Cimabue

Cenni di Pepo dit Cimabue est un peintre majeur de la pré-Renaissance italienne né vers 1240 à Florence et mort vers 1302 à Pise.

Cimabue assure le renouvellement de la peinture byzantine en rompant avec son formalisme et en introduisant des éléments de l'art gothique, tels que le réalisme des expressions et un certain degré de naturalisme dans la représentation du corps des personnages. De ce point de vue, il peut être considéré comme l'initiateur d'un traitement plus naturaliste des sujets traditionnels, ce qui en fait le précurseur du naturalisme de la Renaissance florentine.

Son influence est immense dans toute l'Italie centrale entre 1270 et 1285 environ. Les deux tiers du livre de Marques consacré au duecento concerne le cimabuisme, l'influence de Cimabue. :

Développée et éclipsée par ses deux disciples Duccio et Giotto, son impulsion réaliste innerve ainsi le cœur de la peinture italienne et plus généralement occidentale.

Notre perception de Cimabue a cependant été faussée pendant des siècles par le portrait qu'en a donné Giorgio Vasari dans sa première Vie, biographie s'inscrivant dans une vision campaniliste à la gloire de Florence (écartant de facto Giunta Pisano) et dont le principal objectif est de servir d'introduction et de faire-valoir à celle de Giotto. Le simple fait qu'il soit dans les Vite a longtemps rendu inacceptable sa formation pisane, les biographies continuant systématiquement à le rattacher à Coppo di Marcovaldo - le florentin le plus illustre le précédant. Et le retrait de la Madone Rucellai du catalogue de Cimabue en 1889 - œuvre clef du dispositif vasarien - a même un temps remis en cause la véracité de son existence.

La ré-évaluation de Cimabue s'est aussi heurtée à une malédiction persistante dont souffre le maigre corpus d’œuvres parvenues jusqu'à nous : la céruse (blanc de plomb) utilisée dans les fresques de la basilique supérieure Saint François d'Assise est, par oxydation, devenue noire, transformant les œuvres en un négatif photographique déroutant voire illisible; le sublime Crucifix de Santa Croce a subi des dommages irréversibles lors de l'inondation de Florence en 1966, et enfin le tremblement de terre de 1997 a fortement endommagé la voûte des quatre évangélistes - la partie jusqu'alors la mieux préservée des fresques de la basilique supérieure François d’Assise Saint François d'Assise, pulvérisant notamment le saint Matthieu.

La connaissance de l'œuvre de Cimabue a cependant bénéficié de la découverte, en 2019, de La Dérision du Christ, appartenant au diptyque de dévotion et venant compléter les deux seuls autres panneaux connus, la Vierge à l'Enfant trônant et entourée de deux anges (National Gallery, Londres) et la Flagellation du Christ (The Frick Collection, New York). La Dérision du Christ est classée trésor national par le ministère de la culture le .

Contexte 

L'essentiel des productions artistiques sont, dans l'Italie du , au service de la religion catholique. Ce sont des commandes de l'Église, et les artistes doivent respecter le contrat sur lequel ils se sont engagés. La nature de l'objet, ses dimensions, la nature et le poids des matériaux mis en œuvre, ainsi que les thèmes qu'il développe y sont précisément définis. Leurs innovations sont donc strictement encadrées sur fond de  dogmes catholiques.

La tradition picturale antique était toujours demeurée vivace en Italie du fait de ses relations avec Byzance ; mais la peinture byzantine avait évolué vers des schémas et une stylisation qui s'écartait de l'esprit des origines antiques. Le prince qui dirigeait le sud de l'Italie, Frédéric II (1194-1250), vivant dans une cour très hétéroclite et apprécié des arabes car le plus vif opposé au pape, avait fait ériger, vers 1230-1260, à Capoue, une porte monumentale sur un modèle antique, ornée de bustes de ses conseillers, d'inspiration antique. Le pape s'imposait aussi à cette époque, non seulement dans le nord de l’Italie, mais se dressait aussi, dans le Sud, contre le pouvoir de Frédéric II. Par contre il attachait la même importance à la tradition antique. Il ordonna la restauration, à Rome, des grands sanctuaires de l’Antiquité tardive des  qu’il confia à Pietro Cavallini, lequel s’est imprégné de compositions d’inspiration antique. Or, en 1272, au début de la carrière de Cimabue, celui-ci a probablement rencontré Cavallini, au cours d’un déplacement à Rome. Nous verrons que le naturalisme qui avait perduré tout au long de l’Antiquité allait, avec Cimabue, renaître d’une nouvelle vie.

À la mort de Frédéric II, en 1250, le pape, successeur de Saint Pierre, héritier de Constantin, prétend alors à la puissance universelle. La vision, quasi impériale, antique, qu’il a de sa place dans le monde aura été à l’opposé de la vie exemplaire de St François. Leur opposition est restée célèbre. Dans cette période de vives tensions entre religion et politique on assiste donc à de puissants mouvements de retour à une spiritualité militante. Les ordres mendiants, qui émergent à cette époque, Dominicains et Franciscains, vont aller au devant du peuple des laïques. L’ordre mendiant des Franciscains est fondé en 1223 peu après la fondation de celui des dominicains en 1216, avec des motivations et des méthodes bien différentes, l’un et l’autre.

Mais, par delà les oppositions, certaines idées sont dans l’air et plus ou moins partagées par tous. Les disciples de François, plus encore que les Dominicains, ont reconnu d’emblée le pouvoir évocateur de l’image : c’est, en effet, alors que François priait devant le crucifix qu’il aurait entendu l’injonction de la voix divine. Dans le même temps, les pratiques rituelles changent.

D’une part la dévotion se fait plus intime. Les dévots sont encouragés à s’absorber dans la lecture de la Vie du Christ au moment où se répandent de nouvelles images dérivées des icônes de la vie des saints. Les franciscains, en rapports avec les byzantins, adoptèrent la formule, avec une grande image du saint, en l’occurrence Saint François, accompagnée des scènes les plus édifiantes. Le format pouvait être encore monumental. Mais en ce qui concerne les panneaux présentant la vie du Christ, ceux-ci pouvaient être bien plus modestes. Ils pouvaient s’adresser à de petites communautés religieuses, voire à une cellule ou encore à une chapelle privée. Il semblerait que Cimabue ait introduit ce type de panneau, dont feraient partie deux fragments, une Flagellation (Frick Collection) et une Vierge à l’Enfant (National Gallery, Londres). Tous deux auraient été peints dans les années 1280.

D’autre part, la célébration de la messe valorise l’image, bien plus qu’avant. L’ancien antependium, placé sur le devant de l’autel est alors remplacé par le tableau dressé derrière. Le rite de l’élévation de l’hostie est célébré face à lui. Ce rite de l’élévation de l’hostie qui s’impose dans la seconde moitié du  participe aussi à la valorisation de l’image « dans la mesure où l’espèce consacrée se trouve ainsi exaltée devant une image qui en extrapole le caractère hautement symbolique ». La portée essentielle de ce retable, éventuellement une Maesta, sera soigneusement fixée dans un programme, défini par les instances religieuses compétentes ; dans le cas de Cimabue ce seront des Franciscains, essentiellement, qui définiront le programme de ses peintures, leur localisation et jusqu’aux matières picturales.

Cimabue et les Franciscains 

Les premières années de Cimabue sont très peu documentées. Un premier crucifix est réalisé probablement dans les années 1260, pour les dominicains à Arezzo. Mais ceux-ci étaient assez réticents à l’égard de l’image. C’est la seule commande exécutée par Cimabue pour les Dominicains que nous connaissions. On sait que le peintre est à Rome en 1272, mais la raison de ce déplacement est obscure. L’essentiel de son œuvre, qui suit cette période initiale, est conservé entre la basilique d’Assise et la basilique Santa Croce de Florence. La basilique Saint-François d'Assise a été l’un des plus grands chantiers de son temps, sinon le plus grand.

La décision de couvrir l’œuvre de saint François par un monument éblouissant et d’un luxe évident a été prise par la papauté. C’était, en quelque sorte, nier le vœu de pauvreté de François. Par contre le choix a été fait de la couleur, dans une architecture gothique dans sa structure, à la manière de France, l’un des premiers jalons de la pénétration du gothique en Italie, sur des modèles angevins et bourguignons et avec de grandes fenêtres à vitraux réalisés par des verriers germaniques. Des recherches publiées en 2013 ont montré que, si les fonds provenaient de Rome, les décisions portant sur les choix iconographiques et décoratifs revenaient aux franciscains d’Assise. Ainsi, pour ce qui concerne ces peintures, les détails des commandes passées à Cimabue sont bien à l’initiative des frères et d’eux seuls.

En général, les églises des ordres mendiants étaient divisées entre l’espace réservé aux frères, à proximité du grand autel, et l’espace réservé aux laïques. Une cloison percée d’ouvertures, ou, au moins, une poutre faisait office de séparation. Le plus souvent, une image de Marie y décorait l’espace des laïques. Des peintures monumentales représentant la Vierge et l’Enfant, ou Maesta, étaient particulièrement populaires. Les frères favorisaient la création de « confraternités » qui se rassemblaient pour chanter des hymnes en priant la Vierge devant ces grandes images. Une Maesta pouvait aussi être l’objet de prières et de chants de la part des frères (Saint François en a composé).

Dans ce contexte la Maesta est devenue un leitmotiv des églises d’Italie à la fin du . Cimabue en peint quatre, dont deux pour les franciscains : la fresque dans l’église basse d’Assise, et le grand panneau originellement pour l’église Saint François, à Pise, actuellement au Louvre. On y décèle l’émergence d’un réalisme « optique » (le point de vue oblique sur le trône, premier essai de perspective dans la théologie du naturalisme de la Pré-Renaissance) ainsi qu’une nouvelle fonction des images de la Madone. Par ailleurs, de telles commandes, de la part des franciscains, montrent l’affinité particulière de François pour Marie. Cette relation était liée à l’église de Santa Maria degli Angeli, de Porziuncola, l’endroit attaché à la fondation de l’Ordre et le lieu des miracles les plus significatifs de la vie de saint François.

Dans l’église basse d’Assise, la Maesta peinte à fresque se situe sur la tombe des cinq premiers compagnons de François, à Santa Maria degli Angeli, là où il a reçu les stigmates. La figure de saint François est à la droite de la madone pour le dévot, c’est aussi la figure la plus proche du grand autel qui est aussi le tombeau du saint. Cette Maesta, avec l’image de François en faisait un centre de dévotion important. Sur la foi d’une légende, de nombreux pèlerins espéraient la rémission de leurs péchés en faisant le pèlerinage. Ils passaient devant la Maesta, déposant leurs offrandes dans l’église basse, après avoir participé à la messe et reçu la communion dans l’église haute, et sur le chemin de leur pèlerinage à Porziuncola. Cette peinture, de très grande importance pour les franciscains, a été repeinte de nombreuses fois et le travail de Cimabue a, en grande partie, été effacé.

Le peintre a eu la mission de créer, pour Assise, une version franciscaine de la Madone sur le trône, pour commémorer les premiers moments de l’Ordre. De telles innovations aidaient les franciscains à se démarquer des autres ordres mendiants. Les églises d’alors contenaient de nombreuses images, des monuments commémoratifs, des tombeaux de saints, d’hommes d’église et de laïques, des tombeaux anciens ou très récents, qui invitaient à faire du présent un constant travail de mémoire tourné vers le passé, la messe en étant l’acte central, en mémoire de la « Dernière Cène ». Les rituels servaient ainsi à générer les souvenirs d’une société, ce que Maurice Halbwachs appelait une « mémoire collective ». Ici, on renouait les liens initiaux entre saint François, la Vierge et l’Enfant.

Les commanditaires, franciscains, étaient motivés par leur foi et les représentations mystiques qui touchaient, en particulier, le domaine de l’image dont ils percevaient la valeur métaphysique. Et c’est pour des motifs relevant d’une mystique de la lumière et avec la conviction que la préparation du blanc de plomb relevait de l’alchimie que Cimabue fit usage du blanc de plomb pour les fresques de l’abside (ce qui a entraîné, ultérieurement l’inversion des valeurs, ce blanc mêlé aux couleurs devenant noir avec le temps). Comme les fenêtres à vitraux étaient en place au moment de la mise en place des fresques, Cimabue a pu réaliser l’effet de cette lumière colorée mouvante, au fil de la journée. La théologie de la lumière dans l’espace avait été l’élément fondateur de l’architecture gothique, avec la pensée de Suger lorsqu’il avait conçu les tout premiers vitraux de l’histoire, à l’abbaye de Saint Denis, près de Paris . Ainsi la dominante de sa palette à base de ce blanc de plomb allait d’autant plus briller que ce blanc était censé être plus « lumineux » que les autres. Le résultat actuel est tout à fait surprenant.

Le peintre et ses commanditaires franciscains se sont ainsi engagés dans des idées, purement intellectuelles et théologiques, qui portaient sur les matériaux et les matières picturales, la mémoire, la beauté et l’expérience, créant avec tout cela des œuvres novatrices qui célébraient l’Ordre et rendaient possibles de nouveaux types de dévotion chrétienne.

C’est aussi ce que l’on peut constater si l’on s’étonne de l’aspect « transparent » du périzonium, le voile qui enveloppe le bas du corps du Christ crucifié, tel qu’il est peint par Cimabue dans la basilique Santa Croce de Florence. Cette église, les franciscains l’ont reconstruite probablement ou moment de la commande de la croix en question, dans les années 1280, après que les dominicains aient construit de leur côté l’impressionnante Santa Maria Novella en 1279. Après une autre rénovation, achevée en 1295, la croix était probablement en place . Pour les franciscains, la quasi-nudité du Christ est l’emblème de sa pauvreté. Mais cette nudité est aussi intimement liée à la sainteté de François, dans sa proximité avec le Christ. Dans un geste resté fameux, François, fils de drapier, s’était dépouillé de son vêtement pour un mendiant, en signe de renonciation à la vie mondaine. Saint Bonaventure, héritier direct de la pensée de François, rappelle qu’« en toute circonstance il voulait sans aucune hésitation être conforme au Christ crucifié, suspendu à sa croix, souffrant et nu. Nu, il s’était trainé devant l’évêque au début de sa conversion, et pour cette raison, à la fin de sa vie, il a voulu quitter ce monde nu ». Les franciscains attachaient la plus grande importance à cet acte symbolique. Un acte, donc, hautement significatif que cette peinture de périzonium transparent.

Toujours en étudiant le Christ en croix de Santa Croce, si on le compare avec des peintures exécutées auparavant ou à la même époque, tous les spécialistes ont relevé les mêmes innovations évidentes. Ainsi les membres du corps, aux articulations, ne sont plus indiquées par des traits de séparation – ce qui se pratiquait dans la peinture byzantine - mais par des muscles tendus, bien identifiables quoique représentés dans leur volume avec douceur. C’est avec le même souci de naturalisme que le volume de l’abdomen est rendu par les muscles apparents d’un corps amaigri. La chair de l’abdomen, elle-même, est traitée avec de très subtils passages dans le modelé, quand la tradition se contentait de quelques ruptures nettes. Le Christ de Florence est donc de beaucoup plus naturel que tous ceux qui l’avaient précédé et même, bien plus que le Christ d’Arezzo, qu’il avait peint au début de sa carrière, pour les dominicains. Ici, dans cette église franciscaine, le naturalisme avec lequel est représenté le corps du Christ met l’accent sur le fait que c’est en tant qu’homme qu’il est crucifié. Avoir mis l’accent sur ce signe est en parfait accord avec la théologie de l’Incarnation. Les franciscains y attachaient la plus haute importance pour comprendre et faire l’expérience de Dieu.

Biographie

Les documents 

Bien qu’il s’agisse d’un des peintres les plus importants de la peinture occidentale, Cimabue n’échappe pas au sort de nombreux artistes du duecento () pour lesquels nous n’avons que très peu d'informations documentées. De plus nous n’avons qu’un seul document concernant le jeune Cimabue (daté de 1272), tous les autres documents précèdent de quelques mois seulement sa mort (de  à ).

Cimabue comparaît à Rome, en tant que témoin d'un acte notarié, relatant l’adoption de la règle augustinienne par les moniales de l’ordre de Saint-Pierre Damien (franciscain) qui avaient fui l’Empire Byzantin (). Parmi les nombreux témoins (), seuls sept sont nommés : cinq religieux (le dominicain fra Rainaldo, évêque de Marsica et qui en 1273 sera élu évêque de Messine ; Pietro, chanoine de Santa Maria Maggiore, membre de la grande famille romaine des Paparoni ; fra Gualtiero da Augusta, un autre dominicain ; Gentile et Paolo, chanoines de l’église San Martino ai Monti et Armano, prêtre de San Pietro in Clavaro) et seulement deux laïcs : Jacopo di Giovanni, de la célèbre famille romaine del Sasso et enfin Cimabue (). Mais surtout deux personnalités prestigieuses sont présentes, en tant que protecteurs des moniales : le dominicain fra , tout juste nommé patriarche latin de Jérusalem (1272-1277), envoyé personnel du pape Grégoire X (1272-1276) et le cardinal Ottobuono Fieschi, neveu du pape Innocent IV (1243-1254) et futur pape sous le nom d'Adrien V (1276).

Ce document montre ainsi Cimabue – vraisemblablement âgé d'une trentaine d'années pour pouvoir témoigner – considéré comme une personne de qualité, au milieu de hautes personnalités religieuses, notamment dominicaines, ordre pour lequel il avait déjà réalisé le grand Crucifix d'Arezzo.

Il s'agit de la commande d'un polyptyque muni d'une prédelle par l’Hôpital Santa Chiara de Pise à Cimabue () et  : .

Une série de 21 documents échelonnés entre le  et le 
évoque les rémunérations des journées de Cimabue () travaillant sur la mosaïque absidiale du dôme de Pise.

Le dernier document - celui du  - indique que Cimabue a réalisé le saint Jean (), qui est ainsi l’unique œuvre de Cimabue documentée.

Dans un document cité par Davidsohn en 1927 mais non retrouvé, il est mention des héritiers de Cimabue ().

La Société des Piovuti reçoit une nappe anciennement propriété de Cimabue. Cimabue, n'étant pas pisan, il semble peu probable qu'il ait été membre de la Compagnia dei Piovuti, réservée aux citoyens pisans (peut-être le propriétaire de son logement).

En résumé, nous n'avons donc que très peu d’informations documentées concernant la vie de Cimabue: il est né à Florence, était présent à Rome le ; il œuvra à Pise en 1301 et 1302, exécutant le Saint Jean et il est mort en 1302.

Tous les autres éléments biographiques découlent soit des textes anciens - tous posthumes - soit de l'étude de son œuvre.

Date de naissance 
La majorité des historiens d'art la situent vers 1240 pour entre autres les raisons suivantes :
 sa présence en tant que personne de qualité lors de l’établissement de l’acte notarié du 
 la maîtrise nécessaire à l'exécution du Crucifix d'Arezzo que l’on date vers 1265-1270, qui n’est certainement pas l’œuvre d’un apprenti,
 c'est la date avancée par Giorgio Vasari dans ses Vite (même s'il fixe de manière erronée celle de sa mort à 1300).

Dénomination 
Son vrai nom Cenni di Pepo (forme ancienne de « Benvenuti di Giuseppe ») ne nous est connu que par le document du  (la commande du polyptyque Santa Chiara de Pise).

Le prénom Giovanni ne figure sur aucun document historique : il semblerait donc que cela soit une erreur tardive () de Filippo Villani, malheureusement rapidement propagée par l'Anonyme Magliabechiano et surtout les Vite de Vasari. Il sera utilisé jusqu'en 1878 !

Partout ailleurs c’est son surnom « Cimabue » qui est utilisé et qui passera à la postérité.
Deux interprétations de ce surnom prédominent, suivant que l’on considère « cima » comme substantif ou comme verbe.
Comme substantif ('sommet' ou 'tête'), Cimabue pourrait alors être compris comme « tête de bœuf », surnom qualifiant généralement une personne obstinée, têtue. Pour un autre exemple, on pourrait citer le surnom de Volterrano : Cima de buoi.
Comme verbe (cimare : au propre 'couper, écimer' ; au figuré : 'écorner, railler'), Cimabue signifierait un homme fier, méprisant. Cette deuxième acception semble être confirmée par les études étymologiques, par la citation de Dante au chant XI du Purgatoire, chant consacré aux orgueilleux, et surtout par le commentaire de lOttimo Commento, ouvrage daté de 1330, commentaire écrit donc quelque temps après la mort de l’artiste et qui pourrait fort bien rapporter une tradition populaire encore vivante :

Ce texte fut repris entre autres par Giorgio Vasari, qui lui assura une large diffusion. Il montre à la fois un homme fier, orgueilleux, de fort caractère, mais surtout extrêmement exigeant envers lui-même et son art, notamment dédaigneux des considérations matérielles. Cette attitude qui nous parait extrêmement moderne, est étonnante pour un artiste du , où le peintre est avant tout un humble artisan, travaillant au sein d’un atelier, encore bien souvent de manière anonyme. Aussi Cimabue préfigure la révolution du statut de l’artiste, généralement située à la Renaissance. Ceci, et le fait que Cimabue est florentin expliquent que la biographie de Cimabue ouvre le célèbre ouvrage des Vite de Vasari, cet ensemble de biographies à la gloire de Florence qui mène à celle de Michel-Ange, figure de l’artiste créateur par excellence.

 Liste des œuvres 
 Œuvres attribuées de manière quasi unanime aujourd'hui 
 Crucifix
 Crucifix d'Arezzo (vers 1265-70), tempera et or sur panneau, , Arezzo, église San Domenico ()
 Crucifix de Santa Croce (vers 1275), tempera et or sur panneau, , Florence, Basilique Santa Croce ()

Baptistère Saint-Jean de Florence

 Maestà
 La Vierge et l'Enfant en majesté entourés de six anges (vers 1280), tempera et or sur bois, , Paris, Musée du Louvre (inv. 254) ()
 Maestà di Santa Trinita (vers 1280), tempera et or sur bois, , Florence, Galerie des Offices
 Maestà de Santa Maria dei Servi (vers 1280-1290), tempera et or sur panneau, , Bologne, Basilique de Santa Maria dei Servi ()

 Diptyque de dévotion (vers 1280)
Diptyque de  composé de huit panneaux représentant des scènes de la Passion du Christ dont seuls quatre panneaux du volet gauche sont connus :
 La Flagellation du Christ, tempera et or sur peuplier, , New York, The Frick Collection (inv. 50.1.159) (), bas droit ;
 La Vierge à l'Enfant trônant et entourée de deux anges, tempera et or sur peuplier, , Londres, National Gallery (inv. NG 6583), haut gauche ;
 Le Baiser de Judas (perdu), haut droit ;
 La Dérision du Christ, peinture à l'œuf et fond d'or sur panneau de peuplier , acquis par la collection Alana (Newark (Delaware)) le  et classé trésor national le  est interdit de sortie du territoire français durant trente mois.

 Fresques dans la Basilique Saint-François d'Assise (entre 1278 et 1292). ()
 Église inférieure - transept droit : Madone avec Saint François ()

 Église supérieure - voûte des Quatre évangélistes ()

 Église supérieure - transept gauche - Scènes de l'Apocalypse ()
 Crucifixion Christ en gloire Vision du trône et livre des sept sceaux Vision des anges aux quatre coins de la terre Christ de l'Apocalypse Chute de Babylone Vision de Saint Jean à Patmos Saint Michel et le dragon Anges en pied Église supérieure - abside - Histoire de la Vierge ()
 Annonce à Joachim et son offrande Vierge entre deux anges La nativité et Mariage de la vierge Vierge à l'enfant La Mort de la Vierge Dormition de la Vierge Ascension de la Vierge Le Christ et la Vierge en gloire Saints en buste Église supérieure - transept droit - Histoire de Saint Pierre et Saint Paul ()
 Crucifixion Saint Pierre guérissant le boiteux Saint Pierre soulageant les malades et libérant les possédés Chute de Simon le magicien Crucifixion de Saint Pierre Décapitation de Saint Paul Anges Cathédrale de Pise
 Saint Jean, mosaïque de l'abside de la Cathédrale Notre-Dame-de-l'Assomption de Pise (1301-1302). ()

 Œuvres dont l'attribution reste controversée 
 Saint-François, tempera sur bois, , Assise, Basilique Sainte-Marie-des-Anges
 Maestà avec saint François et saint Dominique, tempera et or sur panneau, , Florence, collection Contini Bonacossi ()
 Saints Abbondio et Crisanto, Gubbio, pinacothèque municipale
 Madone de Castelfiorentino, tempera et or sur panneau, , Castefiorentino, Museo di Santa Verdiana

 Œuvres anciennement attribuées 
Madones
  / Vierge à l’Enfant avec les saints Jean Baptiste et Pierre et deux anges, tempera et or sur panneau, , Washington, National Gallery of Art
 Vierge à l'Enfant, tempera et or sur panneau, , Stia,  (Maître de Varlungo)
 Vierge à l’Enfant, tempera et or sur panneau, ,  à Careggi (Florence) (attribuée à Meliore ou au Maître de Bagnano).
 Vierge à l’Enfant avec deux anges, tempera et or sur panneau, , Mosciano (Scandicci, Florence), église Sant’Andrea (aujourd'hui attribuée à Vigoroso da Siena ou à Manfredino da Pistoia)
 Madone de San Remigio, tempera et or sur panneau, , Florence, San Remigio (Maître de San Remigio, Maître de la Madeleine, ou encore Gaddo Gaddi)
 Madonna Gualino, tempera et or sur panneau, , Turin, galerie Sabauda (attribuée à Duccio)
 Madone Rucellai attribuée sur la base des Vite de Vasari à Cimabue jusqu'en 1889, date à laquelle F. Wickhoff, la rattache de manière décisive à un document bien connu de 1285 dans lequel la compagnie des Laudesi commandait à Duccio le tableau pour Santa Maria Novella.
 Madone de Buonconvento, tempera et or sur panneau, , Buonconvento (Sienne), Museo d'arte sacra della Val d'Arbia (attribuée à Duccio)
 Madone de Crevole, tempera et or sur panneau, , Sienne, Museo dell'Opera della Metropolitana (attribuée à Duccio)

Crucifix
 Croix peinte sur les deux faces, tempera et or sur panneau, , Cologne, Wallraf-Richartz Museum (auj. attribué au Maître des Crucifix bleus/Maître des Croix Franciscaines)
 Crucifix (Odescalchi), Tempera sur panneau, , Rome (autrefois à), collection Odescalchi (attribué à Duccio)
 Croix, tempera et or sur panneau, , Florence, Palazzo vecchio, collection Loeser (Maître de la Madone de San Remigio)
 Croix, tempera et or sur panneau, , Paterno (Bagno a Ripoli, Florence), église Santo Stefano (Maître de la Madone de San Remigio)

Polyptyques
 Les , tempera et or sur bois.
 Nativité, , Florence, Fondation Longhi
 Dernière Cène, , New Orleans, New Orleans Museum of Art
 Capture du Christ, , Portland, Portland Art Museum
 Crucifixion, , Barcelone, Monastère de Pedralbes
 Jugement Dernier, , Milan, collection Bagnarelli

 Polyptyque Artaud de Montor (aujourd'hui attribué à Grifo di Tancredi)

Fresques 
 Les fresques de la , date incertaine, Florence, Basilique de Santa Croce ; attribution incertaine, au point d'avoir défini un Maître de Velluti anonyme.

 Les fresques de la chapelle du Saint-Sacrement, Florence, Basilique Santa Maria Novella (Christ sur un trône entre deux anges et Saint Grégoire (ou Zanobi) en chaire entre deux diacres) aujourd'hui restituées à Duccio.

Autres 
 Enfin la rosace du dôme de Sienne - œuvre fondamentale de Duccio, révélée par les études d’Enzo Carli (1946) - que seuls John White (1966) et en partie Ennio Sindona (1975, p. 117-118) ont attribuée à Cimabue.

 Les œuvres récemment découvertes ou réapparues sur le marché de l'art 
Un panneau de Cimabue, "La dérision du Christ", a été adjugé à 24,18 millions d’euros le 27 octobre 2019 à Senlis, record mondial pour un panneau de cet artiste. Ce tableau avait refait surface dans une collection privée près de Compiègne, échappant de peu à la déchetterie. Il devient aussi le tableau primitif le plus cher vendu aux enchères.

En , le gouvernement annonce que le tableau est déclaré "trésor national", et de ce fait interdit de sortie du territoire .

 Influence 
L'influence de Cimabue fut majeure pendant le dernier tiers du , notamment en Toscane.

À Florence tout d'abord, son influence est visible sur les peintres en activité : Meliore (même avant son devant d’autel de 1271, aujourd’hui aux Offices), le jeune Maître de la Madeleine et ses élèves Corso di Buono et le remarquable Grifo di Tancredi; mais aussi Coppo di Marcovaldo (cf. Madone de l’église Santa Maria Maggiore à Florence) et son fils Salerno di Coppo. Parmi les continuateurs anonymes, très proches du maître, on peut citer : le Maître de la Madone San Remigio, le , le Maître de la chapelle Velutti, le Maître du crucifix Corsi, le Maître de la Croix de San Miniato al Monte... Enfin il y a évidemment Giotto.

À Sienne, il influence tous les grands peintres siennois Dietisalvi di Speme, Guido da Siena, Guido di Graziano, mais aussi Vigoroso da Siena et Rinaldo da Siena, et bien entendu Duccio.

À Pise, l'influence de Cimabue est plus limitée du fait du rayonnement du Maître de Saint-Martin/Ugolino di Nerio, qui domine le troisième quart du . On peut cependant citer le lucquois Deodato Orlandi et le tardif Maître de San Torpè.

En Ombrie, les fresques de Cimabue n'ont pas eu de réelles influences sur la peinture locale - même si sur le chantier d'Assise elle est notable sur le Maître de la capture du Christ et le Maître de la montée au Calvaire. Ce constat s'explique du fait de maîtres locaux importants (citons le Maître de Saint-François et le Maître de Sainte-Claire/Maître de Domina Benedicta) et surtout par la révolution giottesque qui a suivi de peu. Dans le domaine de l'enluminure, on ne peut oublier le Maître des missels de Deruta-Salerno. L'influence à Orvieto est indirecte, liée à la présence de Coppo di Marcovaldo et de son fils Salerno.

À Rome, les fresques du Maître de Sancta Sanctorum, le principal auteur de la décoration de l'oratoire de Sancta Sanctorum (vers 1278 et 1280) montrent de nombreuses et très fortes similitudes avec les fresques d'Assise de Cimabue. L'influence de Cimabue est aussi visible sur Jacopo Torriti mais bien moindre. On peut aussi citer l'auteur du grand Crucifix peint (vers 1275-80) de la Walters Art Gallery (Baltimore). Enfin, les fresques dégradées du prétendu temple de Romulus de l'église Santi Cosma e Damiano - peut-être dues au Maître de Sancta Sanctorum sont clairement cimabuesques.

Enfin par l'intermédiaire de Manfredino di Alberto la leçon de Cimabue s'étend jusqu'à Gênes et Pistoia.

 Fortune littéraire - textes anciens 
Notre connaissance de Cimabue ne peut faire abstraction de deux textes, presque systématiquement cités à la moindre évocation de Cimabue : les vers du Purgatoire de Dante et la biographie des Vite de Vasari.

 Dante (1315) 
Dante (1265-1321) témoin oculaire de Cimabue, l’évoque dans un célèbre passage (XI, 79-102) du Purgatoire, le deuxième volet de la Divine Comédie, lors du passage de Dante et Virgile sur la première corniche ou premier cercle, celui où souffrent les orgueilleux. L’un d’entre eux reconnaît Dante et l’appelle, Dante répond :

Il faut expliquer ici la profonde symbolique des lieux : celle du purgatoire et plus précisément celle de la corniche des orgueilleux.

 Le purgatoire

Le Purgatoire a été officiellement reconnu par l’Église chrétienne en 1274, lors du deuxième concile de Lyon. Jusque-là, les royaumes de l'au-delà étaient officiellement deux : Enfer et Paradis. Ce « troisième lieu » intermédiaire où l’on purge ses péchés véniels, fait ainsi passer le dogme d'un schéma binaire (bien/mal, enfer/paradis) à une structure ternaire (bien et mal pris dans la logique dialectique d'une nouvelle répartition des âmes entre Enfer, Purgatoire et Paradis).

Avec la Divine Comédie, écrite juste quelques décennies plus tard, cette idée neuve du Purgatoire acquiert pour la première fois une représentation majestueuse, un espace total,  (J. Risset). Cette montagne est constituée de sept cercles ou corniches dont la circonférence diminue en allant vers le sommet, correspondant aux sept péchés capitaux, dans l'ordre : l'orgueil, l'envie, la colère, la paresse, l'avarice, la gourmandise et la luxure. Dante et son guide Virgile vont parcourir ces sept corniches, se purifiant, s'élevant au double sens physique et spirituel. Le Purgatoire est ainsi  (J. Risset), lieu intermédiaire  (J. Risset).

 La corniche des orgueilleux - la corniche des artistes

Ainsi la première corniche - celle des orgueilleux - est presque par défaut celle des artistes, et Dante lui-même, le voyageur Dante . Il convient donc de relativiser quelque peu l'affirmation selon laquelle seul l'orgueil de Cimabue expliquerait son évocation sur la corniche des orgueilleux.

Enfin un mot sur l’hypothèse de Douglas – selon laquelle Dante placerait Cimabue dans une position aussi prestigieuse pour exalter un concitoyen florentin, elle est contredite par les autres artistes évoqués, Dante opposant à un miniaturiste ombrien (Oderisi da Gubbio) un Bolonais (), et à un poète Émilien (Guido Guinizelli) un Florentin (Guido Cavalcanti).

 Commentaires de la Divine Comédie (1323-1379) 
Parmi les sources littéraires du Trecento se trouvent les commentaires de La Divine Comédie qui commentent les vers ci-dessus, notamment ceux de :
 Jacopo della Lana (1323-1328)
 l'auteur anonyme de l'''Ottimo Commento (1334)
 Pietro Alighieri (vers 1340)
 l'anonyme florentin (1300-50)
 Benvenuti da Imola (1376-79)

L’Ottimo Commento (1334)
On désigne par ce nom de convention un des plus importants commentaires datant du trecento de la Divine Comédie de Dante Alighieri, dont on possède jusqu'à 34 manuscrits :

Ottimo Commento della Divina Commedia - , repris in [Benkard 1917] et [Battisti 1967].

Ce texte fut presque intégralement repris par Vasari dans sa vie de Cimabue.

 Alamanno Rinuccini (1473) 
Dans une lettre (XXXII) de 1473 pour Bellosi, 1474 pour Battisti, dédiant au duc d’Urbino Frédéric de Montefeltre (federicum feretranum urbini) sa traduction en latin de la Vie d'Apollonios de Tyane de Philostrate, Alamanno Rinuccini (1426-1499) cite Cimabue, aux côtés de Giotto et de Taddeo Gaddi, parmi les génies qui illustrèrent les arts avant les peintres du Quattrocento (et parmi eux Masaccio, Domenico Veneziano, Filippo Lippi et Fra Angelico) :

 Cristoforo Landino (1481) 
Cristoforo Landino (1425-1498), dans la préface à son édition de la Divine Comédie de 1481, présentant les Florentins remarquables en peinture et en sculpture, commence précisément par Ioanni Cimabue :
.
.

Dans ce passage, Landino, responsable de la première édition révisée de lHistoire naturelle de Pline l'Ancien en 1469 et de sa traduction italienne en 1470, semble pasticher la biographie du célèbre peintre grec Parrhasios :
.

 Giorgio Vasari (1550/1568) 
La biographie de Cimabue constitue la première des Vite de Giorgio Vasari (1511-1574).

 Le frontispice 

Il n’existe aucun portrait connu de Cimabue. Vasari s’est semble-t-il inspiré d’une figure de la fresque intitulée Triomphe de l'Église militante réalisée vers 1365 ! par Andrea di Bonaiuto à la chapelle des Espagnols, Santa Maria Novella, Florence.

 Les œuvres citées 
Si on se réfère à la fois aux deux éditions des Vite (celle de 1550 et celle de 1568), Vasari attribue en tout quinze œuvres à Cimabue.

Cinq d’entre elles n’existent plus :
 Fresques de l'Hôpital del Porcellana Ognissanti (Annonciation, Jésus Christ en compagnie de Cléophas et de Luc), Florence
 Sainte Agnès, Église San Paolo in Ripa d’Arno, Pise
 Histoire de la vie du Christ, fresques du Cloître Santo Spirito à Florence
 ouvrages à Empoli
 Christ en croix, cloître de l'église San Francesco, Pise

Parmi les œuvres évoquées et qui nous sont parvenues, quatre seulement sont considérées comme de Cimabue :
 la Madone de Santa Trinita, aujourd’hui aux Offices
 la Croix de Santa Croce
 la Madone de l'église San Francesco à Pise (aujourd’hui au Louvre)
 les fresques de la basilique d’Assise: dans la seconde édition (1568), à la suite d'un voyage à Assise en 1563, Vasari ajoute aux quatre Histoires de Marie (dans l’abside de la basilique supérieure), la voûte des Evangélistes et la quatrième voûte de la nef (qui reviennent bien à Cimabue), mais également les trois autres voûtes de la nef et les Histoires de l’Ancien et du Nouveau Testament, sur les registres supérieurs de la même nef, qui sont en réalité l’œuvre de Jacopo Torriti et de sa boutique, de quelques suiveurs de Cimabue et du Maître d’Isaac.

Les six dernières œuvres évoquées ne sont plus aujourd'hui attribuées à Cimabue :
 le Retable de Sainte-Cecile, aujourd’hui aux Offices, œuvre considérée depuis longtemps comme étant du Maître de Sainte-Cécile
 la Madone de Santa Croce, maintenant à la National Gallery de Londres, aujourd'hui attribuée au Maître des Albertini
 le Saint François et vingt épisodes de sa vie, aujourd’hui dans la chapelle Bardi de Basilique Santa Croce à Florence : œuvre certainement antérieure à l’époque de Cimabue. Aujourd’hui on penche plutôt pour une attribution au jeune Coppo di Marcovaldo. (Bellosi)
 le retable avec Saint François et les Histoires de sa vie, de l’église San Francesco à Pise : une œuvre antérieure à l’époque de Cimabue et que Boskovits et Bellosi attribuent à Giunta Pisano
 la Madone Rucellai, que Vasari présente comme le . Vasari associe ce tableau à deux anecdotes : la  qui accompagna le tableau jusqu’à l’église, dans une ambiance de fête, et la visite de Charles d’Anjou à la boutique de Cimabue. Cette visite aurait suscité dans tout le voisinage un accueil si chaleureux que la rue où se trouvait la boutique fut depuis ce jour appelée borgo Allegri (faubourg des joyeux). Nous savons aujourd’hui que la Madone Rucellai fut commandée à Duccio di Buoninsegna en 1285.
  : le Rédempteur sur un trône et quelques scènes de La Vie de Marie et du Christ'' aujourd'hui généralement attribués à Vigoroso da Siena.

Quant à la collaboration avec Arnolfo di Cambio à la construction du dôme de Florence, aucun texte ni étude n'a confirmé l'assertion de Vasari. Plus généralement l'activité de Cimabue en tant qu'architecte n'est pas documentée. Il y a peut-être une volonté rhétorique de Vasari d'annoncer l'activité de Giotto architecte.

Bibliographie

Bibliographie essentielle 
Les monographies sur Cimabue les plus connues sont celles de :
 Josef Strzygowski (1862-1941) : 
 Alfred Nicholson (1898-19??) : 
 Carlo Ludovico Ragghianti (1910-1987) : 
 Eugenio Battisti (1924-1989) : 
 Ennio Sindona : 
 Luciano Bellosi (1936-2011) : , incontournable

Auxquelles il faut ajouter les études sur le duecento de
 Pietro Toesca (1877-1962) : 
 Roberto Longhi (1890-1970) : 
 Luis C. Marques (1952-) :

Bibliographie détaillée 
(par ordre chronologique de parution)

La bibliographie ci-dessous (non exhaustive) s’appuie principalement sur celles fournies par ,  et .

1315
 
 édition moderne et traduction française : 
1473
 
1540 environ
 
 édition moderne : 
1568
 
 traductions françaises :
 édition Leclanché (1839-42) : .
 édition Chastel (1981-85) : 
1795
  
1878
  
1888
  
1896
 
1903
 
1917
 
1927
 
 
1932
 
1948
 
1955
 
1963
 
 traduction française : 
 traduction anglaise et complétée :  
1964
 
1965
 
1975
 
1976
 
1977
 
 
 
 
 
1978
 
 
 
1979
 
1980
 
 
1981
 
 
 
  repris in 
1982
 
 
1983
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
1985
 
 
 
1986
 
 
 
 
 
 
 
 
 
1987
 
1988
 
 traduction française:  
1989
 
 
 trad. fr :  
1990
 
 
 
1991
 
 
 
1992
 
 
 
1993
 
 
 
 
 
1994
 
 
 
 
 
 
 
1995
 
 
 
 
 
 
1996
 
 
 
 
1997
 
 
1998
 
 traduction anglaise: 
 traduction française :  
1999
 
2000
  repris in 
 
2001
 
 
2002
 
2003
 
 
2004
 
 
 
2005
 
 
 
 
 
 
2006
 
 
2011
  
2015
 
 
  
2018

Notes

Références

Voir aussi

Hommages 
 (11578) Cimabue, astéroïde.

Bibliographie générale

Articles connexes 
 Giunta Pisano
 Maître de San Martino
 Giotto di Bondone
 Duccio di Buoninsegna
 École napolitaine de peinture

Liens externes

Bases de données et dictionnaires 

 
Peintre italien du XIIIe siècle
Peintre italien de la pré-Renaissance
Peintre d'art sacré
Peintre fresquiste
Peintre de l'école florentine
Peintre cité par Vasari dans Le Vite
Personnage cité dans la Divine Comédie (Purgatoire)
Personnalité liée à Assise
Date de naissance incertaine (XIIIe siècle)
Naissance à Florence
Décès en 1302
Décès à Pise
Éponyme d'un objet céleste