bluuebunny/crossref_metadata_2025 huggingface dataset:
Enhancing Proximal Femoral Pressure during Cemented Stem Insertion
Authors: Budnar Vijaya M. , Bannister Gordon C.
Published: June 2012

Background

Poor proximal femoral pressures during a cemented primary hip replacement may compromise proximal fixation and cause early aseptic loosening. Occlusion of the calcar, during stem insertion, achieves a uniform and sustained rise in the proximal intra-medullary pressure, which should enhance cement penetration into bone and improve long-term survival of the prosthesis.

Methods

54 Exeter stems were cemented into femoral moulds prepared from plaster of Paris. Pressure transducers were connected to the proximal, middle and distal zones of the mould. After cement insertion, stems were implanted with occlusion of the calcar by either nothing, a thumb placed medially or an Exeter horse-collar. 18 stems each were inserted into Palacos-R at 3 1/2 - 4 minutes and 4 - 4 1/2 minutes after mixing and Simplex-P 6 - 6 1/2 minutes after mixing and the intra-medullary pressures were measured. Data were subjected to regression analysis using SPSS.

Results

Proximal and distal intra-medullary pressures were significantly higher (P <0.01 – 0.001) with proximal occlusion in all cements. The highest pressures were achieved with Palacos-R at 4 - 4 1/2 minutes after mixing, with proximal thumb occlusion. Stem insertion into Palacos-R at 3 1/2 - 4 min. or 4 - 4 1/2 min. after mixing, gave higher pressures than into Simplex-P regardless of the method of occlusion. With Simplex-P, there was a trend to higher proximal intra-medullary pressures with the horse-collar.

Conclusion

Occluding the calcar during stem insertion into cement achieves and sustains high intra-medullary pressures in both the proximal and distal femur. The highest pressures are obtained with stem insertion into Palacos-R at 4 - 4 1/2 minutes after mixing, with proximal thumb occlusion. A horse-collar achieves slightly higher pressures with Simplex-P.
Comparing Alumina-Reduced and Conventional Surface Grit-Blasted Acetabular Cups in Primary Tha: Early Results from a Randomised Clinical Trial
Authors: Veldstra Ronald , van Dongen Annemarie , Kraaneveld Eric C.
Published: June 2012

Alumina grit-blasted implants have been widely used in cementless total hip arthroplasty (THA). However, alumina particles can become embedded in the implant surface, leading to deposition in periprosthetic tissues and implant wear. We hypothesised that the alumina-reduced surface BICON-PLUS NT acetabular cup would improve implant fixation and clinical outcomes over the conventional surface BICON-PLUS cup.

In a randomised controlled, double-blind study, patients with primary or secondary osteoarthritis requiring primary arthroplasty were randomly assigned to THA with either the BICON-PLUS or BICON-PLUS NT cup. All cups were combined with the SL-PLUS stem. In addition to clinical and radiographic assessments, dual-energy X-absorptiometry (DEXA) was performed preoperatively and at regular intervals during a planned 2-year follow-up period to measure bone mineral density as a marker of implant fixation.

At 1 year, there were no differences in bone mineral density, or in clinical or radiographic outcomes between the BICON-PLUS and BICON-PLUS NT groups were identified, leading to early termination of the study. Both groups showed excellent clinical improvement and there were few complications. Both the alumina-reduced and conventional surface acetabular cups can be used with confidence in primary THA for osteoarthritis, although longer-term studies are required to confirm these findings.
POROSIMETRY BY RANDOM NODE STRUCTURING IN VIRTUAL CONCRETE
Authors: Stroeven Piet , Le Nghi L.B. , Sluys Lambertus J , He Huan
Published: June 2012

Two different porosimetry methods are presented in two successive papers. Inspiration for the development came from the rapidly-exploring random tree (RRT) approach used in robotics. The novel methods are applied to virtual cementitious materials produced by a modern concurrent algorithm-based discrete element modeling system, HADES. This would render possible realistically simulating all aspects of particulate matter that influence structure-sensitive features of the pore network structure in maturing concrete, namely size, shape and dispersion of the aggregate and cement particles. Pore space is a complex tortuous entity. Practical methods conventionally applied for assessment of pore size distribution may fail or present biased information. Among them, mercury intrusion porosimetry and 2D quantitative image analysis are popular. The mathematical morphology operator “opening” can be applied to sections and even provide 3D information on pore size distribution, provided isotropy is guaranteed. However, aggregate grain surfaces lead to anisotropy in porosity. The presented methods allow exploration of pore space in the virtual material, after which pore size distribution is derived from star volume measurements. In addition to size of pores their continuity is of crucial importance for durability estimation. Double-random multiple tree structuring (DRaMuTS), introduced earlier in IA&S (Stroeven et al., 2011b) and random node structuring (RaNoS) provide such information.
Description
Authors: Portugais Jean
Published: June 2012

Cette rubrique réunit les textes des participants invités par le Quatuor Molinari à la table ronde du 10 décembre 1999. Le texte de présentation de la table ronde, préparé par Jean Portugais dans le sillage d’un court texte de Pierre Boulez, propose trois séries de questions — assez provocatrices — aux participants. Suivent cinq réactions écrites ; celles de trois compositeurs : José Evangelista, Serge Provost et John Rea, ainsi que celles de deux musicologues : Jean Boivin et Jean-Jacques Nattiez.
Hommage à Bengt Hambraeus
:
BROMAN, Per F., ENGEBRETSEN, N. A. ALPHONCE, B. (dir.), (1998), Cross Currents and Counterpoints. Offerings in Honor of Bengt Hambraeus at 70 , Gothenberg, University of Gothenberg, Department of Musicology, n o 51, 285 p.
Authors: Radford Laurie
Published: June 2012

Trois auteurs font la recension d’ouvrages récents qui traitent de différents aspects de la création musicale contemporaine : un Festschrift en hommage au compositeur d’origine suédoise Bengt Hambraeus à l’occasion de son soixante-dixième anniversaire de naissance (P. Broman et al., dir.) ; un essai consacré à la politique de soutien de la musique contemporaine en France, et plus particulièrement à l’évolution du concept de « recherche musicale » (Veitl) ; une attaque vigoureuse et ouvertement polémique de l’Institut de Recherche et de Coordination Acoustique-Musique de Paris (G. Born), à laquelle répond avec tout autant de passion un acteur important de l’histoire de cette institution (Barrière).
Towards an Analysis of Compositional Strategies1
Authors: Delalande François
Published: June 2012

The author is interested in the process of composing, i.e. the invention of a piece of music from the initial spark of intuition to the final product. His study is based on the “Germinal” project, an experiment in composition involving fourteen composers working with identical technical resources in computer studio 123 of the grm (Groupes de recherches musicales) in Paris in 1985. Their creations all followed a common work schedule in four stages, with each composer adopting a very personal strategy at each of these stages. Describing their strategies amounts to giving an account not only of their actions, but also of the attitudes and decisions that led from an initial project to a final product. Four levels of criteria governing the decision-making process are then proposed: technical quality, grammaticality, the musical idea and the topic. The first two conform to a search for regularity while the latter two suggest a desire for singularity. These levels determine work attitudes in relation to sound and machines, i.e., poietic attitudes. From this comparative study several strategies have emerged, three of which are explained. Finally, the author develops the concept of singularity, which is a central concern of composers, and which may also be viewed as a challenge to computers and music analysis.
Rencontre Haydn/Wagner dans les Berliner Momente de Walter Boudreau
Authors: McKinley Maxime
Published: June 2012

Cet article propose, dans un premier temps, un parcours des diverses époques et tendances esthétiques à travers lesquelles Walter Boudreau a peu à peu construit son langage musical. Ce parcours débute par le courant de la contre-culture québécoise dans les années 1960, nous menant ensuite à Darmstadt et au structuralisme des années 1970, pour se terminer avec le développement du postmodernisme musical québécois dans les années 1980. Les généralités brossées dans ce parcours trouvent leur application dans la seconde partie de l’article, qui consiste en une analyse du cycle des Berliner Momente. Ce cycle, pour orchestre symphonique, est une oeuvre monumentale sur laquelle Boudreau travaille depuis près de vingt ans. L’analyse qui en est ici proposée, non exhaustive, s’attelle à faire la lumière sur les fondements herméneutiques de l’oeuvre, à montrer comment ceux-ci ont déterminé le choix des matériaux, à donner des exemples de manipulations effectuées sur ces matériaux. Il se révèle ainsi que les Berliner Momente, entièrement inspirés par l’histoire du peuple allemand, utilisent comme principaux matériaux le quatuor de Haydn servant d’hymne national à l’Allemagne et un corpus de motifs puisés dans la Tétralogie de Wagner. Pour Boudreau, le pôle « Haydn » des Berliner Momente symbolise l’aspect noble et digne du peuple allemand, tandis que le pôle « Wagner » en symbolise l’aspect sombre et tragique. Les évènements puisés dans l’histoire de l’Allemagne ont suggéré au compositeur diverses façons de manipuler ces deux paradigmes, créant de multiples jeux de frictions, de tensions et de confrontations. La dernière partie de l’article suggère qu’avec les Berliner Momente, Walter Boudreau participe à de nouveaux jalons pour la postérité wagnérienne.
L’avant-garde musicale à Buenos Aires : Paz contra Ginastera
Authors: Buch Esteban
Published: June 2012

Le Centro Latinoamericano de Altos Estudios Musicales (claem), fondé en 1962 à Buenos Aires par Alberto Ginastera et financé par la Fondation Rockefeller, fut pendant les années 1960 le principal centre de musique contemporaine d’Amérique latine. Pourtant, le pionnier du dodécaphonisme en Argentine, Juan Carlos Paz, l’appelait volontiers l’« Academia Pitman de la composition musicale ». Ce mépris résultait d’une rivalité qui aura structuré le milieu local de la musique contemporaine pendant trente ans, et qui correspondait à deux visions concurrentes de l’histoire de la musique, entre l’avant-garde et le nationalisme. On retrace cette histoire en analysant notamment les documents de la querelle qu’en 1942 Paz baptisa « El Caso Ginastera ª.
Entretien avec Gerardo Gandini : « Dans l’Argentine d’aujourd’hui, la composition est devenue une chose solitaire »
Authors: Sottile Antonieta
Published: June 2012

Gerardo Gandini is one of the most influential composers in Argentina. Immersed in the hard social reality of Argentina, Gandini speaks in this interview of his conception of composition. As a result of the total absence of cultural policies on the part of the State, and the indifference of private sponsors and the media, the work of the composer takes place, according to Gandini, in painful isolation. Gandini also takes an original look at the power politics in the contemporary music world. Finally, Gerardo Gandini speaks of his experiences in the field of popular music, notably in collaboration with Astor Piazzolla.
Musique in situ1
Authors: Lelong Guy
Published: June 2012

Avec la notion d’in situ, telle que Daniel Buren l’a conceptualisée dans le domaine des arts plastiques, le lieu d’accueil d’une oeuvre est intégré à l’oeuvre elle-même qui, de ce fait, excède le cadre censé la détenir. Ici importée au domaine sonore, cette problématique permet de montrer que de nombreux compositeurs contemporains ont élargi les limites que le concert traditionnel impose au champ musical. Cet élargissement peut s’appuyer sur la durée de cette manifestation, les caractéristiques spatiales des salles, l’image produite par tout geste musical, voire les éléments sonores du contexte lui-même. Sont ainsi répertoriées les différentes modalités de la musique in situ, sur l’exemple d’oeuvres de Stockhausen, John Cage, Gérard Grisey ou Marc-André Dalbavie.
Composer des étendues, projeter des images : deux pratiques de l’art sonore
Authors: Gallet Bastien
Published: June 2012

Partant d’une description du dispositif hautement « situé » I am sitting in a room (1970) d’Alvin Lucier – une oeuvre qui compose ce qui est dit avec l’espace dans lequel le propos est énoncé –, l’auteur distingue scrupuleusement entre l’installation sonore et l’in situ à proprement parler, ainsi qu’entre l’installation et la projection du son. En choisissant des exemples dans des oeuvres d’artistes aussi variés que Max Neuhaus, Robin Minard, WrK et Bill Viola, entre bien d’autres, l’auteur analyse l’utilisation que chacun fait des sons et des espaces de projections de ceux-ci. En sort un vif portrait des réalisations anciennes et récentes dans la pratique de l’art sonore dans l’espace.
Fleurs recyclées
Authors: Sallis Friedemann
Published: June 2012

Cet article explore une face cachée de l’oeuvre publiée de György Kurtág. Le « motif de la fleur », d’abord apparu dans Bornemisza Péter mondásai [Dits de Péter Bornemisza], opus 7 (1963-68), a proliféré dans une part significative des composition de Kurtág. L’impact de ce type de relation motivique est mis en lumière à travers l’ Officium breve in memoriam Andreae Szervánszky, opus 28 (1988-89), pour quatuor à cordes. La recherche présentée ici est le fruit de la connaissance profonde qu’a l’auteur des documents de travail du compositeur, conservés dans la Collection György Kurtág de la Fondation Paul Sacher.
La coproduction des oeuvres et de l’atelier par le compositeur (À partir d’une étude de l’activité créatrice de Philippe Leroux entre 2001 et 2006)
Authors: Donin Nicolas , Theureau Jacques
Published: June 2012

Afin d’étudier le processus compositionnel d’un musicien contemporain, Philippe Leroux, les auteurs de cet article ont mis au point un dispositif de recueil de données largement basé sur les éléments de l’atelier du compositeur lors de son travail sur Voi(rex) (2002-2003) puis sur Apocalypsis (2004-2006). Des entretiens de « remise en situation de composition » ont permis de mettre en évidence les principaux documents de travail utilisés par Leroux pour ces oeuvres (esquisses, brouillons, logiciels, etc.) ; leur sollicitation, pendant les entretiens, l’aidait à retrouver des détails précis de son activité passée. Sur cette base, il est possible de caractériser l’atelier en relation avec la dynamique compositionnelle qui l’anime.

Cet article recense les éléments constitutifs de l’atelier de Leroux (outils, procédures, ouvrages, partitions d’oeuvres passées) lors de l’écriture des deux oeuvres étudiées, et montre certains types d’usage de ces éléments (opérations de substitution entre éléments, construction de chaînes opératoires). En conséquence, l’atelier est caractérisé à la fois comme le milieu et le produit de la composition. La partition est le lieu de stabilisation de sa dynamique interne, et de résolution de la multiplicité d’outils et procédures partiellement redondants que l’on peut y trouver à tout moment. Ces propositions sont illustrées plus en détail par la reconstitution d’une série d’opérations de composition réalisée au cours de trois semaines de préparation à l’écriture d’Apocalypsis, en mars et avril 2005, ayant débouché entre autres sur le début de l’écriture de l’oeuvre, et sur l’écriture en parallèle d’une brève oeuvre chorale (Thermidor, du cycle Des autres).
La musique pop incestueuse
Authors: Lacasse Serge
Published: June 2012

Les pratiques de l’emprunt, de la transformation, de l’adaptation, du remixage, de la citation, du pastiche, de la parodie ou de la reprise sont très répandues en musique populaire. Sans vouloir rendre compte de ces pratiques de façon exhaustive, l’article propose de les aborder sous l’angle de la transphonographie : dérivé du modèle littéraire de la transtextualité proposé par Gérard Genette (1982). Le concept de transphonographie permet d’organiser ces pratiques en six grandes catégories qui décrivent les types de relations qui peuvent s’établir entre des enregistrements musicaux : l’archiphonographie (relations génériques), l’hyperphonographie (relations de transformation), l’interphonographie (relations de coprésence), la polyphonographie (compilations de phonogrammes), la paraphonographie (fonctions de médiation) et la métaphonographie (relations critiques). Cette façon d’analyser le phénomène devrait permettre, entre autres, de mieux saisir le potentiel esthétique et expressif de ces multiples pratiques caractéristiques du genre.
Jean Mozart Lesage, ou une boussole pour dériver
Authors: Gonneville Michel
Published: June 2012

Le projet Mozart de Jean Lesage, pour trio, est sans doute l’une des oeuvres les plus claires et les plus ludiques de ce compositeur. En présentant par fragments le texte intégral, mais réorchestré, d’un adagio provenant d’une sonate pour piano de Mozart, Lesage donne déjà à l’auditeur des balises perceptibles. À ces fragments se grefferont des commentaires-dérives inspirés par la matière première de ce même adagio, que ce soit sous son aspect thématique (mélodico-rythmique) ou harmonique, mais aussi parfois selon des directions plus abstraites ou « subliminales ». Au total, avec une grande fantaisie créatrice et une belle liberté, l’oeuvre réalise un équilibre entre accessibilité et sophistication.

À l’aide de tableaux formels et de plusieurs exemples musicaux, l’auteur mène une analyse chronologique de l’oeuvre, émaillée de considérations esthétiques, jusqu’à une conclusion qui commente les propos du compositeur lui-même, et où les notions de baroque et de recontextualisation associées au post-modernisme prennent un sens très concret.
Travelogue pour un Marco Polo [My Travels with Claude?]
Authors: Rogers Stephen
Published: June 2012

In his article, Stephen Rogers puts forward an interpretation of the work of Claude Vivier and its particular relationship(s) with travel. It is a reflective work which aims less at analysis than description. Those familiar with the techniques and gestures which Vivier used to create his music will recognize some of the same techniques applied in Rogers’ paper to the written rather than the sonic world.
Claude Vivier, Siddhartha, Karlheinz Stockhausen, la nouvelle simplicité et le râga
Authors: Lesage Jean
Published: June 2012

Siddhartha, pour grand orchestre en huit groupes, est l’une des partitions les plus audacieuses et complexes de Claude Vivier. L’oeuvre d’une trentaine de minutes se déploie à partir d’une mélodie unique qui se transforme continuellement par un processus d’expansion ou de contraction de ses intervalles constituants. L’oeuvre illustre de façon exemplaire l’influence des techniques de composition de Karlheinz Stockhausen sur la pensée de Vivier tout autant que la fascination de ce dernier pour certains procédés caractéristiques des musiques orientales tel le râga indien.

Inspirée du célèbre roman de Hermann Hesse, l’oeuvre de Vivier transpose librement dans le domaine du sonore la trame narrative de cette allégorie initiatique au parfum exotique.
Que signifie et ne signifie pas la musique des femmes ?1
Authors: Gann Kyle
Published: June 2012

Traduction d’un texte provocateur écrit pour le programme du Festival de musique de femmes de Cologne en octobre 1998, dans lequel le critique de musique américain explore ce qui pourrait être les caractéristiques d’une musique de femmes.
Premiers Kontakte
Authors: Goldman Jonathan
Published: June 2012

Cette présentation des articles du dossier thématique décline « Stockhausen au Québec » de trois façons différentes : les divers séjours que la personne physique de Karlheinz Stockhausen a effectués au Québec, l’influence de son oeuvre sur différentes populations de musiciens au Québec et les Québécois qui ont étudié « chez » Stockhausen. Cette introduction est complétée par une chronologie détaillée (préparée par Réjean Beaucage) des différentes visites de Stockhausen au Québec.
On Stockhausen’s Kontakte (1959-60) for tape, piano and percussion
Authors: Rea John
Published: June 2012

A lecture/analysis given by John Rea at the University of Toronto, March 1968, discusses various topics in the composition such as: concepts (performance time, production time, subjective perception of time, moment time, moment characteristics), discussion of particular Moments, hardware, overall formal organization, definition of structure, parameter of space (an example), temporal transformation, and performance practice. The lecture text is also notable for the fact that Rea spoke to the pianist who had premiered Kontakte, David Tudor, who was in Toronto at that time to participate in a four and a half hour ‘happening’ known as Reunion (on March 5, 1968) organized by John Cage, and featuring Marcel Duchamp with whom he played chess on a photo-sensitive electronic chessboard.
Kathinkas Gesang als Luzifers Requiem — réflexions d’une interprète
Authors: Breault Marie-Hélène
Published: June 2012

L’auteure de cet article relate son expérience d’interprétation d’une oeuvre mixte de Stockhausen, soit Kathinkas Gesang als Luzifers Requiem (1983). Une présentation sommaire de l’oeuvre y est effectuée. L’auteure y traite ensuite des problèmes rencontrés au fil de son processus d’apprentissage et des exigences particulières liées à la mixité de l’oeuvre. Elle expose la méthode de travail qu’elle a développée au contact du compositeur et de ses principaux interprètes et elle traite de la question de la cohérence timbrale entre l’instrumental et l’électronique.
Le moment Musique en Jeu
Authors: Donin Nicolas
Published: June 2012

L’auteur se penche sur l’histoire, qui reste encore à écrire, de Musique en jeu, la revue française mythique des années 1970, qui est un modèle explicite pour la revue Circuit. Cet article livre des propos tirés d’entretiens réalisés à l’occasion d’une rencontre publique sur le passé et l’avenir des revues musicales avec deux des fondateurs de Musique en jeu : son principal animateur, Dominique Jameux, ainsi que l’un de ses collaborateurs notables, Jean-Pierre Derrien. Sont esquissés des détails sur la naissance de la revue de même que sur son évolution au cours de la décennie.
Gilles Tremblay pédagogue vu par ses anciens élèves
Authors: Trottier Danick
Published: June 2012

Réalisée au mois de juin 2010 par l’entremise du courriel, l’enquête proposée ici vise à jeter un éclairage sur les classes d’analyse et de composition de Gilles Tremblay au Conservatoire de musique de Montréal. Neuf anciens étudiants de Tremblay, répartis sur plus de trois décennies, ont accepté de se prêter au jeu d’un retour dans le temps : Michel Gonneville, Gilbert Patenaude, Alain Lalonde, Louise Samson, André Villeneuve, Silvio Palmieri, Marc Hyland, Sean Pepperall et Annick-Patricia Carrière. Grâce à leur témoignage, on en sait aujourd’hui un peu plus sur l’organisation des cours de Tremblay. En outre, les anciens étudiants ont été interrogés sur les façons dont Tremblay structurait ses cours, la matière étudiée, les étapes franchies dans l’analyse des oeuvres, l’orientation dans le travail créatif, l’apport des collaborations externes, etc. En définitive, malgré la distance creusée par le temps, le souvenir reste vif et montre l’expérience singulière qui a pu se dégager dans le travail de guide auquel Tremblay le pédagogue s’est adonné. De sorte qu’on commence à peine à jauger le rôle fondateur qu’ont joué ses classes au sein de la modernité musicale québécoise.
Gilles Tremblay : éléments d’une poétique musicale vus sous le prisme de Réseaux, Fleuves et Solstices
Authors: Provost Serge
Published: June 2012

Cet article a pour but de dégager les principaux vecteurs qui sous-tendent la démarche artistique de Gilles Tremblay. Par l’examen de ses principales sources d’influences et d’inspiration, de même que par l’analyse de ses oeuvres, nous voulons démontrer que le compositeur a su intégrer les principaux courants de pensée de son époque, et en faire la synthèse afin de créer un langage éminemment personnel, d’où se dégage une véritable poétique de la composition musicale, par laquelle s’exprime toute une vision de monde.
Reflets dans l’eau… bénite
Authors: Rea John
Published: June 2012

Dans cette série de douze impressions, John Rea apporte son témoignage sur la vie et la musique de son ami, le compositeur Claude Vivier : l’intégration, chez lui, des objectifs artistiques, personnels et spirituels, la quête d’un enfant perdu à consoler, et le miroir autobiographique qu’a représenté sa musique.
L’aventure du disque de musique québécoise
Authors: Davoine Françoise
Published: June 2012

L’article présente un bilan statistique des parutions discographiques de compositeurs québécois selon chacune des étiquettes et analyse le contenu de la production des quatre plus importantes d’entre elles (McGill University Records, Centredisques, SNE et Société et Entreprises Radio-Canada). L’auteure évalue l’impact de la disparition de Radio-Canada International et dresse un bilan passablement pessimiste des perspectives d’avenir.
Claude Gauvreau : musicien, dramaturge, poète
Authors: Fisette Jean
Published: June 2012

Après avoir rappelé les questions principales posées par l’écrivain montréalais Claude Gauvreau, l’auteur étudie les relations entre son oeuvre et celle du peintre Borduas, et montre comment l’écriture exploréenne inventée par Gauvreau le conduit, aux confins du langage, au seuil de l’expressivité musicale.
De Paris : notes critiques
Authors: Barrière Jean-Baptiste
Published: June 2012

L’ICMC s’est tenue à l’université McGill à Montréal en octobre 1991 . Les deux textes réunis ici, l’un émanant d’un compositeur de l’IRCAM, l’autre d’un défenseur des orientations actuelles de la musique américaine, présentent deux points de vue radicalement opposés sur cet événement. Le premier auteur n’y voit qu’amateurisme et utilisation stérile de la technologie, le second, ouverture d’esprit et possibilité de choix.
Vers une mécanique de l’imaginaire…
Authors: Piché Jean
Published: June 2012

Témoignage d’un compositeur sur l’utilisation qu’il fait dans ses oeuvres d’algorithmes de génération musicale, créant des oeuvres dites virtuelles, provoquant un transfert de connaissance de la machine au compositeur et suscitant des réflexions sur la complexité de surface de la musique contemporaine.
Saison 1992-1993 : l’année de la nostalgie
Authors: Olivier Dominique
Published: June 2012

Proposant comme à l’accoutumé un panorama critique de la saison montréalaise 1992-1993, l’auteure insiste sur ses caractéristiques marquantes : peu de jeunes compositeurs ont été joués; la nostalgie du déjà connu semble refléter l’angoisse actuelle de la société; pour des raisons idéologiques diverses, nos créateurs se sont beaucoup appuyés sur des textes littéraires et religieux. Une œuvre, cependant, surnage de ce marasme : L’adorable verrotière, de Serge Provost.
La théorie et l’oeuvre chez Xenakis : éléments pour une réflexion
Authors: Gibson Benoît
Published: June 2012

Cet article esquisse une réflexion sur le lien qui unit la théorie et l’oeuvre chez Xenakis. Il analyse trois exemples musicaux (tirés de Pithoprakta, Achorripsis et Herma), sur lesquels Xenakis a rédigé des textes, afin de comprendre le sens que prennent certaines théories lors de la réalisation d’une oeuvre. Les nombreux écarts que l’on constate entre les modèles que propose le compositeur et leur application indique que sa musique n’est pas le champ d’application d’une science, mais que sa représentation numérique, ou graphique, tente d’abord d’élargir son champ de possibilités et de réflexion.
Dompter la mer sauvage
Authors: Couroux Marc
Published: June 2012

Cet article fait état de la problématique des interprètes confrontés à des oeuvres « irréalisables » dans leur intégrité. La question est abordée sous les angles de la technique, de l’esthétique et de l’éthique. Face à diverses solutions proposées, l’interprète doit définir ses choix en s’appuyant sur une analyse de l’oeuvre qui lui permette d’en retrouver le sens.
Masques de l’identité
Authors: Pelinski Ramon
Published: June 2012

Le musicologue et compositeur Ramon Pelinski étudie les propos de Kagel sur son œuvre Exotica du point de vue des stratégies compositionnelles, des structures et des attitudes perceptives qu’elle déclenche. Adoptant résolument le point de vue du postmodernisme et de l’actualisme, l’auteur traque les ambiguïtés de l’utilisation kagelienne de la musique « exotique » et analyse en détail quelle attitude elle implique quant à la conception de l’Autre
Apories du relativisme
Authors: Nattiez Jean-Jacques
Published: June 2012

Selon l’auteur, l’attitude des actualistes implique un relativisme de principe par rapport aux notions transcendentales de Vrai, de Bien et de Beau. Prenant l’exemple, douloureux s’il en est, de l’attitude occidentale vis-à-vis de l’excision du clitoris pratiquée en Afrique, il réaffirme la nécessité d’admettre l’existence de jugements de valeur à portée universelle qui débordent les légitimations purement culturelles.
Chronique de disques
Authors: Hyland Marc
Published: June 2012

Dans cette rubrique, les parutions québécoises (ou utilisant des ensembles québécois), notamment de quelques disques récents de musique actuelle, font l’objet d’évaluations critiques.
Lettre (inédite) à Lise Bissonnette, directrice du Devoir
Authors: Vaillancourt Lorraine
Published: June 2012

Dans une lettre restée jusqu’à ce jour inédite, Lorraine Vaillancourt écrit à la directrice du Devoir pour lui faire part de son désarroi devant le peu de place qui est fait à la musique en général, et à la musique contemporaine en particulier, dans la culture, l’éducation et la presse.
L’après-rupture
Authors: Panneton Isabelle
Published: June 2012

La compositrice se situe dans la continuité historique des créateurs qui ont répondu par leurs orientations nouvelles à l’érosion du système tonal, mais souligne que le défi de la musique d’aujourd’hui est d’offrir à l’auditeur des repères qui conduisent l’écoute aussi sûrement que le faisait le système tonal. À la notion de rupture, elle propose de substituer celles de transformations, de renouvellements et d’ouvertures et rappelle que, à côté des diverses fonctions qu’assume la musique aujourd’hui, la musique reste un art en soi.
Requiem pour une fin de siècle
Authors: Masino Nicolas
Published: June 2012

Se réjouissant de l’expansion de ce débat dans la presse, l’auteur revendique, devant la diversité des styles offerts, le droit d’aimer n’importe quel type de musique produite aujourd’hui. Il se refuse à considérer la musique contemporaine comme la seule grande musique de notre temps, il critique l’équation que font certains entre la complexité d’une oeuvre et sa « grandeur », et rejette le concept de continuité historique invoqué par Isabelle Panneton. Il voit dans la situation actuelle le signe de la fin de l’hégémonie géopolitique et culturelle de l’Europe où l’on a toujours voulu faire du neuf à tout prix. Il met sur le même plan les musiques pour piano de Nino Rota et de Debussy et regrette de ne pouvoir retenir un seul thème des oeuvres de Donatoni.
Musique tonale et musique d’aujourd’hui
Authors: Lagacé Claude
Published: June 2012

L’auteur rappelle d’abord que la musique contemporaine ne se ramène pas au dodécaphonisme, mais que de nombreux compositeurs (Stravinski, Messiaen, Britten, Bartòk, Hétu, Morel, Papineau-Couture, Matton) sont encore tributaires du système tonal. S’appuyant sur une comparaison de la musique et du langage, il rappelle que la langue musicale a évolué depuis Monteverdi dans le cadre de la tonalité et que l’expérience que nous en avons repose sur l’alternance des tensions et des détentes dans le cadre de formes données. Ayant renoncé aux conventions de la tonalité, la musique contemporaine ne peut être considérée comme un langage et les oeuvres d’aujourd’hui ont perdu toute intelligibilité. La curiosité est une émanation de l’intelligence, mais la contemplation artistique relève de la sensibilité.
Échec total de la musique contemporaine
Authors: Desjardins Pierre
Published: June 2012

Le professeur de philosophie reproche essentiellement à la musique contemporaine sa pauvreté mélodique. Il fait l’hypothèse que l’invention mélodique provient de la structuration psychique primaire chez l’enfant. Il souligne le lien de la mélodie avec l’origine vocale de la musique occidentale où il discerne un ordre rythmique faible. Il émet l’idée que la musique contemporaine ravive la peur des traumatismes originaires. Les codes de la musique contemporaine sont artificiels et inintelligibles, engendrant une musique déshumanisée qui n’intéresse qu’un minuscule public. Seul le système des bourses et commandites de l’État maintient en vie une musique cliniquement morte, située en dehors de tout principe éducatif valable et condamnée à l’enfermement schizophrénique. L’auteur appelle de ses vœux l’apparition d’un vent nouveau qui rendra accessible la musique contemporaine de création.
À bas la musique « contemporaine »!
Authors: Gingras Claude ,   ">Les Mélodistes indépendants
Published: June 2012

Après avoir cité le manifeste des Mélodistes indépendants, le critique musical de La Presse interroge ses signataires, Anne Lauber, Rachel Laurin, Alain Payette et Raymond Daveluy. Le groupe rappelle que la musique tonale n’pas cessé d’exister, qu’il faut redonner ses droits à la mélodie et que le premier objectif du compositeur doit être de toucher la sensibilité de l’auditeur. On rappelle que de grands compositeurs comme Mozart n’ont rien inventé dans le langage musical. Les compositeurs se réclament de la tradition française (Debussy, Ravel, Fauré) qui choisit de rester tonale et exploite la modalité. Ils constatent que la musique de Schönberg et de ses successeurs, à la différence de celle de Rachmaninoff, ne s’est pas installée dans le répertoire. La musique électroacoustique est qualifiée de bruit confus, et ils reprochent aux œuvres de Boulez, Stockhausen et Xenakis leur complication factice. Le fonctionnement des jurys du ministère de la culture est mis en cause. Les membres du groupe plaident pour un retour à la tradition qui fasse place à l’émotion.
Pour corriger quelques « erreurs »
Authors: Tousignant François
Published: June 2012

Répondant aux Mélodistes indépendants, le critique musical du Devoir affirme que la démarche de compositeurs comme Monteverdi, Haydn et Mozart était innovatrice, il défend la thèse du caractère inévitable de l’avènement du système dodécaphonique et soutient que la musique des trois Viennois a pénétré le répertoire. Il rappelle que la musique extra-européenne et celle d’avant le XVe siècle n’est pas tonale et que Schönberg a été chassé du conservatoire de Berlin en raison de ses origines juives. Il réaffirme la nécesité, du point de vue de la valeur, de faire la différence entre Cézanne et Bouguereau comme entre Milhaud et Varèse.
Réplique en sol majeur
Authors: Lauber Anne , Daveluy Raymond , Laurin Rachel , Payette Alain
Published: June 2012

En réponse à la réponse de Tousignant, les Mélodistes indépendants soutiennentqu’ils n’ont pas été compris dans ce qu’ils ont dit de Mozart et Mahler. Ilsréaffirment ce qu’ils contestent : l’absence de mélodie, la suppression destensions, la rythmique trop complexe, la dictature par une esthétique particulièreet la prise du pouvoir d’une certaine avant-garde dans les jurys. Ils réclament ledroit à la liberté d’expression dans le respect des traditions et se fientfondamentalement à la réaction du public.
La musique contemporaine s’est embrouillée
Authors: Desjardins Pierre
Published: June 2012

En réponse à Michel Gonneville, le philosophe reprend les arguments de sa première intervention sur la déshumanisation de la musique contemporaine et sa quête de l’originalité à tout prix. Il insiste sur la spécificité du langage musical et la nécessité pour l’auditeur d’être en mesure de capter un message. Il se désole de voir les jeunes compositeurs se vautrer dans l’ignorance. Il considère que les grands noms du XXe siècle sont, non pas Boulez, mais Ravel, Stravinski, Prokofief ou Bartòk et fait l’éloge des musiques populaires et rythmiques, rock ou jazz, dont il explique le succès par le respect des normes traditionnelles.
Garant communicateur, ou la parole agissante
Authors: Gougeon Denis
Published: June 2012

Se penchant sur les articles du polémiste et les interventions radiophoniques à l’émission Musique de notre siècle, l’auteur montre comment Garant défendait le courant moderniste au XXe siècle contre les tenants du néo-classicisme et de l’académisme, et comment il définissait les tâches de la musique canadienne contemporaine.
La classe de composition de Serge Garant, ou le sentier de la lucidité
Authors: Boivin Jean
Published: June 2012

L’auteur rappelle les circonstances et le contexte de l’entrée de Serge Garant à la Faculté de musique de l’Université de Montréal. Il décrit le style et les principes à la base de son enseignement dans les cours d’analyse et de composition. Il indique les œuvres importantes sur lesquelles il se penchait et montre la diversité d’orientation esthétique de ses élèves dont une liste exhaustive est publiée en annexe.
Complément bibliographique 1980-1996
Authors: Lefebvre Marie-Thérèse
Published: June 2012

Cette bibliographie complète celle qui avait été publiée en 1986 dans l’ouvrage de l’auteure, Serge Garant et la révolution musicale au Québec (Louise Courteau éditrice).
À la manière des préludes non mesurés
Authors: Panneton Isabelle
Published: June 2012

Faisant état de l’influence sur elle du répertoire baroque, la compositrice montre quel rôle de modèle ont joué pour elle les préludes non mesurés de Rameau et Couperin, notamment dans son oeuvre Trait, Écart, Réparties. Elle en indique ensuite les prolongements dans quelques autres pièces.
Circuits-multiples. Circa 1970-1980 : les années « hard core » (faire « respirer » la musique)
Authors: Boudreau Walter
Published: June 2012

Reconnaissant l’influence de l’esthétique sérielle sur ses premières pièces, le directeur artistique de la Société de musique contemporaine du Québec fait l’analyse extrêmement minutieuse de la technique de construction harmonique utilisée dans la neuvième variation de son œuvre VARIATIONS.
Transmigration, du son vers la forme
Authors: Provost Serge
Published: June 2012

Le compositeur décrit minutieusement les procédés utilisés pour générer quelques-uns des matériaux harmoniques complexes à la base de son opéra Le Vampire et la nymphomane (1996).
Traces d’écoutes : sur quelques tentatives historiennes de saisie du corps de la musique
Authors: Campos Rémy
Published: June 2012

Les historiens de la musique qui ont essayé depuis une vingtaine d’années de décrire les anciennes manières d’entendre la musique se sont heurtés à une difficulté majeure : le peu de traces disponibles de cette activité à mesure que l’on remonte dans le temps. Il existait cependant des points d’observation que les chercheurs visitèrent quelquefois (journaux intimes, fragments de musique notés explicitement pour être « écoutés »). Mais l’obstacle le plus insurmontable n’était pas le déficit d’archives. Une forme sournoise d’anachronisme guettait en effet les mieux intentionnés des enquêteurs. Car se demander si les gens écoutaient la musique au XVIIIesiècle (William Weber) ou s’ils entendaient les exemples musicaux insérés dans les traités du XVIesiècle (Collins Judd dansReading Renaissance Music Theory) ne signifie pas forcément qu’on se soit départi de nos habitudes d’auditeurs modernes. Une réflexion sur l’histoire de l’écoute ne peut se dispenser de ce travail de mise à distance — comme l’indiquera la référence à l’histoire du livre et de la lecture (Chartier) —, quitte à déboucher sur des non-lieux de la pratique auditive.
Variations et variantes
Authors: Hétu Jacques , Beaucage Réjean
Published: June 2012

Le compositeur Jacques Hétu revient sur l’expérience qualifiée de « choc » violent qu’a représenté pour lui l’enregistrement de ses Variations pour piano par Glenn Gould en 1967. Il rappelle, dans un premier temps, que ce musicien qui s’est exprimé essentiellement à travers l’interprétation rêvait aussi d’être compositeur. Il s’interroge sur la façon dont il « s’emparait parfois de la musique des autres et la transformait, parfois en la défigurant, parfois en la transfigurant ».

Il cible, à travers des exemples tirés de chacune des variations, les écarts de tempi, d’articulations, de dynamiques de même que les changements dans les jeux de pédale que s’est autorisé un Gould qui s’éloignait de plus en plus de la partition au fur et à mesure que l’oeuvre se déroulait.

Admettant que cette interprétation possède sa propre logique, Jacques Hétu salue en Gould un authentique créateur qui « nous communiquait impérieusement son propre univers de musicien ».
Réinventer le rituel du concert
Authors: Beaucage Réjean
Published: June 2012

L’interprète et compositeur Marc Couroux, devenu un spécialiste du répertoire du XXe siècle le plus difficile pour le piano, a beaucoup réfléchi sur les rôles du compositeur et de l’interprète, sur l’obligation de la virtuosité pour ce dernier et sur le contexte social de la production musicale en concert. À travers un parcours biographique, il retrace dans cette entrevue les étapes de sa réflexion.
Interprète et créateur
Authors: Beaucage Réjean
Published: June 2012

Le violoncelliste français Benjamin Carat privilégie l’interprétation d’oeuvres nouvelles issues d’une étroite collaboration avec les compositeurs durant le processus de création. S’employant à développer un nouveau répertoire pour son instrument, il concentre son travail sur la musique mixte et les nouvelles techniques de jeu. Parcours biographique et réflexion sur le métier d’interprète.
Interview with Joseph Petric
Authors: Goldman Jonathan
Published: June 2012

In this interview, Joseph Petric, the internationally acclaimed concert accordionist, shares his thoughts on his personal artistic development, on his relationship to the works of the past, and on his 'plurivocal' (Eco) view of the conflicting aesthetic tendencies which lie at the heart of today's concert music. His relationship with his somewhat unusual instrument turns out to be inseparable from his undying support for contemporary and even experimental music. His goal is to produce, sometimes ironically, an authentic artistic enunciation.
Das Einfachste, schwer zu machen [Bertolt Brecht]
Authors: Pauset Brice
Published: June 2012

En prenant la gare de Darmstadt comme métonymie, le compositeur français, qui a fréquenté les Ferienkurse au cours des années 1990, les décrit sous le double signe de la ruine et du consumérisme. Il n’exclut pourtant pas que puisse s’y manifester quelque forme de transcendance.
Darmstadt as Refectory (Mess Hall)
Authors: Rea John
Published: June 2012

John Rea followed up his term as composer-in-residence in Mannheim with an immersion in the 1984 summer courses. Here the Canadian composer relates a series of anecdotes, which include his surprise at being recognized (or actually not recognized) as the composer of Pincer la musique aujourd’hui, and his subsequent attendance at a concert of Xenakis's music accompanied by Morton Feldman, who later shared a number of secrets with him. This leads the author to a reflection on the Darmstadt of his generation, and that of today.
[Sans titre]
Authors: Stäbler Gerhard
Published: June 2012

Après Darmstadt 1972 et Darmstadt 1974, au cours desquels il a assisté aux conférences de Stockhausen, Ligeti et Christian Wolff, le compositeur allemand prend ses distances vis-à-vis des préoccupations centrales des cours d’été de cette époque. Il retourne aux Ferienkurse après une absence volontaire de près de deux décennies, pendant lesquelles des questions sociales et politiques d’ordre plus concret le préoccupent davantage. Il présente alors son oeuvre multimédia pour plusieurs artistes [voix(time)] et découvre que le Darmstadt des années 1990 est plus réceptif à ses préoccupations sociales, ainsi qu’aux oeuvres multimédias et collectives.
Le concept de complexité dans Cinquante ans de modernité musicale
Authors: Darbon Nicolas
Published: June 2012

Cet article montre l’apport du livre de Célestin Deliège à la musicologie a) d’un point de vue strictement historique, puisque pour la première fois (hormis par R. Toop) est abordée de façon substantielle l’école de laNew Complexity; ce faisant, il « officialise » musicologiquement l’existence de cette école; b) par sa démarche critique, risquée, impliquée, Célestin Deliège rejoint quelques aspects de la pensée complexe d’Edgar Morin et de la Nouvelle Histoire. Cet article enfin n’est pas une simple apologie mais propose une réflexion succincte sur le concept clef de complexité pour les sciences et les arts contemporains.
Internal‐model‐based control to reject an external signal generated by a class of infinite‐dimensional systems
Authors: Quan Q. , Cai K.‐Y.
Published: June 2012

In this paper, an internal‐model‐based controller (IMBC) is designed to reject an external signal generated by a class of infinite‐dimensional systems for a class of nonlinear systems. First, a new description of the external signal is proposed. By this new description, the IMBC is designed, and the resulting closed‐loop error dynamics are analyzed with the help of a Lyapunov–Krasovskii functional. Compared with existing IMBCs, the designed IMBC provides the flexibility to cope with more types of external signals as well as to choose controller parameters to achieve a tradeoff between rejection performance and stability. Finally, the method is applied to attitude control of a quadrotor aircraft. Effectiveness of the IMBC is demonstrated by simulation. Copyright © 2012 John Wiley & Sons, Ltd.
Optimal design of reverse osmosis‐based water treatment systems
Authors: Karuppiah Ramkumar , Bury Scott J. , Vazquez Adriana , Poppe Gregg
Published: June 2012

We address the problem of optimal design of reverse osmosis (RO)‐based water treatment systems. A superstructure optimization method is proposed to solve the problem, where the superstructure for a RO system is structurally enhanced with additional features. We formulate the problem as mixed‐integer nonlinear program which is solved to yield optimal results. A case study on desalination is considered in this work, and the numerical results obtained using our approach are validated using a commercial simulation tool. We further extend the problem by considering the effects of degradation of membrane performance over time and solve it by representing the problem as a two‐stage stochastic program. This new approach is highly useful for identifying minimum cost robust designs for membrane‐based water purification systems, which are especially important in desalination applications. © 2012 American Institute of Chemical Engineers AIChE J, 2012