bluuebunny/crossref_metadata_2025 huggingface dataset:
Les tableaux vivants dans l’œuvre de Pierre Klossowski : quels lieux pour l’érotisme ?
Authors: Halimi Carole
Published: June 2021

Eroticism and the role of the tableau vivant in the work of Pierre Klossowski : Which Spaces for Eroticism ?

This paper examines the role of the tableau vivant in the emergence of the erotic dimension in the works of Pierre Klossowski. I show how the tableau already structures the author’s mental vision, before ever finding expression in his fiction and drawings. My first section is dedicated to the theatrical dimension of the work of Klossowski, as well as to the presentation of the principle of the ‘Laws of hospitality’ operating in the different works of fiction which surround the Roberte character. I then turn to the question of the place granted to body movement in the anatomy of the tableaux. Gulliverian viewpoint, solecistic gesture, as well as the suspension of gesture and attitude are each studied as so many different spaces of the libidinal and fantasmatic economy of Klossowski ’s tableaux. The tableaux are thus examined as being a structuring and compositional element, but also as a deliberate commitment to inactuality. This is especially visible, I argue, in the close proximity between Klossowski’s pictorial output and that of the 19th century painter which he represents in his narratives.
Denis Honegger et la chapelle Saint-Éloi à Hautmont
Authors: Radouan Sébastien
Published: June 2021

Denis Honegger’s Chapel of Saint-Eloi at Hautmont.

Denis Honegger’s work is an interesting and original example of the transition to Modernism in architecture. A faithful disciple of Auguste Perret, he also became acquainted with the ideas of Modernism during the time of his apprenticeship. His work first came to notice in Switzerland when he won the competition to build the University of the Miséricorde and the Church of Christ the King in Freiburg. In France he is mainly known for his social housing projects. The catholic chapel of Saint Eloi, which he worked on from 1959 to 1962, belongs to his first project of the kind, situated in the town of Hautmont in the North of France. The chapel is the only one of Honegger’s buildings to be inscribed today on the French register of national monuments. The church, commissioned by the archdiocese of Cambrai, was completed after several changes in the plan thanks to the patronage of the Forges de la Providence, one of the region’s main iron and steel works. Continuing in the spirit of the buildings he designed in Switzerland a few years earlier in collaboration with Fernand Dumas, Honegger at the same time adapted his ideas and proposals to the wishes of his client and to the specific context of the project. Adopting a functional and rational approach, the architect also produced a design that reflects his singular creative process and the diversity of his sources of inspiration. In this sense, the project of the chapel of Saint Eloi is a perfect starting point to examine the traditional ideal, which fed Honegger’s art.
L’art du Moyen Âge entre sciences et technique
Authors: Reveyron Nicolas
Published: June 2021

The Art of the Middle Ages Between Science and Technology

The relationship between the arts, science and technology are complex. The three fields have remained a long term impervious one to each other. However, the identification of artists throughout the marks of their expertise or interest shown by the first archaeologists medievalists for the technology as chronological marker, have established the first relationship - promising in the long term -, before that the involvement of the “hard sciences” in the restoration and preservation of work art opens widely the history of art to science and technology. It is now appropriate to examine what are the contribution of science to art history and the role of technology in this field of research. The issue is more complex than it seems. The sciences analyze the works Art and reveal elements often crucial to reconsider the identification or dating. The analysis of technical aspects opens a wide field to the history of art. But, in parallel, each one and the other has a deeply influence on our view of art and force to reconsider, sometimes radically, some questions. The relationship between Cluny and Gothic art can illustrate this point.
La science du toisé à l’œuvre : l’Architecture pratique de Pierre Bullet, 1691
Authors: Hernu-Bélaud Juliette
Published: June 2021

La publication de l'Architecture pratique de Pierre Bullet en 1691 marque une étape dans la définition du métier d’architecte à la fin du XVIIe siècle. En mettant par écrit des méthodes précises, normalisées et quantifiées pour toiser les bâtiments, Bullet pose en effet les cadres d’un processus de construction supervisé très largement par l’architecte. Conçu comme un moyen d’évaluer plus précisément les coûts et d’encadrer les pratiques de construction, le toisé fait alors entrer un usage nouveau de la science dans l’architecture, qui aboutit à un modèle de devis formalisé, permettant de fait une description plus précise des projets. Au moyen d’un bref historique de la mise par écrit des méthodes de toisé et de leurs rapports avec la construction, nous souhaitons mettre ici en évidence le rôle du traité de Pierre Bullet, ainsi que ses influences potentielles sur l’architecture.
La sculpture en bronze entre art et technique : la réhabilitation de la cire perdue en Belgique au XIXe siècle
Authors: Wautelet Marie
Published: June 2021

En 1879, la Compagnie des bronzes de Bruxelles réhabilite la technique de la cire perdue, que seuls les fondeurs italiens employaient encore couramment. Alors que la fonte au sable est décrite comme un procédé économique et industriel, la cire perdue est appréciée pour son côté plus artisanal, permettant au sculpteur de se réinvestir dans l’exécution matérielle de ses bronzes, et s’impose en tant que technique plus prestigieuse, réservée surtout aux artistes et aux amateurs avertis.

Son emploi dès 1879 peut également être mis en relation avec l’évolution stylistique de la sculpture au même moment. Grâce à une faible ciselure et la retouche de la cire, elle permet en général un rendu plus fidèle du modelé de l’artiste et une spontanéité qui s’apparente à celle de la terre cuite. L’intérêt pour les possibilités expressives offertes par la cire perdue font ainsi échos au réalisme puis à l’impressionnisme qui gagnent alors la sculpture et amènent les sculpteurs à accorder une attention particulière au rendu nerveux et plus brut de la surface de leurs œuvres.
Les modèles en verre d’invertébrés marins des Blaschka : de l’objet pédagogique à l’œuvre d’art
Authors: Michel Aurélie
Published: June 2021

Le XIXe siècle marque une étape primordiale dans le développement des sciences et de la muséologie. Au cœur de cette période propice, Léopold Blaschka (1822-1895) et son fils Rudolf (1857-1939) vont astucieusement mettre au point une production de modèles en verre d’invertébrés marins, conçus à partir de techniques ancestrales. Les animaux marins au corps mou, ne pouvant être naturalisés, les pièces en verre des Blaschka vont les remplacer dans les muséums d’Histoire Naturelle, alors en pleine expansion. Le savoir-faire et la dextérité incomparable des Blaschka leur offre une notoriété et assure le bon fonctionnement de leur entreprise. Les enjeux scientifiques de cette époque influencent le statut de l’objet, dont la fonction nouvelle le fait passer de modèle pédagogique au statut d’œuvre d’art, inscrite dans la mouvance des arts décoratifs, comme l’atteste les planches de dessins du biologiste Ernst Haeckel.
Art cinématographique et sciences physiques : l’œuvre de Jean Epstein
Authors: Vally Hélène
Published: June 2021

Jean Epstein (1897-1953) fut l’une des figures majeures de l’avant-garde cinématographique française dans les années vingt. Il marqua également son époque par une œuvre théorique extrêmement importante. Jusqu’à la fin des années quarante, il réalisa des films et déploya sa pensée dans des articles, des ouvrages théoriques ou encore des conférences retranscrites. Dans ses textes, il faisait souvent référence à des théories scientifiques, en particulier la théorie de la relativité restreinte (1905) et la théorie de la relativité générale (1915) d’Albert Einstein, pour parfaire ses théories. Pour Epstein, cinéma et physique étaient des domaines que l’on pouvait penser ensemble. C’est ce va-et-vient entre art et science, entre cinéma et physique, qui sera ici analysé à partir de ses écrits et, ensuite, à partir de deux séquences de films extraites de Finis Terrae (1929) et du Tempestaire (1947).
L’Italie des architectes soviétiques
Authors: Bellat Fabien
Published: June 2021

The Italy of the Soviet Architects

Several Soviet architects were distinguished by their attachment to Italy. Among them we can find academics as Ivan Joltovski, Alekseï Chtchoussev, or artistes who had defined the 1920s Soviet modernity such Andrei Burov, Karo Alabyan. All participated in the implementation of the neo-academic, and each used his knowledge of Italy in its projects serving the glory of the new red empire.

Thus Joltovski cited a pattern of the Palazzo dei Diamanti in Ferrara. Burov took an architectural element of the fresco of the True Cross by Piero della Francesca in Arezzo. Chtchoussev cited in an ambiguous way the Chancellery in Rome for his KGB building ... To each one, the Italian style borrowing was a matter of thought on architectural design. These sources were used in the USSR with the aim to reshape history by a sovietized point of view.
"The Fur-Lined Museum" : Surrealism and the Museum of Modern Art in New York
Authors: Zalman Sandra
Published: June 2021

“The Fur-Lined Museum” : le Surréalisme et le Musée d ’Art Moderne de New York.

Cet article explore l’histoire complexe des débuts de la réception du surréalisme aux États-Unis, en prenant comme point de départ l’exposition blockbuster du surréalisme organisée en 1936 au Musée d’Art Moderne de New York (MoMA), et à l’origine d’une active consommation du surréalisme par le public américain. Alors que ce dernier se familiarisait avec cette expression artistique, en grande partie grâce à la publicité et à l’activité commerciale de Dali à New York, le MoMA a continué à promouvoir l’esthétique surréaliste dans la peinture américaine. Néanmoins, comme le goût se transformait au début des années 1940, les critiques d’art américains ont commencé à définir les normes d’une pratique esthétique à l’opposée de la culture visuelle du surréalisme. Cet article soutient que non seulement le surréalisme a constitué un important carrefour de l’art européen et américain, mais il continue de mettre en évidence les tensions productives entre le modernisme et le commerce, l’Avant-Garde et le kitsch.
Conserver et restaurer en Europe. Les voies divergentes de deux professionnalisations
Authors: Leniaud Jean-Michel
Published: June 2021

Parmi les singularités de la conservation du patrimoine mobilier en France, dans et hors des musées, on relève l’étonnante hiérarchisation des fonctions de conservateur et de restaurateur. On s’attache ici à en cerner les raisons - et non les justifications - dans les motivations politiques qui ont animé les politiques patrimoniales, à savoir l’instruction publique et la construction de l’unité nationale autour d’un passé recomposé, sans oublier les incitations actuelles : animation et marchandisation. Instrument de ces politiques, le conservateur leur subordonne l’acte de restaurer et, de ce fait, s’empare d’une situation décisionnelle vis-à-vis du restaurateur. Face au politique, quelle part, dans ce processus, est réservée à la science ? Elle s’affirme dans la théorisation de pratiques : l’archivistique, la bibliothéconomie et la muséographie qui, à des rythmes disjoints, se développent peu à peu. Comment coordonner le discours historique, la conservation et la restauration ? La question reste loin d’être résolue.
Restauration et invention : les célébrations du centenaire de la mort de Dante à Ravenne (1921)
Authors: Renard Thomas
Published: June 2021

Restoration and invention : celebrations of Dante’s death centenary in Ravenna (1921)

On the occasion of the sixth centenary of Dante’s death in 1921, it was decided that the poet would best be commemorated by restoring a selection of medieval buildings situated in strategic sites of the Italian peninsula. Along with Florence, Ravenna, the city where Dante died, was one of the main centres for these celebrations. A civic and a catholic organizing committee were set up under the supervision of Corrado Ricci, acting on behalf of the national government. Several conservation projects carried out around the church of San Francesco and the poet’s tomb led to the creation of a central area dedicated to Dante. In this zona dantesca, as indeed for other sites scattered across the city (in particular those of San Giovanni Evangelista) the main goal was to free buildings from all architectural transformations that were inconsistent with their supposed original medieval state.

This article examines these operations in light of contemporary practices of architectural conservation in Italy as well as the theories developed by Camillo Boito and Gustavo Giovannoni. They are also conditioned by two broader cultural trends : on the one hand operations aimed at emphasizing the medieval features of Italian cities, and on the other hand a focus on the patriotic cult of Dante Alighieri. By analyzing the works undertaken in Ravenna, the article suggests the role of architectural conservation in the cultural aspects of the Italian nation-building process.
Les débats des commissions consultatives de restauration des peintures (1882-1937) : vers une déontologie de la restauration
Authors: Chaizemartin Julie
Published: June 2021

The debates of the Advisory Committee on Painting (1882-1937) : towards a deontology of conservation

Beginning in 1882, an advisory committee for the conservation of paintings was created at the Louvre Museum, which revolutionized the history of the conservation-restoration. For the first time experts, painters, connoisseurs and politicians came together to supervise conservation projects. This advisory committee fixed standards for the field, and its opinion had to be obtained before undertaking any operation of conservation. Members of the committee gave much thought to different possible techniques and discussed the status of the conservator. This allowed for a gradual increase in awareness : 19th-century conservation methods were banned and emphasized was placed on the authenticity of a work of art. Resolutions drawn up by the committee from 1882 to 1937 provide a precious glimpse into the way in which ideas on conservation-restoration evolved over the course of this still relatively unstudied period. A close reading of these resolutions reveals that the Committee, even without the benefits of modern science, anticipated the fundamental principles of modern conservation-restoration and laid the foundations for a deontology for the discipline. From this period on, the restoration of paintings becomes an important issue in the conservation of cultural heritage. A perfect restoration indeed has to reveal both the aesthetic and historical unity of a work of art to the public.
La réception des œuvres restaurées : ce que révèlent les trois dernières grandes controverses au Louvre
Authors: Hénaut Léonie
Published: June 2021

The reception of restored works. Revelations of the last three great controversies at the Louvre

Over the 19th and 20th centuries, the Louvre faced public criticism over restorations on three occasions : in the 1850s, after several restorations performed at the behest of the curator of paintings Frédéric Villot ; in 1935 when Titus, or Portrait of a young man, then attributed to Rembrandt, was cleaned ; and more recently in 1989-1992 during the spectacular cleaning of the Marriage at Cana by Veronese. Regardless of their origins and outcomes, such controversies force us to conceive of conservation as a social world involving not only conservators and curators, but also museum users more generally, and connoisseurs and artists in particular. Comparing statements made by various protagonists implicated in these three controversies, the present paper shows how freshly cleaned paintings put the public to the test. Four sections explain the context in which people became aware of the restored works, what kind of preferences characterized those who challenged the restorations, what catalyzed the outburst of the controversy, and finally how the debates evolved over time due to the increased use of scientific tools and arguments. The conclusion questions the role of museum users in the conservation process.
Dada à Paris : un catalyseur politique (1920-1923)
Authors: Marre Orianne
Published: June 2021

Si le mépris du politique affiché par les membres du mouvement Dada à Paris a été largement étudié par les historiens de cette avant-garde, il apparaît que sa réception dans les milieux politiques a été délaissée. Cet article entend ainsi étudier le mouvement Dada à travers une partie de son public : les hommes engagés dans la vie politique française au lendemain de la Première Guerre mondiale. Le dépouillement de la presse d’opinion des années 1920 à 1923 permet de comprendre comment Dada est reçu par ces derniers ; si les dadaïstes semblent ignorer les hommes politiques, les journalistes appartenant à ces différents partis écrivent sur ce mouvement qui affole la scène artistique. A ce moment de bouleversement de la société française, il apparaît que les hommes politiques transposent sur le mouvement Dada leurs peurs et leurs espoirs. Véritable catalyseur, Dada cristallise autour de lui les préoccupations politiques et sociales du début des années 1920.
Le Street art, entre art et sous-culture : le défi d’une nouvelle définition
Authors: Perrin Romain
Published: June 2021

C’est au début des années 1970 que les adolescents des quartiers déshérités des grandes villes de la côte est des Etats-Unis, principalement à New York, inventèrent une forme particulière de graffitis. Signatures stylisées d’abord, elles devinrent vite de gigantesques fresques aux motifs complexes, peintes sur les voitures des métros ou les murs d’immeubles abandonnés, avant d’investir les supports traditionnels de la peinture et le monde de l’art contemporain au début des années 1980. Ces tags et ces graffitis donnèrent ensuite naissance à d’autres productions plastiques, notamment en Europe, que l’on peut regrouper sous le terme de Street art. Depuis quarante ans les images et les techniques du Street art tendent à occuper une place croissante au sein de l’art contemporain et de la société de consommation. Tantôt célébré par des ouvrages grand-public, tantôt dénoncé pour les dégradations faites sur des biens publics ou privés, le Street art ne fait pas l’unanimité et son statut hybride, entre art et sous-culture, pose question. C’est par cet angle de la sous-culture, d’après les théories des sociologues de l’école de Birmingham que l’article tente de définir le Street art sous un jour nouveau en posant les enjeux que soulèvent ces productions plastiques.
Interférences, ambiguïtés, résonances : quelques réflexions sur la concorde des arts au Moyen Age
Authors: Ferré-Vallancien Rose-marie
Published: June 2021

Les relations entre les arts ont été suggérées il y a plus d’un siècle par Émile Mâle. Cependant, loin de considérer la supériorité d’un mode d’expression artistique sur un autre, il s’agit aujourd’hui d’envisager l’interaction entre plusieurs media, suscitant alors une multitude de lectures de l’œuvre d’art. L’étude de deux retables commandés par René d’Anjou, le Buisson ardent de Nicolas Froment et le Portement de Croix de Francesco Laurana, permettra ainsi d’éclairer les passerelles entre les arts à la fin du Moyen Age.
Le « tout », le « total » et la folie des grandeurs dans l’art des jardins au XVIIIe siècle
Authors: Woronow Ilona
Published: June 2021

Le concept de la synthèse de tous les arts éveille autant de fascination que d’inquiétude au siècle des Lumières. Il investit deux problématiques éminentes : l’adaptation de techniques et de procédés empruntés à d’autres registres et la réalisation de projets multi-artistiques. libéré du cordeau et du niveau, outils associés aux jardins à la française, nouvellement admis au cercle des arts libéraux, l’art des jardins est porteur d’une promesse de réunion de tous les arts au sein du paysage. Conscients des difficultés inhérentes à l’ambition d’embrasser l’ensemble des modes d’articulation - les Lumières scrutent dans ce contexte aussi bien les problèmes techniques que les dispositions physiologiques de l’homme -, ses amateurs défendent la légitimité de ses aspirations. Quelle est la valeur esthétique et éthique du jardin conçu comme un projet transdisciplinaire ? Comment le jardin en tant qu’art total échappe-t-il au danger de la folie des grandeurs ?
L’inspiration musicale du peintre : motifs, fictions et stratégies dans les Vies de Gérard de Lairesse
Authors: Martin Marie-Pauline
Published: June 2021

The Painter’s Inspiration and Virtuosity : Patterns, Fictions and Strategies in the Lives of Gérard de Lairesse.

In 1721, Arnold Houbraken published the third and last volume of the Groote Schouburgh der Nederlantsche Konstschilders en schilderessen, inspired by the historiographical model of Vasari’s Vitae, in order to defend the merits of the Dutch school. Gérard de Lairesse is described in this work as a hero, embodying the genius of Dutch painting. With few sources available, very little is in fact known of the life of the painter. Thus, his youth and training is passed over in favor of a more colorful anecdote on Lairesse’s decisive meeting with the famous Amsterdam art dealer Gerrit van Uylenburg. Fictitious but nonetheless enlightening, this anecdote sketches an idealistic portrait of Lairesse, forged from two intelligible motifs of the theologies of revelation (virtuosity and musical inspiration), in accordance with a clearly deliberated strategy : to remove any suggestion of labor from the painter’s work, to lend a poetic energy to the painterly gesture, and to establish the artist’s genius by using the same means by which saints are glorified.
Tableaux sur scène et sur toile, Paris 1850-1890
Authors: Serié Pierre
Published: June 2021

Entre 1850 et 1890, deux générations de peintres - de Charles-Louis Muller à Jean-Paul Laurens en passant par Léon Bénouville et Jean-Léon Gérôme - perpétuent la séculaire notion de peintre d'histoire en entretenant, un commerce aussi régulier, sinon plus, avec les dramaturges parisiens qu’avec les maîtres accrochés sur les cimaises du Louvre. Le théâtre, refondé via l’esthétique du tableau à la fin du XVIIIe siècle, atteint alors un degré d’illusionnisme inégalé et, forme concurrente de production visuelle, force le peintre d’histoire à se positionner vis-à-vis de lui : adhésion ou rejet. L’alternative offerte au peintre est alors la suivante : ou bien faire mieux que la représentation scénique en matière de saturation visuelle (ce seront les propositions de Gustave Doré, par exemple), ou bien le céder au régisseur de théâtre en matière de faste pour mieux redéfinir la spécificité du tableau peint, et réinvestir un temps proprement pictural (économie de la représentation, modes détournés de narration, au-delà du drame, etc.). Telle sera la solution choisie par Gérôme ou Laurens au problème récurrent de la « théâtralité ». Leur succès dans cette entreprise de réinvention du tableau d’histoire fut incontestable : ils parvinrent à renvoyer à ses origines l’épithète « théâtral », c’est-à-dire au théâtre.
De la traduction en gravure et en sculpture d’édition, ou l’art (délicat) de la reproduction
Authors: Voillot Élodie
Published: June 2021

On a Subtle Process -Translating Fine art into Fine Replicas.

Though a wide distance seems to separate engraving and bronze editions, at least as far as their materials, they both reproduce an original work of art through a mechanical process. Through this process, engravers and editors become the “translators” of an artist or a work of art. During the first half of the nineteenth century, the discourse on translation - long associated with the history of engraving - began to engage the new phenomenon of sculptural editions. Because it departed from the original in its size, materials, and colors, a bronze reproduction could appear to be a falsification. Perhaps it would have been more sensible, and more apt, to tailor the reproduction process to the specifics of each medium and adapt them to the copy in order to reproduce the effects of the original, if not an exact translation. Accordingly, the sculptural edition would not simply copy, but instead interpret the original work of art. Through an analysis of the nineteenth-century understandings of mechanical reproduction in the field of engraving and bronze sculptural editions, this article examines the question of originality in reproduction.
« Vers un théâtre d’artiste » : les incursions théâtrales des membres de l'Arte Povera
Authors: Satre Barbara
Published: June 2021

Il s’agit de considérer l’interdisciplinarité aux origines de L' Arte Povera, à l’œuvre autant sur le plan théorique que pratique, afin de comprendre la relation fondamentale de ce courant -et en particulier de certains artistes du groupe -avec le théâtre. Il existe en effet un lien génétique qui unit théâtre pauvre et art pauvre, tissé par le croisement de la pensée naissante de Germano Celant avec celle de Jerzy Grotowski. Ce moment d’élaboration intellectuelle du mouvement italien, à partir de 1967, coïncide avec une période essentielle d’expérimentation dans laquelle les domaines d’intervention de Michelangelo Pistoletto, de Jannis Kounellis, ou encore de Mario Ceroli, se diversifient. Cette vitalité se concentre principalement à Turin, où l’émergence de nouveaux lieux alternatifs et le dynamisme de certaines salles de spectacle exercent dans la ville une véritable polarité des situations théâtrales. De nombreux projets de collaboration, caractérisés par la remise en question des conventions scénographiques, forment dès lors le « théâtre d’artiste » des membres de l'Arte Povera.
Les années de l’usine argentée : échos rock et contre-culturels dans l’économie warholienne
Authors: Schütz Marine
Published: June 2021

Du spectacle multimédia The Exploding Plastic Inevitable à la réalisation de la pochette du premier album du Velvet Undergound, la production d’Andy Warhol, au cours des années 1960, se fonde sur un dialogue entre art et musique. Néanmoins, les procédés courants de musicalisation de la peinture, comme la recherche du rythme, sont absents d’une démarche qui procéderait non plus d’une inflexion formelle de la peinture vers la musique, mais d’une réflexion sur la condition de l’artiste face à l’industrie du rock, selon la tension décrite par les théoriciens des cultural studies qui considèrent cette musique comme une émanation du système capitaliste et de la contre-culture. Cet article vise à analyser comment un tel dialogue, loin de l’idéal de la réunion des arts harmonieuse, s’inscrit dans le contexte d’une contestation des normes esthétique (formaliste) et sociale. Parce qu’elle contient l’enjeu d’un renouvellement des lectures du pop art trop souvent attachées à développer le mythe de la passivité, cette étude souligne la présence de liens unissant Warhol aux manifestations contestataires, que Theodore Roszak en 1968 désigne en forgeant le terme de contre-culture.
« Un éblouissement », Renoir au Salon d’automne (1904-1912)
Authors: Perrin Paul
Published: June 2021

En 1904, Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) connaît enfin un véritable triomphe populaire et critique lors de la rétrospective qui lui est consacrée au Salon d’automne. Le choix de cette figure emblématique de l’impressionnisme par les organisateurs du Salon nous éclaire sur leur stratégie : les rétrospectives légitiment les tendances les plus novatrices de la jeune génération et sont un atout «médiatique » important pour attirer le public. Si Renoir se montre sceptique face à ce nouveau Salon, Paul Durand-Ruel, son marchand, sait profiter de cette tribune pour promouvoir l’œuvre d’un de ses artistes phare. L’artiste poursuit ses envois les années suivantes avec quelques toiles caractéristiques de sa dernière manière et devient président d’honneur du Salon en 1906. Dans l’abondante réception critique de ces participations se cristallise une image stéréotypée de l’art de Renoir, maître séduisant et voluptueux, à la fois moderne et traditionnel dans son lien avec le xvme siècle. Plus intéressante est l’association fréquente avec Paul Cézanne, autre figure tutélaire du Salon d’automne et de l’art moderne.
À la recherche de l’Amérique profonde : l’art patriotique contemporain et l’idée de communauté nationale
Authors: William Neil Mc
Published: June 2021

In Search for Small-Town America : Patriotic Contemporary Art and the Idea of National Community.

Contemporary imagery produced in the United States by popular artists such as John Mc-Naughton, Terry Redlin, and the late Thomas Kinkade, frequently appeals to conservative understandings of what defines the peculiar qualities of America - its history, landscape, way of life, and allegedly favored status in the eyes of divine providence. This article explores the ingredients that make up the image of national belonging in patriotic imagery disseminated by these artists, notably in the wake of the at¬ tack on the Twin Towers in 2001. It suggests that these works are haunted by an incapacity to project a convincing image of a cohesive contemporary national community, and relates this incapacity to the radical individualism promoted by radical right currents within the Republican party and Tea Party movement.
Massacre rococo. Les bois bizarres peints par Jean-Baptiste Oudry pour Louis XV entre 1741 et 1752
Authors: Girard Catherine
Published: June 2021

Rococo Massacre : The Deformed Stag Antlers Painted by Jean-Baptiste Oudry for Eouis XV Between 1741 and 1752.

The visual shock generated by the deformed stag antlers painted by Jean-Baptiste Oudry for King Louis XV, now kept in Fontainebleau, exposes the limitations of iconographie and monographic concerns for these works. The intricate and lost rituals of ancien régime venery, as well as the sexual and macabre content of these images complicate their interpretation. Integrating sensorial contact with carcasses, the king’s passion for hunting, the ideas of naturalists, and the aesthetic theories of Roger de Piles, ensures a better understanding of the state of sudden shock elicited by these images, as well as their violence, both on representational and structural levels.
Le diagraphe de Charles Gavard et l’âge de la reproduction mécanique visuelle en France
Authors: Hornstein Katie
Published: June 2021

Cet article porte sur une machine à dessiner et à graver en perspective, le diagraphe de Charles Gavard, qui permet à son utilisateur de réaliser des dessins « en panorama ». Capitaine d’état-major et ancien élève de l’Ecole Polytechnique, Gavard a tenté de faire connaître sa machine le plus largement possible, en publiant quelques notices et en vendant des gravures d’après des dessins réalisés avec le diagraphe. Il a également exposé ses dessins au Salon de 1833 et son diagraphe à l’exposition des produits industriels de 1834. Le fait que le diagraphe ait été envisagé comme un instrument des beaux-arts ainsi qu’un instrument utile à l’industrie anticipe le statut ambivalent de la photographie au milieu du siècle, tiraillé entre industrie et art.
« L’insaisissable » : archéologie de la photographie de paparazzi dans le magazine Cinémonde (1928-1940)
Authors: Joubert Flora
Published: June 2021

La photographie de paparazzi est un objet d’étude presque vierge de toute approche universitaire en histoire de l’art. Photographie racoleuse, ce serait une image-marchandise qui n’aurait pour elle que son « matériel de pro ». C’est donc un objet historique et culturel dénaturé à réévaluer. Ce statut marginal de refoulé de la grande histoire de la photographie de reportage offre en effet à l’historien d’art un point de vue nouveau sur la culture vi- suelle de la société de masse. L’archéologie de cette pratique est menée ici à travers l’étude des premiers reportages de voleurs d’images, dans le magazine Cinémonde de 1928 à 1940. Il s’agit d’analyser la naissance d’une nouvelle iconographie des célébrités à l’heure du star-system, et de faire la généalogie d’un geste photographique inédit qui cherche à saisir l’insaisissable, en prenant pour modèle le rythme cinématographique.
La noosphère conçue pour Je t’aime je t'aime d’Alain Resnais : étude d’un objet cinématographique
Authors: Jibokji Frizon Joséphine
Published: June 2021

En 1968, Alain Resnais met en scène une machine à explorer le temps dans son film Je t’aime je t’aime, rebaptisée « noosphère » par Gilles Deleuze. Cette machine, commandée au scénographe Agostino Pace, est traversée par l’histoire du design anthropomorphique, l’architecture biomorphique, les pneumatiques et l’art-expérience. Machine à voyager dans le temps, mais aussi dans les arts, elle peut être étudiée comme une des incarnations de la fusion entre les fictions du cinéma et des arts plastiques, qui projettent dans l’objet un voyage dans la mémoire corporalisée. Nous proposons d’établir un lien entre la position du personnage du film et celle du spectateur imaginée par l’art des années 1960, au moment du questionnement de l’idéal du spectateur-participant. Ainsi, l’objet cinématographique n’est pas seulement étudié dans son contexte fictionnel : il est aussi un passeur qui projette lui-même son film dans l’histoire de l’art.
La conception de l’image chez Caspar David Friedrich
Authors: Busch Werner
Published: June 2021

The Concept of the Image in the Work of Caspar David Friedrich .

This article presents a new interpretation of the oeuvre of Caspar David Friedrich founded on the fact that his work cannot be surveyed through a traditional iconographie approach that attempts to identify links between images and texts. Friedrich did not base his compositions on specific written sources, but evoked a spiritual, political, and historical universe that was materialized through natural and cultural fragments recorded with precision. These fragments were assembled independently from their original contexts in order to create new formal ensembles. The meanings of Friedrich works are reevaluated through the detailed analysis of plastic elements and the ways in which many of his paintings function as pendants, without producing a definitive interpretation. Friedrich privileged aesthetic experiences as a form of mediation, which allows for reflection on the relation between what is shown and the experience of salvation.
« Alli altri lasciaremo fantasticare co'l cervello ». Les inscriptions all’antica dans la peinture florentine du XIVe siècle
Authors: Fenech Kroke Antonella
Published: June 2021

Dans les productions visuelles de l’Italie du XVIe siècle, l’insertion d’une forme textuelle dans le champ de la représentation, ou bien à la périphérie de celle-ci, ne peut se résumer à une simple relation de réciprocité et d’assujettissement de l’image peinte au mot écrit. Au contraire, ce rapport se traduit par une tension mettant en jeu l’efficacité du textuel dans les processus d’intelligibilité de l’image. L’étude entend réfléchir à cette tension entre inscription et image en prenant appui sur des cas d’étude dans lesquels interagissent la culture visuelle et littéraire renaissante attachée aux modalités du langage conceltoso, et des formulations graphiques antiquisantes qui «donnent image » à l’écrit. Une relation symbolique et cognitive lie alors l’œuvre peinte aux épigraphes all’antica, une typologie d’inscription qui se charge d’une valeur ornementale et allusive, mais qui est appelée aussi à exalter et orienter le potentiel sémantique de l’image peinte.
La polychromie des façades gothiques et sa place au sein d'un dispositif visuel
Authors: Vuillemard-Jenn Anne
Published: June 2021

Although the description and représenta-tion of polychromy in medieval sources is somewhat unreliable, it should nevertheless be given primacv in the delicate studv of preserved medieval vestiges. Research and restoration work carried out in recent years have highlighted the relevance of polychromy to our perception of Gothic buildings. Acting as colored signals in medieval towns, the façades of churches provided a visual journey that guided the faithful not only toward the door, but also invited them inside, giving a sense of porosity to the façade and inducing subtle perceptions of space. The polvchromv of the internal and external architecture and of the sculptures was united on a common abstract plane, presenting an image that was removed from the literal reality of the mineral composition of the building itself.
Des palais du Tsar aux palais du Peuple : Tsarskoié-Sélo en révolution, 1917-1941
Authors: Boulvain Thibault
Published: June 2021

Symbole éclatant du tsarisme triomphant, résidence ordinaire du dernier tsar, Nicolas II, et de ses proches, le complexe palatial de Tsarskoïé-Sélo fit au lendemain des révolutions de février et d’octobre 1917 l’objet d’une attention soutenue de la part des nouveaux maîtres de la Russie. La politique muséale qui y fut mise en œuvre dès mars 1917 par le gouvernement provisoire (3 février-25 octobre 1917), puis au cours des années 1920 et 1930 par le régime soviétique est ici analysée comme une stratégie politique de gestion de la mémoire du régime déchu. La transformation en palais-musées des anciennes résidences de la famille impériale russe, notamment le Grand palais Catherine et le palais Alexandre, correspondit en effet à une vaste entreprise de fabrique d’espaces mémoriels destinés à reconduire le temps d’une visite les enjeux politiques, sociaux, historiques et culturels de l’époque.
Sur l’exposition Trésors des églises de France, 5 février-24 mai 1965 : quelle avancée ?
Authors: Jacqueline Isabelle
Published: June 2021

The Exhibition Trésors des églises de France, February 5th - May 24th, 1 965 : Which Projection ?

The Museum of Decorative Arts hosted the exhibition Trésors des églises de France from February 5th to May 24th 1965. A show that was conceived of in 1958, it was carried forward by a significant preliminary work : a census of the objects, new discoveries, novel presentations, but also difficult diplomatic concerns.

The exhibition was mounted in the context of a national drive to develop ecclesiastical treasures, whose first steps were crystallized around the refitting of the treasury of Conques by Jean Taralon in 1955, an “environment treasure” that would be featured again in the 1965 presentation.

It is in the impulse behind this exhibition that one can perceive the rediscovery of church treasuries and the appearance of a “treasure effect”. Consequently, this development became a real challenge in comparison with the safeguarding of this heritage.
Exposer le patrimoine religieux : un défi muséographique ? Le cas du « trésor d’orfèvrerie » du musée de Cluny
Authors: Fouché Fanny
Published: June 2021

Exhibiting Religious Heritage : A Muséographic Challenge ? The Case of the “goldsmithery Treasure” of the Museum of Cluny

This article deals with objects designed for medieval shrines and liturgy and their placement in museums. It specifically focuses on the devices used by museums to display these numinous objects. The Cluny Museum offers the opportunity to follow the fate of medieval ornatus beginning with its foundation at the end of the 19th century. Such travel across time allows us to observe the deep changes in curators’ vision of numinous works of art and their direct consequences in museum displays. In order to present objects once assembled by ecclesiastical institutions in Church treasuries, Du Sommerard first elaborated a space designed to evoke the atmosphere in medieval shrines. During the middle of the 20th century, this narrative and romantic display was replaced by a new museum setting displaying these ritual objects out of context, thereby stripping them of circumstance and purging them of their original function and significance. After this period characterized by the deracination of sacrality, a recent display renewed the ties between museum space and sacred space around the objects of the medieval treasury.
Du sacré produit en masse : les tsha tsha du monde tibétain
Authors: Namgyal-Lama Kunsang
Published: June 2021

Réalisés à l’aide de moules, les tsha tsha sont des images en argile, produites en grande quantité, figurant, en relief ou en ronde-bosse, la plupart des représentations du panthéon bouddhique tibétain. Leur fabrication par les adeptes bouddhistes vise avant tout à générer des mérites et purifier les actions négatives afin de progresser sur le chemin de l’Éveil. A tra¬ers les modalités de réalisation des tsha tsha, cet article présente et analyse les procédures rituelles par lesquelles ces images sont progressivement sacralisées au moyen de gestes rituels, de visualisations, de dépôts consécratoires et de récitations de formules efficientes. Il met également en évidence qu’en fonction du contexte et des finalités pour lesquels les tsha tsha sont réalisés, il existe une hiérarchie dans l’ordre du sacré qui détermine leur statut et leurs lieux de dépôt.
Symboles, reliques ou ex-voto d’une nature sacralisée : la nature et ses fossiles dans les illustrations de la Physique sacrée de Johann Jacob Scheuchzer (1732)
Authors: Roche Lucile
Published: June 2021

Symbols, relies or ex-voto of a sacralised nature : Nature and its Fossils in the Illustrations of the Physique sacrée of Johann Jacob Scheuchzer (1732)

Initially collected and exhibited for their aesthetic properties, fossils, shells and other natural objects gained in popularity at the end of the 17th century, eventually arousing the interest of euhemerists thinkers like Swiss naturalist Johann Jacob Scheuchzer, especially evident in his famous Physique Sacrée. As empirical echoes of a mythical time, the fantasic roots for a millenary and biblical history, fossils assume a sacred value when depicted in the etching of the Physique Sacrée. Skillfully organized, the numerous etchings of the Physique Sacrée succeed in giving credit to the dual nature of fossils : empirical and biblical. Yet, the book also affirms their wider sacred character, for natural objects are both understood as relics of Creation and masterpieces of the Divine Artist.
Le langage des anges. Charles Filiger et les instruments de sublimation magiques
Authors: Delille Damien
Published: June 2021

The Language of Angels. Charles Filiger and the Magical Instruments of Sublimation

During the first Rose+Croix Salon in 1892, Charles Filiger paid homage to the theories of androgyny, as articulated by the art critic Joséphin Péladan. With affiliations to the medieval angel, the sexual neutrality of the androgynous provided Filiger with a vehicle to “abstract” his repressed homosexual desires, which ultimately led to the pictorial abstraction of his Notations Chromatiques compositions at the beginning of the 20th century. Alfred Jarry first underlined such relationships between art and sexuality by relying on the esoteric theories of the sexual asceticism of angels, “solar creatures” according to the occult scientist Gustav Fechner. Within a neo-symbolist context marked by the reconciliation of science and spirituality, Filiger completed his quest for an abstract asceticism by transforming his geometric compositions into magical instruments.
Metinlerarasılık Bağlamında Enis Akın’ın Dağdaki Emirler’ine Bakış
Authors: ONGUN Durmuş
Published: June 2021

Bir metnin doğrudan ya da dolaylı olarak başka metinlerle kurduğu benzerlik, yakınlık, zıtlık, alıntı gibi farklı ilişkiler esasına dayanan metinlerarasılık kavramı postmodernist edebiyatın önemli unsurlarından biridir. Terimsel anlamda ilk olarak 1960’lı yıllarda Julia Kristeva tarafından kullanılsa da metinlerarasılığın kullanım geçmişi oldukça eskidir. Çünkü La Bruyere’nin “Her şey daha önce söylenmiştir.” ve “Yedi bin yıldır insanlar vardırlar ve düşünmektedirler.” sözlerinin işaret ettiği gibi temelde her metnin daha önce inşa edilmiş büyük metinlerin bir parçası olduğu bilinmektedir. Ancak bu parçaların arasındaki ilişkileri çözmek ve analiz etmek okurun kültürel birikimi ile paralel olarak değişkenlik göstermektedir. Dolayısıyla metinlerarası ilişkinin çözümleyicisi olarak okur; yazar, metin, okur üçlüsünden metinlerarasılık kuramının en aktif tarafıdır. Enis Akın, Dağdaki Emirler adlı eserindeki şiirlerde kutsal kitaplarla, dinî kıssalarla, şairlerle, haber metinleriyle ve ideolojik söylemlerle geniş bir metinlerarasılık ağı kurmuştur. Metinlerarasılığın kuruluş biçimine bağlı olarak farklı yöntemleri vardır. Bu yöntemlerden gönderge, anıştırma (kapalı metinlerarası ilişki), parodi, pastiş (açık metinlerarası ilişki) eserde kullanılan başlıca tekniklerdir.
Hemşirelerde Nütrisyonel Değerlendirmeye İlişkin Tutumun, Nütrisyonel Bakıma İlişkin Bilgi Düzeyi ve Algılanan Bakım Kalitesinin Belirlenmesi
Authors: ÇOŞĞUN Tuğba , GÜRLEK KISACIK Öznur
Published: June 2021

Giriş ve Amaç: Bu araştırma, hemşirelerin nütrisyonel değerlendirmenin önemine ilişkin tutumlarını, nütrisyonel bakıma ilişkin bilgi düzeylerini ve nütrisyonel bakım kalitesi algılarını değerlendirmek amacıyla yapıldı.
Gereç ve Yöntemler: Tanımlayıcı ve kesitsel tipteki bu araştırma 15 Mart 2019-30 Haziran 2019 tarihleri arasında Afyonkarahisar ilindeki bir devlet ve bir üniversite hastanesinde çalışan 590 hemşire ile yürütüldü. Verilerin toplanmasında Hemşire Bilgi Formu ve Hemşirelerde Nütrisyonel Değerlendirmenin Önemini, Nütrisyonel Bakıma İlişkin Bilgi Düzeyini ve Algılanan Nütrisyonel Bakım Kalitesini Değerlendirme Ölçeği kullanıldı.
Bulgular: Hemşirelerin nütrisyonel değerlendirmenin önemine ilişkin tutum puan ortalaması 23.41±2.85, nütrisyonel bakıma yönelik bilgi düzeyi puan ortalaması 25.95±3.45, algılanan nütrisyonel bakım kalitesi puan ortalaması 33.70±5.51 olarak bulundu. CHAID analizi sonuçları; hemşirelerin tutum ve algılanan nütrisyonel bakım kalitesi puanları üzerinde etkili olan en önemli değişkenin çalıştıkları klinik olduğunu (sırasıyla; F= 12.307; F= 36.445; p<0.001), bilgi düzeyleri puanlarının ise en çok eğitim düzeyi değişkeninden etkilendiğini gösterdi (F= 9.257; p=0.002).
Sonuç: Araştırmadan elde edilen bulgulara göre; hemşirelerin, nütrisyonel değerlendirmenin önemine ilişkin olumlu bir tutuma sahip oldukları, ancak nütrisyonel bakıma ilişkin bilgi düzeylerinin yeterli olmadığı ve kendi kliniklerinde hastalara sunulan nütrisyonel bakım kalitesini yeterince olumlu değerlendirmedikleri söylenebilir. Hemşirelerin nütrisyonel bakımdaki yetkinliklerinin geliştirilmesi önerilmektedir.
ZİHİNSEL YETERSİZLİĞİ OLAN ADÖLESAN DÖNEMDEKİ ÇOCUKLARDA CİNSEL GELİŞİM EĞİTİMİNİN ÖNEMİ
Authors: KURT Aylin , KÜRTÜNCÜ Meltem
Published: June 2021

Çocuk olsun ya da olmasın zihinsel yetersizliği olan bireyler için cinsel gelişim zor bir konudur. Zihinsel yetersizliği olan ergenlik dönemindeki çocuklar cinsel gelişimiyle değişen hormonal yapı nedeniyle hijyen ve davranış kontrolü gibi konularda yardıma ihtiyaç duyabilmektedir. Zihinsel yetersizliği olan çocuklar sergiledikleri davranışların normal olduğunu düşünmekte ve başkalarının yaklaşımlarını anlamlandırmak ve yorumlamakta yetersiz kalabilmektedir. Bu çocuklar cinsel gelişim hakkında, bilgi ve deneyimlerini ve cinsel davranışlarını kontrol etme konusunda yaşadıkları zorlukları ailesi, çevresi ve akranları ile paylaşamamaktadır. Hem çocuk hem de aile, çocuğun cinsel gelişimi ile ilgili sergiledikleri davranışlar ve yaşadıkları sorunlar ile baş etmede güçlük çekebilmektedir. Zihinsel yetersizliği olan çocukların ihmal ve istimara daha açık olduğu da düşünüldüğünde bu çocukların cinsel gelişimi üzerine yapılacak çalışmalar daha da önem kazanmaktadır. Bu makale, zihinsel yetersizliği olan adölesan dönemdeki çocuklarda cinsel gelişime ilişkin hem aile hem de çocuğa sağlanacak eğitimlerin önemini vurgulanmak amacıyla yazıldı.