bluuebunny/crossref_metadata_2025 huggingface dataset:
The theme of the city in the creative work of M.V. Dobuzhinsky (1875 – 1957)
Authors: Филиппова Ольга Николаевна
Published: July 2021

Мстислав Валерианович Добужинский (1875–1957) относится к художникам, творчество которых принадлежит как русской, так и мировой культуре. Он родился и жил в России, затем в Литве, Америке, многие годы провел в европейских странах – Англии, Франции, Италии. Испытав влияние различных художественных школ и направлений, творчество М.В. Добужинского тем не менее сохраняет цельность, в основе которой лежит верность русской культуре – ее темам и художественным принципам, сложившимся в начале XX века в «Мире искусства». Своеобразный творческий метод М.В. Добужинского складывается в жанре городского пейзажа. Тот факт, что в ретроспективных картинах мирискусников главным лирическим героем оказывается пейзаж, чаще всего архитектурный по характеру, видимо повлиял и на возникновение в творчестве М.В. Добужинского темы города – памятника культуры. В отличие от своих друзей художник остается равнодушен к изображению архитектуры в ретроспективных картинах, предпочитая показывать жизнь прошлого в современности.

Mstislav Valerianovich Dobuzhinsky (1875 – 1957) refers to the artists whose work belongs to both the Russian and world culture. He was born and lived in Russia, then in Lithuania, America, spent many years in European countries – England, France, Italy. Having experienced the influence of various art schools and trends, the work of M. V. Dobuzhinsky nevertheless retains integrity, which is based on loyalty to Russian culture – its themes and artistic principles established in the early XX century in the «World of art». A kind of creative method of M. V. Dobuzhinsky is in the genre of the urban landscape. As in the retrospective paintings of the members of the main lyrical hero is the landscape, often architectural in character, it seems to have affected the appearance in the works of M. V. Dobuzhinsky themes of the city – cultural monument. Unlike his friends, the artist remains indifferent to the image of architecture in retrospect paintings, preferring to show the life of the past in modern times.
Collection of Western European art of the XVI-XIX centuries from the Nnational fine arts museum of the Republic of Sakha (Yakutia)
Authors: Габышева Ася Львовна
Published: July 2021

Собрание Национального художественного музея Республики Саха (Якутия) – это осмысленный итог подвижнического труда многих поколений. Коллекции музея по своему общему составу представляют большой историко-художественный интерес и включают обширный ряд уникальных произведений, являясь органичной частью мировой художественной сокровищницы. Яркой страницей в истории музейного дела в республике стала безвозмездная передача в 1962 году более 250 произведений западноевропейского искусства ХVI – ХIХ веков из семейного собрания известного якутского ученого, доктора экономических наук, профессора Михаила Федоровича Габышева (1902 – 1958). В составе дара можно отметить работы итальянских мастеров – Николо Реньери (ок. 1590 – 1667), Джованни Баттиста Питтони (1687 – 1767), голландских художников – Александра Адриансена (1587 – 1661), Фредерика де Мушерона (1633 – 1686), превосходные портреты неизвестного фламандского мастера первой четверти ХVII века. На основе картин из коллекции М. Ф. Габышева в 1970 году в бывшем здании Якутского уездного казначейства, построенном в 1909 году, был открыт  филиал – «Музей западноевропейского искусства», преобразованный в 1995 году в «Галерею зарубежного искусства имени профессора М. Ф. Габышева».  Статья рассказывает о принципах и процессе формирования собрания знаменитого коллекционера.

The collection of the National Fine Arts Museum of the Republic of Sakha (Yakutia) is a meaningful result of the hard work of many generations. The Museum's collections are of great historical and artistic interest and include a wide range of unique works, being an organic part of the world art Treasury. The significant moment in the history of Museum life in the Republic was the gratuitous transfer (gift) in 1962 of more than 250 works of Western European art of the XVI – XIX centuries from the family collection of the famous Yakut scientist, Doctor of Economics, Professor Mikhail Gabyshev (1902 – 1958). In the composition of the gift can be noted Italian masters – Niccolo Reniery (about 1590 – 1667), Giovanni Battista Pittoni (1687 – 1767), Dutch artists – Alexander Adriansen (1587 – 1661), Frederico de Mucheron (1633 – 1686), excellent portraits of the unknown Flemish master of the first quarter of the XVII century. On the basis of paintings from the collection of M.F. Gabyshev in 1970, in the former building of the Yakut district Treasury, built in 1909, a branch was opened – the Museum of West European Art, transformed in 1995 into the Gallery of Foreign Art named after Professor M.F. Gabyshev. The article deals with the principles and process of forming the assemblage of the famous collector.
Glass installation as a form of thinking in Belarusian art of the end of 20th – the beginning of the 21st centuries
Authors: Златкович Елена Михайловна
Published: July 2021

В статье анализируется современный этап развития традиций национальной школы стеклоделия. Рассматривается вопрос становления практики стекольной инсталляции в белорусском искусстве. Истоком стекольной инсталляции полагается монументально- и декоративно-пространственная композиция. Изменение приемов и методов мышления повлекли за собой эволюционирование способов авторского высказывания. Стекло стало специфическим медиумом его реализации. Стекло вовлеклось в экспериментальную форму взаимодействия с восприятием, предметным миром, с визуальным и умозрительным пространством. Наряду с декоративным стеклоделием к форме инсталляции обращается среднее поколение белорусских художников. Синтетичный характер современной стекольной белорусской инсталляции отображает диапазон поисков участников художественного процесса.

The article analyzes contemporary development of traditions in the national glassmaking of Belarus. The main issue of the paper is the practice of glass installation in the Belarusian art, which had been established in the end of the 20th – the beginning of the 21st centuries. The roots of glass installations are placed in two spatial models of glass object(s): monumental composition and decorative-spatial one. The changes in methods and techniques of glassmaking led to the evolution of the rhetoric of author's messages. Glass has become a specific medium for their embodiments. As well glass has become involved in the experimental form of interaction with perception, the objective world, a visual and speculative space. Along with decorative glassmaking, the middle generation of Belarusian artists turns to the more complicated forms of art installation. Synthetic character of contemporary glass installation in Belarus reflects the wide range of creative researches by current participants of Belarusian art process.
«Fire tower» of Johannes Itten: plastic studies or protoinstallation
Authors: Королева Анастасия Юрьевна
Published: July 2021

«Башня огня» (1920) – важнейшая и в то же время малоизвестная работа Йоханнеса Иттена, выполненная им в Веймаре в годы работы в немецком Баухаузе. Будучи идеальным выражением программных целей Баухауза, то есть объединив в себе сразу архитектуру, скульптуру и живопись, эта сложная по своей пластической форме конструкция демонстрирует сочетание огромного количества архетипических смыслов культурного поля предыдущих столетий от зиккуратов древности до новейших авангардных опытов в строительстве высотных зданий, помогающих раскрыть сложный космогонический смысл, зашифрованный в арт-объекте, оборачивающемся для зрителя образом мироздания. В статье дано подробное описание формы и конструкции башни, рассматривается возникновение и эволюция темы в творчестве художника, от пленэрных карандашных зарисовок и объемных моделей. Отдельное внимание уделено художественным впечатлениям, лежащим в основе произведения, а также символическому значению каждой отдельно взятой его части, раскрывающей для зрителя очередную ступень познания бытия, что делает типичную для Баухауза архитектурно-скульптурно-живописную форму настоящей «протоинсталляцией».

«Fire tower» (1920), made in the Weimar Bauhaus period of Johanness Itten, is the most important and in the same time the less famous art-object of this artist. As an ideal expression of the program aim of Bauhaus, it represents a combination of architecture, sculpture and painting. This very difficult majestic construction has a big field with a lot of sense of different archetypal cultural meanings of past time: from antic ziggurat to the newest avant-garde experience of higher building construction. All of them help to open difficult cosmogonic sense which hidden from people and must be understand as a symbol of universe. The article gives the detail description of form and construction of the tower. Also the birth and the evolution of the theme in the creation of the artist from the numerous pencil sketches and plastic models. Special accent is made in the field of artistic impressions, which could made basis of art-object, and symbolic meaning of each part of it, as a new level of genesis, what consequently transforms the typical for Bauhaus architectural-sculptural-pictorial form into real installation.
Holiday parades in Ottoman miniature of the XVI–XVIII centuries
Authors: Стародуб Татьяна Хамзяновна
Published: July 2021

В мировой истории искусства встречаются события, которые можно интерпретировать как подателей идеи создания художественной композиции, рассчитанной на действие и восприятие не в замкнутых интерьерах дворца или храма, а в обширных общественных пространственных зонах. Нечто подобное произошло в официальной культуре Османской империи периода XVI – 1-й трети XVIII века. Одним из проявлений творческого подъема страны в это время было развитие монументального оформительского искусства театрально-декорационного характера. Источником наших знаний об этом виде творчества служат тексты и иллюстрации рукописей особого жанра – Сюрнаме, или «Книги празднеств». Две рукописи этого жанра – 1580-х годов и 1730-х годов, обильно и красочно иллюстрированные исторически достоверными изображениями праздничных парадов, позволяют предположить зарождение таких явлений авангардного искусства XX века, как инсталляция и перформанс в далёком прошлом.

In the world history of art one occurs with events that can be interpreted as generators of the idea of creating an artistic composition designed for action and perception not in the closed interiors of a palace or a temple, but in vast social spatial zones. Something similar happened in the official culture of the Ottoman Empire in the 16th – first half of the 18th century. One of the manifestations of the country's creative rise at that time was the development of monumental decorative art of a theatrical-scenery character. A source of our knowledge about this kind of creativity is the texts and illustrations of manuscripts of a special genre – Surname, or "The Book of Festivals." Two manuscripts of this genre, dating from the 1580s and 1730s, and abundantly and colorfully illustrated with historically authentic images of festive parades, suggest the emergence of such phenomena of avant-garde art of the twentieth century as Installation art and Performance art in such a distant past as the Ottoman Turkey from the 16th to early 18th century.
The «Altar of Good Fortune» by I. Goethe: autonomous form in a park space
Authors: Федотова Елена Дмитриевна
Published: July 2021

«Алтарь Доброй Судьбы» был создан И.В. Гете в 1777 году в садике своего дома в Веймаре. Он  исповедален, в нем воплотились философские мысли автора о природе, человеческой жизни, магии искусства, творческой силе художника. Помещенный почти у изгороди сада Алтарь олицетворял идею «совершенной красоты», достижение которой Гете считал основной задачей художника-творца. Алтарь как атрибут античной культуры часто использовался в ландшафтной декорации века Просвещения. Он нес в себе образ божества, источника мудрости, порождал религиозное благоговение. Итак, можно предполагать, что форма Алтаря, сочетающая шар с кубом, была избрана для того, чтобы показать тождество Бога и Природы, согласия Человека-творца с Богом, разлитом в Природе. Алтарь – памятник бессмертию духа человека-творца, олицетворявшего высшие нравственные законы, которым должно служить искусство. Подражания композиции Гете (шар на четырехграннике) украшают многие кладбища, символизируя бессмертие человеческого творческого духа, напоминая о том, что выбор жизненного пути всегда остается за Человеком, что он творец своего счастья.

The "Altar of Good Fortune" or "Altar of Agathe Tyche" was created by Goethe in 1777 in the garden of his house in Weimar. It has a confessional nature, it embodied his philosophical thoughts about nature, human life, the magic of art, the creative power of the artist. Placed almost at the fence of the garden the Altar represented the idea of "perfect beauty", the achievement of which Goethe considered as the main task of the artist-Creator. The altar as an attribute of ancient culture was often used in the landscape decoration of the Enlightenment century. It had in itself an image of a deity, a source of wisdom, engendered religious reverence. So, we can assume that the shape of the Altar, combining the ball with the cube, was chosen to show the identity of God and Nature, the consent of Man-Creator with God, shown in Nature. The altar is a monument to the immortality of the spirit of the human-creator, personifying the higher moral laws that art should serve. The imitations of Goethe's composition (the ball on a tetrahedron) adorn many cemeteries, symbolizing the immortality of the human creative spirit, recalling that the choice of the life path always belongs to Man, that he is the creator of his own happiness.
Landscape glass as a form of dialogue with space
Authors: Казакова Людмила Васильевна
Published: July 2021

В статье рассматривается ландшафтное стекло как один из видов современного ландшафтного искусства. На примере пленэрных выставок 2000 – 2016-х годов уточняется художественная специфика жанра, его роль в установлении эстетической связи природы и объекта искусства, во включении природы в контекст культурного пространства. Новый жанр ландшафтного стекла формировался в контексте развития студийного авторского стекла, в свою очередь тесно связанного с общемировым движением, получившим название «Glass Studio movement». Художественный смысл этого процесса заключается в сугубо экспериментальном характере поисков авторского стиля, в стремлении найти современные средства выражения. В процессе творчества радикально меняются принципы формотворчества, расширяются границы жанра, по-новому осознается пластическая природа образа.

Выставки Елагиноостровского дворца-музея в Санкт-Петербурге «Стекло и керамика на траве» и стали тем материалом, на основе которого изучается данная тема. Обращение художников к крупной форме, а это продиктовано масштабом пространства, расширили границы и принципы формообразования, меняли субстанциональные проявления стекла как материала, его возможность передать драматические коллизии мира, сложность и многомерность содержания. Особое внимание было обращено на технический эксперимент, в первую очередь, в работе с плоским оконным стеклом.

The article considers landscape glass as one of the types of modern landscape art. The example of the open-air exhibitions of 2000-2016 clarifies the artistic specificity of the genre. Author reveals the role in establishing the aesthetic connection of nature and the object of art, in the inclusion of nature into the context of cultural space. A new genre of landscape glass was formed in the context of the development of studio author's glass, which in turn is closely related to the worldwide movement, called the Glass Studio movement. The artistic meaning of this process lies in the purely experimental character of the search for the author's style, in the striving to find modern means of expression. In the work process, the principles of form creation change radically, the boundaries of the genre expand, the plastic nature of the image is realized in a new way.

Exhibitions of the Elaginostrovsky Palace Museum in St. Petersburg are the material on which the subject is studied. The appeal of artists to a large form, and this was dictated by the scale of space, broadened the boundaries and principles of form-building, changed the substantial manifestations of glass as a material, its ability to convey dramatic collisions of the world, complexity and multidimensional content. Particular attention was paid to the technical experiment, primarily in the work with flat window glass.
Bhimakali temple in Sarakhan as cultural dominant of Western Himalaya
Authors: Белокурова Софья Михайловна , Ханда О.Ч.
Published: July 2021

Статья посвящена описанию и краткому анализу истории, архитектурных особенностей и содержательной составляющей храма, посвященного богине Бимакали, в г. Сарахан штата Химачал Прадеш (Индия). Это один из крупнейших культурно-религиозных центров Западных Гималаев, а кроме того – яркий образец традиционной индуистской архитектуры данного региона. Авторы поставили цель ввода нового материала в российский научный оборот, так как данный храм не был описан в русскоязычной историографии и искусствоведении. В статье дается архитектурное описание храма, его значение в контексте развития Бушарского княжества, рассматриваются его религиозные функции в связи с образом богини, которой он посвящен. Отдельно авторы обращают внимание на эстетико-семантические аспекты деревянной резьбы, украшающей храм. В ходе исследования подтверждается высочайшее значение храма в качестве объединяющего центра гималайского индуизма.

The article is devoted to the description and brief analysis of the history, architectural features and the religious content of the temple in the town of Sarakhan, Himachal Pradesh (India), dedicated to the goddess Bhimakali. This is one of the largest cultural and religious centers of the Western Himalaya as well as a bright example of the traditional Hindu architecture of this region. The authors set the goal to introduce new material into the Russian scientific sphere, as this temple was not described in Russian-language historiography and art history. The article gives an architectural description of the temple, its role in the context of development of Bushar principality, its religious functions are considered in connection with the image of the goddess to whom it is dedicated. Besides, the authors pay attention to the aesthetic and semantic aspects of the wooden carvings that adorn the temple. The study confirms the highest importance of the temple as the unifying center of Himalayan Hinduism.
Approaches for identifying the essential foundations of a harmonious proportional system in Buddhist architecture (in case of Mongolia)
Authors: Канарева Татьяна Николаевна
Published: July 2021

В статье раскрываются такие ключевые понятия храмового монгольского зодчества, как гармония, структурное подобие и система пропорционирования. Автор исследует семантику мандалы как универсального символа, передающего важнейший метафизический принцип – подобие «Вселенная – Храм – Человек». Доказывает, что мандала является ключом к пониманию системы пропорционирования в композиции сакральных зданий.

Such key concepts of Mongolian temple architecture as harmony, structural semblance, and proportional system are being explained in the article. The author explores semantics of mandala as a universal symbol that transmits the most important metaphysical concept of Universe-Temple-Human semblance. This proves that mandala is the key to understanding proportional system in the composition of sacred buildings.
Application of a multi-stage fractal method in analysis masterpieces of Islamic architecture – Ahmad Shah Mosque.
Authors: Исмаил Халед Д. Альдин , Шишин Михаил Юрьевич
Published: July 2021

В статье обосновывается авторский подход фрактального анализа памятников архитектуры на основе ячеистого вычисления размерности (the box counting dimension method, DB). Он охватывает основные пространственные и художественные характеристики (плана, фасада и разреза) и верифицируется на основе поиска фрактальных согласований в памятнике исламской архитектуры – мечети Ахмад Шаха в Стамбуле. Доказывается прямая зависимость высокой степени фрактальности памятника и его художественных и эстетических характеристик. Впервые осуществляется исследование известного памятника исламской архитектуры. Работа призвана внести вклад в теорию анализа архитектурных объектов, результаты ее могут быть в методологическом плане использованы в практике проектирования, в первую очередь в храмовых сооружениях.

This paper presents approaches to the fractal analysis of architectural monuments basing on the box counting dimension method (DB) and the spatial coherence of the basic and artistic characteristics (plan, elevation & section). It is verified by the example of fractal coherence in Islamic architectural monuments (Mosque of Ahmad Shah in Istanbul). A direct dependence of a high degree of fractality of the two monuments is substantiated on its artistic and aesthetic features. For the first time carried out a study based on fractal theory to these outstanding monuments of Islamic architecture. The work aims at further investigation of fractal theory in relationship with the architectural objects.
Finnish students of Rodin – Sigrid af Forselles and Hilda Flodin
Authors: Михалкова Татьяна Кирилловна
Published: July 2021

Сигрид аф Форселлес (1860–1935) стала ученицей Родена в 1882-м году и помогала прославленному скульптору при создании композиции «Граждане Кале». В 1901-м году Сигрид стала первой финской женщиной-художником, приглашенной в Национальное общество французских художников. Самой известной самостоятельной работой Форселлес является пятичастный рельеф «История человеческой души», четыре части которого находятся в церкви Каллио в Хельсинки. Хильда Флодин (1877–1958) обучалась у Родена с 1903-го по 1906-й годы. Она известна, в основном, как автор скульптурного декора здания страхового общества «Похьела» в Хельсинки. Флодин вернулась в Финляндию в 1906-м году и занялась гравюрой, рисунком и иллюстрацией. В 1907-м году она стала единственной женщиной-графиком, участвовавшей в Первой выставке художников-графиков в Финляндии. Факт кратковременного ученичества Сигрид аф Форселлес и Хильды Флодин у Родена показателен как пример притягательности Парижа в конце XIX – начале XX века для деятелей финской культуры.

Sigrid af Forselles (1860-1935) became a student of Rodin in 1882 and helped the famous sculptor to create the composition «The Burghers of Calais». In 1901, Sigrid became the first Finnish female artist to be invited to the national Society of French artists. The most famous independent work by Forselles is the five-part relief «History of the human soul», four parts of which are located in the Kallio Church in Helsinki. Hilda Flodin (1877-1958) studied with Rodin from 1903 to 1906. She is known mainly as the author of the sculptural decoration of the building of the insurance company «Pohjola» in Helsinki. Flodin returned to Finland in 1906 and took up engraving, drawing and illustration. In 1907, she became the only female graphic artist to participate in the first exhibition of graphic artists in Finland. The fact of short-term apprenticeship Sigrid af Forselles and Hilda Flodin at Rodin is indicative as an example of the attractiveness of Paris in the late XIX – early XX century for figures of Finnish culture.
Eugene Carriere and Auguste Rodin: the problem of artistic influence
Authors: Петрова Юлия Владимировна
Published: July 2021

Статья посвящена дружбе и взаимному влиянию двух мастеров рубежа XIX и XX столетий: малоизвестного сегодня живописца Эжена Каррьера и его гораздо более знаменитого товарища скульптора Огюста Родена. Сопоставление парных произведений того и другого автора наглядно доказывает, что Роден нередко использовал в работе стилистические, сюжетные и композиционные находки, сделанные ранее Каррьером.

The article is devoted to the friendship and mutual influence of two masters of the turn of the XIX and XX centuries: the little-known painter Eugène Carriere and his much more famous companion Auguste Rodin. A comparison of the paired works of that and other author clearly proves that Rodin often used stylistic, plot and compositional findings made earlier by Carrier.
From the Gates of Hell to the Novy Kuchuk-Koy: Rodin’s traditions in the park ensemble by A. T. Matveev
Authors: Соколов Борис Михайлович
Published: July 2021

В творчестве Огюста Родена большое место занимает тема внутреннего психологического конфликта, который выражается в переживаниях и экспрессивных позах героев. Мотив внутренней несвободы человека, унаследованный скульптором от Микеланджело, выразился, прежде всего, во «Вратах Ада», с фигурами мятущихся душ, «Тремя тенями» и «Бронзовым веком». Антитезой этой темы был гармоничный, уходящий от рефлексии образный мир Майоля. Александр Терентьевич Матвеев во время своей учебы у П.П. Трубецкого и позже во Франции изучил обе эти творческие системы, создавая на их основе собственный метод. В 1910-е годы одним из главных ресурсов для поисков своей темы для Матвеева был заказ на скульптурное оформление усадьбы Новый Кучук-Кой в Крыму. К этому времени скульптор уже входил в объединение «Голубая роза» и принимал эстетику задумчивой медитации, мотив вещего сна, которые живописец Павел Кузнецов применил в оформлении зданий и мостов Кучук-Коя. Результатом этого творческого содружества стала большая сюита фигур – групп и отдельно стоящих статуй на постаментах. Роденовская тема отчаяния и трагических переживаний взрослых героев превращается в скульптурах Кучук-Коя в тему жизни-сна, в меланхолическую поэзию жизненного и творческого созревания.

In the work of Auguste Rodin a great place is dedicated to the topic of internal psychological conflict, which is expressed in the reflections and expressive poses of the heroes. The motif of the person's internal lack of freedom, inherited by the sculptor from Michelangelo, was expressed primarily in the «Gates of Hell», with figures of restless souls, «Three shadows» and «Bronze Age». Antite this theme was a harmonious, departing from the reflection imaginative world of Mayol. Alexandr Terentievich Matveyev, during his studies at P.P. Trubetskoi and later in France, studied both these creative systems, creating on their basis their own method. In the 1910s, one of the main resources for searching for his theme for Matveyev was an order for the sculptural decoration of the estate Novy Kuchuk-Koy in the Crimea. By this time, the sculptor was already a member of the «Blue Rose» association and accepted the aesthetics of meditative meditation, the motif of eternal sleep, which the painter Pavel Kuznetsov applied in the design of buildings and bridges Kuchuk-Koy. The result of this creative community was a large suite of figures – groups and stand-alone statues on pedestals. Rodin's theme of despair and tragic experiences of adult heroes turns into a sculpture of Kuchuk-Koy in the theme of life-sleep, in the melancholic poetry of life and creative maturation.
Malta’s ornithomorphic scuiptures as a cultural code of the paleolithic Siberian population
Authors: Панкина Анна Ильинична , Лбова Людмила Валентиновна
Published: July 2021

Комплексный анализ палеолитической пластики современными методами археологии, микроскопии, искусствоведения, этнографии позволяет конструировать новые основания для прочтения семантических текстов и кодов культуры палеолитического населения Сибири. Коллекция орнитоморфной скульптуры верхнепалеолитической Мальтинской культуры Сибири насчитывает 20 изображений птиц, выполненных на заготовках из бивня мамонта. «Классический» культурный слой датируется в пределах 23–19 т. л. н. В статье представлены результаты морфологического, технологического и стилистического анализов орнитоморфных мальтинских скульптур, предложено несколько версий интерпретации полученных результатов. Семиотический анализ позволяет предложить варианты прочтения образа птицы как специфического культурного знака, символа идей или событий, закрепленных через культурную традицию в мобильной скульптурной форме.

Complex analysis of Paleolithic sculptures with modern methods of archeology, microscopy, art history, ethnography allows us to construct new grounds for reading semantic texts and codes of Paleolithic Siberian population’s culture. The collection of the ornithomorphic sculpture of the Upper Paleolithic culture Malta of Siberia has 20 images of birds that are made on billets from the mammoth tusk. The «classical» cultural layer is dated up 23 to 19 thousand years ago. The article presents the results of morphological, technological and stylistic analyzes of ornithomorphic sculptures of the Malta and there are versions of the interpretation of the results obtained. Semiotic analysis allows us to propose options for reading the bird's image as a specific cultural sign, symbol of ideas or events that are fixed through a cultural tradition in mobile sculptural form.
Buddhist image in the folk traditions of female crafts
Authors: Батырева Светлана Гарриевна
Published: July 2021

Статья посвящена локальному своеобразию калмыцкого женского рукоделия – произведений буддийского искусства, выполненных в технике аппликации и лицевого шитья. Автор отмечает особенности этой синкретичной формы искусства, ее культурный потенциал, художественно-прикладное и культовое значение. Отмечена специфика калмыцкой вышивки цветной шерстяной нитью, комбинированной техники шелковой аппликации и стачивания цветных шнуров, тесьмы и позументов, кантов и подкладного фона вышивки. Автор подчеркивает параллели живописных, скульптурных, аппликативных и вышитых произведений с архитектоникой храмов, создающие целостный художественный ансамбль.

The article is devoted to the local originality of Kalmyk women's needlework – works of Buddhist art, made in the technique of application and facial embroidery. The author notes the features of this syncretic art form, its cultural potential, artistic, applied and cult significance. The specificity of the Kalmyk embroidery with colored wool thread, the combination of silk application technique and the stitching of colored cords, braid and braids, edgings and backing embroidery background are noted. The author emphasizes the parallels of pictorial, sculptural, applicative and embroidered works with the architectonics of temples, creating a holistic artistic ensemble.
Discovered records on the oeuvre of Lithographer Alexey Petrovsky
Authors: Метелкина Анна Геннадьевна
Published: July 2021

Статья посвящена творчеству русского литографа середины XIX века Алексея Гавриловича Петровского (1817 – ?). Он вошел в историю русской литографии как автор иллюстраций издания «Историческое описание одежды и вооружения Российских войск» (СПб., 1841–1862).

The article deals with the oeuvre of Alexey Petrovsky (1817 – ?), Russian lithographer from the middle of XIX century. He came down in the history of Russian lithography as the author of edition of «Historical Description of Clothing and Weapons of Russian Troops» (St. Petersburg, 1841–1862).
On the centenary of the Grabar Art Conservation Center
Authors: Садарова Анна Альбертовна , Семечкин Павел Андреевич , Темерина Ольга Сергеевна
Published: July 2021

Статья посвящена истории и современному развитию основанного в 1918 году Всероссийского художественного научно-реставрационного центра имени академика И.Э. Грабаря. За 100-летнюю историю сотрудникам ВХНРЦ удалось сохранить тысячи памятников искусства, среди которых иконы соборов Московского Кремля, иконы «Богоматерь Владимирская» (первая треть XII в.) и «Троица» кисти Андрея Рублева (XV в.), живопись и графика из собраний Дрезденской галереи и галереи Уффици, экспонаты из коллекций Государственной Третьяковской галереи, ГМИИ имени А.С. Пушкина, Государственного исторического музея и многое другое. Сейчас ВХНРЦ располагает реставрационными мастерскими, отделами физико-химических исследований, научной экспертизы, архивом и фототекой. Все это позволяет Центру осуществлять реставрацию и научную экспертизу памятников истории и культуры, вести научно-исследовательские работы (физико-химические и рентгенографические исследования), проводить курсы повышения квалификации для реставраторов.

The article is about the history and modern development of the Grabar Art Conservation Center, founded in 1918. Over the 100-year history, the Center's employees have managed to preserve thousands of monuments of art, including the icons of the Moscow Kremlin cathedrals, the icons “Mother of God of Vladimir” (the first third of the 12th century) and the “Trinity” painted by Andrey Rublev (15th century), paintings and drawings from the collections of the Dresden Gallery and the Uffizi Gallery, exhibits from the collections of the State Tretyakov Gallery, The Pushkin Museum of fine arts, State historical Museum and much more. Now the Grabar Art Conservation Center has restoration workshops, departments of physical and chemical research, scientific expertise, an archive and a photo library. All this allows the Center to carry out the restoration and scientific examination of historical and cultural monuments, conduct research projects (physical, chemical and X-ray studies), conduct advanced training courses for restorers.
Graphics Restoration Workshop of Grabar Center: history and modernity
Authors: Мымрина Евгения Владимировна
Published: July 2021

Статья посвящена деятельности мастерской реставрации графики ВХНРЦ им. академика И.Э. Грабаря в контексте актуальных задач по сохранению наследия произведений графического искусства и документальных памятников.  Раскрыты основные направления работы по реставрации, исследованию и идентификации произведений из собраний музеев, а также перспективы развития. Рассказано об уникальных реализованных проектах последних лет: об исследовании, консервации и реставрации исторических документов из собрания Ульяновского областного краеведческого музея им. И.А. Гончарова; реставрации парных глобусов небесной и земной сферы из собрания Вологодского государственного историко-архитектурного и художественного музея-заповедника; реставрации произведений восточной живописи  – коллекции икон-тангка из собрания «Буддийская икона» Национального музея республики Калмыкия имени Н.Н. Пальмова; реставрации произведений современных художников; о проекте мастерской реставрации графики совместно со специалистами Центра подводных исследований Русского географического общества «Три века под водой. Спасение, исследование и реставрация затонувшей Библии».

The article is devoted to the activities of the Graphics conservation Department the Grabar art conservation center in the context of actual problems preserving the heritage of graphic arts und documents. The main directions of work on the restoration, research and identification of works from collections of museums, as well as prospects for development are described. It is told about the unique realized projects of the last years: research, conservation and restoration of historical documents from the collection of the I.A. Goncharov Ulyanovsk Regional Museum; restoration of paired globes from the collection of the Vologda State Historical-Architectural and Art Museum; restoration of works of oriental painting – a collection of icons-tangka from the collection of «Buddhist icon» of the N.N. Palmova National Museum of the Republic of Kalmykia; restoration of works by contemporary artists; the project with the Center for Underwater Research of the Russian Geographical Society «Three centuries underwater. Salvation, research and restoration of the sunken Bible».
Restoration of the two-sided «The Vernicle» gonfalon from the Solvychegodsky Historical and Art Museum
Authors: Семечкина Елена Васильевна
Published: July 2021

Двусторонняя шитая хоругвь с изображением Спаса Нерукотворного, в обрамлении барочной металлической рамы, является уникальным древним памятником, сохранившимся до наших дней без поновлений и реставрационных вмешательств. Проведенные визуальные и химико-технологические исследования позволили определить технику и материалы выполнения двустороннего лицевого шитья на одной основе и особенности изготовления двустворчатой рамы из просеченного железа с полудой и золочением.

Реставрация двустороннего шитья после демонтажа рамы проводилась поэтапно. Она заключалась в выборе способа и проведении общей очистки, в подборе метода частичного дублирования с сохранением равнозначных изображений на лицевой и оборотной стороне пелены, в укреплении тканевой основы и разрушенных шелковых и золотных нитей древнерусского шитья.

Консервация и реставрация металлической рамы проводились в Костромском филиале ВХНРЦ.

A two-sided embroidered gonfalon with the Vernicle framed by a baroque metal frame is a unique ancient monument that has survived to this day without renovations and restoration interventions. Conducted visual and chemical-technological research allowed to determine the technique and materials of performing two-sided pictorial embroidery on one basis and features of manufacturing a double-leaf frame of penetrated iron with a tinning and gilding.

The restoration of two-sided embroidered after dismantling the frame was carried out in stages. It consisted in choosing a method and carrying out a general cleaning, in the selection of the method of partial duplication with preservation of equivalent images on the front and back of the veil, in strengthening the coating fabric and the destroyed silk and gold threads of old Russian embroidery.

The preservation and restoration of the metal frame was carried out in the Kostroma branch of the Grabar Art Conservation Center.
Attribution of a carved chest from the collection of the Vyatka Art Museum named after V.M. and A.M. Vasnetsov
Authors: Холопова Вера Анатольевна
Published: July 2021

В статье исследуется резной ларец XVIII века из Вятского художественного музея имени В.М. и А.М. Васнецовых. После реставрации предмета стало возможным полностью прочитать текст, который раскрывает имена дарителя и одариваемого, а также события, связанные с отечественной историей тяжелой промышленности.

The article explores a carved chest of the 18th century from the Vyatka Art Museum named after V.M. and A.M. Vasnetsov. After the restoration of the object, it became possible to fully read the text, which reveals the names of the donor and the presentee, as well as events related to the domestic history of heavy industry.
Color and form in the works of Konstantin Kuzminykh
Authors: Зотова Ольга Ивановна
Published: July 2021

Творчество заслуженного художника Российской Федерации, академика Российской академии художеств Константина Кузьминых рассматривается как заметное явление в современном искусстве Дальнего Востока России. Исследуется эволюция авторского видения и выработка характерных приемов, в которых автор делает акцент на цветовых и формальных качествах художественного произведения. Также рассматриваются основные темы в творчестве художника, в числе которых библейские мотивы, этнографические особенности территории как фактор влияния на образный строй произведения, мотивы азиатских культур.

The creative work of the Honored artist of the Russian Federation, academician of the Russian Academy of arts Konstantin Kuzminykh is considered as a noticeable phenomenon in the contemporary art of the Russian Far East. The author investigates the evolution of the author's vision and the development of characteristic techniques in which the artist focuses on the color and formal qualities of the artworks. The author also considers the main themes in the artist's work, including biblical motifs, ethnographic features of the territory as a factor of influence on the figurative structure of the work, the motives of Asian cultures.
Still-life in the creative work of Nikolay Sapunov
Authors: Филиппова Ольга Николаевна
Published: July 2021

Николай Николаевич Сапунов (1880–1912) – это одна из самых примечательных фигур в русском искусстве начала XX века, хотя в силу ряда причин пока недостаточно изученная и известная. Большой живописец, тонкий поэт цвета, он начал с картин, близких по своему характеру к произведениям художников «Мира искусства», а затем он увлекся театрально-декорационной живописью, сблизился с крупнейшими режиссерами тех лет, прежде всего, с В.Э. Мейерхольдом (1874–1940) и Ф.Ф. Комиссаржевским (1882–1954), стал превосходным оформителем многих их спектаклей. Известность Н.Н. Сапунову принесли декорации к постановке «Балаганчика» А.А. Блока (1906), а также его оформление пьес М.А. Кузмина «Исправленный чудак» (1910–1911) и «Голландка Лиза» (1910–1911). Работа Н.Н. Сапунова над декорациями к «Принцессе Турандот» (1911–1912) была прервана его трагической смертью. Тонкий вкус и колористический дар проявил Н.Н. Сапунов в своих натюрмортах («Рододендроны», «Голубые гортензии» и др.). Такие картины, как «Чаепитие» (1912), дают представление о Н.Н. Сапунове как о мастере гротеска.

Ключевые слова: творчество Николая Сапунова, система пленэрной живописи, пейзаж, картина, этюды, образ голубой розы, натюрморты из живых цветов, старинные сосуды из фарфора и стекла, цветы бумажные, синие натюрморты.

Nikolay Nikolaevich Sapunov (1880–1912) is one of the most remarkable figures in Russian art of the beginning of the XX century, although for a number of reasons it is still insufficiently studied and known. A great painter, a subtle poet of color, he began with paintings, close in nature to the works of artists «The world of art», and then he became interested in theatrical and decorative painting, became closer to the Directors of those years, and, above all, with V.E. Meyerhold (1874–1940), and F.F. Komissarzhevsky (1882–1954), became an excellent designer of many of their performances. N.N. Sapunov's name brought the scenery to the play «Balaganchik» by A.A. Blok (1906), and his execution of M.A. Kuzminꞌs plays «Fixed eccentric» (1910–1911) and «Dutchwoman Lisa» (1910–1911). The of N.N. Sapunov's work on the sets for «Turandot» (1911–1912) was interrupted by his tragic death. Delicate taste and coloristic gift showed N.N. Sapunov in his still-lifes («Rhododendrons», «Blue hydrangeas», etc.). Paintings such as «Tea drinking» (1912), give the representation of N.N. Sapunov as a master of the grotesque.
The founder of the Museum of folk graphics Viktor Penzin
Authors: Будкеев Сергей Михайлович , Усанова Алла Леонидовна
Published: July 2021

Статья посвящена истории изучения и коллекционирования отечественной народной графики (лубка). Рассматривается собирательская и просветительская деятельность исследователя древнерусского искусства и народной гравюры Д.А. Ровинского и известного издателя конца ХIХ – начала ХХ века И.Д. Сытина. Исследуется организаторская работа основоположника современного лубка, художника Виктора Пензина в создании Музея народной графики и Мастерской народной графики «Советский лубок».

The article is devoted to the history of the study and collecting of the national folk graphics (popular print). The collecting and educational activities of the researcher of ancient Russian art and folk engraving by D. A. Rovinsky and the well-known publisher of the late nineteenth and early twentieth centuries I. D. Sytin are considered here. Organizational work of the founder of modern popular prints, artist Victor Penzin in the creation of the Museum of Folk Graphics and Workshop of Folk Graphics «Soviet Splint» is studied.
«The book of Angels» by Andrey Mashanov
Authors: Гуменюк Алла Николаевна
Published: July 2021

В статье рассматривается авторская книга – «Книга Ангелов» Андрея Машанова, заслуженного художника России, известного сибирского графика, мастера офорта и каллиграфии. Подчеркивается, что книга выполняется в жанре книга художника (Livre d’artiste, Artist’s Book). Отмечается, что творчество художника лежит в области русской религиозной традиции с использованием современного языка графического искусства. Акцентируется: «Книга Ангелов» создается несколько лет и находится в процессе непрестанного развития, наполняется новыми изобразительными сюжетами, рукописными текстами. Анализируются отдельные развороты книги: персонажи и тексты. Отмечается избранная техника офорта, авторская каллиграфия и стилистика изображения – плоскостная трактовка фигур, гибкая лаконичная линия контура, декоративное узорочье, колористический минимализм. В заключение сообщается, что если станковые листы послужили первоосновой для работы мастера в новом для него жанре книга художника, то в настоящее время идет взаимообратный процесс: парафразы персонажей из «Книги Ангелов» с успехом звучат в цветных большеформатных офортах последних лет.

The article discusses «The Book of Angels» by Andrey Mashanov – the Honored Artist of Russia, famous Siberian graphic artist and the master of etching and calligraphy. It is emphasized that the book is executed in the genre of the Artist's Book (so-called Livre d’artiste). It is noted that the artist's work lies within Russian religious traditions but is executed in the modern way and uses the contemporary language of graphic art. The statement about the continuous development of «The Book of Angels» is accented, as the book under the analysis is was created over years, is still under the development and is constantly filled with new visual plots and handwritten text. Individual pages of the book are analyzed deeply, including all drawn characters and texts. The etching technique, author's calligraphy and stylistics of images are noted as well as the interpretation of planar figures, author's flexible and laconic contour lines, the decorative patterns and coloristic minimalism. A reciprocal process, when Mashanov's large-format graphic sheets, that previously laid the foundation for Livre d’artiste, and recently became infused with a lot of characters from the «Book of Angels», is stated.
The prints of Vitaly Kulikov. Identity and development of his creative manner
Authors: Есюнин Егор Алексеевич
Published: July 2021

Виталий Куликов (1935–2015) был одним из крупнейших художников Украины второй половины XX – начала XXI века. В статье рассмотрены особенности его творческой манеры в трактовке формы и образов. Он выработал свой авторский стиль – соединение академического аналитического рисунка с кубизмом. Его характерная черта – выраженный «геометризм» форм. Образ женщины был центральной темой его творчества. В решении этой темы Куликов обращался к европейской традиции: библейским и греческим сюжетам.

Vitaly Kulikov (1935–2015) was one of the famous Ukrainian artists of the second half of the XX – beginning of the XXI century. The article describes the particular qualities of his creative manner in the interpretation of forms and images. He created his own style, which might be defined as the fusion of academic analytic drawing with cubism. Its distinguishing feature is «geometrism». The image of a woman was the central theme of his work. In working on this theme, Kulikov appeals to the European tradition: biblical and Greek subjects.
The House of creativity «Chelyuskinskaya». The reality and possible future development
Authors: Машанов Андрей Николаевич , Прошкина Ольга Алексеевна
Published: July 2021

«Челюскинская» является уникальной творческой и производственной базой. На данный момент значимость деятельности графической дачи подтверждается 70-летней историей существования. Деятельность Дома творчества повлияла на формирование высокого профессионального уровня художников, наследие которых составляет золотой фонд советской и российской культуры. Для сохранения этого уникального культурного объекта необходимо уже сейчас предпринять ряд существенных шагов.

The «Chelyuskinskaya» is a unique creative and production base. At the moment, the importance of the graphic dacha activity is confirmed by the 70-year history of its existence. The activity of the House of creativity influenced the formation of a high professional level of artists whose heritage is the gold Fund of Soviet and Russian culture. To preserve this unique cultural site, a number of significant steps need to be taken now.