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Estudio comparativo de la pintura mural gótica valenciana a partir de elementos de estilo y materiales representativos
Authors: Zalbidea Muñoz María Antonia , Rubio Mifsud Aurora Inmaculada
Published: October 2017

Se presenta en esta comunicación parte del trabajo de investigación realizado en la tesis doctoral “La pintura mural gòtica lineal a territori valencià. Statu quo del corpus conegut. Estudi i anàlisi per a la seua conservació” (2015), en la que se ha catalogado el corpus de pinturas murales góticas lineales conservadas en territorio valenciano. En éste trabajo se han identificado 34 edificaciones, que contienen total o parcialmente restos de 71 conjuntos decorativos (figurativos, decorativos y arquitectónicos) con características góticas, y sigue abierto debido a nuevas investigaciones en curso y continuos descubrimientos de pinturas que se continúan produciendo. En la investigación, se han analizado individualmente los conjuntos pictóricos murales góticos, identificando circunstancias históricas y geográficas, antecedentes y referencias en otras artes, además del estudio del estado de conservación, el modo de factura y la analítica de componentes, con el fin de encontrar trazos comunes que definen el corpus existente. Se ha encontrado una amplia variedad de temas representados, de recursos decorativos y estilísticos, determinando que existen temáticas diversas, elementos ornamentales, estructuras de distribución, y modelos que conforman un rico panorama artístico. Se presenta en este trabajo el análisis comparativo a nivel estilístico y matérico a partir de los rasgos comunes detectados a en los distintos conjuntos pictóricos.En el ámbito estilístico (presentado en este artículo), se estudian la totalidad de los conjuntos identificados, independientemente de que se ubiquen en el periodo gótico inicial o más evolucionado, o de que conformen decoraciones de tipo arquitectónico.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5628
El retablo de San Pelayo del Maestro de Becerril y la construcción de la norma sexual a través de la imagen.
Authors: Cuevas del Barrio Javier
Published: October 2017

A través de esta comunicación queremos presentar una lectura renovada de una de las obras más importantes de la pintura española del siglo XVI: el retablo de San Pelayo del Maestro de Becerril, situado en la Catedral de Málaga. Esta lectura renovada se centra no tanto en lo que la tradición histórico artística ha dicho de él (incorporación de elementos procedentes de la tradición renacentista italiana en forma de elementos arquitectónicos y leyendas mitológicas) sino en cómo la leyenda del martirio de San Pelayo ha servido para construir la norma sexual en diversos momentos de la historia del Estado español. Para ello, debemos recordar en qué consiste dicha leyenda: según las fuentes contemporáneas al martirio (siglo X), Pelayo fue martirizado hasta la muerte por no sucumbir a los deseos libidinosos del califa Abderramán III. Así, el joven mártir se convirtió en símbolo de la virtud de la castidad cristiana frente al pecado nefando representado por la máxima figura política y religiosa de los musulmanes, el califa Abderramán III. Los límites de esta comunicación nos obligan a centrarnos en un momento histórico concreto: la llegada del retablo de San Pelayo a la Catedral de Málaga procedente de Becerril de Campos (Palencia) en el contexto de década de 1940. Para ofrecer la lectura renovada que anunciábamos más arriba tendremos en cuenta los numerosos estudios (la mayoría de ellos anglosajones) que, partiendo de la teoría queer, están ayudando a renovar la disciplina de la historia del arte. Analizar la llegada del retablo de San Pelayo a Málaga desde la perspectiva queer nos lleva a entender el significado de la obra dentro del contexto de las políticas de la moral sexual de la época, a partir de las cuales las imágenes del retablo cobran un nuevo significado.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5665
ESTRUCTURAS DE LO AUSENTE EN LA PRÁCTICA PLÁSTICA ACTUAL
Authors: Gonález-Carpio Alcaraz David
Published: October 2017

El concepto de liminalidad se caracteriza por la ambigüedad, la apertura y la indeterminación. Influye en el sentido de identidad del objeto que aborda, disolviéndolo en cierta medida, dando lugar en muchas ocasiones, a la desorientación. Para este congreso trato de presentar el análisis de ciertas estructuras de creación plástica y visual donde el concepto de liminalidad está presente y conduce a una dudosa materialización del producto artístico. En esta ponencia Trataré de analizar, con diferentes ejemplos y referencias, los resortes del proceso creativo-plástico que generan, a través de la práctica artística, un lugar infinitamente maleable y extraño, donde el mediador o signo representacional es emplazado por uno verdadero y propio, una subjetividad que indica la combinación de exclusiones, donde el no paisaje, la no arquitectura conforma la deixes, como  denomina Rosalind Krauss, a esa serie de desplazamientos que conforman las estructuras axiomáticas de la propia reconstrucción parcial, de un emplazamiento señalado que es recreado mediante la propia experiencia, como si fuese un espejo.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5667
Marga Clark la última Roësset. Arte a través del tiempo y de las fronteras.
Authors: Siso Monter Montserrat
Published: October 2017

La fotógrafa Marga Clark, última descendiente de la saga familiar Roësset,  donde destacan las artistas femeninas, es una poeta y fotógrafa que combina ambas disciplinas en su obra, la misma, destaca por un lirismo único, que traspasa fronteras y unifica sentimientos en un mundo globalizado. Resultando ser un claro exponente de  la plástica artística actual. En la comunicación que propongo, pretendo realizar un recorrido por sus cuarenta años de trayectoria profesional y sus tres etapas más destacadas, analizando la evolución de su realización artística.Marga Clark ha publicado varios libros de sus obras, el primero de ellos, Static Movement/Movimiento Estático, fue adquirido por el MOMA de Nueva York con el fin de ser vendido en su librería. En 1991 publica Impresiones Fotográficas, un libro ensayo sobre el lenguaje fotográfico.  Esta artista colabora con diversos medios de comunicación desde la década de los 80 como reportera gráfica, entre ellos La Vanguardia o El País.A lo largo de su carrera ha expuesto su obra fotográfica en numerosas exposiciones, tanto individuales como colectivas en América y Europa. En estos momentos se puede apreciar su exposición retrospectiva Marga Clark, Cosmología (1976-2016) en la Fundación Antonio Pérez, y en el Museo de la Fotografía de Huete, Cuenca. Por otro lado, cabe destacar que su obra se puede encontrar de modo permanente en colecciones como la del Museo de Brooklyn de Nueva York, la Biblioteca Nacional de Paris, el Museo Español de Arte Contemporáneo de Madrid, la Col.lecció Testimoni de la Caixa de Barcelona, la Sociedad Estatal para Exposiciones Internacionales, la Fundación Telefónica o la Colección Helga de Alvear, entre otras.Se puede decir que esta fotógrafa-poeta destaca por su obra, que une países y los interrelaciona, a la vez  que unifica de manera magistral fotografía y poesía.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5677
La influencia imagética en ''Las Trillizas de Belleville''
Authors: Leão Carolina Morgado , Rodrigues Carrasco Claudiney
Published: October 2017

El objetivo de este trabajo es interpretar las referencias visuales contenidas en la animación ''Les Triplettes de Belleville'' (2003), de Sylvain Chomet. La comprensión será hecha a través de un análisis en el ámbito de la imagen y comunicacional: el aspecto visual expone en la película referencias puntuales a diversos artistas franceses y estadounidenses. Con este tipo de análisis es posible contextualizar y entender pequeños signos producidos a lo largo de la película. Un examen detallado revela cómo la narrativa posee un carácter cómico y crítico. Utilizaremos el concepto de “signo” de Mikhail Bakhtin para articular estas referencias de la imagen y para comprender su fuerza en la composición cómica y crítica de la narrativa en cuestión. Al utilizar diferentes formas de relacionar los signos visuales, el largo metraje explora una naturaleza lúdica, que forma parte de la narrativa y refuerza el sentido dramático. Por tanto, este análisis que profundiza en el estudio de los signos de la imagen, resultará en la comprensión de los valores y la creación de los sentidos construidos en la animación. http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5699
Comparativa entre distintos consolidantes inorgánicos nanoparticulados a base de hidróxido cálcico.
Authors: Barreda Usó Gemma , Zalbidea Muñoz María Antonia , Osca Pons Julia
Published: October 2017

El presente trabajo de investigación muestra el estudio comparativo entre diversos materiales consolidantes nanoparticulados de origen inorgánico a base de hidróxido cálcico, sobre soportes pétreos con matriz carbónica. En los últimos años con el desarrollo de la nanociencia y la nanotecnología se ha abierto un amplio campo en diferentes áreas científicas, que ha permitido la creación de diversos materiales con características funcionales y estructurales novedosos. Estos materiales nanoestructurados abren un infinito camino en el campo de la conservación y restauración del patrimonio, ya que están dotados de partículas a escala nanométrica que confieren un comportamiento totalmente diverso a los materiales tradicionales. Para realizar esta comparativa se han seleccionado diversos materiales nanoestructurados que han sido diseñados expresamente para al conservación del patrimonio, concretamente para la consolidación de soportes pétreos, morteros, pintura mural, etc. Debido a la novedad de estos productos, es necesario su estudio individualizado previamente a ser usados en ciertos campos de la restauración, como sucede con la consolidación de pintura rupestre realizada sobre roca calcárea. Por ello se seleccionaron los posibles productos afines a esta necesidad. Los consolidantes elegidos para realizar el proceso de testado son materiales nanoparticulados basados en soluciones coloidales de hidróxido cálcico Ca (OH)2 dispersos en diferentes tipos de alcoholes y en distintas concentraciones. Entre ellos encontramos, para tratamientos de consolidación superficial, el Nanorestore® y los productos de la gama CaLoSiL®; dentro de ésta se han testado distintas variantes como: CaLoSiL E5®, CaLoSiL E25 grey®, CaLoSiL IP5®, CaLoSiL NP5®; y para tratamientos de adhesión entre estratos se han escogido el CaLoSiL paste like® y el CaLoSiL Micro®. Tan sólo con los resultados obtenidos, se podrá determinar si estos nanoparticulados, son adecuados para su uso en obra real con unas características concretas. http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5702
El archivo de historias en la construcción de la Historia: la obra cartográfica de Rogelio López Cuenca
Authors: Lapeña Gallego Gloria , Ortuño Mengual Pedro
Published: October 2017

A partir de los años setenta, los historiadores han acercado sus investigaciones a las necesidades de una sociedad plural. El artista se hace eco de estos nuevos enfoques y adopta una postura crítica ante el desigual tratamiento de las diversas identidades a lo largo de una Historia más o menos reciente. Uno de los recursos para hacer frente al olvido es el de poner en evidencia la huella como reducto que permanece en el espacio físico, vinculado emocionalmente a las sociedades que la generaron. Algunos artistas contemporáneos asumen el papel de historiadores y crean archivos abiertos a partir de historias locales al margen de la Historia institucional, si bien ambas comparten los mismos espacios. En este sentido, la obra cartográfica del artista malagueño Rogelio López Cuenca se basa en la creación de archivos de memorias individuales de ciudades para configurar una memoria colectiva oculta, omitida o tergiversada. Así, El revés de la trama es un proyecto de cartografía alternativa de Mataró que surge a partir de la realización del taller Derrotas alternativas: Now/here Mataró (2008), en el que un grupo de trabajo investiga sobre los discursos subterráneos o subalternos de la ciudad y su relación con los procesos globales. Conceptos como “inmigración”, “esclavitud”, “lo exótico”, “poder” y “violencia sobre los cuerpos”, van tejiendo historias reales en torno a la industria textil de Mataró. El resultado es un archivo de historias cotidianas, simultáneas, que originan diversas lecturas ante la imposibilidad de separar unos mismos problemas locales en distintas temporalidades. Este proyecto, junto a Mappa di Roma (Roma, 2006), No/w/here. Ciudad de México (México, 2010) y Polivalencias (Valencia 2015-16), también dirigidos por López Cuenca, se presentan bajo la estructura formal del mapa, sobre el que se sitúan las memorias locales de los habitantes de la ciudad a la que se refieren.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5736
la influencia de la globalización en la nueva joyería mexicana.
Authors: Pignotti Chiara
Published: October 2017

La joyería es una de las manifestaciones artísticas que más exprime la identidad de un pueblo, sus creencias, valores y preferencias estéticas. Por esto el estudio de la joyería mexicana en la actualidad nos puede darnos una visión panorámica de cómo la globalización ha cambiado la concepción, el uso y el consumo de este producto artístico. A partir los opuestos procesos de “desterritorialización”, por parte de las manobras de la economía global, y de “reterriorialización” como respuestas de las realidades locales, delinearemos alcunas emblemáticas situaciones que la joyería mexicana está viviendo. La desterritorialización conlleva radicales cambios en la definición de arte popular, ámbito al que la joyería tradicional pertenece; efectivamente el “valor moda” que las multinacionales aplican a su producción hizo de la joyería comercial la principal joyería popular en México. Mientras que la joyería hecha por el pueblo se convierte en un producto elitista por un mercado exclusivo y de coleccionismo, o por el otro lado, en su manifestación más sencilla, se convierte en un suvenir para el turista. Entre los efectos prominentes de la reterritorialización hemos averiguado la exaltación del mexicanismo hasta convertirse en “auto exotismo”. Este proceso está evidente en la recuperación de los símbolos y cualidades apotropaicas de la joyería prehispánica por parte de neo-chamanes, artesanos y artistas como reafirmación de la propia cultura original. Es en este último caso que surge la Joyería Contemporánea mexicana, cuyo análisis nos hará reflexionar sobre como actúa la influencia mediática de los fenómenos artísticos internacionales en los contextos locales.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5744
La nueva escultura ligera
Authors: García González María Dolores
Published: October 2017

El término de escultura ligera, fue utilizado por primera vez en los complejos montajes de las cortes renacentistas de los siglos XV y XVI, donde fue necesario aportar soluciones atrevidas e inéditas durante las grandes celebraciones. Posteriormente el término fue aplicado a las esculturas realizadas con materiales como el cartón piedra o la caña de maíz que no eran considerados nobles. Durante siglos, la escultura ligera se consideró un auténtico arte. Fue apreciada por su bajo coste, ductilidad, adaptabilidad y ligereza, siendo trabajada por los más grandes escultores del Renacimiento y Barroco. Aunque en España, se destinó mayoritariamente a las celebraciones procesionales por ser de fácil transporte teniendo una gran difusión en el medio rural, encontramos otro ejemplo de la importancia de este tipo de arte en la tradición del cartón-piedra en la imaginería festiva valenciana, tradición que continúa hoy en día. En el siglo XX la escultura rivalizó con las normas y a las reglas de toda su tradición perdiendo no solo su pedestal y su carácter conmemorativo, sino también su materialidad (Cerecera, 1999). Es por esto, que el uso de los llamados materiales nobles pasó a un segundo plano. La estética contemporánea revaloriza el mestizaje de los lenguajes expresivos poniendo nuevamente de actualidad las sugerencias provocadas por los materiales “ligeros”. Esto unido al desarrollo actual del mercado y la tecnología, multiplica las posibilidades estéticas que se encuentran tras las cualidades de estos materiales de la vida cotidiana, permitiendo una reinterpretación del término escultura ligera. La tradición toma una nueva perspectiva perdiendo su vertiente propagandística para entrar de lleno en el ámbito de lo artístico. Facilitando una comunicación más cercana y sostenible.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5748
Lo íntimo es político y viceversa: un estudio autoetnográfico sobre el performance y la muerte.
Authors: Fajardo Montaño Odette
Published: October 2017

La pérdida paulatina de los rituales de muerte en las sociedades occidentales y occidentalizadas en la actualidad, obedece a una alianza colonial-capitalista que prima a nivel mundial y busca la destrucción de las epistemologías locales a la vez que alimenta un modelo civilizatorio. Ante este panorama nos preguntamos por la importancia de la función ritual. Si resulta necesaria la conservación, resignificación o construcción de rituales capaces de satisfacer la necesidad terapéutica de las personas en duelo y si es que estos rituales pueden llegar a ser una manifestación de resistencia ante la voraz globalización. Basándonos en los estudios sobre performance, analizaremos una serie de performances (culturales y artísticos) realizados entre 2012 y 2018 en torno a una muerte particular: La muerte de mi padre. Dicho análisis explorará distintos puntos de interés dentro de los performances, tales como: El proceso creativo y/o constitutivo, el contexto histórico y cultural en el que se enraízan y manifiestan, la riqueza simbólica y estética que poseen, los alcances espirituales y/o terapéuticos, así como las repercusiones sociales y políticas que tienen. El presente trabajo partirá de la metodología autoetnográfica que nos ayudará a establecer como punto de partida la mirada propia sumergida en un contexto particular, entendiendo lo íntimo como hecho político y viceversa. Así, delimitaremos nuestra problemática a la vez que entenderemos cada muerte como una vivencia particular que no puede generalizarse, ya que dentro de ella existe toda una complejidad de factores que la sostienen. Todo ello nos llevará a entender a la memoria y la ritualidad como una necesidad personal y como resistencia cultural.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5752
Las pruebas de usabilidad e interfaz audiovisual en la película interactiva Arthur 2.0
Authors: Taveira Mauricio Cândido
Published: October 2017

La investigación se ocupa de la película interactiva de diseño interactivo Arthur 2.0 y Pericles Silveira. Examina, a partir de las pruebas de usabilidad, 6 momentos de interacción entre el interactor y el diseño interactivo de la película. Estos momentos se llaman Momentos Interactores (MI) y para comprobar si la interfaz película lleva a cabo de manera eficiente las tareas para las que fue diseñado: para hacer el plano de la película, en estos tiempos, ser lo más neutral posible y que las decisiones y las decisiones de la película provienen de los deseos del interactor y no la interfaz. La recolección de datos enfoca el uso de una combinación de métodos y técnicas - es decir, la observación y cuestionarios en un entorno con el público objetivo: los jóvenes de 12 a 17 años y adultos de 18 a 27 años y también con los espectadores de 28 a 37 años; 38-47 años y 48-68 años. En un sistema de interacción, ¿quién tiene el control? ¿Es el interactor? ¿El diseñador? ¿O el sistema? ¿Qué es un buen diseño interactivo y lo que es un mal diseño de interacción? Son algunas de las consideraciones que el trabajo es a partir de ese estudio.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5758
Sinergias y despedidas: el arte audiovisual como reflejo de la emigración española actual a Europa
Authors: Asión Suñer Ana
Published: October 2017

Como consecuencia de una globalización cada vez más acusada, el fenómeno migratorio ha cobrado en los últimos años un especial interés en los diferentes medios. Las aportaciones derivadas de las artes visuales en relación con este tema han sido variadas, con exposiciones como “Artistas Acoge Arte + Inmigración” (Antequera, Málaga; del 12 al 26 de febrero de 2016), “#SIN FILTROS. Miradas al éxodo que Europa no quiere ver” (Matadero Madrid; del 26 de mayo de 2016 al 8 de enero de 2017) o “Somos migrantes” (León; del 16 al 31 de enero de 2017). Sin embargo, el caso concreto de la emigración española a Europa ha adquirido un mayor protagonismo en plataformas audiovisuales (cine y televisión, principalmente, pero también en el videoarte: “Lo inconmensurable”, CentroCentro Madrid, del 29 de abril al 28 de agosto de 2016), las cuales se han hecho eco de una situación cada vez más normalizada y cotidiana. En este caso, el audiovisual se constituye como un medio perfecto en sus diferentes plataformas para la transmisión de estereotipos mantenidos de forma diacrónica, sobre los que hay que bucear para hallar el profundo poso crítico que transmiten hacia las actuales situaciones en Europa.En el ámbito español, la ficción audiovisual (Hermosa juventud, 2014; Perdiendo el Norte, 2015) ha sido y es uno de los principales canales donde se ha visto reflejado esta realidad. Ésta es precisamente la que muchas veces permite poner cara a estas situaciones, actuar como un lienzo donde se plasma una reactualización de las escenas costumbristas que antaño poblaban los cuadros. Ahora la situación es distinta. Las circunstancias han hecho que el escenario cambie, pero no sus protagonistas.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5759
LA INVESTIGACIÓN ARTÍSTICA COMO HILO CONDUCTOR ENTRE DOS MUNDOS.
Authors: Martín martínez Laura
Published: October 2017

La tesis doctoral en la que se basa este artículo se vuelca hacia la búsqueda real de un resultado específico: buscar una alternativa para abolir los bloqueos en el lenguaje que sufre un miembro que forma parte de mi vida y que a la vez es objeto de investigación. La investigación se orienta en múltiples direcciones que trascienden lo puramente académico y se entretejen con la experiencia del proceso experimental y los conocimientos adquiridos en el corpus teórico. El cuerpo, la imagen y la percepción son tres pilares fundamentales para formar el lenguaje. La experiencia artística es capaz de construir o reconstruir correctamente la imagen mental y concepto de sí mismo ya que el arte encierra un poder terapéutico al establecer una relación entre la vida personal y corporal. Por lo tanto, podemos afirmar que la expresión artística tiene un carácter universal que sobrepasa situaciones donde el lenguaje verbal no llega. Ser objeto e investigadora de la propia experiencia vital hizo que se especulara sobre la realidad tangible. Me convertí en espectadora de mi propia función. Para ser capaz de modificar y ampliar la realidad tuve que procesar un análisis exhaustivo que justifica como el cuerpo constituye un elemento esencial en la producción del lenguaje y como el Arte es capaz de  activar de forma significativa áreas implicadas en el lenguaje a través del movimiento. Enlazar el mundo del arte y la neurociencia conduce a formular hipótesis que se plantean como vías que se trazan en la investigación para alcanzar distintos objetivos. http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5760
La creación gráfica como estrategia prospectiva de apertura a lo global transitando previamente lo local.
Authors: Ansio Martinez Tania , Tomás Miralles Ana
Published: October 2017

En torno al libro y la gráfica, iniciamos el año 2012 un proyecto interdisciplinar de investigación de la estimulación temprana mediante la imagen ilustrativa con un programa de cooperación educativa bajo  el Convenio Marco de Colaboración de la Escuela Príncipe Valiente con la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia. En un principio era una investigación de carácter local, la confluencia entre la escuela y los alumnos de asignaturas de Grabado y estampación con Ana Tomás como directora docente. Una práctica de asignatura con el fin de realizar estampas,  exhibirlas y publicar un libro. Como tantas veces sucede con los proyectos de investigación, los códigos cambian, evolucionan, se expanden, abriéndose a lo global. Aunque los objetivos iniciales permanecen, los contextos evolucionan ensanchando las actuaciones alrededor del proyecto gráfico. La perspectiva local de interactuación de la infancia, el público adulto o profesional con los elementos gráficos, amplía el horizonte. Los actores divergen y los resultados confluyen en un enfoque holístico e integrador. Deriva en una herramienta metodológica y constructiva de capacidades, habilidades y conocimientos artísticos. Trabajamos el seguimiento de metodologías que permiten la elección de opciones estratégicas para motivar al alumnado y hacerle partícipe de proyectos reales, profesionales y darles máxima visibilidad fuera de las aulas. Así el alumno trasmuta desde la vivencia local en la Facultad, a una experiencia colectiva de gráfica con un desarrollo expositivo extraacadémico, con intervenciones “in situ”, participaciones en congresos, ferias,... En esta ponencia vamos a desarrollar nuestra vivencia constante de repensar y adaptar los códigos que dirigen los proyectos en la experiencia de su quehacer y en la evolución y desarrollo de una experimentación e investigación que, al igual que la gráfica, tiene tantas y tan variadas posibilidades de variación y expansión.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5781
La homogenización de la identidad en cuestión. Espacios artísticos de los enseres.
Authors: Serrano González Eduardo , De la Torre Oliver Francisco
Published: October 2017

El presente trabajo analiza el espacio para la intervención artística generado a partir de la implantación de multinacionales del diseño y la producción de enseres en el contexto de Valencia. Para ello planteamos la hipótesis de la existencia de un impacto sobre la identidad cultural en el sistema local, ocasionado por la hegemonía del estilo global. Partiendo de este hecho, nuestro estudio vinculará las corrientes contemporáneas que relacionan la práctica artística con las metodologías etnológicas, antropológicas y la representación de identidades y memorias. Con tal de realizar el análisis conceptual, planteamos una tensión de fuerzas entre las causas y las consecuencias derivadas del impacto de nuestra hipótesis. Entendiendo éstas como consecuencia de los procesos de globalización, que repercutirán en el ámbito local mediante los mecanismos sociopolíticos vinculados al diseño, la publicidad, la moda y el precio. Conduciendo a la perdida y cuestionamiento de la identidad a través de un proceso de homogenización del estilo, velando el valor de la diferencia. Analizaremos cómo, este proceso de choque entre los contextos globales y locales, deriva en la apertura de un espacio para la creación artística. El cual, a partir de los resultados del estudio conceptual, ejemplificaremos con el proyecto artístico personal. Mostrando el método de trabajo llevado a cabo, relacionándolo a su vez con otras prácticas artísticas en diferentes contextos contemporáneos.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5786
¿Por qué no vamos a los colegios? Sobre la ausencia de arte actual en la escuela
Authors: Rueda Gascó Paloma
Published: October 2017

Este texto ahonda en una de las conclusiones extraídas de una investigación anterior, que señalaba la necesidad de reivindicar la de acción de artistas (entre otros especialistas de diversos campos) en el contexto escolar. Sabemos de las ventajas del arte participativo; conocemos todas las posibilidades de los proyectos colaborativos de artistas en diversos contextos y con diferentes colectivos; muchos son los países que cuentan con programas con financiación estatal para la participación de artistas en colegios e institutos. Sin embargo el desarrollo de proyectos dinamizados por artistas en el contexto escolar, no pasan de ser contados casos aislados en nuestro país. Vivimos actualmente un creciente interés del mundo del arte hacia la educación por sus posibilidades mediadoras y emancipadoras. Sin embargo, este interés se enfoca mayoritariamente hacia entornos no formales e informales. La hipótesis desde la que se propone este estudio es que existe un tradicional rechazo por parte de los profesionales de las artes visuales hacia el mundo de la escuela. Este texto se centra en esta idea, que será revisada y contrastada por medio de un pequeño estudio de casos. El estudio está enmarcado en una investigación más amplia en torno a la relación entre artistas y entornos educativos, que se desarrolla con una metodología mixta de investigación. En ella se proponen diversas estrategias experimentales en las diferentes fases del estudio, por ejemplo el análisis de creaciones artísticas realizadas específicamente para la investigación por parte de profesionales de las artes visuales en torno a la temática planteada. Éstas se combinan con herramientas clásicas propias de la investigación cualitativa, cuantitativa y artística (entrevistas, análisis de imágenes, narrativa autobiográfica, etc.) con el objetivo central de revisar las posibilidades de acercamiento entre entorno escolar y artistas profesionales, valorar posibles interferencias que dificultan este diálogo, y visibilizar las ventajas que podría suponer una relación más fluida arte-escuela.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5817
El museo como escuela de espectadores. La ciudadanía en los museos de arte.
Authors: Sánchez Jareño María Rosa
Published: October 2017

Con este trabajo se pretende reflexionar acerca de las prácticas de dinamización y mediación en el espacio museístico. Cada vez son más los museos que incorporan metodologías que implican la creación de experiencias con el público, ampliando el concepto de museo como mero contenedor cultural. El espacio museístico se convierte también en espacio de encuentro, aprendizaje, ocio y juego. Vemos como  estas propuestas son recogidas y aplicadas en mayor o menor medida en las distintas instituciones museísticas, revelando así su grado de compromiso hacia la ciudadanía.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5825
El borrado como estrategia de producción artística
Authors: Rey Villaronga Gonzalo José
Published: October 2017

Con el análisis de la performance “Viena says…” del artista alemán Nasan Tur pretendemos demostrar como el borrado no sólo es una práctica a la que se llega a través de la sustracción, sino también a través de la adicción. Y cómo esta práctica tiene mucho que ver con la sobreabundancia de las imágenes y la pérdida de la identidad.  Este análisis forma parte de un trabajo más extenso que desarrollamos sobre las prácticas antivisuales en la contemporaneidad. Nasan Tur (Alemania,1974). Este artista para su trabajo parte del entorno urbano, la calle, la plaza, el bar, una mezquita, una escalera, un aeropuerto, es decir, donde la gente se cruza temporalmente, donde los caminos y las ideas heterogéneas se enfrentan. Sus intervenciones tienen como objetivo romper con normalidad e investigar las situaciones donde se infringen los acuerdos. En un primer apartado del artículo describimos como el artista explora la interacción del lenguaje y los símbolos en el espacio público. La obra de la imagen  superior forma parte de la serie de un trabajo titulado The city says... En esta obra reúne más de cien frases pintadas en graffiti que toma de las paredes de las casas de la ciudad y las pinta con aerosol de nuevo en una pared interior de su estudio, superponiéndolas en un tiempo muy veloz hasta que todos se tornan una superficie roja ilegible.  La ilegibilidad y el borrado de la palabra no es un tema nuevo en el arte por eso un segundo apartado del artículo recuerda aquellos ejemplos donde ha estado presente dentro de ciertas prácticas antivisuales. Frente a la imagen omnipresente el borrado continúa siendo un acto de rebeldía y de posicionamiento que sobrepasando el placer estético se convierte en una táctica de cuestionamiento. En este caso la palabra es borrada y con ella la acción performativa adquiere una nueva dimensión. A partir del borrado de frases cortas como un Te quiero, No hay respeto, Libertad para…, etc. y que en realidad adornan miles de fachadas de todo el mundo, lo que se está haciendo presente es el mutismo de una sociedad. En las conclusiones hablaremos de esta crisis del valor comunicativo y cómo la superficie cubierta de pintura en aerosol de este modo se puede leer como una metáfora de las dificultades que acosan a cualquier forma de comunicación. Entre otros trabajos hemos utilizado como referencias los textos de: Meana Martínez, Poéticas de la negación de lo visual; Barbara Heinrich: The Stories behind the Pictures;  y Ralph Rugoff: Invisible: Art about the Unseen 1957-2012.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5842
El tapado de la imagen como estrategia de producción artística
Authors: Rey Villaronga Gonzalo José
Published: October 2017

Proponemos el análisis de la obra “Mirror” de David Hammons, para demostrar como el tapado de la obra de arte continúa siendo una estrategia crítica de antivisualidad frente a la sobre abundancia de imágenes. Éste es un análisis y una  interpretación que forma parte de un trabajo más extenso que desarrollamos sobre las prácticas antivisuales en la contemporaneidad. David Hammons (U.S.A., 1943). En su trabajo, negar la posibilidad de ver y provocar la curiosidad es una de las estrategias que utiliza el artista a través de su obra. Un artista que comenzó burlándose del mercado cuando al principio  de su carrera vendía durante el invierno de Harlem bolas de nieve como obras de arte. Comprometido con los derechos civiles, su trabajo reflexiona sobre las experiencias de la vida afroamericana y el papel que juega en la sociedad americana. En el artículo describimos y analizamos el conjunto de la serie mirrors (espejos) y la ponemos en relación a una destacada trayectoria donde performance, pintura, escultura, y toda clase de prácticas artísticas son utilizadas para provocar la curiosidad en el espectador.  Analizamos la serie que aparece en la fotografía superior para revelar como frente a la eficacia e inmediatez con la que el sistema del arte y el sistema en general categoriza, digiere y canibaliza los acontecimientos, la negación sostenida se convierte en un valor añadido para las obras de arte. Sólo hay que pensar en el contexto en el que nos movemos con las políticas de visibilidad, donde si las redes de vigilancia se multiplican y los individuos abiertamente nos exponemos al mundo, cualquier muestra de ocultación es tomada como un acto de rebeldía. Interpretar el concepto de tapado de la imagen heredado de sus pinturas ocultas o pinturas de lona (Kool Aids) nos ayuda a establecer relaciones con otras obras de la antivisualidad y la ocultación como estrategia de cuestionamiento. Terminamos con unas conclusiones que nos permiten afirmar que estas estrategias presentes en éste y en otros artistas logran mantener expectante la mirada del visitante de forma que más allá de su antivisualidad sus obras en realidad logran que nos detengamos y pensemos más allá de lo que se muestra. Entre otras referencias hemos utilizado los textos de: Meana Martínez, Poéticas de la negación de lo visual; Galder Reguera, La cara oculta de la luna; y Hernández-Navarro, La so(m)bra de lo real: El arte como vomitorio.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5843
Los espacios creativos en los intersticios de la censura o cómo intervenir artísticamente con una cultura diferente.
Authors: Abarca Martínez Inmaculada
Published: October 2017

Esta comunicación expone los resultados de una investigación realizada en el mes de agosto de 2016, en Samarcanda (Uzbekistán). La investigación toma como base la realización de una intervención fotográfica que fue presentada por la autora, en el ámbito de la Universidad de dicho país. Dentro del contexto de pensamiento en torno a la construcción y recepción del género se describe, un escenario diferente a los planteamientos occidentales en torno a esta temática. El estudio permite acercarse, desde un punto de vista creativo y no solo como espectador, a una cultura que, si bien está latente en nuestro imaginario cultural por la trascendencia histórica de la Ruta de la Seda, es actualmente todavía una gran desconocida para muchos de nosotros. En este sentido, la realización de una intervención expositiva en la Facultad de Agronomía de dicha universidad permite una deconstrucción de lo femenino a través de la vestimenta y otros enseres domésticos. En este país, como en tantos otros, las mujeres se han visto relegadas al contexto doméstico así como a una relación muy estrecha con la tierra y los procesos de la naturaleza. Esta revisión nos conduce a la toma de conciencia sobre la violencia que ejercen los estereotipos impuestos, sea por la presión social, la religión o por la política dominante, y revela de manera muy sutil el perjuicio que produce en la sociedad la censura ejercida por el poder de las instituciones gubernamentales a través del silencio y la repercusión que esta censura impone sobre las prácticas artísticas. El estudio emplea una metodología anclada en la creación y la producción artística que propone una nueva mirada sobre los diferentes procesos culturales de un pueblo en continua transformación. Esta visión revela las múltiples resonancias que puede generar el hecho artístico en el contexto social donde surge la obra. La creación contemporánea concibe este último - el hecho artístico- como parte del concepto de un arte incluyente que como tal, debe tomar en cuenta todas las manifestaciones de la cultura. En este sentido, las tradiciones culturales, el arte popular, las costumbres, la alimentación o el vestido son valorados para construir un imaginario crítico y consciente de las relaciones humanas, a fin de comprender los procesos de significación y simbolización que construyen la identidad de cada sociedad y que, en este caso, plantean la realidad y las contradicciones de la imagen femenina contemporánea en Uzbekistán.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5851
La evolución del arte actual en un contexto de crisis
Authors: BLANCO-BARRERA RAMON
Published: October 2017

En los últimos tiempos, el arte actual se ha estado nutriendo del capital económico generado en un sistema utópico del bienestar que se volvió insostenible. Un sistema donde la competitividad es el modelo de negocio de cualquier empresa y donde el arte actúa como cualquier otro agente más, al son que marca el dólar.Este trabajo tiene como objetivo escudriñar todo este entramado del mundo artístico contemporáneo a través del big data como concepto metodológico. Se identifican y analizan los actores que mueven el dinero del arte, desde la celebración de grandes eventos a la organización de inversiones especulativas, pasando por las casas de subastas. Se seleccionan y nombran algunos de éstos y se realiza una comparativa con las nuevas tendencias cambiantes experimentadas a raíz de la crisis.A modo de conclusión, se vislumbra cómo, a su vez, este mundo del arte está comenzando a cambiar en una especie de intento por volver a sus orígenes de finalidad más social. Sin duda, un evento de cambio acelerado también por la influencia de las nuevas tecnologías de la información y comunicación digital.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5864
Formas del tiempo y la memoria en el arte contemporáneo latinoamericano
Authors: Maddonni Alejandra Viviana
Published: October 2017

A lo largo de la historia del arte, el espacio y el tiempo se han abordado como categorías separadas. En efecto, la concepción moderna definió al tiempo como el ámbito donde las cosas suceden y   al espacio donde las cosas están. En este esquema, el tiempo es progresivo, posible de medir en términos de sucesos que se presentan con un patrón homogéneo. El proyecto de la modernidad, en su implacable búsqueda de certezas, ha necesitado  de esta escisión y otras   -como la separación forma – contenido- , a fin de borrar toda incertidumbre  e inestabilidad. De este modo algunas categorías de análisis han quedado fuera de la mirada moderna, aún hasta nuestros días. El cuerpo, lo monstruoso, el misterio, el tiempo detenido, la intensidad, la experiencia, lo complejo, lo múltiple, lo suspendido, lo no lineal y lo sugerido son sólo algunas de las dimensiones con las que la contemporaneidad teje la trama de sus obras. El arte contemporáneo reconfigura la temporalidad. El tiempo y el espacio unidos se construyen con la obra, son la obra. Permite nuevos modos de percepción y nos ofrece otro modo de ver el mundo a través de operaciones cognitivas complejas. A través del análisis crítico de un conjunto de artistas latinoamericanos, este texto intenta generar un entramado de vínculos y tensiones entre  sus producciones visuales, sus poéticas y los modos contemporáneos del tiempo, la materialidad y el contexto. Los artistas seleccionados Ana Mendieta (Cuba), Graciela Sacco (Argentina), Lucy Argueta (Honduras), Jorge Macchi (Argentina), Alfredo Jaar (Chile)  y Regina Galindo (Guatemala)  han trabajado en buena parte de su producción con el cuerpo. Presente o ausente. Único o múltiple. Como tema, soporte, forma y contenido. Como posicionamiento cultural, social y político. Como devenir temporal, memoria y territorio en disputa permanente.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5875
Investigaciones excéntricas, prácticas excepcionales
Authors: Rowan Jaron
Published: October 2017

Si como nos recuerda Latour, la modernidad ha consistido en separar las ciencias naturales de las sociales, la naturaleza de la política, en el siguiente artículo se formula cómo se podrían diseñar espacios en los que recuperar formas de conocimiento y hacer que escapen de estas clasificaciones binarizantes. Lugares excéntricos en los que las palabras y las cosas se reencuentren, en los que la estética y la política, saberes normativos y conocimientos salvajes puedan cohabitar.
Por una investigación intermedia
Authors: Sánchez de Serdio Martín Aida
Published: October 2017

La posibilidad de llevar a cabo procesos de investigación entre lo académico y lo extra-académico en el campo de la cultura y el arte se encuentra en la actualidad con una serie de dificultades. La separación entre la investigación producida en la universidad y los campos a los que hace referencia, la falta de recursos y de incentivos para investigar en el ámbito de la producción cultural, y las formas de circulación de la investigación son solo algunos de los aspectos que requieren un debate si aspiramos a cambiar este estado de cosas.
Patadas en la calle
Authors: Colomer Jordi
Published: October 2017

http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.6913
Impact of a Fieldwork Experience on Attitudes Toward People With Intellectual Disabilities
Authors: Sullivan Allison , Mendonca Rochelle
Published: October 2017

OBJECTIVE. The objective of this study was to describe the effects of curriculum activities on changing attitudes of health professional students toward people with intellectual disabilities (IDs).

METHOD. A nonrandomized, pretest–posttest design was used. Participants were college students assigned to one of three groups: two groups of students from different years in the occupational therapy program and one group of public health students. Each group completed the Attitudes Toward Intellectual Disabilities Questionnaire before and after each intervention.

RESULTS. No significant differences were found in change of attitude after a lecture on the effects of stigma on people with disabilities. Length of time in program, age, and amount of experience with people with IDs affected changes in attitude for occupational therapy students after a fieldwork intervention.

CONCLUSION. Level I fieldwork significantly improved the attitudes of occupational therapy students toward people with IDs, whereas a lecture did not.
The influence of deep convection on HCHO and H2O2 in the upper troposphere over Europe
Authors: Bozem Heiko , Pozzer Andrea , Harder Hartwig , Martinez Monica , Williams Jonathan , Lelieveld Jos , Fischer Horst
Published: October 2017

Abstract. Deep convection is an efficient mechanism for vertical trace gas transport from Earth's surface to the upper troposphere (UT). The convective redistribution of short-lived trace gases emitted at the surface typically results in a C-shaped profile. This redistribution mechanism can impact photochemical processes, e.g. ozone and radical production in the UT on a large scale due to the generally longer lifetimes of species like formaldehyde (HCHO) and hydrogen peroxide (H2O2), which are important HOx precursors (HOx =  OH + HO2 radicals). Due to the solubility of HCHO and H2O2 their transport may be suppressed as they are efficiently removed by wet deposition. Here we present a case study of deep convection over Germany in the summer of 2007 within the framework of the HOOVER II project. Airborne in situ measurements within the in- and outflow regions of an isolated thunderstorm provide a unique data set to study the influence of deep convection on the transport efficiency of soluble and insoluble trace gases. Comparing the in- and outflow indicates an almost undiluted transport of insoluble trace gases from the boundary layer to the UT. The ratios of out : inflow of CO and CH4 are 0.94 ± 0.04 and 0.99 ± 0.01, respectively. For the soluble species HCHO and H2O2 these ratios are 0.55 ± 0.09 and 0.61 ± 0.08, respectively, indicating partial scavenging and washout. Chemical box model simulations show that post-convection secondary formation of HCHO and H2O2 cannot explain their enhancement in the UT. A plausible explanation, in particular for the enhancement of the highly soluble H2O2, is degassing from cloud droplets during freezing, which reduces the retention coefficient.
Intercomparison of total column ozone data from the Pandora spectrophotometer with Dobson, Brewer, and OMI measurements over Seoul, Korea
Authors: Kim Jiyoung , Kim Jhoon , Cho Hi-Ku , Herman Jay , Park Sang Seo , Lim Hyun Kwang , Kim Jae-Hwan , Miyagawa Koji , Lee Yun Gon
Published: October 2017

Abstract. Daily total column ozone (TCO) measured using the Pandora spectrophotometer (no. 19) was compared with data from the Dobson (no. 124) and Brewer (no. 148) spectrophotometers, as well as from the Ozone Monitoring Instrument (OMI) (with two different algorithms, Total Ozone Mapping Spectrometer (TOMS) TOMS and differential optical absorption spectroscopy (DOAS) methods), over the 2-year period between March 2012 and March 2014 at Yonsei University, Seoul, Korea. Based on the linear-regression method, the TCO from Pandora is closely correlated with those from other instruments with regression coefficients (slopes) of 0.95 (Dobson), 1.00 (Brewer), 0.98 (OMI-TOMS), and 0.97 (OMI-DOAS), and determination coefficients (R2) of 0.95 (Dobson), 0.97 (Brewer), 0.96 (OMI-TOMS), and 0.95 (OMI-DOAS). The daily averaged TCO from Pandora has within 3 % differences compared to TCO values from other instruments. For the Dobson measurements in particular, the difference caused by the inconsistency in observation times when compared with the Pandora measurements was up to 12.5 % because of diurnal variations in the TCO values. However, the comparison with Brewer after matching the observation time shows agreement with large R2 and small biases. The TCO ratio between Brewer and Pandora shows the 0.98 ± 0.03, and the distributions for relative differences between two instruments are 89.2 and 57.1 % of the total data within the error ranges of 3 and 5 %, respectively. The TCO ratio between Brewer and Pandora also is partially dependent on solar zenith angle. The error dependence by the observation geometry is essential to the further analysis focusing on the sensitivity of aerosol and the stray-light effect in the instruments.