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Du sillon fermé au sillon ouvert : quelques préalables et une discographie
Authors: Gauthier Mario
Published: June 2012

Essai de discographie exhaustive de la musique électroacoustique au Québec.
Chronique de disques
Authors: Panneton Isabelle
Published: June 2012

Dans cette rubrique, les parutions québécoises (ou utilisant des ensembles québécois) font l’objet d’évaluations critiques.
Le métier : l’acte musical
Authors: Tremblay Gilles
Published: June 2012

La responsable de ce numéro a rassemblé une collection de quinze textes de réflexions du compositeur québécois Gilles Tremblay, réunis sous cinq thèmes : les aspects du métier de compositeur et la vie quotidienne; les liens nécessaires dont ils témoignent entre foi chrétienne et création musicale; l’environnement sonore actuel défini par la triologie « bruit-son-silence »; l’appartenance à « un pays à faire », soulignant l’enrachinement culturel de l’artiste; et enfin, deux hommages à Serge Garant et Claude Vivier. Trois annexes présentant des repères biographiques avec le catalogue des œuvres, une liste des écrits du compositeur et une discographie complètent ce dossier.
Musique, espace et spatialisation
Authors: Harley Maria
Published: June 2012

Cet entretien présente les idées principales de Xenakis sur plusieurs sujets directement reliés au concept de « musique et espace » : la place que tient l’espace dans la musique, les dimensions spatiales sonores, la spatialisation des hauteurs et formes musicales, le mouvement des sons, les mouvements des interpètes et de l’auditoire, l’influence du phénomène acoustique sur l’interprétation, la fonction d’imaginaire spatial en musique, les éléments spatiaux de Pithoprakta, Terretektorh, Nomos Gamma, Alax, etc. Ces préoccupations sont directement reliées aux recherches doctorales effectuées par Maria Harley à propos des idées d’espace et de spatialisation en musique contemporaine.
Les trois sonorités xenakiennes
Authors: Solomos Gerassimos M.
Published: June 2012

Dans son texte, M. Solomos démontre que l’on peut contourner l’aspect hermétique de la musique de Xenakis et insérer l’analyse de ses oeuvres dans le prolongement de la « tradition musicale ». Pour ce faire, il aborde la question sous l’angle des « sonorités » qu’il applique à des traits typiques de l’écriture xenakienne.
Xenakis au Québec : chronologie et repères
Authors: Galaise Sophie , Leduc Daniel , Marchand Guy , Perron Marianne , Rivest Johanne , Thiriar Diana
Published: June 2012

Chronologie et description des différents séjours de Iannis Xenakis au Québec, de 1967 à 1979.
Chronique de disques
Authors: Olivier Dominique
Published: June 2012

Dans cette rubrique, les parutions québécoises (ou utilisant des ensembles québécois) font l'objet d'évaluations critiques.
Itinéraire à compléter
Authors: Hétu Joane
Published: June 2012

Au travers de courtes contributions, parfois à caractère poétique, quelques acteurs de la musique actuelle (Hétu, Palardy Roger, Derome, Gervais, Côté) et des « décideurs » (Swift, du Conseil des arts, et Prévost, de la Société Radio-Canada) tentent de définir ce qu’on peut entendre aujourd’hui par « musique actuelle », souvent par différence avec la « musique contemporaine ». Certains auteurs jouent le jeu, d’autres dénoncent l’entreprise ou disent leur malaise devant un exercice considéré comme nominaliste. Tous insistent sur le métissage, le décloisonnement et l’hybridité des styles et des pratiques et font l’éloge de la spontanéité.
Musique actuelle et ambiguïté
Authors: Olivier Dominique
Published: June 2012

Dans cette contribution résolument critique, l’auteure souligne le renoncement aux jugements de valeur qu’implique la pratique stylistique de la musique actuelle et dénonce l’ambiguïté créée par la conjonction de la dénonciation du commercial et l’utilisation des ressources de la musique industrielle.
La mécanique des ruptures
Authors: Olivier Dominique
Published: June 2012

La critique musicale du journal Voir est la première à réagir. Elle rappelle qu’il existe bien un public pour la musique contemporaine, mais que, peut-être, celle-ci reflète crûment la pénible réalité du monde. Elle souligne le fait qu’aujourd’hui on a quitté l’ère aride et structuralistes des années 1950-1970.
Faire face à la musique
Authors: Gonneville Michel
Published: June 2012

Dans un plaidoyer lyrique et vibrant, le compositeur Michel Gonneville suggère à Lise Bissonnette de plonger dans l’audition attentive et active de la musique contemporaine. Il rappelle que les stratégies créatrices et les stratégies perceptives ne se rencontrent pas nécessairement. Il se refuse à condamner l’idéologie de la rupture, qui a parfois été à l’origine d’expériences exaltantes, et soutient que la production du Beau reste la motivation profonde des « artistes de la rupture ». Il invite les auditeurs à écouter leur siècle.
Le statut socio-institutionnel de la musique savante
Authors: Ratté Michel
Published: June 2012

Réagissant à ce qu’il appelle l’ambiguïté de la position de Lise Bissonnette et l’infantilisme de celle de Michel Gonneville, Michel Ratté récuse l’idée que la subversion immanente est la première cause de la rupture avec le public et discute l’utilisation faite, par Lise Bissonnette, des citations de Rochlitz et Ferry. Il invite la directrice du Devoir à faire de son journal le lieu d’une authentique critique d’art.
Vente de feu de la musique contemporaine chez les intellectuelsmédiatiques
Authors: Charuest Yves , Béland Pierre , Thibodeau Martin , Dugré François , Ratté Michel
Published: June 2012

Les auteurs réagissent avec véhémence à l’éditorial de Lise Bissonnette en luireprochant l’« esthétisatîon de sa posture intellectuelle » et à l’article de PierreDesjardins, critiqué pour sa conception naturaliste de la musique. En réponse auxMélodistes indépendants, le texte rappelle également que Schönberg a été relevé deses fonctions à Berlin parce qu’il était juif.
L’éloge de la différence
Authors: Gonneville Michel
Published: June 2012

Le compositeur répond à la nouvelle réaction des Mélodistes indépendants. Il les invite à plus de nuance dans leur appréciation du fonctionnement des jurys. Il se félicite que l’idéologie de l’innovation esthétique serve de critères aux organismes subventionnaires et prédit que l’influence grandissante du néo-libéralisme permettra bientôt aux Mélodistes indépendants d’être majoritaires dans les jurys et les concerts. Il rappelle enfin que les principes dont se réclament les Mélodistes ont été réintégrés depuis trente ans dans les langages de plusieurs compositeurs contemporains. Il réaffirme que les avant-gardistes ont écrit des œuvres fortes d’une Beauté nouvelle.
Sans titre
Authors: Pelletier Marie
Published: June 2012

Dans cette courte note, la compositrice annonce la création du groupe des Compositeurs dépendants polyvalents.
Deux ou trois malentendus
Authors: Marcotte Gilles
Published: June 2012

Comparant la position de Pierre Desjardins avec celle de Goethe vis-à-vis des tendances musicales, modernes à son époque, le critique fait le procès des présupposés fondant leur jugement : trop de technique et pas assez de sentiments. Il dénonce l’appel de type jdanovien à l’autocritique des jeunes compositeurs et refuse que la musique doive être conçue en fonction des attentes moyennes du public.
Nos dissonances
Authors: Bissonnette Lise
Published: June 2012

Jetant un regard rétrospectif sur l’ensemble du débat, la directrice du Devoir salue l’approfondissement de la notion de « rupture », reconnaît que l’ampleur et l’intérêt de la discussion l’ont amenée à fréquenter la musique contemporaine avec davantage de plaisir et prend ses distances vis-à-vis du postmodernisme. Elle souligne la qualité du débat où désaccords et dissonances sont nécessaires.
Montréal (1994-1995) : l’accessibilité comme nouveau critère esthétique
Authors: Olivier Dominique
Published: June 2012

Faisant le bilan de la saison musicale montréalaise 1994-1995 en musique contemporaine, l’auteure souligne que dans la programmation de la plupart des organismes, les responsables ont été préoccupés par l’accessibilité des musiques proposées, notamment par le recours à des éléments extramusicaux. Elle s’inquiète que la recherche d’un public plus nombreux ne pervertisse les objectifs fondamentaux de la création.
Esquisse d’une rencontre
Authors: Morel François
Published: June 2012

Trois compositeurs de la génération de Garant et Maryvonne Kendergi, marraine de la musique contemporaine au Québec, disent la qualité de l’homme et du compositeur, ses exigences dans le métier de compositeur et la nécessité, aujourd’hui, d’intégrer son héritage en retournant à sa musique.
L’oeuvre de Serge Garant, ou la musique de la sensibilité secrète
Authors: Provost Serge
Published: June 2012

L’auteur propose une réécoute de son œuvre en insistant sur l’équilibre, chez Garant, entre les exigences techniques et la sensibilité. Il propose un parcours chronologique de son catalogue en soulignant les grandes caractéristiques de chacune des phases de son activité créatrice.
Serge Garant, chef d’orchestre, ou l’initiation exigeante
Authors: Leroux Robert
Published: June 2012

À partir d ’une évocation du travail de répétition du Marteau sans maître de Boulez — dont Garant assura la première canadienne —, le percussionniste Robert Leroux décrit les qualités de clarté et de rigueur qui caractérisaient la gestique de Garant et montre comment son métier de compositeur et de professeur influençait sa pratique de l ’interprétation.
Pour débusquer l’inconnu : chronologie de Serge Garant
Authors: Lefebvre Marie-Thérèse
Published: June 2012

Cette chronologie commentée permet de suivre l’évolution du compositeur, de l’interprète, du communicateur et du pédagogue à travers les dates marquantes de ses activités, notamment toutes les œuvres de son catalogue.
Jeu de raclures
Authors: Gonneville Michel
Published: June 2012

Tout en indiquant ce qu’il doit à Garant, Tremblay, Stockhausen et Pousseur, le compositeur retrace l’évolution de sa technique musicale en soulignant notamment la place qu’il accorde au jeu des harmoniques et en utilisant les principes sériels de façon libre. Il situe sa démarche par rapport au débat modernisme / postmodernisme sans hésiter à exposer ses propres hésitations.
Entretien de Yves D. avec lui-même
Authors: Daoust Yves
Published: June 2012

Par le biais d’une entrevue imaginaire, Yves Daoust décrit le projet de chacune de ses œuvres électroacoustiques, leur jeu avec l’ambiguïté et leurs liens avec le monde extra-musical. Son objectif est de réhabiliter le plaisir de l’ouïe en redécouvrant à travers ses compositions notre environnement sonore.
Raynald Arseneault : une musique pour l’âme
Authors: Caron Sylvain
Published: June 2012

L’auteur retrace l’évolution musicale et spirituelle des compositions de Raynald Arsenault, décédé en 1995. Tout en soulignant le caractère métaphysique et humain de sa démarche, il décrit ses diverses sources d’inspiration religieuse et l’importance de Scelsi sur son écriture.
Faux et usage de faux, réponse aux mélodistes indépendants
Authors: Normandeau Robert
Published: June 2012

À la suite de la réédition, dans le volume VII, no 1 de CIRCUIT, de l’entrevue d’Anne Lauber et des Mélodistes indépendants où il avait été mis en cause, le compositeur de musique acousmatique fait une mise au point.
« Cage par lui-même »
Authors: Nicholson George
Published: June 2012

Dans cet entretien haut en couleur et paradoxal, Cage, tisonné par les questions pointues de George Nicholson, expose ses idées fondamentales sur l’anarchie en musique, les interventions non intervenantes, les rapports entre l’Orient et l’Occident, le vide et le plein, la musique sans désir, le hasard et la beauté.
En pensant à Cage avec le Québec en tête
Authors: Culver Andrew
Published: June 2012

L’auteur, à la fois Québécois et Américain, évoque quelques traits saillants de la pensée musicale de Cage, en particulier sa position par rapport à l’écriture et à l’ordinateur. Il rapporte son expérience comme assistant de Cage.
Improviser ou interpréter Theatre Piece?
Authors: Rivest Johanne
Published: June 2012

Rendant compte de son expérience d’interprète de pièces de Cage, le violoniste analyse minutieusement la part de l’improvisation et de la création dans leur exécution, il définit ce que veut vraiment dire « interpréter » Cage, et montre comment l’improvisateur peut se débarrasser des clichés.
Atlas Eclipticalis, commande montréalaise
Authors: Rivest Johanne
Published: June 2012

L’auteure rapporte les circonstances de la composition et de l’exécution de cette oeuvre créée à Montréal; elle en analyse en détail les particularités et elle rapporte les souvenirs de musiciens qui ont participé à ces événements.
Composer l’imprévisible (Notes sur John Cage et les années cinquante)
Authors: Charles Daniel
Published: June 2012

S’appuyant sur des textes de Gilles Tremblay avec qui il engage un dialogue à la fois sympathique et critique, l’auteur cherche à définir la position de Cage sur les rapports entre le hasard et la nécessité dans l’acte compositionnel.
Utopie et idéal dans la composition musicale aujourd’hui
Authors: Valverde Gabriel
Published: June 2012

Posant très haut la barre des idéaux qui devraient motiver le créateur d’aujourd’hui, le compositeur argentin Gabriel Valverde examine tour à tour les problèmes qui semblent motiver la démarche de bon nombre de créateurs : la notion de professionalisme, la quête du contrôle, les rapports de l’intensité et de l’intelligence, le fétichisme de la matière sonore.
Le Traité de rythme, de couleur, et d’ornithologie d’Olivier Messiaen (tomes I, II, III et IV)
Authors: Boivin Jean
Published: June 2012

L’auteur de La classe de Messiaen montre ce que la publication si longtemps attendue des cours d’analyse du maître de Paris apporte à la connaissance de son univers : nature de son approche du rythme, style analytique propre dans le Sacre du printemps ou richesse du discours sur ses propres oeuvres. Ce compte-rendu permet de s’orienter dans ce vaste traité.
La classe de Messiaen de Jean Boivin
Authors: Bardez Jean-Michel
Published: June 2012

À travers le compte-rendu très personnel de l’ouvrage de Boivin, Jean-Michel Bardez qui fut un des élèves de la toute dernière classe de Messiaen, évoque les difficultés de l’édition musicographique, du discours musical et de l’analyse musicale en France. En même temps, il propose son interprétation de la pédagogie de Messiaen et une caractérisation de la pratique analytique du compositeur.
Portrait du compositeur en jeune poète
:
Mary Breatnach, Boulez and Mallarmé: A Study in Poetic Influence, Aldershot, Scholar Press, 1996, 160 p.
Authors: Rea John
Published: June 2012

Cette nouvelle chronique de CIRCUIT se fait l’écho de quatre ouvrages révélateurs des discussions d’aujourd’hui : débat entre les partisans théoriques et pratiques d’un retour à la tonalité (Duteurtre, Lelong) et défenseurs de l’écriture atonale (Nattiez, Gonneville), débat entre tenants de la remise en question postmoderne de la modernité (Rea) et défenseurs du grand oeuvre boulézien (Breatnach).
Héritages
Authors: Gonneville Michel , Hyland Marc
Published: June 2012

Trois compositeurs analysent et critiquent dix-huit disques de musique québécoise parus ces dernières années, regroupés en quatre rubriques : Héritages, Tendances actuelles, Musiques électroacoustiques, Musiques d’aujourd’hui.
Gradus ad Infernum
Authors: Rea John
Published: June 2012

Cette entrevue imaginaire, accordée à l’auteur par ce maître penseur de la musique, soulève en maints endroits la problématique du simulacre de la vérité masquée, du faire-semblant et de la supercherie que pourrait être la postmodernité. L’écrivain autrichien se penche sur une topologie moderniste parcourant les forêts, les prairies, les catégories et les valeurs socio-musicales qui caractérisent cette fin de millénaire.
L’image fécondante du silène. D’une incursion du doute, du rire et de l’ironie dans le musical : souvenirs, réflexions, « autoréflexions »
Authors: Bouliane Denys
Published: June 2012

Prenant la figure du silène comme allégorie de sa démarche de compositeur, Bouliane en approfondit la signification au contact des oeuvres de Rabelais et d’Eco et la projette sur plusieurs de ses oeuvres, telles les Douze tiroirs de demi-vérités pour alléger votre descente, et Comme un silène entr’ouvert, dont il analyse un certain nombre de procédés d’écriture.
Nashville ou Darmstadt : le masque mortuaire de la postmodernité
Authors: Rea John
Published: June 2012

Dans cette conférence prononcée le 8 mai 1996 à la Chapelle historique du Bon-Pasteur (Montréal) sous l’égide de la Tribune des compositeurs de l’ARMuQ, l’auteur poursuit la discussion entendue pour la première fois en 1995, « Postmodernité, que me veux-tu » (Circuit, vol. VIII, no 1, 1997) et analyse son oeuvre vocale Alma & Oskar (mélodrame d’outre-tombe).
Henri Pousseur : esquisses pour un visage
Authors: Gonneville Michel
Published: June 2012

Commençant par situer ses premières rencontres avec la personne et l’oeuvre d’Henri Pousseur, l’auteur nous fait part des motivations qui l’ont poussé à organiser l’événement « Visages d’Henri Pousseur » à Montréal. Après un résumé des activités qui y eurent lieu, il cherche à répondre à certaines objections, parfois même personnelles, à cette Oeuvre, pour aller au-delà et plutôt cerner la pertinence, la qualité et l’actualité de l’oeuvre du compositeur.
Visages de Pousseur
Authors: Gonneville Michel
Published: June 2012

Retranscription de l’entrevue réalisée par Michel Gonneville, inaugurant l’événement « Visages d’Henri Pousseur ». L’entrevue est concentrée sur deux moments clés de la carrière de Pousseur : son intégration au mouvement avant-gardiste des années 50, et son « refus du refus » au tournant des années 60.
La Seconde Apothéose de Rameau
Authors: Gonneville Michel
Published: June 2012

Analyse technique détaillée, assortie de nombreux exemples musicaux et tableaux, de l’oeuvre de Pousseur composée en 1981. L’oeuvre est reliée à un texte polémique de 1968 sur la question harmonique et à un argument programmatique évoquant musicalement cette polémique. Construite comme une succession de citations et d’autocitations intimement imbriquées et ici identifiées, La Seconde Apothéose de Rameau est ainsi vue comme l’emblème du postmodernisme musical. L’auteur cherche également à constamment mettre en rapport l’analyse technique avec une appréciation esthétique de l’oeuvre.
« Créer » : réponse ou défi aux savoirs? Texte inédit d’Henri Pousseur
Authors: Pousseur Henri
Published: June 2012

Texte « libre », quasi poétique, de Pousseur sur les rapports entre la création et les savoirs, tant les savoirs qui cherchent à expliquer les manifestations de la création que ceux qu’elle-même, de façon plus ou moins consciente, engendre par sa puissance d’évocation, d’illustration ou d’expression. La musique de Webern y est mise en rapport avec la société qui l’a vu naître. Le texte se termine par une « coda » où les langages poétique, mathématique et philosophique semblent vouloir se fusionner pour évoquer quelque ultime réalité enivrante et libératrice.
Orphée ressuscité? Un panorama de l’opéra contemporain en Europe
Authors: Denut Éric
Published: June 2012

Depuis quelques années en Europe, création musicale et programmation d’opéra ont cessé de s’ignorer. L’assouplissement des pratiques compositionnelles depuis les années 1970-1980 autorise certains des compositeurs les plus talentueux de leur génération à mesurer leur écriture aux fortes contraintes inhérentes à la réussite, impératif catégorique, d’un nouvel ouvrage à l’opéra. Malgré ce cadre contextuel commun à toutes les oeuvres de l’opéra contemporain, les dramaturgies musicales divergent fortement entre, d’une part, un répertoire tendant à reproduire une stylistique traditionnelle et, d’autre part, des oeuvres s’appropriant les expériences de la modernité dramatico-musicale des années 1960-1970 et cherchant à les faire fructifier dans l’environnement culturel contemporain. Ainsi, les dernières années ont vu la naissance de grands opéras contemporains au spectacle exclusivement instrumental et scénique, un catalogue foisonnant d’ouvrages revendiquant leur appartenance au genre, apparemment ressuscité, de l’opéra.
Speech Melody and the Evolution of the Minimalist Aesthetic in Steve Reich’s The Cave
Authors: Prieto Eric
Published: June 2012

This paper seeks to explain Reich's use of the "speech melody" technique in his video opera The Cave in terms of the minimalist reliance on impersonal processes and the economical use of musical material. For this piece Reich uses digitally sampled speech fragments with an emphatic melodic contour as the basis for composition. These speech melodies provide the primary building blocks out of which the work is constructed. Because the musical material is actually contained in the verbal material, Reich is able to provide innovative solutions to some of the traditional problems facing the composer of vocal music. This technique not only enables Reich to reintroduce a compelling expressive element into his work, but also enables him to reconcile the composer's search for rigorously autonomous musical structures with his documentary interest in the subjective concerns and social problems of the outside world.
Kopernikus
Authors: Panneton Isabelle
Published: June 2012

Thom Sokolosky, directeur de la compagnie Autumn Leaf vouée à la production d’opéras contemporains, nous parle de sa plus récente production, Kopernikus de Claude Vivier. A travers son témoignage, il nous fait part de sa vision de l’opéra, de ses conceptions artistiques, de sa manière d’appréhender et de former une équipe qui réponde aux besoins spécifiques de chacune de ses productions. Ainsi, il est question des critères fondamentaux déterminant le choix de ses collaborateurs et de tous les participants, mais aussi de ceux qui régissent les associations, toute nature et tous niveaux confondus, entre artistes, entre organismes, villes, pays et même entre continents. Il interpelle également les subventionnées, interroge les enjeux politiques, les a priori artistiques et partage avec nous son voeu le plus cher : battre en brèche les limites qui étouffent, restreignent et empêchent. En un mot, et quel qu’en soit l’ordre ou le lieu d’application, faire preuve de la plus grande ouverture possible.
En dire plus
Authors: Nouss Alexis
Published: June 2012

Alexis Nouss nous livre quelques remarques sur son adaptation pour la scènelyrique de l’univers romanesque du roman Manuscrittrouvé à Saragosse de l’écrivain polonais Jean Potocki.
Électroacoustique et perspective phonoculturelle
Authors: Savouret Alain
Published: June 2012

L’électroacoustique, comprise uniquement comme un « genre » de musique contemporaine supplémentaire, réduit l’importance de la régénération de notre « entendement » du monde audible que l’électroacoustique en général (fixation/mémorisation et diffusion de traces sonores) a produit depuis le milieu du XXe siècle.

Enfin une représentation du monde audible de chacun était possible, si longtemps après la représentation du monde visible que faisaient nos lointains ancêtres sur les parois des grottes. Représentation comprise comme persistance d’un « ancien » moment présent vécu par le « traceur » de l’époque.

Paradoxalement, plutôt que de se placer dans une large perspective phonoculturelle et « se jouer » des réalités sonores quotidiennes, ce qui semblait une aventure nouvelle et surprenante, les courants électroacoustiques les plus influents ont cherché assez vite à rejoindre la musique instrumentale en ce qu’elle est plutôt une « représentation ». Ajoutons à cette tendance une sorte de méfiance vis-à-vis des sons « de référence » au profit des sons « originaux » (synthèse, transmutation…) qui facilitent une possible écriture, un « langage de traces » (et donc un savoir), contrairement à une démarche « aurale » où la mémorisation de traces (ici mécaniques) peut créer une relation im-médiate (sans intermédiaire) des hommes à leur monde audible. L’électroacoustique n’a pas à choisir un chemin mais simplement à ne pas oublier sa pertinente originalité.
Electroacoustic Music and the Digital Future
Authors: Truax Barry
Published: June 2012

This article outlines the author's views on the contemporary social and economic situation of electroacoustic music and digital technology in general. The dominance of commercial interests in shaping the listener, the artist, and the definition of culture is examined. Issues associated with digital technology, such as standardization, de-skilling, and upgrades, are discussed with respect to artistic practice. It is argued that marginalized artforms such as electroacoustic music have benefited from the windsurfer availability of the digital audio workstation (DAW) for production and the Internet for distribution, but no analogous avenue exists for the creation of the consumer.
Électroniquoi?
Authors: Bouhalassa Ned
Published: June 2012

Dans cet article, l’auteur énumère et définit certaines variantes de ce que l’on appelle généralement la musique techno et les nombreuses expressions utilisées pour la désigner. Il s’attarde sur les musiques ambient, IDM (intelligent dance music), jungle ou drum and bass, glitch, microsound, regroupées sous le terme général d’électronica, s’arrêtant sur certains moments clés dans l’évolution du genre tout en dressant un portrait des principaux acteurs qui sont les moteurs d’un nouveau courant parallèle à l’électroacoustique.
Mutek — flou artistique?
Authors: Beaucage Réjean
Published: June 2012

À propos du festival Mutek, les médias parlent à profusion de « musiques électroniques d’avant-garde », « musique cérébrale », « nouvelle musique électronique » ou de « techno expérimentale ». Pour bien comprendre les différences entre la musique électroacoustique institutionnelle et ces « nouvelles musiques électroniques », l’auteur de cet article, qui se voulait au départ un compte rendu du festival Mutek 2002, examine les conditions qui ont mené à leur éclosion.
Qu’est-ce concert?
Authors: Normandeau Robert
Published: June 2012

« Le concert : pourquoi? Comment? » titrait une publication de l’INA-GRM parue en 1977. Où en sommes-nous vingt-cinq ans plus tard dans ce mode de représentation de la musique acousmatique? Que peut-on répondre en effet à ceux qui remettent en question non seulement la façon de présenter la musique de support en concert mais la pertinence même de ce genre de concert? Que de fois n’avons-nous pas entendu qu’il est totalement inutile de s’asseoir devant des haut-parleurs où il n’y a « rien à voir »! (référence à la série de concerts exclusivement dédiée à la musique acousmatique produite à Montréal). Dans cet article, l’auteur tente de répondre à ces questions en s’attardant au concept de rituel et à la place occupée par l’interprétation dans les concerts acoustiques.
Culture numérique et électroacoustique
Authors: Thibault Alain
Published: June 2012

Cet article questionne la place et les modes de représentation de la musique électroacoustique à l’intérieur de la culture numérique actuelle.
Entrevue avec Jean-François Denis, directeur d’Empreintes DIGITALes
Authors: Daoust Yves
Published: June 2012

C’est à l’été de 1989 que Jean-François Denis, en collaboration avec Claude Schryer, décidait de fonder une maison de disques spécialisée en électroacoustique. Ainsi naquit Empreintes DIGITALes, aujourd’hui considérée comme l’une des étiquettes les plus importantes au monde dans le domaine. Jean-François Denis fait le point sur l’évolution de sa compagnie.
Otographes
Authors: Szendy Peter , Donin Nicolas
Published: June 2012

À travers un dialogue par correspondance avec Nicolas Donin, Peter Szendy évoque les implications, aussi bien juridiques que philosophiques, technologiques qu’historiques, de ses travaux sur l’écoute. Sont abordées en particulier : la problématique de la transmissibilité de l’écoute, par la trace ou l’arrangement; la figure d’Adorno et le modèle de l’écoute structurelle; la tripartition de Molino-Nattiez et les apories de la sémiologie musicale.
Hearing [Hören] is Defenseless—without Listening [Hören]
Authors: Lachenmann Helmut
Published: June 2012

Composer Helmut Lachenmann published this seminal essay in 1985 in Germany, and it has since served as the basis point for a sustained reflection on the conditions of listening. It has also had a certain impact on the orientation of musicological research, particularly in Germany and France. Translated for the first time into English, Lachenmann begins by analyzing the place of modern music in society, in order to expand on a theory of listening which broaches phenomenological terrain: composing becomes the creation of new listening situations rather than the construction of a musical language in abstracto. Through a study of works of the standard repertoire (Beethoven) as well as through twentieth-century offerings (Webern and Lachenmann himself), he gives concrete examples of what a listening which is not "lulled to sleep by the common rituals" might be.
Pierre Boulez, théoricien de l’écoute
Authors: Goldman Jonathan
Published: June 2012

Lecture attentive des cours de Boulez au Collège de France, rassemblés dans Jalons (pour une décennie), où l’on peut observer une nouvelle valorisation de l’écoute. Cette valorisation comprend l’invention d’un nouveau vocabulaire capable de rendre compte de la façon dont la musique, et plus spécifiquement, la musique de Boulez, est perçue. Après un survol de quelques-uns des termes les plus importants, l’auteur propose une distinction, capitale dans l’écriture de Boulez, entre une écoute « structurelle » et une écoute des résonances.
Langage, musique et cognition : quelques remarques sur l’évolution nécessaire des problématiques psychologiques des vingt dernières années
Authors: Imberty Michel
Published: June 2012

L’application par Lerdahl et Jackendoff du modèle linguistique génératif de Chomsky à la musique tonale bute sur le postulat de l’innéité des compétences et pose le problème crucial de sa propre généralisation à toute musique. Le cognitivisme neurophysiologique propose des éléments de solution à travers le modèle de la modularité notamment, mais la dichotomie fodorienne entre périphérie et niveau central ne tient pas à l’observation des faits complexes.

De manière générale, il convient de substituer à une ontologie des objets celle des événements.

L’auteur montre comment, dans ses propres travaux, il est parti d’une réactivation de la notion piagétienne de « grammaire d’enfants » pour proposer une « grammaire musicale évolutive »; ce modèle engendre des structures dynamiques, globales, orientées temporellement, qui sont antérieures aux notions d’intervalles de hauteur et de durée — déplaçant ainsi les apories du cognitivisme précédemment décrites et fournissant un substrat à toute approche de la musique intégrant prioritairement sa qualité temporelle.
Où en est la musique électroacoustique aujourd’hui?
Authors: Barrière Françoise
Published: June 2012

L’histoire de la musique électroacoustique du siècle dernier est la plus importante conquête musicale de l’Occident depuis l’époque de Bach. Cette histoire est loin d’être achevée, elle est écrite par d’authentiques artistes, en marge des modes et des produits de consommation. Bien qu’entrée dans les moeurs, la musique électroacoustique reste méconnue et encore majoritairement incomprise. Pourtant, cette situation pourrait rapidement changer, du fait de l’usure générale des produits commerciaux, de l’essoufflement progressif des musiques de variété, de la fin programmée du pillage culturel mondial organisé, de l’épuisement des vintages et autres mix.
L’utopie, contrée fertile de l’aventure électroacoustique
Authors: Roy Stéphane
Published: June 2012

Le discours spéculatif et les utopies productives qui en sont le résultat se situent en amont de la production musicale de l’avant-garde contemporaine. Les crises du modernisme du XXe siècle ont été déclenchées par l’avènement d’utopies productives qui ont su stimuler l’imaginaire et insuffler l’énergie du dépassement. Dans cet article, on verra comment l’écoute réduite, la quête de l’archétype musical et d’une certaine communication musicale ainsi que le développement d’une réflexion théorique avec son caractère hautement spéculatif participent au projet utopique de l’aventure électroacoustique et contribuent à en stimuler le caractère inventif.
Off the Map?
Authors: Hyde Joseph
Published: June 2012

This article examines the place of Sonic Art in the current cultural landscape. It deconstructs some of the preconceptions often associated with this field, and postulates that because work of this nature does not necessarily fit commonly recognised categories and hierarchies, it becomes effectively invisible (and therefore inaudible).

While not attempting to propose a solution, the article looks at various pointers towards an alternative cultural 'placing' of sonic art; along the way looking at other genres such as hip-hop, techno and electronica, and the dichotomies of so-called 'high' and low' culture, media convergence and divergence and cultural homogenisation and fragmentation.
De la musique et des images
Authors: Piché Jean
Published: June 2012

La musique électroacoustique de tradition schaefferienne semble à bout de souffle depuis quelques années. Les causes possibles de ce déclin sont abordées par un examen de quelques épineux problèmes technologiques, linguistiques et publics de la musique électroacoustique. Dans un second temps, une solution est amenée par le biais de la vidéomusique, une nouvelle forme hybride combinant musique électronique sur support et vidéo. Quelques balises du genre sont proposées.
Musique électroacoustique et service public
Authors: Cochini Roger
Published: June 2012

L’enseignement de la musique électroacoustique en France a vécu, depuis ces trente dernières années, une profonde restructuration. Dans cet article, l’auteur, acteur et témoin de cette évolution depuis le début des années 1970, propose de comprendre comment cet enseignement, en se propageant depuis les Centres de création et de recherche dont il est originaire, et en se répartissant dans les lieux publics d’enseignement musical, s’est progressivement attribué une signification nouvelle.

A l’heure où vient d’être fondée une Association des enseignants en composition de musique électroacoustique (AECME), il analyse les nouvelles formes et les nouveaux besoins de cet enseignement, essaye de comprendre comment se répartissent les responsabilités partagées entre nouveaux partenaires publics. S’appuyant sur sa propre expérience professionnelle, il fait émerger les conditions d’une possible intégration de cet enseignement dans la vie publique, et tente d’en dégager quelques perspectives communes pour l’avenir.
Survival Strategies for Electracoustic Music
Authors: Copeland Darren
Published: June 2012

The paper outlines, from the author's perspective as composer and event producer, the importance of community relations in building a larger audience and gaining more relevance for electroacoustic music in the century ahead.
La charpente invisible
Authors: Pallandre Jean
Published: June 2012

— Hum… voilà que je commence à comprendre, et voilà comment je te résumerai : tu sembles dire que la phonographie s’est perdue dans la musique, et sans doute au moins à deux titres : au titre du commerce en devenant outil d’enregistrement, cantonnée au simulacre de la reproduction musicale, et au titre des « musiques électroacoustiques », en devenant un timbre nouveau, cantonnée au simulacre de l’appartenance au domaine musical. Or, tu sembles dire que le propre de la phonographie n’est ni là ni ici, que, sans s’opposer en rien à la musique, l’acte phonographique puise ses racines et sa nécessité ailleurs. Dans l’ailleurs de l’image.
Les usagers de la musique
Authors: Hennion Antoine
Published: June 2012

Cette contribution est écrite à partir d’entretiens, d’observations ou d’expériences réalisés en équipe ces dernières années auprès d’amateurs ayant des attachements de nature et d’intensité diverses à la musique. Il s’agit de se mettre à l’écoute de leur écoute, en essayant le plus possible de laisser leur espace propre aux formes très variées qu’elle peut prendre. Loin d’être inférieures, incompétentes, passives ou obsédées par le seul plaisir immédiat du son ou de l’image facile, les oreilles des amateurs sont actives, créatives. Elles jouent avec les nouveaux moyens de la musique, la disponibilité démultipliée d’un répertoire, la manipulation instantanée de musiques diverses. Elles travaillent les positions de l’écoute, à commencer par la disposition physique de soi. Elles débouchent souvent sur un art de faire très personnel, inventant de véritables façons de se mettre en musique. Mettre l’accent sur l’écoute, c’est donc réintroduire l’hétérogénéité irréductible d’un réel-événement, fait de plis et de tissages. Non pas une oeuvre et un auditeur : des corps, des dispositifs et des dispositions, de la durée, un objet insaisissable, un instant qui passe, des états qui surgissent. Après tout, hors des laboratoires et des écoles, qu’est d’autre la musique?
Commerces discographiques
Authors: Jaujou Nicolas
Published: June 2012

Cette article interroge l’« étrange familiarité » de nos magasins de disques. Son ambition : expérimenter la condition des commerces discographiques qui y sont engagés. Pour ce faire, l’auteur questionne la mise en conversation des rayons de disques de la FNAC et du Virgin Megastore de Bordeaux afin de mettre en cause leur vocation : quelles formes de vies sont parlées et appelées par ces propositions de musique?
L’oreille jazz : essai d’ethnomusicologie
Authors: Lortat-Jacob Bernard
Published: June 2012

Au coeur de l’article : les propriétés assez particulières de l’oreille d’une population relativement bien définie, les jazzmen. Ces derniers ont en effet des jugements assez précis concernant la justesse d’intonation, qui sont en général à l’opposé de ceux qu’émettent (de façon généralement péremptoire) une autre catégorie de musiciens : ceux formés à l’art classique. L’expérience a été conduite de façon concrète à partir d’une chanson exécutée d’abord par Chet Baker (enregistrement historique), puis ré-exécutée, à notre demande, par un chanteur classique. L’analyse révèle de grandes différences du point de vue du système des hauteurs qui renvoient en fait, à deux conceptions catégorielles de la justesse, apparemment irréconciliables. Être jazzman suppose également d’avoir intégré une aptitude de mise en correspondance entre thème et variations, autant qu’entre harmonie et mélodie. Portant sur un standard bien connu de Charlie Parker de 1945, l’analyse met succinctement en évidence les aptitudes spécifiques de deux types de populations : jazzmen d’une part et musiciens classiques de l’autre, tous de haut niveau. Les résultats révèlent ici encore qu’il s’agit d’aptitudes clairement antagonistes et culturellement non partagées.
Le travail de la répétition
Authors: Donin Nicolas
Published: June 2012

Quelle place pour le public dans la musique sérielle, à laquelle on associe toujours le paradigme de l’écoute totale? La comparaison entre deux sociétés de concerts intimement liées à l’invention de cette musique (le Verein für musikalische Privataufführungen de Schoenberg et le Domaine musical de Boulez) permet de dissocier le mythe d’un sérialisme indifférent à toute réception, et la réalité des organisations musicales forgées par ses principaux artisans.

Chez Schoenberg, le refus des médiations musicales et de la publicité des concerts permet aux auditeurs d’accéder à des répétitions privées des mêmes oeuvres, bien avant que le disque n’en popularise la pratique. Ces répétitions sont outillées par des écrits, par des dispositifs d’écoute. Chez Boulez, l’existence du disque est intégrée dans le dispositif d’écoute : la programmation juxtapose des oeuvres issues de périodes différentes, et d’effectifs variables; la politique de diffusion engendre une importante discographie qui fixe à la fois un style d’interprétation et un répertoire.

Chacun des deux dispositifs fait travailler trois niveaux distincts de répétition : répétition interne à l’oeuvre, répétition de l’oeuvre, répétition d’une exécution. Mais l’articulation entre ces niveaux diffère chez Schoenberg et Boulez car les deux institutions s’insèrent, malgré leur relative proximité chronologique, dans deux époques éloignées de la reproductibilité musicale (l’une encore dominée par la partition et le piano, l’autre déjà par l’enregistrement sonore).
À bon entendeur
Authors: Lauxerois Jean
Published: June 2012

La notion d’« écoute structurelle », qui apparaît dans Introduction à la sociologie de la musique, a donné lieu à une masse de commentaires qui sont autant de malentendus. Loin de faire d’une telle écoute son credo définitif, la pensée d’Adorno en effet s’est considérablement enrichie voire infléchie sur ce point. Mais il se révèle surtout qu’elle est moins une pensée de l’« écoute » que de « l’ouïr » musical, et qu’elle démobilise elle-même le privilège que la traduction du verbe hören accorde indûment, en français, au terme « écoute ». Entre écouter, entendre et ouïr, il y a une radicale différence des sens, que ce privilège oblitère.

On récusera du même coup qu’il y ait une essence invariante de l’écoute, celle d’un « sujet » également invariant. La promotion moderne de l’écoute, liée à l’apparition technique de « l’écouteur », répond au devenir métaphysique du sujet occidental et de son « oto-nomie », symptôme d’un « malaise dans l’écoute » qui serait l’une des formes de celui que Freud explore de la culture. C’est au contraire au défaut du sujet et de sa finitude que peut se situer la vérité de l’ouïr. L’oreille relève ainsi d’une temporalité, dont La Recherche du temps perdu montre qu’elle est le coeur du fait que le sujet entend toujours « à l’envers » : pour se résorber et se construire temporellement, techniquement, « à l’oeuvre ».
Montréal/Nouvelles Musiques : perspectives
Authors: Duchesneau Michel
Published: June 2012

Dans cet article, l’auteur avance quelques hypothèses sur les origines du festival Montréal/Nouvelles Musiques en explorant les antécédents de la Société de musique contemporaine du Québec dont il fut le directeur général de 1997 à 2002. Il s’interroge aussi sur la dynamique qui anime le festival, le rôle qu’il doit jouer dans le milieu musical québécois à la lumière d’autres expériences disciplinaires (danse, théâtre, cinéma, musique de jazz) et en quoi son existence est liée à une identité musicale originale ou plutôt un savoir-faire original. L’analyse révèle que MNM va certainement permettre à la musique québécoise de bénéficier d’une porte d’entrée dans le grand réseau des festivals internationaux de musique nouvelle, système de diffusion de la création musicale à l’échelle internationale désormais incontournable et dominant à tous les niveaux de la discipline. Mais MNM en soi, ne peut être la solution unique à une pleine reconnaissance de la « musique québécoise ».
MNM: A Collective Love Letter by and to Musicians
Authors: Culver Andrew
Published: June 2012

Culver presents his observations and reactions to the first MNM Festival, and then opens the suggestion box with his views on the steps MNM should take to solidify it's survival and relevancy. Finally, he compares the festival to it's potential place in the history of culture, technology and music since Monteverdi/Gutenberg through Cage/McLuhan and into the future.
Le courant électrique dans Montréal/Nouvelles Musiques
Authors: Beaucage Réjean
Published: June 2012

L’auteur explore le versant électronique de la programmation du Festival Montréal/Nouvelles Musiques. La place que les directeurs artistiques ont choisi d’offrir aux musiques électroniques, électroacoustiques ou mixtes dans cette programmation est-elle proportionnelle à celle qu’elles occupent dans la création contemporaine? Cette programmation est-elle, en d’autres mots, représentative de notre environnement musical? C’est à ces questions que le texte veut répondre.
Montréal/Nouvelles Musiques
Authors: Gilbert Nicolas , McKinley Maxime
Published: June 2012

Les deux auteurs présentent leurs points de vue personnels sur la première édition du festival international Montréal/Nouvelles Musiques qui s’est déroulée au mois de mars 2003. Les événements et les oeuvres qui ont été, à leur avis, les plus marquants sont revisités parfois avec sérieux, parfois avec une certaine légèreté, mais toujours en tentant de rester dans l’esprit du festival et des oeuvres qu’il a mises de l’avant.
Klas Torstensson in Conversation
Authors: Goldman Jonathan
Published: June 2012

During his stay as guest composer at the MNM festival, Klas Torstensson speaks about his musical approach with Jonathan Goldman. After hearing his monumental Licks and Brains tryptich, Torstensson discusses his views on Netherland-style Minimalism, the interactive relationship that he aims at between composer and performer, his concept of networks and fragmentation as compositional techniques, and the primordial role of intuition in musical development.
The Splendid Allure of Europium at the Inaugural Montréal/Nouvelles Musiques
Authors: Steenhuisen Paul
Published: June 2012

Composer Paul Steenhuisen shares his own views on the Montréal/Nouvelles Musiques Festival by situating it within the context of other Canadian festivals and by discussing its main characteristics. The author also discusses the festival's artistic principles and its thematic orientation. On considering the compartmentalization of the public, he suggests that an artistic approach based on a unifying musical or philosophical idea would be an advantageous replacement to the "star composer" system.
Frank Zappa dans l’univers des musiques sérieuses : un parfait étranger?
Authors: Beaucage Réjean
Published: June 2012

Dix ans après sa mort, Frank Zappa reste une énigme et une somme de contraires peu communes. Connu des adolescents pour sa musique rock dont les thèmes oscillent entre le grivois et l’obscène, il est aussi respecté pour sa critique sociale féroce et ses oeuvres de musique « sérieuse » auxquelles, par ailleurs, un parfum de scandale aura toujours fait de l’ombre. Sa célébrité de rock star a malheureusement pris le pas, à travers la lorgnette de médias à courte vue, sur toutes les autres facettes de son oeuvre multiforme. L’auteur retrace ici le parcours biographique de Zappa en s’attachant principalement à ses expériences dans le vaste domaine des musiques « sérieuses » et rappelle que, de la découverte de la musique de Varèse à sa rencontre avec l’Ensemble Modern, le chemin de Zappa ne croise pas par hasard ceux de Zubin Mehta, Pierre Boulez et Kent Nagano.
Frank Zappa, l’esthétique d’un nomade
Authors: Gatti Nathalie
Published: June 2012

À travers l’exploration croisée de la réception polémique dont Zappa fait l’objet et des éléments pertinents de son oeuvre, l’auteur propose qu’on en déduise l’ébauche d’une nouvelle problématisation de son art. Le recours à la philosophie de Deleuze contribue à tracer les contours d’une esthétique « nomade », qui concourt à excéder toutes les catégories traditionnelles de pensée et instituer ainsi l’autorité du style singulier de Zappa.
Frank Zappa devant l’éternel : postérité problématique d’un iconoclaste impénitent
Authors: Masino Nicolas
Published: June 2012

Ce texte tente d’analyser les raisons pour lesquelles, dix ans après la mort de Zappa, il semble encore aujourd’hui problématique de cerner de façon claire l’apport du compositeur au paysage musical de la seconde moitié du XXe siècle. En plus d’expliquer la profonde originalité de la démarche de Zappa sur les plans stylistique et compositionnel, le texte souligne la difficulté qu’éprouve la musicologie à considérer sérieusement une oeuvre qui refuse de se prendre trop au sérieux, tout en mettant en évidence la caractère éminemment postmoderne de la musique de Zappa.