blueapple8259/wikipedia-ko huggingface dataset:
**플리카**(Flicka)는 영국에서 제작된 마이클 메이어 감독의 2006년 가족, 드라마 영화이다. 1941년 어린이 소설 내 친구 플리카(My Friend Flicka)에 어느 정도 기반을 두고 있다. 팀 맥그로 등이 주연으로 출연하였고 길 네터 등이 제작에 참여하였다. 이 영화는 20세기 폭스에 의해 2006년 10월 20일 극장 개봉되었다. 후속작 플리카 2는 2010년 5월 4일 DVD로 개봉되었고 또다른 후속작 플리카: 컨츄리 프라이드는 2012년 5월 1일 개봉되었다.
**르노 911! - 마이애미**(Reno 911!: Miami)는 미국에서 제작된 로버트 벤 가랜트 감독의 2007년 코미디 영화이다. 토마스 레논 등이 주연으로 출연하였고 로버트 벤 가랜트 등이 제작에 참여하였다. 미국에서는 20세기 폭스에 의해 배급되었고 국제적으로는 파라마운트 픽처스, 코미디 센트럴 필름스에 의해 배급되었으며 2007년 2월 23일 개봉되었다.
**다락방의 외계인**(Aliens In The Attic)은 캐나다에서 제작된 존 슐츠 감독의 2009년 모험, 코미디, 가족, 판타지, SF 영화이다. 카터 젠킨스 등이 주연으로 출연하였고 배리 조셉슨 등이 제작에 참여하였다.

리젠시 엔터프라이즈가 제작한 이 영화는 2009년 7월 31일 20세기 폭스에 의해 개봉되었으며 영화 평론가들로부터 혼재된 평을 받았으나 박스 오피스 성공을 약하게나마 달성하였다.
**아더 사이드 오브 도어: 악령의 문**(The Other Side of the Door)는 영국, 인도, 미국에서 제작된 요해니스 로버츠 감독의 2016년 초자연 공포 영화이다. 세라 웨인 캘리스 등이 주연으로 출연하였다. 이 영화는 2016년 3월 4일 영국과 미국에서 개봉되었다. 20세기 폭스 배급 영화이다.

## 줄거리
인도에서 사고로 차가 물에 잠겼을 때 마리아는 다리가 걸려 빼낼 수 없던 아들 올리버 대신 딸 루시를 구한다. 이후 마리아는 죄책감에 시달리다가 자살을 시도한다.

가정부 피키는 자신의 고향에 삶과 죽음의 경계가 불분명한 공간인 버려진 사원이 있으며, 이곳의 계단에 죽은 자의 재를 뿌리고 그 안에 들어가 문을 잠그고 있으면 밤에 죽은 이가 나타나 말을 건다고 알려준다. 대신 어떤 말을 들어도 문을 열어줘선 안 된다고 경고한다.

이에 응한 마리아는 올리버에게 못 다했던 말을 할 수 있게 된다. 그러나 이제 가봐야 한다는 올리버의 목소리에 다급해진 마리아는 그만 문을 열고 만다. 이 때문에 올리버는 환생의 기회를 얻지 못하고 악령이 되어 루시에게 빙의한다. 죽은 영혼을 수거하는 무르티유(Mrtyu)가 집을 배회하고, 시체를 먹는 아고리(Aghori)들은 올리버를 사후세계에 보내기 위해 루시를 희생 시키려 한다. 이에 마리아는 올리버의 영을 자신의 몸에 옮기고 루시 대신 죽음을 맞이한다.

그러나 이번엔 마리아를 잊지 못한 남편 마이클이 사원을 찾아간다. 자신을 불러낸 마이클이 사원의 문을 열어 똑같은 비극을 반복하려고 하자 마리아의 영은 비명을 지른다.
**모건**(Morgan)은 미국에서 제작된 마이클 D. 에이커스 감독의 2012년 드라마, 멜로/로맨스 영화이다. 리오 미나야 등이 주연으로 출연하였다.

## 줄거리
한 젊은 마비된 성소수자 운동선수가 자신의 기대와는 다른 상황에서 삶을 살아가려고 고군분투한다. 한 사건으로 자신의 허리가 마비되자 모건 올리버는 우울증에 빠지고 텔레비전의 자전거 레이싱을 보면서 맥주를 마시며 슬픔에 잠긴다. 중도에 자신을 도와주는 딘 케이건을 만나 둘 사이에 로맨틱한 관계를 가진다.
**윔피키드: 가족 여행의 법칙**(Diary of a Wimpy Kid: The Long Haul)은 미국에서 제작된 데이빗 보워스 감독의 2017년 코미디, 가족 영화이다. 제이슨 드러커 등이 주연으로 출연하였고 니나 제이콥슨 등이 제작에 참여하였다.

2017년 5월 19일 극장 개봉되었다. 이 영화는 부정적인 평가를 받았으며 특히 새 출연자들에 비판이 집중되었다. 20세기 폭스가 2018년 디즈니에 인수되기 전까지 20세기 폭스가 제작한 이 영화 시리즈의 마지막 영화 작품이다.
이문서는 무엇을 파는등 정책과 지침을 위반한 곳입니다. 삭제가 필요할것 같습니다.--**)😊😁😃😄** 2020년 4월 18일 (토) 20:30 (KST)


사용자토론 지침 개정여부를 떠나서, 위키백과 내에서 게임 형태의 무언가를 만드는 것은 위키백과 편집에 대한 동기화를 일으키고 그것이 순기능을 가질 때에만 유효합니다. 따라서 적절한 계획을 갖고 기획되어야 하지만, 그러한 여부를 확인할 수도 없으며 지속적으로 관리될 것인가에 대한 여부 또한 불명확합니다. 사용자문서의 형태로서 편집에 관한 동기화보다는 개인적인 것으로 판단되며, 그러한 점은 이 삭제토론의 의견으로도 확인됩니다. 다만 이것이 단순히 무언가 판매한다는 표현 때문에 정책과 지침을 위반한 것은 아니며, 개인적인 흥미를 위하여 위키백과의 편집과 무관하게 기획된 것으로 판단되기 때문에 삭제의 대상으로 보았다는 점을 밝혀둡니다. --Sotiale (토론) 2020년 4월 26일 (일) 14:45 (KST)
**색채어** 또는 **색명** 또는 **색 이름**은 특정한 색을 가리키는 단어나 구절이다.

빛깔에는 일반 색명과 같은 관용 색명이 있으며 다음은 일반 색명에 관한 것이다. 일반 색명은 분류 색명이라고도 불리는 것인데 기본 색명과 수식어로 된 색명법이다. 그 골자는 표1의 유채색의 기본 색이름, 표4의 무채색의 기본 색이름 및 표2의 유채색의 명도와 관한 수식어이다.

다음 표는 KIS(한국공업규격)제정 KS A 0011에 의한 것이다.















빨강(적)

주황

노랑(황)

연두

녹색

청록

파랑(청)

남색

보라(자)



Red

Orange

Yellow

Green Yellow

Green

Blue Green

Blue

Blue Purple

Purple




&nbsp;해맑은

&nbsp;밝은회

&nbsp;회

&nbsp;어두운회





&nbsp;옅은(연한)

&nbsp;우중충한





&nbsp;밝은







&nbsp;




























































































흰색

밝은 회색

회색

어두운 회색



White

Light gray

Gray

Dark gray







&nbsp;









빨 강 기 미 의

노
랑 기 미 의

녹
색 기 미 의

파
랑 기 미 의



보라-(빨강)-노랑 &nbsp;&nbsp;무채색의 기본색
이름

빨강-(노랑)-녹색 &nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;〃

노랑-(녹색)-파랑 &nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;〃

녹색-(파랑)-보라 &nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;〃
**사카라**(Saqqara)는 오늘날 카이로에서 남쪽으로 30km 정도 부근에 있는 지명이다. 초기 왕조의 왕묘를 비롯하여 제3왕조 제세르왕의 계단 피라미드, 피라미드텍스트가 있는 제5왕조 우니스왕의 피라미드, 부조의 정수(精髓)라고 하는 티(제5왕조)와 메렐카(제6왕조)의 마스타바 및 성우(聖牛)의 묘 세라페움 등이 있다.

또 나일강 쪽으로 고왕국시대의 수도 멤피스의 유적이 있고 야자수 사이 사이에 라메스 2세가 세운 프타흐 신전의 옛터와 그의 거상(巨像)이 있다.
**아시리아의 조각**은 고대 아시리아 국가들(특히 911 ~ 612년(BC) 사이 신아시리아 제국)의 조각을 말한다.

아시리아 미술에서 정수(精髓)는 조소(彫塑)의 유품이라 할 수 있다. 단독적인 환조(丸彫)의 상은 적지만 건축 내부의 요벽(腰壁)에 부조한 장식을 가득 메운 것이라든지 외문(外門)이나 내정 입구에 놓여진 유익인면사자상(有翼人面獅子像)의 수호신 등 뛰어난 유품이 많다. 님루드에서 출토된 석회암으로 만든 은 얼마 안 되는 아시리아 환조의 상으로는 완벽한 유품인데 두부도 작고 육체를 관조(觀照)한 점도 미숙하지만 아시리아인에 있어서는 왕자의 이상미(理想美)를 위엄에 넘치고 당당한 자태로써 발휘하였으며, 당시 왕자의 의장 풍속이 모조(毛彫)로 세밀하게 표현되어 있고 또 명문(銘文)을 흉부에 전각(鐫刻)하고 있는 등 역사적인 자료의 가치도 많은 작품이다.

이러한 환조의 상에 대하여 이 시대에 부조한 유품은 우수한 기술로 세련된 조형 감각과 관조가 투철한 사실적(寫實的) 능력을 가지고 뛰어난 작품을 많이 만들어냈다. 입구에 사자상을 배치하는 전통은 오래 되었고, 아나톨리아 고원이나 시리아에서 그러하였다. 건물에 딸린 문 입구의 수호신의 표현 형식은 히타이트에서 시리아를 거쳐 들어온 영향의 자취라 생각된다. 그러나 아시리아 유익인면수신(有翼人面獸身)의 수호신상은 조형 감각과 표현 형식의 고도한 예술성으로 히타이트 미술을 훨씬 능가하여 현저한 간격을 보여 주고 있다. 특히 인면(人面)에 깊이 팬 눈과 코, 그리고 왕관과 장식풍인 말린 머리카락과 구레나룻 등, 날개가 날카로운 끌로서 파낸 명쾌하게 의장화(意匠化)한 조형과 어울려 감상의 요점이 되고 있다. 조형상에서 재미있는 것은 유제류(有蹄類)의 다리 가운데 앞다리 세개를 표현하려 정면이나 측면으로 보아 부자연스럽지 않게 만들어져 아시리아인의 특유한 합리적인 관조가 작용하고 있는 점에 주목할 가치가 있다. 이 수호신은 두르 샤르루킨 궁정 입구에서도 발견됐으나 이것은 더욱 조형 표현의 기교와 관조가 진전, 세부까지의 의장화나 추상성이 고도화하여 우수한 작품임을 알 수 있다. 이런 조형은 페르시아 아케메네스 시대로 계승되어서 페르세폴리스 왕궁에서도 그 유품을 찾아볼 수 있다. 부조의 유품에는 표현 형식과 주제를 다룬 방식으로 전·후 2기로 나눌 수가 있다. 님루드 북서(北西)에 위치한 왕궁에서 출토된 종교 의식도(儀式圖)나 제전도(祭典圖)는 하나의 작품으로서 완결된 구도이며 인간에게 이익과 풍요를 가지고 오는 성수(聖樹)가 운하의 물과 칠엽(七葉)의 파메트식(式)인 대추야자수(棗椰子樹)를 중심으로 하여서 의장화되어, 거기에 화분(花粉)을 수정(受精)하는 조두유익신상(鳥頭有翼神像)을 표현하고 있다.

특히 좌우에 왕과 시종을 그린 예도 있다. 그에 대하여 님루드의 서북 궁전의 옥좌 사이의 남쪽 벽에 있는 전투도(戰鬪圖)와 동물 수렵도의 부조는 연속 설화 표현 형식으로 만들어져 있다. 전자는 벽면 가득히 큰 성수와 인물 및 신상을 상호(相互) 배치하여 장식의 의도(意圖)와 종교의식의 중대함을 암시하고 있는 데에 대하여 수렵도나 전투도도 왼편에서 오른편으로 활동적인 장면을 생생하게 전개해 나간다. 더욱이 수목과 하천의 세밀한 묘사와 성벽이나 배경 무대의 극명(克明)한 표현도 볼 수 있다. 아슈르바니 아플리 2세 때는 이들 전투도와 수렵도는 구성상 화면이 단절되지 않고 두루마리식의 전개를 보여 주며, 특히 때는 다르지만 같은 화면으로 엮은 설화의 형식을 취하고 있다. 니네베의 아슈르바니 아플리 궁전 S실(室)의 은 그 좋은 예가 된다. 이들 부조 화면의 특색은 인간의 근육과 자태의 정확한 조형, 세부에 이르기까지의 공예 감각이 넘치는 세밀한 표현, 그리고 동물의 형태와 표정까지 극명하고 박력있게 표현한 묘사력 등을 들지 않을 수 없다. 어쨌든 아시리아 부조 미술은 고대 서아시아 미술에 있어서 정점을 차지하고 있으며 메소포타미아 고전 조각의 전형으로 간주된다.
**바피오**(Vaphio)는 그리스 라코니아현의 고대 지역으로, 유로타스강의 오른쪽 둑에 위치해 있고 스파르타에서 남쪽으로 5마일 정도 떨어진 곳에 위치해 있다. 1889년 발굴된 톨로스묘로 유명하다.

## 바피오의 잔
크레타인의 사치는 금·은·상아·보석을 재료로 한 정교한 제품에 반영되어 있다. 금제(金製)인 이른바 '바피오(Vaphio)의 잔'은 단조 세공(鍛造細工)의 우수작이다. 이것은 한쌍의 잔인데 하나는 황소를 포획하는 것을 표현하고, 다른 하나에는 그 사육(飼育)의 목가적인 정경이 묘사되어 있다. 그 밖에 활석(滑石)의 항아리에 수획제(收獲祭)의 행렬이나 전사(戰士)를 나타낸 것도 유명하다.
**오데온**(Odeon) 또는 **오데이온**은 아테네의 디오니소스 극장에 인접하여 페리클레스의 감독 아래 건조된 음악당이다. 이 건물은 옛 화폐에 나타난 도안 등에서 원형의 것이라고 상상되어 있었다. 그러나 발굴의 결과, 이것은 네모꼴의 건조물로서 몇 줄의 기둥이 지붕을 지탱하고, 동쪽과 서쪽, 그리고 다분히 남쪽에도 현관과 함께 회랑이 있었다. 페리클레스 시대의 이 건물은 주로 목재를 재료로 했다.

헤로데스 아티크스에 의하여, 기원후 161년경 아테네의 아크로폴리스의 남쪽 경사면에 세워진 오데이온은 보존 상태가 좋다. 형태는 작은 극장과 흡사하다. 혹은 그리스 극장의 관람석이 언제나 반원형보다 큰 데 대하여, 헤로데스 아티크스의 오데이온은 그 청중석이 로마 극장풍의 반원형으로 되어 있다. 오데이온이란 명칭에도 불구하고 이 건물은 주로 연극을 위해 쓰인 것으로 보인다.
**에기트 퀴린 아잠**은 바로크 후기에 활동한 독일의 조각가이다.

화가로서 활약하던 형 코스마스 다미안 아잠과 더불어 남(南)독일에서 제작활동을 계속하였던 에기트 퀴린 아잠은 뮌헨의 성(聖) 요한 네포므크 교회당과 로르의 수도원 부속 교회당의 제단조각(祭壇彫刻)으로 유명하다. 후자에서는 마리아가 방금 승천하려는 순간을 훌륭하게 포착하고 있다. 높은 천공(天空)으로 향하는 성모 마리아는 진정 공중에 매달린 것 같고, 그 무대와 같은 제단은 색채의 홍수와 황금색의 광휘(光輝)에 넘치는 내부공간의 중심이어서 감각적으로 현실화된 신의 세계를 표현하였다. 채색된 조상은 심한 몸짓에 의해 오히려 반조각적(反彫刻的)인 자세를 나타내면서, 그것으로써 한층 더 총합적 인상 속에 오묘하게 융합되어 있다.
**아드리안 반 오스타데**는 네덜란드 황금기의 화가이다.

1610년 직물업자의 아들로서 하를렘에서 태어나, 1685년 죽을 때까지 그곳에서 활약한 풍속화가이다. 처음에는 할스와 브라웰의, 그리고 1640년경에는 렘브란트의 명암법에도 영향을 받았다. 초기에는 밝은 청·회·자색의 색조가 두드러졌다. 1640년대에 들어서면 비교적 어두운 화면에 인물, 특히 무뚝뚝한 농부가 선술집에서 법석대는 모습이 동적(動的)으로 포착되어 있다. (런던 버킹검 궁전) 등은 8백 가까운 유화 가운데의 일부분에 지나지 않는다.
**안루이 지로데 드 루시트리오종**은 프랑스의 화가이다. 자크루이 다비드의 문하 중 앙투안장 그로, 장오귀스트도미니크 앵그르, 프랑수아 제라르와 견주는 한 사람인데, 몽타르지에서 태어나 로마에서 배웠다.

그는 한편으로는 문필을 사랑하여 시작(詩作)에도 친근, 제재도 문학적인 것을 취급했다. 그러나 묘사는 외관(外觀)을 어디까지나 단정하게 그리는 스승의 경향을 지키고 있다. (1808)이 빛을 일층 짙게 하여 동굴의 음영(陰影)에 조화된 인상(人像)에서 정적의 정다움을 낳고 있다.
**목욕하는 여인들**은 1918년에서 1919년 사이 만들어진 오귀스트 르누아르의 유화 작품으로, 오르세 미술관에서 소장하고 있다. 근대 회화에서 명작으로 꼽힌다.

르누아르에게 나부는 미의 상징이었다. 르누아르는 그 아름다움을 추구하여 이전에 볼 수 없는 풍만하고 화려한 경지를 펼치고 있다. 이 작품은 최후의 대작이 된 것인데, 차차 부자유하게 되는 손을 가지고 절묘(絶妙)한 아름다움을 낳고 있다. 화면에서는 두 사람의 나부가 들가에 누워 있고, 저쪽에는 두 여인이 샘물에서 즐기고 있다. 그것은 현대의 님프(물의 요정)일는지도 모른다. 우거진 나무들이나 풀은 빛에 용해되었고, 그 빛에 육체는 한층 더 용해되고 있다. 빛은 육체를 애무(愛撫)하여 육체의 붉은 색조는 한없이 억양(抑揚)을 낳고, 그것은 관능을 감추어 온도를 느끼게 할 정도로까지 풍요한 순화(醇化)를 이루고 있다.

르누아르는 만년에 작품마다 한층 더 매력을 찾아 나부를 계속 그렸는데, 아주 만년에 이것을 다듬어내 완성을 보여주고 있다. 프랑스의 회화는 18세기에 와트를 낳아서 가장 프랑스적인 화려미(華麗美)를 나타내는데, 그 와트에서 부시에까지 이어지는 섬세함과 세련미는, 재차 르누아르를 통하여 근대에서보다 아름다운 매력을 꽃피우고 있다.
**삼나무가 있는 밀밭**(Wheat Field with Cypresses), **황색 보리밭**은 빈센트 반 고흐의 1889년 유화 작품이다.

뉴욕의 메트로폴리탄 미술관과 런던의 내셔널 갤러리 소장 없는 회화를 그려내고 있었다.

그의 작품은 바라보는 것을 냉정하게 관찰·비판·정리하여 적당하게 그리는 것이 아니라, 그것을 불타는 정열로 단도직입적(單刀直入的)으로 그려내고 있다. 그것은 계속 바라보는 동시에 느껴지는 것이 그의 심신을 불태울 정도며, 그 충동을 채찍질해 그의 터치와 리듬이 생기게 하여 약동하게 한다. 그 때문에 그는 오직 독창적 표현을 하고 있는데, 행복한 아를 시대부터 보면, 정신병원에 들어간 다음의 생레미에서 그린 작품은 한층 격렬함을 노출시키고 있다.

그 지방은 바람이 거칠어 이 화면에서도 생레미의 들판에서는 보리가 흔들거리고, 나무는 바람을 머금고 있다. 전경(前景)의 보리에 거듭된 터치는 정열의 파장(波長)이 전달되어 감돌고, 나지막하게 전개시킨 산도 움직이며, 하늘에는 흰구름이 소용돌이치듯 휘감기고 있다. 그리고 오른편에 측백나무가 섰다. 가지를 감아올리고 선 올리브 나무는 마치 녹색의 불꽃 같다. 더욱이 보리밭에서까지 느껴지는 침통함이 가득 흐르고 있는데, 얼마 안 되는 화초가 앞에서 가련한 빨간빛을 점점이 띠고 있다.

아를과 달리 생레미의 풍경은 황량하여, 이 작품은 그것을 색조로도 나타내는데, 힘있게 움직이는 표현은, 고흐에게 뛰는 듯한 충동 속에 흔들리지 않고 황량한 그대로 보여주는 인상이다. 고흐는 심신을 불태우는 제작만 계속하는데, 회화에는 생명이 가장 중요하다고 하는 만큼, 그 생명을 고흐만큼 생동시킨 화가도 보기 드물다.
**나베 나베 마하나**(Nave Nave Mahana) 혹은 **즐거운 나날**, **멋진 나날**은 1896년 폴 고갱의 작품이다. 리옹 미술관에 소장되어 있다. 고갱이 낳은 작품은 회화로 쓰여진 문학이며 시였다. 우키요에(浮世繪)의 기법을 단적으로 채용한 작가로, 종래의 빛이나 그늘이나 둥근 모양 등 모든 상식을 떠나서, 이전에는 서양화에서 보지 못했던 평면적인 묘사를 하고 있다. 그것은 깊이 제재를 생각하고, 결정적으로 정리한 다음 그것을 전개시키는 회화로서, 사물을 그저 보는 그대로 그리는 묘사와는 전혀 그 자세가 다르다. 그 독자적인 표현은 퐁 타뱅 시대부터 나타나는데, 타히티섬에 가 있을 때 낙원의 꽃이 피듯 발전했다.

열대의 빛으로 자연은 색채를 발하고 있다. 거기에 그 이상으로 즐거운 것은, 문화의 사악(邪惡)을 모르는 토착민의 그 단순함과 자연이었다. 고갱은 기도하듯이, 어떤 때에는 영탄(詠歎)하듯이 생활에 파고들어 낙토(樂土)의 신비를 그리고 있다. 작품은 때로 몽환(夢幻)의 매력을 띠어서 이 도 진귀할 정도로 밝은 면을 가득 풍기고 있다. 화면에서 눈길을 끄는 것은, 그 대지의 희색(喜色)을 풍기게 하는 주홍색이다. 화면에는 신비롭게 보이는 여성들이 나뭇가지에서 과일을 따고 있는 듯하다. 여성들의 발은 땅을 굳건하게 딛고 있다. 여성들의 뒤로는 노란 하늘이 보인다. 얼어붙어 있는 듯하면서 감정 없이 침묵에 잠긴 표정으로 눈을 내리깐 이들의 얼굴은 아마 작가의 고립감과 작품을 그릴 당시의 건강 악화를 나타내는 듯하다.

다섯 사람의 줄지은 인상(人像)은 봄날 같은 관능(官能)을 띠고, 허리의 붉은색은 밝게 반사되고, 나무는 점점이 꽃을 달고 있고, 어린이들이 즐겁게 먹고 있는 정경은 붉은 색조가 잘 짜여진 매력을 낳고 있다.

고갱은 작품에는 어둡고 신비로운 작품도 있는데 평면적인 표현은 크게 색채를 대조시켜서 중후함을 이룩한 매력을 낳아, 그 이국적(異國的) 분위기를 품위 높은 회화시(繪畵詩)로서 그리고 있다.
**건초 마차**, **건초를 싣는 마차**는 존 컨스터블의 그림으로, 1821년 완성되었다. 런던 내셔널 갤러리 소장 작품이다. 이 작품은 런던에서 발표되었으나 아무런 반향도 얻지 못했고, 우연히 프랑스인이 사가지고 가서 1824년에 파리의 살롱에 출품했다. 그때 들라크루아는 대작 을 출품하고 있었는데, 이 작품의 색채에 경탄하여 급히 자기 작품의 배경에 손을 대었다.

컨스터블은 각국을 돌아다니며 좋은 풍경을 찾지 않는다. 그는 한 그루의 나무나 한개의 돌에서까지 고향의 자연을 자세히 주시하고 있다. 매끄럽고 깨끗한 묘사를 많이 한 영국에서의 그는 세상 물정에 어두웠고 집요했다. 그러나 그는 꾸며진 매력을 좋아하지 않았으며, 기만(欺瞞)을 가미하지 않는 진실을 존중하고 있다.

이 화면에서는 밝은 한나절에, 얕은 물을 수레가 평화스럽게 건너고 있다. 왼편에는 전형적인 농가가 있고, 고요한 정경에, 개가 뛰어나와 움직임을 더해 주고 있다. 컨스터블은 과학자와 같은 관찰로 조석(朝夕)의 근소한 변이(變移)에서도 자연의 취향이 어느 정도로 변화하는지를 읽고 있다. 이 작품도 나무그늘의 습기나 근처의 물기에서, 흰벽이나 물의 일단(一端)을 밝히는 어둠을 통해 비치는 광선까지 보는 사람으로 하여금 피부로 그 곳을 느끼게 하는 정밀한 묘사를 보여주고 있다.
**조반니 세간티니**는 이탈리아의 화가이다.

세간티니는 아르코의 작은 마을에서 태어났는데, 일찍 어머니를 잃고 아버지를 따라서 전전한 후 간신히 밀라노의 미술학교에 들어갔다. 세간티니는 그 생애를 일관하여 알프스를 작품화하는 데 집중했다. 알프스 산악의 대기는 가슴을 깨끗이 씻어 주는 듯 맑고 깨끗하며, 빛은 한없이 투명하다. 그는 양치는 사람이나 그들의 생활을, 밀레가 농민을 그리듯이 축복으로써 그리고, 다시 산악의 영기(靈氣)로부터 종교적인 경건을 얻어, 작품을 한층 더 영적인 기도로써 그리고 있다.

가족과 함께 주거를 고지로 옮기고, 생활은 사회의 동향과 관계 없이, 산지를 황홀하게 비추어 주는 광선이나 색채를 조석으로 관찰하고, 주위의 맑고 깨끗한 분위기를 묘사하기 위하여 극히 선명한 색채를 쓰고 있다. 따라서 암색(暗色)은 모두 추방하고 인상파처럼 색채의 분할을 하는데, 그는 작은 묘선(描線)을 묶듯이 화면에 배치, 무수한 가느다란 선에서부터 색채를 반짝이듯이 빛나게 하고 있다.

작품에서는 초기에 이란 풍경화를 제작 중 급작스럽게 병을 얻어 생을 마쳤다.
**묘두사**(猫頭蛇)는 경기도 장단군에 전설이 전해져오는 괴물이다. 『송도기이』에 그 내력이 기록되어 전한다.

장단군 화장사 불전 뒷편 바위틈에 살았다는 괴물 뱀으로, 이따금씩 머리만 바위틈 밖으로 내미는데 그 머리가 뱀이 아니라 새끼고양이의 머리다. 왠지는 모르지만 새들이 이것을 주인으로 따랐다. 비가 올 무렵에 푸른 연기를 내뿜는데 이것이 몸에 좋아 특히 학질(말라리아)을 낫게 해 주었다고 한다. 그래서 학질병자들이 찾아와 병을 치료하곤 했다. 사람들이 보답으로 바치는 먹이도 잘 받아먹으며 50여년간 잘 지냈는데 박만호(朴萬戶)라는 선비가 사람들이 요사스러운 것을 믿는 폐단이 심하다며 활을 냅다 쏘아 죽여버렸다. 박만호는 그 뒤 딱히 해코지를 당하지도 않고 집안도 번창했다 한다.

사람들에게 도움이 되는 신령한 짐승이 선비의 독단에 의해 허무하게 퇴치당하고, 그 뒤 선비는 오히려 집안이 번창했다는 이야기로, 조선시대에 유교가 보급됨에 따른 민간신앙의 패배를 상징하는 이야기로 해석된다.
**사패교지**는 1653년(효종 4년) 2월에 이순신[의 후손]에게 경상도 안동부(安東府) 노비 5명을 하사하는 내용의 교지이다. 1604년에 모두 13명의 노비를 지급하기로 했는데 이듬해 8명만 지급하였으므로 약 50년 뒤인 이때 추가로 하사한 것이다.

## 배경
임진왜란이 끝난 뒤 선조(宣祖)는 1604년 6월 25일에 임진왜란에 혁혁한 무공(武功)을 세운 이순신(1545～1598)을 효충장의적의협력선무공신(效忠仗義迪毅協力宣武功臣)1등으로 책봉하였다. 그리고 동년(1604)10월 29일에 이순신의 초상화(肖像畵)를 그려 후세에 전하도록 하고 관작(官爵)과 품계(品階)를 3자급(資級)씩 초천(超遷)하도록 하였다. 아울러 부모와 처자도 3자급씩 초천하도록 하되, 아들이 없으면 생질(甥姪)과 여서(女壻)를 2자급씩 초천하고 적장(嫡長)은 세습(世襲)하도록 하여 그 녹봉(祿俸)을 잃지 않게 할 것이며, 영원히 사유(赦宥)의 은전을 받도록 하였다. 또한 반당10인(人), 노비(奴婢)13구(口), 구사(丘史)7명(名), 전지(田地)150결(結),은자(銀子)10냥(兩), 내구마(內廐馬)1필(匹)도 사급(賜給)하도록 하였다.
**증직교지**((贈職敎旨)는 이순신을 존숭했던 정조가 1793년(정조 17) 7월 21일에 이순신에게 의정부 영의정을 증직하도록 명하여 내려진 증직교지이다.

충무공 이순신의 사패교지와 증직교지는 역사적, 학술적으로 문화재적인 가치가 매우 높다. 이순신과 관련된 고문서는 교서, 유서, 유지, 무과홍패, 증직·증시교지를 비롯하여 별급문기, 이순신 처 방씨 고신교지 등 14건이 지정되어 있으므로 이순신의 1653년 사패교지와 1793년 증직교지도 지정할 가치가 있다.
**폴 델보**는 벨기에의 화가이다.

안타이트 출신인 르네 마그리트와 더불어 벨기에의 쉬르레알리스트이다. 부친의 희망으로 건축을 배웠지만 수학이 떨어져서 화가로 전환하여 1920년에 4년간 브뤼셀의 미술학교에 다녔다. 델보 초기의 풍경화는 포브이며 인물은 대체로 벨기에의 표현파 안소르 페르메크의 영향을 받았으나 얼마 뒤에 키리코와 만나 쉬르레알리슴으로 기울어져서 거의 독자적인 힘으로 자기의 세계를 구축하였다. 1935년 후에는 직접으로는 참가하지 않았지만 쉬르레알리슴 미술전에 출품하여 '몽유병적 나부가 거니는' 그의 이미지네이션은 최근에 와서 겨우 인정을 받기에 이르렀다. 1969년 파리에서 회고전(回顧展)을 열었다. 앙드레 브르통은 이렇게 말하고 있다.
**이브 탕기**는 프랑스의 초현실주의 화가이다.

파리 출신이나 미국에 귀화하여 코네티컷주 우드벨리에서 사망했다. 부친은 해군장교였던 관계로 청년시대는 선원으로 아프리카·에스파냐·남미 등을 항해, 1922년 파리로 돌아왔다. 그런데 가끔 포르 기욤의 화랑에서 키리코의 작품에 매혹되어 그림을 그리기 시작했다. 1925년에는 쉬르레알리스트들과 사귀어 1927년 제1회 개인전을 열었다. 탕기는 최초부터 구상(具象)을 그리지 않았는데 항해 중의 추억에서였던지 마치 해저(海底)와 같은 백그라운드에 화석 혹은 생물 비슷한 오브제를 배열하여 비현실의 회화 공간을 만들어 내고 있다. 1939년에 제2차 세계대전을 피하여 미국으로 건너갔다. 그러나 1927년 이래에 그가 추구한 바는 일관하여 변하지 않았고 점토상(粘土狀)의 원형질을 대지(大地)로 하는 그의 우주발생의 풍경은 점점 확대되어 그의 꿈은 그 나름의 리얼리티를 유지해 나갔다. 대표작은 을 남겼다.
**살롱 드 메**(Salon de Mai), 또는 **5월의 전람회**는 1945년에 비평가인 가스통 디르의 주장에 따라 파리에서 창설된 초대제(招待制)의 전람회이며 매년 5월에 개최된 데서 이 명칭이 생겼다. 이것은 1941년 5월에 독일군 점령하에 있었던 파리에서 개최된 '프랑스 전통 청년화가 미술전'의 레지스탕스 정신의 오의(奧義)를 계승하였고 바젠, 에스테브, 마네시에, 상지에 등 비구상계(非具象系) 화가들이 중심이 되었지만 미노, 로르주 뷔페 등 옴 테모앙(시대의 증인)계 그룹의 구상화가까지도 거부하지는 않았다. 이 점에서 1946년에 설립된 레알리테 느베르(新現實展)는 아르퉁, 폴리아코프, 바자렐리 등을 포용하여 순수 추상으로 향한 것과는 성격을 달리한다. 그러나 1947년 이후는 레알리테느베르계(系)의 화가까지도 흡수하여 전후(戰後)에 먼저 일어난 추상과 구상의 대립을 초월해서 추상이 우위를 차지하게 된 원동력이 되었다.
**빅토르 바사렐리**(1906년 4월 9일 ~ 1997년 3월 15일)는 헝가리계 프랑스 예술가이다. 그는 의사가 되기 위하여 부다페스트 대학 의학부의 입학 자격을 얻었으나 그것을 포기하고 디자인 학교에 진학하였다.

모홀리 나기의 작품에서 크게 감명을 받았고 말레비치, 몬드리안, 칸딘스키의 작업에서 영향을 받았다.

1930년 그는 파리로 이주하여 계속 파리파(派)의 한 사람으로 활약하였다. 전쟁 중에는 주로 그래픽의 작업에 종사하였으나 종전 후에는 재차 회화에 열성을 쏟았고 동시에 태피스리의 의장(意匠) 디자인이나 석판화 분야에서도 폭넓은 활약을 하였다. 그의 작품은 구성주의에서 큰 영향을 받은 것인데 기하학적인 색면구성에 의하여 순수한 객관을 화면에 나타내려고 의도하였다. 그는 정서적인 표현이나 주관의 표출을 극력 피하고 일반적으로 차가운 추상이라 일컬어지는 비개성적인 기하학적 형태의 배합으로써 순수한 것, 절대적인 것에 접근하려고 하였다.
**윤희숙**은 대한민국의 경제학자 출신 정치인이다. 정계 입문 이전에는 한국개발연구원에서 근무하였다. 이후 정계에 입문해 제21대 국회의원으로 재직하던 중 부친 부동산 투기 의혹으로 사퇴하였다. 본관은 파평이며 서울 출생이다.

## 생애
1970년 서울에서 1남 3녀 중 셋째로 출생해 정신여자중학교와 영동여자고등학교를 졸업하고 서울대학교 경제학과에 입학했다. 서울대학교에서 경제학 학사와 석사, 컬럼비아 대학교에서 경제학 박사 학위를 취득했다. KDI 연구위원으로 재직하며 KDI 국제정책대학원 교수, 대통령직속 국민경제자문회의 자문위원, 최저임금위원회 위원, 교육부 규제완화위원회 위원, KDI 재정복지정책연구부 부장을 역임했다. 이처럼 다양한 분야에서 연구 경력을 쌓았고, 특히 재정 및 복지 분야의 전문가로 평가된다.

### 정치 활동

#### 2020년
2020년 2월 김형오 공천관리위원장에 의해 '포퓰리즘 파이터이자 소신파 경제학자'로 소개되며 미래통합당에 경제정책 전문가로 영입되었고, 서울 서초구 갑에 출마해 62.60%의 득표율로 당선되었다. 2020년 7월 국회 본회의 자유발언 시간에 '저는 임차인입니다'로 시작하는 연설을 통해 문재인 정부와 더불어민주당이 추진하는 임대차 3법을 비판했는데, 주요 언론사들이 해당 연설을 보도하고 하루 내내 실시간 검색어에 윤희숙의 이름이 오를 정도로 화제가 되었다.

#### 2021년
2021년 6월, 이재명 경기도지사가 노벨경제학상 수상자 아브히지트 바네르지와 에스테르 뒤플로의 저서를 인용해 기본소득의 필요성을 강조하자, '가난한 나라의 경우에만 기본소득이 효과적이고, 선진국에서는 기본소득으로 일자리 문제를 해결할 수 있다'는 저서 원문을 소개하며 이재명 지사의 글은 저자의 발언을 왜곡하는 허위 주장이라 지적했다.

2021년 7월, '앙상한 이념으로 국민의 삶을 망치는 '탈레반'에게서 권력을 되찾겠다'고 출마의 변을 밝히며 대한민국 제20대 대통령 선거 출마를 공식적으로 선언했다. 그러나 2021년 8월 25일에 국민권익위원회의 조사 과정에서 윤희숙의 아버지 세종특별자치시 소재 토지 투기 의혹이 불거지자 국회의원직에서 자진 사퇴했다.
**조르주 마티외**는 프랑스의 추상화가이다.

마티외는 처음 법률·철학·영문학 등을 배우다가 1942년경부터 그림을 그리기 시작하여 1947년 파리에 정주하면서 본격적인 제작을 하였다. 1951년 미셀 타피에의 초대에 응하여 '격정의 대결' 미술전에 참가한 후에는 앵포르멜의 대표적인 화가로 활약하게 된다.

그가 이상한 복장을 하고 긴 화필을 가지고 또한 독특하고 정열적인 제스처를 섞어가면서 즐겨 공개하는 제작을 하였음은 유명하다. 그의 말에 의하면 그린다는 것은 화려한 축제라고 한다. 따라서 그는 모든 의도나 계획을 배제하여 그리는 데에 몰입한다. 그리는 행위 자체에서 삶의 확증을 구하려고 하였다. 또한 그는 '의지는 예술의 죽음이다'라고 하여 일순간의 속필(速筆)을 중하게 여기고 있다. 속필에 전생명을 맡겨 버려야만이 회화의 정신은 소생할 수가 있다고 주장한다. 믿을 수 있는 것은 행위뿐이라고 하는 그의 실천은 전후의 세대적인 특질을 지니고 있다.

2012년 6월 10일 91세의 나이로 불로뉴비양쿠르에서 사망했으며 프랑스 파리 몽마르트르 묘지에 묻혔다.
**타시슴**은 1940년대, 1950년대에 대중화된 프랑스 양식의 추상회화 이념이다. 이 용어는 1951년 운동과 관련되어 처음 사용되었다.

이 이념은 1954년 비평가 샤를르 에스틴느가 주창하였으며 타시(얼룩：色斑)에 의한 오토매틱한 제작을 특징으로 한다. 그림물감의 비말(飛沫), 점적(點滴), 번짐 등 우연적인 효과에 의해 의식적인 묘화를 넘어서려고 하는 점, 즉 앵포르멜로 통하는 데가 있는데 원래 프로타주나 데칼코마니의 기법을 개척한 쉬르레알리슴에 의한 현대 회화로의 접근이라 생각할 수 있다.
**네오다다**(Neo-Dada), **신다다**, **네오 다다이즘**(Neo­Dadaism)은 초기 다다이즘 작품의 의도와 비슷한 방식을 지닌 청각, 시각, 문학적 표현 운동이다. 유의어로 **반예술 운동**이라고 한다.

미국에서 네오다다는 1960년대에 바바라 로즈에 의해 보급되었으며, 그린다고 하는 행위를 지상(至上)으로 삼은 액션 페인팅에 대하여, 현실적인 기호나 오브제를 화면에 받아들인 데에 신선한 느낌이 있다. 이 비(非)에스테틱한 성격이 과거의 다다이슴 운동을 상기하게 한다는 데에서 이 명칭이 붙여졌다. 재스퍼 존스와 로버트 라우센버그 등이 그 대표적인 화가로 알려졌다.
**로버트 라우션버그**는 미국의 화가, 그래픽 아티스트이다.

텍사스주에서 출생하였다. 해군에서 복무를 마치고 파리의 아카데미 쥐리앙에서 회화를 배웠다. 1948년 다시 노스캐롤라이나의 조지프 앨버스가 경영하는 학교에서 공부를 했고 그 앨버스가 주창한 백(白) 일색(一色)의 회화, 즉 화이트 페인팅은 그에게 다대한 영향을 끼쳤다. 그는 이 화이트 페인팅에 금속·천·종이 또는 이미 만들어진 물질을 넣음으로써 실재의 세계를 보는 사람에게 강하고 선명하게 인상지으려고 하였다. 이것은 비(非)에스테틱한 성격에 있어서는 제1차 세계대전 중에서 전후에 걸쳐 일어난 다다이슴 운동을 상기케 한다.

그는 사물을 이미지에 종속시키지 않고 반대로 사물을 화면에 도입함으로써 이미지를 파괴하고 혼란시켜서 때로는 넌센스, 또는 역설적으로 현실인식의 다른 길을 내보여 주고 있다.

라우션버그는 뉴욕시와 플로리다주 캡티바섬에서 거주하며 일하다가 2008년 5월 12일에 심장 질환으로 사망하였다.
**피에르 술라주**는 프랑스의 화가, 조각가이다.

로마네스코 조각·미술의 유품이 많이 남아 있는 중남부의 아벨이 로데스에서 태어났다. 그는 일찍부터 혼자의 힘으로 그림을 배우다가 1939년 파리로 나와 활동을 하였으며, 중후한 풍경화 및 정물화에 능하였다.

초기에는 세잔·피카소의 영향을 받아 퀴비슴적인 경향을 띠었으나 1946년부터는 추상화로 옮겼다. 자유롭고도 표현의 풍부함을 꾀하였으며 외계에 대한 어떠한 대상도 배제하는 순수한 추상양식에다 조형 공간의 요소를 도입하였다.

그는 1948년과 그 이듬해에는 레알리테 누벨르전(展)에, 그 이후부터는 살롱 드 메에 출품하였다. 1952년의 베네치아, 1953년의 상파울루의 비엔날레전(展) 등에 출품하여 수상하였으며 그 밖에도 국제적인 상을 많이 수상하였다.

그의 작품의 특징은 청색과 갈색 계통의 침착한 느낌을 주는 색조를 즐겨 사용하는 그 이전의 강한 느낌을 주는 검은 형태를 밝은 색조와 결합시켜 간결하고도 힘찬 화면구성을 하고 있어 현대적인 약동감이 대담하고 자유롭게 나타나 있다.

주요 작품으로는  등이 있다.
**알프레드 마네시에**는 프랑스의 화가, 디자이너이다.

상투앙에서 태어났다. 파리 미술학교와 아카데미 랑송에서 공부하였으며, 피카소·루오·세잔·렘브란트의 영향을 받았다. 초기에는 추상적인 종교화, 퀴비슴, 초현실적인 경향을 띠고 있었으나 제2차 세계대전 중의 종군 생활과 전후(戰後)의 사상적 동요를 거쳐 열렬한 카톨릭 신자가 되어서 종교화에 새로운 경지를 열었다.

제2차 세계 대전 후 살롱 드 메의 중심인물이 되어 활약하게 되었다.

그의 작품은 비구상 형식에 의해 종교적인 테마를 표현하였고, 잘 조화된 선의 섬세한 구성과 광선의 흐름을 느끼게 하는 섬세한 색조에서 맑고 깨끗한 종교적인 분위기를 만들어 내고 있는 것이 특징이다. 그는 1955년 카네기 상을 수상하였고, 1962년 베네치아 비엔날레 상을 수상하였으며 '추상회화에 의한 구도자'로 일컬어지고 있다.
**케네스 놀런드**는 미국의 화가이다.

## 생애
미국 노스캐롤라이나주 애슈빌에서 태어났다. 블랙마운틴 칼리지에서 공부한 후에 프랑스 파리로 건너가 오시프 자드킨과 함께 미술 활동을 했다. 귀국 후 새로운 추상을 개척하였고 1951년부터 1960년대까지 미국 가톨릭 대학교에서 미술을 가르쳤다.

그의 작품은 추상표현주의로 출발하였으며, 입체주의 영향으로 명쾌하고 구획된 색면이 그의 작품의 특징이다. 또한 원이나 산 모양을 원색의 색대(色帶)를 병렬로 하여 평면성을 강조하는 색면회화를 이루고 있다.
**빌헬름 렘브루크**는 독일의 조각가이다.

렘브루크는 바를라흐와 같이 독일 표현주의에 친근성을 가졌다. 독일 뒤스부르크에서 태어났다. 1901년부터 1907년까지 뒤셀도르프 아카데미에서 배웠고 1910년에서 1914년까지 파리에 체재하면서 마욜, 로댕 및 브랑쿠시의 작품에서 영향을 받았다. 또 아르키펜코와 친교를 맺어 그 우정은 평생 계속되었다. 렘브루크의 특색은 특히 마욜에 가까운 명석한 형태감을 고딕풍(風)의 수직의 질서에 따라 조형한 점이다.

독일의 젊은 세대나 친구인 아르키펜코도 그의 영향을 받았으나 그가 실제적으로 제작 활동에 종사한 것은 1911년 이후 겨우 9년간에 불과하였는데 그는 많은 가능성을 남긴 채 1919년 베를린에서 가스 자살로 세상을 떴다. 그는 바를라흐와는 대조적으로 형태에 있어서 독일 조각을 근대의 레벨까지 끌어올린 공로자이기도 하다.
**레이몽 뒤샹 비용**은 프랑스의 조각가이다.

뒤샹 비용은 단윌에서 출생하였다. 입체파 화가인 마르셀 뒤샹과 자크 비용과는 형제간이다. 레이몽은 처음 의학을 공부했으나 1900년경 조각가로 전환하여 1901년에 파리로 나와 최초의 개인전을 개최하였다. 그의 초기 작품은 로댕의 강한 영향하에 있었지만 1910년경부터 형태의 대범한 처리를 특색으로 하는 독자적인 양식을 발전시켰다. 1911년 이후 그는 퀴비슴 운동에 가담, 그 유력한 멤버로서 활약했다.

1914년의 작품 (파리 근대미술관)은 그 제작의 정점을 이룬 작품으로 유명하며, 그는 1918년 칸느에서 사망하였다.

그의 작품은 자크 리프시츠, 앙리 로렌스 등에게 영향을 주었다.
**알렉산드르 아키펭코**는 우크라이나 태생의 미국의 아티스트, 조각가이다.

북구의 표현주의적 요소에 큐비즘의 원칙을 가미하여 독특한 조형에 도달한 아르키펜코는 키예프 출신 조각가이다. 1902년부터 1906년에 걸쳐 그곳 미술학교에서 배웠고 1908년 파리로 이주하였다. 1910년 파리에서 사숙(私塾)을 개설하여 현대조각의 이념적인 탐구를 하는 동시에 퀴비슴의 원칙에 서서 제작을 하였다. 그것은 대상의 볼륨을 부정하여 그 양감을 자유롭게 선택한 네가와 포지의 형식으로 환원하여 재구성해 가는 작업인데, 예를 들면 인체 각 부분의 부푼 부분을 반대로 오목하게 표현하는 기법이다. 이것으로써 그는 유려(流麗)하고 신선한 하나의 양식에 도달하였다. 1923년 미국으로 이주, 1928년 시민권을 얻어 미국 각지에서 교편을 잡았다가 1939년에는 또다시 뉴욕에서 사숙을 개설하여 후진의 지도를 담당하였으며 1964년 그 곳에서 사망하였다.
**바이러스 침입**(Viral entry)은 바이러스 생활사의 극초기단계에서 바이러스가 숙주세포에 접촉하여 바이러스성 물질을 세포 내부로 들여보내는 것을 말한다. 주 단계는 아래 기술한 바와 동일하다. 바이러스마다 약간의 차이는 있지만 모든 바이러스에서 찾아볼 수 있는 현상이다.

## 세포에 들어가기
부유상태의 바이러스는 열역학적 확산을 통해 움직이는데 바이러스나 세포가 특별한 전하를 띄지 않으므로, 접촉하기 위해선 거의 충돌이 일어날 때까지 움직여야한다. 충돌하면 바이러스 외피나 캡시드에 있는 수용체를 통해 세포막에 있는 수용체 단백질과 상호작용하여 **부착**(attachment), 혹은 **흡착**(adsoprtion)을 한다. 이렇게 부착이 발생하면 두 막의 거리가 충분히 가까워져 표면에 있는 다른 단백질들끼리 상호작용하기 시작한다. 외피바이러스로는 인간면역결핍 바이러스와 단순포진바이러스가 있고, 외피가 없는 바이러스로는 박테리오파지가 대표적이다.

부착 이후의 과제는 세포의 방어막인 인지질이중층 세포막을 뚫는 것이다. 이 과정은 다음의 세 가지 전형으로 나뉜다.

녹색 형광 단백질을 사용해 실시간으로 바이러스의 감염을 관찰할 수 있다. 침투로부터 복제까지는 수초에서 수시간이 걸린다.오른쪽|섬네일|200x200픽셀|막 융합을 통한 바이러스 침입

### 막 융합
가장 흔한 경우로, 바이러스 외피의 수용체가 세포의 수용체와 결합하여 세포내 신호전달경로를 통해 막에 구멍이 뚫려 융합하는 방식을 의미한다. 따라서 본질적으로는 바이러스 외피가 세포막에 녹아들어 하나가 됨으로써 그 내부의 바이러스 입자가 세포 내로 들어가는 현상이다. 바이러스 외피가 있는 경우만 가능하며, 대표적으로 인간면역결핍 바이러스, KSHV오른쪽|섬네일|200x200픽셀|세포내이입을 통한 바이러스 침입

### 세포내이입
외피가 없는 경우 세포가 음식을 섭취하는 방식인 세포내이입을 통해 세포로 침입할 수 있다. 이는 세포가 바이러스를 영양소나 음식물로 착각하게 하여 이루어진다. 바이러스는 세포 내에 소포의 형태로 침입한 후, 소포를 부수어 세포질 내로 침투한다. 이러한 생활양상을 띄는 바이러스로는 폴리오바이러스, C형 간염 바이러스,

외피가 있는 바이러스들 중에서도 이러한 방식으로 침입하는 경우가 있다. 새포내이입을 통해 들어가게되는 엔도솜에는 낮은 pH와 단백질분해효소를 제공하는데, 이는 바이러스가 캡시드를 부수고 내부의 유전물질을 쉽게 흩뿌리게 도와준다. 게다가 막 융합과는 달리 세포막의 바이러스 외피의 구성요소가 남아있지 않기 때문에 면역체계에 쉽게 감지되지 않는다는 이점이 있다.

### 바이러스 침투
유전체만을 세포 내로 주사하고 나머지는 세포 외부에 남겨놓는 방식도 있다. 이런 방식은 오직 유전체만으로 복제가 가능한 바이러스에서 행해지는데, 대부분의 양성 단일가닥 RNA 바이러스가 이에 해당된다. 이 바이러스의 경우 침입하자마자 다른 과정 없이 바로 번역이 가능하기 때문이다. 가장 잘 연구된 바이러스는 박테리오파지가 있으며, 특히 박테리오파지 T2의 경우는 세포에 부착한 후 긴 꼬리를 통해 세포막을 뚫어 캡시드에 있는 DNA를 세포 내로 주사한다.

## 이후 과정
바이러스는 침입 이후 여러 단백질들을 활성화시킴으로써 세포에 대한 주도권을 획득한다. 주도권 획득의 일환으로 세포내 방어를 담당하는 단백질에 대한 전사와 번역을 억제하는 일도 일어난다. 이는 종종 세포독성을 띄며 바이러스에 감염된 세포가 사망에 이르는 이유가 된다.

바이러스가 침입 가능한 세포를 민감하다고(susceptible) 한다. 바이러스 입자가 세포내로 침입한 이후 단백질, 유전체 등 바이러스의 내용물을 풀어낸 뒤, 바이러스 복제를 위한 준비를 마친다.
**앙리 로랑스**는 프랑스의 조각가, 일러스트레이터이다.

아르키펜코, 자킨과 함께 입체파 조각을 추진한 앙리 로랑스는 파리에서 태어나 처음에는 석공(石工)으로 일하면서 그림을 공부하였다. 1911년 브라크와 사귀어 퀴비슴 운동에 참가하게 되었다. 당시의 그는 분석적 퀴비슴과 보조를 맞추어 대상을 해체하고 기하학적인 원형태(原形態)를 추출하는 작풍을 보여 주고 있었으며 또한 콜라주의 기법에 의하여 채색한 조형까지도 만들고 있었다. 그러나 1927년경부터 그는 이러한 작풍을 고쳐 유기적인 형식으로써 서정적인 요소를 강조하게 되었다.

1919년의 작품 는 그의 대표작으로 알려져 있다. 특히 퀴비슴의 조각가로서 자크 리프시츠(1891∼1973)를 빼놓을 수가 없다. 폴란드 출신 리프시츠는 퀴비슴의 원칙에 따라 인간적인 정감이 감도는 추상적 조형을 시도하였다.
**나움 가보**는 러시아의 조각가이다.

러시아의 브리안스크에서 출생한 그는 구상주의에서 추상조각에의 길을 개척한 조각가이며 화가이자 조각가인 앙투안 페브스너(Antoine Pevsner)의 동생이기도 하다. 처음 뮌헨에서 의학·수학·물리학 등을 수학하였으나 1914년 파리에 체재하면서 아키펭코를 위시한 파리 전위미술가와 사귀게 되어 조각으로 전환하였고, 1915년에서 1917년에 걸친 스톡홀름 체재 중에 큐비즘의 원칙에 입각한 최초의 조각작품을 제작하였다. 러시아 혁명 이후 그의 모국에서 말레비치와 더불어 구성주의를 추진, 1920년 형과 함께 구성주의를 기본이념으로 하는 '리얼리스트 선언'을 발표하였다. 이 시기에 그는 키네틱한 작품을 만들고 있었다. 1922년 베를린에서 바우하우스에 협력하였고, 1932년 파리에서는 압스트락숑 크레아숑에 참가하였다. 이 시기의 작풍은 금속과 글라스 등을 사용한 공간 구성이 특색이며 1946년 미국으로 이주하였다.
**콘스탄틴 브랑쿠시**는 루마니아의 조각가이다.

추상조각의 유니크한 개척자인 그는 루마니아의 왈라키아 지방의 농촌 페스티사니 고뤼 출생이다. 오바에서 태어났다.

목수가 되기 위한 수업을 쌓았으나 1898년 부쿠레슈티의 미술학교에서 조각을 배우게 되었고 1902년에 파리 미술학교에 진학하였다. 그는 최초에 로댕을 사숙하였지만 1906년 초 개인전을 가졌던 무렵부터 독자적인 길로 접어들어 1907년 국민미술협회의 살롱 전시회에 출품한 것이 계기가 되어 로댕에게 인정을 받아, 그의 아틀리에를 제공하겠다는 호의를 거절한 에피소드가 전해지고 있다. 1908년경부터 그는 형태의 단순화로 지향하여 존재의 핵심으로 접근해가는 과정에서 구상적인 요소를 신중하게 제거하여 갔다. '실재감은 외형에 있는 것이 아니라 사물의 핵심에 있다'는 신념에 따라 그는 가끔 원형(圓形)인 형태 속에서 사물의 원존재(原存在)를 발견하려고 애썼다. 1924년의 작품인 는 설명적인 요소를 일체 버린 단순한 달갈형일 따름이다. 더욱이 그의 작품은 기하학적인 구성을 의도한 것이 아니고 대리석·나무·브론즈 등의 소재를 정성어린 수공으로 깎고 다듬어 내는 작업에 의하여 소재의 표면은 비물질화되어 무명의 형태는 내부에 충실감을 품고 있다. 재질에 대한 예민한 감각은 그의 독무대 위에서 쇠퇴할 줄 모르는 그의 표현력의 기둥이기도 하였다. 제2차 세계대전 후에도 파리에 살면서 추상조각을 위하여 활발한 활동을 계속하였다.
**알렉산더 콜더**는 미국의 조각가이다.

모빌의 창시자로 알려진 콜더는 미국의 필라델피아에서 출생하였다. 처음 공학을 배웠으며 뉴욕에서 명성을 얻게 되었다. 1926년 런던을 거쳐 파리로 유학, 여기에서 처음으로 목조에 손을 댔으며 철사조각도 제작하였다. 이윽고 구성주의와 신조형주의(新造形主義)의 영향을 받아 추상조각으로 전환하였고, 또한 미로를 위시한 쉬르레알리슴의 회화에서 이미지를 계발하게 되었다. 갖가지 금속 소재를 사용하게 된 데에는 자코메티가 시사한 바를 따랐다는 말도 있다. 1932년에 그는 철사와 쇠조각을 사용, 입체를 구성하여 이것을 공중에 매달아 공기의 진동에 의하여 움직일 수 있는 조형물을 제작했다. 이것이 모빌이며 이 제작에 의하여 그는 조각은 부동한 것이라고 하는 종래의 사고방식을 한꺼번에 역전시켰다. 그는 또한 스태빌이라 부르는 움직이지 않는 금속판의 구성물을 만들었다.
**마리노 마리니**는 이탈리아의 조각가이다.

이탈리아의 피스토이아 출신이며 휴머니스틱한 전통을 계승한 조각가이다. 피렌체 미술학교를 졸업 후 1928년 파리에서 조각을 연구하였다. 나중에 유럽 각지와 그리스를 여행하며 연마를 게을리하지 않았던 그는 금세기의 전위운동에 관여하는 일도 없이 오로지 고대 이탈리아의 에트르스크 미술에서 많은 것을 배웠다고 여겨진다. 1931년 레슬러나 서커스의 곡예인(曲藝人)을 주제로 한 작품을 발표하여 주목을 끌었고 전후에는 세계 여러 곳의 국제 전시회에 출품하여 가끔 상을 받기도 했다. 그의 소박하면서 힘있는, 그리고 사실적인 형태와 형태의 말단을 절단하여 빚어내는 긴박한 표현력은 현대조각에 독특한 지위를 차지하여 이채를 띠고 있다. 한때 스위스에서 제작을 하였지만 현재는 밀라노에서 정주, 최근에는 말이나 말탄 사람을 다룬 작품이 많다.
**바버라 헵워스**는 잉글랜드의 예술가이자 조각가이다. 요크셔의 웨이크필드에서 태어났다.

런던의 왕립예술학교를 졸업, 1924에서 1925년까지 이탈리아에서 조각을 연구한 후 귀국하여 1928년 런던에서 개최한 최초의 개인전에서 주목을 받았다. 그녀는 처음 무어의 영향을 많이 받아 허의 형식으로써 소재의 양감을 해체하는 방향으로 나아갔으나 뒤에는 몬드리안, 가보, 브랑쿠시, 아르프의 작품에서 시사하는 바를 터득하여 기하학적인 형태와 그 구성에로 진전하여 갔다. 1934년 이후에는 구상의 형식을 버리고 추상적 작풍으로 옮아갔고, 전후는 영국 현대조각의 대표자의 한 사람으로서 많은 국제전에서 활약하고 있다. 특히 영국 추상회화의 제1인자 벤 니콜슨(1894∼1982)은 그녀의 남편이며 죽을 때까지 남편과 함께 영국 서남부의 어촌인 세인트 아이위스에서 제작활동을 하였다.