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Maurizio Cattelan. La trahison des images
Authors: Lagnier Sylvie
Published: June 2021

Maurizio Cattelan : Betrayal by images.

Maurizio Cattelan, an artist born in Padova in 1960, emerged on the Italian artistic stage in the 1990’s. Drawing from reality, his works renew the question of representation by insisting on the illusory power of images. Humour and self-derision are repetitive aspects of his work which enable him to attack the political w'orld, to criticize the artistic domain or to tackle more existential questions such as human destiny. This paper offers a study centered on the illusion produced by these parodies. Thanks to examples shown in perspective with the works of other contemporaries, it means to define the nature of the works produced by the Italian artist. What do they owe to hyperrealism ; what distinguishes them from it ? How' far do they renew the question of reality ?
La galerie Iris Clert, 1956-1961 : se lancer et s’affirmer dans le monde de l’art
Authors: Dirié Clément
Published: June 2021

The Iris Clert Gallery, 1951-1961 : launching oneself into the world of art.

The gallery directed by Iris Clert was inaugurated in 1956. Despite being a novice in the world of the art market, it quickly acquired a visibility and legitimacy in the middle of the Parisian artistic landscape and became one of the principal experimental galleries of the period. At the turn of the 1960s, the gallery is proud to house collective expositions — the successive Micro-Salons that united the full production of pictorial works of the period — and essential monographies : Yves Klein’s Le Vide (April 1958), Jean Tinguely’s Les Meta-Matics (July 1959), Le Plein of Arman (October 1960). By putting the Iris Clert Gallery in the context of the time and by analyzing the types of diffusion and mediation used by the owner of the gallery, this study sheds light on the most innovative aspects of her practise and programming, which are centred around her leading personality, emphasizing the very form of the exposition and the appeal to informative and communicative methods adapted to her object, which is the contemporary art.
Architectures et terrains coloniaux : perspectives sur l’historiographie contemporaine
Authors: Vacher Hélène
Published: June 2021

Architecture in the Colonial Field : New Perspectives in Contemporary Historiography.

This essay explores the ways in which colonial studies contribute to a renewal of the architectural history of the nineteenth and twentieth centuries, focusing on the relation between the development of historiographical themes and the transformation of the symbolical and political frameworks within which academic studies evolve. Studies of the circulation and transfer of forms, techniques and norms between imperial centers and colonial territories, whether these exchanges took shape as actual buildings or as models for architecture and urbanization, have greatly expanded the field of art history. Touching on a great variety of topics, research in colonial history not only opens up new areas of study and helps to break down the categories that have traditionally separated the objects of art history and of architectural history. It also points, often in subtle ways, to new methods in historiography.
La nature citadine : promenades plantées et jardins publics en France aux XVIIe et XVIIIe siècles
Authors: Pascalis Sandra
Published: June 2021

Nature in the City : Tree-Lined Promenades and Public Gardens in France in the Seventeenth and Eighteenth Centuries.

Starting in the seventeenth century, tree-lined promenades and public gardens became a fixture of cities throughout France. New codes of leisurely walking were established. Conforming to preset models, these spaces were systematically implemented as part of urban embellishment policies, and became characteristic elements of the national landscape. Parallel to the normalization of forms and uses a new vocabulary developed. The diversity of this lexicon has rarely been studied, leading to a great number of confusions as demonstrated by historiography. This essay intends to define and distinguish the various meanings covered by the terminology designating public gardens and promenades in French (promenoir, promenade, mail, cours, jardin, jardin public, rempart and boulevard planté), using as source material period dictionaries, travel memoirs, and tourist guides. Purporting to be exact, these texts in fact contain many approximations, and even contradictions, whose close study provides rich insights into the urban imaginary associated with the promenade.
Fès, du modèle urbain à la ville nouvelle (1912-1956)
Authors: Jelidi Charlotte
Published: June 2021

Fès, from Urban Model to New City (1912-56).

Although they all spring from the same model, none of the ten new cities of Morocco built under the French Protectorate is alike. These differences create a picture far more complex than that put forward by colonial propaganda. The archives of the French administration - a part of which remained in Morocco after the departure of the French authorities - reveal the influence of local economic, political and social realities on the genesis of each of these cities. Concentrating on the case of one of the last new cities erected, Fès-nouvelle in central Morocco, this essay attempts to reveal the discrepancies between, on the one hand, the political agenda of the French colonial administration (the Résidence) and of the urban planners, and, on the other hand, the legal, administrative, financial and technical conditions.
L'ambiguïté de l’image : les illustrations du Tour du Monde et du Journal des Voyages
Authors: Vernois Solange
Published: June 2021

Les années 1860 ont vu le développement de publications à caractère géographique et anthropologique destinées à la vulgarisation. Un périodique tel que Le Tour du Monde publié sous la direction d’Edouard Charton reflète la qualité tant artistique que scientifique visée par les éditeurs. Des gravures dues à de « célèbres artistes » apportent une valeur supplémentaire aux textes. Avec les grandes missions d’exploration, le goût de l’aventure se mêle à la passion pour l’anthropologie. L’intérêt pour les populations lointaines est souvent assorti d’une impression d’étrangeté à l’égard des rites considérés comme ésotériques dans le fantasme de l’anthropophagie. Des dessinateurs attitrés comme Castelli dans le Journal des Voyages, hebdomadaire de « récréation scientifique » paru à partir de 1877, se sont aussi spécialisés dans l’image à sensation. La belle gravure qui s’attache à la noblesse dans la représentation de l’indigène, laisse peu à peu la place à l’illustration du récit journalistique de l’aventurier européen à la découverte de contrées aussi mystérieuses que « sauvages ».
Entre vision mythique et observation anthropologique : la figure de l’artiste-nomade
Authors: Peltre Christine
Published: June 2021

Même si Fromentin redoutait la confusion entre le « sentiment du beau » et le «goût de l’ethnographie », la démarche anthropologique a profondément marqué le mouvement orientaliste. La représentation du nomade en est l’un des signes, évoluant au gré des perceptions nouvelles du Bédouin, comme celle de John-Lewis Buckhardt (Notes sur les Bédouins, publiées en français en 1835) et succédant à l’image médiévale du pillard cruel. Mais à ces observations de terrain se mêlent, de François-Auguste Biard à Etienne Dinet, des sources littéraires diverses, empruntées au Roman d’Antar ou au Voyage en Orient de Lamartine. Cette association, dosant les interventions du mythe et de la réalité, éclaire l’identification de l’artiste au nomade, fréquente au XIXe siècle. En partie issue de l’approche anthropologique, la figure du peintre-nomade devient ainsi un autre cas d’étude, dans le cadre des travaux menés aujourd’hui sur la notion d’artiste.
De l’anthropologie physique à « l’ethnographie artistique » : Gustave Le Bon et sa Civilisation des Arabes (1884)
Authors: Volait Mercedes
Published: June 2021

From Physical Anthropology to “Artistic Ethnography” : Gustave Le Bon and his Civilisation des Arabes (1884)

In the second half of the nineteenth century Islamic arts were considered in various ways. They were either described as “high curiosity” objects by antiquarians and collectors, as a terra incognita yet to be explored by art historians, as a part of ornamental science by theoreticians of architecture, or as new types of “monuments” by archeologists. La Civilisation des Arabes (1884) by Gustave Le Bon is a good illustration of the manner in which anthropology approached these arts. Our study intends to clarify the issues at stake in this book both by examining the structure of the text and by replacing it in its social context and along the intellectual itinerary of its author.
Entre œuvres d’art et documents : les arts d’Afrique à Paris et à New York dans les années 1930
Authors: Murphy Maureen
Published: June 2021

Alors même qu’il tend à s’institutionnaliser dans les années 1930, le statut des objets d’Afrique, d’Amérique, d’Asie et d’Océanie, oscille entre « œuvre d’art » et « document ». Des sphères du public à celles du privé, du musée d’Ethnographie du Trocadéro aux galeries de marchands tels que Charles Ratton ou Louis Carré, du musée permanent des Colonies aux ateliers d’artistes ou aux revues telles que Documents, les artefacts non occidentaux se transforment au gré des formes d’appropriation dont ils font l’objet. L’étude des modes de présentation des œuvres d’Afrique dans certains musées ou certaines galeries [au musée d’Ethnographie du Trocadéro, à la galerie du Théâtre Pigalle à Paris en 1930 ou au musée d’Art moderne de New York (MoMA) en 1935], ainsi que l’analyse du regard porté par des artistes tels que Man Ray ou Walker Evans à cette époque, permettra de souligner les liens entre art moderne et arts d’Afrique, histoire de l’art et anthropologie. Au lendemain de l’ouverture du musée du quai Branly, cette mise en perspective historique soulignera la perméabilité des champs tout en fournissant des outils de compréhension des enjeux posés par le présent.
Traiter de l’ornement
Authors: Bouchon Chantal
Published: June 2021

The Study of Ornaments

The dictionary’s definition of the ornament is « something that decorates or adorns ; embellishment » (American Heritage Dictionary) . Its meaning is therefore both functional and contextual. Ornaments belong to the same realm as the objects they adorn. As such, they are related to all the crafts grouped under the titling of « decorative arts » : fire arts, woodwork, objects of fine art. Documented for the most part by drawings circulated as prints and by treaties of ornamentation, ornaments are an essential part of artistic creation. The notion of decor evolved throughout the centuries, fluctuating between the ornate and the minimal, following the evolution of taste, needs, available materials, the political and economic context, the influence of intellectual milieus and the role of patrons.

Cultural events of the past thirty years, particularly exhibitions and their accompanying catalogues (traces of these ephemeral events), as well as the symposiums held on these occasions, have enabled new approaches of decorative arts. Monographs and research on specific techniques have also contributed to this renewal by shedding new light on these arts. Finally, it is important to mention in this respect the reopening of the musée des Arts décoratifs in Paris. Our aim in this paper is not to cover all the aspects of the renewal of the study of ornaments, but to present a select number of events chosen for their exemplariness. Our hope is that this presentation will help foster curiosity about this domain and possibly encourage multiform approaches.
Le mobilier de Donald Judd : enjeu d’une distinction entre art et design
Authors: Delacourt Sandra
Published: June 2021

Donald Judd’s Furniture Pieces : Emphasizing the Distinction Between Art and Design

Donald Judd’s furniture pieces were initially reserved for strictly domestic purposes and they did not appear on the public art scene in New York until the 1980s, that is nearly twenty years after they were first designed. The timing is particularly significative as it was during the 1980s that galleries and international furniture producers began to express great interest in what came to be known as « artists design ». Other famous examples of this genre are Sol LeWitt’s first Coffee Table, produced in 1980, and Dan Flavin’s china set, For André Raynaud, commercialized in 1990. Judd launched his first series of industrially-produced furniture in 1984. Although his production of furniture steadily increased up to his death in 1994, and despite regular exhibitions, this chapter of his work remains relatively unknown to this day. Contrary to the then popular view, Judd regularly recalled the distinction, essential in his opinion, between art and applied art. If this distinction has contributed to misunderstandings about Judd’s position as an artist, it is also herein that lie the important questions raised by his works of applied art. Analyzing this distinction can help us as well understand Judd’s decorative work as a strong counter-proposition to the postmodernist redefinition of the ties betyveen ethics and aesthetics.
Un miroir à boîte au musée du Louvre : étude iconographique
Authors: Galbois Estelle
Published: June 2021

Le couvercle d’un miroir à boîte du musée du Louvre (Br 1696) daté du HF siècle avant J.-C., est décoré, sur
L’organisation spatiale des églises du Nuiton (Côte-d’Or) au début du XIIIe siècle
Authors: Demarthe Sylvain
Published: June 2021

Spacial Organization of the Churches in the Nuiton Region in the Early Thirteenth Century

Several of the parish churches built in the area of Nuits-Saint-Georges, in Côte-d’or (Burgundy) in the first half of the thirteenth century, display a particular organization of interior space characterized by a separation, which is more or less visible at first sight, between the western and eastern parts. This separation is based first of all on a rectilinear layout, probably a legacy of the model of Cîteaux IV, first established in the late twelfth century and later standardized. In this plan the divisions of the ground narrow as they procede from west to east. The separation is also based on differentiated vaulting between the nave, the transept (when present) and the sanctuary. This distinction may be found at Corgoloin and Gerland, as well as in less well-preserved churches. But it is most obvious at Saint-Symphorien de Nuits. In this case it was visibly meant to establish architecturally a hierarchical divide between the faithful and the clergy within the edifice.
Musées et collections : pour une histoire de la patrimonialité
Authors: Poulot Dominique
Published: June 2021

Museums and Collections : A History of the Patrimoniality

This article examines the role the study of collections and museums is playing in the artistic literature. After recalling that the history of collections has been governed primarily by the search for origins of masterpieces and great pieces of art, the author shows that the history of collections is now rather a social and cultural history of taste. But, recently, the figure of the collector has fuelled ananthropological perspective attentive to the «social life of things », on the one hand, and to the staging of the collection and to the museography, on the other. The case studies of the collecting movements play the same role that the anecdote stories in the new history : they are no more illustrations of generalities, but they exposed a lot of more or less disconcerting singularities. The purpose of the history of patrimony was once the transition from private collections to museums, in the name of the progress of socialization in its various incarnations ; today an approach to “patrimoniality” considers its many singularities, especially its margins, without returning to the old antiquarian model of writing the lives of collectors.
Le « cabinet » Texier : émaux limousins et autres curiosités
Authors: Tixier Frédéric
Published: June 2021

The “cabinet” Texier : Enamelwork from Limoges and Other Curiosities

Abbé Jacques-Rémi-Antoine Texier (1813-1859) is famous for his many works on Medieval art and, more specifically, on the art of goldsmiths and enameling. However there has never been an in-depth study of this ecclesiastical savant also well-known as a collector. In this paper, the author provides, on the one hand, a summary of the career of Abbé Texier as an “itinerant” man of the cloth along with an overview of his professional relations. Secondly, he reconstitutes a part of his collection of artworks. His collection, the cabinet of a knowledgeable amateur, can be divided into three main categories : champlevé enamels, painted enamels and archaeological pieces or pieces of a more anecdotal nature.
Léonce Bénédite, « apôtre de la beauté moderne » ?
Authors: Marcle Céline
Published: June 2021

Léonce Bénédite, an “Apostle of Modem Beauty” ?

A key figure of the artistic milieu at the turn of the last century, Léonce Bénédite (1859-1925) was the Chief Curator of the Musée du Luxembourg for over thirty years. Curator as well of the Musée Rodin and the Musée du Jeu de Paume, specializing in foreign contemporary painting, he organized countless exhibitions and was the author of a great number of books, articles and forewords to publications. His many travels and contacts abroad played an essential part in his work. During the first part of his career, he was in close contact with contemporary artists and befriended several of them, such as Besnard, Cazin, Cottet, Dinet, Fantin-Latour, Lebourg, Puvis de Chavannes and Rodin. Starting with the first years of the twentieth century, however, he seems to have lost touch with the art of his time. Criticized in his later years by the avant-garde and traditionalists alike, he sank into oblivion.
Le modèle du Museion dans l’Empire des Habsbourg : le cas de Lviv
Authors: Murauskaya Hanna
Published: June 2021

Hanna Murauskaya

Le modèle du Museion dans l’Empire des Habsbourg : le cas de Lviv

Le musée est traditionnellement pensé à partir de la notion d’objet. Il rassemble les choses et non pas les mots, peut-on dire. L’étude des archives concernant les musées d’Europe centrale et orientale au XIXe siècle permet à l’auteur de constater que la définition du musée comme collection de choses ne permet pas de rendre compte, au début du XIXe siècle, des multiples fonctions des musées nationaux dans cette aire géographique. Dans cette étude, l’analyse du cas de Lviv met en relief un autre modèle de musée, construit à partir du mythe du museion alexandrin, en opposition aux grands musées universels et centré non pas sur l’objet mais sur l’idée de nation.
Les femmes dans les ateliers d’artistes en Europe du Nord au Moyen Âge
Authors: Cassagnes-Brouquet Sophie
Published: June 2021

Women in Northern Europe artistic workshops at the end of the Middle Ages.

The author proposes to explore the presence of women in the workshops and the gender relations in cultural production at the end of the Middle Ages. She also links with the question of public and private space devoted to women. The contribution is based on unpublished inquiries in French, Flanders and English archives. Even if mentions of women in workshops are very few, it doesn’t mean that the wife, the sister or the daughter of an artist don’t take any part in the process of creation. In northern Europe, in France, in Flanders, in Germany and in England, women are members of crafts, by their own, or as widows of a dead master. In Paris, women are numerous in the artistic crafts, they are six “orfévresses” in 1292 according to the “Taille” register. Widows, wives, sisters and daughters are considered as members of the family workshop. Here, the gender notion seems to come after the importance of lineage.
La déesse et les jeunes filles : figures féminines du sanctuaire de Francavilla Marittima (Calabre)
Authors: Pace Rossella
Published: June 2021

Rossella Pace

La déesse et les jeunes filles : figures féminines du sanctuaire de Francavilla Marittima (Calabre).

Le grand sanctuaire extra-urbain de Francavilla Marittima près de Sybaris en Calabre a été en activité de la fin de l’Age du Fer jusqu’à la destruction de Sybaris en 510 av. J.-C. Il a livré une grande quantité de représentations féminines attribuables à toutes les phases de son existence. L’auteure signale plusieurs thématiques associées à la fois aux dernières productions indigènes et aux œuvres de la phase coloniale : divinités assises trônant, processions de fidèles, offrandes de tissus, hiérogamie, toute scène permettant de caractériser une déesse protectrice des jeunes filles jusqu’au mariage. C’est dans la seconde moitié du VIIe siècle qu’elle note l’existence de terres cuites votives les plus originales et de la plus grande qualité, mais elle constate une assez grande continuité dans les formes de représentation de la divinité et de ses fidèles depuis la phase indigène jusqu’à la seconde moitié du vie siècle, où il est possible d’observer l’élaboration de figures représentant explicitement la divinité désormais titulaire principale du sanctuaire, Athéna, qui conserve les prérogatives de la déesse anonyme à laquelle elle succède.
Femmes dans la violence de la guerre : quelques représentations de l'Ilioupersis dans la peinture de vases grecque
Authors: Albecker-Grappe Sylvie
Published: June 2021

Sylvie Albecker-Grappe

Femmes dans la violence de la guerre : quelques représentations de l’Ilioupersis dans la peinture de vases grecque.

La violence figurée sur les vases grecs l’est tantôt par des schémas expressifs, tantôt par des détails discrets et significatifs. L’auteure a dirigé sa recherche autour des images de l'Ilioupersis, et de trois peintres : Onesimos, le peintre de Cléophradès et le peintre de Brygos. Ces derniers ont utilisé des constructions très subtiles que l’auteure a tenté de démonter, pour rendre visible l’essence même de la violence. Ces images n’en ont pas moins suffi à indiquer la pertinence du «problème artistique » qu’elles ont soulevé et essayé de résoudre. Les représentations étudiées marquent une progression. Derrière ces combats de guerriers se profilent le combat d’Athéna et des Erynies et peut-être celui de l'oïkos contre la polis.
L’action mémorielle des princesses capétiennes à Saint-Denis au XIVe siècle
Authors: Berné Damien
Published: June 2021

Damien Berné

L’action mémorielle des princesses capétiennes à Saint-Denis au XIVe siècle.

Au milieu du XIVe siècle, la règle tacite qui réserve aux seuls souverains la faculté d’élire sépulture dans la nécropole royale de Saint-Denis n’empêche pas certaines veuves et princesses royales de marquer l’espace funéraire dionysien, en s’appropriant les chapelles situées dans les angles des bras du transept. Jeanne d’Evreux crée un précédent par l’aménagement dispendieux qu’elle fait réaliser au début des années 1340, imitée en cela par Blanche de Navarre et, dans une moindre mesure, par Marguerite de Flandre. Néanmoins, si ces deux dernières placent leur tombeau au cœur de leur programme, Jeanne d’Evreux privilégie une visée commémorative centrée sur la figure de son époux, Charles IV le Bel : il s’agit pour elle de restaurer l’entretien de la mémoire du défunt roi, éloignée du sanctuaire royal pour des raisons juridiques. Ce souci explique le faste décoratif de sa chapelle, ornée de statues debout représentant le couple et ses filles. Le principe est repris, partiellement détourné dans un sens funéraire, par Blanche de Navarre qui y ajoute des portraits peints à son effigie et à celle de feu son mari Philippe VI de Valois. Mais un motif suffit à estomper la disparité d’intentions des différentes fondatrices : toutes descendent de saint Louis, et c’est en tant que dépositaires de la mémoire lignagère qu’elles prétendent avoir leur place à Saint-Denis.
Les voyages surréalistes d’Alice Rahon
Authors: Jarbouai Leila
Published: June 2021

The Surrealist travels of Alice Rahon

In 1939, Alice Paalen, surrealist poet, finally leaves France. After a long trip to North America to discover the American Indian cultures, she moved to Mexico where, taking the name Alice Rahon, she now devotes to painting. In this country which maintains relationships with surrealism, she develops a vision on the edge of abstraction, often closer to a Klee or a Miré than to other Surrealists in exile in Mexico, such as Remedios Varo and Leonora Carrington. Influenced by the Indian landscapes, animals, cultures, Alice Rahon recreates a world where the imagination of America joins the Celtic Brittany and which performs the alchemy between the elements, beings, lands. She found the perfect harmony of origin and reached a sort of “surréalité”. Alice Rahon ’s graphic work, close both to Abstract Expressionists and to the first prehistorical painters, materializes the psychological journey that allows flying away into infinity.
Autour des artistes femmes du groupe Cercle et Carré
Authors: Gossmann Marlène
Published: June 2021

Around women artists in the group Cercle et Carré

In 1930 in Paris, Michel Seuphor and Joaquin Torres-Garcfa founded the association Cercle et Carré. Alongside their male colleagues, French and foreign women artists collaborated to this avant-garde group. Committed to the artistic life and fed by different experiences, Marcelle Cahn, Franciska Clausen, Florence Henri, Nadia Chodasiewicz, Sophie Taeuber and Alexandra Exter, take an active part in discussions and research on abstraction to which they each add her own interpretation. Through the analysis of this progressive environment, the text observes the relationship between these plasticians women and other members of the group, and studies the activity, the situation of these women artists in this artistic context.
L’art et l’éducation populaire : Madeleine Rousseau, une figure singulière des années 1940-1960
Authors: Maurice Danielle
Published: June 2021

Danielle Maurice

L’art et l’éducation populaire : Madeleine Rousseau, une figure singulière des années 1940-1960.

En adhérant à l’Association populaire des amis des musées, l’APAM, née avec le Front populaire, Madeleine Rousseau, attachée des Musées nationaux, s’engage dans la voie de «l’art pour tous ». Progressivement, elle ne se cantonne pas au rôle d’animatrice de l’APAM, elle en devient la voix. Elle inscrit l’Association dans les débats sur l’art du temps présent dès la fin des années 1930 en s’opposant à l’idée de la décadence de l’art. Au lendemain de la Seconde Guerre mondiale, Le Musée Vivant, la revue de l’APAM, devient une tribune de l’art abstrait. Parallèlement à ces engagements, elle découvre les arts africains, rencontre le « Monde noir » et accompagne l’expansion du mouvement de la négritude. En amenant l’APAM sur le terrain de la création plastique contemporaine et des arts africains, Madeleine Rousseau façonne cette dernière pour en faire un instrument d’intervention dans le monde de l’art.
Art, graphisme et féminisme à Los Angeles autour de Sheila Levrant de Bretteville
Authors: Buquet Benoît
Published: June 2021

Art, graphie design and feminism in Los Angeles around Sheila Levrant de Bretteville

In 1973, the opening of the Los Angeles Woman’s Building can be seen as one of the first examples of large-scale feminist cultural facilities. It is founded by the artist Judy Chicago, art historian Arlene Raven and graphic designer Sheila Levrant de Bretteville as an outcome of anti-authority militancy and feminist teaching experiments in California since the end of the 1960s. Interactions between different kinds of disciplines are part of the true creative excitement coming from it. The paper focuses on graphic design, an essential constituent to the writing of a wider art history. Sheila de Bretteville ’s awkward route makes the author wonder about the existence of a feminine graphic design. Researches and experiments made by the graphic designer bring different visual propositions in, such as the creation of a new identity symbol or the elaboration of a non-hierarchical communication system open to relational and participative experiments. When modernism doesn’t seem to offer room enough to the expression of a split-up reality, Sheila de Bretteville tries to redefine graphic design with that urge of being aware of those who have not been heard yet.
Les transferts artistiques : un outil opératoire pour l’histoire de l’art médiéval ?
Authors: Guillouët Jean-Marie
Published: June 2021

Le constat de la mobilité des artistes et des œuvres en Europe au Moyen âge a déjà été fait et cette mobilité constitue un objet de recherche pour les historiens de l’art depuis plusieurs années. Cependant, les questions soulevées par ces déplacements dépassent le simple repérage du parcours des hommes ou des œuvres. L’analyse à travers le paradigme des transferts artistiques - termes et notion issus des problématiques de l’histoire culturelle et des transferts culturels et impliquant donc un déplacement de personnes, d’objet, de termes d’un espace culturel vers un autre - vise à appréhender ces circulations d’artistes, d’œuvres ou de modèles dans le rapport dynamique et dialectique qu’ils entretiennent avec leurs milieux d’accueil et de réception. Cette notion paraît être pertinente pour l’histoire de l’art afin de déplacer le problème, trop souvent encore centré autour de la question de l’influence ou de la réception. Il paraît utile en effet de soulever précisément les différentes questions liées à ces déplacements, et de prendre en compte la dimension perturbatrice du transfert. Quelle signification peut être attachée à l’emploi d’artistes loin de leur milieu d’origine ? Quelles ont été les raisons et les « conjonctures politiques ou culturelles » (M. Espagne et M. Werner) qui ont conduit à de tels choix et rendu possibles ces déplacements ? Quelles ont été les conditions et contraintes diverses que ces personnels artistiques « exogènes » ont dû remplir ? Ces contraintes ont-elles eu un effet sur leur production ou ses modalités de réalisation, notamment en matière de perméabilité des savoir-faire ? Quelle a été la place assignée à ces œuvres dans leur système de réception et, par effet retour, le système d’origine a-t-il été touché par des reconfigurations particulières à l’issue de ces transferts ? Toutes ces questions, et bien d’autres, sont celles que paraît soulever l’analyse de tels phénomènes en termes de transferts artistiques.
Repenser l’émulation : entre réenchantement et modernité, le projet nazaréen
Authors: Grewe Cordula
Published: June 2021

Rethinking Emulation : the Nazarene Project Between Reenchantment and Modernity.

This article provides a new perspective on emulative practices in Romantic art. Dedicated to the revival of religion, the German Nazarenes sought to re-enchant art. By fundamentally redefining a key concept of neoclassical art, they made “ emulation ” the vehicle of this religious process. The article inquires into the theoretical parameters that made this redefinition possible and, in so doing, challenges a model of emulation that has dominated recent scholarship on the period around 1800 : the modernist paradigm of the “ anxiety of influence. ” Articulated powerfully in the writings of René Girard, Walter Jackson Bate, and above all Harold Bloom, this paradigm submits the notion of originality and its counterpart, emulation, to a thorough psychoanalysis, defining “ influence ” as a never-ending struggle of the artist-ego with an oppressive father figure. Yet, the emphatic secular outlook of this approach makes it an insufficient tool for understanding an artistic practice rooted in religious concepts. For adopting the principle of imitatio Christi, the Nazarenes sought to release the psychological burden of the past by conceiving of emulation as spiritual following. Imitatio Raphaelis was folded into imitatio Christi, and the Catholic view of the saint as an intercessor between sinner and God extended to the revered artists of the past. Consequently, the “ artist-saint ” functions as a mediator between the concrete (albeit, imperfect) artwork and its divine préfiguration. To conceptualize process, the article employs René Girard’s theory of triangulated desire and mediation that provides a matrix for the Nazarenes’ strategy to sever the binary relationship between the emulated and the emulator and insert the divine between them as the ultimate origin and only incarnation of true originality.
Saisir la vie, transférer des savoirs : Helmina von Chézy à Paris sous le Premier Empire
Authors: Struckmeyer Nina , Blankenstein David
Published: June 2021

Quand la jeune Berlinoise Helmina von Chézy (1783-1856) vient s’installer à Paris en 1801, elle choisit le journalisme pour gagner sa vie. D’abord correspondante privilégiée de plusieurs journaux allemands, elle publie en 1805 un important ouvrage : Leben und Kunst in Paris seit Napoleon I. Bien plus qu’un simple récit de voyage, il témoigne des rapports privilégiés de l’auteur avec certaines personnalités comme Dominique-Vivant Denon, Juliette Récamier ou Fanny de Beauharnais et avec certains membres de la communauté allemande vivant dans la capitale française autour de 1800, tel Friedrich Schlegel, venu à Paris pour découvrir le patrimoine artistique européen accumulé dans les musées et les bibliothèques de la République. Sur près de sept cent pages, Chézy décrit les musées publics et certaines collections particulières très peu décrites à l’époque. Elle transmet aux Allemands le compte rendu d’événements de portée européenne, comme l’Exposition des produits de l’industrie ou le Salon de 1804. Une partie importante de son livre est dédiée aux trésors de la bibliothèque impériale, parmi eux les manuscrits orientaux dont elle fait fournit une notice détaillée et des traductions partielles qui témoignent de la naissance franco-allemande de l’orientalisme autour de 1800.
Les peintures murales de Félix Périn à Ansac : un témoignage tardif du mouvement nazaréen
Authors: Allard Thierry
Published: June 2021

Félix Périn’s Wall Paintings in Ansae : A Late Testimony of the Nazarene Movement.

In the last decades of the nineteenth century, the Nazarene movement knew a late revival in the mural decorations of two churches in Ansac-sur-Vienne made by Félix Périn (1835-1891). Working in the spirit of Alphonse Périn, his father, and Victor Orsel, he developed a complex use of symbols and allegories in order to praise Church and to denounce rising dechristianization in his times. Marian and patriotic themes are emphasized with learned abstraction, according to a vow, hoping Prussian war and Commune riots end in 1870-181.
Le réseau franco-allemand du Nouveau Réalisme ou l’éternelle originalité des avant-gardes
Authors: Kramer Antje
Published: June 2021

A l’aube des années soixante, on assiste à la constitution d’un premier réseau franco-allemand efficace après 1945 autour des représentants parisiens du Nouveau Réalisme et du groupe ZERO de Düsseldorf. Au sein de ce réseau, on peut observer la circulation d’un certain nombre de motifs esthétiques et discursifs communs qui attirent le regard sur la question de la réception et de l’appropriation du modèle paradigmatique de l’avant-garde. La récupération des mêmes procédés esthétiques, allant du montage au monochrome, le refus de l’académisme et la quête de l’internationalisme n’en sont que les premiers points de convergence. Due à la quête identitaire de la R.F.A. des années cinquante, qui oscille entre réparation du passé et boom économique, la reprise plus ou moins consciente du rêve moderniste s’articule directement à travers les échanges avec Paris, la capitale des avant-gardes. Suivant notre hypothèse, c’est précisément ce modèle de l’éternelle « originalité des avant-gardes » qui devient le plus petit dénominateur commun des interactions et stratégies collectives entre Paris et Düsseldorf.
Une nouveauté du XXe siècle ? Maquettes de Rome et perception « paysagère » de l’Histoire
Authors: Royo Manuel
Published: June 2021

A Novelty of the Tiuentieth Century ? Scale Models of Rome and Landscaped Perception of History.

The scale models of Rome have inherited from the earlier models of ruins, but indirectly. The urbanization process changes the vision of the ancient city which assumes new values in matter of urban and political contexts. It is contemporaneous with the modern idea of urban landscape. So, it is not by case if entire models of the ancient city appear at the end of the nineteenth century (Marcelliani’s and Bigot’s models) and in the time of Mussolini (Gismondi’s one), periods of trouble in the urban history of Rome. The role and the function of models are changing and their aim is rather to present a substitute of reality more than an historical image of the city. The urban landscape is seen as a new way to make an intelligible History. But the models are deceitful !
L’empreinte du pouvoir politique dans le paysage urbain : Sauveterre-de-Béarn au Moyen Âge
Authors: Dufau Cécile
Published: June 2021

The Political Power Impress on the Urban Landscape : Sauveterre of Bearn in the Middle Ages.

Sauveterre is a city of the Pyrénées-Atlantiques, born at the XIth century on the Bearn viscouncy North-West border, in the Pyrénées West part. The conservation state of its medieval architecture provided a urban archeological study, on the city scale. The archeological survey and analysis bring out, on one side, a limited urban expansion and modest architectural dispositions, such as the group of constructions of the Pyrénées. On the other side, they bring out development modalities encouraged by the society and viscouncy implications in the urbanism, able to materialize béarnaise prosperity at the edge of this independancy, between the xnth and the XIVth century.
Sculpteurs et architectes dans le projet de la Voie triomphale à Paris (1931)
Authors: Garcia Claire
Published: June 2021

L’intégration des monuments publics dans le tissu urbain témoigne des relations complexes qu’entretiennent sculpteurs et architectes.

Au début du XXe siècle, la porte Maillot voit son statut évoluer et devient le premier axe de réflexion vers une agglomération plus étendue. En 1930, Léon Rosenthal, riche collectionneur et amateur d’art, organise, sur ses fonds propres, un concours pour décorer la place. Mais Léon Rosenthal fait preuve d’une certaine prudence et ne révèle pas les projets au public. La ville de Paris, conjointement au département de la Seine, décide alors organiser un nouveau concours. Trente-cinq projets sont rendus, dont certains par les architectes du concours précédent.

Le regret suscité par le divorce entre sculpture et architecture, et le désir de retrouver une certaine monumentalité, soulèvent la question de la place de l’architecte et du sculpteur, et donc respectivement de l’architecture et de la sculpture, dans les nouveaux développements urbains. Quels échanges s’établissent entre sculpteurs et architectes ? Le monument doit-il s’adapter à l’environnement ou inversement, les constructions doivent-elles être en adéquation avec le monument ? D’une manière plus générale, quelles positions tiennent les architectes et les sculpteurs à cette époque ?
Le gratte-ciel à Paris au début des années 1930 : discours et représentations
Authors: Gimbal Julie
Published: June 2021

The Skyscraper in Paris in the Early 1930s : Discourses and Representations.

After the First World War, the debate on devastated cities involves a new reflection on high-rise architecture. Activating multiple discourses held as well by municipal authorities, than by urban planners and architects, the debate on the height is the opportunity to ideological disputes, which degree of rationality fluctuates, in particular to the identity and modernity. In a competitive climate which opposes European metropolises between them and observes the Americanism’s expansion, how does the idea of a “French tower” is formulated ? The emergence of conflicting communities of thought, the testing of consensus on the urban question and the first imagined projects - in particular at the occasion of the Rosenthal competitions and the “Voie triomphale” - are then relayed by specialized publications, which are a useful way to identify nuances, even differences in the ideological and doctrinal speeches.
Conceptions de l’espace urbain dans les projets des années 1960-1970
Authors: Roy Eve
Published: June 2021

Designing the Urban Space in the Projects of the 1960s-1970s.

Technological and socio-economical disruptions Europe has to face in the 1960s-1970s lead architects and theoreticians to review their conceptions of architecture. One of the major aspects of this evolution deals with the polysemical notion of urban space. This article offers to explore the architects’ representations from that period, using three acceptations of that notion, reflecting the fear for overpopulation, the willing to exploit unused geographical territories, or the imaginary linked to the space race, so as to enable a better knowledge of this “paper architecture”, whose importance and continuations are essential for the architecture history.
Étienne Moreau-Nélaton (1859-1927), historien de l’art
Authors: Passini Michela
Published: June 2021

Si l’activité de peintre et de collectionneur d’Etienne Moreau-Nélaton (1859-1927) est aujourd’hui bien connue, son œuvre d’historien de l’art l’est beaucoup moins. Moreau-Nélaton a néanmoins donné une contribution substantielle à l’étude de l’art français du XVIe siècle et, par des publications telles que ses monumentales Eglises de chez nous, il a promu une meilleure connaissance du patrimoine bâti de sa région (l’arrondissement de Château-Thierry) à une époque où la survie même de ce patrimoine était menacée par les retombées de la Loi de Séparation et, plus tard et bien plus sérieusement, par les obus de la Première Guerre mondiale.

Nous avons suivi ces deux axes majeurs de sa réflexion pour essayer d’en reconstruire les phases saillantes et pour replacer l’œuvre de Moreau-Nélaton dans le contexte des recherches d’histoire de l’art du début du XXe siècle : ses rapports avec l’autre grand spécialiste du x\ie siècle français, Louis Dimier, ainsi que sa participation active au débat autour de la sauvegarde du patrimoine, ont été au cœur de notre travail.
Art et érotisme : nouvelles approches
Authors: Barbillon Claire , Queyrel François
Published: June 2021

Les lignes de force des contributions ici rassemblées sur le thème art et érotisme sont dégagées. L’histoire de l’art s’ouvre à l’étude d’un thème polymorphe par le biais d’une analyse de la réception des œuvres d’art et des émotions qu’elles suscitent dans le champ de l’érotisme.
Éros, le dieu - Dieu est amour
Authors: Andreae Bernard
Published: June 2021

Le titre de l’article montre bien qu’Eros était un dieu dans la religion antique, tandis que dans la conception moderne de la religion c’est Dieu qui est amour. Trois points sont ici mis en valeur. En premier lieu on tente de répondre à la question de savoir pourquoi dans l’art antique ce que l’on appelle la nudité héroïque est réservé jusqu’à la seconde moitié du IVe siècle à la représentation des hommes, alors que les femmes n’ont été figurées dévêtues dans le grand art que relativement tard. La raison en était sans doute que la musculature du corps viril était perçue comme plastique, tandis que le corps féminin paraît être plus plastique voilé sous un vêtement. Praxitèle, le maître de la beauté, a eu un rôle déterminant dans la représentation en sculpture du corps féminin nu. C’est le sujet sur lequel porte le second point. Praxitèle a apporté une contribution particulièrement importante au thème de l’érotisme dans l’Antiquité avec les grandes créations de l’Aphrodite de Cnide, de l’Eros de Thespies, du Dionysos et surtout de ses trois Satyres, qui sont maintenant mieux connus grâce à des découvertes récentes. En troisième lieu l’article traite en général de l’érotisme dans l’Antiquité, avec une présentation des recherches et découvertes de l’auteur dans ce champ.
L’érotisme discret du sein dans les représentations artistiques sous le Haut-Empire
Authors: Girod Virginie
Published: June 2021

Contrairement à ce qui a souvent été dit, les Romains étaient plutôt pudiques. La monstration du corps nu dans l’art ne s’appliquait qu’aux divinités ou aux sujets volontairement licencieux. Aujourd’hui, les seins sont considérés comme l’une des parties du corps féminin les plus érotiques. Cependant, dans la Rome antique, les seins n’étaient pas réduits à leur fonction sexuelle. A l’époque archaïque, la fonction galactogène des seins en faisait des objets sacer. A l’époque historique, le sein n’avait pas perdu cette dimension. Les matrones qui se faisaient représenter en Vénus magnifiaient par leur nudité la fertilité de leur corps. C’était seulement lorsque le sein n’avait aucun rôle dans la reproduction qu’il revêtait un aspect sexuel, ce que l’on constate dans l’art érotique où il était touché ou mis en valeur par des bijoux.
Corps exposé, corps nié. L’obscénité dans le décor urbain à l’aube de la Renaissance
Authors: Bulté Cécile
Published: June 2021

The Body Exposed, the Body Repressed. Obscenity in Urban Architecture of the Early Renaissance.

Obscene and scatological imagery is a particular case of the transformation in the relation to the body that took place in European art in the late 15th century. As such it has generated a wealth of interpretations. For the most part these have privileged allegorical or sociological readings — viewing the imagery either as an allegory of lust or as an emanation of popular culture — over the study of the way in which these images function. In this paper I compare the connotative modes of obscene and scatological imagery with those of short narrative forms such as proverbs, fabliaux, and exempla. In this way I relate the subject and the structure of the images, as well as the objects associated with the figures represented, to an extended network of references and meanings without singling one out in particular. Whether looking at the comic aspect of the images or at the moral teachings contained in this comic aspect, the obscene or scatological genre appears to be characterized by the very multiplicity of its meanings.
« Éros, c’est la vie » : un dialogue entre Marcel Duchamp et John Cage
Authors: Delfiner Judith
Published: June 2021

Si Marcel Duchamp et John Cage n’ont cessé de revendiquer leurs affinités, il est un point où leurs positions respectives semblent diverger sensiblement : la question de l’érotisme. Alors que Duchamp reconnaît à l’érotisme une importance cruciale dans son œuvre, Cage n’aborde jamais frontalement le sujet et fait montre d’un scepticisme sincère au regard d'Etant donnés : 1° la chute d'eau, 2 ° le gaz d’éclairage (1946-66). Pourtant, si l’on envisage l’érotisme dans son acception étymologique, en référence à l’Éros antique tel qu’il apparaît dans la Théogonie d’Hésiode, le face à face semble moins abrupt. Antérieur à la castration d’Ouranos par Kronos où s’origine la différentiation entre le féminin et le masculin, l’Éros primordial peut être défini comme le principe qui pousse l’un à révéler ce qu’il cache en son sein. En ce sens, il est parfaitement étranger à tout phénomène de séduction, incarné dans les cosmogonies grecques par Aphrodite, déesse de l’attrait amoureux. Envisagé à la lumière de cet Éros cosmique qui est force d’auto-engendrement et, partant, force d’apparaître en produisant l’exposition de ce qui était alors dissimulé, l’érotisme pourrait bien constituer un trait d’union entre Duchamp et Cage.