标题：利盖蒂
个人履历
利盖蒂，Gyorgy Ligeti，1923—2006，先锋音乐代表人物之一，是继[1]过后，匈牙利最重要的音乐家。作为匈牙利犹太人的后裔，他在匈牙利接受音乐教育，该国音乐深深植根于他的血液之中，并对他以后的创作产生了深刻影响。
盖利蒂六岁时，全家迁居罗马尼亚的第二大城市克罗日，在这里他第一次看到了歌剧，第一次听到了音乐会，这些都促使他日后对音乐的迷恋。青年时期，利盖蒂在克劳斯堡音乐学院随匈牙利作曲家福尔考什（Ferenc Farkas）学习作曲、和声与对位。二战以后，他重新考入布达佩斯音乐学院，师从瓦雷兹（S. Veress）和福尔考什，恢复了他的作曲学业。1950年，利盖蒂以优异的成绩毕业，次年留校任教，直至1956年。1956年，由于政治原因，利盖蒂逃向了西方，并结识了西欧先锋派的一批领袖人物，如施托克豪森、艾默特（H.Eimert）等。1971年利盖蒂当选为奥地利“国际现代音乐协会”（ISCM）的副会长，1975年被授予德国勋章和汉堡市巴赫奖，1986年获得格文美尔奖（Grawemever），1996年被授予国际音乐会议奖。
音乐创作
于利盖蒂的音乐创作，英国著名音乐学者保罗·格利菲斯在他为《新格罗夫音乐与音乐家辞典》所撰写的“利盖蒂”条目中将其划分为三个时期：一是匈牙利时期；二是从1956年至歌剧《伟大的死亡》；三是自歌剧《伟大的死亡》以后。 匈牙利时期这一时期利盖蒂的音乐创作在内容上具有民族化的倾向，创作技法上虽然保留着传统调性，但半音化的处理方式已使调性建立得不那么牢固了。在体裁上主要涉及有合唱、钢琴独奏与重奏、室内乐以及管弦乐等形式。这一时期的合唱作品主要有3首《维厄勒斯歌曲》、4首《婚礼舞曲》、5首《阿尼拉歌曲》等。这些作品在歌词内容上与匈牙利紧密联系，在音乐上除吸取了匈牙利民歌旋律音调外，和声上还受到了文艺复兴时期意大利牧歌作曲家，如拉絮斯、杰苏阿尔多等的影响。器乐作品的创作包括钢琴作品《夜晚和早晨》《两首随想曲》《莱切卡组曲》和《第一弦乐四重奏》等室内乐作品。这些器乐作品在音乐风格上比较接近巴托克和欣德米特，创作技法上喜欢采用结构展开的手法，例如，在《第一随想曲》中，作曲家利用动机的变奏、重复和衍展等方法促进音乐的发展，音乐织体强调线条感、层次感，利用对比复调的手法，使多个声部很好地结合在一起。《莱切卡组曲》是利盖蒂在匈牙利时期的一部重要的实验性作品，创作于1951至1953年间，作曲家试图通过莱切卡这一古老的器乐体裁形式，对新的音乐语言的组织方式进行尝试。整首作品分成十一个段落，前七段分别建立在作曲家设定的1个音、3个音、4个音、5个音、6个音和7个音的基础上，通过组合、变化、发展来进行音乐创作，实现作曲家原定的音乐构思。作曲家在此仿效了巴托克《小宇宙》的创作形式，表达了对巴托克的怀念之情。 从1956年至歌剧《伟大的死亡》1956年，利盖蒂到了奥地利，开始了他在西方的音乐创作。初到异国的艰苦生活并没有压倒利盖蒂，在施特克豪森、艾默特等电子音乐大师的帮助下，利盖蒂加入了设在德国的著名的科隆电子音乐实验室。此后，利盖蒂的创作受到了电子音乐创作思维的极大影响，产生了一批世界瞩目的作品，确立了利盖蒂世界级作曲家的地位。利盖蒂认为：“声音总会使他产生各种颜色、形式等方面的联想。反过来颜色、形式也会使他产生联想到声音。我写的是不纯的声音，受到了污染的声音。”②这一时期的重要作品有：管弦乐曲《幻影》（Apparitions）、《大气》（Atmosphères），合唱曲《安魂曲》《永恒之光》（16声部合唱曲），协奏曲《大提琴协奏曲》《长笛与双簧管双协奏曲》，弦乐队与13件乐器的《室内协奏曲等》等。此外还有一些管风琴曲、电子音乐作品、室内乐、钢琴曲、羽管键琴曲、竖笛曲和100只节拍器的《交响诗》等作品。这一时期是利盖蒂最重要的创作期，在他的作品中体现了利盖蒂一直追求的创新观念、永不停息的求索精神。 
管弦乐曲《大气》是利盖蒂的成名作，是受巴登的西南德国广播协会的委托，为悼念1960年9月25日在南非一个国家公园因车祸而丧生的英籍匈牙利作曲家塞伯（M.Seiber）而创作的。1961年10月22日在德国多瑙厄辛根首演。这部音乐被英国著名导演斯坦利·库布力克（Stanley Kubrick）用于科幻片《2001——太空漫游》的配乐，以此来描写充满神秘色彩的太空环境。 
关于《大气》的创作，利盖蒂本人是这样说的：“作为作曲家，我最基本的目标是使音乐形式的音响内容重新活跃起来。现代作曲中一些并不直接以音乐活动形式表现出来的因素，我认为都只是次要的……我认为重要得多的是发现新的音乐形式与新的表现方式。我个人的发展始于序列音乐，但今天我已超越了序列主义，在《大气》中，我试图排斥对待音乐的结构主义立场……建立一种新的音乐织体概念。在这类音乐中没有‘事件’，而只有‘状态’，只是一个没有人烟的，想象中的音乐空间。音色通常只是音乐形式的一种工具，现在却摆脱了形式而自成一体。”“……音乐是以一种新型的乐队声音来体现的，音响的织体是那样的稠密，以致交织在一起的一件件乐器的音响都融化在总的织体之中，而完全丧失了各自的个性。……总谱的开本因而也是不寻常的，用了87行谱表，因为弦乐器全部都用分奏，每个演奏员都各有一个声部。”③ 
利盖蒂试图摒弃传统的作曲方法和当时流行的序列音乐技法，通过一种新的音响组合方式来进行音乐创作，这种新的音响结构方式即“音块”（toneclusters）技法。“音块”就是把全音、半音或微分音叠置起来，而形成一种新的集合体。这种技法最初出现在20世纪初美国作曲家考埃尔的作品中，波兰作曲家彭德雷茨基也使用音块技法。到了利盖蒂手上，作曲家把“音块”技术发挥到了极致，全面地应用到他的创作之中。利盖蒂并不满足前人对“音块”比较自由的写法，比如，彭德雷茨基等作曲家在使用“音块”手法时，他们只给出了一个大概的发音范围，而对于“音块”中究竟包含多少音并没有明确地写出。利盖蒂采取了一种更为独特的写法，他不采用那种较为自由的、即兴式的作法，而是对需要演奏的每一个音和每一个细微的节奏都准确地写了下来，同时把“音块”的音域进一步扩大，形成了一种独特的利盖蒂式的“音块”手法。其中，应用了利盖蒂所创造的独特技法——“微复调”手法。 
何谓“微复调”？“微复调”具有怎样的特征？关于这一问题，利盖蒂本人曾经这样解释：“我把这种作曲技法称作微复调，是因为每一个单独的音响事件都潜藏在这个模糊的复调网中了。这个织体如此的稠密，以至于每一个单独的声部本身已不再被听得到，而人们能够感觉到的只是作为高一层次的整个织体。”④上海音乐学院陈鸿铎教授在论述《利盖蒂微复调写作技法初探》一文中，对“微复调”作了深入详尽的论述。通过分析，陈教授认为利盖蒂“微复调”手法的典型特征是：“1.微复调是建立在先行声部与模仿声部同时进入的模仿复调基础上的，这种模仿是这种多声部织体的一种组织手段。模仿的形态既可能是单一的，也可能是多种模仿形态的混合。2.声部划分以单件乐器为单位，它是微复调的‘微’在配器法上的具体体现。3.各声部应具有旋律性的运动（即在音高上有起伏变化），但旋律的进行基本上限于较小的音程范围内，这是微复调的‘微’在横向上的体现。4.纵向上每个相邻的声部之间都保持在二度的距离以内，这样就使整个织体构成一个密集的网状，这是微复调的‘微’在纵向上的体现。5.在节奏上每一个声部都有极细微的差异，即任何一个声部在节奏上都没有任何相同之处，尽管这些微小的差异有时已让人无法分辨，这是微复调的‘微’在节奏上的体现。”⑤通过这样的描述，我们可以看到利盖蒂运用他那细致、精密、独特的手法从配器法、节奏以及纵横交错的声部，为我们编织了一幅包罗万象、色彩斑斓的音乐网。这一技法在《安魂曲》中也得到了极其广泛的应用，利盖蒂把“微复调”的技法创造性地运用到了声乐作品。 自歌剧《伟大的死亡》以后这一时期是利盖蒂创作最为成熟的阶段，无论创作的构思、观念，还是创作的技法、手段都达到了相当的境界。这一时期利盖蒂所创作的作品主要有钢琴协奏曲、小提琴协奏曲、中提琴奏鸣曲、由六声部演唱的《无聊的牧歌》、圆号三重奏《怀念勃拉姆斯》、钢琴练习曲（共三卷）等。 
下面以利盖蒂的《钢琴练习曲》第一卷的第一首为例，来观察利盖蒂在这一时期创作出现的新变化。利盖蒂共写了三卷钢琴练习曲，前两卷每卷各有6首，第三卷写了3首。从这些钢琴练习曲的创作构思上看，利盖蒂似乎在寻求一种新的音响组织方法，他一改往常喜欢采用的诸如“音块”或“微复调”“旋律在小音程内变动”等技法，而主要建立在更为明确的调式、调性之上，和声也出现了大量的三度叠置的和弦结构。强调节奏在音乐创作中的作用，各种复杂交织在一起的节奏，左右手不同步的复节奏，以致多层不同节奏的叠置，改变了以往利盖蒂所注重的以追求“音色”效果为主要目的的创作手法，让听众觉得利盖蒂的探索，从某种程度上体现了他对传统音乐手法的回归。第一首练习曲从谱面上看，利盖蒂把左右手的音乐材料分布在两个不同的调上，右手是没有任何升降记号的调号，而左手有五个升号，节奏上的复杂变化是这首练习曲的主要特点之一。从构思上看，作曲家试图制造出一种如练习曲标题所示的“混乱”效果，种种复节奏的变化、两只手重音点的交错变化、在音乐速度极快的情况下，两只手在瞬间要求做到的节奏、重音转化，虽然满足了作曲家的创作欲望，却给演奏者带来了前所未有的巨大挑战。难怪钱仁平先生在听了瑞士日内瓦室内乐团的一位女钢琴家，演奏这首练习曲的现场音乐会后写到：“那位孱弱的女钢琴家弹完《钢琴练习曲》第一卷的第一首时快挺不住了（幸好节目单中也只准备了一首）。她的眼睛紧张地盯着乐谱，一秒钟也不曾移开，对应着双手，左右肩不停地交错抖动。虽然那时我对这套作品的信息全无，更谈不上有乐谱，但我能感觉的是利盖蒂的左、右手声部各不相同的序列折磨着她。……直到一年前，我从赵晓生教授手中获得这套作品的复印件，我才真正知道那位女钢琴家的了不起，利盖蒂的了不起！”
可见，利盖蒂的钢琴练习曲无论从他的创作观念、创作手法还是从实际的演奏效果，都体现出了他在这一时期创作上的转变，他的创新精神永远激励着他不断地追求新的探索、新的实践。特别是成名后的利盖蒂，仍旧保持着如此旺盛的创作激情，时时处处从他的思想里喷发出前人所没有的火花，深深地影响着其身后的音乐创作实践。 
2006年6月12日，伴随着他心爱的音乐创作事业，利盖蒂的心脏永远地停止了跳动，对于利盖蒂的去世，德国著名的朔特音乐出版公司在其网页上评价道：“乔治·利盖蒂的去世，使我们失去了一位20世纪最伟大的作曲家。”虽然利盖蒂走完了他传奇的人生历程，但是他一生对音乐的不懈追求和探索给20世纪的音乐创作指明了方向，开辟了道路。 
音乐风格
“微型复调”技术利盖蒂的早期乐队作品《幻象（Apparitions，1958-1959）》为他赢得了最初的声誉；随后的《大气（Atmospheres，1961）》中，一个4管编制的大型交响乐队被分成88个独立的声部来使用，并制造了极其复杂而且庞大的音响空间。这种以浓密的织体形式出现的作曲技法，拓展了现代音乐的发展空间，繁复的复调写作特征使这种技法被命名为“微型复调”。《交响诗篇（Poème Symphonique，1962）》中，他使用了100个节奏不同的节拍器同时运作，这部作品从更极端的意义上阐述了他的“微型复调”理论。从此，利盖蒂在技术观念上的创新，成为很多先锋派作曲家纷纷效仿的典范，他的“微型复调”技术也被很多作曲家广泛运用在各种现代音乐作品创作技法中。创作风格最多变的时期60－70年代，是利盖蒂创作风格最多变的时期，尤其是70年代他的作曲风格变得简洁、明朗。他创作了被誉为20世纪后半叶最重要的歌剧作品之一的《大骷髅舞》。晚年他为钢琴、小提琴、圆号创作了数部协奏曲，还写了2首弦乐四重奏和18首钢琴练习曲。其中钢琴练习曲融入了非洲鼓乐元素，发展出了一套新鲜而复杂的多旋律技巧，人称是20世纪末最重要的钢琴音乐。1986年他赢得了音乐界的诺贝尔奖——格文美尔古典作曲大奖，且将15万美元的奖金资助给了年轻作曲家。 在利盖蒂的作品中最为公众所熟悉的当数电影大师库伯里克执导的《2001漫游太空（1968）》音乐。片中音乐使用了利盖蒂在60年代两部具有代表性的作品《安魂曲》1963-1965）和《大气》（1961）的片段。
利盖蒂在1974—1976年的两年时间中，完成了他唯一的一部舞台作品《伟大的麦克白》。为了可以和观众更加直接地交流，作品中出现了很多荒谬的黑色幽默片段。利盖蒂认为：舞台动作和音乐应该是带点危险并且看上去异乎寻常，这需要绝对夸张和疯狂的效果。这部时间长度为2小时的4幕歌剧，是他这一时期作品风格更加简洁而且日趋成熟的完整体现。 回归调性音乐领域上个世纪80年代，利盖蒂的创作风格又一次发生了转变，他开始回归到调性音乐的领域当中。利盖蒂说：“我不再在意那些所谓先锋派或者传统规则的摆布”。在利盖蒂90年代以后的创作中，他从非洲音乐中寻找出新的音乐灵感，将节奏的因素发展成复杂的复调节奏技术，创作了可以称为20世纪钢琴作品经典的三册《钢琴练习曲》集。但是由于这套作品使用了非常复杂的节奏对位技巧，对于未经过苛刻训练的演奏者几乎无法完成，所以能够真正演奏好这套练习曲的钢琴演奏家为数极少。 
纵观利盖蒂的创作轨迹，可以看出他创作的一系列转变都是他不停探索，勇敢寻找音乐发展道路的结果：从初期对罗马尼亚民歌的使用到早期调性音乐，又发展到微型复调作曲技法以及后期的复调节奏作曲技法。　
著名作品
《幻象（Apparitions，1958-1959）》
管弦乐《气氛》（Atmosphères)
《交响诗篇（Poème Symphonique，1962）》
歌剧作品《大骷髅舞》。
舞台作品《伟大的麦克白》。
《永恒之光》（Lux Aeterna）利盖蒂1966年为16个独唱家或16声部的合唱队而作