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**당신 뜻대로**(As You Like It)는 1599년에 쓰이고 1623년 퍼스트 폴리오에서 처음 출판된 윌리엄 셰익스피어의 코미디이다. 희곡의 최초 공연일시는 미상이지만 1603년 윌튼하우스에서의 공연이 최초인 것으로 추정된다. 형의 암살 위협에 시달리는 올랜도, 그를 쫓는 올리버, 숙부에게 쫓겨난 로절린드와 그녀를 따라 가출한 실리아 네 청춘 남녀는 각자의 목적을 위해 아든 숲을 찾는다. 남장 여자, 극중극 요소 등 셰익스피어 시대 낭만 희극의 전형을 확인할 수 있다. 그의 희극 가운데 다섯 손가락 안에 꼽히는 수작이다.

## 배경
부모의 유언에 따라 올랜도는 형인 올리버에게 양육이 맡겨진다. 하지만 평소 올랜도를 시기하던 올리버는 그를 눈엣가시처럼 여길 뿐이다. 어느 날 프레드릭 공작 주최로 레슬링 대회가 열리고, 올랜도는 이 시합에서 공작 측의 선수로 나선 찰스와 맞붙게 된다. 올리버는 이를 기회 삼아 올랜도를 처치할 속셈이다.

한편 형을 강제로 폐위한 프레드릭 공작은 딸 실리아의 간청으로 조카 로절린드만은 궁에 남겨 둔 채 형과 그를 쫓는 무리를 영지에서 내쫓는다. 하지만 로절린드를 향한 세간의 동정에 신경이 쓰인 나머지 그녀도 내쫓기로 한다. 실리아는 아버지의 매정한 결정에 실망하고 로절린드를 설득해 궁을 빠져나간다.

이 희곡은 위협적인 현실을 피해 아든 숲으로 모여든 남녀가 사랑에 빠지고 결혼에 이르는 과정을 그렸다. 청춘 남녀의 낭만적인 사랑이라는 큰 줄거리 아래 권력, 재산에 따른 형제 갈등과 암투를 함께 다뤘다. 남장 여자 모티프, 극중극 구성 등은 셰익스피어의 낭만 희극에서 자주 볼 수 있는 요소다. 셰익스피어 극작술이 성장기에서 완숙기로 넘어가던 때에 창작되었다. 와 함께 셰익스피어 5대 희극으로 꼽히는 수작이다.
**아테네의 타이먼**(Timon of Athens)은 약 1605~1606년 사이에 토머스 미들턴과 공동으로 쓰인 것으로 추정되는 윌리엄 셰익스피어의 희곡이다. 거부 타이먼의 몰락과 그의 은덕을 배신하는 아테네 정치가, 상인, 예술인 등의 이기적 행태를 보여 주며 배금주의와 사리사욕에 사로잡힌 한 공동체의 진상을 고발한다.

## 배경
아테네 부호 타이먼은 조건 없이 베푸는 미덕을 몸소 실천해 아테네 전 시민으로부터 존경과 찬사를 받는다. 하지만 매일같이 성찬을 베푸는 사이 그의 창고는 서서히 바닥을 드러내고 있었다. 집사의 충고에도 넉넉히 베푸는 일을 멈추지 않던 타이먼은 결국 파산한다. 그래도 타이먼은 절망하지 않는다. 친구들이 자신에게 신세 진 일을 모른 척하지 않을 거라 확신하기 때문이다. 하지만 그의 기대는 여지없이 무너진다. 믿었던 친구들이 어려움에 처한 타이먼을 외면한 것이다. 타이먼은 아테네에 저주를 퍼부으며 숲에서 은둔한다.

같은 시기에 쓰인 비극 ＜리어 왕＞이나 문제극 ＜자에는 자로＞와 같이 사회적 불평등과 법의 편파성을 비판적으로 묘사하고 있지만, 장르상 비극과 문제극 사이를 오가는 이 작품은 몰락한 주인공 타이먼의 인간혐오증을 극대화해 표현했다는 점이 특징이다. 타인에게 아낌없이 베풀던 박애주의자(philanthropist)에서 세상을 등진 채 마치 광야의 예언자처럼 인류의 타락과 부패를 절규하듯 선언하는 인간혐오자(misanthrope)로 급격히 변모하는 타이먼을 통해 셰익스피어는 배금주의에 의해 공동체적 유대가 내부적으로 파괴되는 사회적 풍경을 비판적으로 드러내 보인다. 이는 비단 상업자본주의가 모든 사회적 관계를 지배하기 시작한 17세기 초 영국 사회의 풍경일 뿐만 아니라 시대와 역사를 초월한 모든 인간 사회의 병폐임을 생각하면 이 작품의 놀라운 동시대성에 감탄하게 된다.
**자에는 자로**(Measure for Measure)는 윌리엄 셰익스피어의 희곡으로, 1603년 또는 1604년에 쓰인 것으로 간주된다. 1623년 퍼스트 폴리오에 처음 출판된 이 작품은 코미디로 분류되었으며 이 작품의 최초 기록 공연은 1604년이다. 1604년에 제임스 1세가 지켜보는 가운데 ‘국왕 극단’이 궁정 무대에 올린 작품으로, ‘연극성’을 통해 권력을 과시하는 군주의 모습을 재현한 정치극이다. 결말이 화해로 끝나기 때문에 희극으로 분류되지만, 비극적이고 심각한 내용을 담고 있어서 **문제 희극**이라고 부르기도 한다.

## 배경
빈센티오는 신임하는 신하 앤젤로에게 공작 직을 대행하게 하고 수사로 변장해 민심을 살핀다. 앤젤로는 공작 대행으로서 엄격한 법 집행을 공언한다. 앤젤로는 간음죄로 클로디오를 잡아들이고 그에게 사형을 선고한다. 클로디오의 여동생 이사벨라가 사면을 간청하자 앤젤로는 그녀에게 마음이 흔들린다. 결국 앤젤로는 클로디오의 사면을 조건으로 이사벨라에게 은밀한 제안을 하기에 이른다. 수사로 변장해 이 모든 사연을 전해들은 빈센티오는 앤젤로를 속여 클로디오를 구할 묘책을 내놓는다. 앤젤로는 자신이 엄격하게 금한 죄 때문에 클로디오와 같은 벌을 받아야 하는 처지에 놓인다.

≪자에는 자로≫는 권력의 연극적 재현을 통해 권력을 미화하고 과시하면서 권력의 효과를 극대화하고 있는 군주의 모습을 재현하는 정치적 연극이다.
**한밤의 북소리**(Tommeln in der Nacht)는 베르톨트 브레히트 작품 가운데 최초로 무대화된 작품이다. 초연 직후 “스물넷 극작가 브레히트가 하룻밤 사이에 독일 연극 예술의 양상을 바꾸어 놓았다”라는 극찬을 받았다. 1919년 베를린에서 일어난 ‘스파르타쿠스 민중항쟁’을 배경으로 했다.

## 배경
안나는 전쟁에 나가서 돌아오지 않는 연인을 기다린다. 부모는 그녀가 성공한 사업가인 무르크와 결혼하길 바라지만 안나의 연인 크라글러에 대한 사랑을 꺾을 수가 없다. 안나는 크라글러가 떠난 지 4년 만에 결국 무르크의 청혼을 받아들인다. 그러나 결혼식 준비가 한창인 현장에 죽은 줄 알았던 크라글러나 나타나고, 모두 앞에서 안나에 대한 자신의 권리를 주장한다. 한편, 안나가 무르크의 청혼을 받아들일 수밖에 없었던 이유가 밝혀지면서 크라글러의 상심은 더욱 깊어진다.

1919년 스파르타쿠스 혁명을 배경으로 했다. 극 중 크라글러는 스파르타쿠스 혁명의 도화선이 되는 인물로 묘사된다. 하지만 정작 혁명이 발발하자 크라글러는 혁명 대열에 끼기를 거부한다. 대신 무르크로부터 되찾은 안나와 함께 침실로 가겠다고 선언한다.

1919년 3월에 초고가 완성되고 1922년 뮌헨에서 초연을, 석 달 뒤에 베를린에서 성공적인 공연을 가졌다. ＜바알＞에 이은 브레히트의 두 번째 작품으로 처음에는 “스파르타쿠스”라는 제목이었다. 이 작품으로 스물넷 청년 브레히트는 하룻밤 사이에 독일 연극계에서 주목받는 작가로 부상했다. 이 작품으로 브레히트는 클라이스트상을 수상한다. 이 상의 후보로 브레히트를 추천한 베를린의 비평가 헤르베르트 이어링은 브레히트를 다음과 같이 평했다. “스물네 살의 젊은 극작가 브레히트는 하룻밤 사이에 독일 희곡 문학의 양상을 바꾸어 놓았다.” 제3제국이 등장하기 전까지 ＜한밤의 북소리＞는 바이마르 공화국에서 가장 많이 공연된 작품으로 기록된다.
**도살장의 성 요한나**는 독일의 극작가 베르톨트 브레히트가 1929년부터 1941년까지 쓴 희곡이다. 때는 1920년대 말, 세계경제는 대공황을 맞는다. 시카고의 도살장과 통조림 공장에서 일하던 노동자들이 대량 해고와 임금 체불 때문에 공장주와 맞선다. 구세군을 이끌던 요한나 다크가 중재자로 나선다. 브레히트가 실러의 를 각색했다.

## 배경
1920년대 말 세계경제 공황기 시카고가 배경이다. 도살장과 통조림 공장에서 일하는 노동자들은 대량 해고와 임금 체불 때문에 공장주와 맞선다. 이들을 가난에서 구제하기 위해 요한나와 그녀가 이끄는 구세군 ‘검은 밀짚모자’가 나선다. 특히 순진했던 요한나는 이 사태가 원만히 해결되리라는 믿음을 갖는다. 공장주 마울러가 보이는 호의에 희망을 건다. 요한나는 몇 번이고 마울러를 설득한다. 그러나 상황은 점점 더 악화된다. 드디어 노동자들이 총파업을 결의한다. 전체 노동자의 집결을 요구하는 내용의 편지가 요한나 손에 맡겨진다. 마지막 순간, 요한나는 마울러로부터 희망적인 약속을 받아내고 편지를 찢는다. 폭력이 아닌 평화로써 사태가 해결될 것이므로. 요한나는 뒤늦게 자신이 공장주들에게 이용만 당한 사실을 깨닫는다. 그녀는 눈밭에서 폐렴으로 죽어 가며 더 좋은 세상을 만들려면 결국 우리가 살고 있는 이 사회를 변혁시키는 방법밖에는 없다고 조용히 소리친다. 브레히트의 작품 가운데 가장 종교적이고 혁명적인 작품이라는 평가다. 작가 사후에야 공연되어 큰 관심을 받았다. 요한나의 모델은 잔 다르크라는 역사적 인물이다. 일찍이 실러가 그녀의 이야기를 라는 비극으로 극화했고 브레히트가 이를 자신만의 독특한 스타일로 각색했다.
**주인 푼틸라와 하인 마티**(Herr Puntila und Sein Knecht Matti)는 독일의 극작가 베르톨트 브레히트가 쓴 코미디이다. 1940년 쓰였으며 1948년 처음 공연되었다. 브레히트는 핀란드 체류 시기, 폴란드 작가 부올리요키로부터 지주 푼틸라에 대한 이야기를 듣는다. 맨정신일 때는 혹독한 지주였다가 술만 마시면 한없이 너그러워지는 인물 푼틸라의 이야기는 부올리요키의 손에서 소설로, 브레히트의 손에서 희곡으로 각색된다.

## 배경
브레히트가 ＜사천의 선인＞ 집필에 매달리고 있던 때다. 이 세상에서 살아남기, 단 착하게. 브레히트가 셴테의 딜레마에 대해 이야기하자 듣고 있던 핀란드 작가 부올리요키는 ‘지킬과 하이드’ 같은 이중성을 지닌 한 인물에 대해 이야기한다. 천성이 호탕하고 거친 대지주 푼틸라에 대한 이야기는 브레히트에게 영감을 제공한다.
핀란드 타바스트 지역의 대지주 푼틸라는 평소엔 거칠고 냉담하지만 술에 취하면 한없이 인간적이다. 운전수 마티는 그런 푼틸라를 때문에 몇 번씩 천국과 지옥을 오간다. 어느 날은 술에 취해 참사관과 약혼한 딸을 파혼시키고 마티를 사위로 맞고자 했다가 또 다른 날은 마티를 해고하겠다고 으름장을 놓는다. 마티는 결국 푼틸라의 농장을 떠나기로 한다. 술에 취해 있든 아니든 지주라는 계급적 본성에는 차이가 없다는 것을 깨달은 것이다.
부올리요키는 이 희곡의 공동 창작자로 이름을 올렸다. 하지만 완성된 작품의 공연을 보고는 실망했다. 자신의 기획과는 전혀 다른 작품이었다. 이후 공연에서 공동 창작자의 이름은 빠졌고, 이 일로 브레히트는 부올리요키와의 저작권 분쟁에 휘말리기도 했다. 역자는 이 작품을 브레히트 작품 가운데 ＜푼틸라＞ 가장 혁명적인 작품이라고 해설한다.
**코리올란**은 극작가 베르톨트 브레히트가 각색한 미완성 작품이다. 코리올라누스는 로마 장군이다. 플루타르크 ≪영웅전≫의 이 인물은 셰익스피어에 의해 비극적 영웅으로 묘사된다. 브레히트는 이 인물에 대한 고전적 해석을 뒤집는다. 그는 ＜코리올란＞을 통해 왜 역사책에는 영웅들의 이름만 나오는지, 전쟁을 승리로 이끌기 위해 희생한 병사들의 이름은 어디에 묻혔을지, 승리의 만찬을 준비한 요리사의 이름은 무엇인지에 대해 묻는다.

## 배경
숱한 전쟁을 승리로 이끌고 개선한 로마 장군 코리올라누스는 원로원의 지지에 힘입어 집정관 후보로 나선다. 하지만 코리올라누스는 득표를 위해 시민들에게 아부하길 거부한다. 되려 시민의 목소리를 대변하는 호민관 제도를 폐지해야 한다고 주장한다. 분노한 시민들이 그를 추방한다. 코리올라누스는 곧장 로마와 적대 관계인 볼스키에 투항하고 볼스키군을 몰아 로마를 공격한다. 지난날 로마 수성의 일등공신이던 코리올라누스가 로마에 가장 위협적인 적으로 돌변한 순간이다. 로마 원로원은 코리올라누스의 가족을 내세워 그의 마음을 되돌리려 한다. 결국 로마 공격을 중단한 코리올라누스는 볼스키에 배반자로 낙인찍혀 죽는다.

셰익스피어는 플루타르크 ≪영웅전≫의 기록을 바탕으로 ＜코리올라누스＞라는 비극을 썼다. 그는 코리올라누스를 비범한 영웅적 기질을 가진 인물로 묘사했다. 브레히트는 플루타르크, 셰익스피어와는 다른 해석을 제시한다. 그는 ＜코리올란＞에서 코리올라누스를 오만 때문에 몰락한 독재자로 그리는 대신 로마 시민의 역할을 부각했다. 코리올라누스를 나치와 같은 독재정치의 씨앗으로 보고 민중에 의해 그가 몰락하는 과정을 그린 것이다. 브레히트는 ＜코리올란＞에서 묻는다. “역사책에는 왜 영웅의 이름만 등장하는가? 참전한 병사들, 성을 쌓은 석공들, 승리의 만찬을 준비한 요리사들의 이름은 왜 없을까?” 그에 대한 답변은 분명하다. 역사는 지배자의 관점으로 기술되었다는 것이다.
**바알**(Baal)은 베르톨트 브레히트가 스무 살이던 1918년에 초고를 완성하고 죽기 전까지 거듭 고쳐 쓴 작품이다. 그의 개인적인 인생관과 여성관, 노동자와 사회에 대한 태도가 분명히 드러난다. ‘우리 사회에 있을 수 없는 부도덕함’으로 점철된 바알이라는 인물의 생애를 다뤘다.

## 배경
브레히트가 1918년에 초고를 완성한 첫 희곡 ＜바알＞은 ‘변증법’을 이해하지 못하면 모든 어렵게만 느껴지는 작품이다. 그가 단순하고도 완전한 ‘이기심’을 바탕으로 이 작품을 썼기 때문이다. 작품에는 브레히트가 이 세상에서 본 ‘기대’와 ‘절망’이 고스란히 담겨 있다.

첫 장면에서 바알은 미래가 촉망되는 시인으로 소개된다. 그 자리에 모인 출판업자와 비평가들이 한목소리로 바알과 그의 시를 칭찬한다. 하지만 바알은 술에 취해 이들을 맹렬히 비난하고 자리를 뜬다. 이후로 바알의 끝모를 비행과 악행, 방황이 계속된다. 참을 수 없는 부도덕함으로 점철되어 있던 바알의 생은 외롭고 비참한 끝을 맞는다.

브레히트가 이 작품에서 보여 주고자 한 것은 어떤 사람의 이야기가 아니다. 또한 누군가에게 있었던 여러 가지 일화를 펼쳐 보이려는 것도 아니다. 그에 따르면 이 작품은 누군가의 삶에 관한 이야기다. 출판용 원고 서문에 브레히트는 이 작품을 ‘바알’이라는 남자의 생애를 극적으로 재구성한 것이라고 밝혔다. 또한 바알이라는 비정상적인 인물을 통해 관객들은 20세기라는 시대를 제대로 발견하게 될 것이라고 언급했다. 존경한다고 밝힌 바 있는 베데킨트의 자연주의 극작 영향이 드러나는가 하면 말년에 이룩한 성과인 서사극, 교훈극 요소도 두루 포함되어 있어 브레히트의 작가적 역량을 이해하는 데 단초가 되는 희곡이다.
**억척어멈과 그의 자식들**은 베르톨트 브레히트가 1939년 망명지 스웨덴에서 집필한 희곡이다. 이 작품을 쓰게 된 직접적인 계기는 나치스의 전쟁 준비에 대한 덴마크 정부의 태도였다. 덴마크 등 스칸디나비아 제국은 정치적으로는 히틀러의 전쟁을 배척하면서도 경제적으로는 적당히 공조해 이득을 취하려고 했다. 브레히트는 이 작품을 통해서 이런 근시안적인 정책을 비판하려고 했다. 게다가 30년 종교전쟁(1618∼1648)은 스칸디나비아 제국과 독일이 관련된 전 유럽의 전쟁이었기 때문에 극작품의 배경으로 적합했다. 다양한 서사적 형식이 사용되고 있어 브레히트 서사극의 정수로 꼽힌다.

## 배경
30년 종교전쟁(1618-1648)을 배경으로 한 억척어멈 일가의 연대기다. 주인공 억척어멈은 세 자녀와 함께 포장마차를 끌고 전쟁터에서 군부대를 따라다니며 장사를 하는 종군주보상인이다. ‘전쟁은 사업이다’라는 신념으로 장사에 임하지만 세 자녀를 모두 잃고 돈도 벌지 못해서 거지꼴이 된다. 억척어멈은 혼자서 포장마차를 끌면서도 마지막까지 돈을 벌겠다는 생각을 버리지 못한다. 브레히트의 가장 많이 공연되는 희곡 중의 하나이며 단행본으로도 항상 베스트셀러다.
다음은 **팬** 또는 **팬덤** 관련 이벤트를 서술하는 항목이다.

## 팬미팅
**팬미팅**은 팬과 팬의 대상이 되는 유명인의 콘서트나 그 밖의 형식을 통해 만나서 소통하는 것을 의미한다.

## 팬사인회
**팬사인회**(fansign會)은 팬이 대상이 되는 유명인의 사인을 받기 위한 행사이다.

## 악수회
**악수회**는 팬이 대상이 되는 유명인과 악수를 하기 위한 행사이다. 거의 대부분 일본에서만 이루어진다. 2014년, AKB48 악수회 상해 사건이 발생하였으며, 악수회의 대한 위험이 우려되었다.
**아르투로 우이의 출세**(Der aufhaltsame Aufstieg des Arturo Ui)는 극작가 베르톨트 브레히트가 쓴 1941년 희곡이다. 시카고의 암흑가를 제패해 막강한 갱단의 두목이 된 알 카포네의 출세와 아돌프 히틀러의 집권 여정 사이에서 유사성을 발견하고 히틀러의 나치 정권이 대두할 무렵의 독일 정세를 시카고의 암흑가로 옮긴 패러디극이다. 1930년대 아르투로 우이는 시카고의 조직폭력배 두목으로 꽃배추 상인조합(원)을 위협해서 소위 보호경비를 강제로 받아내 시카고를 장악한 다음 인근 도시인 시세로까지 세력을 확대한다. 이 과정은 히틀러가 정치적 세력을 형성하고 집권에 성공하며 오스트리아를 합방하는 과정과 대비된다.

## 배경
파시즘의 절정기였던 1941년, 브레히트는 시카고의 암흑가를 제패해 막강한 갱단의 두목이 된 알 카포네의 출세와 히틀러의 집권 여정 사이에서 유사성을 발견하고 히틀러의 나치 정권이 대두할 무렵의 독일 정세를 시카고의 암흑가로 옮긴 패러디극 를 쓴다. 이를 통해 정치와 경제가 유착하는 시민자본주의의 경제 시스템은 공공연하게 국수주의로 변해 결국 파시즘을 낳을 수도 있다는 것을 보여준다.

세계 경제공황이 일어난 1930년대 시카고를 무대로 활약한 갱단의 두목 알 카포네의 전기적 사실이 사건진행의 근간을 이룬다. 주인공 아르투로 우이는 시카고의 조직폭력배 두목으로 꽃배추 상인조합(원)을 위협해서 소위 보호경비를 강제로 받아내 시카고를 장악한 다음 인근 도시인 시세로까지 세력을 확대한다. 주인공 우이가 세력을 강화해가는 과정은 독일의 히틀러가 정치적 세력을 형성하고 마침내는 집권에 성공하며 오스트리아를 합방하는 과정과 대비된다.
**피의 혼례**(Bodas de Sangre)는 투우와 플라멩코, 정열의 나라 에스파냐가 낳은 대 시인이자 극작가인 페데리코 가르시아 로르카의 비극 3부작, 그 첫 번째 작품이다. 결혼식 날 옛 연인과 도망친 신부로 인해 피로 물드는 결혼식을 격정적이고도 시적으로 그리고 있다. 인간의 의지로는 거부할 수 없는 거대한 운명의 힘에 의해 파국을 맞이하는 비극의 정수를 보여 준다.

## 배경
에스파냐의 시인이자 극작가인 로르카의 3대 비극의 첫번째 작품인 ≪피의 혼례≫는 결혼식날 신부가 옛 연인과 도망침으로 인해 결국 결혼식이 피로 물드는 비극적인 사건을 그리고 있다.

옛 그리스인들은 ‘오이디푸스’나 ‘주신제(酒神祭)’를 보러 갈 때 무슨 일이 일어날지가 궁금한 것이 아니라 피할 수 없이 일어날 숙명적인 일이 어떻게 전개될지가 궁금했다. 그런데 현대에 들면서 숙명적으로 피할 수 없는 일이란 없어져 버렸다. 그러나 ＜피의 혼례＞에서 로르카는 ‘말’, ‘자장가’, ‘칼’, ‘달’ 등의 상징적 요소를 사용하여‘숙명적으로 일어날 수밖에 없는 사건’을 만들었고, 그래서 그 일의 결과가 궁금한 것이 아니라 어떻게 그 일을 풀어 나갈지가 관객의 호기심을 자극하고 있다. 극의 전개를 두고 ‘어떻게’를 묻지 않고 ‘왜?’를 물을 때 극은 비극이 아니라 드라마나 멜로드라마가 된다.

주인공들은 이해할 수 없고 제어할 수 없는 맹목적인 힘의 희생자들이다. 그들에겐 설명할 잘못도 설명할 가치가 있는 변명도, 그리고 우리가 이해할 수 있는 이유도 없다. 원하지 않았지만 알 수 없는 우주의 힘, 자연의 힘이라고도 할 수 있고, 인간의 본성적 조건이라고도 할 수 있으며, 분노의 신, 아니 그저 신이라고도 할 수 있는 힘에 무릎을 꿇고 만 감상적인 인간 존재일 뿐이다. 그들 자신도 이 사실을 알고 이중창으로 자기들의 운명을, 자기들이 비극적인 연인임을 인정한다. 서로에게 이끌렸던 힘에 저항할 수 없었던 사실을, 그러한 사실을 무시한다는 것이 불가능하다고 느꼈던 그들이 운명적으로 죽어야만 한다.

＜피의 혼례＞의 무대가 된 안달루시아는 옛 그리스의 문화 정서를 갖고 있고 로르카는 그 정서를 송두리째 뽑아내어 우리를 매혹하고 있기 때문에 우리는 그를 우리 시대의 에우리피데스라고 불러도 좋을 것이다.
**관객**(El Público)은 페데리코 가르시아 로르카의 희곡 세계에서 대담할 만큼 실험적인 작품이다. 우리는 이 작품에서, 1920년대 유럽 희곡을 장악했던 초현실주의와 피란델로와 브레히트가 제기한 반 아리스토텔레스적인 연극론을 어렵지 않게 읽어 낼 수 있다.

## 배경
1929년까지 로르카는 희곡 몇 편을 쓰고 무대에 올렸지만, 희곡보다는 시에서 재능을 더 드러내고 있었다. 우리는 그러면서도 그가 전위적인 무대에 지속적인 관심을 가지고 있었음을 알고 있다. 예를 들어, 상업적으로 실패로 끝난 ＜나비의 저주(El maleficio de la mariposa)＞와 ＜버스터 키튼의 산책(El paseo de Buster Keaten)＞은 전위주의 연극에 대한 로르카의 소극적인 시도로 평가할 수 있다.

로르카는 ＜관객＞에서 완벽한 초현실주의자가 되었다. 전통적인 관객과 한판 승부를 벌이고, 무대와 관객 사이의 거리를 벌려 놓고, “공연 불가능한” 작품을 감상하도록 요구한다. 작품에서는 두 가지 무대가 거론된다. 지하에서 펼쳐지는 ‘아레나 밑의 연극’과 지상에서 펼쳐지는 ‘야외 연극’. 작품에서 연출가는 지하 연극이 진정한 연극이라고, 예술적 진실을 전해 주는 연극이라고 주장한다. 초현실주의자들이 재현 예술의 외면적 사실주의에서 벗어나, 인간 내면에 숨어 있는 진정한 실제를 드러내려고 했듯이. 로르카는 이 작품에서 관객을 무대의 내면, 그 내면에 잠재된 “숨은 힘”으로 내몰고 있다.
**페테르 프레우츠**는 슬로베니아의 스키점프 선수이다. 2014년 동계 올림픽에서 은메달 1개, 동메달 1개, 2022년 동계 올림픽에서 금메달 1개, 은메달 1개를 획득했으며, 2016년 스키점프 월드컵에서 종합 우승을 차지하였다. 2014년 월드컵, 2015년 월드컵에서는 준우승을 차지했으며, 3연속으로 스키점프 월드컵 종합 입상 기록을 세웠다. 그 외에도 2016년 세계 스키 플라잉 선수권 대회와 2016년 4대 점프대 토너먼트에서 우승을 차지했으며, 세계 스키점프 선수권 대회에서 은메달 1개, 동메달 2개를 획득했다.

2015년에는 비케르순에서 스키점프 역사상 최초로 250m 거리 점프를 성공했다. 이는 과거에 세계 기록으로 오르기도 했으며, 현재까지 슬로베니아 거리 기록으로 유지되고 있다. 같은 해에 플라니차에서는 5명의 심사 위원에게 모두 최대 점수인 20점을 받으며, "완벽한 점프"를 성공시킨 선수가 되었다. 2016년 스키점프 월드컵에서는 2303점을 획득하여 스키점프 월드컵 역사상 최고점으로 우승을 달성했다.

슬로베니아 스키점프 국가대표 선수로 활동한 공적을 인정받으며, 2013년부터 2016년까지 4년 연속으로 슬로베니아 올해의 스포츠인으로 선정되었다. 2016년 3월에는 미국 스포츠 아카데미가 선정한 이달의 선수로 선정되었고, 2016년 올해의 선수 선정 투표에서는 3위에 올랐다.
**예르마**(Yerma)는 페데리코 가르시아 로르카가 지은 비극 3부작으로서, 그 두 번째 작품이다.

## 배경
에스파냐의 시인이자 극작가인 로르카의 3대 비극의 두 번째 작품인 ≪예르마≫는 갈망하는 아이를 결국 갖지 못하는 좌절한 여인의 모습을 보여 주고 있다. 이 작품은 또 스페인 황금세기의 가장 중심 테마였던 명예에 대해서도 함께 다루고 있다. 그토록 자식을 갖고자 열망하는 예르마를 빅토르나 다른 남자에게 가지 못하게 하면서 예르마에게 무관심한 남편에게는 충실하도록 만든 것이 바로 그것이다. 물론 이 테마는 주인공에게만 적용되는 것이 아니라 극중 다른 인물들을 통해서나 작품 전체를 두고 다루어지고 있다. 예르마의 절망이 커지면 커질수록, 집에 없는 날이 많으면 많을수록 그녀의 남편 후안은 자기의 이름에, 자기의 명예에 손상이 갈까 봐 이웃 사람들의 말에 신경을 곤두세운다. 예르마에게 있어 명예는 덕스러움에 근거하고 도덕적인 면에서 올바른 것인 반면 후안의 명예관은 여론이나 평판이다.

그녀가 갖고 있는 명예관은 종교적·윤리적인 규율 이전의 법이다. 가슴속에 남편에 대한 증오를 갖고 있으면서도 자기에게 자식을 줄 수 있는 다른 남자에게 갈 희망을 묻어 버린다. 이렇게 함으로써 그녀는 외형상의 복종을 충실하게 해낸다. 이것을 피할 수 없는 여자의 숙명으로 받아들이는 예르마는 어떻게 그런 사고를 갖게 되었는지 의식하지 못한 채 여자 본인의 의지와는 전혀 무관하게 여자에게 부여된, 이해할 수 없는 올가미를 목에 걸고 살아가야 하는 운명적인 삶을 이미 받아들였다. 이 작품의 비극성은 어디에 있는 것에 대해서는, 자기의 의지와는 무관하게 강요된 법에 맞춰 살아야 하는 것이 여자의 도덕이라고 생각하는 예르마의 사고일지, 아니면 그렇게 살다가 자기의 희망을 이루지도 못하고 사그라져 버리는 데 있는 것인지를 질문하고 있다.

여성의 영혼 깊이 숙명처럼 박혀 있는 존재 이유를 모성애에 두고 본능과 싸움을 벌이는 ‘3막 6장으로 된 비극 시’인 ＜예르마＞는, ＜피의 혼례＞를 발표한 뒤 1년 만인 1934년 2월 29일 토요일 밤, 마드리드의 에스파뇰 극장 무대에 올라간 이후로 1935년 4월 20일까지 150회를 거듭해서 상연되었다. 바르셀로나에서는 같은 해 9월 17일부터 10월 20일까지 상연되었고, 그 밖의 여러 도시를 순회공연하며 대단한 인기를 누렸던 작품이다. 그러한 성공에는 여러 가지 이유가 있겠으나, 무엇보다 이 작품이 안고 있는 극적 긴장감이 탁월하다는 데 있을 것이다. 단 하나의 열정에 집착해 사는 그의 인물이 지독할 정도로 너무나 인간적이기 때문이다. 여성의 수태와 관련된 일들이 등장인물들의 경험과 열정으로 나타나고 있는 에우리피데스의 비극 ＜헤카베＞나 ＜메데이아＞, ＜엘렉트라＞나 ＜이피게네이아＞, 그리고 세네카의 ＜메데이아＞보다 좀 더 현실성을 갖고 서정적으로 그려지고 있다.
**학식을 뽐내는 여인들**(Les Femmes savantes)은 도시 부르주아의 허영과 과시욕을 풍자한 몰리에르의 마지막 5막극이다. 17세기 프랑스의 대표적인 풍자극인 이 작품은 학문에 맹목적으로 집착하며 겉치레뿐인 현학자들에게 눈이 멀었던 파리 부르주아 여성들의 허영심을 비웃고 있다. 학문이 진리 탐구의 대상이 아니라 사람의 등급을 매기는 수단으로 전락한 오늘날 배움의 진정한 목적을 성찰하게 하는 작품이다.

## 배경
17세기 프랑스 고전극을 대표하는 작가들 가운데 코르네유가 국가적인 대의명분이나 이성과 같은 남성 중심의 가치를 강조한 비극을 주로 집필했다면, 라신은 정념에 사로잡혀 파국으로 치닫는 여성의 심리묘사에 능하다는 평가를 받는다. 비극에서 걸작을 양산한 두 작가에 비해 희극에서 두드러진 성과를 거둔 몰리에르는 남성이나 여성 어느 한쪽으로만 편향된 극작 성향을 보여 주지 않는다. 30편에 가까운 몰리에르의 작품 목록에서 여성이 제목에 사용된 예는 모두 여섯 편이고, 그중 가정과 사회를 배경으로 여성의 문제를 본격적으로 다룬 작품은 세 편이다. 특히 1672년에 발표된 ＜학식을 뽐내는 여인들＞은 5막 구성의 운문이라는 고전극의 기본적인 형식을 마지막으로 사용한 작품이라는 상징성을 갖는다.

몰리에르 희극에 등장하는 여성들의 문제를 언급할 때 빼놓을 수 없는 주제가 바로 프레시오지테[(Préciosité): 재치 있고 세련된 것을 지향하는 17세기의 사회적이며 문학적인 경향] 경향이다. 세련된 풍속과 예절을 지향하는 프레시오지테 경향은 고상하고 다듬어진 언어와 이상적인 사랑을 추구하며 문학에도 적지 않은 파장을 끼쳤다. 소설에서 장편 연애소설이 이 경향을 반영한다면, 연극의 경우 몰리에르의 ＜학식을 뽐내는 여인들＞은 ＜우스꽝스러운 재녀들＞과 더불어 이 경향의 부정적인 측면을 희화화한 대표작이다.

1659년에 초연된 ＜우스꽝스러운 재녀들＞은 단막극임에도 불구하고 몰리에르가 왕실의 신임과 대중의 호응을 얻는 데 크게 기여한 작품이다. 소설적인 연애를 꿈꾸는 처녀들이 갖는 결혼에 대한 막연한 거부감이나, 사회적으로 같은 계층에 있는 사람을 배격하고 맹목적으로 상류층을 동경하는 속물적인 태도 등이 바로 몰리에르가 부각하려는 대목이다.

그로부터 13년 뒤 발표된 ＜학식을 뽐내는 여인들＞은 여러 측면에서 작가의 성숙한 변화를 보여 준다. 전자가 단막극에 불과했다면 후자는 5막으로 구성되었다. 작품 무대는 여전히 파리지만 시골뜨기 처녀들이 등장한 ＜우스꽝스러운 재녀들＞과 달리 ＜학식을 뽐내는 여인들＞에는 중년의 필라맹트와, 시누이 벨리즈, 장녀 아르망드가 등장해 다양한 포부를 피력한다. 게다가 ＜우스꽝스러운 재녀들＞에서 하인들이 펼친 즉흥 연기와 달리 ＜학식을 뽐내는 여인들＞에 등장하는 두 명의 문인 트리소탱과 바디우스의 대결은 ＜인간 혐오자＞에 등장하는 알세스트와 오롱트의 대결 이후 가장 관심을 고조시킨 사교계 인사라고 볼 수 있다.

＜학식을 뽐내는 여인들＞에 등장하는 아르망드와 앙리에트는 같은 부모를 둔 형제이면서도 결혼 문제에 있어 상반된 견해를 드러낸다. 모친 필라맹트로부터 학문에 대한 열정을 물려받은 장녀 아르망드는 결혼에 대해 극도로 부정적인 견해를 피력한다. 여성이 결혼을 하면 남편과 아이들을 돌보는 가사에 얽매여 학문을 비롯한 정신 활동을 제한받게 된다는 것이 그녀의 주장이다. 게다가 결혼이 남녀의 육체적 결합을 전제하므로 육체를 죄악시하며 정신세계를 추구하려는 자신의 기대와 화합할 수 없다는 것이 그녀의 논리다. 이에 반해 동생 앙리에트는 부부 간의 애정과 자녀 양육이 주는 소박한 행복을 옹호하면서 육체의 결합이야말로 생명의 탄생을 가능케 한다는 반론을 제기한다.

＜우스꽝스러운 재녀들＞과 ＜학식을 뽐내는 여인들＞에서 몰리에르가 보여 준 입장으로 그는 자칫 여성 전체를 무시하는 작가로 오해받기도 한다. 그러나 ＜아내들의 학교＞에서는 결혼을 통해 여성을 억압하려는 남자들의 그릇된 편견을 고발하는 대목도 있어 그가 남성 우월주의에 사로잡힌 인물이 아니라는 단서를 확인할 수 있다. 이와 같은 반대 사례에도 불구하고 당대 파리의 사교계와 일부 연극인들은 몰리에르를 공공의 적으로 규정해 이른바 ＜아내들의 학교＞ 논쟁을 촉발하기도 했다. 그런 차원에서 ＜학식을 뽐내는 여인들＞은 몰리에르의 여성관이 집약된 작품으로 볼 것이 아니라 프레시오지테 경향의 부정적인 측면을 과장하고 희화화한 작품으로 평가하는 것이 적절한 해석이다.
**무기와 인간**(Arms and the Man)은 조지 버나드 쇼의 코미디극으로, 1894년 4월 21일 애비뉴 시어터에서 처음 프로듀싱되고 1898년에는 칸디다를 포함한 쇼의 Plays Pleasant의 일부로서 1898년 출판되었다.

희극적 장치로 관객을 즐겁게 하면서도 전쟁과 사랑에 대한 낭만적 통념을 통렬하게 비판한다. ‘유쾌하지 않은 극’을 통해 자신의 사상을 설파하고자 한 극작가 버나드 쇼는 ‘유쾌한 극’을 통해서도 기존의 통념에 도전할 수 있다는 사실을 ＜무기와 인간＞을 통해 보여 주었다.

## 배경
이 극은 1885년 11월에 불가리아와 세르비아 사이에 실제로 발생했던 전쟁을 배경으로 하고 있다. 제목에서 알 수 있듯이 이 극은 전쟁과 사랑에 대한 상반된 입장을 대조하고 그것을 통해 낭만적이고 비현실적인 영웅주의와 낭만주의를 조롱한다. 비록 발칸반도의 불가리아를 배경으로 하고 있지만 사실 작가는 ＜무기와 인간＞을 통해 당대 영국 사람들이 가지고 있는 낭만적인 이상과 전쟁관에 대해 냉소적으로 공격하고 있다.

짜임새 있는 구성, 코믹한 무대 공간 사용으로 코미디의 즐거움을 극대화해 작품의 마지막 순간까지 관객과 독자들의 관심을 붙잡는다. 이전에 연극 무대를 자신의 사상을 설파하는 연단으로 생각하고 토론을 이끌어 내기 위한 심각하고 진지한 “유쾌하지 않은 극”을 썼던 버나드 쇼는 “유쾌한 극”을 통해서도 관객들에게 생각할 거리를 주고 기존의 통념에 도전을 가할 수 있다는 사실을 ＜무기와 인간＞을 통해 보여 주었다. 이 극은 ‘안티로맨틱 코미디’라는 부제가 붙어 있지만 남녀 간의 사랑이라는 주제를 새로운 각도에서 조명하며 사랑을 통한 주인공의 성장과 잘못된 관념의 교정과 같은 로맨틱 코미디의 주제를 전달한다.
**단지 세상의 끝**은 장뤼크 라갸르스가 세 번 고쳐 쓴 희곡이다. 모녀가 살고 있는 집에 10년 전에 집을 떠났던 장남 루이가 불치병을 선고받고 식구들에게 알리기 위해 돌아온다. 독특한 형식, 시적인 문체가 어우러져 문학성과 연극성이 고루 고취된 작품이다. 망설임, 반복, 본론에서 벗어난 이야기, 마침표와 쉼표의 나열, 시적인 문체, 파편화, 콜라주 등의 요소로 말하기의 어려움을 표현했다. 시간 흐름이 논리적이지 않고 무질서한 기억에 따라 시간이 회귀하는 부분도 형식에서 보이는 특징이다.

## 배경
라가르스가 세 번 고쳐 쓴 희곡이다. 작품에서 불치병으로 등장하는 루이는 에이즈로 사망한 작가의 분신처럼 보이기도 한다. 작가의 연극적 고뇌와 성찰이 반영된 독특한 형식, 시적인 문체가 어우러져 문학성과 연극성이 고루 고취된 작품이다.

어머니와 딸 수잔느가 함께 살고 있는 집에 어느 일요일, 오랫동안 소식이 없었던 이 집 장남 루이가 불쑥 연락하고는 택시를 타고 도착한다. 기다리고 있던 작은 아들 내외까지 해서 모처럼 오랜만에 한 가족이 만나는 어색한 자리이다. 주인공인 루이는 불치병으로 죽음을 선고받고 식구들에게 마지막 인사를 하러 온 것이지만 그의 무소식에 대해 식구들이 쏟아붓는 원망, 비난, 분노, 죄의식 등 말의 홍수 앞에서 정작 하고 싶은 말은 하나도 못하고 집을 떠난다. 탕자 아들의 귀환, 카인과 아벨, 율리시스 같은 성경이나 신화에서 차용한 테마를 찾아볼 수 있으며 가족, 소통 부재, 고독, 사랑과 죽음, 부재, 실종, 여행, 허위의식 등의 주제도 엿보인다.

대사가 유연하게 흐르지 못하고, 망설임·반복·본론에서 벗어난 이야기·마침표와 쉼표의 나열·시적인 문체·파편화·콜라주 등의 요소로 말하기의 어려움을 표현했다. 시간 흐름이 논리적이지 않고 무질서한 기억에 따라 시간이 회귀하는 부분도 형식에서 보이는 특징이다.
**풍자화전**은 일본의 극 노의 대성자 제아미가 저술한 최초의 노 이론서이다. 걸출한 노의 작자일 뿐만 아니라 연출가이자 배우이기도 했던 제아미는, 그의 오랜 실전적 경험과 아버지 간아미로부터의 유훈 등을 토대로 하여 이 명저를 지어 남겼다. 의 주제는 무대 위에서 예술의 ‘꽃’을 피우기 위해서 연기자들이 가져야 할 올바른 ‘수련’의 태도를 제시하고 강조하는 데에 있다.

## 배경
『풍자화전』은 일본의 극 노의 대성자 제아미가 저술한 최초의 노 이론서다. 걸출한 노의 작자일 뿐만 아니라 연출가이자 배우이기도 했던 제아미는, 그의 오랜 실전적 경험과 아버지 간아미로부터의 유훈 등을 토대로 하여 이 명저를 지어 남겼다.

≪풍자화전≫의 주제는 무대 위에서 예술의 ‘꽃’을 피우기 위해서 연기자들이 가져야 할 올바른 ‘수련’의 태도를 제시하고 강조하는 데에 있다. 제목 중의 ‘풍자(風姿)’라는 말은 ‘예술적으로 표현된 연기의 모습’이라는 뜻을 지녔으니, 그러한 ‘연기 모습에 예술적 매력으로서의 꽃을 개화시키기 위해서 연기자들이 알아야 할 비결을 써서 전한다’는 뜻이 ≪풍자화전(風姿花傳)≫이라는 책명에 담겨 있다고 볼 수 있다.

이상과 같은 내용을 담고 있는 이 ≪풍자화전≫이라는 작품은 당시로서는 획기적인 연기 이론서로서, 이후에 나온 제아미의 이론서들의 토대 역할을 한 것으로 간주된다. 오늘날의 노 연기자들에게도 적지 않은 시사를 던져 주는 내용을 담고 있는 역작으로 평가되며, 노뿐만 아니라 그 밖의 예능 분야에 종사하는 사람들에게까지도 널리 읽히고 있는 명저로서의 평가가 자자하다.
**5월**(Máj)은 체코의 국민 시인이자 체코 현대시의 아버지 카렐 히네크 마하의 서정적 서사시이다. 시인은 사랑의 계절인 5월을 배경으로 비극적인 사랑과 인생의 고독을 이야기한다. 국수주의와 집단주의가 팽배했던 문단에서 홀로 개인의 내적 진실을 노래한 이 작품은 체코 문학의 새로운 지평을 열었다. 20세기 체코의 대표 화가인 얀 즈르자비의 삽화도 함께 실었다.

## 배경
시인이 죽기 반년여 전인 1836년 4월 23일 발표된 서정적 서사시 ≪5월(Máj)≫은 체코 시의 상징으로 체코인들의 절대적인 사랑을 받고 있다. 고등학생 정도면 대부분 이 시의 첫 연인 36행을 암송할 수 있고, 전체 국민의 절반이 적어도 이 시의 첫 4행시를 암송할 수 있을 정도로 국민적 사랑을 받고 있다. 이 시와 이 시의 시인은 특히 젊은이들에게 사랑의 상징이 되고 있는데, 지금도 매년 5월 1일이 되면 많은 젊은 연인들이 프라하의 안산 격인 페트르진 공원에 있는 시인의 동상을 찾고, 시인이 생전에 찾곤 하던 체코 북부의 마하 호수와 인근의 베즈데스는 여행자들의 순례지가 된다. 이 시와 이 시의 시인은 또한 자유와 저항 정신의 상징으로 간주되기도 하는데, 가령 나치 독일의 점령하에서는 체코인들의 민족적 저항 운동의 정신적 지주가 되었고, 1989년 11월 17일 공산 정권의 종식을 가져온 벨벳 혁명은 대학생들이 비셰흐라트에 있는 시인의 묘지까지 행진하는 것으로 시작되었다.

마하의 ≪5월≫은 체코에서 가장 많이 출판되고 삽화로도 가장 많이 그려지는 책이다. 2016년 이 시집 출판 180주년과 시인 서거 180주년을 맞아 리토메르지체 인근의 체스카리파 도서관이 11월 19일자로 이 시집의 307번째 판본을 출판했는데, 150주년인 1986년의 200여 판본, 170주년인 2006년의 250여 판본 출판에 비추어 본다면 이 책의 출판 빈도는 실로 놀라울 정도다. 뿐만 아니라 출판 빈도가 계속 증가 추세를 유지하고 있는 점은 이 책에 대한 관심과 사랑이 현재 진행이라는 사실의 방증이기도 하다. 또한 유럽 대부분의 언어로 번역된 이 시집 및 시인과 관련해 논평과 논문 등을 포함한 수천 건의 글이 발표되고 수십 회에 걸친 학회가 개최되었으며, 이 책과 시인에 대한 관심과 연구는 계속되고 있다. 그리고 시 ≪5월≫은 낭만주의의 관점에서뿐만 아니라, 바로 뒤에 오는 사실주의, 자연주의, 인상주의, 상징주의, 20세기의 초현실주의, 실존주의, 구조주의, 후기 구조주의 등, 거의 대부분의 비평적 관점에서 연구되고 있고, 사회학적, 철학적, 종교적으로도 연구되고 있으며, 문학, 미술, 조각, 음악, 영화 등 거의 대부분의 예술 분야를 통해 접근되고 있다. 19세기와 20세기의 수많은 체코 시인들과 예술가들이 그의 작품으로부터 영감을 얻고 영향을 받았다.

시 ≪5월≫의 출판은 체코 문학사에서 하나의 전환점을 제공했다. ≪5월≫은 기존의 체코 문학과 전적으로 다른 새로운 문학을 의미했고 체코 근대 문학의 시작을 예고했다. 마하는 ≪5월≫에서 자신의 모든 것을 쏟아부었다. ≪5월≫은 서정적 서사시에 발라드적인 막간극을 결합해 서정시, 서사시, 드라마의 종합을 기하고 있는데, 여기서 서정적 서사시란 서사가 있는 서정시, 혹은 이야기 시를 의미하는 것으로, 바이런이 자신의 ＜라라(Lara)＞, ＜실롱의 죄수(The Prisoner Of Chillon)＞ 등에 도입한 이후 대륙으로 확산되면서 미츠키에비치의 ＜콘라트 발렌로트(Konrád Wallenrod)＞, 푸시킨의 ＜집시(Cikani)＞, 레르몬토프의 ＜악마(Demon)＞ 등에 적용되었고 이를 익히 알고 있던 마하가 자신의 작품에도 도입했던 것이다. 이와 동시에 마하는 새로운 주제의 도입을 시도하면서 독일 낭만주의의 군도(群盜)나 부랑자, 바이런 낭만주의의 반골과 저항, 마하 자신의 경험과 사상 등을 종합적으로 도입했다.
**트인 데로 가는 길**(Der Weg ins Freie)은 프로이트가 경탄했을 정도로 인간 심리 묘사에 탁월했던 아르투어 슈니츨러가 남긴 단 두 편의 장편소설 중 첫 작품이다. 합스부르크 제국의 황혼 무렵의 풍경화가 초기 영화 장면처럼 펼쳐진다. 하루가 다르게 날카로워져 가던 세기 전환기 반유대주의의 분위기에서 정체성 문제와 씨름하는 유대인들 이야기 그리고 귀족 가문의 딜레탕트인 게오르크의 연애를 두 축으로 해 당대 사회 전반에 퍼져 있던 위선과 가식, 나른한 관성 등 정신적으로 위태한 분위기를 문학적으로 생생하고도 밀도 있게 그린다.

## 배경
≪트인 데로 가는 길≫(1908)은 아르투어 슈니츨러의 첫 장편소설이다. 베를린의 월간지 ≪노이에 룬트샤우≫의 사전 연재를 거쳐 피셔 출판사에서 출간되었고, 놀라운 판매량을 기록하며 빠르게 각국의 언어로 소개되었다. 이웃 나라 일본에서도 1920년대에 이미 번역되었을 정도로 세계적인 주목을 받았다.

소설 속 배경은 19세기의 저물녘, 합스부르크 제국의 황혼 무렵 빈. 오스트리아ᐨ헝가리 이중왕국의 수도이던 당시 이곳은 프로이트, 말러, 클림트, (오토) 바그너 등 학문과 예술 여러 분야의 우뚝한 이름이 빛나던 곳, 유럽의 지적 문화적 사랑방과도 같던 곳이었다. 등장인물들은 빈의 황궁, 성당, 커피하우스, 링슈트라세, 빈 시민의 휴양지라 할 프라터, 교외의 전원적 공간, 아름다운 소풍 명소 등을 부지런히 오간다. 세기말 빈의 풍경화가 초기 영화를 보는 듯 펼쳐진다.

세기말 빈에서는 여러 종족들에서 높아 가는 민족주의적 자의식과 맞물려 독일계의 민족주의 움직임 또한 뚜렷해져 범게르만주의가 세를 넓힌다. 위기감을 느끼는 유대인들은 오스트리아 사회민주당에 표를 던지고 시오니즘도 등장한다. 세기 전환기 빈의 정치 지형에서는 이 모든 정치적 움직임이 서로 엇비슷한 화력으로 타오르고 있었다. 대부분이 유대인인 등장인물들은 무엇보다도 이 안에서 정체성 문제와 씨름해야 한다. 소설은 각각의 목소리가 대등하게 등장하고 복수의 목소리가 토론하고 논쟁할 수 있는 모두의 포럼을 제공한다. 수많은 입장들이 명쾌하게 구분되지 않음을, 동시에 어설픈 공통분모로 묶일 수는 없음을 보여 주며 일상적으로 풍부한 계조를 그려 낸다.

제목의 ‘트인 데’는 2천 년 디아스포라의 지난한 문제가 종국적으로 해결된 장, 지극히 유토피아적인 공간의 비유다. 또 유대인이 아닌 주인공 게오르크에게 어디로나 갈 수 있고 어디에도 갇히지 않은 ‘트인 데’는 성찰과 책임에서 자유로운 상태다.

애초 이 작품은 슈니츨러 자신과 한때의 연인 마리의 사랑 이야기를 담은 노벨레로 계획되었다. 결혼을 자유의 제약으로 받아들이던 젊은 슈니츨러는 마리가 임신하자 이 사실을 빈에 숨기고 아이는 후에 어딘가에 양육을 맡기고자 한다. 그러기 위해 그는 마리가 사람들의 눈을 피해 시간을 보내고 출산할 집을 찾아낸다. 마리는 사산한다. 그리고 2년 뒤 패혈증으로 사망한다. 이런 일들을 겪은 슈니츨러는 자책감을 안고 있었으면서 이 경험을 문학으로 형상화하고픈 욕구가 있었다. 불혹에 들어선 슈니츨러의 첫 장편소설 집필은 이렇게 개인적인 체험과 동기에서 시작되었다.
**금엽와카집**은 최초의 칙찬 와카집인 ≪고금와카집(古今和歌集)≫이 제작된 지 220여 년 후, 1126∼1127년경에 만들어진 다섯 번째 칙찬 와카집이다. 미나모토노 도시요리가 썼다.

앞서 편찬된 ≪후습유와카집≫은 임금의 통치 원리를 정당화하고 당대의 문화 방향성을 제시하는 이른바 칙찬 와카집의 정치적, 공적 역할을 통해 쇠락의 길로 접어들어 가고 있던 왕권의 권위를 다시 세우고 그로 인한 궁중 문화의 정체를 해소하기 위한 의미가 컸다. 반면 ≪금엽와카집≫은 기존 ≪고금와카집≫ 시대의 전통을 극복하고 와카를 쇄신하는 것에 중점을 두고 새로운 시적 표현에 대한 열망, 더 나아가 와카 자체가 가진 문예성을 체계화, 이론화하는 것에 대한 당시의 관심과 고민이 반영된 작품이라 할 수 있다. 와카가 가진 공적 정치적 의미의 구현에서 와카가 가진 본연의 문학적 가치 추구에 초점이 옮겨 간 것이다.

≪금엽와카집≫에 실린 노래의 내용들을 살펴보면, 도시요리, 쓰네노부의 노래로 대표되는 참신한 서경가(叙景歌)들이 먼저 눈에 띈다. 영가의 대상이 되는 사물의 본질과 이에 대한 인간의 정감을 우선하는 양식은 기존의 노래들과 구별되는 특징이라 할 수 있다. 이에 반해 독특하고 참신한 착상이나 표현, 취향, 해학을 품은 노래들도 실렸다. 또한 높아진 ≪만엽집≫에 대한 당시의 관심을 반영해, ≪만엽집≫의 가어를 반영하거나 고대의 전원 풍경을 소재로 한 노래들을 수록하고 있는 것 역시도 ≪금엽와카집≫의 특징이라 할 수 있다. 하지만 어디까지나 ≪금엽와카집≫의 주류는 여전히 삼대집의 전통과 발상, 표현 기법을 계승한 노래들이 높은 비율을 차지하고, 그러면서도 그 속에서 새로움을 추구한 노래들이 대부분을 점하고 있었다. 이처럼 ≪금엽와카집≫은 여러 가지 얼굴을 가진 다양한 노래들로 구성되어 있다는 점에서 당대의 노래 일변도의 가집이라고는 할 수 없다. 세 번에 걸친 선집 과정은 옛 전통과 새로운 변화 사이에서 고민했던 당시의 가인들의 대립과 혼란을 반영하고 있는 점에서 고대와 중세를 연결하는 ≪금엽와카집≫의 과도기적 특징을 잘 보여 주는 사례라 할 수 있을 것이다.
**사화와카집**은 1144년, 임금의 자리를 양위하고 인(院), 즉 상왕이 된 스토쿠인이 후지와라노 아키스케에게 하명해 1151년 완성했다. ≪사화와카집≫은 바로 직전의 ≪금엽와카집≫이 완성된 후, 20여 년의 시간밖에 지나지 않았기 때문에, 되도록 소규모의 작품을 염두에 두고 제작된 것으로 보인다. 1151년 초도본(初度本)이 완성된 후, 스토쿠인에게 헌상했지만, 그중 몇몇 노래를 빼고 노래를 정선할 것을 명 받아, 그해 최종적으로 2도본(二度本)이 완성되었다.

≪사화와카집≫은 기획 단계에서부터 400여 수로 규모를 억제한 탓에 칙찬집에 노래를 싣지 못한 가인들도 많았고, 그에 반해 수가(秀歌)라고는 볼 수 없는 노래들이 포함되었기에 ≪사화와카집≫ 선가에 대한 잡음 역시도 끊이지 않았던 것으로 보인다. 실제 ≪사화와카집≫은 내용 면에서 슌제의 지적대로 양극단을 달리는 노래들이 다소 눈에 띄지만 그 중간 지점의 노래들, 담백한 서경가(叙景歌)나, 온화하면서도 애틋한 느낌의 노래도 많이 수록되어 있는 것이 사실이다. 이렇듯 ≪사화와카집≫에 질적으로 다양한 노래들이 담겨 있는 것을 통해, 당시의 가단이 얼마나 문호를 넓혀 폭넓은 층의 가인들을 포용했었는지를 짐작해 볼 수 있다. 더 나아가 이는 ≪사화와카집≫이 고대 와카의 전통에 안주하지 않고 중세 와카로 새롭게 발돋움하기 위한 시행착오와 다양한 모색의 시도 끝에 탄생한 칙찬 와카집임을 웅변하는 것이기도 하다.
**약천집**(藥泉集)은 정조에게 관각의 나침반이자 나루를 건너는 뗏목이라고 극찬받은 약천 남구만의 소차이다. 약천은 이 글들을 통해 간언(諫言)부터 국경 문제까지 다양한 정치적 현안에 대한 그의 신념을 밝힌다.

## 배경
약천집은 경종 3년(1723)에 교서관(校書館) 철활자(鐵活字)로 인행되어 34권 17책으로 출간된 것이 유일한 간행본이다. 최규서는 그의 ＜약천집 서(藥泉集序)＞에서 저자의 글을 경세의 문장이라고 평하면서 당나라 육지(陸贄)의 육선공주의(陸宣公奏議)에 견주어 비교했다. 정조는 약천의 상소문을 “명백하고 간절해 관각(館閣)의 나침반이자 나루를 건너는 뗏목으로 삼아야 한다”고 극찬했다. 다산 정약용은 해미에 있는 약천의 사당기에서 “당쟁이 격렬해진 뒤로 권력을 잡은 자들은 대부분 편파적이었으나, 유독 약천 남 공은 시종 공정함을 잃지 않았고, 의논이 과격하지 않으면서도 지조가 확고했으니, 세상에 드문 위인이었다”고 평했다.

약천은 무리한 형 집행을 반대하면서도 살인자에게는 반드시 상명(償命)을 해야 함을 강조했다. 상명이란 목숨으로 보상해야 한다는 뜻으로 살인자에게는 사형을 집행해야 함을 이른다. 지금 사형제 폐지 여부가 논란의 대상이 되고 있다. 한번 참고할 만한 자료라고 생각된다. 그리고 국경 문제는 독도의 영유권 문제로 더욱 관심을 끄는 내용이다.

약천은 붕당 정치의 전성기였던 효종, 현종, 숙종에 걸친 삼조(三朝)의 대신으로 정치, 경제, 군사, 의례 등 국정 전반에 걸쳐 많은 영향을 끼친 경세가(經世家)이자 문장가다. 약천의 국방 사상과 역사관, 정치사상 및 붕당에 대한 견해 등은 정치적인 측면에서 연구되고 있고, 문학적인 측면에서도 조명을 받고 있다. 약천의 글을 통해 공평한 법 집행과 국토 수호, 난민 구제, 통치자의 자세 등을 엿볼 수 있다.