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Matías de Torres: pinturas en Peñaranda de Bracamonte y Hoyos del Espino
Authors: Collar de Cáceres Fernando
Published: April 2016

El pintor palentino Matías de Torres, activo en Madrid a caballo de los siglos XVII y XVIII, centró en buen grado su actividad profesional en encargos para templos y conventos de distintas localidades castellanas, ejemplo de lo cual son varias pinturas de temática mariana realizadas para Peñaranda de Bracamonte (Salamanca) y Hoyos del Espino (Ávila) que han que incorporarse, junto con una Inmaculada del convento de San Plácido y un dibujo de la Biblioteca Nacional, al catálogo de su obra.
Un nuevo dibujo de Francisco Pacheco para su Libro de retratos: la efigie de Pablo de Céspedes en los Uffizi
Authors: Navarrete Prieto Benito
Published: April 2016

Se da a conocer aquí un dibujo autógrafo de Francisco Pacheco, retrato del pintor Pablo de Céspedes y relacionado con el Libro de retratos de aquél. Este dibujo es la fuente original que siguieron las cinco copias conservadas en la Hispanic Society of America de Nueva York, en el manuscrito de la Real Biblioteca de El Escorial, en la colección Anmunátegui, y dos en la Biblioteca Nacional de España, una de mano de Francisco de Goya. El dibujo, atribuido hasta ahora a Barocci en el Gabinete de Dibujos y Estampas de los Uffizi, procede de la prestigiosa donación Santarelli. El hallazgo supone la constatación de la importancia de las copias de la Hispanic Society, que abren la posibilidad de que existan otros originales de Pacheco aún no identificados.
Une esthétique de la rupture
Authors: Villas Bôas Glaucia
Published: April 2016

Nous soutenons dans le présent chapitre que l’émergence de l’art concret dans les villes de Rio de Janeiro et de São Paulo, au milieu du xxe siècle, n’est pas due aux influences des mouvements avant-gardistes étrangers, mais à un enchaînement d’événements animés par des artistes et des critiques d’art. Ces derniers entretiennent alors des liens étroits avec des architectes, des entrepreneurs et des diplomates fondateurs de musées d’art moderne, de galeries et de la Biennale de São Paulo. Ce réseau de relations en faveur d’une esthétique constructiviste regroupe des Brésiliens et des étrangers de différentes nationalités. La perspective sociologique adoptée ici met l’accent sur les initiatives et sur les discours des acteurs sociaux. Il s’agit de contribuer à une nouvelle histoire du concrétisme qui remet en cause la notion d’influence utilisée par l’historiographie du mouvement. Nous défendons, en outre, l’idée que l’art concret reflète les changements provoqués dans la structure sociale et économique du pays par son processus d’industrialisation et d’urbanisation. Il ne s’agit pas, pour autant, de prendre en compte de façon isolée des textes programmatiques tels que le « Manifeste de la rupture », lancé en 1952 à São Paulo sous l’impulsion de l’artiste et critique d’art Waldemar Cordeiro, ou le « Manifeste néo-concret » de 1959 organisé par Ferreira Gullar. Ces textes sont ici appréhendés comme des « pièces » importantes témoignant des confrontations et des conflits qui ont définitivement marqué l’histoire du concrétisme dans les années 1950. Une des caractéristiques de ces joutes concrétistes était sans aucun doute la concurrence entre les Cariocas et les Paulistes, même si la plupart des artistes et critiques d’art étaient originaires d’autres villes brésiliennes ou même d’autres pays. Afin de souligner les différences et les similitudes du mouvement concrétiste dans les deux villes, nous présentons ici un ensemble de données historiques et d’événements qui, réunis, configurent un enchaînement de faits révélateurs des particularités de Rio de Janeiro et de São Paulo. Les contextes différents ont motivé la mise en œuvre – par les artistes et critiques – de stratégies distinctes pour contourner les résistances à leurs propositions esthétiques ou pour forger des alliances et obtenir ainsi la reconnaissance qu’ils convoitaient, modelant de ce fait des identités propres à chacune des deux villes.
Le guerrier du théâtre municipal
Authors: Siciliano Tatiana
Published: April 2016

Arthur Azevedo (1855-1908) – théâtrologue, journaliste, auteur de nouvelles, chroniqueur et fonctionnaire – est aujourd’hui peu reconnu. Il a, pourtant, joué un rôle central dans le champ artistique et intellectuel de la fin du xixe et du début du xxe siècle au Brésil. Membre fondateur de l’Académie brésilienne des lettres (1897), il fut aussi l’un des principaux promoteurs de la construction du théâtre municipal à Rio de Janeiro. À travers la presse et le théâtre, il se lance dans une longue campagne en faveur du développement du théâtre national, notamment dans ses chroniques hebdomadaires « O Theatro » (Le Théâtre), publiées dans la revue A Notícia (La Nouvelle). Il se bat pour la construction d’un espace financé par l’État et destiné à l’épanouissement de la dramaturgie brésilienne, à l’image de la Comédie-Française. Il part du principe que le gain en qualité de la production théâtrale, tout comme l’accroissement du public et son élargissement aux différentes couches sociales, notamment pour des pièces plus littéraires, ne seraient possibles que grâce à des investissements publics. Tel est son projet pour le théâtre municipal de Rio de Janeiro. Bien qu’elle ait été approuvée par une loi de 1895, la construction du théâtre ne débute qu’en 1905 et son inauguration a lieu en 1909, sur un tout autre modèle : un bâtiment somptueux, inspiré du Théâtre de l’Opéra de Paris, destiné à des spectacles grandioses, principalement mis en scène par des compagnies étrangères, dont les prix d’entrée exorbitants ne sont accessibles qu’à une élite. À ses débuts, le théâtre de Rio de Janeiro ne rappelle donc en rien le projet initial conçu par le dramaturge. Ce n’est, d’ailleurs, que dans les années 1930 qu’il commence à bénéficier de fonds publics qui lui permettent de constituer un corps artistique propre : une chorale, un orchestre symphonique et une compagnie de ballet. L’art dramatique demeure néanmoins exclu. Dans ce chapitre, nous tenterons de décrire le combat mené par Arthur Azevedo en faveur de la création d’un théâtre national et de mettre en avant son rôle de médiateur culturel. Bien que la conception du dramaturge soit en parfaite adéquation avec l’idéal civilisateur de son temps, elle ne parviendra pourtant pas à s’imposer dans le cas du théâtre municipal de Rio de Janeiro. Nous partons de l’hypothèse selon laquelle Arthur Azevedo revendiquait la mise en œuvre d’une politique culturelle destinée au théâtre brésilien, alors que le concept de politique culturelle publique tel qu’il sera institutionnalisé à partir des années 1930 était encore loin de prévaloir sur le territoire national.
Authenticité, rôle des agencements sociaux et reconnaissance internationale d’une œuvre
Authors: Marques Kadma , Oliveira Gerciane
Published: April 2016

Ce chapitre aborde les processus à l’œuvre dans la définition de la trajectoire professionnelle de Chico da Silva, un artiste naïf né dans l’État d’Acre, dans la région Nord du Brésil, et qui s’est installé à Fortaleza au milieu des années 1930. « Découvert » par le critique suisse Jean-Pierre Chabloz dans le Fortaleza des années 1940, alors qu’il griffonne des animaux imaginaires et des vaisseaux fantomatiques sur les murs des maisons de pêcheurs de la Praia Formosa, Silva voit, du jour au lendemain, ses tableaux intégrer les circuits internationaux, et capter l’attention des critiques et des universitaires. L’une des conséquences de cette reconnaissance est la création de l’école Pirambu – un centre qui accueille les enfants du quartier du même nom. Ils y pratiquent la peinture aux côtés de l’artiste naïf, dans son atelier-résidence. La dynamique de production artistique collective mise en œuvre par ce centre révèle une tension entre deux modèles inconciliables de structuration du domaine artistique moderne : d’un côté, l’importance accordée au statut de l’auteur individuel, fondé sur la représentation de l’artiste de génie en tant qu’acteur capable de stabiliser la signification authentique d’une œuvre ; et, de l’autre, la dilution de cette figure dominante en tant qu’élément constitutif du réseau d’interdépendances et d’échanges qui structurent l’œuvre d’art explicitement, par le biais du travail collaboratif qui met à contribution de nombreux acteurs issus de différents secteurs, ou implicitement, à travers une activité apparemment solitaire et autonome. Cette polarisation discursive se traduit par deux prises de position dans le milieu de la critique d’art, relatives à la question de l’identité d’auteur de Chico da Silva : l’une met en avant sa qualité d’auteur individuel, qui imprime à son travail un univers particulier et subjectif ; l’autre décentralise la création artistique et la définit comme un acte collectif, traversé par une série de facteurs sociaux. Cette opposition est catalysée par la production, par l’école du Pirambu, de tableaux « Chicos da Silva » (au pluriel). Centrées sur la thématique des figures fantastiques et peintes de façon non naturaliste, ces œuvres matérialisent plastiquement la décomposition de la notion d’auteur individuel, à travers le travail collaboratif mené par Silva et ses « disciples ».
Économies de l’art contemporain
Authors: Fialho Ana Leticia , Goldstein Ilana Seltzer , Proença Renata Bernardes
Published: April 2016

Ce chapitre présente et analyse certains résultats de l’étude « Économie des expositions d’art contemporain », menée en 2010 par les auteures. Le terme « économie » employé dans le titre renvoie non seulement à l’aspect financier, mais surtout aux stratégies et aux ressources mobilisées par les différents acteurs impliqués. Nous chercherons ainsi à décrire le modus operandi des institutions dont la programmation est consacrée à l’art contemporain, dans différentes régions du Brésil, au cours des dix dernières années. Plutôt que de présenter de façon exhaustive les données recueillies et les lacunes (éloquentes) rencontrées au cours de la recherche, notre objectif consiste, ici, à approcher certaines questions centrales du point de vue de la sociologie de l’art et, plus spécifiquement, pour la compréhension du système des arts au Brésil. Dans cette optique, une cartographie initiale délimitera l’univers de la recherche, à partir d’informations concernant la répartition géographique des équipements culturels qui composent notre échantillon, leur nature (entre autres : institution publique ou rattachée à des entreprises privées, indépendante, etc.), et leur profil (musée, centre culturel, espace sans fonds artistique). Nous tenterons ensuite de comprendre les processus décisionnels et les mécanismes de gestion de ces espaces, à travers l’analyse des équipes professionnelles impliquées et des expositions produites, mais aussi par l’étude de l’acquisition des collections, du registre de la mémoire institutionnelle, de la coopération interinstitutionnelle ou encore des actions éducatives. Au-delà de la synthèse des résultats de cette recherche, nous formulerons, dans ce chapitre, des questions plus larges relatives aux défis que doivent aujourd’hui relever ces équipements, aussi bien pour le développement interne de leur circuit d’exposition que pour leur processus d’expansion internationale.
A sociologia das artes e da cultura na França
Authors: Péquignot Bruno
Published: April 2016

A sociologia das artes e da cultura é uma disciplina que tem experimentado um forte crescimento na França desde 1985. Este capítulo apresenta os principais temas de pesquisa e a história de seu desenvolvimento. Serão, assim, abordados, sucessivamente, a questão das instituições e das políticas culturais – particularmente importante na França –, a organização e o funcionamento dos mercados da arte nacionais e internacionais, os problemas específicos das profissões artísticas, os problemas da recepção, com a questão dos públicos e as questões de legitimação, objetos de debates importantes. Serão, em seguida, apresentadas as pesquisas, remetendo, especificamente, a certas práticas artísticas: as mais estudadas, as artes plásticas e a literatura, obviamente, mas também o teatro e as artes performáticas em geral (o circo), a música, ou melhor, as músicas em sua diversidade – clássica, popular, músicas do mundo (world music), etc. –, a fotografia e o conjunto das novas imagens, incluindo arte computacional, o cinema e a televisão (inclusive as séries televisivas), a arquitetura e as artes monumentais, mas também a arte de rua (grafite, hip-hop, por exemplo). O capítulo centra-se nos debates que levaram à estruturação dos pesquisadores nesse campo, sobretudo o que estava no centro das discussões teóricas durante esses 25 anos: a questão das obras.Este trabalho aponta as principais etapas institucionais desse surgimento, tais como: a criação do Centro de Sociologia da Arte, por Raymonde Moulin, no CNRS e na EHESS; o colóquio de Marselha, em 1985; as jornadas internacionais da sociologia da arte, organizadas pela equipe de Grenoble e a criação, no CNRS, do Grupo de Pesquisa do (GDR), Œuvres, Publics, Société (OPuS), por Alain Pessin, em 1999, e sua transformação, em 2005, em um grupo de pesquisa internacional (GDR International). Finalmente, a criação, em 1990, da única revista do campo: Sociologia da Arte (Sociologie de l’Art). Uma extensa bibliografia permite que o leitor consulte os trabalhos essenciais.
Em busca da leitura perdida? Os adolescentes e a leitura na França atual
Authors: Détrez Christine
Published: April 2016

As práticas de leitura, para quem deseja estudá-las, podem ser apreendidas por meio de diversas metodologias, nas quais os resultados podem, por vezes, parecer contraditórios. A fim de mostrar a contribuição de cada método, este capítulo se propõe a articular duas pesquisas recentes: uma quantitativa e longitudinal, realizada junto ao Ministério da Cultura, com milhares de adolescentes franceses(as) por cerca de uma década e que enfocava as práticas de lazer da infância à adolescência; e outra, qualitativa, realizada por meio de entrevistas com 60 adolescentes leitores(as) de mangá (bande dessinée). A primeira investigação permite, portanto, apresentar as escolhas de leitura na adolescência e localizá-las conforme o avançar da idade: do collège ao lycée, as práticas de leitura (sobretudo os livros) estão se desintegrando em um contexto de revolução digital e de "cultura juvenil" marcada pela importância da música e convivência amigável. Se as determinações sociais persistem, o clima de desgaste é generalizado.Porém, a abordagem por entrevistas permite complementar esta conclusão pessimista e questioná-la: por que, dentre tantas oportunidades de opções de lazer disponíveis, os(as) adolescentes continuam a ler e a gostar da leitura? Por esse motivo, a leitura não deve ser tão somente medida em horas de leitura, ou na quantidade de livros lidos, mas sim pelo que ela "faz" aos adolescentes que se dedicam a ela: assim, a leitura é particularmente investida simbolicamente e, em um corpus tão pouco legítimo acadêmica e literariamente como os mangás, traduz-se a riqueza, ainda hoje, das recepções, entre injunções normativas e apropriações. A oferta de mangás apresenta, na verdade, a particularidade de ser segmentada por sexo e por idade. Esta produção particular destaca como a leitura, em geral, é um modo de socialização dos gêneros. Mas nesta autoconstrução como garoto ou garota, há combinações de lógicas de gênero e de pertença social, e repressões (ao padrão) podem ser violentas, fazendo com que sejam estabelecidas diversas táticas para quem não deseja seguir a regra. Além disso, a leitura também oferece a estes adolescentes recursos em relação ao desenvolvimento e à autorreparação. Desse modo, ela é realmente, ainda hoje, um recurso contra a adversidade, que permite, por meio do riso, das lágrimas ou da identificação, torná-los adultos.
A arte segundo o ponto de vista do gênero
Authors: Buscatto Marie
Published: April 2016

As pesquisas pioneiras da sociologia das artes têm pouco interesse nas dimensões de gênero da atividade artística. Quer se estudem os padrões de recepção das obras, as formas como se constroem a atividade artística ou os processos sociais de reconhecimento dos artistas e de suas obras, a análise das relações sociais de gênero está ausente das primeiras pesquisas empíricas na sociologia da arte. A natureza de gênero das interações sociais, recepções e práticas é certamente evocada, através dos grandes levantamentos estatísticos relativos à participação segundo o gênero dos públicos graças à investigação sobre os vários campos, amadores e profissionais, da produção artística e cultural. Mas o significado dado às diferenças de gênero, assim como as maneiras que por sua vez influenciam o funcionamento artístico, só recentemente foram objeto de análises sistemáticas.Desde o início dos anos de 1980, o gênero tornou-se uma categoria de análise plena da sociologia francesa das artes. Quer se trate de entender a inter-relação entre o sexo social e o sexo biológico ou os processos generificados de desempenho que organizam as práticas sociais e contribuem para a formação das identidades, as relações sociais ocorrem na interseção de gênero, da classe social ou da "etnicidade". Foram assim trazidas à luz as formas como se produzem e se perpetuam diferenças de gênero no domínio artístico, assim como as oportunidades de que os sujeitos dispõem para desestabilizar, transformar, transgredir os limites da ação sexuada.Este artigo objetiva dar conta dos mais recentes avanços da sociologia francesa das artes no que concerne o gênero. Em comparação com a literatura inglesa disponível sobre o assunto, os trabalhos franceses se distinguem não só pela alta produção de pesquisas sobre este tema nos diversos mundos da arte – circo, música, cinema, literatura, teatro, dança, artes visuais ou televisão –, mas especialmente por sua capacidade estimulante de enriquecer a análise sociológica no campo das artes. Num primeiro momento, serão, assim, tratados os modos pelos quais a abordagem de gênero para as artes revela a forte normatividade dos universos artísticos, a contrapelo de uma ideologia vanguardista fazendo da arte um espaço evidente de transgressão das normas sociais. Em segundo lugar, serão analisados estes momentos, certamente marginais, mas reais e muito visíveis, em que a arte se torna um lugar de transgressão da ordem social generificada. Serão descritas e analisadas, sobretudo, as razões sociais por trás dessas abordagens artísticas que vão além das resistências encontradas no caminho da criação artística ou das práticas culturais... Em conclusão, portanto, será abordada a forte originalidade da abordagem das artes por gênero na França, e sua grande capacidade de renovar a sociologia das artes em âmbito internacional.
« Les fils soumis de la Très Sainte Église »
Authors: de Castelnau-L’Estoile Charlotte
Published: April 2016

Dans la société esclavagiste brésilienne, la liberté de se marier était l’un des rares droits consentis aux esclaves et, en principe, garanti par la justice ecclésiastique. Les causes de mariage du tribunal du diocèse de Rio de Janeiro au tournant du xviiie siècle permettent à l’historien de voir comment ce droit était concrètement appliqué par l’institution ecclésiastique, comment les maîtres s’en accommodaient et comment les esclaves en usaient. À travers ces archives judiciaires se font jour les trajectoires d’hommes et de femmes obscurs – au double sens de sans renommée et de basané : Indiens, Pardos (Métis) et Pretos (Noirs), des personnes vouées habituellement au silence des sources. L’article vise à restituer leur itinéraire dans leur fluidité et leur complexité, à faire entendre les voix de ces acteurs subalternes, tout en cherchant à comprendre la place et la signification du mariage dans ces vies d’esclaves.
Gonçalo Garcia : identités et relations raciales dans l’histoire d’un saint mulâtre de l’Amérique portugaise
Authors: Viana Larissa
Published: April 2016

Ce chapitre s’appuie sur l’histoire du premier saint « brun » des Amériques pour présenter une réflexion sur le métissage dans l’Amérique portugaise. Il s’agit de saint Gonçalo Garcia, dont la ville de Recife a officialisé le culte au milieu du xviiie siècle, alors même qu’un débat virulent existait autour de son origine. L’objectif principal de ce texte est d’alimenter, à partir de cette controverse, la réflexion sur certains aspects de l’univers colonial. Ce dernier est à l’époque imprégné par les notions d’inégalité et de différence, qui s’expriment fortement dans la vie sociale et religieuse par le biais des statuts de « pureté du sang ». Nous analyserons ici le contexte de l’Amérique portugaise au travers des chroniques écrites par le religieux franciscain frère Antônio de Santa Maria Jaboatão, qui prônait la reconnaissance de Gonçalo Garcia en tant que saint « brun ». Un tel discours, élaboré en 1745, présentait une vision positive des identités métisses, associées aux idéaux d’honneur et de distinction généralement réservés aux hommes libres blancs.
Entre frères : les « courtoisies » du roi Adandozan du Dahomey au prince Jean du Portugal, 1810
Authors: Soares Mariza de Carvalho
Published: April 2016

Ce chapitre associe l’étude des objets muséologiques à des sources historiques écrites et montre l’importance de l’interdisciplinarité entre l’histoire et la muséologie. Il s’appuie sur l’analyse de la correspondance entre les rois du Dahomey et du Portugal pour présenter une collection muséologique appartenant au Musée national de Rio de Janeiro, au Brésil. Composée d’objets de diverses origines, la collection africaine de ce musée inclut un ensemble de cadeaux envoyés en 1810 par le roi Adandozan du Dahomey au prince régent portugais Jean, alors installé au Brésil. Les lettres adressées entre 1795 et 1818 montrent que l’échange de présents était alors une pratique politique et diplomatique courante. La diplomatie de lettres et de cadeaux à laquelle se livrent Adanozan et le prince Jean présente des caractéristiques similaires aux pratiques établies de longue date et qui étaient très en vogue dans la deuxième moitié du xviiie siècle, avant la mise en place de la politique de suppression de la traite atlantique des esclaves.La lettre et les cadeaux de 1810 révèlent les liens d’« amitié » entre les deux monarques, alors même que s’amorcent l’« alliance et l’amitié » du Portugal avec l’Angleterre, qui vient d’abolir la traite atlantique des esclaves en 1807. Le texte dévoile ainsi une facette peu explorée de l’activité diplomatique portugaise et la poursuite de ces pratiques même après le rapprochement entre le Portugal et l’Angleterre, acté dans les traités signés à partir de 1808, puis principalement en 1810.Cette analyse nous mène à une présentation des cadeaux envoyés par Adandozan et dont la liste figure dans sa lettre, puis à leur identification dans le fonds du Musée national, grâce à un minutieux travail de recoupement entre la liste épistolaire et le registre d’inventaire des pièces du secteur d’Ethnologie et Ethnographie de cette institution. Nous avons enfin sélectionné deux cadeaux, pour discuter de leur pertinence historique et muséologique. Le premier est un trône que le Musée national a toujours considéré comme la pièce la plus importante reçue du Dahomey, et qui a fait l’objet de descriptions et d’évaluations par de nombreux chercheurs. Le second est un « drapeau » que nous identifions comme une allégorie guerrière. Bien qu’il soit connu des historiens et des muséologues, cet objet n’avait jusqu’ici jamais été étudié. Sur la base de la lettre envoyée par Adandozan en 1810 et d’informations historiques complémentaires, il nous a été possible d’identifier la bataille à laquelle ce drapeau se rapporte, de décrire sa composition et d’analyser le contexte dans lequel il a été envoyé au Brésil.
De père en fils : Afrique, identité raciale et subjectivité dans les archives privées de la famille Rebouças (1838-1898)
Authors: Mattos Hebe
Published: April 2016

Ce chapitre analyse les lettres et les documents autobiographiques du juriste Antônio Rebouças [1798-1880] et de son fils, l’ingénieur abolitionniste André Rebouças [1838-1898], dans le Brésil du xixe siècle. Ces écrits représentent des expressions éloquentes de subjectivités racialisées par la présence de l’esclavage africain dans la société brésilienne de l’époque. Marqués par leur couleur comme des descendants d’esclaves – c’est en tant que « brun libre » [ndt : en portugais, le terme utilisé est pardo] que Rebouças père fut inscrit par le curé dans le livre de baptême de la paroisse São Bartolomeu de la Vila de Maragogipe, dans la province de Bahia – tous deux ont malgré tout eu une vie politique et intellectuelle accomplie et sont devenus des personnalités brésiliennes influentes de ce siècle. Nous nous interrogeons ici avant tout sur la place de l’Afrique et sur la notion de race dans les écrits personnels des Rebouças.
As migrações de trabalho com destino à Guiana e às Antilhas Francesas
Authors: Flory Céline
Published: April 2016

De 1854 a 1862, mais de 21.000 homens, mulheres e crianças foram recrutados pelo governo francês ao longo do litoral da África Ocidental para trabalharem como “contratados” na Guiana e nas Antilhas Francesas. Quase todos eles se estabeleceram definitivamente nas novas colônias. Esta migração consistiu em dois fluxos migratórios distintos. O primeiro, entre 1854 e 1856, no qual os recrutamentos se realizaram junto às populações livres da África; e o segundo, entre 1857 e 1862, em que os recrutamentos aconteceram em grupos de condição servil com o método conhecido por “compra antecipada”. Por este processo, os recrutadores franceses compravam pessoas cativas e em seguida as “alforriavam”, impondo um compromisso de trabalho por 10 anos a ser realizado do outro lado do Atlântico.Ao traçar e comparar três momentos-chave – aqueles do compromisso da travessia e do fim do contrato de compromisso – do percurso migratório de duas mulheres pertencentes a cada um desses grupos, mostraremos que, devido à sua condição no momento da contratação – livre para Yacine Biram e cativa para Baya –, as autoridades coloniais, bem como os membros da sociedade de chegada não as consideram e nem as tratam da mesma forma, embora gozem do mesmo status jurídico. Este estudo nos permitirá também destacar as implicações perenes da “mácula servil” nas sociedades pós-escravagistas francesas.
Les artistes plasticiens sur les marchés d’artisanat au Brésil (Fortaleza)
Authors: Dabul Lígia
Published: April 2016

Ce chapitre a trait à un aspect peu abordé du le domaine de l’art : la vente des œuvres. Nous réfléchirons à la façon dont celle-ci renvoie à des attributs habituellement constitutifs de l’identité de l’artiste, tels que le caractère original, individuel et commercialement désintéressé de sa création, ou encore au fait qu’elle ne soit pas reconnue. Nous entamerons ce chapitre par la description du délicat processus d’organisation des marchés d’artisanat dans la ville de Fortaleza, la capitale de l’État du Ceará, dans le Nordeste, au Brésil. Dans cette ville, les artistes plasticiens travaillent généralement aux côtés des artisans – un phénomène courant sur les marchés d’artisanat situés dans des lieux très touristiques. À partir des rapprochements et des distinctions entre les catégories d’artiste ou d’art d’une part, et d’artisan ou d’artisanat de l’autre, nous réfléchirons aux différents sens attachés aux processus de vente des produits créés par les uns et les autres et aux conditions dans lesquelles la transaction a lieu. Nous chercherons ainsi à déterminer en quoi la vente contribue à différencier les artistes plasticiens des artisans, et à distinguer les artistes plasticiens entre eux. Les pratiques et l’élan créatif de ces producteurs sont en grande mesure tributaires du public et des espaces dans lesquels ils souhaitent exposer leurs œuvres, mais aussi des difficultés réelles qu’ils rencontrent habituellement pour y accéder. Nous décrirons les situations de vente et les relations que ces artistes établissent avec les acheteurs de leurs œuvres, pour la plupart des touristes, ainsi que la façon dont ils conduisent et évaluent cette vente. Nous montrerons qu’au-delà du besoin inévitable et inexorable de gagner leur vie pour continuer à produire, la vente peut contribuer à valoriser leur travail et à assurer la communication qu’ils souhaitent établir avec les acheteurs de leurs œuvres.
À la recherche de la lecture perdue ? Les adolescents et la lecture en France aujourd’hui
Authors: Détrez Christine
Published: April 2016

Les pratiques de lecture, pour qui veut les étudier, peuvent être appréhendées selon plusieurs méthodologies, dont les résultats peuvent paraître parfois contradictoires. Afin de montrer les apports de chacune de ces méthodes, cet article se propose d’articuler deux enquêtes récentes : l’une quantitative et longitudinale, a été menée avec le ministère de la Culture auprès de plusieurs milliers d’adolescent-es français-es pendant une dizaine d’années et portait sur les pratiques de loisirs de l’enfance à l’adolescence ; l’autre, qualitative, a été menée par entretiens auprès d’une soixantaine d’adolescent-es lecteurs et lectrices de mangas. La première enquête permet ainsi de dresser le paysage des lectures en adolescence, et de les situer dans l’avancée en âge : du collège au lycée, les pratiques de lecture (notamment de livres) s’effritent, dans un contexte de r-évolution numérique et de « culture jeune » marquée par l’importance de la musique et de la sociabilité amicale. Si les déterminations sociales persistent, le climat d’érosion est général.Néanmoins, l’approche par entretiens permet de compléter ce constat pessimiste et de prendre la question à l’envers : pourquoi, alors que tant de loisirs et de possibilités leur sont offerts, des adolescent-es continuent-ils/elles à lire, et à aimer ça ? La lecture ne doit pas être ainsi seulement mesurée en heures de lecture, ou en nombre de livres lus, mais également par ce qu’elle « fait » aux adolescent-es qui s’y consacrent : la lecture est ainsi particulièrement investie symboliquement, et sur un corpus aussi peu légitime scolairement et littérairement que les mangas se décline alors la richesse, aujourd’hui encore, des réceptions, entre injonctions normatives et appropriations. L’offre des mangas présente en effet cette particularité d’être segmentée, selon le genre et selon l’âge. Cette production particulière met ainsi en exergue combien la lecture, en général, est un des lieux de socialisation de genre. Mais dans cette construction de soi comme garçon ou fille, se combinent des logiques de genre et d’appartenance sociale, et les rappels à l’ordre (à la norme) peuvent être violents, entraînant, pour qui veut contourner la règle, la mise en place de multiples tactiques. Par ailleurs, la lecture fournit également, pour ces adolescents, des ressources en terme d’élaboration, et de réparation de soi. En cela, elle est véritablement, encore aujourd’hui, une ressource contre l’adversité, qui permet, par les rires, les pleurs ou l’identification, de devenir adulte.
L’inégale répartition internationale du succès en art contemporain : analyse sociologique des palmarès artistiques dans le monde
Authors: Quemin Alain
Published: April 2016

Bien que la globalisation ait commencé à attirer fortement l’attention des sciences sociales au cours des années 1990 (Bartelson, 2000 ; Therborn, 2000), ce thème n’a pendant longtemps été guère étudié dans le cadre de la sociologie de l’art et les études empiriques sont restées limitées pendant de nombreuses années, avant de connaître un développement très important (Bellavance, 2000 ; Quemin, 2001, 2002a, 2006, 2013b, 2013c ; Van Hest, 2012 et Velthuis, 2013). Dans ce texte, nous entendons étudier l’impact du facteur territorial – tant en ce qui concerne la nationalité des artistes que leur pays de résidence – sur l’accès au succès (Bowness, 1989) et sur le processus de consécration en utilisant des données empiriques. Ceci nous permettra de faire apparaître que, même à une époque à laquelle la globalisation est censée être de règle dans le monde de l’art, il existe toujours une forte hiérarchie entre pays. Nous nous concentrerons ici sur seulement deux classements principaux – le Kunstkompass et le Capital Kunstmarkt Kompass – afin d’illustrer la répartition extrêmement inégale du succès entre pays en art contemporain. Notre analyse contredira constamment la croyance fortement ancrée dans le monde de l’art qui affirme la disparition totale des frontières géographiques et qui clame l’effacement de flux d’échanges culturels fortement orientés.
L’évolution de la place des femmes dans le monde de l’art contemporain français
Authors: Mercier Cyril
Published: April 2016

En ce début de xxie siècle, l’accès des femmes aux plus hautes fonctions, aussi bien dans le monde économique que dans le monde de l’art reste très difficile. Ainsi, en 2005, les femmes, qui représentaient 45 % de la population active occupée en France, ne comptaient plus que 21 % des chefs d’entreprise employant au moins un salarié. Dans le secteur culturel, en 2006, un rapport du ministère de la Culture et de la Communication sur l’égalité des chances pointait le caractère fortement inégalitaire de la répartition des postes de direction entre hommes et femmes dans les principales institutions culturelles. Ainsi, les hommes représentaient-ils 92 % des directeurs de théâtres consacrés à la création dramatique et 89 % des dirigeants des institutions musicales.Le monde des arts et de la culture français obéit lui aussi à ce modèle de discrimination des femmes dans leur progression professionnelle. À la suite de l’étude de Raymonde Moulin sur les artistes, de celle d’Alain Quemin sur les femmes commissaires-priseurs, l’étude sur les collectionneurs d’art contemporain réalisée dans le cadre d’un doctorat de sociologie (Mercier, 2011), permet de lever un voile sur la place des femmes collectionneuses d’art contemporain en France et de mieux comprendre les phénomènes de différenciation, si ce n’est de discrimination, que celles-ci subissent.Une longue enquête auprès des collectionneurs d’art contemporain français a mis en lumière la faible représentation et visibilité des femmes et leur difficulté à exister dans les plus hautes sphères des associations de collectionneurs d’art contemporain. En effet, le profil « type » du collectionneur d’art contemporain associe un cadre professionnel valorisant socialement et financièrement, un niveau d’études et un bagage intellectuel élevés, ainsi qu’un capital associatif constitué sous la forme d’un réseau relationnel développé. Cette alchimie entre un capital culturel et scolaire, un capital économique, ainsi qu’un capital social forts permet de concevoir cette pratique, la collection d’art contemporain, sous l’aspect particulier des classes sociales les plus aisées.Cette particularité de la composition sociale du groupe des collectionneurs d’art contemporain explique en partie la place des femmes au sein de ce petit monde de l’art. Si, dans la haute bourgeoisie et l’aristocratie, les femmes disposaient d’un statut particulier par rapport à l’art, comme l’expliquait Raymonde Moulin dans son étude pionnière de 1967, il peut être possible d’imaginer, qu’au début de ce nouveau millénaire, les femmes subissent encore le poids des traditions liées aux élites bourgeoises et aristocrates, les empêchant pour partie de prendre leur place dans le monde des collectionneurs d’art contemporain, par-delà les facteurs sociaux plus généraux qui les cantonnent dans des positions subalternes dans le plupart des espaces de la vie sociale.
O Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro
Authors: Parracho Sant’Anna Sabrina
Published: April 2016

Em anos recentes, muito tem se falado sobre os processos de inflação de memória, de espetacularização dos museus e de proliferação de espaços exibitórios como cultura de massas. Além do crescente número de análises que têm sido produzidas na academia sobre o tema, o discurso em torno da musealização tem invadido o cenário das políticas públicas brasileiras.Para discutir a tese da musealização e entender os protagonistas deste processo e o modo como o levaram a efeito, procuro analisar o caso específico do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro. A hipótese discutida este capítulo questiona se o MAM poderia ser tomado como um dos precursores deste movimento no Brasil. Em outras palavras, o que procuro entender é até que ponto o Museu de Arte Moderna carioca, ao lado de instituições congêneres no Brasil e no exterior, poderia estar na antecâmara do processo de musealização na cidade. Para tanto pretendo entender o lugar de determinados atores sociais que se fizeram portadores de discursos e projetos neste processo. Notadamente, procuro analisar o papel de inovação do museu institucionalizado por Niomar Moniz Sodré, diretora do MAM, desde princípios dos anos 1950, e procuro entender a radicalização deste papel a partir da inclusão de Frederico Morais no quadro de funcionários do museu a partir de meados da década de 1960.Ao chegar ao MAM em agosto de 1966 para dar aulas e chefiar o departamento educativo do museu, Frederico Morais ia ao encontro de uma instituição que havia, na década anterior, se consolidado como espaço de reunião de movimentos culturais no Rio de Janeiro. Embora, em 1966, Niomar já houvesse se afastado da direção executiva do museu – ocupada à época por Maurício Roberto –, o MAM havia se constituído, desde o período de sua gestão, como espaço de formação de jovens artistas e de experimentação de novas formas e meios de expressão visual. Mesmo depois de sua saída, o museu havia institucionalizado uma agenda e práticas educativas que proporcionavam uma relação muito próxima com os artistas que faziam arte moderna na cidade. Dando continuidade ao MAM como espaço de experimentação, Morais contribuiria para a abertura do museu à vanguarda e para a democratização da instituição, borrando talvez as fronteiras entre arte e vida.
Da Subterrânea ao centro do mundo
Authors: Coelho Frederico Oliveira
Published: April 2016

Em setembro de 2009, ocorreu um incêndio na sede do Projeto HO, espaço em que residia e ainda reside o acervo do artista plástico carioca Hélio Oiticica (1937-1980). Na estimativa inicial dos responsáveis e de especialistas em geral, a perda era de milhões de dólares (alguns chegaram a cogitar centenas de milhões). Com o tempo, os prejuízos materiais foram revistos de acordo com a descoberta de que se perdeu muito, porém não se perdeu tudo de mais precioso que o acervo guardava. Na época, o sítio eletrônico especializado em arte brasileira, Canal Contemporâneo, compilou mais de uma dezena de links nacionais e internacionais para a leitura do material crítico produzido a partir do incêndio e seus desdobramentos. Um dos aspectos consequentes desse trágico evento chamou a atenção do meio das artes e entre os estudiosos da obra de Oiticica. Mesmo que o interesse da imprensa pelo assunto tenha sido em boa parte dedicado à perda de um grande acervo da arte contemporânea brasileira (sublinhando a incompetência da manutenção desses por parte do poder público etc.), falou-se principalmente do valor de mercado desses trabalhos perdidos. O assunto foi, enfim, mais o prejuízo financeiro do Projeto HO do que o prejuízo artístico. Sem dúvida, a alta valorização da obra de Hélio Oiticica nos dias de hoje conduziu a leitura dos jornais para esse caminho monetário sobre o tema.Este artigo parte daí para pensarmos em que momento a obra de um artista radical e transgressor como Hélio Oiticica foi capturada pelo discurso conservador dos valores de mercado e do seu caráter de propriedade. A pergunta aqui procede, pois não foi imediatamente após sua morte que seus trabalhos passaram a girar ao redor de grandes cifras.
A condição de artista contemporâneo no Brasil
Authors: Bueno Maria Lucia
Published: April 2016

Herdeira das rupturas vanguardistas, pautada pela tradição moderna – marcada pela heterogeneidade, pluralidade de passados, estranheza radical – a arte contemporânea evolui a partir de um território instável, que responde em grande parte pela crise de legitimidade que assinala sua trajetória recente. Em decorrência dessa condição, a consolidação e a expansão do mundo da arte dependem da disponibilização de investimentos e da existência de um sistema de mediação, que forneçam sustentação aos artistas para que possam superar muitos dos obstáculos que se colocam à realização e a circulação de seu trabalho. Entre os principais problemas mencionamos particularmente: a dificuldade de assimilação da produção artística pelo público, a dificuldade de apropriação das obras no mercado e o alto custo da maior parte da produção. O artista contemporâneo precisa de recursos não apenas para se manter pessoalmente, mas também para financiar a realização de sua obra. No Brasil, a partir de meados dos anos 1970, num panorama adverso para a evolução da cultura e das artes – marcado pela repressão política, fragilidade do mercado, enfraquecimento das instituições artísticas e escassez de recursos – a produção contemporânea, contrariando as expectativas, continuou se desenvolvendo e preservando a qualidade, mesmo nos momentos mais críticos. Como esse processo se materializou numa estrutura tão precária? Principalmente se levarmos em conta que o florescimento de uma visualidade contemporânea na maioria dos países emanou de um amparo material e institucional, que inexistia entre nós. A finalidade principal deste texto é apresentar alguns argumentos que apontem uma resposta para essa indagação.Esta reflexão reúne conclusões preliminares de uma pesquisa em andamento sobre a condição de artista contemporâneo no Brasil, que investiga a trajetória, formação, inserção profissional, organização do trabalho e matrizes estéticas da obra dos artistas. Neste capítulo tratamos das particularidades da relação dos artistas contemporâneos brasileiros com a universidade, vista não apenas enquanto espaço de formação e inserção profissional, mas também como veículo fundamental de articulação do campo artístico.
Arte compartilhada
Authors: Madeira Angélica
Published: April 2016

Compartilhar a concepção e a feitura do trabalho artístico tornou-se particularmente relevante para o pensamento estético e para a arte contemporânea, dadas as numerosas experiências surgidas em todos os continentes, que têm essa questão como central. A tendência é internacional e pode ser explicada pelas condições contemporâneas para a criação estética que põem em cena um conjunto de novas tecnologias e redes sociais, assim como novos conceitos, como o de Itinerância, ou fluxo como metáforas para a “vida de artista”. Mais que nunca tem sido grande a circulação de artistas, curadores, produtores, críticos que tornam possível a realização de projetos que, de outra forma, não existiriam. Projetos de grande porte, capazes de desencadear uma força maior na imprevisibilidade de suas consequências como algumas intervenções urbanas ou em comunidades, envolvendo grupos da população local. O império da criação individual talvez seja uma espécie de último reduto que faltava ser transposto pela arte pós-moderna. O surgimento de um número expressivo de coletivos na Europa e nas Américas atesta que alguma coisa está sendo transformada no mundo da arte. Todos esses grupos fazem referência a experiências anteriores que preconizam uma maior aproximação entre arte e vida.O ponto focal dos novos coletivos é o ativismo. Juntos, esses trabalhadores das idéias podem encontrar alternativas para produzir conhecimento e arte, atuar no campo com maior poder de barganha e manter alguma independência em relação às instituições. Querem transformar as condições de produção cultural e de vida nas sociedades neoliberais.Um novo interesse é atribuído ao cotidiano e ao espaço das relações pessoais que se tornam então politizados: o pessoal é político, lema e foco das novas formações de coletivos. A base anarco-cultural dessas ações infiltra-se nas performances e intervenções e cria um novo tipo da sensibilidade, mais voltada para o coletivo e para a esfera pública. A primeira conseqüência dessas novas práticas diz respeito à negação do artista como herói ou grande criador individual. A segunda é de grande importância para o entendimento da arte contemporânea. Pelo próprio fato de agregar competências diferenciadas, o trabalho artístico compartilhado promove um apagamento de fronteiras entre as diferentes linguagens, um arranjo intermídia que pode articular música, literatura e artes visuais, tecnologias tradicionais e digitais, propósitos estéticos e políticos; é a invenção de uma arte nova capaz de envolver um número cada vez maior de pessoas, e de alterar e recriar a realidade.
La sociologie des arts et de la culture en France
Authors: Péquignot Bruno
Published: April 2016

La sociologie des arts et de la culture est une discipline qui a connu un fort développement en France depuis 1985. Cet article en présente les grands thèmes de recherche et l’histoire de son développement. Sont ainsi successivement abordés la question des institutions et des politiques culturelles – particulièrement importantes en France – l’organisation et le fonctionnement des marchés de l’art nationaux et internationaux, les problèmes spécifiques des professions artistiques, les problématiques de la réception, avec la question des publics, et celles de la légitimation, objets de débats importants. Sont ensuite présentées les recherches portant plus spécifiquement sur certaines pratiques artistiques : les plus étudiées, les arts plastiques et la littérature bien sûr, mais aussi le théâtre et les arts de la scène en général (cirque), la musique – ou plutôt les musiques dans leurs diversités –, classique, populaire, du monde etc., la photographie et l’ensemble des nouvelles images, avec notamment l’art informatique, le cinéma et la télévision (notamment les séries télévisées), l’architecture et les arts monumentaux, mais aussi les arts de la rue (graph, hip hop, par exemple). L’article insiste sur les débats qui ont permis la structuration des chercheurs dans ce domaine et notamment ce qui a été au cœur des échanges théoriques durant ces 25 années : la question des œuvres.Il n’omet pas de souligner les grandes étapes institutionnelles de cette émergence ; la création du Centre de Sociologie des Arts par Raymonde Moulin au CNRS et à l’EHESS, le colloque de Marseille de 1985, les Journées Internationales de Sociologie de l’art organisées par l’équipe grenobloise et le création au CNRS du Groupement de Recherche (GDR) Œuvres, Publics, Société, (OPuS) par Alain Pessin, en 1999, puis sa transformation en 2005 en GDR International. Enfin la création en 1990 de la seule revue du champ : Sociologie de l’Art. Une bibliographie importante permet au lecteur de se référer aux travaux essentiels.
Gonçalo Garcia: identidades e relações raciais na história de um santo pardo na América portuguesa
Authors: Viana Larissa
Published: April 2016

O capítulo apresenta uma reflexão sobre a mestiçagem na América portuguesa a partir da história do primeiro santo pardo das Américas. Este primeiro santo pardo era o beato Gonçalo Garcia, cujo culto foi oficializado na cidade de Recife em meados do século XVIII, em meio a uma forte disputa simbólica em relação à sua origem O objetivo central do texto é refletir sobre esta disputa como modo de traduzir aspectos do universo colonial, então permeado por noções de desigualdade e diferença, que possuíam uma forte expressão na vida social e religiosa através dos estatutos de “limpeza de sangue”. Ao analisar o contexto da América portuguesa, explora-se aqui a crônica produzida pelo religioso franciscano frei Antônio de Santa Maria Jaboatão em defesa do reconhecimento de Gonçalo Garcia como um santo pardo. Tal discurso, elaborado em 1745, apresentava uma versão positiva das identidades mestiças, vinculando-as aos ideais de honra e distinção geralmente reservados aos homens livres brancos.