кантона и кантонской оперы юэцзюй, на уровне лада и на уровне тембра. В основу сочинения легли три произведения в жанре сяоцюй (маленькие пьесы), созданные выдающимися кантонскими композиторами в 1920-е годы: «Летний гром» Янь Лаоле, «Скачущие лошади» и «Гонки на лодке-драконе» Хэ Лутина. Все заимствованные Чэнь И мелодии связаны с традициями национальной ладовой организации. «Летний гром» опирается на звукоряд чжэнсянь, «Гонки на лодке-драконе» — на звукоряды чжэнсянь и ифань, в то время как тема «Скачущие лошади» строится в соответствии со звукорядом ифань. Важнейшим средством воплощения национального начала в музыке выступает работа с тембрами: европейские инструменты воспроизводят колорит кантонского ансамбля у цзяньтоу. Таким образом, композитор предлагает свое прочтение известных в Кантоне национальных мелодий, тонко стилизует их ладовые особенности, а также воссоздает неповторимый колорит гуандунского инструментария.

The article is devoted to the peculiarities of the implementation of national traditions of Guangdong (Canton) into the Piano Trio «Tunes from My Home» by the modern Chinese composer Chen Yi. The national principle is embodied in the composition at different levels: at the level of musical material borrowed from the compositions of the composers of Canton and the Cantonese opera yueju, mood level and timbre level. The composition is based on three xiaoqu (small pieces) works by prominent Cantonese composers in the 1920s: «Summer Thunder» by Yan Laolie, «Prancing Horses», «Racing the Dragon Boat» by He Liutang. All the melodies borrowed by Chen Yi are associated with the traditions of the national mood organization. «Summer Thunder» is based on the zhengxian scale, «Racing the Dragon Boat» on the zhengxian and yifan scales, while the «Prancing Horses» theme is based on the yifan scale. The most important means of embodying the national principle in music is working with timbres: European instruments reproduce the color of the Cantonese ensemble in wu jiantou. Thus, the composer offers his own reading of the national melodies known in Canton, subtly stylizes their mood features, and also recreates the unique flavor of the Guangdong instrumentation.
РУССКИЕ МУЗЫКАНТЫ В ШАНХАЙСКОМ ЦЕНТРЕ ВОСТОЧНОГО ИСКУССТВА
Authors: Сюй К.
Published: December 2024

В статье исследуется роль русских музыкантов в «Концертах для жителей Шанхая», осуществляемых на базе Шанхайского центра восточного искусства. Цель работы — расширение представлений о роли российских музыкантов в культурной жизни современного Шанхая. В статье затрагивается история создания Шанхайского центра восточного искусства, приводятся факты, касающиеся организации «Концертов для жителей Шанхая». Главной миссией учредителей Центра было привлечение массового слушателя к посещению культурных мероприятий. Основное внимание в работе уделено опыту международного сотрудничества Шанхайского центра в концертном сезоне 2017–2019 годов с музыкантами-выпускниками Московской государственной консерватории им. П. И. Чайковского — Г. Чаидзе, Н. Писаревой, В. Грязновым, а также известным Квартетом им. А. П. Бородина. В статье анализируются программы выступлений русских артистов в Шанхае, отмечается их роль в культурно-просветительской деятельности Шанхайского центра восточного искусства, способствующая укреплению международного сотрудничества России и КНР.

The article traces the participation of Russian musicians in the programs « SHOAC citizens’concert», carried out on the basis of the Shanghai Oriental Art Center. The aim of the work is to expand the understanding of the role of Russian musicians in the cultural life of modern Chinese cities. The article touches upon the history of the creation of the Shanghai Oriental Art Center, provides interesting facts about the organization of the «SHOAC citizens’concert». The main mission of the founders of the Center was to attract a mass audience to attend cultural events. The main attention in the work is paid to the experience of international cooperation of the Shanghai Center in the 2017–2019 concert season with musicians graduated from the Moscow State Conservatory — G. Chaidze, N. Pisareva, V. Gryaznov, as well as the famous Quartet A. P. Borodin. The article analyzes the programs of performances of Russian artists in Shanghai, notes their role in the cultural and educational activities of the Shanghai Oriental Art Center, contributing to the strengthening of international cooperation between Russia and the PRC.
СЛУХ ПРОКОФЬЕВА КАК ФЕНОМЕН ЕГО БИОГРАФИИ
Authors: Сиднева Т.Б.
Published: December 2024

Статья посвящена описанию одной из характерных особенностей мышления Сергея Прокофьева — специфике его композиторского слуха. Слух понимается в асафьевском смысле, как «опытная лаборатория» по выработке активного «вслушивающегося» и обобщающего сознания и «перевода» всего многообразия восприятияжизни «на язык интонаций» [2]. Целью статьи стало обсуждение скрытых связей жизненных и художественных впечатлений, которые зафиксированы в «Дневнике» композитора (1907–1933) и в дальнейшем нашли воплощение в сочинениях разных лет. На примере ряда дневниковых записей Прокофьева выявлен процесс прорастания интереса композитора к инфернальным образам и появления характерных эпизодов в опере «Огненный Ангел», «Любовь к трем апельсинам» и других сочинениях. Анализ «биографического» происхождения слуховых предпочтений композитора погружен в контекст размышлений о роли биографического метода (в современной его трактовке) в понимании творчества Сергея Прокофьева. Изучение биографического метода исследования дало автору статьи дополнительную аргументацию к возможности понимания слуха композитора как феномена его биографии.

The aim of the article is to describe one of the characteristic features of Sergei Prokofiv's thinking — the specifis of his composer's ear. Hearing is understood in the Asafiv sense as an «experimental laboratory» for the development of an active «listening» and generalizing consciousness and «translation» of the entire diversity of perception of life «to the language of intonation» [4]. The aim of the article was to discuss the hidden connections of life and artistic impressions, which are recorded in the composer's diary (1907–1933) and later were embodied in the works of diffrent years. On the example of a number of Prokofiv's diary entries, the process of the composer's growing interest in infernal images and the inclusion of characteristic episodes in the оpera «The Fiery angel», «Love for three oranges» and other works is revealed. The analysis of the composer's «biographical» origin of the auditory preferences is immersed in the context of reflctions on the role of the biographical method (in its modern interpretation) in understanding the work of Sergei Prokofiv. The study of the biographical method of research gave the author of the article an additional reasoning about the possibility of understanding the composer's hearing as a phenomenon of his biography.
О ТРЕХ ВЕНСКИХ ШКОЛАХ В ИСТОРИИ МУЗЫКИ
Authors: Векслер Ю.С.
Published: December 2024

В статье рассматривается феномен венской школы в истории музыки начиная с XVIII и до конца XX века. Созданная в музыкальной историографии идеальная картина трех композиторских школ в Вене, включающая венскую классическую школу (Гайдн, Моцарт, Бетховен), новую венскою школу (Шёнберг, Берг, Веберн) и третью венскую школу (Лигети, Церха, Хаубеншток-Рамати), довольно противоречива, о чем свидетельствуют споры по поводу первой (классическая или доклассическая) и третьей школ (Хауэр или Церха). Вместе с тем такая концепция не лишена убедительности, что подтверждается также фактом преемственности и наследования традиции: три венские школы включают соответственно, трех классиков, трех модернистов и трех поставангардистов. Три названные школы решали разные задачи. У венских классиков это поиски в области формы, у нововенцев — структуры, у третьей венской школы — звучания и тембра. Шёнберг и его школа унаследовали традицию венских классиков: c созданием додекафонии Шёнберг вернулся к классическим формам и жанрам. Одно из его открытий, Klangfarbenmelodie, непосредственно предвосхищает поиски в сфере звучания третьей венской школы. В ее рамках со школой Шёнберга более всего связан Церха, который взял на себя задачу завершения оперы Берга «Лулу».

The article examines the phenomenon of the Viennese school in the history of music from the 18th to the end of the 20th century. Created in musical historiography, the ideal picture of the three schools of composition in Vienna, including the Viennese classical school (Haydn, Mozart, Beethoven), the new Viennese school (Schönberg, Berg, Webern) and the third Viennese school (Ligeti, Cercha, Haubenstock-Ramati), is rather controversial, as evidenced by the controversy over the first (classical or pre-classical) and third schools (Hauer, or Cerha). At the same time, this concept is not devoid of persuasiveness, which is also confirmed by the fact of continuity and inheritance of tradition: three Viennese schools include, respectively, three classics, three modernists and three post-avant-garde artists. The three named schools solved different problems. For the Viennese classics, this is a quest in the field of form, for the New Viennese — of structure, for the third Viennese school — of sound and timbre. Schönberg and his school inherited the tradition of the Viennese classics: with the creation of the dodecaphony, Schoenberg returned to classical forms and genres. One of his discoveries, Klangfarbenmelodie, directly anticipates the search for sound in the third Viennese school. Within its framework, Cerch is most closely associated with the Schönberg school, who undertook the task of completing Berg's opera «Lulu».
ТВОРЧЕСТВО БЕТХОВЕНА В РЕЦЕПЦИИ ГУСТАВА МАЛЕРА
Authors: Галкин А.А.
Published: December 2024

Статья посвящена проблеме рецепции творчества Бетховена австрийским композитором и дирижером Густавом Малером. В ней освещаются различные аспекты данной проблемы: историческое значение Бетховена в представлении Густава Малера, оценка наследия композитора. Также рассматриваются роль и место различных сочинений Бетховена в биографии Малера-дирижера, очерчивается сфера его влияния на формирование творческих установок Малера-композитора. В статье приводится перечень сочинений Бетховена, составивших репертуар Малера-исполнителя, выступавшего не только в качестве дирижера, но и пианиста. Более пристальное внимание уделяется сценической судьбе оперы «Фиделио», в постановке которой Малер проявил себя как подлинный новатор. На материале воспоминаний современников в лице близких друзей, профессиональных критиков и соратников по цеху, в статье затрагивается проблема рецепции Малера-интерпретатора творчества Бетховена.

The article is devoted to the problem of reception of Beethoven's work by the Austrian composer and conductor Gustav Mahler. It highlights various aspects of this problem: the historical significance of Beethoven as imagined by Gustav Mahler, an assessment of the composer's heritage. The role and place of various works of Beethoven in the biography of Mahler-conductor are also considered, the sphere of his influence on the formation of the creative attitudes of Mahler-composer is outlined. The article contains a list of Beethoven's works that made up the repertoire of Mahler as a performer who acted not only as a conductor, but also as a pianist. More attention is paid to the stage fate of the opera Fidelio, in the production of which Mahler proved himself to be a true innovator. Based on the material of the memoirs of contemporaries represented by close friends, professional critics and colleagues in the workshop, the article touches on the problem of Mahler's reception as an interpreter of Beethoven's work.
ПРЕДПОСЫЛКИ ЗРЕЛОГО КОМПОЗИТОРСКОГО СТИЛЯ В «СЕМИ РАННИХ ПЕСНЯХ» БЕРГА
Authors: Скосырева А.В.
Published: December 2024

Статья посвящена особенностям музыкального языка «Семи ранних песен» Берга, что является актуальным в условиях растущего интереса к произведениям композитора. Цель статьи — выявление процесса становления авторского стиля Берга, который позже проявится в его зрелых произведениях. Материалом исследования стали песни № 4 «Увенчанный снами» и № 7 «Летние дни». В статье рассматриваются причины обращения Берга к камерно-вокальному жанру, история создания цикла «Семь ранних песен», проведен анализ мотивной работы в песнях № 4 и № 7. Особенности музыкальной организации и образный мир «Песен» показывают разнонаправленные тенденции в творчестве композитора — отказ от «случайности» в выборе музыкального материала, экономию средств и рациональность с одной стороны, а с другой — романтическую эмоциональность и пластичность. В последующих своих работах Берг развил тенденции, которые проявились в цикле «Семь ранних песен». С одной стороны, в его произведениях отражены идеи нововенской школы. С другой стороны, сочинения Берга связаны с наследием европейской музыки. Синтез «традиционного» и «новаторского» в творчестве композитора послужил основой для развития некоторых музыкальных направлений в искусстве ХХ века.

This article is devoted to the peculiarities of the musical language of Berg's «Seven Early Songs», which is relevant in the context of the growing interest in the works of the composer. The purpose of the article is to identify the prerequisites of Berg's author's style, which would manifest itself in his mature works. As the material of the study, songs No. 4 «Crowned with Dreams» and No. 7 «Summer Days» are taken. The article discusses the reasons for Berg's appeal to the chamber vocal genre, the history of the creation of the cycle «Seven Early Songs», the analysis of the motive work in songs No. 4 and No. 7. The distinctive features of the musical organization and the imaginative world of «Songs» show multidirectional tendencies in the composer's work. On the one hand, it is a rejection of the «randomness» of the musical material, the parsimony and rationality, and on the other hand, it is a romantic emotionality and plasticity. In his subsequent works, Berg developed the tendencies manifested in the «Seven Early Songs» cycle. On the one hand, the music of his works reflects ideas that correspond to the «new music» of the Second Viennese school. On the other hand, Berg's works are associated with the heritage of European music. The synthesis of the «traditional» and «innovative» in the composer's work served as the basis for the development of some musical trends in the art of the 20th century.
Г. КЛЯЙН И П. ХААС: ЖИЗНЬ И ТВОРЧЕСТВО ДО ТЕРЕЗИЕНШТАДТА И В ЕГО СТЕНАХ
Authors: Федусова А.А.
Published: December 2024

Статья посвящена изучению воздействия резко меняющихся обстоятельств жизни на композиторское творчество. Используя биографический метод вкупе со сравнительным анализом, автор прослеживает влияние враждебной среды на интенсивность работы, идеи и образные сферы произведений. Предпринята попытка сравнить образ жизни двух чешских композиторов еврейского происхождения П. Хааса и Г. Кляйна незадолго до и во время их пребывания в концентрационном лагере Терезиенштадт в 1941–1944 гг. Два указанных случая демонстрируют совершенно разные реакции личности художника, которая может погрузиться в глубокий творческий кризис (П. Хаас), или, напротив, найти в себе внутренние силы для выживания в профессии, борьбы, и, наконец, изменения самой враждебной среды (Г. Кляйн). Между тем содержание произведений композиторов лишь частично соотносится с реальной жизнью. Так в работе было обнаружено, что, несмотря на пессимизм П. Хааса, в его музыке порой возникали жизнеутверждающие темы, а активная позиция Г. Кляйна не препятствовала появлению трагических мотивов в его творчестве. Внешняя жизнь — это лишь вершина айсберга, а там — необъятная глубина внутренней жизни художника

The article is devoted to the study of the impact of dramatically changing life circumstances on composing. Using the biographical method, coupled with comparative analysis, the author traces the influence of a hostile environment on the intensity of work, ideas and figurative spheres of works. An attempt has been made to compare the lifestyle of two Czech composers of Jewish origin P. Haas and G. Klein shortly before and during their stay in the Theresienstadt concentration camp in 1941–1944. These two cases demonstrate completely different reactions of the artist's personality, which can plunge into a deep creative crisis (P. Haas), or, on the contrary, find the inner strength for survival in the profession, struggle, and, finally, changing the hostile environment itself (G. Klein). Meanwhile, the content of the works of composers is only partially correlated with real life. Thus, it is discovered in the work that, despite the pessimism of P. Haas, life-affirming themes sometimes arose in his music, and the active position of G. Klein did not prevent the emergence of tragic motives in his work. The outer life is only the tip of the iceberg, and there is the immense depth of the artist's inner life.
«СКВОЗНЯК ИСТОРИИ»: МОЦАРТОВСКОЕ И УКРАИНСКОЕ В «РЕКВИЕМЕ ДЛЯ ЛАРИСЫ» СИЛЬВЕСТРОВА
Authors: Булошников М.Л.
Published: December 2024

Статья посвящена стилевым проблемам двух центральных частей «Реквиема для Ларисы» (1997–1999) В. Сильвестрова. Моделирование композитором жанра реквиема обнаруживает как черты, находящиеся в русле оригинального обновления жанрового архетипа, так и свойства, свидетельствующие об альтернативности канону. Наиболее показательна в этом свете IV часть Реквиема, где композитор обращается к поэзии Т. Шевченко (Украинская песня). С «возвращением» латыни возникает своеобразный диалог с моцартовской традицией (V часть, Agnus Dei). Немаловажно отметить при этом, что обе части являются автоцитатами. Так Украинская песня представляет собой ранее написанную Сильвестровым песню «Прощай, світе, прощай, земле» из вокального цикла «Тихие песни». Следующая часть — Agnus Dei — восходит к фортепианной пьесе «Вестник», в нынешнем варианте получившей классическую «подтекстовку», и, таким образом, погружающей слушателя в традиционное русло заупокойной мессы. Вместе с тем подобный принцип возвращения к уже написанным в прошлом произведениям тесно связан с оригинальным сильвестровским композиционным феноменом «метамузыки». Эта идея, смыкающаяся также с «метафорическим» стилем Сильвестрова, по-своему отражает концепцию пересмотра, обновления и новой актуальности созданных ранее сочинений.

The article is devoted to the stylistic problems of the two central parts of «Requiem for Larisa» (1997–1999) by V. Silvestrov. The composer's modeling of the requiem genre reveals both features that are in line with the original renewal of the genre archetype, and properties that indicate an alternative to the canon. The most significant in this respect is the IV part of the Requiem, where the composer refers to the poetry of Taras Shevchenko (Ukrainian Song). With the «return» of Latin, there is a kind of dialogue with the Mozart tradition (Part V, Agnus Dei). It is important to note that both parts are autocitates. So the Ukrainian song is a song previously written by Silvestrov « Goodbye, world, goodbye, earth» from the vocal cycle «Quiet Songs». The next movement — Agnus Dei — goes back to the piano piece «The Messenger», which in its current version has received a classical «subtext», and thus immerses the listener in the traditional channel of the funeral mass. At the same time, this principle of returning to works already written in the past is closely related to the original Sylvester compositional phenomenon of «metamusic». This idea, which is also connected with the «metaphorical» style of Silvestrov, in its own way reflects the concept of revision, renewal and new relevance of previously created works.
РОЛЬ АВТОРСКОЙ РЕМАРКИ В ИНТЕРПРЕТАЦИИ ФОРТЕПИАННЫХ ПРОИЗВЕДЕНИЙ Н. К. МЕТНЕРА
Authors: Герасимова С.Н.
Published: December 2024

В статье рассматривается роль авторской ремарки в исполнительской интерпретации на примере сказки для фортепиано c-moll op. 8 № 1 Н. К. Метнера. В качестве материала для анализа выбрано исполнение самого композитора и пианистов следующего поколения. Являясь современниками, Хэмиш Милн и Джеффри Тозер осуществили запись данной пьесы в разные периоды творчества, что нашло свое отражение в индивидуальных особенностях их трактовок. Помимо анализа выбранных интерпретаций в статье приводится краткая история создания сказки и возникновение этого жанра в творчестве композитора. Прослеживаются нюансы исполнения, влияющие на формирование художественного образа. Опираясь на важнейшие особенности обозначенных интерпретаций, такие как темпоритм, фразировка, артикуляция и агогика, автор выявляет черты, присущие исполнительскому облику каждого пианиста. В статье показано соответствие интерпретаций замыслу композитора, выраженному, в том числе, в авторских ремарках, вопреки явным различиям исполнительских стилей. Автор приходит к выводу, что, несмотря на обилие авторских ремарок, оставленных композитором, «коридор», существующий для трактовки сочинения, достаточно широк для выражения индивидуального исполнительского стиля любого пианиста.

The article considers the role of the author's remark in the performing interpretation on the example of a fairy tale for piano c-moll op. 8 No. 1 by N. K. Metner. Performances of pianists belonging to different generations are selected as the material for analysis. Being contemporaries, Hamish Milne and Jeffrey Tozer recorded the selected fairy tale in different periods of creativity, which was reflected in the individual characteristics of their interpretations. In addition to analyzing the interpretations, the article provides a brief history of the creation of a fairy tale and the emergence of this genre in the creativity of the composer. Based on the most important features of the chosen interpretations, such as temporhythm, phrasing, articulation and agogy, the author identifies the traits inherent in the performing image of each pianist. The nuances of the versions that affect the formation of the characters of the images are traced. The article shows the correspondence of interpretations to the composer's intention, expressed, in particular, in the author’s remarks, in spite of the obvious differences in performing styles. The author concludes that, despite the abundance of the author’s remakes left by the composer, the «corridor» that exists to interpret the composition is wide enough to express the individual performing style of any pianist.
СОВРЕМЕННЫЙ ПОДХОД К АНАЛИЗУ ТЕМПОВОЙ ДИНАМИКИ ПЕСЕННЫХ ОБРАЗЦОВ (НА ПРИМЕРЕ НИЖЕГОРОДСКОГО ФОЛЬКЛОРА)
Authors: Харлов А.В.
Published: December 2024

В статье рассматривается современный подход к изучению темповой динамики фольклорных образцов, затронуты технические аспекты создания темповой карты как объекта графической визуализации ритмической системы песенных традиционных жанров. Затронуты причины востребованности подобного современного технического решения в процессе аутентичной репрезентации песенных вариантов, приведены конкретные примеры повествовательного и лирического жанров, зафиксированных автором статьи на рубеже XX–XXI веков на территории Нижегородской области. Проанализирована зависимость темповых корреляций внутри строф и степени сохранности традиционной певческой стилистики. Предложен вариант создания графика темповой карты в современном звуковом редакторе Cubase 10 Pro, как наиболее понятный для музыкантов, занимающихся аутентичной репрезентацией песенных фольклорных образцов. Выявлены алгоритмы воздействия темповых колебаний на организм человека на примере колыбельной песни. Рассмотрена возможность переноса оригинальной темповой карты фольклорного образца в проект с электронными музыкальными инструментами, что позволяет предположить одинаковую степень воздействия темповых колебаний на психику человека как голоса респондента, так и отдельных инструментов в сессии Cubase 10 Pro.

The article deals with the modern approach to the study of the tempo dynamics of folklore samples, touches on the technical aspects of creating a tempo map as an object of graphic visualization of the rhythmic system of traditional song genres. It tackles the reasons for the demand of such a modern technical solution in the process of authentic representation of the song choices, gives specific examples of narrative and lyric genres, recorded by the author at the turn of 20–21 centuries in the territory of the Nizhny Novgorod region. It analyzes the dependence of the tempo correlations within the stanzas and the degree of preservation of the traditional singing style. A variant of creating a tempo map graph in the modern sound editor Cubase 10 Pro is proposed, as the most understandable for musicians engaged in the authentic representation of folk song samples. The author reveals the algorithms of the impact of tempo fluctuations on the human body on the example of a lullaby. The article also considers the possibility of transferring the original tempo map of the folklore sample to a project with electronic musical instruments, which suggests the same degree of influence of tempo fluctuations on the human psyche as the respondent's voice and individual instruments in the Cubase 10 Pro session.
ЛЕЙТМОТИВНАЯ СИСТЕМА В БАЛЕТЕ «КРАСНЫЙ ЖЕНСКИЙ ОТРЯД»
Authors: Чень С.
Published: December 2024

В статье рассматриваются функции и выразительные возможности лейтмотивов историко-революционного балета «Красный женский отряд», основанного на реальных событиях. В балет включена песня, звучавшая ранее в одноименном художественном фильме. Поскольку песня проводится в балете неоднократно, чередуясь с другими темами, она становится рефреном, внося в структуру балета черты рондальности. Лейттемой женского Отряда является первая часть данной песни. Она выполняет функцию интонационного источника, порождая тематизм причастных к Отряду людей и событий: их внутреннее духовное единство отражается в интонационном родстве их лейтмотивов. Принципиально иное строение имеет лейтмотив угнетателей. Его чужеродность проявляется в конфликтных столкновениях с тематизмом участников Отряда, порождая динамичные разделы балета, по строению подобные разработке сонатной формы. В период культурной революции, когда в Китае была запрещена европейская музыка, балет «Красный женский отряд» творчески воплотил европейские традиции, в числе которых — стройная лейтмотивная система, создавшая яркие образы главных героев и являющаяся основой сквозного симфонического развития. Пронизывая музыкальную ткань, лейтмотивы способствуют единству стиля балета, созданного большим коллективом талантливых композиторов

The article discusses the functions and expressive possibilities of the leitmotives of the historical-revolutionary ballet «The Red Women's Detachment», based on real events. The ballet includes a song that was previously heard in the feature film of the same name. Since the song is performed repeatedly in the ballet, alternating with other themes, it becomes a refrain, introducing features of rondality into the structure of the ballet. The main theme of the women's Detachment is the first part of this song. It serves as an intonation source, giving rise to the thematism of the people and events involved in the Detachment: their inner spiritual unity is reflected in the intonation kinship of their leitmotives. The leitmotif of the oppressors has a fundamentally different structure. Its alienness manifests itself in conflict clashes with the thematism of the members of the Detachment, giving rise to dynamic sections of the ballet, similar in structure to the development of the sonata form. During the Cultural Revolution, when European music was banned in China, the ballet «The Red Women's Detachment» creatively embodied European traditions, including a harmonious leitmotif system that created vivid images of the main characters and is the basis of a cross-cutting symphonic development. Penetrating the musical fabric, the leitmotives contribute to the unity of the ballet style created by a large team of talented composers.
ТРАДИЦИИ ПЕКИНСКОЙ ОПЕРЫ В ЦИКЛЕ НИ ХУНЦЗИНЬ «ЧЕТЫРЕ ФОРТЕПИАННЫХ ЭТЮДА ЦЮЙПАЙ»
Authors: Чжан Ц. , Кром А.Е.
Published: December 2024

Статья посвящена особенностям преломления традиций Пекинской оперы в цикле «Четыре фортепианных этюда цюйпай» современной китайской пианистки, преподавателя и композитора Ни Хунцзинь (1935). Созданное на излете культурной революции (1975–1976), это сочинение инициировало взаимодействие национальной оперной и западной инструментальной традиций в китайской фортепианной музыке. На основе собственного исполнительского опыта Ни Хунцзинь удалось успешно решить инструктивные задачи, обусловленные избранным жанром этюда, и заметно обогатить юношеский репертуар. Кроме того, автор наполнил свои пьесы многочисленными аллюзиями на театральное искусство Китая. Черты Пекинской оперы проявили себя на разных уровнях: сюжетном (обращение к наиболее известным образцам жанра), драматургическом (ассоциации с типичными амплуа — масками шэн, дань, чоу), хореографическом (сценическая пластика актеров), вокальном (характер напевов цяндяо — сипи, эрхуан, сыпиндяо), ладовом (пятиступенные лады и система их взаимодействия друг с другом), мелодическом (популярные инструментальные пьесы цюйпай), метроритмическом (метро-темп яобань), тембровом (подражание характерным инструментам ансамбля Пекинской оперы — хуцинь, баньгу). Таким образом, цикл Ни Хунцзинь «Четыре фортепианных этюда цюйпай» не только способствует усовершенствованию технической подготовки учащихся, но также обладает несомненной художественной ценностью, основанной на творческом преломлении традиций Пекинской оперы.

The article is devoted to the peculiarities of the refraction of the traditions of the Peking Opera in the cycle «Four Qupai Piano Etudes» by the modern Chinese pianist, teacher and composer Ni Hongjin (1935). Composed at the end of the Cultural Revolution (1975–1976), this work initiated the further interaction of the national opera and Western instrumental traditions in Chinese piano music. On the basis of his own performing experience, Ni Hongjin managed to successfully solve the instructive tasks caused by the chosen genre of etude and enrich the youth repertoire. In addition, the author has filled his pieces with numerous allusions to the performing arts in China. The features of the Peking Opera manifested themselves at different levels: story (referring to the most famous examples of the genre), dramaturgy (associations with typical theatrical character of sheng, dan, chou), choreography (stage plastic), vocal (the character of qiangdiao tunes — xipi, erhuang, sipingdiao) , mood (pentatonic), melody (popular instrumental pieces qupai), metro-rhythm (metro-tempo yaoban), timbre (imitation of the characteristic instruments of the Peking Opera ensemble — huqin, bangu). Thus, the Ni Hongjin cycle «Four Qupai Piano Etudes» not only contributes to the improvement of technical training, but also has an undeniable artistic value based on the creative refraction of the traditions of Peking Opera.