标题：托尼·克拉格
艺术履历
毅然转向托尼·克拉格（Tony Cragg）1949年4月9日生于英国利物浦一名电气工程师的家庭。由于这样的家庭背  景，托尼·克拉格早年并没选择艺术之路，他的学习生涯最初是指向科学技术的。17岁时，克拉格进入一所天然橡胶生产研究机构的实验室工作，成为一名技术人员。在实验室里，克拉格接触的是原子和亚原子的种种现象和生物化学。就在这个与艺术似乎毫不相关的工作阶段，克拉格萌发了对艺术的强烈兴趣。他开始动笔作画，尝试着用艺术的眼光看待周围的事物。求学之旅从1968年起，托尼·克拉格到位于切尔腾纳姆的格洛斯特美术与设计学院学艺。接着，在1969年至1972年的三年间，克拉格就学于温布尔顿美术学院。离开温布尔顿美术学院后，克拉格选择了进一步深造，来到伦敦最著名的艺术学府皇家美术学院攻读硕士学位，研习雕塑艺术。在这所美术学院，克拉格与迪肯、伍德罗等一些颇有想法和追求的同龄学子成为好友。八十年代初，他们共同成长为英国雕塑界的中坚人物。照片启示托尼·克拉格在学艺初期就热衷于探索与实验。完成于1971年的《无题》可以为证。这是一件摄影作品：克拉格本人逆光站在海滩上，从他身后射来的阳光在他身前投下了比他本人大了不少的身影，就在这个身影旁，是  一个在沙上勾勒出来的人形轮廓。自然形成的身影与勾勒出来的身形，大小相同，形状相同，一明一暗地并排出现在海滩上，营造出一种奇特的视觉效果，令人生发出种种联想。那勾勒出来的身形是克拉格的幽灵吗？
《无题》这件摄影作品，实际上与绘画是相似的。它的景象属于二维的平面，和此后克拉格的雕塑创作有不小的区别，但体现在《无题》中的一个特点被克拉格的雕塑继承下来了，这就是在地面上展现和布置作品的主体。看一下《无题》的场面，不难明白无论是投下的身影，还是勾画的身形，都展现在地面上，就连创作者本人也置身在地面上。这样的做法，此后数十年反复出现在克拉格的雕塑创作中。
从事了一段时间的摄影后，克拉格的兴趣很快转向属于三维的立体世界的雕塑。出现在七十年代中后期的一系列作品，如《无题》（1974年）、《无题》（1975年）、《堆》（1976年）、《无题》（1977年）、《新石器——牛顿色调》（1978年）、《光谱》（1979年），都从不同角度体现出那时克拉格雕塑艺术的基本倾向和特点。
艺术媒介
材料世界托尼·克拉格对艺术问题和社会问题的思考具有很强的理性精神，这可能与他出身于一个电气工程师的家庭及他早年在一天然橡胶研究所实验室工作的经历有关，他对艺术创作的理解和实践敏感并重视于材料、介质、比  例、生成、技术、计算机等。他的作品，往往应用现成品、废弃物、工业社会制品，利用那些在当代社会环境中常见的物品和材料，也包括塑料、陶瓷、石膏、木材、钢铁、玻璃、聚氨酯、石头、铜、橡胶、水泥及新出现的材质，当代社会文化及物质环境，其突出特点是产生和存在着丰富的材质，并可能自由应用发挥，从而形成艺术创造的新面貌和新观念。
从杜尚等对现成品的创造性应用，到层出不穷的工业制品、废弃物及新的材料、科技介质等等，构成了眼花缭乱的艺术创造的“材料”世界，而艺术家如何在自由的选择应用不同介质的“材料”的同时，一方面挑战和超越材料及技术所存在的形而下的条条框框，而创造出材料潜在和超潜在的美学价值；另一方面，又能够赋予这样的“材料”以新的与人、与社会、与现实相关的感觉、情感、观念、思想，也就是说，赋予“材料”以活脱脱的生命。托尼·克拉格的艺术，正是体现了他作为一位当代艺术家对时代的“材料”的超越性理解和表达。他早期作品利用废弃物、塑料等，构造着的是对这样的“材料”本身的颜色、形态、质感的美感的发现，及由这样的“材料”在特殊的空间存在中所体现的与人的生命状态之间的关系；而后期的作品使用的聚氨酯、合成木材、化学合成物、石膏、玻璃，以及钢铁、铜、石头等等，更体现了他对“材料”新的潜在的美学价值的挖掘，且当代社会学丰富内涵的表现。这样的独特性和创造性，使得托尼·克拉格被放到当代艺术史的格局中来论述和定位。大化腐朽托尼·克拉格那保持着团块形状的《堆》，完全是由不同的现成品堆积起来的，而并非以传统的雕或塑的方式创作。同样，更能显示克拉格艺术特色的《光谱》等作品，也是用形形色色的现成品完成的。《光谱》鲜明地体现了克拉格独特的艺术风貌。克拉格在地面上用数不清的废弃塑料制品（其中大部分是破碎的残片）排列成一个长方形的图案，让这些不同颜色和形状的现成品呈现出光谱的色彩系列。这件展现在地面上的作品，精妙、优  美、轻快，洋溢着热爱生活和创造的气息，在观者眼前呈现了一个富于艺术情趣的新景观。
托尼·克拉格说：“不同材料，如石、青铜、铁等的应用，被视为技术发展的象征。我们对材料的应用已远达最为错综复杂的大自然的放射性元素和生物化学材料，尤其是化学的稳定聚合物——塑料已证明是可利用的。由于人与土、水、木、石、某些金属之类的材料有着长久的联系，所以它们已经引发了丰富多彩的情感和形象。然而，随着它们越来越多地以综合的、工业的形式出现，对这些材料的感受发生了变化。在自觉的层面上，或在更为重要的不自觉的层面上，生活在这些材料和众多全新的其它材料中，对我们意味着什么呢？”
或许这就意味用身边的这些新材料进行艺术创作，开发潜伏在它们之中的各种可能性。在雕塑创作上，托尼·克拉格反复应用工业化社会所产生的那些由新材料制作的现成品或其废弃物，显然，这种做法正是艺术家本人对其生存环境、生存状态的一种艺术响应。成品再造进入八十年代，托尼·克拉格以现成品、废弃物为材料的创作在继续发展。《五种物品、五种色彩》（1980年）、《树》（1980年）仍然保持着在地面上放置现成废弃物的方式，但在整体组合上有了变化，呈现出更加自由、更为多样的形状，不再局限于以往常见的那种长方形。但更为显著的变化，是由《站在椅子上的自塑像》（1980年）、《警察》（1981年）、《北极星）（1981年）、《印度之月》（1982年）、《家》（1982年）  之类的作品体现出来的。创作这些作品时，克拉格把它们从地面移到墙面，从而形成了一种有别于《光谱》、也有别于《五种物品、五种颜色》的景象。出现在观者眼前的是接近于绘画的浮雕状作品。这些新形态的雕塑，依然利用克拉格偏爱的废弃塑料之类的材料。雕塑有时呈现具象的特点，有时则呈现抽象的品质。例如《警察》就是由形状不一、大小不等的塑料废片组成的一个站立者的形象，它的外观与生活中的警察很相似。同样，《印度之月》也是用塑料废片组成的一弯新月。而《北极星》就明显地带有着几何形抽象美术的特征，不是自然形象的模仿。从此后的克拉格雕塑判断，非写实的抽象趋势占据着绝对主导的地位，个别的写实性作品远不能体现他的成就。抽象实物托尼·克拉格充满着探索新事物、创造新作品的热情和活力。完成了那些在地面和墙面上展开的、不具有突出体量感的开放式雕塑作品之后，他又把注意力投放在那种更具体量感的、更富内敛性的雕塑创作上。《灰色的容器》（1983年）、《出租车！》（1983年）、《大山》（1983年）、《晚祷》（1984年）、《圆形物》（1985年）、《伏特安培欧姆》（1985年）、《海边风景》（1985年）、《工具》（1986年）、《遭侵蚀的风景》（1987年）等，均不同程度地反映了克拉格的新风。创作这些作品时，克拉格虽然保持着利用现成品的基本原则，但选择的范围更加广泛，往往倾向于在一件作品上使用多种现成品材料。正如他本人表明的，“我不忽视其他材料。我利用每种东西，但我更钟爱那些人用过的东西。”以《灰色容器》为例，整个作品就是由玻璃瓶、  木板、木箱、砖头、颜料构成的。塑料不再占据以往那种至高无上的专断地位。一些传统常用的材料，如石、木、金属，更多地出现在这些作品上。当然，它们主要还是以现成品、废弃物的形态出现的，仍然与传统的雕与塑的手法有着本质的区别。如果说这些作品在哪些方面与传统雕塑最接近，或许就是那种类似架上绘画的独立性和整体的体量感。《晚祷》和《伏特安培欧姆》可以为证，尽管它们明显属于二十世纪抽象雕塑的范畴。
艺术特色
匠心独运托尼·克拉格的《挤压品》不再沿袭现成品的创作观念，也不再由已成型的工业制品或废弃物构成。克拉格在这类创作中，回归了历史悠久的泥塑传统，在榆木基座上，以如同挤牙膏的方式，用石膏这种古老的材料，塑造出自由多变的雕塑形态。从它那处处体现着制作过程的众多细节和不同肌理上，从它那富于起伏变化的、节奏有致的整体造型上，均能领略到创作者不同凡响的想象力和艺术感。在作于同年的《无题》上，克拉格用水泥这种更坚固的材料，营造出与《挤压品》相似的堆积而成的美妙视觉效果。裂痕的巧妙运用，为作品添加了自然和古朴的意味。
尽管在色彩上具有同前述两件作品接近的单纯和朴实，但在造型上，《果瓶》这件以青铜铸成的雕塑呈现着  截然不同的艺术效果。它圆润的形体由六部分套装而成。遍布各层瓶体的相同圆孔，赋予作品整体一种精致、工整、和谐、通透的效果，具有理性的美感。与《果瓶》相近，《初期的形》也是由几部分组成的，它同样具有一种理性的美感。用木板拼合而成的几何形体显然需要精心的设计制作，不可能有什么随心所欲、自由发挥的余地。从这个角度看，它可划为《果瓶》的同类。但与套装在一起的《果瓶》不同，它的几个部分呈分立状。注视着这件带有图腾意味的建筑般的雕塑，不禁会生出一种仪式般的感觉，引发出神奇的联想。
处在后现代主义时期，托尼·克拉格的艺术追求总体上是与时代艺术风尚协调一致的。这既体现在他不拘一格的创作手法上，也体现在他广泛运用现代社会的各种材料上，当然更体现在他站在所处的物质和精神环境中努力以创造者的目光观照艺术活动上。面对着克拉格一件又一件的雕塑作品，我们会清楚地感到其创作是多么丰富多彩，多么富于诗情和奇思妙想，不时会有意外的惊喜。
托尼.克拉格并不希望自己的称谓是艺术家，在他的心中，如果公众称他为雕塑家他会觉得更为开心。在他的艺术创作道路上并没有什么好直接挖掘的，因为他最初只是一名做研发的技术工程师，可以说与艺术毫无关系。但是，天生对色彩敏感的他喜欢收集一些五彩缤纷的碎片，而且他喜欢对这些碎片进行一些艺术处理，比如拼接、堆积等等。也是在这种爱好的日益蓬勃增长之下他开始去学习雕塑，并声名逐日增浓。也因为他的独特艺术思想，他能伟大地赋予众多材料艺术生命力，而研究材料也正是这位伟大的雕塑大师独特的艺术风格。他会运用各种各样的材料来创作出一些千奇百怪的艺术效果，而这也是公众在欣赏作品觉得会迷茫的地方。托尼.克拉格把他的艺术风格建立在对材料的处理和运用的基础上，使得在普通公众眼中那些无关联无生机的材料在他的艺术打造下变得生机勃勃起来。景观之碑托尼·克拉格的创作面目是丰富多彩的。除了经常从事的室内雕塑，他还涉足室外雕塑。《郊区》中那些制作精美的木质几何形与橡胶几何形巧妙而又和谐地组合成一个整体，给四周的环境增添了一个动人的景观、一种盎然的生机。观看它们闪耀着人工润饰光泽的美妙形状，不禁会忆起早期现代主义雕塑大师布朗库西的艺术。托尼·克拉格在二十世纪九十年代中期的创作继续带来。规模巨大、带有纪念碑特征的雕塑，此时似乎更吸引克拉格。《每日的面包》（1994年）、《快粒子》（1994年）、《团结的美国》（1995年）等作品均是例证。
建在维也纳新城的《每日的面包》是一件高达八米的大型室外雕塑，具有明显的纪念碑性质。托尼·克拉格利用易于成型的铝材制作出一个个形态相似的太空人或机器人般的形象，并用它们巧妙地构筑起空灵通透的巨大  雕塑体。轻质的银色铝材与透空的形体相辅相成，自然而然地融入了蓝天和周围的空间，创造出一种奇妙的、上升的、欢欣的、壮观的艺术景象，引领观者超越平庸的日常生活，从凡俗之地进入神圣之境。
注视着《团结的美国》，难免会忆起托尼·克拉格早期那批在地面上展开的创作（如用塑料废品铺就的《光谱》），因为《团结的美国》也是在室内地面上展开的。不过，这件作品无论在制作方式上还是在艺术效果上，都跟《光谱》等有巨大差别。克拉格把加工成美国本土四十八个州版图形状的钢板放置在室内地面上。但在延续展开的过程中，有些钢板从地面竖起，靠在墙面上。四十八块钢板在错落有致的起伏变化中，有力地控制了整个室内空间，具有一种强烈的视觉冲击力。质地坚硬、色泽深暗、分量沉重的钢板，在形成这件雕塑的浩大气势上，发挥了良好的作用。乌有之物托尼·克拉格认为“雕塑能给人生的全部领域带来各种各样的变化”。把他这种看法与他说过的“或许我该坦承我正试图改善我生活的品质。我要找到对付它的办法”联系起来，大约会使你更相信上述对他创作意图的分析。
托尼·克拉格在提及自己的创作时说：“我制造形象和物体的初始意图曾是、现在依然是创造自然界或实用界并不存在的物体，它们能反映和传递有关这个世界的信息和感觉，以及我本人的体验。……这种冲动直接来自  我对自身所处世界的观察和体验，几乎不会出自文学或文化史。”
托尼·克拉格的作品如同一座座神尊矗立在那里，一种无名的旋律萦绕在作品之间。他的作品表现着充满矛盾的物体的几何理性美、充满幻想和诗意的材料与色差，常被认为有取代亨利·摩尔之势。同时托尼的雕塑作品在材质和制作工艺上具有着无穷的想象力。他总是对各种材质及工艺充满好奇，并不断测试，最终找出某一种材质和工艺最能使作品浑然天成。最后，城市垃圾，废弃的塑料，金属，各种容器等在他的作品中都可以化腐朽为神奇。这也是托尼·克拉格贯穿整个职业生涯中最为显著的特点。
“艺述英国”
2012年3月2日，“托尼·克拉格：雕塑与绘画展”在中央美术学院美术馆开幕，是英国艺术走进中国的“艺述英国”大型艺术节的活动之一。
这是托尼·克拉格第一次在中国举办展览，并将在北京，上海和成都三个城市巡展。这次展览的作品由托尼·克拉格亲自挑选，展出其过去15年的主要作品，共176件/组，其中雕塑作品49件/组、包括草稿、水彩等在内的纸本作品127件。展览除将在中央美术学院美术馆三层空间展示全部纸本及大部分雕塑作品外，还将有5件大型雕塑作品布置于美术馆户外空间，利用外墙、草坪和建筑的弧形结构营造出特别的氛围。
艺术概况
托尼·克拉格曾于1988年获得英国最重要的艺术家大奖——特纳奖(Turner Prize)，并于当年代表英国参加  威尼斯双年展。2002年获皮蓬布鲁克雕塑奖(Piepenbrock Award)。2007年获得日本皇家世界文化奖。2008年，他主持兴建的雕塑公园在伍珀塔尔落成。
从70年代起，托尼·克拉格成果丰富的创作活动一直由展览相伴着。几十年间，通过个展和联展的形式，他的作品频繁出现在世界各地许多城市的著名美术馆和展览会。群展·英国伦敦泰特美术馆
·法国巴黎蓬皮杜文化中心
·西班牙马德里国立博物馆
·德国慕尼黑现代美术馆
·德国柏林新国立美术馆
·瑞士伯尔尼美术馆
·比利时布鲁塞尔美术馆
·美国纽约现代美术馆  
·日本东京大都会美术馆
·意大利威尼斯双年展
·德国卡塞尔文献展
·俄罗斯第3届莫斯科双年展个展·英国苏格兰国立美术馆
·英国爱丁堡
·英国苏格兰
·捷克鲁道夫·斯坦纳和当代艺术
·卢森堡美丽新世界
·中国CAFAM泛主题展2011：超有机 
·巴黎卢浮宫举办个展（托尼·克拉格是首位在此举办个展的在世艺术家）
艺术自述
赋予材料价值我是个唯物主义者，我不信神，我相信材料、认为材料就是一切。雕塑的目的也是要研究材料世界，但不是  科学家那种根本性的研究，而是要赋予材料价值和意义。如果没有艺术，材料就没有意义，人也只是生存而已。只有有了艺术，生活才能变得不平凡。
我做学生时，发现了很多新的、可用于创作的材料，这主要是因为杜尚。杜尚说，一切材料都可以用于艺术，艺术家就满世界地寻找新的材料，特别是现代主义艺术家。19世纪时，用于雕塑的材料大概只有20种，后来就有了几百几千种材料用于雕塑，以至于人们一听说现代主义雕塑作品，就会想到“他用的是什么材料？”
在世界各地跑来跑去寻找新物品、新材料进行艺术创作的目的到底是什么？理论上来讲，每一种材料都可以用于艺术，但我感兴趣的不是发现新的材料，而是为材料寻找新的意义。政企不懂艺术过去50年，在全世界、当然也包括中国，艺术都取得了巨大的成就。上世纪60年代我在伦敦上学的时候，只有5家美术馆展出现代艺术作品，周末也就50-100人去画廊看展览，而且没有任何媒体对艺术进行报道。后来随着艺术市场的蓬勃发展，办展、收藏、通过艺术来创造财富都变得更加容易了，但有一点却变得更难，那就是：成为艺术的学生。整个艺术界变得过度商业化，我们看到，有很多企业、政府、银行都在参与艺术活动，但他们根本不了解艺术的本质。  
艺术最伟大之处在于，它没有“有用性”，不会有人告诉你说“这个艺术品是很有用处的”。要是说这种话，这个人恐怕不是艺术家，而是设计师。艺术所做的事情，是完全摆脱工业主义的。它是复杂的、无用的，但它是一个令人激动的东西——那就是它的价值所在。
正是这些外部世界的干扰，使得年轻艺术家很难专心于创作。我对年轻艺术家的建议是，一定要找到你感兴趣的东西，必须是你自己真正感兴趣的，而不是别人感兴趣或者别人告诉你的，不管是植物学、建筑学，还是复杂的高等数学或者是社会学。而找到感兴趣的事情后，就必须学习它、研究它。弃科研搞艺术1969年我毕业后，就开始在实验室进行生物化学方面的工作。那个实验室的味道真的很难闻，待了很短一段时间后，我对科学研究的幻想很快消失了。为了消磨时间，我就开始学习绘画。当绘画变得比实验室的工作更重要时，我觉得我的生活应该向前走了。于是我离开了这个实验室，报名去上了艺术学院。在那里我发现了我想要发现的东西，想要学的东西。
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