bluuebunny/crossref_metadata_2025 huggingface dataset:
Prestamos, apropiaciones y plagios. Meditaciones sobre los arquetipos de la web 2.0.
Authors: Ortega Lisbona José Luis
Published: October 2017

En el último decenio hemos asistido a un cambio de paradigma en cuanto a la estructura y cohesión de nuestra vida diaria, la cual ha pasado ha articularse mediante la implementación de una amplia gama de tecnologías relacionadas con la red, y que tienen un alcance global. Una de las características destacables de este nuevo paradigma es la aparición de una nueva tipología de usuario caracterizado por aunar los roles de productor y consumidor. Esto ha generado una web construida por los propios usuarios mediante el potencial creativo de las comunidades online. Sin embargo ¿hasta que punto no estamos siguiendo los patrones establecidos por la web 2.0 y hasta que punto pueden los usuarios replantear estas mecánicas dentro de estos espacios? Mi interés parte del propio papel de la práctica artística como elemento de reflexión sobre el funcionamiento de la red en base a la producción amateur realizada por diferentes subculturas y comunidades virtuales, poniendo en entredicho el concepto de originalidad. Términos como collage o pastiche han dado paso a sus nuevos y prolíficos equivalentes virtuales, pasando a formar parte de las prácticas apropiacionistas ya desarrolladas ampliamente durante el S.XX. En cambio aún no estaban adscritas a un medio tan enormemente saturado por la producción amateur. Este hecho ha posicionado más que nunca al artista como un antropólogo social que conecta y recicla diferentes materiales para reflexionar sobre el funcionamiento de este medio.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5737
La escultura pública en el proceso de remodelación del viejo cauce del río Turia en Valencia, 1973-2014
Authors: Fenoll Pellín Alberto
Published: October 2017

El Turia deja una huella indeleble unida a la ciudad de Valencia por la trascendencia que ha tenido en su configuración espacial y en el devenir de su tiempo. Esto se refleja en la transformación sufrida por el cauce del río, que pasa de ser un espacio natural a un jardín urbano, remodelando la imagen de Valencia en un proceso donde interviene con singular aportación la Escultura. El trabajo de investigación titulado, La escultura pública en el proceso de remodelación del viejo cauce del río Turia en Valencia, 1973-2014, hace un inventario y cataloga las esculturas que se encuentran en dicho espacio. El objetivo principal es abordar un estudio de los planes de actuación escultórica durante el ajardinamiento del antiguo cauce del río, así como la gestión de las intervenciones, considerando la obra en su entorno y decurso histórico. El análisis exhaustivo de las informaciones obtenidas y debidamente contextualizadas, permite construir el relato que hay detrás de cada escultura y que forma parte del acontecer del viejo cauce. Podemos clasificar en tres tipos las actuaciones escultóricas llevadas a cabo: al margen de los planes oficiales, intervenciones bajo proyectos institucionales y las incluidas en diseños de ajardinamiento. Los resultados obtenidos constatan la inexistencia de un proyecto conjunto del espacio, que acaba con una diseminación de esculturas a lo largo del recorrido, fruto de la ocurrencia y de la falta de planificación. Esto ha propiciado una despreocupación progresiva en el tiempo que perjudica gravemente al estado de las esculturas y su exhibición. Este estudio pretende, con los resultados obtenidos, valorar la tesitura actual de la escultura en dicho lugar, y que pueda servir para introducir una reflexión sobre el sentido que se pretende conferir en un futuro a la escultura pública en el espacio urbano, y específicamente en la ciudad de Valencia.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5741
La estética del silencio: Juan Muñoz y la esquizofonía.
Authors: GUTIÉRREZ REYES CINTIA
Published: October 2017

Esta ponencia tiene como objeto analizar el silencio como una categoría estética, intrínseca de los planteamientos artísticos posmodernos. Atendiendo para ello a la poética de un discurso rizomático, en donde la obra, material o inmaterial no posee ya una única lectura, no hay una relación clara entre el significante y el significado por tanto, queda abierta  la polisemia que invita al receptor a configurar su propia vía de acercamiento a la experiencia artística. Una experiencia que aparece como sistema que facilitará su reconocimiento en lo ajeno. Frente a estas premisas se extiende una habitación vacía, como zona de meditación para una experiencia faústica, o como afirma Rilke como dura prueba que culmina con la conquista del derecho a hablar. Sin embargo, el diálogo que se establece está huérfano de cuerpo, y aparece una voz en la que nos distinguimos la fuente. Estableceremos qué tipos de silencio se vislumbran entre los planteamientos del arte actual: esquizofónico, panofónico o de conversión y cuáles son los autores que plantean esta categoría estética como elemento primordial en su obra. Nos acercaremos de forma específica a la obra de Juan Muñoz, como ejemplo garante de un tipo de silencio donde el extrañamiento se yergue como baluarte en el que se sostienen nuestros propios pensamientos. Para concluir como dijo Cage, que el silencio se presenta con su propia ironía devastadora, «el silencio es contar con un espacio de tiempo vacío y dejar que actúe con su propiedad magnética».http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5755
Estrategias de destrucción en un cuerpo a cuerpo con la imagen.
Authors: Fernández Vázquez María
Published: October 2017

Destruir para construir es una manera de enfrentarse a la imagen artística a través de la acción en un cuerpo a cuerpo. De este modo se van a tratar diferentes estrategias de afrontar la construcción de la imagen desde su propia destrucción. Cada vez que un gesto atraviesa el campo de batalla de la imagen hace que lo anterior desaparezca y en su desaparición se rehace una nueva imagen. Las imágenes contienen la memoria de lo que en ellas y por ellas a pasado y a través de la mirada se puede reconstruir la destrucción. A través de la acción en el presente se construye una verdad que inmediatamente desaparece, en ella el artista, el espectador, la manipulación de lo material y el tiempo son cómplices. Se entiende la relación entre la destrucción y la construcción como bucle infinito, como acontecimiento dependiente del gesto del artista. Este vínculo se va a analizar desde la experiencia propia de algunas obras realizadas como Deshacer el tiempo, Líneas de des-división, II round: animal carbón, o Habitar la derrota. En todas ellas la obra es un acontecimiento que deja una huella, la transformación de la materia significa la construcción de su memoria como consecuencia de su destrucción. Es la conclusión también del análisis algunos de los procesos de otros artistas, en particular: el ritual de iniciación de Bruce Nauman que parte del vacío; el proceso de Situación-Condición-Producción de Mathew Barney, y la reconstrucción de la memoria en el objeto dañado de Nieves Correa. Tres maneras de abordar metodologías de destrucción para la construcción de la obra. La acción, el dibujo, la instalación, o la situación, la condición, la producción, son también el deseo, el sacrificio y el resultado. Procesos por las que las imágenes retienen sus pasado en un eterno presente.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5763
Narraciones en la pintura contemporánea: El hipertexto
Authors: Valerde Buforn Javier
Published: October 2017

Hoy en día parece que las relaciones interdisciplinares están cada vez más asumidas por los artistas y por lo tanto permite una mayor y profunda investigación sobre la obra que realizan. Una de las grandes llaves para está comunicación entre las distintas disciplinas es lo que se conoce como “hipertexto”. Como ya es sabido, la hipertextualidad se refiere a la relación entre dos textos literarios distintos – o más bien entre la obra que vemos (hipertexto), y la obra a la que se refiere (hipotexto) – . Sin embargo, esta relación no tiene porque ser con obras pertenecientes a un mismo campo, sino que se pueden establecer relaciones entre literatura, pintura, escultura, cine, vídeo, etc. Generando así conexiones más rizomáticas, capaces de crear caminos entre los distintos medios. La pintura juega un papel fundamental en este cruce disciplinar, ya que ha sabido adquirir códigos de otros medios, como puede ser el cine, o generar recursos propios para conectar con otras obras y potenciar así su carácter narrativo. Es muy frecuente ver como los pintores contemporáneos entiendes los cuadros como fotográmas, secuencias, fragmentos, etc. O como usan recursos como las citas para establecer un diálogo con otra obra a la que se refiere y actualizar o proponer nuevos conceptos. Ejemplo de ello son artistas como Wilhelm Sasnal, Simon Zabell, Victor Man, Ugo Rondinone o Ilya y Emilya Kabakov, cuyas obras se enriquecen del hipertexto.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5765
La cara, espejo del alma. Ilustrando emociones.
Authors: Lara Mesa María , Esgueva López María Victoria
Published: October 2017

La cara, espejo del alma. Ilustrando emociones, es el título de una investigación que se centra en las emociones, las expresiones faciales, y en su representación artística como eje principal. Partiendo de un estudio de psicología, que argumenta el mundo de las emociones, y de la anatomía como disciplina que atiende a las expresiones faciales, nos centramos en codificar los gestos del rostro con la narrativa del dibujo, para entenderlos bajo unas pautas individuales y una producción personal. El estudio se ha llevado a cabo con un número reducido de personas, por lo que aplicamos conocimientos globales de psicología y anatomía en individuos para comprobar la universalidad de las expresiones faciales en las emociones básicas. Así como también, se verifica que el dibujo es un lenguaje imprescindible para la representación del retrato más dramatizado. Todo esto se ha justificado con la realización de una serie de dibujos y técnicas gráficas reproduciendo cada una de las emociones esenciales. Finalmente, nos adentramos en entender cómo los diferentes estilos de la historia del arte han ahondado en este tema, analizando la evolución en la representación de las expresiones a los largo de los siglos. Se trata por tanto de un estudio multidisciplinar, que desde una visión artística abarca conceptos de psicología y anatomía, e historia del arte,  para involucrar todas estas áreas en una producción artística personal, donde el dibujo y la ilustración desvelan las claves del gesto en el rostro humano.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5768
Evolución del rol de las mujeres en la animación televisiva
Authors: Delamorclaz Ruiz Carolina Francisca
Published: October 2017

Equidad, independencia económica o libertad sexual son algunos conceptos asociados a las problemáticas de la mujer. Conocedores de esta realidad, la animación ha ido configurando nuevos arquetipos femeninos en un intento por que ellas tengan la misma relevancia que los personajes masculinos. Por su parte, se ofrece una reflexión que permita entender hasta qué punto se han plasmado las distintas problemáticas de género y sexualidad en el ámbito de la animación televisiva. Para ello, se tiene en cuenta la inestimable contribución de diversos estudios de género y sexualidad (Judith Butler, Nancy Fraser o Susan Faludi). El motivo para esta elección es que han sido éstas las que han ofrecido la visión más transversal sobre feminismo. También, que todas ellas están ubicadas en un contexto histórico específico (desde la década de 1960 hasta hoy). El fin es, en este caso, descubrir si se ha visibilizado y normalizado a las mujeres y qué casos han sido los más efectivos. Por ejemplo, cuánto se ha evolucionado desde Los Picapiedra (que representó durante un largo espacio de tiempo a la madre ama de casa de clase media y caucásica) hasta series actuales como Steven Universe u Hora de aventuras y su lucha contra la censura para visibilizar el LGBTI. De las muchas problemáticas que pueden ser tratadas, la investigación se ciñe a dos grandes bloques: la economía feminista y el LGBTI. La intención es buscar los elementos que permitan visibilizar y empoderar a las minorías y repensar los roles del género. A través de un análisis de los personajes femeninos, se identifican arquetipos y estereotipos. Con ello, se pretende entender la evolución de la mujer a través de la animación y comprobar hasta qué punto se han actualizado los roles femeninos y qué series son más transgresoras.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5771
De la pantalla (bits) al acontecimiento (átomos)
Authors: Tortosa Cuesta Rubén , Sánchez López Miguel , Melendez Cardona Ronald
Published: October 2017

Ahora más que nunca la imagen la vemos en su primer estado: el virtual (pantalla). Además de ser unos devoradores de imágenes compulsivos, tenemos la necesidad de fijar esas imágenes más allá  de la virtualidad en el que nuestro hemisferio derecho del cerebro las procesa y el izquierdo las analiza y las conceptualiza. Es por ello que, a lo largo de nuestro recorrido como seres humanos, no nos hemos conformado con la capacidad de la visión latente, esa que es de la retina (percibe por los ojos mediante la acción de la luz) y el pensamiento. Por el contrario nos hemos esforzado en retener y decidir fijar la imagen para entrar en su tiempo (mirar). Vivimos mirando y buscando zonas intermedias de comunicación, motivados por un intento no tanto de  identificar, ni hallar, ni descubrir, sino de mirar para poder fijar la imagen, entenderla, traducirla y habitarla a partir de la experiencia de mirar (registrar). La pregunta surge cuando caemos en la cuenta de que esta experiencia está cambiando. Entre la realidad y nosotros se interponen las pantallas. Ya no es solo una superficie rectangular y plana situada a una cierta distancia de nuestros ojos. Es por donde nos comunicamos, por donde trabajamos y donde se construyen las imágenes. Vemos a través de ellas, y ellas están transformando nuestra mirada aportando nuevas formas de representar (visualizar) y de interactuar con el entorno. La obra “20.000 pies de Altura o la Memoria Ínfima”, va a servirnos de ejemplo del paso de los bits a los átomos y de la visualización de datos para generar una obra como acontecimiento. En ella la exactitud de la luz se traduce en pigmento, formalizando la huella y descubriéndonos el aspecto más sensible del paso de lo virtual a lo real.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5787
Fotografia - esencia y la hibridación
Authors: BURMESTER CRISTIANO FRANCO
Published: October 2017

INTRODUCIÓN Este estudio investiga los cambios en el campo midiático de la fotografía en la función de intensas transformaciones resultantes de las innovaciones tecnológicas provocados por la digitalización de los medios de comunicación. La tecnología informática ha estimulado un intenso proceso de convergencia tecnológica, especialmente en el campo de los medios audiovisuales. Debido a este proceso, aparatos fotográficos de alta calidad son capaces de grabar imágenes en movimiento y fijas. Ahora, no sólo en la post-producción, sino también en la captura de imágenes, hay una conexión entre la fotografía y audiovisual. Así pues, la pregunta central de investigación que surge es: lo que estos cambios pueden significar y permitir, en términos de la renovación de las narrativas fotográficas en el campo de el lenguaje visual ? METODOLOGÍA Como base metodológica para la base teórica de esta investigación se utilizaron los trabajos de Gilles Deleuze, específicamente sus estudios sobre el tempo de la imagen, publicado principalmente en su libro La imagen Tiempo. El extenso trabajo de análisis de los medios de comunicación realizado por Raymond Bellour, sobre todo en las intersecciones, similitudes  y diferencias entre la fotografía, el cine y el video. Este contenido ha sido tomado por sus dos libros: Entre-Imágenes y Entre Imágenes - 2. El extenso estudio de Edmond Couchot acerca de la presencia de la tecnología en el arte a través del libro del mismo nombre, fue importante para entender el proceso de hibridación que se producen en el ámbito del arte y la comunicación. La investigación de François Soulages en la Estética de la Fotografía presentó y demostró el rendimiento y intervenciones de motores de traducción semióticos en la imagen. RESULTADOS / DISCUSIÓN Como resultado de la investigación teórica y práctica fue posible profundizar en la comprensión del proceso de hibridación de medios audiovisuales, especialmente en las narrativas fotográficas, la comprensión de sus mecanismos operativos y transformaciones estéticas, el lenguaje, la tecnología y métodos de producción.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5789
Cargo Culte: La estética del Culto de cargo en el contexto urbano posindustrial de la Ciudad de México
Authors: Hernández Robles Edgar Carlos
Published: October 2017

La Ciudad de México ha visto en los últimos veinte años diversas formas de habitar sus espacios públicos, convertidos también en espacios de conflicto por las condiciones geo-políticas imperantes, estos no-sitios han sido poblados por manifestaciones estéticas, todas coincidentes en una gramática visual de la apropiación, el emplazamiento y la acumulación de objetos en desuso, chatarra y demás excedentes de un sistema económico alguna vez promesa de modernidad que nunca llegó.  Este proyecto construyó un puente entre estas manifestaciones estéticas urbanas con el fenómeno aparecido durante la Segunda Guerra Mundial en las islas de Oceanía Remota: los cargo cults, mito que incubó los movimientos de independencia en este archipiélago. La investigación abordó el dibujo desde la noción de dispositivo, entidad transversal, heurística y autónoma que a partir de una estrategia situacionista generó una taxonomía conformada por 22 láminas de medio tono a la usanza de la ilustración científica, el cual recopiló diversos ensamblajes en la ciudad utilizando la deriva como trabajo de campo teniendo en común una específica carga simbólica emancipatoria y todos ellos siendo construidos por bricoleurs: creadores anónimos-colectivos. Esta tesis contribuye al estudio del dibujo como un dispositivo, que opera como palanca para articular ideas, aprehender el mundo y colaborar en nuevos saberes universales, decoloniales y emancipatorios como posibilidades de afirmación colectiva.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5790
Recuerdos del futuro
Authors: CERDÁ ACEBRÓN MARÍA
Published: October 2017

En una necesidad por repensar nuestros pasados recientes y su resignidicación en el presente, comencé a trabajar con la memoria del exilio republicano español en México focalizada en la tercera generación. El propósito de Recuerdos del futuro es reflexionar, a partir de la producción visual, acerca de las posibilidades del recuerdo por medio de acciones que activan la performatividad de la memoria. Estas memorias se movilizan a través de mecanismos que cobran cuerpo en acciones-performance colectivas. De este modo, el trabajo que estoy desarrollando ha tomado forma en distintos dispositivos como un ensayo visual, una coreografia desarrollada a partir de entrevistas o un coro, elaborado con nietos del exilio a partir de fragmentos de las canciones que cantaban en sus familias. Sin embargo, ha sido con mis ultimas obras las que me gustaría determe brevemente, una playlist elaborada colectivamente y un taller, han servido para reubicar mi práctica artística desde nuevos formatos que entienden como indispensable la discusión colectiva, el trabajo colaborativo y compartir las experiencias que generar una memoria común y un entendido por venir. Todas las canciones son nuestras, es un cancionero construido de forma colectiva a través de la difusión y participación en redes sociales. El playlist se basa en canciones que hayan sido emblemáticas para el reconociemiento de los participantes como sujetos políticos en algún momento de su vida. Esto va ligado, en principio, a las canciones de los contextos históricos a los que cada uno pertenece o heredó. El taller esta enfocado en generar un relato paralelo por medio de las narraciones y vivencias transmitidas en el ámbito familiar referentes a eventos históricos, como un ejercicio de ampliación de la “historia oficial”. Es un taller práctico que consiste en trabajar con los recuerdos familiares dándoles forma por medio de la creación de un fanzine como un posible nuevo libro de historia compuesto por collages, texto, dibujos y fotografías. En definitiva la investigación que estoy llevando acabo pasa por crear dispositivos que puedan generar un entendido común, con una memoria compartida, catártica y performativa como activadora de estos recuerdos que reverberan en el presente. http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5793
ESTÉTICAS COMUNITARIAS Y COLABORATIVAS Y DESARROLLO A ESCALA HUMANA
Authors: Corzo Morales Maricely
Published: October 2017

Teniendo en cuenta que la actividad de los artistas plásticos y visuales, así como cualquiera actividad humana, está inscrita en un determinado modelo de desarrollo de la sociedad, esto implica desde el punto de vista de la enseñanza universitaria que es necesario fomentar capacidades para reflexionar acerca de las diferentes maneras en que nuestro quehacer profesional se insertará en la vida social, económica y cultural, favoreciendo un determinado modelo de desarrollo. Es verdad que la continua expansión en las últimas décadas de las prácticas artísticas hacia nuevos espacios de intercambio y nuevos modos de hacer ha puesto de manifiesto una mayor preocupación por el lugar, los contextos de intervención/emplazamientos y por ende por lo local. Sin embargo, desde el punto de vista de las implicaciones de la globalización, ponemos en consideración un acercamiento a las teorías del desarrollo, de modo que cualquier práctica artística, pero especialmente las vertientes que buscan interactuar en contextos sociales, se planteen de forma crítica, el papel, la incidencia y la responsabilidad que tienen en el apoyo, redefinición o construcción de un modelo de vida, dentro de su sociedad. A lo largo de nuestra investigación doctoral, en la que hemos puesto en diálogo áreas tan disímiles como las estéticas comunitarias y colaborativas y el codesarrollo, hemos identificado posibles zonas de contacto interdisciplinar entre la teoría del Desarrollo a Escala Humana (DEH) del economista chileno Manfred Max-Neef y algunos aspectos transversales que complejizan el entramado entre las prácticas artísticas contemporáneas y sus actores, a saber, lo contextual, lo relacional y lo representacional. Este texto explicará en detalle los fundamentos del DEH para alimentar desde él una serie de preguntas y reflexiones sobre los modos en que las prácticas artísticas inciden a niveles micro y macro en sus contextos de intervención.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5794
La expresión artística como vehículo para la recuperación emocional en caso de desastres naturales. Terremoto Ecuador 16 abril 2016.
Authors: Navas Guzmán Lidia , Henríquez Coronel Patricia María
Published: October 2017

El 16 de abril de 2016 un terremoto de 7,8 grados afecto gravemente la costa del Pacifico ecuatoriano dejando totalmente devastada la ciudad epicentro del sismo, Pedernales, y afectando gravemente a dos provincias del país. Este tipo de eventos catastróficos deja daños materiales y humanos cuya secuela en las poblaciones que los padecen pueden ser notables.  Para Sigales(2006) “Por sus efectos devastadores, una catástrofe puede ser considerada como una situación extrema, ya que somete a las sociedades y a los individuos que la componen a un estado de urgencia”(p. 12) En el caso de terremotos, las víctimas directas pueden experimentar estrés agudo  cuya causa “tiene un vínculo directo con las posibilidades de salvar o no su vida y la de los suyos (padres, hijos, hermanos), con sus heridas y sus secuelas (quemaduras, intoxicaciones, lesiones físicas, etc.), pero también con el sufrimiento que viven y la incertidumbre del futuro que está relacionado con la pérdida de sus bienes materiales, casa, trabajo, etc., así como a las posibilidades de recuperación de sus lesiones (fracturas óseas, mutilaciones físicas, lesiones que imposibiliten la vida productiva o de reproducción del individuo).”(Sigales, 2006, p. 14) Las secuelas y efectos destructivos de los padecimientos psíquicos que pueden derivarse de los desastres naturales, especialmente el estrés agudo, dependen en gran medida de la propia predisposición neurótica del individuo, sin embargo la existencia de protocolos terapéuticos de intervención pueden aminorar tales efectos en cascada. Desde la antigüedad se han probado los efectos del arte como elemento terapéutico pero especialmente a partir de la segunda guerra mundial se usa la pintura como vehículo para expresar el sufrimiento, dolor y otras emociones mediante la creación artística. Al influjo de la psicología psicoanalítica, se La arte terapia es definida por la American Art Therapy Association (AATA) como una profesión en el área de la salud mental que usa el proceso creativo para mejorar y realzar el bienestar físico, mental y emocional de individuos de todas las edades. Se basa en la creencia de que el proceso creativo ayuda a resolver conflictos y problemas, desarrolla habilidades interpersonales, manejo de la conducta, reduce el stress, aumenta la autoestima y la auto conciencia y se logra la introspección (Citado por Covarrubias, 2006, p. 2) En el terremoto Abril 2016 en Ecuador, distintas organizaciones, grupos, colectivos y también artistas a título individual acudieron a los refugios cercanos  a las zonas devastadas para contribuir con medidas paliativas al estrés mediante la expresión artística. Esta ponencia relata las vivencias de los protagonistas en clave personal.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5795
La mediación artística en comunidades de mujeres con riesgo vulnerabilidad social a partir del audiovisual.
Authors: Huerta Jiménez Mayra , Vicari Zanatta Claudia
Published: October 2017

El audiovisual cobra cada vez más relevancia en la actualidad, puesto que permite demostrar argumentos significativos que involucran emociones que no son sencillas de enunciar, permitiendo narrativas que simulan  y atestan realidades complejas. En este sentido, las mujeres que pasan por procesos violentos en ciertas ocasiones se puede tomar una distancia para evidenciar aspectos más controlados ahora en un ambiente más familiar y de cooperación; si están en este tipo de ambientes, o por el lado contrario enfrentándose todos los días a su situación cotidiana en continua vulnerabilidad. El propósito de este ensayo es mostrar el proyecto “Porto Alegre-Tijuana: mujeres mirando su vida cotidiana y más allá” en una red de colaboración entre grupos de investigación: Ciudadanía y Arte (UFGRS, Brasil) e Imagen y Creación (UABC, México). Sumado a esto, el procedimiento consistió en ambos casos  en acercarse a este grupo de mujeres que comparten situaciones de riesgo (violencia doméstica, pocos recursos financieros, algunas con muy baja escolaridad y con dificultad para entrar en el mercado del trabajo). En el caso de Porto Alegre se trabajo con mujeres que habitan en un barrio de baja renta, con características de favela (chabolas). En el caso de Tijuana, se trabajo con mujeres en el Centro de Rehabilitación Casa Corazón. Durante varios meses se dialogó a través de talleres de video que derivaron en diversos audiovisuales realizados por las participantes, los cuales hablan de su vida y también de las ciudades en que viven. Se planteó un aproximación a la cotidianidad de esas mujeres de estos dos grupos focales a partir de la utilización del video como herramienta de comunicación, ya que este promueve un acercamiento más íntimo desde la mirada de las propias participantes y a la vez narra situaciones que las constituyen a partir de sus especificidades. Aspectos que el video formula desde el lenguaje audiovisual.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5796
El papel del arte en la transformación social en contextos pioneros en el movimiento de transición a la sostenibilidad. El caso de Reino Unido.
Authors: Sánchez León Nuria
Published: October 2017

La gravedad de la crisis ecológica mundial exige la participación desde todas las disciplinas para lograr un cambio cultural, sistémico y duradero hacia la sostenibilidad. En el caso del arte, la difuminación de sus límites con respecto a la autoría, el contexto y los temas en los últimos 60 años ha permitido la colaboración interdisciplinar de artistas en otros campos del saber y un replanteamiento de la función de los creadores en la sociedad.  Por otra parte, los informes de la Unión Internacional de Conservación de  la Naturaleza (UICN) Transición a la Sostenibilidad: hacia un mundo humanitario y diverso, señalan la necesidad de una revisión del concepto de sostenibilidad e incluso del movimiento ambientalista, para superar los retos de esta era del “Antropoceno”. El concepto de transición a la sostenibilidad encuentra aplicación práctica en el movimiento de ciudades y pueblos en transición (MTC) que surge en el mundo anglosajón hace 10 años y está formado actualmente por más de 1700 iniciativas distribuidas en cerca de 50 países. Este movimiento aporta nuevas formas alternativas de actuación democrática a la organización política actual, que parten de la acción local y que recogen objetivos de descarbonización de la economía, justicia, equidad y reducción de la huella ecológica. El objetivo de esta ponencia es estudiar las distintas formas en las que el arte ha aportado nuevos puntos de vista a los problemas ambientales, sociales o económicos fomentando prácticas de vida y actuación más sostenibles. Revisaremos a lo largo del texto los principios definidos por la autora Lucy Neal al respecto de lo que ha llamado “transitional art”. Siendo Reino Unido pionero en experiencias de transición, la ponencia plantea analizar una recopilación de casos anglosajones en los que se emplea el arte como estrategia de fomento de la transición de la sociedad.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5806
Construir una identidad desde las ruinas de la modernidad. La obra de Amie Siegel
Authors: Sonseca Mas Yara
Published: October 2017

Esta comunicación analiza el trabajo de la artista estadounidense Amie Siegel como punto de partida para abordar el concepto de identidad en el mundo globalizado. A modo de caso de estudio, se comentarán algunas de sus obras, principalmente la película Provenance (2013), en la que la artista traza en reverso el camino que los muebles diseñados por Le Corbusier para la ciudad de Chandigarh recorren desde su ubicación original hasta las casas de coleccionistas de diseño en Europa y Estados Unidos. Tanto en esta película, como en la recientemente producida, Double Negative (2015), y en una sus primeras instalaciones, como Berlin Remake (2005), Siegel aborda el tema de la ruina moderna y su transformación en la era de la globalización. Dicha transformación afecta directamente a la construcción de las identidades, siendo este el tema esencial que, a mi juicio, conecta toda su obra. Como comisaria de su única exposición retrospectiva hasta la fecha, Amie Siegel. Double Negative, presentada en 2016 en el Museo Villa Stuck de Múnich, he tenido la oportunidad de profundizar en su trabajo y, mediante mi participación en este congreso, desearía poder llevar este ejercicio un paso más allá, compartiendo mis reflexiones con otros autores para abrir nuevos caminos en la investigación de estas cuestiones.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5813
Protoacciones artísticas en la Valencia del primer franquismo(1939-1959): prácticas locales bajo el desconocimiento global.
Authors: González Martínez Felip
Published: October 2017

Esta intervención se centra, en sacar a la luz y dotar un valor plástico aquellas acciones artísticas que, materializadas por artistas y agrupaciones de arte, orbitaron en la Valencia del primer franquismo (1939-1959). Acciones que, independientemente de su naturaleza y singularidad, deberían formar parte de la historia universal de la performance, desde el filtro de la intrahistoria artística de la ciudad de Valencia. Se pretende rescatar y analizar todas las posibles experiencias prácticas del mundo de la acción artística que, debido a su indefinición formal y desconocimiento conceptual, no fueron percibidas, artísticamente hablando, a los ojos de los artistas, la crítica de arte y la historia del arte. En este contexto, se ha de recuperar y enfatizar las  propias acciones artísticas per se del conjunto de propuestas, que participaron en los inicios del arte moderno valenciano. De forma más descriptiva, se tratarían de gestos, actitudes, sucesos y situaciones desarrollados en contextos activistas de rebeldía, en las aulas o cercanías de la Escuela Superior de Bellas Artes de San Carlos, en exposiciones o eventos públicos, en  tertulias artísticas y literarias, etc. Y, en general, de prácticas más azarosas y aventureras que, debido al estancamiento cultural autárquico del franquismo, poco tuvieron que ver con la tradición performática de los artistas futuristas, dadaístas o constructivistas. Finalmente, es necesario entender, enfatizar y, a su vez, reivindicar la idiosincrasia y el valor plástico de cada acción artística, enmarcados dentro de la marginalidad local de la ciudad de Valencia, del aislamiento cultural de la España franquista de los años 40 y 50, y de la coincidencia de premisas en las performances y los happenings desarrollados en los Estados Unidos de América y en Japón.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5823
DEL OBJETO EN TRANSFORMACIÓN A LA INVESTIGACIÓN ARTÍSTICA
Authors: CASTILLEJOS SAUCEDO GIOVANNA , GONZÁLEZ MACHADO NIZAÍ , MARTÍ SANDRA AMELIA , DEL ÁNGEL GONZÁLEZ KAREN ANAHÍ , FLORES ÁVALOS MARTHA ISABEL , FLORES PÉREZ ALFREDO , ARROYO URIÓSTEGUI ANA JULIA , BARQUERA MONDRAGÓN PAULA
Published: October 2017

Como resultado de introducir y poner en marcha un curso de Investigación artística por primera vez en la División de Ciencias y Artes para el Diseño (CyAD) de la Universidad Autónoma Metropolitana – Xochimilco en la Ciudad de México; diversas reflexiones y contribuciones se han dado para sumarlas, tanto a las discusiones de la pertinencia de la Investigación artística en las academias, como para su práctica en el sistema educativo hoy vigente del CyAD. Con el propósito de dar a conocer tales aportes y ponerlos a discusión, este trabajo busca un espacio dentro del III Congreso Internacional de investigación en artes visuales:: ANIAV 2017, abriendo las posibilidades que el constructo local-global-local nos brinda. Por ello, esta comunicación se desarrolla en las siguientes líneas: El objeto en transformación de la relación epistemológica sujeto – objeto planteada por el sistema modular de la UAM-Xochimilco y la imbricación con la Investigación artística a partir de la visión de Henk Borgdorff (2004), en la que, si bien convergen, difieren entre sus prácticas. Su coincidencia radica en el uso de métodos epistemológicos y hermenéuticos para articular un conocimiento concreto, pero su diferencia se manifiesta en la ausencia de experimentación e incorporación de la práctica artística como resultado de la investigación de parte del CyAD.Las reflexiones teóricas y las luchas generales que la investigación artística ha impulsado, incorporadas al entorno de investigación en la UAM – Xochimilco, cuyo eje principal no es el arte, sino el diseño. Desarrollar la íntima relación de los propósitos de ambas disciplinas, cuya génesis, según nuestra visión, se encuentra en la praxis artística al servicio del movimiento esencial de la realidad: expansión y resistencia. Asumiendo los aportes que esta inserción ofrece a los problemas transversales que aquejan global y localmente a la relación enseñanza/aprendizaje del arte y el diseño.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5835
La tierra está en el aire. Imagen y colonización interior
Authors: Gil-Fournier Martínez Abelardo
Published: October 2017

Un proceso de colonización es entendido habitualmente como un movimiento de dentro a fuera, como una extensión porosa de las fronteras. Colonización es sin embargo un concepto que ha sido también empleado para referirse a procesos hacia adentro, de transformación de dominios propios. En la historia reciente de España, el Instituto Nacional de Colonización operó entre los años 1939-1973 una conversión del paisaje rural en numerosas zonas de la Península. A través de canalizaciones, desecaciones y construcción de pueblos y embalses, facilitó la explotación del territorio en términos productivos, abriendo el paisaje a nuevas prácticas agrícolas y tecnológicas.Este despliegue de infrastructuras coincidió con los vuelos que dieron paso al primer registro ortofotográfico completo del Estado. La transformación del paisaje tuvo lugar entonces junto a una nueva forma de mediación, la de la visión aérea. La extensión simultánea de estas dos superficies, la de un terreno reorientado a la producción y la de su impresión fotográfica desde el aire, permite entender esta doble interacción de la luz con la tierra en términos de lo que el teórico de los media Jussi Parikka ha denominado medianatures. Una doble relación en la que, por un lado, la visión aérea ejerce su "poder para transformar, redefinir e hibridizar naciones, territorios y culturas" - en palabras de la teórica de los media Lisa Parks-, y en la que por otro lado la visión aparece como expresión misma de una relación material con la superficie; citando a Ryan Bishop: "si algo es visible, tocable, entonces es de facto una superficie y dependiente de otra entidad, otro suelo como soporte, no visible o inteligible."Esta comunicación presenta la Colonización Interior como una genealogía material de la visualidad contemporánea, fijando así a la producción de imágenes hoy una historia de trabajos forzados y de explotación del medioambiente.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5836
UN OBJETO ENTRE LA EXCLUSIÓN Y LA PROTECCIÓN
Authors: Tetê Barachini Teresinha Barachini
Published: October 2017

Entre muchos muros que se construyen o se echan abajo en nuestro planeta, hay un muro específico, el cual se viene abordando por un colectivo de artistas. Se trata del Muro de Av. Mauá, en Porto Alegre-RS-Brasil, el cual se constituye como un monumento  tridimensional longitudinal. Su interferencia en el paisaje es absolutamente contundente, aunque muchas veces, no es percibido por los que conviven diariamente con él. Este objeto, el Muro, crea una interferencia en el paisaje, lo que transforma y modifica los hábitos de los que viven en la ciudad y de los que por allí pasan, dividiendo la memoria entre el antes y el después. Ambiguo en su existencia, el Muro resiste a los debates entre los que lo defienden como necesario y los que lo consideran un estorbo y reclaman su caída. Con en fin de entenderlo y resignificarlo, los artistas-investigadores vienen estableciendo diferentes estrategias poéticas de aproximación y compartición con el Muro y su entorno, lo que genera nuevas interrelaciones entre  este protagonista y la ciudad. Se han llevado a cabo una serie de deambulaciones propositivas y colectivas, tales como: Visita Imprecisa(2015),  Turista Puede(2015) y Espiación92016). Al colocar un Muro en el borde del Lago Guaíba para protegerse, la ciudad de Porto Alegre, niega en algún sentido su vocación de puerto, sus aguas, sus islas, su mirada hacia el otro lado del margen. Y, de cierta forma, esta lo asume como parte de un paisaje urbano, al cual no se penetra, no se atraviesa.  Traigo para esta presentación algunas reflexiones que surgieron a partir de las actividades colectivas realizadas por los artistas en este lugar específico, las cuales generaron reflexiones que se expanden a otros muros, en este empate permanente entre a protección y la exclusión. http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5837
Guerrilla kultural: plataformas de difusión cultural descentralizadas, colaborativas e interculturales.
Authors: Bueno Alejandra , Castillejo Argote Rubén
Published: October 2017

El festival internacional de videoarte Fem Tour Truck, atiende a varias necesidades, la primera, dar voz y contar las historias que no se cuentan, la segunda, respetar los derechos humanos, la tercera, recuperar el espacio público como lugar de intercambio de saberes. Es por ello que se gesta desde “GUERRILLA KULTURALA”, un proyecto de creación artística y gestión cultural, desarrollado por la plataforma de difusión cultural “GUERRILLA Food Sound System”, basado en la colaboración y la hibridación entre diferentes propuestas artísticas, individuales y colectivas, de distintos ámbitos, unidas por generar “creación comprometida” y buscar nuevas fórmulas de creación, organización, y relación con la sociedad a partir de la “acción artística”. La experimentación y la investigación realizadas en “nuevos modelos de gestión de la creación artística y de organización entre personas”, nos anima a seguir apostando por estrategias innovadoras que potencien vías para fomentar la participación a través de la libre difusión de conocimientos, a la vez que complementamos nuestros recursos como creadores, trabajando de una manera conjunta y colaborativa, creando así ciclos de intercambio de recursos multidisciplinares entre creadores y sociedad desde la acción unificada. Por ello Fem Tour Truck tras un periodo de gestión y difusión de convocatoria, desarrolla una programación de actividades con diferentes artistas en diferentes ciudades para generar un intercambio cultural dando fruto a nuevas conexiones, nuevas creaciones y nuevas posturas críticas en torno a los cuerpos disidentes como el lésbico, trans, intersex, homosexual y queer, y en torno a la propia mujer. Temas tabús que toman las calles mediante la dinámica, el humor y un contexto que trata de romper las barreras clásicas de la educación, potenciando la innovación y la cooperación en el sector cultural. Fem Tour Truck es un festival sin ánimo de lucro, abierto a ser realizado en todo tipo de eventos y espacios sin perder su carácter etéreo.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5846
Esquemas dinámicos complejos
Authors: Serrano Figueroa Luis
Published: October 2017

La investigación artística, más allá de la perspectiva normativa (disciplinar) reciente que la asocia a procesos de actualización curricular en las universidades del orbe, implica o ha implicado un ejercicio permanente de imaginación y crítica. Existe un amplio legado de trabajo crítico donde se reconocen las prácticas de investigación en su directa asociación con el ejercicio político o las luchas sociales (Steyerl, 2010). El arte apunta a un pensamiento profundo, radical, prismático, y atonal, y asimismo como forjador de un territorio abierto, expandido, lo cual implica que la idea del arte que acompaña a la propia aventura del arte es cada vez más compleja, pluralista y polivalente (Juanes, 2010). La propuesta de esquemas dinámicos complejos plantea la necesidad de un procesamiento de los legados críticos, la vastedad, la polivalencia, la poética de sus autores, en su encuentro con los imperativos de la investigación académica formal. Los esquemas dinámicos complejos permiten el reconocimiento de este carácter abierto, complejo y polivalente. Y también permiten pensar o transitar por las distintas formas de codificación e implicaciones de la acción de investigación en las múltiples escalas contextuales y los múltiples ámbitos de actuación. La propuesta de los esquemas dinámicos complejos se soporta en un ejercicio de colectivización de procesos de investigación donde los esquemas operan como interfaz dialógica. En este sentido, el valor del esquema no está en su graficación si no en lo que el esquema permite visibilizar para ser discutido en un grupo. Por otra parte implica reconocer también la mutabilidad de las configuraciones conceptuales en una espiral constructiva de procesos de conocimiento interdisciplinario (García, 2006). Esto quiere decir que la posible reconfiguración permanente de un esquema conceptual en un proyecto de investigación sucede a la par de la reconfiguración de la mirada (theorós) del investigador.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5848
PARODIA Y HUMOR EN LA ERA DE LA POST-VERDAD
Authors: Gómez Haro Leonardo
Published: October 2017

Una consecuencia imprevista de la globalización ha sido la aparición de un término que, dada su proliferación en los media, ha llegado a ser considerado la palabra del año en 2016. Nos referimos al neologismo Post-verdad, definido por el Diccionario Oxford como la circunstancia en que los hechos objetivos tienen menos influencia en formar la opinión pública que las apelaciones a la emoción y las creencias personales. Y resulta inquietante que hayan tenido que sucederse una serie de envíos virales enturbiando la campaña presidencial en los EEUU con información falsa, para que el gremio periodístico empiece a reconocer que su pérdida de credibilidad quizás se deba a que la verdad de los hechos no ha sido siempre su prioridad. Paradójicamente, el mundo del arte, entendido como un campo cultural al que se le presupone cierta suspensión de la credulidad, se caracteriza, desde hace tiempo, por su prevención hacia esa supuesta objetividad de los media hoy en entredicho. El presente comunicado quisiera hacer una reflexión sobre estas cuestiones, no a través del discurso serio, sino desde el punto de vista del humor en sus diferentes formas, ya que el cuestionamiento sistemático de estereotipos, noticias sesgadas, publicidad fraudulenta, o de la verdad no sometida a examen, es lo habitual en la práctica artística que conlleva un grado de humor o de ironía. Nuestra hipótesis de trabajo es que cualquier teoría, para poder ser verificada, debe someterse a prueba. Y como nos recuerda Jankelevitch que pensaba Diógenes, el mejor modo de comprobar cuánta verdad hay en una verdad era reducirla al ridículo y ver cuánta broma aguanta. Porque, lo que no aguanta una broma es falso, y, en ese sentido, parodiar una teoría significa realizar con ella el experimento de los experimentos.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5849
ZAWP Bilbao. Posproducción cultural en espacios de creación postindustriales
Authors: Etxebarria Madinabeitia Izaskun
Published: October 2017

En primer lugar, se analiza el libro Cultura Libre de Estado de Jaron Rowan, que describe detalladamente un amplio mapa con los diferentes agentes del sistema cultural. Trabajadores, interlocutores, consumidores o participes de la cultura y otros agentes e instituciones son analizados desde tres enfoques: desde la cultura como recurso, como derecho o como bien común. Tomando este punto de partida, se ha realizado un mapa conceptual que resume la primera mitad del libro. Para conseguir una transformación de la cultura, el autor plantea que los recursos sean puestos a disposición de los consumidores, convirtiéndolos así, en productores. En segundo lugar, a esta idea se contrapone el análisis de Vílém Flusser, especialista en nuevos medios, en su libro El universo de las imágenes técnicas. Aunque hay que destacar que el contexto es muy diferente, debemos recordar que gran parte de la cultura hoy se difunde a través de dispositivos que están mediatizando nuestros mensajes. Es interesante ver este tipo de comunicación analizada desde el punto de vista de la caja negra que él describe. Incluso, puede ser extrapolado a la forma en que se nos presenta la propia cultura como industria, considerando al espectador alguien que puede recibir imágenes e información ya "imaginada" o producida de manera técnica. Su análisis presenta un escenario de ilusión diseñado para facilitar el consumo, pero que sólo permite un tipo de producción superficial, ya que los productores no conocen el funcionamiento de las cajas negras. En tercer lugar, se revisan los conceptos de ciudadanía y espacio público desde El espacio público como ideología de Manuel Delgado. En él, se repiensan los usos de estos conceptos, planteando la necesidad de hablar de “esfera” en lugar de “espacio”. Este corpus teórico enmarca la entrevista a Ruth Mayoral, una joven socióloga del equipo ZAWP Bilbao, un centro que actualmente cuenta con financiación de las principales instituciones vascas, pero que surgió de una asociación, La Hacería Arteak, junto a la demanda vecinal desde la asociación de vecinos del barrio de Zorrozaurre, que finalmente fue apoyada por las instituciones, tras años de actividad y demandas de permanencia.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5854