bluuebunny/crossref_metadata_2025 huggingface dataset:
«Коллаж на тему BACH» А. Пярта: взгляд в прошлое на пути в будущее
Authors: Никифоров С.Н.
Published: December 2024

В статье рассматривается сочинение первого, допереломного периода творчества А. Пярта Коллаж на тему BACH (1964). Настоящий опус яркий образец полистилистической композиции, отмеченной богатством техник и приемов ее реализации. Ведущей при этом становится техника коллажа, подразумевающая объединение в рамках одного произведения барочной и авангардной стилистики. В Токкате Пярт воспроизводит прежде всего фактурные особенности барочного жанра путем воссоздания его моторной ритмики. Однако главным выразительным элементом как здесь, так и в других частях становится десятизвуковая серия, основанная на звуках анаграммы bach. Ядро Коллажа темаанаграмма не является заранее предустановленным материалом. Пярт обретает ее, вслушиваясь в интонации баховской клавирной Сарабанды, полностью процитированной им во второй части с аналогичным названием. Весьма интересны приемы развития серии: она развертывается по горизонтали, причем композитор вводит тембровую и регистровую переокраску ее звуков серия сегментируется, при этом каждый из сегментов предстает в виде созвучия, а серия целиком в виде декааккорда (в Токкате) серия подается одновременно в виде мелодических линий и гармонических комплексов (Сарабанда), проводится в прямом виде, в инверсии, ракоходе и ракоходе инверсии (все части). Но идейный смысл Коллажа, как представляется, лежит вне подобных технических приемов. В музыке Баха (шире старинной музыке) Пярт видит основу своего искусства. Возможно, что уже здесь начались поиски, впоследствии приведшие автора к созданию стиля tintinnabuli.

This article touches upon the composition of the first period the Collage on BACH (1964). Collage is the notable polystylistic piece, which stands out due to its compositional techniques and methods of their realization. Herein collage is the principal technique, which. The author combines in one work the music of two different epochs, Baroque and Avantgarde. He makes experiments on the style and its implementation. In a Toccata A. Pаrt reproduces, first of all, textural peculiarities of the Baroque genre by means of recreating its motoric rhythmic. But the main descriptive element here, as well as in other parts, is a tentone series, based on the anagram bach. The heart of the Collage the theme anagram is not the previously predefined material. Pаrt acquires it while listening to the intonations of J. S. Bachs Sarabande for the keyboard, which he cites and comments on through serialism. The metods of developing the series are quite peculiar it is spread out horizontally, and moreover, the composer introduces the timbre and register variations of its sounds the series is segmented and each of the segments appears as a consonance, and the series as a whole in the form of a decacord (in a Toccata) the series is presented both in the form of melodic lines and harmonic complexes (Sarabanda). But his purpose is not the catchy effects. The music of Bach presents the ground for Pаrts own music, even though it was then Avantgarde. It is possible that the composers way to the tintinnabulistyle starts here.
Библейский псалом в сочинениях А. Пярта: воплощение основных жанровых признаков
Authors: Лозовская Н.В.
Published: December 2024

Предмет статьи библейский псалом как источник озарения и вдохновения Арво Пярта, а также музыкальные сочинения эстонского композитора, созданные на псалмовые тексты. Статья повествует о влиянии библейского псалма на творчестве А. Пярта и показывает, что благодаря псалмам композитор нашел новый, собственный стиль. Автор статьи акцентирует внимание на том, что важные особенности библейских псалмов, такие как молитвенная диалогичность, простота повествования, импровизационность, принцип параллелизма, нашли отражение в псалмовых сочинения А. Пярта, и воплотились в найденном композитором новом стиле tintinnabuli. Особое внимание в статье уделяется псалмовым сочинениям De profundis (129 псалом), Miserere (50 псалом) и Псалму для струнного оркестра (112 псалом).

The article deals with a biblical psalm as a source of spiritual insight and inspiration for Arvo Pаrt. It also discusses some musical works written by the Estonian composer on the basis of biblical psalmic texts. In the article, author explains the influence of the biblical psalm on the works of A. Pаrt and shows that due to the biblical psalms the composer discovered a new style that has become characteristic of his creative works. The article focuses on such important features of biblical psalms as prayerful dialogue, simplicity of narration, improvisation, the principle of parallelism all are reflected in A. Pаrts psalmic works and embodied in the tintinnabuli style, found by the composer. Special attention is paid to the psalm compositions De profundis (psalm 129), Miserere (psalm 50) and Psalm for string orchestra (psalm 112).
Музыка Арво Пярта в пересечении искусств
Authors: Савенко С.И.
Published: December 2024

Статья посвящена взаимодействию музыки известного современного композитора Арво Пярта с другими видами искусств. Прежде всего это касается кино, самого массового из них. Общий список фильмов, где звучит музыка Пярта, достигает двух сотен и подразделяется на два рода материалов. Первый из них фильмы, в которых Пярт участвовал как композитор, то есть как автор специально созданной музыки. Они относятся к периоду до 1980 года, к временам, когда Пярт жил в СССР и, подобно многим коллегам, активно работал в кино. После отъезда из СССР, когда композитор осел в Западном Берлине, эта деятельность прекратилась. Но очень скоро кино само стало искать его музыку. С этого момента начинается вторая часть пяртовской кинобиографии и второй род его киномузыки: использование в фильмах его произведений, не предназначенных специально для кино. Эта практика успешно продолжается по сей день. В статье рассматривается два примера контактов музыки Пярта и визуальных искусств: эпизод из фильма Тенгиза Абуладзе Покаяние (1984) и спектакль Роберта Уилсона Страсти по Адаму (2015) на материале большой композиции Пярта Плач Адама и других сочинений.

The article is devoted to the interaction of the music of the famous contemporary composer Arvo Pаrt with other arts. First of all, it concerns the cinema, the most popular of them. The general list of films where the music of Pаrt sounds reaches two hundreds, and is divided into two kinds of materials. The first of them consists of films in which Pаrt participated as a composer, that is, as the author of specially created music. They belong to the period before 1980, to the times when Pаrt lived in the USSR and, like many colleagues he worked actively in the cinema. After leaving the USSR, when the composer settled in West Berlin, this activity ceased. But very soon the cinema itself began to look for his music. From this moment on, the second part of Pаrts cinema biography and the second kind of his film music has begun: the use of his works, not specificall intended for cinema, in films. This practice continues successfully up to the present day. The article discusses two examples of contacts between Pаrts music and media arts: an episode from Tengiz Abuladzes film Repentance (1984) and Robert Wilsons performance Adams Passion (2015) based on Pаrts great composition Adams Lament and other works.
ДУХОВНЫЕ СТИХИ НИЖЕГОРОДСКОГО КРАЯ (ПО МАТЕРИАЛАМ ЭКСПЕДИЦИОННЫХ ИССЛЕДОВАНИЙ НИЖЕГОРОДСКОЙ ГОСУДАРСТВЕННОЙ КОНСЕРВАТОРИИ ИМ. М. И. ГЛИНКИ)
Authors: Харлов А.В.
Published: December 2024

В статье рассмотрен жанр духовных стихов актуальный в современных реалиях, затронуты причины его востребованности на территории Нижегородской области. Приводится сравнительный анализ ранее не публиковавшихся вариантов стихов, зафиксированных исследователями в конце XX начале XXI вв. Названы способы репрезентации песнопений, рассмотрен принцип фиксации текстов и напевов самими исполнителями как способ сохранения и передачи традиционного знания последующим поколениям. Вводится в научный обиход созданная на рубеже XIXXX веков рукописная тетрадь духовных стихов, обнаруженная в ходе фольклорноэтнографических экспедиционных исследований 2018 2019 гг. Автором предложен новый вариант классификации духовных песнопений по сюжетным признакам, проведена идентификация авторских словесных текстов (Н. В. Гоголя, Ф. Б. Миллера), бытующих в нижегородских рукописных фольклорных сборниках как анонимные. Приводится анализ жанровостилистических особенностей духовных стихов, рассматриваются принципы взаимовлияния канонических правил церковного пения и ладогармонической системы академического музицирования. Выявлены мелодические попевкиформулы нового осмогласия и древнего знаменного распева, встречающиеся в песнопениях рукописной тетради. Проанализирован духовный стих, созданный в начале XX века в Нижегородской области на реальноисторический сюжет.

The article considers the genre of spiritual verses as relevant in modern realities, touches on the reasons for its demand on the territory of the Nizhny Novgorod region. It gives a comparative analysis of previously unpublished versions of verses recorded at the turn of the 20th21st centuries. Along with naming the ways of representing chants, the principle of fiing texts and tunes by the performers themselves is considered as a way of preserving and transmitting traditional knowledge to subsequent generations. A manuscript copybook of spiritual verses created at the turn of the 19th20th centuries is introduced into the scientifi use. It was discovered during folkloreethnographic expeditionary studies of 2018 2019. The author has proposed a new version of the classifiation of spiritual songs according to plot features, and identifid the authorial verbal texts (N. V. Gogol, F. B. Miller), existing in Nizhny Novgorod manuscript folklore collections as anonymous ones. The article also provides the analysis of the genrestylistic features of spiritual verses and considers the principles of the mutual inflence of the canonical rules of church singing and the harmonic system of academic music making. It reveals the melodic singingformulas of the new osmoglasie and the ancient znamenny chant found in the chants of a manuscript, and analyses the spiritual verse created at the beginning of the 20th century in the Nizhny Novgorod region on a realhistorical plot.
ОСОБЕННОСТИ СТИЛЯ КАМЕРНО-ИНСТРУМЕНТАЛЬНЫХ СОЧИНЕНИЙ ГО ВЭНЬЦЗИНА «МУЗЫКА "БА" ДЛЯ ВИОЛОНЧЕЛИ И ФОРТЕПИАНО» И СТРУННОГО КВАРТЕТА «БАЛЛАДА О РЕКЕ ЯНЦЗЫ»
Authors: Дун Ш.
Published: December 2024

В статье рассмотрены стилевые черты двух ранних камерно-инструментальных сочинений выдающегося китайского композитора современности Го Вэньцзина (род. 1956). Оба опуса Музыка Ба для виолончели и фортепиано и струнный квартет Баллада о реке Янцзы были созданы до 1985 года. В Китае Музыка Ба удостоилась Третьей премии IV Национального конкурса камерной музыки в 1985 году, Баллада о реке Янцзы Второй премии. Сочинения поразили слушателей потоком неожиданных звучаний, в которых спрессованы древний дух и острота современности, узнаваемый мир западного музыкального авангарда и звуковой универсум азиатского Востока. Вместе с тем при таком оригинальном сочетании стилевых элементов впечатляет цельность и ясная выверенность музыки Го Вэньцзина. Неординарный подход композитора к тембровым моделям классических инструментальных жанров трактуется как переинтонирование звучания инструментов на китайский лад . Это проявляется в особо деликатном воспроизведении в европейских жанрах китайской музыкальной артикуляции, украшений мелодии аутентичной восточной мелизматикой, звуковысотной и динамической пульсации длинных нот. Обозначенные особенности позволяют говорить об органичном соединении восточных и западных традиций в камерно-инструментальной музыке Го Вэньцзина

The article deals with the stylistic features of two early chamber-instrumental pieces of music of the outstanding Chinese composer Guo Wenjing (born in 1956). Both the opuses Music Ba for cello and piano and the string quartet and The ballad of the Yangtze river were created before 1985. In China, Music Ba won the Third prize of the IV national chamber music competition in 1985, The ballad of the Yangtze river the Second prize. The pieces of music struck the audience with a stream of unexpected sounds, in which the ancient spirit and sharpness of modernity, the recognizable world of the Western musical avant-garde and the sound universe of the Asian East are compressed. At the same time, with such an original combination of stylistic elements, the integrity and clear precision of Guo Wenjings music is impressive. The composers extraordinary approach to timbre models of classical instrumental genres is interpreted as reintoning the sound of instruments in the Chinese way . This is reflcted in a particularly delicate reproduction in European genres of Chinese musical articulation, decoration of the melody with authentic Oriental melismatics, pitch and dynamic pulsation of long notes . These features allow us to speak about the organic connection of Eastern and Western
ОБРАЗ КИТАЯ В КУЛЬТУРЕ ЕВРОПЫ И ФОРМЫ ЕГО МУЗЫКАЛЬНОГО ВОПЛОЩЕНИЯ (ДО XX ВЕКА)
Authors: Амрахова А.А. , Шэнь Х.
Published: December 2024

В статье рассматривается эволюция воплощения образа Китая в европейской музыке до XX века. На протяжении многовековой истории оно получило существенное развитие. Сначала, проникая в музыку из смежных явлений искусства, оно проявлялось в программности инструментальных сочинений, выборе текстов китайских поэтов для вокальных произведений, экзотическом сценическом оформлении опер и балетов. В музыкальном языке это отразилось в использовании характерных инструментальных тембров, адаптации необычных мелодических, ладовых, гармонических и фактурных решений. Показано, что данный процесс не затрагивал глубинного мировоззренческого слоя, и, соответственно, не влиял на композиционные основы произведений. Единственное исключение Китайский рондель Дебюсси, в котором введение экзотических элементов подкреплялось особенностями индивидуального стиля композитора. Основываясь на концепциях Моско Карнера (о типологии освоения чужого слова европейской музыкой) и Элины Герштейн (о трех способах взаимодействия своего и чужого ) автор приходит к следующим выводам: европейское восприятие музыкальной культуры Китая до XX века эволюционировало от попыток обработки китайских мелодий средствами европейской музыкальной системы (условная стилизация), через заимствование элементов художественного языка (экзотизм), а затем и европоцентризм колониального периода, к его преодолению и попыткам поиска межкультурных универсалий. Этот вектор наглядно прослеживается, в том числе, и в камерно-вокальной музыке

The article discusses the evolution of the embodiment of the image of China in European music until the XX century. Throughout the centuries-old history, it has received signifiant development. At fist, penetrating into music from the related phenomena of art, it revealed itself in the program of instrumental pieces, the choice of texts by Chinese poets for vocal works, the exotic stage design of operas and ballets. In the musical language, this is reflcted in the use of characteristic instrumental timbres, adaptation of unusual melodic, fret, harmonic and textural solutions. It is shown that this process did not affect the deep ideological layer, and, accordingly, did not affect the compositional basis of works. The only exception is Debussys Chinese Rondel , in which the introduction of exotic elements was supported by the peculiarities of the composers individual style. Based on the concepts of Mosko Karner (on the typology of mastering anothers word by European music) and Elina Gerstein (on the three ways of interaction between ones own and an others ), the author comes to the following conclusions: the European perception of the musical culture of China until the XX century evolved from attempts to process Chinese melodies by means of the European musical system (conditional stylization), through borrowing elements of artistic language (exoticism), and then the Eurocentrism of the colonial period, to its overcoming and attempts to search for intercultural universals. This vector is clearly seen, including chamber and vocal music.
ЯЗЫЧКОВЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ ДРЕВНЕГО КИТАЯ В КОНТЕКСТЕ РАЗВИТИЯ БАЯННОГО И АККОРДЕОННОГО ИСКУССТВА КНР
Authors: Чжао М.
Published: December 2024

Статья посвящена важной проблеме развития баянного и аккордеонного искусства Китая в аспекте влияния на него национального инструментария. Понимание этой темы неразрывно связано с особенностями исполнительского искусства на китайских язычковых инструментах шэн, лушен, юй и их историей развития. Шэн, лушен и юй в основном использовались в прикладной музыке народных песнях, танцах, обработках песенно-танцевальных мелодий и активно влияли на ее жанровые традиции и специфику. Некоторые ее особенности рассматриваются автором на примере народной музыки для шэна Счастливый праздник Сонгкран . Анализируя эволюцию и специфику национальных инструментов Китая, автор статьи определяет их влияние на баянное и аккордеонное исполнительство, возникшее в Китае в начале XX века. В частности, обнаруживается связь применения древних китайских инструментов и родственных им европейских: репертуар баяна и аккордеона также составляют обработки народных песен, в которых они исполняют роль аккомпанирующих инструментов. Органичное внедрение европейских инструментов в китайскую музыкальную культуру связано с их способностью отражать характерные национальные образы, с близостью звучания древним народным инструментам, родством их приемов игры. Этим обуславливается их популярность в современном китайском исполнительстве и постепенный качественный рост художественного мастерства китайской исполнительской школы

The article is devoted to the important problem of the development of bayan and accordion art in China in terms of the inflence of national instruments on it. Understanding this topic is inextricably linked with the characteristics of performing on Chinese reed instruments sheng, lushen, yu and their development history. Sheng, lusheng and yui were mainly used in applied music folk songs, dances, and processing of song-dance melodies and actively infl enced its genre traditions and specifis. Some of its features are considered by the author on the example of folk music for shen Happy Songkran festival . Analyzing the evolution and specifiity of the national instruments of China, the author of the article determines their inflence on the bayan and accordion performance that arose in China at the beginning of the 20th century. In partic ular, a connection is found between the use of ancient Chinese instruments and European ones related to them: the repertoire of the bayan and accordion also comprise the processing of folk songs in which they play the role of accompaniment instruments. The organic introduction of European instruments into Chinese musical culture is related to their ability to reflct characteristic national images, to the proximity of sound to ancient folk instruments, to the kinship of their playing techniques. This determines their popularity in modern Chinese performance and the gradual qualitative growth of the art mastery of the Chinese performing school.
МУЗЫКА МАСТЕРА
Authors: Кирнозе З.И. , Кашлявик К.Ю.
Published: December 2024

Статья повествует о природе мастерства знаменитого художника С. П. Веселова. Его творчество отличало сочетание традиции народной хохломской росписи и возведение ее на уровень высокого искусства. Он исполь- зовал старинное верховое письмо с травными узорами. Мастер нашел ход от древнего ремесла к собственному новаторскому стилю, с летучим размахом кисти, сохраняя при этом фактуру дерева и внутреннее пространство композиции, условность сочетается в его работах с реализмом, красота с прагматикой. Произведениям мастера свойственна музыкальность и неповторимость рисунка. Их композиция, как строй музыкального произведения, продумана, графическая утонченность сочетается с богатством цвета. Символической темой его творчества считается солнце, по которому от центра расходятся золотые протуберанцы в ритме русской пляски, музыки комаринского и языческого хоровода одновременно. Обобщающий слух мастера создает образцы народного искусства.

The article deals with the nature of the talent of the famous painter S. P. Veselov. His work was distinguished by the combination of the tradition of folk Khokhloma painting and its elevation to the level of high art. He used an old upper painting with grass patterns. The master has found a way from an ancient craft to his own innovative style, with a volatile brushstroke, while maintaining the texture of wood and the interior space of the composition, Convention is combined in his works with realism, beauty with pragmatism. The masters works are characterized by musicality and uniqueness of drawing. Their composition, like the structure of a musical work, is thought out, graphic refiement is combined with the richness of color. The symbolic theme of his work is the sun, which radiates from the center of the Golden prominences in the rhythm of the Russian dance Komarinsky and pagan dance at the same time. The generalizing hearing of the master creates samples of folk art.
«АНТИТРАДИЦИОНАЛИЗМ» И «ФИЛОСОФИЯ НЕСТАБИЛЬНОСТИ»
Authors: Зусман В.Г. , Кирнозе З.И. , Сиднева Т.Б.
Published: December 2024

В статье рассматривается философия нестабильности как одна из фундаментальных основ науки и искусства антириторического типа. Философия нестабильности , разработанная выдающимся физиком И. Пригожиным, основана на сомнении в наукоцентризме и европоцентризме привычных опорах западной цивилизации. Сближая интуитивное и рациональное, науку и искусство, И. Пригожин пересматривает стабильную упорядоченную картину мира. В проекции на искусство концепция И. Пригожина отвергает рефлективный традиционализм (термин С. Аверинцева). Тяготея к стабильности, повторяемости, рубрикации и нормативности, рефлективный традиционализм в искусстве воплощает абстрагирующую потенцию науки . Принцип бесконечно воспроизводимых положений искусства риторического рационализма (как это описано С. Аверинцевым и А. Михайловым), перекликается с той характеристикой, которую И. Пригожин дает традиционной физике. Воплощением философии нестабильности оказываются гибкое антириторическое слово литературного текста, а также разворачивающаяся здесь и сейчас , музыкальная структура. Анализируя литературные и музыкальные произведения в контексте философии нестабильности , И. Пригожин приходит к мысли, что фуги И. С. Баха и литературные тексты содержат точки бифуркации . С преодолением риторического рационализма связано и упрочение так называемой открытой формы в музыке и литературе.

The philosophy of instability is considered in the article as one of the fundamental foundations of the science and art of the antiterritorial type. The philosophy of instability , developed by the outstanding physicist I. Prigozhin, is based on a doubt about scientocentrism and eurocentrism the usual pillars of western civilization. I. Prigozhin revises a stable ordered picture of the world, bringing together intuitive and rational, science and art. In the projection on art, Prigogines concept rejects reflctive traditionalism (S. Averintsevs terms). Tending to stability, repeatability, rubrication and normativity, reflctive traditionalism embodies the abstracting potency of science in art. The principle of infiitely reproducible propositions of the art of rhetorical rationalism (as described by S. Averintsev and A. Mikhailov), echoes the characteristic that I. Prigozhin gives to traditional physics. The embodiment of the philosophy of instability is the flxible antiterritorial word of the literary text, and the unfolding now and here musical structure. Analyzing literary and musical works in the context of the philosophy of instability I. Prigozhin comes to the conclusion that the fugues of J. S. Bach and literary texts contain bifurcation points . The consolidation of the so-called open form in music and literature is also associated with the overcoming of rhetorical rationalism.
«ОПЕРА — ЧУДО СВЕТА». О КНИГЕ АЛЕКСЕЯ ПАРИНА
Authors: Левая Т.Н.
Published: December 2024

Статья посвящена анализу книги А. Парина Опера чудо света , входящей в серию О музыке просто. Ценность издания заключается в популяризации оперы среди детской аудитории. Сложные просветительские задачи достигаются создателем книги в полной мере. В статье сделан обзор содержания и структуры изданной работы. Особые достоинства книги: анализ сотворчества композитора с другими участниками оперной постановки, ее синтетичность , богатство представленных в ней материалов, тонкий юмор и увлекательность изложения. Автор статьи полагает важным, что издание книги А. Парина совпало с проведением масштабной конференции в РАМ им. Гнесиных, посвященной опере ее истории и современному развитию.

The article is devoted to the analysis of the book by A. Parin Opera is a miracle of the world , which is part of the series About music is simple . The value of the publication is to popularize opera among children. The creator of the book achieves complex educational tasks in full. The article provides an overview of the content and structure of the published work. Special virtues of the book: analysis of the co-creation of the composer with other participants in the opera, its synthetism , the richness of the materials presented in it, subtle humor and fascinating presentation. The author of the article believes it is important that the publication of the book by A. Parin coincided with the holding of a large-scale conference at the Russian Academy named after Gnesins, dedicated to the opera its history and modern development.
РЕФЕРЕНЦИЯ И СТИЛЬ
Authors: Амрахова А.А.
Published: December 2024

В статье исследуются возможности использования теории референции в музыкознании. Определение референции дается в исторической перспективе: описываются важнейшие этапы осмысления этого феномена в лингвистике и философии. Теорию референции можно использовать в музыкознании многоаспектно. Смыслообразование в музыке — это не только ассоциативная составляющая интерпретации. На роль референтов может претендовать не только любой музыкальный концепт, несущий в себе и багаж культурно-исторического знания, но и типологические схемы «работы» с ними. Под эту категорию подходит целый сонм произведений, не имеющих «названия», но имеющих референты: это сонаты, вариации, рондо и симфонии и т. д., то есть все то, что имеет отношение к жанровой типологии. Это свидетельствует о том, что синтаксические схемы также могут быть объектом референции. Кроме того, часто именно акт референции лежит в основе тех контактов, что долгое время приписывались явлению интертекстуальности. Дело в том, что при референции связь на уровне смыслопорождающего контакта устанавливается не между двумя разными текстами, а между разделом (элементом) дискурса и представлением о том, на что намекается в тексте. На примере творчества двух принципиально разных авторов — писателя, музыковеда и философа В. Одоевского и российского композитора-авангардиста В. Николаева, показывается, насколько разные способы реферирования действенны в проявлении стилевого своеобразия художников

The article explores the possibilities of using the theory of reference in musicology. The defiition of reference is given in a historical perspective: the most important stages of understanding this phenomenon in linguistics and philosophy are described. The theory of reference can be used in musicology in many aspects. Meaning in music is not only an associative component of interpretation. Not only any musical concept, which carries within itself the baggage of cultural and historical knowledge, but also typological schemes of “working” with them, can claim the role of referents. A whole host of works that do not have a “name” but have referents fis into this category: these are sonatas, variations, rondos and symphonies, etc., that is, everything that relates to genre typology. This indicates that syntax schemes can also be the object of reference. In addition, it is often the act of reference that underlies the contacts that have long been attributed to the phenomenon of intertextuality. The fact is that in a reference, the connection at the level of meaning-generating contact is established not between two different texts, but between the section (element) of the discourse and the idea of what is hinted at in the text. Through the example of the work of two fundamentally different authors — the writer, musicologist and philosopher V. Odoevsky and the Russian avant-garde composer V. Nikolaev, it is shown how different methods of summarization are effective in the manifestation of the style of originality of artists
МАКС РЕГЕР И ФИЛИПП ВОЛЬФРУМ: ДРУЖБА «ПОД ЗНАКОМ» БАХА
Authors: Бочкова Т.Р.
Published: December 2024

Статья посвящена творческой и человеческой дружбе двух талантливых музыкантов Германии эпохи fin de siècle – Максу Регеру, чье имя, хотя и редко, но появляется на страницах отечественных научных трудов и концертных афишах, и Филиппу Вольфруму. Вольфрум был композитором, органистом, дирижером, музыковедом-исследователем, автором двухтомной монографии об И. С. Бахе, просветителем и церковным музыкантом. Его творческая деятельность почти не известна в нашей стране. Сотрудничество двух музыкантов связано в основном с небольшим южнонемецким Гейдельбергом (земля Баден-Вюртемберг), старинным городом, в котором Вольфрум служил более тридцати лет Университетским директором музыки. Здесь он создал замечательную художественную атмосферу, пронизанную горячим почтением к наследию И.С. Баха, «под знаком» которого состоялось удивительное партнерство двух крупных музыкальных личностей рубежной эпохи. В статье приводится большое количество фактологических материалов, которые документально обосновывают многолетнее сотрудничество Регера и Вольфрума, обсуждаются вопросы выбора репертуара, детализируются некоторые факты биографии музыкантов, подтверждающие сходство их художественных взглядов

The article is devoted to the creative and human friendship of two talented German musicians of the fin de siècle era-max Reger, whose name, although rarely, appears on the pages of Russian scientific works and concert posters, and Philipp Wolfrum. Wolfrum was a composer, organist, conductor, research musicologist, author of a two-volume monograph on J. S. Bach, educator, and Church musician. His creative activity is almost unknown in our country. The collaboration of the two musicians is mainly related to the small southern German city of Heidelberg (Baden-württemberg), an ancient city where Wolfrum served for more than thirty years as the University Director of music. Here he created a wonderful artistic atmosphere, imbued with a warm respect for the legacy of J. S. Bach, "under the sign" of which an amazing partnership of two major musical personalities of the turn-of-the-century took place. The article provides a large number of factual materials that document the long-term cooperation between Reger and Wolfrum, discusses the choice of repertoire, and details some facts of the musicians ' biographies that confirm the similarity of their artistic views.
«УВЕРЕН, ЧТО ПУБЛИКА ПОЛЮБИТ ВАС» ИЗ ПИСЕМ ВЫДАЮЩИХСЯ СКРИПАЧЕЙ XX ВЕКАЛЕОНИДУ КОГАНУ НА ОСНОВЕ СЕМЕЙНОГО АРХИВА
Authors: Кривицкая Е.Д.
Published: December 2024

В статье идет речь о творческих связях выдающегося музыканта XX века, народного артиста СССР Леонида Когана с современными скрипачами. На основе сохранившихся в архиве семьи писем, опубликованных воспоминаний очевидцев и интервью самого Л. Б. Когана воссоздаются подробности дружеского общения и творческих контактов с такими выдающимися артистами, как Яша Хейфец, Ефрем Цимбалист, Иван Галамян и другими. Личное знакомство с ними стало для Л. Б. Когана символическим актом воссоединения «разорванной» политическими катаклизмами творческой «семьи», вхождением в пантеон великих скрипачей мира, место в котором, безусловно, этот артист заслуживал по праву. В свою очередь Л. Б. Коган многое делал, чтобы уехавшие в первой волне эмиграции музыканты, а также выдающиеся зарубежные солисты, могли приехать в СССР. Не только, чтобы выступить с концертами, мастер-классами, но и в том числе, как члены жюри Международного конкурса имени Чайковского, где Л. Б. Коган председательствовал в номинации «скрипка». В комментариях использованы воспоминания Н. Л. Коган, дочери артиста и участнице многих событий его жизни. Многие письма публикуются впервые

The article speaks about the creative connections that a notable 20th century violinist, USSR State Artist Leonid Kogan had with outstanding violinists of XX century. On the basis of the preserved letters of the family, published memoirs of eyewitnesses and interviews of L. B. Kogan himself, details of friendly communication and creative contacts with such outstanding artists as Jasha Heifets, Efrem Tsimbalist, Ivan Galamyan and others are recreated. Personal acquaintance with them became for L. B. Kogan a symbolic act of reuniting the creative “family”, «torn» by political cataclysms, entering the pantheon of great violinists of the world, a place in which, of course, this artist deserved by right. In turn, L. B. Kogan did a lot to ensure that the musicians who left in the first wave of emigration, as well as outstanding foreign soloists, could come to the USSR. Not only to perform concerts, master classes, but also as members of the jury of the International Tchaikovsky Competition, where L. B. Kogan chaired in the category “violin”. The comments are based on the memories of N.L. Kogan, the artist's daughter and a participant in many events of his life. A lot of letters are published for the first time
АВТОРСКОЕ СЛОВО СОФИИ ГУБАЙДУЛИНОЙ В АСПЕКТЕ РЕЛИГИОЗНОГО СОЗНАНИЯ
Authors: Москвина О.А.
Published: December 2024

В статье рассматриваются различные высказывания С. А. Губайдулиной в религиозно-философском аспекте. Можно проследить своеобразную эволюцию религиозных настроений композитора: от созерцательных до апокалиптических и, наконец, синтезирующих эти, казалось бы, противоположные направления. Таким образом, анализ словесных посылов Губайдулиной должен стать не просто подспорьем, а необходимым условием для полноценной исследовательской работы, поскольку вне его немыслимы какие-либо умозаключения о духовном, в том числе религиозном, мире художника. С другой стороны, словесную щедрость Софии Асгатовны можно считать некой ограничительной мерой, поскольку вырваться из плена концепции, высказанной самим автором, бывает порой очень трудно. Однако не учитывать объясняющее слово художника однозначно нельзя. Объектом анализа стали интервью разных лет: от 90-х годов XX века до нашего времени. В статье подчеркнута важность сакральной темы для наследия Губайдулиной отмечена разность понятий религиозность и церковность , взаимообусловленность любви и ненависти в их философско-религиозном преломлении. Столь же определяющими для понимания творчества композитора представляются категории радости и смерти в религиозном ключе.

The article considers various statements by S.A. Gubaidulina in the religious-philosophical aspect. One can trace the peculiar evolution of the composers religious sentiments: from contemplative to apocalyptic and, fially, synthesizingthese seemingly opposite directions. Thus, the analysis of Gubaidulinas verbal messages should become not just anaid, but a necessary condition for a full-fldged research work, since outside of it any conclusions about the spiritual,including religious, world of the artist are unthinkable. On the other hand, the verbal generosity of Sofi Asgatovna canbe considered a certain restrictive measure, since it is sometimes very diffiult to break out of the captivity of the conceptexpressed by the author himself. However, it is defiitely impossible to ignore the explanatory word of the artist. Theobject of analysis was interviews of different years: from the 90s of the XX century to our time. The importance of thesacred theme for the heritage of Gubaidulina was emphasized the difference between the concepts of religiosity andchurchness, the interdependence of love and hate in their philosophical and religious refraction is noted. Religiouscategories of joy and death seem equally decisive for the composer.
ВОКАЛЬНЫЙ ЦИКЛ «ТРИ ЖАЛОБЫ СОЛДАТА» КАК ОТРАЖЕНИЕ ТВОРЧЕСКИХ ПОИСКОВ АНДРЕ ЖОЛИВЕ В ГОДЫ ВТОРОЙ МИРОВОЙ ВОЙНЫ
Authors: Рогозин Е.А.
Published: December 2024

Статья посвящена анализу процесса переосмысления сложившихся эстетических принципов, произошедшего в творчестве Андре Жоливе под влиянием событий Второй мировой войны. Потрясения военного времениобусловили постепенный уход композитора от раннего увлечения магической миссии музыки. Эта составляющая музыкального творчества в первую очередь выражалась, по мнению композитора, в ритуальном акте общениячеловека с окружающей природой, первым произведением этого периода считается фортепианный цикл Мана .Однако, трагическое время оккупации Франции, обращает внимание композитора в сторону более пристального взгляда к лирико-психологической сфере музыки, выражающей экзистенциальные переживания французскихсолдат. Это, в свою очередь, породило желание социальной актуализации собственного творчества. Новый эстетический вектор творчества Андре Жоливе нашел наиболее яркое воплощение в вокальном цикле Три жалобысолдата . Глубокий психологизм образов, отражающий погружение во внутренние процессы сознания человека,определили прояснение музыкального языка. Песенная мелодика, ясная тонально-гармоническая логика сочинения свидетельствовали об отказе автора от музыкальных экспериментов. Композиция цикла также свидетельствует о тесной связи с традициями французской песенности (куплетная форма, трехчастность, подчеркнутаярепризность). Этот вокальный цикл стал для композитора важным этапом в определении дальнейших путей творчества.

The article analyzes the process of rethinking the existing aesthetic principles that occurred in the work of Andre Jolivet under the inflence of the events of the Second world war. The upheavals of wartime caused the composers gradual departure from his early fascination with the magic mission of music. This component of musical creativity wasprimarily expressed, according to the composer, in the ritual act of human communication with the surrounding nature. The fist work of this period is considered to be the piano cycle Mana. However, the tragic time of the occupation of France draws the composers attention towards a closer look at the lyric and psychological sphere of music that expressesthe existential experiences of French soldiers. This, in turn, gave rise to a desire for social actualization of their owncreativity. The new aesthetic vector of Andre Jolivets work is most clearly reflcted in the vocal cycle Three Complaintsof a Soldier. Deep psychologism of images, reflcting the immersion in the internal processes of human consciousness,determined the clarifiation of the musical language. The song melody and clear tonal-harmonic logic of the compositionindicated the authors rejection of musical experiments. The composition of the cycle also reflcts a close connection withthe traditions of French songwriting (verse form, three-part, stressed Reprise). This vocal cycle became an important stagefor the composer in determining the further paths of creativity.
НЕКОТОРЫЕ ТЕНДЕНЦИИ СОВРЕМЕННОЙ ИНТЕРПРЕТАЦИИ ФОРТЕПИАННЫХ СОЧИНЕНИЙ С. В. РАХМАНИНОВА
Authors: Одиноков М.Ю.
Published: December 2024

В статье определяется ряд характерных тенденций современного исполнительского искусства на примере интерпретации фортепианных произведений С. В. Рахманинова. Выявлены ключевые направления в современном исполнительском искусстве, среди которых отмечаются: создание новых форм концертной деятельности, выбор репертуара с учетом его «коммерциализации», а также влияние звукозаписи и информационных технологий на музыкальную культуру. Рассматриваются причины пристального интереса современных пианистов различных поколений к фортепианным сочинениям С. В. Рахманинова. На основе анализа исполнительских интерпретаций произведений композитора выявлены позитивные и негативные тенденции современного исполнительского искусства, ряд которых вызывает тревогу представителей музыкантского сообщества. Автор статьи приходит к выводу о том, что современное исполнительское искусство переживает новый этап развития, преломляющий в себе актуальное состояние социокультурной системы

The article defies a number of characteristic trends of modern performing arts exemplifid by the interpretation of piano works by S. V. Rachmaninov. It identifis the key trends in contemporary performing arts, including the creation of new forms of concert activity, the choice of repertoire, taking into account its" commercialization", as well as the impact of sound recording and information technology on musical culture. The author considers the reasons for the close interest of modern pianists of various generations in the piano works of S. V. Rachmaninov. He also identifis positive and negative trends in contemporary performing art, based on the analysis of performing interpretations of the composer's works, a number of which cause concern to representatives of the musical community. The author of the article comes to the conclusion that modern performing art is experiencing a new stage of development, which reflcts the current state of the socio-cultural system.
ВОКАЛЬНЫЕ СОЧИНЕНИЯ АЛЕКСАНДРА РАСКАТОВА 1987–1997 ГОДОВ
Authors: Абрамова О.В.
Published: December 2024

В статье анализируется вокальное творчество А. Раскатова одного десятилетия (1987–1997), наиболее ярко представляющее авангардную направленность мышления композитора. Задачей статьи является описание характерных черт стиля композитора этого периода — голосовых техник, обоснование их значимости в современной системе вокального исполнительства. Рассмотрены написанные в это время четыре сочинения для голоса, как наиболее яркие примеры расширения вокально-звукового пространства, интеграции разных культурных кодов. Основные авангардные вокальные приемы, используемые Раскатовым, исследованы с точки зрения исполнительских трудностей, поисков эмоционального наполнения через экстремальную сложность технических вокальных приемов. «Вокальный лексикон» авангардного периода творчества композитора представляется «лабораторией звука», этапом поиска и формирования нового подхода к выразительным возможностям голоса. Этот творческий опыт максимально спроецирован на вокальное творчество композитора сегодняшнего дня. Вектор эмоционального воздействия посредством свободного владения всем инструментарием приемов современных техник — через экспрессию переживаний — остается актуальным для Раскатова и в создании произведений оперного жанра. Ассимиляция традиций и синтез их с современными средствами и способами выразительности представляется одним из значительных принципов творческого почерка композитора

The trends and images of the vocal avant-garde of the 80–90s of the XX century reveal multiple vectors in the singing art. The article contains analysis of the vocal work of A. Raskatov of one decade, which most vividly represents the avant-garde orientation of the composer's thinking. The mail point of the article is to describe the characteristic features of the composer's avant-garde style, voice techniques, substantiation of their signifiance in the modern system of vocal performance. Four vocal compositions for the solo voice of this period are considered as the most striking examples of the expansion of the vocal and sound space, the integration of different cultural codes. The main avant-garde vocal techniques used by Raskatov were investigated in terms of performing diffiulties, the signifiance of the singer’s individual interpretation, and the search for emotional, sensual content through the extreme complexity of technical vocal techniques. The signifiance of the vocal vocabulary of the avant-garde period of Raskatov’s work described as the “laboratory of sound”, the stage of the search and the formation of a new approach to the expressive possibilities of voice. This creative experience is maximally projected on the vocal work of the composer of today. The vector of emotional impact through the free possession of all the tools and modern techniques, through the expression of experiences, remains relevant for Raskatov in the creation of works of the opera genre. The assimilation of traditions through modern means and methods of expressiveness seems to be one of the signifiant principles of the composer's creative style
МУЗЫКАЛЬНЫЕ КОНКУРСЫ И ФЕСТИВАЛИ ДЛЯ ДЕТЕЙ И ЮНОШЕСТВА В РОССИИ И КНР ВО ВТОРОЙ ПОЛОВИНЕ ХХ – НАЧАЛЕ ХХI ВЕКА
Authors: Чжан Ч.
Published: December 2024

В данной статье рассматривается история становления музыкальных конкурсов и фестивалей, а также их организация и реализация на территории России и Китая, начиная со второй половины XX века и до начала XXI века. Также предлагается краткий экскурс в историю конкурсов и фестивалей, прослеживается их становление как культурной институции. Сравниваются подходы и цели организации музыкальных конкурсов, фестивалей и конкурсов-фестивалей. Проанализированы некоторые аспекты таких крупнейших конкурсов как юношеский конкурс им. П. И. Чайковского, международный конкурс молодых музыкантов им. Д. Б. Кабалевского, открытый юношеский фестиваль им. Гнесиных, Всекитайский детский и юношеский конкурс пианистов «Кубок Синхай», Шанхайский международный конкурс молодых пианистов и конкурс-фестиваль «Жемчужина Востока». На основе проанализированных данных сделаны выводы о различиях подходов к конкурсам в Китае и в России. В частности, для китайских организаторов важнее привлечь как можно больше участников и распространить искусство в широких кругах любителей на территории Китая. В России же конкурсы в первую очередь направлены на профессионалов, что привлекает меньше участников, но более высокого уровня, и вызывает интерес слушателей не только в России, но и за рубежом.

This article analyzes the history of musical competitions and festivals as well as some aspects of the organization of such events in Russia and China from the second part of the 20th century till the beginning of the 21 st century. It is also given a short historical review of the children musical competitions and festivals as cultural institutions. Approaches and goals of organization of musical competitions, festivals and competition-festivals as combinations of both types of events in Russia and China will be compared. There were analyzed several aspects of the well-known competitions such as Tchaikovsky Youth Competition, Kabalevsky International Competition for Young Musicians, Gnessin Open Youth Festival, Chinese National Children and Youth Piano Competition «Xinghai cup», Shanghai International Music Festival and Piano Competition for Young Artists, and competition-festival «The Pearl of East». The analysis showed that Chinese and Russian approach to the competitions is quite different. Chinese organizers are focused on attracting as many participants as possible and expanding the popularity of piano playing through the nation. Contrary, in Russia competitions are organized in the first place for professional young musicians, what leads to less participants but of higher professional layer what arose huge interest in Russia and abroad as well.