Dookie

est le troisième album studio du groupe californien de punk rock Green Day, sorti le . Premier album du groupe produit par un label majeur, Reprise Records, il est enregistré en trois semaines aux studios Fantasy avec le producteur Rob Cavallo à la fin de l'été 1993.

Apprécié des critiques musicaux, l'album est porté par les singles  et . Il connaît un succès commercial inattendu, atteignant notamment la  du classement  et remportant même le Grammy Award du meilleur album de musique alternative. Il se vend à plus de vingt millions d'exemplaires à travers le monde et est désormais disque de diamant aux États-Unis et au Canada, ainsi que détenteur de certifications dans de nombreux autres pays. La tournée qui accompagne l'album est émaillée par quelques incidents et excentricités du trio.

Après plusieurs années dominées par le grunge, le disque apporte un son plus vif et plus mélodique, avec des paroles sans prétention qui touchent un public universel et permet au groupe d'accéder à une popularité mondiale. Considéré comme l'un des albums marquants des années 1990 et du rock en général, il relance également l'intérêt du grand public pour le punk et influence une nouvelle vague de groupes reliés à ce mouvement, tels que Blink-182, Sum 41, Rancid ou encore Fall Out Boy.

Génèse

Contexte 

Billie Joe Armstrong et Mike Dirnt, amis au collège, forment le groupe de college rock Sweet Children à 14 ans en 1986 dans la banlieue d'Oakland et commencent l'année suivante à se produire sur la scène du club punk du 924 Gilman Street, à Berkeley. Ils y rencontrent John Kiffmeyer d'Isocracy et celui-ci les rejoint à la batterie en 1988, permettant à la formation de gagner en exposition. Ils obtiennent ainsi un contrat avec le label indépendant Lookout! Records cette même année, publient leur premier maxi  en avril 1989, puis deviennent Green Day fin mai en raison de leur affection pour le cannabis. Leur premier album studio, , sort un an plus tard. Kiffmeyer quitte la formation fin 1990 pour entrer à l'université. Armstrong et Dirnt approchent alors Tré Cool pour le remplacer temporairement, puis définitivement après la sortie du deuxième album, , en janvier 1992.

Avec le succès rencontré dans le milieu indépendant par leurs deux premiers albums, vendus à  chacun, Green Day attire l'attention d'importants labels tels que Sony, Warner, Geffen et Interscope. Le groupe se sent alors prêt à signer pour une major, Armstrong expliquant : . Ils déclinent plusieurs propositions parce qu'ils souhaitent garder le contrôle artistique sur leurs chansons et ne veulent pas qu'on leur impose une vision qu'ils ne partagent pas, jusqu'à leur rencontre avec Rob Cavallo, A&R pour Reprise Records, filiale de Warner. Après les avoir auditionnés pendant quarante minutes sur des reprises des Beatles, Cavallo prend sa guitare et l'audition tourne à la jam session. En plus du fait qu'il sache jouer, Armstrong est impressionné par son travail avec The Muffs, un autre groupe de punk rock californien. Ils affirment plus tard qu'il . Le groupe se sépare à l'amiable de Lookout! et signe en avril 1993 un contrat avec Reprise pour cinq albums, avec Cavallo en producteur sur le premier, contrat qui prévoit de plus que Lookout! conserve les droits de leurs deux premiers albums. Cela leur vaut d'être considérés comme des vendus par nombre de fans de la première heure et par la scène punk locale, dont le très influent fanzine Maximumrocknroll.

Enregistrement et production 

Après un dernier concert en tant que groupe indépendant le 24 septembre 1993 au 924 Gilman Street, Green Day réalise une démo des chansons , ,  et  sur le magnétophone quatre pistes d'Armstrong et l'envoie à Cavallo. Celui-ci a le sentiment qu'il est  et accueille le groupe aux studios Fantasy de Berkeley pour trois semaines à la production. Il reconnaît néanmoins que le trio a du mal à se libérer et explique qu'ils . Pour détendre l'atmosphère, il les invite au bar du restaurant mexicain en bas de la rue, même si Tré Cool n'a pas encore l'âge légal pour boire de l'alcool. Armstrong admet qu', d'autant plus qu'ils avaient entendu que des labels disaient à des groupes . Ils se sont dit . L'expérience se passe finalement bien et le chanteur explique que ça lui a permis . Armstrong enregistre le chant de seize ou dix-sept chansons en deux jours, la plupart en une seule prise. Pour , Cavallo teste un fond sonore avec la voix d'un médecin qui parle de l'impuissance sexuelle, mais cette version n'est pas retenue.

L'album est ensuite mixé deux fois fin 1993 à Los Angeles par Jerry Finn, car le groupe et Rob Cavallo ne sont pas satisfaits de la première version. Armstrong affirme que le groupe voulait créer un son très sec, . Parmi les morceaux non retenus pour l'enregistrement de l'album figure , qui sera l'un des singles de l'album  (1997).

Parution et accueil

Sortie, promotion et succès commercial 

Alors qu'ils répètent dans la maison qu'ils louent à Berkeley à la fin de l'année 1993 en prévision de la tournée, le groupe est convié dans les locaux de la Warner à Los Angeles pour définir la stratégie marketing autour de l'album avec le directeur de la branche de l'époque, George Weiss. Celui-ci s'attend à rencontrer trois jeunes méprisants, alors qu'ils sont en réalité intimidés d'être invités dans . Ils discutent notamment du clip du premier single, , réalisé par Mark Kohr et dont le but est de présenter le groupe au monde, ainsi que des espoirs autour de l'album : Cavallo espère alors en vendre au moins , tandis que Tré Cool ambitionne le demi-million. La Warner sous-estime cependant la demande. Quand  est publié le , les  exemplaires sont rapidement vendus, l'album se retrouvant en rupture de stock. Les ventes sont malgré tout modestes et ce n'est qu'avec la diffusion du clip de  sur MTV, à partir du 22 février, que l'album commence à attirer l'attention, entrant peu après dans le classement Billboard 200 à la . Weiss explique qu'il y a plusieurs facteurs qui expliquent la réussite d'un disque et pour lui,  en est un majeur.

En mars, le groupe fait des apparitions dans les émissions télévisées Late Night with Conan O'Brien, The Jon Stewart Show et  sur MTV. Les ventes s'envolent ensuite, le disque se classant deuxième du Billboard 200, premier des classements de ventes d'albums en Australie, au Canada et en Nouvelle-Zélande, et figurant dans le top 10 de l'Allemagne, la Finlande, la Norvège, les Pays-Bas, la Suède et la Suisse. En revanche, il ne dépasse pas la treizième place au Royaume-Uni, et la dix-neuvième position en France.  est certifié disque d'or aux États-Unis le 14 juin 1994, soit plus de  vendus en quatre mois, puis disque de platine le 17 août. Le Time aborde cette réussite dans une de ses éditions de juin, en expliquant que , évoquant .

En août,  paraît en tant que second single de l'album, le clip passant rapidement en boucle sur MTV. Début septembre, Green Day est nommé à trois reprises aux MTV Video Music Awards de 1994 pour le clip de . Le groupe interprète pendant la cérémonie le titre inédit  (présente sur l'album suivant), mais en repart bredouille. En octobre, la Warner estime que  a le potentiel pour faire de bonnes ventes et être le troisième single, mais Armstrong refuse car le morceau évoque une partie de sa vie et il ne se sent pas capable d'en faire un clip et la promotion. La chanson n'est finalement diffusée qu'à la radio et y rencontre beaucoup de succès, sans pour autant être vendue au public. À la fin de l'année, la formation est invitée dans le Saturday Night Live de Don Pardo, tandis que  est élu meilleur album de l'année par les lecteurs du Rolling Stone,  étant  dans celui des singles. Lors de la  des Grammy Awards tenue le  à Los Angeles, Green Day est nommé dans quatre catégories : celle du meilleur nouvel artiste, celle de la meilleure prestation vocale rock par un groupe ou un duo pour , celle de la meilleure prestation hard rock pour  et celle de la meilleure prestation de musique alternative pour . Ils ne remportent que la dernière. La chanson  est publiée en janvier 1995 et le single reste en tête du Modern Rock Charts pendant sept semaines.

Sextuple disque de platine un an après sa sortie aux États-Unis,  y dépasse les dix millions de ventes et y obtient donc un disque de diamant le , après cinq ans de commercialisation. L'album a la même certification au Canada depuis le , avec plus d'un million d'exemplaires vendus. Il est également quintuple disque de platine en Australie, quadruple disque de platine en Irlande, triple disque de platine au Royaume-Uni, ainsi que disque d'or et de platine dans de nombreux autres pays comme la France. Avec plus de  d'exemplaires vendus à travers le monde en 2014, c'est le plus grand succès de Green Day à ce jour.

Accueil critique 

L'album est globalement bien accueilli par la critique. Stephen Thomas Erlewine, dAllMusic, lui donne  , le qualifiant d'. Jon Pareles, du New York Times, écrit que . Paul Evans, de Rolling Stone, estime que Green Day  et se montre , . Le site Sputnikmusic lui donne   et évoque des chansons , des lignes de basse  et un jeu de batterie  mais regrette que la deuxième partie de l'album comporte quelques chansons  comme ,  et .

Pour Robert Christgau, du Village Voice, le groupe contribue par son audace à faire vivre la musique punk, tandis que  et  que dans les albums précédents du trio. Helen Groom, de la BBC, évoque un album empli de  et cite , , ,  et  comme ses points culminants, à l'inverse des dispensables ,  et . Jesse Raub, dAlternative Press, estime que le groupe a pu bénéficier d'une  et qu'il  de cet . Pour le New Musical Express, avec  de l'album, . Marc Hogan, de Pitchfork, considère que les textes de Billie Joe Armstrong abordent  et qu'avec cet album  quelque part entre , Green Day a été pendant un temps .

Christophe Deniau, de Music Story, lui donne  , estimant que . Le site albumrock lui donne  , évoquant un . Le site forces parallèles délivre une critique négative, estimant que  et que seul  .

 Classements et certifications 

 Tournée 
Entre l'enregistrement et le mixage de l'album, le groupe assure la première partie de plusieurs concerts de Bad Religion, ce qui lui permet de tester en  ses nouvelles chansons, mais aussi de jouer pour la première fois dans des salles de deux à trois mille personnes. Green Day entame une tournée aux États-Unis deux semaines après la sortie de , utilisant pour leurs déplacements un bibliobus appartenant au père de Tré Cool. De fin avril à début juin 1994, la formation part pour une tournée européenne, jouant une quarantaine de concerts au Royaume-Uni, en Allemagne, au Danemark, en Belgique, aux Pays-Bas, en Italie, en Espagne et en Suède. Leur popularité n'est cependant pas encore mondiale ; ils se produisent ainsi devant seulement deux cents personnes lors de leur prestation en Belgique. Cavallo enregistre malgré tout quelques chansons pour montrer aux trois jeunes hommes leur évolution sur scène, et qui pourraient également servir pour des faces B.

Après quatre années de relations tumultueuses, Armstrong demande la main d'Adrienne Nesser courant juin. Sachant que la tournée les empêche de planifier correctement leur mariage et leur lune de miel, ils se marient le 2 juillet 1994 à Berkeley en petit comité (les deux membres du groupe et leurs copines), la jeune mariée découvrant le lendemain qu'elle est enceinte. Le trio rejoint ensuite la deuxième partie du Lollapalooza, où sa récente notoriété en fait l'attraction principale alors que la programmation les fait toujours jouer en ouverture de la scène principale. Ils ratent une date du festival itinérant pour se produire le 14 août au festival Woodstock '94, célébration pendant trois jours à Saugerties des vingt ans du célèbre festival original. Invité par les organisateurs pour gonfler les audiences, Green Day ne fait pas l'unanimité parmi les spectateurs, le punk ne correspondant pas vraiment au style musical de l'événement. Ainsi, alors qu'ils débutent tout juste leur concert par  après trois jours de pluie, le public n'apprécie pas le choix ironique de la chanson et lance de la boue sur le trio. Armstrong harangue la foule et cela dégénère en bataille de boue entre eux et le public, durant laquelle Dirnt est violemment projeté contre une enceinte par un garde de la sécurité qui l'a pris pour un fan, récoltant une blessure au bras et perdant deux dents. Diffusée en pay-per-view à des millions de personnes, cette prestation est fortement remarquée au niveau international et les ventes de  s'envolent de nouveau après celle-ci.

Le 9 septembre 1994, la formation se produit lors d'un concert gratuit à Boston devant une foule survoltée de plus de . Pendant la première partie, les fans crient déjà  et les organisateurs habitués aux groupes de reggae et de musique douce commencent à paniquer. Après plusieurs appels au calme dont quelques-uns d'Armstrong, le groupe débute sa prestation, mais le chanteur se laisse emporter par l'énergie du public et saute au milieu de celui-ci au cours du septième morceau, . Les forces de sécurité, débordées et craignant que les rampes d'éclairage ne s'effondrent, interrompent alors le concert en coupant le courant. Le chaos qui s'ensuit déborde dans les rues et provoque de nombreuses arrestations et blessures. Green Day revient en Europe au cours du mois d'octobre, avec un changement évident par rapport à la tournée printanière : les salles dans lesquelles ils jouent sont bien plus grandes et la ferveur y est bien plus présente. Malgré leur nouvelle notoriété, le trio continue de pratiquer une politique de prix abordables avec des tarifs compris entre cinq et vingt dollars l'entrée. Green Day invite personnellement Die Toten Hosen, le plus célèbre groupe de punk allemand de l'époque, et Pansy Division, groupe de queercore sous contrat avec Lookout Records, plutôt que ceux proposés par la Warner pour les accompagner sur la tournée nord-américaine. Celle-ci s'achève le 5 décembre au Madison Square Garden de New York avec un concert organisé par la radio Z100 pour la lutte contre le SIDA, pendant lequel Armstrong interprète la chanson  tout nu, sa guitare lui tenant lieu de cache-sexe. Dans une interview donnée à Entertainment Weekly mi-décembre, Armstrong explique qu'ils terminent l'année . Il ajoute qu'il .

 Caractéristiques artistiques 
 Thèmes et compositions 
L'album évoque essentiellement  à travers des textes sans prétention qui touchent un public universel, le tout sur une musique pop punk au tempo rapide. Ainsi, le protagoniste de , une chanson rock , n'attend plus rien de la vie et se tient au bord de l'autodestruction, résumant clairement son état d'esprit dès le premier vers :  (« je déclare que désormais je m'en fous »). Armstrong explique qu'.  est le récit d'un jeune homme prêt à se faire sauter comme un kamikaze, la colère du narrateur provenant d'une déception sentimentale. Armstrong change de technique de jeu entre les couplets et le refrain pour refléter la tension croissante, alors que l'attitude extrêmement égoïste du narrateur est remise en question au cours de la chanson et finalement condamnée.  évoque la haine totalement irrationnelle qu'on peut ressentir envers quelqu'un qu'on ne connaît même pas, le protagoniste concédant que c'est peut-être lui le crétin () au bout du compte. La guitare y a un son distordu qui rappelle le groupe Hüsker Dü, et la deuxième moitié de la chanson se résume à une jam session instrumentale à deux accords. traite de l'ennui et s'inspire de l'isolement que ressentait Armstrong à l'adolescence. Elle a par ailleurs attiré l'attention par ses allusions ouvertes à la masturbation. La chanson fait la part belle à la section rythmique, la guitare étant totalement absente lors des couplets, et s'inspire du blues et du jazz par son rythme shuffle. Dirnt affirme avoir composé sa ligne de basse, qui passe pour être la plus célèbre de la musique punk, une nuit où il était sous l'influence du LSD, les portions dont il se rappelait le lendemain figurant sur le morceau. Cavallo explique que les paroles chantées avec le nez .  est une reprise plus vive de leur deuxième album , réenregistrée avec un son moins granuleux. Elle parle de la difficulté de quitter le foyer parental et de perdre ses racines pour finalement s'adapter à son nouvel environnement, livré à soi-même et à la violence des rues. Commençant par un riff qui rappelle vaguement  de The Clash, cette reprise démontre ce qu'une . , l'une des chansons les plus calmes de l'album, évoque avec humour noir la violence domestique, le conjoint tenant ici le rôle de la victime. L'inspiration du groupe pour cette chanson a été une bataille d'oreillers entre Dirnt et sa petite amie qui s'est terminée pour le bassiste par un choc violent contre une poutre et un coude cassé., l'un des plus grands succès de Green Day, évoque sans se prendre au sérieux les attaques de panique d'Armstrong et le sentiment qu'il avait de devenir fou avant qu'on lui diagnostique ce trouble anxieux. Utilisant la technique du palm mute, Armstrong est le seul à jouer pendant le premier couplet et jusqu'à la moitié du refrain avant que les autres instruments n'entrent en scène dans ce morceau . Il passe volontairement de  à  dans le troisième couplet en évoquant une prostituée afin de faire comprendre que  et ajoute que le disque en général évoque beaucoup la bisexualité. ,  et  évoquent toutes les trois une ex-petite amie de Billie Joe Armstrong, partie en Équateur, alors que  parle de sa rupture avec une autre de ses petites amies, Adrienne Nesser, avec qui il se réconciliera et qu'il épousera quelques mois après la sortie de l'album. Présentant des ressemblances mélodiques avec  mais plus simple et rapide,  s'inspire de la pop des Beatles pour raconter l'histoire d'une jeune femme qui se sent prise au piège dans sa vie, combinant romantisme nostalgique avec énergie punk. Morceau plus ironique,  est un retour au style plus punk de  et évoque une relation amoureuse qui n'est au fond qu'une perte de temps pour les deux personnes. Chanson la plus pop de l'album et assimilée à une ballade,  (qui peut se traduire aussi bien par « Quand je reviens dans le coin » que par « Quand je change d'avis ») examine le double sens de son titre en racontant comment le protagoniste revient chez son ex pour réaffirmer qu'il est bien l'homme qu'il lui faut avant de remettre en question cette affirmation. traite de l'époque où Armstrong, alors adolescent, se cherchait encore sur le plan sexuel et n'avait pas d'orientation sexuelle bien définie. Elle exprime l'anxiété mais est surtout une . , écrite par Dirnt, évoque deux vieux amis qui se retrouvent par hasard et réalisent qu'ils ont tous deux beaucoup changé.  évoque la mère et le beau-père d'Armstrong, celui-ci reprochant à sa mère de l'avoir choisi. Brève, nerveuse, très simple au niveau des arrangements et aux airs de country, elle est jouée en staccato. , acronyme de , commence calmement avec Armstrong seul à la guitare acoustique avant de se terminer dans une explosion, le protagoniste y exprimant son dégoût pour une personne indéfinie. Après un blanc d'une minute, vient la piste cachée , qui est entièrement interprétée par le batteur Tré Cool au chant et à la guitare sèche, et qui clôt l'album de façon irrévérencieuse, le narrateur venant se masturber dans la chambre d'une autre personne en l'absence de celle-ci.

 Titre et pochette 
Le titre de l'album est un mot d'argot américain pour désigner la matière fécale et fait référence au fait que les membres du groupe souffraient souvent de diarrhée, qu'ils appelaient , quand ils étaient en tournée en raison de leur mauvaise alimentation. Le groupe voulait tout d'abord nommer l'album  avant d'estimer que c'était trop grossier. Armstrong explique que  et reconnaît que même si le titre a pu repousser des gens, ils l'ont globalement bien pris.

Lorsque le trio se rend à Los Angeles dans les locaux de la Warner pour discuter du marketing de l'album, le label souhaite profiter de l'apparence flatteuse des jeunes hommes pour afficher une photographie d'eux en pochette, mais ce n'est pas du tout la volonté du groupe. Weiss, le directeur marketing de Warner, explique qu'ils . Les illustrations sont par conséquent de Richie Bucher, membre d'un groupe de punk de Berkeley et artiste de fanzine. Elles représentent une bombe tombant sur la région d'East Bay. La Sather Tower, les raffineries de Rodeo, Patti Smith montrant son aisselle poilue comme sur la pochette de son album , une fusillade autour du cofondateur des Black Panther Huey P. Newton, la femme sur le premier album de Black Sabbath et Angus Young d'AC/DC figurent sur le dessin. Des amis des membres du groupe sont également présents parmi les personnages au premier plan sur lesquels des chiens et des singes jettent leurs excréments. Un chien pilote l'avion qui largue des bombes avec la mention  inscrite dessus, tandis que le nom du groupe est écrit en marron au centre de l'explosion. Bucher raconte qu'Armstrong lui avait seulement dit que l'album s'appellerait  donc il a travaillé autour du thème de la matière fécale : . Au verso des premières copies du CD figurait une peluche d'Ernest, l'un des personnages principaux de l'émission pour enfants 1, rue Sésame, qui a ensuite été retouchée pour ne pas risquer un procès.

 Postérité  est cité comme le deuxième album rock le plus influent des années 1990, après  de Nirvana, parce qu'il a permis de ramener le punk au centre de la scène musicale pour le grand public, avec  de The Offspring sorti deux mois plus tard. Le NME avance que . Lors du vingtième anniversaire de l'album, le Daily Beast partage cet avis, estimant qu'avant sa sortie . Le site web ajoute que le disque  et explique que . Beaucoup considèrent que c'est grâce à cet album que Blink-182, Sum 41, Rancid, Good Charlotte, New Found Glory ou Fall Out Boy ont pu profiter d'une longue carrière, et de nombreux membres de ces groupes le citent comme une influence majeure. Dans la liste des albums qui n'auraient pas vu le jour sans  dressée par le NME,  de Sum 41 et  de Blink-182 y sont d'ailleurs présents, avec  de No Doubt,  de My Chemical Romance ou encore  de Lady Gaga, qui explique que  est le premier album qu'elle a acheté et qu'elle décrit comme . Le succès international de leur album  dix ans plus tard y est évidemment lié.

Dès janvier 1998, l'album apparaît dans des classements établis par les magazines et sa popularité ne faiblit pas avec le temps. Ainsi, Kerrang! le place  de ses  à écouter avant de mourir. L'année suivante, Spin le place en  position de ses  albums des années 1990, tandis qu'il fait partie des enregistrements essentiels des années 1990 listés par Rolling Stone. En 2001, Spin le met  de ses  punk les plus essentiels. Le 17 mars 2002, VH1 lui consacre un épisode dans , une série télévisée autour des albums les plus influents de l'ère CD (après 1985). La même année, il termine en  des  albums définis par les lecteurs de Rolling Stone. En 2003, il figure à la  place du classement des 500 meilleurs albums de tous les temps établi par ce même périodique, présenté comme . Deux ans plus tard, Spin le classe  de ses  albums sur la période 1985-2005, tandis que le Rock and Roll Hall of Fame l'ajoute en  position de . Il fait partie des albums présents dans le livre Les 1001 albums qu'il faut avoir écoutés dans sa vie publié en 2006, avec en commentaire  grâce à une formule simple : . Cette même année, Consequence of Sound le met en  position de ses  albums de tous les temps et le décrit comme . Dans leur édition spéciale en 2006, Classic Rock et Metal Hammer l'ajoutent à leur liste des  albums des années 1990.  fait aussi partie de la Discothèque parfaite de l'odyssée du rock de Gilles Verlant et Thomas Caussé publiée en 2009, qu'ils décrivent comme un  avec .

En 2011, Rolling Stone le place  de son classement des  albums des années 1990, expliquant que c'est grâce . L'année suivante, le NME en fait son favori de la discographie de Green Day et évoque un album . En 2014, vingt ans après sa sortie, Rolling Stone le considère comme le meilleur des  devant  de Nine Inch Nails et  du groupe homonyme, rappelant que . La même année, Loudwire le met en tête de ses  albums de hard rock de 1994, expliquant que , et ajoute qu'il . L'année suivante, Kerrang! en fait son  meilleur album de pop-punk de tous les temps. En 2016, le NME place  en  position de ses albums de l'année 1994,  occupant la  place du classement équivalent pour les chansons. Rolling Stone le met  de ses  albums punk de tous les temps. Fin 2017, le périodique le classe de nouveau en tête des  albums de pop-punk, estimant qu'.

 Fiche technique 
 Liste des chansons 

 Crédits 

 Interprètes 
 Billie Joe Armstrong : chant, guitare
 Mike Dirnt : basse, chœurs
 Tré Cool : batterie, chant et guitare (sur '')

 Équipe de production et artistique 
 Rob Cavallo et Green Day : producteurs
 Neill King : ingénieur du son
 Casey McCrankin : ingénieur du son additionnel
 Jerry Finn, Green Day, Rob Cavallo : mixage
 Richie Bucher :  pochette
 Ken Schles : photographie

 Articles connexes 
 Liste des albums musicaux les plus vendus

 Références 

 Ouvrages 
 

 

 

 Autres ouvrages'''

Articles de presse

Autres sources 

Album de Green Day
Album musical sorti en 1994
Album numéro un en Australie
Album numéro un au Canada
Album numéro un en Nouvelle-Zélande
Album numéro un au UK Rock and Metal Chart
Album publié par Reprise Records
Album certifié triple disque d'or en Allemagne
Album certifié disque de platine en Argentine
Album certifié quintuple disque de platine en Australie
Album certifié disque de platine en Autriche
Album certifié disque d'or en Belgique
Album certifié disque d'or au Brésil
Album certifié disque de diamant au Canada
Album certifié disque de platine en Espagne
Album certifié disque de diamant aux États-Unis
Album certifié disque d'or en Finlande
Album certifié disque d'or en France
Album certifié quadruple disque de platine en Irlande
Album certifié disque d'or en Italie
Album certifié disque de platine au Japon
Album certifié disque de platine en Nouvelle-Zélande
Album certifié disque d'or en Pologne
Album certifié triple disque de platine au Royaume-Uni
Album certifié disque d'or en Suède
Album certifié disque d'or en Suisse
Album produit par Rob Cavallo
Grammy Award du meilleur album de musique alternative
Album enregistré aux studios Fantasy