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Comment Peut-On Être Persan? Ou Les Enjeux D’Une Analyse Flmique
Authors: Jucquois-Delpierre Monique
Published: April 2018

This article studies the character of the “Stranger” in film in the light of theories and methodologies developed in intercultural communication studies by ethologist Edward T. Hall, in film narratology by Peter Wuss, and in literary studies by Vincent Jouve. The personality of the stranger is analyzed through a theoretical model derived from Wuss’s three filmic structures - the conceptual, the perceptual and the stereotypical - and Jouve’s approach to the analysis of novelistic characters. Through the lens of Wuss’s three structures, this article seeks to answer questions similar to the one posed by Montesquieu in his 18th-century Lettres Persanes : “How can one be Persian?”
The Epistemology of Adaptation in John Greyson's Lilies
Authors: Howe Lawrence
Published: April 2018

John Greyson, dans son adaptation cinématographique de la pièce Les Feluettes de Michel Marc Bouchard, emploie une mise en scène novatrice pour aborder le discours dénonciateur de Bouchard et les conflits épistémologiques du drame. L’approche empruntée par Greyson réussit à dépasser le cadre limité de la pièce, mais se heurte souvent à des contradictions narratives qui ne peuvent être résolues que par l’utilisation de techniques conventionnelles. Greyson tire avantage de ce recours aux conventions en mettant l’emphase sur l’intertextualité du film, qui amalgame les pratiques radicales du théâtre gai et l’œuvre nostalgique de Stephen Leacock, Sunshine Sketches of a Little Town. Il résulte de cette combinaison frappante une analyse de l’hétéro-normativité qui a échappé à la majorité des critiques.
Film Fragments, Documentary History, and Colonial Indian Cinema
Authors: Majumdar Neepa
Published: April 2018

Seulement trois documentaires muets indiens existent toujours. Au-delà de l'analyse textuelle, l'examen de ces films soulève plusieurs questions historiographiques, telles que la formation accidentelle du canon reliée au hasard de la survie ou de la disparation des oeuvres; les conditions de lecture partielle que ces films permettent; les relations entre le cinéma local et le cinéma colonial, en particulier pour les films de promotion de la Indian Railways; et les styles de photographies déployés dans ces documentaires, tel le pittoresque.
Silent Film and the Early Fiction of Stephen Leacock
Authors: St. Pierre Paul Matthew
Published: April 2018

En plus d’offrir une parodie du cinéma muet mélodramatique, la nouvelle de Stephen Leacock, « Madeline of the Movies : A Photoplay Done in Words » (1916) montre aussi comment les spectateurs des années 1910 ont appris à comprendre les films de l’époque. Leacock recrée de façon humouristique l’apprentissage d’une narratrice naïve qui découvre le langage du cinéma, comme les gros-plans, les raccords, les intertitres, les retours en arrière et le montage.
The “Valuable Deformity”: Calipers and the Failed Trope of Postcolonial Debt in Deepa Mehta's Earth
Authors: Budde Robert
Published: April 2018

Dès le début de Earth, la cinéaste Deepa Mehta établit un parallèle entre une assiette fracassée, un pays morcelé et le corps endommagée de la jeune Lenny. Par un décodage idéologique de ce physique infirme, la réalité corporelle vécue de ce corps échappe au regard critique. Ôn ne remet pas en question la gestion et le positionnement du corps perclus, qui n'est qu'une métaphore de la gestion et du positionnement postcoloniaux. Le corps de Lenny est empreint de dystrophie. On la réprimande et la tourmente. Les personnages non-handicapés la bousculent. Ce qui illustre le champ social qui démarque Lenny. Pour ces personnages, comme pour le spectateur, le corps de Lenny est une surface qui évoque le « schéma » aristotélicien or le « réceptacle » platonicien, et il est ainsi hors de lui-même. Quand Judith Butler explique que le corps importe, elle note que « ce qui constitue la fixité du corps … sera repensé sous l'action du pouvoir. » Earth nous permet d'explorer l'inscription du pouvoir sur le corps.
Dresden Story and the Emergence of the Talking Head in the NFB Documentary
Authors: Baker Michael Brendan
Published: April 2018

Peu d’histoires du cinéma documentaire délimitent clairement l’apparition du sujet interviewé comme dispositif rhétorique standard des films de nonfiction. En concentrant notre étude sur le développement de la « tête parlante » dans les documentaires de l’Office national du film du Canada, nous pouvons identifier les circonstances qui ont entouré l’émergence de ce procédé à l’intérieur du vocabulaire et de la culture filmiques. Plusieurs théories de la voix et de la performance dans le documentaire informent notre analyse de Dresden story, une production peu connue de l’ONF pour la CBC, portant sur les tensions raciales grandissantes dans une petite ville ontarienne au début des années 50. Ce film de nonfiction comporte diverses formes d’énonciation directe, incluant la narration en voix off, un animateur de télévision, des entrevues devant la caméra et des tables rondes. Tout cela illustre un point tournant dans l’histoire de la « tête parlante » dans le documentaire canadien.
Robert Morin, Vidéaste du Spectacle
Authors: Côté-Fortin Israël
Published: April 2018

Robert Morin holds an important place in the recent history of Quebec cinema due to his unique filmic practice which constantly questions the notion of reality. Morin’s videos, even more so than his feature films shot on 35mm, overtly mix fiction and documentary to the point where any distinction between the two modes disappears completely. This draws our attention to a central aspect of his work, the phenomenon of the Spectacle. This concept, introduced by Guy Debord in The Society of the Spectacle, affords a new perspective on Morin’s oeuvre. In the process, one can identify a particular path in the development of contemporary Quebec film by which Morin’s work can be interpreted as an evolutionary development of his predecessors in the direct cinema movement.
Nanook of the North et le Cinéma Ethnographique: Cinédoc ou Synecdoque?
Authors: Serruys Nicholas
Published: April 2018

Robert Flaherty produced the first documentary with a view to exalting the survival of the fittest among the Inuit. Like many discourses on the other, this film is at once celebratory and condescending. The director worked within a socio-historical context that had faith in the ability of anthropology and cinema to document the other in an objective fashion. But his perspective is romanticized through the lens of preestablished ideologies. This tension between reality and fiction generates both admiration for the film and denunciation of its preconceptions, of documentary practices in general and of ethnographic discourse as a whole. However, to appreciate the scope of Flaherty’s work, one must take into consideration his aesthetic intentions and the limitations of the medium. Because of its inherently fragmentary character, the cinematic apparatus always substitutes the part for the whole: the synecdoche is integral to the “cine-doc”. Having carefully chosen to suspend a postcolonial critique, the author considers the narrative forms of myth and allegory as a means not to apologize for the film, but rather to acknowledge its transcultural potential.
Old Films, New Sounds: Screening Silent Cinema with Electronic Music
Authors: Davis Blair
Published: April 2018

Les diverses circonstances qui entourent le visionnement d’un film dans un cours de cinéma influencent profondément la réaction des étudiants face à l’oeuvre en question. Que ce soit l’information fournie au sujet du film avant sa projection ou la qualité de la copie utilisée, les choix de l’instructeur peuvent avoir un impacte déterminant (et parfois imprévu) sur la réception du film. Cet article retrace les expériences d’un instructeur qui a tenté d’identifier les divers effets sur les étudiants de la musique d’accompagnement des films muets. Au cours d’un visionnement en particulier, une musique d’accompagnement électronique a été très efficace au près des étudiants. Cela a mené à une série d’expériences pédagogiques visant à déterminer si les étudiants répondent aux films muets plus favorablement si l’accompagnement est moderne plutôt que traditionnel. Cette recherche a été entreprise non seulement pour répondre à mon propre besoin d’améliorer mes méthodes d’enseignement, mais aussi pour fournir un modèle à d’autres instructeurs qui veulent diversifier leurs façons de présenter des films muets.
The Cyber Sublime and the Virtual Mirror: Information and Media in the Works of Oshii Mamoru and Kon Satoshi
Authors: Gardner William O
Published: April 2018

L’influence des médias et de l’informatique sur les sociétés humaines constitue un des principaux thèmes façonnant les stratégies visuelles et les orientations philosophiques des animes de Oshii Mamoru et Kon Satoshi. L’analyse des Ghost in the Shell et Innocence d’Oshii révèle ainsi que le développement d’une esthétique du sublime cybernétique se trouve simultanément fondé sur un univers hiérarchique et animé par un rêve de transcendance. L’étude des films de Kon, tels Perfect Blue, Millennium Actress et Paprika, dévoile quant à elle une approche très différente des questions de représentation : celle du « miroir virtuel ». Dans ces œuvres, la réalité quotidienne est saturée de portails ressemblant à des miroirs, et menant à des lieux identitaires alternatifs où l’on se prête à des jeux intersubjectifs ; des espaces nonhiérarchiques qui, contrairement à la vision d’Oshii, suggèrent une vue immanente de l’univers.
From Doppelgänger to Monster: Kitano Takeshi’s Takeshis’
Authors: Miyao Daisuke
Published: April 2018

Dans le douzième film de Kitano Takeshi, Takeshis’ (2005), le célèbre chanteur/acteur queer Miwa Akihiro qualifie de monstre la grande vedette de télévision et de cinéma Beat Takeshi, alter ego du cinéaste Kitano Takeshi. Comment doit-on interpréter cette référence au monstre, tant au niveau diégétique que non-diégétique ? Si Beat Takeshi ou Kitano Takeshi sont qualifiés de monstre dans ce film, de quel genre de monstre s’agit-il, et quelle en est la signification ? L’origine latine du terme « monstre », « monstrum », signifie « symptôme » ou « avertissement ». Quels symptômes ou avertissements pouvons-nous détecter dans Takeshis’ ? Procédant d’une analyse approfondie des détails visuels de Takeshis’, et plus particulièrement de la représentation du désordre schizophrène de Beat Takeshi/Kitano Takeshi, cet article propose une interprétation faisant de Takeshis’ un symptôme de l’identité multiple des contextes culturels et technologiques de l’ère numérique.
Newfangled Computers and Old-Fashioned Romantic Comedy: You’ve Got Mail’s Futuristic Nostalgia
Authors: Morrison Aimée
Published: April 2018

Tom Hanks et Meg Ryan interprètent deux propriétaires de librairies rivales de l’Upper West Side de New York dans You’ve Got Mail (1998), la comédie romantique de l’ère Internet de Nora Ephron. Les opposants ne réalisent pas qu’ils sont aussi des amis virtuels, aussi chers qu’anonymes, échangeant des confidences de plus en plus intimes et qu’ils sont destinés, par les conventions narratives de la comédie romantique, à consommer leur romance dans la vie réelle tout comme dans la vie branchée avant la fin de la dernière bobine du film. Cet article questionne la façon avec laquelle ce qui n’est d’abord qu’un terne conflit économique peut se transformer en un récit de comédie romantique à succès, proposant que ni une nostalgie toute de rose teintée (pour le film de l’âge d’or hollywoodien dont il est une nouvelle version), ni un futurisme techno-déterministe (mis en évidence par la place qu’occupe le dispositif de messagerie électronique) ne peuvent en rendre compte. Plutôt, le film d’Ephron déploie ultimement aussi bien le futurisme que la nostalgie, de façon sélective, pour rendre le cadre narratif plus actuel, et donc plus acceptable pour l’audience, et faire une intrigue romantique plus plausible.
“Until Justice is Done”: Authenticity and Memory in Paul Greengrass’s Bloody Sunday and United 93
Authors: Greenlaw Duncan
Published: April 2018

Établissant des liens entre les visées des représentations politique et cinématographique dans les films de Paul Greengrass Bloody Sunday et United 93, cet article pose la question de ce que signifie « faire justice » à des événements nationaux traumatiques. Les stratégies du réalisateur pour faire justice à ces événements en capturant authentiquement aussi bien l’histoire que les identités culturelles des sujets impliqués (les soldats britanniques et les manifestants républicains en 1972 et les passagers et les pirates de l’air en 2001) font écho à des distinctions théoriques non résolues du travail de Derrida et Benjamin, entre la loi et la justice, entre les conceptions auratiques et non-auratiques de l’art et entre la mémoire volontaire et non volontaire. Oscillant d’un pôle à l’autre de ces oppositions, les films démontrent comment les récits de l’authenticité et de la justice excèdent les présuppositions mêmes sur lesquelles ils reposent. Mais encore, ils révèlent aussi que, dans cet échec pour rendre compte de l’histoire, un genre particulier de « justice disjonctive » émerge — un qui anticipe la réévaluation créative et la remémoration continue des événements traumatiques.
“Vicious Womanhood”: Genre, The Femme Fatale and Postwar America
Authors: Jancovich Mark
Published: April 2018

On a souvent fait remarquer que le film noir peut être compris comme une idée que nous projetons sur le passé et qu’elle fait alors obstacle plutôt qu’elle n’aide notre compréhension de ce passé. Cet article suggère que la même chose est vraie de la figure de femme fatale et que, même si les commentateurs des années 1940 ont reconnu que cette « image odieuse » de la condition féminine était un des thèmes hollywoodiens les plus éculés, ils le concevaient d’une façon très différente des critiques d’aujourd’hui. Non seulement ce thème émerge au début plutôt qu’à la fin de la guerre, mais cette représentation de la femme n’était pas tant une tentative pour diaboliser la femme indépendante travailleuse des années de guerre mais, au contraire, était souvent associée à la domesticité et à l’image typique du « slacker »*. Cet article se concentre sur la période d’après-guerre, lors de laquelle ces femmes « odieuses » ont continuée d’être associées à la dépendance plutôt qu’à l’indépendance et faisaient partie d’un large ensemble de films, notamment le film de femmes, plutôt qu’au genre spécifique que nous appelons aujourd’hui le film noir.
Ciné Forum: Roudtable: History of Canadian Film Studies
Authors: Wasson Haidee , Zryd Michael
Published: April 2018

L’histoire des études cinématographiques considérées en tant que discipline n’a reçue que tout récemment l’attention des chercheurs. Dans un effort pour initier l’assemblage des histoires de cette discipline, cette table ronde regroupe des personnes qui furent importantes pour la fondation de programmes d’études au Québec et en Ontario : Kay Armatage, André Gaudreault, John Locke, Peter Morris, and Maurice Yacowar. Les premiers développements discutés incluent la cinéphilie, les sociétés de film et les cinémas de répertoire, l’enseignement du cinéma dans les départements comme ceux d’anglais, d’études féministes, de communication et de Beaux-Arts, les technologies comme le projecteur analytique et la vidéo, le nationalisme ou l’internationalisme et les publications influentes.
Bridging the Gap: Film Festival Governance, Public Partners and the “Vexing” Problem Of Film Distribution
Authors: Burgess Diane
Published: April 2018

En 2004, des préoccupations au sujet de la gouvernance des festivals de films et l’essor d’un cadre de travail fondé sur la mesure de la performance ont incité Téléfilm Canada à reconsidérer le support que l’organisme accordait aux festivals locaux. Une série de rapports a tenté de délimiter les facteurs de succès pour établir la valeur de l’évènement. Cette initiative a malencontreusement donné forme à une intervention malhabile auprès du festival de Montréal et a conduit à réviser le programme Le Canada à l’affiche. Parce que leurs fonctions incluent le développement professionnel, la mise en marché ainsi que l’accès à la culture, les festivals de films se sont avérés difficiles à situer sur l’échelle de valeur d’une industrie définissant l’audience nationale à la fois comme public et comme marché. Cet essai examine la relation entre le financement fédéral et la gouvernance des festivals, en particulier à travers les rapports L’analyse des grands festivals de films canadiens (2004), Pratiques exemplaires pour le financement des festivals (2006), Évaluation de l’aide octroyée par Téléfilm aux festivals audiovisuels canadiens (2007). Des tensions non résolues entre, d’une part, les objectifs stratégiques visant à construire l’industrie et, d’autre part, ceux visant à construire les audiences apparaissent dès lors informer les visées trop englobantes d’une politique culturelle de stimulation du cinéma national.
The Other Small Screen: Moving Images at New York’s World Fair, 1939
Authors: Wasson Haidee
Published: April 2018

Cet article fait un portrait extensif des conditions, des conséquences, des contextes d’émergence de l’écran petit et portable pendant l’entre-deux-guerres, en se concentrant principalement sur la Foire Internationale de New York 1939-1940, un évènement unique mais négligé dans l’histoire des technologies du cinéma. L’article montre comment le petit écran de projection et ce qu’il rend possible—messages par texte animé, contrôle de la circulation, publicité—permet de concevoir l’histoire de la technologie cinématographique, de l’exploitation, des différents dispositifs d’images en mouvement et de leur circulation, d’une façon productive. L’étude des écrans de petite taille permet aussi de faire la démonstration de la diversité des usages potentiels du film et de la variété des modèles de réception. De plus, il sert d’indicateur quant aux fonctions potentielles du « petit cinéma » de l’après-guerre qui va croitre aux côtés de la télévision et en dépit du déclin des grandes salles.
Vacationland: Film, Tourism, and Selling Canada, 1934-1948
Authors: Brégent-Heald Dominique
Published: April 2018

Cet essai examine l’histoire des politiques et des interventions du gouvernement canadien dans l’utilisation de film cinématographiques pour vendre le Canada comme un lieu de vacances aux touristes américains entre 1934 et 1948. Le gouvernement reconnut alors que l’activité commerciale s’adressant aux touristes était un facteur clé dans la santé de l’économie nationale. Le secteur public adopta le cinéma comme le média le plus efficace et le plus moderne pour annoncer le Canada aux touristes potentiels outrefrontière. Les “films de touristes” qui sont sortis à la fois dans les salles et via d’autres réseaux de distribution ont présenté le Canada comme une destination touristique désirable en faisant un portrait antimoderniste des paysages canadiens en même temps que, paradoxalement, ils présentaient le Canada comme un état moderne.
Ciné-Documents: Negotiating the Representation of the December 6th Massacre or When Feminism and Anti-Feminism Meet in the Same Film
Authors: Blais Mélissa
Published: April 2018

In this English translation of a chapter of her 2009 book “J'haïs les féministes!” Le 6 décembre 1989 et ses suites, Mélissa Blais presents a radical feminist study of the 2009 film Polytechnique as an important event in the ongoing construction of the collective memory of the massacre. Beginning with an overview of how Quebec gender politics were marked by male domination in 2009, the article goes on to offer a critical analysis of the film's gendered characterization. Finally, Blais develops an analysis of the film's coverage by Montreal francophone daily newspapers Le Devoir and La Presse, arguing they develop a "negotiated" account of the film by juxtaposing elements of both a feminist and anti-feminist discourse. Of particular significance is a consistent construction of suffering masculinity in the film and in the mass media discourse surrounding it that occludes the misogynist and anti-feminist nature of the 1989 massacre.
The Romantic Model of 2001: A Space Odyssey
Authors: Rowe Christopher
Published: April 2018

Cet essai examine le film de Stanley Kubrick 2001: A Space Odyssey (1968) à la lumière de méthodes qui sont en phase avec le romantisme européen. Dans une telle perspective, l’utilisation d’une imagerie abstraite et d’une chronologie non linéaire reconfigure le mode de réception du film pour en souligner certains phénomènes typiquement romantiques tels que le renouvellement de la perception, la transcendance temporelle et le sublime. Puisque ces qualités sont généralement associées au cinéma expérimental américain — un genre lié de façon explicite aux films de Kubrick — leur présence dans un film-spectacle de science-fiction à gros budget remet en question notre capacité à définir 2001 comme un film narratif et mimétique au sens usuel du terme. Au bout du compte, ces éléments convergent vers une façon de regarder le film comme une allégorie évolutionniste complexe qui implique le spectateur dans son canevas symbolique, lecture du film soutenue par les théorisations du cinéma faites par Gilles Deleuze, Fredric Jameson et plusieurs autres.
The Seventeenth Century on Film: Patriarchy, Magistracy, and Witchcraft in British Horror Films, 1968-1971
Authors: Harmes Marcus K.
Published: April 2018

Cet article soutient qu’une série de films faits entre 1968 et 1971 et dont l’action se déroule au dix-septième siècle, marque l’arrivée d’une transformation, non seulement du cadre typique du film d’horreur britannique, mais aussi de la façon dont est représentée l’autorité patriarcale dans les oeuvres d’horreur britanniques. Alors que les films à l’étude ont souvent été lus comme véhiculant et assurant la défense de différents courants de la contreculture, reflétant ainsi le mécontentement social typique des années soixante à travers le prisme déformant du dix-septième siècle, cet article endosse la position contraire. Il entend montrer que situer l’action des films au dix-septième siècle a permis aux réalisateurs de films d’horreur qui travaillaient pour la petite compagnie de production Tigon d’endosser à nouveau une forme de patriarcat que les studios Hammer, les plus gros d’Angleterre, remettaient en question.
Female Figurations in Kiarostami’s the Wind Will Carry Us
Authors: Saeedi Pouneh
Published: April 2018

L’essai qui suit met en lumière l’importance de la représentation des femmes dans le film The Wind Will Carry Us (1999) du réalisateur Iranien Abbas Kiarostami. L’étude soutient l’idée que les personnages féminins, peu nombreux, ont un impact sur la transformation du personnage principal, Behzad, que l’on nomme, avec déférence, “l’ingénieur”. Dans son affection pour la poésie, il manifeste déjà une ouverture pour l’adoption de nouvelles perspectives face à la vie. De surcroît, le film fait un tableau de l’écriture féminine dans sa circularité, dans sa répugnance à l’achèvement, son accentuation de la beauté de la vie. La poésie, disséminée dans le récit, souligne l’importance de “l’écriture féminine” qui, avec l’accent qu’elle met sur la vie, mène Behzad, qui était initialement obsédé par la mort, à recouvrer l’appréciation de ses beautés multiformes.
Hitchcock’s Psycho in Stephen Frear’s The Grifters
Authors: Heimpel Rod S.
Published: April 2018

Dans cet essai, l'auteur propose une lecture intertextuelle de deux films: Psycho d'Alfred Hitchcock et The Grifters de Stephen Frears. Étant donné que le terme d'intertextualité n'est certainement pas innocent, et compte tenu de la tendance À confondre les notions d'intertexte et d'influence, il est donc nécessaire dans un premier temps d’élaborer et de penser les questions théoriques les plus larges qui caractérisent toute tentative de lecture intertextuelle. Ensuite, à la lumière des théories de Michael Riffaterre, Gérard Genette, Roland Barthes et d'autres, l'auteur soutient que Psycho, à titre d'intertexte complémentaire de The Grifters, se trouve “retravaillé” à travers les scènes ayant trait au “motel” et, ailleurs, à travers les investissements sémantiques variables du verbe “payer.”
Novel, Play, Film: The Three Endings of Gordon Pinsent’s John and the Missus
Authors: Loiselle André
Published: April 2018

Gordon Pinsent a réalisé trois versions de son oeuvre John and the Missus: un roman, une pièce de théâtre et un film. Au cours du processus d'adaptation d'un média à l'autre, l'histoire de John et Nan Munn a subi de très importantes modifications. Cet article propose d'étudier certaines des différences les plus marquantes entre les trois versions, en particulier les scènes finales de ces textes, de façon à mettre en lumière les modalités de la transposition médiatique. en se basant sur les théories narratologiques exposées dans le livre d'andré Gaudreault, Du Littéraire au filmique (1988), et empruntant quelques notions à la psychocritique cinématique de jean-louis baudry, cet article conclu que le choix de pinsent de présenter l'histoire de John Munn sous forme de conflit psychologique interne dans le roman, de dialectique externe dans la pièce, et de vision onirique dans le film témoigne d'une compréhension profonde, de la part de l'auteur, du caractère distinct de chacun de ces trois médias.
Unforgiven and the Uncertainties of the Heroic
Authors: Beard William
Published: April 2018

Le film Unforgiven problématisé la question de l'héroïsme, manifestée dans les personnages transcendentaux-héroïques interprétés par Clint Eastwood dans ses westerns et ceux que l'on retrouve dans le genre même du western, d'une manière délibérée et systématique. En présentant son personnage en tant que protagoniste divisé en facettes prosociale et antisociale, et en idéntifiant la facette antisociale par le personnage d'Eastwood dans les westerns antérieurs, Unforgiven critique la réception non-critique du personnage eastwoodien violent et questionne le statut même de cette image. Le film thématise égalment les termes de l'intervention du héros-transcendental dans une “frontier society” emblématique, et en particulier la création, ainsi que la consommation, de l'idée de héros autant à l'intérieur de la narration que pour un public qui connaît déjà le genre.
Perfectly Normal, Eh?: Gender Transformation and National Identity in Canada
Authors: Kaye Janice
Published: April 2018

Dans la comédie canadienne Perfectly Normal (1991) il y a un moment clé du transvestisme où l'on voit un ouvrier spécialisé italo-canadien se transformer en objet du désir mâle et féminin. La féminisation de Renzo s’aligne avec celle du Canada: un symbole féminin, jeune et sans puissance, sans culture ni histoire, qui contraste avec les États-unis comme emblème mâle plus agé et puissant, plein de culture, d'histoire et corruption, tel qu’incarné par le personnage d'Alonzo, le partenaire en affaires de Renzo. Tandis que Renzo est situé dans le paysage, l’Américain solitaire, voleur et hors-la-loi, traverse les frontières librement, pour y imposer le rêve américain. Cette communication démontre comment les répresentations canadiennes des sexes se mêlent aux problèmes de la construction d'une identité nationale.
Social Surfaces and Psychic Depths in David Wellington's I Love a Man in Uniform
Authors: Ramsay Christine
Published: April 2018

Le texte situe le film dans le contexte de la tradition culturelle canadienne qui s'identifie par ses préoccupations avec une identité masculine troublée, le conformisme social, et la soumission coloniale. À travers ses images ambigües et souriantes, le film de üavid wellington articule les thèmes psychanalytiques du mâle canadien perdant dans le context social ü'une transposition typiquement canadienne de la culture occidentale. Ceci se fait tant au niveau de la narration (le récit d'un suicide) qu'au niveau de la signification (une réflection cinématographique sur le psyché mâle, le système, l'image esthétique, et la mort), de telle façon à proposer une conscience trouble que ni la psychologie individuelle ni l’ordre socio-culturel ne peuvent adéquatement expliquer, ni les pathologies personelles et culturelles, ni les abimes de la souffrance humaine qu’elle représente.
Les réferences cinéphiliques chez Woody Allen: construire une oeuvre sur la base de l'intertextualité
Authors: Fortin Denis
Published: April 2018

Since the beginning of his career, American director Woody Allen has employed several cinematographic styles. By means of burlesque, psychological comedy and drama, the filmmaker has created an oeuvre that is distinguished by the great richness of its cinematographic écriture. One important aspect of his artistic enterprise lies in the use of film references. The use of intertextuality in his work allows one to trace influences from films as well as other spheres of artistic activity. This paper examines four large categories of citation: «direct», «indirect», «implicit» and «extra-cinematographic.» Allen’s use of intertextuality allows him to reinvent the use of parody, making it a key element to grasp a secondary level of understanding in his work.
Querying or 'Queering’ the Nation: The Lesbian Postmodern and Canadian Women’s Cinema
Authors: Bruce Jean
Published: April 2018

La notion fugitive de l'identité et son «inscription» dans l'imaginaire du paysage culturel canadien forme la trame de nombreux films canadiens. Afin d'explorer cette notion éphémère à travers la sexualité lesbienne et aussi afin de présenter un fond historique au projet, ce texte traite de La vie revée (Mireille dansereau, 1972), and Forbidden Love (Aerlyn Weissman and Lynne Fernie, 1992). L'utilisation du terme «le postmoderne lesbien» permer de scruter ces films en tant que documents culturels ayant une dimension politique et esthétique. Le texte explore les rapports entre certains contextes «indisciplinés» et leurs spectatrices—en d'autres mots, questionne l'abérration potentielle des films et leurs contextes spectatoriels.
Hose Stalking: Heavenly Creatures as Feminist Horror
Authors: Henderson Jennifer
Published: April 2018

Cet article utilise le terme «horreur féministe» pour faire rérérence á la spécificité historique des modalités d'interpellation du film Heavenly Creatures. La première partie suggère que le film exprime allégoriquement la rupture actuelle entre les identités et discours féministes et lesbiens incarnée par la réaction des jeunes filles contre l'interdiction du féminisme apparaîssant sous la forme d'introjection personnifiée par une Mère symbolique. L'horreur de Heavenly Créatures repose sur la contradiction féministe d'un lesbianisme qui se reconstitue en relation transgressive face á la Mère. La deuxième partie démontre que l'allégorie de la rupture discursive est complexifiée par la négation de l'apriorisme du désir lesbien et par la spécificité matérielle accordée á la Mère symbolique. Le désir lesbien de Pauline Parker, tel que représenté sous la forme d'un matricide commis en 1954, est indissociable du désir de gravir les classes sociales. Sa mère n'est pas simplement la représentante de la loi répressive, mais symbolise aussi la mère prolétaire abjecte avec laquelle le spectateur devrait sympathiser. La dernière partie analyse la sédimentation complexe du matricide dans le fantasme meurtrier qui le préfigure. Le fantasme implique le spectateur dans l'agression criminelle commise par Pauline et Juliet, mais cette agression est dépourvue d'effet libérateur.
“Everything Represents, Nothing Is”: Some Relations Between Ingmar Bergman’s Films and Theatre Productions
Authors: Koskinen Maaret
Published: April 2018

Étant donné que, pendant toute sa carrière, Ingmar Bergman a travaillé â la fois au théâtre et au cinéma, il est plus probable que ces deux pratiques se soient réciproquement influencées de façon bénéfique. Cet article démontre que, si l'on examine les films de Bergman à la lumière de ses oeuvres théâtrales, certaines interprétations qui échappent â l’analyse strictement cinématographique deviennent possibles. De la même façon, certains aspects formels et stylistiques de son corpus dramatique et théâtral peuvent être mieux compris si l'ûn étudie la filmographie du cinéaste.
An Introduction to Notes and Proposals by Arthur Lipsett
Authors: Dancsok Michael
Published: April 2018

Cet article introduit huit textes d’Arthur Lipsett conservés aux archives de l’Office nationale du film et de la Cinémathèque québécoise. Écrits sur une période de douze ans, ces descriptions de projets témoignent d’une consistance remarquable au niveau des thèmes et des intentions. Ils élucident aussi la complexité et le caractère esotérique de l’oeuvre de Lipsett et, nous l’espérons, déclencheront un nouvel intérêt pour ce cinéaste méconnu.
Dead Queers: One Legacy of the Trope of “Mind Over Matter” in the Films of David Cronenberg
Authors: Ramsay Christine
Published: April 2018

À partir des idées de Thomas Waugh, qui suggére de rendre «queer» les canons du cinéma canadien, cet article questionne la notion populaire et postmoderniste que le cinéma de David Cronenberg est radical et que ses héros sont transgressifs. En résponse à la proposition de Waugh de changer la perspective théorique actuelle de l’étude masculiniste du cinéma canadien, qui adopte le préjugé hétéronormatif des débuts du féminisme, en lui substituant un discours social plus inclusive basé sur les concepts «queer» du continuum homosocial, du désir homosocial et de l’homophobie, cet article esquisse les bases d’une lecture dialogique/féministe/«queer» des films de cet auteur apparemment progressiste, mais dont l’oeuvre est joncher d’homosexuels morts. Plutôt qu’un cinéma de libération et de transformation masculines, l’oeuvre de Cronenberg se révéle comme romantique, phallique et narcissique dans son traitemement hystérique du corps et de l’autre «queer» féminisé.
Despair as Empowerment: Melodrama and Counter-Cinema in Anne Claire Poirier’s Mourir à tue-tête
Authors: Loiselle André
Published: April 2018

Lors de sa sortie en 1979, Mourir à tue-tête d’Anne Claire Poirier a déclenché une polémique orageuse. Les uns ont applaudi l’audace de cette condamnation sans compromis de la violence faite aux femmes, alors que les autres ont critiqué Poirier pour avoir eu recours à des stéréotypes et avoir versé dans l’obscénité. Ces réactions polarisées découlèrent peut-être du fait que le film suit deux trajectoires distinctes, qui permettent à la fois un discours de prise de pouvoir féministe et une expérience d’entropie affective. Comme cet article le suggère, le film utilise les modes d’expression apparemment paradoxaux du mélodrame et du contre-cinéma pour créer une problèmatique intellectuelle, idéoligique et narrative, tout en faisant appel aux émotions des spectateurs.
The Spectre of Louis Riel: Opera, Archive, and the Silent Witness
Authors: Moll Sorouja
Published: April 2018

“The Spectre of Louis Riel: Opera, Archive, and the Silent Witness” is a critical review of the Canadian Opera Company’s (COC) 2017 revival of Mavor Moore and Harry Somers’s 1967 production Louis Riel. The essay considers director Peter Hinton’s prompt for audiences to “question why we need to keep re-telling our history” by further questioning the COC’s use of Louis Riel as its subject when commemorating Canada and its use of the production’s original colonial structure in an attempt to demonstrate the concept of reconciliation.
Interfacial and physico-mechanical properties of walnut shell fiber reinforced polyester matrix composites
Authors: Açıkbaş Gökhan
Published: April 2018

Turkey produces over 200,000 tons of walnut annually as the fourth largest producer in the world. Walnut shells amount to 40–60 % of the total weight, rendering over 100,000 tons of shells per year, mostly as waste. A limited quantity is utilized for fiberboard manufacturing, some as solid fuel or as scrubbing material in the chemical and metal industries. The purpose of this study is to develop low-cost polyester composites with enhanced physico-mechanical properties by using walnut cellulosic fibers as a reinforcement phase for polyester resin. The process not only makes production more economical but also reduces waste. The shells were ground and a detailed characterization of the waste fibers was carried out by scanning electron microscopy, X-ray diffraction, FTIR, laser diffraction and He gas picnometer techniques. The effects of the filler to matrix ratio as well as chemical treatment of walnut fibers on the physical and mechanical properties of the composite were determined. The composites were characterized by means of measurements for porosity, density, three point bending strength, impact resistance and hardness. The structure-property relationship of developed composites was discussed. Optimum physico-mechanical properties were obtained through a hydrophobic solution treatment of the powder since this provided better processability and enhanced interfacial adhesion.
Effects of process parameters on the quality of PLA products fabricated by fused deposition modeling (FDM): surface roughness and tensile strength
Authors: Altan Mirigul , Eryildiz Meltem , Gumus Beril , Kahraman Yusuf
Published: April 2018

This study investigates the effects of process parameters on the quality of products fabricated by fused deposition modeling (FDM), such as surface roughness and tensile strength. Polylactic acid (PLA) samples were built on a FDM machine at various layer thicknesses, nozzle temperature and deposition head velocity. The effect of cooling the samples during the process was also considered. The experimental study was performed according to a mixed type Taguchi L16 orthogonal array. The effectiveness of each parameter was also discussed by an analysis of variance (ANOVA). The tensile strength results were compatible with the optical images of the fracture surfaces while the surface roughness results were compatible with the surface topography of the parts along the thickness. The two dominant quality characteristics were found to be layer thickness and deposition head velocity. Lower layer thickness values yielded higher tensile strength and lower surface roughness. Use of a cooling fan and nozzle temperature were found to be the least effective parameters. Finally, the results indicated that tensile strength and surface quality of the FDM samples improved about 25 %, and 12 %, respectively at optimal process conditions.
Supplementary finite element analysis in experimental testing of total hip stems
Authors: Kluess Daniel , Lange Hans-E. , Heyer Horst , Sander Manuela , Mittelmeier Wolfram , Bader Rainer
Published: April 2018

Before an implantable medical device passes market clearance, a number of mechanical tests need to be conducted in order to verify the mechanical safety of the product. With regard to total hip replacement stems, these are subject to fatigue tests both in the proximal region of the neck as well as in the distal region of the shaft. Despite these tests, we experienced two clinical fractures of the same product in our clinic. It was shown that these fractures were initiated by a laser engraving of the manufacturer with subsequent crack growth. The basic question raised in the present work was to find out why fracture may not have occurred during experimental preclinical testing. Hence, a supplementary finite element analysis was conducted considering the same hip stem under the prescribed conditions of the test standard in different variations. It was found that the choice of orientation and side (left or right leg) strongly influences stress in the hip stem which has not yet been prescribed in test standards. Depending on the side, only compressive stress may be acting in the experimental situation on the locations under risk, thereby inhibiting clinically relevant crack growth and concealing an actual fracture risk.
Ratcheting testing of polytetrafluoroethylene (PTFE) under multiple-step compression
Authors: Wang Wei , Zheng Xiaotao , Ma Linwei , Lin Wei , Yu Jiuyang
Published: April 2018

Uniaxial stress-controlled ratcheting experiments of PTFE (polytetrafluoroethylene) under cyclic compressive loads with multiple load steps were performed. The influence of stress rate, temperature, stress amplitude, loading sequence and peak holding on the compressive ratcheting behavior have been discussed systematically. Results indicate that ratcheting deformation increases significantly when enhancing temperature and stress amplitude and reducing stress rate. Only a slight, accumulated deformation occurs during the first 20 or so cycles at room temperature (RT), but it always turns to shakedown. Moreover, ratcheting strain is clearly influenced by the loading sequence. When greater compressive deformation was obtained during the prior load step due to a greater stress level (such as higher temperature or a lesser stress rate), increased compressive strain hardening and deformation resistance could be produced, which in turn restricts or even reduces ratcheting deformation in the pursuing load step. It is of great interest that no initial cyclic stress strain curve was observed under cyclic compression at peak holding time. This indicates that creep recovery due to anelastic relaxation decreases the ratcheting rate of PTFE material under compressive creep-fatigue conditions. This research provides an important testing approach and data for PTFE material subjected to repeated compressive loads influenced by temperature modulation.
A Review on Modified Carbon Materials as Promising Agents for Hydrogen Storage
Authors: Rostami Siroos , Pour Ali Nakhaei , Izadyar Mohammad
Published: April 2018

Carbon materials have been regarded as promising agents for hydrogen storage because of properties such as their light weight, acceptable affinity of carbon for hydrogen and high specific surface area. We can identify many different carbon materials which have been studied extensively such as activated carbons (AC) graphene sheets (GS), carbon nanotubes (CNTs) and other derivative carbon materials derived from theoretical and experimental methods such as g-C3N4, graphyne and carbon nanolayer. These materials can be modified by additional ingredients like free metals, metal oxides, and alloys to improve their hydrogen storage capacity. In this short review article, we attempt to introduce new, reliable, complete and categorised data for researchers concentrating on articles from the last five years (2013–2017) relating to hydrogen storage.
Natürliche Baummortalität in Mitteleuropa: Mortalitätsraten und -muster im Vergleich
Authors: Hülsmann Lisa , Bugmann Harald , Meyer Peter , Brang Peter
Published: April 2018

Natural tree mortality in Central Europe: a comparison of mortality rates and patterns

Mortality is one of the key processes of forest dynamics. Yet, its investigation is challenging since trees can reach high ages, and tree death is the result of several interacting drivers. Long-term monitoring data from unmanaged forests are of great importance for studying mortality. Such data from strict forest reserves in Switzerland and Germany were used in this study to 1) derive mortality rates for 18 wooden species, and 2) build species-specific mortality models. Estimated mortality rates were highly variable among the reserves, and were particularly high in stands with many young trees and a high share of short-living pioneer species. For the calculation of accurate and comparable mortality rates, adjustments towards the same caliper threshold and mortality period are necessary. Models that predict the mortality probability of individual trees can be built based on stem diameter and basal area growth. Such models revealed that small and slow growing trees had the highest mortality risk. In addition, mortality patterns featured species-specific differences. Short-living species experienced high overall mortality probability. Shade-intolerant species showed a more pronounced mortality risk at small diameter and slow growth than shade-tolerant species. Competition as well as drought and frost were identified as the dominant drivers of tree mortality in the Swiss and German reserves. Pronounced age-related mortality due to senescence was not present, in contrast to a primeval beech forest in Ukraine. In the reserves, mortality rates and patterns should become more and more similar to those of primeval forests; however, it will require several decades or centuries of undisturbed forest development to reach identical successional stage.
Regeneration potentials of native tree species in three natural forests of Sylhet, Bangladesh
Authors: Haider MR , Alam S , Mohiuddin M
Published: April 2018

Natural regeneration status of native tree species in three natural forests of Moulvibazar, Sylhet Forest Division, Bangladesh was assessed through stratified random sampling method. A total of 70 tree species belonging to 31 families was recorded. Moraceae has the maximum number of species (8 species). Myrtaceae has 6 species and Rubiaceae has 5 species while both Euphorbiaceae and Meliaceae have 4 species each. The families Anacardiaceae, Bignoniaceae, Combretaceae, Fagaceae, Lauraceae, Sterculiaceae, Verbenaceae have 3 species each, while Clausiaceae, Mimosaceae and Ternstroemiaceae has 2 species each, and the rest 16 families (viz. Apocynaceae, Aquifoliaceae, Araliaceae, Arecaceae, Bombacaceae, Burseraceae, Caesalpinaceae, Dilleniaceae, Dipterocarpaceae, Elaeocarpaceae, Lythraceae, Myrsinaceae, Polygalaceae, Rutaceae, Tiliaceae, Thymelaeaceae) comprise one species each. Artocarpus chama represents maximum seedlings production per hectare (2,528), followed by Syzygium firmum (1825), Ficus racemosa (1425), Syzygium fruticosum (1033) and Holigarna caustica (917). Biological diversity indices were also calculated which ensure a promising regeneration status of Moulvibazar Natural forests. The percentage distribution of seedlings was maximum (78.12%) for 0-50 cm height range for all species. The numbers of seedling reduced proportionately with height growth indicating the reduction recruitment of seedlings in Moulvibazar natural forests. Artocarpas chama showed maximum (1.97 %) seedling recruitment. Natural regeneration potential is useful for developing the management plans for effective functioning of Moulvibazar natural forests, Sylhet, Bangladesh.J. Biodivers. Conserv. Bioresour. Manag. 2017, 3(2): 1-10
Isolation and identification of some gram-negative bacteria from cockroaches collected from hospital, restaurant and slum areas of Dhaka city, Bangladesh
Authors: Akter T , Ahmed S , Biswas R
Published: April 2018

The study was conducted to identify the bacteriological quality from different species of cockroaches in three study areas in Dhaka city. A total of 15 cockroaches was collected from three different selected study areas, viz. Penang Restaurant of Bakshi Bazar, Sir Salimullah Medical College Mitford Hospital and Urban slum of Kamalapur, Dhaka. Using detection keys, the cockroaches were identified as Periplaneta americana (53.33%), Blatella germanica (40%) and Blatta orientalis (6.67%). All of 15 cockroaches were used to isolate bacteria from external body surface and alimentary tract. A total of 48 isolates was obtained from these three species of cockroaches. Out of them 29 (60.42%) isolates were obtained from P. americana, 17 (35.42%) from B. germanica, and 2 (4.16%) from B. orientalis. Three Gram negative bacteria, viz. Klebsiella sp., Escherichia coli and Pseudomonas sp. were isolated from alimentary canal and external surface. On the external body surface 71.43% isolates were E. coli, 21.43% were Pseudomonas sp. and 7.14% were Klebsilella sp. In case of alimentary tract, 55.89% isolates were Pseudomonas sp., 23.52% were E. coli, and the rest 20.59% were Klebsiella sp. Comparison between study areas showed that the food handling area yielded maximum number (41.67%) of isolates and the urban slum yielded minimum number (25%) of isolates. In food handling isolates, 45% were Klebsiella, whereas E. coli and Pseudomonas sp. were 40% and 15%, respectively. In Hospital, E. coli was the most common (50%), followed by Klebsiella (37.5%) and Pseudomona sp. (12.50%). In urban slum, 41.67% isolates were Klebsiella sp., 41.67% were Pseudomonas sp. and 16.66% were E. coli. This study shows that cockroaches carry several Gram-negative bacteria on their body surface and alimentary tract and play a role in bacterial transmission to human.J. Biodivers. Conserv. Bioresour. Manag. 2017, 3(2): 63-68