bluuebunny/crossref_metadata_2025 huggingface dataset:
"[T]hings among the ruins" : les choses contre le roc dans The Song of the Lark et The Professor’s House de Willa Cather
Authors: Manresa Céline
Published: February 2017

Exploring the vast expanses of the American wilderness in her fiction, Willa Cather had to find a new mode of nature-writing. Facing the threat of annihilation of discourse and "erasure of personality" in the vastness of the land, the author skilfully adjusts her language to the surface of the landscape. In The Song of the Lark (1915) and The Professor’s House (1925), Cather evokes the hostile yet mesmerizing canyons and mesas of the American Southwest. In order to face the alienating immensity of the landscape, Cather draws on the mediating power of material things and objects harboured in the cliff-dwellings. The radiating presence of sculpted jars, instruments and jewels set in the recesses of the rock reveals the possibility of a gentle insertion of man’s hand in nature. The relics of tools and pottery moulded in the earth or carved in stone by ancient potters become metascriptural emblems. Like a sculptor chiselling marble, the author fashions the raw material of language in order to create a simple and concrete prose linking the literariness of discourse and the literalness of the world. Cather’s crafted writing engages in the physical world. If material things pave the way to a gentle taming of the wilderness, the objects modelled by cliff-dwellers epitomize the homology between the writer’s and the potter’s gestures. Altering her signifiers by referring to natural substances, such as clay, sand, gems and metals, Cather succeeds in creating a harmonious and respectful dialogue between her writing and the surrounding world
La forme d’une ville : Watermark de Joseph Brodsky
Authors: Alladaye René
Published: February 2017

This short study of Joseph Brodsky’s Watermark (1992) discusses the poet’s visions of Venice and how they translate into writing. Three notions play a crucial part in this writing process: fusion, sensation and abstraction. The ultimate aim of this paper is to show how, for Brodsky, writing about Venice—or, more aptly put maybe—writing Venice, always revolves around the subtle combination of these three conceptual landmarks.
Présentations de Londres : Ackroyd, Moorcock, Sinclair et l’éthique de l’adjacence
Authors: Ganteau Jean-Michel
Published: February 2017

This article focuses on three contemporary novels that are emblematic of the canon of the contemporary London novel: Peter Ackroyd’s Hawksmoor, Michael Moorcock’s Mother London and Iain Sinclair’s White Chappell, Scarlet Tracings. Its theoretical concern is with the figures of adjacency as evinced in the corpus which promotes layering and fragmentation and, whose purpose seems to fragment the better to relate. More specifically, taking its lead from Agamben, it concentrates on the interstices between the fragments which are the figures of adjacency proper as they allow for the irruption of a visionary presentation not incompatible with the workings of a negative presentation of the sublime type. In the end, despite their semiotically saturated, simulation prone surfaces, those texts accommodate the possibility of epiphany. One step further, they favour a vision of adjacency as a figure of proximity and exteriority, in the Levinasian meaning of the term, hence a heterological vision of the city.
"Compensations of poverty" : la féerie urbaine ou la modernité en question dans "On Third Avenue" et "Ephemerid" de Mina Loy
Authors: De Nervaux-Gavoty Laure
Published: February 2017

This paper explores the poetics of metamorphosis in "On Third Avenue" and "Ephemerid" by Mina Loy. Her ambivalent response to modernity comes to the fore in the representation of an urban fairyland influenced by the works of Baudelaire, surrealist writers as well as the box constructions of Joseph Cornell. Modernity’s indebtedness to an unacknowledged past is at the heart of the aesthetic experience staged in these two poems.
Le creux ou la ville en procès chez Rosmarie Waldrop
Authors: Broqua Vincent
Published: February 2017

In the texts of the American poet Rosmarie Waldrop’s, the city amounts to a haunting and haunted name, interstices, and empty centres. It is not so much a theme as one of the elements of her poetry of emptiness. Her poems avoid or empty the city, thereby inventing ways to think the city differently. They bring out what is usually left aside, and the margins of the city are therefore "the locus of fertility". In fact, Rosmarie Waldrop’s spectral cities constitute a series of counter-models echoing Paul-Armand Gette’s urban photographs as well as Roland Barthes’ vision of Tokyo.
"The / profile of a city / exploding": Frank O’Hara’s Aesthetics of Shock
Authors: Brossard Olivier
Published: February 2017

Dans le cadre d’une étude du lyrisme dans l’œuvre poétique de Frank O’Hara (1926-1966), cet article se propose d’explorer la relation du poème (et de la subjectivité qui s’y révèle) à la ville. Dans le tumulte de Manhattan, l’expérience urbaine se fait sur le mode de la collision. Au fil des poèmes s’affirme une esthétique du choc : le sujet lyrique qui trace ses itinéraires le long des rues et avenues de New York ne cesse d’"accuser le coup", sans qu’à aucun moment l’agressivité du milieu urbain soit regrettée. Au contraire, l’animation parfois violente de la ville est vitale pour O’Hara : de kaléidoscope à sismographe, le "je" des poèmes se fait porteur, pour son bonheur, des chocs urbains. A partir du début des années soixante, O’Hara écrit des poèmes baptisés "For Your Information Poems", dans lesquels l’esthétique du choc porte non plus seulement sur le récit d’une journée en ville mais affecte la grammaire et la structure même du texte: le poète aère ses poèmes, précipite les mots les uns contre les autres et forme de nouveaux agrégats. Tout se décompose et se recompose dans l’architecture du poème et la syntaxe de la ville. Etre en ville, pour Ο’Hara, c’est accepter qu’elle nous fasse violence, c’est ne tenir aucune relation—qu’elle soit personnelle ou verbale—comme allant d’elle-même. Tout doit rester ouvert.
"An overgrown monster": London in Some Eighteenth-Century Writings
Authors: Dachez Hélène
Published: February 2017

Au XVIIIème siècle, grâce au développement démographique, à celui du commerce et à l’émergence de la classe moyenne, Londres devint le centre incontesté de la vie intellectuelle, sociale et économique de l’Angleterre, où se déroule une partie au moins de la très grande majorité des romans de l’époque (tels ceux de Henry Fielding). Pour la plupart des auteurs, et notamment pour Tobias Smollett et pour Laurence Sterne, cette expansion sans précédent transforme la capitale en monstre (Daniel Defoe, lui, la représente à la fois comme un monstre et comme un prodige). Londres, lieu malléable par excellence, où alternent circulation déréglée et menace de stase, devient le lieu de tous les excès, et les auteurs mettent en avant un processus de contamination réciproque entre les êtres répréhensibles qui y pullulent et la capitale parasite, corrompue et corruptrice.Il faut alors souligner et analyser le traitement particulièrement original que propose Samuel Richardson (qui partage avec Samuel Johnson un amour immense pour la capitale), dans Clarissa, où Londres joue un rôle primordial dans le destin des personnages et dans l’économie du roman.
Poétisation et déréalisation de la ville au XIXème siècle : les tropes d’une littérature hantée
Authors: Dupeyron-Lafay Françoise
Published: February 2017

The urban and suburban worlds had become everyday, if not pervasive, realities for many 19th-century Britons, and were increasingly resorted to in the fiction of the times to explore many social, economic or ethical issues. Yet, because of the way they were represented, cities were paradoxically derealized—even in supposedly realistic texts—and turned into dreamlike or fantasy entities with Gothic or mythical qualities.The fact the city was so omnipresent and disturbing while at the same time so familiar or even commonplace probably accounts for the writers’ keeping it at a distance, through derealizing techniques whose stylistic modalities shall here be examined, namely the use in prose works of literary devices that belong to poetic writing—such as metaphors, hypallages and metonymies—in Thomas De Quincey’s The Confessions of an English Opium-Eater (1821) and Poe’s "The Man of the Crowd" (1840). De Quincey’s text represents a watershed, laying the foundations for the art of the city, as will also be the case with Poe’s short story some 20 years later. Both works will enduringly influence Victorian writers—such as Wilkie Collins, Stevenson, Arthur Machen, or Arthur Conan Doyle. This brief diachronic survey does not claim to be exhaustive but merely aims at showing the obsessive and haunting persistence of the same schemes, tropes and symbols—pioneered by De Quincey and Poe—throughout the 19th century, something reminiscent of a Gothic scenario, or a ghost story.
"Nightown", "Necropolis", "Jerusalem" : les figures de la ville dans Ulysses de James Joyce
Authors: Birgy Philippe
Published: February 2017

This paper proposes to inquire into the textual functions played by the city of Dublin in James Joyce's Ulysses. Leaving aside the questions of the town-like or maze-like structure of the text itself and the hieroglyphic tracery of the flâneur's path—for these aspects have already been amply documented by Joycean scholars—it concentrates on the communal dimension that underlies Joyce's writing and on the stylistic inscription of a democracy to come that reaches beyond nationalism and citizenship (the latter being comically presented as Bloom's celestial Jerusalem). It also considers the town's monumental and paralyzing forces, but without opposing them squarely to the transience and mobility of literary signs.
The Non-Linear Dynamics of Virginia Woolf's London: from Elation to Street Haunting
Authors: Lanone Catherine
Published: February 2017

Flâneuse éprise de Londres, adepte de cette énonciation piétonnière définie par Michel de Certeau, Virginia Woolf choisit pour son premier manifeste moderniste publié par la Hogarth Press, qui lui assurait toute liberté en matière de création, de réinventer la description de la ville en allant délibérément à l'encontre de l'idéologie du parc victorien, qui faisait de Kew Gardens avec ses serres exotiques l'un des grands emblèmes de l'Empire britannique tel que les affectionnait la reine Victoria. Le "Kew Gardens" de Virginia Woolf appréhende donc le parc au cœur de la ville comme un tissu de sons épars qui s'égaillent, bribes de conversations croisées au gré des visiteurs qui viennent s'arrêter devant un seul massif, bouquet de touches de couleurs impressionnistes et non taxonomie d'espèces; parallèlement, l'escargot à fleur de terre impose son parcours délibérément décalé, où la linéarité, si elle existe, ne peut qu'être parodique. Avec Mrs Dalloway, Woolf pousse plus avant l'expérimentation non linéaire, là où se frôlent les trajectoires de Septimus et de Mrs Dalloway, le parc devenant l'espace d'une folie héritée de la Première Guerre Mondiale, tandis que par une sorte d'effet papillon les vibrations de son désespoir vont venir hanter la vie d'une femme qui ne l'a pas vu; enfin, dans Street Haunting, la dérive dans les rues de Londres se fait palimpseste mnémonique, tandis que surgissent dans le récit des figures grotesques qui problématisent la démarche.
Le Queenborough d’Ellen Glasgow : cartographie d’une Babylone en devenir
Authors: Zaugg Brigitte
Published: February 2017

For her "tragicomedies of manners", The Romantic Comedians (1926), They Stooped to Folly (1929) and The Sheltered Life (1932), Ellen Glasgow chose a common setting, the fictional town of Queenborough. Although she modeled it mainly on Richmond, Virginia, she meant it to represent "the distilled essence of all Virginia cities rather than the speaking likeness of one". The portrait she drew was dictated by the period, the turn of the century—a time of societal, economic and architectural changes. Queenborough stands at a crossroads, poised between a past holding it back and a future pulling it forward. Glasgow finds herself in the same predicament, wanting to welcome progress but simultaneously eyeing it with suspicion, as it entails industrialism. The city she presents is on the verge of becoming a new Babylon in a southern setting, especially in the last novel of the trilogy: limits between districts become blurred, the foundations of Virginian society are shaken, and the advent of progress is symbolized by a bad smell that invades formerly smart neighbourhoods. Queenborough acquires a metonymic dimension: it is Virginia, it is the South as a whole.
The City as a Site of Trauma and Transformation: Sherman Alexie’s Indian Killer and Tomson Highway’s Kiss of the Fur Queen
Authors: Bak Hans
Published: February 2017

Cet article s’intéresse au sort des Indiens d’Amérique dans la ville, tel qu’il est reflété dans deux romans d’écrivains amérindiens, des Premières Nations : Indian Killer, de Sherman Alexie (1996) et Kiss of the Fur Queen, de Tomson Highway (1998). Alexie offre un traitement brutalement réaliste de la vie urbaine et recourt à une écriture plate et sans fioritures, visant à la confrontation et au malaise, à la résistance et à l’indignation, et ne laissant aucune place à la rédemption ou au salut. Au contraire, le roman dense, riche en métaphores de Highway s’oriente vers la possibilité d’une rencontre entre des cultures incompatibles, irréconciliables, et s’adonne à un art amphibie, rassemblant une culture traditionnelle tribale et un modernisme européen et américain—un art incitant à réunir, de manière responsable, une identité interculturelle et une mémoire tribale et devenant ainsi, essentiellement, un "art de la ville".
Dark City, White City: Chicago’s World Columbian Exposition, 1893
Authors: Valance Hélène
Published: February 2017

L’Exposition Universelle de Chicago s’ouvre, en 1893, sur un spectacle inédit: la Cour d’Honneur de l’Exposition, illuminée par des milliers d’ampoules à incandescence, bientôt connue sous le nom de "White City". Pour des millions de visiteurs, "White City" est une révélation, et la prolifération des vues nocturnes de la Cour d’Honneur, en images comme dans les textes, atteste de l’importance de l’événement. White City suscite les éloges quasi unanimes des visiteurs, qui semblent projeter sur les façades immaculées de l’Exposition leurs ambitions, fantasmes et angoisses. Malgré son ostensible neutralité, cette dernière révèle en effet plus sur son époque que ses admirateurs n’oseraient en avouer. A une époque où les identités se définissent par jeux de contrastes, White City se voit opposée à une "Dark City" protéiforme, une obscurité omniprésente qui participe de façon paradoxale à sa splendeur. Contrastes et contradictions abondent dans cette White City censée représenter non pas l’Amérique contemporaine mais son au-delà idéal. L’électricité, à la fois force de la nature et technologie ultra-moderne, joue un rôle central dans la célébration monumentale que les Etats-Unis s’offrent à eux-mêmes et au reste du monde : elle est l’étoffe des rêves dont se revêt l’Amérique, mais elle incarne aussi toutes ses ambiguïtés.
Deadwood : la naissance d’une ville
Authors: Massip Nathalie
Published: February 2017

Broadcast on H.Β.Ο. from 2004 to 2006, Deadwood is an American western television series that depicts the construction and transformation of a miners’ camp into a booming town in South Dakota in the 1870s. Being in Indian territory, the camp is not part of the U.S.A., and there is no law but the law of the strongest. Yet, its inhabitants soon realize that they need to curb some of their tendencies toward anarchy and savagery and embrace certain rudiments of civilized society for their survival. The arrival of the telegraph, the development of the press, and the opening of a bank, among other elements, are supposed to accompany the passage from anarchy to democracy, just as the establishment of an informal local government is meant to make the community lawful Discovering the ecology of this nascent community, the viewer learns as much from the margins as from the thoroughfare, both being crucial in the development of the camp, despite their conflicting statuses. Yet, ultimately, it becomes evident that change and progress are not wanted, in Deadwood, and the series, deviating from most of its genre’s predecessors, seems to blur the frontier between savagery and civilization, in an attempt to debunk America’s mythologized past.
New York Writing: Urban Art in Don DeLillo’s Underworld
Authors: Harding Wendy
Published: February 2017

A travers les descriptions ekphrastiques de Underworld, Don DeLillo définit la place et la nature de l’art dans la société américaine postmoderne tout en affirmant son art du roman. Dans la métropole postmoderne l’espace public est saturé par les signes et les systèmes de l’activité mercantile. Les artistes représentés dans le roman doivent regagner l’attention du public et proposer leur propre forme de communication. Ils doivent se réapproprier les surfaces disponibles et y superposer leurs images et leurs couleurs. En explorant l’esthétique de ces artistes de fiction et du graphiste Ismael Muñoz en particulier, DeLillo nous livre son propre manifeste esthétique. Son roman laisse entendre qu’à la fin du XXème siècle, le rôle de l’artiste est de répondre aux sollicitations visuelles et intellectuelles que les médias font subir au public, d’abord en plaçant les productions dominantes sous un jour ironique, et en transformant ensuite ces modes d’expression discrédités en de nouvelles formes culturelles. Le roman accueille et même adopte l’impulsion des graffitis urbains tout en leur donnant certaines dimensions inaccessibles aux arts visuels. Ainsi se trouvent rassemblés, dans un récit à la fois temporel et spatial, les images fragmentaires et éparpillées de la ville. A partir des détritus du capitalisme contemporain Underworld crée de nouveaux mythes qui réhumanisent une culture déshumanisée par sa propre technologie.
Architecture muséale : une figure de l’art de la ville "Du British Museum à la spirale du Victoria & Albert Museum à Londres"
Authors: Alzieu Isabelle
Published: February 2017

Beginning with "the Beaubourg effect", which was confirmed and greatly enhanced by the "Bilbao effect", hundreds of museums are now being built all over the world and are consecrated in an extreme media storm, from their very conception, to the point that the architectural object itself is a work of art, even taking precedence over the collections for which it was conceived, and is one of the first artistic objects to be taken into consideration in a town. In this great fascination for museums, we like to recognize the spirit of the Enlightenment, which sees the museum as something indispensable for any self-respecting city, a monument and/or an ornament, an instrument which gives value to the bourgeois city, the key edifice in many urbanistic programs. The new museum, above and beyond its economic importance, has become an essential element of symbolic capital for a city. This is true of the architectural object itself and the urbanistic project which accompanies it. Museal architecture, whether it be a contemporary creation or a rehabilitation, inevitably exhibits certain aesthetic norms which are revealed by the formal choices and the testimonies of the cultural attitudes of a given moment in time. The city prides itself on the multiplication of images offered by these places of art. Starting with an analysis of the architectural envelope of museums in the urban milieu, we will address the question of the museum as an ornament of the city. The demonstration will be developed using the city of London and its British Museum as a reference and will essentially refer to the projected extensions of the Victoria and Albert Museum and the Tate Modern.
Entre convergences et divergences : la communauté haïtienne de Montréal
Authors: Cyr Ariane
Published: February 2017

In Canada, multiculturalism which was officially adopted in 1971 has been debated for several years, mainly as regards the consequences of excessive pluralism and the free expression of ethnic differences on the national cohesion and on the coherence of citizenship. Is ethnic divergence compatible with social convergence? Could this association lead to a more productive definition of a multicultural Canada and unveil a new conception of Americanness? Beyond a traditional geographic or monocultural meaning, the notion of Americanness could be regarded today, in a pluralistic context, as an identity duality, as a compromise between distinction and borrowing. The perceptions of the Haitian community of Montreal as regards its adoptive country (Canada, Quebec and Montreal) were useful to specify this new definition. As regards the elements of discourse gathered during individual interviews conducted with the members of the first generation of Haitian immigrants, an identity pattern can be observed, matching two different and yet complementary systems of functioning: detachment and symbolic recognition
The Counter-Order of Simulacra: Alan Duff’s gut novel, Once Were Warriors
Authors: Gutleben Christian
Published: February 2017

Publié en 1990, Once Were Warriors, le roman néo-zélandais d’Alan Duff, partage avec la fiction britannique de la même époque (celle de Julian Barnes, A.S. Byatt, Charles Palliser, Kazuo Ishiguro ou Jeanette Winterson) le souci de renouveler la présentation romanesque de l’histoire, de retérritorialiser le passé en donnant la parole aux oubliés de l’histoire, aux marginalisés et aux maltraités. Le principe de la rétroaction qui utilise des textes ou des genres du passé pour les réactiver, les relocaliser, les investir de nouvelles significations (Bhaba 1996) conduit inévitablement à ce que Saïd a appelé une "hybridation pluraliste" et qui constitue, selon Linda Hutcheon, une des caractéristiques principales du postmodernisme. Ce qui paraît fascinant pourtant, ce n’est pas tant ce recoupement, aussi fondamental fût-il, entre le roman postcolonial de Duff et la fiction postmoderne que les divergences frappantes: les célèbres attaques contre la nostalgie stérile du postmodernisme, contre son emprisonnement dans le passé, sa logique du simulacre et de la simulation, perdent tout fondement dans le cas de Duff dans la mesure où son roman, loin d’être hypertextuel ou métatextuel, se veut empirique. Il s’avère ainsi plus proche ontologiquement d’une autobiographie fictionnelle ou d’une parabole politique que d’un recyclage palimpsestueux de textes antérieurs. Par sa "violence épistémique" (Spivak, 1988) et par la création d’un nouveau code linguistique, Duff réhabilite la fonction éthique de l’art et se coupe radicalement de l’esthétique ludique et autoréflexive du postmodernisme
Imaginary (Re)Vision: Politics and Poetics in Sam Watson’s The Kadaitcha Sung and Eric Willmot’s Below the Line
Authors: Castro Estelle
Published: February 2017

Cet article propose une analyse des stratégies mises en œuvre par Sam Watson et Eric Willmot dans les romans The Kadaitcha Sung et Below the Line, pour mettre en évidence des problématiques de territorialité et de relations interculturelles. Objets de négociation, les histoires personnelles, communautaires, nationales, et extra-nationales s’entrecroisent et affleurent dans ces romans, dans lesquels la terre et le texte se font lieux et espaces poétiques, de rencontres et de résistance. Ces romans aborigènes, récits de fin de monde situés sur le territoire australien, nous permettent d’examiner comment des mémoires, ontologies et épistémologies s’inscrivent dans le texte, en tissant une toile de relations extra-textuelles, remettant en cause et problématisant des sens d’appartenance nationale et personnelle, et établissant des liens avec un contexte plus vaste post-colonial, international ou pan-indigène
Turning the Tables in Nadine Gordimer’s The Pick Up
Authors: Godderis-Toudic Hélène
Published: February 2017

Dans son treizième roman The Pick Up (2001) Nadine Gordimer aborde les questions portant sur l’identité et l’insertion d’un individu dans une société postcoloniale : l’intégration, l’acculturation et le multiculturalisme. Cependant elle apporte des réponses nouvelles par l’intermédiaire de la protagoniste chez qui l’héritage colonial et la culture autochtone se fondent en une synthèse harmonieuse, illustrant là le passage d’une "déconstruction" à une reconstruction d’identité
Aimé Césaire’s Une Saison au Congo and Barbara Kingsolver’s The Poisonwood Bible in the Light of Postcolonialism
Authors: Meillon Bénédicte
Published: February 2017

S’il peut sembler problématique d’inclure dans le domaine de la littérature postcoloniale un auteur de nationalité américaine sans aucun lien apparent avec le Congo, où se déroule The Poisonwood Bible (1998), nous chercherons cependant à démontrer que le roman de Barbara Kingsolver entre en effet dans le domaine de la littérature postcoloniale, ne serait-ce que par ses intentions, ou de façon métaphorique, comme l’affirme du reste Feroza Jussawalla. Il s’agira ici de comparer la façon dont Aimé Césaire, dans la pièce Une saison au Congo (1966), et Barbara Kingsolver traitent de l’Histoire du Congo, et, notamment, leurs caractérisations du personnage de Patrice Lumumba. Par l’étude des convergences et des divergences entre ces deux œuvres appartenant respectivement à des peuples anciennement colons et colonisés, nous nous pencherons sur les différentes stratégies adoptées par Kingsolver et Césaire afin de représenter le passé, de remettre en question le discours colonialiste et de mettre à mal un certain afro-pessimisme. Nous étudierons en outre quels rôles ces deux œuvres semblent attribuer à la littérature quant à la mémoire, à la reterritorialisation de l’histoire et de l’histoire des discours. Nous nous attacherons enfin à établir ce qui fait la spécificité de l’écriture kingsolvérienne et qui se rattache à une approche de la littérature éminemment syncrétique, approche que nous avons qualifiée d’"oxymoronique"
Linearity as Metadiscourse in Murray Bail’s Fiction
Authors: Herbillon Marie
Published: February 2017

Il est possible de considérer que la complexité inhérente à l’œuvre du romancier australien Murray Bail découle principalement de son inhabituel degré de sophistication abstraite. Même si certains commentateurs ont rapidement détecté la géométrisation systématique de ses espaces narratifs, dans lesquels s’entrecroisent des myriades de lignes droites, peu en ont souligné la dimension politico-parodique: en feignant de souscrire à la culture de la linéarité, Bail vise manifestement à la dénoncer et, avec elle, un certain héritage occidental.Cette réflexion sur le concept de linéarité peut également prendre un tour métafictionnel: bien que ses intentions parodiques le contraignent parfois à emprunter au réalisme certains de ses codes narratifs, l’auteur désavoue indubitablement ce genre littéraire par trop linéaire, qu’il voit comme "la grande malédiction de la littérature australienne. "Toutefois, au-delà d’une linéarité structurelle apparente, Bail ne renonce pas à une utopie de langage: dans Eucalyptus (1998), il avance ainsi de possibles alternatives au(x) genre(s) qu’il discrédite. Cet article explore les manières dont la linéarité peut être intégrée dans le bagage culturel et épistémologique de l’Australie plutôt que d’en être exclue, dans le but de définir l’outil linguistique original que Bail s’efforce de créer
Les appels de Margaret Fell pour convertir les Juifs : de l’émancipation à la soumission chez la première femme Quaker
Authors: Herrmann Frédéric
Published: February 2017

The aim of this paper is to examine the relationship between women and power in 17th c. England at a time of great religious conflict during the Commonwealth, the Protectorate and the Restoration, and showcased through the example of Margaret Fell, one of the very first Quaker women. Her attempts to convert the Jews to Christianity using the written word (she published several pamphlets on the subject in the 1650s and 1660s) symbolically placed her in an unprecedented position of authority and power, as they rested on the premise that women were the spiritual equals of men and could set about the task of converting the Jews as well as men could. Her status both as a woman and as a Dissenter from religious orthodoxy excluded her from power and confined her to the bottom of the patriarchal and holy hierarchy. This led her to see a likeness, even a similarity, in the plight of the Jews, which may explain why her works on the ‘Calling’ of the Jews are far more irenicist in tone and nature than those of most of her contemporaries. Yet, the full force of Fell’s rhetoric of conversion, steeped in the spiritualistic Quaker denunciation of Jewish legalism tends to mitigate this picture. Targeting those that were inferior to her in the religious and social order —the Jews—indirectly enabled Fell to affirm her newfound superiority at their expense. Here, the relative advance towards emancipation of women seems to have been possible only through the reproduction by women of the logics of male domination exerted over a third person.
"He told me to hold my tongue" : de la violence physique à la subjectivation politique dans The History of Mary Prince
Authors: Regard Frédéric
Published: February 2017

The History of Mary Prince was the first autobiography published in Britain by a coloured woman. Born in Bermuda some time about 1788, Prince had been sold to one John Wood, on the island of Antigua, where she started attending non-conformist meetings. During a stay with the Woods in London, Prince pushed the door of The Anti-Slavery Society in November 1829. She was then taken under the protection of Thomas Pringle, who would soon edit Prince’s autobiography, typed by a friend of his, Susanna Strickland.In this essay, I try to demonstrate that Prince’s narrative—through Strickland’s mediation—uses rhetoric to transfigure herself, from an animal into a British lady, thus challenging the classic distinction between the savage slave and the civilized European. The cooperation between Prince and Strickland has been analysed as one the very first instances of a deep convergence betwen feminist and postcolonial interests. I argue that it would be even more infesting to include Pringle himself in the play of this ’interval’ between Prince’s martyred body and her voice. The implicit polyphony of the History is its democratic signature; it also turns a simple testimony of inhuman treatment into a major literary artifact.
La Nouvelle-Orléans au XIXe siècle : femmes de couleur libres, femmes de pouvoir ?
Authors: Dessens Nathalie
Published: February 2017

This article dwells on the emergence of a few feminine figures in the studies conducted by historians of Louisiana since the 1980s and examines the relative invisibility of women in the early historiography of New Orleans’s antebellum period (1800-1860). Surprisingly at first sight, those women are almost all free Afro-Creole women. The object of the article is to explain the persistent—and even increased—celebrity of Marie Laveau, Henriette Delille, Juliette Gaudin, and Justine Couvent, as opposed to the silence surrounding their white counterparts of the same era. Concluding on the absence of "double jeopardy" in being black and a woman in nineteenth-century New Orleans, the article highlights Louisiana’s legal, social, economic, and cultural specificity in the antebellum South—and, more generally, in the nineteenth-century United States.
Conflict in Hillary Clinton’s Political Speeches: A Rhetorical Analysis
Authors: Giordano Michela
Published: February 2017

La saison 2008 des primaires démocrates aux Etats-Unis, à travers la candidature d’Hillary Clinton à la présidence, a remis sur le tapis une fois de plus la question du droit et du pouvoir des femmes. Le débat animé a montré que l’expérience d’Hillary Clinton ainsi que sa fermeté auraient pu constituer le point de départ d’une période de transition pour les USA, et représenter un grand bond en avant en matière d’autonomie des femmes. Cette réflexion qui porte sur certains discours prononcés par l’ex-Première Dame, sénatrice de l’État de New York et actuellement Secrétaire d’Etat du gouvernement du président Barack Obama, prend la forme d’une enquête visant à découvrir de quelle façon certaines caractéristiques linguistiques peuvent refléter et révéler l’entrelacement du langage, du pouvoir, du sexe, et du conflit. Les discours sont étudiés à la fois comme le canal par lequel une femme en position de pouvoir est en mesure de trouver sa dimension personnelle et un style linguistique politique original dans un environnement dominé par les hommes, et comme une arme rhétorique qu’elle utilise pour transmettre sa vision personnelle de conflit, tant des conflits sociaux que des conflits militaires, avec un intérêt particulier pour la guerre continuelle et douloureuse menée par les USA dans les pays du Proche-Orient.
Conflicting Images of Women in Hollywood 1930s Cinema
Authors: Costa de Beauregard Raphaëlle
Published: February 2017

L’étude de A Star is Born (William Wellman 1937), de son ‘remake’ par George Cukor (1954), et de la biographie de Frances Farmer : Frances (Graeme Clifford, 1982), permet de mettre en lumière l’image de la femme dans l’industrie hollywoodienne des années 20. Au premier degré, ces trois films élaborent une fiction qui repose à la fois sur la gloire et sur la destruction. Cette fiction chez Wellman est à la fois une critique du "star-system" et une représentation de la soif de pouvoir, chez les stars comme dans l’industrie cinématographique elle-même. Chez Cukor cette critique prend un ton moins satirique et plus mélodramatique. Mais Frances reformule le sujet en adoptant un ton résolument féministe. Les trois films interrogent également le cinéma en lui-même : cet art qui vient au monde au moment de l’épanouissement de l’ère industrielle emprunte à celle-ci ses formes de discours, tout en donnant lui-même naissance à un nouveau discours sur la femme et la société moderne.
Madam President : the Representation of Female Political and Military Power in Commander in Chief and in Season 7 of 24
Authors: Baqué Zachary
Published: February 2017

Cette analyse de deux séries américaines contemporaines incluant des femmes présidentes cherche à montrer que l’attention narrative exclusive sur le sexe de la présidente tend à renforcer les stéréotypes classiques sur l’impossibilité d’un pouvoir féminin (dans Commander in Chief) alors que, lorsque la présidente est un personnage parmi d’autres et qu’elle est jugée en fonction de ses capacités politiques, elle gagne en efficacité ce qu’elle perd en féminité (saison 7 de 24).
Conflits, féminité et identités diasporiques. Le pouvoir de la représentation chez Pratibha Parmar et Gurinder Chadha
Authors: Ducray Amandine
Published: February 2017

Ever since they started making films, British Asian female directors Pratibha Parmar and Gurinder Chadha have been aiming to better represent their community and tackle the specific concerns of women from their ethnic groups. Somehow emblematic of the self-representation encouraged by Channel Four in the eighties, such documentaries as Sari Red (Pratibha Parmar, 1988) and I’m British But... (Gurinder Chadha, 1989) brought the peripheral minorities to the centre of the mainstream media. While challenging commonly-held perceptions of citizens from Asian descent, such committed cinema denounced racism, encouraging a spirit of resistance to the traditional ‘Us’ vs ‘Them’ relations of power in British society.Yet as the twenty-first century approached, both directors have embraced a more consensual view of British race relations. Their aim is no longer to denounce but to entertain. Gurinder Chadha abandoned the documentary format as early as 1993. Meant to make everyone laugh, Bhaji on the Beach, her first mainstream comedy, produced a reconciled, all-inclusive portrait of Britain, as did Bend It Like Beckham (2002) and Bride and Prejudice (2004) years later. Taken up by Pratibha Parmar, with Nina’s Heavenly Delights (2006), this hyphenated vision of British-Asian identity highly contrasts with their previous films. This shift in genre has further been accompanied by a shift in conflict: the dichotomy is no longer ethnic but generational, as the opposition between tradition and modernity unravels along the mother-to-daughter relationship.Following a diachronic approach, this article will study the power of representation in Pratibha Parmar’s and Gurinder Chadha’s films in order to explore how the passage from "minority" documentary to "mainstream" comedy has changed the message conveyed to the audience at large—majority and minorities, men and women—as regards both race relations and British identity.
L’espace en poésie – poésie de l’espace : les Fireside Poets
Authors: Barrucand Michel
Published: February 2017

The discovery of American space and its impressive size is best expressed through poetical visions. From the beginning, poets have described their environment, following colonial expansion and the progressive settlement of continuous waves of immigration. In the 19th Century, the geographic description took a new direction, symbolized by the westward movement of the frontier and the crossing of the Middle West, whose vast prairies were on the verge of being conquered and destroyed. The Fireside poets wanted to deal with the present but also to hint at a land that was gradually fading away. This analysis of The Prairies, The Song of Hiawatha and Snow Bound shows how Bryant, Longfellow, and Whittier map these American landscapes, express the dreams that they inspire, and relate the myths on which to found the nation’s geographical and social future, a future that would bear the founding marks as indelible scars.
ConspiraCities and Creative Paranoia: Ellis’s Glamorama, Hustvedt’s The Blindfold, and Whitehead’s The Intuitionist
Authors: Dallmann Antje
Published: February 2017

La paranoïa et la théorie du complot on souvent été considérées comme des symptômes d’une culture urbaine contemporaine postmoderne. Par une étude critique de trois romans urbains récents (Glamorama de Bret Easton Ellis, The Blindfold de Siri Hustvedt et The Intuitionist de Colson Whitehead) cet article tente de découvrir les fonctions divergentes du motif littéraire de la pensée de la paranoïa et des structures littéraires de la paranoïa, en complément ou en substitution du sujet universel fragmenté de la culture postmoderne.
"...dans le milieu de la Ville qui fait face à la place, se trouvent tous les besoins publiques..." : remarques sur la notion de centralité urbanistique en Louisiane coloniale et à New Orleans
Authors: Langlois Gilles-Antoine
Published: February 2017

The founding of the colonials towns of "La Mobile" (Mobile. Al.) and "La Nouvelle Orléans" (New Orleans, La.) illustrates the original French type of town-planning. In New Orleans particularly, all powers focused on a central square. This "place d’Armes" appears as the basis of the symmetrical grid of the town itself. After the Louisiana Purchase (1803), the place d’Armes, becoming Jackson Square in the name of the general who had defeated the British army, acquired the status of a national symbol in a rapidly growing town. Today (at least before Katrina...), are the "Vieux Carré" and Jackson Square itself, nothing but the image of a city, a frozen area in a touristy and gentrified historical landmark?
Le Sud et la nation américaine au vingtième siècle : espace(s), identité(s), définitions
Authors: Stefani Anne
Published: February 2017

The twentieth-century South is a multidimensional space which can be approached from a geographical, historical, or cultural perspective, and which most often takes on a mythical character. Although the region is definitely distinct from the rest of the nation, its identity cannot be defined in a straightforward way, as the abundant literature published on the subject throughout the twentieth century illustrates. The present article revisits the well-known thesis of race as the central theme in Southern culture by extending it to the relationship between the South and the nation. Focusing on the history of North/South relations since the nineteenth century, it shows how and why the South, which once stood as an exception in the nation, has come to symbolize the essence of American identity without losing its distinctiveness.
Du rêve à la réalité, l’espace américain des écrivains d’expression anglaise du Proche-Orient arabe
Authors: Jondot Jacqueline
Published: February 2017

A number of Arab writers in the English language of the first half of the 20th century left the Middle East, considering the space offered them was too limited, to go the United States, thinking it would offer them numberless (physical, intellectual, moral...) opportunities, only to find that their new reality was just as limited (limited by a foreign community, a foreign language, loss of sense of direction...). Even though they can travel freely across the country, they are enclosed in an ideological discourse and in a textual space which is closely controlled. The promised land is physically, geographically, ideologically, metaphorically a closed space.
De l’îlot à l’enclos : l’immigration chinoise à San Francisco comme espace poétique (1910-1940)
Authors: Cormier Cécile
Published: February 2017

From 1910 to 1940, the Chinese who applied for immigration were disembarked and penned in on Angel Island (San Francisco Bay) where they were submitted to a medical examination and a thorough interrogation designed to determine whether their request should be granted. During their temporary detention, some wrote poems on the walls in Cantonese, which vented their helplessness and their anger, and literally inscribed their presence within a space that eluded and excluded them. Besides, the few who were allowed to immigrate generally passed from the confined space of the detention barracks to the enclosed space of Chinatown and its de facto limits. By exploring these poems and by referring to Chinese cosmology, I try to analyze how these men, whom American laws did not treat as men in their own right, managed to be part of the Sky-Earth-Man relationship on a territory that remained hostile to them or rejected them altogether.
Constructing a Dual Cultural Space: Protests and Adaptations in Nineteenth Century Black American Nationalism
Authors: Adeleke Tunde
Published: February 2017

Cet article examine la façon dont les principaux nationalistes noirs du dix-neuvième siècle ont réagi aux défis posés par l’aliénation aux États-Unis en construisant un paysage culturel double qui reflétait à la fois leur rejet de la construction eurocentrique dominante de l’histoire et de la société et les concessions qu’ils faisaient à cette construction. Comme on refusait de leur accorder, à l’intérieur des États-Unis, la place adéquate qui leur aurait conféré un pouvoir et leur aurait permis de se construire, les nationalistes noirs ont tenté à la fois de restructurer l’espace américain et de reconstruire le paysage culturel africain en guise d’alternative compensatoire. En conséquence, ils ont construit un espace double qui leur a permis de revendiquer leur affinité avec l’Amérique tout en se distançant de l’Afrique.
Displacing the Nation: Contemporary Literature by and about Immigrants
Authors: Krumrey Diane
Published: February 2017

Les nombreux romans d’immigrants récemment parus aux États-Unis (ouvrages de Chang-Rae Lee, Sandra Cisneros, Jhumpa Lahiri, Gish Jen, Bharati Mukherjee, parmi d’autres) représentent des personnages qui semblent non seulement faire l’expérience d’une existence trans-nationale sans cesse fragmentée (ce que Homi Bhabha a appelé "unhomeliness") mais y trouver un certain réconfort. Le plaisir éprouvé à la liminalité va bien au-delà des personnages et s’étend aussi à la structure et au style de ces romans. Cet article s’intéresse à l’entre-deux de ces romans en tant qu’excroissance de la position socioculturelle imprécise des auteurs et des personnages. Ils apparaissent comme des "autres" racialement et culturellement, et pourtant, à la différence des immigrants antérieurs, ils peuvent se déplacer à leur gré entre les États-Unis et leur pays d’origine. Les réalités vertigineuses que ces romans décrivent délogent l’Amérique "Mainstream" de la centralité présumée qu’elle occupe dans l’expérience de l’immigrant.
"One Hundred False Starts" : l’espace fitzgéraldien ou la quête d’un ailleurs impossible
Authors: Bardet Pascal
Published: February 2017

This article examines all the features of Fitzgeraldian space. Francis Scott Fitzgerald’s entire works deal with a major theme in American literature: man’s alienation from his environment. Therefore, the search for his own identity is in keeping with the quest for a place to call home. This process takes him to the four corners of the American continent and to Europe and incites him to try and grasp the true meaning of his surroundings. Unable to settle down somewhere, man is in perpetual quest but the wanderings of his soul forbid the rebirth of his being. In Scott Fitzgerald’s fiction, departures become drifts.This article is, therefore, an invitation to explore the symbolic landscapes of his works and should allow the reader to better perceive the different components of Francis Scott Fitzgerald’s imaginary world and sense of place.
Le réalisme infime d’Annie Dillard dans Teaching a Stone to Talk
Authors: Cochoy Nathalie
Published: February 2017

In Annie Dillard’s Teaching a Stone to Talk, the author’s metaliterary reflection on the intertextual layers of discourse that prove necessary to convey the experience of nature does not so much alienate the text from the world as it creates a new form of realism, based on a coincidence between the infinite malleability of discourse and the constant regeneration of landscape. Far from screening the world from view, Annie Dillard’s interwoven references set the texture of language into relief and immediately reveal the rewarding magic of the most ordinary components of natural life.
Export experience and key success factors in cross-border trade: Evidence from Southern Africa
Authors: Dhliwayo Shepherd
Published: February 2017

Orientation: Cross-border trade (CBT) is an important economic activity that contributes to the development of many economies of the developing world.Research purpose:  The two primary aims of the study were to find out the major factors needed to succeed in cross-border trading and whether the importance of these factors significantly decreased with export experience.Motivation for the study: The economic contribution of cross-border trade (CBT) is often understated. As a result, it does not get the attention it deserves.Research design, approach and method: Data were collected in Gauteng from 146 cross-border traders from 10 Southern African Development Community (SADC) countries. A cross-sectional research design was used.Main findings: The major key success factors were found to be skills/knowledge in; markets and supplies; financial management; and border issues. The importance of these factors was found to not significantly change with levels of export experience.Practical/managerial implications:  Stakeholders should know that small firms of differing export experience require the same interventions to succeed. Interventions should empower traders to better access markets and supplies, improve their financial management skills and ease border constraints.Contribution/value-add: Few studies on cross border trading have been carried out in the Southern African Development Community region. The key success factors and the constraints in this type of trade had not been adequately explored. The economic contribution of CBT, which usually goes unnoticed, was highlighted. Interventions to appropriately address the challenges faced, such as trading legitimacy and border harassment, were suggested.