标题：巴罗克风格
简介
巴罗克风格是17世纪出现的一个新现象。巴洛克（barogue）一词源于意大利语barocco，意思就是奇形怪状、矫揉造作；还有说法认为这个词源于葡萄牙语或西班牙语，意思是不规则形状的珍珠。在18世纪，一些古典主义理论家用这个词来嘲弄具有奇特风格的艺术。巴洛克艺术具有以下特点：无论是建筑、雕塑、绘画，都强调运动感、空间感、豪华感、激情感，甚至  贝尔尼尼的雕塑神秘感。巴洛克建筑是最能显示巴洛克艺术风格特点的一个艺术种类。运动是巴洛克艺术的生命，巴洛克风格表现在文学上主要就是夸张、繁艳、风雅，而且充满了宗教的狂热，人的情绪被夸大，形式则为混乱和破碎的。 
巴罗克艺术的开始首先是以意大利的罗马为中心，继而传向西班牙、德国、澳洲、法国和英国。巴罗克艺术虽然起源于意大利，但巴罗克风格的盛行是在1620年间，由佛兰德斯的安特卫普首先拉开序幕。在法国路易十四时期，巴罗克家具最负盛名，跃居欧洲各国的领先地位，成为巴罗克风格的经典范例。其他如英国的雅各宾式、威廉玛丽式及美国早期殖民地式的家具亦较具影响。 
巴罗克风格中常见的雕饰图案有不规则的珍珠壳、美人鱼、半人鱼、海神、海马、花环、涡卷纹等/在法国，巴罗克风格的桌类家具还常常运用人体雕像来桌面的支撑腿，或桌面下的横托装饰。巴罗克家具在表面的装饰上，除了精致的雕刻外，金箔贴面、描金添彩涂漆及薄木拼花装饰亦很盛行。 
巴洛克指的是一种艺术风格，自十八世纪以来，艺术史家和考古学家们特别重视风格的研究。所谓“风格”意味一件作品是依照某种特定的组合方式而构成的，它本身有着的内在谐和一致，但又明显地区别于其它的风格，故能给人以深刻的印象。风格的形成，当然是某一个时代和作者艺术发展成熟的表现。 
巴洛克作为一种风格，却一直是美术史家们有争论的问题。“巴洛克”一词的原义，含有不整齐、扭曲、怪诞的意思，大约是十八世纪古典主义者奉赠给自己不太赞同的前辈艺术的一个称号。从时间上说，“巴洛克”流行于十七世纪至十八世纪初。所以有人把整个十七世纪各国的艺术，如：意大利、西班牙、弗兰德尔、荷兰、法国等都列在“巴洛克”范围之内。
详细介绍
“巴罗克”这个术语原来是对起源于意大利，后来在17世纪盛行的一种风格的贬义描述。巴罗克一词源于葡萄牙文barraco，意指畸形的珍珠。在艺术史上，它成为一个公认的术语，并带有批判意味，是由于19世纪瑞士历史学家布尔克哈特（注：Burckhard，　1818-1897，瑞士历  绘画史学家，致力于文化艺术史研究，强调研究文化艺术对了解人类历史的重要作用，主要著作为《文艺复兴时期的意大利文化》）在著作中正式使用了它。   
巴罗克风格是介于风格主义（Mannerism）与洛可可风格（Rococo）之间的一种风格，开始是为了对罗马天主教堂进行改造的需要而派生出来的。新教徒对基督教的批评集中在宗教的仪式和教义上，特别对教会出售赎罪券和罗马教廷的腐败政治不满。在教义方面，教会坚持解释圣经（Bible）的特权。与文艺复兴强调人道主义相比，新的思想更直接指向精神价值，它比人本身获得权利更显得重要。   
为了重构秩序和精神生活，改革的措施发端于特伦托会议（注：Council　of　Trent,　1545-1563年在意大利城市特伦托召开的与新教相抗衡的天主教会的第19次普世会议）。在这个会议上，教会制定了使用艺术家及其保护人的规则、教堂的艺术品必须表达圣经中的真理；在其它规定中，对裸体的艺术处理要严格遵循指定的礼仪。   
在一段时间的循规蹈矩之后，一种新的宗教情绪产生了，它的特点是情绪化的、热情奔放的。在风格上，它表现为强调戏剧化的效果、光明与黑暗的强烈对比、动感和运用有力的斜行线和曲线。   
17世纪上半叶在艺术方面，意大利无可争议处于领导地位，巴罗克运动起源于罗马，它在教会头面人物的庇护下，特别在1623-1644年期间，作为主宰者——乌尔班八世（Urban　Ⅷ，1568-1644）的品味而大行其道，到1644-1655年的英诺森十世（Innocent　Ⅹ，1574-1655）统治时期仍然得宠。虽然巴罗克发端于罗马，但是不要忘记，意大利当时是一个各个独立城邦组成的国家，世俗和教会的统治是相互对抗而分裂的，所以各地区的风格变化很大。例如，意大利南部表现为受到西班牙强烈的影响，在装饰上是非常繁复，这与意大利北部的巴罗克形成明显的对比。   
尽管意大利当时的经济萧条，外敌入侵，但还是有大量的建筑活动。有大量的证据表明，当时在各个中心城市充斥着贫困，但同时也有许多家族十分富有。事实上，在17世纪增加了许多新兴的富裕家族，与教皇有着密切关系的家族极为富有，他们拥有宏大的府邸和别墅，而从事贸易和银行业的家族更是财源滚滚。   
这些上层的富裕家族以自己的宫殿建造得如同教堂一样为荣，互相攀比斗富。建造乡村的别墅也像城市里的宫殿一样，要求许多艺术家来提供服务。在室内装潢方面，这些艺术家所起的作用常常远过国内的室内设计师，他们往往精通建筑、雕刻和绘画。在室内的各个结构成份中，巴罗克主张均衡和统一。   
为了达到整个建筑的协调统一，采用了不止一种的艺术形式，有相当多的艺术家参与其中。这样，建筑、雕刻和绘画并不是只强调自己独特的性质，而是相互融会，例如建筑采取  鲁本斯最容易与雕刻融合的特征，或者建筑与雕刻采用了绘画中最有特质的东西。   
在这些众多的艺术家中，贝尔尼尼（Gianlorenzo　Bernini,　1598-1680）是最杰出的一位，设计的教堂充分表现了巴罗克的格调，在室内装饰中，他把整个建筑、雕刻、绘画结合在一起，协调而均衡。他的艺术特点是利用明暗的强烈对比，充满了戏剧化的动感，其尺度巨大，并且用料豪华。但是在世俗和教会的两类建筑作品中存在着差别，基本风格则是相同的。   
博罗米尼（Francesco　Borromini,　1599-1667）则是另一位伟大的巴罗克风格建筑师，他所设计的圣卡罗教堂（S.　Carlo）突破了传统，对17世纪欧洲的建筑有所革新。在这个教堂的顶部上，用十字形、六角形和菱形的图案布满椭圆形穹顶的3个维度，穹顶的形式不再是平的或拱顶；而由于穹顶下凹的装饰嵌板朝着天窗方向尺寸在逐渐缩小，因而造成了动感和幻觉的效果。
音乐
音乐的巴洛克时期通常认为大致是从1600年至1750年，即从蒙特威尔地开始，到巴赫和亨德尔为止。
1750年，对位法大师约翰.塞巴斯蒂安.巴赫的与世长辞，标志着巴洛克巅峰的对位法音乐的终结，也标志着巴洛克时代的终结。之所以称这一时期为巴洛克，是由于一时期音乐表达的技术及方式基本上有它一定程度的共同点，所以用此名词来标志，并无特殊的意义。巴洛克（Baroque）一词来自法语，追本溯源是葡萄牙语barroco，意谓形态不圆的珍珠。是巴洛克末期评论家们在评论  巴罗克音乐名曲此一时期的音乐时所首先使用的，而且一般含有贬意，指粗陋曲、奇异的、夸张的音乐。巴洛克之后古典主义时期的音乐家们趋于将音乐语言简化和规范化，在他们看来，巴洛克音乐过于夸饰而不够规范。
因此巴洛克一词被评论家用来指十七世纪及十八世纪前期的艺术及音乐作品。随着时间的推移，可以用更为深入和细致的历史眼光来看待这一时期的音乐，巴洛克不复有粗陋和毛糙的含意，但是比之巴洛克前后的音乐作品，它确实存在着夸饰和有些不太规律化的特征。文艺复兴时期的艺术讲究清晰、统一和协调。但至十六世纪末期，艺术中感情的因素日益增加，明净清澈和完美的形式被表达感情的需要所压倒。
在美术中可以从卡拉瓦乔（1573-1610）的色彩浓烈的、戏剧性的绘画中看到。在音乐也早已从马伦齐奥、杰苏阿尔多的牧歌以及道伦德的古歌曲中看出端倪，而下一代则更往前发展了。要制造出这些强烈的效果，必须发展一种新的音乐风格。一般地说，文艺复兴时期平稳的复调音乐已不适合新时期所需要的特色。巴洛克时期最重要的创造就是“对比”的概念。文艺复兴时期的音乐进行流畅，各个声部（通常为四至五个声部）相互交织，同步进行。1600年以后这种织体日渐少用，只有在教会音乐中才能见到，这是因为教会音乐受传统及固定的礼拜礼式所束缚，因此是最为保守的。
“对比”可以表现为各个不同的方面：音的高与低；速度的快与慢（快与慢的段落对比或快慢声部间的对比）；力度的强与弱；音色的不同；独奏（唱）与全奏（合唱）等等。所有这些都在巴洛克时期的音乐结构中存在，各有它们的地位。许多巴洛克时期的音乐家使用协奏曲或复协奏曲形式（此词本身意味着明显的对比因素），这种形式的基本特点是织体的变换，有时用一个声部（独奏）或几个声部，有时用较大的群体合奏。最明显而强烈的对比是当时出现的一个新的体裁叫做“单声部歌曲”（monody），它是一种独唱歌曲，大致是在上面有一个流畅的人声声部，配以琉特琴或羽管键琴的伴奏，伴奏的进行较为缓慢，这一体裁的代表人物（在某种程度上可以说是创造者）是作曲家兼歌手卡奇尼（Caccini，约1545-1618）在他划时代的作品《新音乐》（Le nuove musiche）歌集中，人声的旋律依循歌词的意义，变化极大，在节奏和织体上可以从很简朴到非常富有装饰性；而且又与几乎固定不变音型的伴奏声部形成对照。
卡奇尼属于佛罗伦萨的“卡梅拉塔会社”（一个由音乐家、诗人、贵族组成的团体）成员，他在十六世纪七十至八十年代接触到将古希腊音乐中表现感情的观点加以再创造的概念，这个团体遵循这个概念采用了“单声部歌曲”的形式。上述“伴奏”这个词，在文艺复兴时期音乐中几乎不用考虑，作为一个观念，它属于巴洛克时期，它意味着乐器声部之间的地位不同。
事实上巴洛克音乐最重要的特征是它的伴奏部分即通奏低音。通奏低音演奏者在羽管建琴或管风琴（或拨弦乐器琉特琴或吉它）上奏出低音声部，上面标出数字指示他应演奏的填充和弦。通奏低音经常由两个人演奏，一人用大提琴（或维奥尔琴或大管）一类可延长音响的乐器演奏低音声部，另一人演奏填充和弦。
这种使用通奏低音的织体是：上面一个人声或乐器的旋律声部，底部是一个低音乐器，中间填以和声，这是典型的巴洛克音乐的风貌。上面的声部也常有用两个的，有时是为两个歌手写的，有时是两把小提琴（此时即称三重奏鸣曲），此种结构在巴洛克音乐中也很典型，特别是通奏低音不能或缺，说明由低音产生和声的概念对于巴洛克音乐是如何重要，是它的中心。这个概念的出现并不突然，在十六世纪中已有将低音声部区别于复调音乐中上面其他几个声部线条的，但只是到了巴洛克时期这种风格才清楚地确定下来。
与上述的变化一起，而且是有关的，是放弃复调（更精确地说，复调音乐成为一种老式的方法，几乎只用于教会的某一类音乐中）。重视和声必然导致在一首乐曲中出现和声进行的若干终止点，这些终止点称终止或收束，是由于某一种标准的一系列和声进行而形成的。与此相关的是节奏的进行，在声乐中，旋律要表达歌词的情感，必须按照（甚至夸张）语言的自然节奏；在器乐中（包括一些声乐，特别是合唱曲）有用舞蹈节奏的。由于低音用了舞蹈音乐的节奏型，加速了调性感觉的发展以及向某一个特定的音进行的趋向性。
与此同时，新乐器种类的出现加速了这个进程，其中最重要的乐器为小提琴族系。当时维奥尔琴的发音适合复调音乐的清晰但却缺乏节奏的动力感，而小提琴洁净明快的运弓以及其演奏辉煌技巧乐曲的能力适合演奏舞蹈节奏的音乐，与单声部歌曲相比更有发挥技巧的能力。声乐风格与器乐风格的交替进行是典型的巴洛克的手法，巴洛克音乐中有这样两种不同风格的交替进行是为了新奇和效果。
巴洛克早期重要的音乐形式是单声部歌曲（相对于前一个时期复调音乐而言）以及与此相联系的体载歌剧与清唱剧，强调语音与音乐的紧密结合，在歌剧中还有布景的效果。单旋律音乐中不使用对位，其形式是由旋律与低音相结合发展起来的，如分段歌形式，回旋曲结构，在反复出现的低音声部上的变奏。在乐器方面也有相应的发展，如适合于演奏通奏低音组合的乐器，以及替代维奥尔琴族系的小提琴等，小提琴族系乐器更灵活而且能演奏较高的类似人声的音域。
绘画
鲁本斯(1577-1640)是法兰德斯大画家，是欧洲第一个巴洛克式的画家，他的绘画具有巴洛克艺术的壮丽风格。鲁本斯的创作以对生活的富于诗意的表现来歌颂生活，首先是歌颂作为宇宙最完美的造物的人类。他在二十年代所画肖像，绝大部分是盛装的、外表上十分华贵的贵族肖像，还有比较朴素的便装肖像的为数甚少。他画的肖像之所以引人入胜，不仅由于绘画技巧的完美，同时还由于他在肖像里表现了脉搏在热烈地跳动、目光中充满了生命力、富有弹性的皮肤的栩 栩如生的人物。鲁本斯在三十年代，也即是他的生命最后十年，尤其喜欢画肖像、风景与神话画。这些作品几乎全出之于亲笔，比早期的作品更加朴素，更能予人亲切之感，这些作品以其画法的潇洒与极度精确及洋溢着内在热情的感染力而引人入胜。如:<<祝福和平>>、<<自画像>>、<<接受玛丽的祝福>>、<<乡村节日>>等。委拉斯凯兹(1599-1660)是西班牙大画家，现实主义绘画的大师。他所处的时代正是资产阶级人文主义兴起的时代，当时的民族文艺极大繁荣。他也受到人文主义的教育。以画肖像著称，曾两次去意大利，考察并精心研究威尼斯画家的作品，他没有强烈的宗教信仰心，不借助于想象。他只画他能看到的东西，在画布上只画下真实可信的形象，因此他所画的宗教画往往不成功，而由于他的人文主义思想与卓越的写实的绘画技巧，所以他的艺术能达到现实主义的高度成就。这世纪由于人文主义的兴起，人从宗教的束缚中解放出来，受到重视，所以肖像画得以盛行。但最初的肖像画大都是盛装的，并配上虚构的背景，人物做呆板，甚至手中拿的东西也有一套公式。由于他那超群的艺术才华与写实技巧，所以他画的人像却是十分生动，很有性格的。如:<<教皇英诺森十世>>和 <<玛格丽塔公主>>。他却并未忘怀于那些不幸和贫苦的人，画几幅表现一个善良而富有自尊心的不幸者，不能不对罪恶的封建制度产生愤怒，明确地表明了艺术家的爱憎。 可以说在艺术史上开辟了独到的审美领域。如:<<侏儒赛巴斯蒂安>>和 <<缝针妇女>>等。