bluuebunny/crossref_metadata_2025 huggingface dataset:
Propuesta de arte comunitario como acción en contra de la violencia de género.
Authors: Martínez Morales María
Published: October 2017

Las prácticas colectivas enfocadas desde el arte comunitario son el punto de partida en el trabajo de investigación que abordo desde una perspectiva a/r/tográfica en la presente comunicación. Por tanto, la comunicación tiene como finalidad dar cuenta través de una propuesta desarrollada en contextos comunitarios, de un caso de práctica artística colectiva como forma de reivindicación social. Para ello, la propuesta se divide en tres partes, una primera donde se da cuenta del origen y puesta en marcha del proyecto desde el trabajo colaborativo con diferentes comunidades e instituciones con la intención de intervenir en un espacio público como forma de acción artística colectiva en contra de la violencia de género. A continuación, en la siguiente parte, se desarrolla el proyecto con referentes en el ámbito del artivismo. Finalmente se expone, a modo de conclusión, una un vídeo sobre la acción desarrollada como experiencia artográfica.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4861
Permeado, el mundo se expande
Authors: Blasco Cubas María
Published: October 2017

La situación a partir del desarrollo de las tecnologías de la información e Internet, la telemática y la electrónica, se ha convertido en una verdadera ventaja para el arte. Tanto la realidad como el sentido de lo público se han transformado, y muchos artistas y pensadores actuales, consideran que se necesita una nueva perspectiva que abarque una realidad ambigua, inestable, pero, sin embargo, cada vez más asimilada; en vez de recrear de manera simbólica objetos sociales y culturales, desarrollar y producir percepciones lo más cercanas posibles a la realidad que nos acontece. ¿Cómo? En la presente comunicación lo haremos pensando sobre el futuro del espacio público interconectado, incluyendo la manera de desarrollarnos y entendernos con él, e incluso resistirnos, albergando elementos antes invisibles, en otras palabras, desbordar la pantalla para inundar físicamente el espacio público y proponer nuevas narrativas híbridas del espacio habitado. Desde este enfoque, la imagen ha salido del interfaz; el mundo entero se ha vuelto interfaz, y muchas prácticas artísticas cuestionan dicha situación. De de la mano de teóricos y artistas como Lev Manovich, Nicolás Bourriaud, Hito Steyerl, Aram Bartholl, intentaremos dar cuenta de ello. Las relaciones entre humanos producen, transforman y acondicionan continuamente espacios heterogéneos y entrelazados. Por ello, no sólo nos colocamos ante espacio público en actitud de espectadores contemplativos, pues pasamos mucho tiempo modificando y adecuando los espacios en que vivimos conectando, articulando e introduciendo otros objetos. La segunda parte del libro de Pierre Lévy, “El Espacio del Conocimiento” (2004) nos sirve para comprender cómo el estado de movilidad es fundamental para entablar una reflexión sobre el espacio urbano (permeado por lo virtual/digital). Desde esta perspectiva, la movilidad hoy en día, tanto en sus dimensiones físicas como informacionales, crean interesantes sinergias que reflejan nuestro acontecer: tradicional, territorial, globalizado y ahora con las redes telemáticas y electrónicas, la virtual/digital, suscitan un modo de relación a la inversa, de lo total al espacio-contexto concreto.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4864
Relatos (secuenciales) en la red– el cómic autobiográfico y los nuevos contextos de producción y difusión
Authors: Beccari Enrico
Published: October 2017

Como efecto de la globalización y de las nuevas tecnologías de comunicación y difusión de contenidos, aumenta el abanico de narrativas gráficas que aprovechan cambios concretos en las modalidades de distribución y comercio para elaborar distintas estrategias de autopublicación, llevadas a cabo a través de plataformas de distribución global, convertidas en mediadores privilegiados. Entre las distintas formas de narrativas autobiográficas, el cómic se diferencia por la necesidad de organizar una narrativa tanto visual como textual. Sin embargo, en la contemporaneidad, la delicada tarea del relatarse en viñetas incluye inserirse en un contexto donde el producto final pasa, ahora, por filtros diferentes a los de antaño. Así, acaban difundiendose globalmente narrativas personales, en un contacto constante (pero no necesariamente dialógico) con el Otro – Otras culturas, o la cultura de uno/a mismo/a, representadas en el cómic con el pretexto implícito del pacto autobiográfico. Propongo, entonces, un análisis de cómo el pase a un mercado global (y digital) ha producido cambios y generado nuevas dinámicas en esta práctica artística. La intención, de cara a futuras investigaciones, es esbozar un primer estado de la cuestión, definir condiciones, actores sociales y evidenciar relaciones de poder – como, por ejemplo, cuáles voces emergen, qué diferencias existen en términos de género, nacionalidad, origen geográfica – tratando de entender cuáles modalidades de relato ganan espacios, y cuáles permanecen invisibles. Tomando en consideración los cambios emergidos en la última década, me orientaré principalmente hacia el contexto de producción/difusión de la novela gráfica norteamericana, por ser el contexto de origen de las recientes tendencias autobiográficas, el ámbito de mi investigación doctoral y porque, entre otros, la producción en idioma inglés es un factor de impacto que desde lo “local” (Estados Unidos y Canadá) acaba por resonar a nivel global, generando ulteriores posibilidades de análisis.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4867
El artista radicante como etnógrafo. Sus prácticas y sus recorridos.
Authors: Pérez Martínez Henar
Published: October 2017

La globalización estética es un proceso en el que las tendencias culturales y artísticas, sin perder sus características y peculiaridades locales, se ven inmersas en el circuito global compartiendo lenguajes, intenciones y espacios. Este arte de la era global tiene como marca histórica inicial la caída del muro de Berlín y previamente el nacimiento de movimientos sociales que reivindican la igualdad entre los hombres y los derechos humanos, como “Negritud” o el “Movimiento de Países No Alineados”. En el arte occidental del siglo XX hay numerosos movimientos que aluden al primitivismo del “otro”. El arte naif, el primitivismo, el surrealismo, el expresionismo abstracto, el informalismo o el art brut, Sin embargo, en el arte de la era global, el giro etnográfico se distingue de estos movimientos por la autoconciencia de sí mismo y la integración de las especificidades culturales. Se ha producido un desplazamiento de los temas centrales del arte, pasando del giro político-económico (la brecha entre el capitalismo y el comunismo) a la identidad cultural. Más sencillamente, se traslada la problemática de lo social a lo cultural y antropológico. Asistimos pues, en la era del arte globalizado y el mundo hipercomunicado, a una desterritorialización de las identidades culturales que se reproducen gracias al reconocimiento y la asimilación de las raíces del “otro”. Los flujos migratorios y los nomadismos voluntarios perfilan nuevas formas de creación y pensamiento manifestándose en una miscelánea etnográfica que puede ser representada en un único hilo discursivo. La figura encargada de generar este significado y conjugar el mestizaje cultural será el artista radicante. El artista radicante se expresa en nombre del otro cultural o étnico, no desestima sus creencias, ideas o culturas originarias sino que las transcodifica y las pone en escena en contextos y formatos heterogéneos.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4868
NUEVOS HORIZONTES TRAS UNA COLABORACIÓN ENTRE ARTISTAS Y RESTAURADORES
Authors: Amor García Rita Lucía , Fuentes Durán Eva Mariana , Soriano Sancho María Pilar
Published: October 2017

La interdisciplinariedad en la producción artística contemporánea es un fenómeno cotidiano. Los artistas, en su continua búsqueda de nuevas formas de expresión, indagan más allá de los límites que se les presentan, aventurándose en territorios desconocidos para el Arte. La Restauración aparece en el horizonte como uno de estos destinos que empiezan a ser explorados. En el contexto de esa exploración se sitúa esta propuesta. Desde nuestra perspectiva como restauradoras, queremos presentar los resultados y conclusiones más relevantes del trabajo de colaboración llevado a cabo con las artistas Patricia Gómez y María Jesús González durante los últimos años. Estas artistas trabajan desde 2002 el concepto de la memoria abandonada que reside en la piel de ciertos edificios. Con la intención de preservar, extraen las vivencias que sus paredes transmiten y que, de otro modo, caerían en el olvido. Debido a su método de trabajo y a su apertura de miras hacia nuevas soluciones técnicas, frecuentemente han consultado a especialistas en el uso de materiales específicos o han experimentado procesos con ellos. De esta manera, en 2014, para el proyecto artístico que estaban iniciando en ese momento en Fuerteventura decidieron contar con la ayuda de una restauradora dentro de su equipo de trabajo. Aunque inicialmente se planteó la presencia de la especialista sólo como apoyo, los problemas surgidos durante el proceso creativo dieron lugar a una colaboración más amplia. La colaboración puntual incrementó de forma notable, y el uso de algunos procedimientos propiamente restaurativos fueron utilizados por las artistas como elementos integrantes de su obra, los cuales también han sido claves en la conformación de los siguientes proyectos. Los resultados de esta colaboración continua y activa se han visto representados en sus últimas exposiciones. Todo ello ha supuesto un nuevo cambio de entendimiento de los papeles de conservadores y artistas en el arte contemporáneo.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4883
Paisajes enantrópicos. Un proyecto que reflexiona sobre las relaciones Hombre-Naturaleza en el espacio (peri)urbano abandonado.
Authors: ALCAIDE RAMÍREZ AURORA
Published: October 2017

La evolución del ser humano se ha desarrollado en estrecha relación con su entorno. Si en un principio el impacto del hombre en la naturaleza era mínimo, el derivado exclusivamente de su uso como proveedora de alimentos y cobijo; con el transcurrir de los años la manipulación del medio natural se ha incrementado de manera exponencial, llegando en algunos casos a peligrar la supervivencia de los seres que lo habitan, así como sus elementos constitutivos básicos. Lo local, lo autóctono, la naturaleza salvaje y primigenia, ha sido sustituida en infinitud de zonas de la Tierra por extensas ciudades tecnificadas, con grandes avenidas, elevados rascacielos, modelos arquitectónicos y urbanísticos homogéneos, altas cotas de contaminación y exceso de rapidez e inmediatez, en donde lo natural pervive como mera anécdota: una hilera de árboles a lo largo de una calle, un escueto parque, una maceta… o peor aún, reducido a pura simulación, representación o fantasía mitificada: un jarrón con flores de plástico, papel de empapelar estampado con motivos vegetales, un póster de un paisaje paradisíaco… En la era global actual nos movemos por ciclos económicos que determinan y regulan los ritmos vitales de las ciudades. En épocas de crisis afloran en el territorio urbano y su periferia espacios abandonados, que tras adquirir el carácter de ruina, con el tiempo -en numerosas ocasiones- son vaciados, transformándose en descampados, no lugares dominio de nadie (humano) que la Naturaleza aprovecha para reconquistar. La ponencia abordará el proyecto pictórico personal titulado Paisajes enantrópicos que reflexiona sobre las conexiones hombre-naturaleza en los territorios metropolitanos abandonados: lugares en los que la naturaleza se aprovecha de la ausencia humana para reapropiarse del espacio que originalmente fue suyo, devolviéndole su aparente caos primigenio; entropía que el hombre anuló al imponer su dominio y control (antropización) y, en definitiva, al sustituir el paisaje natural por el artificial.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4885
El lugar y sus habitantes: sobre el fotoensayo Sense of Place
Authors: Montalvo Gallego Blanca , Martínez Silvente Maria Jesús
Published: October 2017

La ponencia que presentamos trata de revisar el proceso de trabajo del libro de fotografías Sense of Place. Este proyecto es fruto de la colaboración entre una historiadora del arte y una artista. Comenzó con una estancia de investigación de las dos en Inglaterra en 2014, y fue publicado en Málaga en 2016. A lo largo de la ponencia analizaremos el tema tratado y lo compararemos con otros enfoques teóricos y prácticos; exploraremos el proceso de trabajo de ambas y la forma en que las relaciones personales influyen en el proceso creativo; y para terminar, comentaremos el proceso de edición y distribución.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4888
El lenguaje y los movimientos de ocupación. Un recorrido por las nociones dominantes del lenguaje en relación con la ocupación como movimiento contra-cultural en la hegemonía occidental.
Authors: Campos Gil Isabel
Published: October 2017

El lenguaje ha sido estudiado por cada época o civilización a través de lo constitutivo de lo social, de la encarnación de la norma. Desde la época cristiana hasta las nociones dominantes del estructuralismo lingüístico y sobre las reglas del juego en el orden simbólico. A través del estudio de la perfomatividad, se introduce un planteamiento que parte de una serie desvíos de las estrategias de los movimientos sociales de ocupación para la transformación de los códigos del lenguaje en una relación transfeminista. Desde una mirada pos-crítica de la producción de subjetividades políticas y su constitución en los sujetos, se plantea el lenguaje como una tecnología de identidades de género y en su relación con el orden social hegemónico. Hacia una lectura posestructuralista, estableciendo alegorías sobre la estrategia del ajedrez en la lingüística (desde las metáforas fílmicas y literarias) y plantea el tablero de ajedrez como espacio cuya propiedad se encuentra en la figura paterna y en la que gobierna un régimen tanatopolítico, abandonado por las luchas cotidianas. Presenta reflexiones poniendo el tablero de ajedrez como espacio entre lo habitado y lo deshabitado, entre la presencia y la ausencia, entre lo abandonado y las reglas. Entendido como sistema binario por su representación, basada en la organización de dos tonalidades antagónicas y presentado los sujetos del juego en oposición que se puede ver como resultado de espejo. A través del análisis del juego, cuya presencia de las mujeres como sujetos históricos, además, ha estado anulada, presenta la dicotomía del pensamiento posmodernista y las estructuras que lo sustentan. Con el objeto y el sujeto puesto en el análisis de estudio, se realiza una mirada que constituye un recorrido por los movimientos sociales de ocupación en cuanto al modelo de pensamiento dominante, poniendo en jaque las nociones de signo de Saussure interpeladas y desequilibradas por la teoría del discurso feminista. Estableciendo en el lenguaje, a su vez, lugares de resistencia política.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4892
Inframedia: barreras infraestructurales y ecologías online en la web 2.0.
Authors: Sánchez López José
Published: October 2017

Nuestra inteligencia colectiva y con ella nuestro posicionamiento “glocal” dependen estrechamente de la operación a gran escala de los media existentes en las redes (motores de búsqueda, redes sociales, wikis etc.). El origen digital de tales medios, y su dependencia de las ciencias de la computación las hace adoptar formas distintivas en relación específica con el diseño de software. Dada esta situación, es importante señalar la condición limitada, particular a nuestro contacto fenomenológico y cognitivo con las infraestructuras de red que lo soportan. El presente trabajo trata de resumir una investigación personal sobre la visualidad en las redes, que tiene por objetivo proveer de contexto teórico a una próxima experimentación artística en el ámbito de los nuevos medios. Ésta, órbita alrededor de una serie de cuestiones que surgen en relación con la noción de “interfaz cibernética”, entendida como la parte visible de todo un complejo infraestuctural. Se destacan cuatro principales focos de incidencia: Valoración de la estructura en capas de abstracción funcional, propias de la gestión mediada: arquitectura, protocolos y algoritmos que componen la “vida” tecno-material de la red. Atención al término acuñado por James Bridle: “New Aesthetics”, y la iniciativa de señalar la creciente autonomía de lo digital en su vocación de referir lo real desde sus propios términos. Circunstancia puesta en relación con las inquietudes de la sociología contemporánea por considerar la implicación de los agentes no-humanos en las dinámicas sociales propias de la ecología on-line. La doble acepción de “colectividad” en las redes: la generación de contenidos por parte de usuarios, y su oscilación entre lo procomún y la recolección de datos. Impacto sobre casos concretos: prácticas artísticas contemporáneas sujetas al contexto digital desde sus estrategias formales, sea en complicidad, o en actitud de resistencia en un ejercicio de contra-diseño.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4896
Coherencia entre animación e imagen real: recursos presentes en el universo gráfico de Gumball.
Authors: Rodríguez González Manuela Elizabeth
Published: October 2017

Desde la última década del s. XX, la tecnología digital toma la ventaja en casi todas las fases de la producción de cine de animación, haciendo posible entre otras cosas, la unión de cine de acción real con animación, dando lugar a series animadas de estética híbrida.El presente artículo centrará su atención en uno de estos ejemplos híbridos, El asombroso mundo de Gumball (2011), serie de animación televisiva creada por Ben Bocquelet (1983), tras proponer a Cartoon Network reunir en una única producción a todos los personajes que él había creado y que fueron rechazados por estudios de animación a lo largo de los años.Partiendo de esta unión de elementos diferentes (explicación presente en la idea base, pero no en el argumento de la serie), se analizarán los recursos que se utilizan para unir a personajes de estética dispar en un "universo gráfico" coherente. Este concepto de "universo" aparece definido por Raúl García en Actores del Lápiz (2000), como la unidad de estilo (y movimiento) en la que coexisten los personajes y elementos de diseño dentro de una serie de televisión, regidos por unas reglas que hay que mantener durante toda la creación, para hacerla verosímil ante el espectador. Teniendo en cuenta este concepto, se completará el análisis de dichos recursos estudiando producciones en las cuales la mezcla de estilos va de acorde con el argumento, o se realiza con fines de experimentación estética: desde los Lightning Sketches de Blackton (1907) o Gertie, the Good Dinosaur de McCay (1914); pasando por los personajes animados que conviven con humanos en Mary Poppins (1964), ¿Quién engañó a Roger Rabbit? (1988), o Space Jam (1996); hasta los fondos de imagen real inmersos en la animación experimental del director Masaaki Yuasa en The Tatami Galaxy (2010).http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4900
Una Bomba Arrojada: reflexiones sobre razones y efectos de yarnbombing
Authors: Barbosa Ramos Regina
Published: October 2017

En este artículo se presenta la práctica de yarnbombing como una posición y una responsabilidad de las personas a partir del lugar en el cual viven. Estas intervenciones urbanas se producen mediante la re-territorialización de los actos anónimos y domésticos de trabajos hechos con agujas que se extienden sobre el espacio público, donde los grupos construyen discursos y posibles diálogos con los individuos de una manera divertida y próxima a través del craftivismo, forma de activismo que utiliza esas herramientas, materiales y técnicas tan familiares. Se pregunta si, por lo tanto, cuando explota una bomba de hilos si llega a impactar el entrelazamiento entre el mensaje de quien arroja la bomba, la lectura de aquel que es afectado por ella y los efectos sobre el paisaje.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4904
FUSIÓN DE DISCIPLINAS EN LOS NUEVOS MOVIMIENTOS PLÁSTICOS CONTEMPORÁNEOS. JOYERÍA CONTEMPORÁNEA Y ARTE OBJETUAL COMO HÍBRIDO A TRAVÉS DEL CUERPO
Authors: Juan Tortosa Mar
Published: October 2017

“¿Rebecca Horn sabía en 1972 que había hecho Joyería Contemporánea con Finguers Gloves?” En las últimas décadas una parte de las Artes Aplicadas ha evolucionado desplazándose hacia el plano de las Artes Plásticas a través de nuevos movimientos contemporáneos. Así mismo, las Artes Plásticas se han acercado a reconsiderar la importancia del valor de un uso o aplicación. Como cualquier componente vivo, estas disciplinas evolucionan, se metamorfosean o mutan entre ellas. En la Joyería Contemporánea, hay un campo que traspasa el plano de las Artes Aplicadas, zambulléndose en la experimentación y proyección de las Artes Plásticas. Joyas/objetos interaccionan con el cuerpo desafiando las leyes de la ergonomía y aplicación. Éstas establecen muchos paralelismos con otras dentro del Arte Objetual donde también se trabaja con el cuerpo como campo de investigación y experimentación, a través de la interacción entre individuo y objeto. Estamos ante obras que aparecen en el cuerpo como un conjunto performativo que reflexionan acerca del mismo. Objetos que nacieron de la experimentación tanto a nivel formal como conceptual, desprendiéndose de materiales estandarizados y del lujo para dar paso a algunas preguntas en torno a él. Los códigos de la Joyería Contemporánea y del Arte Objetual, lo que ha hecho que evolucione de esta manera, cómo se acoge este híbrido, cuál es la línea que separa la obra de Rebecca Horn y Lauren Kalman, Ursula Guttmann, etc. son algunos de los puntos que se abarcan en esta investigación junto con un proyecto plástico, basado en el estudio del cuerpo y sus extensiones, y las diferentes maneras que tenemos de relacionarnos con él y su entorno.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4913
Vinculaciones entre arte y terror. La insurgencia vanguardista en la Europa del siglo XX.
Authors: Rial Zamudio Sabela
Published: October 2017

Cuando Karlheinz Stockhausen valoró los atentados del 11S como "la mayor obra de arte jamás realizada", el escándalo provocado fue mayúsculo. Varios de sus conciertos fueron suspendidos y hasta su propia hija pianista anunció que no volvería a actuar bajo el apellido de su padre. Sin embargo, la vinculación entre arte y terror no resultaba ni mucho menos nueva o descabellada. Ya en 1757, cuando el terror aún estaba por surgir, Edmund Burke definía el concepto de lo sublime como una categoría evocadora de lo oscuro y terrorífico. No es de extrañar que fuese precisamente él quien años después acuñase el término terrorismo en referencia al sistema de higienización implantado en Francia durante la Revolución. Ya en el siglo XX el terrorismo cultural llegó de la mano de la vanguardia artística. Fue a partir de este momento que la destrucción de la moral tradicional, la exaltación de la vida y la lucha contra la monotonía comenzaron a convertirse en reivindicaciones habituales de los movimientos artísticos, que se decantaron por actitudes cada vez más violentas y contundentes como medio para conquistar sus exigencias. Los dadaístas ya habían manifestado su fascinación por los grandes maestros del asesinato cuando Breton visionó el hecho de disparar a ciegas contra la multitud como el acto surrealista más puro. Pero no fue hasta los años sesenta que la influencia de la vanguardia acabó por derivar en notables incursiones en el campo de la verdadera lucha armada. La segunda mitad de este decenio se vio marcada por el estallido de los disturbios y ocupaciones del 68, así como por la progresiva incorporación de la acción directa y el terrorismo político en el seno de una revuelta cultural que no sólo definiría el cambio del paradigma artístico sino también una nueva forma de entender la actividad subversiva.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4917
Cien dibujos para una pared
Authors: Angulo Tanya
Published: October 2017

Teniendo en cuenta el contexto singular de este evento académico presento un estudio de caso abordado desde una perspectiva narrativa. El objetivo principal de esta comunicación es propiciar reflexiones sobre el arte y sus posibilidades en la educación escolar. Los ejes teóricos que sustentan este trabajo se sitúan tanto en el campo de las artes como en el de la educación artística. Me interesa articular diferentes percepciones y diferentes voces a través del registro visual de las paredes de un aula, con especial atención hacia los dibujos realizados por estudiantes de una clase. Utilizo métodos visuales en la recogida de datos y métodos sociales para la colaboración con los sujetos participantes. Se trata de una investigación cualitativa para producir conocimiento situado y situable según los campos de diferentes tradiciones académicas. Aprender sobre arte a lo largo de nuestra vida, pero sobre todo durante nuestra formación escolar, constituye un trayecto que nos configura: lleno de anécdotas, de experiencias estimulantes, de encuentros inolvidables o de azar. Con este trabajo pretendo indagar en un caso para estudiar diferentes miradas sobre el arte y sobre la escuela.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4940
Aperturas narrativas desde la interacción espacial entre cómic y pintura.
Authors: Miranda Mas Carlos
Published: October 2017

La presente comunicación viene a mostrar un proyecto artístico basado en reconfigurar, cruzándolos, dos tipos de códigos, uno propio del consumo de masas como es el cómic, y otro de la recepción especializada y presencial como es el de la pintura. Asimismo, la temática que, como veremos, es objeto de narrativización mediante la citada confluencia disciplinar, retrotrae el resultado de difusión pública del trabajo intelectual al contexto de sus condiciones procesuales puramente domésticas.  Por tanto, a través de la conjugación interesada de las citadas disciplinas produzco una suerte de narraciones espaciales que vienen a modificar los modos de recepción de los objetos culturales a que se refieren (novelas, exposiciones, artículos, ensayos, etc.). Para ello, se ha desarrollado todo un programa de trabajo que profundiza en las posibilidades de la representación pictórica para generar metarrelatos, produciendo una serie de instalaciones que, sobre la base de transformar el espacio expositivo en una infinita sucesión de grandes viñetas, integran cuadros que atienden a la caracterización gráfica y argumental del desorden propio de las prácticas íntimas de habitación durante el trabajo, que viene a ser reveladora de unos asentamientos en el territorio doméstico dados por su condición de espacios para crear historias, pues todos ellos son lugares de vida y labor de distintos narradores profesionales. Cada cuadro-viñeta, pues, es titulado con el de la ficha descriptiva de obra que estaba realizando cada uno de tales autores al recibir la visita –cámara en mano- de quien suscribe, a partir de cuyas fotografías se han compuesto las pinturas, narraciones de segundo grado que vienen a ofrecer aperturas a los modos de relato que nos dan cuenta tanto de nuestra cotidiana intimidad creativa como de los códigos actuales que la hacen pública, haciendo historias (stories) del íntimo modo de proceso previo de cada historia publicada.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4945
Espacios de memoria virtual como laboratorios de investigación artística
Authors: Veciana Stella
Published: October 2017

Esta comunicación hace una reflexión teórica sobre metodologías artísticas en la generación de ‘espacios de memoria en línea’, la influencia de códigos y valores culturales sostenibles en estos espacios y expone dos casos particulares de archivos digitales dinámicos en el contexto de conferencias científicas para la sostenibilidad y de una biblioteca pública como ejemplos de laboratorios de investigación científico-artística de tipología a/sincrónica y de tipología virtual. El archivo clásico analógico pasa del espacio del museo a la memoria dinámica en redes de bancos de datos hasta nuevos entornos híbridos de realidades mixtas. ¿En qué se diferencia el modelo de archivo moderno como la biblioteca presencial de los modelos de archivo de bases de datos y su conectividad por las tecnologías de Internet? ¿Cómo se caracteriza la memoria social que se sirve de sistemas de base de datos interactivas? Los ‘espacios de memoria online’ transforman el concepto de archivo, que cumplía funciones de conservación de patrimonio cultural, para convertirse asimismo en centro de producción estético-científica como en los experimentos de participación colectiva en ‘monumentos virtuales’ que activan procesos de memoria social. Sobre la base de esta transformación histórica y enfoques metodológicos artístico-científicos interculturales el objetivo de la comunicación será presentar el espacio de la memoria dinámica online como laboratorios futuros de investigación científico-artística.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4971
El proyecto artístico Mujeres Maestras en Perú, Colombia y Ecuador
Authors: Huerta Ramón Ricard
Published: October 2017

El proyecto “Mujeres Maestras” es un homenaje a las docentes, acercando la educación en artes hacia la investigación artística. Ricard Huerta, director del Grupo CREARI de Investigación en Pedagogías Culturales de la Universitat de València, propone esta indagación a partir de la creación artística, implicando a profesorado y alumnado de centros educativos, al tiempo que gestiona la ubicación de las muestras en museos y salas de arte de todo el mundo.  En 2017 la visitará Lima (Perú) y Medelín (Colombia). Para 2018 está previsto exponerla en Cuenca (Ecuador). La exposición Mujeres Maestras está compuesta por 21 obras que son realizadas en exclusiva para el país en el que se organiza la muestra. El grafismo y la poética de los gestos acompañan al homenaje que el autor rinde a estas mujeres que representan a un colectivo tan importante y al que se siente vinculado, debido a su trayectoria durante más de tres décadas como profesor de educación artística. Además del trabajo del artista también se expone un mural con los dibujos del alumnado de los colegios que colaboran. La voz de estos niños y niñas se completa con la mirada de las propias maestras a través del video en el que pueden oírse sus reflexiones personales, sus ideas acerca de su trabajo, la realidad educativa que viven, y las situaciones a las que deben hacer frente cada día. Mujeres Maestras es un homenaje a un colectivo poco valorado. El proyecto intenta acercar al terreno artístico una realidad social, cultural y especialmente educativa: entre los profesionales de la docencia la mayoría son mujeres. Estamos tratando una cuestión de identidad. Este tipo de iniciativas también están animando a las maestras a generar nuevos parámetros y usos de la educación artística en la escuela.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5085
Así nos movemos en el aula, así nos vemos representados, así lo visibilizamos artísticamente.
Authors: Alonso Sanz María Amparo
Published: October 2017

La propuesta forma parte del proyecto de investigación "Estudio de la calidad estética de tres centros educativos" http://tresescuelas.blogs.uv.es/ en el que observamos la forma en que la arquitectura, la cultura visual y la estética cotidiana configuran un entramado que da cobertura a las condiciones de calidad en las que se desarrollan los procesos de enseñanza aprendizaje. La experiencia estética se contempla como forma de experimentar la cotidianeidad de la escuela desde la relación entre el cuerpo y el entorno. Sabemos poco respecto a los intereses y necesidades infantiles y la forma en que los educandos perciben el ambiente inmediato y esto motiva la necesidad de recoger la voz infantil. Las entrevistas y otros métodos tradicionales de investigación no son de utilidad a temprana edad, por lo que proponemos técnicas artísticas como forma de aproximación a niñas y niños de entre 6 y 12 años.El estudio se desarrolla durante 2016 en tres escuelas de la ciudad de Alicante escogidas por representar realidades diversas como un centro urbano multicultural, un centro urbano de etnia gitana, y un centro rural con feriantes. Con la participación de un total de 309 estudiantes.El objetivo de esta investigación consiste en conocer la forma de relacionarse de los escolares con el espacio educativo y con los elementos que lo constituyen. Y pretende visibilizar la relación entre cuerpo y espacio escolar a través de Metodologías de Investigación Educativa Basadas en Artes Visuales. La fotografía es el instrumento de recogida de datos que permite obtener las opiniones de los escolares. Los resultados muestran representaciones de la corporalidad de los aprendices en las aulas, pasillos, patios... a través del uso de planos en planta y muñecos con los que se identifican. Se visualiza dónde y cómo se realizan las distintas tareas que suceden en la escuela, de qué manera el cuerpo se relaciona con el espacio y los elementos que lo constituyen para: relajarse, almorzar, jugar solo, jugar en equipos, caminar, escuchar, aprender, trabajar en grupo, exponer.Las conclusiones nos permiten relacionar factores estéticos de la escuela con el comportamiento y movimiento corporal de los discentes.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5145
INTUICIÓN Y PERSPECTIVA GEOMÉTRICA EN LA DESCRIPCIÓN NARRATIVA
Authors: Vidal Alamar Maria Dolores , Giménez Morell Roberto Vicente
Published: October 2017

En la presente comunicación nos planteamos analizar la conexión entre dos conceptos perspectivos, intuición y proyección, que a veces van de la mano pero que en distintas épocas de la historia del arte se han desvinculado uno del otro, al menos aparentemente. Las preguntas que nos haríamos serían ¿en qué medida y de qué manera la intuición es el motor que mueve los resortes gráficos para describir una situación concreta en la que entran personajes y entorno?, ¿En qué medida los recursos gráficos y pictóricos con respecto a uno u otro concepto, contribuyen a dicha descripción y al contenido narrativo? Aunque es cierto que la experiencia visual determina una imagen mental de la realidad, no es menos cierto que la intuición, que hace germinar el proceso creativo, está presente en el proceso de representación de la escena y en el discurso narrativo. En la dualidad existente entre la realidad visual y la imagen creada, vemos también la relación global – local como dos términos que tienen que ver con la diferencia existente entre un conjunto de códigos “objetivos” empleados en la perspectiva geométrica, y otro conjunto de códigos que calificaríamos de “subjetivos” que transmiten un mundo más personal e individualizado. Así la visión entendida como una proyección de imágenes del mundo exterior expresada por medio de una serie de formas geométricas que participan de ciertas leyes visuales, se opondría a una visión interior en la que las experiencias más íntimas y personales conformarían otros elementos que contribuirían al resultado de la obra artística. Presentaremos una serie de obras que nos van a dar las respuestas a las preguntas planteadas, entre ellas analizaremos una miniatura persa, un fragmento de El Bosco, un artista típicamente renacentista como Crivelli y entre la pintura moderna Salvador Dalí, Marc Chagall, y los contemporáneos Moebius y El Hortelano.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5159
Echigo Tsumari Art Field. Renacimiento de una comunidad a través de arte contemporáneo.
Authors: Yokoigawa Miki
Published: October 2017

La palabra Glocalización fue inventada dentro del ámbito de la mercadotecnia en Japón en los años ochenta y en el ámbito académico fue retomada por el sociólogo ingles Roland Robertoson en los años noventa. Es un tema que requiere una reflexión indispensable hoy en día. En esta ocasión estudiaremos un festival de arte contemporáneo: Echigo Tsumari Art Triennale en la zona llamada Echigo Tsumari Art Field en Prefectura Nigata, Japón desde el año 2000, el que muestra de una visión glocal. De acuerdo con la idea principal del evento “Humano es parte de naturaleza”, los artistas nacional e internacional que participan a la exposición trienal, en total 1,190, muestran diversas expresiones artística que responden al planteamiento de que el arte es un remedio que vincula lo humano con la naturaleza, cuyo escenario es esta  zona que tiene una extensión de 760㎢. Además de la comunicación y el trabajo colectivo entre artistas y los habitantes del pueblo, han participado 4,037 voluntarios en total, para mantener la organización del evento, el cual  ha recibido 1,205,745 visitantes hasta su 5ª edición. Como resultado del trabajo colectivo, se generó una red de actividades que se extiende desde la realización de evento turístico temporal y/o permanente hasta la actividad agrícola que organizan los jóvenes citadinos para apoyar al poblano, al mismo tiempo, propicia la inmigración de nuevos pobladores al lugar. Tras el éxito que ha tenido el evento, cambió su imagen de evento de arte contemporáneo en Japón y comienza a difundirse la forma de organización como el estilo Tsumari a nivel nacional e internacional. Por otra parte, con este claro objetivo de revitalización del pueblo a través del arte contemporáneo, se ha logrado  repoblar una comunidad  que estaba a punto de desaparecer.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5178
documental interactivo para la difusión de los saberes y quehaceres del patrimonio cultural
Authors: Arciniegas Martinez Ana Teresa
Published: October 2017

La comunicación es resultado de una investigación realizada en la Universidad Autónoma de Bucaramanga sobre los saberes y quehaceres tradicionales que hacen parte del patrimonio cultural inmaterial del oriente colombiano. El resultado es un documental interactivo, hipermedia educativo, que tiene como fin divulgar dos oficios tradicionales: la talla en piedra y el tejido de artesanías en fique, a través de dos escuelas de oficios en las que los jóvenes aprenden los oficios tradicionales de los ancianos que han trabajado toda su vida en ello y que han aprendido un saber que se ha transmitido de generación en generación. El proyecto tiene un objetivo didáctico y divulgativo.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5275
Estética indígena y glocalización: agentividades recursivas
Authors: Garrido Izaguirre Eva María
Published: October 2017

En esta ponencia se abordará el caso de la producción estética de Ocumicho, una comunidad indígena perteneciente a la etnia purépecha, en México. A partir de la antropología del arte se sondeará la agencia de una arte local que ha influido en la obra de artistas como Eduardo Galeano, que se encuentra en galerías y museos nacionales e internacionales, una producción que es catalogada como arte, arte popular o artesanía, categorizaciones que la ubican en un estado liminal que corresponde a la realidad histórica y social de sus creadoras: mujeres, en condiciones de pobreza e indígenas, que modelan la historia local de su comunidad y sus rituales al tiempo que acontecimientos globales y nacionales bajo la articulación de un personaje; el diablo, que les ha dado fama internacional. Estas esculturas en barro policromado, creadas fundamentalmente por mujeres, son el resultado de procesos creativos y de circulación que permiten analizar las recursividades que se activan a partir de la agencia de distintos actores, sean estos las creadoras, las políticas públicas nacionales, los coleccionistas, museos, artistas de otras disciplinas, académicos o las propias obras de arte y sus particularidades estéticas.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5632
LA REALIDAD GLOBALIZADA EN LA PINTURA FIGURATIVA CONTEMPORÁNEA. EL ARCHIVO VIRTUAL COMO ESTRATEGIA.
Authors: SERRANO LEÓN DAVID
Published: October 2017

La sociedad contemporánea globalizada influye en la pintura actual, sea cual sea su localización, que se nutre del flujo constante de información, de la tecnología cambiante y de las imágenes que consumimos a través de diferentes medios. La realidad del artista, como inevitablemente la de todos los individuos,  está compuesta por las experiencias físicas y las vividas en la RED internet. Las primeras nos hablan del entorno próximo y cotidiano del artista, son las imágenes de la realidad natural que incorpora en la obra. Las segundas pertenecen a una realidad lejana y desconocida. Es una ventana al mundo, una apropiación del colectivo social del cual formamos parte. Ambas realidades conforman una nueva figuración pictórica, como también una nueva identidad entre lo real y lo virtual y lo local y lo global. Numerosos artistas trabajan con un banco de imágenes catalogadas y revisadas constantemente que proceden de internet. Detectamos diferentes estrategias del trabajo de archivo: desde la búsqueda precisa de Andrea Canepa, rastrea a partir de un guión previo; pasando por las asociaciones que realiza Javier Martín, a partir de una palabra surgen una serie de imágenes; hasta los tanteos intuitivos de José Carlos Naranjo y Rubén Guerrero, quienes se dejan llevar por las impresiones y sensaciones. Con esta propuesta pretendemos conocer algunas estrategias contemporáneas que originan un diálogo entre la realidad individual y la colectiva. Una globalización basada en la hibridación, la transitoriedad, el simulacro y la inmediatez. En definitiva, un nuevo espacio que  condensa las diversas realidades del artista.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5662
La piel de la Luz. Un camino a la inmaterialidad de los soportes de proyección
Authors: Mir Sánchez Elena
Published: October 2017

Dentro de los sistemas de presentación desarrollados en el arte contemporáneo, el avance tecnológico ha actuado como desencadenante en la expansión a nuevos significados, materiales y usos de la luz. Los soportes de proyección como piel material, han evolucionado gracias a la hibridación con otras disciplinas, ampliando sus conceptos iniciales a nuevas posibilidades desde la instalación hasta las últimas manifestaciones actuales. De esta hibridación del arte junto a otras disciplinas tecnológicas, han surgido nuevos lenguajes, poéticas y materiales, con la consecuente creación de soportes de proyección cada vez más invisibles ó inmateriales. En esta presentación abriremos camino al conocimiento de los lenguajes artísticos multimedia interactivos, aplicados a soportes o pantallas de proyección capaces de reflejar luz, y de su evolución junto a los avances, descubrimientos e investigaciones científicas y tecnológicas, y otras disciplinas artísticas que se están desarrollando en la actualidad.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5689
Estudio en torno a la globalización y su repercusión inmediata en la sociedad del siglo XXI. La instalación sonora como herramienta de visualización de lo audible.
Authors: Urquieta robles Luis
Published: October 2017

Es imposible disociar el concepto de globalización con el de inmigración. Este ultimo, se ha posicionado como una de las consecuencias directas del mundo global, ya que la liberación de los mercados y  la reducción de leyes de protección a su producción local por parte de los países en desarrollo, ha significado un aumento en los niveles de pobreza y marginación en países periféricos, dando como resultado una mayor inestabilidad en términos económicos y políticos, que ha terminado, en muchos casos, en disputas internas que desarticulan la sociedad, obligando a un gran numero de personas a abandonar su país para poder acceder a mejores condiciones de vida. Este proyecto investiga y aborda la problemática inmigratoria que ha vivido España desde inicios del siglo XXI en adelante, a partir de los relatos de los propios protagonistas de este éxodo que se encuentran asentados en la ciudad de Barcelona . A modo de instalación sonora, busca generar una representación de dicho fenómeno que han experimentado miles de personas en el mundo, a partir de la abstracción de un espacio de circulación masiva, como lo son los aeropuertos. “Historias en transito” busca explorar por medio de las historias orales, la cara más humana de esta situación, abordando la carga de memoria de cada uno de los entrevistados y conocer en mayor profundidad sus vidas, ya que la gran mayoría de la información que consta en torno a este fenómeno se encuentra expresada en fríos números (generalizantes y abstractos), olvidando lo más importante: las personas tras esas cifras.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5696
Arte y prensa, innovando en el lenguaje de la comunicación.
Authors: Hernández Muñoz Silvia
Published: October 2017

Diario de las Bellas Artes. Diario de Teruel. Es una colaboración entre Diario de Teruel y el Grado en Bellas Artes de la Universidad de Zaragoza. De forma pionera y ya por segundo año consecutivo, se sustituyen las fotografías de todas las noticias del día por ilustraciones realizadas por alumnos y profesores del grado, incorporando además realidad aumentada, animaciones e interactividad en las páginas. El Diario de las Bellas Artes, busca la innovación en los periódicos en papel mediante las nuevas tecnologías de la creación y multimedia. Incorpora en prensa impresa –de manera pionera–, noticias interactivas, multimedia, de realidad aumentada. A la interactividad de la version en papel se accede mediante internet, desde  teléfonos móviles, tablets u ordenadores. Pueden verse los dos números anteriores de Diario de las Bellas Artes. Diario de Teruel en el siguiente enlace: http://diariodelasbellasartes.blogspot.es/ http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5712
00000000X. Representación y estrategias postfotográfícas
Authors: Andres Sanz Maria
Published: October 2017

En la década de los noventa se empieza hablar de una era postfográfica en la que, estando el paradigma fotográfico como modelo del realismo superado o no, se desarrollarán imágenes híbridas donde lo real y lo virtual comienzan a mezclarse. Así surge el concepto de postfotografía, que hará referencia a lo fotográfico después de “la muerte de la fotografía”. Se trata de un cambio notable en el campo fotográfico, en el que los procesos y comportamientos de la técnica digital han desplazado, quebrantado y subvertido las creencias adjudicadas adjudicadas a la fotografía tradicional. Liberada de antiguas cuestiones, la fotografía digital se convierte en una herramienta de alto potencial en el campo artístico. 00000000X es una propuesta artística que reivindica el arma de doble filo en que se ha convertido la fotografía digital, haciendo uso de las mismas estrategias empleadas por los medios de comunicación para analizar y denunciar ciertos excesos icónicos que tienen lugar en nuestra sociedad. Pero sobre todo, este estudio hace especial hincapié en la autorreflexión que sobre el propio medio desprende la fotografía digital. Las imágenes presentadas en el proyecto 00000000X ayudan a entender el uso que se hace de las estrategias que posibilitan la técnica postfotográfica, cuestiones en ella involucradas al ser ésta una imagen-acto: la problemática de no distinguir entre realidad y ficción al experimentar los nuevos medios y tecnologías en contextos viejos y familiares; identificar como verdadera una imagen sin referente real a través del discurso mimético y del código; la posibilidad de corregir sobre lo que ya esta inscrito mediante el funcionamiento del “segundo obturador”, etc. Estas cuestiones ilustrarán cómo el escepticismo que rodea a la postfotografía, junto con el proceso creativo que ella posibilita, la convierte en el medio idóneo para reflexionar sobre cuestiones como representación y veracidad.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5726