bluuebunny/crossref_metadata_2025 huggingface dataset:
Музыкально-просветительская деятельность Ма Сыцуна
Authors: Му Ц.
Published: December 2024

Статья посвящена музыкально-просветительской деятельности выдающегося китайского музыканта XX века Ма Сыцуна (1912–1987). Основоположник национальной скрипичной школы Китая, Ма Сыцун в разные годы работал не только в Китае, но также в Европе и США, распространяя в мировой аудитории самобытность и уникальную красоту китайской музыки. Ярко проявивший себя как композитор и педагог, он на протяжении всей жизни уделял большое внимание музыкальному воспитанию широких масс китайского народа. В данном исследовании музыкально-просветительская деятельность Ма Сыцуна рассматривается в контексте становления китайской национальной музыки и основных этапов ее развития. Также исследуются многообразные формы музыкального просветительства, в которых талант Ма Сыцуна раскрылся особенно заметно: скрипичное исполнительское искусство, организация общедоступных концертов (как в крупных городах, так и в глубинке), создание и руководство музыкальными коллективами, издательская деятельность. На основании изучения творческой биографии Ма Сыцуна автор статьи приходит к выводу: по масштабу просветительского вклада в национальную музыкальную культуру он сопоставим с Ф. Мендельсоном, Ф. Листом, М. Балакиревым, Дж. Энеску, Л. Бернстайном.

The article is devoted to the musical and educational activities of the outstanding Chinese musician of the 20th century, Ma Sicong (1912–1987). The founder of the National Violin School of China, Ma Sicong worked not only in China, but also in Europe and the USA in different years, spreading the originality and unique beauty of Chinese music to the world audience. Prominent as a composer and teacher, throughout his life he paid great attention to the musical education of the broad masses of the Chinese people. In this study, the musical and educational activities of Ma Sicong are considered in the context of the formation of Chinese national music and the main stages of its development. Various forms of musical enlightenment are also explored, in which Ma Sicong's talent was revealed most noticeably: violin performing art, organization of public concerts (both in large cities and in the outback), creation and management of musical groups, publishing activities. Based on the study of the creative biography of Ma Sicong, the author of the article comes to the conclusion that the scale of his educational contribution to the national musical culture is comparable to F. Mendelssohn, F. Liszt, M. Balakirev, J. Enescu, L. Bernstein
Complementary use of music in art history teaching
Authors: Donin A.N.
Published: December 2024

The intensification of assimilation by university students in the study of the history of fine art and architecture can be achieved by the complementary use of other types of art — primarily music. The teacher must determine the correspondence between specific works of painting, graphics, sculpture and architecture on the one hand and musical examples on the other. The correspondence can be based on various analogies and associations, similarity of content (plot), stylistic or chronological generality, expression of close psychological states. The complementary series may include works of other types of art — in particular, literature. It is not always possible to find such matches, so this method is not mandatory. Its unreasonable use can cause cognitive dissonance in recipients. Intermediate and final control is advisable. The article provides various examples of such correspondences in content (in particular, in the plot), in psychological parameters (in particular, in mood), correspondence in artistic direction or style, in chronology (and, quite possibly, in content), as well as in form. The examples given include works of Russian and foreign fine art and architecture of various trends and styles from Antiquity to the twentieth century. A number of complementary samples contain works or fragments of works of Russian and foreign music from the XV century to the present.

Интенсификация усвоения студентами вузов при изучении истории изобразительного искусства и архитектуры может быть достигнута комплементарным использованием других видов искусства — прежде всего, музыки. Преподаватель должен определить соответствия между конкретными произведениями живописи, графики, скульптуры и архитектуры с одной стороны и музыкальными примерами с другой. В основе соответствия могут лежать различные аналогии и ассоциации, сходство содержания (например, сюжета), стилистическая или хронологическая общность, выражение близких психологических состояний. Комплементарный ряд может включать произведения других видов искусств — в частности, литературы. Найти подобные соответствия возможно далеко не всегда, поэтому данный метод не является обязательным. Его необоснованное применение может вызвать у реципиентов когнитивный диссонанс. Целесообразен промежуточный и итоговый контроль. В статье приведены разнообразные примеры подобных соответствий по содержанию (в частности, по сюжету), по психологическим параметрам (в частности, по настроению), соответствия по художественному направлению или стилю, по хронологии (и, вполне возможно, по содержанию), а также по форме. Приведенные примеры включают произведения русского и зарубежного изобразительного искусства и архитектуры разных направлений и стилей от Античности до ХХ века. Комплементарный ряд образцов содержит произведения или фрагменты произведений русской и зарубежной музыки от XV века до современности.
И. Феделе. Hommagesquisse (2015) для виолончели соло: опыт анализа
Authors: Цареградская Т.В.
Published: December 2024

Статья посвящена аналитическому разбору пьесы Hommagesquisse для виолончели соло итальянского современного композитора Ивана Феделе (р. 1953). В пьесе, написанной по особому случаю (к юбилею П. Булеза), по аналогии с аналитическим методом Ж. Ж. Натье выделяются элементы анализа (фигуры) и рассматриваются весь комплекс их звуковысотных, ритмических, формообразующих отношений (в соответствии с семиологическим методом Натье и особенно его первой фазой — нейтральным уровнем). Анализируются варианты изменения «контура» фигур, и мелкие, но существенные для этой пьесы вариантные преобразования, с которыми работает Феделе. В итоге складывается картина, при которой композиция, основанная на, казалось бы, незначительных вариантных преобразованиях, приобретает сходство с классическими формальными моделями.

The article is devoted to the analytical analysis of the piece Hommagesquisse for solo cello by the Italian contemporary composer Ivan Fedele (b. 1953). The piece, written for a special occasion (P. Boulez's jubilee), by analogy with J. J. Nattier's analytical method, highlights the elements of analysis (figures) and considers the whole complex of their pitch, rhythmic, form-form relations (in accordance with Nattier's semiotic method and especially its first phase — the neutral level). The variants of figure's "contour" changes are analyzed, as well as minor, but essential for this piece, variant transformations, with which Fedele works. The result is a picture in which the composition, based on seemingly insignificant variation transformations, takes on a similarity to classical formal models.
Китайская рок-музыка 1980-х годов и ее лидер Цуй Цзянь
Authors: Юй Т.
Published: December 2024

Китайская рок-музыка 1980-х годов вошла в историю и культуру Китая как символ периода «реформ и открытости». Настроения бунтарства и свободы запечатлены в творчестве ярких фигур китайского рока. Автор данной статьи останавливается на творчестве Цуй Цзяня — «патриарха» китайского рока и значительного представителя рок-музыки 80-х годов прошлого столетия. Цуй Цзянь проходит трудный путь от полного заимствования западной стилистики через поиск баланса национальных и универсальных черт музыки до окончательного оформления в самобытное явление рока «с китайским характером». В статье представлен анализ наиболее популярных композиций Цуй Цзяня, в которых заметно прорастание национального начала. Сохраняя универсальные качества рок-музыки, музыкант последовательно включал в свои песни национальную мелодику, опору на китайские лады, дополняя общее звучание тембрами традиционных инструментов. Диалог национального и инокультурного, «своего» и «чужого» оказался существенным для рок-музыки в Китае. Цуй Цзянь создает стиль с узнаваемым национальным колоритом, который воспроизводится не при помощи комбинаторики народных элементов, но как некая целостная данность, не разлагаемая на мотивы, лады, ритмы.

Chinese rock music of the 1980s entered Chinese history and culture as a symbol of the period of "reform and opening up". The mood of rebellion and freedom is depicted in the works of bright figures of Chinese rock. The author of this article focuses on Cui Jian - the "patriarch" of Chinese rock and a significant representative of rock music in the 80s. Cui Jian goes through a difficult path, from full adoption of Western stylistics through the search for a balance of national and universal features of music to the final formation into a distinctive phenomenon of rock "with a Chinese character". The article provides an analysis of Cui Jian's most popular compositions, in which a germinating national character is evident. Retaining universal qualities of rock music, the musician consistently included into his songs national melodics and Chinese harmonies, supplementing the overall sound with the timbres of traditional instruments. The dialogue of national and foreign cultures, of "its own" and "foreign", was essential for rock music in China. Cui Jian creates a style with recognizable national colour, which is reproduced not through combinations of folk elements, but as an integral reality, not disintegrated into motifs, harmonies and rhythms.
«Китайская рапсодия» № 3 op. 46 Хуан Аньлуня как первое оригинальное сочинение для саксофона китайского композитора
Authors: Чжоу И.
Published: December 2024

Целью статьи является введение в проблемное поле музыковедения ранее не изученного первого оригинального произведения для саксофона — «Китайской рапсодии» № 3 op. 46 китайского композитора Хуан Аньлуня (1988). Автором рассмотрены предпосылки формирования оригинального репертуара для этого инструмента, а также осуществлен подробный структурно-семантический анализ произведения. Выявлено, что композитору удалось органично синтезировать элементы традиционной китайской музыки на уровне формы и звуко-интонационных деталей (мелизматика, glissando, штрихи) с западноевропейскими академическими традициями жанра (прежде всего, романтической рапсодии). Особое внимание в процессе анализа уделено изучению трактовки партии саксофона, которое показало, что перед исполнителем ставятся серьезные профессиональные задачи: владение легкой виртуозной техникой, точное интонирование сложных скачкообразных мелодий, требующее особого внимания к ровности звучания регистров и высоких звуков саксофонного диапазона. Исследование показало, что появление произведения подобного уровня свидетельствует о новом уровне развития китайской саксофонной школы в ХХ веке.

The purpose of the article is to introduce into the problematic field of musicology the first original work for saxophone, which has not been studied before, "Chinese Rhapsody" No. 3 op. 46 by Chinese composer Huang Anlun (1988). The author considers the prerequisites for the formation of the original repertoire for this instrument, and also carried out a detailed structural and semantic analysis of the work. It is revealed that the composer managed to organically synthesize elements of traditional Chinese music at the level of form and sound-intonation details (melismatics, glissando, touches) with Western European academic traditions of the genre (primarily, romantic rhapsody). Particular attention in the process of analysis was paid to the study of the interpretation of the saxophone part, which showed that the performer is faced with serious professional tasks: mastery of light virtuoso technique, accurate intonation of complex jumpy melodies, requiring special attention to the evenness of the sound of registers and high sounds of the saxophone range. The study showed that the appearance of a work of this level indicates a new level of development of the Chinese saxophone school in the 20th century.
Жизнь и судьба музыканта (к столетию С. М. Хентовой)
Authors: Гуревич В.А.
Published: December 2024

В центре внимания автора статьи — непростая судьба, творческое и научное наследие советской пианистки, музыковеда, педагога, журналистки — Софьи Михайловны Хентовой (1922–2002). В. А. Гуревич стремится показать читателям живой портрет незаурядной, одаренной личности, профессионального музыканта с несгибаемой волей и твердыми принципами, одновременно наполняя повествование теплыми личными воспоминаниями о Софье Хентовой — своей матери. Малоизвестные страницы биографии, правдиво и искренне изложенные в статье, включают сведения о детстве, обучении у Е. Р. Шуман (родственнице Роберта Шумана), годах эвакуации в Горьком, тяжелых условиях жизни в коммунальной квартире послевоенного Ленинграда, первых педагогических успехах в школе-десятилетке при Ленинградской консерватории, научных опытах. С. М. Хентовой принадлежит ряд монографий о ведущих пианистах — Эмиле Гилельсе, Ване Клиберне, Маргарите Лонг, Артуре Рубинштейне, Льве Оборине. Венцом исканий Хентовой-исследователя стала четырехтомная монография о Д. Д. Шостаковиче, высоко оцененная самим композитором. Автор статьи отмечает несправедливое отношение к фундаментальному труду о Шостаковиче С. М. Хентовой зарубежных музыковедов, усматривающих в ней лишь элементы советской идеологии. Между тем именно ее исследовательские находки — записи воспоминаний очевидцев, бесед с великим советским композитором — послужили фундаментом, без которого немыслимо современное шостаковичеведение.

he author focuses on the difficult destiny, creative and scientific heritage of the Soviet pianist, musicologist, teacher and journalist Sofia Mikhailovna Khentova (1922–2002). Gurevich V. A. wants to show the reader a portrait of an extraordinary and talented person, a professional musician with an inflexible will and firm principles. At the same time he fills the narration with warm personal memories about Sofia Khentova — his mother. The little known pages of her biography, faithfully and sincerely reflected in the article, include data on her childhood, her education by E. R. Schuman (a relative of Robert Schuman), the years of evacuation in Gorky, difficult living conditions in a communal flat in post-war Leningrad, first pedagogical successes in the ten-year school of the Leningrad Conservatory, and her scientific works. She wrote a number of monographs about leading pianists — Emil Gilels, Van Cliburn, Margarita Long, Arthur Rubinstein and Lev Oborin. The crowning achievement of Khentova's research was her four-volume monograph on D. D. Shostakovich, which was highly praised by the composer himself. The author of the article notes that Khentova's fundamental work about Shostakovich has been unfairly evaluated by foreign musicologists, who see only elements of Soviet ideology in it. Meanwhile, her research findings, i. e. notes of witnesses' recollections, interviews with the great Soviet composer, provide a basis, without which the contemporary Shostakovich studies are unthinkable.
Роль И. А. Рупина в становлении русской национальной вокальной школы
Authors: Сережина Д.А.
Published: December 2024

В статье рассматривается роль Ивана Алексеевича Рупина в вокальном искусстве первой половины XIX века, когда русская музыка стала вбирать в себя принципы европейской традиции и сочетать их с народным материалом. Данное исследование мотивировано необходимостью раскрыть отдельные страницы истории русского вокального искусства и выявить импульсы перехода народной песни от музыки обиходной (прикладной) к преподносимой (автономной). Будучи исполнителем романсов и оперных арий, Иван Алексеевич Рупин уделял большое внимание русской народной песне. Он стал первым использовать ее в собственной обработке в дивертисментах, куда также входили отрывки из опер и балетов. В его обработках русский колорит, отраженный в интонационном строе мелодии, поэтическом тексте песен, сочетается с европейским виртуозным стилем — с пассажами и украшениями, характерными для итальянской оперы, а также с гармонизацией. Такой синтез получил название «русский колоратурный стиль» и зародился он в творчестве Ивана Алексеевича Рупина. Аккомпанемент в обработках Рупина напоминает гитарную фактуру, которая была характерна для домашнего музицирования в начале XIX века. Колоратурный стиль Рупина нашел продолжение и в операх М. И. Глинки.

The article deals with the role of Ivan A. Rupin in the vocal art of the first half of the 19th century, when Russian music began to absorb the principles of European tradition and to combine them with the folk material. This study is motivated by the necessity of revealing separate pages of the history of Russian vocal art and revealing impulses of the transition of folk song from its applied function to an autonomous one. As a chamber performer of romances and opera arias, Ivan Alexeyevich Rupin paid much attention to Russian folk songs. He was the first to use it in his own arrangements in divertissements which also included extracts from operas and ballets. His arrangements combine Russian colour, reflected in the breadth of the melody, intonations and lyrics, with European virtuoso style — with passages and embellishments typical for Italian opera as well as harmonisation. This synthesis is called the "Russian coloratura style" and it emerged in the music of Ivan Alexeyevich Rupin. The accompaniment in Rupin's arrangements recalls the guitar texture that was characteristic of music-making at home at the beginning of the 19th century. Rupin's coloratura style found a continuation in the operas of Mikhail Ivan Glinka. Keywords: I. A. Rupin, folk song, genre, adaptation of folk songs, romance, coloratura style
Полька, или «невеселая» жизнь веселого жанра
Authors: Сыров В.Н.
Published: December 2024

Полька рассматривается в контексте эволюции от обиходного к преподносимому жанру. «Артизация» польки, таким образом, предстает как процесс становления художественной формы с выходом на уровень концептуального осмысления драматургического процесса. В качестве аналитического материала привлекаются пьесы русских авторов. Особый интерес представляют те из них, в которых жанр польки трансформируется в полечность и, объединяясь с элементами других жанров, образует подобие полижанрового синтеза, который А. Альшванг определил как «обобщение через жанр» [1, с. 97–105]. Рассматривается содержательный аспект подобных явлений, их выразительно-смысловое звучание, мигрирующее от «беззаботного веселья» к драматизму «плясок смерти».

Polka is considered in the context of the evolution from the everyday to the presentable. The «artization» of the Polka, thus, appears as a process of the formation of an artistic form with access to the level of conceptual understanding of the dramatic process. Plays by Russian authors are used as analytical material. Of particular interest are those in which the polka genre is transformed into a polka and, combining with elements of other genres, forms a kind of multi-genre synthesis, which A. Alshvang defined as «generalization through genre» [1, pp. 97–105]. The article considers the content aspect of such phenomena, their expressive and semantic sound, migrating from «carefree fun» to the drama of «death dances».
«Оттепель» и додекафония: ностальгические заметки (к публикации русского перевода книги Б. Шеффера «Классики додекафонии»)
Authors: Левая Т.Н.
Published: December 2024

Статья написана в связи с идеей опубликовать русский перевод книги известного польского ученого Богуслава Шеффера «Классики додекафонии» (1961, 1964), выполненный в свое время Борисом Семеновичем Гецелевым. Переводчик обратился к первой («исторической») части труда Шеффера, наиболее интересной в концепционном отношении (вторая часть книги, практическая, представляет собой хрестоматию из большого числа нотных примеров с комментариями автора). Центральное место в исследовании Шеффера занимает обзор современной музыки с точки зрения зарождения и эволюции додекафонного метода композиции. В поле его внимания оказываются и сами классики додекафонии — Шенберг, Берг, Веберн, — и несколько поколений их последователей из разных стран и континентов. Между тем, увлечение додекафонией коснулось и советских композиторов эпохи «оттепели», хотя в силу политики железного занавеса их имена не попадали на страницы западных изданий. В предлагаемой статье комментируются дискуссии вокруг додекафонии, происходившие в годы «оттепели», в том числе полемика, возникшая на «додекафонном пленуме» 1966 года. Особое внимание уделяется Горьковской (Нижегородской) консерватории, которая являлась в те годы одним из центров изучения новой музыки и генератором контактов с польскими композиторами и музыковедами, свидетельством чего стала композиторская, научная и переводческая деятельность Бориса Семеновича Гецелева

The article was written in connection with the idea to publish a Russian translation of the book by the famous Polish scientist Bohuslav Scheffer «Classics of Dodecaphony» (1961, 1964), made at the time by Boris Getselev. The translator turned to the first («historical») part of Schaeffer's work, which is the most interesting conceptually (the second part of the book, practical, is a textbook of a large number of musical examples with the author's comments). The central place in Schaeffer's research is occupied by an overview of modern music from the point of view of the origin and evolution of the dodecaphone method of composition. In the field of his attention are the classics of dodecaphony themselves — Schoenberg, Berg, Webern — and several generations of their followers from different countries and continents. Meanwhile, the fascination with dodecafonia also affected Soviet composers of the «thaw» era, although due to the policy of the Iron Curtain, their names did not appear on the pages of Western publications. The proposed article comments on the discussions around dodecafonia that took place during the «thaw», including the controversy that arose at the «dodecafon plenum» of 1966. Particular attention is paid to the Gorky (Nizhny Novgorod) Conservatoire, which was in those years one of the centers for the study of new music and a generator of contacts with Polish composers and musicologists, as evidenced by the compositional, scientific and translation activities of Boris Semyonovich Getselev.
«Хаос» Й. Славенски: возрождение ричеркара
Authors: Евдокимова А.А.
Published: December 2024

Выдающий композитор Йосип Славенски (1896–1955) является одним из основоположников сербской симфонической музыки. В статье рассматривается его произведение «Хаос», написанное в 1934 году для органа и симфонического оркестра. Выявлены предпосылки данного сочинения, проявившиеся ранее в творчестве композитора, в частности, в квинтете «На селе» и «Религиозной сонате», написанной для скрипки и органа. В данных произведениях южнославянский характер тематизма сочетается со сложными полифоническими приемами развития. В «Хаосе» полифоническая техника становится основой формы ричеркара — редкой для сочинений ХХ века. Реализуя замысел — создание музыкальной картины процесса возникновения вселенной — Славенски строит ричеркар, сочетая традиционные и новаторские особенности. В основе лежит универсальная идея (серия, охватывающая все 12 тонов). Движущееся от исходной точки (звука «с») через 12-тоновую горизонталь, усложняющиеся полифонические сочетания (включающие ритмическое варьирование, стреттные имитации, инверсии, ракоход), развитие идет к максимальному расширению вертикали, завершаемой 12-ступенном аккордом. Чередование разделов ричеркара складывается в единый организм с закономерно усложняющейся внутренней структурой. Это является отражением универсального процесса развития и вселенной, и других явлений объективной действительности.

Outstanding composer Josip Slavensky (1896–1955) is one of the founders of Serbian symphonic music. The article discusses his work «Chaos», written in 1934 for organ and symphony orchestra. The prerequisites of this composition are revealed, manifested in the quintet «In the countryside» and «Religious Sonata» written for violin and organ. In these works, the national South Slavic character of thematism is combined with complex polyphonic development techniques. In «Chaos», the polyphonic technique becomes the basis of the ricercar form — a rare composition for the twentieth century. Realizing the idea — the creation of a musical picture of the process of the emergence of the universe — Slavensky builds a ricercar, combining traditional and innovative features. It is based on a universal idea (a series covering all 12 tones). Moving from the starting point (sound «c») through a 12-tone horizontal, complicated polyphonic combinations (including rhythmic variation, stretch imitations, inversions, crustacean), the development goes to the maximum expansion of the vertical, completed by a 12-step chord. The alternation of the sections of the ricercar develops into a single organism with a naturally complicated internal structure. This is a reflection of the universal process of development of the universe and other phenomena of objective reality.
Антитеза язычества и христианства в балетах Валерия Кикты «Владимир-Креститель» и «Андрей Рублев»
Authors: Шемсетдинова Д.М.
Published: December 2024

Балеты советского и российского композитора В. Г. Кикты «Владимир-Креститель» и «Андрей Рублев» являются знаковыми произведениями не только в контексте творческой биографии композитора, но и отечественной музыкальной культуры второй половины XX – начала XXI вв. в целом. В них образы Древней Руси нашли яркое и оригинальное претворение. В приведенной статье балеты Кикты рассматриваются сквозь призму противопоставления двух начал: языческого и христианского, которые проявляют себя как на идейно-смысловом уровне, так и на уровне музыкального языка. Автор предлагаемой работы ставит перед собой цель проанализировать балеты композитора «Владимир-Креститель» и «Андрей Рублев» в обозначенном аспекте. Нашими задачами стали рассмотрение жанрово-стилевых особенностей «языческой» и «христианской» сфер в данных сочинениях, а также выявление общих черт творческого почерка В. Г. Кикты и И. Ф. Стравинского. Кроме того, в статье выявляется сочетание в балетах Кикты архетипов языческой и христианской мистерий. Подспорьем для написания статьи послужили монографические работы о творчестве В. Г. Кикты, а также обзорные публикации, посвященные проблемам неофольклоризма и нового религиозного движения.

The ballets of the Soviet and Russian composer V. G. Kikta "Vladimir the Baptiser" and "Andrey Rublev" are significant works not only in the context of the composer's creative biography, but also in the domestic musical culture of the second half of the 20th – early 21st centuries in general. In these works, the images of Ancient Russia found a bright and original implementation. In this article, Kikta's ballets are considered through the prism of the opposition of two principles: pagan and Christian, which manifests itself both at the ideological and semantic level, and at the level of musical language. The author of the proposed work aims to analyze the composer's ballets "Vladimir the Baptiser" and "Andrey Rublev" in the indicated aspect. Our tasks were to consider the genre and style features of the "pagan" and "Christian" spheres in these works, as well as to identify the common features of the creative style of V. G. Kikta and I. F. Stravinsky. In addition, the article reveals the combination of archetypes of pagan and Christian mysteries in Kikta's ballets. The article is based on monographic works on the creativity of V. G. Kikta, as well as Review publications devoted to the problems of neo-folklorism and the new religious movement.
Особенности становления камерно-инструментального ансамбля в Китае (1916–1949)
Authors: Сяо Ц.
Published: December 2024

Статья посвящена первому этапу истории развития камерно-инструментальных жанров в китайской музыке ХХ века. Актуальность и новизна данной темы обусловлены, с одной стороны, успехами китайских композиторов в освоении данной жанровой группы в настоящее время, с другой стороны, — ее малой изученностью в современном зарубежном и российском музыковедении. Автор рассматривает период становления камерно-инструментальных жанров в Китае, делая акцент на ансамбле с участием фортепиано. В статье осмыслены культурно-исторические предпосылки развития интереса китайской аудитории к камерно-инструментальной музыке, начиная с XVI века, обозначена роль первопроходцев в данном направлении в первые десятилетия ХХ века (Сяо Юмэй, Хуан Цзы, Сянь Синхай), а также создателей классических образцов жанра камерно-инструментального ансамбля с участием фортепиано в 1930–1940-е годы (Ма Сыцун, Цзян Вэнье). Несмотря на последовавший период забвения, именно достижения начального периода послужили той почвой, на которой произошел расцвет жанра в 1980-е годы, а в последнее десятилетие XX века — укрепление его положения как одного из всемирно признанных достижений китайской музыки.

The article is devoted to the first stage in the history of the development of chamber instrumental genres in Chinese music of the 20th century. The relevance and novelty of this topic are due, on the one hand, to the success of Chinese composers in mastering this genre group at the present time, on the other hand, to its low level of study in modern foreign and Russian musicology. The author examines the period of formation of chamber-instrumental genres in China, focusing on the ensemble with the participation of the piano. The article comprehends the cultural and historical prerequisites for the development of the interest of the Chinese audience in chamber instrumental music, starting from the 16th century, the role of pioneers in this direction in the first decades of the 20th century (Xiao Yumei, Huang Zi, Xian Xinghai), as well as the creators of classical examples of the genre chamber-instrumental ensemble with the participation of the piano in the 1930s – 1940s (Ma Sytsun, Jiang Wenye). Despite the subsequent period of oblivion, it was the achievements of the initial period that served as the ground on which the genre flourished in the 1980s, and in the last decade of the 20th century, strengthened its position as one of the world-renowned achievements of Chinese music.
К проблеме историзма в опере М. П. Мусоргского «Борис Годунов». Часть 1: Соперник и Судия
Authors: Зейфас Н.М.
Published: December 2024

Понятие историзма как категории художественного мышления формировалось в XIX веке в связи с бурным расцветом исторических наук и взрывом интереса к истории в разных слоях общества. В плеяде крупнейших композиторов, творчески осмысливших прошлое своих народов, М. П. Мусоргский занимает особое место. Литературными истоками «Бориса Годунова» композитор назвал «Историю Государства Российского» Н. M. Карамзина и трагедию А. С. Пушкина, посвященную памяти основоположника новой отечественной историографии. Отражая в художественной форме систематизированное Карамзиным сплетение конфликтов, Пушкин смещал историческое время, соединял реальные факты с вымышленными, изменял детали биографии исторических персонажей, создавал собирательные образы. В свою очередь Мусоргский, руководствуясь собственным пониманием сути событий и законами музыкальной драмы, менял место действия или объединял сцены, происходившие в разное время, вводил эпизоды, отсутствующие в трагедии, переосмысливал образы персонажей. При этом он опирался на свидетельства Карамзина и другие документы, что позволило высветить в опере драматургические линии, отсутствующие или только намеченные в трагедии. В первой части работы прослежены две линии противостояния персонажей: Годунов – Шуйский как тайный претендент на престол и Годунов – летописец Пимен, вершащий суд над преступным царем и невольно оказывающийся одним из зачинателей смуты русской.

The concept of historicism as a category of artistic thinking was formed in the 19 century in connection with the rapid flourishing of historical sciences and the explosion of interest in history in different strata of society. In the galaxy of the greatest composers who have creatively comprehended the past of their peoples, M. P. Mussorgsky occupies a special place. The composer called the “History of the Russian State” by N. M. Karamzin and the tragedy of A. S. Pushkin, dedicated to the memory of the founder of the new Russian historiography, the literary origins of “Boris Godunov”. Reflecting in an artistic form the interweaving of conflicts systematized by Karamzin, Pushkin shifted historical time, connected real facts with fictional ones, changed the details of the biography of historical characters, created generalized images. In turn, Mussorgsky, guided by his own understanding of the essence of events and the laws of musical drama, changed the scene or combined scenes that took place at different times, introduced episodes that were absent in the trag- edy, rethought the characters' images. On doing so, he relied on Karamzin's testimonies and other documents, which made it possible to highlight dramatic lines in the opera that were absent or only outlined in the tragedy. In the first part of the article two lines of confrontation of the characters are traced: Godunov – Shuysky as a secret pretender to the throne and Godunov – the chronicler Pimen, who is conducting a trial of the criminal tsar and unwittingly turns out to be one of the instigators of the Russian stifles.
«Страсти по Матфею»: о народном в музыке И. С. Баха
Authors: Петри Э.К.
Published: December 2024

Творчество И. С. Баха изучено основательно, но тем не менее таит в себе много вопросов, в том числе и достаточно принципиальных. Имя Баха является символом немецкой культуры, его музыка должна бы содержать какие-либо приметы, связывающие ее с народной немецкой песней. Интуитивно это ощущают самые разные исследователи от Форкеля до анонимных авторов трактата «De Musica» [1]. Но когда требуется привести конкретные примеры такой связи, возникают затруднения. Бах редко цитировал народные песни, его творчество в основном принадлежит к академической сфере. Для изображения народа в «Страстях по Матфею» Бах, по мнению автора статьи, воспользовался имитацией приемов исполнительства, характерных для немецкого народного ансамблевого и сольного пения. К концу XVIII столетия оно было вытеснено с развитием школьной, церковной, оперной музыки. Сохранился этот вид музицирования в анклавных немецких культурах разных стран, более всего — в России. Отдельные образцы подобного стиля имеются и среди обработок песен композиторов-романтиков с их особым вниманием к народному искусству. Сравнение в нотных примерах народной музыки, обработок народных немецких песен Брамса, Шумана, Регера с хоровыми и сольными фрагментами из «Страстей» и позволяет выявить это наглядно. Бах имел возможность выразить в музыке национальное начало, даже не прибегая к прямому цитированию народных песен.

Creativity J. S. Bach has been studied thoroughly, but, nevertheless, it is fraught with many questions, including quite fundamental ones. The name of Bach is a symbol of German culture, his music should contain some signs that connect it with the German folk song. This is intuitively felt by a variety of researchers from Forkel to the anonymous authors of the treatise De Musica (St. Petersburg, 2004). But when it is required to give specific examples of such a connection, difficulties arise. Bach rarely quoted folk songs, his work mainly belongs to the academic sphere. To portray the crowd in the St. Matthew Passion, Bach, according to the author of the article, used an imitation of performance techniques characteristic of German folk ensemble and solo singing. By the end of the 18th century, it was supplanted with the development of school, church, and opera singing. This type of music-making has been preserved in the enclave German cultures of different countries, most of all in Russia. There are some examples of this style among the arrangements of songs by romantic composers with their special attention to folk art. Comparison in musical examples of samples of folk music, choral and solo fragments from the “Passion” and arrangements of German folk songs by Brahms allows us to clearly identify this. Bach had the opportunity to express the national principle in music without even resorting to direct quotation of folk songs.
Нотная библиотека Р.К. Щедрина в фондах Научно-музыкальной библиотеки имени С.И. Танеева
Authors: Кривицкая Е.Д.
Published: December 2024

В 2022 году исполнилось 90 лет Р.К. Щедрину (р. 1932) – российскому композитору, который сейчас по праву входит в число ныне живущих классиков академической музыки. Это привлекает особе внимание к его творчеству и ко всему, что с ним связано – в том числе к архивам. В статье рассматривается история нотной библиотеки Р.К. Щедрина, которую он передал в дар Научно-музыкальной библиотеки С.И. Танеева Московской консерватории. Это внушительное собрание, включающее 922 экземпляра. В фондах оно распределено между Отделом хранения и Отделом редкостей, где сгруппированы ноты с инскриптами – дарственными надписями от коллег-композиторов, учеников, артистов-исполнителей. Каждый автограф – это ниточка в прошлое, луч, освещающий неизвестные или забытые страницы биографии Р.К. Щедрина. Изучение его библиотеки позволяет существенно уточнить и расширить круг персоналий, с которыми он был связан в течение своей жизни. Эта тема еще не затрагивалась в трудах, посвященных Р.К. Щедрину, и история его нотной коллекции впервые освещается в данной статье. Ключевые слова: Родион Щедрин, Московская консерватория, нотная библиотека, автограф, инскрипт

The 2022 year marks the 90th anniversary of R.K. Shchedrin (b. 1932), a Russian composer who is now rightly among the living classics of academic music. This draws special attention to his work and to everything connected with it, including his archives. This article discusses the history of R.K. Shchedrin's sheet music library, which he donated to the S.I. Taneyev Scientific and Musical Library of the Moscow Conservatory. This is an impressive collection of 922 items. In the collection it is divided between the Storage Department and the Rarities Department, where notes with inscriptions - dedicatory notes from fellow composers, students, artists-performers are grouped. Each inscription is a link to the past, a ray of light that illuminates unknown or forgotten pages of R.K. Shchedrin's biography. A study of his library enables us to considerably clarify and expand the circle of personalities with whom he was associated during his lifetime. This theme has not yet been touched in works devoted to R.K. Shchedrin, and the history of his music collection is discussed for the first time in this article
Бунт во имя традиций: перформансы Георгия Дорохова
Authors: Кожевникова А.Р.
Published: December 2024

В статье анализируются сочинения Георгия Дорохова, которые продолжают эксперименты творческой группы «Флуксус»: «Манифест для трех пенопластов», «Манифест II для деревянных стульев» и «Рондо для звуковых объектов». При всей необычности замысла и инструментария в пьесах прослеживается ряд особенностей, позволяющих говорить о них в русле академической музыки и традиционного формообразования. Музыка Дорохова экспрессивна, нацелена на поиск новых звучаний и красок. Композитор включает в свои партитуры предметы быта (жестяные банки, ведра, молотки, дрели/перфораторы и так далее) или переосмысливает приемы игры на классических инструментах, намеренно ломая концертную рампу и нарушая слушательскую инерцию за счет действий, которые должны выполнять музыканты — будь то игра смычком по пенопластам или физическое уничтожение объектов. Радикальность выразительных средств связана, с одной стороны, с изучением американской экспериментальной музыки 1960-х годов, с другой — с участием композитора в акциях и манифестациях московской группы «арт-активизм». В связи с обновлением инструментария Дорохов обращается к графическим партитурам, которые сопровождаются обширным авторским комментарием

The article analyzes some of the compositions of Georgy Dorokhov, who continue the experiments of the Fluxus creative group: “Manifesto for three foams”, “Manifesto II for wooden chairs” and “Rondo for sound objects”. With all the unusual design and instrumentation in the plays, there are a number of features that allow us to talk about compositions in the mainstream of academic music and traditional shaping, including structures characteristic of the Baroque. Dorokhov's music is expressive, aimed at finding new sounds and colors. The composer includes household items in the scores (tin cans, buckets, hammers, drills / punchers, and so on), or rethinks the techniques of playing classical instruments, deliberately breaking the concert ramp and disrupting the audience's inertia due to the actions that performers must perform: be it playing with a bow on foam or physical destruction of objects. The radicality of expressive means is connected with the study of American experimental music of the 1960s on the one hand, on the other with the participation of the composer in the actions and demonstrations of the Moscow group “art activism”. In connection with the updating of the instrumentation, Dorokhov refers to the graphic scores, which are accompanied by an extensive author's commentary
РОЛЬ НЕНЕЦКОЙ ТРАДИЦИОННОЙ ТЕХНОЛОГИИ В СОХРАНЕНИИ КОЧЕВОГО ОЛЕНЕВОДСТВА АРКТИКИ
Authors: Южаков А.А.
Published: December 2024

В статье анализируется исторический опыт сохранения оленеводства у разных народов Арктической зоны. На основе статистических данных обосновывается вывод о преимуществе ненецкой традиционной технологии оленеводства в тундровой зоне над другими этническими системами. Это преимущество выражается в значительном – на 34% – росте поголовья в период реформирования экономики РФ, сохранении товарного производства оленины в ненецких оленеводческих хозяйствах. В качестве практического предложения обосновывается возможность перемещения в кризисные регионы оленеводства не только оленей, но и оленеводов из ЯНАО. Приводятся результаты перемещения и акклиматизации людей, оленей и собак в ХХ и ХХI вв.

The article analyzes the historical experience of different peoples of the Arctic zone in the preservation of reindeer husbandry. Based on the statistical data, the conclusion is substantiated that the Nenets traditional reindeer herding technology in the tundra zone is superior to other ethnic systems. This advantage is expressed in a significant – 34% – increase in livestock during the period of reforming the economy of the Russian Federation, preserving the commodity production of reindeer meat in the Nenets reindeer herding farms. As a practical proposal, the possibility of moving not only reindeer to the crisis regions of reindeer husbandry, but also reindeer herders from the Yamal-Nenets Autonomous District, is substantiated. The results of movement and acclimatization of people, reindeer and dogs in the XX and XXI centuries are given.
РЕСУРСНЫЙ ПОТЕНЦИАЛ УГЛЕВОДОРОДНОГО СЫРЬЯ КРАСНОСЕЛЬКУПСКОГО РАЙОНА: СОСТОЯНИЕ И ПРОГНОЗНО- АНАЛИТИЧЕСКАЯ ОЦЕНКА
Authors: Солодовников А.Ю.
Published: December 2024

Встатьерассматриваетсяресурсныйпотенциалнефти, газаиконденсата Красноселькупского района. Прослежена приуроченность месторождений к нефтегазовым районам и областям Западно-Сибирской нефтегазоносной провинции. Показано размещение открытых месторождений на географической карте района. Приводятся сведения по величине запасов нефти, природного газа и конденсата по месторождениям и недропользователям. Выполнена прогнозно-аналитическая оценка возможностей сохранения существующих производственных мощностей по добыче углеводородного сырья. Раскрыты основные этапы становления и развития нефтяной и газовой промышленности на территории района с момента открытия месторождений и до наших дней. Приведены перечень разрабатываемых месторождений и объёмы добычи сырья по недропользователям. Показаны причины, обусловившие затяжной ввод в разработку открытых месторождений. Перечислены природные ограничения, сдерживающие геологическое изучение недр и добычу углеводородов. Обоснована значимость добывающего сектора в экономическом развитии района.

Thearticle discusses the resource potential of oil, gasandcondensateof Krasnoselkupsky region. Theassociation of fields with oil and gas regions of the West Siberian oil and gas province is traced. The locations of the discovered deposits are shown on a geographical map of the region. Information on the size of the reserves of oil, natural gas and condensate in the fields and in relation to subsoil users is given. A forecast-analytical evaluation of the possibilities of maintaining the existing production facilities for the extraction of hydrocarbon raw materials was made. The main stages of the formation and development of the oil and gas industry in the region since the discovery of deposits to the present day are revealed. The list of developed fields and the volume of raw materials extraction in relation to subsoil users are given. The reasons for the prolonged commissioning of open deposits are shown. The natural limitations that restrain the geological study of the subsoil and the production of hydrocarbons are listed. The significance of the mining sector in the economic development of the region is substantiated.
ТЯЖЕЛЫЕ МЕТАЛЛЫ В ПОЧВАХ ПРИРОДНЫХ И УРБАНИЗИРОВАННЫХ ЛАНДШАФТОВ ЯМАЛО-НЕНЕЦКОГО АВТОНОМНОГО ОКРУГА
Authors: Абакумов Е.В. , Алексеев И.И.
Published: December 2024

статье приведены результаты исследования экотоксикологического состояния почв городских и природных ландшафтов полуострова Ямал. Анализ полученных данных выявил значительные различия в профильном распределении тяжелых металлов в городских и природных почвах в условиях присутствия многолетней мерзлоты. Распределение тяжелых металлов по профилю как городских, так и природных почв обусловленооднойгруппойфакторов– криотурбационнымипроцессами. Однаковслучаесильногоантропогенного влияния происходит еще большее осложнение структуры почвенного покрова и распределения элементов по профилю почв.

Thearticle presents the results of the study of the ecotoxicological state of the soils ofurbanandnaturallandscapes of the Yamal Peninsula. Analysis of the data obtained revealed significant differences in the profile distribution of heavy metals in permafrost-affected soils. The distribution of heavy metals in both urban and natural soils is determined by one group of factors – cryoturbation processes. However, anthropogenic influence on soils in conditions of urban environment is the leading factor. This leads to higher heterogeneity of heavy metals distribution in soil profiles.
К КОМПЛЕКСНОЙ ОЦЕНКЕ ЭКОЛОГИЧЕСКОГО СОСТОЯНИЯ ЗАПАДНОЙ ЧАСТИ ГОСУДАРСТВЕННОГО ПРИРОДНОГО ЗАКАЗНИКА РЕГИОНАЛЬНОГО ЗНАЧЕНИЯ «НАДЫМСКИЙ»
Authors: Красненко А.С. , Печкин А.С. , Печкина Ю.А. , Кобелев В.О. , Шинкарук Е.В. , Агбалян Е.В.
Published: December 2024

Приведены результаты оценки комплексного экологического состояния ООПТ Надымский заказник назападномучасткеисследования(полигоне). Показаныописаниепочвенногоирастительногопокрова, краткая характеристика гидрографической сети, а также водной биоты.

The results of the assessment of the complex ecological state of the specially protected natural area Nadymsky Nature Reserve in the western part of the study (site) are presented. A description of soil and vegetation cover, a brief descrip tion of the hydrographic network, as well as aquatic biota are shown.