bluuebunny/crossref_metadata_2025 huggingface dataset:
Visualizing Acoustic Space
Authors: Ouzounian Gascia
Published: June 2012

This article explores concepts of acoustic space in postwar media studies, architecture, and spatial music composition. A common link between these areas was the characterization of acoustic space as indeterminate, chaotic, and sensual, a category defined in opposition to a definite, ordered, and rationalized visual space. These conceptual polarities were vividly evoked in an iconic sound-and-light installation, the Philips Pavilion at the 1958 Brussels World Fair. Designed by Le Corbusier, the Philips Pavilion also featured a black-and-white film, color projections, hanging sculptures, and Edgard Varèse’s Poème électronique, a spatial composition distributed over hundreds of loudspeakers and multiple sound routes. Typically remembered as a sequence of abstract sound geometries, the author argues that Poème électronique was instead an allegorical work that told a “story of all humankind.” This narrative was expressed through a series of conceptual binaries that juxtaposed such categories as primitive/enlightened, female/male, racialized/white, and sensual/ rational– contrasts that were framed within the larger dialectic between acoustic and visual space.
Spaces and Places of Opera
Authors: Baker Robert A.
Published: June 2012

Site-specific opera are those works which are either composed for, or produced in (or both) a prescribed space other than that of the opera house. The particular site chosen for the production of such a work has a profound effect on how that work of art is received. Questions are raised with regard to the work’s meaning and its relationship to the time and place of the site in which it is performed. In order to better understand the spatial and temporal richness within site-specific opera, recent productions of European and North American operas from the nineteenth and twentieth centuries are considered. Based upon composer/librettist intentions, the site of the premiere production and its relation to the music-dramatic work, five types of site-specific opera are proposed.
La musique dans l’espace urbain: le cas des Symphonies portuaires de Montréal
Authors: Champagne Éric
Published: June 2012

Après s’être penché sur les origines et la logistique qui sous-tend la réalisation d’une oeuvre musicale pour sirènes de navire, l’auteur explique l’évolution et le raffinement propre à l’écriture des symphonies portuaires réalisées à Montréal depuis 1995. Les particularités de l’espace utilisé (positionnement des navires dans le Vieux-Port, emplacement du public) et les variations notables des conditions d’écoute dues au climat ont façonné ces oeuvres inusitées qui se déploient dans un espace acoustique urbain très large. L’auteur explique en quoi la notion d’espace est une composante intrinsèque pour les compositeurs devant faire face à cet effectif inusité. Il relève, notamment, que les compositeurs instrumentaux appliquent leurs techniques d’écriture « traditionnelles » tandis que les compositeurs issus de la mouvance « musique actuelle » conservent une approche anecdotique du médium portuaire. L’auteur identifie chez les compositeurs d’électroacoustique une réelle réflexion sur les notions d’espace et d’acoustique dans l’élaboration de leur oeuvres, avant de conclure sur la réception de ces manifestations musicales et populaires.
Henry Brant et sa musique1
Authors: Sykes Claire
Published: June 2012

L’auteure nous invite dans l’univers de Henry Brant, grand pionnier de la musique spatialisée. Elle décrit quelques oeuvres aux dispositifs peu communs, comme cette Bran(d)t an de Amstel qui s’étend à travers la ville d’Amsterdam, et le compositeur explique sa démarche dans un entretien réalisé en 1994.
Acoustic Space1
Authors: Schafer R. Murray
Published: June 2012

Starting from McLuhan’s concept of acoustic space, the author discusses how the World Soundscape which he undertook at Simon Fraser University in 1970 set out to put this notion into practice by studying how the soundscape influences all aspects of people’s lives. In the extract published here, the author finds that the sphere is the geometric shape which best describes acoustic space, and discusses the sybolism of the sphere – and of sound – in the cultures of the world.
Denys Bouliane, maître de jeu
Authors: LeBlanc Jimmie
Published: June 2012

D’entrée de jeu, Qualia sui nous subjugue par son travail sur notre relation au temps. Une réflexion qui se déplace graduellement vers le phénomène de la perception dans tout ce qu’il a de plus subjectif et d’introspectif : Qualia sui, ou impression de soi, est une invitation au plaisir des jeux de l’illusion dont nous devenons les sujets. Le lecteur de la partition sera immédiatement frappé par l’usage systématique d’une colorimétrie très personnelle qui consiste à attribuer une couleur à chacun des segments de l’oeuvre ; ce rapport étroit à la couleur nous a conduit à considérer les matériaux constitutifs de Qualia sui en des termes relevant de la sémiologie du langage visuel. D’une approche de la gestuelle motivique qui se prête bien aux catégories de couleur, texture, dimensions, implantation dans le plan, vectorialité et frontières, Qualia sui nous permettra d’approfondir certains des aspects fondateurs de l’écriture de Denys Bouliane.
Ateliers en mouvement
Authors: Donin Nicolas , Theureau Jacques
Published: June 2012

Cette introduction au numéro thématique de Circuit intitulé La fabrique des oeuvres présente différentes raisons de s’intéresser aux processus compositionnels et aux ateliers des compositeurs contemporains.

Une critique de la position de sens commun qui assigne la musicalité à une « boîte noire » (inspiration, superstructures sociales, etc.) débouche sur une série de conditions à remplir pour motiver l’étude de la « boîte à outils » d’une oeuvre ou d’un créateur. La notion d’« atelier » est proposée comme guide pour remplir les conditions précédentes.

L’« atelier » des oeuvres passées peut être connu grâce à la critique génétique, l’analyse musicale et la musicologie historique. Concernant les ateliers du présent, différents problèmes épistémologiques et méthodologiques surgissent ; ils sont discutés sur la base d’un texte de Pascal Dusapin, et en relation avec une étude de l’activité créatrice de Philippe Leroux réalisée par les auteurs. La volonté de réaliser des études de la composition musicale aujourd’hui est à la base de ce numéro, qui propose au lecteur divers points de vue sur la composition, susceptibles de comparaisons et peut-être de généralisations.
Vue sur l’atelier de Salvatore Sciarrino (à partir de Quaderno di Strada et Da Gelo a Gelo)*
Authors: Vinay Gianfranco
Published: June 2012

Dans l’atelier musical de Salvatore Sciarrino il y a très peu d’outils : des carnets, des papiers quadrillés, des papiers à musique, une gomme et des crayons.

Les papiers quadrillés lui servent pour rédiger des diagrammes permettant de fixer et de contrôler le déroulement des figures sonores et des images musicales. Passage essentiel pour la création d’oeuvres instrumentales ou vocales, fondées sur des principes aptes à dramatiser l’agencement, la combinaison et la mise en résonance de ces figures dans l’espace sonore. Après ce travail préliminaire, le compositeur élabore la partition utilisant les signes traditionnels pour rendre ses partitions aussi claires et «universelles» que possible, expliquant dans une table des notes techniques la manière précise de réaliser les effets sonores et les procédés typiques de sa musique.

Étant donné que Sciarrino façonne lui-même les textes de ses oeuvres vocales et théâtrales, cousant ensemble des phrases et des mots extraits de textes de différents auteurs, les carnets ne contiennent pas seulement des esquisses, des réflexions ou des titres d’oeuvres futures, mais aussi des citations recueillies un peu partout et des textes en cours d’élaboration adaptés à ses besoins poétiques, musicales et dramaturgiques. La nécessité de rendre les textes ductiles à son traitement vocal est un des buts principaux de cette élaboration semblable à un trope en creux. La concision et l’abolition des complexités syntaxiques facilitent le travail de fragmentation du texte en syntagmes, lesquels peuvent ainsi s’habiller des petites écailles sonores de ses figures mélodiques.
Une visite à l’atelier de José Evangelista
Authors: Gilbert Nicolas
Published: June 2012

Cet article présente une vue d’ensemble des outils et des méthodes de travail du compositeur José Evangelista. Après avoir discuté de la relation qu’entretient le compositeur avec le piano et l’ordinateur en tant qu’outils compositionnels, on examine le rôle des notes textuelles et des esquisses dans ses habitudes de travail. À l’aide d’exemples tirés des esquisses d’Alap et Gat (1998) et de Viola Song (2002), on découvre une méthode de travail où notes textuelles et esquisses musicales s’enchevêtrent et se fertilisent mutuellement. On constate également que le travail assidu du compositeur sur les procédés hétérophoniques a permis à sa méthode de travail de se développer de façon continue, sans grandes ruptures, au cours des 25 dernières années. On conclut de cet examen que, chez Evangelista, méthode de travail et esthétique constituent un tout organique à l’intérieur duquel la subjectivité du compositeur s’exprime sans entraves.
Vue sur l’atelier d’Elliott Carter (à partir du Triple Duo)
Authors: Vermaelen Denis
Published: June 2012

Après avoir opéré une distinction entre la phase d’élaboration structurelle et le travail de composition proprement dit, cet article s’efforce de dégager la relation qui les unit et leur articulation dans la pensée musicale d’Elliott Carter en montrant précisément, à partir de l’exemple du Triple Duo, comment s’effectue l’interprétation, dans l’écriture, d’un polyrythme de grande ampleur entièrement planifié dans les esquisses conservées à la Fondation Paul Sacher, à Bâle : quelle est la fonction du polyrythme dans la composition ? En quoi le schéma préparatoire est-il déterminant pour le mouvement musical et pourquoi est-il finalement laissé en suspens ?
The Sorcerer as Apprentice: his Notes (The computer in/and teaching the craft of composition)
Authors: Rea John
Published: June 2012

In order to highlight some of the transformations in the practice of composition that occur due to the introduction of computing, the author provides two texts in a special typographical format which he calls ‘parallel processing’.

An allegorical story entitled Wolf-URL together with ensuing texts that deal with interpretations of the allegory, particularly in a section entitled Updaters, Update Now!, attempt to put forward a critical apparatus for dealing with documentation (and underlying ideologies) related to an enquiry, with its non-exhaustive findings, that the author conducted during the spring of 2007 into the transformation of the craft of musical composition since the 1970s. They include musings about the relationship between professor and student composer where the computer plays or does not play a role in the teaching process. The outlines of this enquiry are located in a section entitled Setup Wizard; an assessment model is found in the Assessment Wizard.

By means of this new print format, the reader will be able not only to speed up the reading experience and exchange valuable information between the multiple fragments, but will also be able to draw whatever implications seem fitting from the ongoing juxtaposition.
L’évolution d’un projet compositionnel en relation avec son environnement
Authors: Sprenger-Ohana Noémie
Published: June 2012

Cet article rend compte du processus de composition d’une oeuvre (Concerto pour cor de basset et électronique) d’Elvio Cipollone, accueilli au Cursus de composition et d’informatique musicale de l’Ircam en 2005-2006. Disposant des studios de l’Ircam comme terrain d’observation, cette recherche a suscité des observations, entretiens et enregistrements, effectués afin de recueillir des traces de la genèse de l’oeuvre.

L’influence de l’environnement social est esquissée avec les cas de l’assistant musical (Mikhaïl Malt) et de l’interprète (Alain Billard), mais ce sont principalement des aspects relevant du domaine technique qui sont ici relatés. Le suivi de la production de cette pièce mixte nous a permis de montrer de quelle manière un compositeur peut se servir d’outils conçus pour une large communauté (de compositeurs, mais aussi de chercheurs, et de musicologues) afin de faire émerger et préciser ses idées personnelles, puis de réaliser son oeuvre. Malgré les obstacles rencontrés au long du processus, la préoccupation constante d’adapter les méthodes d’utilisation des outils aux positionnements esthétiques et stylistiques – ici propres à la rencontre de l’univers instrumental avec l’univers électronique – a rendu possible l’engendrement d’une pièce mixte aux sonorités électroniques très présentes, et toutefois fidèle à l’imaginaire musical d’un compositeur particulièrement attaché aux ressources du timbre instrumental.
L’interaction compositeur-ordinateur il y a 25 ans
Authors: Marmaras Nicolas V.
Published: June 2012

L’article concerne une étude ergonomique sur la composition musicale assistée par ordinateur, effectuée en 1982-1983. Le but était d’étudier l’interaction entre compositeur et ordinateur et de saisir la façon dont cet outil nouveau (à l’époque) affectait le processus compositionnel. Cet article se concentre sur les projets de deux compositeurs, qui travaillaient à l’Ircam avec deux systèmes informatiques différents, et sur les contraintes pragmatiques subies par les compositeurs. L’analyse ergonomique effectuée a montré que le processus compositionnel de deux compositeurs se caractérisait par trois étapes: (i) création d’un espace compositionnel décrit sur le plan du système informatique par un certain nombre de paramètres ; (ii) exploration de l’espace compositionnel afin d’examiner ses possibilités ; (iii) attribution aux paramètres de l’espace sonore des valeurs qui vont produire une musique souhaitable. Dans le cas du premier projet, l’espace compositionnel était constitué des instruments musicaux, dont les paramètres psycho-acoustiques ne pouvaient pas être facilement décrits d’une manière compatible avec les formalismes de l’informatique. Cela avait obligé le compositeur, pendant l’étape de l’exploration de l’espace compositionnel, à entrer dans une situation d’apprentissage, comparable à celle de l’apprentissage d’un instrument de musique. Or, à cause d’une série de contraintes pragmatiques (par exemple, le temps d’écoute différé et la modification discrète des valeurs des paramètres), un tel apprentissage n’a pas pu se réaliser. Par conséquent, le compositeur n’a pas pu réaliser son projet en utilisant le système informatique. Dans le cas du second projet, l’espace compositionnel était défini par le compositeur, sur le plan conceptuel, d’une manière compatible avec les formalismes de l’informatique (règles mathématico-géométriques). Ainsi, et malgré les contraintes pragmatiques subies, le compositeur est arrivé plus facilement à explorer l’espace compositionnel et finalement à créer la musique qu’il souhaitait.

Outre son intérêt historique, cette étude peut aussi avoir un intérêt à l’heure actuelle. Les contraintes pragmatiques qui sont présentes dans l’utilisation de tout système informatique peuvent expliquer, au moins en partie, les difficultés éprouvées par les compositeurs qui essaient de réaliser une oeuvre à l’aide d’un système informatique, et leur identification peut indiquer les directions que doit prendre l’amélioration de ce dernier.
Le plunderphonique1 ou le piratage audio comme prérogative compositionnelle2
Authors: Oswald John
Published: June 2012

Dans ce texte de 1985, l’auteur réfléchit sur la notion de droits d’auteur dans le contexte d’une culture populaire qui a dépassé les principes figés sur lesquels se sont établies les lois qui les régissent. L’artiste nous amène à comprendre la fin du paradigme producteur/consommateur : « Après avoir été pendant des décennies les récipients passifs de sélections de musiques préétablies, les auditeurs ont maintenant le loisir d’assembler leurs propres recueils, de séparer le bon grain de l’ivraie. Ils dupliquent une quantité de sons provenant d’un peu partout dans le monde ou, du moins, d’un peu partout dans leurs collections de disques, pour faire des compilations d’une variété infinie et surtout non disponibles parmi les produits offerts par l’industrie de la musique, avec ses écuries circonscrites d’artistes et une politique encore plus contraignante qui consiste à ne fournir que le plus grand dénominateur commun. »

L’une des idées-forces du texte d’Oswald tient dans le fait qu’en agissant comme un filtre ne retenant que les hits potentiellement lucratifs, la plupart des étiquettes de disques avaient déjà pénétré un espace de vulnérabilité dans lequel leur produit final cesse de leur appartenir exclusivement. Oswald démontre clairement pourquoi l’industrie de la musique, propulsée par la radio (entre autres véhicule de distribution), a perdu son droit archaïque à une propriété exclusive sur chaque atome sonore. [Camilo La Cruz]
Remembering and Forgetting: Lizkor VeLishkoach for String Quartet, after Schubert
Authors: Biró Dániel Péter
Published: June 2012

Lizkor VeLishkoach (to Remember and to Forget) is a piece that is to be played together with Franz Schubert’s Quartet in G Major D887. Lizkor VeLishkoach (hebrew for “to remember and to forget”) forms its meaning from the roots of the words of its title. The root of “lizkor” is “zekher”, which means both “memory” and “imprint.” Embedded within the verb “lishkoakh” is the word “koakh” meaning “power.” In this paper, I explore aspects of time, memory and place within my quartet, aspects that have become “imprinted” within a personal subjective and larger collective memory. Investigating my own reaction to Schubert’s quartet, I examine how its form and material is re-collected within my own composition. Retracing the re-membering of Schubert’s quartet, I also speculate about my own re-membering and forgetting within the context of this chosen form.
Sur la trace des companion pieces : ébauche
Authors: Pascal Noémie
Published: June 2012

L’auteure propose ici une première excursion dans le répertoire des companion pieces, oeuvres dont la particularité est d’avoir été conçues pour être interprétées aux côtés d’une oeuvre précise déjà existante. Pour arriver à retracer les titres pouvant appartenir à ce genre encore méconnu, près de 450 compositeurs, interprètes et ensembles ont été questionnés et plus de 200 ont répondu à l’appel. Résultat : 150 titres sont ici classés aux côtés des oeuvres qu’ils « accompagnent ». Ce bref article révèle avant tout l’ampleur et la complexité du concept des companion pieces et, par le fait même, l’urgence d’en préciser et d’en diffuser la définition.
Introduction à Kopernikus : Pistes de réflexion autour du sacré
Authors: Bail Louise
Published: June 2012

L’auteure se propose d’examiner l’un des aspects les plus significatifs de l’univers de Claude Vivier, le sacré, en s’appuyant sur des éléments biographiques, ses écrits, son oeuvre en général, et plus spécifiquement l’opéra « rituel de mort » Kopernikus. Sont envisagés dans cet article deux aspects du sacré : le numineux et le merveilleux. Vie et oeuvre de Vivier, directement conditionnées l’une par l’autre dans l’imaginaire du compositeur, oscillent entre le numineux (moteur de la vie) et le merveilleux (moteur de l’oeuvre), entre deux représentations mentales, le sacrifice (du latin sacrare, « consacrer à une divinité ») et l’extase (du latin extasis, « être hors de soi ; égarement de l’esprit » : « ravissement »). Agni, le double du compositeur, personnage central et le seul nommément désigné dans l’opéra, évoque le numineux associé au concept de sacrifice. Alice, l’ombre d’Agni, symbole de l’imagination constamment sollicitée, représente le merveilleux associé au concept d’extase. Entre le numineux et le merveilleux, le sacrifice et l’extase, l’existence et l’oeuvre, s’installe un vide qu’il reviendra à la musique de combler.
Dossier enquête : Pulau Dewata : des arrangements raisonnables ?
Authors: Marandola Fabrice
Published: June 2012

Pulau Dewata est la seule oeuvre de Claude Vivier dont l’orchestration reste totalement libre. Composée en 1977, au retour d’un voyage consacré pour une large part à l’étude de la musique balinaise, elle a fait depuis l’objet d’un nombre conséquent d’adaptations fort diverses qui vont de la stricte répartition instrumentale du matériau musical original à l’orchestration la plus élaborée. Afin de comprendre pourquoi les « arrangements » des uns apparaissent comme des « dérangements » pour les autres, l’article procède à une mise en perspective des orchestrations qui en ont été réalisées, avec des exemples provenant principalement des versions de John Rea et Walter Boudreau. Cette comparaison des approches est précédée d’une analyse de la forme et des principes qui ont guidé la composition de Pulau Dewata, analyse qui s’appuie notamment sur les esquisses et les notes de travail du compositeur conservées aux archives de l’Université de Montréal.
Évolution d’un style musical – comment Vivier passe-t-il d’une oeuvre à l’autre ?
Authors: Rhéaume Martine
Published: June 2012

Alors que le style musical de Claude Vivier est souvent décrit par le biais des influences que l’on peut y retrouver, on tente de donner un éclairage différent du style émergeant du compositeur, en observant son évolution interne d’une oeuvre à l’autre, grâce à l’analyse. Après un bref survol des analyses paradigmatiques de Chants, Jesus erbarme dich, O ! Kosmos et Hymnen an die Nacht, on suit le parcours d’une formule musicale et de son évolution dans chacune des oeuvres et de l’une à l’autre.
« Qu’est-ce que vous faites dans la vie ? – Je suis compositrice. . . »
Authors: Reverdy Michèle
Published: June 2012

Prolongeant une réponse à une des « 50 questions » abordées dans son livre Composer de la musique aujourd’hui, l’auteure décrit les nombreux obstacles auxquels une femme doit faire face en France pour exercer le métier de compositrice. Après une brève incursion autobiographique, Reverdy se penche sur la question d’une prétendue spécificité de la musique composée par des femmes, et s’insurge contre le mythe d’une musique composée « en toute innocence », pour ensuite conclure sur les dimensions politiques de la composition musicale.
Micheline Coulombe Saint-Marcoux et Marcelle Deschênes : pionnières dans le sentier de la création électroacoustique
Authors: Lefebvre Marie-Thérèse
Published: June 2012

L’auteure tente de cerner les attitudes « masculines » et « féminines » de la création musicale des cinquante dernières années afin de faire ressortir la contribution de deux compositrices québécoises, Micheline Coulombe Saint-Marcoux et Marcelle Deschênes, au développement de la musique électroacoustique au Québec. Par une mise en contexte historique, l’auteure situe dans un premier temps le milieu dans lequel elles ont vécu leur enfance, leur adolescence, et leur formation musicale à Montréal et à Paris ; puis la manière dont elles ont traversé le discours dominant des années 1970, pour finalement aborder leur rôle de pionnières. Parce qu’elles voulaient sortir des sentiers battus, elles ont compris que les nouveaux outils technologiques pourraient leur servir à exprimer musicalement une nouvelle sensibilité artistique. En ce sens, elles furent les « sherpas » du milieu électroacoustique au Québec.
La composition musicale et la marque du genre : l’examen conscient de l’« écriture féminine »
Authors: Stévance Sophie
Published: June 2012

Si les spéculations idéologiques concernant les différences biologiques entre les sexes persistent dans le domaine de la création, elles ont été mises en valeur dès 1970 par des écrivaines et plasticiennes pour oeuvrer en fonction de mythes spécifiques touchant à leur féminité, au corps de la femme chargé de stigmates, afin qu’émerge un « art féminin ». D’une certaine manière, des compositrices vont emprunter cette voie en affirmant entretenir un rapport différent de celui des hommes à l’écriture musicale. Selon elles, leur sensibilité spécifique et leur situation d’être au monde les poussent à travailler autrement, à partir de thématiques « existentielles » inspirées de leur condition sociale et culturelle. De telles circonstances ont provoqué cette quête identitaire par l’invention d’un style artistique particulier qui, paradoxalement, use de ce qui était considéré par un féminisme radical comme les pièges de la féminité. Cet article tente de montrer que ces spécificités, du moins ces constantes relevées par les créatrices expliquant leur démarche, sont le résultat de recherches esthétiques pour caractériser une création universelle au féminin, et non le produit de diktats biologiques.
De la musique de geste à la musique du son, de SuperMémé à I8U
Authors: Prévost Hélène
Published: June 2012

La musique actuelle née au tournant des années 1970-1980 a connu ses heures de gloire pendant de nombreuses années. Trois femmes font partie de la lancée et demeurent à ce jour des musiciennes actives et des administratrices hors pair. Mais d’autres, artistes sonores plutôt qu’instrumentistes, émergent, au moment du tournant technologique et plus particulièrement au milieu des années 1990. Un nombre important de ces femmes développent des pratiques non instrumentales d’art audio, de musique bruitiste, de musiques mixtes, électroniques expérimentales, d’installation et de multimédia. Elles sont mal connues, méconnues des grands médias et de la plupart des lieux d’enseignement de la musique, bien que plusieurs d’entre elles les aient fréquentés. Ce moment de rencontre avec certaines d’entre elles souhaite les faire apparaître, en plein jour.
S’orienter selon Hermann Hesse
Authors: von Blumröder Christoph
Published: June 2012

L’identité artistique de Stockhausen s’est forgée juste après la Seconde Guerre mondiale, durant la période entre les années 1948 et 1950, dans laquelle elle s’enracine. Pendant ces années, il était très créatif, particulièrement sur le plan littéraire, et à ce titre il était à la recherche d’une orientation, qu’il a trouvée chez Hesse. En 1949, quelques jours après son 21e anniversaire, Stockhausen fit parvenir à Hesse une lettre de six pages pour se présenter et lui offrir un de ses poèmes. Cette lettre, ce poème et la réponse encourageante de Hesse sont ici analysés, comme le sont aussi d’autres échanges épistolaires entre les deux hommes, quelques lettres de Stockhausen à son ami Karel Goeyvaerts, dans lesquels est examiné le roman de Hesse Das Glasperlenspiel, et un second poème de Stockhausen. L’oeuvre de Stockhausen s’est développée à partir de concepts thématiques et d’objectifs établis durant cette période.
Claude Vivier and Karlheinz Stockhausen : moments from a double portrait
Authors: Gilmore Bob
Published: June 2012

That Karlheinz Stockhausen played a crucial role in the musical development of the young Claude Vivier is beyond question. In an autobiographical note written in 1975, Vivier noted: “Born in Montreal in 1948. Born to music with Gilles Tremblay in 1968. Born to composition with Stockhausen in 1972. Indeed, the widespread view is that, during the years he studied formally with Stockhausen at the Hochschule für Musik in Cologne (1972-74), Vivier hero-worshipped the German composer. Widely regarded as one of the leading figures of the international musical avant-garde, Stockhausen had held for two decades a position that, by the time Vivier began formal studies with him, was under assault. The whole system of values for which he stood, musical and otherwise, was being questioned to its foundations, even, in some quarters, reviled and demonised. The relationship between the young Vivier and his distinguished teacher is therefore a complex one. While Vivier evidently fell powerfully under the sway of Stockhausen’s music and ideas and his charismatic and domineering personality, this article explores the effect on him of the changing attitudes toward Stockhausen as the 1970s wore on. This article attempts to paint the complex relationship between the two men, focusing on the years of their closest contact – 1971-1974 – a time when both they and the world around them were undergoing profound transformation.
Influence de Stockhausen chez les compositeurs électroacoustiques québécois
Authors: Normandeau Robert
Published: June 2012

Quelle a été l’influence de la musique électroacoustique de Karlheinz Stockhausen sur la production québécoise de cette même discipline ? Un certain nombre de compositeurs québécois de différentes générations ont été sollicités afin de connaître leur avis sur la question : Kevin Austin (1948), Walter Boudreau (1947), Yves Daoust (1946), Jean-François Denis (1960), Marcelle Deschênes (1939), Francis Dhomont (1926), Gisèle Ricard (1944), Stéphane Roy (1959), Alain Thibault (1956). Aux réponses de ce groupe de compositeurs se sont ajoutés les commentaires et souvenirs de l’auteur.
Considérations en provenance de Sirius
Authors: Côté Michel F.
Published: June 2012

Afin de mesurer l’impact de la musique de Stockhausen sur la musique actuelle, ce courant protéiforme de musique improvisée, qui absorbe si facilement des influences tant savantes que populaires, le musicien et compositeur Michel F. Côté se penche sur la question, et s’y greffant les propos d’autres illustres musiciens associés à ce courant tels le saxophoniste Jean Derome et le turntablist Martin Tétreault.
La mesure du temps : un entretien inédit avec Stockhausen (1958)
Authors: Stockhausen Karlheinz , Kendergi Maryvonne
Published: June 2012

Entrevue accordée en français par Karlheinz Stockhausen à Maryvonne Kendergi et diffusée le 15 décembre 1958 durant l’émission Festivals européens, sur les ondes de la radio de Radio-Canada. Avec l’aimable autorisation de Madame Kendergi et de la Stockhausen Foundation for Music.
Hugh Le Caine, de la saqueboute au multi-track1
Authors: Young Gayle
Published: June 2012

Dans cet extrait de son livre Blues pour saqueboute, Gayle Young retrace les premiers pas de la musique électronique et rappelle une période spécifique durant laquelle les innovations scientifiques et artistiques étaient fortement encouragées par le public et les institutions publiques. L’article est bâti à partir de nombreuses entrevues avec des collègues de Hugh Le Caine et des extraits de correspondances. Les possibilités musicales des instruments de Le Caine sont soulignées dans le livre dont proviennent ces extraits, de même que leur fonctionnement technique. L’intérêt de Le Caine pour le clavier à touches sensibles et pour les contrôles simultanés de différents paramètres musicaux est déjà évident dans la construction du saqueboute de 1948, un instrument pour lequel il utilisait le contrôle de voltage pour la première fois, construisant ainsi le premier synthétiseur analogique. Sa composition Dripsody (1955), élaborée sur un prototype multipiste, utilisait un clavier similaire à celui du saqueboute, mais plutôt que de contrôler des générateurs audio électroniques, il contrôlait la vitesse de lecture de plusieurs bobines de ruban. Pour Le Caine, le son est l’élément de base de la musique, qu’il soit électronique ou échantillonné.
Ticket pour la liberté. Entretien avec Otto Joachim
Authors: Messier Anne Marie
Published: June 2012

Compositeur aux talents multiples, Otto Joachim a été un des pionniers de la musique électroacoustique au Canada. Lors d’entrevues réalisées en 1997 et en 2009, il raconte sa passion pour la technologie, la création de son studio personnel, ses premières expériences de composition électronique, et il livre ses opinions tranchées sur la musique électronique. On y apprend les détails entourant la création de Katimavik, produite pour le pavillon canadien à l’Expo 67 et première oeuvre canadienne entièrement électronique. Puis, avec une franchise polémique, cet artiste de 98 ans discute des limites du genre en interrogeant la valeur des oeuvres de musique électroacoustique.
Finger Exercises for Oscillators: István Anhalt on Electronic Music1
Authors: Rogalsky Matt
Published: June 2012

In conversation with Matt Rogalsky, composer István Anhalt discusses his association with Hugh Le Caine and the National Research Council laboratories in the 1950s, the founding of the electronic music studio at McGill, and his early experiences learning tape music and analog and digital synthesis techniques. The composer describes his early electronic works, the use of electroacoustic elements in his later music, and the importance of electroacoustic music in music education.
Chute/Parachute de Michel Gonneville : pensée sérielle, écriture postmoderne (ou l’inverse)
Authors: Gilbert Nicolas
Published: June 2012

Cet article est un texte analytique sur l’oeuvre Chute/Parachute du compositeur québécois Michel Gonneville. Après une brève introduction concernant les sources extramusicales de l’oeuvre, on expose ses enjeux généraux ainsi que ses principaux matériaux. On donne ensuite une vue d’ensemble de la structure formelle avant de passer à un examen plus poussé de la question du contrepoint dans l’oeuvre. Le texte se termine sur quelques remarques concernant le rapport entre la structure et la perception dans le travail de Gonneville.
20 ans avant, 20 ans après
Authors: Goldman Jonathan
Published: June 2012

Introduction au numéro qui commémore le vingtième anniversaire de la revue, dans laquelle l’auteur fournit la justification pour le découpage du numéro en trois sections nommées « Hier », « Aujourd’hui » et « Demain ». Dans la partie « Hier » s’esquisse l’histoire de Circuit ainsi que de quelques-uns de ces prédécesseurs notables ; dans la partie « Aujourd’hui » sont reproduits, sans commentaires, des extraits de partitions ou d’esquisses d’oeuvres créées principalement durant la saison 2009-2010 ; enfin, dans la partie « Demain » sont recueillies des réponses, livrées par divers acteurs du milieu de la musique contemporaine, à un questionnaire sur l’avenir de ce genre.
La fondation de Circuit et sa première décennie : un coup d’oeil rétrospectif et autocritique
Authors: Nattiez Jean-Jacques
Published: June 2012

Le cofondateur de la revue raconte les origines et l’essor subséquent de Circuit durant la décennie (les années 1990) où il l’a pilotée. Se penchant sur le contexte intellectuel qui a vu la naissance de la revue, l’auteur souligne l’importance de Circuit en tant que forum de débats esthétiques importants. Sont discutés notamment les numéros consacrés au postmodernisme, à la musique actuelle et à l’électroacoustique.
Naissance d’une presse musicale francophone spécialisée
Authors: Duchesneau Michel
Published: June 2012

L’auteur, qui fut rédacteur en chef de Circuit, réfléchit sur l’état et l’avenir de la revue en revenant sur la question de sa pertinence par rapport à une longue tradition du discours sur la musique qui s’inscrit dans la lignée de la presse musicale francophone au xxe siècle et inclut des revues telles Le Ménestrel (1833-1940), Le Monde musical (1889-1940), Le Courrier musical (1898-1933) et surtout la Revue musicale, en plein foisonnement à partir des années 1920.
Une célébration sonore de l’Esprit : à propos d’Oralléluiants
Authors: Ranallo Vincent
Published: June 2012

L’exploration de la partition d’Oralléluiants de Gilles Tremblay offre l’occasion de confirmer que la vie spirituelle est inhérente à l’acte musical. Celui-ci, pour le compositeur québécois, est à la fois la capacité de percevoir les potentialités de la musique du monde qui l’entoure et le désir de les rendre transparentes à une lumière qui les dépasse. Dans Oralléluiants, un objet sonore concret, une feuille d’aluminium, fournit un matériau qui sera graduellement transmué en pur mouvement jubilatoire. Cet objet est également à la source d’une réflexion dans cet article sur le rapport de l’interprète avec son instrument et sur la nature particulière de la musicalité induite par l’art de Tremblay.
Comments by Tan Dun on His Music
Authors: Mativetsky Shawn
Published: June 2012

Guest of honour at the Musimarch 2002 festival at McGill University, Montreal, the Chinese composer Tan Dun gave, amongst others, a conference on his music that developed into a passionate dialogue with the audience. We have transcribed his ideas on his music, his influences, his personal development and his impressions on Western music.
Musimarch 2002. Causeries and Round Table Discussion
Authors: Goldman Jonathan
Published: June 2012

This article is at once a chronicle of the Musimarch festival and a reflection on certain aspects of the problematic of transcultural music, subject of the round table and causeries sessions that took place between composers and musicologists.
Empreintes Digitales, une étiquette qui laisse des traces
Authors: Beaucage Réjean
Published: June 2012

Recension de la production discographique de l’étiquette Empreintes Digitales pour 2001, une année consacrée à la mise à jour du versant québécois du catalogue avec des nouveautés d’Yves Daoust, Francis Dhomont, Gilles Gobeil et Robert Normandeau, une édition des oeuvres électroacoustiques de la regrettée Micheline Coulombe Saint-Marcoux et un premier disque pour Yves Beaupré.
Qu’est-ce que le postmodernisme musical?
Authors: Prévost Hélène
Published: June 2012

Répondant aux questions de Colette Mersy, des compositeurs (José Evangelista, John Rea, Frédéric Rzweski), un journaliste et artiste (Raymond Gervais), un musicologue(Jean-Jacques Nattiez), une philosophe (Ghislaine Guertin) et une sociologue (Régine Robin) discutent des enjeux du postmodernisme en musique. Les intervenants examinent tout d’abord la difficulté de définir le mot. Puis, ils discutent « le retour de l’audible » et l’importance accordée par les créateurs contemporains à l’auditeur, l’hybridation stylistique, le retour à la simplicité. Ils examinent les liens du modernisme avec l’engagement politique à gauche, les contradictions du postmodernisme et les inquiétudes des compositeurs contemporains.
Le postmodernisme en musique : aventure néo-baroque ou Nouvelle aventure de la modernité?
Authors: Dhomont Francis
Published: June 2012

L’auteur, compositeur de musique électroacoustique, oppose tout d’abord les traits caractéristiques de la modernité et de la postmodernité, et, en faisant appel aux analyses de Scarpetta, de Lyotard, de Compagnon, de Finkielkraut et de Baudrillard, il montre quelles sont les contradictions de la position postmoderne. Faisant porter sa réflexion plus spécifiquement sur la musique électroacoustique, il décèle en elle des traits qui relèvent de la sensibilité postmoderne.
Humeurs postmodernes
Authors: Gonneville Michel
Published: June 2012

Dans ce texte, un compositeur de musique instrumentale, élève des maîtres de la génération de Darmstadt, expose comment il se situe en créateur par rapport au virage actuel du postmodernisme musical. Faisant la part des acquis et des impasses du modernisme, ne masquant rien de ses préférences ou de ses déceptions, il définit une position personnelle nuancée et exempte de sectarisme.
Dans les dédales du « tour de force »
Authors: Deliège Célestin
Published: June 2012

Le débat esthétique contemporain semble souvent tourner autour de l’opposition entre la simplicité et la complexité de l’écriture. Sans accepter le simplisme de l’école répétitive, l’auteur exprime ses réserves à l’égard de la « nouvelle complexité » et questionne tout particulièrement la démarche de Brian Ferneyhough
Classiques et classicisme à l’âge postmoderne
Authors: Molino Jean
Published: June 2012

S’appuyant sur la notion de « classique » en littérature, l’auteur cherche à dégager les critères qui permettraient de reconnaître les « classiques » de la musique du XXe siècle : caractéristiques internes, recherche de l’équilibre stylistique et langage commun au compositeur et à l’auditeur. Il fait le pari de l’apparition de nouvelles stratégies d’écoute commandées par les innovations d’écriture du XXe siècle.
Compositeurs québécois : chronique d’une décennie (1980-1990)
Authors: Galaise Sophie , Rivest Johanne
Published: June 2012

Les auteures dressent un tableau synthétique de la création musicale des dix dernières années. Après un rappel de la situation antérieure, elles font l’inventaire des tendances compositionnelles marquantes, des cadres et des institutions dans lesquels les compositeurs sont joués, des écrits sur la musique québécoise, des formes d’appui reçus et des difficultés de la dernière décennie.
Pourquoi composer de la musique monodique
Authors: Evangelista José
Published: June 2012

Pourquoi, après l’extraordinaire évolution de l’harmonie dans la musique occidentale, un compositeur d’aujourd’hui est-il intéressé à composer de la musique monodique, prenant ainsi ses distances avec le langage harmonique, le contrepoint, les accords, etc.? José Evangelista répond en examinant comment l’écriture monodique (ou hétérophone) peut être utilisée dans la musique de chambre, la musique d’orchestre et la musique pour piano solo en donnant un certain nombre d’exemples empruntés à ses oeuvres. La mélodie devient ainsi le paramètre organisateur de la composition. L’auteur décrit son évolution depuis l’écriture polyphonique complexe jusqu’à l’hétérophonie, provoquée par la révélation de la musique du gamelan javanais et d’autres traditions musicales d’Asie.
Sur la musique de Claude Vivier
Authors: Duchesneau Louise
Published: June 2012

Dans ces propos recueillis par Louise Duchesneau, György Ligeti explique pourquoi il considère la musique de Vivier comme une des plus originales de son époque et commente les traits fondamentaux de son style.
Les écrits de Claude Vivier
Authors: Vivier Claude
Published: June 2012

Le plus gros du présent numéro rassemble une collection de soixante-deux textes, pour la plupart inédits. Ils sont présentés et annotés par Véronique Robert.
Montréal : portrait d’une saison hybride (1990-1991)
Authors: Olivier Dominique
Published: June 2012

Examinant les oeuvres de musique contemporaine jouées par le N.E.M, l’O.S.M. et à la S.M.C.Q., l’auteure propose une réflexion critique sur les problèmes soulevés par le courant postmoderne. Elle s’attarde tout particulièrement sur la pièce de John Rea, Las Meninas.
Zukunftsmusik? Avenir de la musique?
Authors: Nattiez Jean-Jacques
Published: June 2012

Ce dialogue avec Jean-Jacques Nattiez reproduit l’essentiel des propos tenus sur ce sujet par Pierre Boulez à Ottawa, Montréal et Halifax au cours de sa tournée canadienne de mai-juin 1991. Le compositeur y reconnaît les difficultés du public à accepter le système de Schoenberg tout en déniant une quelconque responsabilité quant à la cassure actuelle entre la musique contemporaine et le public. Sans reconnaître l’existence d’une crise compositionnelle, il prône une attention plus grande aux problèmes de perception et définit pour lui-même l’avenir de la musique comme une musique atonale tenant compte des lois universelles de la perception mais intégrant les acquis d’écriture du sérialisme.
« Désormais, nous écartèlerons son visage… »
Authors: Galaise Sophie
Published: June 2012

Walter Boudreau, Francis Dhomont, José Evangelista, Michel Gonneville, Alain Lalonde, Jean Lesage, René Lussier, John Rea et François Tousignant répondent dans des directions très diverses aux positions de Pierre Boulez : les réactions, qu’on peut considérer caractéristiques de l’époque postmoderne, vont du rejet agacé et violent aux critiques mêlées de respect et d’admiration.
Éphémérides d’une tournée
Authors: Nattiez Jean-Jacques
Published: June 2012

L’article s’ouvre par une chronologie détaillée de la tournée canadienne de Pierre Boulez et de l’Ensemble InterContemporain (mai-juin 1991), avec un inventaire de toutes les manifestations et les références des réactions qu’elles ont suscitées. Le texte lui-même propose une sélection représentative des comptes rendus de presse et de radio qui témoignent d’une quasi-unanimité quant à la qualité transcendante des concerts et du chef d’orchestre; il recueille quelques échantillons de propos polémiques et fait état des réserves à l’égard des théories de Boulez, mais insiste, par les témoignages des musiciens canadiens qui ont travaillé avec lui, sur la disponibilité et la gentillesse de l’homme.
Boulez analyste
Authors: de Médicis François
Published: June 2012

Dans ce compte rendu des conférences d’analyse présentées à Montréal par Pierre Boulez et portant sur Mémoriale et les deux quatuors à cordes de Webern, l’auteur insiste sur l’évolution de l’attitude analytique de Boulez et l’attention particulière portée au problème de la perception.
Pour résoudre une dissonance
Authors: Baillargeon Stéphane
Published: June 2012

À l’occasion de l’ouverture du nouvel édifice du Musée d’art contemporain de Montréal, l’auteur analyse la signification du concert inaugural confié conjointement à la SMCQ et au NEM.
Le mot, le son, le sens
Authors: Provost Serge
Published: June 2012

Le compositeur montréalais Serge Provost a mis en musique des extraits du livret d’opéra de Claude Gauvreau, Le vampire et la nymphomane, sous le titre L’adorable verrotière. Après avoir analysé les problèmes de la relation entre texte et musique chez Monteverdi et Boulez, Provost décrit l’aspect madrigalesque de son oeuvre et montre comment il l’a conçue à partir du texte de Gauvreau.
Opéras sans chant : les films de Mauricio Kagel
Authors: Klüppelholz Werner
Published: June 2012

L’auteur analyse ici les films de Kagel qui prennent pour point de départ le théâtre musical et plus exactement instrumental. Klüppelholz situe Kagel dans la lignée de Schönberg en ce qui a trait à l’exploitation du potentiel de l’imagination filmique. Il démontre comment les films que Kagel conçoit comme des opéras sans chant, constituent une nouveauté historique.
À propos… québécitude, musique et postmodernité
Authors: Bouliane Denys
Published: June 2012

Dans ce discours prononcé en décembre 1991, lors de la réception du prix Serge-Garant de la Fondation Émile-Nelligan, le compositeur québécois Denys Bouliane expose les difficultés de la création musicale contemporaine au Québec, comment il a vécu en Europe le poids de la modernité officielle, et en quoi la musique québécoise d’aujourd’hui relève de l’esprit postmoderne.
Montréal (1991-1992) : vigueur accrue ou derniers soubresauts d’une civilisation?
Authors: Olivier Dominique
Published: June 2012

Tout en proposant un bilan détaillé de la saison montréalaise 1991-1992 dans tous les secteurs de la musique contemporaine, l’auteure s’interroge sur le devenir de la musique d’aujourd’hui dans ce coin particulier de l’Amérique du Nord : le milieu de la création est-il en santé ou en période de rémission?
Aperçu du genre électroacoustique au Québec
Authors: Guérin François
Published: June 2012

En ouverture du numéro, l’auteur brosse un tableau détaillé du développement de la composition électroacoustique au Québec depuis vingt ans, selon les genres (acousmatique, musique mixte, live, liens avec l’informatique, multi-média, musique environnementale), selon les institutions et les organisations musicales et selon les liens avec d’autres arts.
De Bourges : un paysage complexe et nuancé
Authors: Barrière Françoise
Published: June 2012

Le regard « étranger » est parfois celui qui permet, par comparaison, de cerner la spécificité d’une pratique en un lieu donné. Ces deux textes témoignent de la perception qu’on se fait, au Canada anglais et dans le Groupe de musique expérimentale de Bourges, de la richesse et de la variété de la production électroacoustique québécoise.
Petite apologie de l’art des sons fixés
Authors: Dhomont Francis
Published: June 2012

Défense et illustration, par le responsable du présent numéro, de l’option acousmatique face aux critiques et aux procès dont elle fait l’objet.
Analyse des oeuvres acousmatiques : quelques fondements et proposition d’une méthode
Authors: Roy Stéphane
Published: June 2012

Situant son propos par rapport au cadre sémiologique de Molino-Nattiez, l’auteur adapte la théorie de la tripartition, la technique paradigmatique et les directions analytiques de Leonard B. Meyer à la spécificité des musiques acousmatiques, et présente une grille d’analyse originale et opératoire fondée sur cinq catégories.
Aujourd’hui = hier + demain
Authors: Calon Christian
Published: June 2012

Interrogation d’un compositeur sur le passé de la pratique acousmatique, sur le statut de l’oeuvre sur bande, sur son matériau et sur le public auquel elle est destinée.