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Forme républicaine et piété hébraïque dans l'œuvre pamphlétaire de John Milton (1641-1660)
Authors: Herrmann Frédéric
Published: November 2019

Résumé Dans ses pamphlets des années 1640 et 1650, John Milton imagine, à partir du modèle politique de l’Israël antique, non pas tant un système constitutionnel mais « un républicanisme de l’esprit ». Cet Israël est fondamentalement anticlérical, méritocratique et hostile à la monarchie héréditaire par la forme, mais il évoque avant tout des valeurs qu’il faut défendre : piété et vertu hébraïques épurées d’idolâtrie politique sont une source d’inspiration pour un pouvoir cherchant à asseoir sa légitimité. La référence à Israël dépasse toutefois chez Milton le simple niveau de la polémique pour façonner une vision de la société dans laquelle le politique vient se fonder sur l’éthique.
L'écriture funambule : les équilibres précaires dans A Multitude of Sins de Richard Ford
Authors: Delanoë-Brun Emmanuelle
Published: November 2019

Résumé Le basculement potentiel, et sa figuration symbolique dans le motif récurrent du rebord, fascinent Ford de longue date. Fiction après fiction, son œuvre chemine sur le fil de l’arête, en quête de rétablissement et de consolation ne serait-ce que fugace. A Multitude of Sins poursuit cet exercice d’équilibrisme fragile, entre fatalisme résigné et optimisme discret. Car l’heure n’est plus aux atermoiements angoissés ou aux bouffonneries salutaires qui, du modernisme au post-modernisme, ont cherché à rendre compte du désordre du monde et de l’éclatement de la conscience. Familiers de la catastrophe, les personnages qui peuplent le recueil bricolent leurs résolutions incertaines et autres épiphanies bancales, dans des nouvelles à la progression et à la perspective tout aussi fuyantes, où le langage fait néanmoins figure de perche fragile mais d’autant plus précieuse.
The Blurring of Frontiers in Arundhati Roy's The God of Small Things
Authors: Célérier-Vitasse Joëlle
Published: November 2019

Résumé Dans The God of Small Things , Arundhati Roy transgresse plus d’une frontière dans les domaines culturel, artistique et religieux. Il en résulte une toile de fond où le mythe s’insinue dans la réalité, où l’espace et le temps sont abolis, où le sacré fait son retour, l’ensemble conférant au roman une dimension opératique et universelle.
« If I can't dance I don't want to be part of your revolution » : désorientations
Authors: Regard Frédéric
Published: November 2019

Résumé Cette introduction s’efforce de dessiner les contours de la récente réorientation, ou plutôt de la récente « désorientation », des « études de genres ». Un rappel des apports décisifs de la théorie critique française poststructuraliste est suivi d’une évocation des avancées majeures de la pensée américaine contemporaine, au travers notamment des études queer .
Au-delà de la différence sexuelle : Orlando de Virginia Woolf et Seven Gothic Tales de Karen Blixen
Authors: Stistrup Jensen Merete
Published: November 2019

Résumé À travers une réécriture fantastique et parodique de l’Histoire, Orlando et Seven Gothic Tales soulignent les fictions du genre. L’article analyse en particulier les motifs queer que partagent les deux textes : travestissement, inversion des rôles, parodie du rite nuptial, et hétérosexualité perçue comme excentrique.
Homo-hetero-phony-graphy: on Quentin Tarantino's Pulp Fiction
Authors: Dutoit Thomas
Published: November 2019

Résumé Le film de Quentin Tarantino Pulp Fiction (1994) décrit des hommes ostensiblement virils travaillés par des désirs de trans-sexualité ou par la trans-sexualisation comme désir. Pulp Fiction renverse l’identité sexuelle en une altérité sexuelle, dépassant même la question de la sexualité, au moyen de multiples accessoires, procédés et transferts linguistiques destinés à mettre la différence sexuelle en images mouvantes.
« Strange things toward » (3.3.18-19) : King Lear, ou la perspective démembrée
Authors: Iselin Pierre
Published: November 2019

Résumé La question du grotesque dans King Lear a fait l’objet de plusieurs études, où la notion reçoit des définitions divergentes, voire contradictoires. La pièce paradoxale de Shakespeare, rebelle à la classification générique, fait défiler des « peintures fantasques », images verbales et scéniques du renversement, de la déformation, du démembrement et de l’hybride, qui échappent à l’interprétation univoque. Le grotesque y prolifère en sparagmos de la perspective.
But why do you write in hindi?
Authors: Montaut Annie
Published: November 2019

Résumé Écrire en hindi est souvent considéré comme un choix par défaut, car on soutient que l’anglais est à la fois une langue panindienne et un moyen d’expression plus prestigieux que les langues indiennes. On n’écrit en hindi, ou dans une langue indienne régionale, que si on n’est incapable d’écrire en anglais, ou pour des raisons nationalistes. Cet article déconstruit en premier lieu ces arguments, en faisant apparaître les causes historiques du prestige de l’anglais en Inde. Il montre ensuite les raisons positives qu’il peut y avoir à écrire en hindi, ou en une autre langue régionale, en relation avec la nature des cultures littéraires de l’Inde. Celles-ci ne sont pas gouvernées par un concept moderniste de la nation et de l’état, ni par une redéfinition postmoderne ou postcoloniale du champ littéraire.
Reflections on the Life of Samuel Taylor Coleridge
Authors: Moulin Joanny
Published: November 2019

Résumé L’histoire de la vie de Coleridge n’a que fort peu favorisé la réception de son œuvre, de son vivant comme aux yeux de la postérité. Trop souvent, ceux qui écrivent sur Coleridge cèdent à la tentation de dénigrer son caractère, puis tombent dans le regrettable travers d’une certaine condescendance, aussi infime soit-elle, à l’égard de ce qu’il a accompli. Cet article ne prétend pas être hagiographique, et encore moins entreprendre une défense évidemment superflue de Coleridge. Certes, l’homme n’était pas sans défauts. Mais Biographia Literaria fut à bien des égards une tentative réussie de se sauver par la littérature. Le génie particulier de Coleridge était avant tout d’une nature oratoire, qui devait beaucoup à la tradition britannique des prédicateurs laïques dissidents. Sa principale contribution à la littérature, outre un certain nombre de grands poèmes canoniques composés avec le talent éclairé d’un amateur au plus noble sens du terme, ne fut pas simplement une vulgarisation de la philosophie idéaliste allemande, mais consista délibérément en une réconciliation idéologique de la philosophie avec la religion, qui exerça une influence décisive sur l’histoire des idées.
Southey's Ballads Revisited
Authors: Raimond Jean
Published: November 2019

Résumé Cet article tente de réexaminer le statut poétique de Southey, figure du romantisme anglais dont on a longtemps fait trop peu de cas, en procédant à une réévaluation de ses ballades. L’attrait de ces poèmes « mineurs » repose, entre autres, sur la diversité des thèmes et des sujets traités. Préoccupations humanitaires, surnaturel et macabre, humour et comique sont les composantes de récits versifiés remarquables par le talent avec lequel l’auteur y relate des histoires simples qui révèlent de belles qualités en matière d’expression et de métrique. L’« inconscient du texte » mérite d’être exploré pour l’éclairage qu’il jette sur le psychisme de l’écrivain comme sur le rôle de l’imagination du poète dans le processus de création.
“White Paper” and “Cahiers Noirs”: Williams's many Ur-Memoirs
Authors: Bak John S.
Published: November 2019

Résumé Pourquoi Tennessee Williams a-t-il écrit Memoirs après avoir affirmé à plusieurs reprises qu’il n’écrirait jamais son autobiographie ? La réponse à cette question réside en partie dans les boîtes de manuscrits inédits rédigés entre les années 1960 et le milieu des années 1970 (et plus tard). Ces documents nous informent sur ses efforts pour enregistrer les événements de sa vie, annoncer son esthétique, et défendre son théâtre d’après 1961. Achevés ou, pour la plupart, fragmentés, ces nombreux «  Ur-Memoirs  » démontrent que Williams voulait écrire une autobiographie qui était aussi bien artistique qu’érudite. Malgré ses efforts, Williams n’a pas produit Memoirs , qu’il a vraisemblablement commencé à écrire une décennie trop tard.
Dionysus, Orpheus and the Androgyn: Myth in A Streetcar Named Desire
Authors: Roche-Lajtha Agnès
Published: November 2019

Résumé Cet article explore la dimension mythique d’une des pièces les plus célèbres de Tennessee Williams. La résurgence des mythes antiques et des archétypes qui caractérise Streetcar témoigne de la conviction maintes fois réaffirmée par l’auteur que la saturation symbolique de son œuvre dramatique puisait son inspiration dans l’inconscient collectif. Investi d’une portée universelle, le conflit qui dresse l’un contre l’autre les personnages principaux est celui de deux mythes rivaux entre lesquels oscille l’imaginaire williamsien. Alors que Stanley Kowalski incarne un avatar moderne du dieu primitif de la fertilité et de l’ivresse, la descente aux enfers de Blanche DuBois fait de cette dernière l’incarnation déchue d’un Orphée inconsolable et hanté par le remords. Troisième substrat de l’œuvre et source de l’art alchimique de Williams, le mythe de l’androgyne tend finalement à l’impossible réconciliation des contraires.
The Tragic Poetics of Tennessee Williams
Authors: Schvey Henry I.
Published: November 2019

Résumé Au cœur de l’œuvre de Tennessee Williams se trouve cette conscience de ce qu’on pourrait appeler une conception tragique de la vie. Bien que ses pièces répugnent à tout modèle théorique et que Williams ne convoque que rarement le terme de « tragédie » pour parler de son travail, l’ensemble de l’œuvre de Williams construit une poétique du tragique. Le présent article sollicite les textes sur le théâtre de Williams ainsi que les images de violence, d’auto-sacrifice et de martyre au centre de l’œuvre pour montrer comment l’œuvre de ce dramaturge prolixe, inégal et par-dessus tout tourmenté, permet de comprendre les contours du nouveau théâtre tragique qui s’écrit au XX e siècle.
« If you will write about it in rhyme » : Christina Rossetti et l'exercice du bout-rimé
Authors: Enjoubault Mélody
Published: November 2019

Résumé Les bouts-rimés de Christina Rossetti représentent une catégorie à part de son œuvre poétique : jamais publiés de son vivant, ces textes révèlent une écriture beaucoup plus fluide et spontanée qui résulte paradoxalement des contraintes imposées par la forme. Christina Rossetti se réapproprie en effet un exercice de style né dans la France aristocratique du xvii e  siècle et adopte son mode de composition inversé en lui ajoutant la contrainte temporelle du chronométrage. Malgré (grâce à ?) ce carcan formel, Christina Rossetti re-poétise une forme souvent considérée comme frivole et artificielle, en particulier grâce à la rime qui, bien que doublement attendue dans le bout-rimé, regagne son rôle historique de pivot sémantique et structurel.
Après l'âge d'or : le récit policier britannique contemporain entre nostalgie et hybridation
Authors: Lecercle Jean-Jacques
Published: November 2019

Résumé Que se passe-t-il lorsqu’un genre survit à son âge d’or ? En s’appuyant sur des romans contemporains et sur des séries télévisées britanniques (souvent inspirées de romans), on analyse la fiction policière britannique contemporaine sous les deux aspects de la répétition nostalgique et du pastiche, et de l’hybridation avec le roman noir. Où il apparaît que si la fiction policière de l’âge d’or peut s’analyser en termes d’empirisme, la fiction contemporaine relève à la fois d’un hyper-empirisme technologique et d’un retour du platonisme, et que les concepts les plus adéquats pour en rendre compte pourraient bien se trouver chez le Lukács de la Théorie du roman .
« If you like, we play detective » : intrigues en souffrance chez Peter Ackroyd, Martin Amis et Kazuo Ishiguro
Authors: Ganteau Jean-Michel
Published: November 2019

Résumé Ce qui rapproche des ouvrages aussi disparates que Hawksmoor de Peter Ackroyd, Night Train de Martin Amis et When We Were Orphans de Kazuo Ishiguro est la mise en scène de détectives « en souffrance » : qu’il s’agisse des deux protagonistes ackroydiens, de la narratrice mélancolique de Night Train , ou encore du narrateur répétant les hésitations d’un passé qu’il achoppe à se remémorer chez Ishiguro, les figures de détectives ne cessent de convoquer celle du trauma, de l’événement en souffrance, et d’un passé inassimilable, lequel ne parvient pas à, précisément, passer. Dans ces récits, le trou du trauma réinvestit l’ellipse de l’intrigue traditionnelle et exacerbe la quête en processus tout entier ordonné à une inépuisable répétition. Les figures de détectives signalent que l’enflure infinie de l’intrigue est symptôme du vide. Récits de l’impossibilité de narrer, de la faillite de l’entendement, et de la hantise, les romans policiers font le lit d’un réalisme traumatique qui scelle la vulnérabilité ordinaire du sujet contemporain.
“Colonel mustard, in the billiard room, with the revolver”: Jonathan Coe's What a Carve Up! as a postmodern whodunit
Authors: Guignery Vanessa
Published: November 2019

Résumé Cet article propose de confronter les principes du roman policier à ceux du postmodernisme dans What a Carve Up! (1994) de Jonathan Coe, et de se concentrer plus particulièrement sur l’une des principales idées reçues communes aux deux domaines, à savoir qu’ils reposent essentiellement sur le jeu, soit par la résolution d’une énigme soit par le biais de la parodie ou du pastiche, et sont par conséquent imperméables aux enjeux politiques et aux affects. L’analyse de What a Carve Up! montrera à quel point le roman use et abuse des codes et conventions du roman policier de façon ludique et déploie certaines des caractéristiques du postmodernisme (préoccupations épistémologiques et ontologiques, jeux narratifs, auto-réflexivité), si bien qu’on peut le considérer comme un exemple de roman de détection métafictionnel. Dans le même temps toutefois, le roman propose une satire des maux sociaux et économiques de la société britannique durant les années Thatcher et met au jour des crimes collectifs en série commis durant cette période. Le roman dépasse par conséquent l’espace clos et les crimes individuels du roman de détection classique, mais aussi la dimension prétendument strictement ludique et narcissique du postmodernisme, pour poser des questions d’ordre politique, social, éthique et émotionnel.
The Havisham Affair or the Afterlife of a Memorable Fixture
Authors: Letissier Georges
Published: November 2019

Résumé Longtemps après leur première apparition dans les romans, les personnages de Dickens semblent avoir acquis une vie en propre. Le nom de Miss Havisham, la recluse de Satis House, est probablement connu de beaucoup de gens qui n’ont peut-être jamais lu Les Grandes espérances . Cet article s’intéresse à la postérité d’un personnage qui dans ses réapparitions contemporaines va bien au-delà des idées reçues que l’on pourrait avoir le concernant. Il démontre que les différents discours que les personnages du roman tiennent sur Miss Havisham dans le roman de Dickens peuvent servir de points de départ pour explorer tout ce qu’il advient d’elle aujourd’hui dans la poésie, le roman plus ou moins grand public et, dans une moindre mesure, le cinéma. Deux directions principales se dégagent pour finir, la première fait un sort à la question de l’ambivalence de l’identité féminine que le personnage porte, principalement à travers sa relation avec Estella, la deuxième met en avant le personnage comme signifiant textuel, ou enfin comme aventurière transtextuelle chez Jasper Fforde.
De l'impatience à l'obstination : le « talent » de Wordsworth
Authors: Durisotti Maxime
Published: November 2019

Résumé En prenant comme point de départ l’angoisse ressentie par le poète devant son incapacité à assumer ses ambitions poétiques, telle qu’il la formule au milieu du Livre I du Prélude , cet article cherche à identifier les causes de ce malaise. Cette attestation de stérilité indique à la fois le caractère impatient du poète et sa soumission à une représentation erronée de la poésie. L’anamnèse qu’il entreprend ensuite lui révèle le sens de sa vocation : recueillir en poésie les émotions de l’enfance afin de révéler la dimension universelle des expériences naturelles et l’évolution morale dont elles sont la source. La vision de la poésie, révélatrice de l’investissement moral, se substitue à une lecture strictement financière de la Parabole des talents, qui voit sa portée spirituelle ainsi soutenue. L’étude finit par évoquer l’abandon de l’enthousiasme trompeur des débuts, exprimé dans « Elegiac Stanzas » et « Ode to Duty », deux poèmes qui amorcent un tournant éthique inédit.
Henry David Thoreau et l'intraduisible du réel
Authors: Specq François
Published: November 2019

Résumé Loin de se réduire à une contemplation amusée ou à des fantaisies verbales sur le déroulement des saisons, la dernière partie de Walden formule avec vigueur les grandes tensions caractéristiques de notre modernité, où l’aspiration à la connaissance scientifique, le désir d’exploitation économique et la recherche d’un plaisir esthétique ont atteint une intensité sans précédent. Thoreau cherche ici à saisir et à redéfinir le rapport de l’homme au monde au vu du triomphe de la modernité scientifique et économique. Il entendait ainsi engager ses lecteurs à réfléchir aux divers modes de relation de l’homme au monde matériel, afin d’inventer un nouvel équilibre, dans lequel une forme de révérence ou de respect ferait contrepoids au désir de domination. Sa mise en question de nos modes ordinaires de relation au monde invoque et étaye une conception du « sauvage » qui n’est pas strictement topographique (un monde à part) mais intellectuelle — une frontière mentale, au cœur de notre existence, conçue comme la nécessaire et fructueuse interrogation de ce que nous considérons comme proprement humain. Orchestrant son récit de manière à souligner sa mise à distance de deux modes ordinaires de « traduction » du réel (la connaissance scientifique et l’exploitation économique), Thoreau manifeste que son plaidoyer en faveur de la nature sauvage prend appui sur une préoccupation plus large pour le caractère intraduisible du réel.
Rockaby/Berceuse ou le désir du Verbe
Authors: Frossard Jean-Baptiste
Published: November 2019

Dans Berceuse , Samuel Beckett pose les bases d’un lyrisme nouveau, qui interroge les conditions de possibilité de la représentation théâtrale. L’article propose une étude précise des modalités de construction du texte, qui, au gré d’un double principe de répétition en forme de litanie et d’agrégation progressive des différents syntagmes, parvient à résister à la fragilité de la mémoire et à l’instabilité du sujet. Loin de signaler l’échec du langage, la répétition en constitue ici la célébration, et pose les bases d’un lyrisme sans sujet et sans destinataire, qui transforme le drame en cérémonie poétique. Il s’agira dès lors de comprendre dans quelle mesure la pièce, tiraillée entre les deux pôles génériques du récit et de la poésie, peut encore appartenir au genre dramatique, et si la cérémonie qui s’y déroule ne constitue pas précisément un avènement progressif, et difficile, à l’existence théâtrale.
“Those Fabulous Dragons Teeth”: invented beginnings, lost causes and new beginnings in John Toland's Amyntor (1699)
Authors: Lurbe Pierre
Published: November 2019

Résumé Dans les années 1690, le touche-à-tout irlandais John Toland (1670-1722) joua un rôle décisif dans la publication d’un certain nombre d’œuvres républicaines du milieu du siècle. Ce faisant, il fut conduit à mettre en doute l’authenticité du canon scripturaire, mais aussi d’ Eikon Basilike : selon lui, il s’agissait dans les deux cas d’un exemple flagrant du type même d’origine fictive que l’on fabrique pour appuyer une cause victorieuse, aussi douteuse qu’elle soit, et pour précipiter dans l’oubli la cause des vaincus. Toutefois, le succès même d’ Eikon Basilike venait démontrer que la puissance de la parole écrite était d’une valeur inestimable pour permettre à une cause apparemment perdue de renaître. La leçon ne fut pas perdue pour Toland, dont le travail éditorial visait à rendre vie à ces causes perdues qu’étaient d’une part les variétés hétérodoxes du christianisme primitif, et d’autre part le républicanisme anglais.
Beginning as a Poet: Pope vs. Swift
Authors: Richetti John
Published: November 2019

Résumé Cet article examine les débuts très différents des carrières poétiques d’Alexander Pope et de Jonathan Swift — plus particulièrement l’image qu’ils projetèrent alors qu’ils étaient jeunes poètes ainsi que le rapport à la tradition littéraire et à l’orthodoxie néo-classique que dessine leur œuvre. Dès le début de sa carrière de poète précoce Pope, très attentif à la publication de ses œuvres, veut se poser en auteur canonique. Au contraire, les premiers pas de Swift dans l’écriture poétique sont erratiques et incertains ; lorsqu’il trouve une voix et un style, son écriture est toujours polymorphe, ses œuvres surgissant à l’occasion d’événements particuliers. Sa poésie se rapproche de la culture littéraire populaire, voire démotique, dans laquelle elle trouve ses racines ; de plus, elle se caractérise par la négation ou le rejet de l’orthodoxie néo-classique.
Race and nobility in the works of Johann Reinhold and Georg Forster
Authors: McInerney Timothy
Published: November 2019

Résumé Cet article examine les théories « raciales » de Johann Reinhold Forster et de son fils Georg, tous deux naturalistes et membres de la Royal Society. En 1778, ils avancèrent une idée extraordinaire : la couleur de la peau et les caractéristiques physiques des hommes étaient directement liées au rang social. S’appuyant sur la méthode empirique de Carl von Linné, Johann Reinhold soutenait que le mode de vie « civilisé » de la noblesse tahitienne la rendait physiquement similaire aux Européens, tandis que les classes inférieures avaient dégénéré, se transformant en une « race » inférieure, plus sombre ; quant à son fils Georg, il maintenait que cette même dégénérescence raciale résultait d’une inégalité sociale de type européen. Les deux théoriciens appliquèrent leur vision racialisée des différences de rang social au contexte européen, leur recherche constituant un étape curieuse mais cruciale de l’émergence du racisme dans le monde anglophone. Cet article explore ainsi les liens entre rang et race au XVIII e siècle et, au premier chef, la tradition européenne de la noblesse héréditaire et du sang bleu.
A cruel spoon in context: cutlery and conviviality in late medieval literature
Authors: Viereck Gibbs Kamath Stephanie A.
Published: November 2019

Résumé Cet article, à partir des « groupes d’honneur » définis par Derek Brewer, examine comment, dans la littérature française et anglaise de la fin du Moyen Âge, l’usage de la cuillère articule les notions de communauté et d’individualisme. La cuillère, dans le Pèlerinage de vie humaine de Guillaume de Digulleville, représente la dissolution de la communauté monastique idéale — ce que Lydgate traduit en 1426 par une « cruelle cuillère », en raison de sa « singularité ». Chez Chaucer, les cuillères menacent la cohésion sociale : les deux pèlerins des Contes de Canterbury qui mentionnent ces coûteux et désirables objets sont le Vendeur d’indulgences et Alison de Bath, deux champions de l’individualisme.
“Lives of the Poets”: poetry and biography
Authors: Moulin Joanny
Published: November 2019

En partant du constat que la poésie et la biographie ont simultanément subi un relatif déclin au cours du siècle précédent, cet article propose d’examiner certaines des causes de ce double phénomène d’histoire littéraire. Outre les raisons idéologiques, souvent évoquées, qui ont soutenu une théorie littéraire qui s’est fait une doctrine de tourner radicalement le dos aux approches biographiques du XIX e  siècle, cet essai s’intéresse au fait que des poètes eux-mêmes ont contribué à promouvoir ce dogme de l’impersonnalité, qui s’est développé surtout dans la critique universitaire américaine et française, et pourrait bien avoir sérieusement déraciné la poésie même. Cette étude diachronique vise à repenser les approches biographiques de la poésie et de la littérature, comme moyen de renouveler les échanges entre la science de la littérature et les autres disciplines scientifiques.
Iain Crichton Smith's A Life : the poeisis of a self in “differance”
Authors: Noirard Stéphanie
Published: November 2019

Après un rappel théorique visant à mettre en valeur les principales études liées à l’autobiographie et aux débats sur l’autobiographique en poésie, cet article se consacre à une lecture chronologique et synchronique de A Life du poète écossais Iain Crichton Smith (1928-1998). Dans un premier temps, il prend la mesure du biographique pour différencier ensuite la vie de l’homme de celle du poète et en apprécier la part prise au sein des poèmes avant de considérer le recueil comme l’histoire d’une écriture poétique. Il s’appuie sur les théories derridiennes de différance et de limite pour conclure à un biographique en caléidoscope facilité par le geste poétique.
Autobiography or case study? Rethinking Ciaran Carson's poetry in the light of hypermnesia
Authors: Bonafous-Murat Carle
Published: November 2019

Les recherches les plus récentes concernant l’œuvre de Ciaran Carson visent à mettre en lumière les déterminations culturelles, géopolitiques et historiques de sa « poétique des lieux ». Des modèles tels que l’ aisling ou le dinnseanchas ont ainsi été proposés pour justifier son ancrage dans une tradition spécifiquement irlandaise ou nord-irlandaise. S’appuyant sur trois recueils successifs — Belfast Confetti (1989), The Star Factory (1997) et The Pen Friend (2009) — cet article entend au contraire situer la question de l’autobiographie dans un contexte plus large. La poésie de Carson navigue en effet constamment dans un entre-deux spatial qui plonge aussi bien ses racines dans le modèle wordsworthien du Prelude , où l’espace rural ne présente guère de traits distinctifs, que dans la poésie anglaise urbaine postérieure à 1945, qui inscrit les figurations du moi dans des lieux aux coordonnées précises. L’objectif est de démontrer que les recueils de Carson, comme autant d’études de cas médicaux sur l’hypermnésie, procèdent d’un réseau limité de rues et de quartiers que les textes ressassent de manière obsessionnelle, jusqu’à créer une impression de continuité qui s’apparente à une poésie de type autobiographique.
Clothing the debate: textiles, text-isles and the economy of gift-giving in four Middle English Breton lays
Authors: Vial Claire
Published: November 2019

Pièces d’étoffes, vêtements, éléments du costume chevaleresque... sont dotés d’une fonction structurante majeure dans les lais bretons en moyen-anglais. Sous la forme de motifs poétiques itératifs ou de pauses descriptives singulières, ces îlots textuels récurrents participent de l’esthétique en spirale caractéristique des lais anglais, qu’ils enrichissent de problématiques qui leur sont propres, liées au développement des personnages et de l’intrigue, à l’affichage du statut social et aux effets de théâtralité.
“Nothing of what is writ” (4.2.199): silenced texts in Measure for Measure
Authors: Lagae-Devoldère Denis
Published: November 2019

En s’intéressant à un aspect souvent négligé par la critique, cet article propose une analyse détaillée de la trajectoire des messages écrits dans Measure for Measure . Il examine les conséquences dramatiques et politiques de l’activité d’écriture frénétique, notamment celle du Duc Vincentio, producteur de textes à la fois vrais et faux, lus ou tus, à suivre à la lettre ou à lire à l’envers. On verra ainsi comment Shakespeare utilise la chose écrite et l’événement d’écriture pour en faire un signifiant dramatique qui est bien plus qu’un procédé : par-delà les notions d’autorité et d’auctorialité ainsi mises à mal, les textes de Measure for Measure interrogent le concept de connaissance et celui de vérité, explicitement décliné dans sa version plurielle, et invitent les personnages comme les spectateurs à un acte de foi dramatique.
The dramatic import of letters within letters in Frances Burney's Evelina (1778)
Authors: Leduc Guyonne
Published: November 2019

Les lettres dans les lettres, pourtant assez nombreuses dans ce roman épistolaire, n’ont pas retenu l’attention, ce qui peut paraître étonnant pour quiconque étudie Evelina . Pourtant, une lecture minutieuse de ces lettres dans les lettres, qui semblent passer inaperçues dans un roman où la vue est le plus important des cinq sens et où l’interprétation (erronée) des signes est centrale, s’avère fructueuse, ne serait-ce que du point de vue dramatique. En effet, quelques-unes de ces lettres (incluses, recopiées, mentionnées, commentées, etc.) dans les lettres collationnées par l’« éditeur » déclenchent, non seulement l’un des deux intrigues (la quête du nom et de l’identité, au moins sociale, d’Evelina), mais aussi des changements géographiques, des tournants dans les deux intrigues (la seconde étant l’intrigue amoureuse), un épisode comique, etc. Si certaines déçoivent les attentes du lecteur, toutes permettent d’aborder l’une des questions-clés traitées dans le roman.
Le corps créole, fonction de la relation dans Drums and Colours de Derek Walcott
Authors: Allen Jason
Published: November 2019

En s’appuyant sur les écrits d’Édouard Glissant, et sur sa « poétique de la Relation », cet article postule que la corporalité du personnage créole, constituant le cœur même de la signification de l’œuvre théâtrale Drums and Colours de Derek Walcott, participe de la construction d’un espace à la fois discursif et esthétique à partir des données de la colonisation : c’est dans un tel espace que sont constitués le lien et la relation de l’être caribéen avec l’Autre. Par ailleurs, la construction de l’espace chez Walcott suppose une confrontation avec les inscriptions mnésiques liées à la disparation ontologique des corps dans le « gouffre » de la Traite transatlantique mais aussi, à terme, une sublimation de cette mémoire par la revendication d’une esthétique de la Relation, résultante de cette fréquentation du Gouffre.
A United Kingdom? Ireland, the Union, and Government Responses to the Great Famine
Authors: Gillissen Christophe
Published: November 2019

L’Union entre la Grande-Bretagne et l’Irlande, votée en 1800, ne prit jamais véritablement racine en Irlande, dont la réalité sociale était difficile à réconcilier avec le caractère protestant et impérial du Royaume-Uni. La politique menée par le gouvernement pendant la Grande famine de 1845-1851 contribua de manière significative à saper la légitimité de l’Etat britannique en Irlande. En effet, à quelques exceptions près, les ministres britanniques refusèrent d’étendre le principe de la solidarité nationale à l’île voisine, estimant que la catastrophe était avant tout un enjeu régional, dont les Irlandais étaient seuls responsables. Du point de vue irlandais, cette attitude fut perçue comme une rupture du contrat de 1800, ouvrant la voie à la fin de l’Union quelques décennies plus tard.
Tales from the Pigeon-Hole: James Kelman’s Migrant Voices
Authors: Manfredi Camille
Published: November 2019

Cet article se propose d’éclairer le traitement des motifs de la liminalité et de l’identité culturelle à travers les dynamiques de décentrement, dislocation et délocalisation dans les récents romans de James Kelman, You Have to be Careful in the Land of the Free (2004), Kieron Smith, Boy (2008) et Mo Said She Was Quirky (2012). En gardant à l’esprit l’intérêt de Kelman pour le potentiel subversif de l’entre-deux, cet article analyse les stratégies de préservation et de transformation de soi développées par les narrateurs. Elles permettront d’éclairer la tâche qui, selon Kelman, revient à l’auteur écossais contemporain dans le contexte à la fois du postcolonial et de nos sociétés mondialisées.
Whither Postmodernism? Four Tentative Neo-Victorian Answers
Authors: Gutleben Christian
Published: November 2019

Cet article se propose d’examiner dans quelle mesure la fiction néo-victorienne récente illustre la tentative de la fiction du vingt-et-unième siècle d’explorer de nouvelles possibilités romanesques. En prenant comme exemples Cloud Atlas de David Mitchell (2004), The Long Song d’Andrea Levy (2010), The Crimson Petal and the White de Michel Faber (2002) et The Palace of Curiosities de Rosie Garland (2013), nous soutiendrons que le néo-victorianisme élargit le spectre du postmodernisme en concevant une cosmopoétique où se mêlent référentialité et esthétique mondialisées, en imaginant d’autres formes d’historiographie fictionnelle, en remettant en cause diverses formes d’orthodoxie et en s’interrogeant sur les limites de l’humain. Bien que le roman du nouveau millénaire suggère des variations et des évolutions par rapport à la métafiction historiographique de la fin du vingtième siècle, on ne peut cependant pas considérer qu’il renonce au postmodernisme.
Letters and Letter-Writing in Jane Austen’s Sense and Sensibility (1811)
Authors: Leduc Guyonne
Published: November 2019

Même si Jane Austen ridiculise souvent des conventions littéraires répandues au dix-huitième siècle, il se peut qu’elle ait d’abord rédigé Sense and Sensibility sous forme d’un roman épistolaire intitulé « Elinor and Marianne ». L’utilisation austenienne de la lettre se trouve en tant que « vestiges » (Page 168) dans la version finale du roman, publiée en 1811. Si vingt-six lettres apparaissent, pas moins de quarante-trois missives ou notes sont mentionnées. On envisagera d’abord l’aspect matériel des lettres et de leur écriture (depuis l’acte scripturaire jusqu’à l’envoi et à la réception de lettres). Sera ensuite examinée l’utilisation de l’épistolarité en tant qu’outil dramatique, puis dans l’art du portrait. La conclusion s’attachera à d’éventuelles traces d’épistolarité en dépit de l’ultime choix austenien de recourir à la narration à la troisième personne plutôt qu’au discours direct du roman épistolaire.
Modernity in Yeats’s Theatre: towards a “Poetic Monodrama” Model
Authors: Longuenesse Pierre
Published: November 2019

Le théâtre de Yeats est dès le début caractérisé par une dramaturgie qui n’est qu’en apparence respectueuse des règles classiques. Au dialogue au sens strict se substituent de multiples formes de dialogismes à l’intérieur d’une parole poétique, souvent solitaire ou au contraire chorale, fréquemment chantée ou psalmodiée. Par ailleurs, en s’inspirant du Nô, Yeats construit un « théâtre d’images » par une association subtile entre parole lyrique ou narrative et visions faites de pantomime, masque, musique, et danse : c’est une pluridisciplinarité assumée qui le fait se tourner vers musiciens et danseurs. En somme, le poète rattrape l’homme de théâtre, l’homme de théâtre déplace le poète. Ainsi, les expériences théâtrales de Yeats sont le symptôme d’une évolution audacieuse qui projette le poète dans le modernisme, et l’adosse à de nombreuses problématiques contemporaines du théâtre et des arts.
“Your Bones Shall Never Rest Easy”: the Cultural Politics of Yeats’s Body (of Writing)
Authors: Drumond Viana Maria Rita
Published: November 2019

Métonymie de l’auteur, le corps de Yeats renvoie à la fois à sa réalité corporelle et à sa présence textuelle comme corpus. Ce texte s’intéresse à la façon dont ce corps sémantiquement chargé figure dans la culture populaire et littéraire depuis le moment de sa mort, et aux présupposés qu’impliquent les modalités de cette présence. Partant de la controverse sur la dépouille enterrée dans le cimetière de Drumcliff, il retrace les efforts de ceux qui tentent de reconstituer, à la façon de Frankenstein, un corpus yeatsien monumental et unifié.
Decolonizing Performance Research
Authors: Magnat Virginie
Published: November 2019

Cet article étudie les potentialités et les limites du paradigme anglo-américain de la performance. Il analyse les implications épistémologiques et méthodologiques du “performance turn” en sciences sociales, et prend en compte la critique que font les chercheurs indigènes des systèmes de connaissance occidentaux qui privilégient, marque d’impérialisme culturel, la pensée binaire et le dualisme entre l’ esprit et le corps . L’insistance sur la dimension politique fait écho aux concepts d’archive et de répertoire, de traces matérielles et de performance non-écrite, tels qu’ils sont définis par Diana Taylor, montrant les présupposés sociaux et culturels à l’œuvre derrière l’apparente neutralité de l’archive.
“In theatre, as in love, the subject is disappearance”. On Absence and Archival Logic in Performance
Authors: Manninen Saini
Published: November 2019

Cet article aborde l’absence comme concept théorique central aux performance studies. Selon un courant de pensée influent en performance studies , « la performance n’existe que dans le présent » (Phelan 146). Mais la performance est toujours passagère et éphémère : la performance s’absente une fois terminée. Cet article étudie ce qui reste, et aborde la question de l’archive, de la documentation et de la performance à l’aide de deux études de cas. La première relève du performance art, les Connotations — Performance Images (1994-1998) de Hayley Newman, recueil de photographies prises sur une période d’une semaine en 1998 mais présentées comme les archives de quatre ans de carrière d’une artiste. Ces images constituent la performance d’un « faux » témoignant de performances qui n’eurent jamais lieu. L’étude met ensuite en regard le travail de Newman avec le film de Bill Morrison Decasia (2002). Ce film a été monté à l’aide de fragments détériorés de film orphelin sur pellicule au nitrate trouvés dans des archives anciennes (l’expression « film orphelin » désigne des œuvres abandonnées par leurs propriétaires ou ayant-droits). Le film se présente comme une disparition et surtout comme une performance de l’absence. Il met à mal certains discours sur l’absence et l’oblitération en performance studies en réutilisant une matière en désagrégation. L’article montre comment ces œuvres au format archivable se révèlent utiles à l’étude de la notion d’absence et de disparition en performance. Il défend l’idée que penser l’archive et l’absence à l’aide de ces « énergies mutuellement perturbatrices » (Schneider 15), où les morts ne sont pas complètement morts, ou les vivants pas complètement vivants, met en cause la logique d’archivage de la modernité et laisse place à des restes mimétiques.
Vehicular Cosmopolitanism: The Car in Bernardine Evaristo’s Soul Tourists
Authors: Saroukhani Henghameh
Published: November 2019

La sensibilité cinesthésique des discours récents sur le cosmopolitisme a eu tendance à universaliser et à abstraire les représentations de l’interconnectivité globale. La matérialité de la culture — entendue ici comme forme d’échange culturel médiée par les objets — a été négligée, tandis que l’attention critique se portait vers des modes d’être hybrides et vernaculaires. Le roman Soul Tourists de Bernardine Evaristo (2005), mêlé de prose et de vers, permet d’esquisser une redéfinition du cosmopolitisme en tant que praxis littéraire spécifique, tenant compte de la portée significative de la vie matérielle. À travers la présence obsédante dans le roman des voitures et de la mobilité — de l’auto-mobilité —, on s’interrogera sur la façon dont le texte accumule des connexions transculturelles et transmatérielles qui mettent en jeu la conception prédominante du cosmopolitisme comme subjectivité hybride. Si l’on a pu louer, dans Soul Tourists , la capacité de l’auteur à réinventer dans un sens progressiste la Grande-Bretagne noire dans un contexte noir européen, le roman n’a pas encore suscité de véritable débat sur l’existence d’objets, devenus produits de consommation, qui, telle la voiture, reconfigurent les tactiques politisées de l’appartenance. Il me semble qu’une telle réflexion autorise un déplacement phénoménologique crucial, en vertu duquel les images, les odeurs, les sons des objets en mouvement révèlent des relations extra-nationales inattendues entre les corps et les formes inanimées. Le cosmopolitisme véhiculaire de Soul Tourists fait de la voiture une poiesis , de manière à venir ébranler les postulats humanistes du cosmopolitisme vernaculaire.
“Cleane cutte of[f]:” Circumcision and Identity in Early Modern English Barbary Captivity Narratives
Authors: Keady Marion Ann
Published: November 2019

L’expérience chrétienne de la captivité dans les États barbaresques d’Afrique du Nord constituait l’un des cas les plus radicaux de rencontre culturelle pendant la première modernité. Comme l’a fait observer Nabil Matar, « c’était la seule rencontre avec un peuple non-européen qui non seulement réduisait [des chrétiens] en esclavage, mais encore les détournait de leur histoire et de leur religion » (Matar 1996, 194-95). On pouvait « se faire Turc » –– selon l’expression consacrée pour désigner la conversion à l’islam –– pour diverses raisons, dont la captivité est la plus saillante. Des critiques comme Matar, Robert Davis, Daniel Viktus ou Linda Colley, entre autres, ont raconté cette histoire dans des perspectives historiques et littéraires variées, offrant à cette fin de nouveaux aperçus en termes de conflits religieux, d’identité nationale, et de représentations théâtrales. Le présent article envisage les manières dont l’évocation de la captivité et de la conversion se concentre sur la violation physique du corps chrétien, en particulier sur la peur et les soupçons engendrés par la menace de la circoncision chez les captifs masculins.
Travel Writing and Ideas of Race in Highland Scotland: James Macpherson’s Ossian Poems (1760-65) and Samuel Johnson’s Journey to the Western Islands of Scotland (1775)
Authors: McInerney Timothy
Published: November 2019

Cet article compare deux textes de James Macpherson et de Samuel Johnson. Les récits de voyage dans les Highlands d’Écosse, notamment Journey to the Western Islands of Scotland (1775) de Samuel Johnson, sont considérés comme une réponse à la tradition ossianique, issue d’une série de poèmes de James Macpherson publiée à partir de 1760. L’article met en exergue l’influence des traditions de l’élitisme héréditaire dans l’idée d’un sang pur écossais. Il se poursuit en interrogeant les multiples images des Écossais gaéliques comme « race » distincte en Grande-Bretagne.
What is a Collector? From the Giants of Collecting to Small Amateurs: their Respective Contributions to Victorian Collections of Islamic Art
Authors: Gadoin Isabelle
Published: November 2019

Cet article étudie la réception de l’art islamique, et en particulier persan, dans l’Angleterre du dix-neuvième siècle. Si l’Orientalisme a souvent été abordé dans ses formes d’expression idéologiques, littéraires, ou picturales, ses manifestations à travers la culture matérielle en revanche ont moins retenu l’attention — du moins jusqu’aux développements les plus récents de l’historiographie et de la recherche muséographique, qui commencent à retracer les premières étapes de la constitution de vastes collections nationales d’art oriental. Cet article poursuit les mêmes interrogations mais en se concentrant sur les collections privées, qui nous en disent sans doute plus sur les motivations et les goûts individuels, la logique d’acquisition des objets, et les petits cercles d’amateurs dans lesquels s’échangeaient idées et œuvres d’art. L’article passe en revue certaines des difficultés méthodologiques d’une telle recherche, avant de présenter une typologie générale des divers « profils » de collectionneurs d’art islamique, depuis les « connaisseurs » les plus en vue jusqu’aux amateurs plus modestes, possédant seulement quelques beaux objets, mais dont les « histoires connectées » permettent de recréer certains des réseaux artistiques et sociaux dans lesquels se diffusa le goût oriental. Un événement particulier, la première exposition d’« art arabe et persan » organisée à Londres en 1885, sert à illustrer tout le parti qui peut être tiré d’une telle approche.
“Alternative Ulster”: The First Wave of Punk in Northern Ireland (1976-1983)
Authors: Heron Timothy A.
Published: November 2019

On associe davantage l’Irlande du Nord des années 1970 au conflit et aux tensions intercommunautaires qu’à l’effervescence de sa culture populaire. Pourtant, pendant les années 1976-1983, l’Irlande du Nord fut le berceau d’une scène punk foisonnante. Ce phénomène musical et culturel inédit n’encouragea pas seulement les jeunes protestants et catholiques à mettre de côté, temporairement, leurs différences politiques et religieuses, à une époque où les interactions intercommunautaires étaient peu fréquentes ; il donna une voix aux jeunes qui choisirent de participer à cette scène et leur permit d’explorer, à travers la chanson, une grande diversité de thématiques qui, jusque-là, avaient été rarement abordées dans la musique populaire.
Geoffrey Hill and the Rack of the Sonnet
Authors: Lyon John
Published: November 2019

Cet article analyse la forme du sonnet si prisée par Hill dans ses premiers recueils, tels qu’on les trouve dans Broken Hierarchies . La forme du sonnet est considérée en rapport avec des sonnets de Shakespeare et de Ben Jonson, ce dernier ayant compris que les contraintes de la forme la rendaient trop ample ou trop concise. Cette perspective est également adoptée pour des sonnets de poètes comme Tennyson, Keats, Eliot et Muldoon.
“Singular Crystal and the Remotest Things”: The Botany of Worcestershire and Geoffrey Hill’s Canaan
Authors: Behrman de Sinéty Peter
Published: November 2019

À partir du recueil Canaan , cet essai examine la façon dont Geoffrey Hill utilise The Botany of Worcestershire (1909) de John Amphlett et Carleton Rea dans ses poèmes sur le paysage anglais. L’ouvrage d’Amphlett et de Rea sur la flore du comté natal de Geoffrey Hill fournit, dans le recueil Canaan , non seulement l’épigraphe du poème « Sorrel », mais également une clé d’interprétation pour les métaphores botaniques dans l’ensemble de ce volume et de ceux qui étaient à suivre. Reconstituant, pour la première fois, la trace des lectures que Hill fait d’Amphlett et de Rea, cet article montre la spécificité des métaphores botaniques de Geoffrey Hill et démontre comment cette conscience des détails infimes soutient un des liens principaux de son œuvre : le lien entre vision, en tant que « révélation », et vision, en tant que perception. Une telle juxtaposition de vision idéale et de vue particulière se retrouve tout au long du recueil Canaan , lorsque Hill projette des mythes bibliques sur l’Europe du vingtième siècle, ou des défaillances individuelles et nationales sur des scènes du paysage anglais. Les nombreuses oppositions dans ces poèmes — entre « justice » et « équité(s) », entre « astre » et « aster », entre « sorrel » et « sorrow » — se déploient dans ce cadre. Analysant ces oppositions à la lumière des écrits de Hill sur la paronomase, cet article reconstitue la façon dont Hill négocie un accord entre la résistance des mots et les exigences de la vision.
“What trust is in these times?” Thinking the Secular State with “the colour of religion” in Shakespeare’s 2 Henry IV
Authors: Cottegnies Line
Published: November 2019

Cet article s’intéresse à l’idée, obstinément répétée dans la seconde tétralogie, de l’impossibilité de refonder la confiance dans l’ordre politique après le “péché” originel de la déposition de Richard II par Bolingbroke — la confiance étant définie dans le sens que lui donne Georg Simmel de possibilité d’investir dans un avenir dont on peut espérer qu’il sera une continuation du présent. 2 Henry IV met en scène une société féodale à l’aube de la modernité et présente un moment aigu de l’aporie de la confiance dans la sphère politique. La pièce pose à la fois la nécessité de la foi pour établir une forme stable d’ordre et l’impossiblité de garantir une telle foi sur des bases solides. Bien qu’il soit toujours impossible de savoir avec certitude si Shakespeare avait lu Machiavel, on a souvent noté que l’œuvre du dramaturge comporte de curieux échos du Prince . Mais ce qui semble être passé inaperçu, c’est que le traité de Machiavel offre précisément une analyse particulièrement pertinente du problème de la refondation de la foi politique, proposant une série de recommandations pour suturer la crise de la confiance dans les “nouvelles” principautés. Cet article propose d’analyser les manifestations de la crise de la confiance et sa résolution problématique dans 2 Henry IV à partir d’une relecture de ce passage de Machiavel.