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Racism and xenophobia: The role of the Church in South Africa
Authors: Pillay Jerry
Published: October 2017

Racism and xenophobia have become a worldwide issue and challenge. The recent flood of immigrants and refugees into Europe and America has put this matter on the world map. In South Africa racism and xenophobia have, in recent times, reached explosive proportions and have greatly intensified the need for the Church to get more deeply involved in the creation of racial harmony and peace as it works towards the fullness of life for all people. This chapter explored the challenges of racism and xenophobia in South Africa and concluded by discussing the role of the Church in combating these realities.
Let us play: (un)shackling liaisons, (un)masking games and (un)hindered dialogue in the arena where theology takes place
Authors: Van Wyk Tanya
Published: October 2017

This contribution is a political-theological and hermeneutical reflection on the origin, nature, intention and contribution of a research theme identified within the dynamics of an institutional space, by taking a critical look at the ‘rules’ and the ‘game’ of university academia. Specific reference is made to institutional and faculty research themes, namely ‘reconciling diversity’ and ‘Ecodomy – life in its fullness’. The institutional academic space is compared to a Hunger Games-style panopticon, with its ‘rules’ and ‘play’. It is argued that these research themes can only make an authentic contribution if the ‘play’ and ‘game’of the space in which these themes originate, are deconstructed. If this deconstruction can take place, there might be an authentic chance for unhindered dialogue towards the transformation of the academic space and the greater community it serves.
Foreword
Authors: Human Dirk J.
Published: October 2017

No abstract available.
PRÁCTICAS HOLÍSTICAS EN ARTE CONTEMPORÁNEO. Una nueva forma de aproximar la creación contemporánea a un público no experto.
Authors: Pérez Castillo María Regina
Published: October 2017

A lo largo de mi carrera profesional como crítico de arte y profesora en el grado de Historia del Arte he buscado activamente la manera de aproximar el arte contemporáneo al gran público, desarrollando estrategias de acercamiento y comprensión del mismo. Prácticas Holísitcas en torno a la obra de ... es el programa didáctico que he diseñado aplicando el principio holístico al ámbito de la educación artística, es decir, cualquier obra de arte está relacionada con un TODO, y en ese TODO están contenidas las experiencias personales e íntimas de cualquier espectador, por lo que el sujeto es capaz de aprender sobre la obra de arte a través de sí mismo, es decir, éste es un proyecto que pretende generar un aprendizaje significativo en materia de arte contemporáneo. El sistema de trabajo holístico se basa, principalmente, en derribar el muro que distancia a la persona de la obra de arte contemporáneo (un muro que en los últimos años se viene cimentando en la desconfianza hacia la figura del artista y la invalidez de un discurso cada vez más conceptual) a través de una dinámica de grupo en la que cada participante expone de manera libre una historia personal o una idea relativa a la exposición (al tema, los elementos formales de las obras, el montaje, etc.). Cuando el espectador observa que la obra habla de sus propias vivencias y entiende (aunque sea de un modo tangencial) el contenido de la misma, la actitud de rechazo hacia una exposición concreta y, en general, hacia el arte contemporáneo cambia por completo. De hecho, el objetivo principal de esta práctica no es “hacer digerible” una exposición, sino cambiar la tendencia actual de repudio hacia la creación contemporánea.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4573
Residir.net: debates en torno a la definición de las residencias artísticas virtuales.
Authors: López Martín Elena , Morgado Aguirre Borja
Published: October 2017

Al hablar de arte y movilidad, es imprescindible aludir a los programas de residencias artísticas que en las últimas décadas han cobrado un especial protagonismo en la experiencia y currículum de los artistas. Dichas residencias promocionan la figura de un artista nómada que se nutre de las distintas vivencias ofrecidas por un mundo transfronterizo fruto de una sociedad cada vez más globalizada. La necesidad de experimentar con el amplio abanico de contextos existentes también lleva a los artistas a reflexionar, investigar y producir experiencias artísticas en el ciberespacio, donde conceptos como “residencia”, “movilidad”, “espacio” o “comunidad” requieren de cierta recodificación. Con el objetivo de acceder a distintos puntos de vista en torno a lo que se entiende por residencia artística virtual, se ha contactado y enviado un cuestionario con fines indagatorios a aquellas personas físicas e instituciones que han desarrollado o actualmente desarrollan este tipo de iniciativas. Así, el presente póster pretende mostrar los aspectos más conflictivos a la hora de definir las residencias artísticas virtuales, ofreciendo una serie de conceptos y características útiles para su comprensión pero que, dada la naturaleza fluida del espacio en el que se desarrollan y la gran cantidad de diferencias que existen entre cada una de estas iniciativas, pueden conjugarse pero no pueden ofrecer una única definición lineal y cerrada.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4599
Hacia una metodología del proceso creativo y su validación en el ámbito de investigación académico
Authors: González Castro Carmen
Published: October 2017

Esta comunicación está dirigida a la exploración de una posible metodología del proceso creativo, y forma parte de un trabajo de investigación más amplio llevado a cabo en el marco del Máster de Investigación en Arte y Creación de la Universidad Complutense de Madrid. La hipótesis que se pretende demostrar es que es posible definir una metodología de la creación artística a partir del contraste entre una serie de casos de estudio y la reflexión de los artistas sobre su propio proceso creativo. A dicho proceso se atribuye una alta carga de intuición. Esta suposición será aquí rebatida como idea ligada al mito del genio creador y defendida en los términos que definen la idea de investigación dentro del ámbito académico. Para tal fin, comenzaremos utilizando una entrevista realizada a la artista Soledad Sevilla, cuya obra se caracteriza por la importancia de la especificidad del contexto expositivo. Partiendo de la base de la ausencia de una terminología establecida para definir qué significa la investigación en la creación artística, la entrevista se contrastará con otra realizada en el contexto del proyecto Grid_Spinoza a la bióloga Cristina Pujades. El objetivo es mostrar algunas de las diferencias y convergencias en los dos tipos de investigación, artístico y científico, para, en la medida de lo posible, clarificar y matizar los procesos y terminología específicos de ambos. Habiendo encontrado términos análogos en los dos campos, creemos que es posible validar desde una perspectiva académica la investigación artística. Con ello, se espera poder llegar a conclusiones en torno a la especificidad de dicha investigación para darle cabida dentro del formato y las convenciones de lo que se ha venido entendiendo como contexto académico, y, por tanto y únicamente, de las prácticas investigadoras de las disciplinas científicas.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4789
De Andalucía a California. Un recorrido sobre el imaginario californiano a través el dibujo.
Authors: Sáez Pradas Fernando
Published: October 2017

En el arte, la utopía ha sido y es un concepto transversal que salpica y cruza numerosas disciplinas artísticas. Con la llegada de la post-modernidad, la estética se hizo más relativa y perversa, el fracaso utópico del 68 materializado en el acuerdo entre Charles de Gaulle y los sindicatos marcó un punto de inflexión. Fue entonces cuando muchos artistas decidieron vivir al margen. En España, artistas de la generación de los 70 que vivieron esto muy de cerca dejaron a un lado el pensamiento general de la utopía para ir, poco a poco, centrándose más en un pensamiento utópico del comportamiento humano. Se dejó de creer en lo colectivo para dar paso a lo individual. La verdadera utopía no era más que estar en plena posesión de los sentidos y solo ahí, siendo libre, se podría lanzar un mensaje verdadero. Desde esta perspectiva comenzó -como un juego-, el sueño y la posibilidad de cambio en una sociedad gris. Recordemos que en España, aunque el dictador estuviese cerca de ser un residuo, su ideología estaba aun profundamente tatuada en la sociedad. Se necesitaba un nuevo escenario, en una España podrida, toda una generación de artistas pensó en California como el edén. Era una situación que rozaba el absurdo pues ninguno de los artistas de los 70 había estado allí. California era el paraíso anhelado, la igualdad entre diferentes estratos sociales, el trópico, un lugar de ambiente cálido y libertino que supondría un soplo de aire fresco para la generación que tenía la responsabilidad –consciente o inconsciente- de promover el cambio en el panorama cultural español. Un aire que lograron introducir en la pintura española, reivindicando el derecho a imaginar oprimido tras la losa negra de una dictadura de derechas y fuerte raíz católica.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4791
Deriva y medios locativos: prácticas georeferenciadas
Authors: Serra Navarro David
Published: October 2017

La experiencia constituida mediante la interfaz nos sitúa en un punto común en el que converge la representación virtual condicionada por la ubicación real, un estadio de mixed reality (Hansen, 2006) en el que se dan los elementos necesarios para el desarrollo de una nueva realidad mediada. Un recorrido procesual que se asemeja a los posicionamientos situacionistas y a la noción de psicogeografía como comportamiento constructivo de significaciones. La actualización del territorio-juego de Guy Debord en relación con los medios locativos de los dispositivos tecnológicos ofrecen un repertorio conceptual que nos induce a reflexionar sobre los límites del espacio público, su expansión en el canal virtual y la transformación dinámica de una geografía cada día más líquida. La interacción entre flujos comunicacionales y coordenadas en el mapa se nutren de la actividad cotidiana de los usuarios, ahora activos y contributivos, y dibujan un conjunto de signos anclados en el lugar y su tiempo que nos generan nuevas narrativas y percepciones. En este contexto se desarrolló el taller Geotagging the city dirigido por el artista Kenneth Russo en el marco del Festival de Cultura Contemporània de l'Empordà: Ingràvid 2016. Una propuesta de educación artística, en la que los jóvenes participantes eran alumnos de bachillerato artístico, y que nos describe un conjunto de prácticas contemporáneas con herramientas tecnológicas cotidianas y de uso locativo. Extrapolar la concatenación de acciones reproducidas en las diferentes sesiones de dicho workshop nos acerca a un entendimiento de lo glocal en el marco social y su sentido en el aula para la formación artística.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4801
El paradigma islamofobico.
Authors: Hinojos Morales José Antonio
Published: October 2017

Como planteamiento y fundamentación de la argumentación conceptual en la generación del proyecto artístico denominado El paradigma islamofóbico, desarrollado dentro del trabajo final del Máster Universitario en Proyecto e Investigación en Arte, de la Universidad Miguel Hernández de Elche, realicé una serie de lecturas e investigaciones que configuraron una memoria escrita final, a partir de la cuál he diseñado este artículo. Dentro del extenso fenómeno de la globalización podemos observar el surgimiento, encuentro y pugna de diferentes formas de entender la existencia, las cuales se encuentran atravesadas por la hegemónica imposición del mayor de todos los fundamentalismos que configura el sistema mundo actual, marcado por un feroz neoliberalismo financiero-económico, establecido en base a una matriz occidentalocéntrica del poder y del saber que configura el ser, el sentir y la visión de todo aquello que percibimos como ajeno a los valores coloniales de modernidad y civilización. Junto con los actuales movimientos migratorios, el terrorismo internacional, así como diferentes intereses políticos, geoestratégicos y económicos, se ha producido en los últimos años un auge del racismo y la islamofobia (señalado por la Unión Europea a través de su Observatorio Europeo del Racismo y la Xenofobia) que evidencia, como indica la profesora de estudios árabes e islámicos Luz Gómez, que los fundamentos europeos de libertad, igualdad y solidaridad siempre fueron más bien retóricos, o lo que es lo mismo, que la actual crisis europea es, ante todo, una crisis de principios éticos y morales. Esta cosmovisión dominante se ve reforzada por la información y las narrativas discursivas políticas y mediáticas de odio y desprecio, fomentando en su naturalización, un sentimiento de inseguridad anti-islámico que sitúa al islam y a los musulmanes como el chivo expiatorio de todos los problemas sociales, económicos, laborales, identitarios y políticos.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4813
Carnet de soltero/a: un proyecto artístico guanajuatense con referentes globales.
Authors: Bernal Rivas Gonzalo Enrique
Published: October 2017

Carnet de soltero/a es una obra de arte de la experiencia del espacio humano que consiste en la emisión de carnets que avalan a sus poseedores/as como discapacitados/as, un resultado virtual del artículo de Henry Bodkin publicado en The telegraph el 20 de octubre de 2016, según el cual la OMS definiría como ?infértiles? a las personas solteras, y por lo tanto, de acuerdo al glosario de la misma organización, como ?discapacitadas?. Lo anterior para favorecer una reflexión entre los participantes sobre las vivencias de injusticia espacial vinculadas con el estado civil que un hecho como el descrito generaría. En esta comunicación no pretendemos demostrar que muchas de las actividades que realizamos en nuestros entornos locales se encuentran cada vez con mayor frecuencia bajo la influencia de los sucesos globales o viceversa, pero sí deseamos compartir el proceso creativo de Carnet de soltero/a, el cual partió de un supuesto acontecimiento local que podría tener efectos globales: la decisión tomada por un grupo reducido de personas reunidas en Ginebra sobre todo el mundo. Más allá de ese punto de partida, los referentes empleados también tienen orígenes diferentes al contexto guanajuatense, México, Estados Unidos y España. El primer referente es Minerva Cuevas (1998) con su pieza Mejor Vida Corp. en la cual se ofrecieron ayudas a los ciudadanos, como carnets de estudiante o cartas de recomendación, y que tenía como objetivo mostrar al gobierno los apoyos que los ciudadanos requerían prioritariamente. Por otra parte revisamos Wedding Project de Alix Lambert (1993) en la que se abordó la fugacidad con la que era posible de los años 90 cambiar de estado civil. Finalmente nos referimos a David Trullo (2010) con su obra Una historia verdadera en la que muestra las relaciones entre personas del mismo género que nunca fueron representadas.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4821
LA ANAMORFOSIS COMO IMAGEN SINCERA. FELICE VARINI Y LA ABOLICIÓN DEL ESPACIO COMO ALTERNATIVA A LA IMAGEN DE LOS MASS MEDIA.
Authors: Soriano Colchero José Antonio , López Vílchez Inmaculada
Published: October 2017

La imagen tiene una posición fundamental en la comunicación global contemporánea. Pero ¿cuál es la relación entre su mensaje y la receptiva sociedad actual? Tras la tradicional interpretación iconológica de Panofsky, alejados de la imagen como signo, nuevos argumentos han enriquecido actualmente las posibilidades de análisis de las imágenes. Retomando la que a nuestro juicio resulta una interesante y afortunada interpretación de Ana María Guash, utilizaremos el argumento de cómo los nuevos “estudios visuales” apoyan la relectura y la reinterpretación de imágenes, desde unos nuevos códigos que atienden a factores tan interesantes como la relación con el espectador en su determinado contexto. Nuestro estudio retomará uno de los temas cruciales para la Vanguardia del siglo XX, la negación y destrucción del paradigma del espacio perspectivo tridimensional, y presentaremos el recurso plástico de la anamorfosis tratado desde la óptica del arte contemporáneo como una tipología de imagen que, sirviéndose de la ambigüedad, ofrece la posibilidad de establecer mensajes múltiples y lecturas complejas. La obra de dicho artista funcionará como paradigma de revelación contra los mensajes impuesto por los mass media, evidenciando la posibilidad de generar nuevos códigos para el análisis de las imágenes.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4828
El uso no normativo de las nuevas tecnologías en la práctica artística contemporánea. Estudio de caso: obras Tecnofósil I y Tecnofósil II.
Authors: Cantarero Tomás David
Published: October 2017

La utilización de materiales, procesos y técnicas de un modo contrario a la norma y con una intención crítica, es algo que podemos encontrar en diversas manifestaciones artísticas ya desde comienzos del s. XX. Sin embargo, es con el surgimiento de nuevos aparatos electrónicos a mediados de siglo y su accesibilidad cada vez mayor, cómo este modo de hacer cobra una nueva dimensión y llega a convertirse en un recurso extendido dentro de la práctica artística contemporánea. En el siguiente trabajo se aborda este tema desde una perspectiva teórico-práctica, a través del análisis de una serie de obras de producción propia que, mediante el uso no normativo o estipulado como el correcto de diversas tecnologías, tratan de conectar y conducir la reflexión sobre varias problemáticas de alcance global referentes tanto a la imagen como al impacto de la técnica a diferentes niveles. Combinando libremente el empleo de herramientas como la impresión 3D o la estereoscopía, en torno a ciertos materiales extraídos de una de las playas cementadas de la costa vasca, enclave considerado como paradigmático a la hora de definir y estudiar la etapa geológica que ha venido a denominarse Antropoceno, en estas piezas se abordan cuestiones relativas a los modos de circulación con que cuenta la imagen hoy en día, así como a la actualidad de nociones como las de representación o mímesis, aspectos referentes a la incidencia de los medios de comunicación de masas y de la tecnología tanto a nivel social como individual, o ideas vinculadas a la alteración y modificación de multiplicidad de procesos naturales como consecuencia de la actividad humana.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4835
Ecología global, sensibilidades locales. El rol de las humanidades ambientales frente a la crisis ecosocial contemporánea
Authors: Sgaramella Chiara , Albelda Raga José Luis
Published: October 2017

El proyecto de investigación interdisciplinar I+D+i titulado Humanidades ambientales. Estrategias para la empatía ecológica y la transición hacia sociedades sostenibles indaga el papel de la ética, de las artes visuales y de la literatura en el proceso de transformación necesario para establecer modelos culturales más eco-compatibles. En efecto, la crisis ecológica y social que vivimos plantea unos interrogantes profundos que nos obligan a repensarnos como seres humanos y como sociedad. Si bien existen significativos avances tecnocientíficos en el ámbito de la eficiencia energética o de la restauración ecosistémica, consideramos que para contrarrestar las poderosas inercias desarrollistas que caracterizan el paradigma actual es preciso potenciar un cambio de cosmovisión general de las sociedades, incluyendo su imaginario colectivo. En este sentido, las humanidades pueden cumplir un papel relevante en forjar nuevos valores e imaginar otras formas de convivencia social. La presente comunicación recoge algunas de las propuestas presentadas en el primer seminario de investigación vinculado al ya mencionado proyecto I+D+i que tuvo lugar en la Universitat Politècnica de València en noviembre de 2016. En concreto, se exploran diferentes métodos de investigación desde las humanidades para abordar la dimensión global y local de la transición a la sostenibilidad. En primer lugar, se plantea un enfoque interdisciplinar para el estudio de fenómenos de escala planetaria, como la crisis energética y climática; junto a ello, se proponen talleres creativos vinculados a iniciativas ecológicas ciudadanas para conectar la investigación académica a los conocimientos locales. Finalmente, se evalúa la influencia y el potencial transformador de proyectos de creación artística y literaria vinculados a una noción ampliada de site specific y a procesos de creación colaborativos en diálogo con las comunidades humanas e incluso con los elementos bióticos y abióticos del ecosistema.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4870
El globo fraccionado
Authors: Pérez Suárez Ventura Alejandro
Published: October 2017

El presente documento trata de establecer una relación entre la globalidad y espacialidad, proponiendo un recorrido en las obras de Boullée, Buckminster Fuller, Frei Otto, Michael Webb y Prada Poole como puntos clave a la hora de entender el binomio goblal-local desde la creación del espacio y su dialéctica del límite (Sloterdijk, 2014).Por un lado, comprendemos globalidad bajo el prisma teórico de Peter Sloterdijk, en cuanto enuncia una teoría morfológica de la esfera. Esta última como aquella forma recurrente a lo largo de la historia de Occidente y su expansión. Por consiguiente, lo global será definido de su derivado y motivo "Globo" en paralelo a una  la evolución arquitectónica o de Macroesferología(Vásquez, 2009).Por otro lado, lo local será encontrado en la misma teoría esferológica. Concretamente, desde la Microesferología como estudio de la unidad básica que son compuestas las sociedades: el individuo que coexiste. Ciencia proxémica, la Microesferología centrará su objeto de estudio en el espacio íntimo (Sloterdijk, 2004).Como conclusión, el baremo entre microesfera y macroesfera es posicionado según un cambio de escala y límite, ejemplificado en el recorrido de obra propuesta anteriormente. En paralelo, la consecuente transformación de lo global a lo local y viceversa se ve ayudada desde esta construcción del límite y escala.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4880
RECICLO Y PUNTO: una propuesta artística dinámica con desarrollo múltiple en las aulas y de aplicación efímera en el espacio público
Authors: Garriga-Inarejos Rocío
Published: October 2017

Es un reto introducir a los estudiantes de primer curso del Grado de Bellas Artes (Campus de Teruel — Universidad de Zaragoza) en dinámicas artísticas contemporáneas, así como lo es la preparación de quienes se encuentran en tercer y cuarto año de cara al mundo profesional. RECICLO Y PUNTO es una actividad docente que pone en relación a los alumnos de primer, tercer y cuarto curso con el fin de desarrollar las competencias antes mencionadas. Esta propuesta de carácter artístico termina presentándose en el espacio público, proporcionando a los estudiantes una experiencia real, fuera del contexto de las aulas, en relación directa con la ciudadanía. Participan: los estudiantes de las asignaturas de Volumen I (primer curso) y de Diseño y Gestión del Espacio Expositivo (tercer y cuarto curso). Objetivo en su aplicación real de cara a la ciudadanía: estimular el reciclaje. Los estudiantes de primer curso reproducirán en escayola botellas de plástico, latas de refresco y botes de cristal de distintos tamaños. Después trabajarán su superficie e incluirán la frase RECICLO Y PUNTO en ellos. Por otra parte, los estudiantes de tercer y cuarto curso se encargarán de comisariar, gestionar y coordinar la puesta en marcha de la actividad. Las piezas elaboradas se expondrán en la Plaza del Torico y las personas que se aproximen al lugar podrán llevarse una de ellas dando a cambio dos objetos reciclables. Los instrumentos que se aplican son: propuesta del ejercicio, observación continua y seguimiento de las prácticas preparatorias durante clases lectivas y tutorías específicas, aplicación real, feedback, reflexión crítica y puesta en común de los resultados obtenidos y de las experiencias vividas. Esta iniciativa se realiza por primera vez en el curso académico 2016-17: expondré el diseño del proyecto, algunos de los resultados y una revisión crítica de los mismos.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4881
EL TAG COMO CELDA DE VIGILANCIA.Una visión crítica de los metadatos y sistemas de reconocimiento facial a través de las prácticas artísticas.
Authors: López-Cleries Gloria , Porras Soriano Álvaro
Published: October 2017

En la actualidad la expansión de las redes sociales ha hecho posible la aparición de un nuevo modelo de vigilancia más descentralizado y más difuso. La web 2.0 y los dispositivos smartphone permiten poner en tránsito información privada a disposición de los usuarios y de empresas público - privadas que forman parte de la nueva economía de red. La cotidianización de las aplicaciones con geolocalizadores permiten almacenar todo tipo de actividades y realizar la reconstrucción de todas nuestras acciones, deseos y afectos. En un contexto de hiper-exposición, de la sociedad hiper-conectada 24/7, se alza como un nuevo modelo de vigilancia más difuso, pero manteniendo el mismo efecto del Panóptico, que impacta sobre la psicología user creando un poder disciplinario ante la incertidumbre de estar en un foco de vigilancia. La celda de aislamiento y vigilancia del Panóptico se convierte hoy no solo en cada cuenta personalizada en las redes sociales sino en toda la información que registra el historial de Google asociado a una cuenta de mail personal, a cuentas de Paypal y a infinidad de apps que registran el ritmo cardíaco, las huellas digitales, las curvas de sueño y el azúcar en la sangre. Estas aplicaciones permiten el registro total de todas las acciones y movimientos físicos, biológicos y afectivos. Desde una perspectiva foucaultiana, los medios de comunicación social son más que un vehículo para el intercambio de información, son un vehículo para la formación de la identidad y su control.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4894
Contradicciones del arte post-digital. Neomaterialismos vs. infinitud
Authors: Porras Soriano Álvaro , López Cleries Gloria
Published: October 2017

El presente comunicado pretende reflexionar sobre el paradigma de una nueva neomaterialidad, condicionada por las prácticas post-internet y lo post-digital, que cuestiona, de ese modo, los parámetros que marcan su propia definición. En las prácticas conceptualistas de los sesenta, consideradas el origen del linaje del arte digital, se produjo la aceptación de lo inmaterial como un objeto de estudio atado a la interacción y al proceso conceptual. Con esta alianza, lo inmaterial era tratado como un reflejo de la infinitud, como advertencia de la finitud del yo. En el contexto post-digital, se deriva hacia una continua relación especular con unx mismx inscrito en su propio medio, en una continuidad anacrónica, dónde se produce un distanciamiento de la percepción de la finitud que se tenía durante el colapso del mundo humanista. ¿Qué obtenemos de esta relación especular con el contexto post-digital? Posiblemente, una relación de temporalidad en la que esté presente, y por tanto nuestro yo reflejado en él, es inmediato, sin futuro, sin historia, solo dotado de nostalgia. Esto es, por tanto, un proceso de relación con el concepto humanista de finitud distinto al que en herencia se ha transmitido.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4895
Documentación y producción artística en la cultura Yucateca. Archivo de experiencias.
Authors: Tortosa Ibañez Laura , Vroom Mayte
Published: October 2017

Esta comunicación presenta y analiza un proyecto artístico llevado a cabo por ambas autoras durante una estancia en Yucatán, México en 2016.El proyecto, titulado : “Retrato en 25. Cartografiando memorias entre Tunkás e Izamal” se mueve por la necesidad de conocer y explorar diferentes lugares a través de la experiencia personal, descubrir las raíces de lo micropolítico y analizar la implicación del artista como agente externo en un contexto local ‘desconocido’. A través de este trabajo encontramos la posibilidad de participar en un contexto diferente, interpretando los códigos que construyen la memoria, la identidad cultural y los espacios comunes.Se puso en marcha mediante estrategias de las ramas antropológica y etnográfica, que desde una perspectiva diletante y liviana ofrecen el terreno de juegos adecuado para realizar entrevistas, trabajo de campo y recolección de objetos y documental.Estrategias que a la vez nos permiten desarrollar un trabajo plástico en el que la fotografía, el audiovisual, la acción y la edición son parte esencial para la interpretación y reinterpretación de los individuos y el contexto en el que habitamos. Recorremos el espacio físico y recolectamos objetos que rozan lo insignificante o desapercibido para ponerlos bajo otra óptica. En el transcurso de estas acciones se despierta el reconocimiento de cuestiones micropolíticas como síntoma de posiciones más globales y a la vez el descubrir cómo afectan las realidades globales a un contexto local.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4897
Investigación, formación y creación en la Red Investicreación Artística. México- España
Authors: Fuentes Mata Irma , Parga Parga Pablo
Published: October 2017

El propósito del trabajo  es dar a conocer como la investigación artística ha permitido generar conocimiento entre grupos de  investigación multidisciplinarios que han formado redes nacionales e internacionales para establecer intercambios académicos en las líneas de investigación, creación e interpretación de arte y la cultura y en la de metodologías de investigación y formación artística. Eliiot Eisner sostiene que la creación artística es una práctica investigadora (1998).Por otro lado, Ricardo Marín Viadel de la Universidad de Granada, propone un panorama de los diferentes enfoques al respecto, se basa en las artes visuales y para el caso de la educación artística arte-investigación-educativa). Existen varias aproximaciones o tendencias al arte-investigación como documenta la investigación basada en las artes [Arts based-Research], la  Investigación que usa habilidades artísticas [Artístically Crafted research],  indagación artística [Artful inquiry] y Arte Investigación [Visual Arts Based research]. ( Viadel 2005:233-248). Por nuestra parte, en México hemos denominado el término Investicreación Artística (2012) como la integración necesaria entre investigación y creación artística. (Fuentes Mata Irma y Pablo Parga Parga, 2012 – 2014, 2015). A partir de esto se explicará  cómo el enfoque del trabajo colaborativo entre profesores-investigadores y creadores de arte en México y España, articulados en una red de generación de conocimiento, aporta desde distintas visiones a la formación artística y cómo el uso de los sistemas, herramientas  y tecnología digital permiten mantener los vínculos académicos. Se presentan algunos productos académico-artísticos que involucran artes visuales como videos, conferencias, publicaciones, espectáculos multidisciplinarios y páginas web, entre otros.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4909
Estrategias narrativas de campo expandido y manipulación digital en la obra NEVER ODD OR EVEN. Una maniobra de posicionamiento.
Authors: Artero Flores Javier
Published: October 2017

La presente comunicación se centra en el análisis de la obra NEVER ODD OR EVEN. Una maniobra de posicionamiento (2016), una instalación audiovisual realizada específicamente para la exposición colectiva ¿Qué sienten, qué piensan los artistas andaluces de ahora?, en el CAAC de Sevilla. Con la premisa de la pregunta que da título a la exposición, formulada por los comisarios de la misma, el proyecto que presento aborda cuestiones en torno a lo antagónico y la resistencia, pues son conceptos de transversalidad histórica especialmente activados en la actualidad. De este modo, se estudia la configuración espacial de la instalación, que consiste en un dispositivo de tres pantallas de proyección desplegadas a lo largo y alto del espacio, donde se presenta una posible secuencia de acontecimientos que son fragmentados a medida que el espectador se desplaza por la sala. Estrategias narrativas, por lo tanto, propias de las denominadas prácticas de campo expandido, donde la presencia del espectador en el espacio expositivo es determinante, y con la que se pretende, además, ejercer una resistencia a la estructura narrativa lineal tradicional. Así mismo, se presta especial atención a la naturaleza procesual del proyecto, pues, la reflexión que propone, encuentra su razón de ser en el paseo y en la interpretación de imágenes y acontecimientos que tienen lugar durante el mismo. Por último, habiendo partido del registro videográfico de eventos de ocio y/o consumo propios del paisaje marítimo, el proceso creativo pasa por la manipulación digital de dichas imágenes-movimiento, de manera que su sentido original queda subvertido. Es mediante dicho giro, cercano a los prácticas fake, como se pone en crisis la relación entre obra y espectador, proponiendo un cuestionamiento de las imágenes expuestas con el objetivo de repensar sus códigos.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4910
Prolongación del alcance del significado de una obra plástica (o visual) mediante su sonorización
Authors: Bernal Molina Alicia , Aldaz Casanova Claudio
Published: October 2017

Nuestro encuentro como colaboradores surge a partir del trabajo que desarrollamos dentro del colectivo Corporación Bacilö. Este grupo multidisciplinar desarrolla sus trabajos desde el 2003 en torno a la acción performativa o performance artística en la que el sonido tiene un gran protagonismo. La corporación está compuesta por distintas plataformas o microcorporaciones que desarrollan, cada una y paralelamente, su trabajo. Dos de ellas (Consume ESTO y LOCAL MODE) son los autores de esta propuesta de trabajo. La propuesta de producción teórico-práctica, desarrollada junto a la línea de trabajo plástica del creador Claudio Aldaz*, se basa en la relación entre lo plástico-visual y lo sonoro. El proyecto se realizó por primera vez en la clausura de la exposición TIMOCRACIA (Noviembre de 2012) llevando a cabo una sesión audio-visual y que partía de los trabajos de Aldaz que eran explicados en vivo por el propio autor con el acompañamiento de una pautas sonoras improvisadas y ejecutadas en vivo. La línea de producción artística que planteamos consiste en la hibridación entre lo visual y lo sonoro. Proponemos un tipo de presentación de obra plástica (exposición) en la que intervenimos a partir de una sesión sonora improvisada que desarrollamos en vivo. Más que de un acompañamiento musical, se trata de la creación de un nuevo formato o pieza que conjuga la obra expuesta con la creación de ambientes o atmósferas que denominamos SONOVISUALIZACIÓN, en los que se amplia el término de escucha al estar vinculado a lo visual. El sonido nos remite a una dramaturgia que se materializa en la piezas plásticas que se exhiben. El espectador/observador se convierte en un escuchante de lo visual. La poética de lo visual y lo sonoro proponen un nuevo espacio expositivo donde el espectador está inmerso en una “puesta en escena total”. *[que desarrolla su trabajo en dos vertientes, una que podríamos definir como propiamente plástica y otra centrada en nuevos media con su plataforma consume ESTO]http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4930
‘El vecino 4’: “superhéroes” de barrio
Authors: Pérez García Juan Carlos
Published: October 2017

‘El vecino’ es una serie de novelas gráficas que realizo en colaboración con el guionista Santiago García (Premio Nacional de Cómic de 2015 por ‘Las meninas’). Planificada para cinco libros, hasta ahora se han publicado tres (Ediciones Astiberri), con un cuarto en proceso. El vecino está protagonizado por dos vecinos en una ciudad no identificada, una gran urbe occidental del siglo XXI, mezcla sublimada de Madrid y Málaga. La obra pretende arrojar una mirada tragicómica, a veces extrañada, hacia la vida cotidiana y las relaciones personales en la contemporaneidad, con la particularidad de que uno de los protagonistas es el “superhéroe” de la ciudad. Sin embargo, siempre que este se marcha para atender a la “tarea del héroe”, sus hazañas quedan fuera de la vista para el lector, un dogma creativo de la obra. De este modo, el elemento fantástico es solo un marco mítico que funciona como contrapunto poético a la cotidianidad. ‘El vecino’ investiga asimismo posibles significados sociales e ideológicos de los clichés de superhéroes a través de una lectura crítica, no exenta de ironía pero también de fascinación hacia uno de los géneros de ficción fundamentales en la historia del cómic. Sin embargo, ‘El vecino 4’ planteará una “vuelta de tuerca” en las estrategias artísticas previas, en la medida en que por primera vez muestra la ACCIÓN de los superhéroes de una manera franca que también se pretende inédita, con escenas insólitas en el género y con una forma experimental de múltiples lenguajes y texturas (dibujo, pintura, fotografía, collage digital, etc.). La comunicación expondrá el proceso creativo de este cuarto volumen.El Vecino obtuvo el Premio a Autor revelación (Pepo Pérez) en Expocómic de Madrid (2004) y fue nominado a diversos premios del Salón Internacional del Cómic de Barcelona: Mejor cómic español (2005; 2009) y Autor revelación (2005). Parte de la obra se ha expuesto en muestras nacionales e internacionales (Festival Internacional de Bande Dessinée de Angoulême, 2011; Instituto Cervantes de Varsovia, 2012; La Maison des Auteurs de Angoulême, 2015, entre otras).http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4949
La emersión como transcodificación del espacio digital global al espacio físico local
Authors: Gallastegui Gonzalez Samuel
Published: October 2017

En las dos últimas décadas, los dispositivos móviles y las tecnologías de realidad mixta nos han permitido hibridar los espacios digitales y los físicos, creando espacios transcodificados que se retroalimentan mutuamente. La computación ubicua, las tecnologías nómadas y los dispositivos geolocalizados funden la frontera entre el espacio digital global y los espacios físicos locales donde se mueve la persona, lo cual ha transformado la forma en la que ésta experiencia ambos espacios, ya que no accede a ellos a través de una interfaz fija, sino que el espacio físico es ahora una interfaz para el espacio digital. Este artículo pretende analizar esta transcodificación de lo global digital a lo local físico y conceptualizarlo como un fenómeno de emersión. Propone que este giro de dentro hacia fuera cambia la experiencia de la persona y potencia la organización y la creación de estructuras más complejas en el nivel de lo físico. Se propone el concepto de emersión como contrametáfora de inmersión, que consiste en llevar el contenido de un juego digital u otro medio desde dentro hacia fuera, manifestándose en el espacio físico y en la vida de la persona. Además se diferencia del concepto de emergencia o surgimiento, que es la capacidad de un sistema para dar lugar a una novedad impredecible. Este artículo desarrolla el concepto de la emersión en tanto que fenómeno presente en diversos medios, aunque más fácilmente reconocible en los juegos digitales, que es complementario al de inmersión. Para finalizar se presenta la emersión como una transcodificación entre el espacio físico y el espacio digital, así como entre lo virtual y la vida ordinaria.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4954
“HABITAÇÕES”: REFLEXIONES ACERCA DE UNA SÉRIE FOTOGRÁFICA AUTORAL
Authors: Gomes Perez Vieira Karine
Published: October 2017

Este artículo trata de "HABITAÇÕES", serie fotográfica resultante de investigación práctico-teórico de Doctorado en Artes Visuales, en la Universidade Federal do Rio Grande do Sul (Brasil), bajo la dirección de Sandra Rey. La serie tuvo inicio durante una pasantía en la Universitat Politècnica de València (España), dirigida por Josepa López Poquet. Su continuación sucedió motivada por cambio de domicilio y reverberaciones causadas por viajes. El proceso artístico consistió en autofotografiarme en los ambientes domésticos de estadía provisoria, pretendiendo explorar las posibilidades expresivas de estos espacios, y de sus objetos, en contacto con el cuerpo. Establecí modos operativos repetitivos y obsesivos, que siguen el mismo procedimiento, pero en temporalidades y lugares diferentes. Refiérome al hecho del cuerpo presentarse, en todas las imágenes, acostado y cubierto de objetos vegetales y/o textiles, sugiriendo, en algunos momentos, formas de un paisaje. Todas las obras están tituladas con nombres de lugares reales o imaginarios. Pero las palabras contenidas en los títulos y los imágenes ofrecidos a la mirada no se corresponden, posibilitando asociaciones subjetivas que obedecen solamente a leyes de la imaginación, pues lo que esta retratado es mi cuerpo cubierto de sábanas, edredones, mantas y objetos textiles diversos, adheridos a la piel. La elección de esos materiales implica la apropiación de superficies industrializadas, ya cargadas de información, sintomáticas de una homogeneización de los espacios e identidades, propia de la cultura globalizada. Luego, la serie impone indagaciones acerca de la superficie y las apariencias físicas de las cosas visibles; tensiona un universo de materiales simples, casi insignificantes por su recurrencia y trivialidad en las residencias. El desafío es buscar la diferencia en la repetición, la heterogeneidad en la homogeneidad, la ipseidad en la mismidad, lo subjetivo en el objetivo, la singularización en la estandarización. A partir de ahí, es posible extraer material para creación artística.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5144
Saberes y aprendizajes en la construcción de la identidad y la subjetividad de una artista en la Universitat (Politècnica de València).
Authors: Lozano-Sanfèlix Neus
Published: October 2017

¿Hasta que punto la universidad como dispositivo y situación ha construido nuestra identidad como artistas? Esta es la pregunta de la que parte la experiencia que presentamos a continuación, una práctica artística que atraviesa la idea de cartografía para construir un relato alternativo al discurso dominante sobre la universidad. Y que se fundamenta a su vez, a partir de otros saberes, considerados como subalternos por la propia institución. El relato se construye a partir de relacionar documentos de diversa índole (anécdotas, imágenes, conversaciones, canciones, noticias de prensa, etc.), encadenando los acontecimientos y dando lugar a otros significados, con el fin de desvelar los “otros” aprendizajes, aquellos que no figuran de manera oficial en el currículum y que son normalizados de manera sutil.De esta manera, se desprende de este recorrido, la necesidad de cuestionar nuestra propia formación como estrategia y detonante para repensar nuestros marcos referenciales y evidenciar la ideología implícita en las dinámicas y estructuras de la Universidad.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5165
Desplazamiento del retrato fotográfico: transito del espacio íntimo al espacio social y público.
Authors: Olivares Catalina , Rubilar Medina José Eugenio
Published: October 2017

En esta comunicación convergen indagaciones sobe el retrato como código. En esta oportunidad, el retrato pictórico y fotográfico de dos casos chilenos: la figura naval de Arturo Prat y los retratos fotográficos de Detenidos Desaparecidos (D.D) en dictadura militar (1973-1990). En estos dos modos el retrato es un código visual que abre cuestionamientos en torno a quién ve el retrato, cómo se ve este y qué lugar ocupa, estableciendo relaciones entre testimonio, poder y memoria. Profundizaremos en el retrato pictórico decimonónico del capitán de fragata, que se explicita en la distinción del estatus militar en su contexto privado, y se reconfigura en la escena pública como hombre de armas mitificado en la figura de héroe. Dicha significación acompaña el cambio del código del retrato pictórico, que transita hacia espacios de hiperrepresentación global, en el que se inscriben nuevos discursos. El segundo caso navega en el origen y tránsito del retrato del D.D, que va desde la fotografía del álbum familiar a una imagen incluida a la vida pública como retrato-cartel. Aquí la imagen se posiciona como reclamación social, suponiendo un cambio en el significado del mismo retrato. El paso va desde la esfera privada a la pública, así como un pasaje entre el retrato que individualiza al sujeto con sus características personales, a un sujeto cuya identidad visual (la fotografía con rigurosidad) se disuelve para dar paso a un símbolo que aglutina la idea global de quienes han desaparecido. En ambos casos el retrato como transición y transacción de discursos que van de lo local a lo global, opera en una forma simbólica. El retrato adquiere entonces una condición orgánica que se tiñe del propio devenir social y que, en estos casos, levanta la tensión del retrato como testimonio, como reclamación social y como mito que refuerza oficialidad.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5230
La producción artística en el ámbito educativo. El proyecto escénico como herramienta de aprendizaje.
Authors: Vernia-Carrasco Ana Mercedes
Published: October 2017

Podemos entender la producción artística dentro del terreno profesional y como parte del currículum en determinadas formaciones. Nuestra propuesta parte de un proyecto escénico como herramienta de aprendizaje en el grado de maestro de educación primaria  y cómo la gestión de dicho proyecto puede repercutir en diferentes competencias transversales, que ayuden a mejorar el rendimiento del alumnado e incremente sus conocimientos relacionados con la materia de Didáctica de la Expresión Musical, llegando a conectarse con la realidad, para que la formación pueda ser útil no sólo desde las competencias específicas del Currículum. La visión respecto de la producción artística está muy vinculada a la gestión cultural, en cambio, podemos entender que la gestión no sólo debe pasar por temas económicos, sino que debe incidir en el terreno social, educativo, y de sostenibilidad. Los maestros de educación musical suelen hacer sus propias producciones artísticas, sin haber disfrutado a lo largo de su formación de meros conocimientos que implica la profesión, reduciéndose al final a un simple espectáculo de aula, que en el mejor de los casos ven los familiares y amigos del propio alumnado. Nuestro primer paso ha sido averiguar, a través del futuro maestro de primaria, si un proyecto escénico podría ayudar a un aprendizaje significativo, fuera y dentro del aula. Nuestro segundo paso sería, cómo este alumnado de tercero en grado de primaria puede ser productor de su propio proyecto y qué competencias puede desarrollar.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5330