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unbekanntes Orgeltabulatur-Fragment des 15. Jahrhunderts in der Erzabtei St. Peter (Salzburg)
Authors: Aringer Klaus
Published: September 2021

Die Tabulatur eines praktischen Orgelstücks aus dem 15. Jahrhundert ist ein Fragment aus dem Bestand der Salzburger Erzabtei St. Peter. Möglicherweise handelt es sich um ein Dokument für das Orgelspiel im Stift St. Peter selbst.

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Über die verschollenen geglaubte Schauspielmusik zu Shakespeare "Othello" von August Wilhelm Ambros
Authors: Wolkenfeld Stefan
Published: September 2021

Der Musikwissenschaftler August Wilhelm Ambros (1816-1876) spielte als Feuilletonist und Komponist im Prager Musikleben der 1840er Jahre eine wichtige Rolle. Seine 1848 komponierte Schauspielmusik zu William Shakespeares "Othello" (die in Prag zahlreiche Aufführungen erlebte) wurde nie publiziert und galt als verschollen. Diese Ansicht muss revidiert werden. Das Autograph der Komposition befindet sich seit 1939 unbeachtet im Besitz der Österreichischen Nationalbibliothek. Die erste Sichtung ergab folgenden Befund: Ambros hat sich an dem für eine Schauspielmusik üblichen Modell orientiert. Neben Ouvertüre und Finale besteht die Komposition aus mehreren Zwischenaktmusiken, die durch die Handlung des Dramas miteinander verknüpft sind. Stilistisch orientiert sich die Komposition an den Werken Felix Mendelssohn Bartholdys und Robert Schumanns, die für den Prager Davidsbündler Ambros als wichtige Vorbilder fungierten. Durch die Entdeckung der Schauspielmusik zu "Othello" lässt sich diese immer wieder betonte Nähe nun an einem größeren Werk untersuchen. 

 

The musicologist August Wilhelm Ambros (1816-1876) played an important role as feature writer and composer in the musical life of Prague during the 1840s. In 1848 he composed an incidental music for William Shakespeare's drama "Othello" which was performed in Prague for several times, but never was published. It has been considered to be lost, what has to be revised. The autograph of the composition is owned by the Austrian National Library since 1939, but has met with no response so far. The results of a first investigation are: the music to the drama "Othello" does not diverge from the common patterns of this genre. It consists an overture, a finale and some intermission music. Its style is affected, like most of Ambros' other compositions, by Robert Schumann and Felix Mendelssohn Bartholdy. The recovering of this composition now allows to research this influence on a larger opus.
geistliche Musik außerhalb des "Cultus"
Authors: Kämper Dietrich
Published: September 2021

Die Uraufführung des Deutschen Requiems von Brahms 1868 bestärkte Spitta in seiner Überzeugung, dass es eine Kirchenmusik im eigentlichen Sinne nicht mehr gebe. Als Bruch unter dem Eindruck des Brahms-Requiems 1869 sein altes Projekt einer doppelchörigen Messe wieder aufgriff, riet ihm Spitta, sich mutig zu einer geistlichen Musik außerhalb des Cultus zu bekennen und auf die vollständige Vertonung des Messetextes zu verzichten. Begleitet von einem umfangreichen Briefwechsel zwischen Spitta und Bruch, der tiefe Einblicke in die Werkstatt des Komponisten vermittelt, entstand so das Kyrie, Sanctus und Agnus dei op 35, eines der bedeutendsten Werke des in Köln geborenen Komponisten.
Mit Beethoven auf "Weltentdeckungsfahrt"
Authors: Stollberg Arne
Published: September 2021

In Wagners Zürcher Reformschriften wird Beethoven mehrfach mit Christoph Columbus verglichen, da er sich weiter als jeder andere auf das "Meer" der absoluten Musik vorgewagt und schliesslich - im Finalsatz der Neunten Symphonie - gegen seinen Plan das Amerika der Kunst entdeckt habe: die erneute Verbindung von Wort und Ton als Voraussetzung für das zukünftige Musikdrama. Die kuriose Metaphorik, mit der Wagner seine Idee vom Fortgang der Musikgeschichte sprachlich gestaltet, lässt sich auf eine frühe Komposition beziehen, die vor diesem Hintergrund als das eigentliche Schlüsselwerk für die Argumentation der Zürcher Reformschriften erscheint, auf die 1834/35 entstandene "Columbus-Ouvertüre" WWV 37a.
"Ich harrete des Herrn"
Authors: Von Hase-Schmundt Ulrike
Published: September 2021

Im Zusammenhang mit der Erarbeitung eines Programmheftbeitrags zu Felix Mendelssohn Bartholdys Symphonie Nr. 2 op. 52 "Lobgesang" fand ich in der Chronik des Verlags Breitkopf & Härtel einen Hinweis auf eine Zeichnung des Malers und Illustrators Alexander Straehuber (1814-1882), die als Schmucktitel der Erstausgabe des "Lobgesang" hatte dienen sollen. Der geradezu zwanghaft langsam arbeitende Künstler hat sie - der Datierung auf dem Blatt folgend - zwar im Jahr der Drucklegung des Werks 1841 vollendet, aber offensichtlich zu spät abgeliefert.
Einheit der Musik - Einheit der Musikwissenschaft?
Authors: Janz Tobias , Sprick Jan Philipp
Published: September 2021

Zunächst wird Hugo Riemanns "Grundriß der Musikwissenschaft" und die dort entwickelte Konzeption einer musikalischen Einheitswissenschaft resümiert. Gegenentwürfe und Kritik von Heinrich Besseler, Paul Bekker und Arthur Wolfgang Cohn werden dargestellt. Schließlich werden Perspektiven skizziert, die sich aus der zwischen 1908 und 1925 geführten Diskussion für die gegenwärtig anstehenden institutionellen und fachlichen Diskussionen in Musikwissenschaft und Musiktheorie ergeben.
Sergej Protopopov - ein Komponist im Gulag
Authors: Klause Inna
Published: September 2021

Der Blick in die sowjetischen Zwangsarbeitslager der 1920er bis 1950er Jahre zeigt, dass dort sehr viele Musiker inhaftiert waren, unter ihnen auch bedeutende Komponisten. Zu den letzteren gehört Sergej Protopopov (1893-1954), über den in der Forschung bislang nur wenig bekannt war. Die neuen Erkenntnisse über sein Leben und Werk lassen die These zu, dass dieser Komponist durch die Lagerhaft im Gulag zum Schweigen gebracht wurde. Die Auseinandersetzung mit Schicksalen wie jenem von Sergej Protopopov wirft die Frage auf, wie die sowjetische Musikgeschichte verlaufen wäre, wenn er und andere Komponisten keine Lagerhaft zu verbüßen gehabt hätten.
Bulle "Docta sanctorum patrum"
Authors: Körndle Franz
Published: September 2021

Kaum ein Text zur Kirchenmusik hat die Musikwissenschaft bis in die jüngste Forschungsgeschichte hinein so sehr beschäftigt wie die Bulle "Docta sanctorum patrum", die Papst Johannes XXII. im neunten Jahr seines Pontifikats, also entweder 1324 oder 1325 in Avignon erlassen hat. Nach einem Überblick zur Überlieferung wird die Gestalt des Textes und sein Bekanntheitsgrad sowie seine Wirkung betrachtet. Es zeigt sich, dass "Docta sanctorum patrum" von Anfang an eine große Verbreitung erfahren hat und außerdem regional unterschiedlich interpretiert wurde. Die Auswirkungen der Bulle auf die Musikgeschichte können schließlich wenigstens in einem Punkt präzisiert werden, da Praktiken der liturgischen Musik im 15. und 16. Jahrhundert mit großer Wahrscheinlichkeit darauf zurückgehen.
Neue Erkenntnisse über Heinrich Bokemeyer (1679-1751)
Authors: Lauterwasser Helmut
Published: September 2021

Die Bedeutung Heinrich Bokemeyers für die Musikgeschichte liegt vor allem in seiner Sammlung deutscher und italienischer Werke des 17. und 18. Jahrhunderts. Bekannt ist auch sein Interesse an Fragen der Musiktheorie, jedoch musste man bisher davon ausgehen, dass seine eigenen diesbezüglichen Schriften sämtlich verloren sind. Im Zuge der Katalogisierung der Musikhandschriften im Stadtarchiv Celle durch die Münchner Arbeitsgruppe des Répertoire International des Sources Musicales (RISM) ist nun eine Abschrift eines Werkes ans Licht gekommen, das Johann Mattheson in "Critica musica" ankündigte. Es handelt sich um eine Sammlung von Musikbeispielen für den Musikunterricht, größtenteils in Kanonform mit Kapiteln u. a. zu Taktarten, Tonleitern, Intervallen und Figuren.
Rahmendatierung von Jommellis Tätigkeit als Koadjutor an der Cappella Giulia
Authors: Wiegand Gunnar
Published: September 2021

Die Anstellungs-, Antritts- und Austrittsdaten Niccolò Jommellis als Koadiutor an der Musikkapelle von St. Peter in Rom werden untersucht. Zur dieser Rahmendatierung von Jommellis Beschäftigungsverhältnis an der Cappella Giulia lagen in der bisherigen Literatur abweichende Informationen vor. Anhand einer rezeptionsgeschichtlichen Spurensuche wird gezeigt, wie sich verschiedene Datierungen entwickeln konnten. Durch eine neue und ergänzende Lektüre von Quellenmaterialen im Umfeld der Peterskirche werden die Umstände und Datierungen der Anstellung Jommellis an St. Peter präzisiert und um biographische Informationen erweitert.
Mimesis und Autonomie
Authors: Kim Jin-Ah
Published: September 2021

Erst um 1800 setzte sich die Idee der Selbstzweckhaftigkeit der Musik "als fundamentaler ästhetischer Sachverhalt im allgemeinen Bewußtsein der Gebildeten" durch - so formulierte Carl Dahlhaus seine zum Konsens gewordene These. In der Forschungsliteratur werden Begriffe wie 'absolute Musik', 'autonome Musik' und 'musikalisches Kunstwerk' häufig diffus verwendet, und es fragt sich, ob bei der Betrachtung der genannten musikgeschichtlich zentralen Begriffe angesichts eines als gleich erscheinenden Bündels von Merkmalen nicht doch etwas Unterschiedliches als Identisches betrachtet wird. Es zeigt sich, dass als entscheidender Ausgangspunkt, an dem die Genese des Begriffs der 'autonomen Musik' verfolgt werden kann, die fast zwei Jahrtausende anhaltende Aktualität des Mimesis-Paradigmas betrachtet werden muss. An dessen im Fortgang der Geschichte sich verändernden Prämissen lässt sich ablesen, wie und unter welchen Bedingunen Musik als solche legitimiert wurde, und weshalb es im 18. Jahrhundert dazu kam, dass die Frage nach der Legitimation der Musik neu gestellt wurde, neu gestellt werden musste. Die Überschreitung dieser Schwelle ermöglicht die Entstehung des Begriffs der 'autonomen Musik' um 1800.
"Man denkt natürlich zuerst an Bachsche Praeludien"
Authors: Voss Egon
Published: September 2021

Die Verknüpfung von Chopins "Préludes" mit Johann Sebastian Bach und vor allem dessen "Wohltemperiertem Klavier" scheint eine Entdeckung (oder Erfindung) des 20. Jahrhunderts zu sein. Zwar legt die Tatsache, dass es sich um eine Folge von 24 Kompositionen handelt und diesen eine bestimmte Anordnung der Tonarten zugrunde liegt, diesen Gedanken nahe, doch der Schein trügt. Während Bach mit seiner chromatisch ansteigenden Tonartenfolge beweisen wollte, dass man alle zwölf Halbtöne der Oktave als tonale Grundlage eines Musiksücks verwenden kann, ging es Chopin, für den das Bach'sche Anliegen längst zur Selbstverständlichkeit geworden war, um Tonarten-Verwandtschaft. Hierfür lassen sich verschiedene Vorbilder finden. Es bleibt zudem offen, ob die "Préludes" als Zyklus gespielt und verstanden werden sollten. Möglich ist, dass sie für den Hörer als einzelne Stücke gedacht waren, als Ganzes aber dem Leser vorbehalten.

bms online (Cornelia Schöntube)
Musik als soziales Ereignis
Authors: Ortuño-Stühring Daniel
Published: September 2021

Mit der Fertigstellung der "neuen, großen St. Michaeliskirche", die am 19.10.1762 eingeweiht wurde, besaß die Michaelisgemeinde endlich wieder einen angemessenen Ort für ihre Gottesdienste, und zugleich erhielten die stolze Hamburger "Republique" und ihre Bürger ein neues, weithin sichtbares Zeichen ihrer Macht und Stärke. Anhand der für diesen Festakt komponierten Einweihungsmusik Georg Philipp Telemanns, "Komm wieder, Herr, zu der Menge" (TVWV 2:12), und der mit ihr aufs engste verschränkten Liturgie und Predigt wird nachgewiesen, dass es sich bei der Feier nur vordergründig um eine religiöse Zeremonie handelt. Unter Zuhilfenahme methodischer Fragestellungen aus den sozial-, geschichts- und kulturwissenschaftlichen Nachbardisziplinen wird gezeigt, wie die städtischen Eliten vor dem Hintergrund zunehmender innerer Spannungen und äußerer Bedrohungen die Kircheneinweihung nutzten, um die sorgsam austarierten Machtverhältnisse der Stadt mit ihrer engen Verschränkung von weltlicher und kirchlicher Herrschaft innerhalb einer reichsfreien Republik zu inszenieren und damit zugleich in ihrem Sinne zu stabilisieren.
Nur Briefe berühmter Komponisten?
Authors: Kluttig Thekla
Published: September 2021

Die quantitativ wie qualitativ bedeutendste Überlieferung der vielfältigen Unterlagen aus Musikverlagen befindet sich im Sächsischen Staatsarchiv, Staatsarchiv Leipzig. Hier ist in 17 Beständen das Archivgut von 21 Musikverlagen enthalten. Es werden Gründe erörtert, warum diese Quellen in vielen musikwissenschaftlichen Forschungsinstitutionen kaum bekannt sind, obwohl sie weitgehend schon seit Jahrzehnten der Forschung zur Verfügung stehen. Die Bestände der Verlage Breitkopf & Härtel und C. F. Peters aus dem Überlieferungszeitraum 1800 bis 1948/49 werden ausführlicher vorgestellt, um einen Eindruck von der möglichen Relevanz dieser "Überreste" für musikwissenschaftliche Fragestellungen zu ermöglichen.
"Die Tonsprache ist Anfang und Ende der Wortsprache"
Authors: Panagl Oswald
Published: September 2021

Bislang steht eine zeitgemäße, umfassende Gesamtdarstellung der Dichtersprache Wagners noch aus. Ziel dieser Ausführungen ist es, in hermeneutischen Schritten die sprachhistorischen Komponenten und die funktionale Leistung der eingesetzten verbalen Mittel angemessen zu interpretieren, wobei kein ästhetisches Urteil angestrebt wird. Die hier gesammelten, analysierten und zu Sachgruppen vereinigten Wortformen und Sprachmuster aus dem Bühnenwerk Wagners stellen nur eine bescheidene Auswahl mit deutlichen Lücken im Material und wohl auch nach den denkbaren Parametern der Gliederung dar. Das Kapitel über den Theoretiker Wagner bietet die Gelegenheit, das sprachliche Resultat seiner poetischen Texte am eigenen Anspruch zu überprüfen. - Zunächst wird das Wechselverhältnis von Sprache und Musik, aber auch der Disziplinen Linguistik und Musikwissenschaft, erörtert. Für eine Nähe, ja Übereinstimmung im Gegenstandsbereich von Sprache und Musik werden neun Argumente aufgeführt, die in ihrem Zusammenspiel zu beträchtlicher Evidenz führen. Anschließend werden linguistische Begriffe und Methoden in der Musik und insbesondere die Übertragbarkeit des linguistischen Koordinatensystems auf musikalische Vorgänge erläutert. Neben solchen einleuchtenden Übereinstimmungen und funktional wirksamen Querbezügen wird auch auf problematische Fälle hingewiesen, bei denen gleichlautende Bezeichnungen unterschiedliche Dinge in Sprache beziehungsweise Musik bedeuten (z.B. Satz). Vor diesem Hintergrund werden Dichtung und Musik im Denken und Schrifttum Wagners untersucht, wobei besonders das Wort-Ton-Verhältnis berücksichtigt wird. Am Anfang stehen dabei einige Textstellen aus späten Artikeln, erst am Ende wird auf einschlägige Kapitel und bezeichnende Passagen aus der wichtigsten Schrift "Oper und Drama" (1850/51) eingegangen. Danach wird die Kunstsprache Wagners in fünf Kategorien untergliedert und anhand von Beispielen analysiert. Dabei wird die Verwendung von (1) Archaischem und archaisierendem Wortgut und (2) Volksetymologie als sprachlichem und poetischem Verfahren thematisiert, bevor (3) unter der Überschrift "Hehr und heil, kühn und feig!" auf Wortverbindungen und ihre Funktion eingegangen wird. Daraufhin wird im Abschnitt "Nie-wieder-Erwachens wahnlos hold bewußter Wunsch" (4) Sinnstiftung durch Neuwörter (neologistische Bindestrich-Komposita) besprochen und schließlich (5) verschiedene poetische Verfahren (wie Stabreim, Synästhesie, Mehrdeutigkeit, Antithese und Gegensatzpaare, komplexe Syntax, Anomalie des Wortlauts beziehungsweise der Konstruktionsmuster als Reflektion eines ungeordneten Gefühlslebens) analysiert.

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Erleben des eigenen Konzerts
Authors: Hemming Jan , Kraume-Flügel Lars , Sörensen Simone
Published: September 2021

In dieser Untersuchung wird das Erleben des eigenen Konzerts aus einer Perspektive betrachtet, die nicht nur die reine Konzertdauer und nicht allein musikimmanente Aspekte berücksichtigt. Hinzu kommen die Zeit der Vor- und Nachbereitung ebenso wie die Ablaufstruktur eines Konzerts mit dem Warten auf den Auftritt, dem Agieren auf der Bühne, den Pausen, dem dazugehörigen Ausklang und einer rückblickenden Reflexion. Bislang existieren keine Studien, die das gesamte KonzerterIeben in diesem Umfang in den Blick nehmen.
Zur Wiener Prachthandschrift der Hochzeitsmotette "Gratia sola Dei" (1568) von Orlando di Lasso
Authors: Tammen Björn R.
Published: September 2021

Das Chorbuch A-Wn 2129 überliefert auf insgesamt 15 reich verzierten Pergamentblättern im Riesenformat (64 x 59 cm) die für die "Jahrhunderthochzeit" des Wittelsbacher Erbprinzen, Wilhelms, V., mit Renata von Lothringen bestimmte Festmotette "Gratia sola Dei" von Orlando di Lasso (LV 364). Auf die Zierbordüren entfallen nicht weniger als 260 Einzelszenen mit Motiven aus den biblischen Büchern Genesis, Tobias, Esther, Daniel sowie Judith, außerdem enthält die Handschrift ein knappes Hundert ornamentaler fratzenhafter Masken (sog. Maskarone). A-Wn 2129 wirft spannende Fragen nach der Konzeption und Realisierung, dem Zusammenspiel der für eine derartige Prachthandschrift erforderlichen Instanzen auf, die nach einer deskriptiven Bestandsaufnahme angestoßen werden..

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Musikphilologisches Arbeiten nach der performativen Wende
Authors: Knaus Kordula
Published: September 2021

Die Verwendung überlieferter Texte ist für eine Performanzforschung anders gelagert als für die Musikphilologie, auch wenn neuere musikphilologische Methoden eine Rolle spielen. Die Unterschiede werden herausgearbeitet. Im Beitrag wird außerdem das Verhältnis zwischen Text und Aufführung für drei verschiedene Textsorten zu Galuppis Opere buffe (handschriftliches Aufführungsmaterial, gedruckte Libretti, handschriftliche Partituren) erläutert. Anschließend richtet sich der Blick auf ein Fallbeispiel und dir daraus hervorgehenden theoretischen Implikationen einer musikwissenschaftlichen Performanzforschung. Im Zentrum steht dabei nicht so sehr die Frage, wie Galuppis Opere buffe aufgeführt wurden (also aufführungspraktische Aspekte), sondern die Frage, was eigentlich zur Aufführung kam. Dies wird am Ende um eine Perspektive des Performativen erweitert.

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Opern- und Ariensammlung der Erzherzogin Elisabeth von Österreich (1743-1808)
Authors: Eybl Martin
Published: September 2021

Erzherzogin Elisabeth, die musikalisch begabteste unter den Töchtern der Kaiserin Maria Theresia, stellte eine umfangreiche Musikaliensammlung zusammen, die bisher nicht rekonstruiert und systematisch untersucht wurde. Die Sammlung enthält neben 2 Bänden mit Klaviermusik auch 28 Opernpartituren (1760-1776) und Klavierauszüge zu Opéras-comiques. Dazu kommen über ein Dutzend einzelner Sopranarien und Duette, die als Studien- und Aufführungsmaterial dienten. Geschichte und Aufbau dieser Sammlung stehen im Zentrum der Darstellung. Außerdem geht es um Fragen nach der künstlerischen Kompetenz der Erzherzogin. Schließlich wird nach dem Verhältnis zwischen der adeligen Sängerin und der Rolle, die sie verkörperte, gefragt, wofür verschiedene Typen theatralischer Repräsentation vorgestellt und mit Elisabeths künstlerischer Aktivität in Beziehung gesetzt werden.

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Auf der Suche nach den Anfängen der "modernen" arabischen Musiktheorie
Authors: Maraqa Salah Eddin
Published: September 2021

Zunächst wird geklärt, was mit "moderner" arabischer Musiktheorie gemeint ist. Es handelt sich um ein Modell, das auf der Teilung einer Oktave in 24 bzw. auf der Teilung zweier Oktaven in 48 äquidistante Intervalle (sogenannte Vierteltöne) beruht. Nach der heute allgemein akzeptierten Meinung fällt die Konzeption dieser von Amnon Shiloah so bezeichneten "recent trends" in das letzte Drittel des 18. Jahrhunderts. Nach abgeschlossener Sammelarbeit, Klassifizierung und Beurteilung der für das Studium der arabischen Musikgeschichte und -theorie unter den Osmanen relevanten Quelle scheinen jene Entwicklungen unbegründet. Ziel des Beitrags ist es, zur Klärung dieser Problematik beizutragen und auf diesse Weise Missverständnisse auszuräumen, die lange Zeit die Forschung beeinflusst haben.
"bombastischer Abgesang"
Authors: Laubhold Lars E.
Published: September 2021

Am 4. Dezember 1944 kam im Berliner Tauentzien-Palast der unter der Regie Paul Verhoevens entstandene Film "Philharmoniker" zur Uraufführung, anhand dessen sich insbesondere der Gebrauch von Musik im Dienste nationalsozialistischer Propaganda studieren lässt. Wie sehr die Kalküle des Ministeriums in Bezug auf die "Philharmoniker" aufgingen, lassen zeitgenössische Reaktionen erahnen.
"Zu freundlicher Erinnerung FMB"
Authors: Rost Henrike
Published: September 2021

Die beschriebene Zeichnung befindet sich heute im Stammbuch der ältesten Tochter der Familie, Emily Moscheles, das zur Musiksammlung der Staatsbibliothek zu Berlin gehört (D-B Mus. Ms. Autogr. S 10). Sie zeigt den wohl originellsten Eintrag im Stammbuch und ist mit Widmung und Datum (23.6.1844) zweifelsfrei Felix Mendelssohn Bartholdy zuzuschreiben. Die filigrane Bleistiftzeichnung illustriert auf kleinster Fläche mit bestechendem Charme und einigem Witz die Geschichte des musikalischen Heranwachsens der Emily Moscheles.
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Wort-Ton-Kunstwerk im Sinne Richard Wagners?
Authors: Thissen Paul
Published: September 2021

Das Lied bildet den Ausgangspunkt in Pfitzners Schaffen und ist zugleich die Gattung, die in seinem Œvre einen üeraus prominenten Platz einnimmt. Wahrend die Lieder wiederholt Gegenstand von Untersuchungen waren,standen die Orchestergesäge im AlIgemeinen - im Gegensatz zu den entsprechenden Werken Mahlers, Strauss', Schöbergs sowie Schoecks - und "Lethe" im Besonderen bisher kaum im Blickpunkt des wissenschaftlichen Interesses. Pfitzner bedachte das Orchesterlied, von Bearbeitungen abgesehen,mit fünf Werken: "Herr Oluf" op. 12 (1891), das mit zum Beginn der Gattungsgeschichte gehört (1897 entstanden Strauss' "Vier Gesänge" und 1899 "Zwei größere Gesänge"), Heinzelmännchen op. 14 (1902/03), "Zwei deutsche Gesänge" op. 25 (1916) sowie schließlich "Lethe" op. 37 (1926), womit er nach zehnjähriger Unterbrechung nochmals zum Orchesterlied zurückkehrte und, obwohl die Blütezeit der Gattung eher als vergangen angesehen werden muss, ein, wie der Autor zu zeigen versuchen möchte, im Vergleich zu seinen früheren Beiträgen gattungsgeschichtlich herausragendes Werk vorlegte, das den "Vier Letzten Liedern" (1948) von Richard Strauss zumindest im Hinblick auf den ästhetischen Anspruch durchaus nicht nachsteht.

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"Tenacious natives of Hindoostan"
Authors: Popović Tihomir
Published: September 2021

Der im 19. Jahrhundert gipfelnde Prozess der kolonialen Machtentfaltung Großbritanniens auf dem indischen Subkontinent ging mit der Entfaltung eines auf Indien bezogenen kolonialen Diskurses einher, der inzwischen zum Thema einer beinahe unüberschaubaren Menge von Arbeiten aus verschiedenen Bereichen der Postkolonialen Studien geworden ist. Auch auf der Ebene der Musik und des Musikschrifttums blieb das britische Indienbild in den letzten Jahrzehnten im englischsprachigen Raum nicht unbeachtet. Unter den diesem Thema gewidmeten Studien behandeln allerdings die meisten in erster Linie die Musik, nicht das Musikschrifttum. Auf diesem Gebiet ist vor allem auf Bennett Zons ideengeschichtliche Monographie zur Repräsentation nichtwestlicher Musik im Großbritannien des 19. Jahrhunderts hinzuweisen. Eine kritische Analyse des kolonialen Diskurses in Bezug auf das britische Musikschrifttum blieb jedoch weitgehend aus. Diesem Desiderat widmet sich der vorliegende Beitrag.
Anton Weberns Streichquartett-Satz M 228 (1917)
Authors: Asai Yuta
Published: September 2021

Das Fragment "Streichquartett-Satz" M 228 belegt eine intensive Auseinandersetzung Weberns mit der ausgedehnten Form im Bereich der Instrumentalwerke. Die vorliegende Analyse zeigt auf, welche kompositorischen Mittel Webern dafür eingesetzt hat. Nennenswert sind die Einflüsse von Arnold Schönbergs Werken um 1910, insbesondere der "Drei Klavierstücke" op. 11, deren Aufbau und Gestaltungsweise der Nummern 1 und 3 in Weberns Werk durchscheint. Webern versuchte jedoch über eine Nachahmung hinaus, die bewährten Satzprinzipien Schönbergs miteinander zu kombinieren.

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Musik als kommunikatives Gerüst im Konstrukt einer sich fortwährend wandelnden Identität am Beispiel der türkischen Migrationsgesellschaft in der BRD
Authors: Cevahir Ibrahim-Kaan
Published: September 2021

Hauptanliegen ist die generationenübergreifende Untersuchung jener Phase, in der türkischstämmige Migranten mit den äußeren, insbesondere sie selbst betreffenden Problemfaktoren in Deutschland und den daraus resultierenden inneren Identitätskonflikten konfrontiert wurden. Unter Berücksichtigung soziokultureller, politischer und psychologischer Faktoren lässt sich konstatieren, dass gerade der (vertrauten) Musik eine hinsichtlich der Resilienz bzw. Überwindung von Auswirkungen der Migration entscheidende, gar identitätstragende Bedeutung zukommt. Die in den türkischen Migrationsgesellschaften gepflegte Musik wie auch das aus dem musikalischen Erlebnis generierte Kollektivbewusstsein schufen eine Ebene, auf der trotz stark eingeschränkter Kommunikations- und Handlungskompetenzen ein Erfahrungs- bzw. Informationsaustausch unter den Migranten stattfinden konnte. Über die kommunikative Funktion hinaus war es insbesondere der emotionale Gehalt von Musik, der einerseits die türkischen Migranten zur Selbstreflexion ermutigte, sie in einer fremden Umgebung an ihre kulturellen Wurzeln erinnerte, und andererseits durch Musik die eigenen Sorgen gemeinschaftlich mit Humor und Ironie überspielt werden konnten.
Eric Whitacres "Virtual Choir" als Chormusik 2.0
Authors: Schneidereit Nico
Published: September 2021

Eric Whitacre kann als Pionier bei der Verwendung des Internets in Verbindung mit chormusikalischem Musizieren gesehen werden. Aus überschaubaren, lokal ausgeprägten Anfängen des Virtual Choir 1 erwuchs nach mittlerweile vier umgesetzten Videos ein weltweites Phänomen. Das Vorhaben, (junge) Menschen zum Singen seiner Werke und zur Partizipation am Virtual Choir zu bewegen, ist Whitacre geglückt. Doch ist dieses Singen auch als gemeinschaftliches Musizieren, als Musizieren im Chor, anzusehen? Neben Überlegungen zu diesem zentralen Thema werden auch Fragen zu der Person Whitacres, seiner Musik und den Projekten des Virtual Choir geklärt und dargestellt.
"Strolche" der Reichsmusikkammer
Authors: Knickmann Tobias
Published: September 2021

Zwischen 1933 und 1940 "streunten" die Berliner Kontrolleure täglich als vermeintliche Musikexperten durch die Reichshauptstadt. Dabei verfügten sie zwar über geringe offizielle Befugnisse und gerieten deshalb oftmals in Konflikt mit offenbar untätigen Polizeiorganen. Doch sollte dies keineswegs darüber hinwegtäuschen, dass sie durch ihre Nachprüfungen, Diffamierungen und Berichte Hunderte, insbesondere jüdische Musiker*Innen im geringsten Fall in deren Berufsausübung einschränkten, im schlimmsten Fall in lebensbedrohliche Situationen brachten. Aus diesem Grund ist ihr Einfluss als bedeutend einzuschätzen. Indem sie die kulturpolitischen Bestimmungen im persönlichen Kontakt zu den Betroffenen rigoros umzusetzen versuchten, trugen sie erheblich zur alltäglichen Verfolgung der im NS-Regime unerwünschten Personen bei. - Die bisherigen Forschungen werden erweitert: erstens um eine bisher geleistete rudimentäre Chronologie der deutschlandweiten Abteilungen, genauer deren Befügnisse und Konflikte in der Zusammenarbeit mit der Polizei zwischen 1933 und 1940; sowie zweitens um eine Darstellung der Berliner Kontrolleure, deren biographische Hintergründe und Motivationen. Zudem erhöhen die Recherchen die Anzahl der bisher bekannten Personen, bei denen die Kontrollen teils schwerwiegende Folgen nach sich zogen. Exemplarisch wird der Fall des Kapellmeisters und Pianisten Fritz Lachs dargestellt.
Klingen der Stummen
Authors: Nonnenmann Rainer
Published: September 2021

ier geht es nicht um die weit verbreiteten Befrachtungen von Musik mit visuellen Zutaten bei Mixed Media, Multimedia oder Interfaces, sondern um die der Musik selbst inhärente Multimedialität. Dabei wird der Dirigent als Schlüsselfigur der musikalischen Interdependenz von Hören und Sehen betrachtet. Das erklärt, warum sein Aktionsradius in verschiedenen Stücken eigens auskomponiert wurde. Etliche Komponisten thematisieren Aspekte und mediale Ausformungen von Sehen und Hören in speziellen Dirigenten-Kompositionen, in denen der Dirigent eine explizit auskomponierte eigene Stimme erhält. Der Dirigent selbst ist Material und Medium des Stücks. - Die Dirigenten-Stücke von Dieter Schnebels "sichtbarer Musik" ("visible music"), Mauricio Kagels "Instrumentalem Musiktheater" und Manos Tsangaris' "Szenischen Miniaturen" arbeiteten in den 1960er und 70er Jahren weitgehend ohne elektronische Hilfsmittel. Dazu zählen auch Yiran Zhaos Dirigentenquartette von 2012 und das initiale "Solo-Shrug 'emotionale Reste'" in Nicolaus A. Hubers "Split Brain" für Kammerorchester (2015). Schlagzeuger in der Doppelrolle als Dirigenten finden sich in Helmut Lachenmanns "Air" (1968/69), Mauricio Kagels "Match" (1964) und Simon Steen-Andersens "Black Box Music" (2012). Die jüngeren Dirigenten-Kompositionen von Brigitta Muntendorf ("Überhall" für Ensemble, Video und Zuspiel, 2009), Michael Beil ("Blackjack" für Ensemble mit Live-Video und Zuspiel, 2011), Xavier Le Roy ("Le Sacre du printemps", 2007) und Alexander Schubert ("Point Ones" für erweiterten Dirigenten, kleines Ensemble und Live-Elektronik, 2012) nutzen selbstverständlich audiovisuelle Zuspielungen und/ oder Live-Elektronik.
Beethovens Volksliedbearbeitungen WoO 158
Authors: Cox Susanne
Published: September 2021

Es werden bei den Volksliedbearbeitungen WoO 158 vor allem drei Arbeitsmethoden erkennbar: 1) Übernahme des Notentextes der Vorlage vollständig oder nur mit kleinen Änderungen - hier schrieb Beethoven nur Teile seiner Liedbearbeitung in der autographen Partitur nieder; 2) Übernahme des in größerem Umfang veränderten Notentextes, bei der Beethoven zuerst die beibehaltenen und danach die hinzukomponierten Stellen notierte; 3) Übernahme nur der zuerst aufgeschriebenen Liedmelodie - dies ist die einzige Arbeitsmethode, zu der Skizzen existieren.
Metrische Verwerfungen im Eingangschor der Johannes-Passion von Johann Sebastian Bach
Authors: Maier Siegfried
Published: September 2021

So vielschichtig und komplex sich die metrische Organisation im Eingangschor der Johannes-Passion von Beginn an gezeigt hat, so vielfältig sind die Komplikationen, denen sie im Verlauf der Komposition unterworfen ist. Wir haben gesehen, wie aus einem thematischen Vordersatz, ja eigentlich aus der Figur einer Vorhaltsdissonanz mit besonderer Stimmführung die Sinfonia mit ihren zwei ungleich strukturierten Hälften entwickelt wird, und wie durch Vokaleinbau in die instrumentalen Bauteile der Sinfonia der Hauptteil entsteht (zum überwiegenden Teil) und aus den Abschnitten des Hauptteils durch Parodie wiederum der Mittelteil. Bei der Anpassung der Bauteile an den jeweiligen Text kommt es vor allem im Mittelteil zu Verwerfungen in der Taktstruktur. Das Ergebnis ist eine nahezu perfekte Übereinstimmung zwischen der Deklamation und der Gliederung des Textes einerseits und der metrischen und syntaktischen Struktur der Musik andererseits.
Digitale Musikedition und die Wissenschaft der Populären Musik
Authors: Grotjahn Rebecca , Iffland Joachim
Published: September 2021

The term pop-music already claims to be artificial, just like "classical" western music. In this context, the article deals with the potentials of digital music edition, focusing on the necessity of a pop-music philology. In paying attention particularly to non-textual aspects of music, this seems one of the most important potentials of digital music edition in this area. Therefore, the need of a pop-music philology is emphasized here. This may include the edition of audiovisual objects, objects of cultural behavior and historical objects. We examine this using the example of the cover-version phenomenon, and recommend at least addressing copyright aspects.
Medium der konkurrierenden Herrschaftsrepräsentation?
Authors: Henzel Christoph
Published: September 2021

It is a truth universally acknowledged that opera seria was designed as a power-enhancing spectacle to impress not only local publics but also foreign courts, particularly the major European power players. Modern scholarship considers official envoys as the main agents of transmitting information about performances, titles, storylines and the meaning of operas. However, this common perception can be disproved by evaluating the reports of the Austrian embassy in Berlin between 1740 and 1780, the critical years of political rivalry between Austria and Prussia. Music and opera are rarely mentioned in the coverage of court and political news; a targeted interest in their aesthetic value or potential political interpretation did not exist. These findings challenge common perceptions of serious opera as a means of princely representation between the courts of the ancien regime.
"den 6ten Juli 1859 Abend 6 Uhr 21 Minuten"
Authors: Petersen Birger
Published: September 2021

Josef Gabriel Rheinberger's extensive sketch material is only partly explained by his intensive teaching activities. An examination of the sketch collection Mus.ms. 4739 a-3 (1854-1860) of the Bayerische Staatsbibliothek Munich offers remarkable insights into the creation of the early works of Josef Gabriel Rheinberger. It contains numerous sketches for symphonic projects, materials for "Frithjof" and "Jephtas Tochter" and fragments of sonata-form movements for piano four-hands. Of particular interest are the sketches for lieder: a song by Rheinberger's future wife Fanny Hoffnaaß, an early version of "Vorüber" op. 3 no. 6, as well as two hitherto unknown Scottish folk songs which are neither represented in the catalogue of works nor taken into account in the complete edition.
soziale Neustrukturierung des Opernpublikums
Authors: Reuband Karl-Heinz
Published: September 2021

This article focuses on the changes in opera attendance based on representative population surveys in the German cities of Hannover and Nurnberg from the 1970s onwards. It can be demonstrated that the relationship between age and opera attendance has reversed over time: whereas in the 1970s attendance decreased with increasing age, it nowadays increases with increasing age. The reversal is the result of a decrease in opera attendance on the part of younger audiences and an increase on the part of older audiences. Due to the latter development the increase of the average age of opera audiences has been greater than one would have expected on the basis of the decline in the younger generation alone, and it is also greater than the increase in average age of the general population. At the same time, there are indications that people with higher academic qualifications (Abitur and university degrees) have become less likely to attend opera than in the 1970s. These trends are not characteristic of opera attendance alone. Similar processes have occurred in other areas of participation in "high" culture, such as theater and museums. Changes in musical preferences can only partially explain the reversal of opera attendance. The changes observed in Hannover and Nurnberg reflect a general reversal in age relationship that has affected (high-) cultural life in Germany as a whole.
"Bagatellen von - Beethoven?"
Authors: Rentsch Ivana
Published: September 2021

Beethoven's contemporaries perceived the association of "the celebrated hero in music" with the trivial piano genre of the bagatelle as a paradox. Subsequent generations felt even more provoked by the chronological proximity of Beethoven's Bagatelles opp. 119 and 126 with the enigmatic late chamber music works. This article proproses a new and broader perspective on the Bagatelles beyond the "purely musical" by focusing on genre conventions (brevity and stylistic variety) as well as compositional context and intentions (pedagogy and the formation of good taste), against the background of their precarious aesthetic evaluation. This attention to context automatically highlights a practice which accounted for the majority of piano compositions published in the early decades of the nineteenth century, but which today can be reconstructed only rudimentarily.
Zur Rezeption deutscher Musik in der japanischen Musikpublizistik während des Pazifischen Krieges - eine Zwischenbilanz
Authors: Bochmann Minari
Published: September 2021

This article analyses the reception of German music in the music press of Japan during the Pacific War, against the bakdrop of the German-Japanese policy of alliance and a twofold centralization of the Japanese music press. In the first half of the 1940s the number of journals dealing with European music was reduced and an official cultural association, subordinated to the ministries for culture and propaganda, was founded. A close reading of Japanese music journals from between 1941 and 1944 establishes that German music was re-interpreted several times within a relatively short period of time, depending on its use for propaganda or social conformity. At first music journals demonstrated great interest in the restructuring of cultural life in Germany and compared German art music favourably with Russian, French and American music, particularly jazz. From 1943 onwards official control of the music press tightened and, in the wake of calls for a genuinely Japanese music independent of European traditions, anti-European rhetoric became more prominent, although German art music continued to be invoked against jazz and the vulgarization of art through popular music.
Operette und die (Wiener) Theaterzensur - Politik auf der Bühne?
Authors: Acquavella-Rauch Stefanie
Published: September 2021

The study examines the impact of censorship on Viennese operetta theatres and theatre plays. The Niederösterreichisches Landesarchiv in St Pölten preserves about 15.000 censorship files from the late 1850s until the 1920s, documenting the act of censorship for various theatrical genres. After presenting the institutions and practices of censorship in the Habsburg Empire, three case studies demonstrate how censorship decisions were made according to the expected audience in different theatres and the political climate. Majestät Mimi (Felix Dörmann, Roda-Roda / Bruno Granichstaedten, 1911), Der Vogelhändler (Moritz West, Ludwig Held / Carl Zeller, 1891) and Der Obersteiger (West, Held / Zeller, 1894) have been chosen for their topival relevance. Although music was never part of the actual censorship act, it probably still played a role in the decisions made about the operettas.
Antisemitismus im Berliner Musikleben des Kaiserreichs
Authors: Kämper Dietrich
Published: September 2021

Max Bruch was one of the most successful German composers of the 19th century. It was only towards the end of the century that his music increasingly lost of its appeal with audiences who turned toward more modern composers (Strauss, Mahler, Reger). Disappointed at the growing number of compositional failures, Bruch began to sympathize with anti-Semitic thought which had been spreading in Berlin since the 1870s. It seems particularly paradox that, in a letter written in 1902 to his publisher Simrock, Bruch attacked three Berlin musicians with brutal anti-Semitic invectives, who had been his best and most loyal friends for decades, and to whom he owed decisive contributions to his compositional career: Joseph Joachim, Friedrich Gernsheim and Siegfried Ochs. Although in this partivular case the anti-Jewish statements of the composer were triggered by dashed hopes for performances and publications, and although his bitter outburst was deeply rooted in his particular personality structure, Max Bruch can be regarded as the exemplary case of the "bourgeois" anti-Semitism of the imperial era.
Zur Poetik und Interpretation des offenen Schlusses
Authors: Utz Christian
Published: September 2021

This article reviews the long historical process and changing significance of open endings in music from Haydn's mid-period symphonies of the 1760s to Helmut Lachenmann. Taking two case studies by Alban Berg (Lyric Suite, Wozzeck) as its starting point, the article demonstrates that open endings are often linked to ideas of cyclicity and the permanence of "objective time" as well as to a critique of social or political situations. Therefore, open endings challenge the aesthetic difference between the musical art-work and everyday experience, a tendency, that can be traced back to the emergence of self-reflexivity in early 19th-century music and aesthetics and even to Haydn's earlier listener-responsive musical writing. In later 19th-century and early 20th-century music, large-scale forms increasingly posed the problem of an inability to achieve closure. Further key examples elaborate the tendency of open endings toward musical self-reflexivity and the appearance of the composer-persona at the end of a cyclic work: Schubert's Der Leiermann from Winterreise, Schumann's Der Dichter spricht from Kinderszenen, Schoenberg's concluding piece from Six little Piano Pieces op. 19 as well as Lachenmann's "music with images" The Little Match-Girl. Finally, Schumann's and Schönberg's closing pieces are considered from the perspective of performance history and analysis, highlighting th performer's substantial impact on creating (or limiting) the impression of "openness".
"... so merkt man ihr allerdings den achtzehnjährigen, unbeholfenen Komponisten an..."
Authors: Schumann Bianca
Published: September 2021

In the course of the aesthetic controversy of the 19th century over programme music, which was particularly intense in Vienna, 'conservative' as well as 'progressive' ciritcs, who wrote for the daily press, endeavoured to appropriate Hector Berlioz for their personal aesthetic convictions. Even for reviews written in the 1860s and 1870s, when Berlioz's large-scale works were first performed by leading Viennese orchestras, Robert Schumann's review of the Symphonie fantastique (1835) played a significant role. Schumann's appreciative assessment of the symphony, which was strongly influenced by his misconception that Berlioz was only eighteen years old at the time of composition of the Symphony fantastique, had a decisive influence on the journalistic discourse on Berlioz in Vienna far beyond the first half of the century, for example on Hugo Wolf and Edmund Schelle. Other critics, such as August Wilhelm Ambros and Eduard Hanslick, took Schumann's ambiguity as their starting point to validate their less positive judgements.
Beethoven im „Brockhaus“
Authors: Jacobshagen Arnold
Published: September 2021

Full-length biographies about Ludwig van Beethoven were not published until after the composer's death. During his lifetime, biographical articles in dictionaries and encyclopaedias were therefore a particularly important source of information, since general encyclopaedias achieved a much wider circulation than specialist music publications. The first entry on Beethoven appeared as early as 1790 in Ernst Ludwig Gerber's Historisch-Biographisches Lexicon der Tonkünstler. The most widely read encyclopaedia for the educated middle class was the Conversations-Lexicon oder enzyklopädisches Handwörterbuch für gebildete Stände, first published by Brockhaus in 1809. This paper comparatively examines the articles on Beethoven from the first decades of the 19th century until the eleventh edition of 1863 and with regard to the emergence of typical narratives. It is noteworthy that the early entries on Beethoven, were shorter than those for other contemporary composers, contained false biographic information and were reluctant in their assessment of Beethoven’s oeuvre. This only changes after the composer’s death and raises the question whether, in the eyes of the general reading public, Beethoven really was the predominant musical figure in the first decades of the nineteenth century.
Franz Schuberts "Wandererfantasie"
Authors: Waldura Markus
Published: September 2021

Franz Schubert’s D760 is entitled “fantasy”, although the four sections of the work recognisably reference the formal models of a four-movement sonata. Since those models appear in their traditional order, the “fantasy” elements have to manifest themselves differently, transgressing the norms of sonata in two ways: Schubert transforms and deconstructs the individual forms of the four-movement model, while suspending the autonomy of each movement. Both strategies are interrelated: by blurring the form of each movement, Schubert opens them up to the following sections. This is rendered plausible because the movements, which connect seamlessly, are derived from the same thematic material.The deconstruction of the formal models manifests itself in the elision of formal units, the interpolation of non-formal sections, and the startling curtailing of developmental procedures within the formal units. These formal licences generate ambiguous structures that do not lend themselves to definite formal interpretations. Thus formal ambiguity is a constituting element of the “fantastic” in D760.The thematic unity of the work is a result of the continuous transformation of a motif first presented in the main theme of the first movement; a process, in which new variants emerge from the synthesis of previous variations. Furthermore, the Presto, which stands in for the scherzo movement of the Fantasy, reverse engineers the sonata form of the first movement (which had been abandoned before the recapitulation) while completing and normalising the form of the first movement by aligning it with the scherzo form. Thus the Presto assumes the formal function of the missing recapitulation, whose “wrong” key of A flat major is “rectified” through the C-major finale.
Distance and Social Ties in the « Burqa Affair »: Spatial Arrangements and Regimes of Visibility
Authors: ARÊAS Camila
Published: September 2021

This study develops a semiotics analysis of the « burqa affair » on French national press and observes how this public debate interrogates the problematic of the distance (physical, social and symbolical) between the secular and religious subjects in view of the question of social ties (recognition and appreciation). The analysis of the prohibitionist discourse in such debate brings into light the importance of the face in the republican conception of social ties and the primacy of the figure of transparency inside republican regime of visibility. This republican translation of the social cohesion configures a spatial problematic since it generates a semiotic process that redefines the concept of “public space” and consecrate it in the terms of 2010 law. The reconfiguration of distance that results from the mediatisation of the “burqa affair” carries, in return, some significant effects over the practical and symbolical modalities of social ties, notably the relation between oneself and the others, and raises important questionings about the meaning of contemporary public spaces and places.
Of the Partisan Disengagement in the Online Activism: to Militate to a “Good” Distance of the Party? Extend the Militant Socializations on Facebook. Analysis of Ex-Members’ Trajectories of the Socialist Party
Authors:   Arènes, Université Catholique de l’Ouest, Angers, THEVIOT Anaïs
Published: September 2021

To adhere to a political party is a symbolic strong act. It is a question of being connected, of joining to a political family. The growing place taken by Internet in the French election campaigns seems to introduce changes into the partisan links. The political use of the social networks – Facebook in particular – would allow ex-members to put at a distance the partisan institution while keeping militating. The disaffection does not then have the same cost (emotional in particular) because the ex-members can maintain online links. This research bases on the analysis of about forty semi-directive interviews with ex-members of the Socialist Party (PS) and the study of 600 answers of the members of the PS thank to a questionnaire.