我从绘画角度上来浅聊一些。
首先,题主提出了一个观点,当下的主流审美是逐渐西化的。顺着这点来说,从绘画审美角度上来说,中国绘画审美西化的主要特征就是具备了“透视”。这个概念完全出自西方绘画,要想理解清楚的话,可先看下图:
想象一下,你正面的空间里有上中下三个立方体等距排列,中间那个正对你的立方体,较近的那条竖边在视觉上会比较远的那条竖边更长,上下两条横边则会以一定角度向中间倾斜,而将这两条边延长的话,最终会汇聚一点,而这个空间中其它立方体的横边如果同样延长的话,也将会交汇在同一个点,这就是所谓近大远小的“定点透视”。
透视确实符合人类所观察到的真实世界,比如下图这张照片,将建筑物的上下边界线延伸的话,也一定能找到画面的透视点:
西方绘画正是使用了这种透视画法,才在画面上更具备空间感,让人有“立体”的感觉:
而中国的绘画,也要表现近景和远景,但是表现的手法则完全不一样,一般是将画面中的由近及远的景物,按照由下至上的顺序来排列,打个比方,大家都知道的清明上河图:
画面下方的人物和建筑,按照空间上来说应该更近一些,但从画面上的大小并没有明显区别,整本画卷的其它景物的大小也是这样比较均衡分布的。
当然肯定会有人好奇,单个建筑会不会有自己的透视呢?
我们可以试着把上图中屋顶的四个点连接起来,看的出来是一个比较标准的平行四边形,上和下及左和右两条线的长度基本一致,角度上也基本平行,并没有近大远小的特征,自然也就不具备透视规律了。
同理可见旁边的马车,下面的屋檐
回到一开始绘画审美西化的问题,类似下图这种画,虽然题材和材料甚至手法上都是中国的,但是审美上就非常西方了:
对于一般观众来说,可能会觉得这是“国画”的感觉更多一些
其次,西方传统绘画在画面氛围上更注重“光”的表达,通过光线的深浅变化,来制造视觉上的焦点和表现物体的“质感”,比如这种静物:
中间亮,周围暗,光感非常的强烈,使人的焦点不自觉的集中在中间质感非常完美的花朵上,而周边暗掉的树叶则可做一些虚化处理,减少很多笔墨,也能达到虚实结合的画面效果。
而同样是画花的题材,可以看一下李嵩的《花篮图》:
可以看到,中国传统绘画,并不注重光线的运用,整体上色彩拼接的感觉很明显,呈现“平面化”的视觉效果,手法上画面中心和周边都比较均衡,古代画家们对塑造物体的质感没那么重视,反而更在意“笔”的意味。
乍看之下,可能中国的绘画会略显“简单”,有幸看过原画的朋友也许能感受到,画中每一根线条都流畅舒展,精炼到位,起笔落笔运笔都非常重要,因为工笔不同油画,不能反复涂改,可以说是坏一处则毁全局。
这种对“笔”的极致运用,就是中国传统绘画最重要的审美观念之一。
从某种角度来说,中国古典绘画要比西方古典绘画在审美观念上更加当代一些,打个不那么恰当的比喻,就和iOS系统的设计思路从“拟物化”走向“扁平化”是差不多的道理。
除开以上两点,中国古典绘画和西方古典绘画都具备“叙事”的需求,也就是说以人物为主要对象的题材,往往都要讲述一个故事。
西方在这方面的做法,往往就是在一个画面里通过构图和气氛的渲染,来传达具体的情节,比如:
《庞贝的末日》
是不是有种看电影剧照的感觉?光线和人物的表现,都仿佛投入在一场巨大的事件中。
而中国绘画,就用长轴的形式来表现,每一个区域都是一个单独的故事场景,按照一定顺序连在一起观看,会是一个完整的故事,比如《韩熙载夜宴图》:
韩熙载先是大宴宾客,又击鼓助舞,接着和别人一起赏乐,几个不同的场景能组合成一个完整的故事,说的通俗点,有点像现在连载的漫画,会有好几个章节 。
中国传统绘画的审美特征是有很多的,我不是这个专业方向的只能简单聊聊,当是抛砖引玉了,想到什么我会再来补充~